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Muito boa a oportunidade que tive de rever O SÉTIMO SELO (1957), filme tão reverenciado por tantos cinéfilos e estudiosos do cinema, mas que não cheguei a apreciar de verdade quando o vi em VHS. No cinema e, ainda mais em película bem conservada e boa projeção, é outra coisa. É como se eu voltasse a ficar de bem com Bergman de novo, que durante algum tempo foi sempre aquele diretor que eu deixava pra ver depois, com calma, até por ele ter uma filmografia bem extensa.
O filme foi lançado na Europa logo após SORRISOS DE UMA NOITE DE AMOR (1955), obra que o consagrou e que, assim como O SÉTIMO SELO, teve passagem por Cannes. Hoje muitos acham injusto Bergman ter perdido a Palma de Ouro para SUBLIME TENTAÇÃO, de William Wyler, mas premiações têm dessas coisas. O que mais importa é o quanto o filme sobreviveu sem deixar de ser relevante e sem perder a sua força.
O SÉTIMO SELO só seria lançado nos cinemas brasileiros em 1974 e aí vemos o quanto temos sorte atualmente de ter em fácil acesso, nos sites de compartilhamento da vida e em ótima qualidade, toda a filmografia do cineasta à disposição. Basta querer. Sem falar no caminho legal, que é o das ótimas versões em DVD e BluRay da maioria de seus filmes à venda em lojas nacionais e estrangeiras.
Diferente de MORANGOS SILVESTRES (1957), que tem uma melancolia mais constante e muito presente, O SÉTIMO SELO equilibra o aspecto sombrio da presença da morte e da peste negra de uma Suécia medieval com momentos de humor, de leveza, em especial as cenas envolvendo a trupe de saltimbancos. Mas apesar da beleza de Bibi Andersson que faz uma personagem nessa trupe, o que mais chama a atenção mesmo é o drama de Antonius Block (Max Von Sydow), o cavaleiro que volta das cruzadas totalmente desiludido, após ter lutado em vão por uma religião cheia de falhas, enganações e outras atrocidades.
Diante da morte iminente, personificada por Bengt Ekelund, que lhe concede um tempo para uma partida de xadrez, ele procura o sentido da vida e a existência de Deus, já que sobre isso nem a morte sabia. Assim, não deixa de ser tocante o momento em que ele encontra uma jovem acusada de bruxaria e prestes a ser queimada na fogueira, para saber se ela teve contato com o diabo, de modo que ele pelo menos tivesse algum intermediário para encontrar Deus. Nem mesmo isso. Apenas o nada absoluto. Aliás, a cena da jovem queimando na fogueira lembra um pouco a da obra-prima DIAS DE IRA, do dinamarquês Carl Th. Dreyer, ainda que menos intensa.
Não só Antonius, mas praticamente todos os personagens de O SÉTIMO SELO estão destinados a sucumbir diante da morte, sendo poupados apenas um casal e o bebê da trupe, que representam o que há de puro na humanidade, uma amostra do humanismo do cineasta. O amor de Bergman pelo teatro também pode ter interferido na escolha e no carinho pelo casal, já que ambos são atores itinerantes de um circo.
E foi assim que eu fiz as pazes com O SÉTIMO SELO – ninguém merecia aquela cópia tosca em VHS da Continental – e fico na torcida para que arrange um tempo para me dedicar um dia à obra desse cineasta que influenciou de maneira forte a obra de dois dos meus diretores favoritos, Woody Allen e Walter Hugo Khouri. Não posso renegar o mestre e reverenciar tanto os discípulos.
Ok, comparando com os blogs de outros colegas cinéfilos, este aqui até que não está tão abandonado. Mas desde já peço desculpas aos fiéis leitores ou aos ocasionais pelos textos meio atabalhoados. O tempo parece que tem estado do lado apenas do Mick Jagger esses dias. Mas vamo que vamo com uma postagem tripla e comentários rasteiros de filmes que não merecem mesmo muitas palavras.
Sempre que vemos algum filme de horror brasileiro no circuito, não há como não torcermos por seu sucesso, tanto nas bilheterias quanto de produção artística. Infelizmente ISOLADOS (2014), de Tomas Portella, não é um de nossos melhores exemplares. Possui até alguns momentos que remetem a alguns filmes de horror e mistério de nosso grande mestre Walter Hugo Khouri (gosto especialmente da casa cheia de "janelas" no meio da floresta), mas no geral é um filme que procura apostar mais na atmosfera do que no roteiro e dá com os burros n’água. Na trama, um casal vivido por Bruno Gagliasso, um médico, e Regiane Alves, sua paciente com problemas de depressão, vai até uma casa situada em um local afastado da cidade justamente quando um terrível assassino de mulheres está à solta. O filme traz uma sucessão de clichês que só agradam mesmo os fãs de cinema de horror que não se importam tanto em ver obras ruins. Eu meio que me incluo nesse grupo, portanto, não vi a apreciação de ISOLADOS como uma perda de tempo, mas como mais um passo, ainda que errado, do cinema de horror no Brasil. Aos poucos, a gente chega lá.
Justo quando eu começava a simpatizar com Leandro Hassum, graças ao divertido VESTIDO PRA CASAR, eis que lá vem ele com mais uma parceria com o nefasto Roberto Santucci, o mesmo dos horríveis ATÉ QUE A SORTE NOS SEPARE (2012) e sua continuação (2013). O CANDIDATO HONESTO (2014) é uma versão mequetrefe de O MENTIROSO, comédia divertida com Jim Carrey. Na versão brasileira, Hassum interpreta um político corrupto que, da noite para o dia, depois de um encontro com sua avó moribunda, passa a ser incapaz de mentir ou de fazer qualquer ato imoral. Isso acaba por atrapalhar completamente sua campanha. O destaque aqui é o apelo para os palavrões, que até então não tinham aparecido nas comédias de Hassum. Acabou tornando o produto final ainda mais vulgar. E olha que eu não tenho nada contra palavrões. Eles apenas não combinaram em nada aqui neste filme que não tem nada que se aproveite.
É impressionante a quantidade de filmes em que Nicolas Cage se autossabota, como tivesse cometido um crime terrível e agora precisasse se purgar através de filmes ruins. Tudo bem que cinco anos atrás tivemos a oportunidade de vê-lo protagonizando VÍCIO FRENÉTICO, de Werner Herzog, mas é pouco em uma filmografia de cerca de três a quatro filmes por ano. Quando FÚRIA (2014) teve o seu trailer disponibilizado e o nome do pouco conhecido cineasta espanhol Paco Cabezas foi citado, imaginou-se que poderia ser uma espécie de resgate aos bons tempos de Cage, já que o cineasta tem dois filmes aplaudidos pela crítica – APARECIDOS (2007) e CARNE DE NEÓN (2010) – e talvez pudesse fazer alguma diferença no comando desse filme sobre morte, máfia e vingança. Na trama, Cage é um sujeito que já fez parte da máfia, mas que agora é um homem desligado dos negócios ilícitos. Quando sua filha é sequestrada, ele não vê outra alternativa a não ser ir em busca dos possíveis criminosos, da maneira mais violenta que pudesse. Se ao menos FÚRIA carregasse mais nas tintas da violência gráfica, talvez fosse um trabalho que chamasse mais a atenção, mas nem mesmo isso tiveram a coragem de fazer.
Normalmente, quando um artista do cinema, principalmente um cineasta, morre, faço questão de ver algum de seus filmes como forma de homenageá-lo. Anteontem foi a vez de Mike Nichols nos deixar. Embora pouco valorizado dentro da política dos autores, trata-se de um diretor com uma carreira de destaque, que foi tanto relevante para ajudar a criar a chamada “Nova Hollywood”, justamente com este A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM (1967), quanto por seus trabalhos mais convencionais feitos ao longo dos anos, mas que quase sempre traziam algo de especial. Não cabe aqui citar cada um de seus trabalhos, até por eu não ter visto todos, mas o caminho que ele trilhou foi marcante. Pode-se dizer que o seu último grande sucesso popular foi CLOSER – PERTO DEMAIS (2004), que angariou uma impressionante legião de fãs.
Quanto à sua contribuição para a "Nova Hollywood", eu achava que no livro Easy Riders, Raging Bulls – Como a Geração Sexo-Drogas-e-Rock’n’Roll Salvou Hollywood o escritor Peter Biskind tivesse dado maior destaque a esse clássico moderno, já que A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM foi responsável, junto com com BONNIE & CLYDE – UMA RAJADA DE BALAS, de Arthur Penn, a iniciar oficialmente essa nova fase do cinema americano feito nos estúdios. Mas infelizmente não há muitas informações sobre o filme de Nichols no livro. Talvez por não ter muita fofoca e intriga em jogo.
Mas o que importa é o valor do filme, que além de ser retrato de uma revolução social de um país, é também uma obra de arte que resiste ao tempo e continua admirável e emocionante. Basta ver o começo, com um meditativo e dormente Dustin Hoffman dentro de um avião e depois saindo do aeroporto para sua casa, com a canção "Sound of Silence", de Simon & Garfunkel, ao fundo, para perceber que estamos diante de um filme especial. Aliás, a trilha sonora da dupla é fundamental para que a emoção tome conta da gente.
Na época, Hoffman já tinha 30 anos, mas convenceu muito bem na pele de Ben Braddock, um rapaz tímido e atrapalhado de 20. Recém-saído da faculdade, mas sem saber o que fazer da vida, sendo cobrado pela família e amigos da família, o rapaz que só queria fugir de tudo teve uma chance de ter uma guinada na vida ao ser seduzido por uma mulher casada e que teria idade para ser sua mãe, a Sra. Robinson, vivida com brilhantismo por Anne Bancroft. Todas as cenas envolvendo o relacionamento de Ben com aquela mulher são tratadas com muita inteligência por Nichols. Impossível esquecer a montagem acelerada de quando Ben vê pela primeira vez o corpo nu da Sra. Robinson e entra em pânico. Ou da primeira vez no hotel.
Mas o filme consegue melhorar ainda mais com a entrada em cena da filha da Sra. Robinson, Elaine, vivida pela belíssima Katharine Ross. Assim, pode-se dizer que o filme é dividido em lado A e lado B, sendo que o primeiro trata de sexo enquanto o segundo trata de amor. Elaine, apesar de ser uma moça proibida, acaba se tornando o grande amor e o verdadeiro sentido para a vida de Ben. A última cena dos dois é tão linda que consegue superar até mesmo aquilo que tentou representar. Não é maravilhoso quanto isso acontece?
A terceira parte de JOGOS VORAZES é a primeira curva descendente de uma franquia que começou muito bem e prosseguiu surpreendentemente melhor em sua segunda parte, JOGOS VORAZES - EM CHAMAS (2013). Ter uma atriz bonita e talentosa como Jennifer Lawrence ajudou bastante a manter a chama acesa, mas sabemos que isso não é o suficiente. Foi uma soma de fatores que fizeram com que esta franquia mais dirigida ao público juvenil também caísse nas graças da crítica.
Não foram também os livros, que não têm, por exemplo, o mesmo prestígio da série Harry Potter. Porém, como tratam de outras questões que não há a magia, mas a ideia de uma sociedade distópica, como em outros clássicos da literatura – 1984, de George Orwell, e Fahrenheit 451, de Ray Bradbury, são exemplos – as adaptações para o cinema da epopeia de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrecen) também despertam interesse de um público mais maduro.
JOGOS VORAZES: A ESPERANÇA – PARTE 1 (2014) continua com Francis Lawrence na direção, depois da bem sucedida experiência com EM CHAMAS. Não temos mais uma repetição dos tais jogos, que aparecem no primeiro e no segundo filmes, mas uma trama envolvendo um bloco rebelde que foi sendo construído abaixo do Distrito 13 e que planeja utilizar o símbolo de vencedora e de rebelde de Katniss para desmantelar o poder autoritário da Capital e do Presidente Snow (Donald Sutherland).
O problema é que este novo filme não consegue repetir nem a mesma excelência do segundo nem o mesmo vigor do primeiro. Um dos motivos talvez esteja em ser uma obra incompleta, dependendo da segunda parte, mas isso não chega a ser uma grande desculpa, já que outras franquias conseguiram se sair muito bem com essa estrutura episódica. Logo, há, de fato, problemas tanto no roteiro, que é derivado de um livro considerado por quem leu como sendo inferior aos demais, e há também problemas de dramaturgia, com diálogos fracos e alguns momentos bem pouco inspirados.
Ainda assim, trata-se de um filme que tem o seu valor, não exatamente pela presença de Katniss, que aqui aparece mais chorando do que em ação, o que pode incomodar um pouco quem está acostumado a vê-la em ação nos outros dois filmes. Há uma sequência de bombardeiro bem interessante, mas é pouco. Assim, quem acaba brilhando mais são personagens secundários, como Gale Hawthorne (Liam Hemsworth), que aparece liderando um grupo de rebeldes em uma cena digna de alguns bons filmes de espionagem.
Como a relação que se estabelece entre rebeldes e o governo é ainda de distanciamento, a presença de um especialista em invasão de redes de computador (Jeffrey Wright) acaba também sendo muito bem-vinda. Falando em excelente elenco, muito bom ver as breves participações de Philip Seymour Hoffman, que são mais do que se esperava, tendo em vista que algumas das falas de seu personagem foram cortadas por causa de seu falecimento em fevereiro, durante as filmagens. Do jeito que ficou, seu personagem continua bastante presente, exceto em uma sequência em que Julianne Moore, a presidente dos rebeldes, fala dele como se ele não estivesse mais entre nós, como numa aparente e discreta homenagem.
Outro problema de A ESPERANÇA – PARTE 1 vem desde o primeiro JOGOS VORAZES (2012), que é a falta de carisma do personagem Peeta (Josh Hutcherson), que fica retido na Capital, sendo usado pelos vilões como um joguete em programas de televisão feitos para abalar as estruturas emocionais de Katniss. O problema parece estar no ator que o interpreta, já que, dado o histórico do casal dentro dos jogos, deveria haver uma maior torcida da plateia pelos dois.
Depois do final pouco satisfatório, que já era de esperar que fosse com um gancho, resta aguardar a conclusão e torcer para que ela ajude a balancear os problemas deste terceiro filme. O que se espera é que Katniss se mostre novamente mais ativa e menos frágil. Não que a fragilidade de sua personagem não seja uma qualidade, mas sempre se espera mais da moça símbolo da resistência. De uma boa lembrança do filme, guardamos a canção que a própria Katniss/Jennifer Lawrence canta e que tem uma força e uma beleza admiráveis.
Depois da decepção que foi para mim OS MARIDOS (1970), com personagens masculinos chatos numa narrativa que parece não querer terminar, a impressão que eu tive com ASSIM FALOU O AMOR (1971), o trabalho seguinte de John Cassavetes, foi completamente oposta: embora não seja uma comédia romântica convencional, o filme é cheio de amor e tem uma leveza que não se costuma ver nos outros títulos do cineasta.
Ele continua mordendo e assoprando, mas há mais uma trégua para o espectador, já que o personagem masculino da vez é muito simpático e carismático. Seymour Moskowitz, vivido pelo velho amigo do diretor Seymour Cassel, é tudo o que não se esperaria de um par romântico. Desajeitado, feio, com uma barba e um bigode que passam um ar de sujeira, sem classe e sem dinheiro, ele acaba representando para a personagem, a adorável Minnie Moore, de Gena Rowlands, aquilo que ela não encontrou em homens ricos e cheios de cultura.
Aquele humilde atendente de estacionamento não se conforma em ser inferior na escala social à bela e elegante curadora de museu. E sua intenção em ganhá-la é tanta que ele tenta até no grito. Aliás, como se grita em ASSIM FALOU O AMOR. Um dos blind dates de Minnie (em cena brilhante de Val Avery), inclusive, é um sujeito que fala tão alto que incomoda. E faz rir.
E falando em fazer rir, é impressionante o quanto os limites entre o drama e a comédia são tênues no filme. Embora muitas vezes nos peguemos rindo de orelha a orelha, há momentos, em especial os que mostram a solidão e a carência afetiva dos personagens, que são de fato muito tocantes. Há uma cena que trafega entre o riso e o choro, que é a cena da caminhonete, perto do final.
Apesar de ser uma das obras mais "feel good" do diretor – provavelmente a mais, nesse sentido –, ASSIM FALOU O AMOR é uma screwball comedy que reinventa as histórias de amor. Não apenas por colocar um ogro no papel de um possível galã, mas também pela rejeição de Cassavetes à velha fórmula hollywoodiana das comédias românticas.
Seus personagens eternamente inseguros e amargos continuam presentes. E se uma cena tem muito romance, ele a coloca junto com um mix de ansiedade e incerteza que corrói a alma de seus heróis. Sempre que seus personagens estão ficando felizes, acontece algo para os deixarem tristes. É um filme raivoso e ao mesmo tempo delicado. E é nessas curvas sinuosas que Cassavetes nos presenteia com um de seus mais belos trabalhos.
O tempo voa. Lá se vão 20 anos que DÉBI & LÓIDE - DOIS IDIOTAS EM APUROS (1994) revelou o talento dos irmãos Peter e Bobby Farrelly para o mundo, ainda que até hoje o filme seja um tanto estigmatizado como tão idiota quanto seus protagonistas. Ainda assim, independentemente do modo como é visto, trata-se de um filme que tem um bom séquito de fãs, inclusive de alguns intelectuais.
Até fizeram uma continuação em 2003, chamada DEBI & LÓIDE 2 – QUANDO DEBI CONHECEU LÓIDE, mas passou longe da popularidade do primeiro. Tanto por não ser dirigido pelos irmãos Farrelly como por também não ser protagonizado por Jim Carrey e Jeff Daniels, mas por dois jovens atores.