Macksen Luiz: Abril 2011
Postado por Macksen Luis às 17:43
Postado por Macksen Luis às 08:36
Evita em tentativa de versão mais documental
Crítica/ Evita
Mais um êxito da "máquina" de Tim Rice e Andrew Lloyd Webber, Evita circula pelos palcos mundiais desde 1976, e pode ser considerado um "clássico" na categoria. A música de Lloyd Webber, bem ao estilo do compositor, e as letras de Rice, fundamentais para contar a história da atriz e primeira-dama argentina Eva Perón sob a forma operística, se sustentam, mesmo depois de tanto tempo e da versão cinematográfica com Madonna. Rever Evita não deixa de provocar a sensação de deja vu, menos pelo natural desgaste que os musicais sofrem em sucessivas montagens e por transposições para as telas, mais pelo repetidas encenações que somente reproduzem a versão original. A atual, no Teatro Alfa na capital paulista, se desvia deste rumo, insuflando algum vigor ao peso dos anos e à obrigação da cópia. Não que haja grandes novidades nesta montagem de Jorge Takla, mas registre-se o empenho em se libertar da fôrma e procurar caminho próprio. A começar pela cenografia, que utiliza paredes brancas, com pequenas portas, que servem de "telas" para projeção de imagens de época. Sem outro impacto visual, a não ser o da exibição, o cenário condiciona o caráter documental que o musical assume nesta transcrição nacional. As imagens são ilustrativas da capacidade de mobilização que Evita conseguiu junto a uma nação, mostrando-a desde seus tempos de atriz medíocre até as manifestações populares em seu funeral. Desta forma, perde-se um tanto da féerie que cerca a maioria dos musicais, apostando-se mais na ópera, mantendo-se o glamour apenas nos figurinos. Não foi por acaso que se ouviram de espectadoras, à saída, comentários sobre a falta de charme de Evita. É o preço que se paga para dar um cunho menos servil ao gênero e às franquias. O público (ao que parece, majoritariamente, maduro) tem reagido com aplausos discretos às árias e duetos mais populares (Não chores por mim, Argentina não levanta a platéia). A versão de Cláudio Botelho é fluente, mas não tão brilhante como esse tradutor de letras de musicais tem nos acostumando. A coreografia de Tânia Nardini é burocrática, já a direção musical de Vânia Pajares projeta com habilidade o cancionismo das músicas de Weber. O elenco corresponde às exigências técnicas, demonstrando ser composto por melhores cantores do que atores.
Crítica/ Mamma Mia
Cópia fiel de modelo vendável
Apesar de ser um musical de segunda linha, Mamma Mia é indiscutível sucesso de público no circuito internacional do gênero. Se o West End londrino e a Broadway ratificaram esse roteiro baseado em filme da década de 60 com Gina Lollobrigida, com música do grupo sueco ABBA, e que teve sua franquia vendida com facilidade para o resto do ano, logo depois de sua estréia em 1999, não há muito que considerar, agora que está em cartaz no Teatro Abril, em São Paulo. O filme recente baseado no musical, com a múltipla Merryl Streep colaborou para que Mamma Mia se popularizasse ainda mais, o que não atenua a constatação de suas modestas qualidades. A começar pela historieta da mocinha que convida três ex-namorados de sua mãe para seu casamento na ilha grega onde vivem, para que descubra qual deles é o seu verdadeiro pai. Embalada pela trilha dos suecos, com pelo menos dois hits (há quem goste), e pela descoberta do que se sabe de início, a trama inclui outras personagens, como a dupla caricata de amigas da mãe, e os amiguinhos da noiva. Pueril, melosamente romântica, chavão narrativo, canções inexpressivas, excessivamente longa, Mamma Mia é um produto com ingredientes "vendáveis" e pouca pretensão criativa. A versão nacional sofre com o agravante de que é cópia, por contrato, da montagem original. O que se assiste é um exercício mimético de reproduzir o já exaustivamente testado em outras praças. Canta-se convencionalmente, tal qual se cantava há 10 anos em Londres. Dança-se em saltitantes passos, como o elenco da estréia em Nova Iorque. Veste-se com figurinos cafonas dos anos 70, como desenhou o figurinista dos primeiros croquis. Por quase três horas, desfila elenco brasileiro que cumpre aquilo que o "caderno de encargos" exige. O público parece gostar. Aplaude com entusiasmo no final, mexe o corpo ao som-discoteca, sentindo-se recompensado pelo preço pago pelo ingresso. A propósito, Mamma Mia está em cartaz desde novembro do ano passado.
Postado por Macksen Luis às 09:47
Postado por Macksen Luis às 17:14
Mineiros viajam mal à Rússia
Tchecov não aponta rumos para o Galpão
Pela primeira vez na sua história de 29 anos, o grupo Galpão estréia um espetáculo fora de sua cidade de fundação: Belo Horizonte. Curitiba e seu festival foram os palcos escolhidos para o início da trajetória de Tio Vânia, o texto do russo Anton Tchecov que o coletivo mineiro encena com direção de Yara de Novaes. O Galpão, que procura alternar repertório e diretores, estabelece neste momento de sua maturidade trintona distância maior em relação à sua origem de teatro de rua -.Till, a montagem anterior, foi uma retomada bem sucedida desta linha - e da representação de universos dramáticos que se ajustam a estilo de atuação que desenvolveram com autores tão díspares quanto Shakespeare e Ítalo Calvino. O Galpão adquiriu inquestionável identidade teatral com a circulação de influências trazidas por diversos, e também díspares, encenadores-convidados. Essa identidade nasceu da própria gestação interna do grupo, construída mineira e silenciosamente, com a absorção das múltiplas intervenções dos diretores vindos de além montanhas. O tempo e a inexorabilidade de sua passagem, matérias tão sensíveis a Tchecov, autor não por acaso escolhido pela Galpão para marcar evidente transição, assalta o grupo no instante em que parece tentar uma viragem, mas que ecoa apenas como perplexidade. A montagem de Yara de Novaes evidencia a inadequação à "monotonia cinza" tchecoviana, à qual atribui tom próximo da farsa, deslocada da exploração do humor irônico ou mesmo da comédia agridoce. É bom ressaltar que Tchecov se referia a seu teatro – e não apenas a seus textos curtos – como comédias. Amargas e niilistas, sem dúvida, mas comédias. Recentemente, com direção do argentino Daniel Veronese, esse mesmo Tio Vânia foi traduzido como "comédia" sem qualquer perda do impacto emocional do texto. Yara patina em indefinição estilística, incapaz de traçar rumo através do qual o elenco encontre expressão interpretativa. A escalação deixa claro que os atores ainda estão por demais referenciados à "exuberância" expositiva e à poética popular do repertório dos quase trinta anos. Perdidos nos caminhos vagos da direção, pouco sensibilizados para o universo do qual se aproximam com hesitação, com timidez interpretativa e incompatibilidade física com os personagens, os atores de Tio Vânia, confirmam que esta montagem se reduziu a num híbrido na carreira do Galpão, mas que pode ser avaliada como um interregno do grupo para repensar, efetivamente, o tempo: de sua história, de sua idade e dos meios para manter a sua vitalidade.
Postado por Blog do Macksen às 06:34
Apenas uma Leitura Dramatizada
Um Édipo muito dramático
O planejamento da grade de programação de um festival é difícil e complexo, dependendo de variáveis nem sempre, exclusivamente, teatrais. Nesta edição do Festival de Curitiba, a impressão é a de que tais variáveis pesaram bem mais do que questões cênicas. Um exemplo: a inclusão de Édipo entre os 31 espetáculos da mostra 2011. A direção geral e adaptação da tragédia de Sófocles por Elias Andreato são reverentes e respeitosas em relação à essencialidade da narrativa, a tal ponto que a compactou no formato de leitura dramatizada. Com cadeiras dispostas em semicírculo, com os atores destacando momentos-chave com sons de acordeões, e as palavras projetadas com frontalidade para a platéia., esse tipo de arranjo se apresenta como espetáculo. E pouco mais se acrescenta para encorpar a cena, que na ausência de elementos que fundamentem montagem menos "improvisada", resta a expectativa da interpretação dos atores. Igualmente neste aspecto, Édipo se ressente de trabalho mais empenhado. A ênfase no dramático, que reduz a poética áspera do trágico a mero ascetismo formal, deixa pouco espaço a qualquer tentativa de se aproximar da envergadura do texto. Os atores demonstram mais disciplina do que integração com o universo trágico, somente exibindo capacidade de levar ao público, com parcimônia, esta fascinante e milenar narrativa. A platéia do festival respondeu, com entusiasmo, no final, aplaudindo bem mais a atração que esta história imemorial sempre provoca do que à "encenação". Talvez tenha sido esta a estratégia dos organizadores da mostra: apresentar uma boa história que prescinda de montagem.
Postado por Blog do Macksen às 13:40
À Procura de Recriar Nelson
O colorido trágico de Joana Seibel
Num festival tão marcado pela geografia teatral carioca, a presença de Anjo Negro, de Nelson Rodrigues, na mostra curitibana pelo grupo Mosaico de Cuiabá é, no mínimo, inusitada. Não apenas por sua procedência, mas pela participação de exemplar de coletivo distante dos centros mais visíveis de produção em mostra que se estabeleceu como vitrine do eixo teatral dominante. A versão do diretor Sandro Lucose para esta tragédia rodriguiana procura imprimir leitura cênica, senão original, pelo menos como interpenetração de linguagens. E se esta é a sua maior qualidade, é também a fonte de seus maiores problemas. O texto de Nelson Rodrigues oferece dificuldades a qualquer diretor, não só por seu caráter arquetípico como pelas "armadilhas" dos diálogos que arranham o melodrama. Lucose encontrou uma via interessante para driblar essas dificuldades e fixar as fontes trágicas da narrativa. A montagem é ritualizada através de cerimoniais religiosos que evidenciam as pulsões interiores interditas por códigos sociais, e por coreografia que demonstra essa mesma interioridade por meio do conflito pelo gesto e pelos movimentos da capoeira. São opções que emprestam dinâmica e "ação" à cena, intensificando com ritmo ágil sentimentos em estado bruto. Mas ainda que se criem imagens evocativamente místicas e tensionadas coreograficamente, o abuso desses recursos diminui o seu impacto pela forma como se sublinha o que se pretenderia evocar. A versão cuiabana de Anjo Negro transmite a tentativa de teatralizar uma coreografia, o que se evidencia ao final, quando canhestro balé compromete os acertos da maior parte do que foi visto antes. O elenco, que se distribui entre os excessos corporais e a tentativa de encontrar linha mais definida, tem em Joana Seibel uma altiva figura que empresta colorido vocal e autoridade interpretativa à Virgínia.
Postado por Macksen Luis às 13:56
Felipe Hirsch faz pré-estréia na mostra
Ouvinte incansável da trilha sonora de sua vida
Nesta edição do Festival de Curitiba, em que 19 dos 31 espetáculos selecionados são oriundos do Rio, Trilhas Sonoras de Amor Perdidas, encenação do carioca Felipe Hirsch, radicado na capital paranaense desde a infância, não deixa de estabelecer ligação entre as duas cidades. Atualmente publicando crônicas no Globo, Hirsch reproduz, de certo modo, o espírito do que escreve semanalmente no jornal nesta montagem que fez sua pré-estréia no Festival de Curitiba. Se acrescentarmos a montagem de A Vida E Cheia de Som e Fúria, texto de Nick Hornby e um dos maiores êxitos da Sutil Companhia de Teatro, liderada por Hirsch, poderemos compreender todo o excesso e a "viagem pessoal" que Trilhas... representa para seu autor e diretor. São três horas e meia de exposição do colecionador de fitas cassetes que acompanham musicalmente sua vida. As fitas são a linguagem adotada para substituir, por sonoridades dos anos 80, as palavras que a timidez e os sentimentos embutidos não permitem expressar. Numa listagem interminável de nomes e canções, acontece em paralelo seu encontro com uma garota, com quem casa e que, inesperadamente, morre. Há dois planos narrativos – o das trilhas sonoras, impositivo, farto, desmedido, e o da "trama", acessório, secundário, coadjuvante - que têm tratamento cênico excludente. Enquanto um se repete como lista de citações, com direito a fragmentos das letras e introdução de pequeno trecho das músicas, o outro, "dramatiza" a relação do casal como adendo da compilação afetiva-musical. E neste quase monólogo, o personagem percorre o arquivo de fitas, de frustrações e de perda com imperturbável indiferença. Como um recitativo, tão próprio a acúmulos e colecionismos, o personagem existe como narrador assexuado da listagem de sua vida. Receptador de informações que compõem a sua formação – a cultura pop da década de 80 – se auto-alimenta da sua fixação por transferir para contraídas vivências emocionais as referências abstratas da música. Nostálgico ("Era um tempo fantástico, mas ele acabou, porque é isso que o tempo faz".), e banal ("Como tudo fabricado nos anos 70, é bege."), essas observacoes ocupam o espaço de atalho verbal para a dramaturgia do constante acionar do gravador. Nesta longa jornada para sacar velhas cassetes do esquecimento de caixas poeirentas, o espectador se transforma em olheiro de uma trip musical. Abatido e desinteressado da evolução ou do imobilismo da trama, resta ao público assistir, resignado, ao desfilar monótono da longa trilha sonora. O cenário de Daniela Thomas e Valdy Lopes parece um arranjo improvisado. Sem muita justificativa as participaçoes das atrizes Maureen Miranda e Luiza Mariani. Natalia Lage e Guilherme Weber (presença dominante no palco) contracenam como satélites que gravitam em torno de si mesmos, como se fossem meros ouvintes de suas trilhas preferidas.