Histoire.

Du Zhejiang rural à Shanghai.

Le Yueju fut créé à Shengxian (), l’actuel ville-district Shengzhou ) dans la ville-préfecture de Shaoxing (绍兴) dans la province du Zhejiang. Le nom « Yueju » renvoie d’ailleurs à son lieu d’origine : Yue 越 fait référence à l’État de Yue (), qui se situait dans l'Antiquité sur le territoire de l’actuelle province du Zhejiang et dont la capitale était Shaoxing; "ju" signifie, théâtre, opéra. On notera que l’appellation « Yueju » ne fut adoptée qu’à partir des années 1940, et qu’il porta beaucoup d’autres noms auparavant : "xiaogeban" (小歌班,), "diduban" (的笃班), "shaoxing wenxi" (绍兴文).  L’opéra Yue se serait à l’origine qu’une distraction sans ambition organisée par des paysans pour d’autres paysans, qui permettait de distraire les uns et d’obtenir un peu d’argent en échange du spectacle pour les autres. Le père fondateur du Yueju semble être un certain Jin Qibing du village de Matang : il aurait enseigné aux jeunes paysans de la région l’art du conte accompagné de chant. Ceux-ci allaient ensuite dans les villages alentour lorsque le travail des champs était fini ou lors d’occasions spéciales et se servaient de ce talent pour gagner de l’argent et de la nourriture. Rapidement, leur nombre augmenta, et certains d’entre eux passant plus de temps à chanter qu’à travailler aux champs pouvaient être considérés comme semi-professionnels. Leur zone d’activité s’étendit jusqu’à couvrir la région entre Hangzhou, Jiaxing et Huzhou dans le delta du Yangzi (la région de Hang-Jia-Hu). Cependant, les paysans-conteurs illettrés, se contentant de « raconter » des histoires, ne tenaient pas la comparaison face aux conteurs éduqués des grandes villes comme Suzhou ou Hangzhou ; il devint alors nécessaire d’améliorer les spectacles, d’ajouter de nouveaux éléments afin de se distinguer. L’année 1906 est souvent considérée comme celle de la naissance du Yueju, car c’est cette année-là que pour la première fois, les conteurs-paysans se mirent à jouer et mimer les histoires qu’ils racontaient. La première pièce ainsi mise en scène fut "La Pagode de perle" ("zhenzhu ta" 珍珠塔). Ce spectacle fut très bien reçu et lança une nouvelle mode. Les troupes se composaient de sept à huit membres. Sur scène se trouvaient en général deux ou trois acteurs qui pouvaient chanter. Afin de marquer le rythme, on utilisait une paire de petits tambours et des cliquettes en bois, qui étaient joués par n’importe quel acteur de la troupe n’étant pas sur scène. Les prix très bas des représentations contribuèrent aussi au succès, bien que les autorités ne voyaient pas d’un bon œil les rassemblements que provoquaient ces spectacles, surtout ceux mélangeant hommes et femmes.  À partir de 1917, des troupes tentèrent plusieurs fois de percer à Shanghai, mais au début sans grand succès. Les changements nécessaires furent apportés en 1919 : on modifia les costumes, la musique, les scénarios, le jeu. C’est ainsi qu’une troupe créa la pièce "L’Épingle de jade" ("Biyu zan" 碧玉簪) qui fut un triomphe et marqua le début d’une implantation durable du Yueju à Shanghai. Dans les années 1920, on assista également au déclin du Shaoxing daban (绍兴大班), aussi appelé « opéra martial de Shaoxing » "Shaoxing wuxi" (绍兴武戏). Or le Yueju, surnommé à partir de 1922 « opéra civil de Shaoxing » "Shaoxing wenxi" (绍兴文戏)' parce que ses représentations étaient axées sur le chant, se distinguait de « l’opéra martial » qui incluait des acrobaties. Shaoxing daban et Yueju se distinguaient également par les sujets qu’ils abordaient : le Yueju racontait des histoires d’amour et d’autres affaires de la sphère intime, alors que le premier restait dans des thèmes plus classiques, comme l’histoire, la politique et la guerre. La chute du Shaoxing daban fut par conséquent une sorte de victoire pour le Yueju.

À Shanghai et au-delà.

Les années 1930 et 1940 furent l’âge d’or du Yueju. Les troupes exclusivement ou quasi exclusivement féminines devinrent de plus en plus nombreuses. En 1938, la dernière troupe masculine avait cessé d’exister. Le public étant lui aussi très majoritairement féminin, l’opéra Yue prit le nom de « Opéra civil féminin de Shaoxing » "Nüzi Shaoxing wenxi" 女子绍兴文戏. Venant après une l’interdiction de paraître sur scène imposée aux femmes sous les dynasties Ming et surtout Qing, leur retour sur le devant de la scène par le biais du Yueju se faisait dans le contexte favorable des idées d’émancipation des femmes propagées par le Mouvement du 4 Mai 1919.  Des écoles furent créées pour former les actrices. La plupart étaient alors illettrées car nées dans des familles de paysans pauvres, et se joignaient à des troupes afin d’aider leurs parents financièrement. La qualité des spectacles n’était pas très bonne au départ mais ces troupes recevaient un bon accueil dans leur région natale. Ne sachant pas lire, elles n’avaient donc pas de textes : elles pouvaient improviser selon les réactions de l’audience et de leur partenaire sur scène.  C’est lors de la guerre sino-japonaise de 1937 à 1945 que le Yueju va se développer rapidement dans la Shanghai occupée. Nombre d’intellectuels shanghaïens qui méprisaient le Yueju en raison de ses origines populaires avaient fui vers d’autres villes, et les autorités japonaises voyaient d’un œil favorable ce divertissement apolitique. Enfin, la guerre avait amené en ville une vague de réfugiés, riches pour la plupart, ayant le temps et l’argent d’aller voir un opéra.  En 1942, cet opéra prit comme nom définitif Yueju 越剧 et se propagea rapidement jusqu’à atteindre Hong Kong, Macao et Taïwan en 1949. Pendant les premières décennies de la Chine populaire, le Yueju jouit d’un statut d’importance nationale. Le Yueju était alors si populaire qu’une adaptation d’une de ses pièces, « La Romance de Liang Shanbo et Zhu Yingtai « (梁山伯与祝英台) devint en 1953 le premier film en couleur chinois. Il fut ensuite projeté à l’étranger, et notamment durant la conférence de Genève en 1954. Une autre pièce du Yueju, "Le Rêve dans le pavillon rouge" ("Honglou Meng" 红楼梦) fut aussi adaptée au cinéma une dizaine d’années plus tard, en 1962.  Mais la Révolution Culturelle (1966–1977) eut raison de ce succès : bien que les représentations reprennent rapidement dès 1976, le public fut moins nombreux car la société et les gens avaient changé et l’opéra n’avait plus le même sens social et politique qu’avant.

Caractéristiques artistiques.

À l’origine simplement l’un des quelque 300 genres d’opéras provinciaux que connaissait la Chine à la fin de l’empire, le Yueju se distingua et, grâce à la faveur du public shanghaien, sortit de sa condition de « théâtre de campagne » pour devenir l’opéra prestigieux que l’on connaît de nos jours. La montée de l’opéra Yue dans la région de Shanghai est parfois comparée à celle de l’opéra Ping ("Pingju" 评剧) dans le Nord du pays, qui devint lui aussi localement plus populaire que l’opéra de Pékin ou l’opéra à cliquettes Hebei bangzi. Une des principales originalités du Yueju est le fait que les actrices y tiennent tous presque tous les rôles, y compris les rôles d’hommes. En cela, le Yueju est à l’opposé de l'opéra de Pékin Jingju et du Kunqu (昆曲), où ce sont les hommes qui se travestissent. Il est intéressant de remarquer que le but des acteurs de rôle féminin dans le Jingju est de s’approprier le personnage féminin, de devenir ou du moins de ressembler le plus possible à une femme, alors que les actrices de Yueju ne cachent pas leur féminité, même lorsqu’elles jouent un personnage masculin. Ce rôle ambigu des actrices semble avoir été un des charmes du Yueju. Notons toutefois que malgré une dominante largement féminine, les troupes contiennent presque toujours un ou deux hommes. Mais on créa en 1952 une tonalité spéciale pour ces derniers, le "nandiao" 男调, afin d’adapter la hauteur de leur voix à celle de leurs partenaires féminines. L’accompagnement instrumental des pièces est beaucoup plus nourri que dans le Jingju, qui met plutôt l’accent sur le chant : dans le Yueju, l’orchestre compte davantage d’instruments et le rôle des percussions est moins important. Les voix sont moins aigües, les mélodies plus variées et les vêtements moins extravagants.

Actrices.

La popularité des actrices de Yueju était telle que les différents évènements de leurs vies faisaient régulièrement la une des journaux de l’époque. Les dix actrices les plus connues sont appelées « les dix sœurs de l’opéra Yueju » ("Yueju shi jiemei" 越剧十姐妹). Parmi elles, les deux plus connues furent probablement Yuan Xuefen (袁雪芬) et Fu Quanxiang (傅全香). Elles sont toutes nées dans les années 1910 et ont appris leur art pendant la période du mouvement du 4 mai. Une autre actrice, Chang Xiangyu, née en 1923, sans appartenir aux « dix sœurs » a participé à rendre populaire cet art, après la Seconde Guerre Mondiale.

Répertoire.

À la différence du répertoire de l’opéra de Pékin ou du Shaoxing daban, les sujets des pièces de Yueju sont pour la plupart des histoires d’amour. En effet, la littérature en vogue à l’époque de son essor affectionnait les histoires romantiques, ainsi les romans de l’école dite des « canards mandarins et papillons » ("yuangyan hudie pai"鸳鸯蝴蝶派) ou dans une moindre mesure l’école littéraire dite du « style de Shanghai » ("haipai" 海派). Les autorités de la République de Chine, qui s’efforçaient de faire disparaitre la traditionnelle polygamie de la société chinoise, accueillaient avec une certaine bienveillance des intrigues mettant en scène un couple monogame. Enfin, les habitants de Shanghai côtoyant beaucoup plus les étrangers, les mœurs étaient plus ouvertes et les gens montraient plus ouvertement leur désir de romance que les habitants d’autres régions de Chine restées plus traditionnelles. C’est cette tendance à la romance et l’ouverture d’esprit des Shanghaiens qui ont porté le Yueju lors de sa période de gloire.  Les pièces sont classifiées en deux catégories : les pièces à thèmes anciens et les pièces à thème modernes. Parmi les premières on peut citer notamment : "Le Pavillon de l’aile Ouest" ("Xixiang ji" 西厢记), "L’Épingle de Jade" ("Biyu zan" 碧玉簪), "Le Rêve dans le pavillon rouge" ("Honglou meng" 红楼梦), ou "La Romance de Liang Shanbo et Zhu Yingtai" ("Liang Shanbo yu Zhu Yingtai" 梁山伯与祝英台). Parmi les secondes, "Belle-sœur Xianglin" ("Xianglin sao" 祥林嫂), adaptée du "Sacrifice du nouvel-an" de Lu Xun.

Le Yueju dans la politique et la société.

Si l’opéra Yue était au départ lié à un mouvement d’immigrés originaires du Zhejiang qui retrouvaient dans les pièces leur dialecte et leur identité, le public visé changea petit à petit, pour se concentrer sur les femmes shanghaiennes. Cette nouvelle audience apporta une aide précieuse par son soutien financier, social et émotionnel. Le Yueju a eu cependant ses détracteurs, en particulier chez les politiciens et les intellectuels. Le premier ministre communiste Zhou Enlai, critiquant dans deux articles de 1963 et 1964 la tradition du travestissement dans l’opéra chinois, s’en prit explicitement aux troupes quasi-exclusivement féminines du Yueju. Les gouvernements nationaliste et communiste avaient comme point commun sur ce sujet de considérer ce genre d’art « se concentrant sur l’individu et ses problèmes privés et mondains » comme « inutile, égoïste et trivial, voire dangereux » car il encourage les gens à se focaliser sur leurs problèmes personnels et non à se consacrer au « combat national ». Les élites quant à elles allaient jusqu’à décrire le Yueju comme un genre « populaire, joué par des actrices illettrées et apprécié par des femmes au foyer bourgeoises et leurs filles ».  Les réactions des deux gouvernements furent pourtant différentes : le gouvernement nationaliste (1912–1949) resta sur une attitude critique, alors que les communistes essayèrent de transformer les théâtres populaires et les divertissements en général en moyen de propagande, pour glorifier la révolution communiste.

Lopéra Yue ou Yueju () également appelé Opéra de Shaoxing, encore appelé xiaoge ban, didu ban, shaoxing wenxi, est un genre d’opéra chinois (). Bien qu’il soit originaire du Zhejiang oriental, c’est l’univers particulier de la Shanghai du qui le modela pour lui donner les spécificités qui firent sa célébrité. Depuis les années 1920 jusqu’aux années 1980, sa popularité ne fit que croître à Shanghai et dans sa région, jusqu'à y dépasser celles de l’Opéra de Pékin () et de celui de Shanghai () ou ). Il est pour certains la deuxième forme la plus populaire d'opéra chinois après l'Opéra de Pékin. Les principales caractéristiques du Yueju sont ses troupes composées presque exclusivement de femmes et les thèmes abordés dans les pièces, qui semblent viser un public féminin (d’où le surnom de "Nüzi Yueju" ().


Création du WASP.

À l'été 1941, les célèbres pilotes Jacqueline Cochran et Nancy Harkness Love se proposent pour des missions de non-combat au service de l'armée de l'air américaine (les'ou USAAF, ancêtre de la'ou USAF) après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en Europe. L'intérêt est alors de libérer les pilotes masculins pour des actions de combat et d'affecter les femmes aux missions stratégiques et logistiques. Malgré le soutien appuyé de la Première dame des États-Unis, Eleanor Roosevelt, le chef d'état-major de l'Armée de l'air, le général Henry Harley Arnold, rejette les propositions de Nancy Love et Jacqueline Cochran.  Alors que les États-Unis ne sont pas encore entrés en guerre, Jacqueline Cochran se porte volontaire pour être affectée au Transport aérien auxiliaire ("", ou ATA), dans la "Royal Air Force" britannique. En effet, l'ATA recrute des pilotes féminins depuis et cherchait à en former de nouvelles. Les femmes américaines qui font partie de ces unités sont alors les premières de leur pays à piloter des engins militaires. Il leur est permis d'être aux commandes des avions les plus performants de l'époque, à l'instar des,,,,,,, et. Leurs missions ne sont alors pas dites de combat, mais parfois y ressemblent. Devant ces conditions, seulement trois des pilotes américaines engagées au Royaume-Uni, reviennent aux États-Unis pour faire partie du programme WASP. La constitution des effectifs militaires américains nécessaires à la Seconde Guerre mondiale se fait tardivement, ce qui a pour effet de voir une augmentation spectaculaire des membres en activité pour l'Armée de l'air américaine. Il y a notamment quelques carences au niveau du recrutement des hommes, ce qui amène l'armée à recruter des femmes. Ce n'est néanmoins qu'après l'attaque de Pearl Harbor, qu'il devient évident qu'il n'y a pas suffisamment de pilotes masculins.  En 1941, l'aviatrice Phoebe Omlie, alors au poste de « spécialiste senior des vols privés de l'Autorité de l'aéronautique civile » répond à cet important besoin de pilotes en ouvrant 66 écoles de vol dans 46 États. Elle met en place un programme « expérimental » pour former des instructrices, avec la conviction forte et controversée que Ces femmes instruisent des hommes et des femmes pilotes dans des programmes d'entraînement militaire et civil, y compris le Navy V-5 et les Women Airforce Service Pilots.  Le général William Tunner s'occupe du recrutement aidé du major Robert Love et sa femme Nancy, une pilote professionnelle. Le général Arnold avait cédé à la mi-été 1942 et accepté les propositions rejetées auparavant, notamment le « plan Tunner ». La création du WAFS, dirigé par Nancy Love, est effective le, alors pour du transport aérien. Le même jour, Jacqueline Cochran revient aux États-Unis. Beaucoup de publicité est faite autour du programme, ce que le général Arnold critique.  Deux escadrons sont constitués : celui de Nancy Love et celui de Jacqueline Cochran. Le premier s'entraîne sur l'aéroport municipal de Houston, Texas (aujourd'hui le ') et le second à l" de New Castle, Delaware (aujourd'hui le ""). Bien que « rivaux », les deux programmes sont indépendants jusqu'à l'été 1943 où l'on incite Jacqueline Cochran à prendre le contrôle des deux unités, malgré l'opposition du général Tunner. Ainsi, les programmes WAFS et WFTD fusionnent pour donner naissance au WASP.

Entraînement des pilotes du WASP.

Les pilotes du WASP sont organisées en 19 groupes. Chacune d'entre elles, avec environ de vol à son actif et une formation de pilote commerciale, reçoit un entraînement de 30 jours pour apprendre à voler selon les règlementations militaires. Le manque de ressources financières (déjà présent alors qu'il y avait deux escadrons) entraîne pour l'unité des défauts de personnel administratif, de soins médicaux, de matériel et d'avions (seulement 23 servent à l'entraînement). Le, Margaret Oldenburg et son instructeur, Norris G. Morgan, s'écrasent à une dizaine de kilomètres au sud de Houston. La météo désastreuse qui secoue la région de Houston achève le moral des engagées, ce qui amène les autorités à leur créer une vraie identité. Un personnage,, conçu par Roald Dahl et dessiné par Walt Disney devient ainsi la mascotte de l'unité et orne leur écusson d'épaule.  Trois entraînements ont lieu. Le premier rassemble 38 femmes et les forme à un minimum de 200 heures de vol. Vingt-trois sont diplômées le. La deuxième promotion est diplômée le et la troisième le. Les entraînements ont essentiellement lieu à l'aéroport de Sweetwater (Texas).

Échec de la militarisation et dissolution.

Les membres du WASP sont des employées de la fonction publique et ne reçoivent pas à ce titre d'avantages militaires, contrairement à leurs homologues masculins. D'autre part, elles ne sont alors pas administrativement liées à l'Armée de l'air et peuvent donc démissionner à tout moment après la fin de leur formation, bien que peu l'aient fait.  Le, la militarisation du WASP est commencée. Jacqueline Cochran et le général Arnold souhaitent alors un corps distinct, dirigé par un colonel femme (similaire aux chefs WAC, WAVES, SPAR, et '). Le département de la Guerre, cependant, s'oppose à une telle décision. Au lieu de cela, il préfère que les femmes soient intégrées au sein de la WAC (') et donc ajoutées aux quelque déjà affectées.  Le, le projet de loi de la Chambre des représentants de donner le statut militaire au WASP est enterré après la fermeture de certaines écoles de formation de vol civiles et d'un puissant lobbying. La commission de la Chambre sur la fonction publique avait en outre signalé le, qu'il considérait le WASP comme inutile, excessivement coûteux et recommandé que le recrutement et la formation des pilotes féminins devait être interrompu. Malgré le militantisme de Jacqueline Cochran, le général Arnold, qui avait été un promoteur de la militarisation dissout le WASP le. Il prononce un discours à l'aéroport de Sweetwater, le :  À l'issue du programme WASP, 916 femmes deviennent pilotes de service pour la AAF, dont 620 affectées aux centres de formation, 141 pour le transport aérien, 133 pour les forces aériennes continentales des États-Unis, 11 à l'escadre météorologique, 9 pour les commandes techniques et les autres pour le "".

Postérité.

Tous les dossiers du WASP sont classés et inaccessibles pendant trente-cinq ans, ce qui fait que les historiens n'ont pu avoir accès, pendant cette période, à leur apport dans l'effort de guerre américain. En 1975, le colonel Bruce Arnold, fils du général Henry Harley Arnold et les WASP se battent pour se voir remettre le titre de vétérans de la Seconde Guerre mondiale. Ils ont alors un soutien assez prononcé de l'opinion publique. En 1977, les dossiers sont déclassifiés. Il est à noter l'important lobbying du sénateur Barry Goldwater qui, lui-même, avait été pilote pendant la guerre.  Le président Jimmy Carter signe en 1977 la loi, section 401, qui accorde aux anciennes membres du WASP un statut militaire complet pour leurs services rendus. En 1984, chaque membre du WASP reçoit la "World War II Victory Medal". Celles qui ont servi plus d'un an reçoivent également les ". La plupart des enfants des membres qui étaient alors décédées acceptent la décoration à titre posthume. Le, le président Barack Obama et le Congrès des États-Unis décerne au WASP la médaille d'or du Congrès. Trois des 300 anciennes membres encore vivantes sont présentes. Le, 200 membres survivantes viennent au Capitole de Washington, D.C. pour accepter la médaille des mains de la présidente de la Chambre des représentants des États-Unis, Nancy Pelosi et des autres dirigeants du Congrès.

Le (WASP), ou Service de pilotes féminines de l'Armée de l'air, est une organisation para-militaire pionnière rassemblant des femmes pilotes civiles, employées par la United States Army Air Forces, pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle rassemble le deux escadrons créés un an auparavant : le (WFTD) et le (WAFS). L'unité compte alors mille membres. Elle est dissoute le.


Dédicace.

Adam Mickiewicz a dédié ce poème à "Bonaventure et Jeanne Zaleski, en souvenir de l'année 1827".  L'épigraphe de ce poème est tirée du XVIII chapitre du Prince de Machiavel: "Dovete adunque sapere, come sono due generazioni da combattere... bisogna essere volpe e leone".

Contexte politico-historique.

Adam Mickiewicz protesta contre le cloisonnement polono-lituanien entre l'Empire russe, le Royaume de Prusse et l'Autriche des Habsbourg à la fin du. Considéré comme "manuel de conspiration" par l'historien Maurice Mochnacki, le poème a servi d'inspiration à l'Insurrection de Novembre 1830 contre la domination russe. Bien que le thème fût subversif, il était évident pour la plupart de ses lecteurs, mais a pu échapper à la censure, principalement grâce à l'hommage rendu au tsar Nicolas de Russie, en préface de la deuxième édition.

Résumé.

Il est décrit brièvement les interactions entre les Lituaniens, les Prussiens, Polonais et Russes, au.  Évoqué sous forme de six chants (l'Élection, l'Hymne, le Chant, le Banquet, la Guerre, les Adieux) racontant l'histoire fictive de Wallenrod, un païen lituanien (autrefois prénommé Alf) capturé et élevé comme un chrétien par son ennemi de longue date, l'Ordre des Chevaliers Teutoniques.  Élevé au rang de Grand Maître, son patriotisme se réveille à l'écoute d'un chant, le mystérieux ménestrel (waydelote) étant d'origine lituanienne.  Il cherche alors la vengeance, avec son compatriote Halban (d'aucuns prétendent qu'il est le waydelote), en conduisant délibérément ses chevaliers dans une défaite militaire majeure.  Il s'avère que Wallenrod a une femme, Aldona "la recluse", qui vit dans l'isolement d'une tourelle.  Les Chevaliers découvrent la trahison et le condamnent à mort ; Aldona refusant de s'enfuir avec lui, Wallenrod se suicide.  Adam Mickiewicz s'est inspiré de Byron pour Grażyna et Wallenrod, de Dante pour Les Aïeux, et de Goethe pour Pan Tadeusz.

Adaptation.

À deux reprises, Conrad Wallenrod fut adapté à l'opéra, en 1874 par Amilcare Ponchielli et en 1885 par Władysław Żeleński.

Conrad Wallenrod est un roman en vers d'Adam Mickiewicz, écrit lorsqu'il vivait encore à Saint-Pétersbourg, en exil après sa participation à l'organisation des Philomathes, et publié en 1828.


Événements.

Le eut lieu une première éruption donnant une colonne éruptive de de hauteur et qui dura. Les gens ne quittèrent pas leur maison. Durant les jours qui suivirent, le volcan demeura dans un état de basse activité. Le, une légère chute de cendres fit comprendre aux habitants de Batavia (aujourd'hui Jakarta, à du volcan), que les détonations entendues la veille qui avaient motivé l'envoi de patrouilles militaires par crainte d'une attaque, étaient d'origine volcanique.  Le paroxysme de l'éruption eut lieu plus tard, le. Vers du matin, une colonne éruptive de de haut monta dans le ciel, mais l'éruption dura seulement trois heures. Vers, l'activité du volcan augmenta, suivie une heure plus tard d'une pluie de ponce sur le village de Sanggar, à l'est. Le volcan à ce moment était alors surmonté d'après les témoins de trois « colonnes de flammes », en fait trois colonnes éruptives. La chute de pierres ponces dura jusqu'à, lorsque le village de Sanggar fut ravagé par une onde de choc. Vers ce moment, toujours d'après les témoins, les trois colonnes fusionnèrent et la montagne ne fut plus qu'une masse de « feu liquide ». Cela correspond à l'élargissement du conduit d'émission dû au débit éruptif important et aux premiers stades de la formation de la caldeira.  En conséquence, la colonne éruptive s'engorgea en matières et finit par s'effondrer, créant plusieurs coulées pyroclastiques de gaz surchauffés, de cendres et de pierres ponces qui donnèrent lieu à des dépôts d'ignimbrite. On en a compté sept qui se sont étalées radialement autour du volcan et ont pénétré dans la mer jusqu'à de distance du sommet du volcan. Ces coulées pyroclastiques lancées dans la mer y ont généré des explosions secondaires, augmentant le volume de cendres dispersées dans l'atmosphère jusqu'à représenter la principale source de cendres volcaniques de l'éruption. Le, alors que l'éruption continuait, l'ombrelle éruptive s'était étendue au point qu'à de là, à Java, alors que retentissaient au loin les explosions, les premières lueurs du jour n'apparurent qu'à et que ce n'est qu'à que les oiseaux se mirent à chanter. L'éruption cessa le, et le seulement, les chutes de cendres cessèrent après s'être étendues jusqu'à de distance, laissant un paysage dévasté sur la péninsule de Sanggar.  Il s'agit d'une des deux plus puissantes éruptions de l'époque historique. Elle eut une puissance estimée à huit fois celle de l'éruption du Vésuve, soit plus de dix mille fois les explosions nucléaires d'Hiroshima et de Nagasaki en 1945. Les explosions du volcan ont été entendues à plus de de distance.  À la suite de l'expulsion de tant de magma, le reste de la montagne s'effondra sur lui-même, et forma une grande caldeira de de diamètre et de de profondeur, diminuant ainsi l'altitude du volcan de.  Des raz-de-marée s'abattirent sur les îles à plusieurs centaines de kilomètres de distance. L'activité volcanique tua directement. À ces victimes s'ajoutèrent celles des tsunamis, de la famine et des épidémies qui sévirent sur Sumbawa et Lombok et qui tuèrent. L'éruption semble avoir tué entre, mais certaines estimations mènent à un total de.  Cette éruption est cotée à 7 sur l'échelle d'explosivité volcanique qui en compte 8.

Conséquences climatiques.

La cendre ainsi que les aérosols sulfatés envoyés dans la stratosphère provoquèrent un hiver volcanique et firent plusieurs fois le tour de la Terre, causant, au début de l'été, de magnifiques couchers de soleil rougeoyants, peints par le peintre William Turner, notamment "Didon construisant Carthage (ou la naissance de l'Empire carthaginois)".  La dernière estimation à ce jour du volume de téphra émis lors de l'éruption est de ~ et la quantité SO2 produite serait ~, soit des quantités bien plus importantes que pour le Krakatoa ou le Vésuve.  Cette éruption a été une des plus violentes éruptions volcaniques depuis le début de l'histoire (avec celle récemment identifiée du Samalas), et surtout la plus meurtrière. Elle a été bien plus forte que celle du Vésuve en 79.  Cette catastrophe fut à l'origine d'un refroidissement climatique général et d'« étés glacés ». L'année 1816 en particulier est restée connue comme l'« année sans été » : l'éruption a en effet affecté océans et tropiques, et tous les records de baisse de température ont été battus en 1815 et 1816. En 1816, les moyennes des températures dans l'hémisphère nord descendirent de à plus de.  L'éruption perturbe les récoltes comme rarement vu dans l'histoire de la culture des céréales et cause les grandes crises alimentaires de 1816-1817 en Europe avec leurs émeutes de la faim.  Aux États-Unis, les États de la côte Est furent particulièrement affectés (Maine, Nouvelle-Angleterre, Massachusetts). En Europe, les Alpes suisses furent très touchées, à tel point que pendant l'été 1816, il y neigeait presque toutes les semaines. La misère qui en a découlé a conduit à une importante émigration vers le Brésil (plus de ), qui sera à l'origine de la création par des colons suisses de la ville de Nova Friburgo en 1819. L'Alsace connut aussi de grandes difficultés alimentaires.  On estime que ce dérèglement climatique fut à l'origine d'une famine qui fit plus de sur la Terre.

Témoignage historique.

Au cours de l'été 1816, Lord Byron et Percy Bysshe Shelley, voyageant dans les Alpes suisses, constateront les méfaits de la famine, consécutive à cette éruption.

Recherches actuelles.

Le volcanologue Haraldur Sigurðsson a étudié de façon approfondie cette éruption pendant plus de. Lors d'une expédition difficile, il est descendu dans la caldeira du volcan. Sur le site de l'ancien village, à l'aide de scanners, il a pu retrouver des restes d'habitations et des squelettes carbonisés ensevelis dans les cendres. . Michael Chenoweth a étudié les journaux de bord de la marine britannique de l'époque, et ceux du capitaine du navire "L'Inconstant", qui a fait des relevés très précis.

L'éruption du Tambora en 1815 est une éruption volcanique qui s'est produite sur l'île de Sumbawa, en Indonésie. À l'origine de l'année sans été, l'éruption seule tua environ. Elle est considérée comme la deuxième éruption la plus violente des temps historiques, après celle du Samalas en 1257 (île de Lombok, Indonésie) mais devant l'éruption minoenne de 1610 (île de Santorin, Grèce) et celle du Taupo en 230 (Nouvelle-Zélande).


Parcours.

Parcours extrêmement accidenté, avec 4 grandes ascensions : la Madonna del Ghisallo (km 88), le Col Brianza (km 119), le Col Valpiana (km 151) et la Forcella di Bura (km 220).

Récit de la course.

km 145
 Andrei Kivilev, Rolf Sørensen, Mirko Gualdi et Vladimir Duma se détachent. Quelques kilomètres plus loin, Vladimir Duma s'isole en tête de la course.
 km 166
 Michele Bartoli sort du peloton alors qu'il reste encore 87 km à parcourir et rejoint Vladimir Duma. Au même moment, Gianni Bugno (vainqueur du Tour d'Italie, de Milan-San Remo et double champion du monde) abandonne alors qu'il dispute la dernière course de sa carrière en Italie.
 km 170
 Alors que Bartoli et Duma sont repris par le peloton, Oscar Camenzind, récent champion du monde, se détache avec dans son sillage Michael Boogerd et Wladimir Belli.
 km 198
 Chute de Camenzind qui revient sans peine sur ses 2 compagnons d'échappée.
 km 215
 Wladimir Belli est lâché par Boogerd et Camenzind, puis est rapidement repris par un groupe de 4 contre-attaquants : Michele Bartoli, Gilberto Simoni, Pascal Richard et Felice Puttini.
 km 249
 Dans la dernière ascension, Michael Boogerd tente de démarrer mais Oscar Camenzind le contre et s'envole en solitaire vers la victoire. Felice Puttini règle au sprint le groupe de contre-attaque pour le gain de la troisième place.

 Oscar Camenzind devient le de l'Histoire à remporter le Tour de Lombardie vêtu du maillot arc-en-ciel de champion du monde après Alfredo Binda en 1927, Tom Simpson en 1965, Eddy Merckx en 1971, Felice Gimondi en 1973 et Giuseppe Saronni en 1982. Par la suite, seul Paolo Bettini en 2006 réiterera cette performance.

La du Tour de Lombardie a eu lieu le. Il s'agit de la dixième et dernière épreuve de la Coupe du Monde.


Carrière.

Débuts.

Troy Tulowitzki est le choix de première ronde ( sélectionné au total) des Rockies du Colorado en 2005.  Le jeune joueur d'arrêt-court a été comparé à d'autres brillants joueurs s'étant illustrés à cette position, tels Derek Jeter et Cal Ripken.

Rockies du Colorado.

Saison 2006.

Tulowitzki fait ses débuts dans les majeures le. Il réussit son premier coup sûr dans les grandes ligues à son second match, le 31 août, face aux Mets de New York et claque son premier coup de circuit le 4 septembre aux dépens de Woody Williams des Padres de San Diego. Tulowitzki joue 25 parties en fin d'année pour les Rockies, frappant 23 coups sûrs dont un circuit, et totalisant 15 points marqués et six points produits.

Saison 2007.

À sa saison recrue en 2007, il maintient une moyenne au bâton de,291 avec 177 coups sûrs, 104 points marqués, 24 coups de circuit et 99 points produits. Il termine second, quelques votes derrière Ryan Braun des Brewers de Milwaukee, au scrutin de la meilleure recrue de l'année dans la Ligue nationale et récolte quelques voix pour le titre de joueur le plus utile à son équipe.  Le, il réussit un exploit rare : un triple jeu sans aide, le seulement dans toute l'histoire des Ligues majeures. L'exploit défensif est réussi en manche d'un match des Rockies face aux Braves d'Atlanta au Coors Field de Denver. Tulowitzki est la première recrue à réaliser un tel jeu depuis Ernie Padgett, qui l'avait accompli à son deuxième match dans les majeures en 1923 avec les Braves de Boston.  Le, il frappe son de l'année, établissant le nouveau record pour un joueur d'arrêt-court recrue dans la Ligue nationale. L'ancienne marque était détenue par Ernie Banks depuis la saison 1954 des Cubs de Chicago.  Il termine la saison régulière avec une moyenne défensive de,987, la meilleure parmi tous les joueurs d'arrêt-court de la Ligue nationale, et 561 assistances, le plus haut total de tous les joueurs des majeures, toutes positions confondues.  Le 1er octobre, les Rockies disputent un match-suicide aux Padres de San Diego pour la dernière place disponible en séries éliminatoires. Tulowitzki frappe quatre coups sûrs en sept présences au bâton et marque à trois reprises. Il cogne un double comme second frappeur de la, produisant un point, et compte le point égalisateur dans ce qui deviendra une victoire de 9-8 du Colorado. Les Rockies atteignent quelques jours plus tard la Série mondiale et sont sacrés champions de la Ligue nationale.

Saison 2008.

Le, Troy Tulowitzki signe un contrat de six ans pour 31 millions de dollars avec les Rockies du Colorado.  Ses statistiques offensives sont cependant à la baisse à sa deuxième année complète : moyenne au bâton de,263 avec 99 coups sûrs, 8 circuits et 46 points produits pour Colorado au cours de la saison 2008.

Saison 2009.

Il rebondit en 2009 en élevant sa moyenne à,297. Il réussit un nouveau sommet personnel de 32 coups de circuit, produit 92 points et atteint le total de 20 vols de buts. Il termine au scrutin du meilleur joueur de la Ligue nationale. Sa moyenne de puissance de,552 est la de la Nationale en saison régulière.  Le 10 août, il réussit un cycle dans un gain de 11-5 à domicile des Rockies sur les Cubs de Chicago.  Il aide les Rockies à retourner en séries éliminatoires et produit trois points en quatre parties dans la Série de division où Colorado est éliminé par Philadelphie.

Saison 2010.

À la mi-saison 2010, Tulowitzki est invité pour la première fois au match des étoiles du baseball majeur.  En septembre, il est nommé joueur du mois dans la Ligue nationale grâce à ses 15 circuits, ses 30 points marqués et ses 40 points produits. Il boucle le mois avec une incroyable moyenne de puissance de,800. Ses 15 coups de quatre buts en un seul mois est un nouveau record de franchise chez les Rockies du Colorado.  Il joue 122 parties en 2010, frappant dans une moyenne au bâton de,315, la de la Ligue nationale cette saison-là. Sa moyenne de puissance de,568 est aussi la de la Nationale. Il frappe 27 circuits durant la saison et produit 95 points, en plus d'en marquer 89 et de voler 11 buts.  Il remporte après la saison son premier Gant doré en tant que meilleur joueur défensif de la Ligue nationale à sa position. Il reçoit quelques jours plus tard son premier Bâton d'argent comme meilleur arrêt-court offensif de la Nationale. Considéré comme l'un des meilleurs joueurs de la saison 2011, il termine cinquième au vote, remporté par Joey Votto des Reds, du joueur par excellence de la Ligue nationale.

Saison 2011.

Tulowitzki frappe pour,302 de moyenne au bâton en 2011. Pour la première fois de sa carrière, il franchit le cap des 100 points produits en une saison. Il fait marquer 105 points des Rockies et frappe 30 coups de circuit. Son total de doubles (36) est son plus élevé en une saison. Invité pour une deuxième année consécutive au match des étoiles, il gagne également pour la seconde année d'affilée le Gant doré et le Bâton d'argent. Il termine en huitième place du vote du joueur par excellence de la Ligue nationale.

Saison 2012.

En 2012, Tulowitzki est ennuyé durant les deux premiers mois de la saison par une blessure à l'aine. Il joue son dernier match le 30 mai avant d'être placé sur la liste des joueurs blessés pour 15 jours. Les Rockies espéraient en juin que son absence soit de 8 semaines mais elle se prolonge et il ne revient finalement pas au jeu avant la saison suivante. En 47 parties en 2012, Tulowitzki a une moyenne de,287 avec 8 circuits, 33 points marqués et 27 points produits.

Saison 2013.

Tulowitzki est choisi comme arrêt-court partant de la Ligue nationale au match des étoiles 2013.

Saison 2014.

Tulowitzki termine le premier mois de la saison 2014 en tête de la Ligue nationale pour la moyenne de présence sur les buts (,477), la moyenne de puissance (,727) et les points marqués (24), en plus de présenter une moyenne au bâton de,364. Il est nommé meilleur joueur du mois d'avril dans la Nationale, un honneur qu'il avait reçu une première fois en.  Il est voté joueur d'arrêt-court partant de l'équipe de la Ligue nationale au match des étoiles 2014. Au vote populaire qui élit les équipes partantes, Tulowitzki est avec voix le joueur le plus populaire de la Ligue nationale, et il reçoit le haut total de votes de tous les joueurs des majeures après José Bautista et Mike Trout. Il apparaît à la mi-saison comme le favori au titre annuel de joueur par excellence de la saison et, au début août, il est le meneur pour la moyenne au bâton (,302), la moyenne de présence sur les buts (,432) et la moyenne de puissance (,603). Mais une blessure à la hanche gauche subie à Pittsburgh le le met hors du jeu, et une opération à la mi-août confirme que sa saison 2014 est terminée. En 91 matchs et 375 passages au bâton, Tulowitzi récolte 107 coups sûrs, 21 circuits, 71 points marqués et 52 points produits.

Saison 2015.

Il représente les Rockies au match des étoiles pour la en 2015.

Blue Jays de Toronto.

Le, les Rockies échangent Tulowitzki et le releveur LaTroy Hawkins aux Blue Jays de Toronto contre l'arrêt-court José Reyes, le releveur Miguel Castro et les lanceurs droitiers des ligues mineures Jeff Hoffman et Jesus Tinoco.  Il s'adapte lentement à Toronto, où il ne frappe que pour,239 de moyenne au bâton dans les 41 matchs de saison régulière qui suivent son transfert. Après avoir frappé pour,300 en 87 parties au Colorado, il clôt la saison 2015 avec une moyenne au bâton de,280 en 128 matchs disputés au total pour les deux clubs. Il compile pour l'année 17 circuits et 70 points produits. Les Blue Jays remportent le titre de la division Est de la Ligue américaine et Tulowitzki frappe un circuit de 3 points le contre les Rangers du Texas dans le, gagné 5-1 par Toronto, de la Série de division. Il se distingue ensuite en frappant pour,304 avec 7 coups sûrs et 7 points produits dans les 6 matchs de la Série de championnat de la Ligue américaine, que Toronto perd aux mains des Royals de Kansas City. Le, dans le de la série, Tulowtizki frappe à Toronto un circuit de 3 points dans un succès de 11-8 des Jays, qui avaient perdu les deux premiers matchs.

Troy Trever Tulowitzki (né le à Santa Clara, Californie, États-Unis) est un joueur d'arrêt-court des Yankees de New York de la Ligue majeure de baseball.


Historique.

Composition.

Inquiété par la Révolution d'Octobre, Rachmaninov décida de quitter la Russie avec sa femme et ses deux filles le, prétextant un concert à Stockholm. Il ne reverra jamais son pays natal. Durant cet exil, il était hors de question pour Rachmaninov de composer avec une famille à nourrir. Rachmaninov avait beaucoup composé en Russie (près de 40 opus) et le quatrième concerto devait être sa première œuvre « américaine » ; mais les exigences d'une carrière de pianiste ont forcé Rachmaninov à reculer la composition du concerto pendant près de dix ans.  À Dresde, où il a beaucoup composé dans le passé, Rachmaninov songe à composer de nouveau. Il écrit dans une lettre à Nikolaï Medtner, dédicataire du concerto :. Après huit ans de tournée, il arrête les concerts en 1925 pour se consacrer à son quatrième concerto. Une partie du travail avait été commencée vers 1911 avec la troisième étude-tableau qui, retirée de la publication et publiée à titre posthume, fut réutilisée dans le "Largo". Mais ce sont surtout les esquisses commencées en Russie et emportées à son départ de Russie qui en constituent l'ébauche. De plus, si à l'époque où il écrivit sa cadence pour la "Rhapsodie hongroise no 2" de Liszt la composition n'était pas à l'ordre du jour, des esquisses du finale du concerto figurent au dos de ce manuscrit.  Bien qu'il ait eu un bon départ pour l'écriture de son œuvre, Rachmaninov a été interrompu plusieurs fois notamment par le décès prématuré de son gendre, qui s'était marié avec Irina moins d'un an auparavant. À cause de cette tragédie et d'autres évènements, il ne put finir l'œuvre avant le mois d'août suivant. De plus, Rachmaninov s'est toujours montré très sévère en matière d'autocritique. Le il se confie à Medtner sur la longueur de la partition :. Medtner lui répondit cinq jours plus tard et lui montra son désaccord envers ce jugement sur son concerto, et plus généralement de son attitude envers la longueur d'une œuvre. Le pianiste Josef Hofmann, un autre ami à qui Rachmaninov montra la partition, l'encouragea. Hofmann disait beaucoup aimer ce nouveau concerto, et espérait que les fréquents changements de mesure ne seraient pas un obstacle pour de futures performances.  Rachmaninov observa deux problèmes avec ce concerto : l'un étant le troisième mouvement qu'il trouvait trop long, l'autre l'omniprésence de l'orchestre.. De ces deux observations il conclut qu'il fallait faire des coupures ; Rachmaninov avait déjà révisé d'autres œuvres dans le passé, après les avoir écoutées ou jouées. Toutes ces années où Rachmaninov n'était pas à son bureau pour composer ont accru ce sentiment d'insécurité face aux choix des idées qui devaient être exprimées ; ce que certains critiques contemporains ont remarqué en qualifiant la structure du concerto de.  Le concerto fut créé le à Philadelphie, avec le compositeur au piano et l'Orchestre de Philadelphie dirigé par Leopold Stokowski. Après une seconde performance le, Rachmaninov joua l'œuvre à New York le, toujours avec les "Trois Chansons russes" pour chœur et orchestre. Le verdict de la critique est toujours le même : les "Trois Chansons russes" sont bien accueillies mais pas le concerto.

Réception de l'œuvre.

Partout les critiques sont acerbes, au point que Rachmaninov n'en avait pas reçu de telles depuis la création de sa "Première Symphonie" en 1897. Ce ne fut pas une surprise, et encore moins pour le compositeur lui-même. Ce phénomène est comparable aux accueils des dernières œuvres de Debussy, Fauré ou Roussel. Ces hommes, comme Rachmaninov, avaient été alors pointés du doigt pour leur côté conservateur. Chacun a développé son style alors que les critiques considéraient cela plutôt comme un appauvrissement de leur langage. Le "Troisième Concerto" a bien d'abord été rejeté pour ne pas avoir été une copie du deuxième! Ensemble, ces deux concertos donnent l'impression d'une forme de composition que Rachmaninov n'avait pas envie de délaisser.  La modernité de ce concerto ne vient pas du nombre important de dissonances par rapport à ses deux prédécesseurs mais de son.

Critiques de l'époque.

Le "Quatrième concerto" est créé le sous la direction de Leopold Stokowski avec Rachmaninov au piano. Il connaît un accueil désastreux, à peine tempéré par le succès des "Trois Chansons russes" op. 41 créées le même soir. Voici un aperçu des critiques de l'époque :

Seconde version.

Rachmaninov se découragea du manque de succès du "Quatrième Concerto", et de la version originale et de la version révisée. Après les premières représentations, Rachmaninov a fait des coupures, réduit le premier mouvement de 367 à 346 mesures et le finale de 567 à 476 ; le "Largo" central est le mouvement le moins retouché. Le concerto entier passe ainsi de 1016 à 902 mesures ; c'est cette version qui fut publiée en 1928 par la maison d'édition du compositeur TAIR, à Paris. La nouvelle version fut jouée plusieurs fois en Grande-Bretagne en 1929 puis dans l'Europe entière la même année. Les nouvelles représentations n'obtinrent pas plus de succès que les premières ; Rachmaninov, encore plus découragé, retira le concerto le temps de le réviser une nouvelle fois.  Les pianistes Vladimir Ashkenazy, Leslie Howard, Ievgueni Sudbine, ainsi que le biographe Max Harrison, ont avancé que tout comme pour la "Seconde Sonate", Rachmaninov était satisfait de la première version du "Quatrième Concerto". Ils trouvent décevant qu'il ait cédé à l'opinion adverse, appauvrissant une œuvre auparavant pleine de force. Pendant que ces révisions impliquaient une volonté excessive de se compromettre, la motivation de faire ces changements suscite l'incompréhension. Rachmaninov lui-même n'aurait peut-être pas simplement compris la nature de cette œuvre, même une fois créée. En revanche, le musicologue Geoffrey Norris avance que Rachmaninov n'est pas allé assez loin dans ses révisions ; les avis sont donc mitigés sur la pertinence de la révision du "Quatrième Concerto pour piano".

Révision.

Bien que Rachmaninov ait voulu revoir le "Quatrième Concerto" après avoir terminé la "Troisième Symphonie", il recula la révision de la partition à 1941, soit près de vingt-cinq ans après en avoir commencé l'écriture. C'est de cette façon que le "Quatrième Concerto" est devenue la dernière composition sur laquelle Rachmaninov ait travaillé : il en révisa l'orchestration, simplifia l'écriture pianistique du "Largo" central, et revit minutieusement le finale. Il fit d'autres coupures, en plus de celles déjà effectuées en 1928. Ainsi, le premier mouvement passa de 346 à 313 mesures, le deuxième de 80 à 77 et le dernier de 476 à 434. Depuis la première version, le concerto a ainsi perdu près de deux cents mesures. Remaniée, l'œuvre ; c'est cette version que Rachmaninov enregistra le avec l'Orchestre de Philadelphie dirigé par Eugène Ormandy.  Ormandy et Rachmaninov ont rejoué le "Quatrième Concerto" avec la "Deuxième Symphonie". Rachmaninov, toujours insatisfait, revit l'orchestration et, quelques jours avant l'enregistrement, se plaignit de ne pas avoir eu le temps de réorchestrer l'œuvre comme il l'aurait voulu. Plusieurs de ces modifications sont absentes de la partition ; cependant, elles ont été prises en compte dans les enregistrements d'autres pianistes comme Vladimir Ashkenazy ou Earl Wild qui ont étudié celui du compositeur lui-même.  Quoique l'on puisse penser de la version de 1941, des ornementations et des éléments de rhétorique en ont été retirés. En outre, le soliste doit être encore plus impliqué que dans certaines parties du "Troisième Concerto". Le finale est un excellent exemple pour témoigner de la qualité architecturale du rythme de cette œuvre ; ces deux éléments montrent l'immense virtuosité du dernier mouvement, mais cette virtuosité est loin d'avoir été écrite pour plaire au public.  Peu avant sa mort, Rachmaninov s'était engagé dans la transcription du "Finale" pour deux pianos ; à la demande de sa femme, désormais veuve, c'est Robert Russell Bennett qui en acheva la réduction.

Redécouverte du manuscrit de la version originale.

En 2000, la Rachmaninoff Estate a autorisé Boosey & Hawkes, avec l'assistance des experts Robert Threlfall et Leslie Howard, à publier le manuscrit sans coupures de 1926. Ondine records a enregistré l'œuvre avec Alexander Ghindin et l'Orchestre philharmonique d'Helsinki dirigé par Vladimir Ashkenazy. La publication du manuscrit original suscita beaucoup d'intérêt car la révision de la "Seconde Sonate". Dans les œuvres qu'il revit, Rachmaninov ôta beaucoup de passages pour peu en rajouter. La possibilité de lire le manuscrit du "Quatrième Concerto" permet donc de voir ce que le compositeur avait en tête lorsqu'il le commença.

Analyse de l'œuvre.

L'orchestration donnée ci-contre est celle de la troisième version de 1941.  Comparé à ses prédécesseurs, le "Quatrième concerto" comprend des éléments thématiques avec un raffinement des textures au piano et dans l'orchestre. Cela fait partie de l'évolution du langage de Rachmaninov : les orchestrations du troisième concerto et de la nouvelle version du premier sont moins complexes que celle du deuxième.  Rachmaninov avait déjà utilisé de courts motifs thématiques et des motifs rythmiques forts dans les "Préludes op. 32" ; ce raffinement du langage en particulier dans l'orchestration remonte à l'époque des "Cloches" et s'entend déjà dans la "Résurrection de Lazare".

" Allegro vivace (Alla breve) ".

Ce premier mouvement marqué "Allegro vivace (Alla breve)" est selon certains de forme sonate. C'est l'orchestre qui ouvre le concerto avec un thème ascendant et vigoureux (A1) ; le piano répond avec un autre thème marqué "pesante" (A2), accompagné parcimonieusement par l'orchestre. Ensuite, le piano expose le thème B, dérivé de A2, quand soudain surgit un dramatique solo de flûte (m. 53). Plus loin apparaît le thème C joué par un cor (m. 71), puis repris par le piano (m. 77). Poétique et très mélodique, il se termine par des ornements chopinesques. Une brève rafale marquée "veloce" permet la transition avec la partie D. Partie de transition elle aussi, le piano parcourt le mode lydien à partir de sol bémol (m. 112). La partie E, retournant au tempo de départ ("alla breve") est jouée par l'orchestre accompagné par les ornements du piano. Elle commence mesure 113. Le thème, d'abord présenté en sol mineur, est ré-exposé mesure 124 en fa mineur. Plus tard, une échelle ascendante commençant dans les graves du piano notée "a tempo meno mosso e poco a poco accelerando" montre que la partie E prépare une récapitulation ; basé sur la figure montante de A2, le "crescendo" sur un "tempo rubato" mesure 196 avec le retour du thème E. S'ensuit la partie F qui consiste en deux sections, F1 (m. 202) puis F2 (m. 210). F1 est un passage virtuose pour le piano montrant l'oscillation entre un accord de tonique et une sixte napolitaine. Un soudain changement de mode se produit mesure 214, avec une référence à la figure A2 (m. 216-218). Le beau thème ondulant de la partie C réapparaît mesure 220, accompagné par des arpèges au piano. C'est ensuite au tour de la partie F de refaire son apparition mesure 227, avec un changement de mode mesure 231. La flûte rejoue le thème C, cette fois en fa dièse mineur (m. 235).

Influences.

Musique moderne.

Si Rachmaninov n'aimait pas ses contemporains, il était néanmoins averti des découvertes de Bartók, Hindemith, Stravinsky, Schönberg et du Groupe des Six. En 1916, peu avant la Révolution d'Octobre, le critique russe Leonid Sabaneïev a noté une évolution dans le style de Rachmaninov après l'audition de huit "Études-Tableaux" op. 39 jouées par le compositeur lui-même :  D'autres critiques ont également remarqué une nouvelle angularité dans ce nouvel opus d'études-tableaux (le pianiste Sviatoslav Richter parle de ce qui influença l'écriture pianistique de Prokofiev) ; en 1915, Rachmaninov a donné des récitals Scriabine à la mémoire de son rival : il est évident que sa musique l'a beaucoup influencée.

Jazz.

Mais c'est surtout l'influence du jazz que l'on ressent dans le "Quatrième Concerto", en particulier celle de la "Rhapsody in Blue", un concerto pour piano et orchestre de Gershwin datant de 1924, soit quelques années avant que Rachmaninov finisse le sien. Lorsqu'on parle des liens qu'avait Rachmaninov avec le jazz, on est obligé de mentionner sa présence à la première de la "Rhapsody in Blue" le. C'était aussi un fervent fidèle des orchestres de jazz de Fletcher Henderson, Duke Ellington et Paul Whiteman, dont il achète régulièrement les disques. Très amateur de pianiste de jazz comme Eddy Duchin, on prétend même qu'il a composé des fox-trots - tout comme Chostakovitch.

Discographie sélective.

Enregistrement du compositeur.

Rachmaninov lui-même a enregistré le "Quatrième Concerto" dans son ultime révision le, avec l'Orchestre de Philadelphie dirigé par Eugène Ormandy.

Version de 1928.

Il existe également un enregistrement du troisième mouvement seul, par Mikhail Rudy et l'Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg dirigé par Mariss Jansons. Par ailleurs, il existe deux versions non commerciales conservées aux Archives internationales de piano de l'Université du Maryland : un concert du avec le pianiste Gunnar Johansen et le Louisville Orchestra dirigé par Jorge Mester à Indianapolis dans le cadre du Festival de musique romantique de l'université Butler ; l'autre est un enregistrement du réalisé à la Radio City Music Hall par Henrietta Schumann et le Radio City Orchestra dirigé par Erno Rapee, apparemment le premier enregistrement de l'œuvre, avant celui par le compositeur en 1941. L'enregistrement de Henrietta Schumann comprend cinq faces de trois disques 78 tours qui ont été adaptés au format CD par les Archives internationales de piano de Maryland, qui ont profité de l'occasion pour réduire les craquements et corriger la hauteur de lecture. Certaines parties du concerto ont disparu à cause des anciennes techniques d'enregistrement.

Le Concerto pour piano en sol mineur, 40, est le quatrième et dernier concerto pour piano et orchestre de Sergueï Rachmaninov. Écrit en 1926 aux États-Unis mais déjà commencé en Russie avant la Révolution d'Octobre, la partition a été reprise par le compositeur en 1928, puis en 1941 : jugé trop long par Rachmaninov à la lecture du conducteur, il l'amputera d'une centaine de mesures, ce qui nuira certainement à l'unité de l'œuvre. Elle est dédicacée au compositeur et pianiste russe Nikolaï Medtner.


Carrière de joueur.

Après avoir vu ses oncles Hec, Wally et Ken Kilrea atteindre la Ligue nationale de hockey, jouant tous trois pour les Red Wings de Détroit entre 1936 et 1938, Brian Kilrea décide de suivre leurs pas et se découvre rapidement des talents de hockeyeur.  Complétant son parcours junior avec les Tiger Cubs de Hamilton de l'Association de hockey de l'Ontario, il rejoint en 1955 les Bruins de Troy de la Ligue internationale de hockey pour qui il évolue durant trois saisons. Au cours de la dernière année, il rejoint pour une rencontre les Red Wings de Détroit.  De retour pour une dernière année avec les Bruins, il se démarque en inscrivant 33 buts, et ses 93 points obtenus au cours de cette saison lui valent d'obtenir une nomination dans la deuxième équipe d'étoiles de la ligue. Poursuivant sa carrière avec les Indians de Springfield de la Ligue américaine de hockey pour lesquels il joue de 1959 à 1967 et où il obtient pas moins de six saisons de 20 buts ou plus, il aide les Indians à remporter trois Coupe Calder consécutives, soit de 1960 à 1962.  En, alors que ses droits sont transférés à la nouvelle équipe d'expansion des Kings de Los Angeles, Kilrea effectue un retour dans la LNH et inscrit non seulement son premier but dans la ligue, mais également le premier de l'histoire des Kings.  Après un périple de 25 rencontres avec les Kings, il retourne au niveau mineur pour deux saisons avant d'annoncer son retrait de la compétition en tant que joueur.  En 2018, il est intronisé au Temple de la renommée de la LAH.

Carrière d'entraîneur.

À la suite de sa retraite, il débute en tant qu'entraîneur-chef au niveau amateur avant d'accepter en 1974 le poste d'entraîneur des 67 d'Ottawa de la Ligue de hockey de l'Ontario.  Il remporte avec ces derniers une première Coupe Memorial en 1984. Il agit ensuite en tant qu'entraîneur-adjoint de Al Arbour chez les Islanders de New York, et ce pour les deux saisons qui suivent. Il ne quitte pas pour autant son poste avec les 67 et dirige ceux-ci jusqu'en 1994.  Il doit cependant délaisser son poste d'entraîneur-chef pour la saison 1994-1995 après avoir connu des problèmes cardiaques. Il s'en tient alors pour cette saison à un poste de dépisteur mais revient dès la saison suivante derrière le banc d'Ottawa, obtenant du même coup le poste de directeur-général de l'équipe. Il la guide jusqu'à une deuxième coupe Memorial en 1999, après être devenu le l'entraîneur junior canadien ayant obtenu le plus grand nombre de victoires alors que son équipe l'emporte par la marque de 6 à 0 sur les Centennials de North Bay. Sa le fait alors dépasser l'ancienne marque détenue par l'ancien entraîneur des Winter Hawks de Portland Ken Hodge.  Après avoir inscrit sa victoire dans la Ligue canadienne de hockey en 2002-2003, il est intronisé moins d'un mois plus tard au Temple de la renommée du hockey en tant que bâtisseur. Il se retire en tant qu'entraîneur-chef des 67 d'Ottawa après la saison 2008-2009 mais conserve son poste de directeur-général de l'organisation.

Brian Kilrea (né le à Ottawa, dans la province de l'Ontario au Canada) est un joueur professionnel retraité de hockey sur glace, il fut entraîneur-chef durant plus de trente ans et a également agit comme directeur-général des 67 d'Ottawa de la Ligue de hockey de l'Ontario. Kilrea fait toujours partie de l'organisation et agit maintenant comme consultant avec les 67's d'Ottawa.


Biographie.

Jeunesse.

Nicolas Ghuiselev est né le, à Pavlikeni (Bulgarie).  Son père, Nikolai Ghiuselev, jardinier de profession, était un virtuose du violon. Autodidacte, il fabriquait lui-même ses instruments de musique. Sa mère, Elisaveta (Elisabeth), était couturière. Mais dans sa jeunesse elle participait à des troupes de théâtre amateur. Nicolas Ghuiselev commence à chanter dès son plus jeune âge. Son intérêt pour l'opéra se manifeste vers l'âge de 15 ans,.  En 1954, il termine ses études secondaires à Sofia. Quatre ans plus tard, il est diplômé de l'Académie Nationale des Beaux Arts avec spécialité « peinture » (sa deuxième passion).  En 1955, il commence à étudier le chant lyrique sous la direction d'Ilia Iossifov (ténor). En 1960, c'est le baryton Christo Brambarov qui devient son professeur.  Pendant ses études universitaires, il est soliste de la "Chorale académique Georgi Dimitrov" ainsi que de l"'Ensemble de chants et danses" auprès du Ministère de l'Intérieur.

Carrière.

En 1960 il est stagiaire, ensuite titulaire à l’Opéra national à Sofia, où il débute le, avec le rôle de Timur, dans l’opéra Turandot, de Giacomo Puccini.  On peut considérer l'année 1965 comme l'année-clé de sa carrière internationale : tournée européenne (Allemagne, Pays-Bas, France), avec l'Opéra de Sofia, suivie par des représentations au Metropolitan Opera à New York (Ramphis dans Aida, de Verdi), le rôle de Philippe II dans Don Carlo ainsi que le rôle-titre de Boris Godounov).  En deux saisons au Metropolitan Opera, il chante Raimondo dans Lucia di Lammermoor, le Commandeur dans Don Giovanni et Colline dans La Bohème. En 1973, à Téhéran, le destin croise son chemin avec celui de son idole, Edmond Kossowski. Cette fois-ci, Ghuiselev joue le rôle de Boris Godounov et Kossowski, celui de Pimène.

Famille.

Nicola Ghiuselev est marié avec l’actrice Anna-Maria Ghuiseleva depuis 1984. Ils ont une fille - Adriana (1985).  Lui et son ex-femme Roumiana (Румяна), divorcés en 1973, ont deux fils, les artistes peintres et illustrateurs Chavdar Ghiuselev et Iassen Ghiuselev.

Nicolas (Nikola) Ghiuselev (en bulgare : ) est un chanteur d'opéra (basse) bulgare, né le à Pavlikeni (Bulgarie) et mort le.


Biographie.

Carrière de joueur.

Après avoir débuté au niveau junior avec les Dodgers de Saskatoon de la Ligue de hockey junior de la Saskatchewan, il rejoint les Quakers de Saskatoon et passe au niveau sénior avant de se retrouver avec la Navy de Toronto puis la Navy de Winnipeg lors de la Seconde Guerre mondiale.  Au terme de la guerre, Laycoe fait ses débuts dans la Ligue nationale de hockey avec les Rangers de New York en 1945-1946. Il reste avec ces derniers durant deux saisons avant de passer à l'été 1947 aux mains des Canadiens de Montréal pour qui il évolue durant trois saisons.  Échangé aux Bruins de Boston en 1951, il reste avec eux durant les six saisons suivantes, aidant les Bruins à atteindre la finale de la Coupe Stanley en 1953. Le, sa bagarre avec Maurice Richard est le déclencheur de l'émeute du 17 mars suivant.  À la suite de ses années avec les Bruins, il annonce son retrait de la compétition en tant que joueur.

Carrière d'entraîneur.

À la suite de son retrait en tant que joueur, il accepte le poste d'entraîneur-chef des Royals de New Westminster de la Western Hockey League, poste qu'il conserve jusqu'en 1959. Il quitte l'organisation lorsque celle-ci est transférée vers Victoria.  Il se joint au Buckaroos de Portland en 1960 et reste avec ses derniers durant les neuf saisons suivantes, guidant l'équipe au championnat de la WHL en 1965.  En 1969-1970, il débute comme entraîneur-chef dans la LNH avec les Kings de Los Angeles, cependant les insuccès de l'équipe lui coûtent son poste après seulement 24 parties. La saison suivante, il rejoint les Canucks de Vancouver qu'il dirige durant deux saisons avant de prendre sa retraite en 1972.

Harold Richardson Laycoe (né le à Sutherland, dans la province de la Saskatchewan au Canada — mort le ) est un joueur professionnel puis un entraîneur de hockey sur glace.


Biographie.

Né en 1949 dans la région de Kampala dans une famille de 13 enfants de clan Mbogo, John Tucker Mugabi Sentamu entreprend des études de droit. Il est diplômé de l'université Makerere de Kampala en 1971. Il exerce comme avocat, mais aussi comme juge pour la "High Court of Uganda". Il quitte son pays en 1974 pour fuir le régime d'Idi Amin Dada.  Il entreprend ensuite des études de théologie au "Selwyn College" de l'université de Cambridge qui aboutiront à l'obtention d'un doctorat en 1984. Au cours de ces études, il suit également une formation au "Ridley Hall" de Cambridge, et il est ordonné diacre puis prêtre en 1979.  Il est nommé évêque de Stepney (suffragant de Londres) en 1996, sa consécration épiscopale a lieu le dans la cathédrale Saint-Paul. Il devient évêque de Birmingham en 2002, archevêque d'York en 2005. Cela fait de lui le premier archevêque noir de l'histoire de l'Église d'Angleterre.

Prises de position.

Sur le racisme et le multiculturalisme.

John Sentamu intervient à plusieurs reprises sur les questions de violences liées au racisme. De 1997 à 1999 il est ainsi conseiller dans l'affaire du meurtre de Stephen Lawrence. En 2002, il dirige une commission qui examine la façon dont le procès pour le meurtre de Damilola Taylor s'est déroulé.  En 2000, John Sentamu met en cause la City of London Police après qu'un officier l'a arrêté pour un contrôle, sans respecter la procédure prévue : avoir une justification raisonnable à l'arrestation et en faire état. L'évêque de Stepney souligne que c'est la huitième fois en huit ans qu'il se fait contrôler de la sorte, et que cela n'est arrivé à aucun évêque blanc de l'Église d'Angleterre.  En, peu avant la cérémonie d'installation comme archevêque d'York, John Sentamu s'élève contre une mauvaise compréhension du multiculturalisme qui passerait par l'étouffement de l'expression de la culture majoritaire ; il appelle notamment les Anglais à redécouvrir leur identité culturelle et à fêter dignement la Saint Georges. Il dénonce aussi les lois anti-terroristes du gouvernement comme exagérément dures.

Sur le mariage homosexuel.

En, John Sentamu s'oppose frontalement au projet d'introduction du mariage homosexuel dans la législation britannique : L'archevêque prédit une grave rébellion contre la mesure gouvernementale : pour lui, cette proposition est inacceptable car elle vise à changer le sens des mots, tandis que le débat aurait été possible s'il s'était agi de l'extension des. Il ajoute que ce débat doit pouvoir se tenir sans être accusé a priori de diminuer, condamner, critiquer, les relations homosexuelles. Plusieurs dignitaires de l'Église d'Angleterre manifestent leur désaccord avec la prise de position de l'archevêque d'York.

John Tucker Mugabi Sentamu est un archevêque anglican, né le en Ouganda. Il est le archevêque d’York, depuis le, et par conséquent également archevêque métropolitain de la Province d’York, primat d’Angleterre et membre de la Chambre des lords.


Description.

Il apparaît que la principale source d'inspiration des bâtisseurs de la cathédrale de Famagouste est la cathédrale Notre-Dame de Reims (1211-1275) en tant que lieu de couronnement des rois de France, alors que Saint-Nicolas est destinée à accueillir la cérémonie de couronnement des Lusignan, rois de Jérusalem. Certains détails, particulièrement le chevet, rappellent aussi la basilique Saint-Urbain de Troyes (1265) qui est un exemple de style gothique plus avancé et gracieux. La façade ouest est typique du gothique français. Le style de l'édifice est très homogène, à l'exception de quatre chapelles ajoutées sur les bas-côtés à une époque postérieure et du minaret construit sur l'une des tours après la transformation de l'édifice en mosquée. Les têtes humaines et d'animaux de la plus grande partie des sculptures ont été détruites, mais quelques-unes subsistent dans les parties les plus inaccessibles.

Histoire.

La dynastie française des Lusignan règne sur Chypre entre 1190 et 1489 : elle y diffuse l'architecture gothique de style français.  Il semble que la construction de la cathédrale ait débuté vers 1300, à l'instigation d'Isabelle de Lusignan qui fit à cet effet une donation de cinq besants. Une inscription datée de 1311 gravée dans un contrefort à proximité de la porte sud porte la signature de l'évêque Baldwin Lambert, ce qui indique que les fonds alloués à la construction ont été épuisés et que le chantier a repris sous ses ordres. Selon l'inscription, les chapelles absidiales sont terminées, ainsi que deux travées des bas-côtés, mais que ni la nef, ni le chœur ne sont couverts. La construction est achevée durant la première moitié du, comme le confirme l'unité du style gothique caractéristique de cette période. Saint-Nicolas sert au couronnement des Lusignan en tant que rois de Jérusalem. Au fil du temps, l'édifice a été touché par plusieurs tremblements de terre.  En 1570, les deux tours sont endommagées durant les bombardements des forces ottomanes, lors du Siège de Famagouste. La cathédrale devient mosquée en 1571, après la victoire ottomane. En raison de la tradition iconoclaste de l'islam sunnite, la plupart des têtes humaines et d'animaux ornant l'édifice ont été détruites. Plus tard, la mosquée a été surmontée d'un minaret. Depuis cette époque, et jusqu'à la prise de possession de Chypre par les Britanniques en 1878, l'entrée de l'édifice était interdite aux chrétiens.  Durant la Seconde Guerre mondiale, les constructions de Famagouste ont été touchées par les vibrations causées par l'explosion de grenades anti-sous-marine et par des tirs de lutte antiaérienne, mais l'édifice a bien résisté.

La mosquée Lala Mustapha Pacha () antérieurement connue sous le nom de cathédrale Saint-Nicolas est l'édifice médiéval le plus important de Famagouste, en Chypre du Nord. Construite au début du dans un style gothique classique alors que l'île est sous la domination de la Maison de Lusignan, une famille d'origine française, la cathédrale est transformée en mosquée après la capture de Famagouste par l'Empire ottoman en 1571, fonction qu'elle a encore de nos jours. Elle porte le nom de Lala Mustafa Pacha, le conquérant de l'île.


Prix Locus de la meilleure nouvelle longue

Origines.

Fils d'une mère célibataire pédi, domestique vivant dans le township de Seshego au nord-ouest de Pietersburg, Julius Sello Malema, né le, adhère à l'âge de neuf ans aux Masupatsela, le mouvement des pionniers du Congrès national africain. Selon Malema, sa principale activité est alors de retirer les affiches électorales du Parti national.

Carrière politique.

À l'âge de quatorze ans, Julius Malema entre à la ligue de jeunesse du Congrès national africain (ANCYL) et reçoit une formation militaire. Parallèlement, ses résultats scolaires sont très mauvais et deviendront un sujet de polémiques quelques années plus tard.  En 1995, Malema est élu chef de la branche régionale de la ligue à Seshego et président régional. En 1997, il devient président provincial du "" (COSAS) avant d'en devenir, en 2001, le président national.  Président de l'ANCYL depuis, comme le fut autrefois Nelson Mandela, il se fait rapidement remarquer durant la guerre de succession à la tête de l'ANC menée entre Thabo Mbeki, le président de la République et chef de l'ANC en titre, et son adversaire, Jacob Zuma, ancien vice-président. Soutien inconditionnel de Jacob Zuma, Julius Malema affirme alors être « prêt à prendre les armes et à tuer » pour Zuma tandis que ses partisans traitaient Thabo Mbeki de « chien qu'il fallait tuer ». Prenant la défense de Zuma quand celui-ci avait été inculpé pour viol, Malema avait notamment affirmé que la victime avait ce qui lui vaudra d'être condamné à présenter des excuses publiques et à payer (environ ) à un centre d'aide aux femmes battues.  Il multiplie les provocations, ne respectant ni la loi ni ses aînés (Desmond Tutu qu'il envoie à la retraite), ni ses adversaires politiques. Malema multiplie aussi les déclarations à connotations racistes. Ainsi il qualifie Helen Zille, chef de l'opposition libérale, de « raciste » et d'avoir une « tête d’espionne de l’apartheid » et les chefs du Congrès du peuple (Cope) d'être des « traîtres » à la solde des impérialistes.  Après avoir été mis en cause indirectement dans l'assassinat d'Eugène Terre'Blanche en pour avoir de nombreuses fois repris le chant anti-apartheid et anti-Boer "Dubula ibhunu", il vante au Zimbabwe la politique de réforme agraire du président Robert Mugabe dont il partage la rhétorique du complot néocolonialiste. Durant une conférence de presse, il estime ainsi la politique agraire menée au Zimbabwe de « courageuse, correcte et réussie » et critique les leaders du Mouvement pour le changement démocratique, le parti d'opposition zimbabwéen, notamment pour le fait que plusieurs d'entre eux travaillent à Sandton, le quartier d'affaires huppé de Johannesburg. Lorsque Jonah Fisher, un journaliste blanc de la BBC, lui a fait remarquer qu'il avait sa résidence à Sandton, Julius Malema s'en est pris au journaliste, le qualifiant de « bâtard » doté d’une « tendance de Blanc [...] à attaquer les Noirs » avant de l’expulser sous les injures tels « Salaud, dehors, putain d'agent ».  À la suite de ces derniers événements et estimant que les déclarations incendiaires de Malema participent à l'entretien des tensions raciales dans le pays, Jacob Zuma désavoue son jeune protégé déclarant que l’Ancyl avait adopté. Prenant connaissance du discours de Zuma, Julius Malema se dit alors choqué par les commentaires publics du président à son égard, affirmant que Thabo Mbeki ne l'avait jamais traité de cette façon en public.

L'affaire de la chanson "".

En 2009, Malema réactive "Dubula ibhunu", un chant traditionnel de l'époque où l'ANC luttait contre l'apartheid et qui appelait à « tuer les Boers parce que ce sont des violeurs ». Les Boers désignent en Afrique du Sud les fermiers blancs afrikaners. La réactivation de cette chanson, plus communément désigné comme le chant ', intervient dans un contexte où, selon Agri SA la plus importante union d'exploitants agricoles, deux fermiers sont tués chaque semaine en Afrique du Sud, un pays où cinquante personnes sont assassinées chaque jour et qui totalise et de fermiers depuis 1991. Selon les partisans de Malema, parmi lesquels il peut compter sur le soutien de Winnie Mandela, ce chant est inoffensif, appartient à l'histoire du pays et ne vise personne en particulier (car les Boers ne sont pas des personnes selon eux) mis à part le système de l'apartheid. Perçue comme une chanson raciste et appelant à la haine et au meurtre, la chanson "Dubula ibhunu" sera déclarée contraire à la Constitution par la justice sud-africaine en sans pour autant que Malema accepte le jugement. L'ANC annonce alors qu'elle fera appel de ce jugement.  Poursuivi devant un tribunal de Johannesburg par des organisations civiles afrikaners comme AfriForum et le (TAU), Julius Malema est reconnu coupable d'incitation à la haine pour avoir repris dans ses meetings cette chanson de la lutte anti-apartheid et est condamné à payer une partie des frais de justice. Il accuse alors la Cour de « racisme » à son égard. Le, le Congrès national africain annonce qu'il fait appel contre ce jugement interdisant le chant contesté.

Procédure disciplinaire au sein de l'ANC.

Le, la secrétaire générale de l’ANC, Thandi Modise, annonce que Malema va faire l’objet d’une procédure disciplinaire. Il risque au pire l'exclusion du parti mais il est peu probable que cette sanction soit prononcée. En, la commission disciplinaire de l'ANC condamne Malema à verser une amende et à s'excuser pour avoir notamment apporté son soutien à la politique de Robert Mugabe au Zimbabwe, sapant alors les efforts de médiation politique de Jacob Zuma.  Malema continue néanmoins à faire des déclarations polémiques et racialement diffamatoires, déclarant que les Blancs ont, que ce ou remettant en cause la politique de Jacob Zuma et l'autorité de celui-ci sur le parti. Ainsi, après avoir défendu la politique d'expropriation des terres des Blancs du Zimbabwe, il propose de nationaliser les mines sud-africaines et exproprier sans indemnisation les fermiers blancs sud-africains. Il déclare qu'il faut du Botswana, attribuant au président Ian Khama le qualificatif de pour le fait d'abriter Africom, le commandement militaire américain opérationnel en Afrique et pour avoir affirmé que Julius Malema était un. Contestant l’intervention de l’Otan en Libye, il qualifie les Américains d'. Ces déclarations prennent alors place au sein d'un ensemble de discours des chefs de la Ligue des jeunes de l’ANC qui remettent en cause l'autorité de la direction de l'ANC et du gouvernement sud-africain ou qui prennent à partie des journalistes appartenant aux minorités visibles blanches et indiennes. Selon une journaliste sud-africaine, Malema détient un fonds familial, le, enregistré au nom de son fils de cinq ans, et financé par des fonds secret provenant de commissions touchées illégalement sur des marchés publics octroyés par la province du Limpopo.  Il comparait pour insubordination devant la commission disciplinaire de l'ANC en août et, notamment pour et pour, il risque d'être suspendu, voire exclu du parti. Lors de son audition devant la commission disciplinaire, ses partisans s'en prennent à la police, blessent des journalistes et brûlent un drapeau de l’ANC et des t-shirts et portraits à l'effigie du président Jacob Zuma. Le, la commission rejette tous les arguments de Julius Malema visant à obtenir l'abandon des charges retenues contre lui.  Le 10 septembre, à l'occasion du de la Ligue de jeunesse de l'ANC, Julius Malema s'en prend de nouveau à la minorité blanche lui promettant, de et traite les fermiers blancs de qui ont volé la terre [celle des populations noires d'Afrique du Sud].  Le, la commission de discipline du parti rend sa décision et suspend Julius Malema pour cinq ans pour avoir semé la division au sein de l'ANC, défié ses dirigeants nationaux et porté atteinte à l'image du parti. La Commission ne retient cependant pas contre lui la charge d'incitation à la haine raciale. Il est exclu du mouvement de jeunesse de l'ANC le. En revanche, il n'a pas été reconnu coupable par la commission de propager « racisme et intolérance politique » et ce malgré ses propos racistes antiblanc répétés.  Début, il déclare vouloir faire tomber le maire de Port Elizabeth parce qu'il est « un homme blanc ». « On coupe les têtes de la blancheur » estime-t-il.

Enrichissement personnel.

Julius Malema a été accusé d'enrichissement personnel et mis en cause dans une affaire portant sur le détournement de millions de fonds publics ; il a fait l'objet d'une enquête policière mais nie ces accusations.

Combattants pour la liberté économique.

À la suite de son exclusion de l'ANC en 2012, il fonde un nouveau parti qui se revendique anticapitaliste et panafricaniste, les Combattants pour la liberté économique, basé sur l'expropriation des terres et la nationalisation des mines sans compensation. Aux élections générales sud-africaines de 2014, EFF obtient 6,4 % des voix et devient le troisième parti du pays.  En, dans une interview accordée à Al Jazeera, Julius Malema annonce qu'il n’excluait pas d’avoir recours à la violence pour renverser le gouvernement, ce qui amène l'ANC à porter plainte contre lui pour trahison. Ces déclarations interviennent dans un contexte politique tendu marqué par des demandes récurrentes de l'opposition visant à obtenir la démission ou la déchéance du président Zuma, ce dernier ayant été déclaré coupable par la justice d’avoir violé la Constitution en refusant de rembourser partiellement les millions de rands d’argent public utilisés pour rénover sa résidence privée.

Julius Sello Malema, né le à Seshego, dans l'ancien bantoustan du Lebowa (situé dans l'actuelle province du Limpopo) est un homme politique sud-africain. Membre des pionniers du Congrès national africain (ANC) dès 1990, il devient président de la ligue de jeunesse du Congrès national africain (ANCYL) en 2008. Connu pour ses propos et ses discours appelant à la violence contre les Blancs sud-africains, il finit par s'aliéner les instances de l'ANC dont il est exclu en 2012. En 2013, il fonde son propre parti politique.


Répartition.

Cette espèce est endémique d'Australie. Elle se rencontre au Queensland et en Nouvelle-Galles du Sud.

Biologie.

L'espèce à une queue semi-préhensile, des doigts longs avec des griffes développées permettant le mode de vie arboricole. La robe des juvénile est bronze marbrée de marron foncé, évoluant vers l'argent ou le bronze légèrement marqué à fortement tacheté une fois adulte. À la naissance la langue est noire, et évolue vers le violet puis le rose, tout comme la couleur des muqueuses buccale. Le dimorphisme mâle/femelle est peu marqué, mais les spécimens mâles adultes ont des têtes plus larges et démarqués du cou que les femelles. La taille adulte est située entre 40 et 45 cm, dont plus de la moitié pour la queue.

Écologie.

L'espèce occupe les zones boisées, aussi bien sous le substrat (humus, tapis de feuilles), que dans les bosquets ou arbres où il observe son environnement. La chasse l'emmène à évoluer au sol, où elle choisira souvent un mode de déplacement proche de la reptation, aidée par ses pattes avant. "C. gerrardii" se nourrit principalement d'escargots et mollusques, ses puissantes molaires l'aidant à facilement briser les coquilles. Mais il est aussi très opportuniste, se nourrissant de cadavres, insectes, petits mammifères et quelques végétaux. Il habite aussi les lieux urbains où il devient commun, et ira volontiers se nourrir dans les gamelles de chiens et chats. En hiver, l'espèce ralentit et passe à une phase dite de brumation/hivernation, après laquelle la saison de reproduction débute.

Reproduction.

Après l'hivernation, lors de la remontée des températures, le mâle cherche activement les femelles. Si la femelle est réceptive, le mâle ira mordre les flancs ou la nuque de la femelle afin de s'accrocher, le coït durant quelques courtes minutes. Après 90 à 180 jours (selon températures et paramètres environnementaux), la femelle donne naissance à une portée de 8 à 30 jeunes, le record enregistré en captivité étant de 58. Le temps de gestation moyen en captivité se situe entre 90 et 120 jours. Les jeunes naissent repliés, dans une poche percée par la mère si le petit ne la perce pas de lui-même. Dès la naissance, le juvénile se nourrira comme les parents. Les parents n'attaquent pas les jeunes, et les observations en captivité montre qu'ils laisseront les petits manger avec eux sans conflits. Le jeune met 18 à 24 mois à devenir mature sexuellement. Les mâles se battent entre eux en approchant de la maturité, mais ceux vivent très bien avec plusieurs femelles.

Taxinomie.

Le genre monotypique "Hemisphaeriodon" a été placé en synonymie avec "Cyclodomorphus".

Étymologie.

Cette espèce est nommée en l'honneur d'Edward Gerrard (1810-1910).

Cyclodomorphus gerrardii est une espèce de sauriens de la famille des Scincidae. Appelé communément Scinque à langue rose (en opposition aux Tiliqua, genre dont l'espèce a autrefois fait partie) ou scinque mangeur d'escargot. Ce scinque est semi-arboricole, occupant les zones boisées de l'est et sud-est australien. Il est paisible, peu agressif quand il est adulte.


Biographie.

Il est le fils d'Alexandre Coffinières, avoué à Castelnaudary dans l'Aude, et de Paule Adélaïde Marquier.  Grégoire Coffinières réussit en 1829 le concours d'entrée à l’École polytechnique,. Pendant qu'il est élève à l'École, il participe à la Révolution de juillet 1830. Il sort de l'École en 1831, classé sur 113 élèves, et choisit le Génie.  Il suit les cours de l’École d’application du Génie à Metz. À sa sortie, il est envoyé en Algérie. De retour en France en 1837, il y reste jusqu'en 1844, et participe alors à l’expédition du Maroc.  Nommé directeur du génie à Auch en 1845, Coffinières retourne en 1849 au Maroc. Il part ensuite en Argentine où il établit la première carte du bassin de la Plata en 1850 ; il est alors lieutenant-colonel, et dresse cette carte « d'après les documents recueillis sur les lieux et les meilleurs plans partiels de cette contrée ».  La guerre de Crimée a débuté en 1853 ; il y est envoyé en 1855, et participe au siège de Sébastopol. Il est nommé général de brigade.  Grégoire Coffinières succède en 1860 au général Charles Eblé au commandement de l’École polytechnique. Il y crée une chaire d’histoire, avec Victor Duruy comme premier titulaire. Coffinières commande l'École jusqu'en 1865. Il est jugé par certains « imbu du principe d'autorité », et ne se souciant pas de l'honneur des élèves.  Il est promu en 1865 général de division. Pendant la guerre de 1870, il est nommé commandant supérieur de la place de Metz. Sa conduite d'alors est controversée, il est accusé d'avoir livré la place sans s'être défendu ; il rejette sa responsabilité sur Bazaine, mais il était seul responsable de la place de Metz ; lorsque Bazaine est jugé pour trahison, le nom de Coffinières est bien souvent cité à son procès.  Coffinières est fait prisonnier et interné à Hambourg. Libéré après la guerre, il passe au cadre de réserve en 1876. Retraité en 1881, il est mort en 1887.  Par décret impérial du, Coffinières est autorisé à ajouter "de Nordeck", nom venant de sa famille maternelle, à son patronyme. Il était commandeur de la Légion d'honneur. Il est inhumé au cimetière de l'est de Castelnaudary où son tombeau est toujours visible.

Grégoire Gaspard Félix Coffinières, puis Coffinières de Nordeck, né le à Castelnaudary et décédé le à Paris, est un général de division français.


La tombe dite « de Philippe II ».

Aigai fut la première capitale du royaume de Macédoine, avant d'être supplantée par Pella. À Aigéai fut découverte une tombe à deux chambres : un vestibule et la chambre funéraire proprement dite. Elle est couverte d'une voûte en berceau et présente une façade uniquement décorative et sans lien structurel avec le reste du bâtiment. Dans le vestibule, on a trouvé un larnax abritant les restes d'une femme. Dans la chambre principale, un autre larnax contenait les restes d'un homme dont le crâne présente une blessure similaire à celle que Philippe II reçut à l'arcade sourcilière droite en 354 Des nombreux bijoux et objets précieux ont été découverts : outre les larnax en or ornés de l'étoile ou du symbole solaire dit « Soleil de Vergina », des armes (cuirasse, bouclier, cnémides, gorytos), une œnochoé en or, une couronne de feuilles de chêne en or, une couronne de myrte dorée, un diadème et des figurines sculptées en ivoire. Il convient de signaler que l'identification du défunt comme étant Philippe II a été contestée par certains chercheurs, qui préféraient y voir Philippe Arrhidée, le demi-frère d'Alexandre le Grand, qui lui succéda en 323 Cependant, la trace de blessure à l'arcade sourcilière, le fait que les cnémides trouvées dans l'antichambre sont de longueurs inégales semblent confirmer l'identification de Philippe II. Sur la façade, à la place du fronton, se déploie une frise de de haut à fond blanc (leukomenos pinax), caractéristique de l'art funéraire. Elle représente une scène de chasse royale dont le thème est récurrent dans toute l'Antiquité (Ninive) : dix chasseurs, dont trois à cheval, s'attaquent à quatre animaux (un lion, un sanglier, un ours, un cerf). On identifie le premier cavalier comme Philippe II et le deuxième comme son fils Alexandre, pour qui c'est une manière de revendiquer ses prétentions au trône. La composition paratactique de la scène alterne des lignes obliques, tantôt convergentes, tantôt divergentes, et des verticales, ce qui a pour effet d'élargir la scène, tout en concentrant le regard sur la scène centrale de la chasse au lion, gibier royal par excellence. La décoration de cette tombe, datée de 336 (année de la mort de Philippe II), serait une œuvre de jeunesse de Philoxène d'Érétrie.

Références.

4. à propos des sépultures de l'époque mycénienne : https://www.cairn.info/revue-archeologique-2005-2-page-227.htm

Le larnax (en grec ancien ) est, dans la Grèce antique, un petit cercueil, boîte ou récipient fréquemment utilisé pour recueillir des restes humains, soit une dépouille repliée sur elle-même, soit des cendres de crémation.


Historique de la description et appellations.

Inventeur et étymologie.

La botallackite a été décrite en 1865 par A.H. Church. Son nom lui vient de sa localité-type : la mine Botallack, dans les Cornouailles, en Angleterre.

Caractéristiques physico-chimiques.

Critères de détermination.

La botallackite se trouve le plus souvent sous forme de cristaux tabulaires ou aplatis entrelacés atteignant rarement plusieurs millimètres.

Variétés et mélanges.

Il existe une confusion possible : la botallackite peut contenir du zinc et alors se confondre avec la kapellasite, cependant, son rapport Zn/Cu n'atteint jamais celui de la kapellasite.

Cristallochimie.

La botallackite est un polymorphe de l'atacamite, de la clinoatacamite et de la paratacamite.  Elle fait partie du groupe de la clinoatacamite selon la classification de Strunz :

Cristallographie.

La distribution des longueurs de liaison dans les octaèdres et, quatre liaisons Cu-O courtes entre et et deux liaisons Cu-O et Cu-Cl plus longues entre et, est typique de l'effet Jahn-Teller rencontré dans les composés de Cu(II) et permet une description alternative de la structure en termes de groupes plans carrés.  Dans cette description, les groupes sont reliés par leurs arêtes et forment des chaînes planes le long de la direction "b", avec un angle de liaison Cu-O-Cu de 100,4°. Les groupes sont reliés par un sommet et forment des chaînes en zig-zag, également le long de la direction "b", avec un angle de liaison Cu-O-Cu de 105,6°. Les chaînes et, parallèles, sont reliées par deux sommets d'une arête d'un groupe, formant des triangles isocèles d'ions Cu.

Propriétés physiques.

La connaissance exacte de la configuration géométrique des porteurs de moment magnétique (ici, les ions Cu, de spin 1/2) dans un matériau est essentielle pour comprendre ses propriétés magnétiques. Dans les oxydes de Cu(II), les interactions magnétiques entre spins ont en général lieu par superéchange "via" les atomes d'oxygène, puisqu'il y a recouvrement des orbitales atomiques du cuivre et de l'oxygène. Les angles de liaison Cu-O-Cu jouent un rôle important dans la nature des interactions magnétiques. Comme les angles de liaison dans la botallackite sont supérieurs à 90°, les interactions le long des deux types de chaînes sont antiferromagnétiques. Cependant, la configuration triangulaire de spins entre les chaînes peut, selon la force des différentes interactions, entraîner une frustration magnétique, empêchant un ordre à longue distance des spins. Des mesures en température de la susceptibilité magnétique ont montré qu'en dessous de T =, la botallackite présente un système antiferromagnétique ordonné.

Gîtes et gisements.

Gîtologie et minéraux associés.

La botallackite se trouve dans les gisements cuprifères, dans les zones d'évaporation de l'eau de mer ou à forte concentration en chlore, c'est aussi un produit d'altération des sulfures des dépôts sous-marins des fumeurs noirs.  Minéraux associés :

La botallackite est une espèce minérale du groupe des halogénures et du sous-groupe des oxy-halogénures, de formule, pouvant contenir du zinc.


La naissance d'une industrie.

En France, sous l'Ancien régime, les activités de sidérurgie, de mine et de verrerie pouvaient être exercées en grand par des nobles sans déroger.  Vers 1760-80, le passage d'ateliers artisanaux de la petite métallurgie rurale à la dimension industrielle a donné naissance à des dynasties de maîtres de forges implantées dans les régions les plus propices à la production, où ces familles ont créé d'importantes cités industrielles.  Le contrôle de la production d'armement, dans une Europe occidentale en proie aux bouleversements de la fin du, leur a assuré puissance et influence.  Grandes figures du patronat français : les Wendel à Hayange (en Moselle), Jean-Baptiste Charles Barbe à Liverdun, Dupont et Fould à Pompey (Meurthe-et-Moselle), les Schneider au Creusot (Saône-et-Loire), les Holzer à Unieux (Loire), les Martin à Fourchambault (Émile Martin et Pierre-Émile Martin), Claude Charles François Leblanc de Marnaval et les Grenouillet à Clavières près de Châteauroux et les Frerejean à Pont-de-Vaux (Ain). Elles comptent parmi les exemples particulièrement emblématiques de cette histoire.

Un « modèle » social paternaliste.

Les grandes cités industrielles construites de toutes pièces au par les maîtres de forges se caractérisaient par une organisation intégrée cristallisant la hiérarchie sociale de l'entreprise. Un ensemble d'œuvres sociales destinées au personnel (logements, écoles, églises, services de soins, économats, caisses de secours...) visait à stabiliser et mettre au service de l'industrie un « modèle » social paternaliste assis sur le travail, la religion, la famille (l'entreprise étant elle-même projetée comme une vaste « famille » dont tous les membres seraient liés par un intérêt commun).

Le Comité des Forges.

Créé en 1864, le Comité des forges a regroupé les principaux maitres de forges français, leur permettant d'étendre leur sphère d'influence dans le monde des affaires, de la finance et de la politique.

Littérature, cinéma.

Le roman de Georges Ohnet (1848-1918), "Le Maître de forges", est publié en 1884. Roman édifiant dans une veine sentimentale exempte de toute critique sociale, il a fait l'objet de.

L’expression « maître de forges » fait référence au propriétaire et dirigeant d'établissement métallurgique de production de fer, de fonte ou d'acier.


Racines et déroulement.

L’enjeu, caché dans un détail typographique, est celui de l’égalité de traitement des nations slovaque et tchèque. On pourrait dire qu’il commence dès la création de la Tchécoslovaquie, en 1918, et de la place secondaire réservée aux Slovaques dans les instances étatiques.  Les Slovaques veulent voir remplacer le mot "Tchécoslovaquie" ("Československo") par la "Tchéco-Slovaquie" ("Česko-Slovensko") où le nom de leur pays serait à égalité au sein d'un mot composé, solution linguistique qui n'est pas sans rappeler le nom de l'ancien occupant, l'Autriche-Hongrie ("Rakousko-Uhersko" en tchèque). Le, le Parlement tchécoslovaque déclare que le nom est sans tiret en tchèque ("Československá federativní republika") et avec un tiret en slovaque ("Česko-slovenská federatívna republika").  Le pays est rebaptisé en par une loi constitutionnelle. La République socialiste tchèque et la République socialiste slovaque, les deux États qui forment la fédération, deviennent respectivement la "République tchèque" et la "République slovaque".  La vie politique en Tchécoslovaquie est marquée par une séparation de plus en plus nette entre Tchèques et Slovaques, les partis politiques de chaque moitié du pays ayant peu ou pas de présence dans l'autre moitié. Tchèques et Slovaques ne s'accordent pas sur la forme de gouvernement du pays, Prague souhaitant un contrôle renforcé, tandis que les Slovaques désirent davantage de décentralisation. Le, Vladimír Mečiar est élu chef du gouvernement slovaque et, le, Václav Klaus devient chef du gouvernement tchèque. La nomenclature toponymique concernant la Tchécoslovaquie/Tchéco-Slovaquie est une solution de courte durée qui s’éteint au avec la dissolution du pays fédéral.

Conséquences.

La « guerre du trait d’union » continue au-delà du. Les Tchèques accusent les Slovaques de « révisionnisme historico-linguistique » en ayant imposé la graphie "tchéco-slovaque" et "Tchéco-Slovaquie", y compris pour la période « tchécoslovaque » (comprendre : entre 1918 et 1989) du pays où elle est anachronique.  Le « divorce de Velours » du a projeté sur le devant de la scène la première partie du composé "Tchéco-Slovaquie", imposant l’usage du mot "Česko", « Tchéquie ».

La « guerre du trait d'union » est le nom donné au conflit qui a opposé les représentants de la République slovaque à ceux de la République tchèque, au sein des instances fédérales de la République fédérale tchèque et slovaque au sujet du nom officiel et du nom courant du pays, la Tchécoslovaquie. Ce conflit s’est déroulé entre le mois de avec le début de la révolution de Velours et le avec le « divorce de Velours » et la dissolution des instances fédérales du pays.


Biographie.

Bard College.

Elle devient chanteuse professionnelle après des études de danse au Bard College, achevées en 1961. La même année, elle enregistre avec un camarade du Bard College, Ran Blake, un album qui fera date dans l'histoire du jazz : "The Newest Sound Around", où les deux musiciens donnent une interprétation totalement novatrice de standards aussi rabâchés que "Summertime", "Lover Man", "Laura", "Blue Monk"...

Années 1960.

Pendant les années 1960-1970, elle enregistre avec les principaux musiciens d'avant-garde sur des labels indépendants européens et américains : Birth, BYG Actuel, JCOA, ECM, Black Saint/Soul Note, OWL, Horo...  À partir de 1967, elle joue et enregistre régulièrement avec le musicien allemand Gunter Hampel (vibraphone, clarinette basse, flûte, saxophone soprano) qui deviendra son second mari. Ils auront un fils, Ruomi Lee-Hampel, et une fille, Cavana Lee-Hampel.

Années 1970.

Jeanne Lee enregistre et joue également avec Marion Brown, Archie Shepp, Anthony Braxton, Rahsaan Roland Kirk, Mal Waldron, Enrico Rava, Andrew Cyrille et John Cage. Elle joue un rôle capital dans l'œuvre maîtresse de Carla Bley, "Escalator over the Hill" (1971). En 1976 elle représente la tradition musicale du Negro Spiritual dans "Renga and Apartment Building 1776" de John Cage, composé pour le Bicentenaire des États-Unis d'Amérique.

Années 1980 et 1990.

Avec Bobby McFerrin, Urszula Dudziak, et Jay Clayton (musicien), elle participe au « Vocal Summit » qui effectuera une tournée européenne entre 1982 et 1984. En France, elle participe notamment à l'album "Deep Feelings" de l'Orchestre National de Jazz de Didier Levallet avec lequel elle effectue une tournée pendant.  Elle meurt d'un cancer en à Tijuana, au Mexique.

Études critiques.

Eric Porter, "Jeanne Lee’s Voice." Studies in Improvisation / Études critiques en improvisation, Vol 2, (2006), S. 1–14.

Jeanne Lee (New York, -Tijuana, ) est une chanteuse de jazz. Elle est l'une des plus importantes représentantes du courant free jazz dans le domaine du jazz vocal. Son style unique, à la fois sensuel, sombre et sensible, fait appel autant à la réinterprétation de standards qu'à des formes libres d'improvisation vocale et de scat.


Historique.

Certains de ces camps de concentration étaient de nature provisoire, d'autres permanents. Ils accueillaient notamment des prisonniers issus du camp républicain, des dissidents politiques, mais également des homosexuels ou des prisonniers de droit commun. Comme dans d'autres systèmes concentrationnaires, les prisonniers étaient hiérarchisés : les prisonniers de droit commun, sans motivation politique, étaient considérés comme d'un rang supérieur aux détenus pour raisons idéologiques et étaient affectés à la surveillance de ces derniers. Les prisonniers, organisés en « bataillons de travailleurs », étaient soumis à un régime de travaux forcés et participèrent à la construction d'infrastructures publiques.  Selon Javier Rodrigo (2006), environ un demi-million de prisonniers seraient passés parmi ces camps de concentration entre 1936 et 1942. Jusqu'en 1944, la population des camps se chiffre en centaines de milliers. Pendant la guerre, et durant plusieurs années après le conflit, environ auraient été fusillés. La période de 1939-1940 aurait connu des pics de plusieurs centaines d'exécutions par jour.  Ces prisonniers participèrent à la construction de plusieurs ouvrages :

Liste des camps.

Parmi les 180 camps de concentration ayant existé en Espagne franquiste, on peut citer :

Déportation et exil dans les camps de concentration nazis.

En plus des camps de concentration espagnols, il semble que bon nombre de Républicains exilés en France furent envoyés dans les camps nazis. Environ d'entre eux furent déportés sans que le ministre des Relations extérieures de l'époque, Ramón Serrano Súñer, fasse quoi que ce soit pour les sauver. Il existe des preuves écrites de requêtes des autorités allemandes demandant quel sort réserver aux « deux mille rouges espagnols d'Angoulême ». Le petit nombre de survivants ne fut pas autorisé à rentrer en Espagne.

Des camps de concentration franquistes ont existé en Espagne de 1936 à 1947, d'abord dans le contexte de la guerre d'Espagne, puis comme instrument de répression de la dictature franquiste. Ces camps étaient placés sous la direction du Service des colonies pénitentiaires militarisées ("Servicio de Colonias Penitenciarias Militarizadas").