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Crítica a partir do espetáculo "João-de-Barros"
Cena do espetáculo "João de Barros", do Mamãe Tá na Plateia (foto Laura Fonseca)
Cena do espetáculo "João de Barros", do Mamãe Tá na Plateia (foto de Marco Aurélio Prates)
João-de-Barros- Fotos de Marco Aurélio Prates - BHinSOlOS 2015 (19) (1)
É incontestável a importância da arte no desenvolvimento da criança. Inúmeros textos espetaculares são produzidos e apresentados anualmente, em teatros de todo o Brasil, para atender ao público infantil e, entre esses trabalhos, do mesmo modo, são concebidas montagens em Belo Horizonte com vistas a atingir esta plateia específica. Não obstante, por sua vez, também é inegável que ainda há uma publicação escassa sobre o teatro infantil e seu alcance tanto no nível teórico quanto em relação à recepção e à análise de propostas espetaculares, aspecto que pode ser observado também na carência de textos e ensaios produzidos sobre o tema em eventos e em revistas acadêmicas e especializadas que publicam trabalhos sobre as Artes Cênicas.
Pensar o teatro infantil na cena de Belo Horizonte se faz necessário, pois a cidade sempre contou com a produção de várias peças voltadas para o universo infanto-juvenil em suas distintas concepções dramatúrgicas e espetaculares, desde os contos de fadas tradicionais ("Chapeuzinho Vermelho", "Os três porquinhos") aos clássicos de Hollywood e Broadway ("A Bela e a Fera", "Aladim", "Cinderela", "Peter Pan") e, recentemente, temos encontrado um aumento de trabalhos autorais que visam a atender a esse público, entre algumas montagens levadas a cabo pela produção local merecem destaque, entre outras, "A Menina que Entra em Livros", da companhia de teatro O Trem, texto de Lívia Gaudêncio e direção de Juliano Barone; "Memórias de um Quintal", da Insensata Cia de Teatro, inspirado na obra "O Matador", do mineiro Wander Piroli, com atuação e direção coletiva de Brenda Campos, Cláudio Márcio, Dário Márques e Keu Freire, que também assumem a dramaturgia, sob a orientação de Raysner de Paula; "Pequeno", solo de Cláudio Márcio, com texto e direção de Robson Vieira; "Quem Pergunta Quer Resposta", "O Mistério da Bomba H_______", e "A Festa do Pijama"1, do Grupo Oriundo de Teatro, com dramaturgia e direção de Antonio Hildebrando, sendo codirigida com Ana Campos.
A presença da estratégia de um contador de história, por meio de um "narrador oral cênico", é comum em cena nas peças infantis, colocando os atores-intérpretes, muitas vezes, concomitantemente na posição de narradores e de personagens, multiplicando-se em tipos físicos e em papéis que exigem uma autoentrega ao jogo cênico em prol do desenlace da proposta de montagem. Este é o lugar em que encontramos o ator Charles Valadares, sozinho em cena e pronto para se entregar ao jogo, em seu solo "João-de-Barros":
Imagem: Espaço vazio. Em cena o nada. Pela lateral aparece, tocando uma gaita, uma figura portando uma coroa na cabeça, uma capa da cor do mar que está presa ao seu pescoço e em sua cintura uma corda fixa a uma caixa de papelão que surge arrastada. Dentro dessa caixa, diversos materiais sucatas que serão revelados e utilizados ao longo do espetáculo e um rádio desses de modelo antigo. Ao atravessar o espaço ao toque da gaita o movimento cessa. Como se avistasse alguém, essa figura começa a bradar em busca de um capitão. Se transforma no capitão que procura e, num jogo ininterrupto de ações, constrói um espaço que nos remete a um grande navio e seus tripulantes se preparando para navegar. Logo após isso, decide que dará um mergulho. Pula no mar. Mergulha. Aos poucos se transforma nos peixes que habitam aquele lugar. Transforma-se em um grande tubarão. Ao dar um giro pelo espaço encontra a caixa de papelão e a manipula transformando-a em um grande navio a navegar pelo mar. Aos poucos o mar ganha corporeidade também na boca desse nosso navegante. Ele abre a caixa e a ocupa transformando em seu próprio barco. A cena finaliza quando este navegante avista terra firme, deixa o barco, contorna o espaço montado em seu cavalo e depara com o público. (Valadares, 2016)2
Assim como foi descrito é que a plateia entra em contato com o universo onírico proposto pelo espetáculo, que integra o repertório do grupo Mamãe Tá na Plateia; inspirado na poética de Manoel de Barros, com concepção, dramaturgia e a atuação de Charles Valadares; desenho de cena e direção de movimento de Fabrício Trindade; e orientação dramatúrgica de Raysner de Paula. A sinopse de "João-de-Barros" também revela as particularidades da proposta completamente voltada para a linguagem infantil:
O espetáculo conta a história de João, um menino que brincando no quintal abraçava a sua casa, viveu um faz-de-conta-sem- fim e descobriu como deixar o dia com tempo de lesma. Lá nas bandas do seu quintal, João inventou seu próprio mar e navegando por ele encontrou um povo governado por um grande rei, que em nome da "Ordem e Progresso" vivia criando decretos absurdos. Em defesa desse povo (e por nenhum direito a menos!), João elabora um plano que muda o curso da estória.
Na "pele" de João, o espectador pode apreciar uma ótima atuação de Charles Valadares, que se desdobra em diversos personagens para dividir a história de seu menino sonhador com seu público composto, em sua grande maioria, por crianças, acompanhadas de seus pais e familiares, que, por sua vez, não deixam de entrar na fábula proposta. Desde o início, o espectador cai completamente no jogo proposto pelo ator e viaja com ele pelas águas do oceano, vivendo e, ao mesmo tempo, ressignificando a máxima de que "navegar é preciso", mas, no caso da cena proposta por Valadares, "viver, também, é preciso", pois o jogo para a criança se estabelece no ato de viver cada fantasia como se fosse a última "verdade" a ser representada, ou melhor, corporificada. O oceano e todas as suas representações e fascínio são um convite para que todos os presentes possam navegar nas correntes marítimas e imagens trazidas para o palco pelo ator, que inventou o MAR para si mesmo, por meio da concha que recebeu da mãe (da única viagem feita para conhecer o mar), quando tinha cinco anos. O mesmo mar que o ator revela que só pôde conhecer 15 anos depois e, estupefato diante dele, só conseguiu pronunciar a típica interjeição mineira, "NU". Este mesmo "NU" reproduzido pelo menino-viajante é vivenciado na memória de muitos da plateia que tiveram a mesma experiência e as crianças presentes vibram com o pequeno João, que do quintal de sua casa inventa o mar e segue sua viagem "mariventando gentes, terras, línguas, batalhas, estórias, reinos…" (Valadares, 2016)
Como estudioso e encantado pelo fazer teatral, independentemente de sua linguagem estética, considero fundamental ressaltar a qualidade do trabalho proposto por Charles Valadares. Tenho cada dia mais dificuldade de assistir a peças concebidas como "infantis", mas que tratam as crianças como "adultas" ou desconsideram a capacidade que todas têm de "pensar", não estimulando nelas a experiência do jogo cênico, visto aqui como aquele que desvela curiosidade e aviva toda espiritualidade e inteligência que são inerentes a todas as crianças. "João-de-Barros", de Charles Valadares, apresenta todos os atributos positivos que busco encontrar no teatro infantojuvenil. Assim como o ator se entrega e se diverte em cena, as crianças também se entretêm e são estimuladas a interagir com as cenas e entre si, a se entregarem à fábula proposta sem receios de arriscarem nos comentários "indevidos", nas respostas que não são programadas e que exigem do ator a autoescuta para manter viva a dinâmica de jogo e para responder sempre a cada intervenção, exercitando-se e fazendo com que o trabalho de jogo teatral funcione e que seja revisto e ressignificado na própria cena.
Merece destaque a importância que é dada na montagem para o uso e a ressignificação de adereços e de pequenos objetos. Da caixa encantada do menino João, pequenos objetos são ressignificados e ganham formas de binóculos, arma, mapas; um potinho de iogurte dá vida ao Grande Rei, um simples carretel de linha se engrandece, enunciando e anunciando a sonoridade de uma corneta, de um cinturão de tampinhas faz-se erguer muros. A manipulação é feita com destreza, fazendo com que a plateia se identifique com a história contada pelo garoto que enfrenta os decretos do Grande Rei que, entre outras barbaridades bem típicas dos ditadores, institui que toda família deverá construir muros em volta das casas, tendo direto a ter apenas um filho:
Mas pensa para você vê que estrupício de ideia. Pois é, minha gente, fui chegando na tal ilha, onde vivia esse tal povo, que era governado por um rei golpista! Que queria tirar os direitos do povo conquistado com tanto suor. "Nenhum direito a menos!", o povo gritava. Pensei comigo: tá certo isso não, vou dá um jeito nesse desatino.
Aí pensei assim: e se essa baboseira de decreto nem nunca mais existisse?
Como que faz para um desatino decretado desexistir? (Valadares, 2016)
O valor político-pedagógico do texto é inquestionável e também permite que o teatro possa, por meio da visão lúdica, aproximar a criança de seu tempo, de seu contexto sociopolítico e econômico. Qual criança nunca ouviu na contemporaneidade a palavra "golpe" e "golpista"? É interessante observar que todos assumem o discurso de João e com ele querem destituir o Grande Rei de seu governo ilegítimo e ditador. As crianças xingam em coro juntos com João e, com ele, exprimem palavras de ordem, seguindo cada ação do protagonista, que corre, invade um palácio, se disfarça de outras personagens, se transforma em dançarina, enfrenta um exército para livrar todos dos desmandos do Grande Rei. A identificação com as "fantasias" infantis faz com que a peça seja muito bem recebida pelas crianças e pelos adultos presentes.
No seu universo de inventividade e oniricidade, João enfrenta o Grande Rei e "perde", mas perder aqui não é uma forma de concluir o jogo, pois na dramaturgia e na cena infantil é sempre bem-vindo e esperado o happy end e, no teatro, tudo está passível de renascer. Assim, João também ressurge convidando as crianças presentes para subirem ao palco, ocupando o espaço de cena, ou melhor, o seu quintal, onde é construída uma história coletiva com a participação das crianças e nessa fábula são retomados momentos da peça, a presença do mar, os peixes, seu cavalo etc. O espetáculo termina com um ato coletivo demonstrando para a criança que o melhor do jogo é quando ele é compartilhado com o Outro, uma aula de convívio e de experiência à Alteridade. Com o seu "João-de-Barros", Charles Valadares ressignifica sua memória pessoal em prol da coletiva e, assim, consegue fazer do quintal que abraçou um dia a sua casa, o maior lugar do mundo, demonstrando que no teatro infantil, e para os olhos das crianças e daqueles que se permitem vivenciar a criança interior que as mantêm vivas, o lugar do sonho é infindável.
1 – Sobre este trabalho, vale a pena conferir a instigante leitura crítica de Diogo Horta, disponível em http://www.horizontedacena.com/mais-que-uma-simples-festa/
2- Texto cedido pelo autor.
12/05/2017 TAGS: #charlesvaladares, #mamaetanaplateia, #manoeldebarros, #raysnerdepaula, #teatrocontemporâneo, #teatroinfantil por: Soraya Belusi
Crítica a partir do espetáculo "A Festa do Pijama", do Grupo Oriundo de Teatro
grupooriundo
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Formar público para o teatro infantil é um dos grandes desafios atuais. Se a ausência de público é sentida no teatro adulto, no infantil parece ser ainda maior. Some-se a isso o fato de o teatro infantil sofrer com menos interesse da classe artística e ter menos projetos, festivais e, inclusive, críticas que o valorizem. O horizonte deste texto e de outros que virão sobre espetáculos infantis é justamente promover reflexões que nos permitam reencontrar o teatro para a infância em sua potencialidade, tanto para os artistas quanto para o público.
Neste sentido, pretendo refletir neste texto sobre o espetáculo "A Festa do Pijama", mais recente trabalho do Grupo Oriundo de Teatro. Desde 2007 o grupo desenvolve suas atividades com espetáculos voltados para o público adulto e também para o infantil. Dentre os seus espetáculos, é importante destacar dois dedicados às crianças: "Quem Pergunta, Quer Resposta" e "O Mistério da Bomba H_______", tendo este último circulado por todo o Brasil dentro do projeto Palco Giratório do Sesc em 2014.
A nova montagem do Grupo Oriundo tem como base a música. O espetáculo gira em torno das canções compostas por Tatá Santana e oferece ao público letras, melodias e ritmos variados com elementos importantes para divertir e suscitar reflexões em pais e filhos.
Em busca de entendimento sobre a ideia de diversão
As investigações de Stephen Nachmanovitch (1993) no livro "Ser Criativo" trazem a ideia de diversão como intrínseca aos processos artísticos e como função vital do homem no contato com sua criatividade.
A improvisação, a composição, a literatura, a pintura, o teatro, a invenção, todos os atos criativos são formas de divertimento, o ponto de partida da criatividade no ciclo de desenvolvimento humano e uma das funções vitais básicas. Sem divertimento, o aprendizado e a evolução são impossíveis. O divertimento é a raiz de onde brota a arte original; é o material bruto que o artista canaliza e organiza com as ferramentas do conhecimento e da técnica (NACHMANOVITCH, 1993, p. 49).
À luz desta breve reflexão, buscamos compreender a diversão no teatro infantil e mais especificamente no espetáculo "A Festa do Pijama". Me parece, primeiramente, que no teatro infantil o divertimento ocupa lugar preponderante já que a infância é momento de excelência desta função vital básica do homem. O teatro na infância, portanto, assim como outras práticas sociais infantis, está sustentado em uma experiência de diversão na qual a criança partilha elementos sensíveis em comunidade. E se a diversão é fundamental para o aprendizado e para a evolução, como acredita Nachmanovicth (1993), ela deveria ser elemento central das obras que serão as primeiras experiências do indivíduo no contato com a linguagem teatral.
Mas como identificar os elementos que promovem diversão?
A experiência como público, tanto no teatro adulto como no infantil, aponta diversos caminhos para responder a essa pergunta, mas, sobretudo, que a diversão vai ser diferente para cada espectador e que um mesmo espetáculo poderá promover graus muito diferentes de diversão no público (ou até nem promover nenhum). Se estamos de acordo com Nachmanovitch (1993) de que todos os atos criativos são geradores de divertimento, cabe entender esses graus de diversão de uma obra e se os elementos que o promovem fortalecem ou reduzem a experiência artística como um todo.
Partimos então para uma segunda questão: quais elementos conduziriam o espectador mirim a um maior grau de diversão?
No senso comum, considera-se que um bom espetáculo infantil deve "chamar e prender" a atenção das crianças. Por esse motivo, grande parte dos trabalhos voltados para a infância possuem cenários, figurinos e iluminação com muitas cores, bem como músicas com andamentos rápidos e interpretações muito expressivas em ritmo acelerado. Além disso, a maior parte das peças infantis se constrói a partir de uma narrativa que possui personagens infantis, heróis/heroínas e vilões, com uma estrutura simples de começo, meio e final, geralmente feliz.
Permito-me supor que o objetivo desses espetáculos serem construídos dessa forma diz respeito a uma possível facilidade e familiaridade que a criança teria para receber o espetáculo e, com isso, ter uma experiência mais divertida no teatro. Talvez seja por esse motivo também que algumas produções infantis apostem em personagens do cinema como Elsa, Ana, minions[1], entre outros (para ficar com referências mais atuais), por serem de amplo conhecimento das crianças e, portanto, supostamente de mais fácil acesso e apreensão. Será? Estamos fazendo apenas reflexões sobre esse aspecto.
No espetáculo "A Festa do Pijama", encontramos poucos dos elementos acima mencionados. O figurino da peça é simples já que quatro atores/músicos estão de pijama, com várias cores, mas todas com tons mais claros. O cenário também é composto por algumas almofadas e objetos infantis ao redor dos nichos principais dos quatro integrantes do elenco. Ao fundo está o principal elemento de composição visual do trabalho, um ciclorama branco que é ora iluminado com cores intensas e vivas e ora utilizado para as projeções que acompanham a montagem. As músicas não têm apenas andamento rápido, nem os atores estão interpretando de forma exagerada nem há uma narrativa a ser seguida. Portanto, o grau de divertimento neste espetáculo, que considero ser alto, é atingido por meio de outros elementos que fogem um pouco do que se vê habitualmente.
Um aspecto a se observar na montagem é que a diversão é atingida tanto nos adultos como nas crianças e que isso se dá na medida em que vários elementos da peça (a projeção, a luz, as letras das canções, as cenas entre os atores etc.) surpreendem o espectador em diferentes camadas e abordagens. Nesse sentido, a festa é elemento prometido já no título e surpreende para além das expectativas na montagem. Isso porque o espetáculo não representa nem narra a história de uma festa de pijama, e sim promove, de fato, uma espécie de festa no teatro na qual a participação do público é importante e feita com respeito em todos os momentos.
Como um exemplo desses recursos que surpreendem, podemos citar a canção "Fofinho #sqn", construída apenas com palavras consideradas proibidas para as crianças, enquanto a projeção mostra figuras, desenhos e imagens dos elementos presentes na letra. Mas não fica apenas nisso, pois no decorrer das imagens surge de dentro de um desenho de cocô a imagem do Congresso Nacional em Brasília. Mesmo que não reconhecida por crianças menores, todos os adultos e uma parcela das crianças identifica o sentido dessa segunda imagem revelada. Decorre disso não apenas divertimento, evidente pelo riso da plateia, como também reflexão, ou pelo menos, recordação do atual cenário político brasileiro. Estamos diante de uma montagem infantil que, portanto, não cria um universo paralelo nem se furta da realidade.
A maior contribuição da montagem está, nesse sentido, não apenas em encontrar outros elementos para dialogar com o público infantil e produzir certo grau de divertimento, mas também em trazer provocações atuais e temas polêmicos no trato com as crianças de forma sutil.
Das doze canções do espetáculo, ao menos seis possuem provocações interessantes para o universo infantil, são elas:
"Bom dia! Buongiorno! Bonjour"!: canção que retrata a dificuldade das crianças em saírem da cama pela manhã;
"Lesse": narra a história de uma cadela de estimação que termina por ser envenenada;
"Receita paranoica de uma noite tranquila": fala sobre os medos infantis e as superstições para vencê-los;
"Pirraça'nroll": tem como letra apenas frases como "papai eu quero um tablete! eu quero! (5x) Mamãe eu quero a monster high! eu quero! (5x)";
"Fofinho #sqn": canção com palavras muitas vezes proibidas para o universo infantil como bunda, caganeira, arrotar, chulé, perebão, peidão, entre outras;
"Adivinha das profissões": canção que traz diversas profissões dentre elas a de político, com a seguinte provocação: "eu trabalho no Senado (…) enrolado com propinas, com processos, mas quem não? Insisto em dizer: sou contra a corrupção!".
Além das letras, o espetáculo também conta com projeções e intervenções cênicas em várias dessas canções, momentos em que as críticas se fortalecem como na canção "Adivinha das Profissões". Além da provocação citada acima sobre propinas e corrupção presentes na própria letra, a canção traz à tona o momento histórico de votação do processo de impeachment da presidenta Dilma Roussef no Congresso Nacional. As manifestações de voto dos parlamentares são reproduzidas pelos atores em cena, posicionando para o público infantil um fato recente e polêmico da política nacional.
É possível que as crianças não compreendam toda a complexidade do fato, mas a possibilidade de sair dos reinos e contos de fada e trazer para a cena o Congresso Nacional em uma peça infantil já apresenta uma mudança considerável nas perspectivas do teatro para crianças. Além disso, este é um elemento que provoca os adultos e lhes instiga, querendo ou não, a uma escolha sobre comentar e explicar a cena para os filhos ou não. O que, talvez, não deixe de ser uma convocação para certo posicionamento político dos pais na relação com seus filhos.
Outro momento provocador para pais e filhos é a canção "Pirraça'nroll", na qual os atores convocam as melhores crianças em fazer pirraça para subirem ao palco de forma voluntária e terminam a cena provocando os pais se eles não gostariam também de fazer isso para conseguir o que querem. A canção também ressaltam uma crítica ao consumismo desenfreado, inclusive entre as crianças. Cita os desejos de posse de um tablet, de uma Monster High (marca de boneca), de uma viagem para Disney, entre outras coisas que, com quase toda certeza, as crianças do público já desejaram na vida.
A possibilidade de um teatro para a infância que promova esse tipo de reflexão e instigue a conversa entre pais e filhos fortalece o teatro como lugar não apenas de diversão, mas também de questionamento. O teatro infantil por muitas vezes se voltou para histórias que pudessem levar a criança a uma determinada conduta, como escutar a orientação da mãe sobre o caminho para tomar rumo à casa da vovó e não se desviar dele, por exemplo. Em "A Festa do Pijama", não há a orientação sobre qual caminho tomar, mas há um conjunto de canções sobre as quais se pode dialogar, além de cantar e dançar obviamente.
As cenas se concentram nos atores Isabela Arvelos e Enedson Gomes, que apresentam grande força em intervenções simples e comunicação direta com o público. Muitos atores, sobretudo os mais jovens, lidam no teatro infantil com aquele desejo de divertir e chamar a atenção das crianças "a todo custo", num excesso de energia, movimentos e variações vocais. Isabela e Enedson reforçam o lado oposto disso, capturando a atenção do público com simplicidade, delicadeza e precisão.
Por fim, me parece importante refletir sobre a dramaturgia e a direção do espetáculo, ambas assinadas por Antônio Hildebrando – a direção, em conjunto com Anna Campos. Como já salientamos anteriormente, o espetáculo não representa uma festa e, portanto, não apresenta uma história com início, meio e fim, nem personagens definidos, nem vilões e heróis como já citamos. O que se vê nesta montagem, ao contrário, é sobretudo um jogo ou a colocação em cena de elementos que se inter-relacionam e compõem um todo que dialoga com o público diretamente.
As reflexões de Denis Guénoun (2004) sobre o teatro parecem ecoar nesta montagem infantil que, ao se distanciar da representação e focar a música, sem perder os aspectos cênicos, valoriza o encontro e o jogo ao instaurar outra relação com o público.
Neste sentido, ir ver um espetáculo é bem diferente de ir ver uma peça: ver uma peça era seguir uma história, situações e personagens em conflito. Ver um espetáculo é ver a teatralidade em sua operação própria: a operacionalização, o verter (a versão) no teatro, o gesto de levar para a cena uma realidade não cênica, poema ou narrativa (GUÉNOUN, 2004, P. 140, grifo do autor).
Assim, "A Festa do Pijama" estaria mais próxima da ideia do espetáculo já que organiza em cena um conjunto de elementos que se colocam diante do público em interação e conexão. Há sem dúvida o gesto de levar canções para cena que são independentes e algumas criadas aleatoriamente sem que tivessem a intenção de compor a montagem, como pude saber pelo programa do espetáculo. Dessa forma, a direção e a dramaturgia parecem ter como norte a proposta de organizar o material musical e, a partir dele, construir o trabalho. Daí a construção inversa de muitos musicais infantis que possuem sua trilha sonora composta a partir da estrutura narrativa que se pretende contar.
A dimensão que se destaca no trabalho, por esse motivo, é o jogo na sua acepção mais simples: o brincar. E talvez por ser brincadeira para os artistas, também o é para as crianças. Sinto que o teatro infantil respira novos ares nesse trabalho e que a atmosfera construída por ele pode abrir caminho para propostas mais instigantes e conectadas com a infância para além dos padrões estabelecidos há anos para o teatro infantil. A infância no século XXI já é outra, e o teatro para crianças precisa acompanhar e se renovar para este público.
Ao invés de apostar em trazer ao teatro o que já foi sucesso no cinema infantil, que tal brincar de explorar novos caminhos? O Grupo Oriundo de Teatro assume mais uma vez esse novo caminho e cria um espetáculo rico no que melhor tem a linguagem teatral a oferecer atualmente: ser teatro, ou seja, ser presença e encontro acima de tudo. Dessa forma, a nova montagem do Grupo Oriundo de Teatro reforça o compromisso de seus integrantes com a investigação sobre o teatro infantil e espero que faça crescer nas crianças (e também nos adultos) o desejo de voltarem ao teatro outras vezes.
GUÉNOUN, Denis. O Teatro é necessário? São Paulo: Ed. Perspectiva, 2004.
NACHMANOVITCH, Stephen. Ser criativo – O poder da improvisação na vida e na arte. 5ª Ed. São Paulo: Summus, 1993.
[1]Personagens dos filmes "Frozen: uma aventura congelante" e "Meu malvado favorito".
05/05/2017 TAGS: #dramaturgiacontemporanea, #grupooriundodeteatro, #teatroinfantil, #teatromusical, #teatroparacriancas, Antonio Hidelbrando, dramaturgia contemporânea, grupo oriundo de teatro, teatro infantil, Teatro Musical, teatro para crianças por: Soraya Belusi
02/05/2017 TAGS: #afectos, #ciasesdedanca, #dancacontemporanea, #micropolitica, #movasse por: Soraya Belusi
20/04/2017 TAGS: Amanda Lyra, Cia. Hiato, feminismo, Leonardo Moreira, São Paulo por: Luciana Romagnolli
Crítica a partir do espetáculo "Os Cadernos de Kindzu"
Espetaculo Kindzu - por Daniel Barboza-592 menor
No programa da peça "Os Cadernos de Kindzu" (1), do grupo AMOK Teatro (2), lê-se: "E é o que buscamos aqui, simplesmente contar uma história. Existe algo muito antigo nisso, como um procedimento arcaico: lembrar, reviver, compartilhar. É, para nós, a raiz do teatro."
Aí está a base dessa montagem: uma boa história a ser contada. Como em espetáculos anteriores do grupo, tais quais "O Dragão" (2008) e "O Carrasco" (2001), o fio da narrativa é desenrolado e entrelaçado, por meio da força da palavra, do jogo dos atores e de suas presenças, da musicalidade e do atravessamento de culturas. A questão das identidades culturais aparece como tema para as encenações e como traço característico da formação do grupo, que partiu da união de uma diretora brasileira, Ana Teixeira, e de um ator e diretor francês, Stéphane Brodt, que se propuseram também a pesquisar culturas não europeias.
Esta peça, "Os Cadernos de Kindzu", conta uma história sobre deslocamento e pertencimento. Numa terra devastada pela guerra civil, o personagem principal Kindzu se vê diante da perda no círculo familiar e de amigos. Parte assim, para uma viagem além-mar. As palavras do pai falecido, que lhe visita nos sonhos, o guiam: "Quem não tem amigo é que viaja sem bagagem". Seu melhor amigo, em sua terra natal, era um estrangeiro que o levava até o mar e lhe dizia que a pátria deles era o oceano índico. Bela é a ideia que está aí: amigo é aquele que te desloca do conhecido, do que você é. Um amigo não é um seu igual. E a terra, nessa peça, é a água, é o mar. Terra móvel, terra flutuante, mas que pode parar como se o mar adormecesse e, por magia, pudéssemos andar sobre ele ou guiar nosso barco pelos comandos da voz. Terra em guerra exige deslocamento, fuga e procura, refúgio e retorno.
As circunstâncias do viver são marcadas pela violência e levam à impossibilidade da volta; à diáspora como uma marca profunda no ser. O deslocamento forçado ou como resultante da guerra conduz Kindzu pelas histórias dos outros que formarão a sua própria história, além de confrontar-se com o pertencimento. Afinal, o que se constitui como nosso – o corpo? As lembranças? O sonho? O desejo? Os encontros? A terra natal? A pátria, em "Os cadernos de Kindzu", parece sempre um lugar distante a ser alcançado e que, ao mesmo tempo, habita costumes, sotaques, crenças, vestes, sonoridades, lembranças. A terra está sempre além-mar.
Com uma boa história, a encenação nos acolhe e pede uma pausa para ouvir. E com a simplicidade de artesãos, os atores constroem o espaço e os lugares aonde as cenas se passam. O vigor físico aparece na precisão dos movimentos e nas intenções que fazem com que as palavras se tornem matéria moldável. As sonoridades dos instrumentos, das vozes, canções, línguas e sotaques nos conduzem por terras estrangeiras e líquidas, moventes como o mar. Nesse percurso, o que é procurado se aproxima e se afasta numa África pós-colonial atravessada por várias culturas. A encenação, no entanto, perde força quando há um excesso no que se refere à expressividade dos atores, chegando a um tom caricatural. Se tais momentos pudessem ser suavizados, poderia haver uma maior fluidez na condução dos espectadores.
Ainda não tive a oportunidade de ler o romance "Terra Sonâmbula", de Mia Couto, a partir do qual foi criada a peça "Os Cadernos de Kindzu". Mas o conjunto dessa encenação – desde o texto, a cena e até mesmo a excessiva expressividade – parece indicar o nosso estado de sonambulismo. Apartados de vínculo e pertencimento, vagamos pelo mundo em busca de uma terra que é mar, é movente, como se não pertencêssemos a lugar nenhum. No centro da diáspora, Kindzu revela: "(…) esta guerra não foi feita para nos tirar do país, mas para tirar o país de dentro de nós".
1 – Temporada no Centro Cultural Banco do Brasil, em Belo Horizonte: 06 de abril a 08 de maio de 2017.
2 – "Dirigido por Ana Teixeira e Stephane Brodt, o Amok Teatro se dedica a uma pesquisa contínua do trabalho do ator e das possibilidades de encenação. Desde sua fundação em 1998, o grupo tem recebido por seus espetáculos os mais importantes prêmios de teatro brasileiro e um grande reconhecimento da crítica e do público. Além dos espetáculos, o Amok Teatro desenvolve uma intensa atividade pedagógica, com ênfase na formação de atores e mantém em sua sede, a Casa do Amok, projetos de pesquisa, formação e intercâmbio, apoiando o trabalho de grupos e artistas de diferentes segmentos."(www.amokteatro.com.br)
17/04/2017 TAGS: #amokteatro, #ccbb, #dramaturgiacontemporanea, #interculturalidade, #teatrocarioca por: Soraya Belusi