Leben.

Jugend.

Al-Mustapha wurde für den Nachrichtendienst ausgebildet. Er war in mindestens zwei Beobachtungen von Putschversuchen involviert, was ihm das Interesse von Sani Abacha einbrachte.

Sicherheitschef.

Er war der Aide-de-camp von Sani Abacha in dessen Zeit als Armeechef von August 1985 bis August 1990.  Während der Militärdiktatur Abachas vom 17. November 1993 bis 8. Juni 1998 war al-Mustapha der Chief Security Officer to the Head of State (CSOHS). Die von ihm geleiteten Einheiten waren an der außergerichtlichen Ermordung von Oppositionellen beteiligt. In seinen Funktionen hatte al-Mustapha außergewöhnliche Vollmachten.  Außerdem war Al-Mustapha in der auch der Chef des State Security Service (SSS), des Directorate of Military Intelligence und der National Intelligence Agency.  In diesen Funktionen wurde er beschuldigt, für Folterungen, Tötungen und bewusste Fahrlässigkeit verantwortlich gewesen zu sein. Er soll auch auf Anweisungen von Sani Abachas Frau Maryam mehrere Frauen festgehalten und gefoltert haben, die diese für Affären ihres Mannes hielt.  Außerdem wurde er beschuldigt, als Chef des SSS mithilfe von Diplomatenpässen mit Drogen gehandelt zu haben.  Nach dem Tod von Abacha am 8. Juni 1998 wurde al-Mustapha seiner Posten enthoben.

Anklage.

Im Oktober 1998 wurde al-Mustapha zusammen mit Mohammed Abacha, dem Sohn des Diktators, verhaftet. Mohammed Abacha wurde 2002 freigesprochen.  Al-Mustapha wurde am 5. Februar 2012 vom High Court in Lagos zum Tod durch den Strang verurteilt. Ihm wurde vorgeworfen für die Ermordung der Oppositionsführerin Kudirat Abiola, der Frau von Moshood Abiola, am 4. Juni 1996 verantwortlich zu sein. Sie wurde zusammen mit ihrem Fahrer im Morgenverkehr von Lagos von Unbekannten erschossen. Al-Mustapha hatte die Waffe und Munition geliefert. Der Richterin wertete den Umstand, dass al-Mustapha in der Haft gefoltert wurde, nicht als mildernd.

Hamza al-Mustapha ist ein nigerianischer Offizier im Rang eines Majors. Er war Sicherheitschef des ehemaligen Diktators Sani Abacha. Nach dessen Tod 1998 wurde er des Mordes angeklagt und im Februar 2012 zum Tode verurteilt.


Überblick.

Er war der zweite Generalsekretär der Organisation und gründete die Organisation Campaign for Nuclear Disarmament. Baker war Mitglied der Religious Society of Friends (Quäker) und leitete zudem Quaker Peace and Social Witness, eine Organisation der Quäker in England zur Unterstützung und Umsetzung der Tugenden des Quäkertums.

Leben und Werk.

Als Pazifist verweigerte Baker den Kriegsdienst während des Zweiten Weltkrieges. In der Zeit des Krieges arbeitete er für die "Famine Relief" Kampagne, bei der er Spenden zum Versenden von Essenspaketen nach Europa sammelte und die Aufklärung der britischen Bevölkerung über die politische Situation unterstützte. Von 1946 bis 1948 leitete er ein Zentrum der Quäker in Delhi. Baker war Generalsekretär der National Peace Council von 1954 bis 1959.  Ende der 1950er Jahre und zu Beginn der 1960er Jahre unternahm Baker vier Friedensmissionen nach Zypern, wo er Berichte über den dortigen Friedensprozess schrieb. Während seiner Arbeit in Zypern lernte er Peter Benenson, den Gründer von Amnesty International, kennen und freundete sich mit ihm an. Sie erörterten politische, ethische und religiöse Angelegenheiten und leiteten zusammen das Projekt "Appeal for Amnesty" 1961, für das sie einige Unterstützer gewinnen konnten. Darüber hinaus korrespondierten sie gemeinsam mit Politikern und Vertretern der Medien und der Kirche. Baker half Benenson beim Recherchieren und Entwerfen seines Buches "Persecution ’61" über Fälle von politischen Häftlingen, zu welchem Benenson bemerkte, dass es ohne diese Hilfe nicht entstanden wäre.  Der heute geläufige Ausdruck „politischer Gefangener“ geht auf Baker zurück und ist ebenso ein zentrales Anliegen von AI geworden wie seine Haltung, dass man Häftlingen, die keine Vertretung vor Gericht haben und in der Gefangenschaft Gewalt erfahren, unterstützen muss. Die deutsche Journalistin Carola Stern traf Baker im Juni 1961 auf einem Kongress für die Freiheit der Kultur zusammen mit Gerd Ruge. Sie berichtet:""...herein kam ein Engländer namens Eric Baker, das war ein Freund von Peter Benenson, dem Gründer von Amnesty International. Er erzählte uns von dieser neuen Organisation und wir beschlossen noch in der Nacht, die deutsche Sektion zu gründen.""  1966 wurde Baker Generalsekretär von AI. Die Organisation war zu dieser Zeit wegen Benensons Rücktritt als Präsident der Organisation in der Krise. Das Präsidentenamt wurde abgeschafft und Eric Baker wurde zum Generalsekretär gewählt. Baker musste die innere Stabilität der Organisation wiederherstellen und ihre Ziele neu festlegen. Bis zum Juli 1968, als Martin Ennals zum Generalsekretär ernannt wurde, wuchs die Zahl der AI-Gruppen wieder und mehr als zehn Prozent der politischen Gefangenen, derer sich die Gruppe angenommen hatte, kam frei. Baker war zudem Vorsitzender der britischen Sektion von AI, des „Amnesty-Unterkomitees für die Abschaffung von Folter“ und stellvertretender Vorsitzender des "International Executive Committee of Amnesty". Er setzte sein Engagement für den Frieden im Sinne der "Religious Society of Friends" fort und richtete Sitzungen zu politischen Gefangenen und Folter bei dem jährlichen Treffen der "Religious Society of Friends" im Jahr 1974 in London und 1976 auf dem "Triennial Meeting of the Friends World Committee for Consultation" aus.

Eric Baker (* 22. September 1920; † 11. Juli 1976) war ein britischer Aktivist und Mitbegründer der Menschenrechtsorganisation Amnesty International (AI).


Bildbeschreibung.

Auf dem quadratischen Gemälde ist in einer Großaufnahme das "Mädchen mit Haarband", eine junge Frau mit leicht geneigtem Kopf im Halbprofil, dargestellt. Über ihre rechte Schulter blickt sie den Betrachter mit leicht gesenkten Augenlidern an. Auf den ersten Blick scheint sie bekümmert und flehend. Bei näherer Betrachtung ist jedoch ihr sehnsüchtiger und verführerischer Blick erkennbar. Möglicherweise flirtet sie grade und möchte mit ihren roten Lippen und dem schulterlangen, blonden Haar, das sie trotz Haarband ins Gesicht fallen lässt, ihre Zurückhaltung und Schüchternheit überspielen. Diese kokette Zurückhaltung kommt vor allem durch die Stellung der Schulter zum Ausdruck, die eine Barriere zum Betrachter bildet.  Die Farben des Haarbands, Blau, Rot und Weiß, die einander viermal in Wellenlinien ablösen, wiederholen sich im gesamten Bild. Das Blau ist in den Augen des Mädchens wiederzufinden, das Rot im Hintergrund des Bildes und das Weiß auf der Haut, als Andeutung der Zähne im leicht geöffneten Mund, und auf der weißen Augenhaut.

Deutung.

Das Bild zeigt beispielhaft, wie Lichtenstein mit dem Betrachter spielt: Einerseits lenkt er die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das idealisierte Bild einer zarten Blondine, ihr Gesicht und ihre Gefühle, andererseits lässt er das Gemälde mechanisch und kalt erscheinen, denn die extreme Vergrößerung des Comics zwingt zum genaueren Hinsehen und zeigt wie abstrakt und künstlich die Darstellung ist. Das Gesicht besteht aus einer Fläche von gleichen roten Rasterpunkten, leer gelassene Flächen stellen Schattierungen dar. Die Augen bestehen ebenfalls aus blauen Rasterpunkten. Das goldblonde Haar ist nichts anderes als eine von schwarzen Konturen durchsetzte gelbe Fläche. Die Schulter ist ein viertel Kreis, der durch eine schwarze Linie abgegrenzt wird, teilweise aus Rasterpunkten besteht oder weiß ist.  Comics wurden in den 1960er Jahren aus Kostengründen meist mit einer reduzierten Farbpalette oder mit grobem Raster gedruckt. Lichtenstein ahmte mit seiner Malweise diese industrielle Herstellung von Bildern im Offsetdruck nach und verwendete einfarbige flächige Farben, die keinerlei Individualität aufweisen und die Spuren menschlichen Malens verstecken. Er meinte, sein Bild solle dem Betrachter mit voller Wucht entgegentreten und den Eindruck erwecken, man habe es nicht mit Ersatz und Täuschung, sondern mit äußerst gefühlvollen und großartigen Menschen zu tun. Seine Schlussfolgerung lautete, dass das, was man zu sehen glaubt, gleich einer Optischen Täuschung nicht das ist, was man sieht. Somit weist Lichtenstein darauf hin, dass das, was der Betrachter auf Gemälden gerne sehen möchte, ohnehin nicht da ist.  Lichtenstein verzichtet in seinem Gemälde auf den erzählerischen Rahmen des Comics und reißt das Comicpanel aus dem Zusammenhang. Des Weiteren veränderte er im Panel Details und entfernte er die Denkblase, in der in Großbuchstaben stand „IS THIS WHERE I REALLY BELONG...? H–HAVE I BEEN REACHING FOR THE MOON?“. Dadurch verliert das Gemälde seine ehemalige Bedeutung und kann nun anders gedeutet werden.

Entstehung.

Lichtenstein malte das Bild wie mehrere seiner Werke nach einem Comicpanel des US-amerikanischen Comiczeichners John Romita senior. Zunächst erstellte er hierzu eine etwa 15 cm × 15 cm große Studie mit den Anmerkungen „red dots“ und „for Otto“. Bei dieser wurden Strukturen nur durch Konturzeichnungen kenntlich gemacht und einfarbig flächig ausgemalt. Die Farben des Comics wurden reiner und leuchtender wiedergegeben. Details veränderte Lichtenstein, bis er mit der Bildkomposition zufrieden war. Hierbei entfernte er die Denkblase, veränderte er Haarfarbe und Schattierung des Gesichts und fügte das charakteristische Haarband hinzu. Daraufhin vergrößerte er das Bild in der Projektion und übertrug es auf die Leinwand. Die Umrisse zeichnete er nach, wobei er erneut einige Details veränderte. Das Bild malte Lichtenstein schließlich mit Öl und Acryl auf die weiß grundierte Leinwand. Gesicht, Hals und Schulter der jungen Frau wurden mit roten Rasterpunkten, den Benday Dots, ausgefüllt. Diese bestehen aus roter Farbe, die durch ein Sieb auf die weiß grundierte Leinwand gebürstet wurde.

Einordnung in das Werk Lichtensteins.

Seit 1961 schuf Lichtenstein Gemälde auf der Grundlage von Comics. Das "Mädchen mit Haarband" steht 1965 am frühen Ende dieser Phase, als Lichtenstein comicartige Werke bereits seltener schuf. Die wichtigsten Themen dieser Phase waren ihm Liebe und Krieg, die er möglichst steril und unpersönlich in Szene setzte. Die Liebe wird dementsprechend im vorliegenden Gemälde thematisiert, das durch die Verwendung übermäßig großer Benday Dots industriell gefertigt und unpersönlich erscheinen soll. Das Motiv der typischen jungen Frau verwendete Lichtenstein ebenfalls in einer Reihe seiner Werke. Auf Grundlage von Comics schuf er vor allem Großaufnahmen von Gesichtern, wie das "Mädchen mit Haarband".  Elemente des Bildes verarbeitete Lichtenstein in späteren Werken. In der dreiteiligen surrealistischen Bilderserie „Mädchen mit Träne“ (Originaltitel „Girl with Tear“) aus dem Jahr 1977 blieb vom vollen Haar eine einzelne Strähne und vom Gesicht nur die eine Hälfte übrig. Aus dem verbliebenen Auge kullert eine Träne. Die Schulter, die im Original durch einen viertel Kreis angedeutet wurde, wandelt sich paradoxerweise in eine Kugel. In der abstrakten Lithografie „Blonde“ von 1978 ist hingegen der gesamte Kopf, wenn auch schwebend, im Halbprofil erkennbar. Der Blick wirkt jedoch trauriger, das Bild hat hier an Farbe eingebüßt und die Rasterpunkte sind zugunsten von strukturierten Linien verschwunden. Auch an späteren Werken sind einzelne Elemente des ursprünglichen Bildes erkennbar, so unter anderem an den Brushstroke-Head-Skulpturen von 1987. Das Haar wird mittlerweile als Pinselstrich, als Brushstroke, aufgenommen und außer dem roten Kussmund und den Benday Dots erinnert nicht mehr viel an die ursprüngliche Gestalt des Bildes.

Werksgeschichte und Rezeption.

Das Gemälde entstand am Ende von Lichtensteins Cartoon-Periode, die von 1961 bis 1965 dauerte. Zu dem Zeitpunkt war Lichtenstein bereits sehr bekannt, wenn auch nicht unumstritten. Hauptvorwurf seiner zeitgenössischen Kritiker war der Mangel an Originalität. Dieses Thema nahm die Appropriation-Art-Künstlerin Elaine Sturtevant auf, die 1967 eine Kopie von "Girl with Hair Ribbon" malte. Sie nannte ihr Werk "Lichtenstein Girl with Hair Ribbon".  Lichtensteins Gemälde war das letzte Hauptwerk der frühen und mittleren 1960er Jahre, das Lichtenstein in den 1990ern noch besaß. Es wurde in der National Gallery of Art in Washington, D.C. ausgestellt. Während Lichtenstein im Januar 1993 noch davon sprach, dass das Gemälde nicht zum Verkauf stünde, traf er im März desselben Jahres Absprachen mit dem Museum of Contemporary Art in Tokio und verkaufte das Gemälde, dessen Wert auf etwa 1,5 bis 2,5 Millionen US-Dollar geschätzt wurde, schließlich im November 1994 für den beträchtlichen Preis von 6 Millionen US-Dollar nach Japan. Der Kauf des Werkes reihte sich in die Käufe von etwa 500 Hauptwerken (darunter Andy Warhols "Marilyn Monroe" von 1967) ein. Das Museum, das erst 1995 eröffnet wurde, wollte diese abwickeln, ohne viel Aufmerksamkeit zu erregen. Aufgrund des hohen Preises und vorheriger Aussagen Lichtensteins zur Unverkäuflichkeit des Bildes rief der Verkauf jedoch sowohl in Amerika als auch in Japan Aufmerksamkeit, Verwirrung und Erstaunen hervor.  Das "Mädchen mit Haarband" wird in mehreren Filmbeiträgen vorgestellt, u. a.:

Einzelnachweise.

" Anmerkung: Die extern verlinkten Bilder sind durch ein Copyright geschützt und unterliegen nicht der GNU FDL oder einer anderen freien Lizenz."

Mädchen mit Haarband (Originaltitel Girl with Hair Ribbon) ist ein Gemälde des US-amerikanischen Künstlers Roy Lichtenstein aus dem Jahr 1965. Das 48 Zoll × 48 Zoll (121,9 cm × 121,9 cm) große Bild befindet sich im Museum of Contemporary Art in Tokio. Lichtenstein malte das Bild nach dem Panel eines Comics von John Romita senior. Das Gemälde gilt als typisches Werk der amerikanischen Pop Art und als Beispiel für Abstrakte Malerei.


Handlung.

"John Baxter" lebt in Afrika, wo er mit einem alten Lastwagen Post ausfährt und die Versorgung der Bevölkerung mit Waren des täglichen Bedarfs übernimmt. Er möchte damit genug Geld verdienen, um eines Tages eine Tankstelle in Detroit übernehmen zu können. Begleitet wird Baxter von seinem Haustier, der Schimpansin "Biba". Da er Banken nicht traut, vertraut er sein Geld dem Priester "Gasparetto" an, der in der Gegend eine Missionsstation leitet.  Eines Tages begegnet ihm eine junge Frau, die sich als Nonne "Schwester Magdalena" ausgibt, in Wirklichkeit jedoch "Madeleine Cooper" heißt und auf der Suche nach einem ehemaligen Doppelagenten ist, der nach Afrika geflüchtet ist und dort unter dem falschen Namen "Robert Preston" lebt. Baxter hilft ihr, weil er zum einen in sie verliebt ist, zum anderen Preston selbst auch nicht ausstehen kann. Weitere Unterstützung erhalten die beiden von Biba, Gasparetto und einem Eingeborenenstamm, der zu Baxters Kunden gehört. Gemeinsam können sie Preston dingfest machen.  Madeleine verschafft Baxter eine Stelle beim Geheimdienst, die dieser jedoch ablehnt. Er möchte lieber ein ruhigeres, ungefährlicheres Leben führen, obwohl das die Trennung von Madeleine bedeutet. Baxter kehrt zu Gasparetto zurück, muss jedoch feststellen, dass der Priester, der ihn für tot gehalten hat, das Geld für den Bau eines Krankenhauses verwendet hat.

Deutsche Synchronfassung.

Von dem Film existiert eine deutsche Synchronfassung, an der unter anderem Arnold Marquis als Sprecher von Jack Palance beteiligt ist. Gasparetto wird in der deutschen Version zum bayerischen Priester Kaspar.

Kritiken.

Das Lexikon des internationalen Films bezeichnete "Africa Express" als naiven Abenteuerfilm mit dümmlicher Verzeichnung christlicher Missionsarbeit. Laut der Zeitschrift Cinema handelt es sich um eine schwache Kopie amerikanischer Vorbilder wie African Queen und Ein Fressen für die Geier.

Fortsetzung.

Unter dem Titel Safari Express erschien 1977 eine Fortsetzung, ebenfalls mit Gemma und Andress in den Hauptrollen sowie Maffioli als Gasparetto.

Africa Express ist eine italienisch-deutsche Abenteuer-Filmkomödie aus dem Jahr 1976 mit Giuliano Gemma und Ursula Andress in den Hauptrollen. Regie führte Michele Lupo, der vor allem als Regisseur von Bud-Spencer-Filmen bekannt ist.


Entstehung.

Vorgeschichte.

Die Idee zu einem Konzeptalbum über den Gallischen Krieg kam Schlagzeuger Merlin Sutter bei einem Telefonat mit Chrigel Glanzmann im Jahr 2007. Er entwarf das Konzept und den Handlungsstrang des Albums bis zum frühen Herbst 2010. Das Songwriting fand während der "Everything Remains World Tour" statt, und wurde erst unmittelbar vor Beginn der Aufnahmen abgeschlossen. Am 1. September 2011 wurde das Album, inklusive des endgültigen Titels "Helvetios", im offiziellen Weblog der Band für 2012 angekündigt.

Aufnahmen.

Als Hauptproduzent wurde Tommy Vetterli verpflichtet, in dessen New Sound Studio in Pfäffikon SZ auch die Schlagzeug-, Gitarren- und Gesangsspuren aufgenommen wurden. Vetterli übernahm zudem die Produktion und die Abmischung aller Spuren. Die übrigen Instrumente spielte die Band im Anschluss in den Krienser Soundfarm Studios ein. Dort arbeiteten Anna Murphy und Marco Jencarelli als Produzenten an den Aufnahmen. Kleinere, von ihm selbst gespielte Instrumente wie Tin- & Low Whistle, Uilleann Pipes, die Bardenharfe und die Bodhrán nahm Glanzmann zusätzlich in seinem Heimstudio in Illnau-Effretikon auf. Zusammen mit den Cheapaschips- und echochamber-Studios nutzte die Band insgesamt fünf Tonstudios. Dies hatte vor allem zeitliche und organisatorische Gründe, da sich durch paralleles Arbeiten die Aufnahmezeit deutlich verkürzte. Am 25. November 2011 wurde die komplette Produktion von "Helvetios" mit dem Mastering durch Dan Suter im Zürcher Echochamber-Studio abgeschlossen.

New Sound Studio.

Die Aufnahmen zum Album begannen noch am Tag der Albumankündigung. Zuerst nahm Merlin Sutter dazu die Schlagzeug-Spuren im New Sound Studio bis zum 7. September auf. Es folgten die Gitarrenspuren, die Gitarrist Ivo Henzi am 7. September einzuspielen begann. Bedingt durch anfängliche Komplikationen wurden diese Aufnahmen erst Mitte September abgeschlossen. Grund für diese Verzögerung des Zeitplans waren unter anderem die notwendige Reparatur von Henzis beschädigter Gitarre sowie die Beschaffung von fehlendem Equipment wie weiteren Gitarrenboxen.  Bei allen Instrumenten wurde bei "Helvetios" verstärkt darauf geachtet, einen natürlichen Klang bei den Aufnahmen zu erzielen. Bevor die eigentlichen Gitarrenaufnahmen beginnen konnten, musste daher ein passender Sound gefunden werden, was mehrere Tage in Anspruch nahm. Dazu wurden nicht nur verschiedene Verstärker, Lautsprecherboxen sowie Mikrofone und deren Positionen, sondern auch verschiedene Instrumente, Gitarrenbauweisen und Stimmungen, Saiten, Plektren und weiteres Zubehör getestet. In ähnlich aufwendiger Weise ging die Band auch bei den anderen Instrumenten vor.

Cheapaschips Studios.

Am 23. September nahm der schottische Schauspieler Alexander „Sandy“ Morton für die Lieder "Prologue", "Meet the Enemy" und "Epilogue" in den Londoner "Cheapaschips Studios" drei Spoken-Word-Passagen auf. Eluveitie-Frontmann Chrigel Glanzmann wurde auf Morton durch den Film "Walhalla Rising" aufmerksam, und legte seine Beweggründe zur Verpflichtung des Schauspielers gegenüber der Presse dar: «Die Idee des Textes [der von Morton gesprochen wird] ist, dass ein alter Mann, der in seiner Jugend die Schrecken des Gallischen Krieges auf dem Schlachtfeld hautnah miterlebte, aber all die Kriegsjahre überlebte, an seinem Lebensabend zurückblickt... und erzählt.» Er kommentierte die Aufnahmen zudem wie folgt:

Soundfarm Studios.

Die Folk-Instrumente (Drehleier, Geige, Mandola, Dulcimer, Zugerörgeli und Blockflöte), die Akustikgitarre sowie der Bass und die Gesangsspuren von Anna Murphy wurden in den Soundfarm Studios aufgenommen.  Am 1. Oktober 2011 begannen die Drehleier-Aufnahmen in den Soundfarm Studios, die am 5. Oktober abgeschlossen werden konnten. Anna Murphy merkte im Eluveitie-Blog an, „dass [sie] musikalisch noch nie so gefordert war wie bei diesem Album“, und betonte die Komplexität der Kompositionen. Im Anschluss spielte Meri Tadic bis zum 12. Oktober die Geigenstimmen ein. Es folgten die Mandola-Aufnahmen durch Sime Koch, nicht wie üblich durch Chrigel Glanzmann, da dieser die Stimmen aufgrund von Zeitmangel nicht einspielen konnte. Am selben Tag spielte Koch auch die gesamten Akustikgitarrenspuren ein.  Mit dem Einspielen des Basses durch Ivo Henzi in den Soundfarm Studios wurden Mitte November die Aufnahmen zu "Helvetios" abgeschlossen. Aus nicht bekannten Gründen übernahm Kay Brem, der reguläre Bassist von Eluveitie, diese Aufgabe nicht. Dennoch wird Brem im Beiheft des Albums als Bassspieler gelistet. Da sich die Aufnahmen in ihrer Gesamtheit länger hinausgezögert hatten als geplant, konnte die Produktion des Albums nicht bis zum Beginn der Neckbreaker’s-Ball-Tour am 28. Oktober 2011 abgeschlossen werden. Um den Zeitplan bis zur Veröffentlichung dennoch in etwa einhalten zu können, wurde in der Backlounge des Tourbusses der Band ein mobiles Aufnahmestudio eingerichtet, in dem die Musiker täglich vor den Konzerten noch mehrere Stunden an dem Album arbeiteten, wobei Anna Murphy die Tontechnik übernahm.

Weitere Entwicklung.

Promotion-Phase.

Zwei Tage nach dem Ende der Neckbreaker’s-Ball-Tour reiste die Band am 21. November 2011 nach Warschau, um dort am 21. und 22. November zu den Liedern "A Rose for Epona" und "Havoc" zwei Musikvideos mit der renommierten Filmcrew Groupa 13 zu drehen. Die erste Prelistening-Veranstaltung für ausgewählte Vertreter der Metal-Presse fand am 26. November 2011 in Anwesenheit von Glanzmann und Murphy bei Nuclear Blast in Donzdorf statt.  Den ersten Albumtrailer, in dem das lyrische und musikalische Konzept des Albums vorgestellt wurde, veröffentlichte die Band am 16. Dezember 2011. Als erste Online-Single erschien am 24. Dezember 2011 das Lied "Meet the Enemy" über das "Facebook"- und das "YouTube"-Profil der Band. Erstmals live aufgeführt wurde das Lied am 30. Dezember 2011 beim Festival "Eluveitie & Friends" im Zürcher Volkshaus zusammen mit Coroner, Korpiklaani, Powerwolf, Excelsis und Blutmond.  Als zweiter Teaser wurde am 4. Januar 2012 das Lied "A Rose for Epona" veröffentlicht. Bereits kurz nach der Veröffentlichung kursierte im Internet das Gerücht, es handle sich bei diesem Lied um ein Cover- oder Tribute-Lied oder gar um ein Plagiat von Blood Stain Childs "Metropolice". Im offiziellen Forum der Band äusserten sich Anna Murphy und Chrigel Glanzmann zu den Hintergründen von "A Rose for Epona" und der vermeintlichen Ähnlichkeit der beiden Lieder. Laut Glanzmann entstand die Ähnlichkeit durch den simplen Aufbau der beiden Melodiebögen, da es sich nur um einen Vierklang mit sich verändernden Grundtönen und leichter rhythmischer Verschiebung handelt.  Knapp zwei Wochen nach Veröffentlichung des Liedes, wurde am 17. Januar 2012 der Videoclip zu "A Rose for Epona", der im November 2011 auf Burg Świny gedreht worden war, erstmals der Öffentlichkeit präsentiert. Zuvor wurden bereits zu "Meet the Enemy" (9. Januar) und "A Rose for Epona" (13. Januar) zwei Videos veröffentlicht, die mit Impressionen aus dem Albumartwork und dem jeweiligen Liedtext unterlegt waren. Als weiterer Teaser wurde am 1. Februar 2012 ein Making-of-Video vom Musikclip zu "A Rose for Epona" veröffentlicht. Das zweite und letzte Musikvideo (zu "Havoc") wurde am 6. Februar 2012 veröffentlicht.

Veröffentlichung.

In der Dezember-2011-Ausgabe des "Metal Hammers" wurde "Helvetios" für den 24. Februar 2012 angekündigt. Wenig später gab die Band am 4. Dezember 2011 bekannt, dass das Album im deutschsprachigen Raum am 10. Februar 2012 erscheinen soll und veröffentlichte auch das Albumcover und die Titelliste. In Japan erschien es am 22. Februar über Columbia, in den USA und dem Rest der Welt am 28. Februar über Nuclear Blast USA. Veröffentlicht wurde "Helvetios" in folgenden Versionen:  Regionale Sondereditionen:  Wie für neue Alben üblich, wurden auch mehrere Lieder von "Helvetios" auf Samplern von Musikmagazinen veröffentlicht. Eine Besonderheit stellt jedoch der Sampler des "Legacy"-Magazins (Ausgabe Nr. 77, 02-2012) dar, da auf diesem eine anderweitig nicht veröffentlichte „Extended Folk Version“ des Titelliedes "Helvetios" vorhanden ist.

Tour.

Die Promotion des Albums fand in Form einer Welttournee statt, der "Helvetios-World-Tour", die sich aus mehreren Einzeltourneen zusammensetzte. Den Tourauftakt bildeten drei Konzerte in Brasilien am 18., 19. und 20. Januar 2012. Es folgte ein Auftritt in Mexiko-Stadt am 21. Januar 2012, bevor die Band weiter nach Miami reiste, wo sie vom 23. bis zum 27. Januar 2012 an der Kreuzfahrt 70000 Tons of Metal teilnahm. Direkt im Anschluss begann am 30. Januar 2012 die Nordamerika-Tour von Children of Bodom, die bis zum 4. März 2012 dauerte. Eluveitie war bei dieser als Co-Headliner dabei. Zeitgleich zur Nordamerika-Tour fanden in Deutschland zwischen dem 10. bis 25. Februar 2012 zahlreiche Release-Partys in diversen Rock- und Metal-Clubs statt, bei denen die Band aber aufgrund der Touraktivitäten nicht anwesend sein konnte.  Der erste europäische Teil der Tour fand im Rahmen der Paganfest-Tour vom 16. März bis zum 1. April 2012 statt, bei der Eluveitie als Headliner dabei war. Das Konzert in Tilburg am 18. März 2012 wurde durch die Londoner Firma "Concert Live Ltd" aufgezeichnet und am 24. März 2012 als offizielles Eluveitie-Live-Album mit dem Titel "Live on Tour" veröffentlicht. Im April und Mai fanden nur einige einzelne Konzerte, unabhängig von einer Tour statt und am 18. Mai wurde das Album in der KuFa in Lyss zum ersten Mal in voller Länge live aufgeführt. Im Sommer 2012 trat Eluveitie auf zahlreichen europäischen Festivals, darunter Sonisphere, Metalfest, Metalcamp, Greenfield und Graspop auf. Im Anschluss an die Open-Air-Festival-Saison begleitete Eluveitie vom 7. September bis zum 11. November 2012 die schwedische Band Sabaton auf deren "Swedish Empire Tour" durch ganz Europa. Ein besonderes Konzert auf diesem Tourabschnitt stellte die "Metal Hammer Award Show" dar, bei der Eluveitie und Sabaton, ergänzt um Callejon am 14. September in Berlin das musikalische Rahmenprogramm für die Preisverleihung der Metal Hammer Awards darboten. Nach einer rund zweiwöchigen Pause im November, wurde die Helvetios-World-Tour auf dem Nordamerikanischen Kontinent am 28. November 2012 fortgesetzt. Auf diesem Tourabschnitt, der bis zum 21. Dezember 2012 dauerte, wurde die Band von Wintersun und Varg begleitet, die jeweils ihre neuen Studioalben "Time I" und "Guten Tag" promoteten. Weitere Auftritte fanden 2013 im Rahmen von Einzelkonzerten, Minitourneen und Festivals unter anderem in Australien, Brasilien, Costa Rica, Volksrepublik China, Taiwan, Russland, Israel, sowie in nahezu allen europäischen Ländern statt.

Lieder.

Historischer Hintergrund des Albenkonzepts.

Im Jahr 59 v. Chr. liess sich der römische Konsul Gaius Iulius Caesar mit Unterstützung von Gnaeus Pompeius Magnus und Marcus Licinius Crassus für die Zeit nach dem Konsulat die Verwaltung von drei Provinzen übertragen, darunter Gallia Narbonensis, gelegen im heutigen Südfrankreich. Um sein Ansehen als erfolgreicher Feldherr zu vergrössern und ein ihm ergebenes Heer aufzubauen, griff er militärisch in die bereits angespannten innergallischen Machtverhältnisse ein. Die verschiedenen helvetischen Stämme planten zu dieser Zeit, aus ihrem angestammten Siedlungsgebiet, gelegen in etwa der heutigen Schweiz, auszuwandern. Grund dafür war die zunehmende militärische Bedrohung durch die Germanen im Norden. Das Ziel dieser Völkerwanderung sollte das Gebiet der Santonen an der Atlantik-Küste sein. Der kürzeste Weg dorthin führte durch Gallia Narbonensis; der Durchzug durch dieses Gebiet wurde von Caesar aber untersagt, der zudem einen Wall zwischen dem Jura und dem Genfersee errichten liess, so dass die Helvetier einen deutlich beschwerlicheren Weg um die römische Provinz nehmen mussten. Caesar nutze diese entstandene Chance, und es kam im Jahr 58 v. Chr. mit der Schlacht bei Bibracte zur Niederlage der Helvetier. Caesar berichtet, dass er die überlebenden Helvetier in ihre ursprünglichen Siedlungsgebiete zurückgeschickt habe.  In den Folgejahren fanden in ganz Gallien mehrere Kämpfe zwischen Caesars Legionen und verschiedenen keltischen Stämmen statt. Ab 53 v. Chr. begannen die einzelnen gallischen Stämme, sich gegen den gemeinsamen Feind zu verbünden. Der Pakt erreichte seinen Höhepunkt unter der Führung von Vercingetorix im Jahr 52 v. Chr. In diesem Jahr fanden mit der Schlacht um Avaricum, der Schlacht von Gergovia und der Schlacht am Armançon bis zum Spätsommer drei der vier bedeutendsten Schlachten des Gallischen Krieges statt. Im September 52 v. Chr. wurde der letzte Aufstand der Gallier durch die Eroberung von Alesia in der Schlacht um Alesia niedergeschlagen. Die letzte gallische Siedlung, Uxellodunum, deren Eroberung für das Kriegsgeschehen eher unbedeutend war, fiel im Sommer 51 v. Chr. an die Römer. Dadurch wurde Gallien endgültig zur römischen Provinz.

Inhalt und Hintergrund der Texte.

Eluveitie adaptierte die historischen Geschehnisse folgendermassen in den Liedtexten zu "Helvetios":

Stil.

Musik.

Verglichen mit den bisherigen Alben fällt "Helvetios" laut Glanzmann und mehrerer Rezensenten «epischer» aus, und beinhaltet zum ersten Mal bei manchen Liedern einen Chor. Auch wurden erneut mehrere Traditionals aufgegriffen. Gitarrist Ivo Henzi beschreibt die Gitarren auf "Helvetios" zudem als «abwechslungsreicher, technisch anspruchsvoller und zum Teil düsterer» als auf den vorherigen Alben. Auch bedingt durch das lyrische Konzept lässt sich das Album musikalisch in drei Teile aufteilen. Das erste Drittel weist traditionelle Folk-Metal-Kompositionen auf, im zweiten Teil hingegen wird die Musik (bis auf "A Rose for Epona") härter, während im letzten Drittel die Stücke wieder melodischer arrangiert ausfallen.  Neben den dominierenden Stilen Melodic Death Metal und Folk Metal finden sich in mehreren Liedern auch Elemente des Black- (v. a. bei "The Siege") oder Thrash-Metals. Das Lied "A Rose for Epona" weist zudem einen grossen Einfluss der aktuellen Popmusik auf und wird kompositorisch mit den Liedern von Nightwish verglichen. "Alesia" fällt musikalisch ähnlich aus und erinnert an jüngere Werke der Band Within Temptation, allerdings mit dem für Gothic Metal typischen Wechsel zwischen Growling und klarem Frauengesang.  Die Tendenz, dass Drehleierspielerin Anna Murphy zunehmend öfters Gesangsparts übernimmt, wird auch auf "Helvetios" fortgeführt. Ihre Gesangspassagen sind teils klar und teils, wie die von Glanzmann, gegrowlt, bzw. gescreamt vorgetragen. Im Review des Webzines "whiskey-soda.de" wird der teilweise vielstimmige Gesang auf dem Album als „Highlight“ herausgestellt.  Auch das Songwriting wandelte sich verglichen mit früheren Alben. In der Anfangszeit der Band führte Glanzmann diese quasi als „Ein-Mann-Projekt mit sieben Gastmusikern“ und schrieb daher alle Lieder alleine. Über die Jahre hinweg wandelte sich diese Vorgehensweise, so dass auf "Helvetios" die Lieder, meist basierend auf ein Grundgerüst von Glanzmann, von der ganzen Band zusammen ausgearbeitet wurden. Insbesondere Gitarrist Ivo Henzi übte einen grossen Einfluss auf die Kompositionen und Arrangements aus. Über die Band und die Gastmusiker hinaus wirkte der "Gemischte Chor Maria-Lourdes" aus Zürich-Seebach unter der Leitung der Opernsängerin Barbara Meszaros und Benny Richter als Soundscape-Produzent auf dem Album mit. Bei der Instrumentation war der Band der österreichische Komponist Paul Gallister behilflich.

Texte.

"Helvetios" ist sowohl musikalisch als auch lyrisch ein Konzeptalbum, und behandelt die Thematik des gallischen Krieges, chronologisch erzählt aus der Sicht der Helvetier. Die Liedtexte sind auf "Helvetios" teils in Englisch und teils, wie für Eluveitie typisch, in einer teilrekonstruierten Form des helvetischen Gallisch gehalten. Erarbeitet wurde das Konzept unter Zuhilfenahme von Cäsars "De bello Gallico" sowie historischer helvetischer Berichte in Zusammenarbeit mit Historikern der Universität Zürich und dem keltologischen Seminar der Universität Wien. Die wichtigsten Ansprechpartner des keltologischen Seminares waren Armin Kaar und Dominic Rivers.  Anna Murphy führte über die Vorbereitung gegenüber der Presse bei der Prelistening-Session im November 2011 dazu an: «Der Chrigel recherchiert viel in Büchern, im Internet und auch mit auf die Kelten spezialisierten Wissenschaftlern. Was wir machen, ist eine Geschichte zu erzählen, und die ist historisch fundiert. Das ist also nicht irgendwelcher esoterischer oder paganistischer Schnickschnack, sondern es ist einfach Geschichte. [...] Für mich ist das [Album] ein bisschen wie ein Film-Soundtrack, weil es musikalisch voll auf die Texte abgestimmt ist.»  Glanzmann verfasste alle Liedtexte alleine, ausser den des Liedes "Home", welcher in Zusammenarbeit mit Anna Murphy entstand. Basierend auf Glanzmanns Texten verfassten Kaar und Rivers die gallischen Passagen in den Liedern "Luxtos" und "Scorched Earth".

Artwork.

Das Artwork zu "Helvetios" fällt von der Aufmachung her in seiner Gesamtheit sehr unterschiedlich aus. Das Cover ist in schlichtem schwarz-weiss gehalten und zeigt lediglich den Bandnamen, den Albumtitel und eine Triskele. Zusammen mit dem ebenfalls sehr einfach gehaltenen, schwarz-weissen Backcover sollen Vorder- und Rückseite an einen Bucheinband erinnern. Im Inneren finden sich mehrere farbige Grafiken, die stilistisch an das Artwork von "Everything Remains as It Never Was" erinnern. Es handelt sich dabei um Fotografien von Landschaften, in die teilweise digital keltische Symbole eingefügt wurden, oder um Fotografien von Personen, die wie die Protagonisten der Songtexte wirken sollen. Aufgrund eines Bildfilters wirken alle Fotografien wie „zerkratzte Gemälde“. Glanzmann spricht im Zusammenhang mit dem Beiheft von einer Art „Kunst-Foto-Bildband“ und führt an:  Gestaltet wurde das Cover von Glanzmann persönlich. Als Basis für die Triskele diente ein Ornament einer Fibel, die bei archäologischen Ausgrabungen im Raum der heutigen Zentralschweiz entdeckt wurde. Laut Glanzmann war die Intention zur Erstellung dieses Covers, die Helvetier zu repräsentieren. Das gesamte übrige Artwork wurde von Manuel Vargas und Niklas Sundin ausgearbeitet. Als Statisten in den von Vargas angefertigten Fotografien für das Beiheft wirkten Mitglieder der Keltengruppe "Nantaror" mit.

Rezeption.

Kommerzieller Erfolg und Auszeichnungen.

Das Album verkaufte sich direkt ab der Veröffentlichung in Europa mehrere tausend Mal und stieg in vielen europäischen Ländern in die Charts ein. Die höchste Position gelang in der Schweiz mit Platz 4. Dort konnte sich das Album zunächst 15 Wochen in den Top 100, bis zum 10. Juni 2012 am Stück halten. Im Anschluss wurde das Album insgesamt drei weitere Wochen in den Schweizer Top 100 geführt; auf Platz 100 in der Woche vom 17. bis 24. Juni, auf Platz 88 ab dem 1. Juli 2012, gefolgt von einer weiteren Woche auf Platz 100, bis das Album am 15. Juli 2012 endgültig aus den Charts ausstieg. In den Vereinigten Staaten wurde das Album in der ersten Verkaufswoche bereits 4242 Mal verkauft und stieg damit auf Platz 143 der Billboard Top 200, auf Platz 7 der "Billboard Hard Rock Albums" Charts und auf Platz 3 der "Billboard Heatseekers Albums"-Charts ein. Bei letzteren handelt es sich um spezielle Charts, in denen Künstler gelistet werden, denen erstmals eine Platzierung in den Billboard-Charts gelang. In Kanada stieg "Helvetios" auf Platz 73 der "Canada’s Top 200 Charts" ein.

Kritiken.

"Helvetios" erhielt durch die Fachpresse durchweg positive Kritiken. Neben der sehr guten Produktion, für die Vetterli oftmals gelobt wurde, wird das Album in vielen Reviews auch als Meilenstein herausgestellt. Der Autor Xeledon vom Webzine "metal.de" bescheinigt der Band darüber hinaus, mit dem Album quasi das Folk-Metal-Genre revolutioniert zu haben, bzw. neue Massstäbe dafür gesetzt zu haben. Er beschliesst sein Review mit dem Fazit:  Auch beim Review von "whiskey-soda.de" wird "Helvetios" bescheinigt, ein genredefinierendes Werk zu sein. Autor "colin" schloss sein Review mit den Worten «"Helvetios" ist in meinen Augen ein Album, an dem sich zukünftige Folk-Metal-Alben und -Künstler messen werden müssen. Und sie werden sich reiben! Grossartig!». "Metal-Hammer"-Redakteur Björn Springorum zog als Fazit der Listening-Session: «[Helvetios ist eine] Gelungene Fortsetzung des Eluveitie-Erfolgsrezepts – stürmischer Metal, hymnische Refrains und jede Menge stimmungsvolle Folk-Melodien.» Der Autor Morgenstern vom Schweizer Webzine "schwermetall.ch" gab dem Album 12 von 13 Punkten. Auch er gab dem Album eine sehr positive Kritik:  Darüber hinaus wurde "Helvetios" bei "time-for-metal.eu" und von "metal1.info" zum Album, bzw. der Bericht dazu, zum Review des Monats gekürt. Nur in wenigen Fällen wurde negative Kritik geübt, so z. B. in dem Review von "Powermetal.de", worin Julian Rohrer die Ansicht äusserte, dass das Album musikalisch zu wenig Neues mit sich bringe. Er schliesst sein Fazit dennoch positiv und gibt dem Album 8,5 von 10 Punkten. Auch im deutschen Magazin "Rock Hard" klingt etwas Kritik an, wenn der Rezensent Jens Peters das «bewährt[e]» «Rezept» der Vergangenheit fortgesetzt sieht und schreibt: «Im Grunde ist auch auf ‹Helvetios› alles prima und wunderbar, einzig die penetrant nervende Tröte, die in diversen Songs (u. a.) im Titelstück und in ‹The Uprising› zum Einsatz kommt, hätte nun wirklich nicht sein müssen.» Das Album sei «hervorragend produziert» sowie «erwartungsgemäß voll charttauglich». Er vergab acht von zehn Punkten. Das Album erreichte in der Ausgabe des Magazins den 39. Platz von 50 besprochenen Alben mit einer Durchschnittsnote von 6,3 aller Redakteure.

Helvetios ( für ‹(die) Helvetier› bzw. ‹(die) Schweizer›, Akkusativ Plural) ist das fünfte Studioalbum der Schweizer Folk-Metal-Band Eluveitie. Es ist das erste Konzeptalbum der Band und behandelt chronologisch die Thematik des Gallischen Krieges. Ausgearbeitet wurde das Konzept mit Hilfe von Historikern über einen Zeitraum von gut zwei Jahren. Zusammen mit den Aufnahmen und der Produktion des Albums vergingen knapp fünf Jahre, bis das Album im deutschsprachigen Raum am 10. Februar 2012 auf dem Plattenlabel Nuclear Blast erschien.


Leben.

Ahmose verbrachte seine Jugendzeit in el-Kab, etwa 65 Kilometer südlich von Theben. Sein Vater Bibi, Sohn der Rainet, diente zur Zeit der 17. Dynastie als Offizier unter Seqenenre. Unter König Ahmose I. trat Ahmose, Sohn der Ibana, noch als junger Mann seinen Dienst als Soldat auf einem Schiff an.  Nach der Gründung eines Hausstandes wurde Ahmose auf ein neues Schiff versetzt und kämpfte als Fuß- und Marinesoldat bei der Belagerung der Hyksos-Hauptstadt Auaris mit. Der Überfall auf die Stadt erfolgte mit mehreren Überraschungsangriffen, bei denen man schnell Beute machte und sich dann blitzschnell wieder zurückzog. Ahmose tötete dabei mehrere Feinde und verdiente sich insgesamt dreimal das Ehrengold und Sklaven als Kriegsbeute.  Nach der Einnahme von Auaris nahm er an der dreijährigen Belagerung der gut befestigten Stadt Scharuhen in Südpalästina teil, bei der er erneut Sklaven erbeutete und Tapferkeitsgold erhielt.  Als die asiatischen Stämme im Norden besiegt waren, beteiligte er sich an einem Feldzug in Unternubien und an der Niederschlagung eines nubischen Aufstandes. In Mittelägypten kam es zu einem Aufstand des Kommandanten Tetian, den er ebenfalls mit besiegte.  Unter Amenophis I. und Thutmosis I. kam es zu weiteren militärischen Vorstößen in den Süden, in deren Verlauf Ahmose zum obersten Marineoffizier aufstieg. Seine letzte Beteiligung erfolgte bei einem Syrienfeldzug des Thutmosis in dessen vierten oder fünften Regierungsjahr, der bis nach Karkemiš in Nordmesopotamien führte.

Grab.

Das Grab des Ahmose befindet sich am Nordostufer des Nils in der oberägyptischen Stadt el-Kab. Es wird mit EK5 bezeichnet (für "el-Kab 5") und ist eines der wichtigsten Felsengräber der dortigen Nekropole, die Gräber von der Zweiten Zwischenzeit bis zur 20. Dynastie umfasst. Das Grab ist vor allem durch die autobiographische Inschrift des Inhabers bedeutend, die als wichtige historische Quelle für den Beginn der 18. Dynastie gilt und neben den Siegesberichten des Kamose zu den wichtigsten zeitgenössischen Texten über die Vertreibung der Hyksos aus Unterägypten zählt.

Ahmose, Sohn der Ibana (auch Ahmose, Sohn der Abana, Ahmose, Sohn der Abina oder Ahmose, Sohn der Ebana) (* 16. Jh. v. Chr. in el-Kab; † nach 1500 v. Chr.) war ein altägyptischer Marineoffizier des Neuen Reiches. Er ist vor allem durch seine Autobiografie in seinem Felsengrab von el-Kab bekannt, in der er seine Taten unter den Königen Ahmose I. bis Thutmosis I. schildert.


Geschichte.

Der im Mai 2008 gewählte Londoner Bürgermeister Boris Johnson versprach vor der Wahl im September 2007, wieder Stadtbusse nach Routemaster-Bauart einzuführen. 2007 gab es erste Entwürfe für eine neue Ausführung des als Londoner Bus-„Ikone“ geltenden Routemaster mit offener Heckplattform. Nach einer Ausschreibung wurden einige Mock-ups erstellt. Das Mock-up von Wrightbus fand die meiste Zustimmung; Wrightbus erhielt den Auftrag zur Fertigung eines Prototyps. Dieser wurde im Jahr 2011 vorgestellt. Seit Frühjahr 2012 sind bei "Arriva London" die ersten Exemplare im Dienst. Inzwischen werden auch Exemplare bei den Unternehmen "Metroline", "London United" ("RATP Group"), "Stagecoach London" und "GoAhead London" eingesetzt.  Transport for London bestellte für den Einsatz in London zunächst 600 Exemplare dieses Busses, um sie linienweise den über Ausschreibungen ermittelten Verkehrsunternehmen zum Einsatz auf den Innenstadtlinien zur Verfügung zu stellen. Später wurden weitere 200 Busse bestellt. Insgesamt 1000 Busse dieses Typs waren bis Anfang 2016 bestellt, weitere 195 Exemplare wurden bis März 2016 nachbestellt, 720 waren bis dahin geliefert.  Bürgermeister Sadiq Khan entschied Ende 2016, dass keine weiteren Busse dieses Typs bestellt werden. Die Einstellung des Kaufs dieses Modells, das ursprünglich 354.000 £ pro Bus für die ersten 600 bestellten Busse koste, was auf 325.000 £ für die nächsten 200 Busse gesenkt wurde, soll dazu beitragen die Festschreibung der Preise für den öffentlichen Personennahverkehr in London für vier Jahre bis 2020 zu finanzieren. Bereits im Juli 2015 war bekannt geworden, dass 300 Busschaffner ihre Arbeit verlieren würden, was eine Einsparung von 10 Millionen Britischen Pfund erbrachte, doch das Aufspringen während der Fahrt auf den Bus nicht mehr zulässt. Die Herstellerfirma Wrightbus erklärte 2016, dass die Produktionslinie des Busses kurzfristig geschlossen würde, wenn keine neuen Aufträge erfolgten. Die Diesel-und-Strom-Antriebstechnik des Busses gilt als überholt und Khan kündigte an, dass eine neue Busgeneration in Auftrag gegeben werde, die wesentlich zur Verbesserung der Luftqualität in der Stadt beitragen solle.

Betrieb.

Offene Hecktür.

Wenn ein Schaffner an Bord ist, ist die Tür an der Heckplattform offen und man kann jederzeit, auch außerhalb von Bushaltestellen, ein- und aussteigen. Das ist montags bis freitags zwischen sechs und 18 Uhr auf einigen Linien der Fall. Abends und am Wochenende fahren die Busse mit geschlossenen Heckplattform-Türen im Einmannbetrieb. Der Schaffner ist als Begleiter und Beobachter der offenen Heckplattform sowie als Servicekraft für Fahrgäste – z. B. für mobilitätseingeschränkte Personen – an Bord, er verkauft keine Fahrkarten.

Einsatz in London.

Bisher wird der New Routemaster nur bei Verkehrsbetrieben in London eingesetzt. Die Umstellung des Fahrzeugeinsatzes erfolgt dabei linienweise nach der Anzahl der zur Verfügung stehenden Busse. Bisher werden folgende Linien bedient:

Short Routemaster.

Wrightbus bietet auf dem Fahrgestell Volvo B5L mit eigenem Aufbau auch einen sogenannten Short Routemaster (SRM, kurzer Routemaster) an, der im Gegensatz zum New Routemaster 70 cm kürzer (10,6 m) ist und nicht über eine Heckplattform mit dritter Tür und zweiter Treppe verfügt. Die Front ist identisch, auch die Seiten und die Inneneinrichtung entspricht dem New-Routemaster-Stil, was die Ersatzteil-Vorhaltung bei den Verkehrsbetrieben, die den NRM einsetzen, vereinfacht. Im Gegensatz zum NRM ist jedoch auf der linken Seite ein Volvo-5-Liter-Dieselmotor D5K mit 240 PS in Längsrichtung im Heck untergebracht, das Kühlsystem wurde darüber platziert. Damit steht der SRM in Konkurrenz zu den anderen aktuellen Hybrid-Doppeldeckbussen wie "Wrightbus Gemini" oder "ADL Enviro 400", die in London beschafft werden. Die ersten sechs SRMs wurden von "RATP London" für den Einsatz ab September 2016 beim Busbetrieb "London United" auf der Linie 13 von "London Sovereign" bestellt.  Neben der (Londoner) Version mit 10,6-m-Länge und zwei Türen für 66 Sitzplätze ist auch eine Variante mit nur einer Tür (wie bei den meisten Busbetrieben außerhalb Londons üblich) und eine Version mit 11,3-m-Länge für bis zu 70 Sitzplätzen darstellbar. Es gibt auch einen Bausatz zum Rückbau der zweiten Tür in der Mitte, dadurch können nach dem Einsatz in London und dem Verkauf an Verkehrsbetriebe außerhalb Londons vier zusätzliche Sitzplätze geschaffen werden.

Der New Routemaster (NRM) oder New Bus for London (NB4L, umgangssprachlich zunächst auch "Borismaster" nach dem damaligen Londoner Bürgermeister Boris Johnson, der die Gelenkbusse im Londoner Stadtverkehr wieder durch Doppeldecker-Busse ersetzte) ist ein Doppeldecker-Linienbus mit diesel-elektrischem Hybridantrieb, der seit 2012 für den Linienverkehr in London für "Transport for London" (TfL) in Dienst gestellt wird. Der selbsttragende Bus wird bei Wrightbus in Ballymena (Nordirland) gefertigt.


Leben.

Geboren wurde Ithell Colquhoun in Shillong, Britisch Indien, besuchte das Cheltenham Ladies College und studierte Kunst an der Slade School of Fine Art in London.  Sie bereiste Frankreich, um Salvador Dalis Werk zu studieren, besuchte die International Surrealist Exhibition in London und hatte zahlreiche Ausstellungen in England und Deutschland. 1940 wurde sie wegen ihrer okkulten Studien von E. L. T. Mesens aus der Surrealistischen Vereinigung ausgeschlossen.  Seit den vierziger Jahren verbrachte Colquhoun viel Zeit in Cornwall, wo sie sich 1959 endgültig niederließ. Sie fühlte sich der Landschaft Cornwalls eng verbunden, was sie in zahlreichen Bildern, Gedichten und ihrem Buch "The Living Stones: Cornwall" (1957) zum Ausdruck brachte.  Ithell Colquon engagierte sich in verschiedenen mystisch-rosenkreuzerischen Gemeinschaften und verband die dort erlernten Techniken mit ihrer künstlerischen Arbeit. Viele ihrer Bilder entstanden mit Décalcomanie, der Technik des „Automatischen Malens“ als Äquivalent zum Automatischen Schreiben, wie es z. B. von W.B. Yeats verwendet wurde. Ähnlich wie Yeats wollte Colquhoun auf diese Weise die Verbindung zwischen ihrem mystischen und ihrem künstlerischen Schaffen erreichen. Sie veröffentlichte zahlreiche Artikel über alchemistische und okkulte Themen und verfasste ein Buch über S. L. MacGregor Mathers, den Ordensgründer des Hermetic Order of the Golden Dawn. Ihre späteren Bilder signierte sie mit dem Monogramm ihres Ordensnames "Soror Splendidior Vitro".  Als ihr letztes größeres Werk gestaltete sie 1977 einen Satz von 78 Bildern, die eine Art abstrakter surrealistischer Übersetzung des Waite Tarots darstellen.  Am 11. April 1988 starb Ithell Colquhoun im Menwinnion Country House Hotel in Lamorna (Cornwall) an Herzversagen.

Werk.

Colquhouns Werke finden sich unter anderem in London im British Museum, der National Portrait Gallery (London) und in der Tate Gallery, sowie im Royal Cornwall Museum, Truro und im Israel Museum in Jerusalem.  Anfangs arbeitete Colquhoun mit der durch Dali bekannt gewordenen Doppelbilder-Technik, ein Beispiel dafür wäre das unten verlinkte heute in der Tate Gallery befindliche Bild „Scylla“, ab 1939 experimentierte sie mit Décalcomanie und anderen Techniken „automatischen“ Malens. Mit dieser Technik stellte sie unter anderem die Serie der 78 Tarotkarten-Bilder her.

Ithell Colquhoun (* 9. Oktober 1906 in Shillong; † 11. April 1988 in Lamorna) war eine britische Künstlerin, Dichterin, Schriftstellerin und praktizierende Alchemistin. Colquhoun gilt als bedeutende Vertreterin des Surrealismus.


Gründung.

Die 1968 von Natias Neutert in Hamburg gegründete Internationale Walter Benjamin Gesellschaft e. V. war eine philosophisch-kulturpolitische Gesellschaft, die nicht nur zu vertiefter Kenntnis Walter Benjamins beitragen und der ihm gewidmeten Forschung Anregungen geben, sondern vor allem seine Bedeutung für die Kulturrevolution aufzeigen wollte. Nicht nur gedankliche Solidarität mit Walter Benjamin sollte ausgedrückt werden, der Geschichtsphilosoph sollte sogar zu einer globalen Referenzfigur befördert und Marx in dieser Hinsicht an die Seite gestellt werden, wie es im Gründungsmanifest hieß. Die Gründung, ganz im Sinne ihres Anarchosyndikalismus, war weit davon entfernt, etwa eine reguläre Gesellschaft im Sinne bürgerlichen Rechts nach § 705 BGB gewesen zu sein — im Gegenteil: Die Gesellschaft, die ursprünglich hatte Provo-Zentrale heißen sollen, war eine solidarische Erfindung, ohne eine eingeholte Erlaubnis der Benjamin-Erben.

Ziele.

Eins ihrer aktionistischen Ziele ist es daher auch gewesen, durchzusetzen, dass die in Adornos Besitz befindlichen Manuskripte von Walter Benjamin der internationalen jungen Wissenschaft frei zur Verfügung gestellt werden. Statt dass man "über" Walter Benjamins geschichtsphilosophischen Ansatz bloß redete und diskutierte, sollte nach der Parole "mit Walter Benjamin!" vor allem „gehandelt“ werden. Nicht im Hinblick auf ein „geschlossenes Gedankengebäude [...], sondern auf eines, bei dem sämtliche Türen, Fenster und Dachluken sperrangelweit offen stehen,“ wie es im Gründungsmanifest eher poetisch als politisch formuliert ist. Wichtig war die Auffassung, dass die Revolte über das Medium von Pop(-Musik) laufen sollte. Orientierungspunkt hierfür lieferte die von Natias Neutert aus den „Grundrissen“ von Karl Marx gefilterte, auf das Popgeschehen übertragene und eindeutig gegen Adorno gerichtete Formel: „Der Rock ist ein Gebrauchswert, der ein bestimmtes Bedürfnis befriedigt.“ Mit "Swinging Benjamin" schuf der Popkritiker Helmut Salzinger schließlich "intern" eine Art literarisches Vermächtnis dieser ersten Internationalen Walter Benjamin Gesellschaft und "extern" ein Kultbuch. Schon bald jedoch hieß diese, bescheidener geworden, nur noch "Walter Benjamin Gesellschaft," denn bis auf vereinzelte ‚heiße Drähte’, zum Beispiel zu Rob Stolk, über den man lose Verbindung hielt zur Amsterdamer Provo-Bewegung und ähnlichen Akteuren aus der allgemeinen Aufbruchsstimmung dieser Jahre, kam die anvisierte internationale Resonanz nicht recht voran, dafür war der Einfluss auf das bundesrepublikanische Kulturleben durchaus vorhanden und spürbar, weil die III. Etage am Jungfernstieg 48 von Außenstehenden immer wieder als eine Art Thinktank angesteuert wurde:

Wirkungen.

Sympathisierende Nutznießer der heftig geführten, zumeist von Benjamins Werk ausgehenden Debatten waren unter anderem der Soziologe und Sexualforscher Günter Amendt, der entscheidende Anregungen für den Sprachstil von „SEX FRONT“ von dort empfangen hat; der Schriftsteller Daniel Dubbe, der Live-Material für sein Debütbüchlein „Szene“ sammelte; der Schriftsteller und Lektor des Rowohlt Verlages Jürgen Manthey, der sich Anregungen für die inhaltliche Ausrichtung der Buchreihe „dnb“ holte; der Schriftsteller Helmut Salzinger, der selbst wesentlich zur Grundorientierung auf Benjamins Werk beitrug und die Soziologin Irmgard Schleier, potentielle Leiterin des Ausstellungsprojekts „Spielen“. Bei dem berühmten Verleger des März-Verlages Jörg Schröder ging es um ein Drehbuch für einen literarischen Polit-Western.  Das große Ziel der im Auge gehabten gesamtgesellschaftlichen Umwälzung ist nicht verwirklicht worden. Das kleinere, nicht in die Tat umgesetzte Ziel, die in Theodor W. Adornos Verfügungsgewalt befindlichen unveröffentlichten Manuskripte von Walter Benjamin in einer Nacht-und-Nebel-Aktion zu entwenden und in einem öffentlichen Übergabehappening der antiautoritären Wissenschaft frei zur Verfügung zu stellen, ist dagegen vom Geschichtsprozess inzwischen überholt worden: Der früher in Adornos Hand befindliche Nachlass, bestehend vor allem aus den Dokumenten, die Walter Benjamin bei seiner Flucht aus Paris (1940) bei sich hatte, ist inzwischen für „die junge Wissenschaft global“ so gut verfügbar, wie man es sich einst ausgemalt hatte: Seit dem April 2004 vereint das Walter Benjamin Archiv — eine Einrichtung der Hamburger Stiftung zur Förderung von Wissenschaft und Kultur als Teil des Archivs der Akademie der Künste (Berlin) — „wenn auch nicht lückenlos, so doch mit größtmöglicher Vollständigkeit“ gut 12.000 Blatt Arbeitsunterlagen, Briefe, Fotos, Manuskripte und Notizbüchlein; einschließlich der erst 1981 in der Bibliothèque nationale de France entdeckten und dort seinerzeit von Georges Bataille versteckten Materialien. Zu einem Wiederaufgreifen dieses 1968er-Projekts kam es im Mai 2000. Nun nicht mehr mit anarchosyndikalistischem Zuschnitt, sondern eingebunden in einen global angelegten universitären Diskurs: Im Umkreis um das Zentrum für Literatur- und Kulturforschung in Berlin ist erneut eine Internationale Walter Benjamin Gesellschaft ins Leben gerufen worden. Nach eigenem Bekunden will sie „Wissenschaftler und interessierte Leser aus aller Welt“ zusammenbringen und „alle zwei Jahre große Konferenzen zu Walter Benjamin und verwandten Themen“ ausrichten.

Die Internationale Walter Benjamin Gesellschaft war eine typische, gegen das so genannte Establishment gerichtete Hervorbringung der von der 68er-Bewegung anvisierten Gegenkultur.


Handlung.

Der junge Lehrer Daniel erhält in seiner Schule Besuch von Mario, einem labilen Schriftsteller, mit dem er in seiner Kindheit einen Sommer verbrachte, als sein Vater und dessen Mutter heiraten wollten. Der verstörte Mann bittet Daniel mit seiner Tochter zu sprechen, um ihr zu erklären, was damals vorgefallen ist, dieser lehnt jedoch ab. Nach Ende des Schultags erklärt Daniel seiner Freundin Laura, die ebenfalls Lehrerin ist und mit der er einen unerfüllten Kinderwunsch hat, die Umstände seiner Verbindung mit dem Schriftsteller und erzählt ihr, dass in diesem Sommer dessen jüngere Schwester Clara starb. Als Mario abends nach Hause kommt, steigt er zu seiner Tochter Julia in die Badewanne und begeht Selbstmord, indem er sich die Pulsadern aufschneidet.  Nachdem sie in einer Lehrerkonferenz die Nachricht vom Tod Marios in der Zeitung gelesen haben, besuchen Daniel und seine Freundin dessen Beerdigung, wobei sie auch dessen Tochter Julia kennenlernen, die vom Jugendamt betreut wird. Laura überredet ihn in der Folge, das Mädchen zumindest vorübergehend aufzunehmen. Sie ist ganz vernarrt in die Kleine und entwickelt eine tiefe Beziehung zu ihr, während Daniel auf Distanz bleibt und sich mehr und mehr an Clara erinnert fühlt. Sie sagt ihm, dass sie bereits vor ihrem ersten Treffen gewusst habe, wer er ist, und er spricht sie auf einer Geburtstagsfeier als Clara an, worauf sie auch reagiert. In der Folge erinnert Daniel sich daran, wie Clara und ihr Bruder Mario mit ihrer Mutter bei ihm und seinem Vater angekommen sind, wie Clara ein rotes Haarband seiner verstorbenen Mutter als Talisman gegen Monster geschenkt bekommen hat und wie Clara die beiden Jungen beim Spielen am Meer verfolgte und verriet, dass sie geraucht hatten. Er erinnert sich daran, wie Mario und er auf einem Friedhof gespielt haben und Clara dazu brachten in ein Grab hinabzusteigen und wie sie schließlich dort tot aufgefunden wurde, woraufhin ihre Mutter die beiden Jungen, anschrie und als Monster bezeichnete. Nicht nur physiognomisch ähnelt Julia Clara, sie trägt auch deren Haarband und deutet mehrfach an, Daniels Vergangenheit zu kennen. Neben den Erinnerungen plagen diesen auch Albträume. So träumt er davon, in sein Bad zu kommen und dort die Badewanne mit der Erde gefüllt vorzufinden, unter der Clara begraben wurde, und zieht aus dieser das rote Haarband.  Währenddessen erfährt Laura, dass sich jemand um das Sorgerecht für Julia bemüht. Als sie es Daniel erzählen möchte, findet sie ihn jedoch nach einer durchzechten Nacht um vier Uhr morgens im Zimmer des Mädchens. Sie stellt ihren Freund zur Rede und er erklärt, dass Julia ihn verletzen möchte. Daraufhin versucht sie ihn zu beruhigen, dass es keine Geister gebe, und erklärt, dass das Mädchen völlig normal sei. Sie schlägt vor, zu dritt in ein Wochenendhaus zu fahren. Während ihres Aufenthaltes dort, muss Laura in die Stadt zurück, weil sich eine Möglichkeit ergeben hat, doch das Sorgerecht zu erhalten. Dabei lernt sie die Großmutter Julias kennen und erfährt, dass diese in ihr ihre verstorbene Tochter Clara sieht. Die Großmutter bittet sie, das Mädchen vor den Monstern zu beschützen. Während ihrer Abwesenheit findet Daniel bei Julia den Zeichenblock Claras, auf dem diese jeden Tag ein Bild für ihre Mutter gemalt hat. Er verbrennt dieses, während das Mädchen in einen Schuppen gesperrt ist. Als Laura zurückkehrt, versucht er sie von Julia fernzuhalten. Als sie versucht, das Mädchen zu befreien, schlägt er sie nieder. Er zerrt Julia in den Wald, wo er sie lebendig begraben will, nachdem er sie um Vergebung gebeten hat. Während er Erde über Julia schippt, erinnert er sich daran, wie er Clara in dem Grab mit Erde beschmiss und die letztendlich unter der abgehenden Erde begrub, während ihr Bruder ihn noch davon abhalten wollte. Laura findet ihn, als Julia schon unter einer dünnen Erdschicht begraben ist, und rettet diese. Sie versucht Daniel zu erklären, warum es die Ähnlichkeiten mit Clara gab, dieser will sie aber nicht mit dem Mädchen gehen lassen. Bei einem Gerangel stürzt er in den Tod. In der letzten Szene des Films sieht man den toten Körper und wie sich der Nachthimmel in seinen Augen spiegelt.

Hintergrund.

"Dictado" wurde von der Produktionsgesellschaft Oberon Cinematográfica produziert, die von Chavarrías 1990 selbst gegründet worden war. Den weltweiten Vertrieb übernahm Filmax International. Antonio Chavarrías bewegte sich mit seinem Film innerhalb der Genrekonventionen des Thrillers. Mit der musikalischen Ausgestaltung, den surrealen Traumsequenzen und den in Erdfarben gehaltenen Naturszenen schafft er eine ganz eigene bedrohliche Wirkung.

The Little Girl – Das Böse hat einen Namen ist ein spanischer Kinofilm aus dem Jahr 2012. Die Regie führte Antonio Chavarrías, der auch das Drehbuch geschrieben hat und den Film produzierte. Der Psychothriller erzählt die Geschichte von Daniel, der in der jungen Julia die Schwester eines alten Freundes wiedererkennt, die er in seiner eigenen Kindheit umgebracht hat. "Dictado" hatte seine Weltpremiere am 11. Februar 2012 im Rahmen der 62. Berlinale, bei der er im Wettbewerb vertreten war.


Handlung.

Der neunjährige Chip Winters verfügt über eine beeindruckende Singstimme. In den Schulferien besucht er das Feriencamp "Birchlake" in Maine und ist schnell bei den anderen Jungen beliebt. In eine Waldhütte in der Nähe des Camps hat sich der Komponist Johnny Selden zurückgezogen, um an seiner neuen Operette zu arbeiten. Chip und Johnny werden bald Freunde. Um seinem Freund ein wenig vom Flair New Yorks zu vermitteln, liest Chip Johnny die Briefe seiner Mutter Irene vor.  Irene kommt mit ihrem Verlobten Walter Mays zu Besuch ins Lager. Sie lernt Johnny kennen, der ihr von den ersten beiden Akten seiner Operette erzählt. Bei einer Party trägt die ehemalige Opernsängerin Irene einen der Songs aus Johnnys Werk vor. Walter ist verärgert, da er Irene zur Aufgabe ihrer Karriere gebracht hatte. Aus Wut ordnet er die Abreise zusammen mit Chip für den nächsten Morgen an. Der bestürzte Chip verabschiedet sich traurig von seinen Freunden und reist mit seiner Mutter und Walter ab.  Auch Johnny ist wegen Irenes Abreise bestürzt. Frustriert übergibt er die letzten Akte an seinen Diener Joseph, der die Partituren dem Produzenten Wagner übergeben soll. Joseph, selber ein erfolgloser Komponist, macht sich in Begleitung seiner Freunde Moreta und Brennan auf den Weg nach New York. Unterwegs verliert er jedoch das Manuskript. In ihrer Not versuchen die drei ihr eigenes Material als Johnnys Operette auszugeben. Die Produzenten sind jedoch von der Arbeit abgeschreckt.  Chip erfährt von den Problemen mit Johnnys Manuskript. Er eilt in Wagners Büro und singt aus dem Gedächtnis Teile aus den letzten Akten vor. Mit seiner Mutter rekonstruiert er dann den Rest der Operette. Der beeindruckte Wagner lässt die Operette anlaufen. Bei der Premiere tritt auch Irene wieder auf die Bühne. Johnny besucht die Premiere und kann den Star der Operette, Irene, am Ende in die Arme schließen.

Auszeichnungen.

1938 erhielt Hugo Riesenfeld als musikalischer Direktor des Films eine Oscar-Nominierung in der Kategorie "Beste Filmmusik".

Hintergrund.

Der Film feierte am 27. August 1937 seine Premiere. Für Basil Rathbone war "Make a Wish" eine Abweichung von seinem üblichen Schurkenimage, dass er in zahlreichen Filmen der späten 1930er-Jahre kultivierte. In der Rolle der Mutter kam die Sängerin Marion Claire (1902–1988) zu ihrem einzigen Filmauftritt, ansonsten beschränkte sich ihre Karriere auf Bühnen und Opernhäuser. Der Hauptdarsteller Bobby Breen gab später seine Schauspielkarriere auf, um in Nachtclubs zu singen und eine Talentagentur zu leiten.  In einer kleinen Nebenrolle ist Jay Silverheels, bekannt als Tonto, dem Begleiter und Unterstützer des Lone Ranger, zu sehen.

Make a Wish ist eine US-amerikanische Filmkomödie mit Musicalelementen aus dem Jahr 1937 von Kurt Neumann. Die Produktion der RKO Pictures entstand nach einer Erzählung von Gertrude Berg.


Merkmale.

Es handelt sich um relativ kleine Blattwespen (ca. 5 bis 10 mm lang). Bestes Erkennungsmerkmal und namengebend ist der Bau der Fühler. Diese bestehen aus einer unterschiedlichen Anzahl (14 bis 32) kurzer Glieder, die bei den Weibchen an der Außenseite zahnförmig („gesägt“), bei den Männchen breit lamellenförmig („gefiedert“ oder „gekämmt“) erweitert sind. Die vergrößerte Fühleroberfläche der Männchen dient zur Suche der Weibchen mittels Pheromonen. Die Männchen sind in der Regel kleiner und besitzen mehr Fühlerglieder als die Weibchen. Der Kopf ist immer kurz. Der Körperbau ist meist relativ kompakt und gedrungen, vor allem der breit am Rumpf ansitzende Hinterleib ist meist ebenfalls sehr kurz. In den meisten anderen Merkmalen ähneln die Buschhornblattwespen den Echten Blattwespen (Tenthredinidae), mit denen sie nahe verwandt sind. Weitere Merkmale betreffen den Bau der Beine (die Hüften (Coxen) der Hinterbeine berühren einander in der Körpermitte) und des Flügelgeäders (Radialzelle ohne Querader). Die Flügel sind glasklar und meist mit auffallendem Flügelmal (Pterostigma) am Vorderrand. Der Legebohrer (Ovipositor) der Weibchen ist relativ kurz und überragt nicht das Hinterleibsende.

Larven.

Die Larven der Buschhornblattwespen ähneln in der Körpergestalt Schmetterlingsraupen, sie sind 17 bis 30 mm lang. Der Körper ist weichhäutig mit Ausnahme einer runden oder ovalen Kopfkapsel. Am Kopf sitzen sehr kurze, dreigliedrige Antennen. An den Kopfseiten sitzt ein Larvenauge (Stemma oder Ocularium) mit einer Linse. Die Labialpalpen sind drei-, die Maxillarpalpen viergliedrig. Die Oberlippe (Labrum) ist, ähnlich wie bei den Echten Blattwespen, in der Mitte eingedrückt und asymmetrisch geformt, die darunter liegenden, kräftigen Mandibeln sind ebenfalls asymmetrisch mit rechts und links unterschiedlicher Anzahl Zähne. Am Thorax sitzen drei Paar Beine mit fünf Gliedern und einer großen Klaue. Am Hinterleib sitzen Scheinfüßchen an den Segmenten zwei bis acht und am zehnten. Die Körpersegmente sind deutlich durch Wülste geringelt. Die Larven der Buschhornblattwespen sind häufig bunt und kontrastreich gezeichnet. Sie sind z. B. grün mit weißen Längsstreifen ("Gilpinia") oder dunkel mit gelben Flecken ("Diprion"), die Kopfkapsel ist hellbraun oder schwarz. Die Larven sitzen frei und ohne Gespinste auf ihren Nährpflanzen, oft in großen Gruppen.

Lebensweise.

Bei allen Arten fressen die Larven an den Nadeln von Nadelbäumen. Die Imagines nehmen, eventuell mit Ausnahme von ein wenig Wasser oder Honigtau, überhaupt keine Nahrung auf. Die Larven fressen in der Regel an einer einzigen Baumart (monophag) oder einer Gattung (oligophag). Je nach Art sind dies entweder Kiefern- ("Pinus"), Fichten- ("Picea") oder Wacholderarten ("Juniperus"). Die Larven erscheinen je nach Art von Anfang Mai bis Mitte Juni, sie bevorzugen meist ältere, vorjährige Nadeln, bei wenigen Arten den Neuaustrieb. Sie wachsen recht rasch heran, wobei sie sich zwischen fünf- und siebenmal häuten. Die Larven fressen einzeln, bei vielen Arten aber in großen Vergesellschaftungen. Bei Bedrohung nehmen sie eine charakteristische, „U“-förmige Schreckstellung ein. Die ausgewachsenen Larven lassen sich zu Boden fallen und verpuppen sich auf der Bodenoberfläche oder in der Streuschicht, in einem robusten, meist doppelwandigen Kokon, den das letzte Larvenstadium mit seinen Labialdrüsen spinnt. Aus den Kokons schlüpft im nächsten Frühjahr nur ein Teil der Larven. Andere überliegen zwei oder sogar drei Jahre und schlüpfen erst dann aus. Die meisten Arten besitzen eine Generation pro Jahr, bei einigen Arten können lokal auch zwei Generationen auftreten.

Verbreitung.

Alle Arten leben auf der Nordhalbkugel in gemäßigtem (temperaten) oder kaltem (borealen) Klima. Einige Arten kommen bis in die Subtropen vor, keine in den Tropen oder auf der Südhalbkugel.

Wirtschaftliche Bedeutung.

Einige Arten sind gefürchtete Forstschädlinge, die ganze Wälder kahl fressen können. Kahlfraß tritt besonders bei Kiefern (Arten: "Neodiprion sertifer", "Diprion pini", "Gilpinia frutetorum"), seltener bei Fichten (vor allem "Gilpinia hercyniae") auf. Einige Arten sind durch den Menschen in Gebiete außerhalb ihres natürlichen Areals verschleppt worden, so z. B. "Gilpinia hercyniae" nach England und nach Nordamerika. Die Schäden außerhalb des natürlichen Verbreitungsgebiets sind z. T. deutlich größer als im Ursprungsareal. Nach der Einschleppung von "Gilpinia hercyniae" wurde in einem frühen Versuch der biologischen Schädlingsbekämpfung schon in den 1930er Jahren versucht, natürliche Antagonisten, vor allem parasitoide Hautflügler, einzuführen. Dabei wurden durchaus einige Erfolge erzielt, einige Schlupfwespenarten wurden eingebürgert und trugen zur Populationsbegrenzung bei. Einen viel größeren Effekt hatte allerdings eine Viruserkrankung, die mit Zuchtmaterial völlig unbeabsichtigt und zunächst unbemerkt mit eingeschleppt worden war.

Systematik.

Die Buschhornblattwespen sind Pflanzenwespen der Überfamilie Tenthredinoidea. Wahrscheinlich sind sie die Schwestergruppe der Echten Blattwespen (Tenthredinidae). Eine Ansicht sieht in ihnen nur eine Unterfamilie der Echten Blattwespen.  In Deutschland kommen folgende Arten vor:

Die Buschhornblattwespen (Diprionidae) sind eine Familie der Pflanzenwespen (Symphyta). Ihre Larven entwickeln sich auf Nadelbäumen. Einige Arten sind gefürchtete Forstschädlinge. Insgesamt sind etwa 90 Arten bekannt.


Handlung.

Darnell ist ein Frauenheld und Angestellter des Nachtclubs Chocolate City. Sein Ziel ist es Nachtclubbesitzer zu werden. Für Gefälligkeiten von Frauen lässt er die Damen als V.I.P. in den Club. Obwohl er die Frauen ausnutzt, denkt er immer wieder an seine Abenteuer mit seiner Jugendliebe. Als er die elegante Brandi kennenlernt, glaubt er, verliebt zu sein. Seine Annäherungsversuche werden von ihr anfangs ignoriert, und beide kommen doch zusammen. Doch da findet Darnell heraus, dass er Mia noch immer liebt, die er zuvor wiedergesehen hat. Er gibt Brandi einen Korb, die sich daraus zur Stalkerin entpuppt. Darnell und Mia verloben sich in der Hoffnung, Brandi nicht mehr wiederzusehen. Doch auch das hilft nicht. Am Ende liegt Darnell im Krankenhaus und denkt über seine Situation gegenüber Frauen nach, wobei Darnell auf einem Fahndungsfoto zu sehen ist.

Produktion.

Der Film hatte ein Budget von acht Millionen US-Dollar und spielte alleine in den Vereinigten Staaten über 34,9 Millionen US-Dollar ein. Neben Martin Lawrence waren auch George Jackson und Doug McHenry als Produzent beteiligt deren Filmproduktionsfirma „The Jackson/McHenry“ den Film zusammen mit Savoy Pictures, You Go Boy! Productions produzierte. New Line Cinema hatte die Rechte für die Kinovorführungen und brachte den Film 1996 in die Kinos. Fox Network strahlte den Film im Jahr 1999 das erste Mal aus. Die Dreharbeiten begannen am 5. Juni 1995 in Los Angeles, Kalifornien und endeten am 11. August 1995. Dabei wurden Außenaufnahmen in Downtown und in der Los Angeles City Hall gemacht.

Veröffentlichung.

Der Film hatte am 3. April 1996 in den USA unter dem Titel "A Thin Line Between Love and Hate" Premiere, bevor er unter dem Namen "A Thin Line Between Love & Hate" auf Video erschien. In den deutschen Kinos lief der Film am 9. Mai 1996 an. Im Vereinigten Königreich kam "Mister Bombastic" am 28. Juni, in Australien am 25. Juli und in Südafrika am 18. Oktober 1996 in die Kinosäale. Im Jahr darauf erschien der Film in Ungarn, am 27. März und in den japanischen Kino ab dem 10. Mai 1997. In Portugal erschien "Mister Bombastic" unter dem Titel "Entre o Ódio e o Amor" direkt auf Video.

Mr. Bombastic (Alternativtitel: "Mister Bombastic"; Originaltitel: "A Thin Line Between Love and Hate") ist eine US-amerikanische Komödie aus dem Jahr 1996. Bei dem Film führte Martin Lawrence Regie, verfasste das Drehbuch, war Produzent und als Hauptdarsteller aktiv.


Inhalt.

Erster Teil.

August Engelhardt reist Anfang des 20. Jahrhunderts in die damalige Kolonie Deutsch-Neuguinea, um dort eine Kokosplantage zu kaufen. Sein erklärtes Ziel: sich als bekennender Vegetarier ausschließlich von der Kokosnuss zu ernähren.  Im wilhelminischen Deutschen Reich erfährt er für seine Ansichten und Pläne außerhalb eines engen Bewundererkreises nur Ablehnung. Als Nudist wird Engelhardt mehrfach verhaftet und verlacht. Er bricht daraufhin mit einer Summe Geldes in die Südsee auf und beabsichtigt dort, eine Gemeinschaft von Sonnenjüngern zu gründen. Auf der Überfahrt, bei einem Halt in Ceylon, begegnet er dem Tamilen Govindarajan, in dem er einen geistigen Verbündeten sieht. Govindarajan lockt ihn aber auf einem gemeinsamen Ausflug in eine Tempelhöhle und beraubt ihn eines Großteils seiner finanziellen Reserven.  Ungeachtet des Verlustes reist Engelhardt weiter und kauft der Großgrundbesitzerin Emma Kolbe die für sie wertlose Insel Kabakon zur Bewirtschaftung als Kokosnuss-Plantage ab. Auf der Insel stellt Engelhardt Eingeborene als Arbeiter ein und erntet Kokosnüsse mit der Absicht, sie ins Deutsche Reich zu exportieren. Da Engelhardt weder über Geld noch Mittel verfügt, die Insel zu bezahlen, noch, die Arbeiter zu entlohnen, beleiht er die Gewinne seines Handels auf Jahre, da Geld für ihn keine Bedeutung hat. Schon bald kündigt sich Aueckens, ein Jünger aus Deutschland, an, der beabsichtigt, sich Engelhardts Kult anzuschließen. Nach anfänglicher Euphorie und philosophischen Gesprächen entfernen sich die beiden Charaktere jedoch immer mehr. Als Aueckens schließlich Engelhardts Arbeiter Makeli vergewaltigt, greift Engelhardt zu einer Kokosnuss und erschlägt Aueckens. Der Mord wird als Unfall getarnt und bald vergessen.

Zweiter Teil.

Auf der Suche nach Gleichgesinnten reist Engelhardt auf die Fidschi-Inseln, um den ebenfalls ausgewanderten Mittenzwey aufzusuchen. Mittenzwey, der vorgibt, Lichtesser zu sein, wird von Engelhardt als Lügner enttarnt. Auch Govindarajan trifft er in der Gemeinschaft an, verzichtet aber auf Vergeltung des Raubes und öffentliche Bloßstellung Mittenzweys und reist zurück nach Kabakon.  Als der hypochondrische Klavier- und Violinenspieler Max Lützow zur Gemeinde stößt, beginnt eine Lebensgemeinschaft der beiden Kokosnuss-Jünger. Während Engelhardt weitere in Deutsch-Guinea seinetwegen gestrandete Jünger abweist, erlaubt er Lützow schon bald, mit ihm unter einem Dach zu leben.

Dritter Teil.

Nach kaum einem Jahr entzweien sie sich dennoch, und Lützow kommt unmittelbar nach seiner Hochzeit mit Emma Forsayth bei einem Unfall im Hafen von Rabaul ums Leben. Da Engelhardts exzentrische Lebensweise beim Gouverneur der Kolonie Albert Hahl nach anfänglicher Sympathie auf Unbehagen stößt, engagiert dieser den Kapitän Slütter zur Ermordung des Einsiedlers. Als Slütter auf Engelhardt trifft, sieht er davon ab, ihn zu erschießen, und lässt ihn laufen. Auch Engelhardts treuer Arbeiter Makeli verlässt die Gemeinschaft.  Mit Beginn des Ersten Weltkrieges endet die kurze Geschichte von Kabakon als Kokosnuss-Plantage; die Kolonie wird von australischen Soldaten besetzt und Engelhardt mit einem kläglich niedrigen Betrag enteignet. Er lehnt das Geld ab und verschwindet.  Erst nach Ende des Zweiten Weltkriegs taucht Engelhardt auf der weit abgelegenen Insel Kolombangara völlig abgemagert und verwirrt auf und wird von amerikanischen Soldaten auf eine ihrer Basen verbracht. Ein Journalist des US-Militärs nimmt Engelhardts Geschichte auf. Die Geschichte endet mit der Hollywood-Verfilmung von Engelhardts Leben.

Analyse.

Mit "Imperium" lehnt sich Kracht an das Genre des Historien- und Abenteuerromans an. Beide Gattungen werden jedoch als Referenzrahmen ständig verschoben und ironisch ad absurdum geführt. In der historischen Rückschau haben beispielsweise Figuren wie August Engelhard, Max Lützow oder der Gouverneur Albert Hahl existiert und standen in Kontakt miteinander. Nur sind im Roman die Details ihres Zusammenspiels frei erfunden. Kracht sagt darüber im Interview mit dem ARD-Magazin "Druckfrisch": „Es ist eigentlich ein großes Spiel mit auftauchenden Figuren, die eintauchen und wieder auftauchen.“ Auch das Abenteuer des Romans, dessen Handlung sich wie im "Robinson Crusoe" auf einer Insel entfaltet, nimmt im weiteren Verlauf immer absurdere Züge an. Bei Defoe findet der Protagonist auf dem Eiland seinen christlichen Glauben und treibt es zu einer wirtschaftlichen Blüte. Bei Kracht versteigt er sich dort immer tiefer in die absurde Ideologie des Kokovorismus, gerät zunehmend in eine verlotterte Misswirtschaft und endet als verwahrloster Kannibale.  Einige Figuren des Romans wie Kapitän Slütter und Pandora entlehnte Kracht der "Südseeballade" um Corto Maltese von Hugo Pratt.

Rezeption.

Georg Diez schreibt 2012 anlässlich des Erscheinens des Romanes "Imperium" im Magazin Der Spiegel, Christian Kracht sei der Céline seiner Generation. "Imperium" sei „durchdrungen von einer rassistischen Weltsicht“. An Krachts Beispiel „könne man sehen, wie antimodernes, demokratiefeindliches, totalitäres Denken seinen Weg findet hinein in den Mainstream.“ Dieser Einschätzung wurde umgehend widersprochen – etwa durch Jan Küveler in der Welt, der kontert: „Nun muss man in Diez indes einen Wegbereiter der Ironiefreiheit erkennen. Denn die meisten Zitate, die Diez für sein denunziatorisches Pamphlet böswillig aus dem Zusammenhang reißt, sind allenfalls Beweis für Krachts Humor.“ Felicitas von Lovenberg spricht in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung von dem „Versuch, eine literarische Neuerscheinung durch eine ganz und gar unliterarische Lesart zu vernichten.“ Auch der Soziologe Manfred Clemenz konstatiert bei Diez' Kritik ein falsches Literaturverständnis.  Der Diez’schen Einschätzung des Romans steht eine Mehrheit positiver Rezensionen des Romans gegenüber, unter anderem durch Felicitas von Lovenberg und Julia Encke in der FAZ, Richard Kämmerlings in der Welt oder Erhard Schütz im Freitag. Am deutlichsten wird Lothar Schröder für die Rheinische Post: „Dieser Vorwurf ist intellektuell beschämend. Er ist irrwitzig und obendrein ungerecht einem Buch gegenüber, das seit Kehlmanns "Vermessung der Welt" zu den besten, geistreichsten und eloquentesten deutschen Romanen zählt.“  Helge Malchow, Kiepenheuer & Witsch, Verleger von Christians Krachts "Imperium", erhält im Spiegel die Gelegenheit, auf Diez’ Rezension an selber Stelle zu antworten: „So wird aus Literaturkritik der Versuch der Ausgrenzung eines der begabtesten deutschsprachigen Schriftsteller, und aus einer Buchbesprechung wird eine Denunziation, gegen die das Opfer sich nun rechtfertigen muss. McCarthy reloaded.“  Antonia Baum sieht Christian Kracht für die Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung in der „Hölle der Ironie“ gefangen, und das nicht erst mit "Imperium", sondern seit den späten „achtziger Jahren“ beim Magazin Tempo in „deren Büroräumen der damalige Volontär Kracht seinen ersten Roman schrieb.“ Krachts „Lustigsein“ ist für Baum ein „verzweifeltes“, „genauso verzweifelt, wie diejenigen, die das alles lesen und verstehen müssen und die dann, aus Ehrfurcht vor dem Großschriftsteller Kracht, vielleicht eben einfach lachen und sich verbeugen, statt zu sagen, dass sie etwas nicht verstanden haben.“  Sabine Vogel verteidigt den Roman in der Frankfurter Rundschau gegen den Vorwurf der „Nazigesinnung“. Allerdings urteilt sie, dass „Krachts gespreizte Manieriertheit“, die offenbar Thomas Mann imitiere, ziemlich bald nervt: „Da ist der schnöde Heizer ein ′Demiurg gegen die Impertinenz der Weltenunordnung’ und das ′Ektoplasma wird in geordnete Schranken‘ geleitet. Dass Krachts Engelhardt dann auch noch von ′Nordmännern‘ deliriert und Kindern, ′deren blondes Haar zu Kränzen auf ihren Häuptern verflochten war’“, sei „grauenhafter Rollenprosa-Kitsch“. Ihr Fazit lautet: „[...] um mit der Gestelztheit der Kracht’schen Diktion zu sprechen: man kommt nicht umhin zu sagen, dass der Roman ein recht hanebüchener Schmarrn ist.“

Literatur.

Ausgaben.

"Imperium" wurde bislang ins Spanische, Koreanische, Türkische, Dänische, Russische, Rumänische, Kroatische, Ungarische, Hebräische, Englische, Mazedonische, Estnische, Schwedische, Italienische, Norwegische und Tschechische übersetzt.

Imperium ist ein 2012 erschienener Roman des Schweizer Schriftstellers Christian Kracht. Er erzählt die Geschichte des deutschen Aussteigers August Engelhardt, der sich nach Deutsch-Neuguinea aufmacht, um dort eine Kokosplantage zu betreiben. Als fanatischer Vegetarier verehrt Engelhardt die Kokosnuss als eine göttliche Frucht und strebt danach, seine Ideologie des Kokovorismus missionarisch zu verbreiten.


Handlung.

Seit drei Jahren sind der in New York ansässige Zeitungsverleger Van und seine Frau Linda glücklich miteinander verheiratet. Sowohl Vans Mutter Mimi als auch Freunde von Linda hegen jedoch den Verdacht, dass Vans attraktive Sekretärin Whitey über kurz oder lang Van zu einer Affäre verführen könnte. Linda will derlei Andeutungen aber keinen Glauben schenken, denn sie vertraut ihrem Ehemann. Anders verhält es sich mit Whiteys Verlobtem Dave, der wegen Whiteys Bewunderung für ihren Chef umgehend eifersüchtig wird. Er drängt Whitey daher umso mehr, ihn endlich zu heiraten. Doch anstatt einen Hochzeitstermin festzusetzen, löst Whitey ihre Verlobung mit Dave und stürzt sich lieber in die Arbeit. Sie will Van dabei helfen, einen geheimen Handel mit dem Medienmogul Underwood abzuschließen, bevor ein anderer Verleger Van zuvorkommt. Zu diesem Zweck verheimlicht Van seine geschäftlichen Pläne selbst vor Linda, was diese zunehmend misstrauisch stimmt.  Bei einem von Vans Verlag organisierten Schlittschuhlaufen wird Linda schließlich doch eifersüchtig. Sie bittet Van, Whitey in eine andere Abteilung zu versetzen, und gerät mit ihm in Streit. Sie versöhnen sich aber noch in derselben Nacht. Um sein Geschäft mit Underwood abzuschließen, muss Van kurz darauf nach Havanna fahren. Er möchte jedoch nicht, dass Linda ihn begleitet. Am Ziel seiner Geschäftsreise angekommen, lässt Van angesichts des immensen Papierkrams Whitey nachkommen. Gemeinsam arbeiten sie nun Tag und Nacht. Nachdem sie den Handel mit Underwood erfolgreich abgeschlossen haben, stoßen Van und Whitey auf ihren Triumph an. Obwohl sie sich dabei stark zueinander hingezogen fühlen, können sie einander letztlich widerstehen. Als jedoch Linda überraschend anruft und Whitey den Telefonhörer abnimmt, ist Linda vollends von Vans Untreue überzeugt.  Van kehrt wenig später nach New York zurück, wo Linda bereits die Scheidung eingereicht hat. Nachdem Van erfolglos versucht hat, sie für sich zurückzugewinnen, lädt er Whitey ein, gemeinsam zu den Bermuda-Inseln zu segeln. Obwohl sich Whitey inzwischen in Van verliebt hat, sieht sie ein, dass Van und Linda zusammengehören. Whitey sucht Linda auf und macht dieser klar, dass eine Scheidung ein großer Fehler sei. Linda kehrt zu Van zurück und auch Whitey und Dave finden erneut zueinander.

Hintergrund.

"Seine Sekretärin" war der fünfte von sechs gemeinsamen Filmen von Clark Gable und Jean Harlow und markiert zudem die vierte von insgesamt sieben gemeinsamen Produktionen von Gable und Myrna Loy. Harlow und Loy wiederum hatten ebenfalls 1936 für die Filmkomödie "Lustige Sünder" zusammengearbeitet.  "Seine Sekretärin" wurde am 28. Februar 1936 in den Vereinigten Staaten uraufgeführt. Am 22. Juli 1936 kam die Filmkomödie auch in die deutschen Kinos. Am 9. Oktober 1988 wurde sie erstmals im deutschen Fernsehen ausgestrahlt.

Kritiken.

„Gutmütige Gesellschaftskomödie mit Starbesetzung“, urteilte Das "Lexikon des internationalen Films". „Jean Harlow glänzt in einer Charakterrolle, mit der die an sich belanglos-nette Geschichte Profil gewinnt“, heißt es des Weiteren. Für "Cinema" war "Seine Sekretärin" ein „[t]oller Old-School-Spaß mit knisterndem Dialogwitz“.

Deutsche Fassung.

Eine deutsche Synchronfassung entstand 1988 bei der Interopa Film in Berlin.

Seine Sekretärin (Originaltitel: "Wife vs. Secretary") ist eine US-amerikanische Filmkomödie aus dem Jahr 1936. Unter der Regie von Clarence Brown sind Clark Gable, Jean Harlow und Myrna Loy in den Hauptrollen zu sehen. Als literarische Vorlage diente der Roman "Wife vs. Secretary" von Faith Baldwin.


Geschichte.

Die Band besteht seit 2008 und wurde von den beiden DJs Daniel Collás und Sean Marquand gegründet, die durch ihre Arbeit mit unter anderem TV on the Radio und The Jon Spencer Blues Explosion gut mit der lokalen Musikszene vertraut waren. Nach einiger Zeit begannen beide, eigene Lieder zu schreiben, ehe die weiteren Mitglieder noch im Gründungsjahr zur Band stießen und diese so auf eine Breite von acht Mitgliedern vergrößerten.  Das erste Album, das denselben Namen wie die Band selbst trägt, wurde am 16. Oktober 2009 veröffentlicht und erschien in Deutschland bei Gomma Records. In den USA erschien es bei Friendly Fire Recordings und Tummy Touch Records. In Japan wurde das Album von KSR Records, in Australien von Inertia und auf den Philippinen von Universal Records veröffentlicht. Im Dezember des Folgejahres erschien das zweite Album "Remixes", auf dem ausschließlich Remixes der Songs vom ersten Album enthalten sind.  Am 17. Februar 2012 wurde das dritte Album der Band, "Form & Control", veröffentlicht. Im selben Jahr geht die Band auf Europatour und spielt unter anderem in London, Basel und Berlin.

Rezeption.

Von der Fachpresse und verschiedenen Musikmagazinen wurde die Band gerade nach der Veröffentlichung des ersten Albums durchweg positiv aufgenommen und bewertet. So erhielt das erste Album selbst eine Wertung von 6,2 bei Pitchfork und auch andere Seiten bewerteten es positiv. Unter anderem schrieb die Webseite „Plattentests.de“:  Die Kurzbeschreibung zum dritten Album bei Amazon.de lässt verlauten, dass sich die Band perfekt in die Lücke zwischen Sly & The Family Stone, Tom Tom Club, CSS und The Go! Team einfügt.

Die Phenomenal Handclap Band ist ein Musikerkollektiv aus Brooklyn und Lower Manhattan, New York City, das den Genres Rock, Disco, Soul, Electropop und Psychedelia zugeordnet werden kann.


Merkmale.

Es handelt sich um mittelgroße Pflanzenwespen (Körperlänge etwa 10 bis 14 mm), die (dorsoventral) etwas abgeplattet sind. Wichtigster Unterschied zu den Gespinstblattwespen ist der Bau der Fühler, deren Geißelglieder in beiden Geschlechtern außen etwas zahnförmig erweitert („gesägt“) sind. Am Kopf fallen die gut ausgebildeten Mundgliedmaßen auf, die die Länge der Kopfkapsel erreichen können. Die Maxillen und das Labium sind zu einer ausstreckbaren, kissenartigen Struktur verschmolzen, die zur Aufnahme von Pollen und Nektar beim Blütenbesuch dient. Am Rumpf ist das Pronotum groß und hinten gerade begrenzt. Das erste Tergit des Hinterleibs ist in der Mitte verkürzt, so dass eine ovale, unsklerotisierte Zone frei bleibt, wenn der Hinterleib abgewinkelt wird. Das zweite Tergit ist ungeteilt (Unterschied zu den Gespinstblattwespen). Der Legebohrer (Ovipositor) des Weibchens bildet eine sägeblattartige Struktur, die in Ruhe kaum die Spitze des Hinterleibs überragt. Die Tiere sind fast immer schwarz und gelb gezeichnet mit klaren, abschnittsweise braun getönten Flügeln und sehen auf den ersten Blick Faltenwespen verblüffend ähnlich.

Larven.

Auch die Larven ähneln denjenigen der Gespinstblattwespen. Wie diese besitzen sie drei Paar gut ausgebildete Thorakalbeine, aber keine Scheinfüßchen am Abdomen. An der Spitze des Hinterleibs sitzen oft zwei kurze Anhänge. An der sklerotisierten Kopfkapsel fallen die langen, sieben- bis achtsegmentigen Antennen auf. Die Larven leben gesellig in gemeinsam gesponnenen Gespinstnestern auf ihren Wirtspflanzen. Anders als bei den Gespinstblattwespen, sind dies nicht Holzgewächse, sondern krautige Arten.

Lebensweise.

Die Imagines aller Arten sind Blütenbesucher. Neben den auch von den Larven genutzten Doldenblütlern scheinen einige Arten eine auffallende Vorliebe für gelb gefärbte Blüten zu zeigen. Die Flugzeit der Imagines liegt im Sommer (Juni bis August). Die Larven leben in Gespinsten auf ihren Nahrungspflanzen, dies sind bei den europäischen Arten ausschließlich Doldenblütler der Gattungen Haarstrang ("Peucedanum"), Laserkräuter ("Laserpitium"), Heilwurz ("Seseli" oder "Libanotis"). Wie ihre Wirtsarten leben sie in steppenartigen Lebensräumen, besonders Mager- und Trockenrasen auf basenreichen Böden oder wärmebegünstigte Säume und Waldränder. Bei den meisten zentralasiatischen Arten ist die Nährpflanze allerdings unbekannt.

Verbreitung.

Die Arten der Familie kommen in Mittel- und Südeuropa, nördlich bis England, im gesamten Mittelmeerraum und von hier aus nach Osten bis nach Zentralasien vor. In Mitteleuropa sind sie selten und fehlen im größten Teil Norddeutschlands. Die Art "Megalodontes cephalotes" (syn. "Megalodontes klugi") kommt in Süddeutschland zerstreut, nach Norden bis ins östliche Harzvorland (Kyffhäuser) und nach Nordhessen vor. Alle anderen Arten sind nur vereinzelt und randlich nachgewiesen.

Taxonomie und Systematik.

Die Familie wurde bis 1996 Megalodontidae genannt. Aufgrund von unzulässiger Homonymie mit einer ausgestorbenen Familie der Muscheln (vgl. Megalodon abbreviatus), wurde der Name in Megalodontesidae verändert. Die Familie bildet gemeinsam mit den Gespinstblattwespen (Pamphilidae) die Überfamilie Pamphiloidea, von anderen Autoren auch Megalodontoidea genannt. An diesem Schwestergruppenverhältnis besteht kein Zweifel.  Zu dieser Familie werden vier Gattungen gestellt, von denen nur die Typusgattung "Megalodontes" weiter verbreitet ist. Alle in Europa vorkommenden Arten gehören ihr an.  In Deutschland sind folgende Arten gefunden worden: Die deutschen Arten sind bestimmbar mit der „Exkursionsfauna von Deutschland“ (Band 2).  In Österreich kommt eine weitere Art vor:

Die Megalodontesidae sind eine kleine Familie der Pflanzenwespen, die nahe mit den Gespinstblattwespen verwandt ist. Von den etwa 50 Arten sind sechs in Mitteleuropa verbreitet.


Leben.

Nach dem Schulbesuch studierte Uyunqimg zunächst an der Universität für Wissenschaft und Technologie im Autonomen Gebiet der Inneren Mongolei und schloss dieses Studium 1960 ab. Ein anschließendes Studium an der Parteischule der KPCh im Autonomen Gebiet der Inneren Mongolei beendete sie 1964 und war danach bis 1960 Lehrerin an der Parteischule der KPCh in Baotou, eine bezirksfreie Stadt in der Inneren Mongolei. Während dieser Zeit wurde sie 1966 Mitglied der KPCh und anschließend von 1968 bis 1979 Redakteurin der Tageszeitung "Baotou Daily". Nachdem sie danach Sekretärin des Wirtschaftskomitees von Baotou wurde, war sie zwischen 1980 und 1983 Sekretärin des Stadtkomitees der KPCh von Baotou und zeitgleich Vizedirektorin der Organisationsabteilung.  Danach wurde sie 1983 Direktorin der Organisationsabteilung und zugleich Mitglied des Ständigen Ausschusses des Stadtkomitees der KPCh von Baotou. Nach Beendigung dieser Funktionen war sie zwischen 1984 und 1988 Direktorin der Frauenunion der Inneren Mongolei sowie 1987 Delegierte auf dem XIII. Parteitag der Kommunistischen Partei Chinas. Zwischen 1988 und 1994 war Uyunqimg Leiterin der Propagandaabteilung des Gebietskomitees der KPCh im Autonomen Gebiet der Inneren Mongolei sowie zugleich von 1989 bis 1994 Mitglied des Ständigen Ausschusses dieses Gebietskomitees.  Auf dem XIV. Parteitag der KPCh erfolgte 1992 ihre Wahl zur Kandidatin des Zentralkomitees der Kommunistischen Partei Chinas und 1993 ihre Ernennung zur Vizedirektorin des Komitees für die umfassende Verwaltung der Inneren Sicherheit in der Inneren Mongolei. 1994 wurde sie dann zur stellvertretenden Sekretärin des Gebietskomitees der KPCh der Inneren Mongolei berufen und 1997 auf dem XV. Parteitag als Kandidatin des ZK der KPCh bestätigt.  Nachdem sie zwischen 2000 und 2001 Vizevorsitzende der Volksregierung war, wurde sie 2001 Nachfolgerin als Yun Bulong als Vorsitzende der Volksregierung im Autonomen Gebiet der Inneren Mongolei. Auf dem XVI. Parteitag erfolgte 2002 ihre Wahl zum Mitglied des ZK der KPCh sowie 2007 auf dem XVII. Parteitag ihre Wiederwahl. 2003 wurde sie als Vorsitzende der Volksregierung der Inneren Mongolei von Yang Jing abgelöst.  Seit 2003 ist Uyunqimg Vizevorsitzende des Ständigen Ausschusses des Nationalen Volkskongresses, einem 150-köpfigen Gremium des Nationalen Volkskongresses, das die Arbeit der Volksvertretung zwischen den Planersitzungen wahrnimmt. Frau Uyunqimg ist damit die höchste mongolischestämmige sowie die zweithöchste weibliche Repräsentantin innerhalb der offiziellen Hierarchie der Volksrepublik China nach Liu Yandong, die Mitglied im Politbüro der Kommunistischen Partei Chinas sowie im Staatsrat der Volksrepublik China ist. Im Januar 2011 stattete sie der Bundesrepublik Deutschland einen offiziellen Besuch ab und wurde dabei unter anderem von Helma Orosz, der Oberbürgermeisterin von Dresden, empfangen.

Uyunqimg (; mongolisch Oyunchimeg; * Dezember 1942 in Beipiao, Chaoyang, Liaoning) ist eine chinesische Politikerin der Kommunistischen Partei Chinas (KPCh) und unter anderem seit 2003 Vizevorsitzende des Ständigen Ausschusses des Nationalen Volkskongresses.