title: Dinamo (generador eléctrico)

text: Antonio Pacinotti, un científico italiano, resolvió el problema reemplazando la bobina giratoria por una de forma toroidal, enrollada alrededor de un anillo de hierro. Así, siempre una parte de la bobina estaba influida magnéticamente por los imanes, suavizando las variaciones de corriente.


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: Posteriormente Zénobe Gramme reinventó el diseño e ideó los primeros generadores comerciales a gran escala, que operaban en París en torno a 1870. Su diseño se conoce como la "dinamo de Gramme".


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: A partir de entonces se han realizado nuevas versiones mejoradas, pero el concepto básico de bucle giratorio sin fin permanece en todas las dinamos modernas.


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: Uno de los usos más comunes que se le dio a la dinamo fue el de generador de energía eléctrica para el automóvil. A medida que, desde principios del siglo XX, los automóviles se iban haciendo más complejos, se demostró que los sistemas de generación de energía eléctrica con los que se contaba (principalmente magnetos) no eran lo suficientemente potentes para las necesidades del vehículo.


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: Aunque se trataba de un elemento que proporcionaba la energía necesaria con relativamente poco peso, presentaba ciertos problemas. El más importante era que la velocidad de rotación que se le suministraba nunca era constante, ya que las revoluciones del motor están continuamente variando, siendo requisito el que tenía que ser capaz de suministrar la misma corriente en ralentí, movimiento lento, aun cuando el motor estuviera a pleno rendimiento. Esto se solucionó con los reguladores que, aunque son sencillos en su diseño, requieren de un reglaje muy delicado. Estos dispositivos debían ser capaces de regular el voltaje y la intensidad. Además debería evitar que la dinamo funcionara como un motor eléctrico cuando el vehículo estuviera al ralentí, que es cuando prácticamente no produce energía, para que el flujo de corriente no se invirtiera (dado que las dinamos tienen un diseño muy parecido al de los motores eléctricos, en el automóvil llegaban a funcionar como tales cuando se invertía el flujo de corriente al ser mayor el potencial que suministraba la batería que el potencial que suministraba la dinamo).


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: Desde los años 1970 han sido sustituidos progresivamente por el alternador, no quedando ningún vehículo en producción con el anterior sistema actualmente.


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: La corriente generada es producida cuando el campo magnético creado por un imán o un electroimán fijo, inductor, atraviesa una bobina, inducido, colocada en su centro. La corriente inducida en esta bobina giratoria, en principio alterna, es transformada en continua mediante la acción de un conmutador giratorio, solidario con el inducido, denominado colector, constituido por unos electrodos denominados delgas. De aquí es conducida al exterior mediante otros contactos fijos llamados escobillas que conectan por frotamiento con las delgas del colector.


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: Las denominadas dinamos han sido ampliamente utilizadas por los ciclistas durante años. Gracias al dinamo, que genera energía eléctrica, los ciclistas han podido circular por las noches por la carretera con una mínima iluminación. En realidad, las denominadas dinamos de bicicleta son alternadores, ya que consisten en un imán, solidario al eje de giro, y una bobina estática, sin delgas, ni escobillas, que rectifiquen la corriente. La corriente así producida es alterna y no continua, a pesar de ello, tradicionalmente, se les ha llamado dinamos.


title: Dinamo (generador eléctrico)

text: En las dinamos tradicionales, o de botella, el extremo del eje de la dinamo porta un cabezal que se apoya a voluntad en el neumático de una de las ruedas, de modo que al girar la rueda gira a su vez la dinamo. El sistema es bastante rudimentario y produce un apreciable rozamiento que obliga a pedalear con fuerza. Debido a esto este tipo de dinamos ha ido siendo sustituido por otros modelos sin fricción, como la dinamo de buje o la de oreja. Además, la aparición de nuevos métodos de iluminación con lámparas de leds y de mejores baterías, con gran potencia y autonomía, ha reducido el uso de estas dinamos en general.


title: Ígor Stravinski

text: Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский; Oranienbaum, 17 de junio de 1882-Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso y uno de los músicos más importantes y trascendentales del .


title: Ígor Stravinski

text: Su larga vida le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban de músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado «período ruso»—: "El pájaro de fuego" ("L'Oiseau de feu", 1910), "Petrushka" (1911) y "La consagración de la primavera" ("Le sacre du printemps", 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de "jazz".


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado "Poetics of Music" ("Poética musical"), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma». Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como "Conversations with Stravinsky".


title: Ígor Stravinski

text: Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista "Time" como una de las personalidades más influyentes del .


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum (hoy Lomonósov), Rusia. Creció al cuidado de su padre y hermana mayor, y su primera fue una mezcla de experiencias que revelaban poco al artista cosmopolita que llegaría a ser. Si bien su padre, Fiódor Stravinski, era cantante de ópera (bajo) en el Teatro Mariinski, Stravinski inició los estudios de Derecho, que tiempo después cambiaría por la composición. En 1902, a los 20 años, Stravinski se convirtió en alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante de su tiempo. Una de sus obras de estudiante, "Feu d'artifice" (fuegos artificiales), impresionó a Serguéi Diáguilev, que encargó a Stravinski varias orquestaciones y luego un ballet completo, "El pájaro de fuego".


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París al estreno de su ballet "El pájaro de fuego" por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad compuso dos obras más para los Ballets Rusos: "Petrushka" (1911) y "La consagración de la primavera" (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde "El pájaro de fuego", cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov, a "Petrushka" con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de "La consagración de la primavera". Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de "La consagración de la primavera" en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto).


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski desplegó en su vida un deseo inagotable de leer y explorar el arte y la literatura. Este deseo se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal para Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos, sino que también colaboró con Pablo Picasso ("Pulcinella", 1920), Jean Cocteau ("Oedipus Rex", 1927) y George Balanchine ("Apollon Musagete", 1928).


title: Ígor Stravinski

text: Relativamente pequeño de estatura y no convencionalmente atractivo, Stravinski no era fotogénico, como muchas fotos lo demuestran. Todavía era joven cuando, el 23 de enero de 1906, se casó con su prima Yekaterina Nosenko, a quien conocía desde pequeño. Su matrimonio duró 33 años, pero el verdadero amor de su vida y, después, su compañera hasta la muerte, fue su segunda esposa, Vera de Bosset (1888-1982). Aunque fue un notorio galanteador (se rumoreó que tuvo encuentros con personalidades influyentes como Coco Chanel), Stravinski también fue un hombre familiar que consagró cantidades considerables de su tiempo y dinero a sus hijos. Uno de sus hijos, Sviatoslav Soulima-Stravinski, también fue compositor, pero poco conocido, dada la comparación con su padre.


title: Ígor Stravinski

text: Cuando Stravinski conoció a Vera a inicios de los años 20, ella estaba casada con el pintor y diseñador de escenarios Serguéi Sudeikin. Como pronto empezaron a tener encuentros amorosos, Vera dejó a su marido al cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Yekaterina (1939) Stravinski llevó una vida doble, invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Yekaterina advirtió la relación y la aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte, Stravinski y Vera se casaron en Nueva York, adonde habían viajado desde Francia en 1940 para escapar de la Segunda Guerra Mundial .


title: Ígor Stravinski

text: El patrocinio nunca estuvo lejos. En los comienzos de la década de 1920 Leopold Stokowski le dio un apoyo regular a Stravinski como benefactor anónimo. El compositor también pudo atraer encargos: la mayoría de sus trabajos desde "El pájaro de fuego" en adelante fueron escritos para ocasiones específicas y se pagaron generosamente.


title: Ígor Stravinski

text: Demostrando su aptitud para desempeñar el rol de «hombre de mundo», Stravinski adquirió un instinto perspicaz para las cuestiones de negocio, lo que le permitió aparecer relajado y cómodo en muchas de las ciudades mayores del mundo. En París, Venecia, Berlín, Londres y Nueva York era recibido con los mayores respetos como un exitoso pianista y director. La mayoría de las personas que lo conocieron a través de conversaciones personales y de sus actuaciones lo recuerda como cortés, atento y preocupado por los demás. Por ejemplo, Otto Klemperer, quien conocía bien a Arnold Schoenberg, dijo que él siempre encontró a Stravinski mucho más cooperativo y fácil de tratar que Schoenberg. Al mismo tiempo, tenía un menosprecio por las «clases sociales inferiores»: Robert Craft se avergonzaba por su hábito de golpear un vaso insistentemente con un tenedor y exigir ruidosamente la atención en los restaurantes.


title: Ígor Stravinski

text: Finalmente, el futuro musical de Stravinski fue noticia por Serguéi Diáguilev, el director de los Ballets Rusos en París. Encargó a Stravinski un ballet para su teatro, por lo que este viaja a París en 1911. Ese ballet terminó siendo el famoso "L'oiseau de feu" ("El pájaro de fuego"). Sin embargo, debido a la Primera Guerra Mundial, se trasladó a la neutral Suiza en 1914. Volvió a París en 1920 para escribir más ballets así como muchos otros trabajos. Posteriormente viajó a Estados Unidos en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945. Continuó viviendo en Estados Unidos hasta su muerte en 1971.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski se había adaptado a la vida en Francia, pero al trasladarse a América, a la edad de 58 años, se encontró con una situación muy diferente. Durante un tiempo intentó atraer a sus amigos y contactos rusos, pero al poco tiempo comprendió que esto no sostendría su vida intelectual y profesional en EE. UU. Cuando planeó escribir una ópera con W. H. Auden, la necesidad de adquirir más familiaridad con el mundo angloparlante coincidió con el encuentro con el director y musicólogo Robert Craft, quien vivió con Stravinski hasta su muerte, actuando como intérprete, cronista, director auxiliar y factótum para una infinidad de tareas musicales y sociales.


title: Ígor Stravinski

text: El gusto de Stravinski por la literatura fue amplio y refleja su deseo constante de nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias para su trabajo empezaron con un período de interés en el folclore ruso, que progresaron a los autores clásicos y a la liturgia Latina. A esto le siguió el contemporáneo francés André Gide (en "Persephone"), para llegar finalmente a la literatura inglesa: Auden, Eliot y versos medievales ingleses. Al final de su vida estaba incluso utilizando escrituras hebreas en "Abraham e Isaac".


title: Ígor Stravinski

text: Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años y fue enterrado en Venecia en el cementerio de la isla de San Michele. Su tumba está cerca de la de su antiguo colaborador Diáguilev. La vida de Stravinski abarcó la mayor parte del , incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, y su obra influyó a muchos compositores durante su vida y después de su muerte. Una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en Hollywood Boulevard 6340, está colocada a su nombre.


title: Ígor Stravinski

text: La carrera de Stravinski pasa por tres grandes períodos estilísticos distintos, por lo que la mayoría de sus composiciones pueden ser consideradas como parte de alguno de ellos.


title: Ígor Stravinski

text: El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev. Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo como en su instrumentación.


title: Ígor Stravinski

text: El primero de los ballets, "El pájaro de fuego", es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. "Petrushka", también se anota distintamente y es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, "La consagración de la primavera", el que generalmente es considerado la apoteosis del período ruso de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados cada vez (véase "La consagración de la primavera" para un análisis más detallado de este trabajo).


title: Ígor Stravinski

text: Otras piezas de este período incluyen: "Renard" (1916), "Historia de un soldado (Histoire du soldat)" (1918), y "Las bodas (Les Noces)" (1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.


title: Ígor Stravinski

text: La siguiente fase del período composicional de Stravinski, solapando al primero ligeramente, es marcado por el ballet "Pulcinella" (1920). Este trabajo ofrece lo que será un sello de este período; es decir, el retorno de Stravinski, o «vuelta atrás» a la música clásica de Mozart, Bach y sus contemporáneos. Este estilo neoclásico, que de hecho nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico, involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas obras, escritas aproximadamente entre 1920 y 1951, Stravinski se vuelca mayoritariamente hacia los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cámara. Las "Sinfonías de instrumentos de viento" (1920) y el "Octeto para instrumentos de viento" (1923) están entre los trabajos más finos compuestos para vientos.


title: Ígor Stravinski

text: Otros trabajos como "Oedipus Rex" (1927), "Apolo Musageta (Apollon Musagéte)" (1928) y el "Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks)" (1938), continúan esta tendencia.


title: Ígor Stravinski

text: Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la "Sinfonía de los Salmos (Symphonie des Psaumes)" (1930), "Sinfonía en Do" (1940) y "Sinfonía en tres movimientos" (1945). "Apolo Musageta", "Perséfone" (1934) y "Orfeo" (1948) también marcan la preocupación de Stravinski, durante este período, no solo de volver a la música clásica sino también a los temas clásicos, concretamente, la mitología griega.


title: Ígor Stravinski

text: El pináculo de este período es la ópera "The Rake's Progress", completada en 1951. Esta ópera, escrita por W. H. Auden y basada en las pinturas y grabados de William Hogarth, encapsula todo lo que Stravinski había perfeccionado en los 30 años anteriores a su período neoclásico. La música es directa pero rara; pide prestado de la armonía tonal clásica pero también interpone disonancias sorprendentes; ofrece las células y los motivos rítmicos desplazados de la marca de fábrica de Stravinski; y recuerda a las óperas y temas de Monteverdi, Gluck y Mozart.


title: Ígor Stravinski

text: Después de la realización de esta ópera, Stravinski no escribió nunca más otro trabajo neoclásico, comenzando a escribir la música que vendría a definir su cambio estilístico final.


title: Ígor Stravinski

text: Solo después de la muerte de Arnold Schoenberg, el inventor del dodecafonismo, en 1951, Stravinski empieza a utilizar esta técnica en sus propios trabajos. Sin duda, Stravinski se ayudó en su comprensión, e incluso su conversión, al método de los doce tonos en su confidente y ayudante Robert Craft, quién había estado defendiendo este método musical. De esta forma, los siguientes quince años fueron empleados en escribir trabajos en este estilo.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski empezó a impregnarse de la técnica dodecafónica en los primeros trabajos vocales más pequeños como "Cantata" (1952), "Tres canciones de Shakespeare" (1953) e "In Memoriam Dylan Thomas" (1954), como si estuviera probando el método. Él posteriormente empezó expandiendo el uso de la técnica en obras a menudo basadas en textos bíblicos como "Canticum sacrum" y "Threni" (1958), "A Sermon, a Narrative and a Prayer" (1961), y "El diluvio" (1962). Además durante esta etapa sobresalen títulos como "Movimientos para piano y orquesta" (1959), "Monumentum pro Gesualdo" y "Requiem canticles" (1966), aunque ninguno de estos ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes.


title: Ígor Stravinski

text: Un trabajo importante de transición de este período en las obras de Stravinski, es su retorno al ballet: "Agon", un trabajo para doce bailarines escrito entre 1954 y 1957. Algunos números de "Agon" recuerdan la tonalidad de la «nota-blanca» del período neoclásico, mientras otros (el "Bransle Gay", por ejemplo) el despliegue de su reinterpretación única del método serial. El ballet es así una clase de enciclopedia en miniatura de Stravinski, conteniendo muchas de las firmas que pueden ser halladas a lo largo de sus composiciones, primitivismo, neoclasicismo, o serialismo: peculiaridad rítmica y experimentación, ingeniosidad armónica, y un oído ágil para la orquestación impetuosa y autoritaria. De hecho, estas características son lo que hace que las producciones de Stravinski sean tan únicas cuando se comparan con las obras de compositores seriales contemporáneos.


title: Ígor Stravinski

text: El trabajo de Stravinski abrazó múltiples estilos compositivos, revolucionando la orquestación y abarcando varios géneros; prácticamente reinventó el ballet en su forma, incorporando múltiples culturas, idiomas y literaturas. Como consecuencia, su influencia en otros compositores fue considerable durante su vida y sigue siéndolo después de su muerte.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski comenzó a repensar el uso del motivo musical y el ostinato ya en el ballet "El pájaro de fuego", pero el uso de estos elementos alcanzó su cenit en "La consagración de la primavera".


title: Ígor Stravinski

text: Los motivos, que se desarrollan en una frase musical distintiva que es seguidamente alterada y desarrollada a lo largo de una pieza musical, tienen sus orígenes en la sonata de la época clásica. El primer gran innovador en este método fue Beethoven; el motivo rítmico famoso que abre la "Quinta sinfonía" reaparece sorpresivamente a lo largo de la obra, siendo las permutaciones refrescantes un ejemplo típico. Sin embargo, el uso de Stravinski en el desarrollo de los motivos era único sobre todo por la manera que tenía de permutarlos. En "La consagración de la primavera" introduce permutaciones aditivas, es decir, quita o agrega una nota a un motivo sin tener en cuenta los cambios en la métrica.


title: Ígor Stravinski

text: Este ballet también es notable por el uso implacable de los "ostinati". El pasaje más famoso, mencionado anteriormente, es el "ostinato" rítmico de las cuerdas, con acordes acentuados ocasional e irregularmente por ocho trompas, que aparecen en "Augurios primaverales (danzas de las adolescentes)", segundo número de la primera parte, "Adoración de la Tierra", del ballet. Este es quizás el primer caso en la música del "ostinato" extendido que no se usa ni para la variación ni para el acompañamiento de la melodía. En otros diversos momentos de la obra de Stravinski este emplea varios "ostinati" sin tener en cuenta la armonía o el tempo de la obra, creando un pastiche, una clase de equivalente musical al cubismo en la pintura. Estos pasajes no solo son notables por su calidad-pastiche sino también por su longitud: Stravinski los trata como un todo, como secciones musicales completas.


title: Ígor Stravinski

text: Tales técnicas figuraron durante varias décadas en obras minimalistas de compositores como Terry Riley y Steve Reich.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski no fue el primer practicante del estilo neoclásico; de hecho el compositor alemán Richard Strauss podría ser el primero y más grande ejemplo (compuso la mozartiana "El caballero de la rosa" en 1910, cuando Stravinski aún estaba empezando las obras de su período ruso). También Maurice Ravel compuso entre 1914 y 1919 su obra "Tombeau du Couperin", una de las primeras y más importantes obras de este estilo. Otros, como Max Reger, estaban componiendo a la manera de Bach mucho antes que Stravinski, pero ciertamente este último fue un músico neoclásico inteligente. El estilo neoclásico se adoptaría después por compositores tan diversos como Darius Milhaud y Aaron Copland. Serguéi Prokófiev una vez reprendió a Stravinski por sus amaneramientos neoclásicos, aunque simpáticamente, ya que Prokófiev había utilizado música similar para su "Sinfonía n.º 1" de 1916-17.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski anunció su nuevo estilo en 1923 con su delicada obra para vientos "Octeto". Las armonías claras, recordando la era de la música clásica de Mozart y barroca de Bach, y las combinaciones más simples de ritmo y melodía eran una contestación directa a las complejidades de la Segunda Escuela de Viena. Stravinski puede haber sido precedido en estos temas por compositores más tempranos como Erik Satie, pero no existe ninguna duda de que cuando Copland estaba componiendo su ballet "Appalachian Spring" estaba tomando a Stravinski como modelo.


title: Ígor Stravinski

text: Ciertamente de forma tardía, entre 1920 y 1930, el neoclasicismo fue aceptado como género moderno prevaleciendo entre los círculos musicales alrededor del mundo. Irónicamente, fue el propio Stravinski quién anunció la muerte del neoclasicismo al menos en su propio trabajo, y tal vez para el mundo, con la realización de su ópera "The Rake's Progress" en 1951. Una suerte de declaración última para el estilo, la ópera fue ampliamente ridiculizada por parecer en demasía una vuelta atrás incluso por aquellos que habían alabado el nuevo estilo solo tres décadas antes.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski mostró un gusto amplio por la literatura que reflejaba su deseo constante por nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias de su obra comenzaron por el interés del período del folklore ruso, siguiendo por los autores clásicos y la liturgia latina, pasando por la Francia contemporánea (André Gide, en "Perséphone") y finalmente por la literatura inglesa, incluyendo Wystan Hugh Auden, T. S. Eliot y el verso medieval inglés. También tuvo un deseo inagotable de explorar y aprender sobre el arte, que se manifestó en varias de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal de Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev, sino que también colaboró con Picasso ("Pulcinella", 1920), Jean Cocteau ("Edipo rey", 1927) y George Balanchine ("Apollo", 1928). Su interés por el arte lo impulsó a desarrollar una fuerte relación con Picasso, a quien conoció en 1917, anunciando que en «un torbellino de entusiasmo artístico y emocional, por fin conocí a Picasso». De 1917 a 1920, ambos participaron en un diálogo artístico por el que intercambiaron pequeñas obras de arte entre sí como un signo de intimidad, incluido el famoso retrato de Stravinski de Picasso y el "Boceto de música para clarinete" de Stravinski. Acercaron su espacio colaborativo en "Pulcinella".


title: Ígor Stravinski

text: Según Robert Craft, Stravinski fue un monárquico convencido a lo largo de su vida y odió a los bolcheviques desde el principio. En 1930, comentó: «No creo que nadie venere a Mussolini más que yo […] Conozco a muchos personajes exaltados, y la mente de mi artista no se reduce a cuestiones políticas y sociales. Muchos hombres, más o menos representativos, tienen un impulso abrumador de rendir homenaje al Duce. Él es el salvador de Italia y —esperemos— que de Europa». Más tarde, después de una audiencia privada con Mussolini, añadió: «A menos que mis oídos me engañen, la voz de Roma es la voz de Duce. Le dije que me sentía fascista […] A pesar de estar muy ocupado, Mussolini me hizo el gran honor de conversar conmigo durante tres cuartos de hora, hablamos de música, arte y política». «Cuando los nazis colocaron las obras de Stravinski en la lista de "Entartete Musik", presentó un llamamiento formal para establecer su genealogía rusa y declaró: "Detesto todo el comunismo, el marxismo, el execrable monstruo soviético, y también todo el liberalismo, la democratización, el ateísmo, etc."». Hacia el final de su vida, en 1962, a instancias de Craft, Stravinski hizo una visita de regreso a su país natal y compuso una cantata en hebreo, viajando a Israel para su actuación.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski demostró ser experto en interpretar el papel de un hombre de mundo, adquiriendo un instinto agudo para asuntos de negocios, y aparentemente relajado y cómodo en público. Su exitosa carrera como pianista y director de orquesta lo llevó a muchas de las principales ciudades del mundo, incluyendo París, Venecia, Berlín, Londres, Ámsterdam y Nueva York y fue conocido por su manera cortés, amable y servicial. Stravinski era reputado por haber sido promiscuo y se rumoreó por haber tenido aventuras con personas de alto estatus social, tales como Coco Chanel. Él nunca se refirió a sí mismo, pero Chanel habló extensamente sobre el supuesto caso a su biógrafo Paul Morand en 1946; la conversación fue publicada treinta años más tarde. La exactitud de las afirmaciones de Chanel ha sido cuestionada tanto por la viuda de Stravinski, Vera, como por Craft. La casa de moda Chanel, afirma que no hay evidencias de que haya habido ninguna aventura entre Chanel y Stravinski. Una ficción del supuesto asunto formó la base de la novela "Coco e Ígor" (2002), y una película, "Coco Chanel & Igor Stravinsky" (2009). A pesar de estas presuntas relaciones amorosas, Stravinski fue considerado un hombre de familia y dedicado a sus niños.


title: Ígor Stravinski

text: Stravinski fue un miembro devoto de la Iglesia Ortodoxa Rusa durante la mayor parte de su vida, diciendo una vez que: «La música alaba a Dios. La música es mejor o es más capaz de alabarle que el edificio de la iglesia y toda su decoración; es el ornamento más grande de la Iglesia».


title: Ígor Stravinski

text: Aunque Stravinski no hablaba abiertamente sobre su fe, fue un hombre profundamente religioso durante algunos períodos de su vida. Cuando era niño, fue criado por sus padres bajo la Iglesia Ortodoxa Rusa. Fue bautizado al nacer, y luego se rebeló en contra de la iglesia y la abandonó al llegar a la edad de 14 o 15 años. Durante el surgimiento de su carrera, se separó del [cristianismo] y no fue sino hasta llegar a sus 40 años que experimentó una crisis espiritual. Luego de hacerse amigo de un sacerdote ortodoxo ruso, el padre Nicolás, después de mudarse a Niza en 1924, se conectó nuevamente con su fe. Se unió nuevamente a la Iglesia Ortodoxa Rusa y permaneció comprometido con su fe cristiana. Robert Craft señalaba que Stravinski solía rezar a diario antes y después de componer, y también cuando encontraba dificultades. Cuando su vida se acercaba ya a su final, no le era posible asistir a la iglesia. Cuando tenía más de 70 años, Stravinski dijo:


title: Ígor Stravinski

text: Si la intención declarada de Stravinski era «enviarlos a todos al infierno», entonces puede declararse el estreno de "La consagración de la primavera" como un éxito para el artista: era una provocación a la música clásicorromántica y Stravinski se refirió a él en varias ocasiones en su autobiografía como un escándalo. Hay informes de puñetazos en la audiencia y la necesidad de presencia policial durante el segundo acto. La verdadera magnitud del tumulto está abierto a debate y los informes pueden ser apócrifos. En 1923, Erik Satie escribió un artículo sobre Ígor Stravinski en "Vanity Fair". Ese mismo año, Stravinski fue nombrado por la revista "Time" como una de las cien personas más influyentes. Además del reconocimiento que recibió por sus composiciones, alcanzó fama como pianista y director de orquesta, a menudo, en los estrenos de sus obras.


title: Ígor Stravinski

text: Satie había conocido a Stravinski por primera vez en 1910. En el artículo publicado, Satie argumentó que medir la «grandeza» de un artista comparándolo con otros artistas, es como si hablara de la «verdad», es ilusorio y cada pieza de música debe ser juzgada por sus propios méritos y no comparándola con las normas de otros compositores. Eso fue exactamente lo que hizo Jean Cocteau cuando criticó de manera lamentable a Stravinski en su libro de 1918, Le Coq et l'Arlequin.


title: Ígor Stravinski

text: En 1935, el compositor estadounidense Marc Blitzstein comparó a Stravinski con Jacopo Peri y Bach, admitiendo que «no se puede negar la grandeza de Stravinski, sino que no es lo suficientemente grande». La posición marxista de Blitzstein era lograr que Stravinski se «divorciara de la música de otras corrientes de la vida», que es «sintomático de una huida de la realidad», resultó una «pérdida de resistencia», nombrando específicamente "Apolo Musageta", "Capriccio para piano y orquesta" y "Le Baiser de la fée".


title: Ígor Stravinski

text: El compositor Constant Lambert describió piezas como "Historia del soldado" diciendo que contiene una «abstracción fundamentalmente insensible». Lambert seguía: «los fragmentos melódicos de "Historia del soldado" son completamente insignificantes. Son meras sucesiones de notas que pueden dividirse cómodamente en grupos de tres, cinco y siete, y se oponen a otros grupos matemáticos» y describió la cadencia para los tambores solistas como una «pureza musical […] alcanzada por una especie de castración musical».


title: Ígor Stravinski

text: En el libro "Filosofía de la nueva música" en 1949, Theodor Adorno describió a Stravinski como un acróbata y habló de rasgos de esquizofrenia desorganizada y psicótica en varias de las obras de Stravinski. Contrariamente a un concepto erróneo común, Adorno no creía que las imitaciones de esquizofrenia desorganizada y psicótica que la música debía contener fueran su principal defecto, como señaló en una nota final que añadió posteriormente a su libro. La crítica de Adorno a Stravinski se refiere más a la «transición al optimismo» que Adorno encontró en sus obras neoclásicas. Parte del error del compositor, en opinión de Adorno, fue su neoclasicismo, pero de mayor importancia fue la «falsa adaptación (pseudomorfismo) de la pintura» en su música, interpretando el espacio de tiempo en lugar de la duración del tiempo, de Henri Bergson. Según Adorno, «una baza caracteriza todos los esfuerzos formales de Stravinski: el ahínco de su música para retratar el tiempo como en un cuadro de circo, y para presentar tiempos complejos como si fueran espaciales». Este truco, sin embargo, pronto se agota. Que los «procedimientos rítmicos se parecen mucho al esquema de las condiciones catatónicas. La seguridad esquizofrénica, el proceso por el cual el aparato motor se independiza lleva a la repetición infinita de gestos o palabras, siguiendo la decadencia del ego».


title: Ígor Stravinski

text: La reputación de Stravinski en Rusia y la URSS, subió y bajó. La interpretación de su música estuvo prohibida aproximadamente desde el año 1933 hasta 1962, año en que Nikita Jrushchov lo invitó a una visita oficial de estado en la URSS. En 1972, la ministra soviética de Cultura, Ekaterina Fúrtseva, hizo una declaración oficial, ordenando a los músicos soviéticos «estudiar y admirar» la música de Stravinski y ella hizo una ofensiva desfavorable hacia ésta.


title: Miguel Servet

text: Miguel Servet, llamado también Miguel de Villanueva, "Michel de Villeneuve" o, en latín, "Michael Servetus", cuyo nombre auténtico era Miguel Serveto y Conesa, alias «Revés» (Villanueva de Sigena, Aragón c. 29 de septiembre de 1509 o 1511-Ginebra, 27 de octubre de 1553), fue un teólogo y científico español.


title: Miguel Servet

text: Sus intereses abarcaron muchas ciencias: astronomía, meteorología, geografía, jurisprudencia, teología, física, el estudio de la Biblia, matemáticas, anatomía y medicina. Gran parte de su fama y reconocimiento posterior es debido a su trabajo sobre la circulación pulmonar descrita en su obra "Christianismi Restitutio".


title: Miguel Servet

text: Participó en la Reforma Protestante y desarrolló una cristología contraria a la Trinidad. Repudiado tanto por los católicos como por los protestantes, fue arrestado en Ginebra, sometido a juicio y condenado a morir en la hoguera por orden del Consejo de la ciudad y las iglesias Reformadas de los cantones, cuando en ella predominaba la influencia de Juan Calvino.


title: Miguel Servet

text: Actualmente la mayoría de las biografías de Servet sitúan su lugar de nacimiento en Villanueva de Sigena, aunque algún investigador mantiene la opinión de que nació en Tudela, Navarra. Para ello se basa en documentos en los que Servet se atribuía un origen navarro, mientras vivía en Francia bajo la falsa identidad de "Michel de Villeneuve". Sin embargo, según los partidarios de la hipótesis aragonesa, este nombre ficticio haría alusión a su auténtica localidad natal, Villanueva de Sigena, donde se conserva la casa familiar, hoy convertida en centro de interpretación.


title: Miguel Servet

text: Fue hijo de Antón Serveto, noble infanzón y notario del Monasterio de Sigena, y Catalina Conesa, que por línea materna descendía de la familia judeoconversa de los Zaporta. Tenía dos hermanos menores: Pedro, quien continuó con la notaría paterna, y Juan, que fue ordenado sacerdote.


title: Miguel Servet

text: La familia Serveto utilizaba un apodo, "Revés", aparente anagrama de su apellido cuyo origen podría deberse a que un miembro de una familia de Villanueva, probablemente antigua y distinguida, de apellido Revés emparentase con los Serveto, conservándose así ambos nombres en posteriores generaciones.


title: Miguel Servet

text: Joven con dotes sobresalientes para las letras y gran conocedor del latín, griego y hebreo, Miguel abandonó su población de origen para ampliar estudios, quizá en el castillo de Montearagón. Es aceptado como pupilo por fray Juan de Quintana, quien llegaría a ser confesor de Carlos I. Tras una estancia para realizar estudios de Derecho en Toulouse (Francia), donde entra por primera vez en contacto con círculos próximos a la Reforma, viaja con Quintana por Italia y Alemania como parte del séquito imperial y presencia la coronación de Carlos V como emperador en Bolonia (1530).


title: Miguel Servet

text: Posteriormente abandona a su mentor e inicia un periplo por varias ciudades de Centroeuropa afines al naciente protestantismo. Establece una relación cada vez más difícil y polémica con algunos líderes reformadores, como Ecolampadio de Basilea, y se dirige más tarde a Estrasburgo, donde se relaciona con Bucer, y a Hagenau (ciudad alsaciana entonces perteneciente al Sacro Imperio Romano Germánico).


title: Miguel Servet

text: En 1531 publicó "De Trinitatis Erroribus" ("De los errores acerca de la Trinidad"), que produjo gran escándalo entre los reformadores alemanes. Tampoco caló bien en su patria, ya que Servet tuvo la osadía de enviar una copia al obispo de Zaragoza, quien no tardó en solicitar la intervención de la Inquisición. El año siguiente publicó "Dialogorum de Trinitate" (Diálogos sobre la Trinidad), acompañado de una obra suplementaria, "De Iustitia Regni Christi" (Sobre la Justicia del Reino de Dios). Otro opúsculo atribuido a Servet, aunque de datación imprecisa, es "Declarationis Iesu Christi Filii Dei" (Declaración de Jesucristo Hijo de Dios), también conocido como «Manuscrito de Stuttgart».


title: Miguel Servet

text: En esta obra, dividida en siete libros o capítulos, Servet argumenta que el dogma de la Trinidad carece de base bíblica, ya que no se halla en las Escrituras, sino que es fruto posterior de elucubraciones de «filósofos». Basándose en abundantes citas de la Biblia, Servet concluye que Jesús es hombre en tanto que nacido de mujer, por más que su nacimiento fuese milagroso. A su vez, Jesús es también hijo de Dios, en tanto que su nacimiento es el fruto de la fecundación de la Virgen María por el Logos divino.


title: Miguel Servet

text: Niega así Servet, por tanto, que el Hijo sea eterno, ya que fue engendrado como tal en la encarnación, aunque es divino por gracia de Dios, su Padre. Tampoco es, pues, una Persona de la Trinidad, cuya existencia niega vehementemente definiéndola como «tres fantasmas» o «Perro Cerbero de tres cabezas». Asimismo califica a los que creen en tal doctrina como «ateos, es decir, "sin Dios"» y «triteístas». A su vez, el Espíritu Santo no sería una tercera Persona trinitaria, sino la fuerza o manifestación del espíritu de Dios tal como actúa en el mundo a través de los hombres.


title: Miguel Servet

text: Obra de tamaño y ambición inferiores a "Errores...", "Diálogos" está estructurada en dos libros como una conversación ficticia entre dos personajes: Miguel (el propio autor) y un tal Petrucho. Según Servet, la escribe para despejar las dudas e inquietudes sembradas por su obra anterior, que a su juicio se deben «a mi propia impericia y a la negligencia del tipógrafo». A diferencia de lo afirmado en "Errores...", Servet dice que Jesús no es solo divino por gracia, sino también por naturaleza, aunque aclara que solo en tanto que participa de la sustancia divina de su Padre.


title: Miguel Servet

text: A su vez, en el opúsculo "De la Justicia del Reino de Dios" incluido al final, explica entre otras cosas la complementariedad entre fe y caridad, pues, aunque la justificación del creyente es solo por la fe, la caridad y las buenas obras son encomiables y complacen a Dios, aspecto en el que se diferencia claramente de Lutero y otros reformadores protestantes. Al final se encuentra uno de los textos por los que Servet es considerado como adalid de la tolerancia y la libertad de conciencia, ya que afirma que


title: Miguel Servet

text: Miguel Servet se dirigió a Lyon. Había estado brevemente en París, donde un encuentro previsto, pero finalmente no efectuado, con Calvino se transformó en el inicio de una relación epistolar entre ambos. Servet llegó a Lyon con una nueva identidad, "Michel de Villeneuve", supuestamente originario de Tudela de Navarra, para evitar las persecuciones de la Inquisición. Estuvo empleado en una imprenta, primero como corrector de pruebas. En 1535 le encargaron la publicación y anotación de la "Geografía" de Claudio Ptolomeo, lo que llevó a cabo dando pruebas de su gran erudición. En Lyon fue la etapa más feliz de su vida. Conoció al médico Symphorien Champier, quien le animó a estudiar medicina y acabó yéndose a París. Por entonces publicó sobre Medicina un tratado contra el médico alemán Leonhardt Fuchs (Lyon, 1536), en la que también atacaba a otros médicos antiarabistas, y poco después un tratado sobre el uso de los jarabes (París, 1537). En el primero rebate la doctrina luterana de que la salvación se obtenga solo por la fe sin obras, que la escamonea de los griegos era la misma que la de los árabes, y que la sífilis no era la afección llamada "lichen" o "impetigo" por los antiguos.


title: Miguel Servet

text: En 1537 se matriculó en la Universidad de París para estudiar medicina. Allí estudió junto a los grandes médicos de la época, enseñando matemáticas y medicina en la Universidad. Sin embargo, pronto se encontró en dificultades, puesto que dictó un curso de astrología, en el que defendió la influencia de las estrellas en los eventos futuros (astrología judiciaria), lo cual, junto con un opúsculo en el que describió el uso de jarabes para administrar los remedios de la época, le enfrentó con la comunidad universitaria.


title: Miguel Servet

text: Dejó de nuevo París y residió en diversas localidades de Francia, hasta que en Lyon se encontró con el arzobispo de Vienne del Delfinado, Pedro Palmier, al que había conocido previamente en París. De esta forma entró a su servicio como médico personal en 1541.


title: Miguel Servet

text: En Vienne de Isère, Servet se dedica a proseguir sus estudios y publicaciones y prepara en secreto la que será su obra cumbre. Prosigue su correspondencia con Calvino, a quien envía una primera versión de su libro, "Christianismi Restitutio" ("Restitución del Cristianismo"), de carácter fundamentalmente teológico, en espera de sus comentarios (1546). "En ella demostraba, sobre la base de las Escrituras, que Cristo era solamente humano". El concepto de cristianismo ahí expuesto es cercano al panteísmo. "Cristo está en todas las cosas. El mundo está lleno con él." Se mostraba también contrario al bautismo de los niños, puesto que el bautismo debe ser un acto maduro y consciente de discipulado cristiano, lo que le acerca a las posiciones anabaptistas. Sobre la edad adecuada para recibir el bautismo, sugirió seguir el ejemplo de Jesús: «Jesucristo fue él mismo bautizado cerca de los treinta años».


title: Miguel Servet

text: Curiosamente el libro pasaría a la posteridad por contener en su «Libro V» la primera exposición en el Occidente cristiano de la función de la circulación pulmonar o menor: según Servet, la sangre es transmitida por la arteria pulmonar a la vena pulmonar por un paso prolongado a través de los pulmones, en cuyo curso se torna de color rojo y se libera «de los vapores fuliginosos por el acto de la espiración». Servet sostenía que el alma era una emanación de la Divinidad y que tenía como sede a la sangre. Gracias a la sangre, el alma podía estar diseminada por todo el cuerpo, pudiendo asumir así el hombre su condición divina. Por tanto, los descubrimientos relativos a la circulación de la sangre tenían un impulso más religioso que científico. De ahí que la descripción de la circulación pulmonar esté dentro de una obra de teología y no de una de fisiología. Para Servet no había diferencia entre ambos ámbitos, dado que todo obedecía a un mismo gran designio divino.


title: Miguel Servet

text: En respuesta, Calvino le conmina a leer su propio libro "Institutio religionis Christianae" ("Institución de la Religión Cristiana"), publicado en 1536. Servet leyó el libro de Calvino e hizo anotaciones muy críticas en los márgenes del libro, devolviéndole la copia corregida, lo que desagradó enormemente al reformador, quien avisó que si Servet ponía los pies en Ginebra «no saldría vivo de ella».


title: Miguel Servet

text: Finalmente, "Christianismi Restitutio" es publicado anónimamente a principios de 1553, de nuevo con gran escándalo. Un calvinista de Ginebra escribe a un amigo católico revelándole que el autor del libro es el hereje Miguel Servet, oculto bajo la falsa identidad de "Villeneuve". Se sospecha que detrás de esta denuncia podría estar el propio Calvino, quien había tenido acceso al texto gracias al mismo Servet. La Inquisición de Lyon recibe parte de la correspondencia intercambiada entre ellos, tras lo cual Servet es detenido, interrogado y encarcelado en Vienne. El 7 de abril, sin embargo, logra evadirse y el 17 de junio es sentenciado a muerte "in absentia", siendo quemado en efigie.


title: Miguel Servet

text: Servet, probablemente de camino hacia Italia, hizo escala en Ginebra, donde fue reconocido en la iglesia donde predicaba el propio Calvino (13 de agosto). La ciudad se regía por los principios de la Reforma tal como Calvino los había definido en sus "Ordenanzas eclesiásticas", basadas en su obra magna, "Institución de la religión cristiana". Servet fue detenido y juzgado por herejía por su negación de la Trinidad y por su defensa del bautismo a la edad adulta.


title: Miguel Servet

text: Servet sufrió grandes penalidades durante su cautiverio, como atestigua su carta al Consejo de Ginebra de 15 de septiembre de 1553. Durante el juicio, sostuvo diversos debates de carácter teológico. El 22 de septiembre, Servet escribe una última alegación en la que culpa a Calvino de hacer acusaciones falsas de herejía contra él y solicita que también sea detenido e interrogado como él, y concluye: «Estaré contento de morir si no le convenzo tanto de esto como de otras cosas de que le acuso más abajo. Os pido Justicia, Señores, Justicia, Justicia, Justicia». Finalizado el proceso, fueron consultadas las iglesias reformadas de los cantones de Zúrich, Schaffhausen, Berna y Basilea, tras lo cual el acusado fue condenado y sentenciado a morir en la hoguera el 27 de octubre de 1553. En una carta fechada el día anterior, Calvino comentaba a Farel que Servet iba a ser condenado sin discusión y conducido al suplicio, y aseguraba que él había intentado cambiar la forma de su ejecución, aunque inútilmente.


title: Miguel Servet

text: Independientemente de la importancia de sus descubrimientos fisiológicos o de su labor como polemista religioso, los sucesos que acarrearon el juicio y muerte de Miguel Servet se han considerado como punto de arranque de la discusión que condujo al reconocimiento de la libertad de pensamiento y de expresión de las ideas. Asimismo, las iglesias unitarias, surgidas de los movimientos antitrinitarios del y posteriores, consideran a Servet su pionero y primer mártir.


title: Miguel Servet

text: La ejecución de Servet escandalizó a muchos pensadores de toda Europa, principalmente en el ámbito protestante, que se oponían a que se matara a las personas por razones de fe. El anabaptista David Joris escribió, por ejemplo, que "la verdadera iglesia no es la que persigue, sino la perseguida"; fallecido en 1556, tres años después se descubrió su teología anabaptista y su defensa secreta de Servet (usaba pseudónimo), por lo que su cuerpo fue exhumado y quemado en Basilea por los protestantes. Destaca particularmente la defensa de Servet que realizó Sebastián Castellion: «Matar a un hombre no es defender una doctrina, es matar a un hombre. Cuando los ginebrinos ejecutaron a Servet, no defendieron una doctrina, mataron a un hombre». Por otro lado, desde mediados del y principios del , Servet comenzó a ser reivindicado por partidarios del librepensamiento, que veían en su ejecución una prueba de los peligros que conlleva el fanatismo religioso, aunque a menudo como resultado de un análisis superficial y sin tener en cuenta la obra y conceptos teológicos del propio Servet.


title: Miguel Servet

text: Marian Hillar, estudioso polaco-estadounidense de la obra de Servet, hizo la siguiente evaluación sobre el impacto perdurable que tuvo la ejecución del erudito español: «Fue el punto de inflexión en la ideología y mentalidad dominantes desde el . [...] Históricamente hablando, con la muerte de Servet, la libertad de conciencia acabó convirtiéndose en un derecho civil en la sociedad moderna».


title: SoFi Stadium

text: El SoFi Stadium es un estadio multiproposito ubicado en Inglewood (área metropolitana de Los Ángeles), California, Estados Unidos. Fue inaugurado el 13 de septiembre de 2020 con un partido de la National Football League (NFL) entre Los Angeles Rams y Dallas Cowboys. El estadio es la sede de los equipos Los Angeles Rams y Los Angeles Chargers.


title: SoFi Stadium

text: Se ubica en los terrenos de los desaparecidos Hipódromoy Casino de Hollywood Park;así como adyacente a unos 200 metros de The Forum y aproximadamente a 5 km del Aeropuerto Internacional de Los Ángeles (LAX).


title: SoFi Stadium

text: El estadio fue diseñado por HKS y tuvo un coste inicial de US$ 2660 millones de dólares, aunque incluyendo el desarrollo el coste total fue de cerca de cinco mil millones. La ceremonia de apertura de construcción se llevó a cabo el día diecisiete de noviembre del 2016. El estadio tiene cupo para 70 000 personas, con aforo ampliable a 100 000 asientos para mega eventos. El estadio y la ciudad de Los Ángeles fueron elegidos por la NFL para ser anfitriones de Super Bowl en febrero de 2022. Los Ángeles será anfitriona de los Juegos Olímpicos de 2028 y el estadio será lugar de la ceremonia de apertura. El inmueble será parte de los 16 estadios (11 en Estados Unidos, 3 en México y 2 en Canadá) que organizara la Copa Mundial de Fútbol de 2026 en donde organizara el final de dicho torneo, pero la FIFA solicitó a Sofi Stadium en elevar el terreno original de 91x43 metros a 105x68 metros para instalar el campo del fútbol.


title: SoFi Stadium

text: El estadio iba a ser la sede para WrestleMania 37 el 28 de marzo de 2021. Esto fue anunciado por la WWE el 10 de febrero de 2020, sin embargo, la sede fue cambiada al Raymond James Stadium, en Tampa, Florida. y con los anuncios dados por la WWE para las futuras sedes de Wrestlemania, será la sede para WrestleMania 39, el evento máximo de la WWE, el 1 y 2 de abril del 2023.


title: SoFi Stadium

text: Originalmente la inauguración del SoFi Stadium iba a tener lugar el 25 de julio de 2020 con un concierto de Taylor Swift, pero la pandemia de COVID-19 provocó la cancelación del evento. Finalmente la ceremonia de apertura se produjo el 8 de septiembre de ese mismo año. Los Rams debutaron en su nueva casa cinco días después venciendo a los Dallas Cowboys por 20-17 en un "Sunday Night Football", mientras que los Chargers hicieron lo propio el 20 de septiembre cayendo ante los Kansas City Chiefs por 20-23.


title: Flauta

text: Se denomina flauta a un tipo de instrumento musical de viento. Por la sencillez de su construcción, puede que sea uno de los instrumentos más antiguos, pues con diversas formas se encuentra en todas las culturas.


title: Flauta

text: Consta de un tubo, generalmente de madera o metal (pero también de hueso, marfil, cristal, porcelana, plásticos o resinas, etc.), con una serie de orificios y una boquilla, en el borde (bisel) del cual se produce el sonido: El aire puede llegar directamente de los labios del ejecutante (como en la flauta traversa, el bansuri de la India o el shakuhachi japonés), o introduciéndose antes en un canal enfocado al bisel (como en la flauta dulce). En algunas culturas también existen flautas que se tocan a través de la nariz.


title: Flauta

text: Abriendo o cerrando los orificios del cuerpo (tubo) del instrumento, se cambia la longitud del aire vibrante dentro del tubo, definiendo así la altura del sonido. Los orificios se tapan en algunos casos directamente con la yema de los dedos, en otras con llaves. En su sentido más elemental, para producir una escala ascendente se descubren secuencialmente los agujeros del instrumento, desde el más alejado de la boquilla (o elemento productor del sonido) hasta el más cercano; para obtener sonidos de octavas superiores, pueden utilizarse armónicos, en algunos casos con la ayuda de digitaciones cruzadas (en estas la organización de los dedos de tapar/destapar agujeros puede parecer estar dispuesta de manera arbitraria).


title: Flauta

text: Hay varias hipótesis de donde proviene el nombre de la flauta. Una de ellas lo hace derivar del latín "flatulare", de "flatus", que significa soplar, inflar. De esta habría podido derivar "aflautar" y su metátesis "flaütar". De este modo, el sustantivo flauta sería un derivado del verbo aflautar y habría sido difundido por la poesía de los trovadores, desde la lengua de oc al resto de lenguas románicas. Pero también hay las formas occitanas flauja, flajol y flaujar que tienen unos parecidos con el francés flageolet, con el catalán flabiol, ... que no pueden ser consideradas como casuales y que quizás nos hablan de un cruzamiento entre el latín tardío "flatare" y el occitano "flaujar". El mismo Joan Coromines documenta la forma "flaüta" en 1328 y la forma "flahuta" en 1378.


title: Flauta

text: De acuerdo con la clasificación de Hornbostel-Sachs, las flautas se sitúan dentro del apartado de los "instrumentos de viento propiamente dichos" que corresponden a la clasificación numérica 421. Dentro de esta se subdividen según los criterios siguientes:


title: Flauta

text: La mayoría de estas características se cruzan entre ellas de maneras muy diversas en instrumentos propios de culturas también varias provenientes de los cinco continentes.


title: Flauta

text: Los tipos más difundidos de flautas en nuestra cultura son la denominada flauta travesera y la flauta de pico o flauta dulce.


title: Flauta

text: A pesar de que los silbatos también producen el sonido por medio de un bisel y que tipológicamente pueden ser considerados como flautas, el cierto es que, normalmente, cuando se se refiere a la flauta es para aplicarlo a instrumentos que tienen unas posibilidades más grandes para articular sueños varios que no aquellos.


title: Flauta

text: La producción de los sonidos, como en cualquier instrumento de viento con un tubo resonador, viene determinada por las llamadas "leyes de [Johann] Bernouilli" según las cuales la frecuencia (y, consiguientemente, la altura) del sonido producido es inversamente proporcional a la longitud del tubo que vibra, y directamente proporcional a la velocidad que tiene el fluido (el aire en este caso) que hay dentro del tubo. Por otro lado, los tubos abiertos pueden producir el tono fundamental y todos sus armónicos, mientras que los cercados sólo producen el fundamental y los armónicos impares. Finalmente, y cómo se ha dicho, dos tubos de la misma longitud, en los cuales el aire vibra con la misma velocidad, pero de forma que la uno sea abierto y el otro cercado, el sonido fundamental que produce el tubo cerrado tiene una frecuencia que es la mitad que el otro, es decir, que suena una octava inferior.


title: Flauta

text: Finalmente, hay que añadir que los tubos que tienen un diámetro especialmente pequeño en relación con su longitud facilitan mucho la producción de armónicos (y acontece difícil producir el sonido fundamental).


title: Flauta

text: De acuerdo con esto, la producción de sueños de alturas diferentes en una flauta se puede hacer de maneras muy diversas:


title: Flauta

text: La flauta es el instrumento más antiguo que se conoce y, posiblemente, el más antiguo descubierto hasta ahora es la flauta de Divje Babe, una flauta de hueso encontrada en el parque arqueológico Divje Babe, ubicado cerca de Cerkno en el noroeste de Eslovenia.


title: Flauta

text: En el antiguo imperio chino existían algunos tipos de flautas: las flautas de Pau ("si-siao"), las flautas de bambú con orificios ("siau") y unas flautas traveseras ("chou").


title: Flauta

text: En las civilizaciones occidentales antiguas (por ejemplo, Egipto, Israel, Grecia, Roma) ya existían unas flautas más evolucionadas: en Egipto, una flauta vertical, sin boquilla y con agujeros, que persiste actualmente, con el nombre de "nay" o "uffata".


title: Flauta

text: En Israel se usaban algunos instrumentos de la familia de las flautas, como el "ougob" (citado en la Biblia), una flauta simple ("ugabo tedil") y el cuerno de carnero ("schofar").


title: Flauta

text: En el Imperio romano se seguía utilizando el "aulos", pero también se tiene constancia del uso de otras flautas, bastante simples, como algunas que podrían servir de silbatos.


title: Flauta

text: En la Edad Media, la familia de las flautas se expandió, llegando a haber más de 200 tipos diferentes.


title: Flauta

text: Las flautas más comunes eran la flauta traversa (una precursora bastante simple del traverso barroco y de la flauta Boehm actual), el "whistle" [una flauta parecida a la dulce, muy usada en la música celta y la anglosajona, con un sonido sibilante (de hecho, "whistle" significa silbato, silbar)], las flautas de cuerno (básicamente cuernos, pero con agujeros y bisel) y las flautas dulces, las más importantes, con gran protagonismo hasta la llegada, más adelante, de la orquesta, ya que en esta se buscan instrumentos más sonoros.


title: Flauta

text: De las flautas traversas no se conserva ningún ejemplar, pero se supone que eran de madera, con una abertura a modo de embocadura, siete agujeros para los dedos y uno para el pulgar.


title: Flauta

text: Los "whistle" eran unos instrumentos muy similares a las flautas dulces, con seis orificios normalmente (con uno para el pulgar) y hechos de metal, normalmente estaño (no en vano se encuentran también como "tin whistle").


title: Flauta

text: Las flautas dulces eran las más comunes y numerosas (unas 140 según Crane). Había varios tipos: sopranino, soprano, contralto, tenor, bajo y contrabajo, en orden de tesitura descendente. Estaban hechas de diversos materiales, como hueso, madera, caña, cerámica... La estructura más habitual es un tubo de una sola pieza, cilíndrico o ligeramente cónico, con embocadura, ventana (la ranura en la cabeza) siete orificios para los dedos (el último doble) y otro para el pulgar.


title: Flauta

text: Estas son una evolución de unos modelos también medievales, pero más primitivos, con seis orificios y sin el del pulgar. Se supone que estos cambios fueron realizados para mejorar el tono y el rango, pero se cree que esto no se consiguió. Lo que sí se logró fue mejorar el sonido de la octava aguda, suavizándolo).


title: Flauta

text: Actualmente se conservan muy pocos especímenes de flautas dulces medievales enteras, la mayoría de las pocas que hay están fragmentadas. Un dato curioso es que muchas flautas dulces estaban hechas de madera de árboles frutales (boj, ciruelo...).


title: Flauta

text: Los instrumentos considerados flautas dulces están representados en muchas ilustraciones y grabados desde el (por ejemplo en las "Cantigas de Santa María", de Alfonso X, aunque estos no son muy fiables, ya que podrían representar otro tipo de flautas similares, pero se cree que son dulces, ya que seguramente estas pudieron ser reintroducidas en Europa occidental (principalmente Alemania) desde el Imperio Bizantino.


title: Flauta

text: Actualmente hay dos flautas descubiertas con un valor organográfico incalculable: la flauta de Dordrecht, encontrada en la localidad homónima (Holanda), flauta dulce soprano con un diapasón muy alto, propio del renacimiento (la3 460Hz, el actual es 440 Hz), y la flauta de Würzburg, Alemania, aunque sólo se ha encontrado el tercio inferior. Posiblemente tuviera el extremo parcialmente cerrado, un rasgo de instrumentos marroquíes y de Oriente Próximo, que la dotaría de una sonoridad diferente a la de las flautas totalmente cilíndricas. Es sorprendente los parecidos que existen entre estos dos especímenes, observados en las reconstrucciones que se han llevado a cabo.


title: Flauta

text: El "galoubet" es una flauta de pico cilíndrica usada en varios países europeos. solo tenía tres orificios (uno inferior) para su ejecución con la mano izquierda, mientras se toca el tamborín con la mano derecha.


title: Flauta

text: A finales de la Edad media ya surge un antecesor cercano al traverso barroco, ganando popularidad gracias a su tubo ancho, que permitía que la octava grave fuera más fácil de tocar y que el registro agudo estuviese menos limitado.


title: Flauta

text: Estos instrumentos (especialmente la flauta de pico) fueron usados en el medioevo en la música profana: el "whistle" en la música celta, la flauta traversa en una música profana más culta y formal (como demuestra la ilustración de las "Cantigas de Santa María"), y la flauta de pico principalmente por los juglares y trovadores. De esto es de lo que se tienen más datos e ilustraciones. Por ejemplo, Folgore da San Gimignano, un poeta, en un texto escribe:


title: Flauta

text: Un investigador comenta que Folgore se refería al desarrollo de nuevos instrumentos de viento, que rara vez se habían visto en Italia antes, y que estaban siendo tocados en ese momento por músicos llegados del norte, y por otros que los emulaban.


title: Flauta

text: Existe también un texto francés del , relacionado con la leyenda de Tristán (caballero de la mesa redonda):


title: Flauta

text: Guillaume de Machaut, en sus obras "La Prise d'Alexandrie" y "Remède de Fortune", menciona varios tipos de flautas, entre ellas "fretiau" y flauta traversa.


title: Flauta

text: De esta forma hay muchos textos que mencionan el uso de la flauta en la Edad media, en su totalidad música profana, en mayoría en un uso callejero, en mano de juglares, aunque también había músicos en la corte (por ejemplo) que usaban flautas.


title: Flauta

text: Una flauta produce sonido cuando una corriente de aire dirigida a través de un orificio del instrumento crea una vibración de aire en el orificio. La corriente de aire crea un Bernoulli o sifón. Esto excita el aire contenido en la cavidad resonante habitualmente cilíndrica dentro de la flauta. El flautista cambia la altura del sonido producido al abrir y cerrar orificios en el cuerpo del instrumento, cambiando así la longitud efectiva del resonador y su correspondiente frecuencia de resonancia. Al variar la presión del aire, un flautista también puede cambiar el tono haciendo que el aire de la flauta resuene a un ritmo armónico en lugar de la frecuencia fundamental sin abrir ni cerrar ninguno de los agujeros.


title: Flauta

text: La geometría de la articulación de la cabeza parece particularmente crítica para el rendimiento acústico y el tono, pero no existe un consenso claro sobre una forma particular entre los fabricantes. La impedancia acústica del orificio de la embocadura parece ser el parámetro más crítico. Las variables críticas que afectan esta impedancia acústica incluyen: longitud de la chimenea (orificio entre la placa labial y el tubo de dirección), el diámetro de la chimenea y los radios o curvatura de los extremos de la chimenea y cualquier restricción diseñada en la "garganta" del instrumento, como en la flauta japonesa Nohkan.


title: Flauta

text: A pesar de que puede estar construida en madera o metal, la flauta se cataloga dentro de la familia de instrumento viento de madera, ya que el esquema de producción de sonido se mantiene inalterado; en los instrumentos de viento de madera, se produce el sonido mediante la vibración de una o varias cañas o secciones del instrumento (en el caso de la flauta, el bisel de la embocadura, o en la "boca" de las flautas dulces), mientras que en los instrumentos de viento de metal, son los labios los que vibran para producir sonidos, tipo trompeta.


title: Flauta

text: Un estudio en el que los flautistas profesionales tenían los ojos vendados no pudo encontrar diferencias significativas entre flautas fabricadas con una variedad de metales. En dos conjuntos diferentes de escucha ciega, no se identificó correctamente ninguna flauta en una primera escucha, y en una segunda, solo se identificó la flauta plateada. El estudio concluyó que "no había evidencia de que el material de la pared tiene un efecto apreciable sobre el color del sonido o el rango dinámico".


title: Flauta

text: En su forma más básica, una flauta es un tubo abierto en el que se sopla. Después de un estudio y entrenamiento enfocados, los músicos usan la dirección del aire controlada para crear una corriente de aire en la que el aire se dirige hacia abajo en el agujero de tono de la cabeza de la flauta. Hay varias clases amplias de flautas. Con la mayoría de las flautas, el músico sopla directamente a través del borde de la boquilla, con 1/4 de su labio inferior cubriendo el orificio de la embocadura. Sin embargo, algunas flautas, como el silbato, gemscorno, flageolet, flauta dulce, flauta irlandesa, tonette, fujara, i el ocarina tienen un conducto que dirije el aire hacia el borde (una disposición que se denomina "fipple" en inglés o boquilla). Estos se conocen como flautas de boquilla. La boquilla le da al instrumento un timbre distinto que es diferente de las flautas sin boquilla y hace que el instrumento sea más fácil de tocar, pero le quita un grado de control al músico.


title: Flauta

text: Otra división está entre las flautas sopladas de lado (o travesera), como la flauta de concierto occidental, flautín, pífano, dizi i bansuri; i las flautas de punta, como el ney, xiao, kaval, danso, shakuhachi, la flauta anasazi i la quena. El flautista de una flauta de soplado lateral usa un agujero en el costado del tubo para producir un tono, en lugar de soplar en un extremo del tubo. Las flautas de extremo soplado no deben confundirse con las flautas de boquilla, como las flautas dulces, que también se tocan verticalmente pero tiene un conducto interno para dirigir el flujo de aire a través del borde del agujero de tono.


title: Golfo de México

text: El golfo de México () es una cuenca oceánica contenida entre los litorales de México, Estados Unidos y Cuba. Los estados mexicanos que tienen costa en este golfo son: Tamaulipas, Veracruz, Tabasco, Campeche, Yucatán; los estadounidenses son: Florida, Alabama, Misisipi, Luisiana y Texas. La península de Florida y la isla de Cuba ocupan la parte oriental del golfo, donde se encuentra la salida de este hacia el océano Atlántico, en tanto que la península de Yucatán, también al oriente, separa al golfo del mar Caribe, y junto a éste forman el Mar Mediterráneo Americano.


title: Golfo de México

text: El golfo de México, y su vecino el mar Caribe, es una región marítima del océano Atlántico que se encuentra casi completamente rodeada por el continente americano y por islas. Por este motivo, a la combinación de ambos algunos le llaman el mar Mediterráneo Americano. México posee extensas plataformas continentales que se adentran en el mar, las plataformas del Caribe son más reducidas y terminan en simas que alcanzan de 2000 a 3000 metros de profundidad. Son abundantes los estudios científicos llevados a cabo en ambos mares; sin embargo, la historia de su evolución geológica aun presenta importantes lagunas de conocimiento. En tanto el mar Caribe presenta fenómenos sísmicos y erupciones volcánicas de forma aislada, la cuenca del golfo de México es geológicamente más organizada.


title: Golfo de México

text: Ambas regiones marítimas están unidas al océano Atlántico a través de numerosos estrechos y pasos los cuales a través de numerosos canales se abren paso al océano Pacífico. No obstante, el intercambio de masas de agua entre las distintas cuencas marinas es limitado, dado que las zonas de comunicación suelen ser de aguas poco profundas. El canal de Yucatán une el mar Caribe con el golfo de México. Las aguas del Caribe son claras, con una menor salinidad que las del Atlántico y circulan en sentido contrario a las agujas del reloj. El agua fluye hacia el Caribe principalmente a través de los estrechos de las Antillas Menores, donde se calienta y abandona la región por el canal de Yucatán en dirección al golfo de México. Estas aguas forman aquí las fuentes de la corriente del golfo. El mar Caribe se encuentra en la zona de los alisios del norte y, por tanto, se caracteriza por la constante presencia de vientos de componente este. Las mayores precipitaciones tienen lugar a lo largo del cálido verano tropical. En esta época también se produce la llegada al Mediterráneo americano de la mayoría de huracanes procedentes del Atlántico, mientras que son escasos los ciclones tropicales que se forman localmente.


title: Golfo de México

text: Las cálidas aguas del golfo de México y del mar Caribe albergan uno de los ecosistemas más espectaculares y con mayor diversidad biológica de la Tierra. Además de especies raras como el manatí o "vaca marina", los juguetones delfines moteados y los gigantescos tiburones ballena, abundan también las tortugas marinas, los aligátores y diversas especies de grullas. El golfo de México, en particular, destaca por su riqueza pesquera; las especies más importantes son, por ejemplo, el reo o trucha de mar, el salvelino (un salmónido), el lenguado, la caballa, el atún, el pez vela, la mojarra, el mero y la cubera.


title: Golfo de México

text: La región padece graves problemas medioambientales. El turismo, la pesca deportiva y la pesca comercial ya han destruido algunas pequeñas islas coralinas. Los pescadores de gambas locales se enfrentan con los protectores de las tortugas y los ecologistas se preocupan por las elevadas capturas accidentales de especies amenazadas. No obstante, en los últimos años se ha conseguido detener el declive de algunas especies de pelícanos y grullas; además, actualmente los grupos ecologistas se dedican a la protección de muchas de las pequeñas islas.


title: Golfo de México

text: Productos como el petróleo y el gas natural, el mineral de hierro, la bauxita, el azúcar, el café y las bananas son algunos de los bienes comerciales más importantes del Mediterráneo americano. En esta región marítima hay miles de plataformas de prospección petrolífera y refinerías, por lo que es prácticamente inevitable que se produzcan vertidos accidentales e incendios en las plataformas que son difíciles de controlar. Además, esta región tiene una fuerte dependencia económica del comercio americano y europeo, así como de la industria del turismo.


title: Golfo de México

text: Aunque Cristóbal Colón es acreditado como el descubridor de América, ninguno de los barcos en sus cuatro viajes llegaron al golfo de México. En el año 1492 tomó posesión de las Bahamas en nombre de la Corona española, convencido de haber encontrado una nueva ruta marítima hacia Asia. Colón en los viajes posteriores solo navegó en aguas del mar Caribe, alrededor de las islas de Cuba y La Española. El primer europeo que exploró en aguas del golfo de México fue Américo Vespucio en 1497. Siguió la línea costera continental de América Central antes de volver al océano Atlántico a través del estrecho de la Florida, entre la península de la Florida y la isla de Cuba. En sus cartas, Vespucio describió este viaje, y una vez que Juan de la Cosa regresó a España realizó un famoso mapa que ya representa a Cuba como una isla (mapa de Juan de la Cosa).


title: Golfo de México

text: En 1506, Hernán Cortés tomó parte en la conquista de La Española y de Cuba, recibiendo una gran propiedad de tierra y esclavos indios por su esfuerzo. En 1510, acompañó a Diego Velázquez de Cuéllar, un ayudante del gobernador de La Española, en su expedición a la conquista de Cuba. En 1518 Velázquez le puso al mando de una expedición para explorar y asegurar el interior de México para la colonización.


title: Golfo de México

text: En 1517, Francisco Hernández de Córdoba descubrió la península de Yucatán, siendo el primer europeo que se encontró con una civilización avanzada en el continente americano, que contaba con edificios de construcción sólida y una organización social compleja que reconoció comparables con las del Viejo Mundo; también tuvo razón para esperar que esa nueva tierra habría oro. Todo esto animó dos expediciones más, la primera en 1518, bajo el mando de Juan de Grijalva, y, la segunda en 1520, bajo el mando de Hernán Cortés, que condujo a la exploración española, la invasión militar, y en última instancia los asentamientos y la colonización conocida como la conquista de México. Hernández no vivió para ver la continuación de su obra: murió en 1517, el año de su expedición, como consecuencia de las lesiones y la sed extrema sufrida durante el viaje, y decepcionado al saber que Diego Velázquez había dado prioridad a Grijalva como capitán de la siguiente expedición al Yucatán.


title: Golfo de México

text: En 1523, Ángel de Villafañe navegó hacia la ciudad de México, pero naufragó en el camino a lo largo de la costa de la isla del Padre, Texas, en 1554. Cuando la noticia del desastre llegó a la Ciudad de México, el virrey solicitó una flota de rescate y envió de inmediato a Villafañe marchar por tierra hasta encontrar los barcos cargados de tesoros. Villafañe viajó a Pánuco y contrató un barco para transportarle al sitio, que ya había sido visitado desde esa comunidad. Llegó a tiempo para saludar a García de Escalante Alvarado (sobrino de Pedro de Alvarado), comandante de la operación de salvamento, cuando Alvarado llegó por mar el 22 de julio de 1554. El equipo trabajó hasta el 12 de septiembre para salvar el tesoro de la isla del Padre. Esta pérdida, en combinación con otros desastres de barcos en todo el golfo de México, dio lugar a un plan para establecer un asentamiento en la costa norte del golfo para proteger la navegación y hacer más rápido el rescate de los náufragos. Como resultado, fue enviada la expedición de Tristán de Luna y Arellano, que desembarcó en la bahía de Pensacola el 15 de agosto de 1559.


title: Golfo de México

text: El 11 de diciembre de 1526, Carlos V concedió a Pánfilo de Narváez una licencia para reclamar lo que hoy es la costa del golfo de los Estados Unidos, conocida como la expedición de Narváez. El contrato le daba un año para reunir un ejército, salir de España, ser lo suficientemente grande para fundar al menos dos ciudades de 100 personas cada una, y la guarnición de dos fortalezas más en cualquier lugar a lo largo de la costa. El 7 de abril de 1528, vieron tierra al norte de lo que hoy es la bahía de Tampa. Se volvió hacia el sur y viajó durante dos días en busca de un gran puerto que Miruelo, piloto maestro, conocía. En algún momento durante esos dos días, una de las cinco naves restantes se perdió en la accidentada costa, pero nada más se sabe de él.


title: Golfo de México

text: Aunque España mantuvo el control de esta región marítima a lo largo de los siglos siguientes, también establecieron colonias en las islas orientales del Caribe otros países como Gran Bretaña, Francia, Países Bajos y Dinamarca.


title: Golfo de México

text: En 1697, Pierre Le Moyne d'Iberville navegó desde Francia y fue elegido por el Ministro de Marina para dirigir una expedición para descubrir la desembocadura del río Misisipí y colonizar la Luisiana que los ingleses codiciaban. la flota de Iberville zarpó de Brest el 24 de octubre de 1698. El 25 de enero de 1699, Iberville llegó a la isla Santa Rosa frente a Pensacola, fundada por los españoles; navegó desde allí a la bahía de Mobile y exploró la isla Massacre, más tarde rebautizada como isla Dauphin. Echó el ancla entre la isla Cat y la isla Ship, y el 13 de febrero de 1699, se trasladó a la parte continental, Biloxi, con su hermano Jean-Baptiste Le Moyne de Bienville. El 1 de mayo de 1699 ya se había completado un fuerte en el lado noreste de la bahía de Biloxi, un poco en la parte trasera de lo que hoy es Ocean Springs, Misisipi. Esta fortaleza fue conocida como Fort Maurepas o Biloxi Vieja. Pocos días después, el 4 de mayo, Pierre Le Moyne se embarcó para Francia dejando a su hermano adolescente, Jean-Baptiste Le Moyne, como segundo al mando del destacamento francés.


title: Golfo de México

text: Hasta inicios del siglo XIX el golfo de México era conocido por el nombre de "Seno Mexicano" o "Seno Mejicano".


title: Golfo de México

text: En el siglo XIX, eran muchos los barcos mercantes de EE.UU. que navegaban por el Caribe, especialmente después de 1848, cuando muchos buscadores de oro se dirigían por mar hacia California.


title: Golfo de México

text: Desde la Segunda Guerra Mundial, muchas islas caribeñas albergan bases militares estadounidenses que fueron creadas para proteger el canal de Panamá. La base naval de Guantánamo, en Cuba (construida en 1899), es la más antigua de las instalaciones militares de EE.UU. en el Caribe.


title: Golfo de México

text: En la porción del golfo de México correspondiente al litoral norte de la península de Yucatán, hacia el canal de Yucatán, habría caído hace 65 millones de años un meteorito formando un cráter de 180 km de diámetro, denominado cráter de Chicxulub, y provocando la extinción de los dinosaurios y otras especies.


title: Golfo de México

text: La máxima autoridad internacional en materia de delimitación de mares, el «International Hydrographic Organization» (IHO), define en su publicación de referencia mundial, «"Limits of oceans and seas"» (Límites de océanos y mares) (3.ª edición de 1953), el golfo de México (que tiene el número de identificación 26) de la forma siguiente:


title: Motín del té

text: El Motín del té tuvo lugar el 16 de diciembre de 1773 en Boston, Massachusetts, en el que se lanzó al mar 3 cargamentos de té.


title: Motín del té

text: Un grupo de colonos disfrazados de amerindios arrojó al mar la carga de té de tres buques británicos. Fue un acto de protesta de los colonos estadounidenses contra Gran Bretaña y es considerado un precedente de la guerra de independencia de los Estados Unidos (EE.UU.).


title: Motín del té

text: La rebelión de los colonos en el puerto de Boston nació como consecuencia de la aprobación por Gran Bretaña en 1773 de la Ley del Té, que gravaba la importación proveniente de la metrópoli de distintos productos, incluido el té, para beneficiar a la Compañía Británica de las Indias Orientales a quien los colonos boicoteaban comprando el té de los Países Bajos.


title: Motín del té

text: La Ley del sello de 1765 y las Townshend Act ('Leyes de Townshend') de 1767 hicieron que los colonos se disgustaran por las decisiones británicas sobre imponer tributos a las colonias sin previa consulta en el Parlamento de Westminster. Uno de los manifestantes era John Hancock. En 1768, la embarcación "Liberty" de Hancock fue retenida por funcionarios de aduanas y se le imputaron cargos de contrabando (ya que su té provenía de colonias de los Países Bajos y no de colonias inglesas). Lo defendió John Adams y los cargos fueron finalmente retirados. Sin embargo, Hancock tuvo que afrontar después otros cientos de acusaciones.


title: Motín del té

text: Hancock organizó un boicot al té proveniente de China y vendido por la Compañía Británica de las Indias Orientales, cuyas ventas en las colonias cayeron de . Ya en 1773 la compañía que tenía grandes deudas, grandes stocks de té en sus depósitos y ninguna perspectiva de ventas, ya que contrabandistas, como Hancock, importaban el té sin pagar aranceles. El gobierno británico aprobó la Tea Act (Ley del té), que permitió a la Compañía de las Indias Orientales vender té a las colonias directamente, sin pagar ningún arancel o impuesto de aduanas en Gran Bretaña, a cambio de pagar el arancel colonial, que era mucho menor. Esta suspensión de impuestos permitió a la Compañía vender a precios menores de los ofrecidos por los colonos mercantes y contrabandistas.


title: Motín del té

text: Los colonos, en especial los contrabandistas acaudalados, se ofendieron por el trato de favor a una gran compañía que había actuado como "lobby" y ejercido gran influencia en el Parlamento. A consecuencia de esto, se produjeron protestas en Filadelfia y Nueva York, pero fueron las manifestaciones que tuvieron lugar en Boston las que dejaron huella en la historia. Aún recuperándose del incidente de las «cartas de Hutchinson», los pobladores de Boston sospechaban que el nuevo impuesto del té era simplemente otro intento del parlamento británico para apabullar la autonomía colonial. Samuel Adams, prósperos contrabandistas y otros que habían obtenido provecho del contrabando del té, exigieron a representantes y consignatarios de la Compañía Británica de las Indias Orientales que abandonasen sus puestos. Los consignatarios que dudaban eran atemorizados con ataques a sus depósitos e incluso a sus casas.


title: Motín del té

text: El primero de muchos barcos cargados de té de la Compañía Británica de las Indias Orientales era el HMS "Dartmouth", llegando a finales de noviembre de 1773. En ese momento, se encontraron en un callejón sin salida entre las autoridades portuarias y los Hijos de la Libertad. Samuel Adams avivó a la creciente multitud en una serie de asambleas de protesta. Miles asistieron a estas asambleas provenientes de la ciudad y de las áreas periféricas, cada reunión más grande que la anterior. Las multitudes pedían el desacato no solo al Parlamento británico, la Compañía de las Indias Orientales y al HMS "Dartmouth", sino también al gobernador Thomas Hutchinson, quien luchaba porque el té fuese desembarcado. La noche del 16 de diciembre, la asamblea de protesta en la Old South Meeting House de Boston fue la más grande vista hasta entonces. Se estima que asistieron alrededor de 8000 personas.


title: Motín del té

text: La noche del mismo día, se puso en marcha el movimiento. Antes de que debiera desembarcarse el té, los Hijos de la Libertad (según fuentes, entre 60 y 150 personas) se disfrazaron como indios mohawk, dejaron la gran asamblea de protesta y se dirigieron al muelle de Griffin, donde estaban el "Dartmouth" y los recién llegados "Beaver" y "Eleanour". Rápida y eficientemente, armados con hachas y cuchillos, amedrentaron a los marineros y subieron cajas de té de la bodega a la cubierta (prueba razonable de que algunos de los «indios» eran, en efecto, estibadores). Abrieron las cajas y arrojaron el té por la borda. En el trabajo que duró hasta entrada la noche, se emplearon menos de tres horas, actuando los asaltantes de forma rápida y eficiente. Al amanecer, 45 toneladas de té de un valor estimado de 10000 libras habían sido vertidas a las aguas del puerto de Boston. Nada más fue dañado o robado, a excepción de la rotura accidental de un candado que fue reemplazado anónimamente poco después. El té flotó en las orillas alrededor de Boston durante semanas.


title: Motín del té

text: Este acto generó las críticas de funcionarios tanto de la colonia como británicos. Por ejemplo, Benjamín Franklin declaró que el costo del té debía ser reembolsado y ofreció pagarlo con su propio dinero. Desde la metrópoli se llevaron a cabo medidas represivas contra las colonias: El gobierno Británico cerró el puerto de Boston en 1774 como represalia y declaró el estado de excepción, instaurando otras leyes conocidas como Intolerable Acts (Leyes intolerables), también llamadas Coercive Acts (Leyes Coercitivas) o Punitive Acts (Leyes Punitivas). Sin embargo, también inspiraron actos similares que se llevaron a cabo posteriormente, como la quema del barco "Peggy Stewart". Tiempo después se demostró que El Motín del Té fue una de las muchas causas de llevaron a la guerra de Independencia de Estados Unidos. Al menos, este motín y la reacción que lo siguió sirvieron para consolidar el apoyo a los revolucionarios de las trece colonias quienes, a fin de cuentas, tuvieron éxito en la guerra de la independencia.


title: Motín del té

text: En cuanto al consumo del té, muchos colonos, en Boston y otros lugares del país, juraron no tomar dicha bebida como señal de protesta, prefiriendo otras infusiones herbales y el café. No obstante, este movimiento social de protesta contra el consumo de té no fue duradero.


title: Motín del té

text: El motín del té en Boston es mundialmente conocido y fue inspiración para otras rebeliones. Por ejemplo, Erik Erikson señaló en su libro "Gandhi's Truths" ("Las verdades de Gandhi") que después de haberse reunido con el virrey británico en 1930, tras la Marcha de la sal, Mahatma Gandhi tomó un poco de sal, exenta de aranceles, de su manta y dijo, con una sonrisa, que la sal debía hacer recordar al famoso motín del té en Boston.


title: Motín del té

text: El reverendo Martin Luther King Jr. también mencionó el motín en su carta desde la cárcel de Birmingham, donde lo refiere como ejemplo de desobediencia civil en su nación.


title: Vitalismo

text: El vitalismo es una teoría protocientífica según la cual los organismos vivos se caracterizan por poseer una fuerza o impulso vital que los diferencia de forma fundamental de las cosas inanimadas y no está sujeta a las leyes fisicoquímicas generales. A pesar de una larga trayectoria histórica intentando demostrar que se trataba de una teoría obsoleta, la obra de Georges Canguilhem y los trabajos de la teórica siguen planteando que el alcance explicativo del vitalismo sigue más vivo que nunca.


title: Vitalismo

text: Tradicionalmente se describe como una fuerza inmaterial específica, distinta de la energía estudiada por la física y otro tipo de ciencias que, actuando sobre la materia organizada, daría como resultado la vida y sin la que sería imposible su existencia. Este fundamento físico en su sentido más puro se encuentra actualmente rechazado, no obstante, también encuentra base en fundamentos antropocéntricas o racionalistas, entre otros.


title: Vitalismo

text: La tesis contraria, el antivitalismo, propugnaba que la fuerza vital no existe y que las reacciones fisicoquímicas que se dan en un organismo vivo siguen las mismas leyes que rigen en la materia inanimada.


title: Vitalismo

text: También se conoce por «vitalismo» a lo que Scott Lash y otros autores llaman «defensa de la vida». Así, sería usado por movimientos tales como el movimiento animalista, el antiabortismo, el antimilitarismo, el ecologismo, el pacifismo o el veganismo, pero también por estudiosos de la obra de pensadores como Friedrich Nietzsche o José Ortega y Gasset. Los planteamientos orientales de esta segunda definición vendrían de la mano del maestro jaina Mahāvīra en el Oriente, quien combinó el ascetismo de Parsuá con las enseñanzas de los naturalistas "ajivika", término que en sánscrito significa «vivientes».


title: Vitalismo

text: El vitalismo europeo se opone a las explicaciones mecanicistas que presentan la vida como fruto de la organización de los sistemas materiales que le sirven de base. Es un aspecto del voluntarismo que argumenta que los organismos vivos, no la materia simple, se distinguen de las entidades inertes porque poseen fuerza vital o "élan vital", en francés, que no es ni física, ni química. Esta fuerza es identificada frecuentemente con el alma o el espíritu del que hablan muchas religiones. Los vitalistas establecen una frontera clara e infranqueable entre el mundo vivo y el inerte. La muerte, a diferencia de la interpretación mecanicista característica de la ciencia moderna, no sería efecto del deterioro de la organización del sistema, sino resultado de la pérdida del impulso vital o de su separación del cuerpo material.


title: Vitalismo

text: Ante el fracaso del mecanicismo cartesiano en la explicación de la singularidad de lo orgánico, el vitalismo empieza a expandirse por Europa a finales del siglo XVIII. En biología, este cuadro teórico tuvo un momento fecundo, porque apartaba lo vivo del mecanismo y las explicaciones causales reductivas del pensamiento cartesiano del siglo XVII sin caer en lo sobrenatural. En sentido estricto, el término "vitalismo" designa la escuela de Montpellier y su principal exponente Paul Joseph Barthez (1734-1806).


title: Vitalismo

text: Esta hipótesis fue descartada por la mayoría de los científicos en el momento que Friedrich Wöhler sintetizó un compuesto orgánico, la urea, a partir de compuestos inorgánicos en 1828. Posteriormente, este le escribió a Berzelius diciéndole que había sido testigo de "una gran tragedia de la ciencia, la muerte de una bella hipótesis por un hecho feo". La "bella hipótesis" era el vitalismo; el "hecho feo", la placa con los cristales de urea. Años después, W. Williams diría que el vitalismo es parte de la base de un gran número de "pseudociencias", término utilizado, en este caso, de manera peyorativa. Sin embargo, en la actualidad hay una reactivación filosófica del vitalismo.


title: Vitalismo

text: Los jainistas consideran la vida sagrada. Por ello, evitan dar muerte a cualquier ser vivo, incluidas las liendres en el cabello, y muchos de ellos optan por no cortárselo o no lavárselo, por esta razón o para indicar que se da una mayor importancia al espíritu que al cuerpo. No solo son vegetarianos sino que también se niegan a comer hortalizas subterráneas por temor a dañar un animal durante la recolección. A menudo, los monjes barren el suelo delante de ellos para no pisar o sentarse encima de criaturas invisibles y usan máscaras sobre sus bocas para evitar inhalar cualquier cosa viva. Esta actitud debe entenderse en su contexto; no deben pues, ser interpretadas desde el etnocentrismo.


title: Yidis

text: El yidis, yiddish (' "yídish", pron. ) o ídish (' "ídish"), también conocido como judeoalemán, es un idioma perteneciente a las comunidades judías asquenazíes tanto del centro como del este de Europa, y sus emigrantes y descendientes en Israel, el continente americano y otros lugares del mundo. La base sintáctica y gran parte del léxico del yidis provienen del alto alemán, pero el yidis posee también influencias del idioma hebreo y de algunas lenguas eslavas. Clasificado como lengua altogermánica, la ortografía del yidis usa los caracteres del alfabeto hebreo y la vocalización que lo caracteriza (conocida como "píntelaj") posee características singulares. El nombre del idioma proviene del alto alemán, donde originalmente se conocía como "jüdisch-deutsch" (idioma alemán judío).


title: Yidis

text: El yidis es una lengua milenaria, se desarrolló tanto en Europa Central como en Europa del Este a partir del y fue desde entonces evolucionando en cada una de dichas regiones junto a las lenguas locales. Tras la emigración de la población judía de las mencionadas regiones europeas hacia el continente americano, los devastadores efectos del Holocausto, y particularmente debido a la globalización, la población hablante del yidis fue reducida de 13 millones en 1930 a tres millones de personas en 2005.


title: Yidis

text: Los judíos ultraortodoxos y algunos de los ortodoxos emplean a diario el yidis para comunicarse entre ellos, ya que consideran que la lengua hebrea propia de la Antigüedad es sagrada y solo se debe usar en las plegarias o para el estudio de la Torá. No obstante, para su escritura se emplean los caracteres hebreos desde por lo menos el , los mismos que figuran en los textos sagrados del judaísmo y que se emplean en la escritura del hebreo moderno. En este aspecto, el yídis sigue una costumbre común de las lenguas judías derivadas de idiomas europeos (como el judeoespañol).


title: Yidis

text: El yidis se remonta a la Alemania medieval. Durante varios siglos, diversas regiones europeas recibieron inmigración judía. Los judíos asimilados con la población de Europa central y oriental, de origen germánico y eslavo, formaron un grupo que pasó a ser conocido como asquenazí. Durante mucho tiempo, este grupo fue minoritario en relación con la población judía mundial, estando concentrado en las regiones centrales y orientales de Europa. En un período más reciente, la población asquenazí creció y se diseminó por el mundo, difundiendo así el idioma yidis.


title: Yidis

text: Para no perder su identidad cultural y religiosa, los asquenazíes inicialmente adoptaron una forma mixta de escritura, usando los caracteres del idioma hebreo para anotar la descripción fonética del idioma de la región en que se encontraban. Asimismo, algunos inmigrantes judíos escribían textos bíblicos en alemán, español o francés, usando la escritura que les era familiar.


title: Yidis

text: Con el tiempo, la expansión de la población asquenazí llevó a una diferenciación de dos dialectos yidis: occidental (con mayor influencia germánica) y oriental (con influencia de lenguas eslavas).


title: Yidis

text: Las comunidades judías instaladas en Europa central usaban tres lenguas: hebreo, arameo y yidis. Las tres disponían de representación escrita, pero solo el yidis podría considerarse un idioma vernáculo. Quizás por esa razón, el yidis se empleó inicialmente en obras de naturaleza laica y para la correspondencia privada. Para la correspondencia comunitaria, los comentarios bíblicos y toda una serie de documentos se utilizaba el hebreo. El arameo se usaba para los textos más importantes, incluyendo los tratados oficiales (especialmente comentarios sobre el Talmud) y la Cábala. Sin embargo, la escritura del yidis recurre a los caracteres hebreos. Ejemplo:


title: Yidis

text: La mayoría de palabras comunes son germánicas: מאַמע "mame" (madre), טאַטע "tate" (padre), ייִנגעלע "yingele" (niño), מײדעלע "meydele" (niña), pero muchas palabras provienen del hebreo y arameo: שבת "shabes" (sábado y el sabbat), אפֿשר "efsher" (quizás), מוחל זײַן "moykhl zayn" (perdonar), דירה "dire" (apartmento), חזר "khazer" (cerdo).


title: Yidis

text: Tradicionalmente, el yiddish es די מאַמע־לשון di "mame-loshn ("la lengua materna del pueblo askenazí) y, en el uso cotidiano, en contraste con לשון־קודש "loshn-koydesh" (la lengua sagrada, es decir, la lengua de las escrituras sagradas del judaísmo: hebreo y arameo).


title: Yidis

text: Los refranes son uno de los rasgos distintivos del yidis. Los siguientes son solo algunos ejemplos del saber popular:


title: Yidis

text: Parte considerable de la producción musical yidis y también sus partituras son preservadas en la Universidad estadounidense de Yale.


title: Yidis

text: No pocos refranes provenientes del yidis han encontrado su expresión en las artes visuales. Artista de enorme inventiva y creatividad, Marc Chagall con frecuencia capturaba en su imaginería vanguardista el humor y espíritu propios de la cultura yidis. Diferentes aspectos de la cultura yidis se encuentran también reflejados en la obra de otros tantos pintores judíos anteriores a Chagall, quienes cultivaron por lo general el realismo pictórico y entre quienes merecen ser mencionados Isidor Kaufmann, Maurycy Gottlieb y Maurycy Mikowski.


title: Yidis

text: Mucha de la literatura jasídica, en especial las parábolas, fue escrita en yidis. Sin embargo, hasta el no aparece una literatura secular sofisticada en la lengua. La literatura yidis del tuvo tres principales exponentes: Sholem Aleijem, Yitzjac Leibush Peretz, Mendele Moijer Sforim ("vendedor de libros" en hebreo) y Sholem Asch. Otros famosos escritores en lengua yidis son Zalman Shneour, Jaim Grade e Isaac Bashevis Singer. Este último recibió el Premio Nobel de literatura en 1978. En español está editada, por la editorial Cátedra, una selección de sus obras cortas: "Un amigo de Kafka y otros relatos", así como la novela "La familia Moskat", editada por RBA, que representa un fiel reflejo del modo de vida y costumbres de los judíos polacos antes del Holocausto.


title: Yidis

text: Este idioma también ha contribuido a enriquecer el inglés en los Estados Unidos. Varios judíos estadounidenses saben algo del idioma yidis y muchos lo emplean como si fuera parte del idioma inglés. Hay varias palabras y expresiones en yidis que usan frecuentemente los judíos cuando están hablando inglés. Es más común entre los judíos mayores, pero hasta las generaciones más jóvenes saben algo de este idioma porque lo escuchan en sus casas. Palabras de yidis se oyen mucho en la televisión y las películas, aunque muchos televidentes no se dan cuenta de esto. A veces estas palabras y expresiones se utilizan para imprimir un efecto cómico en el habla. Por ejemplo, muchas personas dicen "oy vey" (אוי װײ, literalmente "ay, [qué] dolor", y empleada con el significado de "¡ay de mí!"); se trata de una expresión que se usa cuando la persona está estresada o sorprendida o cuando escucha algo que le hace mal (equivale a decir "ay, Dios mío" en español). Igualmente se utiliza "nosh", que significa "comer". Palabras tales como "shikse" (שיקסע), significando joven no judía y, ocasionalmente, empleada doméstica, terminaron por ser ampliamente descartadas.


title: Yidis

text: El yidis sigue también vivo gracias a diarios, como "The Jewish Daily Forward", periódico publicado en Nueva York y que, si bien ya hoy presenta sus páginas en inglés, mantiene suplementos –y también versión de Internet– en yidis. Fundado en 1897 por Abraham Cahan, ayudó a la expansión de la cultura que portaban los judíos de la Europa central y del Este en aquellos años de fuerte migración hacia los Estados Unidos.


title: Yidis

text: A comienzos del , la comunidad judía de la Europa del Este estaba en términos idiomáticos dividida. Por un lado, los partidarios del sionismo, así como las "Tnuot Noar", intentaban "revivir" el hebreo como lengua vernácula y modernizarla, de modo tal que fuese un símbolo del renacimiento nacional que ya había comenzado a tener lugar en la Tierra de Israel. Dado que el idioma era en ese entonces entendido como una de las bases fundamentales de la nacionalidad, tales partidarios sostenían que era necesario implementar un idioma común a todos los judíos (y no solo a los asquenazíes).