圣母领报图 (安杰利科修士, 圣马尔谷修道院)

Historique.

L"'Annonciation du couvent San Marco" a été peinte par Fra Angelico vers 1437. Réalisée à fresque elle occupe une surface de ×, sur un mur du corridor nord, juste en face de l'escalier menant à l'étage des cellules des moines du couvent, à l'intersection des deux ailes du dortoir (celle des moines à gauche, celle des converts et des visiteurs à droite). Elle est également sur l'envers d'un des murs de la cellule de saint Antonin, grand vicaire des dominicains réformés, prieur, et futur archevêque de Florence.  Il s'agit de l'une des "Annonciations" de Fra Angelico.

Thème.

Scène typique de l'iconographie chrétienne, l'Annonciation faite à Marie par l'archange Gabriel, est décrite dans les Évangiles et d'une façon très détaillée dans "La Légende dorée" de Jacques de Voragine, l'ouvrage de référence des peintres de la Renaissance, qui permet de la représenter dans toute sa symbolique (jardin clos, colonne, présence du Saint-Esprit, évocation d'Adam et Ève chassés du Paradis).  Certains universitaires voient toutefois dans ce tableau une représentation de la Seconde Annonciation, celle de la mort de la Vierge.

Description.

La rencontre de Marie et l'archange s'effectue dans l'espace délimité par les arcades (deux de face, trois fuyantes à gauche) soutenues par des colonnes à chapiteaux (corinthiens pour ceux du devant et des extrémités à gauche, ionique pour les deux de l'intérieur de gauche).  La scène de gauche évoquant le péché originel est conforme aux principes de l'iconographie de la peinture chrétienne : Le Paradis est situé hors du jardin clos de Marie (vierge comme elle), placé loin sur une colline, au-delà d'une clôture, mais le couple d"'Adam et Ève chassés du Paradis", courant dans les autres Annonciations du maître, n'apparaît pas sur cette œuvre. La fenêtre de la chambre de Marie, qu'on aperçoit au fond, est équipée de barreaux pour rappeler également la caractère clos et vierge du lieu symbolique, c'est aussi le dépouillement des cellules de moine du couvent.  Contrairement aux autres "Annonciations" de Fra Angelico, l'archange Gabriel et la Vierge Marie sont placés ici sur un axe diagonal, l'ange à gauche, et Marie à droite assise sur un tabouret. Ils adoptent la même pose des bras croisés.  Les couleurs des ailes de l'archange sont particulièrement détaillées et riches.  On devine l'emplacement de la colombe du Saint-Esprit mais elle est gravement effacée (au-dessus de la tête de la Vierge) à cause de la fragilité des pigments translucides utilisés.  Sur la base de la pierre du sol, au niveau de la base des colonnes du devant, figure en lettres gothiques un texte signifiant :  Une deuxième inscription à destination des religieux figure gravée sur le devant figuré de la pièce du sol : On remarquera également les tirants d'acier retenant la structure des colonnes, dont le segment frontal semble peint effacé ou diffus volontairement.  Sur la face avant de l'arcade au-dessus du pilier central, un macaron est simplement traité géométriquement (quelques traces circulaires au-dessus peuvent laisser supposé un autre motif).

Analyse.

Comme dans toutes les autres "Annonciations" de Fra Angelico, tout concourt à rappeler le caractère de la virginité de Marie à travers la représentation du jardin clos : barrière à gauche, barreaux de la fenêtre du fond, espace de la loggia limité par les arcades et les colonnes, tirants d'acier renforçant la solidité de la structure.  La richesse du jardin d'Eden (perdu), avec ses multiples espèces d'arbres, s'oppose à la simplicité du tapis d'herbe et de fleurs du jardin de Marie (l"'hortus conclusus").  La Vierge est assise sur un simple tabouret par simplicité envers le destin de son fils destiné au trône céleste.  Contrairement au traitement habituel du thème, aucun livre n'est présent près de la Vierge ou dans ses mains.  La colonne centrale s'interpose entre l'archange et Marie en signe de présence du Christ ("Columna est Christus"), mais moins savamment sur le plan perspectif que chez Piero della Francesca, pour qui la représentation perspective est plus maîtrisée et signifiante. Ici le point de fuite est central "a contrario" de l"'Annonciation de Cortone".  Une troisième arcade est amorcée à droite qui montrerait que le bâtiment ne se terminerait pas là. Le cadre de la fresque, peint également par Fra Angelico, de la même couleur que la colonne de droite, serait prolongé dans la réalité par le couloir des visiteurs et la colonnade de gauche de la loggia simulerait alors la direction du couloir du couvent menant aux cellules des moines. La perspective servirait alors à inclure ce tableau dans le lieu même de son exposition. À remarquer la brisure de certaines pointes de piquets de la barrière dont la signification symbolique reste mystérieuse (qu'on retrouve dans d'autres tableaux de la même époque.

L'Annonciation du couvent San Marco est une œuvre à fresque de Fra Angelico, visible au haut de l'escalier menant aux cellules des moines du couvent San Marco de Florence (pour cette raison certains ouvrages la nomment Annonciation du couloir nord, comme en italien : "Annunciazione del corridoio Nord").

圣母领报图("The Annunciation",1440–1445年)是一幅意大利早期文艺复兴壁画,由安杰利科修士绘制,位于意大利佛罗伦萨圣马尔谷修道院。科西莫·德·美第奇在重建修道院时,委托安杰利科修士用复杂的壁画装饰墙壁,包括祭坛画、修士的小间内部、回廊、会堂和走廊,总共约五十幅。所有的画作都是安吉里科本人或直接监督下绘制的。 在修道院的所有壁画中,圣母领报图是在艺术界最著名的壁画。


Critiques.

À sa sortie, Bionic a reçu des critiques globalement bonnes ou mitigées. Metacritic, donne un score moyen de 56 sur 100, basé sur 21 critiques, ce qui indique un résultat variant entre "bon et mitigé"". Eric Henderson de "Slant Magazine" a donné à l'album une critique mitigée, notant l'album avec 3/5 étoiles, disant que sur la surface l'album est comme "un divertissement pop efficace " comme l'était le Circus de Britney Spears en 2008. Christopher R WeintGarten de "Spin" lui a donné 3/4 étoiles et a vu ses chants comme compensatoires au contenu lyrique.  "USA Today" a noté qu'Aguilera "exploite sa prouesse avec une plus grande maturité et de l'imagination". Dans un examen généralement mitigé, Jon Pareles de "New-York Times" a noté que l'album était un "écart artistique" pour Aguilera comparé à ses deux albums studio précédents, mais enfin de compte il exprime que "sa direction musicale et son rang subissent aussi des pressions qu'un chanteur pop peut rencontrer." Jon Pareles a estimé qu'Aguilera s'est surtout représentée comme un "sexbot", qu'il a décrit comme "une fille sexy chantant sur l'album". L'auteur Omar Kholeif de "PopMatters" a donné à l'album une évaluation de 5/10 et a recommandé les pistes "Woohoo and Glam" et il pense que "Prima Donna" est la chanson de Christina qui ressemble le plus à du Michael Jackson.  Rob Sheffield de "Rolling Stone" a noté le disque 2 1⁄2/5 étoiles et a écrit qu'Aguilera va pour une transformation électronique sur ce disque, qui s'habille dans "le style de Gaga. L'auteur Pete Paphides de "The Times" lui a donné 4 étoiles sur 5 et a apprécié la direction musicale d'Aguilera, écrivant que l'album semble "plus vieilli et plus confiant" que son travail précédent. Dans son évaluation de l'album, Alexis Petridis de "Guardian" a dit que comparé au précédent album studio d'Aguilera, Bionic marque le désir qu'à la chanteuse de se réinventer. Il a ajouté que le changement d'image de "Bionic" n'est pas "comme un retour direct à ce que vous pourriez appeler des eaux Dirrty. "Petridis" a conclu que l'album était "de temps en temps brillant et courageux, et de temps en temps moins bien." Une des revues les plus positives de "Bionic" était de l'auteur d"'Allmusic" Stephen Thomas Erlewine, qui a donné 4 étoiles sur 5 à l'album. Il a dit que "Bionic" n'est pas audacieux et a écrit que sauf deux pistes sur l'album, il "ne livre jamais le futur, il promet" mais pense que ce n'est pas nécessairement une chose négative parce que "les hybrides de diva sont souvent intéressants même quand ils trébuchent".  L'auteur Margaret Wappler de "Los Angeles Times" a estimé que la plupart des chansons de "Bionic", sont dans "la veine la plus réussie," Aguilera joue un "hyper-sexe prête à vous lier aux postes du lit avec sa technique de chant incroyable. ". L'auteur Genevieve Koski de "A.V. " a donné à l'album une revue mélangée, disant que l'espoir du disque d'auteurs et de producteurs de musique a abouti" à un effet extrêmement embrouillé mais elle ajoute à plusieurs reprises qu'Aguilera a une voix exceptionnelle" Dans son examen pour l'album, "Vancouver Sun Entertainment" a dit qu'avec Aguilera, l'album retourne "à la substance avec une torsion de danse électro-pop qui établira certainement des comparaisons" à la dame gaga. Kerri Macon du magazine "Billboard" a donné à l'album une revue favorable, disant que "l'album à 18 chansons montre une artiste assez confiante pour prendre des répliques directes de son équipe de créateurs." la critique de musique a plus loin ajouté qu'Aguilera "maintient son règne.". Billboard, décrit "Bionic" comme le "meilleur album mainstream/pop de l'année. Nous pouvons avoir des liaisons amoureuses avec toutes sortes de divas à astuces, mais nous rappelles que chanter est vraiment important. C'est pas pour dire, mais sur cet album, il y a une acrobatie musculaire tout est dans sa voix, et c'est devenu plus élégant avec l'âge. Combinez-le avec le travail inventif et d'un coup divers de producteurs et vous avez le meilleur album pop de l'année.".  Graphiquement, l'album "Bionic" tranche avec les poses habituellement glamour et sexy des autres chanteuses contemporaines, se distinguant par une pochette expérimentale et futuriste, représentant Christina Aguilera le visage coupé par la moitié dont l'une est constituée de mécanismes robotiques. Selon le célèbre blogueur Perez Hilton, ce thème graphique serait inspiré de l'album "Chorus" (du groupe Erasure) sur la pochette duquel une moitié de visage de chacun des deux protagonistes apparaissait reconstituée par imagerie médicale.

Bionic est le sixième album studio de l'artiste américaine Christina Aguilera. Il est sorti le 7 juin 2010 en Europe et le 8 juin partout à travers le monde chez RCA Records. Faisant une transition entre les influences jazz, blues et soul de son cinquième opus, "Back to Basics" (2006), Aguilera voulait que son projet suivant soit « court, doux et complètement différent ». Par conséquent, il devait intégrer des styles pop et electropop avec des éléments de musique électronique et electronica. Aguilera a fait appel aux producteurs tels que ses collaborateurs de longue date, Linda Perry et DJ Premier ainsi que de nouveaux partenaires comme Christopher « Tricky » Stewart, Polow da Don et Samuel Dixon.

《超‧未‧来》("Bionic")是美国主流乐坛女歌手克莉丝汀·阿奎莱拉的第四张个人专辑,于2010年6月8日于北美发行。本专辑与克莉丝汀以往音乐风格迥异,被视为是其对于全新音乐领域的尝试。制作人与编曲者包含Tricky Stewart、Polow da Don以及Samuel Dixon,三人各分别录制三首单曲。


Historique.

Fondée en 315 av. J.-C., Thessalonique, capitale provinciale et ville portuaire, fut l'un des premiers foyers de diffusion du christianisme. Né dans les années dans une famille aristocratique chrétienne, Démétrios s’engagea dans l'armée romaine où il contribua à propager le christianisme dans la région de Thessalonique dont il avait été fait proconsul. En, pendant la dernière grande persécution de Dioclétien contre les chrétiens, Démétrios aurait été dénoncé comme fauteur de troubles par des soldats romains; il fut condamné à lutter dans l'arène contre un gladiateur plus robuste que lui. Vint alors avec lui un jeune garçon nommé Nestor, frêle et courageux, qui d'un geste ôta la vie à ce géant. Dépité, Galère le tétrarque responsable de cette partie de l’empire, fit mettre à mort l'enfant. Puis les soldats romains se dirigèrent vers les bains romains où Démétrios était enfermé et le transpercèrent de leurs lances. Son corps fut ensuite jeté dans un puits qui se trouvait à cet endroit mais les chrétiens vinrent prendre les restes et les enterrèrent.  Sur les ruines de ces bains une première église fut construite au. Par la suite, un certain Leontius, éparque (gouverneur) de l’Illyrie remplaça ce petit oratoire par une église beaucoup plus grande à trois nefs. Détruite à plusieurs reprises lors d’incendies, l’église fut reconstruite entre et sous la forme d’une basilique à cinq nefs, telle qu’on la connait aujourd’hui. C’est pendant les travaux de reconstruction que l’on aurait retrouvé une urne contenant les restes de saint Démétrios dont s’échappait une huile à forte odeur de myrrhe; à de nombreuses reprises on aurait tenté de transférer ces reliques à Constantinople, mais toujours sans succès, le saint manifestant ainsi son intention de demeurer à Thessalonique dont il était le protecteur.  Pendant l’occupation ottomane de à, l’église fut transformée en mosquée et fut connue sous le nom de "Kasimiye Camii". Lorsque la Grèce obtint son indépendance des Turcs en 1912, l’église Saint-Dimitri retourna au culte orthodoxe. Mais en 1917, un grand incendie qui fit rage à travers la ville détruisit le toit et une partie de l’église. Les travaux de restauration commencèrent peu après et permirent de retrouver le naos et la crypte. Ils durent cependant être interrompus durant la guerre de 1938 à 1946. Les travaux reprirent par la suite de même que d’importantes fouilles d’excavation et l’église put être rouverte pour le culte en 1949. Les artefacts trouvés pendant les travaux de rénovation peuvent maintenant être vus dans la crypte.

Architecture.

L’église est construite selon un plan basilical avec un toit plat. Elle mesure de long et 33 mètres de large et est recouverte d’un toit en bois. Les nefs latérales supportent des galeries fermées par de petits arcs reposant sur des colonnes, elles-mêmes soutenues par de grands arcs reposant sur des piliers au rez-de-chaussée, le tout surmonté de fenêtres. Elle comporte également un transept à trois travées, un narthex étroit et une triple entrée ("trivelum"). Les chapiteaux proviennent en grande partie d’autres édifices.

La crypte.

L’église est bâtie sur l’emplacement d’un ancien bain romain où saint Démétrios fut emprisonné et finalement exécuté. Avec le temps, le niveau du sol s’est progressivement élevé, si bien que ces restes archéologiques forment aujourd’hui une crypte qui fut remplie de terre pendant la période ottomane. Elle ne fut redécouverte que lorsque, suite à l’incendie de 1917, le plancher de l’ancienne église s’effondra. La fontaine de ce bain avait été convertie en source d’eau bénite et entourée de bassins où les fidèles recueillaient le « myron » (myrrhe ou huile parfumée) produite par les reliques du saint.  Restaurée par les Services archéologiques, la crypte a été ouverte au public en 1988 et présente aujourd’hui une exposition de sculptures, de chapiteaux et d’objets liturgiques. La première salle est consacrée aux sculptures de l’église originelle ainsi qu’à ses piliers et chapiteaux à quatre feuilles d’acanthe. Dans la deuxième salle où se trouve la chapelle du saint, on trouve des inscriptions relatives à l’histoire de l’église ainsi que des sculptures de la période du moyen Empire byzantin. La troisième salle renferme des photographies, plans et copies des travaux de restauration de l’église après l’incendie de 1917. Dans la quatrième salle on trouve des sculptures provenant de l’église qui fut bâtie au après la destruction de la chapelle originelle. La salle cinq renferme la chaire de l’église du. Enfin, les salles six et sept contiennent des sculptures du et des sculptures et poteries du au.  C’est dans cette salle que l’on retrouve les restes de l’antique « ciborium » construit pour contenir à l'origine l’icône du saint et plus tard son sarcophage. En 1143, l’empereur Manuel Comnène fit transférer l’icône du saint dans l’église du Christ Pantocrator de Constantinople. Ce ciborium était hexagonal et fait de bois et d’argent. Une inscription indique que le donateur du ciborium était Théodore, évêque de Thessalonique au.

Chapelle d’Euthyme le Grand.

La chapelle à trois nefs de saint Euthyme le Grand sur le côté droit du transept sud fut construite en 1302/1303 par Michel Glabas Tarchaniotès et son épouse Maria Palaiologina. Les fresques encore existantes de même que celles du Protaton du Mont Athos exécutées par le célèbre peintre Manuel Panselinos (début du ) et celles du monastère Periblebtos de Mistra peintes vers 1350-1375 sont considérées comme particulièrement représentatives de l’école macédonienne de l’ère des Paléologues.

Mosaïques.

L’église est renommée pour les six mosaïques qui proviennent de la période s’étendant entre la reconstruction et la période iconoclaste. Après avoir été recouvertes d’enduit pendant la période ottomane elles furent restaurées entre 1917 et 1949, et à nouveau en 1998. Elles représentent Démétrios en compagnie des responsables de la restauration de l’église, appelés les « fondateurs », ainsi qu’avec des enfants. Elles sont particulièrement intéressantes, non seulement par la vie qui s’en dégage, mais également en raison des vêtements portés par les personnages qui sont une source d’information sur les costumes et les couleurs des vêtements portés par les hauts fonctionnaires de l’époque. Elles constituent deux des rares exemples de la période sombre qui suivit la mort de Justinien. Une inscription sous l’une des images indique qu’elles ont été produites pour remercier le ciel d’avoir délivré Thessalonique d’un raid des Slaves païens en 612.  Les autres mosaïques qui couvraient l’intérieur de l’église furent perdues ou bien pendant la période où l’église fut transformée en mosquée ou bien durant le grand incendie de 1917.

Sarcophage Renaissance.

Le sarcophage de marbre de Loukas Spantounis, datant de 1481, est représentatif de l’art vénitien de la Renaissance, une période pendant laquelle en dépit de l’occupation ottomane, Thessalonique, ville portuaire et multiculturelle, fut influencée par Venise. C’est l’un des rares sarcophages de la période Renaissance que l’on trouve en Grèce.

Reliquaire de saint Dimitri.

Dans la partie ouest de l’église on peut voir dans un ciborium le reliquaire d’argent massif contenant le crâne de saint Dimitri. Il semble que le culte de ce saint soit venu de Sirmium lorsque Thessalonique remplaça cette ville comme principale base militaire de la région en 441/442 apr. J.-C.. Il est peu probable que, trois siècles après sa mort, on ait conservé des reliques de saint Dimitri. Toutefois, un premier ciborium vide (chose rare) fut construit dans l’église originelle. Ce n’est que par la suite que les restes du saint firent leur apparition à Thessalonique, mais l’évêque d’alors, du nom de Jean, qui compila le premier récit de ses miracles vers 610 mit en doute l’authenticité de ces reliques. Cependant, des croyants furent persuadés de leur authenticité après que les restes aient commencé à émettre un liquide à forte odeur de myrrhe. Ceci fit donner au saint l’épithète de "Myrovlētēs" (en grec: Μυροβλήτης, « celui dont émane la myrrhe).

La basilique Hagios Demetrios (en grec moderne : Άγιος Δημήτριος, Ayos Dhimitrios) de Thessalonique est une église dédiée à saint Dimitri, patron de Thessalonique. Construite dans un style byzantin au sur l’emplacement d’une première église datant du, elle est l’une des plus grandes églises de Grèce et un des sanctuaires les plus importants de l’Église orthodoxe grecque. Depuis 1988, elle fait partie du patrimoine mondial de l’UNESCO au titre des monuments paléochrétiens et byzantins de Thessalonique.

圣迪米特里奥斯教堂,希腊塞萨洛尼基市的一个古建筑。该建筑是为了纪念希腊圣徒圣迪米特里奥斯,可追溯到拜占庭帝国时代。1988年,它作为塞萨洛尼基早期基督教与拜占庭式古建筑的一部分,被列入世界遗产。


Synopsis.

Le Docteur rend visite à Amy et Rory, désormais mariés, cinq ans après qu'ils ont cessé de voyager avec lui. Amy est enceinte, presque à terme, et Rory est devenu médecin et est coiffé avec une queue-de-cheval. Ils habitent toujours Leadworth. Le couple et le Docteur sont pris en chasse par des Eknodines, une race extra-terrestre qui a pris possession du corps des personnes âgées de la ville et peut réduire en poussière une personne en lui soufflant dessus. Cette aventure est interrompue régulièrement par des chants d'oiseaux qui causent leur assoupissement, et ils se réveillent bloqués dans le TARDIS : le vaisseau spatial, mort, dérive vers une « étoile froide », ce qui menace de les tuer très rapidement. Les chants d'oiseaux résonnent également dans le TARDIS avec le même effet. Pendant l'un de leurs aller-retours, ils rencontrent un individu menaçant et moqueur qui se présente comme le « Seigneur des rêves » et leur affirme que l'une de ces réalités est vraie tandis que l'autre est fausse. Ils ne peuvent échapper à la fausse réalité qu'en mourant dans celle-ci, mais s'ils se trompent et meurent dans la vraie réalité, leur mort sera définitive.  Par la suite, le Seigneur des Rêves maintient Amy éveillée dans le TARDIS tandis que le Docteur et Rory s'endorment et retournent à Leadworth. Le Seigneur des Rêves demande à Amy qui elle choisirait entre son fiancé et le Docteur, entre un monde où elle est mariée à Rory et mène une vie paisible et un autre où elle voyage avec le Docteur et vit des aventures risquées mais excitantes.  Amy s'endort et revient à Leadworth où elle se joint à Rory et au Docteur qui essaient de protéger la maison du couple, attaquée par les Eknodines. Rory se sacrifie pour protéger Amy et est transformé en poussière. Amy, bouleversée, se tue volontairement avec le Docteur, en fonçant sur la maison avec un camping-car. Les trois voyageurs se réveillent dans le TARDIS, où ils sont félicités par le Seigneur des Rêves qui réactive le vaisseau. Cependant, le Docteur se rend compte que cette version est toute aussi illusoire et cause l'auto-destruction du TARDIS.  Le trio se réveille pour de bon, toujours dans le TARDIS. Le Docteur leur explique que toute cette aventure était une hallucination causée par du « pollen psychique » qui a chauffé dans le mécanisme temporel du TARDIS et que le Seigneur des Rêves n'était autre qu'une incarnation onirique du côté sombre de sa propre personnalité. Rory demande à Amy pourquoi elle était si sûre que Leadworth était un monde factice, ce à quoi elle répond qu'elle n'en était pas sûre mais qu'elle voulait seulement être à nouveau avec lui, ce qu'il est ravi d'entendre. Le Docteur commence à piloter le TARDIS et voit une image du Seigneur des Rêves lui souriant sournoisement dans son reflet sur la console.

Distribution.

Version française.

Avec les voix de :

Production.

Écriture.

Simon Nye signe ici son premier script pour un épisode de "Doctor Who".

Casting.

Nick Hobbs, qui joue le rôle de monsieur Nainby a joué le rôle d'Aggedor dans des épisodes du Troisième Docteur, comme "The Curse of Peladon" (1972).

Réception.

En France, l'épisode diffusé le à sur France 4 a été suivi par téléspectateurs soit 1,3 % de parts de marché.

Le Seigneur des Rêves ("Amy's Choice") est le septième épisode de la cinquième saison de la deuxième série de la série télévisée britannique de science-fiction "Doctor Who". Écrit par, le créateur de la série "Men Behaving Badly", il a été diffusé pour la première fois sur BBC One le. Dans cet épisode, le Docteur, Amy et Rory voyagent entre deux réalités alternatives et doivent discerner laquelle est un rêve.

《艾米的抉择》(英语:Amy's Choice)是科幻电视剧《异世奇人》的第五季第7集,2010年5月15日首播于英国广播公司第一台。本集的编剧是常写情景喜剧的编剧西蒙·奈,导演是凯瑟琳·莫斯黑德(Catherine Morshead)。


Fabrication.

Marine française.

Le biscuit de mer, connu depuis le Moyen Âge, ne disparaîtra des navires de guerre français qu'avec la décision ministérielle du. Il sera alors remplacé par le pain cuit à bord.  Il s'agit de farine de pur froment et de levain. On n'utilise pas de sel. La farine est partiellement épurée d'un pourcentage variable ( à Brest, mais à Toulon par exemple, au ). Le levain est un levain naturel, datant de plusieurs jours. Sa proportion est de du poids de la farine.  La pâte est constituée avec de l'eau en quantité moindre que pour un pain ordinaire (30 à 40% selon les méthodes). Le pétrissage doit parfois être terminé au pied. Dans ce cas, une toile est étendue sur la pâte et le pétrisseur, se suspendant à une corde, va utiliser le poids de son corps pour travailler la pâte. Elle est ensuite laissée à lever, selon les sources, pendant une période assez brève ou pendant six heures.  La mise en forme peut varier selon les lieux. Jusqu'au, la forme favorisée au Levant est la forme en « grignon ». Au Ponant, on privilégie la forme ronde, en galette. C'est cette forme qui finira par s'imposer. Elle a un diamètre d'une vingtaine de centimètres pour une épaisseur de trois. La galette est trouée avec une pique à trois pointes ; ceci pour améliorer la dessiccation du produit cuit.  La cuisson est beaucoup plus longue que pour un pain ordinaire. Elle est de l'ordre d'une heure et demie, soit environ le double de la cuisson du pain. Il n'y a pas de double cuisson bien que le nom, « bis-cuit », puisse le laisser entendre. Ensuite, le pain est mis à ressuer pendant plusieurs semaines, dans des compartiments placés à côté des fours. Finalement, la galette pèse environ, pour un diamètre de et une épaisseur de 3,4 à. À la cuisson, elle a perdu à peu près un quart de son poids.  Les biscuits sont transportés en sacs. Ils sont rangés, en vrac, dans des boites de sur 2 environ, dans l'entrepont. Ces boites sont calfatées. Elles ne seront ouvertes que pour en distribuer le contenu. Les soutes à biscuits sont disposées sous la sainte-barbe et au-dessus de la soute aux poudres. Elles sont donc situées à l'arrière du navire, dans un endroit où l'humidité sera limitée.  Le 11 décembre 1870, pendant le siège de Paris, le gouvernement de la Défense nationale décrète l'interdiction aux boulangers de fabriquer des biscuits dits de mer ou de troupe.  Le biscuit de la Royal Navy est fait à partir de farine complète (avec son). La levure est plus souvent de la levure naturelle mais peut être de la levure issue de brasserie.  La farine reçoit l'eau et la levure et fermente une heure au moins. Le reste de l'eau est ajouté et la pâte est pétrie. Elle est ensuite coupée et laissée à lever. Puis elle est cuite.

Marine britannique.

Si le Victualling Board fabrique son propre biscuit, à Deptford, Portsmouth ou Plymouth, il a aussi recours à des fournisseurs extérieurs. C'est par exemple le cas, à Southampton, de Moody & Potter, gros fournisseurs de la Marine et de l'Armée. Deptford est équipé de. Il peut cuire par jour, donnant de biscuit par jour.  Les biscuits, dont le poids ne peut être inférieur à (5 biscuits à la livre ; cette précision figure dans les contrats passés avec des fournisseurs privés), sont conditionnées en paquets de. Ils sont stockés sous la dunette, dans un local dédié, la "bread room".

Conservation.

Officiellement, le biscuit de mer peut se conserver jusqu'à, mais cela dépend des conditions dans lesquelles il est conservé. À cet égard, il y a des différences selon les marines :  Le biscuit de mer doit également être stocké à l'abri des ravageurs : si l'on excepte les rats, les insectes dont les larves creusent le biscuit représentent la principale menace. Ces larves sont minuscules et, médicalement, sans danger. Ce sont les larves de ténébrion ou ver de farine ("Tenebroides mauritanicum") ou de la vrillette du pain ("Stegobium paniceum"), redoutée des armateurs du en raison des dégâts qu'elle peut causer dans les provisions à bord des navires, et de diverses sortes de charançons (genre "Curculio"). Le biscuit peut aussi être sujet aux attaques de diverses moisissures. La conséquence la plus visible de ces attaques est la transformation du biscuit en poudre.

Consommation.

L'accommodation.

La ration quotidienne est délivrée sous la forme de biscuit ou, s'il est en morceaux d'une taille au moins égale à celle d'une noisette, de débris. Si les miettes sont vraiment trop petites, le biscuit devient de la « mâchemoure » qui n'est pas distribuée.  Le biscuit, bien conservé, est pratiquement impossible à mordre et à mâcher. Il est nécessaire de l'humidifier avant d'essayer de le consommer. Le premier travail est de le casser. Sur le bord de la table ou en tapant dessus (après avoir pris la précaution de l'envelopper dans un linge pour éviter la dispersion des morceaux). Ceux-ci peuvent alors être suçotés, mâchés ou, plus fréquemment, mis dans la soupe, la sauce du plat ou la chopine de boisson.  De plus, il est régulièrement la proie des insectes. On le passe alors une nouvelle fois au four avant de le servir aux officiers, pour éliminer larves et œufs, les marins devant se résoudre à le manger tel quel.

Quantités transportées.

Elles sont très importantes et deux exemples suffiront à l'illustrer :

Consommation à usage non maritime.

Dans le milieu des années 1920, les biscuitiers s'étonnaient de l'accroissement important de la demande de biscuits de mer en Afrique de l'Ouest, notamment le Sénégal et la Côte d'Ivoire, où certains types de biscuits étaient très prisés. La production passa ainsi de moins d'un million de tonnes par an en 1920 à 1,8 million en 1924.

Le biscuit de mer, aussi nommé galette, est une sorte de biscuit ou de pain sec utilisé par les marins lors des voyages au long cours. Il est composé d'eau, de levain et de farine. Il est plat et peut être de forme ronde ou carrée. Il est à l'origine du « pain de guerre ».

压缩饼干是饼干的一种,一般由膨化粉、白糖、花生油、食盐、芝麻、水制作,多用于紧急情况下的救急之用。


Trame.

Scénario.

L'histoire raconte les péripéties du personnage principal, Nick, qui vient de "Mameruca", le pays de la liberté. Il est capable de se transformer en "Captain Rainbow", un super-héros qui manie à la perfection le yo-yo, il est aussi vedette de sa propre émission de télévision. Cependant, son émission est devenu impopulaire. Afin de regagner sa popularité, Nick se rend vers l'île Mimin, l'île où tous les vœux se réalisent.  Dans la nuit noire, Nick se rend sur l'île en radeau. Pendant son voyage, il aperçoit une sorte de lapin aux très longues oreilles qui pendent qui se noie dans l'eau. Afin de le sauver, Nick se change en "Captain Rainbow" et saute dans l'eau. Mais comme l'eau est son point faible, il échoue, s'enfonce dans l'eau, et perd sa ceinture qui lui permet de se transformer.  Quand Nick reprend conscience, il se réveille sur la plage de l'île Mimin, mais il ne se rend compte que plus tard qu'il est sur l'île. Après avoir reprit ses esprits grâce au « lapin » qui le fait revivre grâce à ses longues oreilles, Nick s'aprecoit qu'il lui manque sa ceinture. Il voit ensuite des petites créatues nommés "Mimin" avec la ceinture, mais elles s'enfuient. Comme la ceinture est essentielle pour Nick, il part alors explorer l'île pour la retrouver, et il la récupère rapidement. Ensuite, Nick rencontre quelques personnages oubliés provenant de l'univers de Nintendo qui sont également venus sur l'île pour réaliser leurs souhaits. Au cours d'une conversation avec eux, Nick apprend qu'aucun vœu n'a été réalisée jusqu'ici, et que Captain Rainbow pourra réparer cette injustice. Nick accepte alors de les aider et l'aventure commence.

Accueil.

Critiques.

Famitsu salue l'apparition de certains personnages oubliés de Nintendo ainsi que la musique et le du titre. Cependant, le magazine a critiqué l'humour du jeu souvent vulgaire.

Ventes.

Les ventes de Captain Rainbow ont été particulièrement décevantes. Selon Media Create, le jeu ne s'est vendu que exemplaires lors de sa première semaine d'exploitation. Un total de exemplaires se sont écoulés lors de l'année 2008.

Captain Rainbow est un jeu vidéo pour la Wii développé par Skip Ltd. et édité par Nintendo. Il est sorti seulement au Japon le 28 août 2008. Le magazine britannique "Official Nintendo Magazine" a prévu une sortie du jeu en Europe et en Amérique du Nord pour l'été 2009, mais le jeu n'est jamais sorti en dehors des frontières du Japon. Il contient plusieurs personnages de Nintendo comme Birdo ou Little Mac.

《彩虹★队长》(,英语:"Captain★Rainbow")是一款由Skip Ltd.开发并由任天堂发行在Wii平台上的原创动作冒险游戏。本作于2008年8月28日在日本发售,之后曾有在海外发售的计划,不过因为不明原因而取消。


Genèse.

Kesha écrit "Your Love Is My Drug" avec sa mère Pebe Sebert et Joshua Coleman. La chanson est ensuite produite par Dr Luke, Benny Blanco et Ammo. Dans une interview avec MTV, Kesha déclare que la chanson a été et que la chanson présente un message insouciant ; c'est et il ne faut pas le prendre au premier degré. Quand elle est interrogée sur les dernières paroles de la chanson () et d'où cela vient, Kesha explique :.

Structure musicale.

"Your Love Is My Drug" est une chanson dance à tempo modéré mélangeant les styles electropop et dance-pop. La chanson combine un gros Auto-Tune avec un fond électronique. Tout au long de la chanson, la voix de Kesha est décrite comme criarde. Musicalement, la chanson utilise une ligne de paroles entraînantes et simples. Sara Anderson d'AOL Radio trouve que la chanson est une qui mélange des éléments avec la. Selon la publication Musicnotes.com, la chanson se situe dans une signature rythmique commune 4/4 avec un tempo modéré de 120 battements par minute. Elle est écrite dans une tonalité de Fa majeur et la gamme vocale de Kesha s'étend des notes Do à Do.

Accueil.

Accueil critique.

Fraser McAlpine de BBC complimente la chanson et le refrain qu’abopte Kesha dans ce titre car il reflète parfaitement la pop, selon ses dires, donnant ainsi à la piste une note de quatre étoiles sur cinq. McAlpine affirme toutefois qu’ « une différence de gamme vocale serait la bienvenue dans ce titre [...] d’autant plus que si vous ne faites que l’écouter d’une oreille distraite, vous ne comprendrez jamais son réel sens, sa facette cachée ». Il conclut en disant que « Bien que la chanson en elle-même met trop en évidence le côté ‘sale’ de Kesha, cette piste reste intrigante et réussit à nous accrocher ». De son côté, Monica Herrera du magazine "Billboard" est impressionnée par la chanson, la décrivant comme étant « divine ». Elle continue ses éloges en déclarant que le refrain, très énergique, nous « reste dans l’esprit pendant des jours ». Enfin, Sara Anderson de "AOL Radio" décrit la chanson comme étant « une ballade enjouée exposant l’amour obsessionnel ressenti à l’adolescence », complimentant aussi la « voix de Kesha qui avec son style personnel créé peu à peu sa propre signature ». Anderson souligne une dernière comparaison, affirmant que la piste comporte « un refrain de genre Cyndi Lauper mais encore plus moderne ».  Bill Lamb d’"About.com" donne à la chanson un avis assez partagé. Il est d’abord impressionné par celle-ci et adore ses « entrainants crochets », son « rythme » et ses « paroles positives » mais critique sa « monotonie prévisible » et la compare à « un morceau électro mal mixé ». Il continue sur sa lancée négative affirmant « qu’il va assurément fermer les haut-parleurs de la radio lorsque les vers ‘"Your love, your love, your love is my drug"’ seront joués ». Robert Cospey de "Digital Spy" donne au morceau une note de quatre étoiles sur cinq, commentant que les versets sont généralement « originaux et tendance » et que le refrain est « joyeux ainsi qu’irrésistible ». Il conclut en disant que l’ensemble est très « electropop » mais que le titre n’atteint pas le niveau de ses précédents singles.

Accueil commercial et ventes.

En, dû à un grand nombre de téléchargements numériques engendrés par la sortie d’"Animal", la chanson se classe dans les hit-parades du Canada, des États-Unis et du Royaume-Uni, débutant respectivement aux numéros 48, 27 et 63. Aux États-Unis, la piste se classe six semaines dans le "Billboard" puis est exclue du palmarès mais revient à la le. Après plusieurs semaines de stabilisation, le single se classe au quatrième rang pendant deux semaines consécutives. Ainsi, elle obtient son troisième succès dans le top 10 de ce pays. Le, le morceau trône sur le classement "Billboard Pop Songs", représentant les ventes de chansons pops, faisant ainsi de Kesha la cinquième artiste féminine depuis les années 2000 et la troisième depuis les deux dernières années à avoir deux chansons issues d’un premier album numéro un dans ce hit-parade. Le titre règne également sur la première place du "Hot Dance Club Songs" pendant une semaine. Dû à ce succès, la piste est certifiée double disque de platine par la "Recording Industry Association of America", alias RIAA, pour ses 2 000 000 de copies écoulées.  Au Canada, la chanson se classe dans d’abord dans de basses positions pendant plus de six semaines, puis, due à une trop lourde descente de vente, est exclue du hit-parade mais y retourne quelque temps plus tard à la. Après une longue montée progressive, le morceau atteint la du palmarès. La semaine suivante, le single descend au et y reste pendant plus de trois semaines. Après avoir accompli une légère baisse, la piste retourne au du classement pour trois semaines additionnelles.  "Your Love Is My Drug" entre par la suite dans le "UK Singles Chart" à la puis est exclue du hit-parade la semaine suivante. La chanson accomplit son retour le, à la. Le, après avoir subi une baisse ayant duré plus de quatre semaines, le single atteint finalement le. Le morceau reste donc plus longtemps dans le palmarès britannique que son prédécesseur, "Blah Blah Blah". En Nouvelle-Zélande, la piste débute au du hit-parade puis après une montée, le, atteint la. En Australie, le single fait son entrée dans l’"ARIA Charts" à la, puis la semaine suivante grimpe à la. Le, le titre atteint son apogée, soit le. La piste est à la suite de cela certifiée disque de platine par l’"Australian Recording Industry Association", en abrégé ARIA, pour ses 70 000 copies vendues.

Vidéoclip.

Le vidéoclip de la chanson, dirigé par Honey, est tourné le 6 et dans le désert de Lancaster. Elle est diffusée sur Vevo le à 12:01 pour la première fois. Kesha décrit le concept derrière la vidéo dans une interview :. Elle choisit alors d'incorporer un aspect animal en expliquant qu'elle était. Kesha détaille l'expérience :. Quand on lui parle de l'inspiration de la vidéo, elle répond :.  Le clip commence quand Kesha se réveille aux côtés de son copain ; elle s'enfuit tout en étant poursuivie par l'homme. Kesha marche à travers le désert tandis que des scènes où elle est sur un éléphant et porte un masque de tigre en rampant dans le sable sont entrecoupées. Ils sont vus plus tard dans un bateau où ils chantent et font semblant de se disputer puis une séquence animée apparaît. Kesha est présentée alors comme une sirène. La sirène et l'homme s'embrassent ; Kesha se situe sur une falaise et marche dans le sable tandis que l'homme est sur un rocher au-dessus. Ensuite, Kesha se retrouve dans une grotte avec de la peinture fluorescente et danse avec un python autour de son cou. Le clip se termine quand Kesha et son amoureux son assis autour d'un feu de camp dans le désert.  James Montgomery de MTV dit que "Your Love Is My Drug" est et que la vidéo est. Montgomery réprimande toutefois la vidéo car elle mais remarque que. Kesha dit aussi :.

Interprétations scéniques.

La chanson est pour la première fois interprétée dans l’émission "Saturday Night Live", le. Lors de cette performance, Kesha est complètement recouverte de maquillages tribals et chante dans le noir tandis que les marques sur son corps reflètent dû à leur effet fluorescent. Le, Kesha joue "Your Love Is My Drug" dans un medley avec "Tik Tok" aux "MTV Video Music Awards Japan 2010". Elle interprète également la piste dans les studios de BBC, dans le cadre de l’émission "BBC Radio 1’s Big Weekend". Le, elle joue finalement le morceau dans le "NBC Today Show".

Your Love Is My Drug est une chanson de l'artiste américaine Kesha parue sur son premier album, "Animal". Elle sort comme troisième single le. La chanson est écrite par Kesha, Pebe Sebert et Ammo, qui produit la chanson avec Benny Blanco et Dr Luke. L'inspiration de "Your Love Is My Drug" naît au cours d'un voyage en avion. Kesha déclare que la chanson est un message insouciant et ne doit pas être pris au premier degré.

《爱情灵药》(英语:Your Love Is My Drug)是美国唱片艺术家和词曲作者凯莎出资她首张专辑中的一首歌曲。2010年5月14日,它作为专辑中的第三首单曲发行。这首歌是由凯莎、她母亲佩比·希伯特与亚默共同创作的,并与路克博士和班尼·布兰柯共同完成歌曲制作。


Opérations.

L’opération française.

En, Joliot-Curie et Kowarski sont prêts pour une expérience décisive. La France détient alors un stock d'uranium obtenu dès 1939 par Joliot, mais elle ne possède que quelques grammes d'eau lourde (oxyde de deutérium), indispensable en grande quantité pour jouer le rôle de « ralentisseur » dans l'expérience que les deux savants ont mise au point.  Or, dès 1934, la société norvégienne Norsk Hydro avait réussi à fabriquer dans son usine hydro-électrique de Vemork (commune de Tinn, comté de Telemark), située à à l'ouest d'Oslo, dans la Norvège encore neutre, de ce précieux liquide, qui constitue l'unique stock mondial.  A la veille de l’invasion de la Norvège par les Allemands, Raoul Dautry, ministre français de l'Armement confie alors au Deuxième Bureau la très délicate mission de prendre les Allemands de vitesse et de rapatrier le stock mondial d'eau lourde.  Au début du mois de mars, le commandant Perruche, chef du service des Renseignements envoie d'abord un officier de réserve du service des Poudres : Jacques Allier, pour négocier l'achat du stock auprès de la Société d'azote norvégienne. Cette dernière, farouchement opposée aux Allemands, cédera gratuitement — en prêt — l'intégralité de l'eau lourde (encore utilisée au Canada, elle sera payée après la guerre). Trois agents sont alors dépêchés en hâte à la légation française de Stockholm : le capitaine Muller, le lieutenant Knall-Demars et le lieutenant Fernand Mossé.  Ils vont avoir la mission difficile de déjouer la surveillance des services de renseignements allemands déjà sur place et de rapatrier ce stock le plus discrètement et le plus rapidement possible, alors que toutes les voies de communication sont contrôlées par les Allemands et que chaque liste de passagers est scrupuleusement surveillée. Le stock est convoyé par avion vers la France via l'Ecosse, fin novembre, deux semaines avant l'invasion de la Norvège par les troupes allemandes et connaitra un parcours rocambolesque : Paris, Clermont-Ferrand, Bordeaux, Canada.  En, les Alliés obtiennent des renseignements donnant à penser que les Allemands essayent de mettre au point une bombe atomique. Pour réaliser ce projet, les spécialistes considèrent qu'il est indispensable de disposer d'oxyde de deutérium, plus connu sous le nom d'eau lourde. Il s'avère justement que les Allemands en continuent la production dans l'usine hydro-électrique de Vemork.

L'opération britannique.

Le 19 octobre 1942, quatre parachutistes norvégiens formés par la Special Operations Executive en Écosse rejoignent l'agent local afin de préparer l'arrivée d'un commando britannique constitué d'hommes du génie de la division aéroportée britannique.  Le 19 novembre, deux planeurs tentent un atterrissage dans la zone de l'usine. Le premier (il a rompu son câble) parvient à se poser en détresse. Les survivants seront fusillés par les Allemands, suivant le récent "Kommandobefehl" d'Adolf Hitler. Le second planeur s'écrase avec son avion remorqueur contre une montagne.  Les Allemands renforcent leur défense. Les quatre parachutistes norvégiens survivants et leur agent local se cachent tout l'hiver dans une hutte.

L'opération norvégienne.

En février 1943, six autres parachutistes norvégiens sont largués dans la zone, portant à onze hommes l'effectif du groupe sur place.  Le 27 février, neuf de ces parachutistes parviennent à s'infiltrer en escaladant la montagne et atteignent l'usine. Ils réussissent à placer leurs charges et à détruire des parties vitales de l'usine.

L'opération aérienne.

En novembre 1943, la production d'eau lourde, bien que fortement ralentie, a repris. Les Alliés en sont informés et font bombarder l'usine par l'aviation. Le résultat n'est guère probant ; la proximité des montagnes ne facilite pas l'approche des bombardiers. Le raid des bombardiers est un échec et de nombreux morts civils sont à déplorer.

L'opération finale.

En février 1944, les Allemands décident de transférer par mer le stock d'eau lourde en Allemagne. Deux des parachutistes norvégiens restés sur place font sauter le bateau avec son chargement, sur le lac Tinnsjå. Les recherches de l'Allemagne pour concevoir la bombe atomique sont définitivement endiguées.

Exploration de l'épave du ferry SF Hydro.

Quasiment 60 ans plus tard, dans le cadre d'un documentaire télévisé, l'épave du ferry "SF Hydro" a été explorée à l'aide d'un ROV (robot sous-marin). L'épave en elle même étant considérée comme une tombe de guerre, c'est un fût d'eau lourde tombé à quelque distance de la coque qui a pu être remonté intact, et son contenu analysé. Il s'est avéré que ce baril contenait bien de l'eau lourde à faible concentration dans une solution alcaline à pH élevé. Par ailleurs le manifeste de chargement du SF Hydro indique que les fûts contenant l'eau lourde à haute concentration étaient à moitié remplis et ont surnagé. Le contenu de ces fûts est finalement parvenu en Allemagne. Toutefois la quantité totale d'eau lourde transportée lors du naufrage était plus de dix fois inférieure à ce qui aurait été nécessaire pour que les savants allemands (sous la conduite de Werner Heisenberg et Carl von Weiszacker) puissent mener une expérience à grande échelle d'enrichissement de l'uranium débouchant sur une bombe atomique opérationnelle. Les missions alliées d'évaluation scientifique (opération Alsos et opération paperclip) ont retrouvé à Haigerloch une installation souterraine avec une pile atomique expérimentale d'un modèle très primitif et non fonctionnelle, ce qui tend à indiquer que les savants allemands étaient plus intéressés par les applications de type production d'énergie électrique (utilisable pour les sous-marins atomiques) que par la réalisation d'une bombe atomique.

Le terme « bataille de l'eau lourde » désigne cinq opérations militaires successives menées par les Alliés durant la Seconde Guerre mondiale afin de détruire une usine productrice d'eau lourde en Norvège, dans le cadre de la course à la bombe.

破坏挪威德军重水厂行动(The Norwegian heavy water sabotage)是二战期间由挪威一系列破坏行动,以防止德国发展核能项目,从获取重水(氧化氘)的行动,而重水可用来制造核武器。 1934年,在韦莫克,挪威海德鲁公司建成第一所能生产重水,作为生产化肥副产品的商业工厂,它的年产量为12吨(13短吨)。二战期间,盟军决定移除重水和破坏重水厂,以抑制纳粹发展核武器。袭击的目的是挪威泰勒马克尤坎瀑布的60兆瓦韦莫克电站。


Incident.

Le, deux reporters de Reuters, Saeed Chmagh et Namir Noor-Eldin, et plusieurs civils sont tués dans un quartier de Bagdad par les tirs d'un hélicoptère Apache.  L'armée américaine déclare alors que deux journalistes ont été tués aux côtés de « neuf insurgés ». Le lieutenant-colonel Scott Bleichwehl, porte-parole des forces américaines à Bagdad, déclare :  Reuters demande ensuite à l'armée américaine de faire une enquête sur ces décès, demandant pourquoi les caméras embarquées dans les Apache ont été confisquées, un accès aux vidéos enregistrées par ces mêmes caméras, un accès aux enregistrements audio entre les pilotes d'hélicoptère et les forces terrestres au sol, et l'accès aux rapports de l'unité impliquée dans l'incident, en particulier un inventaire de toutes les armes prises sur les lieux.

Poursuites.

En, l'analyste militaire américaine basée en Irak, Chelsea Manning (anciennement Bradley), est arrêtée après qu'elle eut avoué, en discutant sur une messagerie instantanée, avoir transmis la vidéo de la bavure à WikiLeaks. Les accusations à son encontre sont portées en juillet. Ayant du même coup affirmé à son correspondant, le pirate Adrian Lamo, avoir également fait fuiter notes diplomatiques confidentielles, ce dernier la dénonce aux autorités. Il sera retrouvé mort en dans un appartement de Wichita (Kansas), sans que la cause de la mort ne soit connue. Le porte-parole de WikiLeaks Julian Assange fait aussi l'objet de recherches afin d'être interrogé sur les documents. Il décide désormais d'éviter les États-Unis et annule du coup des apparitions publiques dans ce pays. Wikileaks a engagé trois avocats pour défendre Manning mais aucun n'a été autorisé à lui parler.  Chelsea Manning risque 52 ans de prison et a été mise au secret au Koweït un mois et demi avant que ne lui soit lu son chef d'inculpation en. Wikileaks n'a jamais confirmé ou infirmé que Manning soit la source et note dans un communiqué que « Le soldat Manning est inculpé pour la publication de la vidéo du massacre en Irak. Les fous de la gâchette qui étaient aux commandes de l'hélicoptère Apache n'ont toujours pas été inculpés ».  Le, l'administration Obama décide de commuer la peine de Manning, rendant possible sa libération en. Elle a été libérée le.

Retranscription partielle.

00:27 Okay nous avons une cible quinze arrivant vers vous. C'est un type avec une arme.  00:42 Il y a environ, ah, quatre ou cinq...  01:43 Hotel Deux-Six; Crazy Horse Un-Huit. Je vois cinq à six individus avec des AK-47. Je demande la permission d'ouvrir le feu.  01:51 Bien reçu. Euh, nous n'avons pas de troupes à l'est de notre position. Alors, euh, vous pouvez ouvrir le feu. Terminé.  02:03 Je vais... Je ne peux pas les avoir maintenant parce qu'ils sont derrière cet immeuble.  02:11 Bon, on a un type avec un lance-roquette.  02:13 Je vais tirer.  02:14 Okay.  02:43 La voie est libre.  02:44 D'accord. J'ouvre le feu.  02:57 Continue de tirer! Continue de tirer!  03:05 Hotel.. Bushmaster Deux-Six, Bushmaster Deux-Six, nous devons partir, maintenant!  03:10 D'accord, nous venons d'ouvrir le feu sur les huit individus.  03:16 Deux-Six, ici Deux-Six, nous sommes en mouvement. (?)  03:19 Oops, Je suis désolé, qu'est-ce qui s'est passé?  03:20 Putain, Kyle.  03:23 D'accord, hahaha, Je les ai eus...  03:28 Euh, la voie est libre.  03:30 D'accord, j'essaie juste de retrouver les cibles.  03:38 Bushmaster Six, ici Bushmaster Deux-Six.  03:40 Il y a un tas de cadavres par terre.  03:42 D'accord, il y a environ, euh, huit individus.  03:48 Ah, Regardez tous ces bâtards morts.  03:49 Pas mal!  03:60 Tire lui dessus - Merci  04:23 Localisation des corps : MB 5-4-5-8 8-6-1-7  04:44 Il y a un gars qui bouge au sol, mais il est, euh, blessé.  04:47 Ok, nous allons les laisser s'en occuper, ils peuvent se dépêcher et aller autre part.  04:53 Nous avons aussi un individu, il a l'air blessé et il essaye de s'en aller en rampant.  05:04 Roger nous allons venir ici - Roger nous cessons le feu.  05:07 Nous ne tirons plus.  05:14 Il se lève. - Peut-être qu'il a une arme dans sa main?  05:16 Non j'en ai pas vu une seule. Je vous vois, il y a ce gars qui rampe en ce moment sur le trottoir.  05:20 Ouais, je le vois, j'ai tiré deux munitions sur lui, et vous les gars vous tiriez aussi là-bas... Enfin, nous verrons.  05:24 Ok, bien reçu.  05:27 Bushmaster 36E, c'est Hotel 27.  05:34 Hotel 27, Bushmaster poursuivez.  05:37 Ok, je suis en train de m'assurer que tes gars ont mon secteur.  05:42 Nous avons ton secteur. Allez mon pote...  05:47 Tout ce que tu dois faire est de récupérer une arme...  05:54 Crazyhorse c'est Bushmaster 5, Bushmaster4 fait une pause.  05:59 On est juste en dessous de vous en ce moment. Pouvez-vous nous faire marcher jusqu'à ce lieu?  06:02 C'est (Bushmaster)26, je vais jeter des fusées éclairantes.

Le raid aérien du à Bagdad est une bavure américaine survenue dans le cadre de la guerre d'Irak menée par la coalition alliée, durant laquelle un hélicoptère Apache américain a ouvert le feu au chain gun M230 sur un groupe de civils, comprenant notamment deux reporters de l'agence Reuters. Au moins 18 personnes ont été tuées au total : 12 personnes dans les deux premiers bombardements, incluant les deux reporters et deux enfants blessés, et sept personnes dans la troisième frappe.

《附带谋杀》()是由切尔西·曼宁在2010年揭密的美军阿帕契直升机第一视角枪击镜头的影音录像,长39分钟。


Origines et versions.

Les spécialistes s'opposent sur la question de la langue d'origine du texte, hébreu ou araméen. Paredejordi estime qu'il est établi que l'auteur était juif, en raison de la présence fréquente d'hébraïsmes dans le texte et parce que « l'auteur agrémente son discours de fictions très proches des talmudistes et des rabbins. » Toutefois, les chapitres I, II, XIII et XIV de la version latine (et des traductions anglaises) ne proviennent pas du livre original mais d'additions ultérieures, probablement dues à des auteurs chrétiens.  Les versions latines tirées du "Codex Sangermanensis", y compris celle de la Vulgate, diffèrent des éthiopiennes et d'autres versions par l'ajout de quatre chapitres et l'absence d'un chapitre.  Des manuscrits en arménien, syriaque, géorgien et en arabe sont également conservés. Les experts estiment que ces versions sont issues de traductions d'un texte grec, dont ne subsistent que quelques anciennes citations, en particulier celles de Clément d'Alexandrie. Ce texte perdu ne doit pas être confondu avec, mais de composition plus tardive (au plus tard 850).

Contenu.

Texte sémitique original : les « sept visions d'Esdras ».

La partie du livre qu'on considère issue de l'hébreu (ou araméen) original (chapitres III à XIV de la version latine), peut être divisée en sept révélations, les dénommées « sept visions d'Esdras ». Le contexte est celui de l'humiliation du peuple élu de Dieu et le triomphe de leurs adversaires ; les protagonistes sont Esdras et l'archange Uriel.  Lors de la première vision, quand Esdras demande à Dieu si Babylone est meilleure que Sion, Uriel répond par une réflexion sur l'incapacité des hommes à comprendre les desseins de Dieu, le caractère transitoire de la situation présente, et l'avènement de la récompense des justes quand leur nombre sera complet.  Esdras poursuit ses questions et demande les raisons du déshonneur infligé au peuple juif. Uriel explique dans la deuxième vision que le Jour du jugement surviendra pour tous en son temps ; tous seront jugés, d'abord par le Fils de l'Homme puis par Dieu, annonçant la fin des temps.  Dans la troisième vision, Uriel explique que le bonheur n'est obtenu qu'après de nombreux labeurs et tourments. Esdras s'inquiète ensuite de l'humanité et demande à l'ange pourquoi si peu de gens seront sauvés. Uriel répond que ceux qui seront sauvés sont comme l'or et les pierres précieuses qui, bien qu'en nombre réduit, sont précieux. Dieu ne veut cependant pas que les hommes périssent ; il prodigue ses bienfaits à tous et, « s'il n'allégeait pas le fardeau des fautes des pécheurs, l'humanité ne saurait vivre. »  Deux questions doctrinales émergent de la troisième vision, précisément dans le chapitre manquant de la version latine (7:35-36). Esdras demande ce qui advient après la mort, lorsque l'âme de chacun s'échappe du corps, et si les âmes seront en repos en attente du Jugement. Uriel répond par un exposé de ce qui constituera plus tard une croyance dominante dans le christianisme : les âmes des justes vont à Dieu et les impies « ne pénètrent pas dans la demeure éternelle, mais errent et sont punis, tourmentés et affligés. »  L'autre question, très controversée, est l'incapacité à intercéder pour les morts. Il manque à la version latine conservée à la Bibliothèque nationale de France une page, arrachée (7:102-112), précisément celle où est traitée cette question. La réponse d'Uriel (7:105) est que « chacun répondra de sa propre justice ou injustice. »  La quatrième vision est celle d'une femme restée stérile pendant trente ans, et dont le fils meurt le jour de son mariage ; la femme souffrante disparaît et à sa place apparaît une ville immense. Uriel explique à Esdras que la femme est Sion et que la mort de son fils est la ruine de Jérusalem, mais que la gloire de la nouvelle ville sainte rejaillira plus tard.  La cinquième vision est celle de l'aigle, qui symbolise l'Empire romain ou tout autre empire oppresseur de la terre et des justes. Uriel affirme qu'il disparaîtra et que la terre sera libérée de ses tourments. L'aigle est identifié (12:11) à la « quatrième bête » du Livre de Daniel.  La sixième vision est celle d'un homme qui sort de la mer et vole avec les nuages ; de nombreux hommes se rassemblent pour le combattre, mais lorsqu'ils l'attaquent, « il ne leva pas la main contre eux ni l'épée ou aucune arme, mais de sa bouche sortit une boule de feu, de ses lèvres un éclat et de sa langue des braises chaudes comme un tourbillon, et tout se mélangea et ce fut comme une tempête qui s'abattit sur la foule de ceux qui l'avaient attaqué et qui les consuma » (voir Apocalypse ).  Dans la septième vision, Esdras, tandis qu'il se trouve sous un arbre, entend la voix de Dieu, qui lui annonce qu'il sera arraché du monde ; Esdras lui demande d'envoyer l'Esprit Saint sur lui pour qu'il puisse « écrire ce qui se passe dans le monde et ce qui est écrit dans la Loi. » La voix de Dieu lui indique que, accompagné de cinq scribes, il s'éloignera 40 jours durant, au cours desquels il allumera en son cœur la « lampe de sagesse » jusqu'à ce qu'il termine ce qu'il a à écrire. Esdras boit un verre et s'emplit de sagesse ; au cours des 40 jours 94 livres sont écrits. « Alors Esdras fut capturé et placé aux côtés de ceux qui sont comme lui. » La septième vision présente la division de l'Histoire en dix parties reprise du Livre d'Enoch (93,3-10, 91:15-17), ainsi qu'une conception soulignée par les kabbalistes : une partie de la révélation est accessible tandis qu'une autre est occultée, de sorte que seuls quelques-uns puissent la connaître (14:6,26).

Contenu spécifique à la version latine.

Les deux premiers chapitres, ajoutés à la version latine, exposent comment Israël par ses péchés a poussé Dieu à se tourner vers d'autres nations et disent la façon de recevoir le salut, la « lumière éternelle » en fuyant « les ombres de ce siècle », « en faisant justice à la veuve, l'orphelin, le pauvre » (référence à Isaïe ). Ces deux premiers chapitres sont aussi connus comme étant le cinquième livre d'Esdras (V Esdras).  Les deux derniers chapitres, également ajoutés au texte original, traitent de la fin des temps : « La baisse des prix sera telle sur terre, qu'on imaginera que la paix est concédée, mais alors la terre verra apparaître des maux, des batailles, la faim et de grands désordres. » Il annonce de grandes catastrophes qui précéderont la libération des justes. Ces deux derniers chapitres sont aussi connus comme étant le sixième livre d'Esdras (VI Esdras).  Ces quatre chapitres sont tenus pour des ajouts tardifs d'origine chrétienne, par beaucoup d'auteurs d'où le fait qu'ils aient été séparés explicitement du reste de IV Esdras.

Influence.

L'Apocalypse d'Esdras est citée par plusieurs anciens auteurs chrétiens : Clément d'Alexandrie, Tertullien et, particulièrement, Ambroise de Milan ; l'Épître de Barnabé y fait également référence.  Bien que de toutes les Églises, seules l'Église éthiopienne, l'Église copte et quelques Églises orientales n'excluent pas ce livre du canon biblique, la plupart ont favorisé sa diffusion en l'incluant en appendice des éditions de la Bible. La liturgie catholique inclut des prières basées sur des versets du chapitre II de la version latine.  En outre, la kabbalistique identifie « les dix parties du monde » aux dix Sephiroth, le dernier étant le "Malkuth" ou règne messianique. Les kabbalistes, et parmi eux Pic de la Mirandole dans son "Apologie", identifient aussi la révélation destinée à tous à la Loi (la "Torah") et son versant ésotérique à la Kabbale elle-même.

Le quatrième Livre d'Esdras ou Apocalypse d'Esdras est un livre biblique pseudépigraphe attribué au scribe israélite Esdras et écrit au. Il relève du genre apocalyptique. Il figure dans nombre d'éditions de la Bible en langue anglaise et est inclus en annexe de nombreuses autres ; apparaissant dans la Vulgate sous le nom de "4 Esdras", en vieux-slave et en russe sous le nom de "3 Esdras", il est couramment désigné sous celui de "2 Esdras" dans la tradition anglophone. Il figure parmi les apocryphes selon les "Trente-neuf articles" et est considéré comme tel par de nombreuses Églises protestantes, notamment.

《以斯拉续篇下卷》(2 Esdras)又译作《厄斯德拉后书》,是一本被新教、天主教和犹太教都不接受作圣经正经的次经经卷。作者相信是犹太人,他盼望着以色列的弥赛亚降临,带来幸福的日子,可能是书名人物以斯拉。此书用的是亚兰文,可能是第一世纪末的作品。序言以希腊文写成,是第二世纪中叶加上的;一个世纪后才有结尾的两章。


Système de jeu.

Dans ', le but est de guider un petit monstre vert à quatre pattes appelé le Gribouilleur (', en anglais) le plus haut possible sur une série de plateformes sans tomber. Le côté gauche de l'écran du jeu est connecté avec le côté droit, permettant ainsi au personnage de passer sans difficulté de droite à gauche et vice-versa. Pour les appareils avec accéléromètre, le joueur doit toucher son écran pour diriger le Gribouilleur dans la direction désirée. Le joueur peut également accélérer la cadence grâce à plusieurs objets sur son parcours, comme des chapeaux, jetpacks, fusées, ressorts, trampolines et des boucliers d'invulnérabilité (dans certains niveaux uniquement). Il y a également des monstres et vaisseaux spatiaux que le Gribouilleur doit éviter ou éliminer en tirant ou en sautant dessus. Le joueur peut tirer en tapotant sur son écran ; il existe un mode de ciblage automatique sur les applications pour Android et Windows Phone. Il n'existe aucune fin définitive au jeu, mais le jeu se termine lorsque le joueur tombe, saute dans un monstre, est aspiré par un trou noir, ou est enlevé par un vaisseau spatial. Le joueur peut choisir différents thèmes incluant thème original, Noël, Halloween, forêt, espace, la Coupe du monde de football, les fonds marins, les œufs de Pâques, le blizzard, le thème ninja ou pirate. Le thème choisi modifie l'apparence du personnage, de ses ennemis, et du décor.  Une version gratuite existe également. Cette version est pratiquement identique à l'originale, mais certains éléments comme les vaisseaux spatiaux ne sont pas présents, contient des publicités, et limite la hauteur du personnage. L'arrivée de la version 2.0 apporte une nouveauté, le mode multijoueur (2 à 8 personnes) via le Game Center.  En remplaçant le nom du joueur par certains codes, il est possible de changer le thème du jeu : Boo, Booga, Bunny, Creeps, Dooby, Ooga, Nooby, Klack, Klik, Snow, et Hop. Dans la toute nouvelle version il n'y a que « ooga » et « hop » qui marchent. Cependant, ces codes ne peuvent marcher que sur iOS (iPhone, iPod Touch). Ces codes ne marchent pas sur Player 5.

Accueil.

Ventes.

"" atteint la première place des jeux payants en France et aux États-Unis, numéro 1 des applications payantes au Royaume-Uni, en Autriche, Allemagne, Norvège, Suisse et aux Pays-Bas en décembre 2009.

Récompenses.

Il reçoit également le prix Apple Design Awards.

Médias.

Dans l'épisode 8 de la saison 3 ("The Adhesive Duck Deficiency") de la série américaine "The Big Bang Theory", Sheldon Cooper fait référence au jeu alors qu'il voit quelqu'un y jouer dans la salle d'attente de l'hôpital.

"Doodle Jump" devient connu sur l'App Store et compte téléchargements quotidiens en 4 mois consécutifs (un nombre plus tard dépassé par "Angry Birds"). En décembre 2011, le jeu compte 10 millions d'exemplaires vendus sur iTunes et Google Play, puis atteint les 15 millions de téléchargement sur toutes les plateformes confondues. Le jeu est également développé sur borne d'arcade. Igor et Marko Pusenjak sont les créateurs de "Doodle Jump". "Doodle Jump" s'inspire du jeu japonais "Papijump" de Sunflat Games.

《涂鸦跳跃》(英语:"Doodle Jump")是由Lima Sky开发的一款电子游戏,支持Windows Phone、iOS、BlackBerry、Android、Java Mobile(J2ME)、诺基亚Symbian和Xbox 360等平台,其作者为克罗地亚人Igor和Marko Pusenjak。游戏于2009年4月6日在iOS全球发行,之后于2010年3月2日在Android和Blackberry平台发布。游戏在Symbian平台发布的时间为2010年5月1日,在Windows Phone 7上则于2011年6月1日发布(2013年8月21日在Windows Phone 8上重新发布)。2011年9月1日,游戏在iPad上发布。游戏的玩法灵感最初源于Sunflat Games的《PapiJump》,其角色灵感则源于伊丽丝·格绘制的插图。


Biographie.

Débuts.

Enrique Morente, né dans le quartier d'Albaicín à Grenade, a commencé à chanter comme "seise" (un membre d'un groupe d'enfants qui chantent, dansent et jouent des castagnettes pendant certaines fêtes religieuses). Il s'est senti attiré par le chant flamenco dès l'enfance et il a eu la chance d'apprendre lors des réunions de famille et d'écouter des personnalités emblématiques de Grenade comme Cobitos, des membres de la famille "Habichuela", ou Aurelio Sellés (Aurelio de Cádiz) :  Toutefois, cette appréciation de l'aspect populaire du flamenco ne signifie pas qu'il considérait le flamenco seulement comme. Un artiste flamenco, pour lui, a besoin de technique et de dévouement :  À l'adolescence, Morente est allé vivre à Madrid pour commencer une carrière de chanteur professionnel. Là, il a pu rencontrer d'anciens maîtres comme Pepe de la Matrona et Bernardo el de los Lobitos, et a appris d'eux autant qu'il a pu. Pepe de la Matrona a pris un intérêt particulier dans l'enseignement du jeune chanteur: "Ce n'est pas tant l'intonation d'Enrique Morente, ses registres ou son style mélismatique (voir mélisme) qui ont suscité cet intérêt mais plutôt son attitude envers les choses, son respect et sa capacité d'apprentissage." À Madrid, il a commencé à chanter dans des "peñas flamencas" (clubs pour les amateurs de flamenco). En 1964, il a signé un contrat avec le Ballet de Marienma, avec lequel il s'est produit au Pavillon de l'Espagne à la Foire internationale de New York et à l'ambassade d'Espagne à Washington. Plus tard, il a pris part à un festival de flamenco au Teatro de los Alcázares de los Cristianos Reyes, partageant l'affiche avec Juan Talega, Fernanda et Bernarda de Utrera, Gaspar de Utrera, Tomás Torre et Antonio Mairena. Au cours de cette année et la suivante, il a également tourné en Europe et au Japon avec différentes compagnies de danse flamenca, et a été employé dans plusieurs "tablaos" (lieux pour le flamenco) à Madrid, comme Las Cuevas de Nemesio, Zambra et El Café de Chinitas.

Premiers albums.

Morente a fait son premier disque, "Cante flamenco", en 1967 avec le guitariste Félix de Utrera. Il a reçu un prix mention spéciale de la Catédra Flamencología (Chaire de flamencologie) et a été suivi par "Cantes antiguos del flamenco" (1969), avec le guitariste Niño Ricardo. Ses premiers albums sont strictement classiques et montrent une connaissance approfondie du flamenco traditionnel, une rare qualité pour les chanteurs de sa génération. Au cours de cette période, il a également eu un premier contact avec le guitariste Manolo Sanlúcar, avec lequel il a coopéré à plusieurs reprises. Sanlúcar l'a accompagné lors de son concert à l'Ateneo de Madrid, la première fois qu'un chanteur de flamenco s'est produit dans cette prestigieuse institution culturelle.  Dans son album suivant, "Homenaje flamenco a Miguel Hernández" ("Hommage flamenco à Miguel Hernández") en 1971, il a commencé à utiliser des textes de poètes remarquables, ce qu'il a fait fréquemment par la suite. Plus tard, il enregistrait des chants flamencos avec des textes de Federico García Lorca, Jean de la croix, Lope de Vega, Al Mutamid, Antonio Machado et Manuel Machado, Jorge Guillén, et d'autres. Peu de temps après, un enregistrement public illégal a été publié aux Pays-Bas.  En 1971 et 1972, il a fait une tournée au Mexique avec le guitariste Parrilla de Jerez et la danseuse Ana Parilla (tournée qui comprenait une représentation à l'auditorium de la Universidad de Las Americas) et a joué au Lincoln Center (où il reviendrait en 1973) et à l'Institut espagnol de New York. En 1972, il a également reçu le "Premio Nacional del Cante" (Prix National de chant flamenco) de la Cátedra de Flamencología (Chaire de flamencologie) de Jerez de la Frontera.

L'alternance de la tradition et de l'innovation.

Il est revenu au chant flamenco traditionnel avec son album "Homenaje a Don Antonio Chacón" ("Hommage à Antonio Chacón"), en 1977, qui a obtenu le Prix national pour le meilleur album de musique folk accordé par le Ministère de la Culture. Dans cet album, Morente défend le chanteur Antonio Chacón comme étant le créateur de la "Granaína" et une figure fondamentale du flamenco dans les premières décennies du, lequel avait été, néanmoins, relégué, du point de vue de la "flamencologie" des années 1950 à 1970, au rang de représentant du flamenco non gitan que cette génération considérait comme impur. Toutefois, dans cette alternance entre tradition et innovation typique de Morente, cet album a été immédiatement suivi, en 1978, par "Despegando" ("Décollage"), cette fois dans un état d'esprit novateur: le titre lui-même est, en fait, une déclaration d'intentions.  En 1981, il a présenté un nouveau spectacle, "Andalucía hoy" ("Andalousie aujourd'hui"), qu'il allait plus tard donner au Théâtre de l'Olympia à Paris. En 1982, certains de ses morceaux ont été choisis par le flamencologiste José Blas Vega pour figurer dans l'anthologie du flamenco "Magna Antología del Cante" (une collection complète des divers styles traditionnels de chants flamenco) afin d'illustrer des chants tels que les tarantas d'Almería, plusieurs types de cartageneras, les fandangos de Frasquito Yerbabuena, et toutes les malagueñas et granaínas créées par Antonio Chacón.  En 1990, lors d'un nouveau retour à la tradition, il a enregistré l'album "Morente-Sabicas", avec le guitariste Sabicas. L'année suivante, il a créé et enregistré une messe flamenca, style de création musicale ayant déjà des précédents, comme celle enregistrée par Antonio Mairena, Luis Caballero, et Naranjito de Triana en 1968. Cependant la messe de Morente est totalement différente de toutes les précédentes. Alors que les messes flamencas antérieures avaient essentiellement essayé d'adapter le chant flamenco traditionnel à la liturgie, Morente n'a pas eu d'intention liturgique, et a mélangé le flamenco à d'autres genres musicaux comme le chant grégorien. À propos de cette messe, Morente a dit avec une pointe d'humour:

Dernières œuvres.

En 1995, il est apparu chantant une Siguiriya dans le film de Carlos Saura "Flamenco" et a enregistré son disque le plus controversé : "Omega", avec le groupe punk rock Lagartija Nick et avec la participation de guitaristes comme Tomatito, Vicente Amigo, Juan Manuel Cañizares ou Miguel Ángel Cortés et des percussionnistes comme Tino di Geraldo. Le Flamenco et le punk rock se mêlent à des re-créations de chansons de Leonard Cohen, à des textes de Federico García Lorca issus de son livre "Poeta en Nueva York" ("Un poète à New York"), le tout avec des paroles de flamenco traditionnel. L'œuvre a été jouée lors du Festival international de Benicàssim en 2008, sous le titre "Morente Omega con Lagartija Nick".  2001 a vu la republication d'un album très recherché de Morente, "Enrique Morente en la Casa Museo de García Lorca de Fuentevaqueros", une série de chansons basées sur la poésie de Federico García Lorca. L'enregistrement avait été réalisé en studio à Madrid, en 1990, et avait été commandé par la Diputación de Granada (Conseil régional de Grenade). Seule une édition limitée a été faite et les copies ont été envoyées comme cadeaux à des personnes bien particulières. Sur le marché des disques d'occasion, ces copies ont atteint pesetas (150 euros).  Un autre album intéressant de Morente, "El Pequeño Reloj" ("la petite horloge"), a vu le jour en 2003. Alors que la deuxième moitié de l'album est une série, plus ou moins aléatoire, de chansons, la première moitié comprend une surprenante série de chansons qui sont divisées en deux parties: dans la première partie du morceau, la voix de Morente est superposée à de vieux enregistrements 78 tours des vieux maîtres de la guitare flamenca comme Ramón Montoya, Sabicas ou Manolo de Huelva, tandis que la seconde partie est un développement moderne du même palo (morceau), accompagné à la guitare par le jeune guitariste novateur Niño Josele. Bien qu'il ne connaisse pas la notation musicale, il a composé des musiques pour des pièces de théâtre, des films et pour la télévision, telles que "Las Arrecogidas del Beaterio de Santa María Egipcíaca", la musique de "Œdipe roi" avec José Luis Gómez.  Il a essayé de mélanger le flamenco à la musique classique dans des œuvres comme "Fantasía de cante jondo para voz y orquesta" (« Fantaisie de Cante jondo pour voix et orchestre ») avec le pianiste Antonio Robledo, les guitaristes Juan Habichuela et Gerardo Núñez, et l'Orchestre Symphonique de Madrid, dirigé par Luis Izquierdo en 1986, ou comme "Allegro Soleá", qu'il a présenté à la Biennale de Flamenco de Séville en 1990. Dans la lignée du mélange entre le flamenco et d'autres styles musicaux, il a collaboré au spectacle "Macama Jonda" de José Heredia Maya, avec l'Orchestre andalou de Tétouan et Abdessadeq Cheqara, ou avec le Chœur des voix bulgares Angelite. Dans son album "Omega", déjà mentionné, il a mélangé le chant flamenco au punk rock, à la musique de Leonard Cohen et aux poèmes de Federico García Lorca. Dans le spectacle "África-Cuba-Cai" il a mélangé le flamenco à la musique du Sénégal et de Cuba ("Cai" est la façon dont Cádiz est prononcée en dialecte andalou). Le spectacle souligne également les liens historiques existants entre la musique cubaine et le flamenco: "Elle a toujours été proche du flamenco, depuis le chemin du retour, car les bateaux partaient de Cádiz pour Cuba, certains revenaient et d'autres restaient là-bas, ça a toujours été comme ça.". Difficile de trouver un style musical n'ayant pas intéressé Morente. Après un de ses concerts avec l'Orchestre Cheqara de Tétouan, il a déclaré: "...si je devais publier un CD pour chaque culture que j'ai mélangée il me faudrait publier environ 7 ou 8 CD par an. Cela serait bien - si la maison de disques me payait pour ça je pourrais alors m'acheter une maison."  En raison de son approche novatrice, il a été largement fustigé par la critique et le public flamenco le plus traditionaliste: "Inutile de dire que tout ceci a été un véritable calvaire pour Morente, car le flamenco est toujours un monde très fermé, où la moindre tentative de nouveauté est considérée comme un péché mortel d'hérésie." Bien que l'œuvre de Morente soit maintenant largement reconnue par la plupart des critiques et ait inspiré de nombreux chanteurs de la jeune génération comme Mayte Martín ou Arcángel, une partie de la critique et du public traditionaliste continuent à dénigrer son travail :  Le préjugé ethnique n'est souvent pas étranger à ces critiques. Un bon nombre de critiques de flamenco et du public ont découvert le flamenco au moment de la période de «révision», dirigée par des chanteurs tels que Antonio Mairena et des critiques comme González Climent ou Ricardo Molina, pour qui le chant flamenco pur serait le patrimoine des gitans, que les non gitans ne pourraient qu'essayer d'imiter en vain sans jamais parvenir à son essence. Dans la même revue citée ci-dessus on peut lire : «Et une fois que vous avez ressenti vraiment le chant gitan, l'érudition d'un artiste comme Morente semble pâle comme la flamme d'une bougie à côté d'une torche enflammée." Ce point de vue sur Morente, bien que très répandu dans les années soixante-dix et quatre-vingt, a presque disparu. La controverse entre tradition et innovation, chant gitan et non gitan et d'autres sujets si communs il y a vingt ans, est maintenant relativement limitée à une partie restreinte du public, tandis que la plupart des fans de flamenco et les critiques reconnaissent l'intelligence et l'engagement artistiques profonds de Morente :

Enrique Morente Cotelo, plus connu sous le nom de Enrique Morente, né à Grenade le et mort le à Madrid, est un chanteur espagnol de flamenco et une figure controversée du flamenco moderne.

安立奎·莫伦特(Enrique Morente 本名 Enrique Morente Colelo,生于1942年12月25日,卒于 2010年12月13日) 是一个佛朗明哥男歌手,也是一个现代佛朗明哥界颇受争议的人物。在他以正统的歌唱方式出道之后,他作了一些实验作品,为佛朗明哥歌唱写了新的旋律,并且跟各种音乐家合作,却也没背弃掉他的传统佛朗明哥。虽然纯粹主义的专业人士跟听众严厉的批评他, 他依然是现代佛朗明哥最有影响力的歌手之一,不仅做出创新,也树立了典范:一些他的歌曲被其他的歌手演唱,例如Camarón de la Isla, Mayte Martín, Carmen Linares, Miguel Poveda, Segundo Falcón 跟 Arcángel。


Historique.

Le projet de développement de Glory, proposé par le centre de vol spatial Goddard de la NASA, est approuvé en 2003. Début 2005, la NASA, qui rencontre des difficultés budgétaires, décide d'annuler la mission dont le coût est évalué à 208 millions de dollars américains en choisissant d'installer le principal instrument, le polarimètre à bord d'un satellite NPOESS. Finalement sous la pression de plusieurs élus, la NASA décide au cours de l'été 2005 de rétablir la mission avec une date de lancement programmée fin 2008. Glory est perdu le au cours de son lancement par un lanceur Taurus XL depuis la base de lancement de Vandenberg et s'écrase dans l'océan Pacifique aux environs des îles Gambier. L'échec de cette mission est évalué à 424 millions de dollars américains. Il est dû à des pièces défectueuses fournies par le fabricant Sapa Profiles Inc., (aujourd'hui Hydro Extrusion Portland Inc.) a remboursé 46 millions de dollars à la NASA, qui fraude sur la qualité de ses produits.

Objectifs.

Le climat de la Terre dépend de l'équilibre qui s'établit entre le rayonnement solaire qui atteint l'atmosphère terrestre et la manière dont l'atmosphère et la surface du sol réfléchissent, absorbent cette énergie puis rejettent en partie celle-ci dans l'espace. Les changements à long terme de l'irradiance (l'énergie émise par le Soleil) et de la composition de l'atmosphère entraînent des changements globaux du climat de la Terre et modifient les conditions météorologiques locales avec des répercussions sur les conditions de vie des communautés humaines. Dans ce contexte Glory devait remplir les objectifs suivants :

Caractéristiques techniques.

Glory est un satellite de, dont de carburant, stabilisé sur 3 axes. Il doit être placé sur une orbite héliosynchrone circulaire à d'altitude avec une inclinaison de 98,2°. Sa durée de vie est de 3 ans avec une durée espérée de 5 ans. Le satellite réutilise la plate-forme du projet Vegetation Canopy Lidar abandonné à la suite de difficultés rencontrés dans la mise au point de son instrument scientifique. Dans sa configuration de lancement, panneaux solaires repliés, il est haut de pour un diamètre de.

Instruments.

Le satellite comporte trois instruments :

Glory est un satellite scientifique du programme Earth Observing System de la NASA, l'agence spatiale des États-Unis, chargé de déterminer les caractéristiques des aérosols présents dans l'atmosphère terrestre et de mesurer avec précision l'irradiance totale du Soleil. Il doit faire partie du A-train, une série de satellites consacrés à l'observation de l'atmosphère terrestre, mais est perdu au cours de son lancement qui a lieu le.

辉煌号卫星(Glory)是美国国家航空航天局在2011年发射的一颗地球探测卫星,卫星的任务是在700公里高空分析火山、森林火灾、烟囱和排气管所排出的悬浮颗粒。


Événements.

Les rébellions eurent lieu dans les colonies du Haut-Canada et Bas-Canada, c'est-à-dire dans la partie sud des provinces canadiennes actuelles de l'Ontario et du Québec. La rébellion au Bas-Canada débuta en premier, en novembre 1837, et était menée par Wolfred, Robert Nelson et Louis-Joseph Papineau. Cette rébellion aurait inspiré la rébellion, beaucoup plus courte, au Haut-Canada menée par William Lyon Mackenzie en décembre.  Dans les deux cas, le nombre des insurgés était beaucoup moins important que celui des troupes britanniques et des miliciens loyaux au régime, leur armement très limité et leur connaissance des tactiques militaires très sommaire. Les quelques batailles ont donc été plutôt à sens unique. Les rebelles ont en général été encerclés rapidement et ont dû se rendre après quelques heures.

Bas-Canada.

La rébellion du Bas-Canada (appelée aussi rébellion des Patriotes) fut un conflit plus large et soutenu par un mouvement d'émancipation démocratique de Canadiens-français et d'Irlandais catholiques contre le gouvernement colonial britannique et l'oligarchie marchande. Elle est l'aboutissement d'un conflit politique larvé qui existe depuis la Conquête britannique entre la population civile et l'occupant militaire colonial.

Haut-Canada.

La rébellion du Haut-Canada est un soulèvement avorté au Haut-Canada contre la clique au pouvoir dans la colonie, connue sous le nom du Family Compact.

Conséquences à long terme.

John George Lambton, futur comte de Durham, est envoyé au Canada en 1838 dans le but de faire enquête sur les causes des rébellions de 1837-38. Il est nommé Gouverneur général du Canada et chargé des pouvoirs spéciaux de haut-commissaire de l'Amérique du Nord britannique. Son rapport sur les "affaires de l'Amérique du Nord britannique", plus connu sous le nom de Rapport Durham, recommande que le Haut-Canada et le Bas-Canada soient réunis en une seule province qui deviendra majoritairement britannique, dans la perspective de noyer la majorité francophone.  Il recommande également l'accélération de l'immigration britannique au Canada afin de marginaliser la population canadienne-française, la forçant ainsi à choisir la voie de l'assimilation linguistique et culturelle. Finalement, il suggère le retrait des libertés accordées aux Canadiens français par l'Acte de Québec et l'Acte constitutionnel afin d'éliminer les fondements de leur identité française.  Même si les deux rébellions furent finalement écrasées, les réformistes les plus modérés, comme les partenaires politiques Robert Baldwin et Louis-Hippolyte La Fontaine, acquirent une plus grande crédibilité en tant que voie alternative aux radicaux. En 1848, ils ont réussi à convaincre le gouverneur britannique d'accorder le gouvernement responsable au Canada-Uni, une conséquence indirecte des rébellions atteint malgré la défaite.

Débat historique sur les rébellions.

Les historiens canadiens ne s'entendent pas encore pour dire à quel point les mouvements de réforme au Haut-Canada et au Bas-Canada étaient liés. L'opinion jadis populaire, celle exprimée par Lord Durham, était que les deux mouvements étaient uniques et séparés, coïncidant simplement dans le temps. De ce point de vue découlait l'interprétation habituelle que la rébellion des Patriotes au Bas-Canada reposait essentiellement sur des motifs ethniques et culturels, suggérant qu'il s'agissait d'un conflit entre nationalistes canadiens-français et l'élite anglaise, tandis que la rébellion au Haut-Canada serait un conflit entre les idéologies républicaines et monarchistes. De plus en plus, toutefois, cette interprétation est mise en doute par les historiens tels que John Ralston Saul. Saul suggère que les rébellions faisaient toutes deux parties du même mouvement répandu pour la réforme démocratique et républicaine ; il attire l'attention sur la très grande correspondance entre les chefs des rébellions, ainsi que l'importance de certains anglophones dans la rébellion au Bas-Canada, comme les frères Wolfred Nelson et Robert Nelson. Les historiens canadiens-français considèrent souvent les rébellions comme faisant partie du premier mouvement international de décolonisation, qui incluait également les États-Unis d'Amérique, Haïti, le Mexique, le Brésil, et plusieurs autres colonies de l'Amérique du Sud et de l'Amérique centrale au début du, ainsi que des mouvements d'indépendance en Belgique et en Grèce.

Film.

Michel Brault a réalisé en 1999 un film sur la rébellion de 1838 intitulé "Quand je serai parti, vous vivrez encore".  Le film "15 février 1839", sorti en 2001, réalisé par Pierre Falardeau, dépeint les derniers jours des Patriotes qui furent pendus le.

Les Mac-Paps dans la guerre d'Espagne.

En 1937, exactement cent ans après la rébellion, William Lyon Mackenzie et Louis-Joseph Papineau donnèrent leur nom au Bataillon Mackenzie-Papineau, ou les Mac-Paps, un bataillon de soldats canadiens qui ont combattu pour la cause républicaine en Espagne durant la guerre d'Espagne.

Les rébellions de 1837 et 1838 sont deux soulèvements armés ayant lieu dans les colonies britanniques du Bas-Canada et du Haut-Canada en 1837 et 1838. Ces soulèvements, qui se déroulent sur fond de crises économiques et agricoles, sont provoquées par le refus, de la part des autorités britanniques coloniales, d'accorder les réformes politiques réclamées par les Assemblées législatives, notamment l'établissement d'un gouvernement responsable. Dans le Bas-Canada, ce conflit se double d'une volonté d'émancipation de la majorité francophone face à la domination politique et économique que lui inflige la minorité britannique.

1837年叛乱(英语:Rebellions of 1837–1838,法语:Rébellions de 1837–1838)是1837年和1838年发生在加拿大下部和上部的两起武装起义,这两起叛乱都是由于政治改革的挫折所导致,一个关键的共同目标是负责任的政府,最终在事件结束后实现了这一目标。


Caractéristiques.

L'éléphant de Bornéo est aussi remarquablement docile et passif, une raison pour laquelle certains scientifiques pensent qu'il était issu d'une collection nationale d'éléphants domestiqués.

Classification.

La classification des différentes populations d'éléphants d'Asie est encore incertaine, et le nombre de sous-espèces reconnues est variable.  L'origine des éléphants de Bornéo est controversée. Selon deux hypothèses concurrentes, ils sont soit autochtones, soit introduits et descendent d'éléphants importés du.  En 2003, le chercheur canadien William Sommers, par le biais de l'ADN mitochondrial, a découvert que les ancêtres de l'éléphant de Bornéo ont été séparés de la population du continent au cours du Pléistocène, il y a 300 000 ans environ. La sous-espèce vivant actuellement à Bornéo fut isolée des autres populations d'éléphants d'Asie au moment où les ponts qui reliaient Bornéo et les autres îles de la Sonde au continent disparurent après la dernière glaciation, il y a 18 000 ans. L'isolement peut être la raison pour laquelle il est devenu plus petit avec de grandes oreilles relativement rondes, la queue plus longue, et des défenses plus rectilignes.  D'autres scientifiques affirment que les éléphants de Bornéo ont été introduits par le sultan de Sulu puis abandonnés, et que la population sur Sulu, jamais considérée comme indigène, a été importée de Java. Ainsi, l'éléphant de Bornéo appartient peut-être à l’espèce considérée comme éteinte de l'éléphant de Java. De nombreux faits appuient cette hypothèse, y compris l’absence de preuve archéologique d'habitation à long terme de l'éléphant à Bornéo, une confirmation de l'absence des éléphants dans le folklore et l'absence d'éléphants colonisant toute l'île de Bornéo.

Menaces et conservation.

Les populations d'éléphants disparaissent à mesure que la déforestation de Bornéo perturbe leurs itinéraires de migration, épuise leurs sources de nourriture et détruit leur habitat. La possibilité que ces éléphants soient originaires de Bornéo donne à leur conservation une priorité élevée et fournit aux biologistes des pistes importantes concernant la façon de les gérer.  En août 2007, il a été signalé qu'il n'y a probablement pas plus de 1 000 éléphants pygmées à Sabah, après une étude de deux ans conduite par le World Wildlife Fund.  Le à Portland héberge la seule éléphante de Bornéo aux États-Unis. Agée de dix-sept ans, cette orpheline s’appelle Chendra.

L'éléphant de Bornéo ("Elephas maximus borneensis"), aussi appelé éléphant pygmée de Bornéo, est une population d'éléphants d'Asie, parfois considérée comme une sous-espèce, vivant dans le nord-est de l'île de Bornéo, dans l’État malaisien de Sabah et la province indonésienne de Kalimantan du Nord.

婆罗洲象(学名:),又称加里曼丹象、婆罗洲矮象、婆罗洲侏儒象等,原来被当作外来亚洲象的野化种群。2003年被认为应属于亚洲象的一个独立亚种,但其原生地目前尚无定论。


Ses rapports avec Ruskin et Millais.

Effie Gray naquit à Perth, en Écosse, et vécut à Bowerswell, la maison où le grand-père de Ruskin s'était suicidé. Sa famille connaissait le père de Ruskin, qui les encouragea à se lier l'un à l'autre. C'est pour elle, qui avait alors douze ans, qu'en 1841 Ruskin écrivit le roman fantastique "Le roi du fleuve d'or". Après leur mariage en 1846, ils firent un voyage à Venise, où Ruskin fit des recherches pour son livre "The Stones of Venice". Toutefois, leurs tempéraments différents causèrent bien vite des problèmes, du fait qu'elle était naturellement extravertie et aimait plaire, et elle en vint à se sentir opprimée par la personnalité trop sérieuse de son mari.  Quand elle rencontra Millais, cinq ans plus tard, elle était encore vierge, du fait que Ruskin n'avait cessé de repousser la consommation de leur mariage. Ses raisons ne sont pas claires, mais on devine du dégoût envers certains aspects du corps de son épouse. Comme elle l'écrivit plus tard à son père,  « Il faisait valoir diverses raisons, sa haine pour les enfants, des motifs religieux, le désir de préserver ma beauté, et c'est cette année qu'il m'a dit au bout du compte sa véritable raison... c'est qu'il avait imaginé les femmes tout à fait différentes de ce qu'il a vu que j'étais, et s'il n'a pas fait de moi sa femme, c'est qu'il s'est senti dégoûté de ma personne le premier soir, le. »  Ruskin l'a confirmé dans sa déclaration à son avocat au cours de la procédure en annulation.  On ne connaît pas les raisons de ce dégoût envers « certaines choses de sa personne ». Diverses suggestions ont été avancées, parmi lesquelles une répulsion soit pour ses poils pubiens soit pour le sang de ses règles.  Alors qu'elle était mariée à Ruskin, elle posa comme modèle pour une peinture de Millais "L'Ordre de libération", dans laquelle elle est représentée comme l'épouse fidèle d'un rebelle écossais qui a obtenu que son mari fût libéré de prison. Elle devint par la suite une grande amie de Millais quand il accompagna le couple à l'occasion d'un voyage en Écosse afin de faire le portrait de Ruskin conformément aux principes artistiques de ce dernier. Pendant le temps, qu'ils passèrent à Brig o' Turk dans les Trossachs, ils tombèrent amoureux l'un de l'autre. Elle abandonna Ruskin et, avec le soutien de sa famille et d'un certain nombre d'amis influents, elle demanda l'annulation de son mariage, ce qui provoqua un énorme scandale, et leur union fut annulée en 1854. En 1855, elle épousa John Millais à qui elle devait donner huit enfants, dont l'un fut un artiste d'oiseaux et un paysagiste remarquable, John Guille Millais. Elle posa également pour un certain nombre de ses œuvres, notamment "Peace Concluded" (1856), qui l'idéalise comme une icône de la beauté et de la fécondité.  Lorsque par la suite, Ruskin chercha à se fiancer avec une jeune fille de moins de vingt ans, Rose la Touche, les parents de cette dernière s'inquiétèrent et écrivirent à Effie Gray ; celle-ci répondit en décrivant Ruskin comme un mari tyrannique et les fiançailles furent rompues.

Influence sur Millais.

Après son mariage, Millais commença à peindre dans un style plus libéré, ce que Ruskin condamna comme une « catastrophe ». Le mariage lui avait donné une grande famille qu'il fallait nourrir et on a prétendu que c'est sa femme qui l'encourageait à produire en série des œuvres qui plaisaient au public pour gagner de l'argent et leur permettre de conserver leur statut social. Il n'existe toutefois aucune preuve qu'elle ait consciemment fait pression sur lui dans ce sens, même si elle s'occupait de façon efficace de la carrière de son mari et souvent collaborait avec lui dans le choix des sujets. Son journal montre bien toute l'estime qu'elle avait pour l'art de son époux, dont les œuvres étaient encore marquées du style préraphaélite plusieurs années encore après son mariage.  Malgré tout, Millais finit par abandonner l'obsession préraphaélite pour le détail et se mit à peindre dans un style plus libéré, réalisant ainsi plus de tableaux pour le même temps et les mêmes efforts. Beaucoup d'entre eux étaient inspirés par sa vie de famille avec sa femme, et il se servait souvent comme modèles de ses enfants et de ses petits-enfants.

Les dernières années.

L'annulation de son mariage avec Ruskin fit déchoir Effie Gray de son rang social. Elle n'était plus admise en présence de la reine Victoria, et de ce fait n'était plus invitée aux événements où la reine était présente. Comme avant l'annulation, elle avait eu une vie sociale très active, elle en souffrait beaucoup. Finalement, alors que Millais était en train de mourir, la reine se relâcha de sa sévérité, ce qui permit à Gray d'assister à une cérémonie officielle. Quelques mois après la mort de son mari, elle mourut à son tour, à Bowerswell, le et fut enterrée à Perth, au cimetière de Kinnoull, que Millais a représenté dans son tableau "The Vale of Rest".

Au théâtre, au cinéma et dans la littérature.

Son mariage avec Ruskin et l'idylle qui a suivi avec Millais ont été traités en maintes occasions :

Euphemia Chalmers Millais née Gray, connue sous les noms d’Effie Gray, Effie Gray Ruskin ou Effie Gray Millais (Perth, - Perth, ) était l'épouse du critique John Ruskin, mais ils se séparèrent sans que leur union eût été consommée et, après l'annulation de son mariage, elle épousa un protégé de Ruskin, le peintre préraphaélite John Everett Millais. Ce fameux triangle amoureux victorien a été mis en scène dans plusieurs pièces de théâtre et un opéra.

艾菲·格蕾(英语:Effie Gray,1828年-1897年12月23日),苏格兰人,英国维多利亚时代艺术评论家约翰·拉斯金前妻,其后和著名前拉斐尔派创始人约翰·艾佛雷特·米莱结婚。三人这段三角关系在维多利亚时代广为人知,至今改编成多部戏剧和歌剧。


Biographie.

John Ashbery est né à Rochester, dans l'état de New York (USA), fils de Chester, un fermier et de Helen Lawrence Ashbery, une professeur de biologie. Son jeune frère, Richard, est mort à l'âge de 9 ans de la leucémie. Il a décrit son père comme étant sujet à des mouvements d'humeur violente, qui ont rythmé la vie à la ferme. Les périodes les plus heureuses de son enfance étaient celles qu'il a passé avec ses grands parents maternels à Rochester et à leur chalet d'été au bord du lac de Pultneyville.  À l'âge de 16 ans il a été envoyé comme pensionnaire à la, une école privée du Massachusetts. Là, il a commencé à écrire de la poésie sérieusement, inspiré principalement par WH Auden et Octavio Paz. Après il entre à l' Université de Harvard, où il obtiendra son en 1949, il passera son (littérature anglaise) à la Columbia University en 1951.  Lors de ses études universitaires, il a rencontré des auteurs comme W.H Auden, Kenneth Koch et Frank O'Hara, ces deux derniers deviendront amis pour la vie de John Ashbery et se regrouperont avec James Schuyler, pour créer ce qui allait être connu sous le nom de l'École de New York.  Bénéficiant d'une bourse Fulbright, il part en 1955 en France, il y restera jusqu'en 1957.  Son premier recueil de poèmes'est publié en 1953. Ce sera le début de nombreuses publications. Parmi ses œuvres remarquables nous pouvons retenir :'(1975) qui a remporté trois grands prix : le Pulitzer, National Book Award, et le Circle Award National Book,'(2000),'(2002),'(2005),'(2007),'(2007), et'(2008).  En tant que critique littéraire, il écrit ses premiers articles en 1957, il sera rédacteur en chef de'de 1965 à 1972, critique d'art pour le "New York Magazine" de 1978 à 1980 et pour "Newsweek" de 1980 à 1985. Il écrira également des articles de critiques littéraires pour "The New York Herald-Tribune in Europe", "Partisan Review," etc. Une sélection de ses écrits d'art a été publié par les éditions Knopf en 1989 sous le titre de ','et publié en livre de poche par'en 1991.  Son roman " a été publié en 1969 et fut réédité à plusieurs reprises, la dernière réédition datant de 2008.  Il écrit trois pièces de théâtre'(1978) dont ', qui a été créé la première fois à New York par le Living Theater en 1952.  Enfin il fit de nombreuses traductions d'auteurs français : Arthur Rimbaud, Raymond Roussel, Max Jacob, Alfred Jarry, Antonin Artaud, Pierre Reverdy, Stéphane Mallarmé, etc. Ses diverses traductions sont rassemblées dans deux livres :'(2014) et'(2014).  Ses principaux essais sont rassemblés dans " (2004).  Les données sur sa vie privée sont quasiment absente, Ashbery est très avare de détails. On sait qu'il fut conscient très jeune de son homosexualité qu'il dut cacher pendant longtemps dans l’Amérique puritaine des années 1950. Dans les années 1980, il donnera une interview à Christophe Hennesy publiée dans le livre "Our Deep Gossip", exposant son rapport à l'homosexualité et les rapports de celle-ci à sa poésie.  Son travail a été traduit en plus de vingt langues.

Œuvres.

Œuvres traduites en Français.

Ses œuvres ont été publiées en plus de 20 langues, dont le français.

John Lawrence Ashbery, né le à Rochester dans l'État de New York et mort le à Hudson dans le même État américain, est un poète, essayiste, critique littéraire, dramaturge, traducteur et professeur d'université américain, un des fondateurs de l'École de New-York. Il fut élu chancelier de l'Academy of American Poets (1988 / 1999), il fut également membre de American Academy of Arts and Sciences.

约翰·劳伦斯·阿什伯里(英语:John Lawrence Ashbery,1927年-7月28日-2017年-9月3日)是一位美国诗人。他出版过超过20卷诗集,赢得了美国几乎所有的主要诗歌奖项,包括以诗集《凸面镜中的自画像》获1976年普利策奖。但阿什伯里的作品仍有很大争议。他的《文选》中收录了一篇评论伊丽莎白·毕晓普的文章,他将自己描述为“一个愚蠢、自产自销的超现实主义者,甚至无视超现实主义诗歌的规则和逻辑”。虽然阿什伯里以其作品的后现代复杂性与不透明性知名,他声称他希望能为尽可能多的读者阅读,而不是自说自话。