A CRM Objetiva, que está presente no mercado há muitos anos, é a empresa mais recomendada quando o assunto é cenografia corporativa , pois trata-se de um estabelecimento que preza pela total satisfação do cliente.
Para ser capaz de continuar oferecendo soluções que transformam projetos em realidade, a CRM Objetiva conta com:
A equipe de funcionários que atua pela CRM Objetiva não somente é experiente e competente, como também é encorajada a exercer a criatividade, pois é desta maneira que é possível alcançar a inovação.
Ao prezar por manter a comunicação entre departamentos em boas condições, a empresa garante que todas as áreas que englobam cada projeto estejam alinhadas e sejam conduzidas na mesma direção, garantindo assim que os resultados obtidos sejam de alta qualidade.
A alta qualidade dos serviços que são oferecidos em todo o território nacional é reconhecida por grandes empresas, como por exemplo a Unimed Brasil.

Complexo, reflexivo e conceitual, o programa do BCSP no Municipal aposta mais uma vez na proximidade do público com a trilha sonora.
Com três estreias e uma obra do repertório, o Balé da Cidade de São Paulo apresenta nova temporada no Theatro Municipal, num programa repleto de propostas e de conceitos, eficiente em mostrar preocupações com a pesquisa de movimento, a criação a partir da improvisação, as mudanças nas estruturas de produção da companhia, um gosto estético pela dança extremamente pensante, e — sobretudo, aquilo que é o mais importante desse projeto —as formas de cativar o público e captar seu interesse.
Se o primeiro programa do ano, com a coreografia de Morena Nascimento sobre músicas de Caetano Veloso apresentou uma proposta para angariar o interesse do público — ocupar a plateia pela sedução imediata da música — tal proposta parece ter se convertido em fórmula, agora apostando suas cartas em David Bowie, que aparece duas vezes na longa noite.
A primeira das obras, “Deranged”, é criação de Chris Haring, e parte da música de Bowie e Brian Eno, bem como do método que Haring desenvolve na Holanda para falar da luta pessoal de alguém por sua construção enquanto indivíduo. Isso nos diz o texto do programa de sala. Em cena, o tema se reflete na fragmentação do discurso que ouvimos na trilha sonora e em uma forma de fragmentação corporal e fragmentação cênica.
A principal estrutura dessa fragmentação é a sequência cumulativa de procissões de solos de desarticulação, com os bailarinos vindo do fundo do palco para o proscênio, em princípio um a um, depois dois a dois, três a três, quatro a quatro. Esse longo princípio nos coloca numa ambientação estética curiosa, calma de certa forma, abrindo espaço e tempo para nos acostumarmos com esse novo estado de ser (ou seria estado de vir-a-ser?) que encontramos na coreografia.
A obra fica melhor em seus momentos maiores, com conjuntos, em que cada indivíduo trabalha replicando e sobrepondo informações coreográficas em sequências moldadas em linhas pelo espaço. Essa forma, junto da iluminação que parece acender e apagar botões verdes e rosas, sugere um estilo de ficção científica, talvez manipulação cromossômica.
Sim, é preciso pensar nessa fita como o DNA, nos bailarinos como os muitos processos químicos que vão rompendo essas ligações dos cromossomos, replicando-as e criando-lhes cópias para achar, num nível microscópico, as reflexões dessa discussão sobre a formação do indivíduo. Parece complexo, e de fato é, porque trata-se de uma obra que é um exercício mental que demora para pegar embalo, e depois tem um tempo curto para se frutificar.
Ainda encontramos algum alento mais ao final, quando a trilha sonora cresce e os bailarinos fazem um interessante uso da penumbra do proscênio, iluminado apenas pela luz que escapa do fundo do palco, criando sombras indeterminadas. Porém, a obra finaliza-se com mais uma invasão do corredor da plateia, recurso de apelação à participação que funciona e seduz o público que ali chega pela primeira vez, mas que já soa repetitivo para quem acompanha os últimos trabalhos dessa grande companhia.
Para preparar o palco para “Adastra”, a segunda da noite, criado por Cayetano Soto em 2015, é necessário baixar o fosso da orquestra e colocar as escadas que dão um acesso para os bailarinos do fosso ao palco. Para tanto, vem uma primeira longa e incômoda pausa técnica, estranhamente acompanhada de um pedido do Theatro de que o público não saia de seus lugares, nem use seus telefones — coisa que não havíamos recebido em temporadas anteriores.
Sem nenhuma outra opção, o público que estiver um pouco acima do nível da plateia, fica assistindo a essa montagem cênica. E aqui perdemos uma grande oportunidade: a da surpresa. Parte da poesia de “Adastra” está na forma como os bailarinos surgem por essas escadas e entram na cena, algo que, nas temporadas anteriores, se dava com o efeito de encanto e de inesperado e que aqui, depois de vermos a colocação das escadas, se resume à confirmação do esperado.