Histoire.

Bien qu'aujourd'hui, la peinture à l'huile désigne exclusivement celle, autrefois, le mot « huile » désignait aussi bien les huiles « fixes » ou grasses que les huiles dites « essentielles », ou volatiles que nous appelons essences. L'« huile » de la peinture pouvait être toute espèce de liant non aqueux. L'intérêt de l'huile grasse et de diverses résines pour la peinture était connu dès le, mais son emploi malaisé, la consistance de la peinture, la nécessité d'attendre longuement entre chaque couche, s'opposaient à son emploi.  Vasari attribue au peintre flamand Jan van Eyck (1390-1441) l'invention de la peinture à l’huile, suivi par de nombreux auteurs. Il est certain que le procédé existait avant lui. Le moine Theophilus Presbyter mentionne ses difficultés au. Van Eyck l'a perfectionné associant des résines transparentes, durables et souples, à l'huile, entraînant son adoption générale. Ce procédé a permis d'utiliser l'huile pour des commandes pérennes, et plus tard de peindre sur châssis et non plus sur panneau. Il est vraisemblable que le modèle oriental des laques chinoises ait influencé les artistes européens.  L'avènement de la peinture à l'huile en Occident a été progressif. Les peintres du Moyen Âge utilisèrent la tempera qu'ils recouvraient parfois d'une couche huileuse protectrice. Au fil des générations, cette couche d'huile s'est progressivement chargée en pigment donnant ce que l'on peut qualifier de premier glacis. On retrouve d'ailleurs dans les tableaux des frères Van Eyck, sous d'innombrables couches de glacis cette sous-couche "a tempera". Les panneaux destinés à être peints étaient imprégnés de plusieurs couches de colle et d’enduit, lorsque le bois était imparfait, ce qui était souvent le cas dans les pays du sud (Italie, Espagne) ; ils étaient préalablement marouflés d’une fine toile afin de limiter les effets de dilatation ou de rétraction du bois.  Le passage de la tempera à l'huile voit aussi le passage du bois à la toile. Le bois avait pour inconvénient de limiter les dimensions des tableaux, d'une part à cause de la grandeur maximale qui pouvait être atteinte avec des planches, d'autre part par le poids des œuvres.  La toile montée sur châssis fait son apparition à partir du. On en trouve les premières utilisations sur des volets d'orgue à Venise. Ce sont d'ailleurs les Vénitiens qui diffuseront cette pratique en Italie dans le courant du et en Flandres par Rubens. La toile, généralement de lin, doit être recouverte d’une couche d’enduit qui permet à la peinture de s’accrocher. La peinture à l'huile qui produit un film souple convient parfaitement à ce support souple, qu'il est alors possible de rouler pour son transport.  Jusqu'au, les peintres prépareront leurs couleurs dans leurs propres ateliers. Les procédés sont issus de l'expérience, relèvent d'un savoir transmis par l'apprentissage dans l'atelier d'un maître, et varient de l'un à l'autre, par le choix des huiles, essences et résines, et les méthodes de préparation et d'application. La formulation varie selon l'usage qu'on en fait. Le précepte "gras sur maigre" en témoigne : les fonds se peignent avec des mélanges plus riches en résine (maigres), le dessus et notamment les glacis peuvent incorporer plus d'huiles (au sens moderne du terme, grasses). Van Eyck superpose de fines couches transparentes sur un fond clair, et utilise plus de résines que d'huile grasse. Rubens emploie du blanc, opaque, pour les lumières. Léonard de Vinci utilise moins de résines, et peint en couches très fines de pâte lisse et opaque. Titien abandonne les résines, sauf pour les glacis, peint opaque, revient sur ses peintures après des mois de séchage. Watteau peint plus rapidement, avec beaucoup de siccatifs, d'où un noircissement progressif des tableaux. Cette tendance s'amplifie au..

Composition.

Les couleurs à l'huile sont composées de pigments qui forment la matière colorée et d'un liant composé d'huile de lin purifiée ou d'œillette qui les lie et les agglomère. Le diluant ou solvant de la peinture à l'huile est l'essence de térébenthine ou l'essence de pétrole (ou des équivalents modernes non allergènes).  L'huile utilisée est généralement l'huile de lin ou l'huile d'œillette, voire l'huile de carthame ou de l’huile de noix. Ce que l'on appelle « séchage » est en réalité un phénomène de siccativation ou oxydation de l'huile, qui se polymérise et durcit, sans changer l'aspect de l'œuvre, et en quelque sorte, emprisonne les pigments et permet la conservation de la peinture.  La peinture à l'huile est une technique lente à sécher (on dit siccativer), par opposition à la peinture acrylique ou à l'aquarelle, qui sont des techniques aqueuses. Cette particularité permet à l'artiste de prendre le temps de mélanger ses couleurs, de récupérer une erreur et de retravailler son motif pendant plusieurs jours jusqu'à obtenir le fondu, le modelé de la forme, la touche qu'il désire.  Ces huiles naturellement siccatives pouvaient être additionnées de substances (toxiques comme la céruse) visant à accélérer le séchage. Les frères van Eyck créèrent la technique associant des résines transparentes, durables et souples, à l'huile.  Il est également possible d'obtenir des effets de matière ou de reliefs avec une pâte assez consistante. L'utilisation d'une spatule appelée aussi couteau permet d'obtenir du relief et d'augmenter ainsi la matière de l'œuvre.  On peut améliorer la consistance de la pâte par l'ajout de médiums à peindre, eux-mêmes fabriqués à partir du liant (huile) et de solvant (essence) auxquels on rajoute, éventuellement, pour améliorer la souplesse du film, une résine. Le médium rend la matière plus malléable et donc plus facile à étaler. La présence de résines ne change pas la dénomination courante de "peinture à l'huile".  Les médiums à peindre permettent aussi de respecter la règle du « gras sur maigre » (propre à la peinture à l'huile) qui veut que chaque couche de couleur soit plus grasse que la précédente afin que l'accroche soit solide et durable. L'explication en est très simple : les couches maigres, qui mettent peu de temps à sécher, entreraient en conflit avec les précédentes plus grasses et toujours en train de sécher, provoquant un phénomène variant entre la peau d'orange et celle du reptile au cours de la mue... À éviter, selon les traditions. Dans les premières étapes, la pâte sera donc maigre, par adjonction d'essence et progressivement deviendra plus grasse, par ajout d'huile ou de médium. L'œuvre sera finalement vernie grâce à un vernis à retoucher puis un vernis définitif.  L'utilisation de résines (gomme dammar, gomme mastic, térébenthine et térébenthine de Venise...) rend la peinture durable. Sans ces médiums la couche picturale se dégrade rapidement.

Broyage.

En peinture à l'huile, on appelle "broyage" le mélange du pigment en poudre avec le liant. Broyer un matériau, c'est le réduire en poudre ; autrefois, cette opération se faisait sur une pierre polie, avec adjonction d'un liquide pour maintenir la poussière de pigment. Pour la peinture à l'huile, on broyait généralement à l'eau, puis on laissait sécher les pains de poudre pigmentaire, avant de les broyer à nouveau, avec de l'huile ; certains pigments comme le massicot ou le minium devaient se broyer directement à l'huile pour ne pas perdre leur couleur.  Jusqu'au, les peintres, ou leurs élèves, broyaient eux-mêmes les pigments en poudre avec le liant et ils les employaient rapidement. Chacun développait sa technique, à base de différentes huiles, plus ou moins jaunissantes, utilisées crues ou cuites. Ainsi l'huile de lin, siccative et peu jaunissante, fut adoptée devant l'huile d'œillette et l'huile de noix, plus claires, mais moins siccatives.  Au sont apparues les premières couleurs industrielles, présentées dans des vessies de porc puis dans des tubes de peinture souple à partir de 1841. Aujourd'hui, la fabrication des couleurs à l'huile est principalement industrielle (Lefranc et Bourgeois, Sennelier, Winsor et Newton, Talens). Quelques fabricants ont gardé ou repris des manières traditionnelles afin de produire des couleurs plus proches de celles d'autrefois (Leroux, Blockx, Old Holland, Isaro, Michael Harding).  Les contraintes de stockage ont cependant eu une influence regrettable : les peintres de la Renaissance faisaient cuire des huiles, qui étaient dès le départ faites de graines torréfiées. Les peintures à l'huile prêtes à l'emploi modernes contiennent une huile crue, à base de graines étuvées, peu adhésive et peu siccative, qui permettent une plus longue conservation.

Emploi.

La technique est restée longtemps immuable : le peintre dessinait sa composition sur la toile ou sur le panneau de cuivre ou de bois préparé puis, après une éventuelle grisaille, montait son sujet avec les couleurs à l'huile, en couches minces, en donnant l'effet de lumière par le jeu des ombres et des reflets. Puis, une fois ces premières couches bien sèches, il les recouvrait de glacis teintés, transparents, qui harmonisaient la coloration générale. Le tout formait une surface bien unie, comme une toile cirée.  La technique a ensuite évolué, dès la fin de la Renaissance, les peintres commençant à expérimenter la pâte afin d'accentuer les lumières en leur donnant par exemple plus d'épaisseur. Ce procédé devint général et de nouvelles techniques sont nées : peinture en pleine pâte, à la touche, par touches séparées, avec ou sans ébauche préparatoire. Les peintres baroques (Rubens, Van Dyck) puis rococo (Boucher, Fragonard) et les Romantiques (Delacroix, Géricault) ont su exploiter avec brio cette écriture enlevée qui s'oppose à une manière plus lisse et « léchée » de traiter le sujet (peinture néo-classique, style pompier, surréalistes). La peinture à l'huile a la particularité de permettre les deux approches, entre autres.  Les Impressionnistes, et la peinture moderne par la suite, abandonne le traditionnel procédé par couches superposées pour une technique plus spontanée et directe, considérée autrefois comme pochade, dite "alla prima" - autrement dit, peindre en une seule séance, sans séchage entre les couches. Ces courants n'ont cessé d'explorer les limites de la peinture à l'huile.  Né des ateliers classiques et des grands formats, le métier traditionnel du peintre fut et demeure la base référentielle de la technique de l'huile. Les couches picturales du tableau sont superposées selon le principe du et exploitent les transparences de certains pigments, alliées à celle des médiums. On les appelle « jus » (très peu de pigment et beaucoup de diluant), « glacis » (très peu de pigment et beaucoup de médium corsé en résine), « vélatures » (très peu de pigment, beaucoup de médium corsé en résine et un petit peu de blanc). Par opposition à « pâte », « matière », « charge ».

La peinture en plein air ou « sur le motif ».

La peinture en plein air date du début du ; les peintres de l'école de Barbizon adoptent cette pratique sous l'influence des aquarellistes anglais comme Constable et Bonington. Elle se généralise avec l'invention du tube de peinture. Dès le début du apparurent des vessies de porc destinées à contenir et à conserver les couleurs à l'huile. Les tubes d'étain ont été inventés en 1841. Ces nouveaux récipients étaient beaucoup plus pratiques que les vessies de porc et permettaient de conserver les couleurs intactes plus longtemps. Les tubes d'étain ont permis aux peintres impressionnistes de sortir de leur atelier pour aller peindre des paysages « sur le motif », c'est-à-dire dans la nature. La conséquence directe sur la révolution impressionniste est cependant à nuancer : le brevet d'invention date de 1841 tandis que la première exposition impressionniste date de 1874.

Supports.

La peinture à l'huile a une action corrosive ou interagit chimiquement avec la plupart des supports (toile, bois, papier). C'est pourquoi une préparation de la surface est indispensable avant de peindre. Il existe deux grands types de préparation pour la peinture à l'huile :  Aujourd'hui, les supports du commerce sont déjà enduits (préparation universelle ou synthétique) : on peut donc peindre directement.

La peinture à l'huile est une peinture dont le liant ou véhicule est une huile siccative qui enveloppe complètement les particules de pigment.

油画,指用干的油调配的颜料所作的绘画。油画在中国有悠久的历史,汉代有油帛的记载,明代《髯饰录》记载了诸种油画技法。油画在欧洲文艺复兴以后兴盛起来,并传播到各地。欧洲油画一说大约15世纪时由荷兰人发明,一说由中国传入,其说待定。


Biographie.

Jeunesse et formation (1970-1997).

Christopher Edward Nolan est né le dans le quartier de Westminster, à Londres, d'un père britannique, Brendan James Nolan, directeur de publicité, et d'une mère américaine, Christina (née Jensen), successivement agent de bord et professeur d'anglais. Son enfance a été partagée entre Londres et Chicago, il a les deux nationalités, britannique et américaine. Il a un frère aîné, Mathew, et un frère cadet, Jonathan, créateur entre autres de la série télévisée "Person of Interest".  Il commence à faire des films à l'âge de sept ans, empruntant la caméra Super 8 de son père et filmant des figurines. Ayant grandi, Nolan, grand admirateur de "Star Wars" (1977), réalise en hommage une animation en'nommée '. Son oncle, qui travaillait à la NASA sur le système de guidage des fusées Apollo, lui enverra la vidéo d'un lancement de fusée, avec laquelle Nolan s'amusera à faire des montages. Dès l'âge de onze ans, il aspire à être cinéaste professionnel. Lorsque sa famille a déménagé à Chicago au cours de ses années d'études, il a commencé à faire des films avec Adrien et Roko Belic. Il poursuit sa collaboration avec eux et reçoit un crédit pour son aide à la rédaction de leur documentaire "Genghis Blue" (1999) nommé à l'Oscar du meilleur court-métrage documentaire 2000. Il a également travaillé aux côtés de Roko sur la documentation d'un safari à travers quatre pays africains, organisée par le photojournaliste Dan Eldon dans le début des années 1990.  Élève du Haileybury and Imperial Service College, une école privée à Hertford Heath dans le Hertfordshire, il a ensuite étudié la littérature anglaise au University College de Londres (UCL). Il utilisera d'ailleurs la "Flaxman Gallery" de cette même école pour tourner une scène dans son film "Inception" (2010). Il choisira l'UCL spécifiquement pour ses installations de production de films, qui comprenait une salle de montage Steenbeck et des caméras. Nolan a été président de l'Union's Film Society et avec Emma Thomas (sa future épouse et productrice) ils projetaient des films en durant l'année scolaire et ont utilisé tout l'argent récolté pour produire des films en pendant leurs vacances d'été. Au cours de sa scolarité, Nolan a produit deux courts-métrages. Le premier était "Tarantella" (1989), un film surréaliste tourné en et qui a été diffusé sur Image Union (une sorte de vitrine indépendante spécialisée dans les films et la vidéo appartenant à la chaîne Public Broadcasting Service). Le second était "" (1995), filmé sur un week-end en noir et blanc et avec des moyens limités. Financé par Nolan et tourné avec l'équipement de la société, ce dernier est apparu au Festival du Film de Cambridge en 1996 et est considéré comme l'un des meilleurs courts-métrages de l'UCL. Après l'obtention de son diplôme, Nolan a dirigé des vidéos d'entreprises et des films industriels. Il a également fait un troisième court-métrage, "Doodlebug" (1997), l'histoire d'un homme chassant un insecte autour d'un plat avec une chaussure, pour finalement découvrir que c'est une miniature de lui-même. À cette période de sa carrière, Nolan n'a quasiment aucune chance de faire voir le jour à ses projets cinématographiques : il appellera cette période « la pile de lettres de refus », ce qui marqua sa vision de l'industrie cinématographique. Il critiquera d'ailleurs le manque d'investissements dans le cinéma en Grande-Bretagne ainsi que le manque d'ouverture d'esprit des investisseurs.

Carrière depuis 1998.

Débuts remarqués (1998-2004).

En 1998, Nolan réalise son premier long-métrage, "Following", qu'il a lui-même financé avec quelques amis. Le film raconte l'histoire d'un jeune romancier en panne d'inspiration, qui, pour pallier son manque d'imagination, suit des inconnus choisis au hasard dans les rues de Londres. Ne parvenant pas à garder ses distances, il est progressivement aspiré dans un milieu criminel. Le film est inspiré de l'expérience de Nolan pour la vie à Londres et qui a vu son appartement cambriolé : « Il existe un lien intéressant entre l'étranger qui prend vos biens et le concept de suivre les gens au hasard dans une foule, les deux étant peu ordinaires pour des relations sociales. » "Following" a été réalisé avec un budget très modeste de sterling et a été tourné sur plusieurs week-ends au cours d'une année. Pour économiser la pellicule, chaque scène dans le film a été préalablement répétée de façon intensive afin de ne faire qu'une ou deux prises pour le montage final. Co-produit avec Emma Thomas et l'interprète principal, Jeremy Theobald, écrit, photographié et monté par Nolan lui-même, "Following" a remporté de nombreuses récompenses et a été plutôt bien reçu par la critique, dont celle du "New Yorker", qui écrit qu'il « fait écho aux classiques de Hitchcock... en plus subtil et plus méchant ». Le 11 décembre 2012, le film est sorti en DVD et Blu-Ray et a intégré la Criterion Collection.  Le succès de "Following" permet à Nolan de réaliser un projet plus ambitieux ; ce sera "Memento" (2000). Au cours d'un voyage sur la route de Chicago à Los Angeles, son frère Jonathan a lancé l'idée de ""Memento Mori"" racontant l'histoire d'un homme atteint d'une amnésie antérograde, qui utilise des notes et des tatouages pour traquer l'assassin de sa femme. Nolan développe alors un scénario et a l'idée de raconter l'histoire à l'envers. Aaron Ryder, un cadre de chez Newmarket Films a dit que c'était "peut-être le script le plus innovant que j'ai jamais vu". Le film a été doté d'un budget de 4,5 millions de dollars, une somme énorme pour Nolan : "Tourner "Following" avec des amis portant nos propres vêtements et ma mère qui leur fait des sandwichs pour passer à un budget de 4 millions de dollars payés par quelqu'un d'autre avec "Memento" et avoir une équipe d'une centaine de personnes est, à ce jour, le plus grand saut que j'ai jamais fait." "Memento", mettant en scène Guy Pearce et Carrie-Anne Moss, est diffusé pour la première fois en septembre 2000 au Festival international du film de Venise et est acclamé par la critique. Joe Morgenstern écrit dans sa critique du Wall Street Journal : "Je ne me souviens pas qu'un film ait paru aussi intelligent, étrangement touchant et sournoisement drôle à la même époque. Basil Smith, dans le livre "The Philosophy of Neo-Noir", dessine une comparaison avec l'Essai sur l'entendement humain de John Locke, qui fait valoir que nos souvenirs conscients constituent notre identité, un thème que Nolan explore dans le film. Le film, ayant totalisé près de 40 millions dollars au box-office, est un grand succès. Ce dernier a reçu un certain nombre de distinctions, notamment les nominations aux Oscars et aux Golden Globes pour le meilleur scénario, mais aussi deux lauréats au Independant Spirit Award pour le meilleur réalisateur et le meilleur scénario, ainsi qu'une nomination à la Directors Guild of America. "Memento" a été considéré par de nombreux critiques comme l'un des meilleurs films des années 2000.  Impressionné par son travail sur "Memento", Steven Soderbergh a recruté Nolan pour réaliser le thriller psychologique "Insomnia" (2002). Le film met en scène les vedettes oscarisées Al Pacino, Robin Williams et Hilary Swank. Warner Bros. voulait initialement un réalisateur plus expérimenté, mais Soderbergh et la Section Eight Productions se sont battus pour choisir la réalisation (Nolan), la photographie (Wally Pfister) et l'éditeur (Dody Dorn). Avec un budget de 46 millions de dollars, il a été décrit comme "un film de Hollywood plus conventionnel que ce que le réalisateur avait fait avant". Remake d'un film norvégien du même nom sorti en 1997, "Insomnia" raconte l'histoire de deux policiers de Los Angeles envoyés dans une ville d'Alaska pour enquêter sur le meurtre méthodique d'une adolescente. Les critiques sont globalement positives et le film obtient de bons résultats au box-office, récoltant près de 113 millions de dollars dans le monde entier. Le critique de film Roger Ebert félicita le film pour son introduction de nouvelles perspectives et idées sur les questions de la morale et de la culpabilité : "Contrairement à beaucoup de remakes, le "Insomnia" de Nolan n'est pas une pâle reprise, mais un réexamen de la matière, comme une nouvelle version d'une bonne pièce". Erik Skjoldbjærg, le réalisateur du film original, était satisfait de la version de Nolan, qualifiant le film "intelligemment conçu, avec une bonne direction du réalisateur". Richard Schickel du "Time" estima que "Insomnia" était "un digne successeur" pour "Memento" et que c'était "un triomphe de l'atmosphère non-trop mystérieuse du mystère". Après "Insomnia", Nolan avait planifié un film biographique sur Howard Hughes mettant en vedette Jim Carrey. Il avait écrit un scénario, mais quand il apprit que Martin Scorsese était déjà en train de réaliser un biopic sur ce même personnage ("Aviator" sorti en 2004), il abandonna le scénario à contrecœur et se dirigea vers d'autres projets. Après avoir refusé une offre pour réaliser le film historique "Troie" (2004), Nolan a travaillé sur l'adaptation du roman "The Keys to the Street" de Ruth Rendell dans un scénario qu'il avait l'intention de réaliser pour la Fox Searchlight Pictures, mais a finalement abandonné le projet en citant les similitudes avec ses précédents films.  En parallèle, il fonde et gère avec son épouse sa propre société de production Syncopy Films, qui va, à partir de 1998, participer à la coproduction de tous ses films.

Consécration critique et commerciale (2005-2012).

Au début de l'année 2003, Nolan a approché Warner Bros. avec l'idée de faire un nouveau film Batman. Fasciné par le personnage et son histoire, il a voulu faire un film dans un monde « racontable » rappelant plus un drame classique qu'un fantasme de bande dessinée. "Batman Begins" (2003) était le plus grand projet entrepris par Nolan depuis le début de sa carrière. Sorti dans les salles en juin 2005, ce fut un succès critique et commercial. Avec pour vedettes Christian Bale dans le rôle principal, ainsi que Michael Caine, Liam Neeson, Gary Oldman, Morgan Freeman ou encore Cillian Murphy, le film a relancé la franchise, annonçant un "reboot" sombre de la saga. Il raconte les origines de l'histoire du personnage : Bruce Wayne qui a peur des chauve-souris, la mort de ses parents, son épopée pour devenir Batman et enfin son combat contre Ra's al Ghul qui souhaite détruire Gotham City. Il est notamment applaudi pour sa profondeur psychologique et sa pertinence contemporaine. "Batman Begins" était le huitième plus grand succès cinématographique de l'année 2005 aux États-Unis et le neuvième dans le monde. Il a été nommé aux Oscars pour la meilleure photographie et a également remporté trois BAFTA Awards. Un article publié dans le magazine "Forbes" à l'occasion du dixième anniversaire du film, en décrit l'influence sur la production postérieure : « Le terme "reboot" fait maintenant partie de notre vocabulaire courant, les films d'origine de super-héros ont surfé sur la vague du sombre et du dur, et nous avons maintenant une nouvelle perception de narration d'une adaptation en film d'une bande dessinée. »  Avant de revenir à la trilogie Batman, Nolan a réalisé, co-écrit et produit "Le Prestige" (2006), adaptation d'un roman de Christopher Priest qui raconte l'histoire de deux prestidigitateurs rivaux au. En 2001, lorsque Nolan était en post-production pour "Insomnia", il demanda à son frère Jonathan Nolan de l'aider à écrire le script pour le film. Le scénario était en fait né de la collaboration entre les deux frères depuis cinq ans. Nolan initialement destiné à faire le film dès 2003, le projet est reporté après qu'il a accepté de réaliser "Batman Begins". Dans le film, nous pouvons voir les acteurs Hugh Jackman, Christian Bale ou encore Scarlett Johansson. "Le Prestige" a reçu des retours élogieux (y compris des nominations aux Oscars pour la meilleure photographie et la meilleure direction artistique) et a généré 109 millions de dollars dans le monde entier. Avec un conte sombre et mouvementé, Roger Ebert a décrit le film comme « atmosphérique, obsessionnel, presque satanique ». Pour le Los Angeles Times, le film est un mélodrame déconcertant et ambitieux, qui donne à comprendre « le prix à payer pour l'immortalité dans un domaine créatif ». Après la sortie du "Prestige", Nolan envisageait de réaliser une adaptation cinématographique de la série télévisée britannique "The Prisoner", mais il finit par abandonner le projet.  En juillet 2006, Nolan a annoncé que la suite de "Batman Begins" s'intitulera (2008). Le film raconte l'histoire de Batman essayant d'arrêter le personnage du Joker (joué par Heath Ledger) dans sa frénésie criminelle. En faisant cette suite, Nolan a voulu insister sur la noirceur du premier film et raconter « la dynamique de l'histoire d'une ville, avec une grande organisation criminelle et dans laquelle vous êtes à la recherche de la police, du système judiciaire, d'un justicier, des criminels, des riches et des pauvres ». Sorti en 2008, très acclamé par la critique, "" a été considéré comme l'un des meilleurs films des années 2000, et, plus encore, comme l'un des meilleurs films de super-héros de l'histoire du cinéma. Le "New York Times" écrit que, d'un point de vue artistique, le film est supérieur à beaucoup de blockbusters : « Situé entre l'art et l'industrie, entre la poésie et le divertissement, il est plus sombre et plus profond que tous les autres films hollywoodiens dans le genre comic-book. » Roger Ebert le décrit de même comme « un film hanté, qui saute au-delà de ses origines et devient un drame captivant ». Le cinéaste Kevin Smith l'a surnommé « "Le Parrain" [Partie 2] des films de super-héros ». Le film a enregistré, au cours de son exploitation, un certain nombre de records au box-office, gagnant 535 millions de dollars en Amérique du Nord et 470 à l'étranger. C'est le premier long-métrage tourné, au moins en partie, avec le format 15/ des caméras IMAX. À la Cérémonie des Oscars, il a été nommé huit fois et a remporté deux prix : celui du meilleur montage sonore et, à titre posthume, celui du meilleur acteur dans un second rôle pour Heath Ledger.  Nolan est reconnu par ses pairs après ses nominations aux Directors Guild of America (DGA), Writers Guild of America (WGA) et Producers Guild of America (PGA).  Après le triomphe de "The Dark Knight", Nolan signe un contrat avec Warner Bros. pour l'écriture, la coproduction et la réalisation d"'Inception" (2010), qu'il décrit comme « un film d'action avec de la science-fiction contemporaine mis dans l'architecture de l'esprit ». Avant sa sortie en salle, certains critiques se demandaient si la complexité intellectuelle des films de Nolan n'allaient pas amputer les résultats au box-office. Avec un casting prestigieux mené par Leonardo DiCaprio, le film est sorti le 16 juillet 2010, et a été un succès critique et commercial. Le "Chicago Sun-Times" décerne au film un "A+" et le consacre comme « l'un des meilleurs films du siècle" ». Pour Mark Kermode, il s'agit du meilleur de l'année 2010 : « "Inception" est la preuve que les gens ne sont pas stupides, que le cinéma n'est pas "trash", et qu'il est possible pour les blockbusters et l'art d'être la même chose. » Le très respecté producteur John Davis a parié que le succès du film pourrait inspirer des studios pour rendre leur contenu plus original : « Je peux vous promettre que les chefs de studios sont déjà en pleine réunion pour rassembler des idées originales pour leurs films d'été. » Le film finit par générer plus de 820 millions de dollars à travers le monde et a été nommé pour huit Oscars, dont celui du meilleur film. Il a remporté les Oscars de la meilleure photographie, du meilleur mixage de son, du meilleur montage de son et des meilleurs effets visuels.  Le 20 juillet 2012, veille de la présentation de "The Dark Knight Rises" à Paris, une fusillade a lieu pendant une avant-première du film dans une salle de cinéma d'Aurora (Colorado). La visite à Paris est annulée.

Épopées à grande échelle (2013-Aujourd'hui).

Au cours de discussions sur le scénario de "The Dark Knight Rises" en 2010, Goyer indique à Nolan son idée de remettre Superman dans un contexte moderne. Impressionné par le concept de premier contact proposé par Goyer, Nolan lance alors l'idée de "Man of Steel" (2013) à Warner Bros, qui a alors embauché Nolan pour la production et Goyer pour l'écriture. Nolan propose alors Zack Snyder pour réaliser le film, en se basant sur ses adaptations stylisées comme "300" (2007) ou (2009) ainsi que son "aptitude innée pour traiter les héros comme des personnages réels". Mettant en vedette Henry Cavill, Amy Adams, Kevin Costner, Russel Crowe et Michael Shannon, "Man of Steel" a rapporté plus de 660 M $ au box-office, mais a engrangé une réaction critique divisée. Nolan et Thomas ont été producteurs exécutifs sur le film "Transcendance" (2014), le tout premier film de Wally Pfister, le chef opérateur de longue date de Nolan. Sur la base d'un scénario de Jack Paglen, le film tourne autour de deux scientifiques qui travaillent à créer une machine qui possède une intelligence artificielle très développée, et qui va entraîner la singularité technologique. Avec les acteurs Johnny Depp, Rebecca Hall et Paul Bettany, "Transcendance" est sorti en salles le 18 avril 2014 et a été un échec critique et commercial. AA Dowd, du site d'informations The A.V. Club, a donné au film la note de C en indiquant que "[Pfister] n'a pas le talent de Nolan pour tisser un grand spectacle pop mêlé à des anxiétés culturelles".  En janvier 2013, il est annoncé officiellement que Nolan va réaliser, écrire et produire un film de science-fiction intitulé "Interstellar". Les premiers jets du scénario ont été écrits par Jonathan Nolan, et le film était censé être dirigé par Steven Spielberg à la base. Sur la base des travaux scientifiques du célèbre physicien Kip Thorne, le film dépeint "un voyage interstellaire héroïque aux frontières les plus lointaines de notre compréhension scientifique". On peut apercevoir dans "Interstellar" les acteurs Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Michael Caine, Matt Damon, Jessica Chastain ou encore Mackenzie Foy, et c'est également la première collaboration de Nolan avec le directeur de la photographie Hoyte van Hoytema. Paramount Pictures et Warner Bros. ont co-financé et co-distribué le projet, sorti en salles le 5 novembre 2014. Le film a reçu des critiques positives et a engrangé de solides résultats au box-office : près de 670 M $ de recettes dans le monde entier. "Interstellar" a été particulièrement félicité pour sa précision scientifique, qui a conduit à la publications de deux articles scientifiques et au fait que l'American Journal of Physics recommande désormais aux écoles de montrer le film pendant les cours de sciences. Il a été nommé parmi les meilleurs films de l'année par l'American Film Institute (AFI). À la 87e cérémonie des Oscars, le film a remporté l'Oscar des meilleurs effets visuels et a reçu quatre autres nominations (Musique originale, Mixage son, Montage sonore, Décors). Nolan a organisé le court-métrage "Emic : A Time Capsule From The People Of Earth" (2015) qui a été spécialement inspiré d"'Interstellar" et "tente de saisir et de célébrer l'expérience humaine sur Terre".  En 2015, la société de production de Nolan Syncopy forme une coentreprise avec Zeitgeist Films, dans l'optique de sortir des éditions Blu-Ray des films de Zeitgeist les plus prestigieux. Leur premier projet commun a été la sortie en Blu-Ray d'"Elena" (2011) du réalisateur Andreï Zviaguintsev. À l'occasion de la sortie en Blu-Ray de tout le travail des frères Quay, Nolan réalise le court documentaire "Quay". Il a également lancé une tournée cinématographique à l'honneur des deux frères, en ressortant notamment "In Absentia", "The Comb" ou encore "Street of Crocodiles" dans certaines salles de cinéma. Les initiatives ainsi que le court-métrage de Nolan ont été salués par la critique. "Indiewire" écrit d'ailleurs dans sa critique que les frères "auront des centaines, si ce n'est des milliers de fans en plus grâce à Nolan, et que "The Quay Brothers" en sera toujours l'une des contributions les importantes de ce dernier au cinéma". Toujours en 2015, Nolan rejoint le conseil d'administration de la Film Foundation, une association dédiée à la préservation des films. En mars 2015, après avoir contribué à la préservation de vieux films, Nolan a invité une trentaine de représentants de l'American Film Archives à assister au sommet "Reframing the Future of Film" au Getty Museum.  En décembre 2015, les frères Nolan sont vus à Dunkerque. Ils démarrent les repérages pour le film "Dunkirk", qui raconte l'évacuation de Dunkerque en mai 1940. La sortie de ce film de guerre à grand spectacle a eu lieu le 19 juillet 2017 en Europe et le 21 juillet 2017 aux États-Unis.

Vie privée.

À l'âge de dix-neuf ans, Christopher Nolan a fait la rencontre d'Emma Thomas au University College de Londres. Ils se sont mariés en 1997 et ont eu quatre enfants : Magnus, Oliver, Savannah et Rory. Emma Thomas a travaillé en tant que productrice sur tous les films de son mari. En 2001, après le succès de "Memento", ils ont décidé de fonder leur propre société de production, nommée Syncopy Films (en référence à la syncope, ou perte de conscience). Ils habitent aujourd'hui à Los Angeles. Désireux de protéger sa vie privée, Nolan ne l'évoque que rarement dans ses interviews.  Il a cependant révélé dans un entretien que s'il n'avait pas été père, le film "Interstellar", dans lequel les liens familiaux sont fortement évoqués, n'aurait sans doute jamais vu le jour.  Nolan ne possède ni téléphone portable ni adresse e-mail : « Ce n'est pas que je sois luddiste ou que je déteste la technologie, mais ça ne m'a jamais intéressé [...] Quand j'ai emménagé à Los Angeles, en 1997, personne ou presque n'avait de portable, et depuis j'ai continué. » Nolan interdit l'usage des mobiles sur ses tournages.

Influences.

Christopher Nolan a cité Stanley Kubrick, Terrence Malick, Orson Welles, Fritz Lang, Sidney Lumet, David Lean, Ridley Scott, Terry Gilliam et John Frankenheimer comme influences. Les films que Nolan préfère le plus à titre personnel sont "Lawrence d'Arabie" (1962), "2001 : l'Odyssée de l'espace" (1968), "Chinatown" (1974), "L'homme qui voulut être roi" (1975), "Star Wars" (1977) et "Blade Runner" (1982). En 2013, Criterion Collection a publié une liste des dix films que Nolan préfère dans leur catalogue, qui comprend "Greed" ("Les Rapaces", 1924) de Erich von Stroheim, "Le Testament du docteur Mabuse" (1933), "Dossier secret" (1955), "Douze hommes en colère" (1957), "Enquête sur une passion" (1980), "Koyaanisqatsi" (1982), "Furyo" (1983), "The Hit" (1984), "For All Mankind" (1989) et "La Ligne rouge" (1998).  L'habitude de Nolan pour l'emploi de scénarios non-linéaires a été particulièrement influencée par le roman de Graham Swift nommé "Waterland", qui "a fait des choses incroyables avec des timelines parallèles, et a raconté une histoire dans différentes dimensions qui était extrêmement cohérente". Il a également été influencé par le langage visuel du film "The Wall" (1982) et la structure de "Pulp Fiction" (1994), déclarant qu'il était "fasciné par ce que Quentin Tarantino avait fait". Le récit de Dante Alighieri intitulé "Enfer" a servi comme influence au film "Inception" (2010) notamment pour ses références au Minotaure et au Labyrinthe. Quant à "Interstellar" (2014), Nolan a cité des influences littéraires, notamment "Flatland" par Edwin Abbott Abbott, "The Wasp usine" par Iain Banks et "" de Madeleine L'Engle. Nolan a aussi de nombreuses autres influences comme le peintre anglais Francis Bacon, l'architecte allemand Ludwig Mies van der Rohe, l'artiste graphique MC Escher et les auteurs Raymond Chandler, James Ellroy, Jim Thompson, Jorge Luis Borges et Charles Dickens "Le Conte de deux cités" a beaucoup influencé "The Dark Knight Rises" (2012).

Collaborateurs réguliers.

Au fur et à mesure de sa carrière, Christopher Nolan s'est entouré d'une équipe de collaborateurs. Sa femme Emma Thomas a été productrice de tous ses films. Aaron Ryder, William Tyrer et Chris J. Ball ont produit "Memento" et "Le Prestige" ; tandis que Michael E. Uslan, Benjamin Melniker et Charles Roven ont produit ses trois "Batman".  Pour ses scénarios, Christopher Nolan travaille avec son frère Jonathan Nolan avec qui il a rédigé "Memento", "Le Prestige", "" et "The Dark Knight Rises". David S. Goyer, le scénariste de "Batman Begins" participera également à l'écriture des deux autres volets de la trilogie.  Wally Pfister a été le directeur de la photographie de tous ses films entre 2000 et 2012, de "Memento" à "The Dark Knight Rises". Puis Hoyte van Hoytema le remplacera pour Interstellar et Dunkerque.  Peter Lando a été le chef décorateur d’"Insomnia" et de "The Dark Knight : Le Chevalier noir".  David Julyan a composé des musiques pour tous ses films jusqu'à la trilogie Batman, composée par James Newton Howard et Hans Zimmer. Tous ses films suivants ont été composés par Zimmer.  Dody Dorn a monté "Memento" et "Insomnia", tandis que Lee Smith a monté "Batman Begins", "Le Prestige", "The Dark Knight : Le Chevalier noir", "Inception", "The Dark Knight Rises" et "Interstellar".  De plus, il travaille régulièrement avec certains acteurs :

Accueil de ses films.

Box office.

Box office US et Mondial ainsi que les entrées en France des films du réalisateur en juin 2019

Distinctions.

Toutes organisations officielles confondues, Christopher Nolan a reçu 38 nominations pour 19 lauréats. Son film le plus récompensé est "Inception" (2010) avec 18 nominations pour 7 lauréats. Arrive en seconde position "Memento" (2000) avec 9 nominations et 5 lauréats suivi en troisième position par (2008) avec 6 nominations pour 2 lauréats. Enfin, "Batman Begins" (2005) obtient 3 nominations pour 2 lauréats et "Interstellar" (2014) fait carton plein en recevant 2 nominations pour 2 lauréats.

Christopher Nolan ( ) est un réalisateur, scénariste, monteur et producteur de cinéma britannico-américain, né le à Westminster (Londres).

克里斯多福·爱德华·诺兰,CBE(英语:Christopher Edward Nolan,,1970年-7月30日)是一名英国男导演、编剧及监制。他的十部电影在全球获得超过47亿美元的票房。 诺兰执导的《跟踪 (1998年电影)》(1998年)为他的导演处女作,而他的第二部电影《记忆拼图》(2000年)则提升了自己的知名度及入围了奥斯卡最佳原著剧本奖。他因独立电影而闻名后,便开始获得执导高预算电影的机会,如惊悚片《针锋相对》(2002年)和悬疑片《顶尖对决》(2006年)。2005年至2012年间,诺兰执导的「黑暗骑士三部曲」更使自己获得了更上一层的成功。而他所执导的科幻片《全面启动》(2010年)则入围了奥斯卡最佳影片奖和最佳原著剧本奖。之后,诺兰相继执导的科幻片《星际效应》(2014年)及战争惊悚片《敦克尔克大行动》(2017年)也都获得了极大关注,后者亦令他首次获奥斯卡最佳导演奖提名。


Description.

Les descriptions ci-dessous s'appliquent généralement avec de nombreuses variantes, aux clavecins historiques fabriqués au cours des ainsi qu'aux instruments contemporains dont la facture s'inspire aujourd'hui, le plus souvent, de leur modèle. Les clavecins « modernes » fabriqués au début et pendant la première partie du pouvaient avoir des caractéristiques assez différentes, au point que certains vont jusqu'à leur contester le nom de clavecin : un paragraphe spécial leur est consacré.  Le grand clavecin a la forme d’une harpe disposée horizontalement. Cette forme est proche de celle d'un triangle rectangle dont l'hypoténuse serait concave. Le ou les claviers sont placés sur le petit côté de l'angle droit. Les cordes sont disposées horizontalement, dans une direction perpendiculaire au(x) clavier(s).  L'instrument mesure environ de 2 à de long sur un mètre de large. Son étendue couvre ordinairement de 4 octaves et demie à cinq octaves et n'a jamais été normalisée. La structure est en bois : contrairement au piano, le clavecin à l'ancienne ne comporte pas de cadre métallique ; léger, il peut aisément être déplacé par deux personnes.

La caisse.

La caisse (ou coffre) constitue la structure principale du clavecin et définit sa forme extérieure et son volume. Elle est indépendante du piètement sur lequel elle repose.  C'est un volume presque entièrement clos, en bois, qui joue le rôle de caisse de résonance. Elle est construite autour d'une pièce de bois massive (généralement en chêne), disposée parallèlement au(x) clavier(s) : le "sommier". À gauche (notes graves), la paroi (l’"échine") est rectiligne. À droite (notes aiguës) elle est concave, c'est l"'éclisse courbe" qui rejoint l’échine par une "queue" (ou "pointe") rectiligne ou convexe. Une paroi rectangulaire (la "joue") la prolonge à droite des claviers. Des éléments internes en

Les cordes.

Les cordes consistent en un simple fil métallique de faible diamètre et, contrairement à celles du piano, elles ne sont pas « filées ». Elles peuvent être en fer, en laiton, en cuivre ou en bronze, et sont disposées dans le sens de la plus grande longueur, du clavier vers la pointe.  Vers la pointe, chacune d'elles est fixée à une pointe d'accroche située près de l'éclisse courbe. Près du clavier, chacune s'enroule sur une cheville d'accord qui permet de régler finement la tension, donc la hauteur du son émis. Entre ces deux points fixes, chaque corde enjambe deux pièces de bois dur : sillet (fixé sur le sommier), et chevalet, (collé sur la table d'harmonie). Sur le sillet comme sur le chevalet, la corde est guidée par des pointes métalliques qui permettent de fixer précisément sa position. La longueur utile ainsi établie entre pointe de sillet et pointe de chevalet détermine la hauteur du son émis.  À chaque note, correspondent une ou plusieurs

La table d'harmonie.

Les vibrations des cordes sont transmises à la table d'harmonie, laquelle joue un rôle d'amplificateur, et qui consiste en une lame de bois très fibreux, très mince (entre et, chiffres indicatifs), occupant presque toute la surface de l’instrument. Cette transmission se fait par l’intermédiaire du chevalet, pièce de bois dur qui est collée sur la table d'harmonie et sur laquelle sont tendues les cordes. La cavité de la caisse sert de résonateur.  La table d'harmonie est renforcée (par en dessous, donc de façon invisible) par des barres de bois qui la raidissent partiellement. Le "barrage" joue de façon déterminante sur la qualité du son, et

Le(s) clavier(s).

Le clavecin possède un ou deux claviers, voire trois, de manière très exceptionnelle. Leur étendue n'est pas normalisée, elle est inférieure à celle du piano et varie généralement entre 4,5 et 5 octaves, soit de 56 à 61 notes : souvent de Fa0 à Fa5 (anglais/allemand : FF à f<nowiki>"'</nowiki>, américain : F1 à F6). "N.B. le la3 correspond au diapason, (classique) ou voire (baroque) ; le do4 définit le module des cordes".  Le clavier supérieur, s'il existe, est en retrait par rapport au clavier

Le mécanisme.

L'élément principal du mécanisme du clavecin est une lamelle de bois dur appelée sautereau qui se présente verticalement au-dessus de la partie arrière (cachée) de la touche.  Il est maintenu dans cette position par les registres disposés horizontalement et parallèlement au(x) clavier(s). Les registres sont généralement au nombre de deux par rang de sautereaux : celui du bas est fixe ; celui du haut est mobile et peut se déplacer latéralement de quelques millimètres, permettant de mettre en action ou non le rang de sautereaux correspondant. Dans les instruments les plus simples, ne possédant qu'un rang de sautereaux, il n'y a pas de registre mobile (l'unique jeu de sautereaux étant toujours actif). Les registres sont percés d'orifices rectangulaires, éventuellement garnis d'une basane, au travers desquels le sautereau peut coulisser librement, mais avec un jeu très

Disposition et sonorité.

Le son émis par une corde du clavecin ne dépend pratiquement pas de la force appliquée par le claveciniste sur la touche. Néanmoins, l'instrument possède une variété de sonorités obtenue grâce à ses différents jeux (ou rangs de cordes) sélectionnés à l'aide des registres, et par la possibilité de les combiner. La sonorité du clavecin est marquée par une grande richesse en harmoniques.  Aujourd'hui on désigne le plus souvent les jeux de cordes par un nombre de pieds, par analogie avec les registres d'orgue émettant des sons de même hauteur, soit (très rare),

Les registres.

Les registres permettent de mettre en action (ou hors action) les différents jeux disponibles. À chaque registre correspond un jeu de sautereaux. Chaque registre peut être poussé ou tiré, afin de mettre en service ou hors service le jeu de sautereaux correspondants. Les registres se commandent par des manettes ou leviers situés à portée de main au-dessus du clavier. Chez les Flamands, l'extrémité des registres peut traverser la joue.  Le schéma ci-contre montre le fonctionnement d'une paire de registres : le registre inférieur est fixe ; le

Les accouplements.

Lorsque l'instrument possède deux claviers, deux dispositifs différents permettent d’actionner le même sautereau à partir des deux claviers :  Ces deux dispositifs, dont l’utilité musicale est différente, n’apparaissent en principe jamais simultanément sur le même instrument. L'une des différences réside dans le poids du jeu

Accord et tempérament.

Très généralement aujourd'hui, le clavecin est accordé au diapason dit baroque avec un « la » à. Le diapason moderne à n'est adopté que lorsque l'instrument doit s'intégrer à un ensemble moderne, notamment pour l'exécution des œuvres composées au.  L'écart entre ces deux diapasons correspond approximativement à un demi-ton : c'est pourquoi beaucoup d'instruments disposent d'un dispositif transpositeur rudimentaire qui consiste simplement à pouvoir décaler les claviers de la largeur d'une touche : décalée vers la droite, la touche donnant « la » vient se placer sous les sautereaux produisant auparavant « si bémol » ce qui demande d'effectuer un nouvel accord.  De façon générale, de nos jours, le clavecin n'est pas accordé au tempérament égal, sauf lorsqu'il doit s'insérer dans un ensemble moderne. Ce sont donc principalement les tempéraments en usage pendant les qui sont utilisés : tempéraments mésotoniques et tempéraments inégaux ; en effet l'accord est beaucoup plus harmonique pour le clavecin. Ce respect de l'instrument et des styles musicaux est devenu la

Instruments du.

Avant le retour à la facture traditionnelle opéré à partir des années 1950, les facteurs ont produit des instruments différant sensiblement des clavecins historiques et reprenant de nombreuses caractéristiques des pianos : Ces instruments étaient beaucoup plus lourds et produisaient

Autres instruments à sautereaux.

Outre le grand clavecin, plusieurs instruments sont basés sur le mécanisme du sautereau. Ils se distinguent par leur structure, leur forme, leur taille, leur timbre et peuvent continuer de nos jours à être fabriqués par les facteurs.  Ces instruments sont, pour la plupart, plus archaïques, munis d'un seul clavier et d'un seul rang de cordes, avec une étendue moindre (quatre octaves ou un peu plus suffisent pour la musique de la Renaissance et des dispositifs anciens tels que octaves « courtes » ou touches dédoublées (dites feintes brisées).  Leur nom dépend plus ou moins de la direction des cordes relativement au clavier. Néanmoins, la terminologie est souvent imprécise et variable géographiquement, notamment pour la distinction entre épinette, virginal et clavecin : Le clavicythérium ou clavecin vertical a ses cordes disposées verticalement. Les sautereaux y sont donc placés à l'horizontale et un système de

Historique.

Les origines -.

L'origine du clavecin remonte au Moyen Âge : il est une évolution du psaltérion, auquel a été adapté un clavier. C'est au que l'on en trouve les plus anciens documents. Un manuscrit en latin d'Arnaut de Zwolle, datant d'environ 1440, inclut des schémas détaillés du "clavicymbalum" (ancien nom du clavecin)

Le.

En 2009, le plus ancien clavecin conservé est de facture italienne ; il est daté de 1521, a été construit par le facteur Jérôme de Bologne ("Hieronymus Bononiensis") et est conservé à Londres au "Victoria and Albert Museum". La "Royal Academy of Music" possède un clavicythérium, qui doit être antérieur, mais le mécanisme est manquant. Notons qu'ils sont précédés par une épinette datant de 1493, exposée au musée de Pérouse. Les autres instruments remontant à cette haute époque, la première moitié du, sont également de facture italienne. Cependant, ils ne nous fournissent aucun renseignement sur la genèse de l'instrument : de manière surprenante, la facture en est quasi accomplie, et l'on ne peut donc qu'émettre des hypothèses quant à son évolution antérieure, d’autant que les documents écrits manquent presque complètement jusqu'à l'Encyclopédie de Diderot.  Les facteurs

L’âge d’or ().

C'est la grande époque du clavecin : facteurs et musiciens portent l'instrument et son répertoire à leur apogée. Le clavecin devient un instrument de prestige et un meuble d'apparat

Le.

En France, la Révolution de 1789 porte un coup fatal à l'un des instruments les plus prestigieux de l'époque baroque : il est considéré comme un symbole de l'Ancien Régime et son sort se lie à celui de la monarchie. Les biens des condamnés et des immigrés sont confisqués, autant les clavecins que les piano-fortes (il est attesté qu'une douzaine de clavecins furent brûlés dans la cour du Conservatoire de Paris). Une anecdote précise qu'à la mort de Louis les instruments furent peints en noir en signe de deuil. Le clavecin est considéré comme un instrument démodé,

Le.

Renaissance : le clavecin « moderne ».

Il faut attendre 1889 (Exposition universelle de Paris) pour voir réapparaître en public le clavecin, via des instruments fabriqués par Pleyel et Érard et présentant des caractéristiques très différentes du clavecin ancien.  Au début du, la pianiste virtuose Wanda Landowska découvre le clavecin et va œuvrer pour le renouveau de l’instrument en s’y consacrant de façon exclusive : elle interprète sur un instrument spécialement conçu et construit pour elle par Pleyel les œuvres de Bach, Couperin, Rameau, Scarlatti... et forme de nombreux disciples. Parmi ceux-ci, Ralph Kirkpatrick, Rafael Puyana, Ruggero Gerlin entre autres, deviendront à leur tour des professeurs renommés.  La tradition de la facture classique s'est perdue depuis le : les facteurs de pianos sollicités par les artistes désireux de ressusciter l’instrument croient bon de faire « bénéficier » celui-ci des améliorations qui avaient transformé

Retour à la tradition.

Dès les années 1950, le clavecin suscite à nouveau la curiosité et l'intérêt du monde musical.  En France, la firme Erato sous l'impulsion de son directeur artistique Michel Garcin va lancer dès 1958 une encyclopédie du clavecin. Il engage de jeunes virtuoses tels Robert Veyron-Lacroix, auteur de l'enregistrement de quantités de pages de musique de chambre et de concertos avec orchestre, Zuzana Růžičková, qui va au cours de la décennie 1960 enregistrer la première intégrale des œuvres pour clavecin de J.S. Bach en 21 disques, et Laurence Boulay, à qui l'on doit de nombreuses recherches sur l'instrument en relation avec la maison Mercier-Ythier.  Aux Pays-Bas, Gustav Leonhardt, organiste, claveciniste et pédagogue, va susciter une nouvelle vague dans l’approche, la lecture et l’interprétation de la musique ancienne. Il va, avec ses nombreux élèves, ses disciples, et bien au-delà du seul clavecin, susciter un engouement pour les techniques anciennes d’interprétations et de facture.  Un retour progressif à la facture authentique s’opère en effet après la Seconde Guerre mondiale, sous l’impulsion de quelques facteurs enthousiastes, en particulier Hugh Gough en Angleterre, Frank Hubbard, William Dowd ainsi que Bruce Kennedy aux États-Unis, Martin Skowroneck en Allemagne, et en France,

Musique de clavecin.

L'histoire de la musique composée pour le clavecin s'écrit en deux pages bien distinctes, la pratique de cet instrument ayant cessé pendant tout le : la musique composée pour le piano pendant cette période ne peut pas être interprétée convenablement sur le clavecin car elle mise sur des caractéristiques musicales propres au piano, notamment les possibilités expressives et la puissance sonore. Il y a donc une discontinuité entre la première période (Renaissance et baroque, soit près de trois siècles) et la seconde (période contemporaine),

Facture : les différentes « écoles ».

À la suite de Frank Hubbard et Raymond Russell on distingue habituellement cinq « écoles » nationales pour la facture ancienne :  Il s’est produit peu de clavecins en dehors de ces régions. Quelques instruments ibériques (portugais, espagnols) subsistent, qui dénotent une forte influence italienne, mais la production a toujours été très réduite. En Scandinavie, c'est la tradition hambourgeoise qui prévaut, et en Europe orientale, Suisse, Autriche celle de l'Allemagne méridionale. L'influence anglaise se ressent quant à elle en Irlande ainsi qu'en Amérique du Nord (où sont construits quelques instruments vers la fin du ).  Les cinq principales écoles nationales sont bien caractérisées, même si de nombreuses variantes existent et que les facteurs les plus talentueux ont toujours fait preuve d’imagination et d’ingéniosité. Les caractères indiqués ci-après ne décrivent que des tendances générales, qui sont sujettes à de nombreuses exceptions.

La facture italienne.

Du, l'Italie a été le plus important centre de fabrication de clavecins de toute l'Europe. Les instruments en sont très caractérisés ; leur son typé et leur attaque précise les destinent tout particulièrement à la réalisation de la basse continue. D'ailleurs, relativement peu d'artistes italiens se sont consacrés exclusivement à cet instrument, en proportion du nombre de musiciens italiens pendant toute la période baroque.  Le clavecin italien le plus typique a une caisse extrêmement légère formée de parois minces en cyprès, dont la construction évoque la lutherie. Cet instrument fragile n’est pas décoré ; il est contenu dans une caisse extérieure solide, de caractère utilitaire à l’origine, et qui prendra au cours des temps une fonction décorative de plus en

La facture flamande.

La facture flamande représente le pôle opposé à la facture italienne. Les autres écoles nationales (France, Allemagne et Angleterre) se rattachent à sa tradition avec des variations locales. Le plus grand nombre d’instruments conservés vient de la famille Ruckers, dont la production représente l’archétype de cette école.  Contrairement au clavecin italien, le clavecin flamand est un instrument solide, aux parois relativement épaisses ; la rigidité de la caisse est assurée, en outre, par des renforts internes disposés en éventail, plus ou moins perpendiculairement à l’éclisse courbe. Les Flamands emploient des bois tels que le tilleul ou le peuplier. Les éclisses sont posées sur le fond (donc la table d’harmonie n’a pas la même surface que ce dernier), mais il est probable qu’en

La facture française.

Il existe une tradition française de la facture antérieure à la période d’extraordinaire engouement pour les clavecins flamands qui la fit évoluer de façon décisive. Cette manière ancienne est d’ailleurs beaucoup plus proche des Flamands que des Italiens. La production française est presque entièrement concentrée à Paris, qui comptait plus de cent facteurs au - on peut citer les familles Denis, Bellot, Jean-Antoine Vaudry. Quelques autres travaillent à Lyon (Gilbert Desruisseaux, plus tard Pierre Donzelague), Toulouse (Vincent Tibaut) — Les instruments datant de cette période sont excessivement rares et aucun ne remonte avant 1648.  Le clavecin français typique du est un grand instrument à deux claviers dont la structure rappelle beaucoup celle des Flamands. Bien souvent, ces instruments sont issus de l’opération de ravalement qui consiste à transformer un ancien

La facture allemande.

Les pays allemands n’ont pas été des centres de production importants. Il subsiste peu d’instruments anciens, et ceux-ci présentent une grande diversité. Les influences flamande et française sont très fortes.  Les instruments fabriqués en Allemagne méridionale sont d’aspect moins élaboré que ceux d’Allemagne du nord, parmi lesquels se distinguent particulièrement ceux du facteur hambourgeois Hieronymus Hass. Celui-ci a réalisé des instruments avec les jeux, rares, de deux pieds et

La facture anglaise.

La facture anglaise est influencée par celle de Flandre. Il y a une production importante de virginals au, et d’épinettes courbes « bentside spinet » dont la taille inférieure à celle du grand clavecin a favorisé la diffusion et dont certaines familles de facteurs se sont fait une spécialité.  Un des traits distinctifs de cette école est l’utilisation, pour la caisse du chêne, plaqué de noyer puis d’acajou. Pour la décoration, les facteurs misent, non sur la peinture, mais sur la marquetterie, parfois extrêmement raffinée. Les facteurs les plus significatifs sont d’ailleurs des menuisiers et ébénistes d’origine

Aspects socio-économiques.

Le clavecin est un instrument aussi coûteux qu’un piano, une harpe, une contrebasse ou un orgue-coffre. Cependant il offre une large gamme d'instruments de tailles et de prix variés. Étant donné leur poids (30 à ), le clavecin et l'épinette font partie des instruments que le joueur de musique baroque peut éventuellement emporter avec lui lorsqu'il participe à un concert, au contraire des pianos, des orgues, des

Citations.

« Le clavecin a dans son espèce un brillant et une netteté qu'on ne trouve guère dans les autres instruments. Il est parfait quant à son étendue par lui-même.... Cet instrument a ses propriétés comme le violon a les siennes. Si le clavecin n'enfle point les sons, si les battements redoublés sur une même note ne lui conviennent pas extrêmement, il a d'autres avantages qui sont : la "précision", la "netteté", le "brillant" et l'"étendue" » ("Art de toucher le clavecin", François Couperin, 1717).  « Ces couplets sont assez bons... pour un piano-forte qui n'est qu'un instrument de chaudronnier en comparaison du clavecin. » ("Correspondance avec la marquise ", Voltaire, ).  Le grand chef d'orchestre britannique Sir Thomas Beecham n'aimait pas le clavecin. Il en comparait le son à celui de « squelettes copulant sur un toit en tôle ondulée » (« "skeletons copulating on a corrugated iron roof" ») ou à celui d'une « cage à oiseaux jouée à l'aide de fourchettes à rôtir » (« "a birdcage played with toasting forks" »)!  « Schwermütig denkt die Gambe ihren Traum,Die Flöte singt das Sehnen und das Irren,aber das Cembalo mit zartem Klirrenstreut Sterne in den leeren Raum. »(, extrait du poème "Alte Musik").

Un clavecin est un instrument de musique à cordes muni d'un ou plusieurs claviers dont chacune des cordes est « pincée » par un dispositif nommé sautereau.

大键琴(;;;英语:harpsichord),也称拨弦键琴或羽管键琴,出现于14世纪左右,是一种从15世纪文艺复兴时期到18世纪巴洛克时期盛行于欧洲的乐器。它与小键琴同时并存流行约200年,到了18世纪时才居于键盘乐器的主导地位。根据霍恩博斯特尔-萨克斯分类法,由于大键琴的发声源来自收藏在内部的絯线,并利用琴键及其内置装置令弦线拨动而发声,因此被归纳为弦鸣乐器。其分类号为314.122-4-8。一般乐器分类法则归入键盘乐器或拨弦乐器。


Définition.

Le terme « taoïsme » recouvre des textes, des auteurs, des croyances et pratiques, et même des phénomènes historiques qui ont pu se réclamer les uns des autres, répartis sur d’histoire ; il est difficile d’en offrir un portrait unifié de l’extérieur.  La catégorie « tao » est née sous la dynastie Han (-206~220), bien après la rédaction des premiers textes, du besoin de classer les fonds des bibliothèques princières et impériales. Dào jiā 道家 ou dào jiào 道教, « école taoïste », distingue à l’époque une des écoles philosophiques de la période des Royaumes combattants (-500~-220). École est ici à entendre dans son sens grec, voire pythagoricien, d’une communauté de pensée s’adonnant aussi à une vie philosophique ; n’y voir qu’un courant intellectuel est un anachronisme moderne. Mais cette école ne fut sans doute que virtuelle, car ses auteurs, dans la mesure où ils ont vraiment existé, ne se connaissaient pas forcément, et certains textes sont attribués à différentes écoles selon les catalogues. De plus, les auteurs réunis "a posteriori" sous la même rubrique « Taoïsme » peuvent avoir sur leurs orientations fondamentales des vues tout à fait opposées : le "Laozi" contient les principes d'une recherche de l'immortalité alors que le "Zhuangzi" la critique comme une vanité ; le "Laozi" est en partie fait de conseils à l'usage du Prince alors que le "Zhuangzi" est très critique à l'égard de l'action politique, etc. Le taoïsme est donc essentiellement pluriel.  Durant la période des Trois Royaumes (220~265), les termes dào jiā 道家 et dào jiào 道教 divergent, le premier désignant la philosophie et le second la religion. Car la catégorie a vite englobé des croyances et pratiques religieuses d’origines diverses, comme l’évoque Isabelle Robinet dans "Histoire du taoïsme : des origines au " : «...le taoïsme n’a jamais été une religion unifiée et a constamment été une combinaison d’enseignements fondés sur des révélations originelles diverses [...] il ne peut être saisi que dans ses manifestations concrètes ». Le taoïsme est-il une philosophie ou une religion? Les deux, peut-on dire. Il

Histoire.

Sima Qian (-145~-86) est le père de l’histoire chinoise. Il chercha à renseigner la biographie de tous les personnages mythiques ou réels des époques précédentes et, parmi des vies d’empereurs, ce commentaire en exergue est à propos des "saints" de l’"école de la Voie" (Zhuangzi, Laozi). Il résume la difficulté d’établir une chronologie de cet "enseignement", car ceux qui le suivirent s’ingénièrent aussi bien à se cacher, qu’à brouiller les dates et les noms. L’établissement d’une histoire du taoïsme satisfaisant la critique occidentale est une élaboration récente.  En 1934, Marcel Granet écrivait : « pour découvrir [...] la pensée chinoise, on dispose de renseignements assez bons, mais ils ne pourraient guère autoriser à composer une Histoire de la Philosophie comparable à celle qu’il a été possible d’écrire pour d’autres pays que la Chine. ». À la même époque, Henri Maspero commence à classer et analyser l’immense corpus taoïste postérieur à l’antiquité, donnant lieu à une édition posthume en 1950. En 1963, Max Kaltenmark peut écrire "Lao Tseu et le taoïsme", et pose en 1972 les jalons de "la philosophie chinoise" dans les 128 pages d’un Que sais-je? (réédité en 1994). En 1997, Anne Cheng porte enfin à la connaissance du public non spécialiste une "Histoire de la pensée chinoise" de 600 pages, qui va jusqu’en 1919, et répondant aux exigences posées en 1934. Parallèlement, en 1991, Isabelle Robinet publie une "Histoire du taoïsme : des origines au ", très citée à l’étranger. Ces deux dernières références ont été privilégiées pour renseigner cette section.

(-1500~-500) Temps "mythiques".

La chronologie traditionnelle chinoise de Sima Qian en dynasties est évidemment peu fiable quant aux faits sur les périodes anciennes. Toutefois, elle fournit un état des représentations de son époque, ainsi que des penseurs qui l'ont précédée. Confucius croyait aux empereurs Yao et Shun, le "Dao De Jing" les évoque, plus vaguement. Cette ligne temporelle permet d'introduire quelques idées de mythologie chinoise qui auront leur importance dans la suite du taoïsme.  Nostalgique des origines, le taoïsme situe généralement l'âge d’or avant l’histoire

(-500~-220) Royaumes combattants, bourgeonnement intellectuel et mystiques taoïstes.

La séparation entre cette période et la précédente est tout à fait artificielle, elle en conserve les mêmes caractères sociaux, avec cependant une progression pragmatique dans la concentration politique (sept royaumes) qui entraîne une crise du modèle culturel traditionnel (Confucius). Il s’y développe une classe intellectuelle mercenaire pouvant vivre en dehors des cours seigneuriales, en formant les jeunes nobles pour les emplois publics. C’est le temps des "cent écoles". Même si le nombre est trop symbolique pour être exact, la période témoigne d’une vivacité intellectuelle où se forgèrent des concepts pour de nombreux siècles ensuite.  Même si les personnes physiques de Laozi et Zhuangzi sont incertaines, de même que la généalogie de leurs influences et de leur descendance, la possibilité historique de leur œuvre à cette époque est vérifiée par l’état de la langue et de la culture. La section

(-221~200) Empire, compilations, taoïsme ésotérique.

-221, Qin Shi Huang unifie l’Empire. Il institue la bibliothèque impériale, afin de conserver l’édition officielle des classiques chinois, pour les retirer aux écoles et aux anciens royaumes. La sélection s’est accompagnée de persécutions sur les intellectuels, des livres ont été brûlés, surtout confucéens. Durant la dynastie Han, un travail bibliographique de quatre siècles établira les textes qui nous sont parvenus, en ajoutant parfois beaucoup aux originaux, comme cette citation tirée du "Zhuang Zi", certainement postérieure :  La période est tentée par un éclectisme qui concilierait toutes les sagesses héritées des Royaumes combattants. Yang Xiong

(200~400) "Taocratie" des Maîtres célestes.

En 184, les frères Zhang mènent la révolte des Turbans Jaunes au nom de la « Voie de la Grande paix » (Taiping dao 太平道). La dynastie Han (184) a vacillé, annonçant une période de troubles, contemporaine des grandes migrations "barbares". Dans une autre partie de la Chine, l’établissement parallèle d’une église des cinq boisseaux manifeste de même une expression collective et organisée du taoïsme. Les généalogies et les influences sont complexes et disputées, ces traditions se poursuivent encore aujourd’hui. On osera cependant désigner ces phénomènes religieux populaires sous un même terme : les Maîtres célestes.  La mobilisation des foules s’effectue autour d'un millénarisme annonçant le retour prochain d’un âge d'or de morale et de religion. L’empire s’effritant, le mythe actif d’un royaume à venir, nourri par les diverses traditions locales (huanglao, fangxian, religions non Han) et bientôt le bouddhisme, stimule de nouveau la réflexion des élites.  Les

(400~1800) Les "trois enseignements".

L’assimilation du bouddhisme est un phénomène majeur dans l’histoire des idées chinoises. Sa présence commence au mais les idées indiennes sont faussement assimilées à une forme de taoïsme jusqu’au. Bodhidharma, le fondateur symbolique du bouddhisme Chan est un repère acceptable de la transition, mais son génie oral supposé laisse moins de traces dans les textes que par exemple Kumârajîva (344~413?), un missionnaire koutchéen ayant su traduire le message original sanskrit en chinois, ou bien Xuanzang (602-664), un Chinois qui fit le chemin inverse en rapportant d’Inde les sûtra d’une religion déclinante dans sa terre d’origine. L'ère des « trois enseignements » ("sanjiao" 三教) confucianisme, bouddhisme et taoïsme débute ; ils s'influencent mutuellement et il devient encore plus difficile de dégager une innovation qui serait spécifiquement taoïste.  Le syncrétisme permet aux trois enseignements de cohabiter, d’échanger, et aussi d’éviter la plupart du temps les guerres de religion, transformées en luttes d’influence auprès de l’empereur. Le pouvoir attend soutien des trois et officialise à tour de rôle l’un ou l'autre en tentant de façonner selon ses besoins, provoquant une alliance objective des deux autres. Ainsi l’empereur Wu des Liang du Sud

(1800~1949) Chine moderne.

Les ennuis du taoïsme avec les autorités commencèrent bien avant l’avènement de la République populaire de Chine. À partir de la seconde moitié des Ming, son image s’est graduellement dégradée auprès des intellectuels et hauts fonctionnaires du fait de son lien avec la religion populaire. Que les écoles taoïstes aient été de tout temps des structures idéales pour le développement des mouvements d’opposition ne joua

(1949~1976) Révolution et persécutions.

Les moines du mont Wudang recueillirent la troisième armée rouge, et beaucoup de taoïstes firent preuve de patriotisme pendant l’invasion japonaise, mais ils ne furent pas épargnés pour autant par les communistes de Mao. Le monastère principal de l’école Zhengyi sur le mont Longhu au Jiangxi fut incendié en 1948, et son patriarche se réfugia à Taïwan en 1950. La politique générale vis-à-vis des religions s’appliqua à partir de 1949 au taoïsme et à la religion populaire : pas de suppression totale, mais interdiction des nouvelles ordinations, répression de toutes les activités qualifiées de superstitieuses (talismans, divinations..) et anti-marxistes (écoles hiérarchisées, temples et fêtes de clan...) et confiscation de locaux. Certaines sectes furent déclarées illégales et passèrent dans la

(1976~...) Après Mao.

C’est en 1979 sous Deng Xiaoping que le taoïsme reprit une certaine activité. L’Association taoïste, reconstituée en mai 1980, tint sa troisième séance au Baiyun Guan ou Monastère des nuages blancs de Pékin, temple principal de l’école Quanzhen Dao, qui rouvrit en 1984 autant comme lieu touristique que religieux. Les associations locales furent reconstituées à partir de quelques anciens maîtres et de jeunes recrues complètement inexpérimentées.  Le premier centre de formation théologique ouvrit en 1984 au Baiyun Guan de Pékin, et les ordinations Quanzhen reprirent en 1989. En plus mauvais termes avec le gouvernement communiste, Zhengyi dut attendre 1992 pour voir les siennes reconnues et son monastère principal (Longhu) s’ouvrir, tout d’abord aux Chinois d’outre-mer des régions comme Taïwan où cette école est bien implantée. En 1994, on comptait environ 450 grands temples et monastères rouverts et restaurés, en partie avec des fonds

Conceptions : Principaux traits.

Avant le bouddhisme, et surtout à partir des Han, le taoïsme s’est défini par rapport à son rival, le confucianisme. Cependant, ces deux courants de pensée partagent l’héritage du fond culturel chinois, qui est beaucoup plus important que ce qui les sépare, et sont ainsi plus complémentaires qu’antagonistes. Les lettrés chinois les ont le plus souvent perçus comme deux moyens différents d’arriver au même but : la sagesse pour soi et la société. Chacun est efficace dans son domaine, et on peut très bien, comme le dit l’adage, être « confucianiste le jour et taoïste la nuit ».

Deux textes essentiels.

Les références les plus sûres sont constituées par le « Canon taoïste », traditionnellement trois livres écrits vers le et compilés sous les Han : le "Dao De Jing", le "Zhuangzi" et le "Lie Zi". Selon une critique moderne, on peut écarter ici ce dernier, ou "Vrai Classique du vide parfait", car cette compilation, qui serait plus tardive, apporterait peu aux deux autres.  Ces

Suivre la Voie.

La recherche de la sagesse en Chine se fonde principalement sur l’harmonie. L’harmonie, pour les taoïstes, se trouve en plaçant son cœur et son esprit (le caractère chinois du cœur désigne les deux entités) dans "la Voie" (le Tao), c’est-à-dire dans la même voie que la nature. En "retournant" à l’authenticité primordiale et naturelle, en imitant la passivité féconde de la nature qui produit spontanément les « dix mille êtres », l’homme peut se libérer des contraintes et son esprit peut « chevaucher les nuages ». Prônant une sorte de quiétisme naturaliste (Granet), le taoïsme est un idéal d’insouciance, de spontanéité, de liberté individuelle, de refus des rigueurs de la vie sociale et de communion extatique avec les forces cosmiques. Ce taoïsme des grandes chevauchées mystiques a servi de refuge aux lettrés marginaux, ou marginalisés par un bannissement aux marches de l’Empire, aux poètes oubliés, aux peintres reclus... et fascine

Plénitude du vide et autres paradoxes.

La "plénitude du vide" pourrait passer pour un paradoxe purement formel, un pur jeu de mots. Le chapitre 11 du "Dao De Jing" fournit des analogies plus éclairantes : la roue tourne par le vide du moyeu, la jarre contient d’autant plus qu’elle est creuse, sans les trous des portes et fenêtres, à quoi sert une maison? La page se conclut par une formule que l’on peut traduire : « du plein, le moyen ; du vide, l’effet ». Cette interprétation volontairement abstraite trouve une application universelle, par exemple, la stratégie militaire. "L’Art de la guerre" de Sunzi a un chapitre « du plein et du vide » où il explique très concrètement comment un général doit disposer du lieu de bataille (le plein) comme un potentiel (les moyens), de passes ou d’entrées (des vides) où il attire l’adversaire de son plein gré pour le battre avec le moindre effort (l’effet). La fable du coq

Non-agir.

Le "Dao De Jing" est aussi un manuel de politique magico-mystique. Si on « non-agit » (wúwéi 無爲) la nature et ses dix mille êtres croissent et se multiplient. Si on ne cherche pas à gouverner les hommes, ils s’auto-organisent spontanément de la meilleure façon possible. Cette idée qui peut sembler libertaire doit être remise en contexte. D’un côté, elle se fonde sur l’antique croyance chamanique d’une action efficace du Prince par le jeu des correspondances entre les microcosmes et le macrocosme. Ainsi le simple fait pour celui qui dispose du Mandat du Ciel de décrire dans sa maison la suite des saisons en déménageant régulièrement d’une salle à l’autre, assure que la pluie viendra à son heure féconder les champs, que l’hiver durera le temps voulu, etc. L’inaction apparente n’empêche pas l’action effective. Si la

La civilisation comme maladie.

Alors que la plupart des personnages de la mythologie chinoise sont des héros civilisateurs, qui ont donné aux hommes les inventions (agriculture, irrigation, médecine ou l’écriture), le taoïsme s’affirme contre la technique. Pour l’illustrer, une parabole de Zhuang Zi met en scène un paysan taoïste qui, bien que connaissant l’usage du chadouf (qui lui économiserait beaucoup de temps et d’énergie pour arroser ses champs), aurait « honte de s’en servir » parce que cette technique artificielle va à l’encontre de la nature. Allant dans le même sens, le paragraphe 80 du "Dao De Jing" propose un « retour aux cordes nouées » (ancêtres des systèmes d’écriture). Ce même texte va plus loin : des villageois ne rencontrent pas de toute leur vie les villageois du hameau qui est à portée de vue. Si l’on suit cet enseignement, la société proposée par Lao Zi comme idéal de simplicité

Interprétations.

Les œuvres du "Zhuangzi" et du "Laozi" peuvent être lues comme des énigmes. Le sens n’a pas été épuisé en de nombreux siècles de tradition chinoise.  La lecture du "Dao De Jing" a été continue, avec une longue histoire de commentaires, mais aussi de pratiques différentes du texte. Comme les classiques confucéens, il a été parfois au programme des

Pratiques : la quête d’immortalité.

La quête d’immortalité est un principe organisateur des multiples pratiques du taoïsme. Plusieurs millénaires, un continent, des clergés diversement organisés et parfois en conflit ; même appuyée sur des spécialistes (Maspero, Robinet), cette simplification demande justification.  L’archéologie et les textes confirment les dépenses ruineuses du deuil, le culte des ancêtres, et la croyance aux esprits. Le panthéon des Chinois a beaucoup varié, mais presque tous crurent que les morts continuaient une existence, que les vivants leur devaient des offrandes, pour espérer une vie meilleure. Confucius enseigna la sagesse de ne pas craindre les fantômes, de respecter les rites dans l’intention, sans pour autant y sacrifier sa fortune. « Le deuil doit porter jusqu’à l'affliction mais pas plus », « Le Maître ne parlait jamais de l’étrange ni des esprits ». Le bouddhisme apporta la Saṃsāra (le cycle des renaissances) dont le nirvāna libère. Les premières traductions des textes bouddhistes sont justement révélatrices, car faute d’un vocabulaire adapté, elles empruntent des termes taoïstes. La réincarnation est ignorée, mais le message du Bouddha est retenu, car il sauve de toute mort, donc d’abord de la première. Le nirvana est interprété comme l’immortalité, le bouddhisme est assimilé à un ensemble de recettes taoïstes : prescriptions alimentaires et morales, concentration et méditation. La force du clergé bouddhiste, l’unité de son message, l’afflux continu de missionnaires indiens aux sources de la doctrine a inversé le rapport d’assimilation ; le syncrétisme chinois a fini par fondre ce qu’il y aurait de spécifique au taoïsme. Afin cependant d’illustrer des pratiques religieuses spécifiquement taoïstes, on s’accordera avec les spécialistes à se concentrer sur la période des six dynasties (200-400) entre les Han et les Tang, très prolifique en techniques de longévité.  Bien antérieur (), le Dao De Jing et le Zhuang Zi partagent aussi cette quête, mais en lui donnant un cadre métaphysique. Ces textes résultent d’une démarche expérimentale, non pas mesurable, ou observable, mais bien d’une expérience totale de l’individu : la mystique. À la manière des "yoga sutra" mais avec d’autres conclusions, ces maîtres ont confronté leurs sens à leur langue, découvrant sans influence des universaux spirituels, et la particularité des intuitions de leur culture. Ainsi les spéculations sur le Qi supposent techniquement un monisme vitaliste ou naturaliste qui ne distingue pas l’esprit de la matière. En conséquence l’individu n’est pas connu comme un dualisme d’une seule âme et d’un seul corps, mais de nombreux principes uniquement maintenus ensemble par la vie, que la mort sépare. Dès lors l’immortalité personnelle ne se fera pas sans le corps, qui en retient l’expérience et la mémoire, il entre dans la grande préoccupation taoïste : nourrir le principe vital.  L’objectif est clarifié, mais on est ensuite frappé par l’immense variété des prescriptions. Le confucianisme rappelait à l’esprit des anciens et se contenait au classique des rites. L’organisation des pratiques bouddhistes résista tant bien que mal à l’inventivité chinoise. Le taoïsme manifeste un génie religieux pléthorique si bien que la première tâche de l’adepte est de voyager à travers la Chine, pour trouver le maître qui convient à sa voie et à son avancement, en se gardant des imposteurs ou de pratiques trop dangereuses pour son grade. La critique moderne permet tout de même de classer des spécificités.

Taoïsme et Occident.

Comme pour d’autres traditions spirituelles, des conceptions rattachables au taoïsme ont pénétré la culture occidentale, en suivant le chemin de l’histoire européenne. Ces moments définissent des attitudes qui n’ont pas forcément disparu. Dans le monde francophone actuel, le taoïsme reste encore majoritairement affaire de spécialistes et de curieux.

Antiquité et Moyen Âge : les marchands.

On trouve des traces archéologiques de contacts commerciaux entre la Chine et l’empire romain. La route de la soie amena des chrétiens nestoriens jusqu’à Xi'an sous la dynastie Tang (635). Ils disparurent dans une réaction taoïste dirigée contre les religions étrangères (845). Ils ne laissèrent pas de traces dans les textes, alors que déjà Plutarque mentionne des "gymnosophistes", ces sages de l’Inde qui vivaient nus (les yogis) ; Plotin prétendait avoir reçu leur enseignement. L’Indus a arrêté Alexandre le Grand, dessinant l’espace mental européen pour plusieurs siècles.  La "Relation de la Chine et de l’Inde" consigne vers 851 le témoignage de plusieurs voyageurs arabes qui visitèrent la Chine. Les mentions sur la religion sont tellement brèves que l’on peut les rapporter toutes. §23 « Leur religion ressemble à celle des mages ». Dans une traduction

Les missionnaires.

La sinologie commence avec le jésuite Matteo Ricci, dans le cadre des Missions catholiques aux XVIe et XVIIe siècles. L’intention n'est pas scientifique ; le but est la conversion. Cependant, la méthode jésuite en insinuant la foi par persuasion, se devait de comprendre les coutumes chinoises. Ricci écrit un dictionnaire et traduit les classiques, mais n'identifie pas le taoïsme.  Léon Wieger (1856-1933) traduit Lao Zi, Zhuang Zi et Lie Zi, mais ses interprétations sont

Les Lumières : exotisme.

Les penseurs européens des Lumières utilisèrent les documents jésuites pour leurs combats, comme le Confucius de Voltaire, mais aucun ne se distingua par son érudition ou une traduction originale. Leibniz a peut-être le premier été touché par des inspirations d’un genre

: sinologie.

La lente approche positive du taoïsme par l’Occident peut être illustrée par la difficulté de traduire le Dao De Jing. En 1934, Marcel Granet écrit « Il faut avouer que ce livre, traduit et retraduit, est proprement intraduisible » et dans la note 1023, il ajoute « Une de ces traductions, celle de Stanislas Julien, (1842) mérite d’être signalée ;

: immigration.

À l’exception de l’Amérique du Nord où la communauté chinoise, la plus ancienne et la plus vaste en Occident, a importé nombre de ses croyances et de ses cultes, dont le taoïsme, l'Europe vit actuellement une présence taoïste qui confirme les balbutiements initiés à la fin du. La présence du taoïsme en France a été plus que discrète par l'installation de petites communautés des Maîtres célestes en région parisienne. Ce courant, plus puissant à Taïwan qu'en Chine populaire, a été porté en France par les premières recherches académiques sur le taoïsme religieux, notamment Kristofer Schipper (ordonné prêtre taoïste à Taïwan). Cette présence taoïste se fait de deux manières : par l'invitation régulière d'associations culturelles et sportives de maîtres chinois liés plus ou moins au taoïsme institutionnel (c'est le cas des maîtres du mont Wudang) d'une part ; par la conversion aujourd'hui devenue possible en Chine et de plus en plus courante, d'occidentaux devenant des « prêtres taoïstes » (Daoshi) dans un courant reconnu. Ce fut le cas dans

Influences.

Outre son influence majeure sur l’art de l’Extrême-Orient, le taoïsme a profondément influencé des domaines aussi variés que la médecine, la politique, la religion populaire, le bouddhisme chinois, l’art des jardins, la cuisine et la vie sexuelle (considérées souvent comme parties de la médecine), les arts martiaux, la philosophie, la littérature (une étude faite par le jeune chercheur Tarek Khirredine de l'université de Batna, en Algérie, détaille l'influence de la littérature par le système yin-yang, elle s'intitule: Le concept du yin et du yang dans La Condition humaine d'André Malraux, essaye de prouver l'influence de ce système sur la production littéraire et qui est à la fois au niveau de la forme qu'au niveau du fond, sur les deux axes horizontal et vertical, une influence sur la pensée et...) etc. Aujourd’hui, après un demi-siècle de répression en Chine populaire parce que ses manifestations étaient considérées comme des superstitions féodales par les communistes, le taoïsme est à nouveau considéré comme un élément fondamental de la culture dans son pays d’origine. Par ailleurs, son influence s’étend jusqu’en Occident et nourrit les discussions sur l’esthétique, l’écologie et devient même un ferment pour de nombreuses nouvelles formes de spiritualité.  Part constitutive avec son pendant confucianiste de la culture d'une des civilisations vivantes les plus âgées, ayant contribué à façonner un peuple qui représente aujourd’hui un cinquième de l’humanité, mais ayant aussi été réprimé par les courants de pensée qui lui disputaient l’oreille du peuple ou des princes, le taoïsme suit ses propres préceptes : fluide comme l’eau, vieux comme la mer, difficile à fixer dans des mots, impossible à enfermer dans une catégorie, particulièrement rétif à la systématisation, il imprègne et fertilise tout ce qu’il touche et réapparaît où on ne l’attendait pas.  Le taoïsme s’est enrichi en imprégnant les pensées et religions qu’il a traversées au cours des siècles, recevant et donnant beaucoup. Le bouddhisme a été transformé par le tao chinois, le Zen japonais lui en est reconnaissant. Les moines indiens ont apporté une organisation religieuse, modérant les extrémités individualistes de l’éthique antique. L’échange avec l’Occident a commencé. La Chine réinterprète son patrimoine culturel en empruntant aux méthodes de la critique, la pensée occidentale y trouve un voisin qui ne lui doit rien, pour mieux se comprendre. L’étude et la pratique du taoïsme sont toujours fertiles.

Le taoïsme (chinois: 道教, pinyin: "dàojiào", « enseignement de la voie ».) est un des trois piliers de la philosophie chinoise avec le confucianisme et le bouddhisme, et se fonde sur l'existence d'un principe à l’origine de toute chose, appelé « Tao ».

道教(Taoism)是中国的本土宗教,道教思想源于黄帝(黄帝学派托言),道教体系最早创始人是五斗米教(天师道)的张道陵,崇拜道家老子为道祖,最早可以上溯到原始社会时期中国人的祭天、祭祖等崇拜活动,至春秋战国时期吸收神仙方术产生了方仙道,后融合道家、阴阳家的「五行」、「阴阳」等思想合并形成黄帝学派,在汉代中后期形成黄老道,至南北朝经过宗教改革,逐渐演变成现在的道教。


Étymologie.

Selon le philosophe Jozef Schmidt, le mot lingam est lié au vieux mot anglais slinkan et ces mots apparentés dans d'autres langues qui expriment le rétrécissement et avec ce gonflement mutuel comme nous trouvons dans les limaces ou les escargots et expriment ainsi la capacité des organes génitaux humains. Dans les langues slaves également, nous trouvons cette ancienne relation du mot lingam avec des expressions pour les limaces, par exemple en haut sorabe šlink ou slovaque slimák. Ainsi, dans la adoration indien du lingam se trouve cette caractéristique essentielle de la miraculosité des organes génitaux humains. Le lingam d'origine a donc cette signification, mais la représentation indienne du lingam avec yoni est, bien sûr, la représentation du clitoris, tandis que yoni conserve non fermé, imparfait, ce qui est très inhabituel par rapport aux autres religieux les plus connus symboles.

Description.

On retrouve dans ce symbole l'ambivalence du dieu, ascète et renonçant d'une part, mais aussi figure majeure du tantrisme, représenté par un phallus, d'autre part. Le mot "lingam" signifie « 1) signe ; 2) phallus ; 3) symbole de Shiva ». Le lingam est une représentation d'un phallus (la masculinité) et d'une vulve (la féminité).  Il existe deux catégories de lingam : les "manuṣi liṅga" (« lingam fait de main d'hommes »), et les "svayambhu-liṅga" (« lingam né de lui-même »), qui sont des éléments naturels vénérés en tant que linga, comme certains galets.  Le lingam, toujours dressé et donc potentiellement créateur, est souvent associé au yoni (« lieu »), symbole de la déesse Shakti et de l'énergie féminine. Dans ce cas, leur union représente, à l'image de Shiva, la totalité du monde. Assumant les fonctions créatrice par le lingam et destructrice traditionnelle dans la Trimurti, Shiva représente donc, pour ses dévots (shivaïtes), le dieu par excellence.  On trouve des lingam (de taille et aspect très variables – du simple galet en équilibre et comportant le signe peint de Shiva au phallus clairement symbolisé (comportant parfois la tête du dieu sculptée) – dans tous les temples et lieux consacrés à Shiva.  Durant la puja (rituel), le lingam est arrosé de lait, de miel ou de beurre clarifié (le ghi, qui sert aussi en cuisine), et reçoit des offrandes de fleurs, de fruits et de sucreries. Les lingam en activité doivent être maintenus humides.  La partie supérieure arrondie du lingam se nomme "lingamani" ou "manikâ".

Citations.

Le "Shiva-purâna" indique qu'il y deux types de "linga" : immobile et mobile :

Les lingams de lumière.

Parmi tous les lingam de l'Inde, douze sont considérés comme des "lingam de lumière" ou "jyotirlinga", et sont particulièrement sacrés. On les trouve à :

Le lingam ou linga (en sanskrit, (« signe ») est un objet dressé, souvent d'apparence phallique, représentation classique, dite anicônique, de Shiva en tant que Brahman (« Absolu, Âme universelle »).

林伽(),在梵语里是「标志」的意思,象征古印度吠陀宗教、印度教神祇湿婆,是寺庙里膜拜湿婆的标志。虽然印度教盛行拟人化的物神崇拜(神相 (印度教)),反对偶像崇拜的派别亦接受代表神明的抽象之物,例如林伽。