Description.

Aspect général.

L’aspect de cette espèce est assez semblable à celui des autres tortues marines. Sa carapace osseuse, sans carène continue et très colorée est plutôt aplatie. Ses pattes sont transformées en rames. Elle est cependant facilement distinguable par ses écailles épaisses recouvrant la dossière, posées comme les tuiles d’un toit, par son bec long, étroit et crochu et par les deux griffes disposées à quelques centimètres l’une de l’autre sur l’extérieur à mi-nageoires. La dossière de la carapace est formée de cinq plaques vertébrales et de quatre paires de costales. En outre, 11 paires d’écailles dites marginales et une paire d’écailles post-centrales sont présentes sur le bord de la carapace.  La dossière de la carapace est d’une teinte brun orangé. Cette coloration est une combinaison irrégulière de stries claires et foncées avec des taches jaunes ou rouges, mais ces colorations s'affadissent avec le temps. Le plastron est jaune, les écailles post-anales sont de même couleur avec des taches noires. Les nageoires sont brunes sur le dessus et jaunes dessous. Enfin, sa petite tête est brune avec quatre écailles préfrontales. Ses mâchoires sont jaunes, l’inférieure ayant une forme de V.  Les juvéniles sont noirs, excepté sur le bord de carapace, qui est jaune. Celle-ci est en forme de cœur à la naissance, puis devient ovale en grandissant. De plus, la dentelure formée par les écailles marginales s’estompe avec l’âge.  Les mâles se distinguent par une pigmentation plus claire et, comme pour les autres espèces de tortues, un plastron concave, de plus longues griffes et une queue plus épaisse.  Elle apparaît sur les billets de 20 bolivar vénézuélien.

Caractéristiques.

La tortue imbriquée mesure entre 60 et et pèse entre 43 et, le plus gros spécimen trouvé faisant. Les œufs mesurent entre 30 et et pèsent entre 20 et.  La tortue imbriquée est une grande nageuse. Des scientifiques ont relevé des pointes à 24 kilomètres à l'heure sur cinq kilomètres. Aux Caraïbes, des plongées ont été enregistrées à plus de pour des durées de, soit plus de 81 minutes.  La maturité sexuelle est atteinte chez cette tortue après dix ans, voire probablement vers vingt ans et peut se reproduire au moins pendant dix ans. Elle est donc qualifiée d’espèce à maturité tardive. Son espérance de vie n’est pas connue.

Comportement et alimentation.

Les conditions d’observation étant difficiles, l’alimentation des tortues en zone pélagique n’est pas très bien connue ; on pense qu’elles doivent se nourrir essentiellement de méduses. En zone benthique, et plus particulièrement dans les récifs coralliens, elles consomment surtout des éponges. Dans les Caraïbes, ces dernières constituent d’ailleurs 70 à 95 % de leur régime alimentaire et, comme beaucoup de spongivores, elles ne consomment que des espèces précises de la classe des "Demospongiae", et plus spécifiquement celles appartenant aux ordres "Astrophorida", "Spirophorida" et "Hadromerida".  Certaines éponges consommées sont d’ailleurs connues pour être très toxiques pour d’autres organismes. C’est le cas notamment de "Aaptos aaptos", "Chondrilla nucula", "Tethya actinia", "Spheciospongia vesparium" et "Suberites domuncula". Les tortues imbriquées semblent particulièrement apprécier les éponges les plus siliceuses comme celles des genres "Ancorina", "Geodia" (dont "Geodia gibberosa"), "Ecionemia" et "Placospongia". Ce type d’alimentation est très rare, y compris chez les poissons. Cette alimentation très particulière rend la viande et plus particulièrement la peau de tortue très toxique dans les régions concernées, surtout dans l’océan Indien.  Ces tortues s’alimentent également d'autres invertébrés tels que les "ctenophores" et les cnidaires, dont les méduses et les hydrozoaires comme la physalie ou d’anémones de mer, mais aussi d’algues brunes, de mollusques et de crustacés.

Physiologie.

Les poumons de l’animal sont adaptés pour permettre des échanges gazeux rapides et son sang lui permet d’oxygéner efficacement les tissus, même en plongée profonde sous de fortes pressions. Ces tortues peuvent dormir sous l’eau pendant plusieurs heures mais leur durée de plongée maximale est beaucoup plus courte lorsqu’elles doivent se nourrir ou fuir un prédateur.  Elles ferment les yeux lorsqu’elles mangent des cnidaires car ces derniers ne sont pas protégés contre les nématocystes, contrairement au reste de leur corps.

Reproduction.

Les tortues imbriquées femelles ne se reproduisent que tous les deux ou trois ans mais cet écart peut varier entre neuf mois et 10 ans. La reproduction peut même se dérouler plusieurs fois une même année, à quinze jours d’intervalle, le plus souvent sur la même plage. C’est une espèce de tortue marine très féconde. La période de reproduction durant six mois, la femelle retourne sur son site de nidification en moyenne de 2,6 à 4,5 fois par saison selon les sources. Les individus d’un couple sont très fidèles. De plus, fait particulier, la femelle stocke des réserves de spermatozoïdes. Elle peut ainsi se reproduire pendant plusieurs années sans avoir de contact avec un mâle.  On a pu déterminer que pour chaque site, les tortues disposaient d’une certaine homogénéité génétique, ce qui tend à prouver que les femelles viennent pondre à l’endroit où elles sont nées. Chacune débarque sur la plage et creuse un nid profond d’au moins et de au plus. Elle y dépose en moyenne une centaine d’œufs (de 70 à un maximum enregistré de 250), d’un poids de et de la taille d’une balle de pingpong. Elle retourne immédiatement à la mer après avoir recouvert le nid de sable. Le nombre d’œufs et la viabilité de ceux-ci dépendent fortement du lieu de ponte. Le processus dure environ 1 à 3 heures. La période d’incubation est de 47 à 75 jours, selon la saison et l’emplacement.  Dans l’océan Atlantique, la période de reproduction a lieu habituellement d’avril à novembre et dans l’océan Indien de septembre à février, durant la période chaude. Peu d’autres données fiables sont disponibles.  La tortue imbriquée s’hybride facilement avec d’autres tortues marines, telle que les caouannes. Certains hybrides trouvés au Brésil ou en Floride sont viables et fertiles car ils existent depuis au moins deux générations. Un hybride de tortue verte a aussi été découvert au Suriname.  La détermination du sexe chez les tortues imbriquées est très hasardeuse. Les caractères sexuels ne sont pas toujours extérieurement visibles. Les caractères sexuels secondaires (comme pour les autres tortues: la largeur de la queue, les griffes ou la forme du plastron) ne sont pas toujours déterminants. Seule l’analyse sanguine est une méthode fiable. La tortue est ovipare, et comme pour les autres tortues, la température d’incubation détermine le sexe des embryons dans les œufs. Le "sexe ratio" serait compris entre trois et quatre femelles pour un mâle.

Écologie.

En s'alimentant d'éponges, la tortue imbriquée libère des surfaces de corail, ce qui permet à certains poissons opportunistes d'accéder au récif pour se nourrir. Elles participent indirectement à l'écosystème de la barrière de corail. Elles sont également une proie particulièrement vulnérable, sous forme d'œufs puis juste après l'éclosion avant qu'elles n'atteignent les zones sécurisées en mer, comme les autres tortues marines. D'après les estimations, près de 30 % des juvéniles imbriqués lâchés à la sortie d'une écloserie à Sabah en Malaisie sont dévorés à moins de dix mètres en mer par les poissons osseux et les requins. Selon une étude, moins d'un œuf sur mille donnerait naissance à un adulte. Une fois adulte, ses seuls prédateurs sont le requin et surtout l'homme, mais son taux de survie est tout de même très élevé (95 % pour une femelle adulte).  Les tortues sont souvent observées accompagnées de rémoras rayés. Cette particularité est utilisée par certains chasseurs de tortues de l'océan Indien. Le rémora, préalablement pêché, est attaché à une corde puis relâché à l'eau vivant. Il s'agrippe alors à une tortue qui peut donc ensuite être remontée en surface. Comme pour d'autres tortues, on peut également observer des balanes et des algues filamenteuses sur leur carapace.  "Voir aussi, Tortue marine : Prédateurs"

Distribution et lieux de ponte.

Habitat.

Les tortues imbriquées adultes vivent principalement en zone tropicale. C'est d'ailleurs l'une des espèces de tortues marines qui reste la plus confinée dans cette zone. Les tortues occupent différents habitats selon les étapes de leur cycle biologique. Elles se reposent fréquemment autour des récifs de corail ou dans des grottes sous-marines dès qu'elles mesurent plus de vingt centimètres, ce qui a été effectivement montré pour "Eretmochelys imbricata imbricata". Cependant, comme elles migrent, elles peuvent aussi être aperçues dans les lagunes, les mangroves ou les estuaires. On ne sait pratiquement rien sur les juvéniles, qui gagnent immédiatement les zones pélagiques après l'éclosion. Incapables de plonger en eau profonde, ils vivent parmi les algues flottantes ("Sargassum sp."). Les tortues regagnent toujours leurs habitats habituels entre les périodes de migration. Ainsi, lorsque les tortues imbriquées disparaissent d'une zone, il n'y a pas de repeuplement par d'autres individus et la disparition est définitive.

Atlantique.

On estime qu'au maximum imbriquées pondent annuellement dans les Caraïbes et 600 au Brésil, au Suriname et en Guyane; la plus grande population restante niche au Mexique. On ne dispose pas de données sur tous les pays comme la Guyana, Cuba, la Floride, Grenade, le Guatemala, Montserrat, Trinité-et-Tobago, le Venezuela et les îles Caïmans. Cependant, d'une façon générale, beaucoup d'études sur ces tortues sont menées dans la région. On considère que les populations y sont épuisées ou pratiquement épuisées même si leur nombre dans la péninsule du Yucatan au Mexique et à Isla Mona (Puerto Rico) est en augmentation. La population de Antigua (Jumby Bay) et dans les îles Vierges (Buck Island) est considérée comme stationnaire. Cette espèce est rencontrée dans cette région, du nord des États-Unis c'est-à-dire jusqu'à Long Island Sound et Massachusetts jusqu'en Argentine. À l'ouest, elle s'observe de la Manche au cap de Bonne-Espérance. Aucune observation de pontes de tortues imbriquées n'a eu lieu en Méditerranée et les rapports documentés sur des observations en mer sont presque inexistants.  La répartition sur la côte ouest-africaine est moins connue que dans les Caraïbes. On sait que dans les années 1800, le golfe de Guinée et les îles de Sao Tomé-et-Principe étaient des sites importants de ponte et de transformation des écailles. Nous ne disposons pas de données chiffrées précises, mais il resterait quelques centaines de pontes par an. En 1996, des écailles étaient toujours en vente aux touristes dans cette région.

Océan Indien.

Grâce à la forme des écailles, six classes de tortues imbriquées sont identifiables dans cette région. Ainsi, les populations de tortues imbriquées pondant en Afrique de l'Est, en Asie et sur la plupart des îles ont connu un déclin considérable depuis cent ans. Certaines régions n'ont plus du tout de pondeuses. Alors qu'elles avaient été décrites comme extrêmement nombreuses autrefois, il n'existe plus que à pondeuses par an en ne comptant pas l'Indonésie et l'Australie en 1999. Seules les populations des Seychelles sont en augmentation.  La datation et l'analyse des écailles permettent de connaître à la fois les lieux d'origine des lignées de tortues et leur âge. Aussi l'évolution des effectifs des populations de l'océan Indien peut être estimée à partir du volume d'écailles qui, depuis le principalement, a été exporté vers l'Europe. Les rassemblements de tortues imbriquées qui pondent dans la zone de la Malaisie, la Thaïlande, l'Indonésie sont en déclin très rapide. Seules les populations d'Australie stagnent. La situation des populations de la région est en fait très mal connue du fait que les entités géopolitiques de cette zone ne mettent pas en place des systèmes de surveillance comme en Papouasie-Nouvelle-Guinée, en Indonésie et au Vanuatu, difficile, il est vrai, tant le nombre d'îles est grand.  Les tortues imbriquées sont donc présentes sur une grande partie de l'océan Indien allant du Mozambique à la mer Rouge à l'ouest et de la Corée au Japon au nord-est et toute la Nouvelle-Zélande au sud-est.

Lieux de ponte importants.

Plus de soixante lieux de ponte habituels sont connus, principalement dans les régions tropicales des océans Pacifique et Atlantique. On en trouve également dans l'océan Indien.  Les sites de plus de sont :

Migration.

On pensait à tort, jusqu'à récemment, que la tortue imbriquée était moins migratrice que les autres espèces de tortues marines. Des études utilisant la télémétrie satellite ont montré que cette espèce voyage sur des milliers de kilomètres. Il est probable que les tortues imbriquées s'alimentent et se multiplient dans des zones complètement différentes.

Systématique.

Taxinomie.

En raison de son régime alimentaire unique, sa position dans l'arbre phylogénétique a été très discutée. Les analyses moléculaires tendent à prouver que les "Eretmochelys" descendent d'ancêtres carnivores plutôt qu'herbivores. On pense qu'elle est plus proche de la tribu des Chelonini, qui inclut la tortue verte, que de celle des Carettini, représentée par la Caouanne.

Classification phylogénétique.

Les principaux groupes évolutifs relatifs sont décrites ci-dessous par phylogénie selon Hirayama, 1997, 1998, Lapparent de Broin, 2000, and Parham, 2005 :

Étymologie.

En français, elle est dite « imbriquée » et en latin « "imbricata" » parce que les plaques arrière de sa dossière se chevauchent.  La tortue imbriquée a été décrite à l'origine par Carl von Linné comme "Testudo imbricata", en 1766. Au début du, la systématique s'affine, on reconnaît aux tortues marines des caractéristiques communes et on les regroupe au sein de taxons communs. Un nouveau genre "Eretmochelys" (du grec: "eretmo", rame et "chelys", tortue) est proposé par le zoologiste autrichien Leopold Fitzinger en 1843 à la suite de la nouvelle description plus précise de l'espèce. Deux sous-espèces ont été ensuite décrites, une vivant dans l'océan Atlantique et l'autre dans les océans Pacifique et Indien. Comme la première sous-espèce décrite par Linné était originaire de l'Atlantique, elle prit pour nom, selon les règles usuelles de nomenclature, "Eretmochelys imbricata imbricata". C'est la description de Wilhelm Peter Eduard Simon Rüppell de 1835 qui est retenue pour la tortue imbriquée du Pacifique. Elle est appelée "Eretmochelys imbricata bissa", "bissa" signifiant double en latin. Ce nom lui a été attribué à la suite d'une précédente mauvaise classification dans les Carettini qui l'avait fait nommer "Caretta bissa". En 1857, la création d'une nouvelle sous-espèce "Eretmochelys imbricata squamata" est proposée mais est jugée ensuite invalide. Il n'y a actuellement aucune sous-espèce reconnue.  On l'appelle en Guadeloupe la karet. L'origine du mot "Caret" est mal connue, mais il date du et pourrait être un emprunt aux langues caraïbes via l'espagnol. On la surnomme aussi « tortue à bec de faucon » (comme en anglais "Hawksbill turtle") à cause de son bec crochu.

Relation avec l'homme.

Une ressource ancestrale.

Des vestiges de ces reptiles sont associés aux activités humaines dans le monde et ont souvent accompagné les rites funéraires. La tortue imbriquée est retrouvée dans des représentations anciennes comme les peintures, les statuettes, les sculptures, les poteries, les pièces de monnaie, les hiéroglyphes, les poèmes, les légendes et les mythes. C'est sûrement l'espèce de tortue marine qui a le plus subi la prédation humaine.  Cette espèce de tortue est surtout mangée au Japon et en Chine même si la viande, et surtout la peau, s'est fréquemment avérée toxique. Cette pratique, y compris pour la tortue imbriquée, est attestée depuis au moins le. L'usage de l'écaille de tortue imbriquée est attesté entre la Chine et la Rome antique. L'écaille de tortue est une des marchandises citées dans "Le Périple de la mer Érythrée" du.  En raison des pratiques de chasse à la tortue pour la consommation, pour la médecine traditionnelle, pour les écailles et la confection de parfums et de produits de beauté (japonais), elle est devenue une espèce rare. En outre, il faut ajouter le ramassage massif des œufs, les conséquences de la pêche (comme la prise dans les filets de pêche) et de la dégradation de l'environnement en général (dégradation de la qualité de l'eau et ingestion de sacs plastiques qui provoquent des occlusions intestinales).

Transformation des écailles.

Une seule tortue produit entre 0,75 et 1,5 kilogramme d'écailles avec un rendement moyen d'environ un kilogramme. L'écaille présente des couleurs chaudes et, dans les mains d'artisans habiles, elle peut être soudée, moulée, découpée et sculptée.  Les Japonais appellent les écailles de tortue "bekko", les Chinois les nomment "tai mei". La tortue a été utilisée pour décorer de nombreux objets, pour faire des pendentifs, des bagues, et tout objet personnel allant jusqu'à la fabrication de montures de lunettes. Le prix actuel de certains objets en écaille en font l'un des produits d'animaux les plus précieux. L'industrie du "bekko" reste active au Japon, mais en principe, continue sur les stocks d'écailles existants puisqu'il y est interdit d'exploiter des écailles d'animaux tués après la signature de la convention de 1992.

Protection.

On sait que la tortue imbriquée a quasiment disparu d'Afrique de l'Est dès la fin du. Plusieurs auteurs ont fait part de la raréfaction de cette espèce à Madagascar depuis les années 1930. Les prélèvements commerciaux et le commerce à grande échelle ont débuté dans les années 1950 et 1960. Identifiée comme menacée depuis 1968 par l'UICN, la population d'Atlantique Nord est immédiatement protégée en étant inscrite dans l'annexe I de la CITES à la signature de la convention de Washington (CITES) de 1975. La population du pacifique est inscrite en annexe II mais passe en annexe I dès 1977. Dès lors, elle est légalement protégée et par conséquent tout sous-produit obtenu à partir de cette tortue est interdit à la vente. Cependant le commerce massif continue, d'ailleurs le Japon en a importé 640 kilogrammes entre 1966 et 1986. Son statut passe à "en danger" en 1982. En 1983, les seules populations stables connues se trouvaient au Moyen-Orient et au nord-est de l'Australie. En 1986, puis en 1988, l'UICN signale une aggravation de la situation. Le Japon continue à importer environ de 1985 à 1990 en moyenne jusqu'en 1992 où il en importe 175 kilogrammes. En 1989, un rapport décrit une situation préoccupante en Atlantique Nord, où les populations d"E. imbricata" sont partout menacées. En 1992, un règlement a pu être négocié, notamment avec le Japon qui supprime le commerce massif. Cependant, les populations continuent à diminuer, et en 1994 l'UICN signale de nouveau une aggravation. En 1996, la tortue est cette fois considérée en danger de disparition.  Le trafic cependant continue. Les plus belles écailles de tortue, les plus rares aussi, proviennent de la tortue imbriquée. Ce qu'aujourd'hui les magazines de mode présentent comme de l'« écaille de tortue » est en fait du plastique teinté. Le commerce de l'écaille de tortue véritable, toujours convoitée par quelques initiés, est restreint ou interdit mais malheureusement pour la survie de l'espèce, toujours actif.  Si la tortue imbriquée est protégée par le United States Fish and Wildlife Service depuis les années 1970, l'Indonésie, Haïti, Cuba ne respectent pas les recommandations de la CITES, tandis que d'autres pays ferment les yeux. On sait qu'un trafic de carapaces se déroule dans la région des Caraïbes, en Colombie et au Venezuela. Les très rares tortues survivantes en Atlantique, comme à Sao Tomé, continuent d'être pêchées et leurs carapaces vendues aux touristes.  Or d'après le CITES : La tortue imbriquée est en France concernée par un plan de restauration des tortues marines des Antilles françaises (le plan local et régional qui concerne aussi d'autres tortues Marines des Antilles Françaises (tortue verte, tortue luth, tortue caouanne, tortue olivâtre). Ce plan est subdivisé en :

État de la population.

En 2007, il n'existe plus au monde que cinq grands sites de rassemblement annuel de plus de mille tortues qui se situent aux Seychelles, au Mexique et deux au nord de l'Australie.  Depuis les années 1990, les prélèvements intensifs d'œufs en Indonésie ont fait fondre de 90 % les effectifs.  Les sites de rassemblement d'Indonésie, des Seychelles et un des deux d'Australie sont d'ailleurs en relatif déclin. Partout, la population de tortues imbriquées a diminué de plus de 80 % au cours des cent dernières années et quelquefois en moins de cinquante ans (Nicaragua, Panama, Cuba, Madagascar, Sri Lanka, Thaïlande, Malaisie, Indonésie et Philippines). L'espèce a complètement disparu de nombreux endroits, ou presque comme dans l'Atlantique Est. À ce titre, elle est inscrite sur la Liste rouge de l'UICN de l'UICN depuis 1968 et comme étant en danger critique d'extinction depuis 1996.  Les efforts de protection des années 1980 n'ont porté leurs fruits que dans de rares endroits où l'on constate une stagnation. Cependant, point positif, une légère augmentation des effectifs a été observée au Yucatán, à Isla Mona et sur l'île Cousin.  Il est très difficile de connaître très précisément les stocks en raison de deux comportements. D'une part le comportement migrateur des tortues ne nous permet pas de déduire leur nombre des observations localisées, leur densité, pouvant varier en fonction des lieux, des périodes, etc. D'autre part, on ne peut déduire le nombre de femelles en surveillant les pontes, car leur fréquence de ponte varie fortement en fonction des lieux et de l'âge des tortues. Le grand nombre de plages où elles vont pondre, leur grande longévité, ainsi que le temps important avant d'atteindre la maturité sexuelle, ont permis à l'espèce de résister aux prélèvements massifs opérés par les humains. Cependant, lorsque ces prélèvements atteignent une taille critique, la population de tortues chute et peut mettre plusieurs dizaines d'années avant de croître à nouveau.

Culture.

La tortue imbriquée est représentée sur le dos des billets de 20 Bolívar vénézuélien de 2008 et de 2 réal brésilien de 2001.

La Tortue imbriquée (Eretmochelys imbricata), unique représentant du genre Eretmochelys, est une espèce de tortue de la famille des Cheloniidae. En français elle est appelée aussi Tortue à écailles ou Tortue à bec de faucon.

玳瑁(学名:')是属于海龟科的一种海龟,是玳瑁属下唯一一种,又名<unk>瑁、<unk>、<unk>玳、文甲、鹰嘴海龟、十三<unk>龟、十三鳞、十三棱龟、明玳瑁、千年龟,简称玳,分为太平洋玳瑁(')和大西洋玳瑁("")两个亚种。此物种分布非常广泛,其中太平洋玳瑁分布于印度洋-太平洋海域,大西洋玳瑁分布于大西洋中。该物种的模式产地在美洲和亚洲的海域。


Biographie.

Selon Vasari (dans "Le Vite"), Luca naquit...  Luca Della Robbia a réalisé une des "cantorie" (Donatello pour la seconde), à l'intérieur du Dôme de Florence (la cathédrale). C'était la « tribune des chantres », un balcon d'orgue où plusieurs chantres pouvaient se réunir. Ce bas-relief très important avait été commandé (1431) par l'Œuvre du Dôme, pour être placé au-dessus de la porte de la sacristie des Messes. Luca della Robbia l'a achevé vers 1438-1439.

La création céramique.

En 1446, Luca et son frère Marco achetèrent une grande maison pour y loger un atelier et un four. En 1448, Marco mourut, laissant à la charge de son frère ses six neveux, parmi lesquels Andrea, le plus connu d'entre eux qui reprit la tête de l'atelier à la mort de son oncle, et ses cinq enfants y travaillèrent à leur tour. Le plus célèbre d'entre ceux-ci est Giovanni. Après lui et Luca della Robbia le Jeune partis en France en 1529, fuyant la peste, l'atelier cessa de produire à la suite d'un différend avec Santi Buglioni.  Insensible aux tendances de la Renaissance formulées par Brunelleschi, Masaccio, ou Donatello, Luca Della Robbia est un sculpteur dont la sobriété claire des plans et des rythmes, la sérénité classique des visages, les draperies simples et la sensibilité à la lumière seront toujours présentes dans son œuvre. Il recherchera le moyen de conserver ses œuvres en terre cuite. Selon Vasari "« considérant que la terre se travaille facilement et sans grande fatigue et qu'il ne manque que le moyen de conserver les œuvres une fois qu'elles étaient faites, il rêva tellement qu'il trouva le moyen de les défendre des injures du temps ; après avoir expérimenté beaucoup de choses, il trouva, en effet, qu'en les recouvrant d'un mélange fait d'étain, de terre d'antimoine et d'autres minéraux et mixtures cuits au feu dans un four spécial, on obtenait très bien cet effet et on rendait l'œuvre en terre presque éternelle. »"  Le neveu de l'artiste et les fils de celui-ci perpétuèrent cette technique. L'une des dernières sculptures répertoriées est une œuvre de Giovanni Della Robbia qui s'intitule "Visiter les malades" (1525-1529) on peut la voir à l'Hôpital del Ceppo de Pistoie. Par la suite l'atelier des Della Robbia, sous l'influence des élèves des fils du neveu, ne produisit plus que des pièces artisanales et commerciales.  La production familiale fut très prolifique et s'exporta dans toute l'Europe. Elle comprenait des frises et des retables, des emblèmes de corporation ou des armoiries d'aristocrates, des portraits de la Vierge Marie ou de saints, destinés à la dévotion privée. Les œuvres des Della Robbia se caractérisent par leur charme, leurs éclatantes couleurs (surtout le bleu et le blanc), la finesse du modelé et la fraîcheur du dessin dans un style très reconnaissable.

Voir aussi.

Liens externes.

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Luca della Robbia (Luca di Simone di Marco della Robbia), est un sculpteur et un céramiste florentin, né à Florence vers 1399 et mort en février 1482, oncle du céramiste Andrea della Robbia et le fondateur de l'atelier des Della Robbia.

卢卡·德拉·罗比亚(Luca della Robbia,?-1482年),文艺复兴时期欧洲艺术家。为安德烈亚·德拉·罗比亚的叔父,首位主要制作瓷雕的文艺复兴时期艺术家。他发明了一种给陶瓷上<unk>,使其能防水的方法,而且,他制作的环形花饰中的蓝底白色圣母和圣婴圆形装饰瓷砖成为文艺复兴装饰物的典范。


Biographie.

La famille Stewart est originaire de Denton (Texas) et est composée de cinq enfants : Loretta, Sylvester, Freddie, Rose et Vaetta. Issus de la classe moyenne et profondément attachés au culte religieux, KC et Alpha Stewart élèvent leurs enfants selon les principes de l’Eglise évangélique afro-américaine tout en les encourageant à s’épanouir dans la musique.  Après avoir déménagé à Vallejo (Californie), en 1952, les quatre plus jeunes des enfants Stewart forment leur tout premier groupe, « The Stewart Four », dont l’aîné est Sylvester, alors âgé de neuf ans. La même année, ils sortent un disque 78 tours sur lequel figurent les chansons : "On the Battlefield of the Lord" (face A) et "Walking in Jesus' Name" (face B). Leur sœur aînée, Loretta, est la seule à ne pas participer à l’aventure musicale.  Entretemps, Sylvester et sa fratrie apprennent à jouer de multiples instruments et lors de leurs années au lycée, Freddie et lui furent membres de nombreux groupes. Sylvester rejoignit finalement "The Viscaynes", groupe de doo-wop qui sortit quelques disques sur la scène locale, tout en enregistrant de son côté quelques titres en solo, sous le pseudonyme de "Danny Stewart".  En 1963, Sylvester devint programmateur musical d’une radio, "KSOL", basée à San Francisco, endossant le patronyme de Sly Stone. Il intégra à la playlist de la radio des chansons des Beatles et des Rolling Stones, chansons faites par des Blancs auxquelles étaient peu habitués les auditeurs de KSOL, diffusant traditionnellement de la musique noire. Simultanément, Sylvester occupa le poste de producteur de "Autumn Records", une maison de disques produisant des groupes de la région de San Francisco, tels que "The Beau Brummels", "The Great Society" ou "The Mojo Men". Sly Stone produit un titre qui connut le succès dans les charts US, "C’mon and Swin", de Bobby Freeman, tandis que de son côté il continuait d’enregistrer des titres en solo qui demeurèrent confidentiels.

Les débuts du groupe.

En 1966, Sly Stone forme un nouveau groupe, "Sly and the Stoners", dont la trompettiste était une de ses amies, Cynthia Robinson. À peu de temps près, Freddie crée lui aussi son groupe, "Freddie and the Stone Souls", Gregg Errico officiant à la batterie. Comme le suggère un des amis de Sly, le saxophoniste Jerry Martini, Sly et Freddie décident finalement de fusionner leurs deux groupes pour finalement former Sly and the Family Stone, à la fin de l'année 1966. Comme Freddie et Sly étaient tous deux guitaristes, Sly désigne son frère comme guitariste principal des Family Stone et apprend à jouer du synthétiseur. Pendant ce temps, Sly recruta Larry Graham pour officier à la basse.  Vaetta Stewart veut également rejoindre le groupe : elle et ses amies, Mery McCreary et Elva Mouton, font partie d'une formation de gospel appelée "The Heavenly Tones". Sly débauche les adolescentes directement à la sortie du lycée pour former les "Little Sisters", les futurs choristes de Sly and the Family Stone.  Peu de temps après sa sortie, le single "I Ain't Got Nobody" devient un hit et Clive Davis, le directeur de CBS Records, signe le groupe sous le label Epic Records. Le premier album de Sly and the Family Stone, "A Whole New Thing", sort en 1967 et est salué par la critique, notamment par des musiciens tels que Mose Allison ou Tony Bennet. Les chiffres de vente restent cependant relativement bas et valent au groupe de ne pouvoir jouer que dans des salles modestes.  Clive Davis prend donc son rôle de producteur au sérieux et conseille à Sly d’écrire et d’enregistrer une chanson populaire, de manière à pénétrer les charts ; non sans réticences, Sly et le groupe enregistrent "Dance to the Music". Le succès ne se fait pas attendre, dès sa sortie, en février 1968, le single accrochant la huitième place au Hit Parade américain. Entretemps, Rose (une autre sœur Stewart) rejoint le groupe et officie au chant et au piano. Sa présence au sein du groupe avait toujours été demandée par ses frères, mais venant de trouver un emploi chez un disquaire, elle eut du mal à quitter un travail aussi stable.  En 1968, Sly & The Family Stone s’élancent sur la route pour une tournée américaine, marquant les esprits par leurs prestations pleines d’énergie et leurs accoutrements pour le moins originaux. L’album "Dance to the Music" connaît un succès commercial important, ce qui ne sera pas le cas de son successeur, "Life". En, le groupe a l’occasion de faire une tournée internationale qui doit commencer par le Royaume-Uni. Ils ne vont cependant pas plus loin, Graham se faisant arrêter pour possession illégale de marijuana. De plus les relations entre le groupe et les organisateurs de concerts ne sont pas toujours des plus satisfaisantes.

Musique, philosophie, et héritage musical.

Sly Stone produisit et joua sans se soucier des origines ethniques de ses collaborateurs, travaillant avec autant de Blancs que de Noirs au début de sa carrière. De la même façon, la musique de Sly and the Family Stone est un melting pot de cultures et d’influences différentes, mélangeant le proto funk de James Brown avec la soul de la Motown et de Stax, le music-hall de Broadway ou encore le rock psychédélique. Les guitares wah-wah, les lignes de basses grésillantes et les partitions d'orgues tirées de musiques d'église se mélangeaient pour former l'arrière-plan de la musique sur laquelle chantaient les choristes. Sly Stone, Freddie Stone, Larry Graham et Rose Stone tiraient profit de la diversité que chacun de ces styles pouvait apporter, créant des arrangements atypiques et révolutionnaires dans la musique populaire de l'époque. Cynthia Robinson invectivait à gorge déployée le groupe comme le public, les poussant par exemple à « se lever et bouger au rythme de la musique » (get on up and dance to the music!) et demandant que « tous les ringards dégagent!» (All the squares go home!).  Les paroles de leurs chansons étaient en général des plaidoyers pour l'amour, la paix et la compréhension entre les peuples. L’image de cette bataille contre le racisme, la discrimination et la haine de l'autre fut renforcée par la diversité ethnique de groupe lui-même. Gregg Enrico et Jerry Martini furent membres du groupe à une époque où les groupes mixtes étaient quasi inexistants, la fin de la ségrégation venant juste d'être encouragée par la loi. Cynthia Robinson et Rosie Stone ne se contentaient pas de faire les chœurs ou d'offrir aux spectateurs la vue d'une présence féminine sur scène, mais étaient des instrumentistes à part entière. Le style de chant du groupe, emprunté à la musique gospel, rendit le groupe particulièrement populaire et apprécié auprès du public noir. Les éléments plus rock et leurs accoutrements détonants - la gigantesque coupe afro arborée par Sly, ses pantalons de cuir moulants, la perruque blonde de Rose et les vêtements bariolés des autres membres - captaient l'attention du grand public.  Bien que jusqu'en 1968 la chanson "Dance to the Music" fut le seul single du groupe qui eût eu un succès commercial, les sonorités de leurs deux albums "Dance to the Music" et "Life" influencèrent l'ensemble de l'industrie musicale. Le langoureux son de la Motown, basé sur le piano, fut bientôt dépassé, et aussitôt remplacé par la soul psychédélique. Des lignes de guitares similaires à celles jouées par Freddie Stone commencèrent à avoir des échos chez d'autres artistes, comme les Isley Brothers ("It's Your Thing") ou Diana Ross and the Supremes ("Love Child"). Larry Graham inventa la technique du "slap" à la basse, qui devint par la suite un élément emblématique du funk. Certains musiciens changèrent radicalement leur façon de jouer pour s'approcher du son de Sly and the Family Stone, notamment le producteur de la Motown, Norman Whitfield, qui dirigea The Temptations vers un son plus "soul psychédélique," comme sur le morceau "Cloud nine" sorti en 1968 et récompensé par un Grammy. Le son caractéristique du groupe eut aussi une influence non négligeable sur la musique de Michael Jackson, des Jackson 5, de The Undiputed Truth, de George Clinton and the Parliament, de Funkadelic, d'Arrested Development et plus récemment de Black Eyed Peas.

"Stand!" (1969).

À la fin de l'année 1968, Sly and the Family Stone sort le single "Everyday People", qui devient la première chanson du groupe à être classée numéro un au hit parade. "Everyday People" est un cri de protestation envers les préjugés en tout genre. Il sert de single au quatrième album du groupe, "Stand!", qui sortit le. Cet album se vend à plus de trois millions d’exemplaires et est considéré aujourd'hui comme l'un des summum artistiques du groupe. On peut trouver sur ce disque le titre éponyme, "Stand!", classé des « charts » américains ainsi que les singles "I Want to Take You Higher", "Don't Call Me Nigger, Whitey", "Sex Machine" et "You Can Make It If You Try".  Le succès retentissant de l'album permet à Sly and the Family Stone de pouvoir participer au Festival de Woodstock. Le groupe a l'occasion de jouer à l'aube du, une prestation appréciée et jugée comme une des meilleures du festival. Un nouvel album, sans single cette fois-ci, "Hot Fun In Summertime/Fun", sorti le même mois, est classé numéro deux dans les charts US. En 1970, la sortie du film documentaire "Woodstock" permet aux singles "Stand!" et "I Want to Take You Higher" d'être réédités, cette dernière chanson devenant par la même occasion la face A du disque : celui-ci entre dans le Top 40.

Tensions internes et changement de manager.

La récente popularité du groupe et son succès auprès du grand public lui causent de nombreux problèmes. Les relations au sein du groupe vont en se détériorant, des tensions apparaissent, notamment entre les frères Stone et Larry Graham. Leur maison de disques, "Epic", leur demande d'enregistrer davantage. Les Black Panthers suggèrent à Sly de politiser davantage sa musique et de la rendre plus symbolique du mouvement Black Power, en remplaçant par exemple Gregg Errico et Herry Martini par des musiciens noirs et en limogeant le manager du groupe, David Kapralik.  Après s'être déplacés dans la région de Los Angeles fin 1969, Sly Stone et son groupe deviennent des consommateurs de drogues assidus, essentiellement de la cocaïne et de la phencyclidine (PCP). Alors que le groupe passe de plus en plus de temps à faire la fête et s'enlise dans la drogue (Sly porte systématiquement sur lui un étui de violon rempli de drogue), les enregistrements se font de plus en plus rares. Entre l'été 1969 et fin 1971, le groupe n'enregistre qu'un seul et unique titre "Thank You (Falettinme Be Mice Elf Again) / Everybody Is a Star", qui sort en. Bien que "Star" soit une chanson positive dans la veine de "Everyday People", le titre transmet la colère et l'amertume de Sly and the Family Stone, qui déclarent à l'unisson qu'ils ne peuvent plus prétendre être ce qu'ils ne sont plus - joyeux, en harmonie... - et remercient leur public pour « les laisser de nouveau être ce qu'ils sont ». "Thank You" atteint le haut du Top100 en février 1970.

1970–1971, une période creuse.

En 1970, Sly passe la plus grande partie de son temps à se droguer. Il devient fantasque et lunatique et manque un tiers des concerts donnés par le groupe cette année-là. Leurs apparitions en direct à la télévision, dans des shows tels que "The Mike Douglas Show" ou "The Dick Cavett Show" dégénérèrent de manière imprévisible. C'est à ce moment que Sly engage ses amis de la rue, Hamp "Bubba" Banks et J.B. Brown en tant que managers, ceux-ci engageant à leur tour des gangsters, Edward "Eddie Chin" Elliott et le mafioso J.R. Valtrano, comme gardes du corps de Sly. Sly recruta ce type de personnes essentiellement pour s'occuper de ses affaires personnelles, acheter de la drogue, mais aussi pour le protéger de ses potentiels ennemis – il soupçonne même certains membres du groupe d’en avoir après lui. Une barrière s'élève alors entre Sly et le reste du groupe ; au début de l'année 1971, le batteur Gregg Errico est le premier à quitter le navire. Il est remplacé par une ribambelle de batteurs temporaires jusqu'à ce que Sly choisisse finalement Gerry Gibson. Gibson ne reste cependant qu'un an au sein du groupe avant d'être remplacé par Andy Newmark, en 1973.  Pour satisfaire les fans, demandeurs de nouvelles chansons, Epic ré-édite certains disques : "A Whole New Ting" ressortit avec une nouvelle pochette, et plusieurs des titres les plus populaires de Family Stone furent regroupés dans la première compilation du groupe, "Greatest Hits", qui décrocha la deuxième place du Top200 en 1970.  Durant cette période, Sly Stone négocie un nouveau contrat avec Atlantic Records, qui lui alloue son propre label," Stone Flower Productions". Stone Flower sortit quatre titres : un de l'artiste Rhythm and Blues Joe Hicks, un d'un groupe appelé 6IX et deux des Little Sisters : "You're the One" et "Somebody's Watching You", une reprise d'une chanson de l'album "Stand!". Pour des raisons floues, l'intérêt de Sly pour Stone Flower diminua progressivement et le label fut fermé en 1971. La chanson "Somebody's Watching You" des Little Sisters est l'une des premières chansons à avoir bénéficié d'une boîte à rythme.

There's a Riot Goin' On (1971).

À la fin de l'année 1971, Sly and the Family Stone reviennent avec un nouveau single, "Family Affair", qui est sur la plus haute marche du Top 100. "Family Affair" fut le titre-phare du cinquième album du groupe attendu depuis si longtemps, "There’s a Riot Goin' On", qui se classa directement à la première place des charts dès sa sortie en. En lieu et place de ce mélange de rock et de soul gai et radieux, représentatif de l'état d'esprit des années 1960, "There's a Riot Goin' On" sert au public une instrumentation plus sombre, une batterie au son plus électronique et moins présente et de longs gémissements représentant la désillusion subie par beaucoup au début des années 1970. L'album est caractérisé par un nombre important de sifflements sur l'enregistrement, conséquences des multiples réenregistrements et de la post synchronisation effectués par Sly durant la production du disque.  La grande partie de l'instrumentation de l'album aurait été faite par Sly lui-même, ne demandant l'aide du reste du groupe et de quelques-uns de ses amis - parmi lesquels Billy Preston, Ike Turner et Bobby Womack - uniquement pour quelques parties instrumentales additionnelles. "(You Caught Me) Smilin' " et "Runnin' Away" sortent également en singles et connaissent un certain succès commercial.  Après la sortie de l'album "Riot", certains changements ont lieu quant aux membres du groupe. Début 1972, Jerry Martini contacte Sly et ses managers pour leur demander l'argent qu'on lui doit ; le saxophoniste Pat Rizzo est engagé en tant que remplaçant potentiel de Martini si celui-ci se montre encore suspicieux vis-à-vis de la gestion financière du groupe. Rizzo et Martini restent finalement tous deux dans le groupe. C’est plus tard au cours de la même année que les tensions entre Sly et Larry Grahan atteignent leur paroxysme. À la suite d'un concert, une bagarre éclate entre l'entourage de Graham et celui de Sly : Bubba Banks et Eddie Chin étant convaincus que Larry a engagé un tueur à gage pour éliminer Sly, ils attaquent violemment les associés de Graham. Graham et sa femme doivent s'échapper par la fenêtre de l'hôtel puis, aidés par Patt Rizzo, ils se réfugient dans un endroit plus sûr.  Incapable de continuer à travailler aux côtés de Sly, Graham quitte immédiatement la Family Stone et lance un nouveau groupe, "Graham Central Station", qui connaît le succès, jouant le même genre de musique que la Family Stone. Après une courte période durant laquelle Bobby Womack joue les remplaçants à la basse, la place de Graham est confiée à Rusty Allen, un jeune homme de dix-neuf ans.

Fresh (1973) and Small Talk (1974).

Malgré la perte de toute la section rythmique originale et l'escalade de la consommation de cocaïne de Sly, l'album suivant, "Fresh", sort en 1973. Le son de Sly and The Family Stone est alors devenu plus dépouillé, avec une instrumentation moins importante, laissant cependant une place plus importante à des rythmes syncopés complexes. Sly post-produit les masters, comme il l'avait fait précédemment pour "Riot". Bien que l'album reçoive un accueil mitigé des critiques lors de sa sortie et pas une attention comparable à celle des albums précédents, "Fresh" est tout de même considéré comme l'un des albums funk les plus importants jamais réalisés. Family Stone reprend une chanson de Doris Day, "Que Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be)", en version gospel, chantée par Rose Stone, tandis que le single "If You Want Me To Stay" entre dans le Top20 US.  Le successeur de "Fresh", "Small Talk", sort en 1974 et est reçu par des critiques en demi-teintes et de faibles ventes. Le premier single de l'album, "Time for Livin' ", devint le dernier titre de Family Stone à avoir sa place dans le Top40. "Loose Booty", leur second single, atteint la.

Dissolution du groupe.

Les apparitions de Sly and the Family Stone sur scène se font de plus en plus rares au cours des années 70, les organisateurs craignant que Sly ou l'un des autres membres du groupe ne se présente pas au concert, refuse de jouer ou ait consommé trop de drogue pour jouer convenablement. Ce genre de problème est monnaie courante pour le groupe et a un impact sur leur capacité à remplir des salles ; les spectateurs redoutant à chaque fois une annulation de dernière minute. Lors de nombreux concerts, les spectateurs créent des émeutes si le groupe ne se présente pas ou si Sly quitte la salle avant la fin du concert. Ken Robert devient le manager du groupe lorsqu'aucune autre personne ne veut occuper cette place, rendue des plus difficiles compte tenu de leur difficulté à trouver des salles désireuses d’accueillir le groupe. En, le groupe réserve lui-même le "Radio City Music Hall" mais ne parvient qu'à la remplir au huitième de sa capacité, obligeant Sly et ses acolytes à faire les fonds de tiroirs pour pouvoir ensuite rentrer chez eux. À la suite de cet évènement, le groupe se dissout.  Rose Stone est alors débauchée du groupe par Bubba Banks, son mari à l'époque. Elle commence alors une carrière solo, enregistrant un album dans le style de la Motown sous le nom de Rose Banks, en 1976. Freddie Stone rejoint pour quelque temps le groupe de Larry Graham, Graham Central Station. Après avoir collaboré une dernière fois avec son frère en 1979 sur l'album "Back On The Right Track", il se retire de l'industrie musicale pour exercer le métier de pasteur au sein du centre évangélique de Vallejo (Californie). Le groupe Little Sister est dissous également, et Mary McCrary épouse Leon Russel et travaille à ses côtés sur de nouveaux projets musicaux. Andy Newmark accompagne à la batterie de nombreux groupes lors de leurs tournées, comme Roxy Music, BB King, Steve Winwood et d'autres.

Impact et influence de leurs derniers albums.

Les derniers accomplissements de Sly & the Family Stone ont autant d'influence que leurs débuts. "There's a Riot Goin' On", "Fresh" et "Small Talk" sont considérés comme ayant leur place parmi les meilleurs exemples de ce que peut être le funk. Le musicien jazz Herbie Hancock s'inspire du son de Sly & the Family Stone pour s'orienter vers une musique plus électrique, quand il enregistre "Head Hunters" (1973). Miles Davis lui-même est influencé de la même manière sur l’album "On The Corner". D'autres artistes comme Michael Jackson, Prince, Chuck D ou John Mayer déclarent aussi avoir été influencés par la musique post-1970 de Sly & the Family Stone.  Le titre "Thank You (Falettinme Be Mice Elf Again)" a largement influencé le titre "Rhythm Nation" de la chanteuse Janet Jackson sur l'album "Rhythm Nation 1814". En effet, les riffs de guitares du titre sont représentatifs du son funk de Sly avec toutefois une rythmique plus représentative des années 1990. Sur l'album "Blood on the Dance Floor" de Michael Jackson figure un remix du titre Scream ("Scream Louder", Flyte Time Remix). Ce remix reprend les fameuses guitares et la basse en arrière-plan typique du morceau "Thank You" de Sly.

Sly et sa carrière solo.

Sly enregistre deux albums de plus pour Epic : "High on You" (1975) et"Heard You Missed Me, Well I'm Back" (1976). "High On You" est vendu comme un album solo de Sly tandis que "Heard You Missed Me, Well I'm Back" est étiqueté Sly & The Family Stone, bien que ce ne soit pas le cas musicalement parlant : Sly continue de collaborer avec certains membres originaux de Family Stone de temps à autre, mais le groupe en lui-même n'existe plus. Sur le disque, la plupart des instruments sont joués par Sly, et il se fait accompagner par un groupe en concert. Ses principaux collaborateurs sont Cynthia Robinson et Pat Rizzo, de Family Stone et les choristes Lynn Mabry et Dawn Silva, qui se séparent de Sly en 1976 pour former "The Brides of Frankenstein" deux ans plus tard, en 1978. Epic libère Sly de son contrat en 1977 et en 1979 sort l’album "10 Years Too Soon", un album de remix incluant des versions disco des plus grands hits des années 1960, de Sly & Family Stone.  Sly signe ensuite chez Warner Bros. Records et enregistre "Back On The Right Tracks" (1979). Bien que les noms de Freddie et Rose Stone figurent sur la pochette, Sly est incapable de retrouver le succès et la gloire qu'il connut dans les années 1960 et au début des années 1970. Il fait des tournées avec George Clinton et les Funkadelic à la fin des années 1970 et au début des années 1980 et collabore également sur un album de ces derniers, sorti en 1983. L'album se vend peu et les critiques sont mitigées. Dépassé par son problème avec la drogue, Sly Stone disparait progressivement de la lumière des projecteurs ; en 1984, son vieil ami Bobby Womack réussit à le convaincre d'entrer en cure de désintoxication. Sly continue à sortir à intervalles irréguliers de nouveaux titres et collaborations jusqu'en 1987, quand il est arrêté et condamné pour détention et usage de cocaïne. À sa sortie de prison, Sly arrête définitivement d'enregistrer de nouveaux titres.

Les retrouvailles du groupe.

Depuis la seconde moitié des années 1990, plusieurs membres des Family Stone ont collaboré. En, à l'occasion de "Sinbad's Soul Music Festival", à Aruba, un des concerts réunit quatre membres de Family Stone : Larry Graham, Rose Stone, Cynthia Robinson et Jerry Martini. Robinson et Martini rejoignent Graham Central Station quand Larry Graham relance le groupe plus tard la même année. Le groupe effectue une tournée aux côtés de Prince, un fervent admirateur de Sly & The Family Stone. De son côté, Rose Stone est invitée par le groupe "Fishbone" pour chanter sur leur reprise du titre "Everybody Is A Star", accompagnée au chant par Gwen Stefani. Ce titre fait partie de l'album "Fishbone & the Familyhood Nextperience Present: The Psychotic Friends Nuttwerx", qui sort le.  En 2003, les membres originaux de Family Stone, à l'exception de Sly et de Larry Graham, se réunissent pour enregistrer un album de seize pistes. En 2005, Vet Stone, Cynthia Robinson, et la fille de Rose Stone, Lisa Stone, forment un groupe simplement appelé Family Stone, dont le premier album est produit par Sly Stone. Le groupe s'appelle à l'origine "Phunk Phamily Affair" mais est renommé en par Sly lui-même. Jerry Martini continue aussi de jouer dans un groupe appelé "Family Stone Experience". Plusieurs anciens membres de Sly & the Family Stone participent à la tournée, comme Greg Errico, Cynthia Robinson, Dawn Silva et Gail Muldrow. Family Stone Experience participe à plusieurs festivals avec James Brown et George Clinton. Ses deux formations servent à faire perdurer l’image la Family Stone, alternant chansons de leur propres compositions et reprises du répertoire de Family Stone.  Après leur performance à la cérémonie des Grammy Awards, Rose Stone, Cynthia Robinson et Herry Martini décident que le moment est venu de reformer le groupe le temps d’une tournée. Ensemble et accompagnés de musiciens de la nouvelle scène funk, ils prennent le chemin de la scène sous le nom de "The Original Family Stone". Leur tournée est programmée pendant toute l'année 2007, et les emmène dans plus de soixante-quinze villes à travers les États-Unis et l'Europe.  Lors de quelques dates en Europe en, Sly Stone en personne se joint à la Family Stone, ne faisant que toutefois de très brèves apparitions sur scène. Le groupe, lors de la tournée européenne de juillet, est composé de quatre membres originaux de l'époque "Fresh" : Sly Stone, Cynthia Robinson, Pat Rizzo et la sœur de Sly, Vet Stone. Plus la tournée avance, meilleures sont les performances scéniques de Sly, le concert à Paris est le premier à obtenir une critique positive.  En 2014, leur chanson "I want to take you higher" apparaît dans la bande annonce du film "Inherent Vice".

Sly and the Family Stone est un groupe de musique américain originaire de San Francisco pratiquant un mélange de funk, soul, rock et musique psychédélique. Actif entre 1967 et 1983, le groupe a eu une influence considérable sur de très nombreux artistes pop de son époque, notamment de par son approche multiraciale. Sly and the Family Stone est également l'un des premiers groupes de l'histoire du rock américain comptant des membres de sexes et d'origines ethniques différents.

史莱和史东家族合唱团(英语:Sly and the Family Stone)是来自旧金山的美国摇滚乐团。乐团活跃于1966年至1983年,是放克、灵魂、摇滚与迷幻音乐发展的关键之一。它的核心阵容由创作歌手、制作人和多乐器演奏家史莱·史东领导,以及史东的弟弟歌手/吉他手弗雷迪·史东、妹妹歌手/键盘手萝丝·史东、小号手辛西亚·罗宾森、鼓手葛雷格·艾瑞科、萨克斯风手杰瑞·马提尼和贝斯手赖瑞·格拉罕组成。这是美国第一个达成种族融合且含男女混合阵容的知名摇滚乐团。


Trame.

Ce troisième épisode de Sonic se déroule sur une mystérieuse "Île Flottante", animée de pouvoirs spéciaux qui ont pour source les Émeraudes du chaos. Dans l'aventure précédente, "Sonic the Hedgehog 2", Sonic et Tails pensaient avoir détruit l' "Œuf de la mort", le vaisseau fortement armé du Dr. Robotnik. Or, celui-ci est parvenu à atterrir, non sans dommages, sur l' "Île Flottante". Apprenant que cette île peut flotter dans les cieux grâce à la puissance des Émeraudes du Chaos, Robotnik décide de les dérober, de manière à pouvoir réparer son redoutable vaisseau.  Pour obtenir les émeraudes, le Dr. Robotnik réussit à tromper Knuckles, le gardien des Émeraudes du Chaos de l' "Île Flottante". Il convainc aussi Knuckles que Sonic et Tails cherchent à s'emparer des émeraudes. En arrivant sur l'île, Sonic n'aura donc pas que le Dr Robotnik et ses badniks à affronter, mais également Knuckles, ainsi que des milliers d'obstacles et d'épreuves à surmonter.

Knuckles, l'échidné.

Âgé de 15 ans, adorant le raisin et ayant la capacité de découvrir des passages secrets et d'utiliser ses articulations pour creuser des galeries, Knuckles est le nouveau personnage de cet épisode. Il est né et a grandi sur l' "Île Flottante" dont il connaît tous les secrets. Il est très puissant et athlétique. Comme il connaît bien son île, il lui est facile de se mettre sur la route de Sonic pour lui causer quelques ennuis, par exemple en introduisant de nouveaux obstacles.  Il y a bien longtemps, une très ancienne civilisation existait sur l'île, mais depuis sa disparition mystérieuse, divers secrets et autres pouvoirs étranges subsistent. Comme il est le seul descendant de cette civilisation, il est devenu le gardien des Émeraudes du Chaos, sources du pouvoir flottant de l'île. Malheureusement, il s'est laissé convaincre par le Dr Robotnik que Sonic et Tails sont des ennemis qui cherchent à dérober ces fameuses émeraudes.

Système de jeu.

"Sonic the Hedgehog 3" conserve le principe des deux premiers épisodes : c'est un jeu de plates-formes basé sur la vitesse où on ne peut pas perdre une vie tant que l'on possède au moins un anneau (et à condition d'éviter les chutes dans les gouffres ou le manque d'air dans les niveaux aquatiques). Sonic dispose de trois vies en début de partie, mais a la possibilité d'en gagner des supplémentaires en cassant des écrans "1-Up", en rassemblant 100 et 200 anneaux ou alors après tous les points.  En plus du "Spin Dash" du précédent épisode, le joueur a la possibilité de déclencher un bouclier instantané (le "Insta-Shield") en appuyant deux fois sur la touche de saut. Cela n'est valable que pour Sonic. Lorsque le joueur dirige Tails, celui-ci peut voler pendant un temps limité s'il appuie deux fois sur la touche saut, il peut aussi nager s'il se retrouve sous l'eau. Lorsque Sonic est sélectionné, un second joueur peut aussi prendre le contrôle de Tails, le faire voler tout en tirant Sonic par les bras pour l'amener dans des endroits qu'il ne peut atteindre seul.  Il y a dans "Sonic 3" deux modes de jeu bien distincts : Le mode "un joueur" et le mode "Compétition".

Le mode à un joueur.

Dans un premier temps, le joueur doit choisir une fenêtre de sauvegarde. En effet, la cartouche de jeu "Sonic 3" permet de sauvegarder jusqu'à six parties différentes. Cet écran de sélection offre au joueur le choix d'incarner Sonic, Tails ou les deux.  Le jeu est divisé en plusieurs zones et se parcourt comme les épisodes précédents.

Niveaux.

Le jeu est divisé en six zones découpées en deux actes. La fin du premier acte se termine toujours par un boss avant de voir le panneau de fin de niveau, et le second acte s'achève avec l'affrontement contre le Dr Robotnik. Contrairement aux autres épisodes, l'acte 1 et l'acte 2 s'enchaînent sans interruption.

L'étape spéciale et les émeraudes du chaos.

Pour accéder aux étapes spéciales, il faut trouver des anneaux géants cachés à l'intérieur des niveaux. Il y en a au moins un dans chaque acte. Lorsque Sonic (ou Tails) saute dans l'anneau, il est automatiquement téléporté vers une étape spéciale.  Sonic (ou Tails) se retrouve alors sur un globe géant, avec des sphères bleues, rouges et étoilées. La sphère étoilée fait office de bumper. Le joueur doit diriger Sonic en essayant de saisir les sphères bleues, mais en évitant les rouges. S'il touche ces dernières, il sera expulsé de l'étape spéciale. S'il attrape toutes les sphères bleues, l'émeraude du chaos apparaîtra devant lui. Des anneaux sont aussi parsemés sur le globe: s'ils sont tous attrapés, un score spécial il est appelé: perfect bonus dont la valeur de 50 000 point est mis au joueur. Des anneaux cachés peuvent aussi être obtenus si le joueur parcourt le tour d'un carré de sphères bleues.  Enfin, si le joueur est parvenu à réunir les 7 émeraudes du chaos, il peut se transformer en Super Sonic. Avec plus de 50 anneaux en sa possession, la transformation s'effectue en appuyant deux fois sur le bouton de saut. Sonic devient doré, bien plus rapide et invincible. En contrepartie le nombre d'anneaux baisse à raison d'un par seconde. S'il tombe à zéro, Sonic redevient normal. Posséder toutes les émeraudes permet de voir une fin du jeu légèrement différente. Tails ne peut pas se transformer en Super Tails s'il possède les sept émeraudes.

L'étape bonus.

Pour trouver cette étape, le joueur doit rassembler 50 anneaux pendant un seul acte d'un niveau et activer un panneau étoilé. Ces derniers sont éparpillés à travers les niveaux. Ils permettent d'accéder à cette étape, mais aussi de recommencer une partie à partir de ces points si le joueur perd une vie.  L'étape se présente sous la forme d'une énorme machine à boules de gomme par-dessus une série de ressorts. En tournant la manivelle de la machine, Sonic et Tails font tomber des bonus (les objets spéciaux ou des 1-Up). En touchant les ressorts en bas de l'écran une fois, ceux-ci disparaissent en laissant entrevoir la sortie.

Les objets spéciaux.

Briser les moniteurs sur le terrain rapporte des bonus au joueur. La plupart sont identiques à ceux dans "Sonic the Hedgehog", mais "Sonic 3" apporte des nouveautés. Les moniteurs suivants sont des boucliers. D'une manière réciproque aux anciens volets de la série "Sonic", un bouclier permet au joueur de ne pas perdre d'anneau lors d'un contact avec un ennemi ou un piquant (ou de ne pas mourir si le joueur ne possède aucun anneau), mais disparaissent après avoir protégé une fois. Certains peuvent annuler ou renvoyer certains types de missiles. Ils se divisent en plusieurs éléments qui apportent des capacités supplémentaires au joueur :

Le mode compétition.

Le mode de jeu compétition se joue à deux ou seul. L'écran est divisé en deux. Il est composé de cinq zones différentes du mode à un joueur et contient plusieurs modes :  Trois personnages peuvent être sélectionnés : Sonic, Tails ou Knuckles. Sonic et Knuckles possèdent les mêmes mouvements et Tails peut voler.

Les niveaux dans le mode compétition.

Chaque zone se présente comme une boucle qui se répète à l'infini. Le premier joueur qui atteint le cinquième tour remporte la course.

Développement.

Yuji Naka et Hirokazu Yasuhara ont été responsables de la réalisation de "Sonic 3". Le jeu a d'abord été travaillé pour être en vue isométrique, similaire à ce qu'on verra plus tard dans "". Mais ce concept a été vite abandonné au début du développement, car l'équipe de développement ne voulait pas changer aussi radicalement la formule des anciens opus.  "Sonic 3" et "Sonic and Knuckles" étaient aussi initialement prévus comme unique jeu sur une seule cartouche. Cependant, à cause des contraintes de temps et de coûts qu'engendrerait la fabrication d'une cartouche de 34 mégabits, il a été décidé de couper le jeu en deux, donnant à Yuji Naka et aux autres développeurs plus de temps pour terminer la deuxième partie, et divisant ainsi le coût élevé entre les deux cartouches. À cause de cette division, de nombreux éléments présents dans "Sonic and Knuckles" sont déjà présents dans "Sonic 3", comme peuvent le voir les joueurs qui auraient effectués le code pour accéder au "Sound test" du jeu.

Musique.

Masato Nakamura était l'auteur des musiques des deux premiers épisodes, mais n'a pas du tout travaillé sur celles du troisième épisode. Celles-ci ont été composées par plusieurs personnes, notamment les membres de l'équipe du son de Michael Jackson : Brad Buxer, Doug Grisby III, Bobby Brooks, Darryl Ross et Geoff Grace, donc par extension par le chanteur lui-même. Cette révélation avait été faite en 2009 au journal francophone "Black and White" par Brad Buxer. La Sonic Team avait passé un accord avec la pop star à prêter son talent sur la bande originale du jeu, mais Sega a décidé de diminuer son implication lorsque le chanteur s'est retrouvé empêtré dans une controverse judiciaire. Brad Buxer a également expliqué que cela a été surtout dû au fait que le son de sa musique ne pouvait pas être reproduit par la console de manière optimale et qu'il n'a pas souhaité que son nom y soit associé. Roger Hector, membre du comité exécutif de SEGA à l'époque, dévoile que la star avait voulu travailler sur le projet, mais ne dit rien quant à son départ. La raison pour laquelle Michael Jackson s'est réellement retiré avait suscité une polémique, mais les compositeurs avaient signés un contrat de confidentialité pour ne rien révéler. Aujourd'hui encore, les conversations dans les forums de discussions nourrissent cette polémique.  Parmi les pistes qui reprennent les thèmes du chanteur, il y a par exemple celle du générique de fin qui rappelle "Stranger in Moscow", pourtant sorti 3 ans après le jeu.  Le reste des pistes qui n'ont pas été composée par l'équipe du son de Michael Jackson ont été créées par les compositeurs américain Howard Drossin, dont le nom est souvent considéré comme seul compositeur officiel de ce jeu, et le japonais Jun Senoue.

"Sonic 3" avec "Sonic and Knuckles".

Grâce à la technologie Lock-on et avec la combinaison du jeu "Sonic and Knuckles", "Sonic 3" devient "Sonic 3 and Knuckles". Révélé par Yuji Naka, ces deux titres composent ainsi le jeu "Sonic 3" dans son ensemble.  Lorsque le joueur commence une nouvelle partie, il pourra également choisir de contrôler Knuckles, en plus de Tails et Sonic. Il y a donc 4 fins de jeux possibles. Il y a également la possibilité de sauvegarder 8 parties au lieu de 6 précédemment. Le jeu commence avec les 6 stages de "Sonic 3" et continuent directement avec ceux de "Sonic and Knuckles". Le nombre total de stages dépend du personnage principal choisi : il y en aura 12 au total avec Knuckles, 13 au total avec Tails et jusqu'à 14 au total avec Sonic.  Le septième niveau, soit le premier de "Sonic and Knuckles", commence différemment dans "Sonic 3 and Knuckles". Sonic et Tails découvrent Knuckles sortir d'un passage secret, qu'ils décident d'emprunter alors que l'échidné à le dos tourné. Nos deux héros découvrent ainsi un passage vers un palais caché où repose l'Émeraude-mère. En entrant dans cette salle, toutes les Émeraudes du Chaos récupérées lors des 6 premiers niveaux sont absorbées par les sept Super-Émeraudes du Chaos. Sonic et Tails vont devoir récupérer ces dernières (en se téléportant dans sept nouveaux stages spéciaux) pour réveiller l'Émeraude-mère. Ainsi, Sonic pourra devenir Hyper Sonic et Tails pourra devenir Super Tails.  L'accès à ces sept nouveaux stages spéciaux se font de la même manière que précédemment (via un ring géant caché dans un recoin d'un niveau) à cela près que les personnages passent d'abord par la salle précité ci-dessus. L'accès aux niveaux bonus depuis cette salle se fait en sautant sur une de ces Émeraudes (donnant ainsi au joueur la possibilité de choisir quel niveau bonus celui-ci veut effectuer sachant que chaque niveau est propre à une émeraude). Toutefois, le principe de ces niveaux reste le même que précédemment.  Lorsque Sonic devient Hyper Sonic, sa couleur change à intervalle très régulier et possède une attaque semblable à un boulet canon lorsqu'il effectue un double saut. Quant à Tails, lorsqu'il devient Super Tails, des oiseaux tournent autour de lui et peuvent attaquer les ennemis à sa place. Lorsque le joueur dirige Knuckles, il peut aussi l'aider à se transformer en Hyper Knuckles. Son pouvoir est de créer un séisme lorsqu'il fonce sur un mur. Lorsque Sonic possède les pouvoirs de l'Émeraude-mère, il aura aussi un stage supplémentaire à terminer à la fin du jeu.  Parmi les autres différences par rapport à "Sonic 3", "Sonic and Knuckles" apporte quelques autres éléments comme une nouvelle musique lors de l'affrontement contre les mini-boss et deux nouveaux stages bonus.

Rééditions.

Le jeu est disponible dans de nombreuses compilations :

Accueil.

"Sonic 3" a d'abord fait son entrée aux États-Unis le. Ce jour avait été baptisé "Hedgehog Day", en référence au Jour de la marmotte ("Groundhog Day" en anglais), une fête célébrée dans ce pays. La chaîne de magasin Toys “R” Us récompensait les pré-commandes avec un CD audio du nom de "Sonic Boom" aux éditions limitées, contenant des morceaux inspirés de "Sonic CD" et de "Sonic Spinball".  En Europe, "Sonic 3" est sorti le, soit quelques semaines plus tard. Pour aider à promouvoir le jeu en Angleterre, le groupe de rock anglais Right Said Fred avait composé une musique qui contenait de nombreuses références à Sonic, "Wonderman". Cette chanson avait été utilisée dans les publicités. En France, la promotion se fit beaucoup à la télévision, par des émissions télévisées comme "Télévisator 2", ou par les magazines.  Bien que "Sonic 3" n'ait pas aussi bien marché que "Sonic the Hedgehog 2", aux États-Unis il s'est tout de même vendu à 1,02 million d'exemplaires. "Sonic 3" a surtout été bien accueilli par les fans et les critiques, comme en témoigne le tableau ci-contre.

Sonic 3, dont le titre est Sonic the Hedgehog 3 en Amérique du Nord et au Japon, est un jeu vidéo de plates-formes, développé par Sonic Team, sorti sur Mega Drive en 1994. Il reprend le concept de ses prédécesseurs, "Sonic the Hedgehog" et "Sonic the Hedgehog 2", en proposant quelques changements comme l'ajout d'un nouveau personnage, Knuckles, ainsi qu'un nouveau mode compétition et de nouveaux objets bonus.

是一款由Sonic Team与世嘉技术开发研究所制作、世嘉在Mega Drive发行的平台游戏。本游戏于1994年2月在全球发行。


Historiographie.

La découpe historique de cette époque charnière entre l'époque médiévale et l'époque moderne est sujette à un débat interprétatif entre historiens de l'art. La notion de "Renaissance" découle d'une perception de l'Histoire visant à lui donner un sens, ce qui correspond au régime de pensée de l'idéalisme allemand du, notamment au travers des concepts de Hegel. Cette manière de percevoir l'Histoire étant elle-même controversée. Certains historiens considèrent de plus que l'usage traditionnel de la période Renaissance dans l'historiographie française est un chrononyme commode mais discutable pour marquer une rupture entre l'Âge sombre médiéval et l'époque moderne. Ils préfèrent utiliser, selon la postulant un passage graduel entre ces périodes, l'appellation plus neutre d'« "early modern" » (pour « "Early modern Europe" », littéralement début de l'Europe moderne), de « première modernité » ou « seuil de la modernité ». Les historiens italiens parlent quant à eux de Trecento, Quattrocento et Cinquecento.  Cette période est devenue un concept historiographique et a pu être utilisé pour caractériser d'autres périodes historiques : la Renaissance carolingienne (les lettrés de cette époque parlaient de "renovatio"), la Renaissance ottono-clunisienne (920-1000), la Renaissance du.

Apparition de la notion de Renaissance.

Selon l'historien Jean Delumeau, le mot Renaissance nous est venu d'Italie et concernait le domaine des arts. Le peintre, architecte, et historien de l'art italien Giorgio Vasari a employé le terme « Rinascita » en 1568 dans "Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori". Les Italiens disent aujourd'hui "Rinascimento". Le sens du mot Renaissance s'est progressivement élargi.  Le terme de « Renaissance » en tant qu'époque et non plus pour désigner un renouveau des lettres et des arts, a été utilisé pour la première fois en 1840 par Jean-Jacques Ampère dans son "Histoire littéraire de la France avant le " puis par Jules Michelet en 1855 dans son volume consacré au "La Renaissance" dans le cadre de son "Histoire de France". Ce terme

Délimitation temporelle.

Selon certains auteurs, cette période peut être plus ou moins longue :  Ainsi, selon les auteurs, la Renaissance commence :

Grandes périodes de la Renaissance.

Il y a eu plusieurs grandes périodes de la Renaissance. Il est d’usage d’appeler les siècles de la Renaissance en Italie par le

Extension géographique.

Au.

Au, les prémices de la Renaissance se produisirent surtout en Italie :  Des foyers de Renaissance importants sont les zones en contact avec les autres civilisations, notamment la civilisation islamique : Sicile et Espagne. Ces zones de contact existent en réalité depuis plusieurs siècles : l'Andalousie (royaume de Séville) depuis l'an mil, la Sicile depuis le (Palerme).  L'Italie commence ainsi à importer les sciences et techniques islamiques dans les domaines de l'algèbre, de l'astronomie, de la médecine, de l'alchimie, de la géographie, bien que

Au.

Au, la Renaissance se poursuit en Italie sous le nom de Première Renaissance ou Quattrocento.  Elle s'intensifie en Grèce, elle s'étend aussi aux Flandres, à l'Angleterre, à la Bourgogne, à l'Alsace, à certaines régions d'Allemagne, à la Baltique (Hanse), et surtout à Lyon, qui renait à cette époque.  En France, le Royaume est encore empêtré

Au.

Au, le Portugal continue les explorations (Cabral). Les autres grands navigateurs Christophe Colomb, Amerigo Vespucci (voir paragraphe et article détaillé grandes découvertes...) permettent aux puissances ibériques (Portugal et Espagne) d'étendre leur puissance et de chercher de nouvelles voies maritimes pour les épices, la principale route des épices exploitée par les Ottomans étant coupée depuis la chute de Constantinople.  L'Espagne semble ainsi devenir la première puissance européenne grâce à la richesse de ses colonies et

De nouvelles identités.

Naissance d'une identité européenne.

Les lettrés du Moyen Âge avaient conscience qu'ils vivaient sur un continent appelé Europe par les géographes, pour le distinguer de l'Asie et de l'Afrique. En revanche, la grande masse des habitants de l'Europe n'avaient jamais entendu ce terme : ils lisaient difficilement et « le clergé leur parlait comme à des chrétiens

Officialisation et normalisation des langues populaires.

Début 1492, Antonio de Nebrija présente à Isabelle de Castille la première grammaire d'une langue populaire d'Europe, le "Gramática Castellana", qu'il conçoit comme un outil d'affermissement des conquêtes de la reine sur les, et qu'il complètera par un dictionnaire.  En 1539, François, par

Imitation de l'Antiquité.

Il est fréquent de dire que durant la Renaissance, on s'intéressa de nouveau à l'Antiquité, ce qui accompagna le mouvement intellectuel de l'« humanisme ».  En fait, l'Antiquité était loin d'être inconnue au Moyen Âge :  Les textes qui ont été sauvés de l'Antiquité l'ont été, pour ce qui est des auteurs latins, par les copistes médiévaux dans les monastères. Cette culture était réservée à une élite composée essentiellement de clercs, dans les monastères, puis, à partir du, dans les écoles urbaines, et les premières universités européennes (école scolastique) : au, 75 à 80 % des humanistes véritables avaient reçu le sacrement de l'ordre, et près de 100 % les

Diffusion de l'information par l'imprimerie.

L'une des inventions qui eurent le plus d'impact sur les hommes de la Renaissance était le perfectionnement de l'imprimerie par les caractères mobiles en plomb et la presse à vis, par Gutenberg vers 1450. La première édition imprimée de la Bible apparut en 1455. Les premiers textes imprimés concernaient assez souvent la religion et ceci pendant une cinquantaine d'années.  Avant l'invention de ces procédés, l'imprimerie ne permettait pas une productivité beaucoup plus élevée que la copie manuelle, par des clercs, qui étaient les seuls capables de maîtriser les techniques d'écritures : au et, les manuscrits étaient retranscrits par des moines, dans des "scriptoria" lorsqu'ils existaient ou dans leurs cellules. C'était l'une des deux principales tâches des moines à l'époque ; ils les embellissaient par des enluminures. D'autre part, la langue employée dans les manuscrits était souvent le latin (la littérature en roman existait néanmoins et a donné son nom au genre littéraire).  Les universités disposaient d'un quasi-monopole

Aspects religieux.

À l'intérieur du christianisme, le besoin de réforme se manifeste dès le. Mais la Renaissance se caractérise aussi en Europe par un fort sentiment antijudaïque.

Diffusion de la Bible en langues vernaculaires.

Au Moyen Âge, la plupart des fidèles n'avaient pas accès à la Bible dans leur langue maternelle. Les traductions en langues vulgaires avaient même été interdites par la hiérarchie catholique. L'arrivée de l'imprimerie va bouleverser cette situation : l'Église catholique ne pourra plus s'opposer à la

Réforme protestante et contre-réforme.

Le mouvement de renouveau en Europe s'accompagne d'un enrichissement jugé excessif de l'Église, ce qui provoque l'indignation de certains chrétiens, qui veulent revenir aux sources de la Bible. D'autre part, à cette époque, certains chefs de l'Église étaient jugés trop proches des autorités politiques.  Au, plusieurs réformateurs dont John Wyclif en Angleterre et Jan Hus en Bohême,

Judaïsme.

Les aspects liés au judaïsme dans cette période sont abordés dans l'article « Antijudaïsme » :  Alors que les Juifs avaient été des acteurs des précédentes Renaissances, les populations juives sont exclues de ce mouvement de Renaissance, par la multiplication de mesures d'exclusion, soit religieuses, soit politiques : des expulsions de plusieurs pays (Angleterre, Espagne...), des mesures discriminatoires et la multiplication des ghettos.

Grandes découvertes.

Représentation géographique.

Dans le monde cultivé des universités occidentales, on avait conscience depuis l’intégration des systèmes de l’antiquité grecque (Claude Ptolémée, Aristote, Ératosthène), c’est-à-dire depuis les, que la Terre était ronde. Cette représentation n’était pas encore très diffusée dans la société occidentale avant le.  Entre les, les informations géographiques se sont enrichies considérablement à partir d'un ensemble de sources, incluant, outre les philosophes et géographes grecs déjà cités, l’astronome arabe Al-Farghani, l’explorateur vénitien Marco Polo (voyages en Asie), le cardinal français Pierre d'Ailly (auteur de l’Imago Mundi, publié en 1410, imprimé en 1478).  Avant la Renaissance, on se représentait

Techniques de navigation et cartographie.

De nouveaux procédés techniques permirent la soutenabilité des explorations maritimes des grandes découvertes. La boussole fut importée de Chine. L’astrolabe est utilisé pour la première fois par Christophe Colomb. Le loch permit d'estimer la vitesse de déplacement d'un navire. Le Sextant remplace l'octant et l'astrolabe au. La caravelle est déjà inventée par les Portugais au début du, c'est-à-dire à la

Exploration maritime.

Des expéditions chinoises s’étaient lancées aussi à l’assaut des océans à partir de 1405 avec des explorations vers les côtes de l'Asie du Sud-Est, de nombreuses îles de l'océan Indien, et l'Afrique de l'Est, sous la conduite de l'amiral Zheng He, mais furent arrêtées par l’administration chinoise.  Du côté européen, on cherchait des voies commerciales alternatives aux routes commerciales continentales comme la route des épices, après la prise de Constantinople (1453), par les Ottomans, et leur domination sur l’est du bassin méditerranéen.  Une première phase des grandes découvertes est ouverte, dès le, par les navigateurs portugais qui, sous l'impulsion de Henri le Navigateur, lancent des expéditions en vue de contourner l'Afrique. Vasco de Gama découvre l'Inde (1497-1498) (Inde), Cabral découvre le Brésil

Conséquences économiques.

La première conséquence économique de la découverte du Nouveau Monde fut un afflux considérable de métaux précieux. On emploie de plus en plus l'or, l'argent, le fer, le cuivre, en majorité ramenés du nouveau monde. L'essentiel fut converti en monnaie, entraînant une hausse sensible des prix. On estime qu'entre 1450 et 1550, la masse monétaire en Europe a été multipliée par huit.  La deuxième conséquence est que l'Espagne,

Art.

Architecture.

Au Moyen Âge, les châteaux étaient d'austères monuments édifiés pour l'autodéfense d'un territoire ou d'un pays et la protection de la population environnante. C'est l'archétype même du château fort. Cependant, en France dès le milieu du avec la fin de la guerre de Cent Ans, l'influence architecturale de la Renaissance italienne commence à se faire sentir et du château fort traditionnel, on va passer au siècle suivant au règne des châteaux-palais si présents aujourd'hui dans la vallée de la Loire mais aussi ailleurs (Fontainebleau, le Louvre...).  Ainsi, l'ère de la Renaissance laissa la place aux édifices qui misaient tout sur l'esthétique plutôt que sur la défense. C'est alors que disparurent mâchicoulis, créneaux, ponts-levis, meurtrières et douves, pour laisser la place aux somptueux jardins

Littérature.

Au, Pétrarque, d'origine toscane, passe pour être (avec Dante au siècle précédent), l'un des pères de la Renaissance. C'était un érudit, qui maîtrisait la langue latine. Il voyagea dans toute l'Europe, séjourna en Avignon, et séjourna aussi dans le nord de l'Italie à la fin de sa vie. Il eut Giovanni Boccaccio comme disciple.  Le est marqué par l'apparition de la langue française moderne, soutenue par le pouvoir royal de François, qui, avec l'ordonnance de Villers-Cotterêts (1539), donne à cette langue son statut de langue officielle du droit et de l'administration du

Poésie.

L'appellation « Renaissance » est ici aussi problématique : après tout, la littérature n'était pas morte et l'Âge d'or (1530-1560) est finalement assez court et évolue très rapidement vers le Baroque. La poésie compose alors un ensemble assez polymorphe et disparate.  D'un côté, quelques formes médiévales subsistent - que l'on songe notamment à Marot utilisant les formes du rondeau, de la ballade de l'épître, formes qui tombent en désuétude avec la Pléiade.  Parallèlement, de nouvelles formes apparaissent telles que l'ode, le sonnet, l'élégie, le discours ou l'églogue mais

Peinture.

Au, la peinture connaît déjà un renouveau, surtout à partir de l'Italie, grâce à des peintres comme Duccio, Simone Martini, Matteo Giovanetti, élève de Martini qui peignit les fresques du Palais des Papes d'Avignon et Giotto.  Au, en Italie, les peintres les plus marquants sont Fra Angelico, Fra Bartolomeo, Masaccio, Filippo Lippi, Piero della Francesca, Titien, Leone Battista Alberti théoricien de la peinture et architecte, Sandro Botticelli. Cette période est également marquée par le développement de la perspective (Italie et Flandre), inventée par Masaccio et grâce à Brunelleschi, son théoricien à la Renaissance. Dans les Pays-Bas Espagnols, la peinture à l'huile fait son apparition avec Jan van Eyck, Rogier de la Pasture dit Vanderweyden, Jérôme Bosch. La toile remplaça progressivement les peintures "a fresco" employées dans les édifices.  Concernant le

Musique.

Au, les polyphonies se développèrent à l'origine dans les Flandres, en Angleterre et en Bourgogne. La polyphonie est une musique écrite pour des chœurs à plusieurs voix en musique sacrée ou profane. Elle nécessitait des règles d'harmonie

Changements militaires et politiques.

Innovations militaires.

L'art de la guerre évolue de manière importante durant la Renaissance. L'infanterie reprend sa place de cœur de l'armée aux dépens de la cavalerie, principalement par l'assimilation de la technique du carré de pique par la plupart des armées occidentales. Ce modèle, introduit notamment par les cantons suisse au bas Moyen Âge, prévaudra sur les champs de bataille jusqu'à la guerre de Trente Ans. L'arquebuse prend une place de plus en plus importante dans les armées de la Renaissance. l'arme étant meilleurs marché qu'une arbalète et son utilisation ne requérant pas un entrainement aussi poussé que

Droit.

En droit, un changement structurel se produisit au, avec le passage de la suzeraineté (société de type féodal, serment d’allégeance), à la souveraineté.  Le roi contrôlait directement le royaume à l’aide d’une administration mieux structurée, surtout en France et en Espagne. Il s’agissait encore d’une administration

Histoire économique de la Renaissance.

Les échanges commerciaux en Méditerranée c'est-à-dire la triade amorcés après la période des Croisades, continuèrent, surtout depuis les ports italiens de Venise et Gênes. Ces Républiques acquirent ainsi une grande puissance.  La nouveauté vint, dès le, du contournement de l'Espagne par les grandes voies maritimes, délaissant les routes commerciales continentales traditionnelles, qui passaient par les anciennes foires de Champagne par exemple.  La conséquence fut le déclin des foires de Champagne, très florissantes au Moyen Âge et le développement dès le des grands ports d'Europe du Nord (Bruges, Londres, villes

Changement de paradigme.

La Renaissance s'est manifestée par un changement important de vision du monde par rapport au Moyen Âge, qui a eu des répercussions considérables aux époques moderne et contemporaine.  Plusieurs éléments caractérisent ce changement :  L'humanisme est une exaltation de l'homme considéré en lui-même, pour lui-même. L'humanisme, même s'il ne nie pas Dieu, le rejette dans l'au-delà et affirme la totale autonomie de l'homme par rapport à Lui. Ce n'est plus Dieu qui sert de référence, mais l'homme qui devient la mesure de toute chose.  La Renaissance se définit à la fois par un retour à l'Antiquité grecque et par un retour à la nature (les deux étant liés), ouvrant la voie au naturalisme. L'humanisme, en ramenant tout à l'homme (c'est-à-dire en excluant Dieu) ramène toute chose à une dimension purement naturelle, c'est-à-dire exclut le surnaturel ou réduit sa part. L'art de la Renaissance abandonne le caractère symbolique de l'art médiéval dans la représentation de l'homme et de la nature  La Renaissance fait de la raison la principale faculté de connaissance de l'homme, reléguant au second plan son esprit ou intellect, faculté de contemplation des réalités surnaturelles. La valorisation de la raison et de l'approche rationnelle des phénomènes favorise non seulement le développement d'une forme de philosophie qui s'affranchit de la théologie dont elle n'était jusqu'alors que la servante, mais encore l'essor des sciences, qui se développeront considérablement à partir du à la suite de la révolution copernicienne.  L'humanisme de la Renaissance a pour corrélat une exaltation de l'individu. Cela se manifeste dans l'art par la valorisation de l'artiste en tant que sujet créateur original. Cette tendance s'accentuera ultérieurement avec le "Cogito" de Descartes qui pose le sujet « je » non seulement comme seule source, mais comme critère de la connaissance vraie et même de la réalité de soi et du monde. L'individualisme mènera par la suite à la concurrence, fondement du capitalisme qui se développera à partir du, et aura pour conséquence l'affaiblissement du sens de la communauté.  La conquête du Nouveau Monde a été fondée sur une volonté des États européens d'accroître leur pouvoir en étendant leurs territoires, mais aussi de développer leur économie grâce à une exploitation de ces terres nouvelles et de la commercialisation de leurs produits. Cela a sans doute contribué à modifier l'image de la nature qu'avaient les populations européennes, en y voyant un stock de ressources exploitables et monnayables. Les conquérants ont fait preuve d'une absence totale de scrupule vis-à-vis de la nature, en comparaison des populations indigènes qui avaient un sens développé de la sacralité de la nature.  Le christianisme, avec surtout saint Irénée de Lyon, en développant une conception unifiée de l'être humain, avait rejeté le dualisme platonicien et ses avatars gnostiques des tout premiers siècles. Dans le sillage du rationalisme réapparaît, avec Descartes, un dualisme âme-corps. Le corps appartenant à la nature, la séparation entre l'âme et le corps a eu sans aucun doute un effet sur la relation de l'homme avec la nature, rendant l'homme moins proche et moins solidaire de celle-ci, la percevant comme une réalité extérieure à ce qu'il est.  L'ensemble de ces éléments, auxquels il faut ajouter la mécanisation des corps et le Dieu horloger lointain, auront pour conséquence, selon le théologien orthodoxe Jean-Claude Larchet, de poser les fondements spirituels de la crise écologique que nous connaissons aujourd'hui.

La Renaissance est une période de l'époque moderne associée à la redécouverte de la littérature, de la philosophie et des sciences de l'Antiquité, qui a pour point de départ la Renaissance italienne. En effet, la Renaissance est l'œuvre, à Florence (Italie), des artistes qui peuvent y exprimer librement leur art : une Pré-Renaissance se produit dans plusieurs villes d'Italie dès les ("Duecento" et "Trecento"). La Renaissance s'exprime au dans la plus grande partie de l'Italie, en Espagne, en Flandre et en Allemagne, sous la forme de ce que l'on appelle la Première Renaissance ("Quattrocento") ; ainsi en Flandre, sur les quatre primitifs flamands (Jan Van Eyck, Hans Memling, Jheronimus Bosch, Brueghel Den Oude), les deux premiers vivent au. La Renaissance concerne l'ensemble de l'Europe au ("Cinquecento").

文艺复兴是一场大致发生在14世纪至17世纪欧洲的文化运动,在中世纪晚期发源于意大利中部的佛罗伦萨,即意大利文艺复兴,后扩展至欧洲各国。其辞源为意大利语「」,由ri-(意为“重新”)和nascere(意为“出生”)构成。文艺复兴时期的思想基础是其人文浪漫主义版本,它源于罗马人文主义的概念和对普罗塔哥拉斯等古典希腊哲学的重新发现,后者说“人是万物的尺度”。


Biographie.

Elliott Carter naît à New York le. Il grandit dans un milieu bourgeois, peu attiré par les arts.  Il étudie le piano dès l'école primaire. Adolescent, il se tourne vers le théâtre et intègre le cercle intellectuel new yorkais au cœur du quartier de Greenwich Village. C'est dans les années 1920 que son goût pour les nouvelles manifestations artistiques le pousse à s'intéresser à la musique moderne, sous la tutelle de Charles Ives, qui devient à la fois un ami, un guide et un modèle. Grâce à lui, le jeune Elliott découvre l'avant-garde musicale à travers des œuvres de Béla Bartók, Edgar Varèse et Carl Ruggles. "Le Sacre du printemps" d’Igor Stravinsky le séduit et le décide à commencer une carrière dans la musique comme compositeur.  En 1926, Elliott Carter intègre l'université Harvard. Il y étudie la littérature anglaise, puis la musique à partir de 1930. Son Bachelor of Arts en poche, le jeune Carter part pour la France et travaille à l'École normale de musique de Paris (1932-1935) avec Nadia Boulanger. Rentré à New York en pleine dépression économique, il est engagé comme directeur musical du Ballet Caravan de 1936 à 1940.  Dans les années 1930, Carter se rapproche du style néo-classique, sous l'influence de Stravinsky, d'Hindemith et de Nadia Boulanger. Ce n'est qu'à la fin des années 1940 qu'il parvient à trouver son propre langage, fondé sur le sens de la continuité et sur l'individualisation des différentes couches de la composition.  Écrivant une musique exigeante, loin du style américanisant d'un Copland ou d'un Bernstein, mais loin aussi de l'expérience sérielle, Carter a construit son œuvre dans un grand esprit d'indépendance. Influencé par le philosophe et mathématicien britannique Alfred North Whitehead, défenseur de l'organisme, Carter trouve son inspiration en orientant certaines de ses compositions dans la littérature, la poésie, la danse et le cinéma.  Il a réalisé une synthèse entre les diverses tendances de la musique du et entre des conceptions musicales appartenant à des époques ou à des cultures très différentes. Les orchestres les plus renommés et les plus grands solistes, de même que de nombreux ensembles, lui ont commandé des partitions. Au total, Elliott Carter a composé plus de d'une très grande variété. Au cours de sa carrière longue de huit décennies, il remporte deux fois le Prix Pulitzer de musique.  En 1954 et en 1963, il est lauréat du prix de Rome américain ("Rome Prize") en composition musicale.  Il est élu membre de l'Académie des arts de Berlin en 1971. Dans les années 1980, Carter enseigne la composition, notamment à l'université Columbia et à la Juilliard School of Music. À, il aborde l'opéra avec "What next", créé à l'Opéra de Berlin en 1999 par Daniel Barenboim.  Il meurt le 5 novembre 2012 dans sa ville natale, quelques mois seulement après la création et l'inauguration de sa dernière œuvre, "Dialogues II". Il était âgé de. Son épouse est décédée en 2003.

Principales œuvres.

Piano.

Parmi ses œuvres pour piano, il faut également mentionner un intérêt particulier porté vers la polyphonie dans certaines pièces, comme "Two diversions" (1999), "Catenaires" (2006, composé pour Pierre-Laurent Aimard) et "Matribute" (2007). Comme dans les œuvres de Carter pour ensemble, l'écriture polyphonique repose en grande partie sur la polyrythmie.

Elliott Cook Carter, Jr., né le à New York aux États-Unis et mort le dans la même ville, à, est un compositeur de musique contemporaine américain. Premier compositeur à recevoir la National Medal of Arts en 1985, il était considéré comme l'un des plus grands compositeurs du.

艾略特·库克·卡特(英语:Elliott Cook Carter, Jr.,1908年-12月11日-2012年11月5日),美国当代古典音乐作曲家。


Géographie.

Localisation.

La commune est située à une quinzaine de kilomètres au nord-ouest de Verdun sur la rive gauche de la Meuse.

Toponymie.

"Cumière" en 1793, "Cumières" en 1801, "Cumières-le-Mort-Homme" en 1922 (Le "Mort-Homme", nom d'une colline).

Histoire.

En 1285, Jacques Bretel mentionne plusieurs fois, dans le récit qu'il fait des festivités de Chauvency-le-Château offertes par le comte de Chiny, un Colart ou Collard de Cumières présent aux côtés des Neuville, Ornes, Creuë, Rosières et Briey, lors du fameux tournoi de Chauvency.  Les héritiers Claude Le Clerc, dont Jean Le Clerc confirment avoir cédé la seigneurie de Cumières le.  Le, le tonnerre des canons marque le début de la bataille de Verdun. Situé sur le secteur de Verdun, le village perdu par les troupes française dans la nuit du 23 au 24 mai 1916 et repris le disparaîtra totalement sous l'acharnement des pilonnages des obus français et allemands.  C'est l'un des neuf villages français détruits durant la Première Guerre mondiale qui n'a jamais été reconstruit. Déclarée « commune morte pour la France » à la fin des hostilités, il fut décidé de la conserver en mémoire des événements qui s'y déroulèrent.

Politique et administration.

La commune est aujourd'hui administrée par un conseil de trois personnes désignées par le préfet de la Meuse.

Population et société.

Démographie.

Depuis le premier recensement de 1793, la population de la commune de Cumières évolue entre 205 et 315 habitants. Au cours de la Première Guerre mondiale, la commune de Cumières perd la totalité de ses habitants et est placée en « zone rouge » en 1918 avec l’ensemble de la colline du Mort-Homme puis reçoit le statut unique de « village détruit » en compagnie de huit autres villages de Meuse tout aussi martyrisés. Les recensements postérieurs à 1918 attestent de la présence de quelques habitants jusqu'en 1990, date au-delà de laquelle la commune n'a plus d'habitant.

Économie.

Néant, lieu de mémoire (commune « morte »).

Culture locale et patrimoine.

Lieux et monuments.

Monument à la division d'infanterie.

Au lieu-dit "le-Mort-Homme" le monument élevé à la mémoire des soldats de la, érigé par l'amicale des anciens de la d'infanterie. Jacques Froment-Meurice a réalisé une œuvre représentant un squelette se dégageant de son suaire. Debout, le squelette du soldat pousse un cri de victoire. Il porte sur un bras un drapeau, symbolisant la nation pour laquelle il s'est sacrifié, de l'autre bras il brandit le flambeau de la victoire. Sur le socle du monument, l'inscription « Ils n'ont pas passé », rappelle la résistance victorieuse des soldats français.  Les travaux se sont déroulés du au. L'entretien du monument a été confié au Souvenir français.  À, le monument de granit dressé par les anciens de la d'infanterie.

Ancien champ de bataille.

Classé en zone rouge, l'ancien champ de bataille a été planté de conifères dans les années 1920. Dans cette forêt de 14 000 ha, on distingue les bords des cratères d'obus, l'emplacement des villages détruits dont rien ne subsiste. Une chapelle a été érigée en 1933 à l'endroit où se trouvait l'église avant la Grande Guerre.

Cumières-le-Mort-Homme est une commune française située dans le département de la Meuse, en région Grand Est.

屈米耶尔勒莫罗姆()是法国默兹省的一个市镇,位于该省中北部,属于凡尔登区。该市镇总面积6.11平方公里,在一战中完全摧毁,2009年时的人口为0人,是法国九个无人村之一。


Environnement.

Tomcat est un serveur HTTP à part entière. De plus, il gère les servlets et les JSP (par un compilateur Jasper compilant les pages JSP pour en faire des servlets). Tomcat a été écrit en langage Java. Il peut donc s'exécuter via la machine virtuelle Java sur n'importe quel système d'exploitation la supportant.  Catalina est le conteneur de servlets utilisé par Tomcat. Il est conforme aux spécifications servlet de Oracle Corporation et les JavaServer Pages (JSP). Coyote est le connecteur HTTP de Tomcat, compatible avec le protocole HTTP 1.1 pour le serveur web ou conteneur d'application. Jasper est le moteur JSP d'Apache Tomcat. Tomcat 9.x utilise Jasper 2, qui est une implémentation de la spécification JavaServer Pages 2.3 de Oracle. Jasper parse les fichiers JSP afin de les compiler en code Java en tant que servlets (gérés par Catalina). Pendant son exécution, Jasper est capable de détecter et recompiler automatiquement les fichiers JSP modifiés.

État de développement.

Les membres de la fondation Apache et des volontaires indépendants développent et maintiennent Tomcat. Les utilisateurs ont accès au code source et aux binaires sous la. La première version de Tomcat était la 3.0. En 2005, la version 5.x est sortie, implémentant les servlets 2.4 et les JSP 2.0. Depuis sa version 4.x, Tomcat utilise le serveur de conteneur Catalina.  L'architecture du logiciel se compose ainsi :  Le contexte est le lieu privilégié pour situer un service informatique que l'on veut rendre sur un réseau. Les autres modules sont mis en œuvre par le logiciel Tomcat lui-même.

Principe de fonctionnement.

Tomcat est souvent utilisé en association avec un autre serveur web plus généraliste, en général Apache, mais ce peut être aussi IIS :  On peut utiliser le module mod jk pour réaliser la communication entre Apache et Tomcat. Techniquement, Apache communique alors avec Tomcat sur le port 8009 (via le protocole ajp13).  Pour l'administration à distance, Tomcat inclut des applications accessibles par HTTP.

Arborescence de répertoires.

L'installation par défaut de Tomcat comprend les répertoires suivants :

Historique.

Le projet Tomcat a été lancé comme implémentation de référence des servlets par James Duncan Davidson, architecte logiciel chez Sun. Il a contribué à rendre le projet libre et a joué un rôle majeur dans sa donation par Sun à la fondation Apache.  Davidson aspirait dès le départ à rendre le projet libre. Comme la plupart des projets libres sont associés à un livre O'Reilly avec un animal en couverture, il a souhaité donner un nom d'animal au projet. Il a choisi le nom "Tomcat" (« matou ») car cet animal représentait quelque chose qui peut prendre soin de lui-même. Son souhait de voir une couverture d'animal s'est finalement concrétisé lorsque O'Reilly a publié un livre sur Tomcat avec un félin en couverture.  Bien qu'étant une implémentation de JEE moins complète que la plupart de ses concurrents, et même grâce à cette légèreté, Tomcat domine rapidement le marché des serveurs Java. Il représentait en 2014 la moitié des utilisations de tels serveurs, loin devant JBoss et Jetty. En 2016, son utilisation baisse à 42%

Fonctionnalités des versions.

Tomcat 9.x.

Sont annoncés par la fondation Apache :

Apache Tomcat est un conteneur web libre de servlets et JSP. Issu du projet Jakarta, c'est un des nombreux projets de l’"Apache Software Foundation". Il implémente les spécifications des servlets et des JSP du Java Community Process, est paramétrable par des fichiers XML et des propriétés, et inclut des outils pour la configuration et la gestion. Il comporte également un serveur HTTP.

Tomcat是由Apache软件基金会属下Jakarta项目开发的Servlet容器,按照Sun Microsystems提供的技术规范,实现了对Servlet和JavaServer Page(JSP)的支持,并提供了作为Web服务器的一些特有功能,如Tomcat管理和控制平台、安全域管理和Tomcat阀等。由于Tomcat本身也内含了HTTP服务器,因此也可以视作单独的Web服务器。但是,不能将Tomcat和Apache HTTP服务器混淆,Apache HTTP服务器是用C语言实现的HTTPWeb服务器;这两个HTTP web server不是捆绑在一起的。Apache Tomcat包含了配置管理工具,也可以通过编辑XML格式的配置文件来进行配置。