"O Modernismo brasileiro morreu ensimesmado"
Ter , 25/07/2017 às 15:16 | Atualizado em: 25/07/2017 às 15:24
Marcos Lontra assinou a curadoria de Athos Bulcão – Tradição e Modernidade, na Caixa Cultural
Assinar a curadoria de Athos Bulcão – Tradição e Modernidade, em cartaz na Caixa Cultural, foi quase um reencontro para Marcus de Lontra Costa, 63. "Conheci Athos ainda garoto. Era amigo da família. Para mim, era aquele tio que me deixava encantado". A exposição sobre o artista modernista, ícone da integração entre arte e arquitetura, é o trabalho mais recente da carreira de Lontra, que inclui mostras dedicadas a Rodin, Carlos Scliar e Rubens Valentim. Nascido no Rio e criado em Brasília, ele é o atual curador-chefe do Prêmio Marcantonio Vilaça. Na última edição (2015-2016), a preocupação de Lontra em dar visibilidade a produções artísticas fora do circuito tradicional rendeu láureas a artistas de diferentes regiões, como a baiana Virgínia de Medeiros. "No mundo hiperconectado, se não evoluirmos, não seremos nada daqui a cinco anos. E isso vale para o circuito de arte". Democratizar o circuito é, para ele, a pedra filosofal da cena artística no país. Ex-diretor do Parque Lage e do Museu de Arte Moderna, no Rio, e do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, em Recife, Lontra fala em "circuito institucional débil", em contraponto à necessidade de "construir pontes", "olhar para a periferia" e "fazer da arte um veículo de educação". "Uma imagem que gosto de usar para exemplificar o que vem ocorrendo no Brasil é a de que, se antes o fogo estava em banho-maria, agora a panela está em contato direto com a chama", diz.
Athos Bulcão foi um dos principais representantes da integração entre obra de arte e arquitetura. Como avalia essa integração hoje?
Essa relação da arquitetura brasileira com as artes plásticas decorre de uma essência modernista – da vontade de criar um grande laboratório colaborativo. E o Modernismo brasileiro, para combater a academia clássica, foi buscar nossas origens coloniais e barrocas. O Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan) foi uma criação dos modernistas. E foram os modernistas que dirigiram inicialmente o Iphan. Athos foi uma síntese disso, criou uma plasticidade até então desconhecida, uma geometria poética integrada à arquitetura. Hoje, trata-se de outra realidade. Há manifestações mais curiosas de interferência e relação da arquitetura com as artes. O hip-hop, a arte-mural, edifícios abertos à cidade e à comunidade. Essa interação hoje é menos monumentalista.
A arquitetura modernista ainda tem algo a dizer?
A arquitetura moderna foi fundada na ideia de que as construções deveriam servir a cidades mais igualitárias. Nesse sentido, basta olhar para as cidades que possuímos para entender que se trata de uma arquitetura ainda necessária. Mas, ao mesmo tempo em que é necessário beber dessa fonte, o Modernismo não deve impossibilitar o olhar para questões mais contemporâneas. Existem outras coisas aí apenas esperando para ser experimentadas.
O Modernismo tentou conceituar o que é ser brasileiro. O que acha que hoje nos caracteriza?
O Modernismo sempre teve uma visão otimista de Brasil. Foi uma geração que tinha um projeto de país. Brasília é fruto disso. Mas era um projeto que acabou sendo para poucos. E sinto que vivemos em um momento em que almejamos um projeto de Brasil que não seja para poucos. Salvador não é mais a Barra, mas é também o Cabula, a Ribeira. O Brasil está mais evidente. Mesmo sendo um país ainda dominado por cinco ou seis famílias, os espaços estão sendo abertos. Isso é fruto de uma mudança geracional. Só conheci a favela ao lado da minha casa depois de ter ido para a França. Eventualmente, "aquela gente" ao meu lado ia em minha casa para varrer, cozinhar, passar. Estamos construindo outro nível de convivência hoje, mais intensa e próxima.
Museus, no entanto, ainda continuam sendo espaços para privilegiados. Como conseguir que um museu extrapole os limites da elite?
Não há como extrapolar esses limites sem ações de governo. Sem políticas culturais e artísticas definidas. Durante as gestões de Gilberto Gil e Juca Ferreira, eu fui secretário de Cultura de Nova Iguaçu (RJ). E pude participar de uma revolução. O que se fez naquela época em termos de conceito e definição do papel cultural foi revolucionário. Os pontos de cultura, a cultura viva. E é surpreendente como, depois de oito anos de uma experiência espetacular, isso não foi continuado. Enquanto a arte não for entendida como uma coisa fundamental para você compreender o Brasil, não for entendida como ferramenta de educação, o museu será sempre um espaço da elite. Mas o museu, em essência, é um instrumento social. Você tem que ter uma proposta pedagógica para ele. E gestores públicos não são sensíveis a isso.
Por que temos tanta dificuldade de enxergar a cultura como elemento da educação?
A arte tem por finalidade formar brasileiros pensantes. E o ensino brasileiro tem por finalidade formar imbecis. Um exemplo é a formação de um médico brasileiro, feita sem nenhum aspecto humanista. São técnicos e imbecis. Estrategicamente, a educação brasileira não forma seres pensantes. Gente pensante dá trabalho, identifica golpe de longe, não permite que o Brasil vire esse esculacho que estamos atravessando. Não à toa, qual foi a primeira coisa que o governo Temer fez? Mexer no Ministério da Educação e entregá-lo à batuta de um oligarca pernambucano (Mendonça Filho, DEM). Tudo isso só atrasa, mas não impede que rupturas, tensões, revolucionários e questionamentos surjam, porque à educação formal soma-se a educação de mundo.
Por outro lado, mesmo a arte que retrata realidades periféricas é, muitas vezes, feita por artistas que estão no centro. Por que a dificuldade de curadorias, prêmios e instituições em dar visibilidade a artistas de fora do circuito?
Há um circuito tradicional que vem se abrindo, até para poder sobreviver. Uma imagem que gosto de usar para exemplificar o que vem ocorrendo no Brasil é a de que, se antes o fogo estava em banho-maria, agora a panela está em contato direto com a chama. O caldo está na fervura e não há como ignorar a fervura. As instituições que não atentarem para isso morrerão. Para as instituições que querem sobreviver, primeiro é preciso entender que o Brasil tem uma produção muito diversificada. E nenhum curador sozinho é capaz de captar tudo o que acontece no país. Por isso, quando assumi o Prêmio Marcantonio Vilaça, sentamos com o mapa do Brasil e dividimos o país em cinco regiões. Hoje, fazemos pesquisas em cada uma dessas regiões. E, na lista final de 30 artistas, temos que ter no mínimo três de cada região. O resultado é que, dos vencedores no ano passado, tivemos artistas de Goiás, Brasília, Bahia e Pará. Como dar visibilidade aos artistas que estão fora do centro? É sair do comodismo. Mas, de forma geral, o que temos ainda hoje é um circuito institucional débil.
Há um ponto comum na produção contemporânea de arte no Brasil?
Os caminhos e a ramificação da arte são complexos. Mas eu percebo que existe um envolvimento maior dos artistas com a realidade brasileira. O Modernismo na sua etapa terminal acabou falando dele para ele mesmo. Ele morreu ensimesmado. Hoje, talvez pelos impactos do mundo contemporâneo, pelo encurtamento das distâncias e pela globalização, a ideia de que um artista brasileiro não é obrigado a pintar periquitos e papagaios já está consolidada. É justamente por existir essa ideia já consolidada, quase por uma ironia, que os artistas brasileiros têm se voltado para o próprio país. Claro, não através de uma dimensão folclórica e nem de uma linguagem panfletária. Mas, ainda assim, vejo uma imersão no país. Quando uma artista como Virgínia de Medeiros trata da questão da transexualidade, ela se envolve com essa questão e vai buscar suas referências nas ruas de Salvador. Ela não trabalha com a questão, ela se compromete. Esse comprometimento com a realidade é um ponto em comum entre os artistas contemporâneos.
Na última década, houve uma supervalorização da figura do curador. A curadoria, como uma peça central do circuito, chegou ao fim ou só estamos no início desse processo?
Penso que a presença do curador é importante. Sem ele, é o mercado de arte que fará a intermediação entre o artista e o público. Mas, como toda atividade, tem sempre uma espécie de delírio. E o delírio acontece quando os curadores ganham recursos fantásticos para defender suas teses. Nesse caso específico, os artistas entram para ilustrar uma tese do curador picareta. Acredito que o curador tem que entender que o seu papel é no rodapé. Dentro da história de Athos Bulcão, a minha curadoria é um detalhe. E tem que ser assim. Há um estrelismo. O penúltimo curador da Bienal de São Paulo (o escocês Charles Esche) chegou aqui e disse: vamos enterrar o Niemeyer. Como assim? Quem é ele para enterrar o Oscar Niemeyer? Curador-estrela é uma coisa patética. Penso que a curadoria precisa ser um elo com o público. E o Brasil precisa de boas curadorias, porque nós somos um país de histórias mal contadas. Uma boa curadoria artística fornece subsídios para que o público possa ir além da forma. A obra de arte pode ser bonita, mas é preciso ir além da forma.
Muitos museus e instituições culturais brasileiras têm enfrentado problemas financeiros, a exemplo do MAM-BA e do Parque Lage, no Rio, do qual você foi diretor. O que está na raiz dessa pauperização?
Há uma pauperização porque políticas de governo não dão ao tema a prioridade merecida. Acho que a ação da iniciativa privada é muito louvável, mas até certo ponto. Lembro de um acontecimento na gestão de François Mitterrand (presidente francês, de 1981 a 1995) em que uma grande multinacional francesa quis restaurar o Museu do Louvre. Mitterrand disse que não, que o governo iria fazer. Por quê? Porque trata-se de política de estado. Trata-se de uma política de cultura. Não dá para acreditar que a iniciativa privada é quem vai colocar em prática essa política. Isso é baboseira. É algo intransferível. É um papel do governo, que tem que convocar o Ministério da Educação (MEC), para que ele incorpore a questão cultural de fato. Não é trabalhar ao lado, é o MEC ser um agente da cultura. Não dá para acreditar na receita neoliberal de que, já que não está funcionando, a gente entrega tudo para que um banco administre.
No último ano, o Ministério da Cultura foi extinto, reativado e já teve três ministros diferentes. Como vê o atual momento da pasta?
Primeiro, é preciso dizer uma coisa: quando acabar esse pesadelo e chegarmos a uma eleição direta, poderemos dizer que a classe artística, em sua maioria, não apoiou este golpe, não apoiou essa gentalha, essas raposas no galinheiro. Da mesma forma que há forças arcaicas imensas no circuito de arte, impedindo sua democratização, há essas mesmas forças na política. É o Brasil arcaico tentando sobreviver. O Ministério da Cultura acabou. Deram um golpe no país, patrocinado pelo capital financeiro, pelos ricos, pelos oligarcas. Agora temos que segurar a rojão. Minha expectativa é que não seja tão complicado recuperar. A gente tem sobrevivido. E acredito que sobreviveremos.