PHOTOMAG | A revista online do IIF | FOTOGRAFIA COMO ARTE: UMA LONGA EXPEDIÇÃO
// FOTOGRAFIA COMO ARTE: UMA LONGA EXPEDIÇÃO
Em meados do século XIX, a fotografia começou a se popularizar, o que levou a uma mudança de atitude em relação a esse meio de expressão. O aprimoramento da técnicas, entre 1840 e 1850 na Grã-Bretanha e na França, trouxe uma extraordinária série de experimentos e avanços técnicos e estéticos. Diante da rápida comercialização e popularização da fotografia nessas décadas, a ideia de que esse processo de reprodução de imagem poderia ser uma arte – e de que fotógrafos (vindos das classes sociais mais baixas) poderiam ser artistas – parecia absurda para alguns. O poeta francês, Charles Boudelaire, chegou a eleger a fotografia como "o inimigo mais mortífero da arte". O crítico de arte inglês, John Ruskin, afirmou, por sua vez, que a fotografia "não tem qualquer relação com a arte, […] e jamais irá substituí-la" . Com esse pensamento, a fotografia foi reduzida ao simples funcionamento do seu dispositivo técnico, capaz de registrar automaticamente as coisas do mundo, usando a luz. Disso surgiu o conceito de fotografia-documento: uma cópia mecânica do real que substituía o pincel do artista. O que predominava, até então, eram imagens geométricas, ainda inspiradas pela pintura, que enfatizavam as perspectivas renascentistas.
A fotografia pictorialista é caracterizada por técnicas e efeitos emprestados das artes gráficas.. As imagens resultantes, muitas vezes impressas em tons vibrantes e de aparência desfocada, nebulosa e onírica, pretendiam provocar reações estéticas, e não objetivas. Muitas das composições pictóricas invocavam a gravidade artística do simbolismo contemporâneo, como na fotografia A harpa eólica (1912), de Anne Brigman (1869-1950).
O Museum of Modern Art de Nova York (MoMA) foi a base ideológica do modernismo – a estética de vanguarda dominante na primeira metade do século XX, que incluía arte, design e arquitetura. O MoMA realizou uma importante exposição de fotografia em 1937 e, posteriormente, em 1940, inaugurou seu próprio departamento fotográfico. Contudo, o status da fotografia como arte ainda não estava assegurado. Foi somente com John Szarkowski (1925-2007), que assumiu o posto de curador fotográfico do MoMA em 1962, que a fotografia foi assimilada de forma mais eficiente ao modernismo. Segundo ele, a fotografia legítima era "direta" e democrática no que dizia respeito aos seus temas e possuía um forte componente formal. Fotografias não eram obra da imaginação, mas fragmentos da realidade pictoricamente organizados de modo a refletir um ponto de vista pessoal contundente.
No Brasil, a fotografia como arte surge por volta de 1939, a partir da organização dos primeiros fotoclubes. Essa corrente viveu o seu apogeu entre as décadas 1950 e 1960, introduziu o modernismo à fotografia brasileira e revelou toda uma geração de influentes artistas, como Geraldo de Barros, Thomaz Farkas, German Lorca e Eduardo Salvatore. A produção era baseada na experimentação, com fotomontagens, colagens e intervenções diretas no negativo. Com grande influência do dadaísmo e do surrealismo, esses fotógrafos experimentavam justaposições e processos alternativos que abriam espaço para a livre interpretação do observador, permitindo significados múltiplos e desfazendo a ideia de fotografia como representação do real. Somando-se a isso, havia uma forte tendência de explorar as formas geométricas, através de linhas e diagonais, o que resultava em contrastes facilmente encontrados no cenário urbano.
A partir dos anos 90, as ideias do pós-modernismo florescem no país e a cena artística começa a atestar a fotografia como expressão, incluindo-a no processo criativo. O tema passou a ser debatido no âmbito acadêmico, e, em 2002, o Ministério da Educação aprovou o primeiro bacharelado em fotografia, desenvolvido pelo Senac de São Paulo. Atualmente, temos cursos de graduação e de pós-graduação por todo o país, o que permite o surgimento de uma maior número de trabalhos artísticos embasados em pesquisas e estudos.