Symptômes.

Les deux principaux signes sont la raideur et la douleur de l"hallux" (gros orteil). Pour permettre le passage du pas, l'articulation métatarso-phalangienne doit pouvoir se placer en extension. Dans l"hallux rigidus", la raideur ne permet pas cette extension ; la marche est gênée et devient douloureuse. Une autre des conséquences de l'arthrose est la production par l'articulation d'ostéophytes, véritables excroissances osseuses anormales développées à leur périphérie. Dans l"hallux rigidus" ces ostéophytes se placent notamment au dos de l'articulation, font saillie sous la peau, et viennent en conflit avec la chaussure. Des cors, voire des plaies, apparaissent et majorent les douleurs.

Diagnostic.

L'examen clinique pratiqué par le chirurgien s'attache à mettre en évidence les symptômes : Il arrive que l"hallux rigidus" s'associe à une déformation de l'orteil de type "hallux valgus". Il s'agit alors d'un "hallux" rigido-"valgus".  Des radiographies doivent être pratiquées qui, seules, permettent d'affirmer le diagnostic en identifiant les signes habituels d'arthrose : pincement articulaire, ostéophytes, géodes, condensation. Elles doivent également mesurer l'axe du premier rayon pour quantifier l'éventuelle déformation associée ("hallux" rigido-"valgus").

Traitements.

Conservateur.

Au début de l'atteinte, les traitements médicamenteux peuvent suffire : anti-inflammatoires, antalgiques. Des infiltrations de dérivés cortisonés peuvent être proposés avec des résultats parfois satisfaisants. L'adaptation du chaussage peut aussi être tentée afin de diminuer les conflits avec la peau.

Chirurgical.

Lorsque les douleurs et la gêne ne sont plus tolérables, la chirurgie devient inéluctable. Deux types de gestes sont proposés :

L'hallux rigidus est le nom donné à l'arthrose primitive de la première articulation métatarso-phalangienne, ainsi qu'entre la tête du métatarsien et ses sésamoïdes.


Biographie.

Née au Danemark, de son véritable prénom "Gitte", elle est la fille de Svend Nielsen, ingénieur, et de Hanne, bibliothécaire. À l'âge de seize ans, elle quitte le Danemark pour commencer une carrière de top model international. Elle partage son temps entre Paris, Milan, Berlin et New York (défilant notamment pour Armani, Versace et Gianfranco Ferré). Elle est amenée à travailler avec Helmut Newton et Greg Gorman.  Après avoir divorcé de son premier époux, le compositeur danois Kasper Winding, Brigitte Nielsen s'installe aux États-Unis. Repérée par le producteur Dino De Laurentiis, elle obtient son premier rôle au cinéma en 1984 dans "Kalidor", dont elle partage l'affiche avec Arnold Schwarzenegger. Elle y incarne la guerrière Red Sonja dans cette adaptation du comic américain.  Son mariage avec Sylvester Stallone l'année suivante en fait une personnalité médiatique des années 1980. Elle tourne alors à ses côtés dans les films "Rocky 4" ("Rocky IV") (1985) et "Cobra" (1986), avant de donner la réplique à Eddie Murphy dans "Le Flic de Beverly Hills 2" (1987). Pressentie pour incarner le personnage du comics "Miss Hulk" au cinéma, l'actrice réalise toute une série de photos, mais le projet est finalement abandonné.  Peu après son divorce très médiatisé avec Sylvester Stallone, Brigitte se lance dans la chanson en 1987 avec "Body next to Body", aux côtés du musicien Falco, single qui est suivi de l'album "Every Body Tells a Story" (qui sera dans le top 30 en Italie). En 1989, elle fait une apparition dans le clip "Liberian Girl" de Michael Jackson. À la fin des années 1980, elle quitte les États-Unis pour s'installer en Italie, où elle anime l'émission "Festival".  En 1990, Brigitte Nielsen rencontre et épouse le réalisateur Sebastian Copeland. Elle sort également un single "Rockin'Like a Radio", puis un second album en 1991, "I'm the One... Nobody Else". Brigitte Nielsen poursuit sa carrière d'actrice avec notamment la mini-série télévisée italienne à succès "La Caverne de la Rose d'Or" (1991-1996), où elle interprète la redoutable Reine Noire, aux côtés d'Alessandra Martines, Kim Rossi Stuart et Ursula Andress. Ce rôle lui vaut d'ailleurs un regain de notoriété auprès du grand public. Elle apparaît aussi dans plusieurs séries B comme "" (1993), "Galaxis" (1995) (film de science-fiction où elle incarne une guerrière rebelle) ou encore "Doomsdayer" (2000). Elle tourne par ailleurs plusieurs publicités, dont une pour la marque de bière Carlsberg en 1996. De 1997 à 2000, Brigitte Nielsen anime un talk show à la télévision danoise, intitulé "Brigitte & Friends". L'émission reçoit diverses personnalités telles que Mia Farrow, Catherine Deneuve ou Jeremy Irons.  Dans les années 2000, Brigitte Nielsen sort plusieurs singles comme "No more turning back" (sous le pseudonyme de "Gitta"), "Tic Toc" ou encore "You're no lady" en duo avec RuPaul (Les singles "No more turning back" (2000) et "You're no lady" (2002) ont été #1 en Espagne.) En 2002, on peut voir la voir dans le clip "Make me Bad" de Korn, aux côtés d'Udo Kier. Si sa carrière d'actrice connaît une parenthèse de quelques années, Brigitte Nielsen réapparait sur le petit écran par le biais d'émissions de télé-réalité, dont "Celebrity Big Brother", "Surreal Life" et "Flavor Love" (où elle a rencontré le rappeur Flavor Flav). Elle apparaît également dans l'émission "Celebrity Rehab", où elle confie une sévère dépendance à l'alcool. En France, elle participe à "La Ferme Célébrités 3, en Afrique". En 2008, sort un best-of de ses deux albums ("Every Body Tells a Story" et "I'm the One... Nobody Else"), intitulé "Brigitte Nielsen". En 2009, paraît un livre autobiographique, "You only get one life" (publié en 2011 au Royaume-Uni) et qui sera un best-seller au Danemark. En février 2010, Brigitte Nielsen renoue avec son passé de top model en effectuant toute une série de photographies pour le magazine danois "Dansk". Elle a dernièrement tourné dans plusieurs films : dans la comédie "Big Money Rustlas" ainsi que dans le film d'épouvante "Eldorado" (2010), réalisé par Richard Driscoll, dont elle partage l'affiche avec Daryl Hannah et David Carradine. Elle figure également dans un épisode de la série fantastique américaine "" (2009), ainsi que dans la série policière allemande "SOKO Stuttgart". En 2011, elle intègre le casting du film "Skinny Dip", aux côtés de Sasha Grey, Michael Madsen (qui a également participé à "Celebrity Big Brother") et Pam Grier.  En février 2012, Brigitte Nielsen est l'invitée vedette de Richard Lugner (aux côtés de l'acteur Roger Moore) pour la du Bal de l'Opéra de Vienne. En mai 2012, elle participe à la du gala de charité "Life Ball" pour la lutte contre le sida, aux côtés de plusieurs personnalités du cinéma et du monde de la mode.  Elle participe en 2012 à l'album "School of Euphoria" du groupe électro-rock Spleen United, en interprétant la chanson "Misery".  En 2014, elle tourne dans le film de science-fiction "Exodus" et apparaît en guest-star dans un épisode de la série "Raising Hope". Elle fait également partie de la distribution principale du film d'action "Mercenaries", aux côtés de Vivica A. Fox, Kristanna Loken et Cynthia Rothrock.  Elle a également été photographiée dans le cadre d'une campagne pour l'association de défense des animaux PETA ("People for the Ethical Treatment of Animals").  En 2015, elle lance une émission télévisée au Danemark, intitulée "Gitte Talks".  En 2017, elle intègre le casting de la série "Gods and Secrets", produite par HBO.  En 2018 elle est à l'affiche du film "Creed 2" au côté de Michael B. Jordan, Dolph Lundgren, ainsi que son ex-mari Sylvester Stallone dans le rôle de Rocky Balboa. Elle reprend son rôle de "Rocky 4".

Vie privée.

Son véritable prénom est "Gitte".  Elle a quatre garçons et une fille :  Elle parle cinq langues : le danois, l'espagnol, l'anglais, l'italien et l'allemand.  Brigitte Nielsen s'est mariée à cinq reprises : avec Kasper Winding (1983-1984), Sylvester Stallone (1985-1987), le réalisateur Sebastien Copeland (cousin de l'acteur Orlando Bloom) (1990-1992), le coureur automobile Raoul Meyer (1993-2005) et Mattia Dessi (depuis 2006).  Elle a été proche du joueur de football américain Mark Gastineau à la fin des années 1980. Ils ont eu un fils ensemble, Killian (né en 1989). En 2005, elle a également eu une liaison avec le rappeur américain Flavor Flav.  Brigitte Nielsen a indiqué dans sa biographie qu'elle a eu une liaison avec l'acteur Sean Penn en 1990, alors qu'il était en couple avec la chanteuse Madonna.  Elle a eu recours à la chirurgie esthétique pour se refaire les seins. En 2008, elle a participé à une émission de télé-réalité allemande "Aus alt mach neu - Brigitte Nielsen in der Promi-Beauty-Klinik", où elle subissait diverses opérations.  En octobre 2001, elle a réchappé de peu à une catastrophe aérienne lors du crash d'un avion à l’aéroport de Milan Linate. Un McDonnell Douglas MD-87 de la compagnie Scandinavian Airlines (SAS) s'est fracassé contre un dépôt à bagages après avoir heurté un petit avion privé. L’accident a fait au total 118 morts, et aucun survivant. Brigitte Nielsen aurait dû embarquer dans cet avion, mais a fait annuler son voyage au dernier moment pour participer à une émission télévisée.  En juin 2018, à l'âge de 54 ans, elle donne naissance à son 5 enfant, une fille prénommée Frida.

Discographie.

Brigitte Nielsen a mené, parallèlement à son parcours d'actrice, une carrière de chanteuse. Après un duo avec Falco en 1987 ("Body next to Body") elle sort un premier album en 1988, "Every Body Tells a Story" (dont les singles "Every body tells a story", "Strange Love" et "Maybe" seront dans le top 30 en Italie).  En 1990, elle interprète le single 'Rockin' like a radio", puis sort un second album en 1991, "I'm the One... Nobody Else". Outre la reprise du titre "My Girl (My Guy)", la chanson "Give Me a Chance" sera reprise en 1993 dans l'album du groupe The Three Degrees dans leur album "Out of the Past into the Future".  De 1999 à 2002, sous le nom de "Gitta", Brigitte Nielsen sort trois singles d'eurodance ("No more turning back", "Tic Toc" et "You're no Lady"), qui connaissent un certain succès, notamment en Espagne, en Italie et aux Pays-Bas.  Une compilation de ses deux premiers albums "Every Body Tells a Story" et "I'm the One... Nobody Else" sort en 2008 sous le titre de "Brigitte Nielsen".  En 2012, elle interprète la chanson "Misery" sur l'album "School of Euphoria" du groupe Spleen United.

Brigitte Nielsen, née le à Rødovre au Danemark, est une actrice, chanteuse, mannequin et productrice de films danoise. Elle a été pendant quelques années la compagne de Sylvester Stallone avec qui elle partagea l'affiche des films "Rocky 4" ("Rocky IV") et "Cobra". Parmi ses nombreux rôles, on peut citer celui de Red Sonja dans "Kalidor", la sorcière noire dans "La Caverne de la Rose d'Or" et la méchante dans "Le Flic de Beverly Hills 2". Elle a également sorti plusieurs disques comme chanteuse (parmi lesquels "Every Body Tells A Story" et "I'm the One... Nobody Else") et fait des apparitions dans plusieurs clips : "Liberian Girl" de Michael Jackson et "Make me Bad" de Korn. Dans les années 2000, elle participe à plusieurs shows de télé-réalité. Elle a interprété la chanson "Misery" sur l'album "School of Euphoria" (2012) du groupe "Spleen United". En 2018, elle reprend son rôle de Ludmilla Drago, de "Rocky IV", dans le film "Creed 2".


Historique.

Les premières apparitions du concept se manifestent à partir d’avril 1997 dans le "Rodong Sinmun". La « primauté de l’armée » apparaît le 12 décembre 1997, rattachée à Kim Jong-il ; elle est visible dans le même journal le 16 juin 1998.

Un facteur de développement potentiel.

Pour Alexander Vorontsov, chercheur au Centre d'études politiques sur l'Asie du nord-est de la Brookings Institution, la politique de Songun ne devrait cependant pas être réduite à une « impasse idéologique ». En effet, comme le démontre l'expérience de la Corée du Sud dirigée par le dictateur Park Chung-hee, une orientation militaire peut, sous certaines conditions, avoir des effets positifs sur la société. Il n'y a donc pas lieu de s'étonner, d'après Vorontsov, qu'au cours des dernières années Kim Jong-il « se soit mis à parler en termes favorables de Park Chung-hee. »  Ainsi, la mise en œuvre de la politique de Songun au milieu des années 1990 a amené l'armée à participer encore plus aux prises de décision sociales et économiques, au développement d'infrastructures à grande échelle et à la production de sa propre nourriture. Même si le service militaire dure 10 ans, il est en majorité consacré à des travaux dans divers secteurs de la vie socio-économique. L'idée selon laquelle l'armée serait un fardeau pour l'économie nord-coréenne devrait donc être relativisée, en ce qu'elle pourrait être aussi, sous certaines conditions, une ressource et un catalyseur pour le développement de l'économie nationale.  Toujours selon Alexander Vorontsov, la priorité donnée à l'armée accompagne une transformation graduelle de l'économie planifiée de la Corée du Nord dans la direction d'une économie mixte. Le résultat final pourrait être un réseau de grandes sociétés sur lesquelles l'État exerce un moindre contrôle et partageant des relations étroites avec les agences gouvernementales, similaires aux chaebol créées par Park Chung-hee en Corée du Sud.

La politique de Songun est une doctrine donnant la priorité à l'armée (« primauté de l’armée ») dans la en Corée du Nord qui a été introduite pour la première fois officiellement par l’Assemblée suprême du Peuple le 20.


Biographie.

Issu d'une famille aristocratique de magnats hongrois, il est le fils du comte Károly Andrássy (1792–1845) et de son épouse la comtesse Etelka Szapáry (1798–1876). Après des études de droit à l'université de Pest, il est élu en 1847 membre de la Chambre des députés de l'Assemblée hongroise à Presbourg et devint "főispán" (préfet) du comitat de Zemplén. Âgé de 24 ans, il excellait par son éloquence et ses idées libérales.

Le révolutionnaire.

Un patriote passionné, il participa à la révolution hongroise de 1848 contre la maison de Habsbourg-Lorraine et se prononça pour l’indépendance de son pays. Il se rallia à Lajos Kossuth, le leader de la révolte, menant le combat à la tête des forces rebelles de Zemplén. En 1849, le gouvernement révolutionnaire l'envoya en mission à la Sublime Porte de Constantinople. Après la défaite hongroise lors de la guerre d'indépendance, Andrássy, condamné à mort par contumace et pendu en effigie, se réfugia à Paris où il épousa la comtesse Katharina Kendeffy le, puis à Londres. Il vécut en exil jusqu’à l’amnistie de 1857 collectionnant les succès féminins, surnommé « Le beau pendu ». Au fil des ans, son attitude avait changé et il s'est déclaré prêt à revenir à une politique modérée, particulièrement pour faire face aux défis du panslavisme. Élu en 1861 à nouveau député de Zemplin à la Diète hongroise, il siégea dans les rangs du parti de Ferenc Deák, qui revendiquait, par les voies légales, l'autonomie législative du royaume de Hongrie.

Le premier ministre.

La défaite de l'Autriche dans la guerre austro-prussienne, lors de la bataille de Sadowa en 1866, força le gouvernement de l'empereur François-Joseph à entrer dans la voie des concessions libérales ; un ministère spécial ayant été constitué en Hongrie le, Andrássy entra en qualité de président du conseil et de ministre pour la défense du pays. La monarchie des Habsbourg-Lorraine devint alors la double-monarchie d'Autriche-Hongrie (au grand dam des populations allemandes et aux dépens des populations slaves de l'empire). Le, l'empereur François-Joseph et l'impératrice Elisabeth (en hongrois : "Erzsebet") furent solennellement couronnés roi et reine de Hongrie à l'église Matthias de Buda, Andrassy tenant l'un des rôles principaux au cours de la messe composée par Franz Liszt.  Pour remercier leur nouvelle reine, les Hongrois lui offrirent le château de Gödöllő qui devint sa résidence favorite. L'année suivante, l'impératrice-reine attendant un enfant souhaitait ardemment donner un « roi à la Hongrie » qui entérinerait la fin de la double-monarchie. Elle mit au monde une fille qu'elle prénomma de son propre chef Marie-Valérie en l'honneur de la Hongrie (Valeria est le nom de la région dont le chef-lieu est Budapest). Certains attribuèrent la paternité de l'enfant à Andrassy, mais la ressemblance entre l'archiduchesse Marie-Valérie et l'empereur-roi fut de plus en plus frappante, et réduit à néant la rumeur. Contrairement à sa mère, l'archiduchesse deviendra une fervente germanophile. En revanche, il est également démontré l'importance qu'eut Andrassy dans la vie de la reine.  En tant que premier ministre, Andrássy a toute la confiance du couple impérial. Avec les deux, il était présent à l'ouverture de l'Exposition universelle de 1867 à Paris et également à l'inauguration du canal de Suez le. En Hongrie, il pratique une politique vigoureuse de la magyarisation, aux dépens surtout de la minorité croate.

Le ministre impérial.

Lors de la déclaration de guerre de la France à la Prusse le, Andrássy se prononça énergiquement en faveur de la neutralité et réussit à imposer ses idées. Les talents dont il avait fait preuve lui valent d’être appelé à succéder, le, au comte Friedrich Ferdinand von Beust en tant que ministre impérial et royal des Affaires étrangères.  Au cours des années suivantes, il s'attache à maintenir de bonnes relations avec le nouvel Empire allemand et essaya en même temps de refouler l'influence politique de la Russie dans les Balkans. En, il participe au sommet des empereurs François-Joseph d'Autriche, Guillaume d'Allemagne et Alexandre II de Russie à Berlin pour conférer avec ses collègues Otto von Bismarck et Alexandre Gortchakov en vue de préparer l'Entente des trois empereurs. En 1874, il accompagna François-Joseph lors de son voyage à Saint-Pétersbourg ; l'année suivante il a pris part à la conférence avec Victor-Emmanuel II, roi d'Italie, à Venise. En 1876, à la veille de la guerre russo-turque, il a une autre réunion avec l'empereur Alexandre II à Reichstadt.  Lorsqu’en 1875 se déclencha la crise des Balkans et l'insurrection de l'Herzégovine et de la Bosnie, le comte adressa en au gouvernement ottoman une note exposant un programme de réformes intérieures. Il maintint la plus stricte neutralité lorsque la guerre éclata entre l'Empire ottoman d'une part, la Serbie et le Monténégro de l'autre.  Après la victoire de la Russie sur les Turcs et la conclusion du traité de San Stefano, il fit triompher l'idée d'un congrès européen chargé d'empêcher l'émergence d'une fédération balkanique dominée par une grande Bulgarie, et fixant les frontières des nations chrétiennes de manière à les séparer par une Turquie d'Europe s'étendant jusqu'à l'Adriatique. C'est ce qui fut décidé au congrès de Berlin qui se réunit le et qui, en outre, permit à l'Autriche-Hongrie d'occuper les vilayets de Bosnie et d'Herzégovine. L'empereur conféra alors à son ministre le prestigieux Ordre de la Toison d'or. Néanmoins, le rôle que l'Autriche-Hongrie a joué dans les négociations a grevé de manière persistante les relations politiques avec la Russie qui s'est vue trompée.

Démission.

L'année suivante, immédiatement après la conclusion du Duplice austro-allemand le, Andrássy donnait sa démission de président du conseil et à partir de ce moment, il ne prit que rarement la parole à la Diète hongroise, se consacrant à sa vie privée.

Hommages et postérité.

À Budapest, la voie Andrássy út et l'Université germanophone Gyula Andrássy sont attitrés d'après lui. En 1906 fut décidé d'ériger une statue équestre sur le côté sud du parlement hongrois en son honneur ; refondue en 1945, une réplique fut installée en 2016.  Andrássy est le père de Gyula Andrássy le Jeune (1860-1929), le dernier ministre des Affaires étrangères de l'Autriche-Hongrie nommé par l'empereur Charles en octobre 1918.

Le comte Gyula Andrássy de Csik-Szentkirály et Krasznahorka, né le à Oláhpatak en Haute-Hongrie et mort le à Volosca près d'Abbazia sur le Littoral autrichien, est un homme d'État hongrois. Un rebelle contre le règne des Habsbourg au temps de la révolution de 1848, il fut le premier Ministre-président du royaume de Hongrie après le Compromis austro-hongrois de 1867 et Ministre impérial des Affaires étrangères de 1871 à 1879.


Biographie.

Jacob van Artevelde, né à Gand vers 1287, est un membre de la haute bourgeoisie gantoise qui a fait fortune dans l'industrie drapière au début du. Ses différents contacts avec le pouvoir comtal en ont fait l'un des porte-paroles de sa ville d'abord, des communes flamandes ensuite, dans les diverses négociations avec le comte de Flandre Louis de Nevers.  En 1336, Édouard III, qui veut obliger les villes flamandes à se tourner vers l'Angleterre, interdit l'exportation des laines anglaises vers la Flandre. Celle-ci entre en crise : les profits baissent, le chômage augmente. Les travailleurs et les drapiers ne voient que les agents du fisc venir de France et les émeutes commencent à se multiplier. Le, van Artevelde se fait confier la direction de Gand par les échevins de la ville et organise, en avril, une conférence des grandes villes de Flandre au monastère d'Eeckoutte. À partir de ce moment, c'est lui qui assume le gouvernement du comté de Flandre.  Le comte Louis de Flandre s'est réfugié en France. Van Artevelde nomme à sa place un régent, Simon van Halen. En décembre 1339, il rencontre Édouard III à Anvers et conclut un accord avec lui. Les Flamands le reconnaissent comme roi de France et s'engagent à lui fournir des troupes pour conquérir son nouveau royaume. Édouard, lui, consent à transférer l'étape des laines d'Anvers à Bruges et à remettre à la Flandre les châtellenies de Lille, Douai et Orchies, annexées jadis par Philippe IV le Bel. En 1340, van Artevelde invite Édouard III à Gand et l'y fait proclamer roi de France.  Au début des années 1340, le retour des laines anglaises ne ramène cependant pas la prospérité en Flandre et l'autorité de Jacob van Artevelde est de plus en plus contestée. Le pape Clément VI a lancé une excommunication aux Flamands parjures. Louis de Flandre parvient à reprendre pied dans le comté en se formant un parti chez les opposants. Van Artevelde répond par la fuite en avant. Il désavoue le comte de Flandre et suggère à Édouard III d'offrir le comté à son fils Édouard, le futur Prince Noir. Il est cependant déjà trop tard pour lui. Contesté dans sa ville même de Gand, il est assassiné lors d'une émeute le 17 ou le. La Flandre abandonne dès lors Édouard III et se rallie à la France.

Jacques ou Jacob van Artevelde (né à Gand, vers 1287 et mort à Gand, le 17 ou le ) est un homme d'État flamand. Il est le père de Philippe van Artevelde.


Historique.

Introduit à l'origine par Apple pour être utilisé dans WebKit pour des logiciels comme Dashboard et le navigateur Safari, "canvas" a été par la suite adopté par les navigateurs utilisant Gecko (notamment Mozilla Firefox) et Opera, avant d'être standardisé par le groupe de travail WHATWG. Novell a développé une extension activant les XForms dans Internet Explorer offrant ainsi une prise en charge des fonctionnalités de "canvas".

Fonctionnement.

"canvas" se résume en une zone de dessin dont la "hauteur" et la "largeur" sont définies dans du code HTML. Du code JavaScript permet d'accéder à l'aire via une série complète de fonctions de dessins, similaires aux autres API 2D, bien que permettant de générer dynamiquement des graphismes. Certaines personnes ont anticipé cet emploi de "canvas" en l'utilisant pour des graphiques, des animations et de la création d'images.

Exemple.

Ce code crée une zone de dessin sur une page HTML :  <canvas id="exemple" width="200" height="200"> </canvas> Avec JavaScript, il est ensuite possible de dessiner dans la zone : <script> </script> Ce code dessine à l'écran un rectangle semi-transparent bleu.

Réactions.

Lors de son introduction, "canvas" a été accueilli de manière mitigée par des normes web. Certains se sont plaints de la décision d'Apple d'introduire cette balise propriétaire au lieu de supporter SVG, qui n'est pas encore complètement accepté sur le web. ont argumenté contre la logique même de la conception de "canvas" : étant complètement procédurale et n'ayant qui ne sont pas identifiables dans. Enfin,.

L'élément canvas est un composant de HTML qui permet d'effectuer des rendus dynamiques d'images bitmap "via" des scripts. Déjà implémenté dans certains navigateurs, il fait partie de la spécification HTML5. Canvas peut également être utilisé pour mettre en place un moyen de traçage de l'utilisateur sur le site sans avoir à collecter ses données personnelles grâce au canvas fingerprinting.


Biographie.

Très tôt, Ti Lung suit une formation dans l'art martial Wing chun, sous la tutelle de maître Chu Wan.  Il est découvert en 1969 par le grand réalisateur de la Shaw Brothers, Chang Cheh qui le fait débuter avec un petit rôle dans le film "Le Bras de la Vengeance" ("Return of the One-Armed Swordsman") (1969) ; il est ensuite révélé par le film "Dead End" qui est son premier rôle principal. Il apparait dans de nombreux films d'arts martiaux de la Shaw Brothers durant les années 1970 et reçoit des prix au Golden Horse Film Festival et à l'Asia-Pacific Film Festival en 1973 pour le film "Frères de sang" ("Blood Brothers"). Il tourne régulièrement avec Chang Cheh, puis continue avec un autre grand réalisateur du studio: Chu Yuan ; il tourne aussi deux films en tant que réalisateur au milieu des années 1970.Mais au début des années 1980, l'arrivée de jeunes talents tels que Jackie Chan ou Michael Hui dans des films qui combinent action et comédie fait passer de mode Ti Lung, et sa carrière commence à décliner.En 1986, John Woo le fait revenir sur le devant de la scène dans ce qui sera le plus gros succès chinois des années 1980, "Le Syndicat du crime" et sa suite. Sa carrière relancée, il enchaîne sur "Tiger On The Beat", "True Colors", "City War", "Just Heroes", films surfant sur la vague du film de Woo.Depuis le milieu des années 1990, des problèmes de santé l'ont obligé à mettre sa carrière en suspens. Il fait cependant occasionnellement des apparitions au cinéma - notamment dans "Blade of Fury", "The Bare-Footed Kid", "The Killer’s blues", "Combats de maître 2" (1994) ou " (2007)". Il joue l'un des rôles principaux du film "" en 2016.

Ti Lung (en chinois 狄龍, en pinyin Dí Lóng) est un acteur de cinéma hongkongais, également nommé Dick Loong, Din Lung, Di Long ou d'une variante de son vrai nom 譚富榮 (en pinyin Tán Fù Róng) comme la forme hongkongaise Tommy Tam Fu-Wing. Il est né le.


Biographie.

Né à Hagen, il poursuit des études en droit et adhère dès la fin des années 1920 au parti nazi. Il fonde le premier groupe des Jeunesses hitlériennes de Westphalie en 1928.  En 1932 on le fait "Reichsleiter" du parti pour réorganiser les programmes concernant les Jeunesses hitlériennes, et un an plus tard il devient chef du Bureau social de la direction de la jeunesse du Troisième Reich. Axmann réussit à faire des Jeunesses hitlériennes ("Hitlerjugend") partie de la direction de formation professionnelle de l'État et à améliorer leur travail agriculturel.  En service actif sur le front occidental jusqu'à, il succède à Baldur von Schirach, devenant ainsi "" (chef de la "Hitlerjugend") du parti. En 1941 il est gravement blessé sur le front oriental, perdant un bras.  Le on lui décerne l'Ordre allemand ("Deutscher Orden"), la plus importante décoration du parti.  En, Axmann est nommé commandant de la brigade de chasse blindée du "Volkssturm", dirigeant plusieurs unités d'enfants-soldats de la "Hitlerjugend". Ces unités s'illustrent surtout à la bataille de Seelow, partie de la bataille de Berlin. Beaucoup des jeunes luttant sous son commandement meurent au combat, sans entraînement ni équipement militaire.  En, alors que l'Armée rouge soviétique approche de Berlin, Axmann se réfugie dans le Führerbunker (selon Gerhardt Boldt, officier d'état-major de Guderian puis de Krebs, affecté dans le bunker, dès le début de la bataille de Berlin, Axmann a quitté ses bureaux de l'Adolf-Hitler-Platz pour se rapprocher du bunker ; quand les Jeunesses ont eu à défendre les ponts de la Havel, Axmann, bien qu'amputé d'un bras, se serait joint à eux). Il parvient à s'en échapper avec Martin Bormann (de la mort duquel il est témoin) et Ludwig Stumpfegger. Il disparaît quelques mois et prend le pseudonyme de « Erich Siewert ». On le capture en quand le mouvement clandestin nazi qu'il organisait est découvert.  En, un tribunal de dénazification de Nuremberg le condamne à trois ans et trois mois d'emprisonnement ; il est à nouveau condamné, le, à une amende de trente-cinq mille Deutsche Mark, environ la moitié du prix de sa propriété à Berlin. Le procès prouve qu'il était nazi par conviction.  Il se spécialise par la suite, entre autres, dans le commerce avec les pays de l'Est, et travaille à Gelsenkirchen et Berlin.  Il est mort le à Berlin.  Il a écrit ses mémoires vers la fin de sa vie.

Artur Axmann, né le à Hagen en Westphalie et mort le à Berlin, est un Nazi allemand, successeur de Baldur von Schirach à la tête des Jeunesses hitlériennes en 1940.


Biographie.

Jeune homme, Panini est formé dans sa ville natale de Plaisance, par Giuseppe Natali et Andrea Galluzzi, et plus tard, par le scénographe Francesco Galli-Bibiena. En 1711, il s'installe à Rome, où il étudie le dessin avec Benedetto Luti. Il y devient célèbre en tant que décorateur de palais, par exemple la Villa Patrizi (1719-1725), le Palazzo de Carolis (1720) et le Séminaire romain (1721-1722). En 1719, Panini est admis à la Congregazione dei Virtuosi.  Quand le cardinal Melchior de Polignac, ambassadeur de France à Rome lui commande un tableau peignant les festivités qui célèbrent la naissance du fils de Louis XV, il crée un véritable genre en élevant la thématique des célébrations. Il est sollicité ensuite par le Cardinal de La Rochefoucauld, chargé d'affaires auprès du Saint-Siège, à l'occasion des fêtes qui célèbrent les noces du dauphin avec Marie-Josèphe de Saxe.  Il a enseigné à Rome à l'Académie Saint-Luc de Rome et à l'Académie de France, où il a influencé Fragonard. En 1754, il est élu prince de l'Académie de Saint-Luc. Panini meurt à Rome le.  C'est sans doute de son ami et protecteur François-Caude de Montboissier, abbé de Canillac, chargé des affaires de France à Rome qu'il reçoit la commande de la "Galerie des vues de la Rome antique" et de son pendant la "Galerie de vues de la Rome moderne" qui offrent au spectateurs des "musées imaginaires".  En tant que peintre, Panini est surtout connu pour ses vues de Rome, dans lesquelles il montre un intérêt particulier pour les antiquités de la ville. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte les vues du Panthéon, et ses peintures de "vedute" et de galeries des vues de Rome. La plupart de ses œuvres, spécialement celles de ruines, traduisent la fantaisie, le goût pour l'irréel et l'imaginaire de ce peintre. Cela est une caractéristique importante de cet artiste appelé à glorifier le goût du « capriccio ». Panini a également peint des portraits, dont un du pape Benoît XIV.  Son style a influencé un certain nombre de vedutistes, comme son élève Antonio Joli, ainsi que Canaletto, Hubert Robert et Bernardo Bellotto.  Le musée du Louvre possède plusieurs tableaux de premier ordre de Panini.

Giovanni Paolo Panini (ou Giampaolo Pannini) (Plaisance, Émilie-Romagne, 1691 - Rome, 1765) est un peintre baroque italien. Formé par les meilleurs spécialistes de la perspective, les Bibiena, Giovanni Paolo Panini commence sa carrière en se consacrant à la décoration de palais avec des trompe-l'œil, mais acquiert l'essentiel de sa gloire par ses "vedute" et ses "capricci", vues imaginaires de ruines antiques.


Biographie.

Alice Munro est née à Wingham, petite ville du comté de Huron, sur la rive sud-est du lac Huron dans l'Ontario. Son père dirigeait un élevage (de renards et de visons), sa mère était institutrice. Elle publie sa première nouvelle en 1950, alors qu'elle est étudiante à l'University of Western Ontario et gagne sa vie en travaillant comme serveuse ou bibliothécaire. Elle quitte l'université en 1951 pour épouser James Munro et s'installer avec lui à Vancouver, en Colombie-Britannique. Le couple tient une librairie à Victoria à partir de 1963 et a quatre filles (dont la deuxième meurt à sa naissance).  C'est en 1968 qu'elle publie son premier recueil de nouvelles, "La Danse des ombres heureuses", qui obtient le, la plus haute distinction littéraire canadienne. Suit en 1971 "Lives of Girls and Women", un recueil de nouvelles où le personnage principal est récurrent. Divorcée en 1972, Alice Munro rentre en Ontario où elle épouse en 1976 le géographe Gerald Fremlin, mort en, et vit depuis à Clinton, non loin de sa ville natale.  Elle se fait connaître d'un large public grâce à la publication de ses nouvelles dans des magazines comme "The New Yorker" et "The Atlantic Monthly".  Sa nouvelle "L'Ours traversa la montagne", qui évoque la maladie d'Alzheimer, a été adaptée au cinéma en 2006 par Sarah Polley sous le titre "Loin d'elle" ("Away from Her"), avec Julie Christie qui est nommée à l'Oscar de la meilleure actrice pour ce rôle. En 2016, le cinéaste espagnol Pedro Almodóvar s'inspire de la trame de trois de ses nouvelles, présentes dans le recueil "Fugitives" ("Hasard", "Bientôt" et "Silence") dans le film "Julieta", prénom hispanisé de la protagoniste des trois récits.  Faisant, depuis longtemps, figure de favorite pour le prix Nobel de littérature, elle devient, en 2013, le premier écrivain canadien et la treizième femme de lettres à recevoir cette récompense. Elle est par ailleurs le premier auteur essentiellement nouvelliste à être distingué par ce prix.

Analyse de l'œuvre.

Couronnée par de nombreux prix au cours de sa carrière, Alice Munro est l'auteure de quatorze recueils de nouvelles et d'un unique roman, traduits et vendus dans le monde entier. Ses nouvelles, caractérisées par la présence d'un narrateur extérieur qui explique le sens des événements, se situent souvent dans la campagne de l'Ontario, dépeinte avec une extrême minutie. Un grand nombre de ses personnages sont d'origine écossaise et irlandaise. Les protagonistes de ses nouvelles sont des gens ordinaires et essentiellement des femmes dont elle sonde les états d'âme, les rêveries, les névroses et la cruauté du destin dans une écriture nuancée, concise et imagée.  Son style littéraire a souvent été comparé à celui d'Anton Tchekhov pour sa profondeur, son art de la description et sa manière de mettre l'intrigue au second plan afin de privilégier l'étude psychologique des personnages.  Alice Munro est par ailleurs reconnue pour son sens exceptionnel de la construction, son lyrisme et sa manière de se centrer sur les détails anodins et les petits riens de la vie d'individus dont elle tire une réflexion douce-amère sur l'existence. Privilégiant une apparente simplicité, son œuvre cherche une vérité universelle dans l'exploration de l'infime et du quotidien ; un point de vue qui a inspiré Pedro Almodóvar pour le film "Julieta" avec toutefois une dimension plus romanesque et mélodramatique.  Selon le comité Nobel,.  On a lancé des recherches sur l’œuvre de Munro au début des années 1970. La première thèse de doctorat est parue en 1972. En 1984, le premier livre "Art of Alice Munro: Saying the Unsayable", contenant les articles présentés lors de première conférence sur son œuvre à l’Université de Waterloo, a été publié.

Alice Munro, née Alice Ann Laidlaw le à Wingham (Ontario, Canada), est une écrivaine canadienne de langue anglaise. Elle écrit principalement des nouvelles, parfois liées entre elles et centrées autour de personnages féminins, dans l'Ontario ou la Colombie-Britannique des années 1940 à aujourd'hui. Favorite depuis plusieurs années au prix Nobel de littérature selon la critique littéraire, elle reçoit cette récompense le pour être, comme l'explique l'Académie suédoise.


Univers.

Le jeu se déroule dans un Japon médiéval alternatif où les habitants sont des animaux humanisés (anthropomorphes). Mis à part quelques détails, il s'agit du Japon de la période Edo. Le fantastique y occupe une faible part, essentiellement par des personnages étranges.  La première partie du livre décrit les mœurs, l'histoire et la géographie réelles du Japon. En dehors de personnages politiques fictifs, la seule différence avec le Japon historique est la bataille de Sekigahara qui est rebaptisée Adachagahara.  Les animaux humanisés ne sont pas nécessairement des animaux peuplant le Japon réel (comme par exemple le rhinocéros). L'espèce animale n'introduit pas de distinction sociale (il n'y a pas de racisme inter-espèces), c'est juste un trait physique parmi d'autres.

Règles de la première édition du jeu de rôle.

La première édition utilise le système générique "Instant Fuzion".

Règles de la seconde édition du jeu de rôle.

Personnage.

Le personnage est défini par cinq caractéristiques, des compétences (capacités spéciales), son espèce (lapin, chat, rhinocéros...), son métier et ses dons (capacités spéciales).  Les caractéristiques et les compétences sont définies par un dé ; plus le dé est élevé, plus le personnage est puissant dans ce domaine (par ordre de puissance croissante : d4, d6, d8, d10, d12).  La création du personnage est simple est rapide :

Résolution des actions.

Lorsque deux personnages s'opposent, chacun jette le dé correspondant à la caractéristique et/ou à la compétence en jeu ; le jet le plus fort gagne. Si le personnage a deux dés à la compétence (compétence achetée avec des bâtons et compétence de métier), c'est le plus haut des dés qui est pris en compte.  De même, la difficulté d'une action est exprimée par des dés, ou bien par des nombres équivalents à des « dés pré-tirés ».  Si le joueur possède des dés dans la compétence, il jette alors ces dés-là ainsi que le dé de la caractéristique associée à la compétence ; s'il ne possède pas la compétence, il ne jette que le dé de la caractéristique.  Plusieurs cas se présentent :

Combat.

Le combat est découpé en « "rounds" » d'une durée approximative de six secondes. Au cours d'un "round", l'ordre d'action est immuable. Les personnages sont répartis en factions, et tous les personnages de la même faction agissent les uns à la suite des autres. La faction qui agit en premier est celle qui a engagé le combat.  Le personnage peut faire normalement une attaque à son tour (lorsqu'il est dit « actif ») ; aux tours des autres joueurs (lorsqu'il est dit « réactif »), il peut faire une action de défense : une contre-attaque (ou une esquive) par "round", et des esquives.  En début d'un « "round" », les joueurs font un jet d'initiative ; une réussite indique que le personnage est concentré (« "gains Focus" »), ce qui lui permettra d'être actif au tour d'un autre personnage ; un échec cuisant indique que le personnage est désorienté (« "reeling" », littéralement « chancelant ») et ne peut pas agir. Un personnage peut aussi se concentrer en refusant d'attaquer lors de son tour ; il se réserve alors la possibilité d'attaquer plus tard en « volant » l'action d'un autre personnage.  La concentration permet donc d'attaquer alors que c'est au tour d'un autre personnage ; cette attaque se produit avant l'attaque de l'adversaire qui doit donc se défendre (contre-attaque, parade ou esquive), mais si celui-ci est également concentré, il peut utiliser sa concentration pour agir en premier. La concentration permet également de « rallier » un partenaire (le motiver durant le combat, ce qui lui fait gagner la concentration), ou de mettre en œuvre certains dons.  Une attaque comporte donc un jet de la part de l'attaquant (« corps » et compétence arme) et un jet de la part du défenseur. Si l'attaquant fait un score supérieur, il touche son adversaire. Si les scores sont égaux :  Si le défenseur a un score plus élevé :  L'avantage de la parade sur la contre-attaque est que l'on peut parer des projectiles, et que certaines situations (par exemple défenseur à terre) imposent un malus à la contre-attaque (l'attaquant bénéficie d'un d12 supplémentaire) mais pas à la parade.  Si un personnage recule sur un terrain instable ou recule en étant désorienté, il chute.  Les notions de recul et de concentration permettent de prendre en compte la notion de gestion du rythme et de la distance dans les « "budō" » (« "ma ai" » en japonais).

Règles de la troisième édition du jeu de rôle.

La troisième édition (la seconde édition Sanguine) sera propulsée par l'Apocalypse.

Le jeu de rôle Usagi Yojimbo est tiré de la bande dessinée américaine "Usagi Yojimbo" — 兎用心棒 de Stan Sakai. La première version a été éditée en 1998 par Gold Rush Games, et la deuxième en 2005 par Sanguine Productions. Une troisième édition — la deuxième pour Sanguine — est annoncée pour.


Histoire.

Durant les années 1950, l’armée française use de Daimler Ferret en grand nombre. Elle décide ensuite d'adopter une automitrailleuse de conception nationale et Panhard présente un prototype en 1957 armé d'un mortier-canon très rudimentaire. Cette entreprise remporte la compétition devant le projet d'Engin léger de combat chenillé d'AMX et un projet de Berliet. Le premier prototype de série fait ses premiers tours de roue en avril 1959 et sa production de l'AML de série (appelée AML 245 par cette société) commence en 1960. Panhard avait déjà livré à l'Armée de terre l'AMD Panhard 165/175 et l'AMD Panhard 178.  Depuis son adoption, plus de ont été livrés et la fabrication à longtemps continué pour l'export. À la production française dont plus de pour l’armée de terre française et le Groupement blindé de gendarmerie mobile, s'ajoutent construites sous licence par l'Afrique du Sud sous le nom d'Eland Mk7/Eland 60/90.  Au janvier 1989, outre les véhicules des unités d'outre-mer, et soit sont sur le territoire métropolitain français. L'ensemble des AML 60 et pour les unités de réservistes de la défense opérationnelle du territoire, pour la Force d'action rapide et 36 autres dans la. La dernière opération extérieure de cet engin avec les forces françaises à lieu avec le étranger de cavalerie en 1996 en République centrafricaine.  Le véhicule de transport de troupes M3 Panhard est une variante de l'AML-60 dont il utilise l'essentiel des composants. Conçu en 1969, il est produit à de 1971 à 1986 et vendu exclusivement à l'exportation.  Ce blindé est encore utilisé en 2020 dans plusieurs pays d'Afrique.

Présentation technique.

La Panhard AML 60/90 est un blindé léger dont les deux versions ne diffèrent que par la tourelle.  La transmission permanente lui procure une exceptionnelle mobilité. Les amortisseurs sont oléopneumatique. Sa carcasse est autoporteuse, elle ne dispose pas d'essieu et de châssis. Elle dispose de deux portes latérales et son moteur est en position centrale arrière entièrement protégé par un plancher lisse en V antimines. Le mouvement aux sorties de la boite de vitesses de type mécanique, avec six rapports avant et une marche arrière est dirigé sur les deux carters de renvois latéraux qui assurent la transmission aux roues arrière par pignons et aux roues avant par l'intermédiaire d'arbres de transmission qui longent les parois latérales de la carcasse blindée.  Le conducteur prend place à l'avant et la tourelle abrite le chef de char et le tireur.  Sa garde au sol de lui permet un franchissement de.

Armement de l'AML 60 et équipement.

L'armement principal de l'AML 60 est un mortier de se chargeant par la culasse, disposant de, associé à une mitrailleuse ANF1 de 7,62 OTAN. Le mortier d'origine est rapidement remplacé par le Brandt Mle CM60A1 toujours en service aujourd'hui. Ses munitions sont les suivantes :  Le pointeur dispose dispose d'une lunette APX M 112 de grossissement optique 5, de champ 230 millièmes, d'amplitude de pointage de - 220 à 470, avec micromètre éclairé pour le tir de nuit.  L'armement auxiliaire de ce blindé évolua pour des raisons d'efficacité selon les versions. Ainsi, la mitrailleuse de fut remplacée par une Browning M2 de sur les versions HE 60-12 voire pour l'HE60-7. De même l'AML 60 HE-20 monte un mortier de et un canon de. Enfin le Venezuela arma ses AML 60 d'une nouvelle tourelle munie d'un bitube de pour en faire un véhicule de lutte antiaérienne.

Les AML 90 et 90 Lynx.

La portée d'un mortier étant limitée, le constructeur français développa ensuite une version avec une tourelle armée canon antichar GIAT Industries de à frein de bouche, tirant à m un obus à charge creuse de vitesse à la bouche de 750 m/s qui perfore 320 mm de blindage. Sa dotation est de 21 obus. Il peut mettre hors de combat un T-54/T-55.  Le tireur dispose d'une lunette APX M 370 de grossissement 6, de champ 190 millièmes, d'amplitude de pointage de - 80 à 320, avec oculaire réglable et micromètre éclairé pour le tir de nuit. L'armement secondaire d'origine de ce modèle se compose de deux mitrailleuses légères de 7,62 mm jumelées approvisionné à coups.  Cette nouvelle AML 90 tout aussi mobile et mieux armée se vendit bien en Afrique où les budgets militaires des pays nouvellement indépendants ne pouvaient absorber l'achat de chars plus lourds.  L'AML 90 évolua elle aussi donnant naissance à l'AML 90 Lynx. Celle-ci reçut une tourelle de conception Hispano-Suiza comportant un canon de GIAT F1, un équipement de vision nocturne et un télémètre laser.

Les Eland MK 7/Eland 60 et Eland 90 sud-africaines.

Au début des années 1960, l'Afrique du Sud adopte l'AML-60 qu'elle importe de France mais rapidement elle en obtient la licence de fabrication. Une firme locale (Reumtech) l'adapte aux dures conditions du combat en Afrique australe en créant l'Eland MK1 en 1962. Depuis, l'AM sud-africaine a connu plusieurs modifications. Ainsi les MK2 à MK4 sont dotées de freins, d'une pompe d'alimentation et d'un embrayage améliorés. La MK 5 (1972) reçoit une motorisation diesel. Adoptée en 1979, l'Eland MK7 dispose enfin d'un groupe turbodiesel d'origine commerciale (facilitant ainsi la logistique pour les mécaniciens des unités). Avant son remplacement par le Rooikat en 1990, elle était utilisée dans deux différentes versions :

Modernisation algérienne des AML.

A partir de 2012, l'Algérie a commencé à effectuer une modernisation en profondeur de son parc d'AML afin d'être plus adapté aux engagements en milieu désertique tout en offrant une puissance de feu et une portée d'engagement allant jusqu'à 8000 mètres.  Cette modernisation comprend 2 modèles :  Les 2 versions ont en commun :

Engagement des AML 60/90 et des AML/Eland.

Les AML 60/90 ont été utilisés lors de la guerre du Liban (1975-1990), en Rhodésie du Sud (1970-1980), lors de la guerre des Malouines (1982), par les forces de la République populaire du Bénin contre les mercenaires de Bob Denard en 1977, par les rebelles qui défendirent Kolwezi en 1978, par l'Irak durant la guerre Iran-Irak et la guerre du golfe de 1991, par les forces gouvernementales tchadiennes lors des guerres civiles au Tchad depuis 2005 et au Mali et durant l'intervention militaire du Kenya en Somalie de 2011/2012. L'Armée française en a déployé au Tchad (matériel équipant les unités du Régiment d'infanterie chars de marine et du Régiment Étranger de Cavalerie), au Sud-Liban et en Côte d'Ivoire (lors de l'Opération Licorne). Israël en a déployé pendant la guerre des Six Jours et la bataille de Karameh en 1968.  L’Eland sud-africain a été engagé en Rhodésie et en Angola en 1978. Enfin, l'armée royale marocaine a engagé ses AML et ses Eland contre le Front Polisario durant la guerre du Sahara occidental.

La Panhard AML est une automitrailleuse légère (AML) fabriquée par la firme Panhard qui équipa l’armée de Terre française au cours des années 1960. Elle était proposée avec un mortier (AML 60) ou un canon (AML 90). La France les a remplacées mais de nombreux pays africains en possèdent encore.


Origine.

À la différence de la plupart des États européens, l'Italie a été unifiée tardivement, comme l'Allemagne, et apparaît donc tardivement sur le « marché » colonial ; elle se doit donc de concurrencer ses rivaux européens dans le domaine colonial, mais aussi dans les domaines naval et militaire.  À partir de 1929, l'expansion impérialiste devient un des thèmes favoris des discours de Mussolini. Il soutient ainsi que l'expansion coloniale est une nécessité démographique et économique pour un pays comme l'Italie. L'expansion colonialiste se retrouve aussi dans le désir de Mussolini de remplacer le Royaume-Uni et, dans une moindre mesure, la France en tant que puissance dominante en Méditerranée.

Composition.

En Afrique.

Afrique orientale.

La colonie de Somalie italienne est établie dans les années 1889-1890. Elle s'étend en 1925 sur le Jubaland aux dépens du Kenya britannique.  La colonie de l'Érythrée est fondée en 1889. Considérée comme un prestigieux projet colonial pendant l'ère fasciste, sa capitale Asmara conserve encore à ce jour quelques bâtiments et monuments datant de l'époque coloniale. Cette ville se trouve d'ailleurs sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO.  La première tentative des Italiens de conquérir l'Empire éthiopien (1895-1896) se solde par une défaite retentissante à Dogali, en 1887, où une colonne de l'armée italienne est taillée en pièce par l'armée éthiopienne. En 1896, après une sévère défaite à Adoua, l'Italie se voit forcée de reconnaître l'indépendance de l'Éthiopie. Toutefois, une seconde guerre italo-éthiopienne éclate en octobre 1935, et le, le roi d'Italie Victor-Emmanuel III est proclamé empereur d'Éthiopie. L’historien Angelo del Boca souligne que la conquête de l’Éthiopie fut accompagnée de nombre d'atrocités: usage de gaz interdits par la convention de Genève, viol des femmes, sévices infligés aux enfants, pendaison des hommes.  L'Afrique orientale italienne est formée par deux colonies : l'Érythrée et la Somalie italienne auxquelles s'ajoutent un territoire occupé : l'Abyssinie (Éthiopie). Mussolini rêve d'envoyer des millions de colons italiens en Afrique orientale et il a beaucoup d'espoir de rentabiliser ces territoires.  Cependant, en envahissant l'Empire éthiopien, pays membre de la Société des Nations, l'Italie s'attire les foudres de la communauté internationale. Par ailleurs, sa politique coloniale se soldera par un échec, l'Abyssinie ne sera que partiellement occupée pendant cinq ans.

Libye.

Plus au nord, l'Italie acquiert en 1911 les territoires africains de la Tripolitaine et de la Cyrénaïque au détriment de l'Empire ottoman, conformément au traité de Lausanne, après la courte guerre italo-turque. La proximité de cette colonie vis-à-vis de la métropole est évidemment un atout majeur. Peu après l'annexion de ces territoires, l'Italie signe un traité avec la France, où la France et l'Italie se reconnaissent mutuellement dans leurs territoires coloniaux, et pour fixer les frontières de l'Afrique du Nord. En 1934, la Tripolitaine et la Cyrénaïque sont unies pour former la colonie de la Libye, un nom utilisé ans auparavant par l'empereur Dioclétien. L'Italie perd le contrôle de la Libye pendant la guerre du désert, lorsque les forces allemandes et italiennes se retirent de Tunisie en 1943.

En Chine.

En 1901, l'Italie, de même que plusieurs autres pays européens, se voit reconnaître une concession dans la ville de commerce de Tianjin, en Chine. La concession italienne, avec ses quarante-six hectares, est l'une des plus petites zones européennes de la ville. L'accord de concession cesse en 1943. La concession est reprise par les occupants japonais.

En Europe.

Dodécanèse.

L'archipel du Dodécanèse fait partie des acquisitions territoriales italiennes pendant la guerre italo-turque de 1911-1912. On considère le contrôle de Rhodes et de ces îles environnantes comme un défi pour l'Italie face à la domination britannique en Méditerranée. L'archipel est occupé par Allemands en, après la chute de Mussolini.

Albanie.

L'Albanie n'est plus indépendante de fait, avant la décision italienne de conquérir et d'occuper le royaume en 1939. Selon certains observateurs, les raisons de cette attaque subite sont multiples, mais il s'agit probablement d'une volonté de répondre aux récentes annexions de l'Allemagne nazie. L'invasion de l'Albanie débute le. En quelques jours, le royaume est annexé et son roi Zog I s'enfuit au Royaume-Uni.  Victor-Emmanuel III est proclamé souverain du nouveau Royaume albanais, et un gouvernement fasciste dirigé par Shefqet Verlaci est mis en place. Les forces armées albanaises sont englobées dans des unités italiennes. La résistance à l'occupation italienne augmente rapidement en 1942 et 1943. À l'été 1943, l'intérieur montagneux du pays est contrôlé par des résistants communistes menés par Enver Hoxha.

Yougoslavie.

En 1941, après l'invasion et le démembrement de la Yougoslavie, les Italiens, qui connaissaient avec ce pays un litige territorial de longue date, annexent une partie des actuels Monténégro, Croatie, Slovénie, Kosovo et Macédoine. Sur le territoire croate, ils annexent la Dalmatie où ils possédaient déjà la province de Zara. Deux nouvelles provinces sont ajoutées à celle-ci pour former le gouvernorat de Dalmatie. Une partie de la Slovénie - le reste étant partagé entre les Allemands et les Hongrois - devient la province de Ljubljana. Les occupants italiens projettent de restaurer la monarchie monténégrine pour faire du Monténégro un État-satellite à l'égal de l'Albanie. Mais, du fait de l'insurrection générale que connaît ce territoire, le projet est vite abandonné et le Monténégro devient un simple gouvernorat. La région monténégrine des bouches de Kotor est par contre intégrée au gouvernorat de Dalmatie. Plusieurs régions yougoslaves peuplées majoritairement d'Albanais - l'essentiel du Kosovo, l'ouest de la Macédoine et certaines régions monténégrines - sont intégrées par les Italiens à leur protectorat albanais.

Fin de l'empire colonial italien.

Le régime de Mussolini rêvait d'un "nouvel empire romain" en Méditerranée et dans le nord-est de l'Afrique. La défaite de ce régime lors de la Seconde Guerre mondiale met fin à cet espoir.  La fin de l'empire colonial italien commence en Éthiopie d'où les Italiens sont rapidement chassés par les forces de l'empire britannique qui ramènent le Négus Haïlé Sélassié à Addis-Abeba, cependant que, au sud, la Force Publique du Congo belge remporte les victoires d'Asosa, de Gambela, de la Bortaï et de Saïo. La perte finale de leur empire par les Italiens est consommée en 1943. Engagés dans la guerre du désert, les Italiens sont chassés de Libye par les Britanniques et les Forces françaises libres. En, après la capitulation de l'Italie, l'Albanie, le Dodécanèse et les zones italiennes en Yougoslavie sont occupées par les Allemands, tandis que la Dalmatie est annexée par l'État indépendant de Croatie. Au printemps 1945, les communistes yougoslaves envahissent non seulement les anciennes zones d'occupation italiennes, mais également divers territoires que l'Italie avait obtenus à la fin de la Première Guerre mondiale. La population italienne y est victime de massacres.  La fin officielle de l'Empire est entérinée au traité de Paris en 1947. L'Italie perd toutes ses possessions hors d'Europe, les zones conquises pendant la Seconde Guerre mondiale, et doit en outre céder à la Yougoslavie l'essentiel de l'Istrie, une partie de la Vénétie julienne et la région de Zara. L'ancienne Libye italienne est placée sous administration franco-britannique avant de devenir en 1951 le Royaume-Uni de Libye. L'administration de la colonie de la Somalie italienne est confiée par les Nations unies à l'Italie de 1949 à 1960.

Le royaume d'Italie a développé un empire colonial de la fin du au milieu du. L'apogée de cet empire se situe en 1940 : l'Italie possède alors des territoires en Méditerranée, en Afrique, en Asie et dans les Balkans.


Biographie.

Jeunesse.

Les histoires varient considérablement au sujet de la naissance de Benkei. Certaines disent que son père était un dirigeant de sanctuaire qui avait violé sa mère, fille d'un forgeron. D'autres affirment qu'il a été créé par un dieu du temple. Beaucoup lui donnent les attributs d'un démon, un enfant monstrueux avec des cheveux rebelles et de longues dents. Son nom d'enfance est censé avoir été Oniwaka (鬼若), soit « l'enfant du démon ».  Il rejoint le cloître à un jeune âge et fait de nombreux voyages dans les monastères bouddhistes du Japon qui, à cette époque, étaient d'importants centres d'administration et de culture, et possédaient des armées privées de moines-guerriers. Comme beaucoup d'autres moines, Benkei fut probablement entraîné dans l'art de la guerre. À l'âge de 17 ans, il quitte le monastère bouddhique et rejoint les "yamabushi", une secte de moines montagnards reconnaissables à leurs manteaux noirs (au Japon, Benkei est souvent représenté avec ce costume).

Rencontre avec Yoshitsune.

Au début, il se trouve au mont Hiei. Mais à cause de sa violence, il est renvoyé. Il rase sa tête et il change son nom en Musashibou Benkei. Après cela, il va à Shikoku, puis à la province de Harima. Là-bas, il répète ses excès de violence et met le feu au temple Engyō-ji du.  Finalement, Benkei va à Kyōto et se lance le défi de prendre leur sabre à mille hommes. Il se poste sur le pont de Gojō, où il attaque tous les hommes d'armes qu'il croise, collectionnant ainsi neuf cent quatre-vingt-dix-neuf sabres. À son millième duel, Benkei est vaincu par Minamoto no Yoshitsune, un membre du clan Minamoto : Yoshitsune arrive en jouant de la flûte ; Benkei essaie de lui prendre son sabre, mais Yoshitsune esquive en sautant avec beaucoup de légèreté.

Vassal de Yoshitsune.

Après cela, Benkei devient le vassal de Yoshitsune et se bat à ses côtés contre le clan Taira durant la guerre de Genpei. Yoshitsune a à son crédit la majeure partie des victoires du clan Minamoto durant la Guerre de Genpei et spécialement la bataille navale décisive de Dan-no-ura. Après la fin de la guerre, Yoshitsune rejoint la cour de l'empereur retiré Go-Shirakawa, et lorsque les relations se dégradent entre l'ancien empereur et le frère aîné de Yoshitsune, Minamoto no Yoritomo, ce dernier se retourne contre lui.  Durant les deux ans d'épreuves suivants, Benkei accompagne Yoshitsune, à présent hors-la-loi, et l'aide à se cacher dans sa fuite. Par exemple, pour franchir la barrière de Ataka dans la Province de Kaga, Benkei frappe avec son bâton Yoshitsune déguisé en porteur afin de prouver qu'il est son serviteur et non son maître.  Finalement Yoshitsune est encerclé en 1189 à la bataille de la Koromo-gawa. La légende raconte comment Benkei, transpercé de dizaines de flèches, combat jusqu'à la fin, et meurt debout, restant figé dans cette position même après sa mort.

Postérité.

L'honneur et la loyauté de Benkei font de lui l'une des personnalités les plus populaires du folklore japonais. Sa légende fut notamment racontée dans des "gunki monogatari" tels que "Heike monogatari", le "Genpei Jōsuiki", le "Gikeiki" et le "Benkei monogatari". Il fut également sujet de nombreuses pièces de théâtre "nô" et de "kabuki".  Dans une pièce de "kabuki", Benkei est placé dans un dilemme moral, pris entre le mensonge et la protection de son seigneur, dans le but de passer un pont. Le moment critique de la pièce est lorsque le moine réalise sa situation et prie pour faire ce qu'il doit. Dans une autre pièce, Benkei va jusqu'à tuer son propre enfant pour sauver la fille d'un seigneur. Dans la pièce de "kabuki" "Kanjinchō" (filmée par Akira Kurosawa dans "Les Hommes qui marchèrent sur la queue du tigre"), Benkei doit battre son propre maître, déguisé en porteur, pour éviter de révéler son déguisement.  Parallèlement à la littérature, les légendes orales se sont multipliées à propos de Benkei, tant au Japon qu'en Russie. On raconte que Benkei et son maître Yoshitsune, après avoir séjourné à Hiraizumi, dans la région de Tōhoku, auraient gagné secrètement la Russie, où leurs traces se seraient perdues. Dans d'autres versions, Yoshitsune serait devenu Gengis Khan.

Benkei (弁慶), de son nom complet Saitō Musashibō Benkei (西塔武蔵坊弁慶) (1155-1189), est un "sōhei" (moine-guerrier) et un "yamabushi" de l'époque de Heian qui fut un compagnon de Minamoto no Yoshitsune. Il est généralement décrit comme un homme très fort (il était censé mesurer plus de 2 mètres) et très loyal et est l'un des sujets favoris du folklore japonais. Sa vie a été tellement utilisée et distordue dans le "kabuki" et le théâtre "nô" qu'il est aujourd'hui impossible de distinguer la vérité de la légende.


Architecture.

Naissance d'un nouvel urbanisme.

L'une des caractéristiques de l'époque hellénistique est la division de l'empire d'Alexandre le Grand en petits empires personnels fondés par les diadoques, généraux du conquérant : Lagides en Égypte, Séleucides en Syrie, Attalides à Pergame, etc. Chacune de ces dynasties pratique un mécénat royal qui diffère de celui des cités. Dans le domaine architectural, cela se traduit par de vastes plans d'urbanisme et de grands complexes dont les cités ont perdu l'habitude depuis le Cet urbanisme est assez novateur pour le monde grec, puisqu'au lieu de contraindre le lieu et de corriger ses défauts, il met en valeur la nature et s'y adapte. On note l'apparition de nombreux lieux de plaisance, notamment une multiplication des théâtres et des lieux de promenade. Les monarchies hellénistiques sont ici avantagées car elles disposent souvent de vastes espaces où sont construites des villes "nouvelles" : ainsi d'Antioche, de Pergame, de Séleucie du Tigre, et bien sûr d'Alexandrie.  Pergame en particulier constitue un exemple caractéristique de l'architecture hellénistique. À partir d'une simple forteresse située sur l'acropole, les différents rois attalides érigent un complexe architectural colossal. Les bâtiments sont déployés en éventail autour de l'acropole pour tenir compte de la nature du terrain. L'agora, située au sud, sur la terrasse la plus basse, est bordée de galeries à colonnades ou "stoai". Elle est le point de départ d'une rue qui traverse toute l'acropole : elle sépare d'une part les bâtiments administratifs, politiques et militaires, à l'est et au sommet du rocher ; d'autre part les sanctuaires à l'ouest, à mi-hauteur. Parmi ces derniers, le plus important est celui qui abrite le grand autel monumental, dit « des douze dieux » ou « des dieux et des géants », constitue l'un des chefs-d'œuvre de la sculpture grecque. Un gigantesque théâtre, pouvant contenir près de 10 000 spectateurs, déploie ses gradins sur les flancs de la colline.

Renouveau de l'architecture religieuse.

C'est l'époque du gigantisme : ainsi du second temple d'Apollon à Didymes, situé à une vingtaine de kilomètres de Milet, en Ionie. Il est conçu à la fin du par Daphnis de Milet et Paionios d'Éphèse mais les travaux, jamais achevés, se poursuivront jusqu'au Le sanctuaire est l'un des plus grands jamais construits dans la zone méditerranéenne : à l'intérieur d'une vaste cour (21 mètres 70 sur 53 mètres 60), la "cella" est entourée par une double colonnade de 108 colonnes ioniques hautes de près de 20 mètres, dont les bases et les chapiteaux sont richement sculptés.

Sculpture.

Au IVe siècle la sculpture hellénistique, tout comme l'art, n'est qu'un germe, qui se développe surtout au IIIe, IIe, et Ier siècles, grâce au réel déplacement du centre de gravité politique du monde grec vers l’Orient avec les royaumes attalide d’Asie Mineure, séleucide du Proche-Orient et lagide d’Égypte. Avec ce déplacement géographique apparaissent alors des centres artistiques purement grecs à Pergame, à Antioche, à Alexandrie et la diffusion de l’art grec, mêlé à des influences locales, se retrouve jusqu’à Aï Khanoum dans l’Afghanistan actuel.  La sculpture hellénistique reprend les innovations du second classicisme : ronde-bosse parfaite, permettant d'admirer la statue sous tous les angles ; étude des drapés et effets de transparence des vêtements ; souplesse des attitudes. L'imitation de la nature et de l'homme va jusqu'à l'illusion du mouvement réel : il s'agit de représenter l'homme dans tous ses détails (barbe, muscles, os, traits du visage, drapés...) pour se rapprocher au plus près du réel, en donnant vie à la statue. Les sculpteurs cherchent à se dégager des contraintes architecturales, de la loi de la pesanteur : ils préfèrent les contrastes plutôt que l'harmonie que l'on trouve dans l'époque classique. De nouvelles formes et de nouveaux styles ont été ajoutés au répertoire sculptural, sans pour autant que les anciennes formes ne soient abandonnées. Il s’agirait ici, non pas d’un style associé à une époque, mais plutôt d’un langage artistique qui se serait élargi pour être en mesure de répondre à de nouveaux besoins, à de nouvelles exigences et à de nouvelles catégories de sujets.  Ainsi, la Vénus de Milo, tout en copiant un type classique, se distingue par la torsion de ses hanches. On recherche avant tout l'expressivité et l'atmosphère. Cette recherche est particulièrement flagrante dans les portraits : plus que l'exactitude des traits représentés, l'artiste veut rendre le caractère de son modèle. Dans la grande statuaire, l'artiste explore des thèmes comme la souffrance, le sommeil ou la vieillesse. Ainsi le "Faune Barberini" de Munich représente un satyre endormi, à la pose relâchée et au visage anxieux, peut-être en proie aux cauchemars. La "Femme ivre", également à Munich, montre sans détour une vieille femme, maigre, hagarde, serrant contre elle sa jarre de vin.

Les sources littéraires de la sculpture hellénistique.

Parmi les écrivains dont les œuvres nous sont parvenus, Pline l'Ancien et Pausanias sont les plus importants. Pline l'Ancien, malgré son silence sur la période 296-156 av. J.-C., reste précieux pour le bref aperçu qu’il donne de la sculpture de la fin du au début du, où il parle de Praxitèle, de Lysippe, de leurs élèves, et des statues réalisées pour Alexandre et les Diadoques. Il fait aussi mention des sculpteurs de la cour des Attalides et du néoclassicisme de la fin du IIe siècle. Si Pline a ignoré une si longue période de la sculpture grecque c'est parce que pour lui la sculpture avait atteint son apogée au IVe siècle et que l’art hellénistique n’était d’abord qu’une nécessaire décadence après la perfection classique.  La vision de Pline en matière d’histoire de l’art correspond à la doctrine transmise par les maîtres du classicisme. Pausanias dans "Le Guide de la Grèce", se démarque de la tradition d’histoire de l’art de Pline, il décrit les statues d’un point de vue plus antiquisant et archéologique.

La veine réaliste.

La notion de réalisme est employée afin de définir le genre des portraits qui devient très important à l'époque hellénistique. Le portrait hellénistique se définit par la ressemblance avec son modèle. Cependant, selon Roland Barthes, les Grecs recherchaient non pas le réalisme, mais un « effet de réel » et aussi une plus grande mise en mouvement de la sculpture.

La veine baroque.

Les groupes historiques et mythologiques sont un trait nouveau de la sculpture hellénistique et ces groupes constituaient sans doute les plus grands monuments votifs de leur époque. C’est probablement dans le contexte de ces groupes que le baroque hellénistique est élaboré, c'est un style destiné à la caractérisation générale de l’univers sublime et tumultueux des héros épiques. Les compositions sont dynamiques et montrent des actions violentes où les sentiments sont exprimés dans des scènes pathétiques et expressives, les formes sont variées, les effets de tissus bouillonnants et les musculatures extrêmement puissantes et tendues. On donne le plus souvent comme exemple Laocoon le prêtre troyen et ses deux enfants se faisant attaquer par des serpents, scène décrite à la fois dans l'"Odyssée" et l"'Énéide." Cette scène comme prise sur le vif, où la tension dramatique est traduite sur les visages des personnages, où l'expressivité est rendue par des yeux exorbités, désespérés et éperdus montre la réelle détresse des personnages. Laocoon, sans accorder un regard à ses fils mourants, les muscles tendus, le corps tordu, tente de se débarrasser des serpents qui l'enserrent. Dans cette statue, contrairement aux piliers d'appui très voyants dans l'art classique, les sculpteurs hellénistiques veulent au contraire les incruster, les camoufler. Ainsi les serpents servent à soutenir les statues tout en faisant partie de l’œuvre. Cette oeuvre représente toute la veine baroque qu'on donne à l'époque hellénistique, ce goût du pathétique, du "pathos".  La Victoire de Samothrace est elle aussi une figure qui s'inscrit dans le nouveau style baroque hellénistique. Elle représente une femme au corps ailé, Niké, déesse messagère de la victoire. On la voit se posant sur la proue d'un navire victorieux, le vent plaquant le tissu de ses vêtements contre son corps laissant apparaître par transparence la torsion de son corps. Cette statue avec son drapé et son impression de mouvement représente elle aussi le style baroque.

Les ateliers pergaméniens.

Pergame ne se distingue pas seulement pour son architecture : elle est également le siège d'une école de sculpture brillante, dite du « baroque pergaménien ». Les sculpteurs, tout en citant les siècles précédents, mettent en scène des moments douloureux qu'ils rendent expressifs par des compositions tridimensionnelles, souvent en "« V »", et un hyperréalisme anatomique. Attale I (269‐197 av. J.-C.), pour commémorer à sa victoire du Caïque (237 av. J.-C.) contre les Celtes de Galatie — appelés « Galates » par les Grecs —, fait sculpter deux séries de groupes votifs : le premier, consacré sur l'acropole de Pergame, comprend les célèbres "Galate mourant" et "Gaulois se suicidant avec sa femme", dont l'original est perdu (la meilleure copie se trouve au palais Massimo alle Terme de Rome) ; le second groupe, offert à Athènes, est constitué de petits bronzes de Grecs, d'Amazones, de dieux et de Géants, de Perses et de Gaulois. L'Artémis Rospigliosi du Louvre est probablement une copie de l'un d'entre eux ; quant aux copies de « Gaulois blessés », elles sont très nombreuses à l'époque romaine. L'expression des sentiments, la force des détails — ici, les chevelures et moustaches broussailleuses — et la violence des mouvements sont les caractéristiques du style pergaménien.  Ces caractéristiques seront poussées à leur paroxysme dans les frises du Grand Autel de Pergame, orné sur l'ordre d'Eumène II (197‐159 av. J.-C.) d'une gigantomachie qui s'étale sur 110 mètres de long, illustrant dans la pierre un poème composé spécialement pour la cour. Les Olympiens y triomphent, chacun de leur côté, de Géants dont la plupart sont transformés en bêtes sauvages : serpents, oiseaux de proie, lions ou taureaux. Leur mère Gaïa, venue à leur aide, ne peut rien faire et doit les regarder se tordre de douleur sous les coups des dieux.

La veine rococo.

À l'opposé du style baroque, le rococo hellénistique favorise des thèmes galants plus anecdotiques, comme des enfants jouant, ou encore des personnages grotesques, ou des scènes mettant en jeu les cortèges de Dionysos et d'Aphrodite. Le ton est plus léger et décoratif. Le groupe d'Aphrodite, Pan et Éros représente cette veine rococo, thème plus léger, ici aphrodisiaque.

Les styles rétrospectifs.

Un autre phénomène apparaît dans la sculpture hellénistique : la privatisation, qui mène à la reprise de schémas publics anciens dans la sculpture de décor. Ce type de style rétrospectif existe aussi dans la céramique. Les portraits quant à eux se teintent de naturalisme, sous l'influence de l'art romain. On trouve ainsi un courant néoclassique, marqué par des visages doux et idéalisés, un canon élancé, une sensualité de chairs, des effets de drapés et une tridimensionnalité, ou encore un courant néo-archaïque, marqué par le port du chiton et d'un himation transversal ainsi que par des plis torsadés.

Peinture et mosaïque.

Peu d'exemples de peinture murale grecque ont traversé les siècles. Longtemps, il a fallu se contenter d'étudier les héritages hellénistiques dans les fresques romaines, par exemple celles de Pompéi ou d'Herculanum. Certaines mosaïques permettent cependant d'avoir une bonne idée de la « grande peinture » de l'époque : ce sont des copies de fresques. Ainsi de la célèbre « mosaïque d'Alexandre », montrant l'affrontement du jeune conquérant et du Grand Roi Darius III à la bataille d'Issos, mosaïque qui orne les murs de la Maison du Faune. Elle copie une œuvre décrite par Pline l'Ancien (XXXV, 110) comme ayant été peinte par Philoxénos d'Érétrie pour Cassandre de Macédoine à la fin du. La mosaïque nous permet d'admirer le choix des couleurs, la composition de l'ensemble en mouvement tournant et l'expressivité des visages.  Des découvertes archéologiques effectuées notamment au cimetière de Pagases (actuelle Volos), au bord du golge Pagasétique, ou encore à Verghina (1987), dans l'ancien royaume de Macédoine, ont permis de mettre au jour des œuvres originales. Ainsi, la tombe dite de Philippe II a livré une grande frise représentant une chasse au lion royale, remarquable par sa composition, l'étagement des personnages dans l'espace et sa représentation réaliste de la nature.  L'époque hellénistique est également la période du développement de la mosaïque, notamment avec les réalisations de Sôsos de Pergame, actif au et seul artiste mosaïste cité par Pline (XXXVI, 184). Son goût pour le trompe-l'œil et les effets de matière se retrouve dans les quelques réalisations qui lui sont attribuées comme le "Sol non balayé" du musée du Vatican, où sont représentés les reliefs d'un repas (arêtes de poissons, os, coquilles vides, etc.) et le "Bassin aux colombes" du musée du Capitole, connu par une reproduction découverte dans la villa Adriana. Certains spécialistes, comme Michael Donderer, pensent même qu'il s'agit de l'original. On y voit quatre colombes perchées sur le bord d'un bassin rempli d'eau. L'une d'elles s'y abreuve tandis que les autres semblent se reposer, ce qui crée des effets de reflets et d'ombre dans l'eau, parfaitement étudiés par l'artiste.

Céramique.

L'époque hellénistique est celle du déclin pour la peinture sur vase. Les vases les plus répandus sont noirs et unis, avec un aspect brillant qui se rapproche du vernis, décorés de motifs simples de fleurs ou de festons. C'est également l'époque où apparaissent les vases en relief, sans doute en imitation des vases en métaux précieux : des volutes en relief sont appliquées sur le corps du vase, ou encore celui-ci reçoit des nervures ou des godrons. On trouve également des reliefs plus complexes, à base d'animaux ou de monstres mythologiques. Les formes de vase s'inspirent également de la tradition du métal : ainsi du lagynos, jarre de vin typique de l'époque.  Parallèlement subsiste une tradition de peinture figurée polychrome : les artistes recherchent une plus grande variété de teintes que par le passé. Cependant, ces nouvelles couleurs sont plus délicates et ne supportent pas le feu. On peint donc après cuisson, contrairement à l'usage habituel. La fragilité des pigments interdisant une utilisation fréquente de ces vases, ils sont réservés à un usage funéraire. Les exemplaires les plus représentatifs de ce style proviennent de Centuripe, en Sicile, où un atelier est actif au. Ces vases se caractérisent par un fond peint en rose. Les personnages, souvent féminins, sont représentés vêtus d'habits colorés : chiton bleu-violet, himation jaune, voile blanc. Le style rappelle celui de Pompéi et se situe beaucoup plus du côté de la grande peinture contemporaine que de l'héritage de la figure rouge.

Arts mineurs.

Art du métal.

Des progrès dans le coulage du bronze permettent aux Grecs de réaliser des grandes pièces, telles le fameux Colosse de Rhodes, haut de 32 mètres. Celui-ci se brise dans un tremblement de terre : comme lui, beaucoup de grands bronzes ont été perdus — la plupart fondus pour récupération du matériau. Il ne reste donc plus que les petits objets. Heureusement, à l'époque hellénistique, la matière première abonde suite aux conquêtes orientales.  Le travail des vases en métal prend une nouvelle ampleur : les artistes rivalisent de virtuosité. À Panagjurište (actuelle Bulgarie), on a ainsi retrouvé des vases en or habilement sculptés : sur une amphore, deux centaures cabrés font figure de poignées. À Derveni, non loin de Salonique, une tombe a livré un grand cratère à volutes en bronze datant de 320 av. J.-C. environ et pesant 40 kilos. Il est décoré d'une frise à figures en relief haute de 32 centimètres, représentant Dionysos entouré d'Ariane et de son thiase. Le col est décoré de motifs ornementaux tandis que quatre satyres en ronde-bosse sont négligemment assis sur l'épaule du vase (cf. cratère de Derveni). L'évolution est similaire dans l'art du bijou. Les joailliers de l'époque excellent à traiter les détails et les filigranes : ainsi, les couronnes funéraires présentent des imitations de feuilles d'arbre ou d'épis de blé très réalistes. C'est à cette époque que les incrustations en pierres précieuses se répandent.  Les figurines sont également à la mode. Elles représentent des divinités autant que des sujets de la vie courante. Ainsi émerge le thème du « négrillon », particulièrement dans l'Égypte lagide : ces statuettes d'adolescents noirs connaîtront le succès jusqu'à l'époque romaine. Parfois, on se borne à reprendre un type de la grande sculpture : on trouve ainsi de nombreuses répliques en miniature de la "Tyché" (« Bonne fortune ») d'Antioche, dont l'original date du début du.

Figurines en terre cuite.

Auparavant à finalité exclusivement religieuse, qu'elle soit funéraire ou votive, les figurines en terre cuite peuvent connaître, à la fin de l'époque hellénistique, un usage décoratif. Le raffinement de la technique du moulage et des traitements de surface particulièrement subtils (peinture ou dorure) permettent d'obtenir de véritables statues miniatures, atteignant un haut degré de détail.  À Tanagra, en Béotie, les figurines, peintes de couleurs vives, représentent le plus souvent des femmes élégantes dans des scènes pleines de charme tirées de la vie quotidienne. À Smyrne, en Asie mineure, deux grands styles cohabitent. C'est d'abord la reproduction des chefs d'œuvre la grande sculpture : on trouve ainsi des Hercule Farnèse en terre cuite dorée. Dans un genre totalement différents, ce sont aussi les « grotesques », qui contrastent violemment avec les canons de la « beauté grecque » : le coroplaste représente ici des corps difformes dans des poses torturées — bossus, épileptiques, hydrocéphales, femmes obèses, etc. On a pu ainsi se demander s'il ne s'agissait pas de modèles médicaux, la ville de Smyrne étant réputée pour son école de médecine. Il pourrait plus simplement s'agir de caricatures destinées à faire rire. Les grotesques sont également répandus à Tarse et à Alexandrie.

Art du verre et glyptique.

C'est à l'époque hellénistique que les Grecs, qui ne connaissaient jusqu'alors que le verre moulé, découvrent le soufflage, permettant ainsi de nouvelles formes. L'art du verre se développe surtout en Italie. Le verre moulé subsiste, notamment pour la création de bijoux en intaille.  La gravure sur gemme ne progresse guère, se cantonnant à des œuvres de grande production, sans originalité. En revanche, le camée fait son apparition : il s'agit de tailler en relief dans une pierre composée de plusieurs couches colorées, afin de faire ressortir le relief par des effets de couleur. Il est ensuite monté en pendentif ou en bague. L'époque hellénistique produit quelques chefs-d'œuvre comme le camée Gonzague, conservée au musée de l'Ermitage.

L’art de l'époque hellénistique a longtemps été la victime du relatif dédain attaché à la période. « "Cessavit deinde ars" » (« puis l'art disparut ») résume Pline l'Ancien dans son "Histoire naturelle" (XXXIV, 52), après avoir décrit la sculpture de l'époque classique. Pourtant, nombre des œuvres les plus connues de l'art grec appartiennent à cette période : le "Laocoon" du Vatican, la Vénus de Milo ou encore la Victoire de Samothrace.


Biographie.

Le comte Charles de Clarac émigra au début de la Révolution française, rentra en France sous le Consulat, après s'être formé par ses voyages et par ses propres forces en archéologie, en dessin, en chimie et en plusieurs langues étrangères, dont le grec ancien. Il vécut d'abord petitement à Paris de travaux de journalisme. Suivant les classes d'histoire et de littérature ancienne de l'Institut, il s'y fit remarquer et devint en 1808 précepteur des enfants du roi de Naples, Joachim Murat, qui le chargeat de diriger les fouilles de Pompéi.  Rentré en France à la Restauration des Bourbons, il obtint la permission d'accompagner l'ambassade du duc de Luxembourg au Brésil en 1816 ; au retour il visita la Guyane et les Antilles. Nommé en 1818 conservateur des Antiques au musée du Louvre, il en publia en 1820 une description sur le plan défini par son prédécesseur Ennius Quirinus Visconti. Il exerçait ces fonctions quand le musée acquit la Vénus de Milo dont il fit une notice spéciale en 1821. L'édition définitive de sa "Description du musée du Louvre" parut en 1830. L'Académie des beaux-arts l'admit comme membre libre en 1838.  Selon son biographe Alfred Maury

La Forêt vierge du Brésil.

Il avait accompagné en 1816, avec d'autres savants comme le naturaliste Auguste de Saint-Hilaire, la mission diplomatique du Duc de Luxembourg, que le roi Louis XVIII de France avait envoyé comme ambassadeur extraordinaire auprès du roi de Portugal, qui résidait dans la colonie brésilienne depuis 1809, ayant fui l'invasion française. Arrivée le 31 mai à Rio de Janeiro, le duc était de retour en France avant la fin de l'année.. Le comte de Clarac dessina au Brésil de nombreux croquis dans le but de réaliser une grande aquarelle montrant l'intérieur de la forêt primitive brésilienne. Achevée en Europe, après une étude minutieuse des plantes tropicales cultivées dans les serres du parc du château du prince Maximilian zu Wied-Neuwied, il présenta son ouvrage, "la forêt vierge du Brésil", au salon de 1819. Fortier le grava sur cuivre en en 1822. Le naturaliste Alexandre de Humboldt, qui dans son "Essai sur la géographie des plantes" demandait aux artistes d'aller peindre sur place la prodigieuse richesse de la végétation du Nouveau Monde, loua le chef-d'œuvre de Charles de Clarac en raison de. Cette œuvre a été acquise en 2004 par le département des Arts graphiques du Musée du Louvre.  La "Forêt vierge du Brésil" fut la seule incursion du comte de Clarac dans le domaine artistique. Pour ses ouvrages imprimés, il fit toujours appel à des dessinateurs rémunérés. Bien que selon Alfred Maury, il était très éloigné des préjugés nobiliaires, les règles écartant les nobles du travail manuel purent le dissuader de poursuivre dans cette voie. Aussi bien, la "Forêt vierge du Brésil" en appelle autant à la science, comme le montre le commentaire de Humboldt, qu'à l'art.

Collection.

En 1843, la ville de Toulouse acquit l'important cabinet d'antiques du comte de Clarac, composé de sculptures, petits bronzes et près de six cents vases étrusques et grecs dont certains proviennent de la collection du chevalier Edme-Antoine Durand.

Charles Othon Frédéric Jean Baptiste de Clarac dit Charles de Clarac, né à Paris le et mort à Paris le, était un savant et archéologue français. Il fut conservateur des Antiquités et de la Sculpture moderne du Musée du Louvre de 1818 à sa mort.


Étymologie.

Ce terme dérive du latin "locusta" « sauterelle ; langouste », par conséquent, les « locustes de mer » peuvent désigner de nombreuses espèces de plusieurs infra-ordres de "Pleocyemata", par exemple des langoustes ou crevettes. Nommé d'après le terme latin, le genre "Locusta" Linnaeus 1758, est un des premiers genres de criquets scientifiquement décrit.

Descriptions.

Ces espèces peuvent se multiplier rapidement sous des conditions favorables et devenir grégaires et migratrices. Leurs nymphes forment alors des bandes larvaires et les adultes forment des essaims qui se déplacent sur de longues distances en ravageant végétaux sauvages et cultures où ils peuvent causer des dégâts considérables.

Les espèces.

Quelques exemples d’espèces de locustes sont :  Quelques espèces ne sont grégaires qu'épisodiquement :

Les essaims.

Formation des essaims.

Les criquets en phase solitaire ne se rassemblent pas naturellement. Les rassemblements ont donc lieu du fait de certaines conditions environnementales et sont probablement en relation avec la concentration d'une hormone, la sérotonine, dans leur cerveau. Une densification de la population de criquets peut avoir lieu lors de périodes cycloniques, des vents convergents poussent les criquets ailés vers une même zone. L'augmentation de la densité de population des criquets solitaires donne lieu à la naissance d'une génération de criquets grégaires qui tentent de rester groupés. Si les conditions restent favorables à la reproduction (abri du vent, végétation, concentration des pontes...), un essaim de criquets se forme rapidement.

Migration des essaims.

Un essaim peut contenir jusqu'à plusieurs milliards d'individus et couvrir un territoire de plusieurs milliers de kilomètres carrés. Le comportement d'un essaim est souvent comparé à celui des nuages, car il subit les mêmes effets du vent. Ainsi, un essaim prend principalement deux formes différentes: cumuliforme ou stratiforme. Sous l'action des vents, un essaim peut avancer de 200 kilomètres par jour.

Les locustes dans la culture.

Traces dans l'histoire.

L'Ancien Testament présente les criquets comme une plaie de l'humanité.

Audiovisuel.

Dans la série Les Envahisseurs, l'épisode Cauchemar (Nightmare épisode 7 de la saison 1) montre les Envahisseurs manipulant les nuées de locustes pour anéantir les ressources de l'Amérique puis du Monde.  Dans la saga vidéoludique Gears of War, les locustes sont une horde d'humanoïdes, au teint blafard et à la peau calleuse. Les locustes vivent sous terre et leur but est l'éradication pure et simple des humains vivant à la surface de la planète.

Locuste est un nom vernaculaire ambigu désignant en français plusieurs espèces de criquets grégariaptes appartenant à l'ordre des orthoptères. Contrairement aux sauteriaux, ils sont capables de se transformer complètement lorsque leur population atteint un certain seuil de densité pour devenir grégaires et migrateurs.


Origines.

Le "Phanar" (Φανάρι en grec, "Fener" en turc, parfois écrit "Fanar") est un quartier d’Istanbul, précédemment Constantinople. Son nom vient du mot grec "phanarion", signifiant phare, en référence au grand sémaphore qui avait dominé le quartier durant la période byzantine, et qui ne servait pas seulement d’amer aux navires, mais aussi de moyen de communication à grande distance (par fumées le jour et par feux la nuit, de différentes couleurs comme le décrit Skylitzès).  Après la prise de Constantinople par les Ottomans en 1453, le quartier du Phanar devint le refuge des chrétiens restés dans la ville, regroupés autour de l’église Saint-Georges, siège du Patriarcat orthodoxe.  Aux beaucoup de Phanariotes s’installèrent dans les principautés roumaines de Valachie et de Moldavie, vassales de l’Empire ottoman (mais non provinces turques comme les représentent par erreur de nombreuses cartes historiques) et finirent par les gouverner en tant que "hospodars". Ils furent accompagnés de nombreux autres Grecs ottomans (précepteurs, majordomes, intendants, gouvernantes, nourrices, artisans, commerçants, armateurs, lettrés, médecins, juristes, administrateurs...) auxquels ils se mélangèrent (ainsi qu'aux boyards et aux bourgeois roumains), formant ainsi une classe dominante qui y fut progressivement qualifiée de « Phanariote » ("pătura fanarioților") au point que les lettrés grecs de l’époque considérèrent les pays roumains (Μολδοβλαχία - « Moldo-Valachie » ou παραδουνάβιες χώρες - « pays près du Danube ») comme faisant partie du monde grec.

Familles.

Les Phanariotes pouvaient être originaires des îles de l’Égée, d’Épire, parfois d’origine albanaise comme les Ghica, roumaine comme les Racoviță ou les Callimaki, voire italo-levantine comme Gaspar Gratiani ; plusieurs familles aristocratiques étaient homonymes, et descendaient peut-être des familles impériales byzantines, de Constantinople ou de Trébizonde, mais la certitude de ces filiations manque, les archives présentant des hiatus. En voici une liste incomplète (le signe † indique que le nom s’est éteint) :  Argyropoulos - Aristarchi † - Balassaki †- Callimachi - Canano † - Canellou - Cantacuzène - Caradja - Caratheodori - Caryophyle † - Catargi(u) - Chrisoskoleon - Cosmopol - Eupraghioti † - Gheraki de Céphalonie - Ghermani - Ghica - Gratiani - Guliano-Paléologue † - Hangerli - Hrisoverghi - Iancoleo (della Rocca) † - Kavadas de Scio - Lambrino - Lapithi de Crète - Lascaris - Mamona - Manos - Mavrocordato - Mavrodi - Mavrogheni † - Mavromichalis - Morona † - Mourousi - Negri † - Nottarás de Corinthe - Palada de Crète - Petrini † - Plagino † - Ralli - Rhizo-Neroulo † - Rhizo-Rhangabé - Racoviță - Romalo - Rosetti - Scanavi - Skina - Soutzo - Tzouki † - Văcărescu - Vatatzès † - Veliki † - Ventura - Vlahuță - Vlasto de Crète - Vogoridi † - Xenopol - Ypsilanti - Zarifopol - Zerra †.

Spécificités.

Polyglottes parlant couramment grec, turc, russe, français, italien, roumain, parfois aussi allemand ou anglais, beaucoup de Phanariotes furent Drogmans (interprètes en chef) de la « Sublime Porte » de 1661 à 1821. Le mot « dragoman » est d'ailleurs à l'origine du mot français "truchement" qui désigne un intermédiaire, ce qu'est l'interprète. Cette fonction leur permit de diriger, avec le "reis effendi" la politique étrangère de l'Empire ottoman, et, avec le Capitan pacha, les îles de l'Égée, ainsi que de gouverner, comme hospodars, les principautés roumaines de Valachie et de Moldavie ou la principauté de Samos.  Très cultivés, souvent hellénistes, latinistes ou arabisants, certains des "Hospodars" des principautés roumaines furent des humanistes, créèrent des écoles, des hôpitaux, des routes, ou abolirent le servage (Constantin Mavrocordato mit en œuvre cette réforme en 1748 en Valachie puis en 1749 en Moldavie) ; inspirés par la philosophie des Lumières et encouragés par les progrès de la Russie qui commence à se poser en protectrice des chrétiens des Balkans et en éventuelle restauratrice de l'empire byzantin, plusieurs Phanariotes participèrent à des conspirations comme celles de la « Société des Amis ». Leurs liens avec la Russie et leur politique sur les trônes moldave et valaque furent parfois à l'origine de guerres comme la guerre russo-turque de 1806-1812, et ils furent nombreux à être pour cela exécutés par les sultans ottomans. Dans l'Empire ottoman, ils s'étaient également très fortement engagés dans le développement et/ou la restauration de l'éducation et de la culture grecque.  Mais d'autres Phanariotes, intéressés uniquement par l'argent et le pouvoir, se rendirent coupables aussi bien à Constantinople que dans les principautés roumaines, de corruption et d'intrigues qui finirent par leur donner mauvaise réputation : trop d'entre eux s'étaient étroitement intégrés au système clientéliste ottoman.  L’historiographie roumaine considère habituellement que les règnes des princes Phanariotes débutent en 1711 en Moldavie et en 1716 en Valachie, car ces dates marquent un changement politique : de 1711 et 1716, respectivement, jusqu'en 1821, les voïvodes ou hospodars ne furent plus élus par la noblesse roumaine, mais directement nommés par le Sultan ottoman, et choisis parmi les Phanariotes. Toutefois dès avant 1711 des princes hellénophones régnèrent déjà, tels les Ghica d’origine albanaise ou les Cantacuzène. L'insurrection grecque de 1821 mit un terme au crédit des Phanariotes auprès du Sultan, et la plupart s'exilèrent en Roumanie, Russie, Grèce et France, tels les princes Mourousi devenus russes, mais aussi une branche des Cantacuzènes et quelques autres.

Les Phanariotes d'Istanbul au.

Le Phanar est, avec Galata, le quartier où résident encore la plupart des derniers chrétiens hellénophones constantinopolitains (officiellement, sur 15 millions d'habitants). Ces deux quartiers ont chacun un club de football réputé dans toute l'Europe : respectivement le "Fenerbahçe" (littéralement, la « jeunesse du Fanar ») et le "Galatasaray" (littéralement : le « palais de Galata ») dans lesquels le Patriarcat orthodoxe détient des parts (il possède aussi plusieurs milliers de propriétés immobilières dans Istanbul, qui, avec son immense fortune foncière de Grèce septentrionale et insulaire, assurent sa prospérité). L'affrontement footballistique des deux clubs fait partie des derbys les plus « chauds » d'Europe et enflamme régulièrement Istanbul : c'est le derby intercontinental ("Kıtalararası Derbi").

Les Phanariotes sont un ensemble de familles aristocratiques de confession chrétienne orthodoxe, pour la plupart d’origine grecque, initialement regroupées dans le quartier du Phanar à Constantinople, et exerçant des fonctions importantes dans l’Empire ottoman après la chute de Constantinople. En Grèce, le mot "Phanar" est parfois utilisé pour désigner le patriarcat œcuménique de Constantinople.