Geschichte.

Der Begriff des Dreisprungs kommt schon bei den Olympischen Spielen der Antike vor, allerdings wurde dort die Summe von drei Einzelsprüngen bewertet. Dreisprung als Sprungfolge ist 1465 erstmals nachweisbar.  In der deutschen Sportbewegung von Friedrich Ludwig Jahn war Dreisprung mit Beinwechsel bei jedem Sprung (rechts – links – rechts oder links – rechts – links) üblich. Im Unterschied dazu wurden in Irland im 19. Jahrhundert, der Entstehungszeit der modernen Leichtathletik, die drei Einzelsprünge mit jeweils dem gleichen Bein ausgeführt („"hop – hop – jump"“: rechts – rechts – rechts oder links – links – links). In den USA wurde die Sprungfolge „"hop – step – jump"“ ab Ende des 19. Jahrhunderts angewandt und später von der Internationalen Leichtathletik-Assoziation IAAF als allgemein verbindlich erklärt.  In Deutschland fand der Dreisprung lange Zeit keine Anerkennung. Er wurde für Männer erst 1931 Bestandteil der Deutschen Meisterschaften sowie eine als Deutscher Rekord geführte Disziplin.  Im Frauen-Dreisprung wurden die frühesten Bestleistungen um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert registriert. Nach der Weltbestleistung der Japanerin Rie Yamaguchi von 11,66 m im Jahre 1939 stagnierte die Entwicklung, und eine Verbesserung dieser Weite gelang mit 12,43 m erst 1981.

Erfolgreichste Sportler.

Männer:  Frauen:

Technik.

Der Dreispringer erreicht die größte Weite, wenn er die beim Anlauf erreichte hohe Horizontalgeschwindigkeit bestmöglich bis zum dritten Absprung ausnutzt, d. h. entscheidend ist nicht allein die Sprungkraft. Im Unterschied zum Weitsprung verlaufen die drei Einzelsprünge deutlich flacher.  Grundsätzlich kommen zwei Sprungstile in Frage: Sehr sprungkräftige Dreispringer erzielen beim ersten Sprung eine möglichst große Weite und springen auch bei den folgenden relativ hoch. Ihr Sprungbild ähnelt einem „Hüpfen“. Ihr erster Teilsprung ("hop") ist in der Regel der weiteste. (Steilsprungtechnik).  Dreispringer mit großer Schnelligkeit hingegen versuchen, in den ersten beiden Sprüngen möglichst wenig Geschwindigkeit zu verlieren. Ihr Sprungbild ähnelt einem „Laufen“. In der Regel ist ihr dritter Teilsprung ("jump") der weiteste. (Flachsprungtechnik)

Weitenverhältnis zwischen den drei Teilsprüngen.

Gesamtweite und Weite der drei Teilsprünge bei Weltrekorden (Hervorhebung: weitester Teilsprung)

Wettkampfbestimmungen.

Der Dreisprung besteht aus Hop, Step und Jump, wobei der Athlet beim Hop mit dem gleichen Fuß landen muss, mit dem er abgesprungen ist. Beim Step muss er auf dem anderen Fuß landen und mit diesem den Jump ausführen. Dadurch ergeben sich die Sprungmöglichkeiten: "links – links – rechts" oder "rechts – rechts – links". Jedem Athleten stehen erst einmal drei Versuche zu. Danach dürfen die acht besten Starter drei weitere Versuche absolvieren. Sind nur maximal acht Athleten am Start, haben alle sechs Versuche. Für den Anlauf ist eine Anlaufbahn von mindestens 40 m Länge erforderlich, die 1,22 m breit sein muss. Der Athlet muss von einem Balken, der in den Boden eingelassen ist, abspringen. Hierbei darf er die sogenannte Absprunglinie – so wird die Kante des Balkens genannt, die näher zur Sprunggrube liegt – nicht berühren. Direkt an der Absprunglinie wird ein Einlegebrett mit Plastilin in den Absprungbalken gelegt. Sollte der Athlet übertreten, ist in der Plastilinmasse meist ein Abdruck erkennbar. Der Abstand zwischen der Absprunglinie und der mit feuchtem Sand gefüllten Sprunggrube ist beim Dreisprung variabel und dem Leistungsniveau der Wettkämpfer anzupassen. Bei internationalen Wettkämpfen wird bei Männern ein Abstand von 13 m, bei Frauen von 11 m empfohlen. Wird der 13 m-Balken zu Grunde gelegt, muss der Abstand bis zum Ende der Sprunggrube mindestens 21 m betragen. Die Sprunggrube muss zwischen 2,75 m und 3 m breit sein.  Als Fehlversuch (die Entscheidung darüber trifft der Obmann Dreisprung) werden folgende Tatbestände gewertet:  Leistungsermittlung und Rangfolge: Gemessen wird die Strecke von der Absprunglinie bis zu dem dieser Linie am nächsten liegenden Körperabdruck, der durch irgendeinen Körperteil verursacht wurde. Dabei wird immer auf ganze Zentimeter abgerundet. Gewonnen hat der Athlet, der bei einem seiner Versuche die größte Weite erzielt hat. Sollte Gleichstand bei zwei oder mehr Athleten bestehen, wird die zweitbeste Weite berücksichtigt – nötigenfalls die drittbeste Weite etc. Bei Gleichstand auf dem ersten Platz absolvieren die Athleten solange weitere Versuche, bis ein Sieger feststeht.

Statistik.

Weltrekordentwicklung.

Männer.

Ab 1826, im Vergleich zu anderen Disziplinen der Leichtathletik sehr früh, wurden im Dreisprung Rekorde aufgestellt. Berufssportler hielten in Schottland die „Scottish Border Games“ ab. Der Rekord wurde bis 1873 auf 14,96 Meter gesteigert – eine Weite, die ein Amateursportler erst 1910 übertraf.  Auch in Irland gab es sehr frühe Dreisprung-Wettbewerbe, die aber mit einer anderen Schritttechnik ausgeführt wurden als heute üblich (hier nicht aufgeführt).  Der erste nachweisliche Rekordsprung in der vorgeschriebenen Schrittfolge stammt aus dem Jahr 1911 und wurde von der IAAF als erster Weltrekord anerkannt.  Bis 1931 war die Bestleistung immer im Besitz von britischen, irischen oder US-amerikanischen Dreispringern. Der aktuelle Weltrekord von Jonathan Edwards hat von allen bisher erzielten Rekordweiten den längsten Bestand.

Frauen.

Die frühesten Dreisprung-Wettkämpfe sind aus Hallenveranstaltungen der Jahre 1899 und 1905 bekannt. Ab 1909 bis 1939 wurden Bestleistungen im Freien registriert – mit Weiten von 8,805 m bis 11,66 m.  In den Jahren von 1981 bis zur offiziellen Anerkennung des Frauen-Dreisprungs (Jahresbeginn 1990) wurden die Sprungweiten von 12,43 m auf 14,52 m verbessert – zuletzt im Juli 1989 durch Galina Tschistjakowa, die zu dieser Zeit schon Inhaberin des Weitsprung-Weltrekordes (7,52 m) war.  Schon anderthalb Jahre früher, am 3. Januar 1987, hatte Galina Tschistjakowa in einem Hallenwettkampf in Moskau die damalige Bestleistung mit Sprüngen von 13,86 m, 13,96 m und 13,98 m übertroffen.  Die meisten Verbesserungen der Bestweite gelangen in den 1980er Jahren Springerinnen aus den USA, wo der Dreisprung seit 1985 bei den nationalen Meisterschaften auf dem Programm stand.

Weltbestenliste.

Männer.

Alle Springer mit einer Leistung von 17,58 Metern oder weiter. In Klammern: Wind in m/s. A: Sprung unter Höhenbedingungen.  Letzte Veränderung: "29. September 2019"

Frauen.

Alle Springerinnen mit einer Leistung von 14,69 Metern oder weiter. In Klammern: Wind in m/s.  Letzte Veränderung: "29. August 2019"

Der Dreisprung () ist eine Disziplin der Leichtathletik. Er besteht aus drei nacheinander ausgeführten Sprüngen („Hop“, „Step“, „Jump“). Die besten Dreispringer erzielen bei den Männern eine Weite von ca. 18 Metern (Weltrekord: 18,29 m) und ca. 15 Metern bei den Frauen (Weltrekord: 15,50 m).

三级跳远是田径运动的项目之一。乔纳森·爱德华兹是目前男子三级跳世界记录保持人,记录为18.29米(风速为+1.3 m/s)。他曾于1995年阿斯克新城的比赛中跳出18.43米,可惜当时风速为+2.4 m/s超过世界记录之规定,而不获计算。


Inhalt.

Die Rahmengeschichte handelt von einem in Indien herrschenden heidnischen König namens Abenner, dem bei der Geburt seines Sohnes Josaphat geweissagt wird, dass dieser zum Christentum übertreten wird. In der Hoffnung, dieser Vorsehung zuvorkommen zu können, lässt Abenner einen Palast errichten und seinen Sohn darin einsperren, damit er mit dem Leid dieser Welt nicht konfrontiert wird. Dennoch gerät Josaphat bei einem Ausritt mit dem Leid der Menschen in Kontakt, als ihm ein Kranker, ein Greis und ein Blinder entgegenkommen. Josaphat realisiert die Vergänglichkeit des Menschen und beginnt seine Lebensverhältnisse in Frage zu stellen. Gleichzeitig bekommt der Einsiedler Barlaam eine göttliche Eingebung, Josaphat den christlichen Glauben zu vermitteln und ihm somit Antworten auf seine Fragen zu geben. Später empfängt Josaphat den als Kaufmann verkleideten Barlaam, der den Prinzen durch belehrende Parabeln zum Christentum bekehrt. Als der heidnische König Abenner davon erfährt, versucht er seinen Sohn mit weltlichen Genüssen vom Christentum abzubringen, was ihm jedoch nicht gelingt. Statt den Verführungen zu erliegen, beginnt Josaphat die Menschen in seinem direkten Umfeld zu bekehren. Als Abenner erkennt, dass er seinen Sohn nicht vom Christentum abbringen kann, überlässt er diesem eine Hälfte seines Reiches. In seinem Reichsteil unterstützt Josaphat die Armen und Bedürftigen, teilt seinen Reichtum unter der Bevölkerung auf und lehrt den christlichen Glauben. Schließlich lässt sich auch Abenner angesichts des großen Erfolges seines Sohnes in seinem Teil des Reiches zum Christentum bekehren. Er überlässt Josaphat seinen Teil des Reiches und verbringt den Rest seines Lebens als Asket in der Wüste, wo er stirbt. Nach dem Ableben seines Vaters gibt Josaphat die Königskrone ab, zieht selbst in die Wüste und lebt dort mit Barlaam, bis er stirbt.

Überlieferung.

Der Roman hat eine lange Tradition und geht auf sehr unterschiedliche Quellen zurück. Als Ursprung des Romans kann man die Buddha-Legende ansehen, die wiederum vom Manichäismus, dem Islam und dem Christentum rezipiert und überarbeitet wurde. Die älteste vollständig erhaltene Version des Textes ist arabisch und entstand wahrscheinlich im 8. Jahrhundert; vermutlich geht diese auf einen mittelpersischen Text zurück. Durch die Übertragung dieses Textes zunächst in das Georgische erhielten erstmals christliche Elemente Einzug in die Handlung, welche in der griechisch-byzantinischen Version noch ausgebaut wurden. Während das Parabelkorpus dadurch teilweise massive Veränderungen erfahren hat, hat sich die Rahmenhandlung des arabischen, georgischen und byzantinischen Barlaams nur wenig verändert.

Die arabische Fassung: Kitāb Bilawhar wa Būḏāsf.

Die arabische Fassung ist zwischen 750 und 900 in den ismaelitischen Kreisen entstanden. Aus diesem Umfeld sind uns heute zwei fragmentarische Handschriften (17.–19. Jahrhundert) und ein Steindruck (1888/1889) mit dem vollständigen Text überliefert. Der arabische Text diente als Vorlage für die georgische Fassung. Die Handlung des Kitāb Bilawhar wa Būḏāsf ist der späteren Fassung ähnlich, allerdings ist der Parabelkorpus insgesamt wesentlich umfangreicher (32 Parabeln). Die Parabeln reihen sich direkt aneinander an, werden also nicht durch ausführliche Interpretationen getrennt. Vielmehr dient die eine Parabel zur Erläuterung der Folgenden usw.

Die georgische Fassung.

Der Balavariani ist die älteste christliche Fassung und zwischen dem 9. und 10. Jahrhundert entstanden. Er ist in einer einzigen Handschrift enthalten und gilt als direkter Nachfolger der arabischen Version. Der Parabelkorpus wurde dem christlichen Glauben angepasst; die Parabeln, die dem christlichen Glauben widersprachen, wurden aus dem Korpus entfernt. Im georgischen Raum wurde der Balavariani als Erbauungsroman rezipiert, wohingegen die darauffolgende griechische Fassung eine größere dogmatische Tiefe aufweist.

Die griechische Fassung.

Das Verfassungsdatum der griechischen Version lässt sich auf die Jahre um die Mitte des 10. Jahrhunderts bis circa 1000 eingrenzen. Anhaltspunkte dafür liefern Zitate, aus denen das Verfassungsdatum rekonstruiert werden kann. In dem Roman wurden Eklogen aus den Homilien des Johannes Chrysostomos zitiert, die jedoch erst im 10. Jh. von Theodoros Daphnopates († ca. 961/963) in einer Textsammlung herausgegeben wurden. Außerdem hat I. Grossmann angemerkt, dass einiges aus dem Menologion des Metaphrastes entnommen wurde, weshalb die Datierung um 1000 nach Chr. anzusetzen ist. Über die Verfasserschaft des griechischen Barlaam-Romans wurde in der Vergangenheit reichlich spekuliert. Aufgrund diverser Kirchenzitate von Johannes Damaskenos, ging man in der Forschung lange Zeit davon aus, dass dieser auch als Verfasser in Frage kommt. Doch durch die Arbeit von R. Volk gilt die Autorschaft von Euthymios Hagioreites († 1028) als sehr wahrscheinlich. Somit ist die Annahme Johannes Damaskenos habe den Roman verfasst, verdrängt worden. Allerdings ist die Autorschaft nach wie vor noch nicht vollständig belegbar. Der Parabelkorpus dieser Version beinhaltet die wenigsten der ursprünglichen Parabeln, wurde dafür aber mit Bibelzitaten angereichert. Die Parabeln wurden bewusst an das Neue Testament angepasst. Der dogmatische Inhalt des Gesamtwerkes orientiert sich dabei an einer speziell byzantinischen Auslegung des christlichen Glaubens.

Spätere Verbreitung.

Schon im Mittelalter war der Roman in einer lateinischen Übersetzung vielfach verbreitet. Vinzenz von Beauvais verwob die Geschichte in sein "Speculum historiale". Aus jener lateinischen Übersetzung flossen zunächst drei französische Bearbeitungen in Versen, vom anglonormannischen Trouvère Chardry im 13. Jahrhundert, von Gui von Cambrai und von Herbert, sowie einige Prosaübersetzungen und eine Bearbeitung von Girard (Paris 1642).  Aus einem nordfranzösischen oder provenzalischen Original ging im 14. Jahrhundert die italienische "Storia de San Barlaam" hervor. Ebenfalls aus dem Lateinischen übertragen sind Juan de Arze Solorzanos "Historia de Barlaam y Josaphat" (Madrid 1608), eine um 1470 verfasste böhmische Bearbeitung (Prag 1593) und eine polnische in Versen von Kulizewski (Krakau 1688). Antonio de Borgio übersetzte das Buch in die Tagalogsprache auf den Philippinen (Manila 1712).  Deutsche Bearbeitungen lieferten um 1200 Otto II., Bischof von Freising, im so genannten "Laubacher Barlaam", und im 13. Jahrhundert Rudolf von Ems in seinem Versroman "Barlaam und Josaphat". Er dichtete es in ausdrücklicher Opposition „gegen Lug und Trug der weltlichen Aventuren“ und um den Sieg des Christentums zu verherrlichen. Das um 1225 von Rudolf von Ems geschaffene mittelhochdeutsche Werk ist ziemlich breit überliefert. Der Dichter formuliert über seine lateinische Vorlage: „ze latîne erz rihte / durch got und durch alsolhe site, / daz sich diu liute bezzern mite. / derselben hân ouch ich gedâht“ (Rudolf von Ems 130–133). Er wolle den Menschen einen Leitfaden zu ihrer Besserung an die Hand geben („vorbilde in guoter lêre“ Rudolf von Ems 140) und für seine Memoria wirken (Rudolf von Ems 160). Rudolf führt seinem Publikum vor Augen, dass das Thema des „Contemptus mundi“ zu verbinden ist mit der Bewährung eines christlichen Fürsten in der Welt. Den „Aussatz“ bzw. die Lepra schildert er, dem wissenschaftlichen Stand seiner Zeit entsprechend, als eine durch ein Missverhältnis (Dyskrasie) der Körpersäfte entstandene Krankheit.  Eine zweite deutsche Bearbeitung von einem unbekannten Verfasser ist nur in Bruchstücken bekannt geworden; eine dritte stammt von einem Bischof Otto aus dem 13. Jahrhundert. Aus dem Deutschen flossen eine isländische "Barlaams-Saga" (um 1250) sowie das schwedische Volksbuch "Barlaam och Josaphat" (15. Jahrhundert).  Unter dem Titel "Historia von dem Leben der zweyen H. Beichtiger Barlaam Eremiten und Iosaphat deß Königs in Indien Sohn, voll der Glauben und Sitten-Lehr" übersetzte Graf Schweikhard von Helfenstein (1539–1599) das Werk in die deutsche Sprache seiner Zeit und es wurde 1603 posthum gedruckt.  Eine hebräische Übersetzung aus dem Arabischen besorgte um 1200 Abraham ben Samuel ibn Chasdai.

Barlaam und Josaphat als Heilige.

Barlaam und Josaphat sind christliche Heilige. Kardinal Baronius nahm Josaphat 1590 in das Martyrologium Romanum auf.

Ikonographie.

Buchmalerei.

Die Barlaam und Josaphat-Ikonographie beginnt mit den Illustrationen in den griechischen Fassungen. Von den etwa 140 überlieferten Handschriften, die älteste datiert von 1057, sind fünf Codices mit Bilderzyklen erhalten, zwei der Handschriften sind Teile desselben, jedoch in verschiedenen Bibliotheken aufbewahrten Exemplars. Bis auf den späten Pariser Codex aus dem 14. Jahrhundert werden meist die Rahmenhandlung und einige Parabeln (Sämann, König mit den Mönchen, Todeshorn, Vier Kästchen, Vogelfänger, Einhorn, Drei Freunde, Jahreskönig, Frommer König, Reicher Jüngling, Rehbock, Königssohn) dargestellt. Auch die lateinische Version ist in drei Bilderhandschriften des 15. Jahrhunderts überliefert. Mit Illustrationen versehen sind auch einzelne russische und arabische Fassungen. Auf einer anonymen deutschen Prosafassung beruht ein etwa 1476 erschienener Frühdruck von Günther Zainer, Augsburg, mit 64 zum Teil mehrere Szenen zusammenfassenden Holzschnitten, die 1480 von Anton Sorg, ebenfalls in Augsburg, wieder verwendet wurden. Die einzige Handschrift der frühesten mittelhochdeutschen Bearbeitung durch Otto II. von Freising (um 1200) enthält nur eine Titelillustration (Ende des 14. Jahrhunderts).  Von den Handschriften des Versromans des Rudolf von Ems sind nur vier mit Buchschmuck versehen. Aus dieser Gruppe ragt zweifelsfrei die mit einem reichen Bilderzyklus ausgestattete Handschrift aus der Werkstatt des Diebold Lauber (1469) heraus, die sich heute im J. Paul Getty Museum (Ms. Ludwig XV 9) befindet. Sie enthält 138 kolorierte Federzeichnungen; bei drei weiteren Handschriften nach Rudolf von Ems kann man nur ansatzweise von Bilderschmuck sprechen.

Kremser Freskenzyklus.

Vor kurzem wurde ein geschlossener Wandmalereizyklus im Freskensaal der sog. Gozzoburg in Krems an der Donau (Österreich) entdeckt. Der Barlaamzyklus ist – wenn die Datierungen von kunst- und bauhistorischer Seite halten – neben den Iwein-Freskenzyklen in Schloss Rodenegg und in Schmalkalden (beide aus der ersten Hälfte des 13. Jahrhunderts) vermutlich die einzige profane Monumentalmalerei des 13. Jahrhunderts. Das bildnerische Programm wurde in relativ enger Anlehnung an die literarischen Vorlagen realisiert, obgleich für die Umsetzung literarischer Inhalte in Wandmalereien eine starke Textablösung und ein selbständiges Agieren mit den textlichen Vorlagen im anderen Medium durchaus üblich ist. Mit der visuellen Vergegenwärtigung dieser religiösen Literatur in einem repräsentativen Raum ist eine klare Intention des Auftraggebers verbunden. Das Ziel der Dichtung war neben der Verkündung des Sieges des Christentums die ethische Formung der Menschen.  Die im Medium der bildenden Kunst realisierten literarischen Inhalte mit ihrer figürlichen Repräsentation sind weit entfernt von der konventionellen Visualisierung zeitgleicher religiöser Inhalte. Die Kremser Wandmalereien stellen eine bedeutungsvolle Innovation des überkommenen bekannten Bildrepertoires dar.

Fassungen, Ausgaben, Übersetzungen.

Arabische Fassung  Georgische Fassung  Griechische Fassung

Literatur.

Übersichtsdarstellungen in Handbüchern  Untersuchungen

Barlaam und Josaphat ist ein byzantinischer Roman, der vermutlich um 1000 verfasst wurde. Der Roman besteht aus einer Rahmengeschichte, die vom indischen Prinzen Josaphat handelt, der vom Eremiten Barlaam anhand von Parabeln zum Christentum bekehrt wird.

贝尔拉姆与约瑟伐特(英语:Barlaam and Josaphat),基督教版本的释迦牟尼本生故事,取材于普曜经,以阿拉伯语,希伯来语,波斯语,粟特语和回鹘语写成。作者可能是公元6或7世纪,中亚或伊朗的基督徒。


Leben.

Diana Gabaldon wuchs in Flagstaff (Arizona) auf und studierte Zoologie an der Northern Arizona University. Später wechselte sie an die Scripps Institution of Oceanography der University of California, San Diego, wo sie den Master of Science in Tiefseebiologie erreichte. Sie wurde zur Honorarprofessorin in "quantitativer Verhaltensökologie" berufen. Gleichzeitig war Gabaldon als freiberufliche Autorin tätig, unter anderem für die "Byte". Außerdem gründete sie die wissenschaftliche Fachzeitschrift "Science Software Quarterly", in der Tests von Software für den IBM Personal Computer und Apple Macintosh erschienen. Mitte der 1980er Jahre beschäftigte sich Diana Gabaldon mit dem World Wide Web und wurde Mitglied eines Diskussionsforums zum Thema Literatur bei CompuServe, wo sie 1987 auch Teile ihres ersten Romans "Outlander" veröffentlichte.  Offiziell erschien "Outlander" (deutsch Feuer und Stein) erst 1991, es folgten "Dragonfly in Amber" und "Voyager". Der zuletzt genannte Roman erreichte auf Anhieb den Status eines New York Times-Bestsellers. Sämtliche Werke sind Teil der sogenannten "Highland-Saga", in der die britische Krankenschwester Claire ins 18. Jahrhundert versetzt wird. Sie verliebt sich in den Highlander Jamie und erlebt zahlreiche historische Ereignisse, etwa den Zweiten Jakobitenaufstand. Insgesamt sind bis heute acht Bände in der Reihe erschienen, zuletzt "Ein Schatten von Verrat und Liebe" im Jahr 2014. Üblicherweise veröffentlicht Diana Gabaldon alle vier bis fünf Jahre einen neuen Band der Highland-Saga. Darüber hinaus begann sie mit der sogenannten "Lord-John-Saga" eine weitere Reihe, in deren Zentrum ein Soldat der British Army steht, der in den Highland-Romanen bereits als Nebenfigur auftauchte.  2006 erhielt Gabaldon den Literaturpreis "Quill Book Award" in der Kategorie Science Fiction, Fantasy und Horror für "A Breath of Snow and Ashes" (deutsch "Ein Hauch von Schnee und Asche"). Ferner war "Down These Strange Streets" als beste Kurzgeschichte für den Edgar Allan Poe Award 2012 nominiert. Mit "Ein Schatten von Verrat und Liebe" gewann sie 2014 den LovelyBooks Leserpreis in der Kategorie "Historischer Roman".  Diana Gabaldon lebt mit ihrem Mann in Scottsdale/Arizona und hat drei erwachsene Kinder.  außerhalb der Reihe:

Diana Gabaldon (* 11. Januar 1952 in Williams, Arizona) ist eine US-amerikanische Autorin. Bekannt wurde sie vor allem durch die Romanserie "Highland-Saga". Diese ist Grundlage für die Fernsehserie "Outlander" von Ronald D. Moore.

戴安娜·盖伯顿(生于1952年1月11日)是一位美国作家,最著名的作品是《异乡人》(Outlander)系列小说。她的作品合并多个流派,具有历史,浪漫,神秘,冒险,科幻,奇幻元素。《异乡人》改编的电视剧《古战场传奇》在2014年首演。


Geschichte.

Vorgeschichte.

Im August 1963 begann Brian May zusammen mit seinem Vater seine erste E-Gitarre „Red Special“ zu bauen. Sie prägte später den typischen, unverwechselbaren Gitarrenklang von Queen. 1966 freundeten sich Tim Staffell und Farrokh Bulsara – der sich damals Freddie Bulsara und ab Anfang der siebziger Jahre Freddie Mercury nannte – an, beide studierten damals am Ealing College of Art.  1968 gründeten May (Gitarre, Gesang), Staffell (Leadgesang, Bass) und Roger Taylor (Schlagzeug, Gesang) die Gruppe Smile. Währenddessen schloss sich Mercury der

1970–1974: Erste Jahre.

Während May für Studienzwecke einige Monate auf Teneriffa war, verließ Staffell die Band Smile und ging zu Humpy Bong von Colin Petersen. Daraufhin schlossen sich May, Taylor und Freddie Mercury zur gemeinsamen Band mit dem Namen Queen zusammen.  Mit Mike Grose am Bass gab diese Formation, aufgrund der bereits erfolgten Werbung noch unter dem Namen „Smile“, am 27. Juni 1970 ihr Live-Debüt in Truro. Sein Nachfolger Barry Mitchell bestritt ab August einige Auftritte als Bassist von „Smile“, trennte sich allerdings Anfang

1975–1979: Nummer eins.

Die im Oktober 1975 veröffentlichte Vorabsingle "Bohemian Rhapsody" wurde zum Weihnachts-Nummer-eins-Hit des Jahres und belegte neun Wochen lang Platz eins der britischen Charts; damit wurde Paul Ankas 1957 mit "Diana" aufgestellter Rekord eingestellt. Der von Freddie Mercury geschriebene Song unterscheidet sich durch seinen musikalisch ungewöhnlichen Aufbau und seine Länge von 5:55 Minuten von anderen Singles dieser Zeit. "Bohemian Rhapsody" gilt auch als Beginn der Ära der Musikvideos. Da die Band für einen Live-Auftritt bei der BBC keine Zeit hatte, wurde ersatzweise ein Kurzfilm gedreht, in dem die Band vielfach gespiegelt einen großen Chor für die Rhapsody darstellt. Das im November 1975 veröffentlichte "A Night at the Opera" erreichte als erstes Queen-Album die Spitze der britischen Charts. In den Vereinigten Staaten erhielt es dreimal Platin und brachte für Queen den kommerziellen Durchbruch.  Die beiden Alben "A Night at the Opera" und das im Dezember 1976 erschienene "A Day at the Races", das ebenfalls Platz eins in den britischen Charts erreichte, können als Schwesterwerke betrachtet werden. Beide Titel beziehen sich auf Filmtitel der Marx Brothers, die Gestaltung der beiden Plattenhüllen ist komplementär: das erste weiß, das zweite schwarz, bei beiden erscheint als Titelbild das Queen-Logo.

1980–1984: Neue Wege.

Nach den beiden weiteren Vorab-Single-Auskoppelungen "Save Me" und "Play the Game" wurde im Juni 1980 das Album "The Game" veröffentlicht. Es ist Queens einziges Album, das in den USA Platz eins der Charts erreichte. Die Band hatte sich nicht nur im Sound, sondern auch im Aussehen radikal verändert: Die langen Haare wurden, bis auf Brian May, der auf seine langen Locken bis heute nicht verzichtet, kurz geschnitten und die schrillen Kostüme durch Lederkleidung ersetzt. Freddie Mercury ließ sich zudem einen Schnurrbart stehen. Zum ersten Mal war auf einem Album auch ein Synthesizer zu hören. Im August 1980, während der Nordamerika-Tournee, erfolgte die Veröffentlichung der vierten Single-Auskoppelung "Another One Bites the Dust". Dieser

1985–1989: Live Aid und letzte Tournee.

Im Januar 1985 spielten Queen zwei Konzerte bei der ersten Ausgabe von „Rock in Rio“ vor über 250.000 Zuschauern. Im April veröffentlichte Freddie Mercury sein erstes Soloalbum "Mr. Bad Guy".  Am 13. Juli 1985 um 18:41 Uhr traten Queen bei Bob Geldofs Benefizkonzert Live Aid im Londoner Wembley-Stadion auf. Sie spielten einige ihrer größten Hits: Den ersten Teil von "Bohemian Rhapsody", "Radio Ga Ga" (75.000 Zuschauer klatschten synchron zum Refrain), "Hammer to Fall", "Crazy Little Thing Called Love", "We Will Rock You" und zum Abschluss "We Are the Champions". Mit

1990–1994: Freddie Mercurys Tod und „Tribute Concert“.

Im Februar 1990 wurde Queen mit dem BRIT Award für ihre herausragenden Leistungen geehrt. Mercurys kränkliches Aussehen bei diesem Ereignis gab zu weiteren Spekulationen über seinen Gesundheitszustand Anlass.  Im Januar 1991 erschien mit "Innuendo" das sechseinhalb Minuten lange Titelstück aus dem folgenden Album als Vorabsingle. Sie erreichte – als dritter Song von Queen – Platz eins in den britischen Charts. Im Februar wurde das Album "Innuendo" veröffentlicht, das ebenfalls auf Rang eins der britischen Charts kam. Der Titel („Anspielung, Andeutung“) ist Programm für die Songs des Albums, was aber erst nach Mercurys Tod klar wurde: "I’m Going Slightly Mad", "These Are the Days of Our Lives" und vor allem "The Show Must Go On". Dass Freddie Mercury trotz allem seinen Humor nicht verloren hatte, ist sowohl in seinem Song "Delilah" (einer Liebeserklärung an eine seiner Katzen) als auch in dem Video zu "I’m Going Slightly Mad" zu erkennen.  Brian May produzierte mit Beteiligung Roger Taylors die Benefiz-Single "The Stonk" von Hale and Pace, die auf Platz 1 der britischen Charts gelangte. Am 28. Oktober

1995–1999: Posthumes Album.

Im November 1995, fast fünf Jahre nach "Innuendo", erschien Queens letztes Studioalbum "Made in Heaven". Es enthält die 1991 in den letzten Monaten vor Freddie Mercurys Tod in Montreux aufgenommenen Stücke "A Winter’s Tale", "You Don’t Fool Me" und "Mother Love". Die weiteren Songs stammen mit Ausnahme des abschließenden, instrumentalen Tracks aus den achtziger Jahren und wurden von den verbliebenen Bandmitgliedern für dieses Album großteils neu eingespielt, wobei Mercurys ursprünglicher Leadgesang erhalten blieb. Einige dieser Titel waren in anderen Fassungen insbesondere im Rahmen von Soloprojekten bereits vorher erschienen, wie beispielsweise Mercurys Titelsong und die von Taylor geschriebene erste Singleauskoppelung "Heaven for Everyone". Das Album zählt zu Queens kommerziell erfolgreichsten Veröffentlichungen.  Zum bis dato letzten gemeinsamen Live-Auftritt von Taylor, May und Deacon kam es am 17. Januar 1997 in Paris: Anlässlich der Premiere von Maurice Béjarts Ballett "Le Presbytère n’a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat" spielte Queen

2000–2004: Musical und andere Projekte.

Das Planetarium im Forum der Technik des Deutschen Museums produzierte zusammen mit Brian May eine multimediale Lasershow, die am 13. Dezember 2001 in München Premiere hatte. Die Show beinhaltet Laser-Effekte und 5.1-Raumklang, unter Einbeziehung des in die Kuppel des Planetariums projizierten Sternenhimmels. Eingehüllt in leichten, künstlichen Nebel erlebten die Zuschauer Musik und Videos neu abgemischter Queen-Hits. Die Show war ab 2002 im Zeiss-Planetarium in Jena, ab 2005 im Nicolaus-Copernicus-Planetarium in Nürnberg sowie ab 2006 im Wiener Planetarium zu sehen.  Zusammen mit Ben Elton schrieben Queen ihr eigenes Jukebox-Musical namens „We Will Rock You“, das 2002 in London Premiere hatte. Siehe dazu "We Will Rock You (Musical)".  Am 3. Juni 2002 traten Brian May und Roger Taylor anlässlich der Feierlichkeiten zum goldenen Thronjubiläum von Queen Elisabeth II. auf. Die BBC übertrug die "Party at the Palace" live aus dem Park des Buckingham Palace. Zu Beginn intonierte May seine durch ein Intro erweiterte Version von "God Save the Queen", auf dem Dach des Palastes stehend mit Roger Taylor an den Pauken. Beim von Taylor gesungenen Titel "Radio

2004–2009: Queen + Paul Rodgers.

Grundlage für die Zusammenarbeit von Brian May und Roger Taylor mit Paul Rodgers war ein Treffen von May und Rodgers beim "Fender Strat Pack"-Konzert 2004, als der Gitarrist den Sänger beim Free-Stück "All Right Now" begleitete. In der Folge bat May Rodgers, Queen bei ihrer Aufnahme in die britische "Music Hall of Fame" zu begleiten, wo man gemeinsam "We Will Rock You", "We Are the Champions" und "All Right Now" spielte.  2004 gab man bekannt, gemeinsam auf Tournee gehen zu wollen. Im März 2005 traten Queen und Rodgers bei der Neuauflage des 46664-Konzertes auf. Im selben Monat begann eine ausgedehnte Europa-Tournee unter dem Namen „Queen + Paul Rodgers“; es folgten Auftritte unter anderem in den USA und in Japan. Zur aus insgesamt sechs Mitgliedern bestehenden Besetzung gehörten neben Spike Edney, dem bisherigen Keyboarder bei Queen-Konzerten, die Begleitmusiker Jamie Moses an der Gitarre sowie Danny Miranda am Bass. Außer den Queen-Songs standen Stücke von Free und Bad Company, den ehemaligen Bands von Paul Rodgers, auf dem Programm. Beim Song "Bohemian Rhapsody" teilten sich Freddie Mercury per Videozuspielung und Rodgers den

Seit 2010: Wechsel der Plattenfirma und Filmprojekt.

Am 8. November 2010 wurde bekannt gegeben, dass Queen die 37-jährige Zusammenarbeit mit ihrer Plattenfirma EMI beenden und ab Januar 2011 bei Island Records unter Vertrag stehen wird. Von dieser neuen Plattenfirma wird ab dem Jahr 2011 der Backkatalog von Queen mit umfangreichem Bonusmaterial neu veröffentlicht.  Des Weiteren wurde auch ein Filmprojekt angekündigt. In diesem Film sollte Freddie Mercury von Sacha Baron Cohen dargestellt werden. Das Projekt verzögerte sich und kam schließlich 2018 unter dem Titel "Bohemian Rhapsody" ins Kino. Mercury wird in diesem Film von Rami Malek verkörpert.  Ende 2011 casteten sie per Internet ihre eigene Coverband, die dann auf eine große Tour geht, weil sie sich über die große Zahl an schlechten Coverbands ärgerten. Im Januar 2012 stand die Coverband, die The Queen Extravaganza heißt und aus 7 Personen besteht, fest.  Im Oktober 2011 berichtete das Musikmagazin NME, dass es Überlegungen gebe, mit Lady Gaga als Ersatz für Paul Rodgers, der 2009 ausgestiegen

2012–heute: Nachfolgeprojekt "Queen + Adam Lambert".

Als "Queen + Adam Lambert" gab Queen 2012 zusammen mit dem Sänger Adam Lambert sechs Konzerte in Osteuropa, Russland und drei in London. Seit 2014 gingen "Queen +

Diskografie.

Charakteristik der Musik.

Autoren der Queen-Songs.

Zwar galt Freddie Mercury in den Medien aufgrund der dominierenden Rolle, die er bei den Live-Auftritten spielte, teilweise als Kopf der Band, jedoch waren im Studio, bei der Entwicklung der Songs, alle Bandmitglieder gleichberechtigt und jeder steuerte mehrere Hits bei.  Von den insgesamt 180 veröffentlichten Eigenkompositionen schrieben Freddie Mercury 51, Brian May 46, Roger Taylor 22 und John Deacon 14. Aus der Zusammenarbeit von jeweils zwei Bandmitgliedern entstanden 8 Titel; bei 35 Titeln lautet die offizielle Autorenangabe „Queen“.  An weiteren vier Songs haben externe Autoren mitgearbeitet:  1989 einigte sich die Band darauf, statt einzelner Mitglieder „Queen“ als Autoren anzugeben. Dieses Vorhaben setzte die Gruppe erstmals bei

Sänger der Queen-Songs.

Freddie Mercury sang bei Studioaufnahmen die meisten Titel: Seine eigenen, alle von John Deacon und viele von Brian May und Roger Taylor. Brian May interpretierte zehn seiner eigenen Songs und Roger Taylor elf. Bei einigen Titeln ergänzen ein oder zwei der Bandmitglieder, die sonst immer wieder in den Refrain-Einwürfen zu hören sind, die Stimme von Freddie Mercury.  In folgenden Stücken ist der Hauptgesang auf mehrere Queen-Mitglieder aufgeteilt:  "Under Pressure" auf "Hot Space" (1982) ist der einzige Song auf einem Studio-Album von Queen, in dem neben Freddie Mercury ein Nicht-Bandmitglied, David Bowie, als Hauptsänger auftritt. Kurze Gastauftritte als Sänger hatten Queens Toningenieur Mike Stone ("Good Old-Fashioned Lover Boy", 1976) und Joan Armatrading ("Don’t Lose Your Head", 1986).  Bei den Live-Auftritten sang Freddie Mercury alle Titel, auch solche, die auf den Alben von May "(’39)" oder Taylor "(Modern Times Rock ’n’ Roll; Rock It)" interpretiert wurden. Einzige Ausnahme bildete "I’m in Love with My Car" von Roger Taylor, das dieser mit seiner unverwechselbaren Stimme auch auf der Bühne selbst sang. Bei "Under Pressure" übernahm Roger Taylor den Part von David Bowie.

Gastsänger nach 1991.

Nach dem Tod von Mercury traten die verbliebenen Queen-Mitglieder May, Taylor und Deacon beim Freddie Mercury Tribute Concert 1992 gemeinsam mit einer Vielzahl an Gastsängern auf, darunter waren Roger Daltrey, James Hetfield, Robert Plant, Seal, David Bowie, Annie Lennox, George Michael, Lisa Stansfield, Elton John, Axl Rose und Liza Minnelli. Der zweite – und zugleich letzte – Auftritt zu dritt fand 1997 anlässlich der Premiere von Maurice Béjarts Ballett in Paris statt: Wiederum übernahm Elton John den Lead-Gesang bei "The Show Must Go On", dem einzigen damals gespielten Stück. Diese Live-Version wurde 1999 auf dem Album "Greatest Hits III" veröffentlicht.  In den folgenden

Remixe.

Neben den erwähnten Neuaufnahmen im Studio und Live-Interpretationen entstanden seit Beginn der neunziger Jahre auch zahlreiche Remixe, die offiziell auf Queen-Tonträgern veröffentlicht wurden. Als Remixer betätigten sich z. B. Rick Rubin, Trent Reznor, Vanguard "(Flash)" und der Rapper Wyclef Jean, an dessen Version von "Another One Bites the Dust" auch Pras Michel beteiligt war.

Stilrichtungen.

Ein besonderes Merkmal der Musik von Queen ist ihre große stilistische Bandbreite. Diese reicht vom intimen, leisen Lied mit Harfen- oder Gitarrenbegleitung "(Love of My Life)" bis hin zur pompösen "Bohemian Rhapsody", von Music-Hall-Anklängen zum Rock ’n’ Roll der fünfziger Jahre, vom Hard

Das „Theatralische“.

Manche Kritiker sagten Queen nach, dass ihre Musik oft etwas Theatralisches und Pompöses an sich habe. Das ist vor allem auf die üppigen Gitarren- und Gesangschöre, den großen Umfang und die Ausdruckskraft von Mercurys Stimme und auf die besondere Beherrschung der hohen Tonlagen durch Roger Taylor zurückzuführen (z.

Gitarrenklang.

Bis 1980 erzeugte Brian May mit seiner selbstgebauten „Red Special“ alle Klangeffekte, die bei anderen Gruppen Synthesizer, Streicherorchester oder Blechblasinstrumente übernehmen. Das war zum einen deshalb möglich, da seine Gitarre bauliche Eigenheiten wie Resonanzräume aufweist, die unabhängig von allen elektrischen Veränderungen einen unverwechselbaren Klang erzeugen. Dazu kommt, dass May bei vielen Stücken mehr als nur eine Gitarren-Spur aufnahm. So weist die Partitur von "Somebody to Love" fünf E-Gitarren-Stimmen auf. In den rein instrumentalen Stücken ("Procession", "The Wedding March" sowie "God Save the Queen"), aber auch in Songs wie "Keep Yourself Alive", "Dreamer’s Ball" oder "The Millionaire Waltz" kommt dieser „orchestrale“ Gitarrenklang besonders deutlich zur Geltung. Eine weitere Steigerung dieser Gitarren-Effekte

Queen als Liveband.

Queen spielten über 700 Konzerte in 16 Jahren; die Band gehörte zu den erfolgreichsten Livebands der 1970er und 1980er Jahre.  In den 1960er Jahren vor Queen erinnerten die Live-Auftritte eher an die Übertragung der Bedingungen eines Platten- oder Fernsehstudios auf eine kleine Bühne: Die Kleidung war konventionell, die Bandmitglieder bewegten sich kaum von der Stelle (was auch mit den einschränkenden technischen Bedingungen zusammenhing) und die Musiker konnten nur wenig Kontakt zum Publikum herstellen. Die Stücke entsprachen zwar musikalisch den Plattenaufnahmen, es war ihnen aber anzumerken, dass Technik und Aufnahmebedingungen des Studios nicht auf die Bühne übertragen werden konnten.  Für Queen stand dagegen stets die perfekte Show und Unterhaltung des Publikums im Vordergrund. Sie nutzten neue Techniken, um Akustik und Licht zu verbessern und verwendeten entsprechend große Ton- und Lichtanlagen. Spezialeffekte wie Nebel, Lichtwechsel und Pyrotechnik wurden gezielt und mit Gespür für den richtigen, dramatischen Zeitpunkt eingesetzt. Extravagante Haartracht und Kostüme spielten bis 1980 auf der Bühne eine wesentliche Rolle. Freddie Mercury war als Leadsänger alles andere als statisch. Er faszinierte sein Publikum mit seinen tänzerischen, kraftvollen, auf die Musik abgestimmten und durch die Musik inspirierten Bewegungen. Eine besondere Rolle spielte dabei sein Mikrofonständer, von dem die Füße abmontiert waren. Er war integraler Bestandteil seiner Bühnenpräsenz und wurde als Tambourstock, Gitarre, Balanciergerät und Phallussymbol genutzt. Mercury brauchte für seine Art der Performance eine große Bühne, die sich durch Treppen und Rampen in die dritte Dimension erstreckte. So wurde jedes Konzert auch zu einem theatralischen Gesamtkunstwerk.  Die komplexen Titel der Platten konnte und wollte Queen nicht 1:1 auf die Bühne bringen. Jedes Stück wurde für die Liveauftritte bearbeitet, und dank der Improvisationskunst von Mercury und May unterschied sich die Interpretation von Auftritt zu Auftritt.  Grundsätzlich war die Gruppe der Meinung, dass nichts vom Band kommen dürfe. Doch es gab einige wenige Ausnahmen: Während der A-cappella-Mittelteil von "Bohemian Rhapsody" vom Tonband gespielt wurde, verschwand die Band von der Bühne, die nur noch von Lichteffekten und Nebel beherrscht wurde. Der Übergang zum Schlussteil war dann eine regelrechte Explosion von Licht und Feuerwerk, aus der die Band wie aus einer Theaterversenkung

Bandname.

In einem Interview äußerte sich Freddie Mercury zum Band-Namen: "It was then that I thought about the name Queen. You know at that time the name summoned up a lot of things, a lot of theatre, very grand, very pompous, all of that kind of connotations. It meant so much, you know, it was nice. It wasn’t a precise label, it could mean a lot of things."  Mit dieser unausgesprochenen Ambivalenz des Ausdrucks spielte vor allem Freddie Mercury bei seinen Live-Auftritten: Er verstand es, mit Humor und ironischer Distanz, durch Ballettschritte, Haartracht und Kostüme einerseits und durch betont männliche Gesten sowie das Spiel mit dem Mikroständer andererseits zu verhindern, Vorurteile des Publikums in die eine oder andere Richtung zu bedienen. Zwar waren einige Kostüme sehr extravagant, zum Beispiel hauteng mit Pailletten und tiefem Ausschnitt. Mercury

Emblem.

Das von Freddie Mercury entworfene Queen-Emblem, auf dem Cover der LP "A Day at the Races" am deutlichsten ausgeführt, ist dem Vollwappen des britischen Königshauses nachempfunden. Ein Q bildet einen ovalen Schild, der die stilisierte britische Krone enthält und von allegorischen Figuren umgeben ist. Als Schildhalter dienen zwei steigende, gekrönte Löwen. Der linke (heraldisch rechte) Löwe hat ein gelbes Fell, während der rechte (heraldisch linke) grau und geflügelt ist. Auf der oberen Kante des Schildes balanciert

Einfluss auf andere Musiker.

Musiker und Bands aus sehr unterschiedlichen Stilrichtungen – von Alternative Rock, Hard Rock, Heavy Metal und Progressive Rock bis u. a. hin zu Industrial Rock und Pop – wurden durch Queens Musik und Bühnenauftritte beeinflusst, wie Judas Priest, Def Leppard, Steve Vai, Culture Club, George Michael, Pulp, Frankie Goes to Hollywood, The Melvins, Manowar, Guns N’ Roses, Blind Guardian, Trent Reznor, Extreme, Ween, The Smashing Pumpkins, Radiohead, Robbie Williams, Ben Folds Five, Muse, The Darkness, Alex Kapranos und Mika.  Dave Grohl und Taylor Hawkins betonten wiederholt ihre Wertschätzung für Queen. Die beiden Mitglieder der Foo Fighters hielten 2001 auch die Laudatio anlässlich Queens Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame. Mehrmals trat ihre Band zusammen mit Roger Taylor und Brian May live auf; darüber hinaus nahmen die Foo Fighters gemeinsam mit May einige Stücke im Studio auf.  Dave Grohl (Nirvana; Foo Fighters; Queens of the Stone Age):  Henry Rollins (Black Flag; Rollins Band):  Billy Corgan (The Smashing Pumpkins):  Queens Songs wurden vielfach gecovert. Die Band Metallica erhielt 1991 für ihre ein Jahr vorher veröffentlichte Version von "Stone Cold Crazy" einen Grammy in der Kategorie „Best Metal Performance“. Zu weiteren Interpreten, die im Studio neue Fassungen der Kompositionen von Queen aufnahmen, gehören beispielsweise Weird Al Yankovic (u. a. "Another One Bites the Dust"), Laibach "(One Vision)," Nine Inch Nails "(Get Down, Make Love)", Lemmy Kilmister "(Tie Your Mother Down)", Dwight Yoakam "(Crazy Little Thing Called Love)", Travis "(Killer Queen)" sowie The Flaming Lips "(Bohemian Rhapsody)". Darüber hinaus existiert seit 2002 mit Gary Mullen and The Works eine Queen-Tribute-Band, die versucht, die Musik und die Bühnenauftritte von Queen möglichst originalgetreu zu kopieren.  Zahlreiche Künstler verwendeten in ihren Werken Samples aus Songs von Queen. Dazu zählen u. a. die US-amerikanischen Hip-Hop-Musiker Grandmaster Flash (in: "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel"), Public Enemy (in: "Terminator X to the Edge of Panic"), Vanilla Ice (in: "Ice Ice Baby"), Ice Cube (in: "When Will They Shoot?") und Eminem (in: "Till I Collapse" und "Puke").

Queen ist eine 1970 gegründete britische Rockband. Ihre Besetzung mit Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor und John Deacon blieb mehr als zwei Jahrzehnte lang unverändert.

皇后乐团(英语:Queen)是英国摇滚乐乐队,成立于1970年,成员包括主唱弗雷迪·默丘里、吉他手布赖恩·梅、鼓手罗杰·泰勒、贝斯手约翰·迪肯,乐团最初期的作品受到前卫摇滚、硬摇滚和重金属音乐的影响,后来逐渐尝试往传统和电台广播的作品迈进,将其他风格像歌剧、民谣、艺术摇滚、竞技场摇滚和流行摇滚融入音乐中,对世界乐坛留下深远影响。


Allgemeines.

In der deutschen Sprache ist der Reset in der Informationstechnik auch als „AEG-Prinzip“ bekannt (Abkürzung für Ausschalten-Einschalten-Geht) – ein Grundsatz zur Behebung von Hardwarefehlern. Unabhängig von dieser Havariesituation führt jedes elektronische System, das für seine ordnungsgemäße Funktionalität einen definierten Anfangszustand benötigt, schon bei seiner normalen Inbetriebnahme automatisch einen Reset aus. Durch eine Watchdog-Schaltung überwachte Systeme werden bei Fehlfunktion automatisch zurückgesetzt.

Computertechnik und weitere elektronische Systeme.

Bei Ausführung des Resets eines PCs nimmt der "gesamte PC" samt den darin enthaltenen Prozessoren, Controllern und sonstigen Funktionseinheiten und Baugruppen den ihm eigenen Anfangszustand ein. Deshalb wird ein Reset im Deutschen oft ungenau als "Neustart" bezeichnet.  Bei anderen elektronischen Systemen mit räumlich weit verteilten Komponenten kann der Reset auch begrenzt werden auf einzelne Komponenten, oder innerhalb der Komponenten auf einzelne Funktionseinheiten. Beispiele hierfür sind Steuerungen von Industrieanlagen, elektronische Systeme in Kraftfahrzeugen, Gebäudemanagement-Systeme, Computernetze usw.  Digitale Grundschaltungen wie Flipflop werden mit Signal auf dem Eingang „R“ (für Reset) zurückgestellt. Bei aus Flipflops bestehenden Schaltungen wie Asynchronzähler und Synchronzähler ist der Reset-Eingang das Zurückstellen auf null äquivalent der Taste am Tageskilometerzähler.

Resettypen der PCs.

Bei einem einzelnen PC gibt es drei Reset-Arten:

Warmstart (Reboot).

Der softwareseitige "Neustart" eines Systems ist eine verkürzte Bootprozedur, ausgelöst durch Tastatureingabe oder Kommandos.

Hardware-Reset.

Der Hardware-Reset wird ausgelöst durch Betätigen der Resettaste am Computergehäuse. Das funktioniert auch dann, wenn das Betriebssystem nicht mehr auf Eingaben (üblicherweise von Tastatur oder Maus) reagiert. Die Resettaste wirkt direkt auf die Hardware und umgeht so das ausgefallene Betriebssystem.  Auf manchen neueren PCs kann im BIOS eingestellt werden, welches Ereignis durch Betätigen der Resettaste ausgelöst werden soll. Dadurch kann z. B. das nicht abgestürzte Betriebssystem informiert werden, dass die Resettaste gedrückt wurde. Das Betriebssystem kann dann entsprechend reagieren und z. B. den Rechner sauber herunterfahren, zwischengespeicherte Daten endgültig auf den Datenträger schreiben u. a. m. Die Resettaste befindet sich meist in der Nähe des Einschaltknopfes. Viele Computer haben diesen „Notschalter“, mit dem man den PC neu starten kann, wenn er „abgestürzt“ ist. Er befindet sich nicht auf der Tastatur. Bei manchen PC-Gehäusen ist sie nur über ein kleines Löchlein zu erreichen, in das man einen dünnen, spitzen Gegenstand einführen muss (z. B. Kugelschreiberspitze). Bei manchen Laptops muss man zum Reset den Einschaltknopf mehrere Sekunden lang gedrückt halten.  Auf vielen Kleinstcomputern (Mobilgeräte) wie MP3-Spielern befindet sich der Resetknopf als winziger, versenkter Knopf meist auf der Rückseite des Gehäuses und kann meist nur mit einer dünnen Nadel betätigt werden.  Ältere Heimcomputer wie der C64 besaßen noch keine Resettaste. Sie war nur als Zubehör bei Drittanbietern erhältlich (s. Bild rechts).

Kaltstart.

Es kann vorkommen, dass ein PC auch auf die Resettaste nicht mehr reagiert. Dann muss die Stromversorgung unterbrochen werden. Hierbei wird auch die Stromversorgung sämtlicher Geräte, die über den PC mit Strom versorgt werden, unterbrochen (z. B. Festplatten und andere Laufwerke mit darin befindlichen Datenträgern). Dadurch werden diese Geräte möglicherweise in Mitleidenschaft gezogen. Moderne Festplatten haben jedoch einen Mechanismus, der es ermöglicht, den Kopf trotzdem noch zu parken und damit einen Head-Crash zu verhindern.

Problematik des Resets bei PCs.

Dateien und Daten, die nicht auf der Festplatte oder anderen Datenträgern gespeichert sind, sind nach einem Reset so gut wie verloren. Bisweilen können Fragmente der alten Daten im unbelegten Speicher des neu gestarteten Systems aufgefunden werden.  Da vor dem Reset das Betriebssystem normalerweise nicht dazu kommt, alle seine Operationen sauber zu beenden, kann ein Reset eine Inkonsistenz des Dateisystems zur Folge haben. Das Betriebssystem erkennt dies aber normalerweise beim nächsten Hochfahren, prüft daraufhin die Dateisysteme und versucht, sie zu reparieren. Trotzdem kann es passieren, dass Daten auf der Festplatte verlorengehen, wenn sie bei der Reparatur des Dateisystems nicht den richtigen Dateien und Ordnern (Verzeichnissen) zugeordnet werden können. Im schlimmsten Fall kann es dazu kommen, dass das gesamte Dateisystem einer Partition unbrauchbar wird und alle Daten auf ihr verlorengehen bzw. nur noch durch Datenrettung wiederherstellbar sind. Liegt das Betriebssystem (oder wichtige Teile davon) auf einem derart beschädigten Dateisystem, kann oder (zur Abwendung weiterer Schäden:) will es eventuell nicht mehr starten, so dass der Computer unbenutzbar wird.  Weil die Reset-Taste an der Frontseite des PCs leicht zugänglich ist, kam es in der Vergangenheit immer wieder zu einer ungewollten Betätigung dieser Taste. Als Gegenmittel haben die PC-Hersteller die Taster versenkt angeordnet, hinter kleinen Zugangslöchern versteckt und Zeitverzögerungen für die Auslösung eingebaut. Bei einigen neueren PCs wird die Reset-Taste sogar ganz weggelassen. Ihre Funktion wird dann von der Netztaste übernommen, die mehrere Sekunden lang gedrückt werden muss.

Power On Reset (POR).

Als "Power On Reset" bezeichnet man den Reset, der in nicht-trivialen Digitalschaltungen (Computer, Eingebettete Systeme,...) nach dem Anlegen der Versorgungsspannungen für einen definierten Start der Schaltung sorgt, sobald die Versorgungsspannungen des Systems ihre Nennwerte erreicht haben. Beim PC wird dies z. B. durch das "Power-Good"-Signal des Netzteiles signalisiert. Bei eingebetteten Systemen haben entweder die verwendeten Mikrocontroller eine eingebaute POR-Schaltung, oder es wird ein externer Baustein verwendet, wie z. B. ein System Basis Chip oder ein Festspannungsregler mit Reset-Ausgang.

Weitere Beispiele.

Auf programmierbaren Taschenrechnern der 1970er und 1980er Jahre musste nach jedem Batteriewechsel die Resettaste gedrückt werden, um Fehlladungen zu neutralisieren. Dieser geregelte Kurzschluss wurde z. B. beim Sharp „PC“ durch einen Taster unter der Rechnerrückseite erreicht, der durch ein kleines Loch mit einem Kugelschreiber oder der Spitze eines Bleistiftes gedrückt werden konnte. Auch hierdurch wurde der Speicher des Rechners aus einem "undefinierten Zustand" in einen "definierten Anfangszustand" gebracht.  Auch bei anderen elektronisch gesteuerten Geräten kann es zu Programmabstürzen kommen. In diesem Fall hilft oft als letztes Mittel ein Kaltstart mittels des Netzschalters oder -steckers bzw. durch Herausnehmen der Batterie oder Betätigen einer bestimmten „Hard“-Reset-Kombination. Eventuell muss die Stromzufuhr bis zu einer Minute lang unterbrochen werden, damit die Kondensatoren sich entladen. Falls das nicht zum Ziel führt, liegt meistens ein Hardwarefehler vor. Bei kleineren Geräten wird der Arbeitsspeicher oft durch eine Sicherungsbatterie versorgt, sodass ein Herausnehmen der Batterie über einen kurzen Zeitraum nicht zum Ziel führt.

Ein Reset ([];, „zurücksetzen“) ist der Anglizismus für einen Vorgang, durch den ein elektronisches System in einen definierten Anfangszustand gebracht wird. Dies kann erforderlich sein, wenn das System nicht mehr ordnungsgemäß funktioniert und auf die üblichen Eingaben nicht reagiert.

在计算机和数据传输系统中,指将挂起的错误或事件清除、将系统置为普通或初始状态的过程。重置也称复位。


Konzept.

Beim Centrino stammen der Prozessor, der Mainboard-Chipsatz und das WLAN-Modul von Intel selbst und sind innerhalb einer Generation der Plattform identisch oder zumindest vollständig zueinander kompatibel. Hierdurch wird die Zahl der leistungsrelevanten technischen Variablen an einem Notebook-System deutlich reduziert.

Prozessor.

Als Prozessor diente bei Centrino zunächst der Pentium M, der extra für Notebooks entwickelt wurde. Neuere Versionen basieren auf dem Core Solo (faktisch einem umbenannten Pentium M) oder dem neueren Intel Core 2 Solo. Als Centrino Duo vermarktete Systeme basieren auf dem Core Duo oder Core 2 Duo. Für Centrino Atom ist der Atom-Prozessor vorgesehen.  Ansonsten baugleiche Notebooks (aus Kostengründen jedoch meist auch mit anderen WLAN-Modulen) mit Celeron-Prozessoren erhalten von Intel keine Lizenz die Marke Centrino zu benutzen.

Chipsatz.

Die Hauptkomponente jeder Generation ist der verwendete Chipsatz. Dieser verändert sich innerhalb der Generation nicht, es existieren jedoch teilweise mehrere Varianten für unterschiedliche Anforderungen an Energieverbrauch sowie Varianten mit und ohne integrierte Grafikeinheit.

WLAN.

Die verwendeten WLAN-Module stammen ebenfalls von Intel selbst, sind aber nicht fest an eine Generation gebunden. Es gibt also Notebooks mit nach den hiesigen Angaben nicht übereinstimmenden WLAN-Modulen.

Grafikeinheit.

Zu allen Centrino-Generationen gehört auch eine in den Chipsatz integrierte Grafikeinheit, diese ist aber nicht zwingend Bestandteil eines Centrino-Systems.

Generationen: Centrino/Centrino Duo.

Carmel.

Die erste Centrino-Generation wurde 2003 vorgestellt und trägt den Codenamen "Carmel". Der verwendete Chipsatz ist hierbei der "intel 855". Dieser erlaubt einen Front Side Bus (FSB) von 100 MHz (FSB 400), wegen dessen zumeist ein Pentium M auf Banias-Basis eingesetzt wird. Zuletzt waren aber auch spezielle FSB400-Versionen des Dothan-Kerns im Einsatz, der einen größeren L2-Cache besitzt. Als WLAN-Modul kommen üblicherweise "Intel PRO/Wireless 2100B" (IEEE 802.11b) oder seltener "PRO/Wireless 2100AB" (IEEE 802.11ab) mit 11 MBit Transferrate zum Einsatz, was Intel zum Ende einige Kritik einbrachte, da die Konkurrenz bereits IEEE 802.11g-Chips (also 54 MBit) anbieten konnte.  Aufgrund ihrer hohen Energieeffizienz, insbesondere mit einer dynamischen Prozessortaktung, wurde mit Carmel in Hinblick auf die Akkulaufzeit neue Maßstäbe gesetzt.

Sonoma.

Die 2005 vorgestellte zweite Centrino-Generation trägt den Codenamen "Sonoma". Sie setzt sich zusammen aus dem "Intel 915 Express Chipsatz" mit 133 MHz FSB (FSB 533), dem Pentium-M-Mobilprozessor aus der Dothan-Serie und "Intel PRO/Wireless 2200BG" oder "2915ABG" Wireless-Adapter. Der Intel 915 Chipsatz unterstützt viele neue Standards wie zum Beispiel DDR2, PCI Express und SATA. Die optionale integrierte Grafikeinheit "GMA 900" kann bis 128 MB vom Arbeitsspeicher als Grafikspeicher abzweigen. Zusätzlich wird durch die neuen WLAN-Adapter neben dem 802.11b Standard auch der 802.11g-Standard unterstützt.

Napa.

Die dritte Centrino-Generation aus dem Jahr 2006 trägt den Codenamen "Napa". Unter anderem kommt nun der "Intel Mobile 945 Express Chipsatz" zum Einsatz, der den Mobilprozessor Intel Core Solo auf Yonah-Basis oder den Core 2 Solo auf Merom-Basis ansteuert. Die "Napa"-Plattform ermöglicht auch den Einsatz der Doppelkernprozessoren Core Duo oder Core 2 Duo, diese Kombination wird dann als Centrino Duo vermarktet. Bei dieser Plattform wurde der FSB auf 166 MHz (FSB 667) erhöht und die Virtualisierungstechnik Intel VT wurde eingeführt. Die "GMA-950"-Grafik kann mit bis zu 256 Megabyte Shared Memory arbeiten. Als WLAN-Modul dienen "Intel PRO/Wireless 3945abg" oder "3965abg".

Santa Rosa.

Die vierte Generation, nur noch als Centrino Duo, ist unter dem Namen "Santa Rosa" bekannt. Sie wurde am 9. Mai 2007 vorgestellt. Erste Notebooks mit der neuen Plattform kamen Ende Mai 2007 in den Handel. Als Chipsatz dient hier der "Intel Mobile 965 Express Chipsatz", der einen Front Side Bus von 200 MHz (FSB 800) besitzt, diesen aber bei geringer Prozessorlast auf 100 MHz (FSB400) reduzieren kann. Als Prozessor dienen die Core-2-Prozessoren mit Codenamen "Merom" und "Penryn". Als Grafikeinheit dient der GMA X3100, für WLAN dient der "Intel PRO/Wireless 4965AGN IEEE 802.11 a/b/g/n mini-PCIe WiFi-Adapter".  Eine grundlegende Neuerung ist ein unter dem Namen "Robson" entwickelter Flash-Speicher, der als großer und schneller Festplatten-Cache dienen soll.  Die „Santa Rosa“-Plattform wird wiederum in zwei Varianten vermarktet: Die Business-Linie nennt sich Centrino Pro und bietet zusätzliche Sicherheits- und Netzwerkverwaltungs-Funktionen. Die normale, überwiegend für Heimanwender gedachte Linie trägt weiterhin die bekannte Bezeichnung Centrino Duo.

Montevina / Centrino 2.

Unter dem Namen "Centrino 2" (früher: "Montevina") startete am 15. Juli 2008 die fünfte Centrino-Generation. Sie beinhaltet die Beschleunigung des FSB auf 266 MHz (FSB 1066), die Unterstützung von DDR3-SDRAM mit bis zu 1.066 MHz, reduzierter Stromverbrauch (durch Fertigung des Chipsatzes in 65 nm), ein WiMAX-Modul (Codenamen „Echo Peak“) und die GMA-X4500-Grafikeinheit.  Zuerst kamen Notebooks mit PM45-Chipsatz und dann am 5. August 2008 durch die Chipsätze GM45 und GM47 ergänzt wurden, die dann X4500-HD-Grafikeinheiten beinhalteten.

Centrino (oder "Centrino Mobile Technology") ist eine Marke, die sämtliche Notebook- sowie Mobile-Internet-Device-Plattformen umfasst, welche auf Hardware aus dem Hause Intel basieren. Sie bezeichnet Kombinationen aus Prozessor, Mainboard-Chipsatz und WLAN.

迅驰(英语:Centrino)是英特尔公司旗下的结合Pentium M处理器(或酷睿处理器)、Intel的芯片组和Intel无线网卡的移动计算解决方案的品牌。每当开发新一代技术都会再使用新的英文开发代号区别,因此迅驰泛指英特尔Pentium M,Pentium或酷睿笔记本电脑主板及无线网络组合的总称。


Allgemeines.

Wega bildet zusammen mit den Hauptsternen der Sternbilder Schwan und Adler das sogenannte Sommerdreieck. Sie ist der fünfthellste Stern am Nachthimmel und nach Sirius und Arktur der dritthellste Stern in der nördlichen Hemisphäre. Sie ist etwa 25 Lichtjahre von der Sonne entfernt und damit ein relativ nahe gelegener Stern. Zusammen mit Arktur und Sirius zählt Wega zu den hellsten Sternen in der Nachbarschaft der Sonne.  Wega wurde von den Astronomen ausgiebig untersucht. Dies führte dazu, dass sie „wohl als der wichtigste Stern nach der Sonne“ gilt. Aufgrund der Präzessionsbewegung der Erde war Wega vor etwa 14.000 Jahren der Polarstern, und die Erdachse wird in etwa 12.000 Jahren wieder in Richtung Wega zeigen. Jedoch wird Wega dem Himmelspol bei weitem nicht so nahe kommen wie der derzeitige Polarstern α Ursae Minoris.  Die große Helligkeit der Wega ließ Friedrich Wilhelm Struve um 1835 vermuten, dass sie dem Sonnensystem so nahe sei, dass eine Entfernungsbestimmung möglich wäre. 1838 gelang ihm die Messung der winzigen Winkelverschiebung von nur 0,13′′ und damit ein weiterer Nachweis des heliozentrischen Weltbildes. Als Erstnachweis war ihm Bessel am Stern 61 Cygni um einige Monate zuvorgekommen.  Wega diente den Astronomen u. a. als Nullpunkt zur Kalibrierung der fotometrischen Helligkeitsskala (siehe auch Polsequenz). Sie war auch einer der A0V-Sterne, die aufgrund ihrer relativ konstanten Intensität im visuellen Bereich des Spektrums als Nullpunkt für die B-V- und U-B-Farbindices im Johnson-Morgan-UBV-System dienten.

Physikalische Eigenschaften.

Wega ist ein bläulich-weißer Hauptreihenstern, der wie alle Hauptreihensterne in seinem Kern Wasserstoff zu Helium fusioniert. Mit einem Alter zwischen 386 und 572 Millionen Jahren zählt Wega zu den noch jüngeren Sternen. Sie ist relativ arm an „Metallen“ (Elemente, die eine höhere Ordnungszahl als Helium haben). Es wird vermutet, dass Wega ein veränderlicher Stern ist, der sich periodisch sehr wenig in seiner Helligkeit ändert. Wega hat etwa die 2,2-fache Masse und die 37-fache Leuchtkraft der Sonne.  Wasserstoff wird im Innern des Sternes durch den Bethe-Weizsäcker-Zyklus (CNO-Zyklus) zu Helium fusioniert. Dieser Prozess benötigt eine Temperatur von über 16 Mio. K, welche höher ist als die Kerntemperatur der Sonne. Diese Kernfusionsreaktion ist jedoch effizienter als die Proton/Proton-Reaktion der Sonne. Im Kern ist eine Konvektionszone, die nach außen hin in eine Strahlungszone übergeht. Bei der Sonne ist das umgekehrt. Dort ist innen die Strahlungszone und in Richtung Oberfläche folgen die Konvektionszonen.  Das sichtbare Spektrum wird durch Absorptionslinien des Wasserstoffs, speziell der Linien der Balmer-Serie, dominiert. Die Linien der anderen Elemente sind nur schwach ausgeprägt, am ehesten sind noch jene von Magnesium, Eisen und Chrom erkennbar. Die Röntgenstrahlung Wegas ist sehr gering. Dies deutet an, dass die Korona des Sterns sehr schwach ist oder gar nicht existiert.  Da Sterne mit höherer Masse ihren Wasserstoff viel schneller als masseärmere Sterne fusionieren, ist die Lebenszeit von Wega mit 1 Mrd. Jahren (entspricht etwas weniger als einem Zehntel der Lebenszeit der Sonne) entsprechend kurz. Damit hat sie schon bald die Hälfte ihrer Hauptreihenzeit hinter sich. Danach wird sie sich zu einem Roten Riesen der Spektralklasse M aufblähen, um schließlich als Weißer Zwerg zu enden.

Rotation.

Früher wurde angenommen, dass Wega ein langsam rotierender Stern mit recht konstanter Oberflächentemperatur sei. Nach Messungen von "Peterson" rotiert Wega aber sehr schnell um ihre um 4,5 Grad zu unserer Beobachtungslinie geneigte Achse, und zwar mit 93 % der Geschwindigkeit, die den Stern zerreißen würde.  Untersuchungen mit dem Interferometer CHARA des Mount-Wilson-Observatorium in Kalifornien haben ergeben, dass die Photosphäre Wegas am Äquator um 2400 K kühler als an den Polen ist. Die Ursache, dass die Temperaturen an den Polen 10.000 K und am Äquator 7600 K betragen, liegt an der Ausbauchung unter der Zentrifugalkraft der schnellen Rotation um die Polachse innerhalb 12,5 Stunden. Am Äquator liegt eine Umfangsgeschwindigkeit von 274 km/s vor, der Poldurchmesser ist um 23 % kleiner als der Äquatordurchmesser (Abplattung 1:4,35).  Der Temperaturunterschied lässt sich durch die Position der Polarregion erklären, die sich wesentlich näher am heißen Sterninnern befindet. Dieser Effekt wird als Schwerkraft-Abdunklung bezeichnet. Von der Erde aus blickt man auf einen der Pole Wegas.

Häufigkeit der Elemente.

Astronomen bezeichnen Elemente, deren Ordnungszahl höher als die des Heliums ist, als „Metalle“. Die Metallizität von Wegas Photosphäre beträgt mit [M/H] = −0,5 etwa 32 % des Wertes der Atmosphäre der Sonne. Zum Vergleich weist Sirius mit [M/H] = +0,5 das dreifache Vorkommen von Metallen gegenüber der Sonne auf. Der Anteil der Elemente, die schwerer als Helium sind, beträgt bei der Sonne etwa: Z = 0,0172 ± 0,002. Damit enthält Wega nur etwa 0,54 % schwerere Elemente als Helium.  Die ungewöhnlich geringe Metallizität Wegas macht sie zu einem schwachen Lambda-Bootis-Stern (einer Gruppe von Sternen mit geringer Metallizität). Jedoch bleibt der Grund der Existenz von solch chemisch ungewöhnlichen A0-F0-Spektralklassensternen unklar. Eine Möglichkeit besteht in der Diffusion oder im Materieverlust der Sterne. Stellare Modelle zeigen jedoch, dass dies normalerweise nur am Ende der Lebenszeit der Phase der Fusion von Wasserstoff auftreten würde. Der Stern könnte auch aus einer interstellaren Wolke aus Gas oder Staub, die ungewöhnlich arm an Metallen war, entstanden sein.  Das beobachtete Verhältnis von Helium zu Wasserstoff Wegas liegt bei 0,030 ± 0,005, was etwa 40 % niedriger ist als das der Sonne. Dies könnte durch das Verschwinden einer Helium-Konvektionszone nahe der Oberfläche verursacht werden. Der Energietransport wird stattdessen durch eine Strahlungszone geleistet, die eine Anomalie der Häufigkeiten durch Diffusion hervorrufen könnte.

Magnetfeld.

2009 wurde von französischen Astronomen ein Magnetfeld mit dem stellaren Spektropolarimeter NARVAL des Bernard-Lyot-Teleskops nachgewiesen. Im Spektrum des Sterns fanden sie den sogenannten Zeeman-Effekt. Dabei werden die Spektrallinien durch den Einfluss des Magnetfeldes aufgespalten. Die Stärke des Magnetfelds der Wega liegt mit etwa 50 Mikro-Tesla zwischen dem der Erde und dem der Sonne.

System.

Durch Messungen im Infrarotbereich weiß man, dass es Materieansammlungen um Wega gibt. Wega war der erste Stern (1983), bei dem man eine Staubscheibe entdeckte.

Vermehrte Infrarotstrahlung.

Eines der ersten Ergebnisse des Infrared Astronomical Satellite (IRAS) war die Entdeckung einer erhöhten infraroten Strahlung von Wega. Diese Strahlung kam aus einem Bereich mit einem Radius von 10′′ um den Stern. Mit der bekannten Entfernung des Sterns kommt man auf einen Radius von 80 AE. Es wird vermutet, dass diese Strahlung aus einem Bereich kommt, in dem Partikel in der Größenordnung von 1 mm schweben. Kleinere Materieteilchen würden durch den Strahlungsdruck entfernt werden oder durch den Poynting-Robertson-Effekt in den Stern fallen.

Staubscheibe.

Durch die vermehrte Abstrahlung im Infrarotbereich weiß man, dass Wega von einer Gas- und Staubscheibe umgeben ist. Dieser Staub ist wahrscheinlich das Resultat von Kollisionen zwischen Objekten in einer umkreisenden Geröllscheibe. Diese ist dem Kuipergürtel im Sonnensystem ähnlich.  2003 berechneten britische Astronomen, dass die Eigenschaften dieser Scheibe vermutlich am besten durch einen Planeten, der dem Neptun ähnelt, erklärt werden können. Damit wäre das Wega-System eventuell dasjenige Sternsystem, das dem Sonnensystem am meisten ähnelt. Das Zentrum der Lebenszone von Wega liegt bei 7,1 AE. Ein Planet mit diesem Abstand würde dabei eine Umlaufzeit von 10,9 Jahren haben.  Sterne, die eine übermäßige Abstrahlung aufgrund des Staubes im Infrarotbereich des Spektrums zeigen, werden auch „Wega-artige“ Sterne genannt. Unregelmäßigkeiten in Wegas Staubscheibe könnten auch zumindest auf einen Planeten hindeuten, der eine Größe ähnlich der Jupiters aufweisen könnte, der Wega umrundet.

Mögliches Planetensystem.

Trotz intensiver Suche und vieler Vermutungen konnte bis heute noch kein Planet nachgewiesen werden. Ein Planetensystem kann jedoch auch nicht ausgeschlossen werden.

Bewegung.

Die Wega gehört zum Castor-Bewegungshaufen. Die Sterne dieser Ansammlung weisen alle die gleiche Geschwindigkeit auf und entstammen einem gemeinsamen Ursprung. Neben Wega sind noch Castor, Fomalhaut, α Cephei (Alderamin) und α Librae (Zuben-el-dschenubi) Mitglied dieses Bewegungshaufens. Sie haben alle ein ähnliches Alter.  Obwohl Wega derzeit nur der fünfthellste Stern am Himmel ist, wird sie durch ihre Eigenbewegung, die in Richtung der Sonne verläuft, mit der Zeit immer heller. In etwa 210.000 Jahren wird sie der hellste Stern am Nachthimmel sein und dies für etwa 270.000 Jahre bleiben. Die maximale scheinbare Helligkeit, die sie erreicht, wird in 290.000 Jahren bei −0,81 mag liegen.

Geschichte.

Wega war der erste Stern (abgesehen von der Sonne), von dem eine fotografische Abbildung erstellt wurde. 1850 fertigten William Cranch Bond und John Adams Whipple am großen Fernrohr des Harvard-College-Observatoriums eine Daguerreotypie der Wega an. Sie gehörte ebenfalls zu den ersten Sternen, deren Abstände mit Hilfe des Parallaxenverfahrens bestimmt wurden und dessen Spektrum ebenfalls abgelichtet wurde.

Kultur und Literatur.

In der chinesischen Liebesgeschichte vom "Kuhhirten und der Weberin", die alljährlich in China als Qixi und in Japan als Tanabata gefeiert wird, ist Wega der „Stern der Weberin“ (, jap. "shokujo-sei" bzw., "Orihime-boshi"), die durch den „Himmelsfluss“ (Milchstraße) von dem Kuhhirten (Altair) getrennt ist.  In zahlreichen Titeln speziell osteuropäischer Science Fiction wird die Wega als Sehnsuchtsziel irdischer Raumfahrer oder als Sitz außerirdischer Zivilisationen thematisiert. So hat der Protagonist der Romanreihe Menschen wie Götter eine Liebesaffäre mit einem Wesen von einer Wega-Welt.  Invasion von der Wega (Originaltitel The Invaders) ist eine bekannte US-amerikanische Science-Fiction-Serie der 1960er/70er-Jahre.  In den ersten sechs Folgen der Hörspielserie Commander Perkins von 1976–78 spielt der achte Planet der Wega die Hauptwelt der Serie. Vorlage ist die Serie Perry Rhodan, in der Wega ein System von 42 Planeten besitzt, und die auch den achten Planeten der Wega als eine Romangrundlage sah.  In der 16. Folge der Jan Tenner Hörspielserie von 1984 landet Jan Tenner auf dem fünften Planeten des Wega-Systems und rettet entführte Kinder.  Die männliche Hauptperson Adam Bates aus dem Roman "Adam und Lisa" (1986) von Myron Levoy behauptet, er stamme vom Planeten Wega X. Es ist sein Versuch, seine schlimme Kindheit zu vergessen, in der er von seinem Vater mit einer Kette misshandelt wurde.  Im 1997 verfilmten Roman "Contact" von Carl Sagan wird ein verschlüsseltes Radiosignal, das den Bauplan einer Transport-Maschine enthält, aus der Richtung der Wega empfangen. Die im Film von Jodie Foster gespielte Protagonistin Eleanor „Ellie“ Arroway reist mit einer nach diesem Plan gebauten Maschine zum Wega-System.  Es gibt eine im März 2011 gegründete Celestial Rock Band aus den USA mit dem Namen "Signals to Vega".  Auch in dem Japanischen Kartenspiel "Yu-gi-oh" existiert Wega als Karte.

Wega, auch Vega, oder in der Bayer-Bezeichnung α Lyrae, ist der Hauptstern des Sternbildes Leier (Lyra). Der Name leitet sich vom arabischen Ausdruck, "an-nasr al-wāqiʿ" ab, was in Übersetzung „herabstoßender (Adler)“ bedeutet. Der Stern ist Teil des großen Sommerdreiecks und im weißen Licht der hellste Stern des Nordhimmels. Mit seiner Magnitude von 0,0 diente er früher als Referenzstern der Helligkeitsmessung (Fotometrie). Wega befindet sich, wie auch die Sonne, in der Lokalen Flocke.

织女一又称为织女星或天琴座α(α Lyr,α Lyrae),是天琴座中最明亮的恒星,在夜空中排名第五,是北半球第二明亮的恒星,仅次于大角星。它与大角星及天狼星一样,是非常靠近地球的恒星,距离地球只有25.3光年;它也是太阳附近最明亮的恒星之一。在中国古代的「牛郎织女」神话中,织女为天帝孙女,故亦称天孙。


Vorgeschichte.

Dave Thompson benennt die Mitte der 1970er als den Ursprung des Alternative Rock und bezieht sich dabei auf die Veröffentlichungen von Lou Reeds "Metal Machine Music" und Patti Smiths Album "Horses" sowie die Gründung der Sex Pistols. Alle drei Ereignisse sollten eine popkulturelle Welle der Ereignisse nach sich ziehen, die sowohl die stetige Verquickung von Musikstilen beinhaltete als auch fortwährende subkulturelle Entwicklungen. Seinerzeit noch unter Begriffen wie "New Musik", New Wave oder Independent bekannt, sollte der Begriff Alternative Rock für eben jene subkulturellen Musikstile ab dem Beginn der 1990er Fuß fassen.  Die Vermengung des ursprünglichen Punkrocks zur New Wave wurde durch Interpreten wie The Clash, The Police, Public Image Ltd., Siouxsie and the Banshees und The Damned begünstigt, die den einstigen Punk um Elemente aus Reggae, Glam Rock oder Funk und Roots-Reggae erweiterten.  So experimentierten bereits früh einige Vertreter des Punk mit zuvor als inkompatibel angesehenen Stilrichtungen. Ab der Mitte der 1980er versuchten sich ebenso Vertreter des Hardcore Punk, selbst eine Radikalisierung des Punk, an der Verknüpfung ihrer Musik mit anderen Musikstilen. Ähnlich wie bereits zuvor im Punk ließen Interpreten wie Black Flag, Hüsker Dü und Agnostic Front Elemente aus Hip-Hop, Blues und Metal in ihre Musik einfließen. Diese Melange brachte eine Fülle heterogener subkulturell orientierter Rockmusik hervor, die sich sichtlich von Punk und Hardcore abhob. Neben der kommerziell erfolgreichem New Wave wurden auch Post-Punk und Post-Hardcore als Oberbegriffe für Musikstile jenseits des Mainstreams bekannt. Andererseits begründeten sich auch die teilweise kommerziell erfolgreichen Musikstile Gothic Rock, Oi! oder Industrial aber auch Synthie Pop auf jenen Entwicklungen die sich seit der Mitte der 1970er vollzogen.  In der zweiten Hälfte der 1980er Jahre kam die Bezeichnung "New Wave" allmählich außer Gebrauch. Zu dieser Zeit beherrschten Hi-NRG und Eurodisco sowie schlichte Pop-Interpreten die Charts, darunter auch Bands und Solokünstler, die anfangs selbst dem New Wave zugerechnet wurden und sich im Laufe der Zeit stufenweise von ihren Punk- und Post-Punk-Wurzeln entfernt hatten. Musiksender wie MTV widmeten sich verstärkt dem Metal- und Sleaze-Rock-Umfeld.  Mitte der 1980er aktuelle Independentstile wie Noise-Rock, Shoegazing, Jazzcore, Madchester, Psychobilly oder auch Indie-Rock erzielten nur regionale bis nationale Erfolge und konnten sich noch nicht international etablieren. Bis letztendlich Hardcore, Post-Punk und Post-Hardcore schrittweise populär wurde.  Martin Büsser beschreibt diese Entwicklung aus der Sicht des Ende der 1980er populär werdenden Hardcore:

Hype.

Ende der 1980er entdeckte auch die Musikindustrie das kommerzielle Potential der Spielarten des Post-Punk- und Post-Hardcore-Spektrums für sich und begann bisherige Independent-Bands und -Label zu vereinnahmen. Die ersten Erfolge dieser Neuorientierung stellten sich spätestens mit dem großen Grunge- und Crossoverboom zum Beginn der 1990er Jahre ein. Crossover und Grunge betitelten jedoch nur zwei Begriffe der unter den Terminus Alternative Rock zusammengefassten Musikstile. Gemeinsam war allen Stilen und Interpreten die Verknüpfung von Punk und Hardcore mit anderen Musikstilen, die durchaus auch dem Mainstream entsprechen konnten. Jene Stile, die Elemente aus populären Musikformen wie Hip-Hop, Funk, Folk Rock oder Popmusik übernahmen, erreichten eine größere Zielgruppe, ließen sich somit besser verkaufen und wurden daher verstärkt durch große Plattenfirmen und das Musikfernsehen gefördert.  Andererseits wurde der Hype um Grunge und Nirvana für andere weniger Rock- oder Metalorientierte Stile im Bereich Alternative und Independent zum Verhängnis. Robyn Hitchcock erläuterte den Wandel nachdem Nirvana ihn von der Spitze der amerikanischen Alternative Charts verdrängt hatten.

Etablierung in der Musikindustrie.

Nachdem sich Alternative Rock und Alternative Metal im Verlauf der 1990er etabliert hatten, wurden sie als moderne Variante der Independent- und Metalszene selbst zu einem popkulturellen Phänomen. Heavy Rotation im Musikfernsehen und -radio verdrängten weite Teile des bisherigen Rock- und Metalmainstreams. Grunge und Crossover eröffneten weiteren Stilen eine potentielle Hörerschaft, so dass die Musik jenseits des Mainstream immer weiter in den Fokus der Öffentlichkeit geriet. Der amerikanische Musiksender "MTV" richtete 1992 mit "Alternative Nation" neben dem wöchentlichen "120Minutes" ein zweites tägliches Sendeformat für den Bereich des "Alternative Rock" und Alternative Metal ein. Diese anhaltende Vermengung von Medien, Kunst und Kommerz führte letztlich auch zur kommerziellen Nutzung des Alternative Rock zu Werbezwecken.  Die folgende Liste bezieht sich auf die in der Hochphase der 1990er Jahre populären Interpreten und Stile. Zum Teil existieren keine eigenen Stilbezeichnungen jenseits des Alternative Rock und grobe Überschneidungen zum Alternative Metal lassen sich in vielen Bereichen ausmachen.

Entwicklung in die Gegenwart.

Aus dieser Fülle unterschiedlicher Musikstile entwickelten sich erneut eigene Derivate und Abwandlungen, die in den 2000er Jahren aufgekommenen Rockstile wie Post-Grunge, Dark Rock, New Prog, Indie-Rock- und Post-Punk-Revival nähren sich aus den Erfolgen des Alternative Rock. Die in den 1990er Jahren gewonnene Aufmerksamkeit etablierte das Spektrum des Alternative Rock als festen Bestandteil der Musikindustrie. Bisheriger Mainstream und Alternative Rock ergänzen sich seither gegenseitig. Die Formel "Alternative ist Rockmusik mit durchaus innovativen Stilelementen die ordentlich losrockt." kennzeichnet auch die Schwierigkeit den überaus umfassenden Begriff zu fassen. Die Idee der "innovativen Stilelemente" will Alternative Rock in Abgrenzung zu dem in den 1970ern und 1980ern entstandenen Mainstream Rock Stilen wie Classic Rock, Sleaze Rock und Pop-Rock setzen, schränkt Alternative Rock jedoch auch nicht ein. Gegenwärtige Rockmusik wird somit seither durch den Alternative Rock dominiert, Musikfernsehen, Radio und Zeitschriften rezipieren überwiegend neue und alte Interpreten des Alternative Rock. Bis in die Gegenwart hielten sich abwechselnd verschiedene Stile des Alternative Rock populär. Künstler aus dem Alternative Rock gelten neben Pop und modernem R ’n’ B als lukrativer Faktor in der Musikindustrie. Titel von Interpreten wie Stiltskin, Babylon Zoo, Caesars, Franz Ferdinand, The Killers, Mando Diao wurden spätestens seit der Mitte der 1990er massiv in der Werbung eingesetzt. Darüber hinaus wurde mit dem Hype um Nirvana Alternative Rock zunehmend in Kinofilmen, Musikfernsehen und -radio protegiert.

Kritik.

Alternative Rock gilt bei Kritikern als allgegenwärtiger Begriff, welcher der Musik und den Vertretern nicht gerecht wird. Durch die breite Etablierung unterschiedlicher Musikstile und Interpreten des Alternative Rock im musikalischen Mainstream höhlte sich der Begriff "Alternative" demnach selbständig aus. Im Jahr 2000 hinterfragte Dave Thompson den Titel Alternative, ohne eine adäquate Antwort auf seine Frage zu wissen. Er stellte dabei nicht allein den Erfolg der Alternative-Rock-Bands als Kritikpunkt heraus, sondern hinterfragte die grundsätzliche Anwendung des Begriffs.

Die Bezeichnung Alternative Rock kam in den späten 1970er Jahren auf und bürgerte sich in den frühen 1990er Jahren ein als Oberbegriff für mehrere Varianten jenseits bis dahin üblicher Strukturen der Rock- und Popmusik. Dementsprechend ordnet sich "Alternative Rock" der Sammelbezeichnung Alternative unter. Gebraucht wird für viele entsprechende Interpreten heute auch der Begriff "Indie-Rock" (von engl. "independent", „unabhängig“), der allerdings ursprünglich dadurch abgegrenzt war, dass er sich auf Interpreten mit Verträgen bei Independent-Labels bezog, "Alternative Rock" dagegen auf Interpreten mit hoch dotierten Plattenverträgen und breiter Vermarktungsmöglichkeit. Allerdings richteten Major-Labels Subunternehmen ein oder kauften bestehende kleine Plattenfirmen auf. Die Begriffe "Independent" und "Indie-Rock" verloren dadurch an Bedeutung und wurden durch den Begriff "Alternative" zuerst ergänzt, später nahezu ersetzt. Daher gilt Indie-Rock heute zumeist als Unterform des Alternative Rock.

另类摇滚(英语:Alternative rock),也被称为另类音乐或替代摇滚或替代音乐,简称替代或另类。是摇滚音乐中的一种音乐类别,源于1980年代的地下独立音乐,并在1990年代到2000年代开始流行。Alternative这个词意味着有别于主流音乐,和主流音乐是区隔开来的,另类摇滚则是有别于主流摇滚乐,主要体现在独特的吉他表现形式,颠覆性的歌词和一种轻蔑漠不关心的态度。另类摇滚原本的范围是比较广的包括不同的声音表现形式,不同的社会背景,文化背景。在1970年代后期的时候,所有的地下摇滚,朋克摇滚(包括朋克、新浪潮、后朋克)都被认定为另类摇滚。


Etymologie.

Das Wort Spion wurde im 16. Jahrhundert entlehnt aus italienisch "spione" ‚Beobachter, Kundschafter‘ (Augmentativum zu "spia" ‚Späher‘) und verbreitete sich während des Dreißigjährigen Krieges im Deutschen. Später bildete man dazu die Wörter "spionieren" (Ende 17. Jahrhundert, nach französisch "espionner") und "Spionage" (1. Hälfte des 18. Jahrhunderts, nach französisch "espionnage").

Geschichte.

Der Beginn der Spionage durch spezielle Nachrichtendienste geht in Deutschland auf die Jahre um 1866/1867 unter Major Heinrich von Brandt, dem Leiter des zeitweilig eingerichteten militärischen Nachrichtenbüros des kaiserlichen Generalstabes, zurück. Dieses wurde dann 1873 nach Beendigung des deutsch-französischen Krieges aus Effizienzgründen kurzzeitig wieder aufgelöst. Mit der Kabinettsorder vom 24. Mai 1883 wurde für Preußen bestimmt, die Sammlung von Nachrichten und statistischen Materials über fremde Heere als eine permanenten Aufgaben zu realisieren.  Um die Jahrhundertwende lassen sich bereits im europäischen Raum um die 17 militärische Nachrichtendienste nachweisen. Dazu gehörten unter anderem: im Vereinigten Königreich der Secret Intelligence Service, der Security Service, der russische Militärnachrichtendienst der zaristischen Armee, der aus der Ochrana hervorgegangen war, das österreichische k.u.k. Evidenzbüro und Weitere. Von besonderem Gewicht zur Entwicklung und deutlicheren Qualifizierung geheimdienstlicher Arbeit war der russisch-japanische Krieg 1905/1906, der bereits einige wesentliche Elemente des späteren Ersten Weltkrieges in sich barg. So gab es die ersten bedeutenden Spionageaktivitäten bereits lange vor Ausbruch des Ersten Weltkrieges. Allein in den Jahren 1907 und 1908 wurden in Deutschland wegen des Spionageverdachts 66 Personen festgenommen und davon 12 wegen des Deliktes der Spionage gerichtlich verurteilt.  Lange vor dem Zweiten Weltkrieg bereiteten sich in Deutschland die entsprechenden Einrichtungen des Reichswehrministeriums wie die Abwehr, des OKW, des Auswärtigen Amtes, des Sicherheitsdienstes (SD) der NSDAP, der Politischen Polizei, der Gestapo, des Reichssicherheitshauptamtes (RSHA) gezielt auf das nachrichtendienstliche Ausspähen seiner Gegner, deren Bekämpfung aber auch die Abwehr feindlicher Spionagehandlungen vor. In den Jahren zwischen dem Ersten Weltkrieg und dem Zweiten Weltkrieg existierten allein auf deutschem Territorium über 80 nachrichtendienstlich arbeitende Organisationen unterschiedlicher Struktur und politischer Ausrichtung. Von besonderem Wert wurde dabei, das neben der klassischen Spionagetätigkeit, durch den rasanten technischen Fortschritt, die Aktivitäten im Bereiche der elektronischen Überwachung, der kryptographischen Fortschritte der Government Code and Cypher School (GC & CS). Bereits in den 1920er Jahren entstanden Einrichtungen, die zuständig waren für das Abfangen und Entschlüsseln ausländischer Kommunikation. Das Double Cross System des Security Service, die sich untereinander mit falschen Informationen fütterten, die geheimdienstliche Überwachung von Brief-, Telegramm- und Funkdiensten sowie die Arbeit der fotografischen Luftaufklärung. Außerdem, die für die beteiligten Personen oft hochgefährlichen Aktionen der „Special Operations Executive“ (SOE), die im feindlichen Lager gezielt Spionage und Sabotage betrieben.  Im Kalten Krieg kam es zu einer massiven gegenseitigen Spionage zwischen den Vereinigten Staaten und ihren Verbündeten einerseits sowie der Sowjetunion und der Volksrepublik China und deren Alliierten andererseits. Insbesondere die Geheimnisse um den Bau von Nuklearwaffen und die militärische Aufklärung waren dabei Gegenstand des gegenseitigen Interesses.  Es wurden Richtfunkverbindungen von und nach West-Berlin sowie innerhalb Westdeutschland entlang der Innerdeutschen Grenze durch Horchposten vom Ministerium für Staatssicherheit und der Militärische Aufklärung der Nationalen Volksarmee der DDR systematisch abgehört. In der Deutschen Demokratischen Republik wurde die Rolle von Mitarbeitern der östlichen Nachrichtendienste als „Kundschafter des Friedens“ propagandistisch von westlichen Spionen abgesetzt und unterschieden.

Verbreitung.

Die Tätigkeit von "Spionen" oder "Agenten," die zumeist von den eigenen Nachrichtendiensten angeworben oder geführt werden, ist nur ein Teilaspekt der nachrichtendienstlichen Tätigkeit. Viele Staaten unterscheiden zudem  Neben Spionage mit dem Ziel der Gewinnung industrieller und militärtechnischer Geheimnisse durch Staaten existieren auf diesem Gebiet auch in Einzelfällen Spionageaktivitäten durch private Organisationen, insbesondere Wirtschaftsunternehmen.  Auch heute werden Kommunikationswege wie Satelliten, Glasfaser, Richtfunk sowie Mobilfunk-Verbindungen durch Geheimdienste überwacht und ausspioniert. Dies auch bei befreundeten Staaten.  Informationssammlungen mit nachrichtendienstlichen Mitteln wurden nach dem Zusammenbruch des Ostblocks vor allem auf die Bekämpfung der Proliferation, des illegalen Drogenhandels und des Terrorismus gerichtet, allerdings gewinnt Wirtschaftsspionage immer mehr an Bedeutung.  Gemäß einem Urteil des Bundesverwaltungsgerichts im Mai 2018, darf der Bundesnachrichtendienst auch weiterhin in großem Umfang Daten beim Internet-Knoten DE-CIX in Frankfurt am Main abgreifen.

Wirtschaftsspionage.

Wirtschaftsunternehmen, die Spionage betreiben oder Zugriff auf nachrichtendienstlich erlangte Informationen haben, erlangen einen wirtschaftlichen Vorteil gegenüber Konkurrenten, da sie etwa fremde Forschungsergebnisse ausnutzen können, ohne dass eine eigenständige Forschungsarbeit erfolgen müsste. Spioniert wird auch, um zum Beispiel einen Konkurrenten bei Ausschreibungen knapp unterbieten zu können.

Motive.

Bei der Anwerbung von Staatsangehörigen fremder Mächte zur Spionage werden in der Forschung vier Motive identifiziert, die mit dem englischen Akronym MICE (engl. Mäuse) umschrieben werden:

Unter Spionage wird das verdeckte, mit geheimdienstlichen Mitteln erfolgte, Beschaffen und Erlangen unbekannter Informationen oder geheimgehaltenen Wissens verstanden. Im weiteren Sinne wird der Begriff Spionage für Handlungen durch Staaten, deren spezielle Organisationen, politische Gruppierungen, z. B. Widerstandsbewegungen, Einzelpersonen und Wirtschaftsunternehmen verstanden. Die erlangten Informationen werden dann im eigenen wirtschaftlichen, politischen, militärischen Machtbereich oder zur Bekämpfung vermeintlicher Gegner verwendet. Eine Person, welche Spionage betreibt, nennt man Spion.

间谍是指潜入敌对势力或竞争对手从事秘密刺探情报或是进行破坏活动工作的人,以此来使其所效力的一方有利。古代亦称作细作。打入敌方组织内部并取得公开合法身份的称为卧底。根据业务领域不同,间谍可分为军事间谍与工业间谍(或称商业间谍、经济间谍);根据秘密工作性质不同,可分为情报间谍(刺探情报)、行动间谍(颠覆、破坏、宣传煽动等)、联络间谍(策反勾连)等。间谍为多方势力同时服务,称为“多重间谍”或“多面谍”。反间谍,也称“反谍(报)”、防谍、肃伪。


Leben.

Franz Lehár war der Sohn des Kapellmeisters im Infanterieregiment Nr. 50 der k.u.k.-Armee Franz Lehár (senior) (1838–1898) und dessen Frau Christine Neubrandt (1849–1906). Sein Bruder Anton schlug wie der Vater eine Militärkarriere ein, die er als General und Ritter des Militär-Maria-Theresien-Ordens beendete.

Herkunft.

Lehárs Vorfahren sind bis Anfang des 18. Jahrhunderts als Kleinbauern in Lesnitz und Brünnles bei Hohenstadt in Nordmähren nachweisbar. Der Name Lehar weist auf den tschechischen Ursprung der Familie hin, wobei es nach der Heirat des Urgroßvaters des Komponisten mit einer Bauerntochter aus Schönwald (Šumvald) bei Mährisch Neustadt zur Eindeutschung des Namens kam. Deren Sohn lebte in Schönwald als Häusler und Glaser und heiratete die aus Schönwald stammende Anna Polách, ihr Sohn Franz Lehár (senior) (* 31. Januar 1838 in Schönwald; † 7. Februar 1898 in Budapest) wurde dann der Vater des Komponisten. Lehár senior heiratete in Komorn die Ungarin Christine Neubrandt (1849–1906), deren Vater von bereits magyarisierten mecklenburgischen Einwanderern abstammte, die in alten Taufbüchern aber noch „Neubrandenburger“ hießen. „Als die Mutter im Jahre 1869 heiratete, konnte sie sich in der deutschen Sprache, die ihre Eltern noch vollkommen beherrschten, kaum ausdrücken. Mein Vater dagegen sprach fast gar nicht ungarisch. Da in der Armee damals nur Deutsch gesprochen wurde, die ungarische Gesellschaft aber [...] deutschsprechende Elemente nicht gerne sah, entbehrte meine Mutter in den ersten Jahren fast völlig jedes gesellschaftlichen Verkehrs.“  Lehár wuchs mit der Sprache seiner Mutter auf, dem Ungarischen. Seine Jugend verbrachte er als Sohn eines Militärkapellmeisters mit häufigem Standortwechsel in Städten, die damals zu Ungarn gehörten: Preßburg, Ödenburg, Karlsburg und Klausenburg. Darum erhielt das „a“ des Namens "Lehár" das ungarische Dehnungszeichen. (Der sudetendeutsche, bis 1945 in Liebau ansässig gewesene Zweig wird "Lehar" geschrieben, die tschechischen Namensträger "Léhar".)  Franz Lehár bekannte sich während seines ganzen Lebens durch seine Unterschrift zu seiner ungarischen Herkunft, indem er nach ungarischer Art seinen Taufnamen Ferenc (Franz) dem Familiennamen hintansetzte. Das Wort Ferenc kürzte Lehár meist mit einem violinschlüsselartigen Schnörkel ab und behielt diese Schreibweise auch dann bei, wenn er später mit deutschem Vornamen unterschrieb.  In seinem Militär-Paß steht: „...Er ist 1,65 Meter groß, hat blaue Augen, blonde Haar, spricht und schreibt deutsch, ungarisch, böhmisch, ist heimatberechtigt in Schönwald/Mähren...“  Seine Sprachkenntnisse, die auch ermöglichten, andere slawische Sprachen gut zu verstehen, hat er später in Pola/Pula, wo er als Militärkapellmeister wirkte, um die italienische Umgangssprache erweitert. Er war mit Puccini und anderen italienischen Komponisten befreundet, man tauschte Erfahrungen und auch Partituren aus. Seine Englischkenntnisse waren jedoch sehr schwach, obwohl er gute Übersetzungen seiner Operetten von schlechten sehr wohl unterscheiden konnte. Für eine Emigration in die USA oder nach Großbritannien waren sie sicher zu gering.  Bei Ernst Décsey, Lehárs erstem Biographen, ist die Familienlegende zitiert, wonach die Lehars von einem "Marquis Le Harde" abstammen sollen. Dieser Marquis soll als Angehöriger der Grande Armée von den Russen gefangen genommen worden sein, aber in Nordmähren entflohen und bei Bauern Unterschlupf gefunden haben. Für diese Überlieferung fanden sich jedoch keinerlei Nachweise.

Ausbildung.

Die Begabung von Franz Lehár zeigte sich schon in frühen Jahren am Klavierspiel. Wie Mozart konnte auch er als Kind ein Thema bei verdeckten Tasten variieren. Mit elf Jahren komponierte er sein erstes Lied.  1880 wurde sein Vater mit seinem Regiment nach Budapest versetzt, und Lehár besuchte dort das Piaristengymnasium. Um ihm eine bessere Kenntnis der deutschen Sprache zu vermitteln, kam er aber bald auf das Gymnasium in Mährisch Sternberg.  Ab 1882 wurde Lehár seiner großen Musikalität halber Schüler des Prager Konservatoriums und studierte, entsprechend dem Wunsch seines Vaters, Violine bei Anton Bennewitz, Musiktheorie bei Josef Foerster und Komposition bei Antonín Dvořák, nachdem er zuvor privat bei Zdeněk Fibich unterrichtet worden war. Als Dvořák 1887 zwei Kompositionen von Lehár gesehen hatte, meinte er: „Hängen Sie die Geige an den Nagel und komponieren Sie lieber.“ Auch Johannes Brahms „äußerte sich wohlwollend über mich und gab mir eine Empfehlungskarte an Professor Mandyczewski.“

Werdegang.

Seine musikalische Laufbahn begann er als Orchestermusiker in Barmen und Elberfeld (Stadttheater am Brausenwerth). Danach wurde er jüngster Militär-Kapellmeister der k.u.k. Armee. In Wien spielte er in der Kapelle seines Vaters, und über verschiedene Stationen in der Monarchie arbeitete er sich vor bis zum Nachfolger seines Vaters. Diese Karriere führte ihn nach Pola, Triest, Budapest und von 1899 bis 1902 nach Wien. Wien wurde zu seiner Wahlheimat, und dank einiger großer Erfolge konnte er bald ausschließlich von seinem kompositorischen Schaffen leben und verschrieb sich dabei ganz der Operette.  Schon mit seinen beiden Erstlingswerken "Wiener Frauen" und "Der Rastelbinder" galt er als der kommende Mann der Operette. Mit dem Welterfolg der "Lustigen Witwe" (1905) setzte er sich endgültig an die Spitze der damaligen Operettenkomponisten. Bald schlossen sich in den nächsten Jahren weitere Erfolgsstücke an: "Der Graf von Luxemburg", "Zigeunerliebe" und "Eva".  Als in den 1920er Jahren dann die bis dahin „alte“ Operette in der Publikumsgunst zunehmend der Revue weichen musste (auch hier probierte sich Lehár mit einer Revuefassung der "Lustigen Witwe" mit Fritzi Massary), verabschiedete sich auch Lehár von dieser heiteren Kunstform. Seit "Paganini" verzichtete er auf das bisher übliche Happy-End und setzte auf opernhaftes Sentiment und Pathos. Die Tenorpartien dieser letzten Operetten, wie "Das Land des Lächelns" oder "Der Zarewitsch" schrieb er großteils für Richard Tauber. Seine letzte Operette "Giuditta", die er als „musikalische Komödie“ bezeichnete, wurde dann tatsächlich auch 1934 in der Wiener Staatsoper uraufgeführt. Das „Hohe Haus“ versprach sich mit dieser von Lehár lange ersehnten Aufführung auch eine finanzielle Gesundung.  Privat war er sehr eng mit Giacomo Puccini befreundet und ließ sich auch durch dessen Opern inspirieren (wie umgekehrt auch Puccini von Lehár zu seiner Operette "Die Schwalbe" angeregt wurde, die allerdings kein Erfolg war). Lehár komponierte selbst vier Opern („Rodrigo“ sowie „Kukuschka“ oder „Tatjana“ zu Beginn seiner Laufbahn, später „Die gelbe Jacke“ und „Garbonciás“, eine Umarbeitung der „Zigeunerliebe“, als letztes Bühnenwerk). Neben Operetten schrieb er noch zwei symphonische Dichtungen, zwei Violinkonzerte, Filmmusik, Lieder, Tänze und Märsche.  Im Lauf der Jahre zu beträchtlichem Wohlstand gekommen, erwarb Lehár im Jahr 1931 das Schikaneder-Schlössl in Wien-Nußdorf, das bereits Emanuel Schikaneder besessen hatte. Seine Villa in Bad Ischl, in der er im Sommer gern komponierte, vermachte er der Stadt mit der Auflage, daraus ein Lehár-Museum zu bilden. Aus dem Komponistenanteil für Aufführungen seiner Werke in Österreich sollte ein Lehár-Fonds gebildet und die Einkünfte desselben zur Unterstützung unverschuldet in Not geratener alter Menschen verwendet werden. Jedoch sollten keine jungen Talente mit Hilfe dieses Fonds gefördert werden, da, so schrieb Lehár, wahres Talent sich von selbst durchringe und er nicht wünsche, dass dadurch Kunstdilettantismus großgezogen werde.

Lehár und das „Dritte Reich“.

Die Machtergreifung der Nationalsozialisten in Deutschland hatte auch für Lehár große Auswirkungen, da er, wie das Amt Rosenberg festhält, „sich ausnahmslos jüdischer Textbuchverfasser bei seinen Operetten bedient hatte: Leo Stein, Bela Jenbach, Bodanzky, Reichert, Julius Bauer, Julius Brammer, Alfred Grünwald, Herzer, Löhner-Beda, Marton, Willner“ und „in Wien ausschließlich in jüdischen Kreisen“ verkehre. Einen Ariernachweis hatte Lehár für sich und seine Frau mit dem Hinweis, sie seien beide katholisch, nie erbracht. Er war aber wegen seiner jüdischen Gattin Sophie (geborene Paschkis) angreifbar und erhielt nur wegen Hitlers besonderem Interesse eine Sondergenehmigung zur Berufsausübung. Die anfänglichen Anfeindungen gegen ihn und sein Werk, die vor allem vom Amt Rosenberg ausgingen, verstummten dank der Interventionen von Goebbels, und seine Operetten wurden dann wieder auf den Spielplänen der deutschen Theater geduldet.  Richard Tauber versuchte 1938, Lehár noch zu einer Emigration zu bewegen, was der mit den Worten: "„im 69. Jahr zu emigrieren ist kein Honiglecken.“" ablehnte. Seine schwachen Englischkenntnisse wären sicher ein großes Handicap gewesen. Vielleicht hoffte er auch, durch seine ungarische Staatsbürgerschaft – für die er 1919 optiert hatte – eher in Ruhe gelassen zu werden. Für Ungarn war – und ist – er einer ihrer größten Komponisten, und eine Verhaftung hätte sicher zu energischen Interventionen der ungarischen Regierung geführt. Ungarn war ein wichtiger Verbündeter des Deutschen Reiches und so kann es gut möglich sein, dass man sich hier bewusst ruhig verhielt.  1938 wurde Lehárs Frau zur „Ehrenarierin“ erklärt. Im selben Jahr denunzierte Lehár den jüdischen Rechtsanwalt Eitelberg bei dem Staatsrat und SS-Sturmbannführer Hans Hinkel, der Lehárs Gönner im Reichspropagandaministerium war. Von Hinkel erhielt er noch Anfang Januar 1945 einen herzlichen "Heil-Hitler!"-Neujahrsgruß. Am 12. Januar 1939 und am 30. April 1940 empfing Lehár in Berlin beziehungsweise Wien Auszeichnungen aus Hitlers Hand, darunter eine Goethe-Medaille. Zu Hitlers Geburtstag 1938 schenkte Lehár seinem berühmten Verehrer ein in rotes Maroquin-Leder gebundenes Bändchen zur Erinnerung an die 50. Aufführung der "Lustigen Witwe". 1941 stellte er sich für Propagandakonzerte im besetzten Paris zur Verfügung. Ende 1942 weilte er in Budapest, um die Aufführung seiner alten "Zigeunerliebe" vorzubereiten – in einer wohlweislich vollständig „arisierten“ Textfassung. Gleichwohl wurde einmal versucht, Lehárs Gattin zu deportieren.  Lehárs Freund, der Librettist Fritz Löhner-Beda, wurde am 4. Dezember 1942 im KZ Auschwitz ermordet. In der Literatur findet sich die allerdings unbelegte Behauptung, Lehár habe sich erfolglos um die Freilassung Löhners durch eine persönliche Vorsprache bei Hitler bemüht. Jüngere Recherchen ergaben im Gegenteil, dass Lehár nichts unternahm und nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs beteuerte, von nichts gewusst zu haben.  Nach einem Zusammenbruch bei einem Dirigat in Budapest durfte Lehár 1943 mit seiner Frau in die Schweiz ausreisen. Er litt zu diesem Zeitpunkt schon seit längerem an Gallen-, Nieren-, Drüsen- und Augenproblemen sowie einer Lungenentzündung.  Die letzten Kriegsmonate verbrachte das Ehepaar wieder in Bad Ischl.  Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs weigerte sich Lehár, über die politischen Dimensionen seines Wirkens im Dritten Reich zu reden, so etwa bei einem Treffen mit Klaus Mann im Mai 1945.

Lebensabend und Tod.

Nach dem Krieg hielt sich Lehár in der Schweiz auf, um sich medizinisch behandeln zu lassen. Im Juni 1948 kehrte der Komponist mit seiner Schwester Emilie Christine, die ihn nach dem Tod seiner Frau betreute, nach Bad Ischl zurück. Im Oktober 1948 erhielt er die Ehrenbürgerschaft und starb kurz darauf. Sein Grab befindet sich auf dem Friedhof in Bad Ischl.

Franz Lehár (* 30. April 1870 in Komorn, Österreich-Ungarn (heute: Komárno, Slowakei); † 24. Oktober 1948 in Bad Ischl, Österreich) war ein österreichischer Komponist ungarischer Herkunft. Lehár gilt zusammen mit Oscar Straus, Emmerich Kálmán und Leo Fall als Begründer der sogenannten Silbernen Operettenära.

弗朗兹·莱哈尔(,1870年-4月30日-1948年-10月24日)是一位匈牙利血统的奥地利作曲家。匈牙利名为Lehár Ferenc。