Paralelamente, comecei a perceber que, com a globalização, o "étnico" estava cada vez mais forte. E, cada vez mais, percebia que o Brasil era inspiração, mas nós copiávamos. No início dos anos de 1980, quando voltei ao país, tentei criar desenhos dentro da linguagem afro, mas, naquela época, era muito difícil, não havia uma visão de que existia uma moda afro-brasileira, havia apenas os elementos africanos e uma moda trazida da África. Então, decidi eu mesma ser a empreendedora do meu projeto de decoração e moda afro-brasileira.
Iniciei vendendo para terceiros e depois achei que era melhor abrir uma loja própria num ponto onde eu poderia dar mais visibilidade ao trabalho. Escolhi o Pelourinho, e foi uma espécie de laboratório, pois pude interagir com o mundo inteiro. Em consequência disso, apareceram condições para eu desenvolver produtos e construir uma linguagem com uma personalidade própria.
Em relação à identidade da moda afro-brasileira, há outras especificidades que podem ser destacadas?
Sou membro do colegiado setorial de moda do Minc. Há mais ou menos três anos, formou-se um GT de moda e, hoje, temos esse colegiado encerrando a primeira gestão. Acredito que a própria sociedade civil, junto com as instituições, possa ver a importância de se fazer o "pensamento" da moda afro-brasileira. Existe pouca literatura, existe pouco interesse de estudiosos que possam escrever sobre a trajetória dessa moda, que tem uma variedade muito grande. Não é só a moda do cotidiano, como eu faço, mas existe também a religiosa, o figurinismo, existem várias possibilidades de adereços e de jeitos de vestir. Como é uma modalidade que tem um potencial comercial ainda não reconhecido, esse grupo tem se preocupado em buscar esse reconhecimento junto aos órgãos públicos e junto ao MinC. Queremos criar, fazer seminários, informar a sociedade que essa moda existe e que não é só direcionada a um público específico. É preciso mostrar que ela tem um potencial dentro de uma linguagem contemporânea. Isso é muito importante para alavancar qualquer possibilidade de uma moda dita étnica ser inserida no mercado.
Você instalou suas lojas no Pelourinho e dentro do aeroporto. Ambos são locais bastante frequentados por turistas e, muitas vezes, por turistas de classes sociais mais elevadas. Esse público tem consumido a moda afro-brasileira?
Quando escolhi o pelourinho como laboratório, era exatamente para interagir com o turista do mundo inteiro. O meu projeto de design de moda e decoração afro-brasileira visava construir um padrão com personalidade própria e que as pessoas identificassem. Então, tinha que interagir de uma maneira intensa com o mundo inteiro. Por isso, fui, inicialmente, ao Pelourinho, e estou lá há 24 anos. Há 24 anos, o público que frequentava era principalmente da classe A. Quem ia conhecer lugares como a Bahia eram pessoas que buscavam uma cultura; hoje, as pessoas saem em busca do que está na moda. O poder de viagem também se tornou muito maior.
Temos a linha Didara, que é o afro-brasileiro dentro da sua simbologia e da sua história, e a linha Goya Lopes que é uma linha que está mais dentro da tendência brasileira. Faz pouco tempo que ela tomou forma e está chegando com um elemento do vestuário feminino que a classe A gosta muito, o caftã, que você usa nas horas de lazer, nas horas em que está recebendo visitas. Então, existe potencial, e é a partir desse potencial que o GT da moda afro-brasileira vê a possibilidade de entrar de maneira tranquila, pela porta da frente, na moda brasileira.
Quando voltei a Salvador e fui buscar uma técnica manual, eu queria fazer uma inovação. Quer dizer, dentro dessa técnica, a intenção era buscar no manual do rolinho, da máscara, do carimbo, uma modalidade contemporânea. Eu estava trazendo toda a simbologia afro, não importando se ela era do Norte ou do Sul, não importando de que nacionalidade ou de que etnia ela tenha sido trazida, mas sim que o traço tivesse personalidade forte. O meu traço é contemporâneo. Independentemente dos símbolos de que eu me aproprio para trazer ao trabalho, às vezes, de maneira intacta, todos identificam meu traço quando olham. Mesmo não conhecendo a coleção, eles reconhecem: "Aquele trabalho ali é da Didara, é de Goya". A ideia do projeto era ter dentro do grafismo uma contemporaneidade, porque ali estava a minha mão. Não foi só a tradição que eu trouxe, eu trouxe a tradição, mas com o meu traço. Isso é uma coisa própria da contemporaneidade. A arte contemporânea tem conteúdo, ela contextualiza. O traço não é só o traço, cada trabalho tem uma mensagem. A coleção do amor, a coleção da árvore, a coleção da latinidade, a coleção da baianidade, cada coleção está falando de uma coisa contemporânea, do que a gente pensa dos fatos e do que a gente pensa da gente mesmo. Essa contemporaneidade está no fato de a designer, a artista ou a estilista contribuírem com a sua vivência, com o seu olhar, com a sua percepção, com a sua observação para que aquela simbologia tenha uma personalidade própria, um padrão. Mas isso não foi construído da noite para o dia, foi construído passo a passo e com consciência dessa construção. Alguns daqueles que fazem a moda afro-brasileira têm que se trabalhar para não ficar só na questão da tradição. Se quer fazer a tradição, assuma a sua tradição: "Isso é tradição, eu fico aqui e é isso". Mas se eu quero criar dando uma contribuição, tenho que estar nesse pé de construção, nessa linha de pensamento, ou de outras linhas de pensamento, de outros olhares. Tem que ter a dinâmica que, hoje, o mundo contemporâneo pede. Pede, exige e não deixa a gente descansar.