Ódio a pichadores me deixou tanto tempo presa, afirma jovem, por Laura Capriglione, Folha de São Paulo
Como nascem os filmes, por Paula Alzugaray, Revista Isto É
O vazio e a fúria por Fernando de Barros e Silva, Folha S. Paulo
Faz sentido o curador da 28ª Bienal Ivo Mesquita tirar o corpo fora desta maneira?, por Patricia Canetti
Bienal age de modo cínico e intolerante ao lavar as mãos, por Paulo Herkenhoff, Folha de São Paulo
Matérias de sábado da Ilustrada sobre a prisão da pichadora da Bienal Caroline Pivetta da Mota
Matéria de Laura Capriglione, originalmente publicada na Folha de São Paulo, no dia 20 de dezembro de 2008
Caroline Pivetta da Mota, 24, ganhou ontem a liberdade, depois de 54 dias de prisão. Ela chegou a chorar ao se despedir da condenada por assalto a mão armada com quem dividiu uma cela na Penitenciária Feminina de Santana (zona norte de São Paulo).
Saiu com uma micose que lhe provoca coceiras pelo corpo todo, "culpa da sujeira daquele lugar", e com a convicção de que sua prisão prolongada foi decorrência do ódio que a sociedade dedica aos pichadores, causado pelas "malditas pessoas que picham um muro branco". Como é que é?
"Nem o Fernandinho Beira-Mar, se fosse pego pichando um muro, receberia a pena que ela já recebeu. O Ministério Público denunciou a Caroline pelo crime de destruição de um bem protegido por lei, quando deveria tê-la denunciado pelo crime ambiental de pichação. Já seria um erro. Há mais. Também não se aplica a "destruição". O muro pichado por ela foi pintado e continua lá. Não houve destruição nenhuma."
Para ex-ministro da Justiça, punição foi "draconiana"
Matéria de James Cimino, originalmente publicada na Folha de São Paulo, no dia 20 de dezembro de 2008
Os 54 dias em que a gaúcha Caroline Pivetta da Mota ficou presa são considerados, na opinião de especialistas ouvidos pela Folha, uma penalidade excessiva e equivocada.
"Ainda que ela fosse a primeira pichadora de São Paulo, não há justificativa para tamanho rigor. A impressão que dá é que ela foi pega como bode expiatório, e isso extrapola os limites da lei", diz o ex-ministro da Justiça do governo Fernando Henrique José Gregori, presidente da Comissão de Direitos Humanos da Cidade de SP.
Para ele, "a Justiça foi de uma severidade draconiana".
Opinião semelhante tem o advogado David Rechulski, especialista em crimes ambientais: "É claro que ela cometeu um ato criminoso, mas essa conduta caracteriza um crime de menor potencial ofensivo".
Segundo ele, a denúncia contra ela está tipificada erroneamente. "De acordo com a denúncia feita pela Promotoria, o crime cometido por ela fere o artigo 62 da lei 9.605, que versa sobre destruição de bem protegido por lei. No entanto, há um artigo específico sobre pichação, o 65, na mesma lei e cuja punição é bem mais branda."
Rechulski diz que "é um absurdo" a jovem permanecer tanto tempo presa. "Seria mais apropriado que ela fosse condenada a pintar as pichações da Bienal, já que a finalidade da pena é não apenas ser punitiva mas também educativa."
Além disso, diz o advogado, "ela não é uma criminosa violenta que deva ser segregada da sociedade e exposta à influência de criminosos de alta periculosidade em um presídio".
A reportagem entrou em contato com o Ministério Público Estadual, mas a promotora responsável pelo caso da jovem não foi localizada até o fechamento desta edição.
Posted by Gabriela Miranda at 4:36 PM
Diretor Michel Gondry evoca cinema low tech e estética da gambiarra em novo filme e exposição interativa, por Paula Alzugaray
Matéria de Paula Alzugaray, originalmente publicada na Revista Isto É edição 2040, no dia 3 de dezembro de 2008
Na era da informação, em que um vídeo caseiro pode ganhar o mundo e milhares de page views em poucas horas - ou encalhar de vez no anonimato da rede -, o diretor francês Michel Gondry propõe uma volta ao filme analógico, ou melhor, ao tempo em que se fazia cinema como uma experiência coletiva.
"É claro que a internet conecta as pessoas", disse Gondry em coletiva de imprensa, em São Paulo. "Mas a comunicação é realmente diferente quando se está fisicamente em contato. É importante ter que sair de casa e encontrar as pessoas para fazer um filme." Essa é a proposta do projeto Rebobine, por favor, que chegou a São Paulo em forma de longa-metragem e de exposição.
O filme, uma deliciosa comédia protagonizada por Mos Def e Jack Black, conta a história de dois amigos que desmagnetizam por acidente todo o acervo de fitas VHS de uma locadora. Para que o patrão não descubra a trapalhada, a dupla decide refazer os blockbusters da locadora, começando por Caça-fantasmas e Robocop. As produções caseiras conquistam o bairro e aos poucos os amigos mobilizam toda a comunidade em produções piratas, mambembes e absolutamente geniais. O filme comove porque desmistifica a tecnologia e a indústria do cinema, propondo a criação coletiva como saída para o tédio e a mesmice.
Em cartaz no MIS, Rebobine, por favor - a exposição na realidade não é uma exposição, mas uma experiência interativa, que proporciona ao público a chance de fazer um filme em três horas. Em grupos organizados a partir de inscrição prévia pela internet (www.rebobineporfavorexposicao.com.br), os participantes realizam um roteiro e têm à disposição 13 cenários customizáveis - entre eles, um quarto, uma floresta, uma cabine de trem e um fusca -, para rodar seu próprio filme. Os vídeos ficam expostos nas prateleiras da locadora Rebobine, por Favor, a mesma que aparece no longa-metragem. Nos workshops, erros são bem-vindos. Nas "regras para filmagem", Gondry é explícito: "Não se esqueça: a perfeição é uma adversária e poderá gerar desânimo no grupo."
Premiado em 2005 com o Oscar pelo roteiro original de Brilho eterno de uma mente sem lembranças, Gondry começou a carreira dirigindo os vídeos da banda de rock francesa Oui Oui, na qual ele próprio tocava bateria. O diretor reconhece Rebobine, por favor como um filme autobiográfico, pois construiu sua carreira sempre em parcerias e processos colaborativos.
Artistas de países latino-americanos se instalam no circuito de arte paulistano. Após várias coletivas ao longo do segundo semestre, o ano encerra com três individuais que refletem a diversidade e o potencial da região. O público poderá ter um primeiro contato com a obra do artista conceitual Roberto Jacoby, que nunca expôs no Brasil. Pioneiro da performance e do uso crítico de meios de comunicação de massa na Argentina, Jacoby apresenta uma reedição de 30 cartazes (à dir.) e fotografias da série La castidad, na Baró Cruz, e um vídeo na Estação Pinacoteca. "Tenho um olhar atento, porque a arte latino-americana tem muito para dar - mais que a arte européia - e o colecionador brasileiro está perdendo o preconceito", diz a galerista catalã Maria Baró, que vive há 11 anos no Brasil e este ano apresentou uma seleção de arte contemporânea mexicana e uma individual do jovem cubano Wilfredo Prieto. O Peru está representado em São Paulo na mostra Milagros (acima), de Sandra Gamarra, peruana radicada na Espanha, e a Colômbia aparece na obra da Yolima Reyes. A iniciante Yolima foi descoberta pelo curador brasileiro Ricardo Resende, que viveu em Cali durante dois meses, durante uma residência artística.
"Tenho certeza, pelo que vi, que a Colômbia vai virar moda. A produção é muito interessante e a revitalização a que o país está sendo submetido, ainda que de maneira ditatorial, deverá ajudar", diz o curador.
Posted by Gabriela Miranda at 10:59 AM
Posted by Gabriela Miranda at 10:09 AM | Comentários (2)
Posted by Patricia Canetti at 8:04 AM | Comentários (11)
Posted by Patricia Canetti at 7:47 AM | Comentários (1)
Artigo de Fernando de Barros e Silva publicado originalmente na Opinião, da Folha de S. Paulo, segunda-feira, 15 de dezembro de 2008.
Posted by Patricia Canetti at 7:35 AM | Comentários (1)
Faz sentido o curador da 28ª Bienal Ivo Mesquita tirar o corpo fora desta maneira em relação ao episódio da pichadora presa?
Já são muitos os protestos contra a prisão de Caroline Pivetta da Mota, a pichadora do Vazio da Bienal. Trocas de mensagens, listas de discussão a mil, comentários no abaixo-assinado, artigos em blogs, matérias em jornais, todos, ou a grande maioria, se indignam com o fato desta transgressão estar sendo penalizada criminalmente. Seja pela absurda lógica do nosso Judiciário, que parece só conseguir se mostrar forte e tenaz em situações dúbias como esta, ou seja pelo ridículo de ver uma bienal de arte prestando queixa contra atos político-culturais.
Ivo Mesquita, o curador desta edição da Bienal (e vou me referir apenas a ele porque a co-curadora Ana Paula Cohen sumiu) diz não ter nada a ver com a situação, porque a moça foi detida por atacar um patrimônio tombado e ele é apenas um funcionário terceirizado da Fundação Bienal. Será mesmo verdade?
O que foi atacado não foi apenas o prédio da Bienal. Este não sofreu com os pichadores qualquer dano permanente ou nada que um centro de exposições não sofra regularmente com troca de eventos, ou seja, repintura. O outro objeto atacado foi a mostra Bienal e é nela que incide a responsabilidade do curador, inclusive em relação à ação dos seguranças, ao chamamento da polícia e boletim de ocorrência realizado na delegacia e às prisões efetuadas. Pois caberia ao curador da mostra acolher ou rechaçar a intervenção, aceitá-la como uma resposta do público ou decretá-la um delito. Ele optou pelo delito e é isso que me intriga...
O que fez o curador não aceitar a intervenção dos pichadores?
Podemos assumir que uma exposição enquanto obra deva estar sob o controle de seus criadores. Normalmente, estas devem terminar como iniciaram, sem sofrer alterações que venham interferir no conceito e na forma pré-determinados pelos seus criadores. Certo? Anacrônico, no mínimo, eu diria (nós, artistas, sabemos que na prática não é bem assim), e a ação dos pichadores demonstrou isso.
Ao chamar a polícia e mandar prender (e esta atitude foi anunciada pela curadoria na entrevista coletiva quando perguntada se os curadores estavam cientes dos planos dos pichadores), repintar o andar vazio e impor a revista aos visitantes, os curadores acharam que tinham retomado o controle de sua obra. Formalmente, talvez. Mas e quanto ao sentido? Uma vez maculado pela ação dos pichadores, com reportagens na imprensa e vídeos na internet, já gravados em nossa memória e sendo reavivados pelo aparato de segurança na entrada da Bienal, ainda era possível vivenciar o vazio repintado de branco contendo somente a proposta inicial dos curadores?
Sem perceber a contaminação já em processo, o roteiro original foi retomado: debates, exibições, shows e performances aconteceram sem maiores transtornos aparentes. Mas o sentido primordial da "Em vivo contato", título da 28ª Bienal de Arte de São Paulo, já havia sido transformado pela ação dos pichadores e também pela reação repressora da instituição. Então, o que vivemos nesta bienal, que pretendia debater sobre os formatos de bienais e a importância da existência de centenas delas em vigor atualmente, foi uma cisão esquizofrênica. De um lado, os curadores obsessivamente apegados à sua "obra" (e ao seu formato) e, do outro, a pichadora Caroline presa lembrando a todos nós que a intervenção dos pichadores tinha estado ali fazendo a sua parte, questionando o formato daquela própria bienal.
Neste exato momento recebo o texto de Paulo Herkenhoff publicado hoje na Folha de S. Paulo e nele ele responde uma dúvida que eu tinha sobre Antonio Manuel ter sido ou não preso quando ficou peladão no MAM do Rio em 1972. Ele escapou correndo da polícia e com a ajuda dos seguranças da instituição. Já em 2008, os seguranças da Bienal estavam lá para prender, pois esta era a diretriz da instituição e dos curadores.
Ivo Mesquita parece dormir com a consciência tranqüila, porque outras intervenções (bem-comportadas) aconteceram e a ação dos pichadores, esta com "tática terrorista", foi devidamente reprimida. E, com isso, ele avisou na sexta-feira no debate do Maria Antônia, que estava saindo de férias, deixando a moça Caroline ainda presa e nós, o seu público de especialistas, atônitos.
Criadora e coordenadora do Canal Contemporâneo
PS - Recomendo além da adesão ao abaixo-assinado, é claro, a leitura dos comentários no LIBERTEM A PICHADORA CAROLINE PIVETA DA MOTA. Abaixo, reproduzo três deles.
MAURÍCIO DIAS, artista
Há outras responsabilidades da Bienal, sim!!! A Bienal não é apenas um prédio, é o resultado da interação de todas as suas edições e seus respectivos públicos. A grafiteira em questão é também parte de seu público. Não ter responsabilidade?! Por exemplo a Bienal poderia, deveria aliás, interceder publicamente, através de um manifesto à circular entre artistas e intelectuais, na web e na imprensa, em favor da grafiteira, afinal muito mais grave do que o crime de uma jovem pichadora no andar supostamente "vazio" são os crimes de colarinho branco, de corrupção administrativa da já velha direção da própria Bienal, estes crimes sim que perpetuam o verdadeiro "vazio" (o moral da classe artística deste país). A penalização exacerbada desta jovem face a história recente desta instituição é indecente! Não dá pra ficar calado.
RACHEL ROSALEN, artista
É uma vergonha esta política punitiva e autoritária, é uma vergonha que a Fundação Bienal não tenha tomado nenhuma atitude e não tenha assumido sua própria proposta, ou seja, que o mais interessante foi o que exatamente aconteceu: uma ocupação do vazio que, na sua latência, chamou atenção da comunidade que se propôs a ocupa-lo. Ao invés de uma abertura de diálogo e discussão sobre o que este ato significou, a Bienal optou pela omissão e, 40 anos depois, dentro do que deveria ser um espaço de vanguarda da arte, fez referência ao AI5 ao avalizar a supressão do direito de livre expressão. Para justificar tal prisão, o governo decidiu pelo apagamento dos grafites da cidade. Quando esta parecia uma discussão dos anos 60, em boa hora, I/Legítimo, com curadoria de Priscila Arantes e Fernando Oliva, "convida os visitantes a repensarem os mecanismos de legitimação e exclusão nos circuitos artísticos mainstream e underground" e discute a absorção de manifestações de rua pelo sistema da arte.
RODOLFO CAESAR, artista
Era uma armadilha! Mas caiu o rato errado. Se um artista reconhecido tivesse garatujado naquelas paredes, seria a consagração (dele e) da bienal. Mas quis o acaso que caisse uma reles grafiteira fora do sistema... Isso demonstra não o 'fim da arte' ou a falência da bienal, mas o limite do sistema da arte.
Posted by Patricia Canetti at 11:04 AM | Comentários (8)
Com mais repressão, deixará de ser um problema de excessivo rigor penitenciário para se tornar uma questão para estudos éticos curatoriais e debates estéticos. Se a
Fundação Bienal de São Paulo não se cuidar, a conclusão a que se poderá chegar é a de que o principal problema da Bienal é a 28ª Bienal e a estrutura política que a sustentou.
Posted by Gabriela Miranda at 10:33 AM | Comentários (8)
Matérias de Lucas Neves e Silar Martí originalmente publicadas na Folha de S. Paulo, Ilustrada, no sábado, 13 de dezembro de 2008
Artistas de diversas áreas criticam a prisão da jovem Caroline Pivetta da Mota, que pichou o pavilhão da Bienal de São Paulo
O diretor de teatro José Celso Martinez Corrêa chegou a classificar o caso como "coisa de AI-5". A maioria dos artistas, críticos e curadores ouvidos pela Folha também critica a Fundação Bienal e os curadores Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen pelo que classifica de silêncio, omissão e a perda de uma oportunidade para um debate mais amplo sobre o caso.
Mota, que fez aniversário ontem dentro de uma cela, participou de "ataques" coordenados à galeria Choque Cultural, em Pinheiros, e ao Centro Universitário Belas Artes. Enquadrada no artigo 62 da Lei do Meio Ambiente, por destruição de patrimônio cultural, pode pegar até três anos de prisão.
"Prisão pode macular liberdade de expressão"
Ministro da Cultura diz ser "exagerada" a detenção da jovem que pichou a Bienal
Artistas vêem andar vazio como convite velado a pichadores; fala de curadora sobre "gente da periferia" seria outra provocação
"O discurso da curadoria era um pouco estranho. Dizer "gente da periferia" é um grande engano", afirma o curador Cauê Alves, um dos signatários do manifesto que circula na internet a favor da soltura de Mota.
"É uma tática terrorista", diz Ivo Mesquita
"A curadoria não pode fazer nada, nem deve fazer nada", diz Mesquita. "A curadoria é um serviço terceirizado, que a Bienal contrata apenas para fazer um projeto."
Mesquita classifica a ação dos pichadores como "arrastão". "Uma coisa é grafiteiro, pichação; outra coisa é uma tática terrorista de arrastão, 40 a 50 pessoas, com um histórico nada bom, que invadem lugares como a Belas Artes e a Choque Cultural e destroem obras de arte."
Sobre uma possível intervenção a favor do relaxamento da prisão de Caroline Pivetta da Mota, Mesquita concorda com boa parte dos artistas e curadores ao dizer que "a pena é pesada", mas descarta a possibilidade de tomar qualquer tipo de ação. "Eu não sei o que a curadoria tem a ver com isso."
O presidente da Fundação Bienal de São Paulo, Manoel Francisco Pires da Costa, que concordou em dar entrevista por e-mail, ignorou boa parte das questões enviadas pela reportagem, limitando-se a uma resposta de um parágrafo, em que voltou a lamentar "profundamente" o ocorrido, "bem como a situação por que passa a jovem".
"No entanto, nosso corpo jurídico está à disposição da advogada da jovem para contato", diz Pires da Costa. "Entendo que, se de fato trata-se de ré primária, o caso poderia ter tratamento diferenciado", afirma.
Pires da Costa também ressaltou, no entanto, que "não há como intervir diretamente". "A jovem cometeu crime contra o patrimônio público tombado e em flagrante delito."
"Isso é exagerado e pode macular o momento de liberdade de expressão. Ela não destruiu o patrimônio; pichou uma sala vazia numa Bienal em que o público foi convidado a interagir"
"Os agentes culturais são, de repente, os agentes policiais, como eram os militares em 1968, no AI-5. Por que fazem a Bienal do Vazio, então? Vazio, para qualquer artista, é uma coisa que deve ser preenchida"
"Acho um escândalo a prisão. A Bienal é, em princípio, uma trincheira da resistência da liberdade de expressão. A reação da instituição foi histérica"
"A curadoria não pode fazer nada, nem deve fazer nada. A manifestação foi um arrastão. Uma coisa é grafiteiro, cultura urbana. Outra coisa é uma tática terrorista de arrastão"
IVO MESQUITA, curador da 28ª Bienal de São Paulo
"A Bienal perdeu uma oportunidade importante para discutir essa questão. Se eu fosse a curadora, teria de responder pelo andar vazio, ainda mais com a visão de que isso tira dos artistas um espaço que lhes é de direito"
DANIELA BOUSSO, diretora do MIS e do Paço das Artes
"Não acho que isso seja uma manifestação artística. Acho que é vandalismo. Os pichadores exageram na desculpa, no argumento por trás dessa expressão"
Posted by Patricia Canetti at 1:53 PM | Comentários (4)
Posted by Patricia Canetti at 1:28 PM | Comentários (1)
Posted by Patricia Canetti at 1:13 PM | Comentários (3)
Posted by Gabriela Miranda at 11:12 AM | Comentários (7)
Posted by Paula Alzugaray at 10:53 AM | Comentários (1)
Exposição evidencia influência de Weissmann, por Mario Gioia, Folha de São Paulo
Exposição evidencia influência de Weissmann
Matéria de Mario Gioia, originalmente publicada na Folha de São Paulo, no dia 11 de dezembro de 2008
Mostra no Tomie Ohtake destaca esculturas realizadas na década de 50
Nome decisivo da escultura brasileira, artista morreu em 2005; individual tem 14 peças, incluindo três trabalhos mais recentes
Ele foi professor de Amilcar de Castro, assinou o "Manifesto Neoconcreto", fez parte do grupo Frente e sua escultura é uma grande influência para artistas como Waltercio Caldas e José Resende. Mesmo assim, suas exposições não são tão freqüentes e, só agora, três anos depois de sua morte, é que ele ganha uma mostra representativa de sua obra.
Franz Weissmann (1911-2005), um dos nomes decisivos da escultura brasileira, tem 14 peças em exibição no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, na mostra "Franz Weissmann - Experimentação e Lirismo", que é aberta hoje a convidados, às 20h.
Com curadoria do crítico carioca Marcus Lontra, ex-diretor do MAM-RJ (Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro), a seleção não é uma retrospectiva, mas um recorte de trabalhos importantes do artista, em especial os da década de 50, quando Weissmann estava na linha de frente da arte construtiva no Brasil.
"Foi naquele período que Weissmann efetivamente começou a elaborar alguns conceitos centrais de sua obra, como o uso do vazio. Escolhi três outras esculturas, de 2003, para mostrar o quanto aqueles trabalhos dos anos 50 dialogam com força com peças que foram feitas mais de 50 anos depois", afirma o curador.
Essas três esculturas selecionadas por Lontra estão no centro de uma das salas expositivas do instituto, são de aço inox e estão lado a lado de trabalhos famosos de Weissmann, como as Colunas Neoconcretas, os Cubos e os Fios.
"É engraçado ver como algumas de suas esculturas mais recentes parecem pedir um tamanho maior.
Weissmann quer mais é que o público passe debaixo delas, participe espacialmente da escultura. Por isso, gostava tanto de sua obra pública em seus últimos anos", conta o curador.
Alguns dos trabalhos mais célebres de Weissmann podem ser vistos em espaços públicos, como na praça da Sé, no Memorial da América Latina e no jardim do Museu de Arte Brasileira, na Faap, em São Paulo, e também no Parque da Catacumba, no Rio de Janeiro.
Com um recorte significativo da produção do artista nos anos 50, Lontra desenhou uma exposição menos colorida e mais geométrica. "Mas isso não quer dizer que ele era partidário de um racionalismo estanque. Vejo sua obra como filiada a um modernismo contaminado, ele usa a precisão das formas e trabalha o vazio com planejamento, mas se deixa influenciar por outros elementos não-previstos", avalia o curador.
Assim, uma das Torres feitas pelo artista em 1957 e presente em "Experimentação e Lirismo" parece derivar de uma Coluna, de 1952, e perder um pouco da sua rigidez. "Um construtivista não deixaria essa Torre tão aberta, com esse ar livre. Suas obras anteriores se fechavam nelas mesmas, mas a Torre aponta que Weissmann era sensível a algo menos planejado e controlado", diz Lontra.
Austríaco radicado desde 1921 no Brasil, Weissmann morou no norte do Paraná, em São Paulo, em Belo Horizonte e no Rio, cidade onde passou a maior parte da sua vida. Em 1948, começa a dar aulas de desenho e escultura na Escola do Parque, em BH, para alunos que se tornariam grandes nomes da arte brasileira, como Amilcar de Castro (1920-2002), Mary Vieira (1927-2001) e Farnese de Andrade (1926-1996). Na escola, onde fica até 1956, convive com Guignard (1896-1962), que o chamara para o cargo.
Nos anos 50, começa a ter ligações com a arte construtiva, influenciado pela "Unidade Tripartida", escultura do suíço Max Bill exibida na primeira edição da Bienal de São Paulo, em 1951. Na segunda edição do evento, em 1953, já apresenta "Cubo Vazado" -presente na exposição do Tomie- e, dois anos depois, faz parte do grupo Frente, ao lado de nomes como Ivan Serpa (1923-1973) e Lygia Clark (1920-1988), que organizará importantes mostras de arte concreta no Brasil, como as ocorridas no MAM paulistano e no do Rio em 1956 e 1957.
"O interessante é que ele vai buscar novos caminhos.
Faz estruturas "amassadas" nos anos 60, vai testando mais cores nos anos 70. E nunca deixa de experimentar", afirma o curador.
Posted by João Domingues at 9:46 AM | Comentários (4)
Abaixo-Assinado: SOS Museu Imperial em defesa de Maria de Lourdes Horta
O MUSEU QUE SE VÊ, E O QUE ESTÁ POR TRÁS DO QUE NÃO SE VÊ...
As imagens podem ser muito mais convincentes do que as palavras. Quem vai ao Museu Imperial (MI), em Petrópolis, vê, com seus próprios olhos, uma instituição pública exemplar, que recebe uma média anual de 300 mil visitantes, e escolhida, em quinto lugar, à frente do Maracanã e da Praia de Ipanema, como uma das "Sete Maravilhas" do Estado do Rio de Janeiro.
A museóloga Maria de Lourdes Parreiras Horta, servidora pública federal concursada, há 43 anos no serviço público e há 17 à frente do MI, implantou um modelo de gestão, em parceria com a sociedade civil, que trouxe benefícios visíveis ao museu e ao patrimônio público, com novos serviços oferecidos à população, como a educação patrimonial aos grupos escolares, o espetáculo de "Som e Luz", restaurante, loja de produtos culturais, serviço de "audioguides", sala de cinema e o projeto "O museu que não se vê". Essas atividades incrementaram a visitação ao museu e à cidade de Petrópolis, incentivando o turismo e a atividade hoteleira no município, fazendo do MI atualmente uma das âncoras mestras do turismo no Estado do Rio.
A excelência da instituição se traduz em números: o MI responde hoje por mais de 50% da arrecadação de todo o IPHAN (incluindo os demais museus federais), recolhendo aos cofres públicos, anualmente, cerca de R$1.500.000,00, oriundos de sua bilheteria.
Desde 1991, o MI conta com uma Sociedade de Amigos (SAMI), criada por iniciativa de Maria de Lourdes, para apoiar o desenvolvimento de sua missão institucional. A Diretoria da SAMI é composta de personalidades públicas de renome internacional, alguns entre os mais importantes empresários do país, que emprestam de forma graciosa o seu tempo e reputação em prol do MI, da cidade de Petrópolis e da cultura do país. As atividades desenvolvidas em parceria com a SAMI, reconhecida em 2005 como uma OSCIP, e que não recebe nem um centavo de verba pública, geram receita extraordinária de cerca de mais de R$1.000.000,00 por ano, integralmente aplicados no MI, e com rigorosa prestação anual de contas ao Ministério da Justiça.
Esses recursos complementares gerados pela SAMI em benefício exclusivo do MI permitem, por exemplo, a aquisição de peças para o acervo, restauro de peças raras, aquisição de materiais e equipamentos e contratação de serviços técnicos (uma média de 100 profissionais ao ano, como restauradores, pesquisadores, pedagogos, técnicos, pintores, entre outros). Esse modelo inovador de parceria do privado em prol do público deu uma nova imagem ao órgão, ajudando a fazer do MI uma referência nacional e internacional. Em 1999, graças à sua excelente imagem e competência técnica, o MI recebeu a maior doação de um acervo particular ao acervo público na história do país, a Casa Geyer e sua coleção "brasiliana". No mesmo ano, o Suplemento de Artes do New York Times publicou matéria indicando o Museu como um dos "5 Tesouros Escondidos" no mundo.
O esmero no atendimento e os serviços oferecidos resultam em um número cada vez maior de visitantes, e conseqüentemente em uma arrecadação cada vez maior, em um círculo virtuoso que só traz benefícios aos visitantes do MI e à cidade de Petrópolis, que atribui ao sucesso do MI mais da metade do seu fluxo de turistas.
Infelizmente, essa história de sucesso foi interrompida. A partir de denúncias anônimas e insinuações, foi instaurado um processo administrativo disciplinar para averiguar supostas "irregularidades" na gestão do MI em sua parceria com a SAMI, sugerindo "indícios" de improbidade administrativa. Sem que tenha havido especificação das suspeitas que sobre ela recaem, Maria de Lourdes foi arbitrariamente afastada da direção do MI, e passou a ser alvo de denúncias anônimas e reportagens injuriosas que ofendem sua longa história de dedicação ao serviço público e a todos aqueles com quem ela construiu uma carreira de sucesso e um museu que não deixa nada a dever aos grandes museus internacionais. Todas as iniciativas empreendidas em parceria com a SAMI foram suspensas, trazendo imediato dano à vida e à economia da região, e a perda do emprego de vários funcionários, da noite para o dia.
É inaceitável que uma carreira consistente seja interrompida com base em acusações desprovidas de fundamento, muitas vezes de autoria desconhecida, e com um claro intuito político de remover Maria de Lourdes do seu cargo. Sem conseguir acusá-la de incompetente ou ineficiente, recorrem a instrumentos covardes de intimidação característicos de sistemas autoritários. Não é apenas Maria de Lourdes que está sofrendo o prejuízo de tais manobras, mas também todos os que levam a cultura a sério neste país.
Maria de Lourdes, precursora da educação patrimonial no Brasil, é referência na área de museus em todo o país, reconhecida internacionalmente e exemplo sólido de gestão profissional do patrimônio público. Merece todas as honras, todo o nosso respeito e toda a nossa admiração. Entretanto, vê-se covardemente acuada por manobras torpes dos que pretendem denegrir a sua história de abnegada dedicação ao serviço público. Não podemos assistir calados a tamanha injustiça.
QUE O MINISTÉRIO DA CULTURA VENHA A PÚBLICO, O QUANTO ANTES, PARA CORRIGIR ESTES DISPARATES!
Posted by Gabriela Miranda at 9:47 AM | Comentários (1)
MAM revê 60 anos com mostra grandiosa, por Fabio Cypriano, Folha de São Paulo
MAM revê 60 anos com mostra grandiosa
Matéria de Fabio Cypriano, originalmente publicada na Folha de São Paulo, no dia 8 de dezembro de 2008
"MAM 60", que comemora os 60 anos do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), na Oca, é uma exposição imperdível. Com curadoria de Annateresa Fabris e Luiz Camillo Osório, membros do conselho consultivo do museu, está longe de ser uma comemoração burocrática da efeméride da instituição.
Organizada em três pisos, "MAM 60" tem início com um relato sobre a constituição do museu, em uma mescla de documentos e obras. Nesse segmento, algo que poderia ser enfadonho revela-se precioso documento histórico: um retrato da Guerra Fria, quando o Museu de Arte Moderna de Nova York esforçava-se em criar vínculos com o Brasil.
Nesse primeiro andar, são destaques as obras de alguns artistas relevantes para a constituição da arte moderna, como George Grosz, Kurt Schwitters e Alexander Calder. Tais trabalhos, hoje pertencentes ao MAC da USP, são representativos da primeira crise do museu, em 1963, quando seu criador, Ciccillo Matarazzo, transferiu a coleção do MAM para a USP, além de sua coleção pessoal e a de Yolanda Guedes Penteado.
Essa crise representou o fim da coleção moderna do museu, reorganizado por vários intelectuais, entre eles o crítico Mario Pedrosa. A mostra acerta ao não valorizar esses poucos e fracos trabalhos modernos do acervo, mas justamente a fase que começa a partir de então.
De forma delicada, o acervo contemporâneo é apresentado a partir de eixos nominados por artistas com forte presença na coleção, nos outros dois andares. A exceção é o primeiro núcleo, Nova Figuração, destacando produção nacional que torna o pop uma tendência de contestação ao regime militar, ao contrário do pop americano.
A partir daí, a mostra desenvolve-se em núcleos como Lívio Abramo, que apresenta uma rica constituição de gravadores como Antonio Henrique Amaral, Roberto Magalhães e Oswaldo Goeldi. Outro grupo traz fotógrafos experimentais, como Thomaz Farkas e Geraldo de Barros. Mais do que núcleos temáticos, os agrupamentos criam diálogos instigantes como, por exemplo, apresentando, lado a lado, fotografias conceituais de Carla Zacagnini e outras mais voltadas à performance, de Lenora de Barros.
No último andar, dois percursos são criados, um tendo por princípio o multimídia Flávio de Carvalho, e outro pelo pintor Alfredo Volpi. Em cada um, novos diálogos são sugeridos, e um dos mais significativos é a "Série Trágica. Minha Mãe Morrendo" (1947), de Carvalho, próxima aos vidros estilhaçados de Iran do Espírito Santo. O acervo do MAM tem lacunas, mas a mostra revela que é possível apresentá-lo de forma grandiosa, ao propor novas formas de observá-lo.
Teatro em alta definição, por Paula Alzugaray, Revista Isto É
Matéria de Paula Alzugaray, originalmente publicada na Revista Isto É edição 2038, no dia 19 de novembro de 2008
Robert Wilson dirige celebridades e atores independentes em vídeo-retratos operísticos. Voom Portraits – Robert Wilson/ SESC Pinheiros, SP/ até 1/2/09
Ícone da vanguarda norte-americana, Robert Wilson se notabilizou pela reconstrução da linguagem operística. Madame Butterfly, Parsifal, A Flauta Mágica, nenhum clássico resistiu ao seu tratamento multimídia. Em 1976, ele reiniciou definitivamente o gênero da ópera com a criação de Einstein on the Beach, em colaboração com o músico Phillip Glass. Mas Bob Wilson é um desses artistas inclassificáveis, que não se adequam a categorias artísticas pré-concebidas. Atribuem-se a ele as atividades de diretor, coreógrafo, performer, designer de luz e vídeo-artista. Na exposição que trouxe-o ao Brasil, ele exerce com maestria cada uma dessas funções. Wilson não está em São Paulo para a apresentação não de uma peça teatral, mas de uma série de mini-operetas, exibidas dentro de televisores de plasma, ou projetados na parede, em dimensões monumentais.
Os "vídeo-retratos" aqui expostos têm quase sempre o formato clássico dos retratos da pintura pós-renascentista. São verticais e representam o retratado em sua totalidade, petrificados em uma pose estática e com o olhar direcionado para o pintor – ou o fotógrafo. De fato, poderíamos estar diante de pinturas hiper-realistas, se os personagens não executassem micro-coreografias diante da câmera de alta definição de Robert Wilson, desempenhando gestos mínimos como vestir uma máscara de lobo, mascar chicletes, ou marcar o compasso da trilha sonora com o pé esquerdo. Os retratos foram realizados durante uma residência artística de Wilson na emissora de televisão de alta definição Voom e poderiam, segundo o diretor, "ser vistos na tevê, em galerias, museus, estações de metrô, hotéis, aeroportos, ou mesmo no quadrante de um relógio de pulso". Posam para os retratos pop stars como Winona Ryder, Brad Pitt, Isabella Rosselini e a princesa Caroline de Mônaco. Mas também há atores cult, como Steve Buscemi, que posa como carniceiro, e anônimos, como o mecânico Norman Paul Flemming. Nas trilhas sonoras, colaboram Lou Reed e Tom Waits.
Pintor em branco e preto
O pintor carioca Almir Mavignier, 83 anos, fez carreira na Europa e se naturalizou alemão em 1981, mas é parte da história da arte brasileira. Quando deixou os colegas Abraham Palatnik e Ivan Serpa para ir estudar na Alemanha, há 57 anos, a Bienal de São Paulo estava em sua primeira edição e o abstracionismo ganhava espaço por aqui. "Estrangeiro na Alemanha e estranho no Brasil", esse cidadão do mundo expõe em São Paulo até 13/12, na DAN galeria.
O que você está expondo em São Paulo?
Muitos dos quadros dessa exposição têm mais de 27 anos. A idéia de pintar em preto-e-branco surgiu quando conheci uma galeria em Düsseldorf inteiramente branca. Essa experiência despertou questionamentos. O que é a cor? O que é a forma? Nasceu o conceito de libertação da cor de sua forma, através de efeitos com luz.
Sente-se mais alemão ou brasileiro?
Em 1969, fui selecionado para representar a Alemanha na Bienal de São Paulo. Meus colegas alemães ficaram pálidos com a notícia. Eu era um brasileiro expondo no meu pais, mas era um estrangeiro naquele departamento. Infelizmente, não recebi nenhum prêmio. A Bienal foi criada para valorizar os artistas brasileiros, permitindo a concorrência com os grandes nomes internacionais. Um brasileiro representando a Alemanha, com 30 quadros, era algo muito forte. Foi uma situação muito estranha, mas foi uma exposição belíssima. Eu me sinto um corpo estranho aqui.
Cuidado: contém videoarte
Container art /Parque Villa Lobos, SP/ até 28/11
A presença de 24 containeres industriais espalhados sobre o gramado de um parque é, no mínimo, desconcertante. Conhecer seu conteúdo será, no entanto, bem mais intrigante. Dentro de cada container encontra-se uma seleção do melhor do atual vídeo experimental brasileiro. Nesse museu modular a céu aberto, montado no Parque Villa Lobos até o próximo sábado, o público assiste a trabalhos de 50 artistas e encontra desde produções com equipamentos sofisticados e tecnologia de ponta, até vídeos produzidos com meios domésticos e portáteis, como celulares, webcams e câmeras de bolso. "O vídeo é um meio super utilizado como suporte e o container, que é um espaço ambíguo e modular, permite ampliar as possibilidades de diálogos. É como brincar de lego", diz o artista multimídia Lucas Bambozzi, que assina a curadoria da mostra com o videoartista Cao Guimarães.
Posted by Paula Alzugaray at 9:37 AM
Brasil atrasa escolhas da 53ª Bienal de Veneza, por Silas Martí, Folha de São Paulo
Faltando meses para a mostra, país ainda não definiu sua representação nacional
Escolha do curador e artistas deveria ocorrer com um ano de antecedência; outros países com o próprio pavilhão já anunciaram curadorias
"O correto é definir tudo um ano antes, mas eles avisam a gente com três meses de antecedência", revela uma pessoa ligada à produção do pavilhão brasileiro em Veneza. E não foi diferente nas quatro últimas edições da mostra na Itália: artistas foram convidados em cima da hora, tendo pouco tempo para elaborar seus projetos.
Segundo galeristas dos artistas representados em outras edições, não há verbas para o transporte aéreo e sempre houve o risco de que as obras, que viajam de navio, não chegassem a tempo a Veneza.
"Eles estão atrasados", diz o curador da atual Bienal de São Paulo, Ivo Mesquita. "É de novo aquela coisa de, na última hora, sair correndo."
A situação se arrasta desde 2004, quando foi quebrada a tradição de que o curador da Bienal de São Paulo, quando escolhido, faça primeiro o pavilhão nacional em Veneza antes de assumir a curadoria da mostra no Brasil. No caso, Alfons Hug havia concluído a 26ª Bienal de São Paulo, mas, como não havia sido escolhido o próximo curador, acabou tocando mais uma representação brasileira em Veneza, a de 2005.
O mesmo se repetiu em 2006, quando Lisette Lagnado concluiu a 27ª Bienal e Ivo Mesquita ainda não havia sido eleito curador da Bienal atual. Numa medida que evitou que Lagnado fosse a curadora do pavilhão brasileiro em Veneza, a Bienal de São Paulo criou o cargo de curador da fundação, hoje ocupado por Jacopo Crivelli Visconti, que se encarregou da última representação nacional em Veneza.
Visconti garante, no entanto, que não será ele o próximo curador, apesar de não saber quem fará o trabalho. Ele descarta também a possibilidade de Ivo Mesquita assumir a representação nacional, embora ele já tenha feito uma delas.
"O ideal é que o próximo curador da Bienal daqui seja o curador de Veneza, é como a gente gostaria que fosse", diz Visconti. "Estamos atrasados em relação a alguns países e adiantados em relação a outros", lembra ele. Nos bastidores, há pressão do Ministério das Relações Exteriores e do Ministério da Cultura para que seja indicado logo o curador do pavilhão.
Até agora, no entanto, a expectativa da fundação é que a definição só venha em fevereiro de 2009, quando faltarão quatro meses para a mostra.
Vanguarda de raiz, por Ernane Guimarães Neto, Folha de São Paulo
Vanguarda de raiz
Matéria de Ernane Guimarães Neto, originalmente publicada no Caderno Mais da Folha de São Paulo, no dia 30 de novembro de 2008
Ativista ambiental, Frans Krajcberg diz que deseja "gritar" com seu trabalho, que utiliza troncos de árvores calcinados; influenciada pelo budismo, a cantora e coreógrafa Meredith Monk compara sua obra a uma "canção de ninar"
Às vezes os artistas pensam que descobriram uma forma, mas a natureza é muito mais bela e viva
Minha atitude política como artista é fazer obras que não possam ser commodities
A cantora e coreógrafa Meredith Monk e o artista plástico Frans Krajcberg durante encontro na Oca, onde o brasileiro expõe esculturas e fotografias
Isto parece um casamento!", graceja a multiartista Meredith Monk, ao ser puxada pelo braço, mais uma vez, por Frans Krajcberg. Enlaçados, fizeram sua caminhada pelo bosque artificial montado na Oca, que abriga "Frans Krajcberg - Natura", parte das comemorações dos 60 anos do Museu de Arte Moderna de São Paulo, no parque Ibirapuera.
Aparentemente, para a criadora de "Impermanência", casamento não é uma idealização envolvendo almas gêmeas, mas confronto entre seres muito distintos. E foi esse encontro improvável, entre a mística Monk e o ecologista Krajcberg, que a Folha testemunhou com exclusividade no último dia 20, na própria Oca.
Também a convite do jornal, participou do encontro ainda Teixeira Coelho, crítico e curador do Museu de Arte de São Paulo.
O "casal" evoca as cenas do espetáculo de Monk, apresentado nos dias 14 e 15 em São Paulo, em que membros do seu Vocal Ensemble proferem, em meio a uma coreografia, idiossincrasias como "Ela chama o tofu de "travesseiros'" ou "Ele sempre toca a parede antes de sair de casa".
Kracjberg -que se notabilizou pelas esculturas feitas de troncos retirados de áreas de queimada- bate na mesa para clamar "precisamos salvar a Amazônia".
Já Monk, em voz clara e suave, faz questão de dissociar seu trabalho de qualquer ativismo, definindo-o como "amplo".
Mas ambos coincidem em alguns pontos: tanto Krajcberg, 87, quanto a cantora-coreógrafa, que fez 66 anos naquele dia, rejeitam traduzir suas obras em conceitos.
Um e outro são pioneiros no que fazem -e, em ambos os casos, há décadas. E, se há uma aliança entre eles, ela está na apologia da natureza.
O polonês naturalizado brasileiro -"nunca fui polonês", interrompe Krajcberg, radicado no Brasil desde o final dos anos 1940- denuncia a destruição das florestas com fotografias explícitas; a norte-americana busca em suas canções desarticuladas, nas coreografias ritualísticas o atemporal, o equilíbrio -darma, a lei natural do budismo.
Quem identificou esse nó ligando ramos tão diferentes da arte foram os responsáveis pela vinda de Monk ao Brasil, da Dharma/Arte. Essa produtora tem o nome do livro que planeja lançar em 2009, escrito pelo mestre budista Chögyam Trungpa, morto em 1987, com introdução à edição brasileira escrita por Monk.
A instituição, representada por seu coordenador, Carlos Inada, pela cantora Madalena Bernardes e pela atriz Leticia Spiller, engrossava o séquito de Meredith Monk durante o encontro e interveio no bate-papo organizado pela Folha na Oca. Leia a seguir os principais trechos do encontro.
FOLHA - A sra. escreve, na introdução a "Dharma/Arte", de Trungpa: "Lembro-me também de uma questão com a qual me identifiquei fortemente, morando em Nova York.
Um homem disse: "Vivo em Nova York, e é muito barulhento. Como devo fazer minha prática de meditação?". Trungpa respondeu: "Apenas pense que os táxis são macacos". E acrescentou: "A paisagem de Nova York é feita dos rostos das pessoas".
Quando olho de verdade para o rosto das pessoas, esses rostos são nossas montanhas, nossas árvores e nosso céu em Nova York". Que natureza podemos ver em São Paulo?
MEREDITH MONK - Vejo rostos humanos.
FRANS KRAJCBERG - Natureza não existe em São Paulo. Afora algum pequeno parque abandonado, não há respeito pelas culturas, não há regras. Não há algo como [o parque de] Bagatelle, em Paris... interesse por ecologia, pela saúde do planeta.
São Paulo está dormindo.
A exposição que fiz em Bagatelle... nunca vi tanta gente sair chorando. A instalação foi muito forte. Essa fumaça, o barulho do fogo vêm de Paris, mas lá dava para sentir [o ambiente de queimada na
instalação].
E, no filme do Waltinho Salles ["Krajcberg - O Poeta dos Vestígios"], eu estava no meio do fogo quando ele me filmou.
"Estou de novo na guerra." Precisamos acordar. O mundo está na UTI, tudo pode acontecer.
FOLHA - Como atingir as pessoas
MONK - A arte atinge mais profundamente que as palavras.
"Impermanência" fala dos processos de vida e morte.
É preciso saber que podemos morrer a qualquer momento, e saber que precisamos mudar o jeito de viver. A poesia do que se vê em sua arte, e talvez do que se ouve e sente na minha, é mais profunda do que palavras.
Temos a emoção, que pode fazer as pessoas mudarem. Elas são tocadas.
FOLHA - A mudança é um tema central nos dias de hoje?
MONK - Sim.
KRAJCBERG - Querendo se esconder, a gente não vê a realidade. A temperatura do planeta não pode aumentar mais. A natureza é vingativa e está muito machucada.
TEIXEIRA COELHO - Há cientistas que dizem que o desastre já aconteceu, não há mais nada a fazer.
KRAJCBERG - Há chance, se a gente conseguir esfriar um pouco [a Terra].
LETICIA SPILLER - É possível, a natureza tem um poder tão grande de regeneração... Vi isso no Acre: terra infértil, morta, ser transformada em vida. Se os artistas se engajarem, a gente consegue.
KRAJCBERG - Ninguém fala nisto: não são só as árvores, tem um povo que vive lá, sendo destruído. Em Porto Velho [RO], chorei ao ver tantos índios na rua, jogados fora de suas terras.
Por que vender soja transgênica para engordar porcos da China, enquanto tantos morrem de fome?
MONK - E destruir árvores na Amazônia é destruir Nova York e todo o resto. É tudo interconectado. Outra coisa que a arte pode fazer é manifestar nossas interconexões, nossa interdependência no mundo.
Fisicamente, isso quer dizer que as árvores que caem na Amazônia afetam Nova York, Chicago, a Austrália... tudo.
Seu trabalho é sobre uma situação específica, mas o processo dessa situação se torna um protótipo de outros processos de destruição. Sinto-me próxima disso porque não é somente sobre destruição, mas sobre como a vida retorna. Em suas fotos, da destruição sai uma flor, a vida encontra seu caminho. São os ciclos.
KRAJCBERG - Você vê milhares de pássaros fugindo de queimadas, riquezas enormes queimadas. Como somos tão passivos?
MONK - Você acha que, quando as pessoas vêem suas obras, elas saem mudadas?
KRAJCBERG - Não sei. Perguntam: você é artista? Que significa sua arte? Uma sra. hindu perguntou-me em Davos [Suíça, onde participou do Fórum Econômico Mundial de 2004]: "Por que você faz essa arte"?
TEIXEIRA COELHO - E qual foi sua resposta?
KRAJCBERG - "Minha senhora, fui oficial do Exército russo e, quando entrei na Polônia, liberei um campo de concentração com húngaros. Vi três montanhas de lixo: homens jogados como lixo."
"Quando estava no rio Juruena [MT], vi uma nuvem de urubus. "Lá deve ter alguma coisa", pensei. Fui de barco até lá; quando entrei na floresta, fechei os olhos e fiz a foto. Não dava para olhar: seis índios pendurados, centenas de urubus em volta."
Que arte devo fazer? Defender a vida. A vida não é só homem. Gostaria que meu trabalho gritasse cada vez mais alto.
FOLHA - A sra. vê outros gritos como o de Krajcberg ou os artistas embarcam no tema só porque...
MONK - ... é moda? Seu trabalho é muito autêntico. É difícil pensar em que podemos fazer como artistas nesse mundo. Ao mesmo tempo, é preciso ser muito verdadeiro em relação a sua expressão, e sobre que tipo de verdade pode ser extraída daquela expressão.
Eu, por exemplo, não sei se posso fazer um tipo específico de trabalho político. Meu trabalho sempre foi de coisas atemporais, de modo que minha expressão não é tanto um grito, mas uma canção de ninar, assim como o tempo é circular.
E, sim, sempre há elementos que respondem ao mundo. Seu trabalho é mais direto, o meu é mais "redondo".
FOLHA - Parece que seu trabalho anterior era mais duro, tinha mais...
MONK - Vigor.
FOLHA - Vigor, uma tensão que agora se tornou equilíbrio. Está em busca de equilíbrio?
MONK - Trata-se de uma pesquisa do equilíbrio. Sinto que, conforme fico mais velha, desejo que cada obra em que trabalho seja também um processo contemplativo. É arte, mas é também um processo de contemplação -de perguntas que não têm resposta.
FOLHA - Monk fala em contemplação. O sr. se embrenha pelo mato e contempla? Busca uma imagem?
KRAJCBERG - Não há um dia em que não faça fotos. Mas, quanto mais me aproximo da floresta, da natureza, mais descubro coisas que os artistas não vêem.
Às vezes os artistas pensam que descobriram uma forma, mas a natureza é muito mais bela e viva.
Há coisas impressionantes, como os manguezais. Quando fui ver os manguezais, havia um grande movimento de tachismo [corrente das artes plásticas, popular nos anos 1950, que privilegiava os movimentos espontâneos na pintura, com manchas].
O único tachista que tivemos [no Brasil] foi Antonio Bandeira [1922-67]
Quando vi os manguezais, disse: "Não é possível. No tachismo já é complicado de ver o movimento; mas as formas dos manguezais, nunca vi igual".
Como captar isso? Aí está.
TEIXEIRA COELHO - Mas vejo que suas fotografias têm uma determinada força, pertencem a um tipo de trabalho, e suas árvores são outro tipo de trabalho. Essas obras se aproximam do que ela fala, do atemporal, são uma construção poética; suas fotografias são uma abordagem direta do mundo. De certa forma, suas fotos denunciam muito mais a situação do que essas obras, que trazem um segundo momento, a recuperação da natureza.
KRAJCBERG - Não tem importância. Tenho milhares de fotos. Não sou fotógrafo, nunca vendi uma foto. Capto para descobrir, a cada vez, a riqueza que a natureza tem. Do homem aprendi muito: homem bárbaro que destruiu outros homens.
Mas a natureza -quanto mais fico perto dela, mais descubro.
Minha escultura é feita com objetos que eu trouxe do fogo.
TEIXEIRA COELHO - E que você transforma radicalmente. Suas fotos não provocam nas pessoas muito mais reações do que as esculturas?
KRAJCBERG - Não tenho só essas fotos. Perto do meu trabalho, tem de haver essas fotos: de onde vem o material, como destroem a natureza. [A escultura] é feita com o material que ficou -que você vê na foto. Gostaria de fazer um trabalho muito mais violento.
TEIXEIRA COELHO - Os trabalhos se juntam nesse momento: Kracjberg escapa do mundo real para fazer uma construção poética. É o mesmo tipo de trabalho, mas com meios inteiramente diferentes. Muita gente que estuda a arte chegou à conclusão de que a única coisa que a arte mostra são as relações entre os homens, não o mundo. Por mais que olhemos sua escultura ou vejamos sua dança e seu canto, não vamos ver o mundo. E então não vamos acordar em relação à Amazônia. Em outras palavras: a arte, em vez de revelar o mundo que está aqui, o esconde ainda mais. Talvez por isso você sinta a necessidade de colocar sua foto junto. Sua foto cava um buraco nessa camada de arte que você coloca por cima. E abre espaço para o mundo, pois só a arte não vai mostrar o mundo.
MONK - Só a arte vai mostrar o mundo, não? Mas você diz que, só com esculturas, não teremos informação sobre o mundo.
TEIXEIRA COELHO- Nada saberemos do mundo. Só veremos um trabalho belo, a idéia do belo.
MONK - Que também é uma idéia forte. Não sei se conseguiríamos uma ação política real a partir da visão de uma escultura. Sinto que, em nossa cultura, especialmente hoje -com velocidade e informação demais-, podemos, com nossas apresentações, quebrar certos hábitos de percepção, literalmente parar padrões habituais desse nosso sono.
É assim que se podem acordar as pessoas.
Se podemos torná-las cientes de seus próprios hábitos de percepção -não necessariamente estamos falando de algo tão específico quanto a Amazônia, e os artistas são especialistas em percepção-, eliminamos o blablablá, de modo a fazer pensar no agora.
É isso que podemos fazer como artistas. Não sei se conseguimos chegar a pôr as pessoas em ação.
MADALENA BERNARDES - E o blablablá a respeito de arte atrapalha a percepção das pessoas. Impede que as pessoas entrem desarmadas para a obra.
É pior no Brasil, onde os artistas não são respeitados.
MONK - Sabe o quê? É pior ainda nos EUA. Lá, tudo é commodity, incluindo arte. Uma pessoa meditando, uma imagem zen, e a pergunta: que carro devo comprar? É assim a propaganda. Tudo é uma questão de comprar.
E minha atitude política como artista norte-americana é recusar-me a fazer isso. Tomar uma posição anticommodity, fazer obras que não possam ser commodities. O Brasil vive um tipo de confusão, os EUA vivem outro; mas é, basicamente, confusão. No budismo, um dos "venenos" é a confusão.
KRAJCBERG - Você percebeu que [meu trabalho] não tem imagem do homem. Depois da guerra, meu grande desejo era fugir do homem. Que arte eu poderia fazer? Defender a vida.
E lutar contra esse barbarismo praticado. Como ser passivo, esquecer?
Até o fim de minha vida ela [essa arte] vai estar presente.
Se eu pudesse trazer as três montanhas de lixo [de homens mortos, em campo de concentração na Segunda Guerra], é isso que gostaria de fazer.
MONK - O que ele faz, suas experiências de vida -essa é a autenticidade de sua existência. É como se ele tivesse de trilhar esse caminho, como se não houvesse outra possibilidade.
Sua arte tem de seguir sua verdade. Cada artista tem de procurar sua verdade, o que dar ao mundo, e seguir esse caminho.
FOLHA - E para onde a sra. vai?
MONK - Sigo minha experiência. Espero ter sabedoria, que minha visão se abra, aspiro a fazer algo que seja benéfico.