title: Fuerza Aérea de Rusia

text: Las Fuerzas Aéreas de Rusia operan alrededor de 3.000 aeronaves de todos los tipos, entre ellos Cazas, Bombarderos, Transportes, Cisternas y Helicópteros de todo tipo, posicionándose como la segunda mayor Fuerza Aérea del mundo detrás de la Fuerza Aérea de Estados Unidos y por delante de la Fuerza Aérea de la República Popular China.


title: Fuerza Aérea de Rusia

text: El Ministerio de defensa de Rusia mantiene silencio sobre el número y estado de su equipamiento militar, siendo todas las estimaciones periodísticas sobre el número de aeronaves, aproximaciones a partir de los datos conocidos de contratos y gastos en defensa en el caso de las aeronaves nuevas.


title: Fuerza Aérea de Rusia

text: El siguiente listado de las cantidades de aeronaves está basado, en datos reales obtenidos a partir de fotografías de aviones en vuelo, sus números de registro (matrícula) y sus números de serie conocidos (Reg.), recopilados en bases de datos de webs de fotografías de aeronaves, blogs y foros especializados en la aviación militar rusa.


title: Fuerza Aérea de Rusia

text: La marca de identificación de la Fuerza Aérea de Rusia es una estrella roja con un borde blanco y rojo similar a la Fuerza Aérea de la URSS del modelo de 1943, pero a una escala menor fue aprobada el 25 de enero de 2013. Los mismos signos son utilizados por la Fuerza Aérea de Bielorrusia.


title: Fuerza Aérea de Rusia

text: Antes de eso, la bandera roja con el borde en los colores del tricolor ruso era la marca de reconocimiento de la aviación militar rusa desde 2010. El intento de adoptar un nuevo símbolo en 2009 como oficial encontró resistencia del Consejo de la Federación. En julio de 2009, se adoptó una enmienda al Código Aéreo que autoriza al propio Ministerio de Defensa a establecer una marca de identificación para la aviación militar.


title: Fuerza Aérea de Rusia

text: El 4 de marzo de 2010, el gobierno de Rusia aprobó las estrellas con bordes repitiendo los colores de la bandera nacional. Además, el mismo decreto estableció el signo de la propiedad estatal de las aeronaves de la aviación de la policía y los servicios de aduanas: una imagen estilizada de la Bandera del Estado de la Federación de Rusia.


title: Fuerza Aérea de Rusia

text: Sin embargo, a principios de 2013, el nuevo ministro de Defensa Sergei Shoigu a propuesta del comandante en jefe, decidió devolver las estrellas rojas del modelo de la Fuerza Aérea de la URSS como insignias aéreas de la propiedad estatal de las aeronaves. La única diferencia es que ahora serán una vez y media menos que los soviéticos. Como la razón para el reemplazo, un oficial no identificado del Ministerio de Defensa afirmó que "las brillantes estrellas tricolores desenmascaran con fuerza aviones y helicópteros".


title: Mario Bros.

text: En el juego, Mario es retratado como un fontanero ítalo-estadounidense que, junto con su hermano menor Luigi, tiene que derrotar a las criaturas que han venido de las alcantarillas de Nueva York. El juego se centra en la exterminación de estas, volteándolas sobre sus espaldas y pateándolas. Las versiones originales de "Mario Bros." -la versión de arcade y la versión de Family Computer/Nintendo Entertainment System (FC/NES)- fueron recibidas positivamente por los críticos.


title: Mario Bros.

text: Aunque este juego fue considerado como el primer juego en hacer debutar al personaje de Luigi, en realidad este apareció meses antes en el juego de Game & Watch del mismo año.


title: Mario Bros.

text: Mario Bros. fue creado por Shigeru Miyamoto (1965-) y Mitsuharo Sato con una historia creada también por Shigeru Miyamoto, principales desarrolladores del videojuego "Donkey Kong". En "Donkey Kong", Gunpei Yokoi sugirió a Miyamoto que debería ser capaz de caer de cualquier altura, algo de lo que Miyamoto no estaba seguro, pensando que sería "poco propio de un juego". Se pusieron de acuerdo, pensando que estaría bien para él tener algunas habilidades sobrehumanas. Él diseñó un prototipo en el que Mario "saltaba y rebotaba", que lo hizo quedar satisfecho. El elemento de la lucha contra los enemigos de abajo se introdujo después de que Yokoi lo sugiriera, observando que sería mucho trabajo ya que había varios pisos. Sin embargo, resultó ser demasiado fácil eliminar a los enemigos de esta manera, así que los desarrolladores exigieron a los jugadores tocar (patear) a los enemigos después de haber golpeado la plataforma bajo ellos para derrotarlos. Esta fue también la forma en que se presentó a la tortuga como un enemigo, la cual se concibe como un rival que solo podía ser golpeada desde abajo. Debido a la aparición de Mario en "Donkey Kong", con un mono, un sombrero y un bigote grueso, Shigeru Miyamoto pensó que debía ser un fontanero en lugar de un carpintero, y diseñó este videojuego para reflejar eso. Otro factor que contribuyó fue el escenario del juego: se trataba de una gran red de tuberías gigantescas, por lo que se consideró que un cambio de ocupación era necesario.


title: Mario Bros.

text: "Mario Bros". tuvo un éxito modesto entre los juegos arcade en Japón. Hasta la fecha, en Japón, la versión de NES de "Mario Bros." ha vendido más de 1,63 millones de copias, y el relanzamiento de la consola Famicom Mini en su versión de NES ha vendido más de 90 000 copias. A pesar de ser lanzado durante la caída de los videojuegos estadounidenses en 1983, el juego de arcade, así como la industria, no se vieron afectados. El autor de videojuegos Dave Ellis lo considera como uno de los juegos clásicos más memorables.


title: Mario Bros.

text: El juego fue portado posteriormente a Apple II, Atari 2600, Atari 5200, Familia Atari de 8 bits, Atari 7800, Amstrad CPC, Sinclair ZX Spectrum y Commodore 64. El último sistema tenía dos versiones: el puerto Atarisoft lanzado en 1984 y una versión de Ocean Software en 1986.


title: Mario Bros.

text: "" también es un juego de la serie "Game & Watch Multi Screen" que a pesar del título, no está relacionado en el juego con el juego arcade "Mario Bros." Tal juego se produjo bastantes meses antes de que salieran sus equivalentes en arcade, lo que hace que se trate de la primera aparición de Luigi. En "Super Mario Bros 3", se incluye un minijuego en para dos jugadores de "Mario Bros." Para la Virtual Boy fue diseñado "Mario Clash," como una versión en 3D del juego arcade"." También se remasterizó el juego en la serie "Super Mario Advance 1, 2, 3 y 4" de Game Boy Advance.


title: Mario Bros.

text: "Mario Bros." se estrenó en Nintendo 3DS, y puede disponer de la cámara, soporte 3D, o apoyo analógico. Este comunicado apareció entre los otros juegos de Nintendo Entertainment System y Super Nintendo, que se lanzó para 3DS en una demo técnica llamada Juegos Clásicos en el E3 2010. En "Super Mario 3D World" contiene Luigi Bros, una versión de "Mario Bros." protagonizada por Luigi. Este juego se desbloquea si la consola Wii U contiene datos guardados de "New Super Luigi U" o si el jugador completa todos los mundos normales.


title: Ley de Ampère

text: En física del magnetismo, la ley de Ampère, modelada por el francés André-Marie Ampère en 1831, relaciona un campo magnético estático con la causa, es decir, una corriente eléctrica estacionaria. James Clerk Maxwell la corrigió posteriormente y ahora es una de las ecuaciones de Maxwell, formando parte del electromagnetismo de la física clásica.


title: Ley de Ampère

text: La ley de Ampère explica que la circulación de la intensidad del campo magnético en un contorno cerrado es proporcional a la corriente que lo atraviesa.


title: Ley de Ampère

text: El campo magnético es un campo angular con forma circular, cuyas líneas de campo son círculos concéntricos. La dirección del campo en un punto es tangencial a dichos círculos en un plano que resulta perpendicular al paso de la corriente.


title: Ley de Ampère

text: La ley de Ampère-Maxwell o ley de Ampère generalizada es la misma ley corregida por James Clerk Maxwell que introdujo la corriente de desplazamiento, creando una versión generalizada de la ley e incorporándola a las ecuaciones de Maxwell.


title: Ley de Ampère

text: siendo el último término la corriente de desplazamiento, siempre y cuando la corriente sea constante y directamente proporcional al campo magnético, y su integral (E) por su masa relativa.


title: Ley de Ampère

text: Campo magnético creado por un hilo conductor de longitud infinita por el que circula una corriente formula_4, en el vacío.


title: Ley de Ampère

text: El objetivo es determinar el valor de los campos formula_5, formula_6 y formula_7 en todo el espacio.


title: Ley de Ampère

text: Si "c" es un lazo cerrado por el cual circula una corriente i, y Ω es el ángulo sólido formado por el circuito y el punto en el que se calcula el campo, entonces la intensidad de campo magnético está dada por:


title: Himno Nacional del Perú

text: El Himno Nacional del Perú es uno de los símbolos patrios del Perú, cuya letra pertenece a José de la Torre Ugarte y la música a José Bernardo Alcedo. Fue adoptado en 1821 con el título de Marcha Nacional del Perú.


title: Himno Nacional del Perú

text: Luego de proclamar la Independencia del Perú nacional del Perú, el general José de San Martín convocó a un concurso público para elegir la "Marcha Nacional del Perú" para las tropas peruanas, convocatoria que fue publicada el 7 de agosto de 1821, en la Gaceta del Gobierno. En el anuncio se convocaba a todos los profesores de bellas letras, a los compositores y aficionados en general, para que dirigieran sus producciones firmadas al Ministerio de Estado antes del 18 de septiembre, día en el cual una comisión designaría cuál de ellas sería adoptada como la "Marcha Nacional". El autor de la composición elegida, sería retribuido por el público y el gobierno con la gratitud nacional.


title: Himno Nacional del Perú

text: Dicho certamen se realizó con toda probabilidad en el salón de Miguel José de Riglos, donde se realizaron las pruebas por medio auditivo, utilizándose para tal fin en el clave (no clavicordio) de este amigo íntimo y colaborador de San Martín. Este último, al no encontrar entre las siete obras escuchadas una marcha de su gusto, resolvió adoptar, provisoriamente y de facto, la presentada en último término por el compositor afroperuano José Bernardo Alcedo, cuya belleza melódica e impulso dinámico probablemente ya conocidos por San Martín en alguna audición extraoficial recibieron sin duda un calor expositivo convincente a través de la segunda audición, animada por el proverbial fervor patriótico del autor.


title: Himno Nacional del Perú

text: Adoptada la marcha, procedió Alcedo a su orquestación y ensayo por la orquesta del Teatro, la cual pudo así estrenarla oficialmente en la noche del 23 de septiembre de 1821, en el Teatro Segura, en una función a la que asistieron San Martín y los próceres de la independencia que en esa fecha se encontraban en la capital. La bella voz de la soprano Rosa Merino fue la primera en entonar esta canción nacional. El auditorio, al escuchar la música y letra del Himno Nacional, respondió poniéndose de pie sugestionados por Alcedo, que dirigía la orquesta.


title: Himno Nacional del Perú

text: Las estrofas originales fueron compuestas por el poeta iqueño y sanmarquino de la Facultad de Artes, José de la Torre Ugarte. Las estrofas del himno son un claro testimonio del fervor patriota del poeta y de los ideales emancipatorios de los peruanos. Esto muestra un compromiso de los peruanos por la independencia.


title: Himno Nacional del Perú

text: Alrededor de 1840 y de manera espontánea, a la letra original se le sumó una estrofa de autor anónimo:


title: Himno Nacional del Perú

text: Diversas publicaciones del himno fueron operando sutiles modificaciones en la letra y la música, que es restaurada y nuevamente arreglada por Claudio Rebagliati en 1869, a pedido de Alcedo. En 1874 se presentó una solicitud en la que se pidió la convocatoria a un concurso para reformar la letra del Himno Nacional, en vista de las sucesivas versiones que circulaban, además de los pequeños defectos que le encontraban. Dicha iniciativa, aun cuando fue aprobada, no prosperó, debido al rechazo que generó en la opinión pública por el arraigo y el reconocimiento que el tiempo le había dado, haciendo de ella una tradición ya consolidada.


title: Himno Nacional del Perú

text: El 8 de mayo de 1901, en Lima, se aprueba la Edición Oficial restaurada del Himno Nacional del Perú según se dicta de la siguiente manera:


title: Himno Nacional del Perú

text: También en 1901 hubo un nuevo intento reformista, esta vez, aprobado por el gobierno de Eduardo López de Romaña, quien, tras aprobar la música del himno restaurada por Claudio Rebagliati, dispuso que se convocara a un concurso para elegir una nueva letra por considerar la original de José de la Torre Ugarte anticuada y agresiva hacia España, teniendo en cuenta que en aquellos tiempos las relaciones entre ambos países eran cordiales. El jurado, compuesto por Ricardo Palma, Guillermo Seoane y Andrés Avelino Aramburú, determinó que el coro debía de mantenerse fiel al original y de las veinte propuestas presentadas ganó la del poeta José Santos Chocano, cuyas estrofas con el mismo coro llegaron a cantarse en las escuelas públicas y se publicaron en los cancioneros populares, pero el galardón nunca fue oficializado por ningún documento oficial.


title: Himno Nacional del Perú

text: Pero no pasó mucho tiempo para que nuevamente la opinión pública reclamara la antigua letra, siendo tanta la presión que el Congreso peruano se vio obligado en 1913 durante el gobierno de Guillermo Billingurst a promulgar la Ley N.º 1801 del 26 de febrero de 1913 que declaraba intangible la letra y la música del Himno nacional, incluida la estrofa apócrifa de "Largo tiempo" colocada como primera estrofa.


title: Himno Nacional del Perú

text: En 1954, a pedido de Raúl Porras Barrenechea, Chabuca Granda compuso un reemplazo para la primera estrofa del himno, sin embargo, la misma no se difundió.


title: Himno Nacional del Perú

text: Durante el gobierno militar del general Juan Velasco Alvarado se intentó modificar el segundo y tercer párrafo. De la misma forma el gobierno de Francisco Morales Bermúdez dispuso que en ceremonias oficiales y colegios, se cantase la última estrofa en lugar de la apócrifa. Con el inicio del segundo gobierno de Fernando Belaúnde Terry se volvió a cantar el Himno con la estrofa del "Largo tiempo."


title: Himno Nacional del Perú

text: El Tribunal Constitucional determinó en junio de 2005 que la primera estrofa del himno ("Largo tiempo ...") no es de la autoría de José de la Torre Ugarte, sino más bien fruto del folclore popular y que su inserción en el himno expresa la voluntad del pueblo peruano representado en el Parlamento Nacional mediante la Ley N.º 1801; por lo que merece mantenerse como intangible. Sin embargo, también verificó que se había excluido la quinta estrofa original del himno y considerando la legislación de los derechos de autor y la integridad de la obra ordenó que se restituya dicha quinta estrofa que, en la versión actual del himno, sería la sexta estrofa de un total de siete.


title: Himno Nacional del Perú

text: En septiembre de 2009, el segundo gobierno de Alan García dispuso nuevamente que en ceremonias oficiales se entonara la última estrofa ("En su cima los Andes sostengan...") en lugar de la primera, lo cual se realizó el 24 de septiembre (Día de las Fuerzas Armadas) y el 8 de octubre (Día del Combate de Angamos). Desde esa fecha se ha ido extendiendo la entonación de la última estrofa a todos los sectores del país.


title: Himno Nacional del Perú

text: La posición oficial para interpretar el Himno Nacional es la de firmes, con los brazos rectos a los lados. Sin embargo, es popular la posición con la mano derecha sobre el pecho, a la altura del corazón probablemente de influencia extranjera. También se ha generalizado, incluso en ceremonias oficiales, la costumbre popular de que al fin de la interpretación el celebrante pronuncie "¡Viva el Perú!" y la concurrencia responda '¡Viva!'.


title: Himno Nacional del Perú

text: Alrededor de 2016 se adoptó la costumbre de los aficionados al fútbol de otros países de cantar el himno abrazados al inicio de los partidos de la selección nacional de fútbol, como símbolo de unidad. Este gesto se ha afianzado y ha continuado hasta la actualidad.


title: Himno Nacional del Perú

text: Si bien el Himno Nacional del Perú consta de un coro y siete estrofas, estas no se interpretan al pie de la letra. Durante mucho tiempo, se interpretó la primera estrofa y el coro, pero, a partir de septiembre de 2009, a instancias de una sentencia del Tribunal Constitucional del año 2005, la cual señalaba que la primera estrofa era apócrifa, se decidió que, en adelante, se entonase el coro y la última estrofa. El Himno Nacional también tiene ciertas peculiaridades en el momento de su interpretación, especialmente repeticiones, y es cantado en general de la siguiente manera:


title: Himno Nacional del Perú

text: El quechua es el segundo idioma más importante del Perú, donde es uno de los idiomas cooficiales. Por esa razón, el himno en español ha sido traducido al quechua sureño. He aquí dos diferentes versiones de traducción, la primera corresponde a Demetrio Túpac Yupanqui y la segunda pertenece a la autodenominada Academia Mayor de la Lengua Quechua.


title: Drama coreano

text: Drama coreano —también conocido como K-drama— se refiere a las series de televisión dramáticas provenientes de Corea del Sur en su idioma local, emitiéndose en ese país desde la década de 1960 y popularizándose a mediados de la década de 1990 y principios del 2000 a nivel global, con un formato que se diferencia de las series de televisión y telenovelas occidentales. Las extensiones varían de acuerdo a la audiencia y horario en diversos géneros, que habitualmente varían entre los 16, 20 y 50 episodios, frecuentemente, sin secuelas.


title: Drama coreano

text: Muchas de estas producciones han llegado a ser considerablemente atractivas a nivel mundial y han contribuido a la expansión de la llamada ola coreana, debido a que frecuentemente poseen millonarios presupuestos además de ser protagonizadas por actores muy guapos y cantantes de K-pop con fama mundial, en una industria de entretenimiento consolidada. Si bien, su principal vía de difusión es por medio de la televisión tanto en su país de origen como en otros lugares, con el paso de los años han obtenido notoriedad a través de videoclubs físicos o en línea a través de streaming.


title: Drama coreano

text: Hoy en día hay muchas personas aficionadas a los dramas coreanos, la mayoría de ellas están ligadas al K-pop. Por otra parte se ha visto en redes sociales a los chicos y chicas deseando tener un amor como en los doramas, lo cual han sido bastantes inspiradores para seguir un modo romántico puesto que llevan altas expectativas.


title: Drama coreano

text: La primera serie de televisión en ser transmitida por Korean Broadcasting System (KBS) en 1962 fue la histórica "Gukto Manri" (국토 만리; 國土萬里), dirigida por Kim Jae Hyung, donde se representó la era Goryeo. En la década de 1960, los televisores eran de disponibilidad limitada, por lo tanto los dramas no podían llegar a un público más amplio. Ya en la década de 1970, los aparatos de televisión comenzaron a extenderse entre la población en general, y los dramas pasaron de representar figuras históricas, a la introducción de héroes nacionales como Lee Sun Shin o Sejong el Grande. Asimismo, los dramas contemporáneos trataban sufrimientos personales, tales como la del guionista Kim Soo Hyun, "La madrastra" (새엄마), transmitido por Munhwa Broadcasting Corporation (MBC) entre 1972 y 1973. A medida que la tecnología y el financiamiento era limitado, los canales surcoreanos no tenían recursos para hacer series en géneros como acción y de ciencia ficción, por lo tanto programas de ese tipo provenían desde Japón, Estados Unidos u otros países en su lugar.


title: Drama coreano

text: La década de 1980 vio un giro en la televisión coreana, con la llegada de imágenes a color. Los dramas modernos trataron de evocar la nostalgia de los habitantes de las ciudades al describir la vida rural. El guionista Kim Soo Hyun produjo su primer éxito comercial, "Amor y Ambición" (사랑과 야망), que salió al aire en MBC durante 1987 y es considerada como un hito de la televisión coreana, después de haber registrado una audiencia del 78%. Se considera que la serie histórica clásica más sobresaliente de la época fue "500 años de Joseon" (조선 왕조 500년), una serie que duró ocho años y consta de 11 series separadas. La serie fue producida por Lee Byung Hoon, que años más tarde dirigió uno de los mayores éxitos internacionales de drama coreano, "Una joya en el palacio" (대장금; 大長今).


title: Drama coreano

text: La década de 1990 trajo otro hito importante para la televisión coreana. A medida que la tecnología era desarrollada, nuevas oportunidades surgieron, y el comienzo de la década marcó el lanzamiento de un nuevo canal comercial, Seoul Broadcasting System (SBS), que facilitó y reinició una carrera por captar la atención de los espectadores. Uno de los éxitos comerciales de esa época fue "Ojos del amanecer" (여명 의 눈동자), emitida en 1991 por MBC, protagonizada por Chae Shi Ra y Choi Jae Sung, la serie llevó a los espectadores a través de los tiempos turbulentos desde la ocupación japonesa a la guerra de Corea. Mientras el nuevo canal SBS también produjo series de éxito, siendo uno de ellos "Sandglass" (모래시계; 모래時計) en 1995.


title: Drama coreano

text: Posteriormente, se introdujo un nuevo formato que cambió la forma en que los dramas coreanos eran emitidos, minimizando el tiempo en pantalla con 12 a 24 episodios, finalmente esta época marcó el inicio de la exportación para las series locales, lo que desencadenó la ola coreana a finales de la década. En los primeros años del nuevo milenio se dio a luz a un nuevo género, llamado "Sageuk fusión", cambiando esencialmente las formas de producir series históricas, con piezas exitosas como "Hur Jun" (허준; 許浚), "Damo" (다모; 茶母) o "Una joya en el palacio" (대장금; 大長今). Asimismo, durante la década varias series lograron popularidad internacional, esto provocó nuevas mejoras en la producción.


title: Drama coreano

text: En 2017 el formato volvió a cambiar debido a la actualización de la ley de difusión surcoreana que prohibió los cortes en los programas de televisión para emitir anuncios y por ello algunos canales como SBS adoptaron la práctica de emitir dos episodios en lugar de uno de la misma longitud para poner anuncios en medio. La legislación debió ser cambiada por las reclamaciones de los espectadores a los canales de televisión que ofrecían alta cantidad de cortes. No obstante, el financiamiento proviene principalmente de los anunciantes que pagan en promedio al menos ₩13,5 millones por 15 segundos de publicidad.


title: Drama coreano

text: Los dramas coreanos incluyen un sinfín de temáticas, y engloban diferentes géneros. En un drama se puede encontrar acción, romance, escolar, psicológico, comedia, misterio, fantasía, suspenso, terror, etc.


title: Drama coreano

text: La música juega un papel importante en los dramas coreanos, las bandas sonoras —abreviados como "OST" (Original Sound Track en inglés)— se hacen explícitamente para cada serie, y en contraste con las series estadounidenses donde se utiliza música ya conocida, en las producciones coreanas los aficionados, para poder acceder a esa música deben visualizar el programa o directamente comprar la banda sonora. Esta tendencia se inició en la década de 1990, cuando los productores intercambian las bandas sonoras puramente instrumentales de canciones interpretadas por populares cantantes de K-pop. Tom Larsen, director de YA Entertainment, un distribuidor de series de televisión coreanas, cree que las canciones que se utilizan para este fin, se pulen y preparan lo suficiente, para convertir a los dramas en productos atractivos en todos los sentidos.


title: Drama coreano

text: Durante la década de 2000, se hizo costumbre para los actores principales que participaran en bandas sonoras, también se debe en parte al empleo de cantantes de K-pop como actores. El actor Lee Min Ho, y el líder de la banda de chicos SS501, Kim Hyun Joong grabaron canciones para "Boys Over Flowers" (꽃보다 남자) en 2009, mientras que el actor Jang Keun Suk y el cantante Lee Hong Ki de F.T. Island interpretaron canciones para "You're Beautiful" (미남이시네요).


title: Drama coreano

text: Las canciones populares de los K-dramas también pueden convertirse en éxitos en las listas de música regulares, con buenas ventas en discos físicos y digitales, por ejemplo las canciones de la banda sonora de "Jardín secreto" (시크릿 가든), alcanzaron altas ventas digitales y alto posicionamiento en las listas de música; «My Destiny», interpretada por Lyn para "My Love from the Star" (별에서 온 그대), se posicionó en las primeras posiciones de listas de música en Hong Kong, Taiwán, Corea del Sur y otros países, además ganó el premio a la mejor banda sonora en los "Baeksang Arts Awards" de 2014. «I WIll Go To You Like The FIrst Snow» interpretado por Ailee ganó tres coronas en Gaon al estar en primer lugar en todas la plataformas y estuvo en los primeros 10 puestos por 15 semanas consecutivas. Los artistas intérpretes de canciones de la serie de acción Iris (아이리스) celebraron dos conciertos en Japón frente a una audiencia de 60.000 personas.


title: Drama coreano

text: Los compositores suelen buscar cantantes que anteriormente hayan tenido éxito en el género. Las composiciones están escritas para reflejar el estado de ánimo de la serie y su estructura. A veces los artistas dan a sus propias canciones para una serie. Por ejemplo, Baek Ji Young pensó que la canción «That Man» originalmente escrita para su propio álbum, encajaría en "Jardín secreto". Cantantes populares con frecuencia suelen interpretar temas para dramas, como Lyn, K.Will, Baek Ji Young, Lee Seung Cheol, entre otros. En raras ocasiones, cantantes extranjeros son invitados a interpretar canciones de OST en Corea, por ejemplo, el artista sueco Lasse Lindh interpretó varias canciones para producciones como "Angel Eyes" (엔젤 아이즈), Goblin (도깨비) "Soul Mate" (소울메이트) y "I Need Romance" (로맨스가 필요해).


title: Drama coreano

text: De acuerdo con un investigador de la Universidad de Viena, la popularidad de los dramas coreanos tienen su fundamento en los valores confucianos que transmiten y que hacen que los espectadores asiáticos pueden identificar fácilmente. Respeto a los mayores, la lealtad familiar, y la visualización de los percibidos "valores morales asiáticos" que juegan un papel importante en el drama coreano.


title: Drama coreano

text: YA Entertainment, un distribuidor americano de dramas coreanos, cree que parte del atractivo de estas series proviene de la calidad del trabajo de cámara, lugares pintorescos y prendas espectaculares, que hacen que el producto final sea muy elegante y atractivo, con posiblemente algunos de los más altos valores de producción de televisión en el mundo. Las series coreanas poseen de su propia fórmula, son innovadoras y no se ajustan a las producciones de televisión occidentales. Stephan Lee de Entertainment Weekly llama a los dramas coreanos "fascinantes y extrañamente reconfortantes".


title: Drama coreano

text: En Estados Unidos se popularizó en poblaciones con presencia de inmigrantes coreanos, sin embargo hay un creciente interés por estos dramas debido a las transmisiones en canales de televisión por suscripción, así como por el auge de internet. Se están distribuyendo en ese país material en DVD y se han formado grupos por internet de clubes de fanáticos de estas producciones.


title: Drama coreano

text: A diferencia de otros países de la región, el fenómeno de los dramas coreanos inicio varios años más tarde, recién en 2015 fue emitida por el canal de cable Magazine, "Jardín secreto" y un año después "Escalera al cielo" fue programada por el canal abierto Telefe para ser emitida a principio de año con gran éxito, lo que desencadenó en la emisión de "Mi amor de las estrellas" ese mismo año.


title: Drama coreano

text: En Chile, que fue uno de los primeros países a nivel global, el fenómeno del hallyu se inició con el primer drama emitido que fue "Un deseo en las estrellas" en 2001 por Chilevisión pasada la medianoche y posteriormente años después en 2003 fue retransmitida por Canal 21 en Chillán, pero no fue hasta 2006, cuando se emitió "Escalera al cielo" en el horario de las 13 horas por el canal público Televisión Nacional de Chile, que se logró notoriedad de este género siendo comparada con La madrastra — una antigua telenovela chilena muy exitosa— debido a las altas cifras de audiencia en su horario compitiendo directamente con otros canales, hizo que también fuera emitida por TV Chile a otros continentes doblada al español.


title: Drama coreano

text: Las cifras de audiencia son proporcionados por dos empresas en Corea del Sur, AGB Nielsen Media Research y TNMS. Originalmente Media Service Korea, era la única compañía que proporciona dicha información, y más tarde fue adquirida por Nielsen Media Research. En 1999 TNS Media Korea también comenzó dicho servicio, y más tarde cambió su nombre a TNMS. AGB recoge los datos de audiencia de 2050 hogares, mientras que TNMS dispone de 2000 hogares con aparatos de medición. Las calificaciones de las series por lo general varían entre las dos compañías en un 2-3%.


title: La casa de los dibujos

text: La casa de los dibujos (en inglés Drawn Together) es una serie de dibujos animados americana para adultos que incluye temática adulta y se emitió desde 2004 hasta 2007. Fue creada por Dave Jeser y Matthew Silverstein y producida por los estudios de animación Double Hemm y Rough Draft Studios para el canal Comedy Central.


title: La casa de los dibujos

text: "La casa de los dibujos" parodia en dibujos animados el formato de reality shows como "Big Brother" y "The Real World". Así sus personajes son concursantes encerrados en una casa que deben interrelacionarse, como un reality show. La parodia de la serie va más lejos debido a que además sus personajes caricaturizan a otros dibujos animados, videojuegos, e incluso de un flash de Internet, pero con personalidades y actitudes exageradas al extremo, contiene temática explícita y humor negro. Hay referencias sexuales, desnudos leves, chistes de 'alto calibre', racismo, incesto, pederastia, violencia, machismo, referencias a la cienciologia y otros elementos considerados políticamente incorrectos.


title: La casa de los dibujos

text: La serie se empezó a transmitir desde 2004 en los países de habla inglesa, para quienes tuvieran suscripción a televisión por cable en el canal Comedy Central y en los países de habla hispana se empezó a transmitir desde 2005 en Latinoamérica por el canal MTV Latinoamérica y en España por MTV España (que se transmitió con el doblaje de Hispanoamérica). Durante los años 2008 y 2009 no se hicieron capítulos nuevos de la serie, intuyéndose su fin, pero en abril de 2010 se estrenó una película para DVD.


title: La casa de los dibujos

text: El 22 de julio de 2008, Comedy Central anunció una película de la serie fijada para el 20 de abril del 2010. La película nunca fue doblada al español, aunque sí fue subtitulada.


title: Fuente primaria

text: Una fuente primaria se refiere a las fuentes documentales que se consideran material proveniente de alguna fuente del momento, en agrupación con un fenómeno o suceso que puede tener interés en ser investigado o relatado, es decir, es la materia prima que se obtiene para realizar un determinado trabajo de investigación.


title: Fuente primaria

text: También hay fuentes de información primarias llamadas inéditas, que no se encuentran al acceso público o de circulación restringida como las tesis o los informes.


title: Fuente primaria

text: En el caso de la historiografía, es lo que en su momento ha servido para escribir la historia. En efecto, en el origen del desarrollo de la historiografía, se encuentra la cuestión de la clasificación y la validación de las fuentes, cuando los historiadores analizaron y discutían sobre la escritura de la historia y de la prehistoria, y sobre la manera en que los conocimientos del pasado eran obtenidos aplicando la metodología de la historia. También se dividen en fuentes escritas y no escritas.


title: Sólidos platónicos

text: Los sólidos platónicos, regulares o perfectos son poliedros convexos tal que todas sus caras son polígonos regulares iguales entre sí, y en que todos los ángulos sólidos son iguales. Reciben este nombre en honor al filósofo griego Platón ("ca". 427 a. C./428 a. C.-347 a. C.), a quien se atribuye haberlos estudiado en primera instancia. También se conocen como cuerpos cósmicos, sólidos pitagóricos, sólidos perfectos, poliedros platónicos o, sobre la base de propiedades geométricas, poliedros regulares convexos.


title: Sólidos platónicos

text: Se le atribuye la formulación de la teoría general de los poliedros regulares a Teeteto, matemático contemporáneo de Platón. Están gobernados por la fórmula V+C = A+2, donde V es el número de vértices; C, número de caras y A, número de aristas, que fue descubierta por el matemático Leonhard Euler.


title: Sólidos platónicos

text: Los sólidos platónicos son el tetraedro, el cubo (o hexaedro regular), el octaedro (o "bipirámide cuadrada" si se incluyera en la nomenclatura de sólidos de Johnson), el dodecaedro y el icosaedro (o "bipirámide pentagonal giroelongada" si se incluyera en la nomenclatura de sólidos de Johnson). Esta lista es exhaustiva, ya que es imposible construir otro sólido diferente de los cinco anteriores que cumpla todas las propiedades exigidas, es decir, convexidad y regularidad.


title: Sólidos platónicos

text: Se desconoce con exactitud desde cuándo eran conocidas las propiedades de estos poliedros; hay referencias a unas bolas neolíticas (fechadas hacia 2000 a. C.) de piedra labrada encontradas en Escocia.


title: Sólidos platónicos

text: Los antiguos griegos estudiaron los sólidos platónicos a fondo, y fuentes (como Proclo) atribuyen a Pitágoras su descubrimiento. Otra evidencia sugiere que solo estaba familiarizado con el tetraedro, el cubo y el dodecaedro, y que el descubrimiento del octaedro y el icosaedro pertenecen a Teeteto, un matemático griego contemporáneo de Platón. En cualquier caso, Teeteto dio la descripción matemática de los cinco poliedros y es posible que fuera el responsable de la primera demostración de que no existen otros poliedros regulares convexos.


title: Sólidos platónicos

text: Timeo de Locri, en el diálogo de Platón, asocia al fuego con el tetraedro; al aire, con el octaedro; al agua, con el icosaedro; a la tierra, con el cubo; e indica que como aún es posible una quinta forma (que sería el dodecaedro), Dios ha utilizado esta para el universo. Una descripción detallada de los sólidos platónicos figura en "Los elementos", de Euclides.


title: Sólidos platónicos

text: Existen únicamente cinco poliedros regulares; ello debido a la posibilidad de construcción de sus ángulos sólidos que admiten triángulos equiláteros, o cuadrados, o bien pentágonos, que deben ser menor de 360°.


title: Sólidos platónicos

text: Como consecuencia geométrica de lo anterior, se pueden trazar en todo sólido platónico tres esferas particulares, todas ellas centradas en el centro de simetría del poliedro:


title: Sólidos platónicos

text: Proyectando los centros de las aristas de un poliedro platónico sobre su esfera circunscrita desde el centro de simetría del poliedro se obtiene una red esférica regular, compuesta por arcos iguales de círculo máximo, que constituyen polígonos esféricos regulares.


title: Sólidos platónicos

text: Si se traza un poliedro empleando como vértices los centros de las caras de un sólido platónico se obtiene otro sólido platónico, llamado conjugado o dual del primero, con tantos vértices como caras tenía el sólido inicial, y el mismo número de aristas.


title: Sólidos platónicos

text: El poliedro conjugado de un dodecaedro es un icosaedro, y viceversa; el de un cubo es un octaedro; y poliedro conjugado de un tetraedro es otro tetraedro.


title: Sólidos platónicos

text: El teorema de Euler para poliedros expresa una cualidad topológica de los poliedros convexos, al margen de sus medidas y formas, y de modo especial de los poliedros regulares. Enuncia que el número de caras de un poliedro platónico más el número de sus vértices es igual al número de sus aristas más dos, mediante la siguiente ecuación:


title: Sólidos platónicos

text: En la naturaleza hay estructuras que son poliedros regulares casi perfectos, por ejemplo, la estructura básica del VIH es un icosaedro regular.


title: Cloverfield

text: Cloverfield (conocida como Monstruoso en España y Cloverfield: Monstruo en Hispanoamérica) es una película estadounidense de monstruos/terror de estilo metraje encontrado estrenada en 2008 y dirigida por Matt Reeves, escrita por Drew Goddard y producida por J. J. Abrams y Bryan Burk. Antes de mostrar el título oficial, la película fue promocionada como 1-18-08.


title: Cloverfield

text: La película sigue a seis jóvenes neoyorquinos que se encuentran en una fiesta de despedida en una noche en la que un monstruo gigante ataca la ciudad. En su primera etapa de promoción, fue publicitada en una campaña de prelanzamiento en las salas de cine antes de comenzar "Transformers". Junto a esto, la compañía cinematográfica Paramount Pictures llevó a cabo una fuerte y subrepticia campaña de mercadotecnia viral para promocionar la película.


title: Cloverfield

text: La película fue ampliamente elogiada por los críticos de cine, con muchos de ellos resaltando la efectividad del formato de cine de realidad, las intensas escenas, el vertiginoso suspense y las presentaciones del monstruo. La película fue estrenada el 17 de enero de 2008 en Nueva Zelanda y Australia, el 18 de enero en Estados Unidos, el 24 de enero en Corea del Sur, el 25 de enero en Taiwán, el 31 de enero en Alemania y el 1 de febrero en Reino Unido, Irlanda e Italia. En Japón, fue estrenada el 5 de abril. VFX y CGI fueron usadas por los estudios de efectos especiales Double Negative y Tipett Studio.


title: Cloverfield

text: La película es presentada como un metraje recuperado de una videocámara personal encontrada por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos. Un texto aclara que el metraje pertenece a un caso designado «Cloverfield» y fue encontrado en el área «anteriormente conocida como Central Park». El vídeo consiste principalmente de segmentos grabados la noche del viernes 22 de mayo de 2008. Los nuevos segmentos fueron grabados sobre un viejo vídeo que es mostrado ocasionalmente.


title: Cloverfield

text: El primer segmento de vídeo abre con el protagonista Robert "Rob" Hawkins levantándose en la mañana del lunes 27 de abril, después de dormir con Beth, anteriormente su amor platónico. La pareja realiza planes para ir a Coney Island ese mismo día. El metraje repentinamente corta al 22 de mayo, cuando el hermano de Rob, Jason, y su novia Lily preparan una fiesta de despedida para Rob, quien se trasladará a Japón por trabajo. En la fiesta, su amigo Hud usa la cámara para filmar referencias y flirtea sin éxito con Marlena, otra invitada a la fiesta. Después que Beth abandona la fiesta después de una discusión con Rob, un aparente terremoto provoca una sacudida y la ciudad sufre un breve apagón.


title: Cloverfield

text: Las noticias locales informan que un barco petrolero volcó cerca de la Isla de la Libertad. Todos suben a la azotea a ver qué está sucediendo, es entonces cuando otra explosión se observa a lo lejos, lanzando escombros ardientes que golpean los edificios cercanos (incluyendo el que acogía la fiesta) haciendo que los asistentes a ésta evacuen el edificio. Ya en la calle, el grupo ve una gran nube de polvo y humo a lo lejos, después observa como la cabeza de la Estatua de la Libertad sale volando a gran velocidad, solo para estrellarse contra un edificio y caer brutalmente en la calle, con signos de mordeduras y magulladuras. Hud graba lo que parece ser la mano gigante de una criatura varias manzanas más allá. El monstruo hace que el Edificio Woolworth se desplome, enviando una avalancha de polvo y escombros hacia ellos, pero consiguen refugiarse dentro de una tienda. Rob, Jason, Lily, Hud y Marlena, junto a una multitud de civiles atemorizados, intentan escapar de Manhattan a través del puente de Brooklyn. Sin embargo, cerca de la salida, el puente comienza a temblar, Lily pregunta entonces dónde está Jason, y se lo ve cerca de un poste, justo en ese momento, la cola gigantesca del monstruo destruye el puente, matando a Jason y otros. Los supervivientes regresan a Manhattan.


title: Cloverfield

text: Rob descubre que Beth le ha enviado un mensaje y va a una tienda de electrónica intentando conseguir una nueva batería para su teléfono. Hud mira las noticias, que muestran a la División de Infantería N° 42 del Ejército de los Estados Unidos atacando al monstruo y pequeñas criaturas «parásito» que caen de su cuerpo. Varias de esas criaturas atacan a los soldados y civiles en el suelo. Una vez que Rob consigue una nueva batería, oye el mensaje de Beth, quien le dice que está atrapada en su apartamento y que no puede moverse.


title: Cloverfield

text: Yendo contra la multitud, Rob, Hud, Lily y Marlena se aventuran hacia el centro de Manhattan para rescatar a Beth. Pronto, se encuentran atrapados en un súbito y feroz tiroteo entre el monstruo y la Guardia Nacional, y escapan a la estación de metro. Caminan a través de los túneles del metro a oscuras pero escuchan ruidos; Hud activa la visión nocturna de su cámara y en ese instante son sorprendidos y atacados por varios parásitos. Marlena es mordida por uno de ellos cuando defendía a Hud. Escapan a una pequeña habitación y luego caminan a través de una tienda de Bloomingdale donde un escuadrón de soldados ha construido un hospital y centro de mando. Marlena empieza a sentirse mal, le sangran los ojos y vomita sangre (esto es debido a que los parásitos tienen una mordedura venenosa), así que un grupo de paramédicos con trajes de protección se la lleva detrás de unas cortinas, donde Hud ve cómo las caderas y el vientre de Marlena se inflan y finalmente explota manchando el lugar de sangre. Uno de los líderes militares deja a los otros salir, pero les cuenta que una vez que el último helicóptero deje la ciudad, la milicia ejecutará su «Protocolo del Martillazo», el cual destruirá todo Manhattan utilizando un arma de destrucción masiva.


title: Cloverfield

text: Cuando el grupo llega al sitio descubre que el edificio de Beth se ha desplomado contra otro edificio. El grupo rescata a Beth, quien fue atravesada por una pieza de metal. Los cuatro se abren camino hacia la zona de evacuación, donde encuentran al monstruo una vez más sobre la Terminal de la Gran Central. Lily es llevada a un helicóptero del Cuerpo de la Marina. Momentos más tarde, Rob, Beth y Hud son llevados en un segundo helicóptero y ven a un Northrop Grumman B-2 Spirit de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos bombardear al monstruo. El monstruo cae, pero luego arremete contra el helicóptero, causando que se estrelle en Central Park.


title: Cloverfield

text: La película salta a menos de una hora más tarde, con una voz en la radio del helicóptero estrellado alertando que el Martillazo empezará en 15 minutos, las sirenas de alerta sonarán dos minutos antes de que la bomba estalle y todo aquel que la escuche estará dentro del radio de la explosión. Los dos pilotos están muertos mientras que los tres amigos recuperan la consciencia y salen del helicóptero, encontrándose en las ruinas ardientes de Nueva York. Cuando empezaban a irse, el monstruo llega por sorpresa y mata a Hud devorándolo vivo, hasta que lo escupe al caer. Al escapar, Rob y Beth recogen la videocámara, y se ocultan bajo el puente del Central Park, donde transmiten su último segmento sobre donde están y que esa criatura gigante que apareció el 23 de mayo de la mañana mató a muchas personas que conocían y amaban. Después, una violenta explosión llega y la videocámara es sepultada entre los escombros (antes de ser recuperada por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos) y se escuchan las voces de Rob y Beth intentando sobrevivir, hasta que hay un corte y se retrocede hasta donde Rob y Beth están divirtiéndose en un parque de atracciones de Coney Island, grabado el lunes 27 de abril.


title: Cloverfield

text: Después de los créditos, se puede oír a un hombre con voz distorsionada; cuando se revierte su voz es posible entender lo que dice: "Todavía está vivo".


title: Cloverfield

text: En febrero de 2007, Vidauri Productions aprobó en secreto el proyecto "Camaron essamble", que sería producido de J. J. Abrams, dirigido por Matt Reeves y escrito por Drew Goddard. La producción del proyecto la llevó a cabo la compañía de Abrams, Bad Robot Productions. Concentrado en la película, Abrams pensó en crear un nuevo monstruo después de haber visitado Japón con su hijo, el cual le dio la idea al ver una tienda de juguetes que tenía muñecos de Godzilla. El proceso de casting fue también hecho de una forma secreta, no mandaron ningún libreto a los candidatos. Con un presupuesto aproximado de $30 millones, la grabación de la película empezó a mediados de junio en Nueva York y se llevó a cabo en diferentes lugares, incluyendo Coney Island, en formato digital y con cámaras de mano. Además se rodaron algunos interiores en un estudio en Downey, California.


title: Cloverfield

text: Para evitar la filtración de información sobre el argumento, en lugar de realizar las audiciones con los actores con escenas de la película, se usaron producciones previas de Abrams, como "Alias" y "Perdidos". Algunas escenas fueron también escritas específicamente para procesos de audición, no para su uso en la película. A pesar de que se contó alguna premisa de la película, Lizzy Caplan declaró que había aceptado un papel en "Cloverfield" exclusivamente porque ella era una fan de la serie de televisión producida por Abrams, "Lost" (en la que su antigua co-estrella de "Related" Kiele Sánchez fue un personaje recurrente), y su experiencia de descubrir su verdadera naturaleza inicialmente la llevó a afirmar que no iba a firmar para una película en el futuro «sin saber muy bien lo que es». También indicó que su personaje era una desconocida sarcástica, y que su papel fue «físicamente exigente». Ryan Key, el guitarrista y vocalista de la banda pop punk Yellowcard, hizo una pequeña aparición en la película.


title: Cloverfield

text: La película fue inicialmente titulada "Cloverfield"; sin embargo, esto cambió a través de la producción antes que esto fuera finalizada como el título original. Matt Reeves explicó que el título fue cambiado frecuentemente debido a la expectativa del primer tráiler: «Esa emoción se extendió a tal grado que de repente no se pudo usar el nombre. Así que empezamos a utilizar todos estos nombres como "Slusho" y "Cheese". ¡Y la gente siempre descubría lo que estábamos haciendo!» El director dijo que «Cloverfield» fue un método de identificación del Gobierno para los eventos causados por el monstruo, comparando la titulación al Proyecto Manhattan. «No es un proyecto en sí. Es la forma en que este caso ha sido designado. Es por eso que está en el tráiler, y se hace más clara en la película. Es la forma en que se refieren a este fenómeno [o] este caso», dijo el director. El título final de la película, "Cloverfield", es el nombre de la salida que tomaba Abrams para ir a su oficina de Santa Mónica. A su vez, el camino utilizado para llevar al aeropuerto de Santa Mónica, que originalmente llevaba el nombre de Clover Field.


title: Cloverfield

text: Un título final, "Greyshot", fue propuesto antes que la película fue llamada oficialmente "Cloverfield". El nombre "Greyshot" es tomado del arco donde los dos sobrevivientes aguardan al final de la película. El director Matt Reeves dijo que se decidió no cambiar el título a "Greyshot" porque la película ya era bien conocida como "Cloverfield".


title: Cloverfield

text: La película recibió un subtítulo en Japón, donde fue lanzada como . El subtítulo "destructor" fue elegido por Abrams y fue traducido al japonés como por Paramount Japan en una solicitud. El subtítulo fue elegido para el manga, publicado exclusivamente en Japón.


title: Cloverfield

text: El proceso de casting fue llevado en secreto, sin ningún guion enviado a los candidatos. Con una producción estimada a tener un presupuesto de 30 millones de dólares, la filmación empezó a mediados de junio de 2007 en Nueva York. Un miembro del elenco indicó que la película pareciera tener un costo de 150 millones de dólares, a pesar de que los productores no seleccionen actores caros y reconocidos. Los cineastas usaron la Panasonic HVX200 para la mayoría de las escenas de interior, y la cámara de alta definición Sony CineAlta F23 para filmar la mayoría de las escenas externas en Nueva York. La filmación tomó lugar en Coney Island, con escenas grabadas en el Parque de Atracciones de Deno Wonder Weel y el Carrusel B&B. Las escenas de tanque de ataque a la criatura mientras los protagonistas están escondidos en un hueco de escalera fue filmada en Hennesy Street del set de rodaje de la Warner Bros. en Burbank, California. Algunas escenas interiores fueron rodadas en un escenario de sonido en Downey, California. La tienda Bloomingdale en la película fue filmada en una bodega vacía Robinsons-May que fue reconstruida en Arcadia, California, y las escenas exteriores de Sephora y la tienda electrónica fue filmada en el centro de Los Ángeles.


title: Cloverfield

text: La película fue rodada y editada en un estilo de cinéma vérité, para hacer que la película pareciese filmada con una cámara de mano, incluyendo saltos de cortes similares a los encontrados en películas caseras. T.J. Miller, que interpreta a Hud, ha dicho en varias entrevistas que filmó una tercera parte de la película, y casi la mitad de ella la convirtió en la película. El director Matt Reeves describió la presentación: «Deseábamos que esto sea como si alguien encontrara una Handicam, sacando la cinta y colocándolo en un reproductor para verlo. Lo que estamos viendo es una película casera que luego llega a convertirse en algo más». Reeves explicó que los peatones que documentan la cabeza de la Estatua de la Libertad con los teléfonos con cámara era un reflejo de la época contemporánea. Según él, «"Cloverfield" habla mucho sobre los miedos y la ansiedad de nuestros tiempos, cómo vivimos nuestras vidas. Constantemente documentamos cosas y lo ponemos en YouTube, mandando videos de personas a través de correos electrónicos. Nos pareció que era muy aplicable a cómo la gente se siente ahora».


title: Cloverfield

text: Varios cineastas son oídos pero no vistos en la película. El hombre gritando «Oh, Dios mío» repetidamente cuando la cabeza de la Estatua de la Libertad aterriza en la calle es el productor Bryan Burk, y el director Matt Reeves expresó la susurrante expresión de radio al final de los créditos.


title: Cloverfield

text: Después de ver un corte de la película, Steven Spielberg sugirió que se dé al público una pista del destino del monstruo durante el clímax, lo que resultó en la adición de una cuenta atrás escuchado en la radio del helicóptero y sirenas de alarma para indicar el próximo bombardeo de la operación Martillo.


title: Cloverfield

text: Compartiendo rasgos de películas de acción de alto presupuesto como "Transformers" o de monstruos gigantes (kaiju), "Cloverfield" se aleja decididamente en muchos puntos de las convenciones de estos géneros. Posee un inusual tratamiento cinematográfico que enfoca el plano narrativo en civiles comunes y sus conflictos y supervivencia en vez de hacerlo en los héroes o en las altas esferas, mientras que el mismo monstruo solo es entrevisto. Este, el elemento fantástico y destructor, es algo que irrumpe repentinamente en las vidas cotidianas de los personajes. Posee por otro lado un estilo de filmación más propio de un documental casero que de una superproducción. Todo ello hace al film poseer muchos rasgos inherentes al realismo épico.


title: Cloverfield

text: El vídeo en cuestión es una grabación casera en una cámara de mano, por lo que toda la película se graba en el estilo «cámara en mano» (Hud es el camarógrafo), incluyendo cortes debidos a saltos en la grabación y deliberada falta de estabilidad en la imagen.


title: Cloverfield

text: El estilo de fotografía con cámara inestable de la película, llamado por Roger Ebert «Shakily Queasy-Cam», hizo que algunos espectadores (particularmente en cines oscuros) experimentaran una sensación de náusea y pérdida temporal del equilibrio. Los espectadores propensos a las migrañas han citado la película como un desencadenante. Algunos cines que proyectaban la película, como los cines AMC, emitieron advertencias para informar del estilo fílmico de "Cloverfield" mientras que otros, como los Pacific Theatres, solo advertían verbalmente en la taquilla sobre los mareos que podrían experimentarse al ver la película y qué hacer si tuvieran que salir y vomitar.


title: Cloverfield

text: La fotografía influye en la codificación de vídeo y pueden causar artefactos de compresión para el movimiento rápido a través del campo de visión.


title: Cloverfield

text: El supervisor de efectos especiales Tipett Studio de Nick Tom y Phil Tippet fueron contactados para desarrollar los efectos especiales para "Cloverfield". Debido a que los efectos especiales fueron incorporados después de filmación, el reparto debía reaccionar a criaturas inexistentes durante las escenas, solamente siendo familiar con los primeros conceptos de la bestia. El artista Neville Page diseñó el monstruo, creando minuciosamente una razón biológica para la criatura, incluso si varias de sus ideas como «alargada, y un esófago externo articulado» no iban a mostrarse en pantalla. La idea principal detrás del monstruo fue que se trata de una criatura inmadura sufriendo de la «ansiedad por separación» debido también, a su bajo peso ya que cuando pasa por encima de los edificios, estos no se derrumban, razón por la que pese a su tamaño se la puede considerar una criatura inmadura. Esto nos recuerda la vida real que los elefantes se asustan y van contra el circo, porque el director pensó que "no hay nada más terrorífico que algo grande esté asustado".


title: Cloverfield

text: Antes del lanzamiento de la película, Paramount Pictures llevó una campaña de marketing viral para promocionar la película que incluye productos virales similar a "Lost Experience". Los cineastas decidieron crear un teaser trailer en medio de la saturación de los medios de comunicación, que se ponen junto a la preparación del escenario del proceso de producción. El teaser fue entonces usada como una base para la película misma. Paramount Pictures entonces se animó a lanzar el teaser sin el título de película adjunta, y la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos aprobó el movimiento. Cuando "Transformers" generó gran expectación en el público antes de su lanzamiento en julio de 2007, el estudio adjuntó el teaser trailer para "Cloverfield" que mostraba la fecha de lanzamiento del 18 de enero de 2008, pero no el título. Posteriormente, el tráiler fue publicado en el sitio web YouTube por las personas que lo habían grabado con sus propias cámaras de vídeo en las salas de cine, sin embargo, Paramount denunció infracciones a los derechos de autor y YouTube borró todos los vídeos del tráiler. Eventualmente, Paramount Pictures lanzó el avance de la película públicamente a través del sitio web Apple.com. Un segundo tráiler fue lanzado el 16 de noviembre de 2007 que fue adjunto a "Beowulf", confirmando el título.


title: Cloverfield

text: El estudio había mantenido el conocimiento del proyecto secreto de la comunidad en línea, una rareza citado debido a la presencia de noticias sobre próximas películas. El lanzamiento controlado de información de la película ha sido observado como una estrategia arriesgada, que podría tener éxito como "The Blair Witch Project" o desfavorablemente como "Snakes on a Plane", este último generando una gran expectación en Internet, pero fallando en atraer audiencia.


title: Cloverfield

text: La repentina aparición del tráiler sin título para "Cloverfield" provocó que la prensa realizara especulaciones sobre el argumento. "USA Today" especuló con la posibilidad que se tratara de uno de los seres de los Mitos de Cthulhu de los libros de H.P. Lovecraft, una adaptación de Voltron, una nueva versión de "Godzilla", o incluso un producto inspirado en la serie de televisión "Lost". "The Star Ledger" indicó la posibilidad que estuviera relacionada con "Lovecraft" o "Godzilla". Mientras que "The Guardian" mencionó la posibilidad que se tratara de un subproducto de "Lost", mientras que "Time Out" informó que se trataba de una película de extraterrestres llamada "El Parásito" (The Parasite), la página 1-18-08 menciona lo siguiente (traducción): "5 jóvenes neo yorquinos organizan una fiesta a su amigo en la noche que un monstruo del tamaño de un rascacielos desciende sobre la ciudad... donde apoyaría la teoría de un extraterrestre pero varias imágenes desmuestran que viene del mar." "IGN" también respaldó la idea que el título de la película podría ser "El Parásito". En la red se rumoreaba que el título podría ser "Slusho" o "Colossus". "Entertainment Weekly" también informó sobre los rumores que la película trata de un parásito o un robot gigantesco, como lo es Voltron. Por su parte, un artículo de "9News" afirma que no es una continuación o una nueva versión de alguna otra película.


title: Cloverfield

text: Los visitantes del sitio Ain't It Cool New apuntaron las alusiones del 11-S como base para la destrucción en Nueva York como la decapitada Estatua de la Libertad. La película ha atraído a entusiastas de juegos de realidad alternativa que siguen otras campañas de marketing viral como los mostrados para Lost, los videojuegos Halo 2 y Halo 3. Los miembros del foro en argn.com y unfiction.com han investigado sobre la historia de la película, con la sección "1-18-08" en Unfiction generando más de 7,700 citas en agosto de 2007. Los miembros han estudiado las fotografías del sitio oficial de la película, potencialmente relacionada con perfiles en MySpace y el teaser afiche en Comic-Con para la película. Una pieza popular de fan art postuló que el monstruo fue una yubarta mutada.


title: Cloverfield

text: A diferencia de la mayoría de las campañas de marketing viral éste no tenía prácticamente nada que ver con la trama películas o personajes, sino que se centró principalmente en la bebida ficticia Slusho! y la compañía ficticia Tagruato. Se rumoreó que una serie de páginas con acertijos y elementos lovecraftianos, como por ejemplo "Ethan Haas Was Right", estaban conectadas con la película. Pero el 9 de julio de 2007, el productor J. J. Abrams dijo que, aunque numerosas páginas están siendo producidas para promocionar la película, la única oficial es 1-18-08.com. En dicha página hay una colección de fotos con la hora y la fecha en la que se tomaron para que los visitantes puedan encadenar una serie de sucesos y descifrar su significado. E incluso si se permanece en dicha página exactamente 6 minutos se escuchará rugir a la bestia del filme. Aparte, si se mantiene presionada una foto y se desplaza de derecha a izquierda rápidamente, la foto se volteará y se verá un recuerdo en cualquier foto que se vea; en la foto donde aparece un cartel de persona desaparecida, si se le voltea como se dijo anteriormente, se ve un símbolo extraño que igualmente aparece en la página principal de Slusho. Además de esto, Kirk Montgomery de 9NEWS en Colorado ha declarado que una persona con acceso a información confidencial le indicó que la página Slusho.jp "contiene muchas pistas". "The Washington Post" también comentó que "Los registros muestran que la página de Slusho fue registrada antes que el anuncio fuera estrenado, lo que indica que es probable que la página sea la oficial."


title: Cloverfield

text: Finalmente, www.cloverfieldmovie.com fue creado. El sitio proporcionaba un tráiler y un numer, 33287, que al textearlo de un celular, te proporciona un ringtone del rugido del monstruo y un fondo de escritorio de un Manhattan destruido. Esto finalmente resultó ser un número de Paramount (la gente recibía material sobre "Iron Man", "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal", "Kung Fu Panda" y "El gurú del amor").


title: Cloverfield

text: La bebida Slusho! sirvió como parte de la campaña de marketing viral. La bebida ya había aparecido en producciones previas de Abrams como la serie Alias. Los sitios virales para Slusho! y una compañía japonesa petrolífera llamada fueron lanzados para añadirse a la mitología de "Cloverfield". Un edificio que lleva el logotipo de la empresa de Tagruato también se puede ver en el anuncio de televisión de la undécima película de Star Trek, otra producción de Abrams. Cuando "Cloverfield" fue promocionado en Comic-Con en 2007, polos grises de Slusho! fueron distribuidos a los asistentes. Los fanes que se han registrado en el sitio de Slusho! para "Cloverfield" recibieron correos electrónicos de imágenes ficticias de sonar antes del lanzamiento de la película que mostraban una criatura de aguas profundas dirigiéndose hacia Manhattan.


title: Cloverfield

text: El productor Bryan Burk explicó el producto viral: «Fue todo hecho conjunción con el estudio. Toda la experiencia en crear esta película es muy representativo en cómo se hizo "Lost"». El director Matt Reeves describió Slusho! como «parte de una conectividad involucrada» con "Alias" de Abrams y que la bebida representa una «meta-historia» para "Cloverfield". El director explicó «Es casi como tentáculos que crecen fuera de la película y la conducen, también, a ideas en la película. Y existe su lado raro donde puedes ver la película y ser una experiencia... Pero, también hay ese otro lado donde puedes conectar donde ese otro conjunto de aspecto para toda las persona que están dentro de ella. Todas las historias rebotan unas con otras y se informan entre ellas. Pero, al final del día, esta película se para en su propio concepto a ser una película... La cantidad de historias en Internet, las conexiones y las pistas son, en cierta manera, una prisma y son otra manera de buscar la misma cosa. Para ustedes, es justamente otro excitante aspecto de narración».


title: Cloverfield

text: Un manga de precuela de cuatro episodios por Yoshiki Togama titulado fue lanzado por el editor japonés Kadokawa Shoten. La historia se centra en un estudiante japonés de secundaria llamado Kishin Aiba, que de alguna manera tiene una conexión con el monstruo.


title: Cloverfield

text: Basado en la exitosa semana de estreno de "Cloverfield" en los cines, Hasbro distribuyó un juguete coleccionable de 36 centímetros del monstruo con su auténtico sonido y sus parásito el 24 de diciembre de 2008.


title: Cloverfield

text: Debido a que "Cloverfield" se basa en un archivo de grabación casero, no tiene una banda sonora establecida, a excepción de la composición "Roar!" por Michael Giacchino que se escucha hacia el final de la película, en los créditos. Existen semejanzas entre "Roar!" y la música del compositor de la banda sonora de Godzilla, Akira Ifukube, y se ha sugerido que la obertura de Giacchino es un tributo al trabajo del mismo. La banda sonora fue supervisada por William Files y Douglas Murray en el estudio Skywalker Sound.


title: Cloverfield

text: "Rob's Party Mix" o "Cloverfield Mix" son colecciones de la música escuchada en las secuencias de la fiesta de apertura de la película, que fue lanzada exclusivamente por la tienda de iTunes el 22 de enero de 2008, en lugar de un álbum de banda sonora tradicional. La pista "Roar!", de Giacchino, no se encuentra en el álbum de la película, y no se considera como la banda sonora oficial de ésta. Este álbum fue distribuido a invitados en una fiesta de estreno de "Cloverfield" que se realizó en el Dark Room en Nueva York el 17 de enero de 2008.


title: Cloverfield

text: Un lanzamiento de la banda sonora completa de toda la música en la película, que incluye "Roar!", ha sido lanzado exclusivamente en iTunes. Sin embargo, no fue lanzado en todas las tiendas de la marca. Un CD titulado "Rob's Party Mix" viene incluido en una edición especial de Cloverfield, la que se comenzó a vender en las tiendas canadienses de Wal-Mart, el 22 de abril de 2008.


title: Cloverfield

text: A pesar de que "He Said She Said" de Ashley Tisdale apareció en la película, fue "cortado" en la banda sonora.


title: Cloverfield

text: Otro dato curioso es que la duración del disco es de 64:02, la misma hora en la que empieza y termina la película (6:42 si se traduce bien.)


title: Cloverfield

text: "Cloverfield" se presentó en 3,411 cines el 18 de enero de 2008, y recaudó un total de 16,930,000 de dólares en su día de apertura en los Estados Unidos y Canadá. Hizo 40,058,229 en su semana de apertura, haciendo el lanzamiento más exitoso en enero a la fecha. En todo el mundo, recaudó 170,602,318 de dólares, convirtiéndola la primera película en 2008 en recaudar más de 100 millones de dólares. La mayoría de los críticos han elogiado "Cloverfield"; desde el 27 de abril de 2008, Rotten Tomatoes reportó que el 76% de los críticos han entregado a las películas reseñas positivas, basado en 190 críticas. Según Metacritic, la película ha recibido una puntuación regular de 64, basado en 37 reseñas. En Spill.com, ha sido calificado como «¡Mejor que el sexo!».


title: Cloverfield

text: Marc Savlov de "The Austin Chronicle" llamó la película «la película más intensa y de criatura original jamás visto en la vida adulta de un cinéfilo [...] una película de monstruo estimulante, de clase A y pura sangre». Él cito la dirección de Matt Reeves, el guion «estilísticamente invisible e inmediatamente inteligente» y la «evocación casi subconsciente de nuestra actual paranoia, una fobia al terrorismo de los tiempos» como las claves del éxito de la película, diciendo que la narración de la historia a través de la lente de un solo personaje como camarógrafo «trabaja fantásticamente bien». Michael Rechtshaffen de "The Hollywood Reporter" la llamó «escalofríantemente eficaz», elogiando los efectos y la «intensidad claustrofóbica» de la película. Él dijo que a pesar de que los personajes «no son particularmente interesantes o desarrollados», había «algo refrescante en una película de monstruos que no se llena con los expectativas de siempre». Lisa Scharzbaum de "Entertainment Weekly" dijo que la película fue «una pequeña gema estilísticamente inteligente, subrepticiamente subversiva», y que mientras los personajes fueron unos «bobos contemporáneos e insípidos» y la actuación «apropiadamente nada memorables», la decisión para contar la historia a través de un montaje amateur fue «brillante». Roger Ebert escribió en el "Chicago Sun-Times" que la película es «realmente aterradora en momentos», y cita «evocaciones inconfundibles del 11-S». Él concluye que «todo en todo, es una película efectiva, utilizando bien los efectos especiales y jamás rompe la ilusión que todo está sucediendo como lo vemos».


title: Cloverfield

text: Todd McCarthy de "Variety" la llamó una «película de monstruo anticuada vistiendo con modernos temas», elogiando los efectos especiales, la «actitud nihilista» y el «elemento de ansiedad después del 11-S», pero dijo: «En el final, no es muy diferente de las criaturas vagabundas que se han venido antes». Scott Foundas de "LA Weekly" fue crítico del uso de escenas reminiscentes del 11-S de la película, y llamándola «barata y oportunista». Sugirió que la película estaba participando en intento de evitar la crítica social y se comparó desfavorablemente con las películas de Don Siegel, George A. Romero y Steven Spielberg, diciendo: «Cuando todos los realizadores tenían algo importante que decir sobre el estado del mundo y la naturaleza humana, Abrams no tiene mucho que decir acerca de nada». Manohla Dargis en el New York Times llamó las alusiones como «vulgares», diciendo que «las imágenes quizás haga que piensen del ataque, y quizás maldigas a los cineastas por su vulgaridad, insensibilidad, y poca imaginación», pero que «la película es demasiado "sosa" para ofender cualquier cosa excepto tu inteligencia». Concluye que la película «trabaja como un escaparate por sus impresionantes efectos especiales realistas», un realismo que falla para provocar a los humanos escurridizos cuyo destino están para invocar compasión y temor, en su lugar, inspira bostezo y desprecio». Stephanie Zacharek de "Salon.com" llamó la película «mal construida, carente de humor y sádica emocionalmente», y resume que la película «toma el trauma del 11-S y lo convierte en otro espectáculo alternativo en donde se enfoca y graba». Michael Phillips de "Chicago Tribune" alertó de que el espectador quizás se sienta «mareado» en las referencias al 11 de septiembre, pero «otras secuencias mantienen un real sacudida», y que algunas tácticas fueron «crudas, pero innegablemente fuera de control». Él llamó la película «tonta», pero «rápida, sucia y efectivamente brusca», concluyendo que a pesar de ser «la marca más demográfica calculada de diversión, la más dura», él disfrutó la película». Bruce Paterson de "Cinephilia" describió la película como «un experimento exitoso en el estilo, pero no necesariamente una historia exitosa para aquellos que quieran un cierre dramático».


title: Cloverfield

text: "Cloverfield" apareció en listas de las diez mejores películas del 2008 de algunos críticos. La revista Empire la nombró la quinta mejor película del 2008. La prestigiosa revista de cine francesa "Cahiers du cinéma" nombró la película como la tercera mejor del 2008. Bloody Disgusting la calificó en el puesto veinte en su lista de las «mejores 20 mejores películas de terror de la década», con el artículo llamándola: «Una presunción brillante, sin duda, el respaldo de una campaña de comercialización precoz y genial que siguió a la filosofía de lo poco-es-mejor para un efecto sugerente... Al igual que "The Blair Witch Project" de hace casi diez años antes, "Cloverfield" ayudó a demostrar, sobre todo en su primera media hora, que lo que no se puede ver podría ser la cosa más espantosa de todas».


title: Cloverfield

text: La espera por el estreno provocó muchos rumores acerca de cuándo llegaría a ciertos países. El rotundo éxito en Estados Unidos provocó que Paramount Pictures cambiara la fecha de estreno en algunos países hasta con quince días de adelanto:


title: Cloverfield

text: En el lanzamiento de la película, Matt Reeves sobre las posibilidades de cómo una secuela podría salir si la película es exitosa. Según Reeves: «Mientras estábamos en el set haciendo la película, hablamos sobre las posibilidades y direcciones de cómo una secuela podría salir. Lo divertido de esta película era que no podría haber sido la única película que se hizo esa noche, ¡puede haber otra película! En el día de hoy y la edad de las personas filmando sus vidas en sus teléfonos con cámara y cámaras de video, subirlo a YouTube... Eso era una especie de pensamiento interesante sobre eso.


title: Cloverfield

text: Reeves también apuntó que la escena final en Coney Island muestra algo cayendo en el océano al fondo pero no nos entrega detalles. Podría haber sido el satélite de la empresa ficticia japonesa Tagruato o la misma criatura.


title: Cloverfield

text: Los productores Bryan Burk y J. J. Abrams también anuncia sus pensamientos a Entertainment Weekly sobre posibles secuelas. Según Bryan Burk, «el equipo creativo encarnó una historia entera que, si somos afortunados, somos capaces de entregar películas futuras para explorar».


title: Cloverfield

text: Abrams declaró que él no quiere apresurarse en desarrollar una secuela debido al éxito de la primera película y prefiere crear una secuela que sea fiel a la película anterior.


title: Cloverfield

text: A fines de enero de 2008, Matt Reeves introdujo primeras discusiones con Paramount Pictures para dirigir una secuela para Cloverfield, que probablemente sería filmada antes de otro proyecto de Reeves. Reeves ahora dijo:


title: Cloverfield

text: En una entrevista con "Attack of the Show!", J. J. Abrams ha declarado que podrían abandonar el estilo de la película, diciendo que él y el resto del equipo creativo le gustaría probar algo nuevo.


title: Cloverfield

text: En septiembre de 2008, cuando se le preguntó por CraveOnline cuál es la situación actual es de "Cloverfield 2", Abrams declaró que en ese punto, ellos se mantienen en discusión; sin embargo, él se mantiene reacio en trabajar en una secuela. En la misma entrevista, Abrams dijo que ellos están trabajando en algo que «podría ser algo genial». Cuando se le preguntó si tendría lugar en una ubicación diferente, Abrams respondió diciendo que "sería un algo totalmente diferente, pero es demasiado pronto para hablar".


title: Cloverfield

text: En enero de 2012, el sitio fan de películas de terror BloodyDisgusting.com declaró que una secuela de "Cloverfield" podría nunca pasar. Hablaron con el director Reeves y dijo que si alguna vez se puede obtener el tiempo para sentarse y hablar con Drew Goddard y J. J. Abrams sobre las posibilidades de secuela que sin duda hará una secuela, pero debido a todos los horarios ocupados de los tres, Reeves no ve que esto ocurra en corto plazo.


title: Cloverfield

text: La película "Super 8" fue inicialmente reportado a hacer una secuela o precuela para "Cloverfield", pero esto fue rápidamente negado por Abrams.


title: Cloverfield

text: En una entrevista en 2011, Matt Reeves entregó una actualización sobre el estado de "Cloverfield 2", diciendo: «Entregar la idea correcta ha sido tomado en mucho tiempo»... «Los vas a ver - no sabemos cuándo [risas]... Por el momento estamos hablando de la historia, bastante. Drew Goddard, quien escribió el original, va a escribir la secuela y J. J. Abrams está muy involucrado... Sin embargo, los tres hemos estado tan ocupados que tener la idea correcta en conjunto ha estado tomando mucho tiempo». Cuando se le preguntó si la secuela se rodará en tiempo real, Reeves declaró: «Ya ves, eso es la parte difícil: queremos filmar igual que la primera, pero ¿cómo se puede continuar con esa idea de éxito por segunda vez? Tenemos un gran cariños por la original y la secuela no solo puede ser la misma cosa. Pero eso es difícil cuando usted necesita tener un monstruo destruyendo cosas, una vez más».


title: Cloverfield

text: En una entrevista de 2012, el guionista Drew Goddard entregó una actualización: «Ya está. Estoy listo para hacerlo... Alguien llamó a J. J. y le dijo que empiece a moverse, pero debido a que Matt, J. J. y yo hemos tenido la suficiente suerte para estar ocupados, es difícil de sincronizar nuestras agendas. Estamos muy entusiasmados para regresar a ese mundo». Cuando se preguntó si la idea está en papel, respondió: «Si preguntarías a cada uno de nosotros lo que deseamos hacer, obtendrías respuestas diferentes, que era como la primera película. La estética de "Cloverfield" se beneficia de eso. Tres voces están acción. Mira, nada me haría feliz que estar los tres en una habitación para comenzar». Añadió con una risa: «Pero obtuviste una cosa de "Stark Trek"»..


title: Cloverfield

text: En 2016 en los cines de Estados Unidos presentando las primeras proyecciones de 13 Hours. fueron precedidas por un misterioso y sorpresivo tráiler para una nueva película de Paramount Pictures y Bad Robot, producida por J. J. Abrams, que llega sin previo aviso la cual se estrenaría en menos de dos meses, con el título "10 Cloverfield Lane".


title: Cruasán

text: El cruasán (del francés "croissant", AFI: [kʁwa'sɑ̃]; ‘medialuna’, también escrito con el galicismo croissant) es una pieza de panadería de origen francés. Fue creada en París en el siglo donde los panaderos locales se inspiraron de la forma del "kifli" austriaco popularizado por el panadero vienés August Zang, pero usaron una masa hojaldrada fermentada típicamente francesa que se usa también para hacer otras preparaciones como el "pain au chocolat". Dado que en el la popularidad del cruasán se extendió a muchos países del mundo, existen numerosas variantes con ingredientes, consistencia y nombres propios.


title: Cruasán

text: Los cruasanes son conocidos como «cachitos» en Perú, Ecuador y Venezuela; «cruasanes» en España y Colombia; «medialunas» (un tipo de facturas) en Argentina, Chile, Paraguay y Uruguay; y en otros países de América Latina como «cangrejitos» o «cuernitos». Los hay dulces o salados, sencillos o rellenos.


title: Cruasán

text: "Croissant" en francés quiere decir "creciente", en el sentido de «cuarto creciente lunar» (fase creciente) y se refiere a la forma original del bollo.


title: Cruasán

text: La costumbre de elaborar pastelitos con forma de medialuna curva remonta a una tradición milenaria, que perdura hoy en día en pasteles dulces como el "tchareke" de Argelia, el "kaab el ghzal" de Marruecos o el "ay çöreği" de Turquía que los turcos habrían introducido en Europa en el .


title: Cruasán

text: Según la leyenda más divulgada, el croissant nace como uno de los actos festivos cuando la ciudad de Viena se salva del sitio otomano a finales del . En 1683, los soldados otomanos al mando del gran visir Kara Mustafá, después de conquistar la mayoría de las regiones a orillas del Danubio, sitian Viena que, después de Constantinopla, habría sido la primera conquista importante en Europa.


title: Cruasán

text: Después de varios intentos de asalto poco exitosos, los turcos decidieron atacar Viena por sorpresa con una nueva estrategia. Pensaron en socavar el terreno y así evitar las murallas pero actuando solo de noche. Los panaderos, que trabajaban a esas horas, se dieron cuenta de la amenaza por los continuos ruidos y dieron la alarma de tal manera que al final fueron los defensores los que tomaron por sorpresa a las tropas musulmanas obligándoles a retroceder. Después las tropas austriacas del emperador Leopoldo I, bajo el mando del rey de Polonia Juan III Sobieski, terminaron de expulsar del país al ejército enemigo. Se dice que el emperador decidió condecorar a los panaderos vieneses por la valiosa ayuda ofrecida. Estos, como agradecimiento, elaboraron dos panes: uno con el nombre de “emperador” y otro "Halbmond", en alemán “media luna”, antepasado del actual cruasán, como mofa a la media luna de la bandera otomana.


title: Cruasán

text: Otra leyenda sitúa el invento en el mismo contexto pero lo atribuye a Jerzy Franciszek Kulczycki (popularizado como Franz Georg Kolschitzky en alemán), un hombre de negocios polaco instalado en Viena. En un momento en el que los vieneses sitiados estaban a punto de rendirse, consiguió traspasar el cerco del ejército otomano para reunirse con Carlos V de Lorena e informarse de la situación militar. De vuelta al interior de la ciudad, convenció a las autoridades de que persistieran en su resistencia informándoles de que se esperaba la llegada de las tropas del Rey de Polonia. Kulczycki es hoy un héroe en Viena. Es conocido también por haber introducido el café en Europa justo después de esa victoria sobre los otomanos, café que recuperó de las mercancías abandonadas por el ejército otomano en su huida. Para celebrar la victoria, lo sirvió por primera vez acompañado de pastelitos en forma de medialuna, los llamados "Kipferl".


title: Cruasán

text: El "Kipferl" sería el antecesor del cruasán, del que solo tenía la forma y no la composición, pero su existencia se remontaría al siglo XIII. Su introducción en Francia data de 1838 o 1839, cuando un oficial austriaco, August Zang, abrió una panadería vienesa en París en el n.º 92 de la calle de Richelieu en París. El éxito de sus "kipferl" y de sus "kaisersemmel" (pan vienés) fue tan enorme que pronto fue imitado por muchos, y que sus piezas pasaron a conformar una clase de productos panaderos que adoptó el nombre de "viennoiserie".


title: Cruasán

text: La palabra "croissant" define por primera vez una pieza de panadería en el diccionario francés Littré en 1863, pero ya se citaba al cruasán como un panecillo habitual en 1850. La primera receta se publicó en 1891, con otro tipo de masa. La receta del primer cruasán hojaldrado se publicó en Francia en 1905 y se divulgará en los años 1920. La primera edición del Larousse gastronómico en 1938 la incluye. Los franceses lo harían tradicional en su país, y a partir de 1950 es un alimento típico del desayuno francés.


title: Cruasán

text: No se debe confundir el cruasán con otros tipos de pastelitos austriacos con forma de cruasán, pero con procesos de elaboración e ingredientes completamente distintos. Por ejemplo el "Vanillekipferl", aromatizado con vainilla, el "Mandelbögen", más pequeño y aromatizado con almendra, el "Mohnbeugel" con base en una pasta rica en semillas de amapola, o el "Nussbeugel" con pasta de nueces y miel.


title: Cruasán

text: Las medialunas son una de las facturas en Argentina, bizcochos en Uruguay y dulces en Paraguay, más populares; en este último país, son incluso consideradas típicas en las ciudades de Asunción y Ciudad del Este. Existen dos tipos de medialunas típicas entre los argentinos: la de grasa y la de mantequilla. La de grasa está hecha generalmente con manteca de vaca, lo cual le da una sabor diferente. Recibe el nombre de “sacramento” una medialuna de gran tamaño (casi tres veces mayor que la medialuna común) con la cual, al cortarla horizontalmente en dos mitades, se preparan sándwiches (generalmente con una feta (loncha) de jamón y una de queso semiduro). A esta variedad de sándwiches en Argentina se le llama medialuna rellena o "Mafalda". Aunque el sacramento también puede ser recto, por lo que no es siempre una medialuna propiamente dicha ni de gran tamaño. También hay sacramentos pequeños y rellenos de dulce de membrillo.


title: Cruasán

text: En Venezuela y Ecuador si bien se los llama "cachitos" no deben ser confundidos con los llamados "cachitos de jamón" ya que éstos son unos panecillos de masa muy suave rellenos de jamón york en trocitos. Aun así, cabe destacar que también se venden cruasanes rellenos a modo de bocadillo con jamón york y queso rebanado (generalmente tipo gouda o munster).


title: La vida de Adèle

text: La vida de Adèle - «"La vida de Adèle - Capítulos 1 & 2"») es una película francesa dramática-romántica de 2013 dirigida, escrita y producida por Abdellatif Kechiche y protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux. Inspirada en la novela gráfica francesa "El azul es un color cálido" de Julie Maroh la película gira en torno a Adèle, una adolescente francesa que descubre el deseo y la libertad cuando una aspirante a pintora de pelo azul entra en su vida. La película muestra su relación entre los años de secundaria de Adèle y su vida adulta temprana como maestra de escuela.


title: La vida de Adèle

text: La película generó controversia antes de su lanzamiento y tras su estreno en el Festival de Cine de Cannes 2013. Gran parte de la polémica se centró en las afirmaciones de las malas condiciones de trabajo en el set de rodaje vertidas por parte del equipo y las actrices principales, y también por la plasmación mediante largas y gráficas escenas sexuales (filmadas con genitales falsos). Pese a estas polémicas la cinta ha recibido elogios de la crítica profesional, considerándose una de las mejores películas de 2013, desde su estreno.


title: La vida de Adèle

text: Obtuvo un total de 104 nominaciones, entre las que destacan las obtenidas en los Premios Globo de Oro a la Mejor Película en Lengua Extranjera y los Premios BAFTA a Mejor Película no en Inglés, y un total de 86 galardones. En el ganó por unanimidad la Palma de Oro del jurado oficial y el Premio FIPRESCI, siendo la primera película que consiguió la Palma de Oro tanto al director (Kechine) como a las actrices principales (Seydoux y Exarchopoulos). Un precedente sería la película dirigida por Jane Campion "El piano" (1993) quien obtuviera el premio a la interpretación femenina (Holly Hunter) y la Palma de Oro.


title: La vida de Adèle

text: Adèle es una estudiante de secundaria introvertida de 15 años de edad. Al cruzar la calle un día pasa junto a una mujer con el pelo corto azul y se siente atraída al instante. Más tarde tiene citas y mantiene relaciones sexuales con un chico del instituto llamado Thomas pero finalmente, insatisfecha, y rompe su relación. Después de tener vívidas fantasías sobre la mujer que vio en la calle y que una de sus amigas la besó, se preocupa por su orientación sexual.


title: La vida de Adèle

text: Un amigo, el abiertamente y alegre Valentin, parece entender su confusión y la lleva a un bar gay. Después de un tiempo Adèle se va y entra a un bar de lesbianas, donde ella experimenta avances asertivos de algunas de las mujeres. La mujer de cabello azul también está allí e interviene, mintiendo a las demás, diciendo que Adèle es su prima. La mujer desvela su nombre, Emma, una estudiante de arte graduada. Emma y Adèle se hacen amigas y comienzan a pasar más tiempo juntas. Las amigas de Adèle sospechan que es lesbiana y la obligan a abandonar la escuela insultándola y humillándola en público. A pesar de la reacción ella se acerca a Emma. Su vínculo aumenta y, en poco tiempo, ambas comparten un beso en un pícnic. Luego tienen relaciones sexuales y comienzan una relación apasionada. La familia artística de Emma es muy acogedora con la pareja pero Adèle le dice a sus padres, conservadores y de clase trabajadora, que Emma es solo una tutora para la clase de filosofía.


title: La vida de Adèle

text: En los años siguientes las dos mujeres se mudan y viven juntas. Adèle termina su formación y se une al personal docente en una escuela primaria local, mientras que Emma trata de seguir adelante con su carrera de pintura, con frecuencia organizando fiestas en la casa para socializar con su círculo. En una de estas Adèle conoce a algunas de ellas: Lise, una mujer embarazada y colega; Joachim, "la mayor galerista de Lille"; y Samir, un aspirante a actor que se siente fuera de lugar entre los intelectuales, con los que se enfrenta. Emma menosprecia la carrera docente de Adèle, alentándola a encontrar el cumplimiento por escrito, mientras que Adèle insiste en que ella está contenta de la manera que ella es. Gradualmente se vuelve cada vez más evidente lo poco que tienen en común y las complejidades emocionales se manifiestan en la relación.


title: La vida de Adèle

text: Emma se da cuenta de que Adèle tuvo una aventura con un muchacho a sus espaldas y la confronta furiosamente, rechazando sus disculpas y expulsándola de su apartamento. El tiempo pasa y aunque Adèle encuentra satisfacción en su trabajo como maestra de jardín de infancia todavía no puede superar su sentimiento de angustia. Las dos finalmente se encuentran nuevamente en un restaurante. Adèle sigue profundamente enamorada de Emma y, a pesar de la poderosa conexión que claramente sigue existiendo entre ellas, Emma está ahora comprometida con Lise, que ahora tiene una hija pequeña. Adèle está devastada, pero la retiene. Emma admite que no se siente sexualmente satisfecha, pero que lo ha aceptado como parte de su nueva etapa en la vida. Ella le asegura a Adèle que su relación fue especial, y que siempre tendrá ternura infinita para ella. Las dos parten en términos amistosos.


title: La vida de Adèle

text: Más tarde Adèle va a la nueva exposición de arte de Emma. Colgado en una pared hay una pintura de desnudos que Emma una vez hizo de ella durante el florecimiento sensual de su vida juntas. Aunque Emma la reconoce, su atención se centra principalmente en los otros invitados de la galería y en Lise. Adèle felicita a Emma por el éxito de su arte y se va tranquilamente después de una breve conversación con Samir. Él la persigue pero se dirige en la dirección equivocada, mientras Adèle se aleja en la distancia.


title: La vida de Adèle

text: Abdellatif Kechiche tuvo desde un principio que lidiar con las polémicas surgidas a raíz de su temática (un drama lésbico de casi tres horas de duración), las opiniones de la autora del cómic en el cual se inspira la película y una tórrida escena de sexo de diez minutos de duración que revolucionó a los espectadores en Cannes. Pero nada ha hecho más daño al director que las declaraciones de sus dos actrices protagonistas, Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos. Según ambas intérpretes, Kechiche se mostró muy autoritario durante el rodaje, en ocasiones violento, y repudian su método de dirección.


title: La vida de Adèle

text: «De cada escena hacíamos más de cien tomas». Su queja principal son las incesantes tomas que el cineasta les obligó a rodar. «Pasábamos semanas rodando la misma escena», relataba Seydoux a finales de verano a una publicación norteamericana. «La primera escena en la que nos cruzamos y sentimos un amor a primera vista dura sólo unos treinta segundos, pero nos pasamos todo un día filmándola e hicimos más de cien tomas. Al final Kechiche estalló en cólera porque, después de tanto sacrificio, al pasar cerca de Adèle me reí un poco. (... ) Se puso tan loco que agarró el pequeño monitor con el que seguía el rodaje y lo tiró al suelo, gritando: '¡Yo no puedo trabajar en estas condiciones!'».


title: La vida de Adèle

text: Mientras que con Seydoux mantiene fuertes discrepancias, el cineasta sí parece haberse reconciliado con Adéle Exarchopoulos. De hecho, ambos estuvieron muy sonrientes y se regalaron gestos de complicidad durante la presentación de la película en Madrid. Sin embargo, la agria polémica que rodea a la cinta ha jugado en su beneficio. En Francia, el filme se convirtió en un rotundo éxito de taquilla y en Estados Unidos tuvo gran reconocimiento ya que podía ser nominada en distintas categorías tan importantes de los Oscar, sin embargo, no fue clasificada.456


title: La vida de Adèle

text: La producción comenzó en marzo de 2012 y duró seis meses hasta agosto. Aproximadamente se realizaron 800 horas de filmación, incluido un extenso metraje en B-roll, aunque en el montaje final la duración de la película se redujo a 179 minutos. Aunque inicialmente el plan de rodaje debía tener una duración de dos meses y medio el presupuesto final fue de aproximadamente 4.000.000 de euros. Las localizaciones principales fueron la ciudad de Lille (Francia), principalmente en el Liceo Pasteur, la Place du Général-de-Gaulle (para el encuentro entre Adèle y Thomas) y en el Boulevard de la Liberté (encuentro con Emma). Otros escenarios incluyen la galería de arte Metling Art, la discoteca gay Le Privilège, en el museo La Piscine en Roubaix y en la ciudad de Liévin.


title: La vida de Adèle

text: "Blue Is the Warmest Colour" recaudó un total mundial de $19 492 879. Durante su apertura en Francia, la película debutó con un total de fin de semana de $2.3 millones en 285 cines por un promedio de $8,200 por sala. Tomó el cuarto lugar en su primer fin de semana, que fue visto como "notablemente bueno debido a su duración de casi tres horas". La película tuvo un lanzamiento limitado en los Estados Unidos, y recaudó aproximadamente $101.116 en su primer fin de semana, con un promedio de $25.279 en cuatro cines en Nueva York y Los Ángeles.


title: La vida de Adèle

text: "La vida de Adèle" tiene una consideración positiva en los portales de información cinematográfica y ha sido aclamada por la crítica. En IMDb obtiene una puntuación de 7,7 sobre 10 computando 150.021 votos. En FilmAffinity, además de figurar en sus listas "Mejores películas basadas en cómics" (12.ª posición), "Mejores películas y series con temática LGTBI+" (31ª posición) y "Mejores películas francesas de todos los tiempos" (78ª posición), obtiene una puntuación de 7,4 sobre 10 entre los 38.364 usuarios que registraron su voto. En el agregador de críticas Rotten Tomatoes obtiene la calificación de "fresco" para el 85% de las más de 50.000 valoraciones de sus usuarios y para el 89% de las 204 críticas profesionales, cuyo consenso se resume en "cruda, honesta, poderosamente actuada, y deliciosamente intensa(...) ofrece uno de los dramas más elegantemente compuestos, emocionalmente absorbentes del cine moderno." Metacritic, que asigna una calificación normalizada sobre 100, calificó la película de 89 basado en 35 comentarios, indicando "aclamación universal".


title: La vida de Adèle

text: El crítico Carlos Boyero en el diario "El País" elogió que "Kechiche cuenta esta historia con desarmante verdad(...) filma las escenas de sexo con una autenticidad insólita(...) todo es placentera o dolorosamente real. Y nos descubre a una actriz extraña y maravillosa llamada Adele Exarchopoulos". Luis Martínez en el diario "El Mundo" la calificó como "deslumbrante(...) Pocas veces antes en el cine reciente se ha rodado de forma tan frontal, tierna y precisa el sexo, el sexo lésbico.(...) Sobre la pantalla, simplemente un milagro(...) crudo, brillante y arriesgadísimo trabajo". Oti Rodríguez Marchante para "ABC" valoró que "probablemente nunca se ha hecho una película que refleje con tanta física y química el amor y lo otro entre dos mujeres, y puede que valga la frase terminada entre dos personas". Salvador Llopart en "La Vanguardia" indicó que "es la mejor historia de amor jamás rodada, sin más adjetivos.(...) una historia de amor desgarradora: por momentos tierna y hermosa, por momentos cruel, y siempre inolvidable". Sergi Sánchez para la revista "Fotogramas" le concedió 5 estrellas de 5 afirmando "lo que importa es que, al margen de la cuestión de género, respiran deseo como pocas veces se ha logrado en el cine. Es el deseo de dos personas que se aman.(...) El tiempo es el que nos permite ver las grietas, las rencillas, las dependencias enfermizas de ese amor. Y en ese mar de tiempo nos vemos inmersos y no queremos salir de él".


title: La vida de Adèle

text: En Francia la revista "Cahiers du Cinéma" colocó la película en tercer lugar en su tabla Top Ten en el año 2013. En "The Daily Telegraph" Robbie Collin otorgó a la película un máximo de cinco estrellas proponiéndola como ganadora de la Palma de Oro: "La película de Kechiche dura tres horas, y el único problema con ese tiempo de ejecución es que podría haberlo visto felizmente por otros siete. Es una explosión extraordinaria y prolongada de placer, tristeza, ira, lujuria y la esperanza, y contenida en ella, aunque sea justa, son las dos mejores actuaciones del festival, de Adèle Exarchopolous y Léa Seydoux ". Peter Bradshaw en su crítica para "The Guardian" agregó que" es una película realmente apasionada "y cambió su clasificación de estrellas para la película a cinco de cinco estrellas después de haber otorgado previamente solo cuatro. Stephen Garrett, de "The New York Observer", dijo que la película fue "nada menos que un triunfo" y "es una gran obra de despertar sexual".


title: La vida de Adèle

text: Andrew Chan, del Círculo de Críticos de Cine de Australia, reseñó: "al igual que el esfuerzo más maduro de Wong Kar-wai en el cine, "Happy Together", el director Abdellatif Kechiche conoce bien el amor y la relación, y los detalles que aborda son casi impresionantes de soportar. una escena en el restaurante donde dos se encuentran de nuevo, después de años de separación, las lágrimas que moran en sus ojos muestran precisamente cuánto se aman, sin embargo, no hay manera de que vuelvan a estar juntos. "Azul es el color más cálido" es la película más poderosa de 2013, y fácilmente una de las mejores ". Movie Room Reviews elogió la película con 4 estrellas y 1/2 diciendo: "esta no es una película que trate con la intolerancia de la homosexualidad o lo que es ser lesbiana. Se trata de querer explorar esa parte de ti que sabes que está ahí mientras se sigue lidiando con la torpeza de la juventud.


title: La vida de Adèle

text: La gran polémica pasa por las tres escenas de sexo lésbico que Kechiche elige incorporar en su filme de casi tres horas de duración. Las acusaciones han sido de todo tipo: imposición de una mirada masculina en la puesta en escena que ordena las escenas de sexo, expresión taimada de una fantasía machista; explotación directa de las actrices que, tras festejar junto al director en Cannes la conquista de la Palma de Oro, denunciaron el maltrato de Kechiche en el set (aparentemente, los buenos resultados respondieron a un método extenuante y una exigencia desmedida); finalmente, se pudo escuchar otra voz de disidencia: Julie Maroh, autora de la novela gráfica en la que el filme está basado, expresó su absoluta disconformidad acerca del erotismo del filme: “Las escenas de sexo son ridículas”.


title: La vida de Adèle

text: Julie Maroh elogió la originalidad de Kechiche, describió su adaptación como "coherente, justificada y fluida [...] un golpe maestro", también sintió que no logró capturar el corazón lésbico de su historia, y desaprobó las escenas de sexo. En la publicación de un blog, llamó a las escenas, "una exposición brutal y quirúrgica, exuberante y fría, del llamado sexo lésbico, que se convirtió en pornografía, y me hizo sentir muy incómoda", diciendo que en el cine, "los heteronormativos se rieron porque no lo entienden y encuentran la escena ridícula. La gente gay y queer se rio porque no es convincente, y lo encontró ridículo. Y entre las únicas personas que no oímos reírse fueron los posibles chicos demasiado ocupados festejando sus ojos en una encarnación de sus fantasías en la pantalla". Ella agregó que "como espectadora feminista y lesbiana, no puedo respaldar la dirección que Kechiche tomó sobre estos asuntos. Pero también estoy ansiosa por escuchar lo que otras mujeres pensarán al respecto. Esta es simplemente mi postura personal."


title: La vida de Adèle

text: La película recibió un considerable comentario crítico LGBT y feminista por el dominio de la mirada masculina y la falta de mirada femenina, y algunos críticos la calificaron de "mirada patriarcal." La autora Maroh fue una de los críticos más duros en este punto, diciendo: "Me parece que esto era lo que faltaba en el set: lesbianas."


title: La vida de Adèle

text: La película empezó a destacar en el momento en que ganó la Palma de Oro de la versión 2013 del Festival de cine de Cannes. Dicho galardón reconoce de manera excepcional el trabajo de tres personas: Abdellatif Kechiche, director de la película, Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, las dos actrices principales. El Jurado de la crítica internacional (FIPRESCI), premió igualmente a "La vie d'Adèle" como la mejor película del festival.


title: La vida de Adèle

text: Ambos premios llegaron justo en un momento de intensas protestas contra la legalización del matrimonio entre homosexuales en Francia  por lo que el presidente del jurado, Steven Spielberg, tuvo que salir al corte para indicar que el premio no tenía ninguna razón política detrás.