What are artists really worth? Funding, friction and the future of art por Susan Jones, Guardian Professional
Dizem que sou louco e Artista será tema de documentário rodado em 3D por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Telepresença e Bioarte em português por Mariel Zasso, Select
Análise: Pesquisa sobre mercado brasileiro de arte deve ser encarada como retrato parcial por Fabio Cypriano, Folha de S. Paulo
Advogados querem fundar 'Ecad' das artes visuais por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Quem é o autor? por Raquel Cozer, Folha de S. Paulo
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Matéria de Susan Jones originalmente publicada no Guardian Professional em 24 de junho de 2013.
This is an edited version of an article first published on the a-n website and developed from a presentation to the National Photography Symposium at the Bluecoat, Liverpool
Matérias de Silas Martí originalmente publicadas no jornal Folha de S. Paulo em 31 de julho de 2013.
Livro revela o primeiro atestado de loucura do artista Bispo do Rosário e sua carreira de lutador
Encontrado agora, esse prontuário, que será publicado pela primeira vez, é a peça-chave de uma extensa pesquisa --da psicóloga Flavia Corpas e do crítico de arte Frederico Morais-- que acaba de ganhar forma de livro.
Entre outros fatos, "Arte Além da Loucura" dá detalhes sobre o surto que levou Bispo do Rosário a ser trancafiado num hospício e sobre sua vida antes, como lutador de boxe e oficial da Marinha.
São dados que dissolvem uma série de mitos, em um momento de redescoberta da obra de Bispo do Rosário, exaltado como figura central da última Bienal de São Paulo e ocupando agora uma sala na Bienal de Veneza, com seus mantos e estandartes.
"Ele não vivia em estado permanente de delírio, sabia das coisas", diz Morais, em entrevista à Folha. "Essa ideia meio romântica da loucura não existe. Ele sabia o que estava fazendo o tempo todo e se tornou uma figura poderosa dentro do hospital. Há uma ordem interna muito forte no trabalho dele."
Mesmo que não falasse sobre o passado, detalhes de sua vida estão documentados nos estandartes que bordou: da infância numa fazenda de cacau na Bahia à ida ao Rio como marinheiro, passando por sua carreira de pugilista.
São avalanches de nomes escritos em ordem alfabética, os mais importantes bordados do lado de dentro de seu "Manto da Apresentação". Além do nome do pai, Bispo lembrou ali alguns adversários que enfrentou no ringue.
Não eram histórias inventadas. Jornais da época narravam de forma assídua os embates do lutador que nunca foi nocauteado e ficou conhecido como "lobo do mar", ou "marujo de bronze", dotado de "dureza granítica".
Em 1929, reportagem do "A Manhã" descreveu sua primeira luta profissional como "encarniçada", afirmando que ela "arrancou aplausos pela violência dos lutadores".
Mas depois que um bonde esmagou um osso de seu pé, Bispo deixou o ringue e foi trabalhar como empregado doméstico na casa da família Leone, uma das mais ricas e poderosas do Rio na época.
Humberto Leone, um dos herdeiros do clã, conta que Bispo era vaidoso e se vestia "com luxo", usava gravatas de seda e perfume francês.
Isso até o Natal de 1938, quando teve os três sonhos que o levaram a se apresentar num mosteiro como um enviado divino, que veio à Terra numa esteira de nuvens para impedir que o "espírito malíssimo" aqui chegasse.
Naquele primeiro prontuário, estão descritas suas alucinações, entre elas o sonho de uma "chuva de estrelas", que "explodiam fazendo barulhos incríveis", como se imaginasse o próprio destino de brilhar noutro ringue.
ARTE ALÉM DA LOUCURA
AUTOR Frederico Morais, Flavia Corpas (org.)
QUANTO R$ 148 (296 págs.)
Artista será tema de documentário rodado em 3D
Depois de ver o documentário de Wim Wenders sobre a coreógrafa Pina Bausch, o primeiro filme desse tipo feito em 3D, a psicóloga Flavia Corpas pensou em usar o mesmo formato numa produção sobre Arthur Bispo do Rosário, que tem estreia prevista para o ano que vem.
"Vi que a obra do Bispo também é toda tridimensional, e que não seria um uso gratuito da tecnologia", diz Corpas, em entrevista à Folha. "Fiquei encantada com a ideia de um documentário em 3D, já que mesmo os bordados do Bispo reforçam esse aspecto no trabalho dele."
Numa parceria entre produtoras do Rio e de São Paulo, Corpas e a britânica Caren Moy, que assina com ela a direção, já registraram em 3D algumas mostras de Bispo, como sua sala na última Bienal de São Paulo e a exposição do artista no museu Victoria & Albert, em Londres, também no ano passado. Uma versão para TV também está sendo produzida.
Este será o primeiro filme sobre o artista desde que o psiquiatra e fotógrafo Hugo Denizart fez "O Prisioneiro da Passagem", documentário de 1982 para o qual Bispo deu uma longa entrevista.
Cenas daquele filme deverão ser reeditadas agora com novas imagens, além de documentos recém-descobertos, como seu primeiro prontuário médico e textos sobre sua carreira como boxeador.
"Tem um aspecto político importante resgatar a história dele da forma como ela aconteceu", diz Corpas. "E não de modo condizente com o que já inventaram."
Telepresença e Bioarte em português
Matéria de Mariel Zasso originalmente publicada na revista Select em 23 de julho de 2013.
Telepresença e Bioarte: Humanos, Coelhos & Robôs em Rede reúne textos publicados entre 1989 e 2009
Coletânea de textos do poeta e artista Eduardo Kac é publicada pela Edusp
Pioneiro em interações e cruzamentos da arte com ciências – sejam elas robóticas, digitais, biotecnológicas - e um dos dinamizadores da cena underground brasileira nos anos 1980, o brasileiro Eduardo Kac acaba de lançar mais um livro em português, Telepresença e Bioarte: Humanos, Coelhos & Robôs em Rede, uma coletânea de seus textos pela Editora Edusp. Uma primeira edição em inglês - Telepresence and Bio Art: Networking Humans, Rabbits, and Robots - havia sido lançada em 2005 pela University of Michigan Press.
Nome de destaque no cenário da arte contemporânea internacional,o polêmico e censurado explorador dos limites da arte exibe seus trabalhos regularmente em museus, bienais e galerias ao redor do mundo e tem obras publicadas em vários idiomas. Este livro reúne, em mais de 300 páginas, os textos escritos por Kac entre 1989 e 2009 que identificam e articulam teoricamente duas novas formas de arte que ele inventou e desenvolveu: a telepresença e a bioarte. O livro permite acompanhar a evolução do pensamento e de práticas radicais de Kac, desde suas primeiras obras com telecomunicações, realizadas antes da web, até obras que o projetaram internacionalmente, como Time Capsule, na qual implantou um microchip em si mesmo, com transmissão ao vivo pela televisão e pela internet, e, é claro, GFP Bunny, em que criou o primeiro mamífero transgênico da história da arte, a coelha verde fluorescente Alba.
TELEPRESENÇA E BIOARTE: Humanos, Coelhos & Robôs em Rede, de Eduardo Kac.
Editora EDUSP, 2013, 352 páginas
Posted by Patricia Canetti at 1:57 PM
Análise: Pesquisa sobre mercado brasileiro de arte deve ser encarada como retrato parcial
Matéria de Fabio Cypriano originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 24 de julho de 2013.
Essa venda não está retratada no relatório com a nova pesquisa sobre o mercado de arte brasileiro divulgada pelo projeto Latitude, pois trata-se de um caso de uma instituição do chamado mercado secundário, ou seja, de galerias que revendem obras.
Por isso, a pesquisa deve ser vista como um retrato parcial do mercado: ela diz respeito apenas às 44 galerias do mercado primário de arte contemporânea que responderam a um questionário, mas que não são as responsáveis pelas maiores movimentações nesse sistema.
Em março passado, a Fundação Europeia de Belas Artes (Tefaf) divulgou um relatório sobre o mercado brasileiro de arte que estimava em € 455 milhões (aproximadamente R$ 1,3 bilhão) as vendas em 2012.
Esse valor representa não só arte contemporânea, mas de antiguidade a arte moderna, ou seja, é uma estimativa bem plausível, tendo em vista a estimativa de cerca de R$ 200 milhões das 44 galerias na pesquisa Latitude.
Mesmo parcial em relação ao mercado, o mérito da pesquisa está em dar transparência ao segmento responsável pela inovação no sistema de arte e, segundo os dados, ele vem crescendo regularmente desde 2010, em cerca de 22% ao ano.
Esse valor é próximo ao crescimento das vendas de comércio eletrônico em 2012, que ficou em 24,2%, uma outra área de ponta.
Esses dados ficam mais consistentes em comparação com a economia brasileira, que cresceu apenas 0,9% no ano passado.
Falta agora uma pesquisa que dê conta da maior fatia do mercado de arte.
Essa é uma medida já prevista na legislação, o artigo 38 da lei de Direito Autoral, mas é quase impossível de ser respeitada porque o mercado de arte não tem um controle sobre todas as vendas. Muitas vezes, transações se dão entre colecionadores privados e nem vêm a público.
"Queremos controlar a cadeia de propriedade da obra", diz Leonardo Cançado, fundador do Instituto de Propriedade Artística Visual, uma espécie de Ecad das artes plásticas que ainda está sendo implementado. "É parecido com o direito de reprodução da música. A única obrigação do artista é vender a obra só se o comprador se registrar."
Com uma base de dados listando obra e proprietário, o grupo poderia então fiscalizar cada transação e repassar parte do lucro ao autor. Mas agentes de mercado dizem ser "impossível" esse tipo de controle, já que muitas vezes obras são vendidas sem qualquer comprovação de seu valor na última venda.
"Do jeito que está a lei, isso é impraticável", diz Jones Bergamin, da Bolsa de Arte. "É uma coisa descabida, porque não tenho como reter 5% de um lucro se eu não sei por quanto a pessoa comprou. Não tenho esse poder fiscal."
Cançado, por enquanto, diz que vai confiar na "boa fé" dos colecionadores. "Vamos incomodar quem passar a perna no artista."
Matéria de Raquel Cozer originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 17 de julho de 2013.
Sai o fetiche do livro: escritores e editores viram produtores que exploram histórias em várias plataformas e as multiplicam em obras coletivas
Posted by Patricia Canetti at 10:53 PM | Comentários (2)
Grafite de osgemeos que fazia referência a protestos é apagado, Folha de S. Paulo
Matéria originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 19 de julho de 2013.
A dupla osgemeos teve mais um grafite apagado pela Prefeitura de São Paulo. Em três meses, foi a terceira obra de autoria dos irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo --conhecidos internacionalmente por seu trabalho-- encoberta.
Desta vez, o alvo da tinta cinza foi só a parte escrita, que dizia "Vinagre é crime". O desenho foi mantido. O grafite fica no bairro Paraíso, próximo à avenida 23 de Maio.
O trabalho fora feito em junho, após a detenção de pessoas por porte de vinagre (que supostamente reduz efeitos do gás lacrimogêneo), em um protesto contra o aumento da tarifa de ônibus.
Após a intervenção, os artistas escreveram por cima um trecho da Constituição: "É livre a expressão da atividade intelectual, artística, científica e de comunicação, independentemente de censura".
O subprefeito da Sé, Marcos Barreto, disse que a ação foi um erro e que irá transferir a equipe contratada para apagar as pichações no centro.
"Houve interpretação equivocada de que a parte escrita era uma pichação. Não temos nada contra o grafite."
Posted by Patricia Canetti at 10:39 PM
Artista brasileira mistura sonhos e tecnologia em obra realizada em Berlim por Marco Sanchez, Deutsche Welle
Artista brasileira mistura sonhos e tecnologia em obra realizada em Berlim
Matéria de Marco Sanchez originalmente publicada no Deutsche Welle em 2 de julho de 2013.
Na quinta-feira passada (27/06), a artista realizou seu primeiro estúdio aberto para mostrar o projeto que vem desenvolvendo desde o início de sua residência, em fevereiro. "Esse projeto se chama "Flutuações Oníricas". Nele, eu coleto sonhos das pessoas e vou criando plataformas efêmeras. Através de animações, eu transformo esses sonhos em realidade, projetando esses sonhos [imagens] nessas plataformas", explicou Franco, em entrevista à DW Brasil.
No caso de "Flutuações Oníricas", essas plataformas de matéria efêmera são água, fumaça e bolhas de sabão. "Busco misturar materiais e criar outra visualidade, que não seja apenas uma tela", disse a artista brasileira.
"Flutuações Oníricas" é uma extensão do trabalho de Franco, no qual ela costuma investigar a relação entre os materiais físicos e digitais que compõem suas esculturas. Assim, a tecnologia tem um papel importante em explorar e traduzir como os sonhos são moldados nas mentes do ser humano.
Na instalação "Controlled Dream Machine" (2007), por exemplo, ela criou um par de pernas robóticas que sonhavam. "O digital funciona como [se fosse] a imaginação das máquinas. Sempre crio relações entre o corpo físico e a mente digital", explicou.
Depois de Berlim, "Flutuações Oníricas" deve ser exposta em uma galeria em São Paulo. "Peças como essas são comercializadas através dos desenhos ou por partes. A grande bola de água com projeção pode ser vendida. Quero arrumar uma maneira de apresentar essa instalação em festivais de luzes. Tenho uma proposta em Dubai e outra na França", disse Franco.
Outro projeto da artista é levar a obra "Reflexões Oníricas", que ela desenvolveu durante uma residência em Paris, para a fachada do prédio da Fiesp, na Avenida Paulista, centro financeiro de São Paulo. "Essa peça usa câmera e espelhos que criam projeções no rosto dos espectadores. Quero fazer isso em grande escala", projeta a artista.
Posted by Patricia Canetti at 10:15 PM
'Museus se tornaram mastodontes, quando o certo é virar veleiro', diz ex-diretor da Tate por Silas Martí, Folha de S. Paulo
'Museus se tornaram mastodontes, quando o certo é virar veleiro', diz ex-diretor da Tate
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 23 de junho de 2013.
Depois de sete anos à frente da Tate Modern, em Londres, e um dos maiores responsáveis por modernizar a disposição do acervo do museu e atrair até 5 milhões de visitantes por ano às mostras do endereço britânico, Vicente Todolí cansou. Foi cultivar azeitonas na Espanha, onde nasceu, e se desligou do mundo da arte por um tempo.
Agora, Todolí, que também já dirigiu o Museu Serralves, no Porto, e o Museu Valenciano de Arte Moderna, em Valencia, na Espanha, volta à cena artística com um projeto tão grande quanto os 15 mil metros quadrados do Hangar Bicocca, centro cultural em Milão que terá o espanhol como diretor artístico para a próxima temporada.
Na agenda, além da enorme retrospectiva dedicada ao norte-americano Mike Kelley agora em cartaz, estão mostras de Dieter Roth, Ragnar Kjanrtansson, Juan Muñoz e do brasileiro Cildo Meireles, que terá remontadas no espaço suas maiores instalações até hoje, como "Através", "Desvio para o Vermelho" e "Abajur", a obra que montou na Bienal de São Paulo há três anos que usava homens de verdade como tração para girar uma enorme escultura.
Em Milão, dias antes de anunciar a programação do Hangar Bicocca, Vicente Todolí deu entrevista à Folha. Leia a seguir trechos da conversa.
Vicente Todolí - Foram sete anos de trabalho, e quando cheguei lá achei que já tinha dado o máximo. Esse é meu ciclo, nunca mais de sete anos num projeto. Gosto quando acredito que consigo concluir o projeto sem saber muito bem como vou fazer. Só sei que nunca mais na vida quero dirigir um museu. Na Tate, havia muitos dias em que me dava conta de nem ter falado de arte. Não quero mais gerenciar as coisas. Quero ser uma espécie de editor, ter um compromisso só com a arte e o público.
Como aceitou então a ideia de cuidar da programação do Hangar Bicocca?
Quando me ofereceram a direção do Hangar, eu recusei. Disse que não queria dirigir mais nada, que me interessava trabalhar 100% com arte e nada do que esteja ao redor dela.
Você já disse antes estar cansado do mundo arte. Como você define o mundo da arte?
Eu penso da seguinte forma: Se a arte é o sol, ao redor dela estão os planetas em círculos concêntricos. Muito perto da arte, estão as galerias, os museus, alguns mais perto outros mais longe, curadores e afins. Bem longe está a parte social, os vernissages, as aberturas de bienal e toda a fofoca. Tudo que tem a ver com ouvir e não ver é um murmúrio constante que me cansa e me impede de dedicar meu tempo e atenção à arte. Aqui há patrocinador e outros gerentes para cuidar de tudo, não tenho que arrecadar verbas, não me envolvo com a vida social. Isso me permite concentrar só na arte.
Mas você saiu da Tate Modern e agora veio para um lugar ainda maior. Como pretende ocupar esse espaço?
Aqui é diferente da sala das turbinas. Aquela sala, aliás, nem era boa para exposições. Aquilo era bom para obras site-specific, mas quando tentávamos fazer exposições da coleção ali era muito difícil. O espaço aqui é mais alto, sem interrupções. Quero fazer exposições para este espaço sem obstruções. Só isso é um desafio. Não teremos aqui arquitetura dentro da arquitetura, e a arquitetura também não poderá ir contra a arte. Esse espaço tem sua própria história. Teremos exposições especiais aqui, que seriam impossíveis de fazer em outros museus.
No programa já anunciado estão remontagens de algumas obras clássicas de artistas como o Juan Muñoz e o Cildo Meireles. Esse também será um lugar para retrospectivas?
A obra mais importante de Juan Muñoz foi a instalação "Double Bind", que ele montou na Tate Modern. Na Tate, eu não trabalhei nessa exposição. Mas aqui vamos reinstalar "Double Bind". O espaço não é igual, mas o espírito será o mesmo. E, em volta dessa obra, teremos grupos de esculturas e peças de chão. Em 2014, terão se passado 14 anos desde a primeira montagem. Isso será para a geração que não viu o original, além de uma oportunidade para ver obras que não tinham sido expostas junto dela.
Mas é importante lembrar que aqui não faremos reconstruções. Reinstalamos, não reconstruimos. Isso será só uma parte da exposição. Estou pensando não em reconstruir, mas reconstituir com sentido, pensar o que os artistas teriam feito se tivessem dez vezes mais espaço do que tiveram numa primeira ocasião. É a história vista a partir de agora. Eu sempre trabalhei com projetos históricos e contemporâneos, sempre mantive um equilíbrio. Para mim, é importante ter uma visão em 360 graus, olhar para todos os lados, para frente e para trás. Olhar só para trás ou só para a frente é muito pouco. A história é formada por tudo o que passou e o que também está acontecendo ainda. Se você se fecha, é como dirigir numa estrada sem retrovisor. Não gosto das estradas, prefiro as trilhas, os zigue-zagues. Uma pista expressa é rápida, mas não deixa apreciar a paisagem.
Sua mudança para Milão também implica sair de uma instituição pública e entrar na esfera privada. O que muda nessa nova dinâmica?
Isso serve para ser livre. Numa instituição pública, olham cada vez mais para números e vendas de ingressos. Com essa pressão, era difícil apresentar artistas menos conhecidos. E muita energia se gasta só na tentativa de assegurar recursos financeiros. Na Tate, eu tentava ter um equilíbrio. O problema é quando esse equilíbrio se perde e o museu passa a se pautar só pelos números.
É nessa hora que o museu perde sentido e se transforma em instituição financeira, copiando a linguagem e modelos do mundo dos negócios. Falam em concorrência e se referem a exposições como "produtos". Esse mundo não me interessa. O perigo que ronda as instituições de arte é usar a arte para atingir metas financeiras ou numéricas. Aqui me dão liberdade absoluta, talvez essa seja mesmo a saída. São instituições privadas hoje que podem bancar esse modelo, já que tem objetivos de longo prazo, abrindo caminhos. Muitos museus se tornaram mastodontes burocráticos, enquanto o certo seria reduzir, voltar ao modelo de um barco a vela, mais ágil.
Posted by Patricia Canetti at 7:35 PM
Projeto de Lei 4699/2012 sobre Profissão do Historiador por Comitê Brasileiro História da Arte (CBHA)
Face à possível votação, em caráter de urgência, na Câmara dos Deputados, do Projeto de Lei 4699/2012, que regulamenta a profissão do historiador, comunicamos que o CBHA, assim como outras associações e entidades representativas, enviou carta - e fax - aos Deputados Federais em que alerta para a necessidade de emendas ao texto. O projeto de lei já foi aprovado no Senado. De acordo com este projeto, apenas profissionais com diploma de graduação em História poderão lecionar ou atuar em áreas ligadas à história. Aos interessados, a carta está disponível no link: Projeto de Lei 4699/2012 sobre Profissão do Historiador.
Como Presidente do Comitê Brasileiro História da Arte (CBHA), tomo a liberdade de entrar em contato com V. Sa. para alertar a respeito de problemas referentes ao Projeto de Lei 4699/2012, atualmente em tramitação na Câmara dos Deputados, e para pedir seu apoio para a correção do referido Projeto.
História das Artes (Arquitetura, Pintura, Escultura, Música, Teatro, Dança, etc.)
História da Filosofia, História do Direito
História da Educação, História da Literatura
A aprovação do PL 4699/2012, tal como está formulado, IMPEDE todas as pessoas que ministram, HÁ DÉCADAS, disciplinas como essas, de continuarem a exercer suas atividades. O mesmo se aplica aos pesquisadores dessas áreas. Em particular, esse Projeto de Lei fere os direitos dos membros do Comitê Brasileiro de História da Arte (CBHA), que desenvolvem pesquisas e ensino sobre História da Arte e que não possuem diploma de História. É importante mencionar que nos últimos 5 anos foram criados novos cursos de graduação em História da Arte em diversos Estados no Brasil, estimulados pelo programa de Reestruturação e Expansão das Universidades Federais (REUNI) do Governo Federal. Esses cursos já estão em funcionamento e oferecem uma formação específica que não é contemplada nos cursos de história que, em sua grande maioria, não tratam do estatuto da imagem e não possibilitam uma formação aprofundada sobre as artes.
Profa. Dra Maria de Fatima Morethy Couto
Presidente do Comitê Brasileiro de História da Arte (CBHA)
Surrealismo tropical de Maria Martins tem mostra no MAM por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 9 de julho de 2013
Nos círculos diplomáticos, ela era a madame Carlos Martins, mulher do embaixador brasileiro em Washington nos anos 1940. Na arte, entrou para a história como a maior escultora surrealista do país e por seu tórrido "affair" com o artista Marcel Duchamp.
Maria Martins, que morreu aos 78, em 1973, definiu num único verso a sua condição de agente duplo, dividida entre o tédio das altas rodas e a voracidade com que construiu obras sobre desejos insaciáveis -dizia ser "o meio-dia pleno da noite tropical".
Esse verso é do poema "Explicação", que fez para sua mostra de 1946 na Valentine Gallery, em Nova York. Explicava, de fato, a base poética em que arquitetava sua obra.
Martins gostava de escrever que vinha dos trópicos, ancorando nessa raiz calorenta e faiscante a lascívia que escancarava no trabalho.
"Não Te Esqueças que Venho dos Trópicos", a escultura de uma mulher deitada de costas, com feições animalescas e garras em riste, estava naquela mostra e abre agora, quase sete décadas depois, uma das maiores retrospectivas da artista no país, que começa amanhã no Museu de Arte Moderna de São Paulo.
Depois da publicação do antológico "Maria", livro editado há três anos pela Cosac Naify que reuniu pela primeira vez imagens de todas as obras conhecidas da artista, a exposição no MAM tenta desfazer certo esquecimento que ronda a figura de Martins.
De certa forma, é algo que começou lá fora, quando a última Documenta, em Kassel, na Alemanha, mostrou, no ano passado, peças de Martins. Em outubro, obras dela estarão no museu Astrup Fearnley, em Oslo (Noruega).
Veronica Stigger, que organiza a mostra no MAM, enxerga certo preconceito nesse silêncio em torno da artista.
"É uma reação à maneira como ela expõe aquilo que, na mulher, a sociedade gostaria que permanecesse escondido, como o desejo, ou a vulva", diz a curadora. "Não se perdoa uma mulher por ser inteligente demais, corpórea demais, livre demais -ainda mais tudo ao mesmo tempo."
ROCOCÓ ASSUSTADOR
Mas, com ou sem perdão, a obra de Martins já não é vista hoje como "esquisita", "complicada" ou um "rococó assustador", forma que os críticos primeiro descreveram suas peças nos anos 1940.
Depois que André Breton, cérebro por trás do surrealismo, apadrinhou seus traços, Martins foi engolfada por essa vanguarda, embora seu trabalho esbarre no fantástico menos pelo devaneio e mais por uma investigação dos mitos de sua origem.
Isso passava não só pela mutação das figuras humanas, que se tornam mais abstratas e bestiais na evolução de sua obra, mas também em sua representação do entorno desses seres, um "espaço de chumbo", em suas palavras, que retratava como densas redes de cipós retorcidos.
Mas ela nunca se assumiu surrealista. Romantizava, na verdade, um Brasil distante, de seres estranhos movidos por uma paixão ancestral.
E criava isso à luz da vanguarda europeia que então aportava em Nova York. Seu romance com o francês Duchamp, um dos maiores nomes da história da arte, rendeu um diálogo intenso entre instalações e esculturas.
Em "O Impossível", sua obra mais célebre, que também está na mostra do MAM, ela mostra o embate entre bichos que tentam se aproximar, mas não conseguem -suas garras afiadas fariam da realização do ato carnal uma verdadeira chacina.
Era sua forma de ilustrar a relação impossível com Duchamp. Em resposta, ele passou 20 anos criando uma peça em que mostrava, por trás de um buraco de fechadura -tão intocável quanto os amantes ferozes de Martins-, uma mulher nua moldada a partir do corpo da escultora.
"Não há nunca essa aproximação", analisa Stigger. "Tanto nas obras dele quanto nas dela, há a impossibilidade de uma relação carnal."
Surreal e polêmica por Antonio Gonçalves Filho, Estado de S. Paulo
Matéria de Antonio Gonçalves Filho originalmente publicado no jornal Estado de S. Paulo em 10 de julho de 2013.
Posted by Patricia Canetti at 8:15 PM
Novo presidente do Ibram, Angelo Oswaldo fala sobre os rumos da organização por Audrey Furlaneto, O Globo
Novo presidente do Ibram, Angelo Oswaldo fala sobre os rumos da organização
Jornalista e advogado foi convidado para o cargo em março
RIO - O Instituto Brasileiro de Museus (Ibram) anunciou nesta terça seu novo presidente — três meses após a saída de José do Nascimento Jr., que também autou na fundação do órgão, criado em 2009. Agora é Angelo Oswaldo quem responde pela autarquia, vinculada ao Ministério da Cultura e que responde diretamente por 30 museus e ainda cria e organiza as políticas do setor.
Jornalista e advogado, Oswaldo foi prefeito de Ouro Preto por três mandatos (1993-1996; 2005-2008; 2009-2012), foi secretário da Cultura de Minas Gerais (1999-2002) e presidiu o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan), de 1985 a 1987, no governo José Sarney. Diz que sua meta no Ibram será consolidar sistemas e programas que foram implantados nos primeiros quatro anos do órgão.
— Nesse tempo, houve criação de estrutura e de programas. O Ibram é uma autarquia recente, era um departamento do Iphan que ganhou autonomia. Então, o primeiro momento foi de organizar seu funcionamento. Agora, vamos consolidar e ampliar programas — disse Oswaldo, referindo-se, por exemplo, ao Sistema Nacional de Museus, cadastro com informações de 1.500 instituições (no Brasil, no entanto, existem 3.300 museus). — Com o sistema completo, podemos trabalhar com o compartilhamento de conceitos, de gestão, de museologia.
Para Oswaldo, "os museus brasileiros são referência no mundo todo". Quando questionado sobre a falta de estrutura de instituições para receber turistas, diz, sem detalhar, que a ministra da Cultura, Marta Suplicy, vai anunciar "investimento substancioso nesse setor".
— Estamos preocupados não só pela Copa em 2014, mas também porque a modernização dos museus é uma demanda que o próprio desenvolvimento do turismo no Brasil vem gerando. Temos visto no Brasil milhares e milhares de pessoas indo a museus quando existem exposições especiais. Quer dizer, um museu não pode ficar estagnado com uma exposioção permanente. Uma das tarefas do Ibram é estimular as mudanças e a formação de público.
Posted by Patricia Canetti at 8:02 PM
O Ministério da Cultura publicou, no dia 1º. de julho, a Instrução Normativa nº 1, de 24 de junho de 2013, que estabelece procedimentos para a apresentação, recebimento, análise, aprovação, execução, acompanhamento e prestação de contas de propostas culturais, relativos ao mecanismo de incentivos fiscais do Programa Nacional de Apoio à Cultura – PRONAC e traz importantes mudanças, das quais:
Arqueologia do digital por Paula Alzugaray, Istoé
Matéria de Paula Alzugaray originalmente publicada na revista Istoé N. 2277 em 5 de julho de 2013.
Waldemar Cordeiro - Fantasia exata, Instituto Itaú Cultural, São Paulo, SP - 04/07/2013 a 22/09/2013
Ao longo de 250 obras dispostas em três andares de exposição, acompanham-se as curvas radicais da obra de Waldemar Cordeiro (1925-1973). Com curadoria de Arlindo Machado e Fernando Cocchiarale, a mostra "Waldemar Cordeiro: Fantasia Exata" mapeia uma trajetória pioneira que abriu frentes de pensamento desde a abstração concreta até os primórdios do digital.
Na antessala da exposição, um pequeno conjunto de obras dos artistas integrantes do Grupo Ruptura pontua o marco zero do pensamento racionalista de Cordeiro. O recorte situa o visitante em um debate do qual participavam Geraldo de Barros e Lothar Charoux, entre outros, e que definia os contornos de uma arte de base necessariamente racional. Depois do preâmbulo do Ruptura, a exposição se divide em três andares, ou três grandes grupos de trabalhos que confirmam a tendência inicial do artista de ruptura de paradigmas. "Mas a base matemática está por trás de tudo", anuncia Arlindo Machado.
O início do percurso no andar superior apresenta o salto de um figurativismo de cunho expressionista para uma abstração geométrica radical. No andar intermediário, a geometria permanece presente no grupo de pinturas com jato de tinta automotiva, realizadas entre 1962 e 1969, e nos trabalhos que assimilam objetos do cotidiano – chamados de popcretos por Augusto de Campos. No andar inferior apresenta-se a produção do início dos anos 1970, quando o artista começou a usar computadores e equipamentos eletrônicos rudimentares em um projeto experimental que intitulou arteônica.
"A ruptura de Cordeiro não é só com sistemas formais dominantes. Ele representou a ruptura com um mundo moderno que, no Brasil, tinha fortes raízes no campo. O uso de materiais industriais e mesmo a arteônica são evidências de que ele é o arauto de um Brasil verdadeiramente moderno", diz Fernando Cocchiarale. Quando realizava suas primeiras experiências com computador, Cordeiro dizia que "no Brasil a computer art encontrou antecedentes metodológicos na arte concreta". Sua experimentação foi, no entanto, interrompida pela morte prematura. "Ele deixou um trabalho experimental inacabado. Não podemos ver esses trabalhos como finalizados", afirma Machado sobre as séries de desenhos com algoritmos.
Mesmo com pouquíssimo tempo de trabalho sobre as potencialidade artísticas dos novos meios tecnológicos, Cordeiro inventou um novo procedimento. "O computador não fora projetado para produzir imagens. Ele forçou um método de produção de imagem em um meio que não era feito para isso", diz Machado. Assim, valendo-se da combinação de dígitos – o mais abstrato dos recursos –, o artista voltou à figuração, reproduzindo fotografias de jornal, como o retrato da menina vietnamita que fora atingida pela bomba de Hiroshima. "A Mulher Que Não É BB" (1973) é considerado o último trabalho feito pelo artista. Anos antes, deu início à sua pesquisa de construção de imagens com unidades mínimas com "Autorretrato Probabilístico" (1967), considerado por Machado "o nascimento da ideia da arteônica".
A exposição ainda ressalta as atividades de paisagista, urbanista designer e jornalista de Cordeiro, que nos anos 1940 escrevia críticas de arte na "Folha da Manhã". A exposição tem um braço no Parque do Ibirapuera, onde foi reproduzida, com concepção e adaptação do arquiteto André Vainer, uma das obras paisagísticas de Waldemar Cordeiro.
Posted by Patricia Canetti at 10:38 PM
Plataforma para acompanhamento das metas do PNC, MinC
Matéria de Heli Espíndola originalmente publicada no Ministério da Cultura em 3 de julho de 2013.
O Ministério da Cultura disponibiliza, a partir de hoje (3 de julho), uma nova plataforma do Plano Nacional de Cultura (PNC), que possibilitará o acompanhamento das suas 53 metas. Na página do PNC estarão disponíveis todas as informações sobre a construção do Plano e as 53 metas estabelecidas para serem alcançadas até 2020. O Plano e suas metas foram construídos de forma coletiva, envolvendo a sociedade civil e os poderes públicos municipais, estaduais e federal.
Dentre as metas a serem alcançadas em 10 anos está a de nº 01, que prevê que todas as Unidades da Federação e 60% dos municípios tenham aderido, até 2020, ao Sistema Nacional de Cultura (SNC) e implantado seus sistemas de cultura. Já a Meta 24 estabelece que 60% dos municípios de cada macrorregião tenham atividades artísticas e culturais fomentadas com recursos públicos.
O PNC também prevê, na Meta 08, o reconhecimento de 110 territórios criativos e, na Meta 23, o funcionamento de 15 mil pontos de cultura, em parceria com estados e municípios que integram o Sistema Nacional de Cultura. O Plano Nacional de Cultura estabelece ainda, em sua Meta 14, que 100 mil escolas públicas de Educação Básica estejam participando do Programa Mais Cultura nas Escolas, com recursos para investir em atividades de arte e cultura.
Além das 53 metas – que poderão ser acompanhadas pelos internautas- a plataforma traz as perguntas mais frequentes sobre o PNC e uma biblioteca onde estarão disponíveis documentos como os Plano Setoriais das várias áreas da cultura que integram o Conselho Nacional de Políticas Culturais (CNPC) e os Planos de Cultura de estados e municípios.
"Qualquer cidadão, que tenha interesse em acompanhar a execução do PNC, pode entrar na página e fazer seu cadastro para acompanhar o cumprimento da meta de seu interesse", informa o secretário substituto de Políticas Culturais do Ministério da Cultura, Américo Córdula. "E o objetivo da plataforma é dar transparência ao processo e permitir a participação de todos", esclareceu o secretário.
Segundo ele, a construção do Plano Nacional de Cultura começou em 2003 com a articulação política de toda a sociedade civil por meio da realização de uma série de seminários em todo o país com a temática "Cultura para Todos"em 2003. "Em 2005, realizamos a I Conferência Nacional da Cultura que priorizou a criação do Conselho Nacional de Cultura, o Sistema Nacional de Cultura e o Plano Nacional de Cultura", explica Américo Córdula, acrescentando que, também em 2005, foi aprovada a emenda que inseriu o PNC no artigo 215 da Constituição.
"De 2006 a 2010 tivemos passos importantes como a apresentação do Projeto de Lei do PNC no Congresso Nacional, em 2006, e a sua aprovação como lei (12.343) em 2010", informa o secretário. "Também tivemos, de 2006 a 2008, as primeiras pesquisas no campo da cultura, realizadas pelo IPEA e IBGE, que embasou a proposta inicial de construção dos indicadores da cultura para a gestão publica, um campo novo a ser desenvolvido", informa ainda.
Em 2011, as metas foram elaboradas, tendo como base o texto aprovado no ano anterior. "Realizamos, em 2011, durante 50 dias, uma consulta pública para receber a contribuição da sociedade civil e de gestores públicos sobre as metas e agora, quem contribuiu pode acompanhar, pela página do PNC, a evolução das metas até o seu cumprimento em 2020", esclarece o secretário.
Para acompanhar as metas, o interessado pode fazer o seu cadastro e escolher as metas que quer acompanhar. Cada vez que a meta tiver alguma alteração ele receberá um e-mail com esta informação.
Acesse aqui o site do PNC.
Posted by Patricia Canetti at 10:31 PM
Sai lista de brasileiros que estarão em grande mostra de museu norueguês por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 3 de julho de 2013.
Embora a ideia dos curadores da mostra Gunnar Kvaran e Hans Ulrich Obrist seja destacar a "nova geração" das artes visuais do país, há também autores já consagrados na exposição.
"São todos artistas que achamos que têm uma presença interessante no circuito global", diz Kvaran à Folha. "Mas a ideia é mostrar a nova geração de artistas no Brasil, que está se distanciando das tradições neoconcretas, com uma orientação mais conceitual e profunda."
"É uma geração muito forte, de artistas mais conceituais que estão inventando novas linguagens", diz o curador. "Há uma verdadeira construção estética e um distanciamento muito claro da tradição neoconcreta, que foi muito forte no Brasil, e do formalismo que também vigorou muito no mundo."
Posted by Patricia Canetti at 10:27 PM
Antonio Grassi deixa presidência da Funarte para assumir cargo no Instituto Inhotim por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 4 de julho de 2013.
Posted by Patricia Canetti at 10:19 PM
Esculturas e fotografias da artista Lais Myrrha são ode à instabilidade por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Esculturas e fotografias da artista Lais Myrrha são ode à instabilidade
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 6 de julho de 2013.
Lais Myrrha - Zona de Instabilidade, Caixa Cultural São Paulo - Praça da Sé, São Paulo, SP - 07/07/2013 a 25/08/2013
"Ficaram essas sombras no lugar. É o rastro, o que sobra das coisas", diz a artista mineira radicada em São Paulo.
São imagens de linhas retas definindo a silhueta de volumes do mesmo tamanho ao longo de muros infinitos, uma quase abstração cinza.
De fato, Myrrha dispensa a cor. Suas obras privilegiam a estrutura, o esqueleto dos assuntos da forma mais crua. Na mostra que abre hoje na Caixa Cultural, a artista remonta alguns trabalhos nessa linha, uma síntese de suas investigações sobre a ruína, ou rastros, pegadas de ideias.
É o que acontece, por exemplo, num mapa roubado e copiado de um atlas, que perde a cor e a definição das fronteiras na reprodução da artista. Ou na subversão da ordem estelar noutro mapa.
Numa das instalações da mostra, Myrrha alterou cartografias de constelações ao traçar linhas ligando cada estrela menor à principal, um mosaico de riscos mais e menos densos ao redor de cada ponto do mapa, como se desenhasse centros nevrálgicos num firmamento etéreo.
Myrrha parece desencarnar aqui a aura dos astros para expor uma lógica interna que pode ou não ser real, da mesma forma que faz com o tempo numa ampulheta invertida, em que os grãos que denotam a passagem das horas flutuam em vez de cair.
"É um tempo que corre para cima, que está sempre no futuro", diz Myrrha. "Tem a ver com a ideia de o Brasil ser sempre o país do futuro, algo que nunca sai do devir."
Nesse ponto, a obra que abre a mostra aponta na mesma direção. São páginas da Constituição reproduzidas em tamanho gigante, mas o texto está desfocado, deixando nítida uma única palavra em cada folha --exceção.
Filha de um gerente de obras, Myrrha cresceu ouvindo histórias de construção e ruínas que vêm no encalço. Numa alusão à coluna infinta do escultor romeno Constantin Brancusi, uma série de formas iguais que se repetem na vertical, Myrrha retratou num vídeo uma pilha de sacos de cimento que se acumulam pesados rumo ao céu.
É tão inútil e incerto quanto o pódio que construiu numa das salas da mostra, uma estrutura que nunca poderá ostentar um vencedor porque é feita de pó de cimento e desaba com o próprio peso, espécie de troféu à ausência. "É um pódio em ruína", diz Myrrha. "Não tem liga. É só o pó."
O boom atual dos negócios de arte no Brasil por Alex Ricciardi, Forbes Brasil
Matéria de Alex Ricciardi originalmente publicada na Forbes Brasil em 30 de março de 2013.
Compra e venda de obras já é uma atividade econômica de grande porte no país
O momento é belo para a compra e venda de obras de arte no Brasil. Quarenta galerias de sete Estados brasileiros, que juntas representam, aproximadamente, 900 artistas, reportaram, por meio de uma pesquisa, um forte aumento dos negócios. Essas empresas atuam no chamado mercado primário (ou seja, trabalham com o artista em atividade) e cresceram em média 44% nos últimos dois anos.
O segmento de arte do país registrou, em 2011, um recorde de exportações, com vendas de US$ 60,1 milhões. Em 2013, sairá um livro da prestigiada editora alemã Taschen sobre a trajetória de uma das artistas plásticas brasileiras de maior sucesso fora do país, a carioca Beatriz Milhazes – há apenas três meses, uma obra dela foi vendida por U$S 2,1 milhões.
O mesmo levantamento aponta que o perfil dos compradores de arte no Brasil tem forte predominância de colecionadores particulares brasileiros – estes já são responsáveis por 66% das vendas, contra 15% de colecionadores vindos do exterior e apenas 8% das instituições culturais nacionais, mesmo percentual das empresas privadas. A pesquisa foi conduzida pela Abact (Associação Brasileira de Arte Contemporânea) e pelo projeto setorial de arte contemporânea da ApexBrasil (Agência Brasileira de Promoção de Exportações e Investimentos), e terá evento de lançamento durante a SP-Arte (uma grande feira de galerias de arte), em maio.
O mercado de arte brasileiro estaria, enfim, decolando? "Nos últimos cinco anos, observamos o crescimento e fortalecimento do setor em um ritmo acelerado. E vários são os motivos", responde Alexandre Roesler, um dos responsáveis pela galeria paulistana Nara Roesler, das maiores da cidade. "O aumento do interesse internacional em tudo que está acontecendo no Brasil, inclusive no mercado de arte, tem ajudado a divulgar nossa produção no exterior.
Importantes instituições como o MoMA, de Nova York, e a Tate Modern, de Londres, têm apresentado artistas brasileiros como Hélio Oiticica, Cildo Meireles, Mira Schendel, Carlito Carvalhosa etc., confirmando que a arte brasileira está cada vez mais no radar de seus comitês de aquisição." E ele observa: "Artistas como Vik Muniz, Adriana Varejão, Beatriz Milhazes estão sempre presentes nos leilões internacionais. E outros mais jovens, como Cinthia Marcelle, Paulo Nazareth, Marcius Galan e Rodolpho Parigi, também vêm conquistando, por seu lado, uma crescente visibilidade no exterior".
Um dos sintomas mais claros deste novo momento do setor artístico brasileiro é o fortalecimento acelerado do Brazil Golden Art. Trata-se do primeiro fundo de investimentos em arte do país. O BGA é gerido pelo banco Brasil Plural. A aposta do fundo é a arte contemporânea brasileira. Seu acervo hoje conta com cerca de 600 peças. Atualmente, trata-se de um fundo fechado, que foi criado há um ano e meio e tem 70 investidores. À época de seu lançamento, o BGA ficou aberto para captação durante 15 dias – e conseguiu, nesse período, amealhar R$ 40 milhões. O plano do fundo é investir esse dinheiro durante três anos, comprando obras, e então se desfazer das peças em cerca de 24 meses. O lucro virá, para os investidores, justamente da forte valorização das obras. "O que motivou a criação do BGA foi o momento de especial prestígio e visibilidade que a produção artística brasileira vive no mercado nacional e internacional", confirma Heitor Reis, sócio-fundador do BGA.
É interessante observar que o surgimento do Brazil Golden Art coloca o país no mesmo diapasão que o de alguns dos maiores mercados mundiais de compra e venda de obras artísticas. Atualmente existem outros fundos semelhantes ao BGA atuando no restante do mundo, tais como o The Fine Art Fund Group, que tem abrangência global e US$ 150 milhões captados. Há também o Art Collection Fund, com sede em Luxemburgo, e o Art Mundi Global Fund, que atua em Miami, México, Xangai e Espanha e possui outros US$ 150 milhões em carteira.
Cada fundo tem suas especificidades, com prazos, estratégias e regulamentos diferenciados. "O mercado de arte brasileiro, salvo exceções, está começando a se profissionalizar agora", pondera Reis. "A grande diferença dele em relação ao mercado internacional são os valores das obras comercializadas. As obras internacionais estão com valores muito acima das brasileiras de uma maneira geral. Entretanto, a médio e longo prazo a nossa produção, por sua excelente qualidade, chegará a preços equivalentes aos praticados no mercado internacional", aposta o executivo.
Mas o tamanho do mercado artístico nacional é qual, dentro do contexto latino-americano? "Imagino que seja um dos dois maiores da América Latina, ao lado do mexicano. Logo atrás deles, a atividade de compra e venda de obras de arte na Colômbia é outra que se destaca", responde Alexandre Gabriel, diretor da Galeria Fortes Vilaça, em São Paulo. "O vigor deste setor no país é tal que até mesmo galerias famosas da Europa estão vindo para cá. É o caso da inglesa White Cube, que em dezembro passado inaugurou sua segunda filial fora do Reino Unido – a outra fica em Hong Kong –, na Vila Clementino, em São Paulo", lembra Gabriel.
A White Cube resolveu vir para cá graças, em especial, à boa performance que seus negócios já vinham apresentando no Brasil. Em maio do ano passado, a companhia faturou 1,4 milhão de libras (R$ 4,6 milhões) apenas no dia da inauguração da SP-Arte, uma das maiores feiras do setor no país. Em setembro, ela teve também fortes vendas na ArtRio, outro grande evento nacional da área. "As feiras têm um papel importante, pois colocam a arte brasileira no mapa mundial do setor", reforça Alexandre Roesler. "Várias galerias locais participam do circuito das feiras internacionais, levando a arte brasileira para os mais diversos destinos como Miami, Nova York, Basel, Londres, Hong Kong, Dubai etc. E as feiras brasileiras SP-Arte e ArtRio atraem cada vez mais galerias estrangeiras, aumentando o intercâmbio cultural", completa ele.
Até mesmo ações inovadoras estão sendo geradas nesse meio. O site Nail on Wall tem como objetivo oferecer para os usuários uma maneira nova de encontrar arte. Uma série de obras está exposta no endereço eletrônico – e havendo interesse do usuário em uma tela no Nail on Wall, o site o coloca em contato com a galeria que a comercializa, para que o interessado possa vê-la ao vivo e adquiri-la. "Esperamos, até o final do ano, ter mais de mil trabalhos sendo exibidos no Nail on Wall, de galerias nacionais e internacionais", conta Luca Parise, criador do site.
Nos próximos anos, o setor deve continuar se expandindo com força. "As perspectivas para o mercado brasileiro são as melhores possíveis, pois a arte local é diferenciada em sua estética e poética", afirma Heitor Reis, do BGA. "Por isso, ela se internacionalizou e passou a ser reconhecida e respeitada pela crítica especializada e pelo mercado mundial, tendo forte presença nas principais catedrais da arte, a exemplo da Tate Modern, do Louvre, do MoMA, das bienais e das feiras. Trata-se de uma conjunção fundamental para que os artistas brasileiros estejam hoje no patamar dos melhores do mundo, propiciando excelentes oportunidades de investimento e retorno de capital", afirma Reis, confiante.
Amazon busca acordo com galerias de arte dos EUA para vender obras on-line por Silas Martí, Folha de S. Paulo
Amazon busca acordo com galerias de arte dos EUA para vender obras on-line
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 1 de julho de 2013.
Gigante de vendas on-line, a Amazon se prepara agora para entrar no mercado de arte. De acordo com o jornal "The Art Newspaper", de Londres, a empresa norte-americana vem negociando com galerias dos Estados Unidos uma representação virtual de seus acervos. Em cada transação, a Amazon ganharia uma comissão de 5% a 10% do valor da venda.
Embora algumas das maiores galerias do mundo, como a Gagosian, a David Zwirner e a Pace, tenham sede nos Estados Unidos, a proposta da Amazon é se aproximar de casas menores, com obras de valores mais acessíveis.
Segundo o "The Art Newspaper", galerias como Eleven Rivington, On Stellar Rays, Vogt e Zach Feuer foram procuradas pela Amazon, que chegou a propor anonimato às casas, deixando que vendessem obras de seus acervos sob pseudônimo até o site ganhar mais credibilidade.
No Brasil, o site Submarino também entrou no mercado de arte, abrindo um espaço chamado galeria Motor há quatro anos. Embora ainda esteja no ar, vendendo múltiplos de artistas conhecidos como Nelson Leirner, Cao Guimarães e Luiz Hermano, o volume de transações ficou abaixo da expectativa do mercado nacional.
"Falta incentivo a ideias originais na ciência no país", diz neurocientista brasileira por Fernando Tadeu Moraes, Folha de S. Paulo
Matéria de Fernando Tadeu Moraes originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 10 de junho de 2013.