O Menino e o Mundo: radicalismo e marca autoral — CartaCapital
17/10/2014 16h59,
17/10/2014 17h30
Riquíssimo em inovações estéticas, lírico e político simultaneamente, oposto às superproduções, filme premiado de Alê Abreu sugere boom da animação brasileira
Cena do filme de animação O "Menino e o Mundo", dirigido por Alê Abreu.
"É preciso restaurar (a unidade complexa da natureza humana),de modo que cada um, onde quer que se encontre, tome conhecimento e consciência,ao mesmo tempo de sua identidade complexae de sua identidade comum a todos os outros humanos"Edgar Morin
O filme de animação O Menino e o Mundo, dirigido por Alê Abreu, já vinha revelando uma rara unanimidade entre os críticos de cinema, nos festivais e mostras internacionais das quais participou em 2013. O aplauso do público, após o lançamento comercial brasileiro em janeiro de 2014, só confirmou que se tratava de uma novidade muito especial no cenário da animação brasileira. Não é exagero afirmar que sua relevância vai além dos filmes de animação. Traz bons ventos à cinematografia brasileira como um todo, afirmando-se como uma de nossas melhores produções audiovisuais dos últimos tempos.
Tentarei esboçar alguns dos aspectos que fazem deste filme uma obra prima do audiovisual brasileiro e mundial. Certamente, muitas críticas e estudos ainda serão escritos sobre essa animação tão mágica e poética.
Em junho de 2014, depois de circular por muitos festivais mundiais, sempre arrebatando prêmios, veio o veredito do festival mais conceituado do mundo da animação: o melhor filme no Festival de Annecy, na França. Até 2013, o Brasil nunca tinha participado na mostra competitiva deste festival. Sua estreia se deu com Uma História de Amor e Fúria, de Luiz Bolognesi (2013), premiado como melhor filme pela crítica especializada. Em 2014, ganhou novamente o primeiro prêmio, sendo que, desta vez, o reconhecimento foi da crítica e do público.
Segundo Luiz Bolognesi, que compôs o júri deste último festival, o "boom" da atual fase da animação brasileira pode ser comparado ao sucesso da bossa nova no início dos anos 1960. De acordo com o cineasta, a animação brasileira tem se destacado mundialmente por seu radicalismo e por sua marca autoral. A prova disso é que O Menino e o Mundo custou menos de 2 milhões de reais e ganhou de produções norte-americanas e japonesas – os craques da animação mundial – que custaram mais de 20 milhões.
Segundo Alê Abreu, as ideias iniciais para fazer esse filme surgiram logo na fase de finalização de seu primeiro longa – Garoto Cósmico (2008) –, quando ele abraçou um projeto de pesquisa sobre a conturbada história do continente latino-americano, do ponto de vista das canções de protesto. De mochila nas costas, percorreu diversos países, estudando história e música, levando consigo um caderno de anotações, uma espécie de diário com rascunhos de ideias e muitos desenhos. Foi nessa viagem que o menino lhe surgiu. Batizado inicialmente de Cuca, tempos depois perdeu o nome. O diretor optou por chamá-lo apenas de menino.
A narrativa com cores e som conjugados traz um sentimento nostálgico da infância e do estado natural das coisas. Logo no início do filme, mergulhamos numa experiência sensorial indescritível, quando caímos junto com o menino no meio das árvores e depois num lago com peixes.
Além do forte colorido feito com as mais diversas texturas e técnicas de desenho, somos acompanhados pela sonoridade de Naná Vasconcelos, que nos remete ao som das árvores e das águas. Os perigos que essa criança enfrenta no início do filme, estão na ordem do crescimento natural, dos tombos, galos na testa e arranhões no joelho, que todos nós ganhamos na primeira infância.
A união do desenho com a música tem presença muito forte, por exemplo, na representação dos sons da flauta: quando o pai toca a flauta em uníssono, o som é representado por bolinhas de uma mesma cor; quando aparecem vários músicos tocando uma música mais harmonizada, as bolinhas são de várias cores. A imagem do pai, cada vez mais distante, se concretiza no som da sua flauta, guiando suas aventuras. Mais adiante, quando o som vem do exército opressor, as bolinhas são pretas. A mesma oposição se dará com os pássaros que lutam: o pássaro preto está do lado do opressor e o colorido representa o movimento popular, sempre renascendo.
A trilha sonora, composta por Gustavo Kurlat e Ruben Feffer, é essencial na narrativa e mostra influência das canções de protesto latino-americanas. Além do percussionista Naná Vasconcelos, o filme conta com a participação do rapper Emicida, do GEM – Grupo Experimental de Música e do grupo Barbatuques, marcando cada passo e respiro do menino.
O filme é adequado para qualquer idade, pois, independente de seu engajamento e do pano de fundo sociopolítico, o filme é de uma plasticidade rara. Sua ousadia estética se dá inclusive no intenso uso do branco, em contraponto às paisagens que lembram Paul Klee ou Kandinsky.
A situação de dependência mantém-se até hoje no mundo globalizado. O descaso com que são tratados os trabalhadores é mostrado tanto no trabalho do campo como na fábrica. Outra crítica importante é a questão da destruição do meio ambiente. Mas o filme não nos fala apenas de opressão e destruição, mas também da resistência cotidiana criativa e transformadora, como nos diz Michel De Certeau (2003). O operário que se solidariza com o menino mora na periferia, dorme em frente à televisão, toca sua flauta em um lixão e ainda consegue participar de feiras de artesanato aos fins de semana.
CERTEAU, Michel De. A Invenção do Cotidiano, Artes de Fazer. Petrópolis/RJ: Vozes, 2003.
Entrevista de Alê Abreu e Luiz Bolognesi sobre o boom da animação brasileira no Programa Metrópolis de 25/06/2014, na TV Cultura.