Évolution du mouvement.

Étymologie et origine.

Le terme « baroque » vient du portugais qui signifie « perle irrégulière ». Les idées germinales du baroque se retrouvent dans le travail de Michel-Ange. Le style baroque débute aux alentours de 1580.  Les historiens de l’art, souvent protestants, ont traditionnellement accentué le fait que le style baroque évoluait à une époque où l’Église catholique romaine réagissait face à plusieurs mouvements culturels produisant une nouvelle science et de nouvelles formes de religions – la Réforme. On a dit que le baroque monumental était un style que la papauté pouvait instrumentaliser, comme le firent les monarchies absolues, en imposant une voie d’expression à même de restaurer son prestige, au point de commencement symbolique de la Contre-Réforme catholique. Que ce fût ou non le cas, son développement eut du succès à Rome où l’architecture baroque renouvela largement le centre-ville ; peut-être la plus importante rénovation urbanistique.  Le terme dans son sens actuel, comme la plupart des périodes ou désignations stylistiques, a été inventé postérieurement par la critique d'art (c'est Heinrich Wolfflin qui impose cette catégorie esthétique en 1915 dans ses "Principes fondamentaux de l'histoire de l'art") et non par les artistes des. Ceux-ci ne se pensaient pas "baroques",

La diffusion en Europe.

C’est grâce à l’implantation de l’Église catholique que l’art baroque se propage en Europe. Il se diffuse au dans toute l’Europe, et plus particulièrement en Espagne, Europe centrale et Pays-Bas. En France par exemple Claude Lorrain a peint "Port de mer au soleil couchant" avec un grand travail de la lumière. Et en Espagne, "Les Ménines" de Vélasquez. On peut retrouver encore aujourd’hui des traces de ce mouvement baroque partout en Europe, par exemple la façade de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle.  La popularité et le succès du baroque sont encouragés par l’Église catholique romaine quand elle décide que le côté théâtral du style des artistes du baroque pouvait promouvoir des thèmes religieux avec une implication directe et émotionnelle. C’est un art du catholicisme tel qu'il fut défini en 1545-1563 par le concile de Trente, dont le décret le plus significatif est le "Décret sur l’innovation et les reliques des saints, et sur les images saintes". C’est donc une esthétique

Le Baroque tardif.

Le baroque tardif ou rococo succède au baroque classique, au. Il apparaît dès la fin du en Allemagne, en Autriche et en Bohême. Le goût de la beauté sensuelle apporte une composition plus libre au caractère systématique du baroque du. L'ornementation se multiplie, devient riche et fantaisiste. Les fresques en trompe-l'œil, les escaliers, les nymphées et les sculptures allégoriques vont jusqu'à la surcharge des églises, des châteaux et des fontaines. Vienne, Londres, Dresde, Turin, l'Allemagne du Sud et la Bohême en adoptent toutes les audaces. Le plaisir des yeux est impératif autour du "capriccio" exubérant du

Le baroque littéraire.

La littérature baroque utilise de nombreuses métaphores et allégories dans ses œuvres. Le thème le plus abordé est le thème religieux, car l’Église catholique était au centre à cette époque, mais les artistes baroques aiment aussi parler de la mort et utilisent fréquemment l’illusion dans leurs œuvres.  Le théâtre est le lieu de l’illusion par excellence. Le théâtre baroque accentue cette illusion par de fréquents changements d’intrigues comme dans "l’Illusion comique" de Corneille. Le théâtre baroque est plutôt fondé sur les émotions que sur l’intellect.  Dans les romans baroques, les intrigues sont complexes et multiples. On distingue de nombreux types de romans baroques, parmi eux le roman pastoral, qui présente un monde idéalisé et le roman picaresque, à mi-chemin entre idéal et réalité.  La poésie baroque (1570-1630) fut d’abord épique pendant les guerres de religion puis pendant la paix devient lyrique. Il y a dans cette poésie de nombreux affrontements entre l’Église catholique et l’Église réformée.

Littérature et philosophie.

Le baroque exalte de nouvelles valeurs que l’on résume souvent à l’utilisation de métaphores et d’allégories, que l’on retrouve largement en littérature baroque, et en recherche de « maraviglia » (merveilleux, étonnement, comme dans le maniérisme), et l’utilisation d’artifices. Si le maniérisme ouvrit une première brèche à la Renaissance, le baroque en fut la réponse opposée. On retrouva l’affliction psychologique de l’Homme – un thème abandonné après les révolutions de Copernic et de Luther dans la recherche d’un soutien solide, une preuve de l’"ultime puissance humaine" – à la fois dans l’art et l’architecture de la période baroque. Une part révélatrice des œuvres fut réalisée sur des thèmes religieux, puisque l’Église catholique romaine était alors le principal « client ».  Les artistes recherchaient la virtuosité (et le virtuoso devint une forme commune d’art) avec le réalisme, soucieux du détail (certains parlent d’une « complexité » typique).

Théâtre.

Dans le domaine du théâtre, l’élaboration de vanités, de multiples changements d’intrigue, et une variété de circonstances caractéristiques du maniérisme (les tragédies de Shakespeare par exemple) sont supplantés par l’opéra qui regroupe tous les arts en un tout unifié.  Plusieurs auteurs écrivent des pièces de théâtre durant la période baroque tels que Corneille ("Comédies", "L'Illusion comique") et Molière ("Dom Juan ou le Festin de pierre") en France ; Shakespeare ("Roméo et Juliette") en Angleterre ; Tirso de Molina ("Marthe la dévote", comédie ; "L'abuseur de Séville", drame historique) et Lope de Vega ("l’Étoile de Séville", "Aimer sans savoir qui", comédies) ou Calderón ("La vie est un songe") en Espagne.  Le théâtre baroque peut anachroniquement se définir, dans un premier temps, comme le négatif du théâtre classique. À l’analyse intellectuelle, le baroque préfère l’émotion, la perception ; face à

Poésie.

La poésie de la période littéraire baroque entre 1570 et 1600 est qualifié de poésie épique. On qualifiera plus tard de poésie baroque la poésie riche et diverse qui s'est développée entre 1600 et 1630, ainsi les 4 grands poètes de l'époque baroque sont Mathurin Régnier (1573-1613), Théophile de Viau(1590-1626), Malherbe et Saint-Amant (1594-1661).  La, inscrite entre l’humanisme et la littérature classique, utilise de nouvelles formes : le sonnet, l’ode et de nouveaux thèmes. Le baroque se prête à la satire qui permet de dénoncer les vices du temps mais il donne surtout naissance à une poésie lyrique subtile et émouvante, expression des sentiments personnels face à l’amour, la nature, la

La peinture baroque.

Origine.

La peinture baroque est née au en Italie suivant le maniérisme. On peut y voir que les corps des personnages sont très détaillés comme dans "L'Archange Michel écrasant

Caractéristiques.

Les principales caractéristiques de cette peinture sont :  Une définition de la signification de baroque en peinture est fournie par les séries de tableaux exécutés par Pierre Paul Rubens pour Marie de Médicis au Palais du Luxembourg à Paris (à présent au Louvre), dans lesquels un peintre catholique satisfait aux exigences d’un mécène catholique : les conceptions de la monarchie à l’ère baroque, l’iconographie, la maîtrise de la peinture et les compositions

La sculpture.

En sculpture baroque, les ensembles de figures prirent une importance nouvelle, il y eut un mouvement dynamique et une énergie portée par les formes humaines – elles s’enroulent en volutes autour d’un tourbillon central, ou atteignent vers l’extérieur les espaces alentour. À ce titre "L'Annonciation" (1603-1608) de Francesco Mochi, pour la cathédrale d'Orvieto, représente l'un des tout premiers exemples du genre. De façon novatrice, la sculpture baroque eut plusieurs angles de vue idéaux. Une caractéristique de la sculpture baroque fut d’ajouter

Architecture.

Apparition.

Le développement du style baroque est généralement défini comme consubstantiel à la Contre-Réforme. Il a néanmoins été adopté par les élites des pays protestants du nord de l’Europe et par celles du monde orthodoxe slave. Sa naissance à Rome est concomitante avec celle de la compagnie de Jésus, fondée en 1537 pour renforcer l’influence catholique perdue et évangéliser le Nouveau Monde ; et avec celle du concile de Trente (1545-1563) qui réforme les

Caractéristiques.

Dans l’architecture baroque, l’accent est mis à la fois sur l’aspect massif et chargé, colonnades, dômes, clair-obscur, effets colorés de peinture, et le jeu chargé des volumes opposés au vide, liberté des formes et profusion des ornements. Dans les intérieurs, le mouvement baroque se manifeste autour et à travers un savant escalier monumental sans précédent en architecture.  Nous retrouvons cet escalier monumental dans le palais Zwinger à Dresde. Ce palais a été édifié à l’initiative d’Auguste le Fort comme lieu de fêtes entre 1709 et 1732 par les architectes Pöppelmann et Permoser. On remarque aussi sur cet édifice baroque des jeux d’ombre et de lumières qui sont le fait des pleins et des vides. Il y a un équilibre parfait entre

Variantes.

En Italie.

Le style baroque se développe à partir de la deuxième moitié du, d’abord à Rome, puis dans le reste de l’Italie. Il respecte tout d'abord le paradigme romain de la basilique en croix dont le chœur est surmonté d'un dôme. Outre l’Église du Gesù sus-citée, on considère que le pionnier de l'architecture baroque religieuse est Carlo Maderno avec son église Santa Susanna alle Terme

En France.

Les Français appellent « classique » l’architecture du siècle de Louis XIV et de ses successeurs et rejettent l'appellation, péjorative en français, de « baroque ». Cette opposition entre un classicisme « raisonnable » à la française et un baroque « excessif » à l’italienne trouve sa source dans la volonté, affirmée dès le, de supplanter Rome et, dans les faits, c’est le moment où Versailles et la cour

En Espagne et au Portugal.

Au fur et à mesure que pénètre l'influence italienne au-delà des Pyrénées, elle fait reculer l'approche classicisant en vogue jusqu'alors sous la férule de Juan de Herrera. En 1667, les façades de la cathédrale de Grenade par Alonso Cano annoncent la victoire du baroque en Espagne. S'ensuit la cathédrale de Jaén par Eufrasio López de Rojas qui intègre les leçons baroques au structures architecturales spécifiquement espagnoles.  En contraste avec l'art du nord de l'Europe, les Espagnols ont créé un art qui fait appel aux sens plus qu'à

Héritage.

De même que l'art de la Renaissance connaît un déclin formel avec le maniérisme, le baroque s'épuise dans un académisme précieux, et qualifié de vain par ses détracteurs, dans le

Musique.

Au sens le plus large on considère la période baroque en musique comme s'étendant de 1600 à 1750, la musique baroque étant directement inspirée de l'architecture baroque. Le baroque couvre donc une large période dans l’histoire de la musique et de l'opéra. Il s’étend du début du environ au milieu du, de façon plus ou moins uniforme selon les pays. De façon nécessairement schématique, l’esthétique et l’inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance (apogée du contrepoint et de la polymélodie) et précèdent celles du classicisme (naissance d'éléments discursifs, comme la phrase musicale ponctuée) : comme dans l'architecture, les « figures » musicales baroques sont soutenues par une « basse continue » très stable (on est à la jonction entre contrepoint et harmonie).  On appelle musique baroque, l'école musicale du, d'un point de vue purement chronologique. Or, Jean-Jacques Rousseau définit la musique baroque comme celle « dont l'harmonie est confuse, chargée de modulations et de dissonances ». Il s'agit du style de musique composée au cours de la période chevauchant celle de l'art baroque, et également celui d'une période légèrement plus tardive. Jean-Jacques Rousseau affirmant son désaccord avec la musique baroque va être à l'origine de la Querelle des Bouffons.  C'est en Italie qu'apparaît le mouvement de la musique baroque, sous l'influence du compositeur Monteverdi, qui avec Orfeo (considéré comme le premier opéra), marque une rupture dans l'histoire de la musique. En France, la musique étant peu développée, c'est un Italien, Jean-Baptiste Lully, qui va la développer auprès du roi Louis XIV. Lully inventa un genre d'opéra : la tragédie lyrique. Par la suite des compositeurs comme Jean-Philippe Rameau perpétueront la musique baroque française. Avec la musique baroque, se développe la cantate, suite de danse ; Courante, Sarabande, Allemande... et danse populaire : Les Folies d'Espagnes. En 1750, avec la mort du compositeur Allemand Johann Sebastian Bach, la période musicale du baroque laisse place à la musique classique.  L'époque musicale baroque peut se découper en trois périodes différentes : le premier baroque de 1580 à 1630, puis le baroque médian jusqu'à la fin du, et enfin le dernier baroque jusqu'à la mort de Bach (1750). Les figures culminantes de la musique baroque à son apogée, c'est-à-dire lors du dernier baroque, sont Corelli (1653-1713) et Vivaldi (1678-1741) en Italie, Haendel (1685-1759) en Angleterre, Bach (1685-1750) en Allemagne. Pour la France, on retiendra Jean-Baptiste Lully (1632-1687) ou encore Jean-Philippe Rameau (1683-1764). L’étendue des points communs de la musique baroque avec les principes esthétiques des arts graphiques et littéraires de la période baroque est encore une question débattue.  René Huyghe, à propos du baroque :.

La danse baroque.

Depuis les années 1960, on appelle danse baroque l'art chorégraphique des, principalement la danse de cour et de théâtre.  Étroitement liée à la musique baroque, tant par la chronologie que par le style, la danse baroque évolue dans le cadre du « merveilleux », que ce soit dans le ballet de cour, la tragédie en musique ou l'opéra-ballet. Dénommée à l'époque la « belle danse », elle a été remise au goût du jour par des chercheurs et des historiens de la danse qui ont réhabilité un art et un style de danse que le ballet classique et romantique avaient simplifiés et uniformisés.  Plusieurs danses sont considérés comme baroque ainsi en danse binaire baroque on retrouve les danses d'entrée de ballets, les contredanses, les marches, les gavottes, la gaillarde, la sarabande, la folia, la chaconne, le menuet, la pavane et l'allemande. En ternaire on retrouve principalement les danses de la Sicilienne, la gigue, la canarie et la forlane.

Le baroque est un mouvement artistique qui trouve son origine en Italie dans des villes telles que Rome, Mantoue, Venise et Florence dès le milieu du et qui se termine au milieu du. Il y a un âge baroque différent selon les domaines, qu'ils soient intellectuels, historiques ou artistiques. Certains critiques y voient une constante culturelle qui revient tout au long de l'histoire comme l'a écrit Eugenio d'Ors.

巴洛克艺术(,英语:Baroque,)是欧洲17世纪时的一种艺术风格,运用夸张的运动性和清晰可辨的细节在雕塑、绘画、建筑、文学、舞蹈和音乐等领域来营造戏剧、紧张、繁琐、恢宏的效果。这种风格于1600年左右起源于意大利的罗马,随后便散布到欧洲的大部分地区。


Biographie.

Origines (1967-1969).

En août 1967, Michael et Peter Giles, deux frères musiciens originaires de Bournemouth, dans le Dorset, passent une petite annonce : ils sont à la recherche d'un organiste qui chante pour leur nouveau groupe. C'est un autre musicien de Bournemouth, Robert Fripp, qui leur répond. Bien que Fripp soit un guitariste qui ne chante pas, il rejoint les frères Giles pour fonder Giles, Giles and Fripp. Le trio enregistre plusieurs singles et un album, "The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp", qui alternent chansons pop excentriques et plages instrumentales travaillées. Malgré quelques passages en radio et à la télé, le succès leur échappe.  Afin de diversifier leur son, Giles, Giles & Fripp recrutent Ian McDonald. Ce dernier, qui joue aussi bien du saxophone que de la flûte, de la clarinette, de la guitare ou des claviers, est alors en couple avec Judy Dyble, ex-chanteuse de Fairport Convention, qui collabore avec le groupe jusqu'à sa rupture avec McDonald. Une autre connaissance de McDonald entre dans l'entourage du quatuor : le parolier Peter Sinfield. L'arrivée de Greg Lake, chanteur et bassiste ami de Fripp, qui remplace un Peter Giles désillusionné, complète la première formation de King Crimson, qui voit le jour en. C'est Sinfield qui trouve le nom du groupe.

De "In the Court of the Crimson King" à "Islands" (1969-1971).

À ce stade, c'est McDonald qui est le principal compositeur de King Crimson, bien que Lake et Fripp apportent également des idées au pot commun. Peter Sinfield se charge d'écrire les paroles et de concevoir l'éclairage scénique. L'acquisition d'un mellotron, sur l'idée de McDonald, apporte une dimension orchestrale à la musique du groupe. Après trois mois de répétitions quotidiennes, King Crimson fait ses premiers pas sur scène au Speakeasy Club de Londres le. Le groupe fait forte impression et acquiert rapidement une certaine notoriété. La BBC l'invite à enregistrer pour l'émission "Top Gear", le patron du Marquee Club lui offre un concert hebdomadaire et plusieurs musiciens célèbres comme Jimi Hendrix ou Pete Townshend viennent l'écouter. Le, il joue à Hyde Park devant au moins lors du concert gratuit organisé par les Rolling Stones. "The Guardian" le décrit alors comme.  Le premier album de King Crimson, "In the Court of the Crimson King", sort au mois d'octobre sur le label Island. Pétri d'influences variées, allant du rock psychédélique à la musique classique en passant par le jazz et la musique folk, c'est un succès aussi bien critique que commercial au Royaume-Uni comme aux États-Unis. Il est considéré comme l'un des actes fondateurs du rock progressif.  Les cinq musiciens traversent l'Atlantique pour une tournée américaine, mais des tensions créatives commencent à voir le jour entre eux. Giles et McDonald ont du mal à supporter leur soudaine célébrité, et ils ne se sentent pas à l'aise avec la direction plus sombre et complexe que souhaite prendre Fripp. Ils annoncent leur décision de quitter le groupe en pleine tournée, et la première formation de King Crimson donne son ultime concert le au Fillmore West de San Francisco.  Début 1970, Lake annonce à son tour son intention de partir, mais il accepte de participer au deuxième album de King Crimson, "In the Wake of Poseidon", en échange de la sono du groupe. C'est donc lui qui chante toutes les chansons, sauf "Cadence and Cascade", pour laquelle Fripp fait appel à son ami Gordon Haskell. Les frères Giles assurent la section rythmique en tant que simples musiciens de studio, tout comme le pianiste Keith Tippett, qui décline l'offre de rejoindre le groupe. Mel Collins assure les parties de saxophone et de flûte. Sorti en, "In the Wake of Poseidon" est bien reçu par la critique, qui souligne toutefois sa forte ressemblance avec "In the Court of the Crimson King".  Une nouvelle formation se met en place afin d'assurer la promotion de l'album. Collins et Haskell deviennent membres de King Crimson à part entière, tandis qu'Andy McCulloch est engagé comme batteur. Ils n'ont cependant pas leur mot à dire sur l'évolution musicale de King Crimson : l'album "Lizard" est entièrement coécrit par Fripp et Sinfield. Musicalement, il s'avère plus influencé par l'avant-garde jazz et la musique de chambre que ses prédécesseurs et marque l'apparition du synthétiseur VCS3 entre les mains de Sinfield. Plusieurs invités participent à l'enregistrement, dont Keith Tippett au piano et Jon Anderson de Yes au chant. À sa sortie, en, "Lizard" est salué pour sa prise de distance vis-à-vis du son des deux premiers albums de King Crimson, mais il s'attire des critiques mitigées par la suite.  Haskell et McCulloch, davantage portés vers le rhythm and blues que vers cette musique expérimentale complexe, quittent le groupe après la sortie de "Lizard". Ils sont remplacés par Ian Wallace à la batterie et Boz Burrell au chant, ce dernier apprenant également des rudiments de basse auprès de Fripp. Avec cette formation, King Crimson part en tournée en 1971, pour la première fois depuis 1969. Les critiques sont bonnes, mais le guitariste s'isole des autres membres du groupe, n'approuvant pas leur style de vie hédoniste. L'album "Islands", enregistré la même année et sorti au mois de décembre, marque une rupture stylistique entre les deux derniers membres fondateurs du groupe : Sinfield favorise une approche jazz-folk assez douce, tandis que Fripp s'oriente dans une direction plus brutale illustrée par l'instrumental "Sailor's Tale".  Après la tournée de promotion d"'Island", les relations entre les deux hommes sont devenues si mauvaises, aussi bien sur le plan musical qu'humain, que Fripp demande à Sinfield de quitter le groupe. Les trois autres, frustrés que Fripp refuse d'intégrer leurs compositions dans le répertoire commun, décident de claquer à leur tour la porte. King Crimson survit juste assez longtemps pour donner les concerts qu'il s'est contractuellement engagé à assurer au début de l'année 1972. Paradoxalement, les relations au sein du groupe s'améliorent durant cette période, au point que Burrell, Collins et Wallace envisagent de revenir sur leur décision, mais Fripp préfère recruter de nouveaux musiciens, jugeant ces anciens incapables de jouer le genre de musique qu'il a en tête pour le futur album de King Crimson. En sort "Earthbound", un "live" au son particulièrement médiocre enregistré durant la tournée américaine du début de l'année. Boz Burrell, Mel Collins et Ian Wallace forment alors le groupe Snape, avec le guitariste blues Alexis Korner qui sortira trois albums.

De "Larks' Tongues in Aspic" à "Red" (1972-1974).

Le nouveau King Crimson formé par Robert Fripp en 1972 comprend John Wetton (basse et chant), David Cross (violon et mellotron), Bill Bruford de Yes (batterie) et Jamie Muir (batterie et percussions), ainsi que Richard Palmer-James (ex-Supertramp) aux textes. Contrairement à Sinfield, le rôle de Palmer-James est limité à celui de parolier. Cette formation monte sur scène pour la première fois le au Zoom Club de Francfort, en Allemagne de l'Ouest. Elle se distingue par son fort penchant pour l'improvisation, ainsi que la présence scénique étonnante de Muir.  Le cinquième album de King Crimson, "Larks' Tongues in Aspic", est enregistré en janvier-février 1973 et paraît au mois de mars. Il marque une rupture dans l'évolution musicale du groupe : le saxophone et la flûte, très présents jusqu'alors, ont laissé place au seul violon de Cross, tandis que Muir emploie une grande variété d'objets en guise d'instruments. Les influences dominantes sont le jazz fusion et la musique improvisée, mais le son du groupe lorgne également vers le heavy metal naissant.  À la suite d'une crise spirituelle, Jamie Muir quitte le groupe après quelques concerts supplémentaires pour devenir moine. Réduit à un quatuor, King Crimson publie son sixième album, "Starless and Bible Black", en mars 1974. Il se compose en majeure partie de titres enregistrés lors de concerts donnés en octobre et, retravaillés en studio. Seules les chansons "The Great Deceiver" et "Lament" sont entièrement issues du travail en studio. Des tensions apparaissent au sein du groupe après la sortie de l'album : David Cross est frustré que son violon soit si peu audible sur scène. Il s'isole de plus en plus et finit par être exclu après la tournée européenne et américaine de 1974.  Le trio Fripp-Bruford-Wetton retourne en studio au mois de juillet pour enregistrer "Red". Le guitariste, désabusé par l'industrie musicale, découvre vers cette période les travaux de Georges Gurdjieff et connaît une sorte d'éveil spirituel qui l'incite à se mettre en retrait, laissant Bruford et Wetton s'occuper des séances d'enregistrement. Plusieurs musiciens de studio y participent, dont les ex-membres Ian McDonald et Mel Collins. "Red" paraît au mois d'octobre, mais King Crimson a alors cessé d'exister depuis le : Fripp considère que l'ère des groupes « dinosaures » est terminée et souhaite devenir. En guise d'épilogue paraît "USA", un "live" enregistré durant la tournée nord-américaine de 1974. Eddie Jobson est engagé pour ajouter des overdubs de violon sur deux pièces où Cross est inaudible, il joue aussi le piano électrique sur une autre.

De "Discipline" à "Three of a Perfect Pair" (1981-1984).

En 1981, Robert Fripp, qui s'est installé à New York, décide de créer un nouveau groupe. Il rappelle Bill Bruford et engage deux nouveaux musiciens américains : le chanteur et guitariste Adrian Belew et le bassiste Tony Levin. Ce quatuor, baptisé « Discipline », s'envole pour l'Angleterre afin de répéter et d'écrire de nouvelles chansons. Il fait ses débuts sur scène le au Moles Club de Bath, dans le Somerset, avant d'entreprendre une tournée britannique avec les Lounge Lizards en première partie. Sa musique s'inspire en partie de la mouvance new wave, mais aussi des gamelans indonésiens. Les deux guitaristes se répartissent les tâches : Fripp joue des arpèges complexes tandis que Belew utilise ses pédales d'effet pour tirer toutes sortes de sons de son instrument, du barrissement d'éléphant "Elephant Talk" aux textures industrielles. La section rythmique emploie également des instruments inattendus : Levin introduit le Chapman Stick tandis que Bruford joue sur une batterie électronique Simmons SDS-V.  Le groupe, qui a repris le nom de « King Crimson » entre-temps, enregistre l'album "Discipline", qui paraît au mois de septembre. Les compositions sont moins longues qu'auparavant et les paroles, écrites par Belew, plus humoristiques. D'autres influences s'y font sentir, du post-punk aux polyrythmies africaines. Sorti en juin 1982, "Beat" est le premier album de King Crimson à être enregistré par les mêmes musiciens que son prédécesseur. Plusieurs chansons font allusion à la Beat Generation, et l'album tout entier est parcouru par les thèmes du voyage et de la solitude. Plus pop que "Discipline", malgré la présence de l'instrumental atonal "Requiem", il produit le single "Heartbeat", qui atteint la du classement américain Mainstream Rock.  Le quatuor peine à définir un style pour son troisième album. En fin de compte, "Three of a Perfect Pair", enregistré en 1983 et sorti en mars 1984, est divisé en deux : la « face gauche » propose quatre chansons pop et un instrumental, tandis que la « face droite » offre des compositions plus expérimentales et parfois improvisées. Deux singles en sont tirés, la chanson-titre et "Sleepless". Le dernier concert de la tournée de promotion de "Three of a Perfect Pair" est donné au Spectrum de Montréal le. Il a été publié en 1998 sous le titre "". Fripp décide de dissoudre à nouveau le groupe au terme de cette tournée, mécontent de la tournure prise par les méthodes de travail du quatuor. La nouvelle n'est pas bien accueillie par les autres membres, notamment Bruford et Belew; ce dernier affirme avoir appris la nouvelle en lisant la presse. Néanmoins, les quatre hommes restent en bons termes.

De "THRAK" à "The Power to Believe" (1994-2003).

Après un album, "The First Day" et une tournée avec David Sylvian en 1993, Robert Fripp commence à mettre sur pied une nouvelle formation de King Crimson. L'idée est de constituer un « double trio » avec deux guitaristes, deux bassistes et deux batteurs. On y retrouve alors les 4 musiciens de la trilogie "Discipline"/"Beat"/"Three of a perfect pair" ainsi que deux nouveaux venus : Trey Gunn au stick et à la Warr guitar, et Pat Mastelotto à la batterie. Après avoir répété à Woodstock, dans l'État de New York, le sextuor publie un EP, "VROOOM", en octobre 1994. Le nouveau son du groupe combine le duo de guitares de l'époque "Discipline" avec l'agressivité hard rock de "Red", tout en incluant des idées relevant de la musique industrielle ou de l'ambient. Les chansons elles-mêmes, pour la plupart écrites par Belew, témoignent d'une influence accrue de la pop des années '60.  Le onzième album de King Crimson, "THRAK", est enregistré entre octobre et pour une parution au mois d'avril 1995. Il reprend la plupart des chansons de "VROOOM" dans de nouvelles versions. Les concerts donnés durant cette période sont illustrés par les albums "" (1995) et "VROOOM VROOOM" (2001), ainsi que sur "THRaKaTTaK" (1997), un collage d'une heure réalisé à partir d'improvisations scéniques.  Les répétitions qui débutent à la mi-1997 à Nashville sont jugées insatisfaisantes par Robert Fripp. Excédé, Bruford décide de mettre un terme à sa collaboration avec le groupe. Afin de sortir de cette impasse créative, les musiciens développent l'idée des ProjeKcts : des groupes indépendants les uns des autres, constitués de trois ou quatre membres de King Crimson seulement. L'objectif est de bénéficier d'une liberté d'improvisation accrue, tout en réduisant les coûts imposés par la logistique du double trio. Les quatre premiers ProjeKcts donnent des concerts aux États-Unis, au Royaume-Uni et au Japon tout au long des années 1998 et 1999, dont sont tirés plusieurs albums.  Au terme de l'expérience des ProjeKcts, King Crimson est réduit à un quatuor : outre le départ de Bruford, il doit également se passer de Tony Levin, pris par ses engagements auprès d'autres artistes en studio et sur scène. Le douzième album du groupe, "the construKction of light", est donc enregistré à quatre dans la cave et le garage de la maison de Belew, près de Nashville. Il propose une musique froide et agressive, très électronique et pleine de changements de rythme propres à désarçonner l'auditeur. Au même moment, le quatuor enregistre un autre disque, "Heaven and Earth", qui sort au même moment que "the construKction of light", en, sous le nom de « ProjeKct X ». La tournée qui suit leur sortie, dont certaines dates sont assurées avec Tool, donne lieu au triple album "live" "Heavy ConstruKction" en.  En sort l'EP "Happy with What You Have to Be Happy With", avec onze nouvelles compositions dont la moitié sont de brefs interludes vocaux chantés par Belew. Le reste oscille entre gamelan, morceaux ambient et parodies de blues ou de heavy metal. Plusieurs des chansons de l'EP sont reprises sur le treizième album de King Crimson, "The Power to Believe", sorti en. Sa tournée de promotion est immortalisée par l'album "". Trey Gunn a entre-temps laissé sa place à Tony Levin pour se consacrer à des projets en solo.  De nouvelles répétitions, début 2004, ne débouchent sur rien de probant. Le groupe entre en hibernation tandis que Fripp s'interroge sur son avenir, celui du groupe et de l'industrie musicale en général.

Dernière activités (depuis 2007).

Une nouvelle formation de King Crimson est annoncée en 2007 avec Fripp, Belew, Levin, Mastelotto et le batteur Gavin Harrison. Une mini-tournée en sert de prélude à la tournée célébrant le quarantième anniversaire du groupe, en 2009. La présence de deux batteurs sur scène donne un tour nouveau aux anciennes chansons du groupe, qui rentre en hibernation au terme de cette série de concerts.  L'album "A Scarcity of Miracles" paraît en 2011. Il est crédité à « Jakszyk Fripp Collins », un ProjeKct constitué de Robert Fripp, Mel Collins et le chanteur et guitariste Jakko Jakszyk. Tony Levin et Gavin Harrison participent également à son enregistrement. Bien que ce projet semble annoncer un possible réveil de King Crimson, Fripp annonce sa retraite en août 2012, fatigué par l'industrie musicale. Cette retraite est de courte durée, et un nouveau King Crimson est annoncé en. Il se compose pour la première fois de sept membres, avec Fripp, Levin, Harrison et Mastelotto, rejoints par Jakszyk, Collins et le batteur Bill Rieflin.  Cette formation à trois batteurs, qui joue plusieurs anciennes chansons de King Crimson dans des versions « reconfigurées », donne une première tournée en Amérique du Nord en. Un album, "Live at the Orpheum", en est tiré début 2015. Suivent des tournées européenne, canadienne et japonaise. Une nouvelle tournée européenne, à l'automne 2016, voit le remplacement de Bill Rieflin, qui a mis sa carrière musicale en pause, par Jeremy Stacey. Le retour de Rieflin est annoncé en, aux côtés de Stacey qui reste présent.  A l'occasion des 50 ans du groupe en 2019, King Crimson effectue une tournée de 50 dates cette même année, le "2019 Celebration Tour". La tournée passe par l'Europe, l'Amérique du Nord et l'Amérique du Sud. Par ailleurs, à compter du, King Crimson publie chacune des 50 semaines restantes de l'année un titre rare ou inhabituel tiré de leurs archives.

Postérité.

King Crimson est l'un des groupes de rock progressif les plus influents. Nombre de musiciens et diverses formations s'en revendiqueront plus ou moins largement, et dans divers genres musicaux. Le groupe de metal progressif The Mars Volta s'inspire largement de King Crimson, ainsi que Tool (ayant fait une tournée commune en 2001 aux États-Unis).  Le leader de Porcupine Tree Steven Wilson a remixé avec Robert Fripp lui-même nombre d'albums de King Crimson, et Gavin Harrison est batteur dans les deux formations. Dream Theater a également partagé l'affiche avec les deux trios d'Adrian Belew et Tony Levin. Mystery Jets revendique aussi l'influence du groupe.

Hommages.

En 2012, Médéric Collignon rend hommage à King Crimson avec l'album "À la recherche du roi frippé", dans lequel il arrange le répertoire du groupe pour son quartet "Jus de Bocse", augmenté pour l'occasion de deux quatuors à cordes.  Dans "Golden Wind", la cinquième partie du manga culte "JoJo's Bizarre Adventure", le Stand (pouvoir) de l'ennemi principal se nomme King Crimson et son pouvoir secondaire Epitaph, Robert Fripp et le groupe en général apprécient cette interprétation de leur travail, l'ont référencé dans une interview et expliqué largement sur les réseaux sociaux.  Le titre de la série de jeux vidéo hentai "Bible Black" serait inspiré de "Starless and Bible Black". a également produit deux autres séries dont les noms sont directement inspirés de King Crimson : "Starless" et "Discipline".

King Crimson est un groupe rock progressif britannique, originaire de Londres, en Angleterre. Avec des albums tels que "In the Court of the Crimson King" (1969) ou "Red" (1974), il est considéré comme l'un des représentants majeurs du rock progressif.

深红之王是一支来自英国伦敦的前衞摇滚乐队,成立于1968年。在其整个历史上已经经历了8大个成员阵容,其中有21个音乐人曾经或仍是当中成员;自2017年一月的成员为:Robert Fripp,Jakko Jakszyk,Tony Levin,Mel Collins,Pat Mastelotto,Gavin Harrison,Bill Rieflin,Jeremy Stacey。 Fripp是唯一一个从创团至今从未离队的成员,并被认为是乐队的领导和驱动力。


Biographie.

Enfance et scolarité.

Née à Culver City, en Californie, Drew Blythe Barrymore vient d'une famille d'acteurs réputés : son grand-père était l'acteur de théâtre John Barrymore, elle est la petite-nièce de Lionel Barrymore et Ethel Barrymore.  Son père, John Drew Barrymore et son demi-frère, John Blyth, sont aussi acteurs (mais bien moins populaires que les autres Barrymore). Sa mère, Jaid Barrymore, est une actrice et productrice allemande d'origine hongroise. Elle est la filleule de Steven Spielberg. Peu de temps après sa naissance, ses parents divorcent.

Révélation précoce et retrait (années 1980).

Sa carrière est précoce : en effet, elle fait sa première apparition télévisée à l'âge de 11 mois, dans une publicité de nourriture pour chiens. Après avoir joué dans le film "Au-delà du réel" en 1980, et dans deux téléfilms, "Suddenly, Love" (1978) et "Bogie" (1980), elle devient célèbre à l'âge de sept ans grâce à son rôle de la petite Gertie dans "E.T., l'extra-terrestre" de Steven Spielberg (dont elle est la filleule) : elle est, au cinéma, la jeune révélation de l'année 1982, avec son amie Heather O'Rourke, révélée, elle, en tant que Carol Anne Freeling dans "Poltergeist" de Tobe Hooper, produit également par Steven Spielberg (rôle qu'elle devait originellement interpréter). Malgré leur très proche amitié, Drew et Heather ne travailleront jamais ensemble.  Elle dévoile l'étendue de son talent deux ans plus tard dans "Charlie" (adaptation du roman "Firestarter" de Stephen King) où elle incarne une fillette possédant le pouvoir de pyrokinésie. Elle tourne dans plusieurs films comme "Divorce à Hollywood", pour lequel elle obtient une nomination au Golden Globe de la meilleure actrice dans un second rôle.  Cette célébrité précoce ne lui sera d'abord pas très bénéfique : elle découvre l'alcool à 9 ans, fume du cannabis à 10 et prend de la cocaïne à 12. La vie nocturne et les fêtes constantes qu'elle mène deviennent un sujet populaire dans les médias.  À l'âge de treize ans, elle entre en cure de désintoxication, mais fait une tentative de suicide à 14 ans, ce qui lui vaut un nouveau séjour en cure.  Elle décrira plus tard cette période de sa vie dans son autobiographie publiée en 1990, "La petite fille perdue" ("Little Girl Lost"). L'année suivante, à la faveur d'une requête du tribunal pour mineurs, elle obtient son émancipation et emménage dans son propre appartement à New York. À l'âge de 16 ans, elle décide de revenir vivre avec ses parents. Mais, ces derniers refusent et lui demandent de retourner à son appartement, ce qu'elle finit par faire. Ne supportant pas le rejet de sa famille, elle tente une nouvelle fois, à l'âge de 17 ans, de se suicider. À la suite de cela, elle doit repartir en cure de désintoxication, mais refuse, ce qui lui vaut un placement en hôpital psychiatrique.

Retour progressif (années 1990).

Bien qu'elle se soit séparée de ses problèmes de drogues en entrant dans l'âge adulte, elle garde cette image de « mauvaise fille », et l'exploite même pour relancer sa carrière dans les années 1990, après une succession de petits rôles dans des films de série B et à la télévision. Drew joue tour à tour une séductrice dans "Fleur de poison" et une prostituée dans le western au féminin "Belles de l'Ouest". Le premier, faute de succès commercial, devient populaire grâce à la télévision et la vidéo, le second obtient peu d'écho de la part du public. Néanmoins, elle obtient une nomination au Golden Globe de la meilleure actrice dans un téléfilm ou mini-série pour "Le Démon des armes".  Puis, elle pose nue dans le "Playboy" de janvier 1995. Cette même année, durant le show télévisé de David Letterman, elle monte sur le bureau de son hôte et lui montre ses seins en guise de cadeau d'anniversaire.  C'est à partir de 1995 et 1996 qu'elle fait son retour au cinéma, d'abord avec le film "Batman Forever" où elle tient un rôle secondaire, suivi de la comédie dramatique "Avec ou sans hommes", partageant ainsi la vedette avec Whoopi Goldberg et Mary-Louise Parker et "Tout le monde dit I Love You", la comédie musicale de Woody Allen. Néanmoins, c'est son rôle de Casey Becker dans "Scream" qui lui permet d'acquérir une plus grande notoriété, bien qu'elle n'ait qu'un petit rôle.  Drew continue sur la voie du succès et de la reconquête du public avec des comédies gentiment déjantées ou des comédies romantiques telles que "Wedding Singer", avec comme partenaire Adam Sandler, "Wishful Thinking", "Méli-Mélo" et "À tout jamais", qui obtiennent pour la plupart un bon accueil de la part du public.

Production et succès (années 2000).

C'est en 1999 que sa carrière prend un nouveau tournant, puisqu'elle commence une carrière de productrice, via sa société de production Flower Films, créée en 1995 avec Nancy Juvonen, avec des films dans lesquels elle joue notamment tels que "Collège Attitude" et les films populaires "Charlie et ses drôles de dames" et sa, dans lesquels la jeune actrice-productrice partage la vedette avec Cameron Diaz et Lucy Liu.  Les énormes succès commerciaux des deux volets de "Charlie's Angels" permettent de consolider sa réputation et celle de sa maison de production.  En 2001, elle produit et incarne le rôle d'un professeur d'anglais dans le thriller fantastique "Donnie Darko". Bien que le film n'ait pas obtenu le succès escompté - car sorti peu de temps après les attentats du 11 septembre, il obtient le statut de film culte lors de sa sortie en DVD.  Elle n'hésite pas toutefois à changer de registre avec justesse en jouant des rôles plus dramatiques comme dans "Écarts de conduite" ou "Confessions d'un homme dangereux", première réalisation de George Clooney, où elle partage l'affiche aux côtés de George Clooney, Julia Roberts et Sam Rockwell.  Elle produit et partage la vedette avec Ben Stiller dans la comédie potache "Un duplex pour trois", suivi d'Adam Sandler (également producteur via sa société Happy Madison Productions), qu'elle retrouve dans la comédie romantique "Amour et amnésie", qui obtient d'excellentes critiques et un immense succès au cinéma avec de dollars de recettes mondiales. Elle se cantonnera dès lors à ce registre comico-romantique.  De 2005 à 2007, elle apparaît ainsi au générique de "Terrain d'entente", des frères Farrelly et "Le Come-Back", avec comme covedette Hugh Grant. Son essai dans un registre dramatique, avec "Lucky You", où elle donne la réplique à Eric Bana, est un flop commercial.  Après avoir fait un tour dans la case doublage ("George le petit curieux", "Le Chihuahua de Beverly Hills", la série "Les Griffin", dans laquelle elle double la petite amie de Brian), elle confirme son aura de comédienne star du genre romantique en 2009, en intégrant la distribution chorale de "Ce que pensent les hommes".  En parallèle, elle essaye néanmoins de revenir progressivement vers un registre plus dramatique : elle incarne ainsi la fille bisexuelle de Robert De Niro et sœur de Kate Beckinsale et Sam Rockwell dans la comédie dramatique "Everybody's Fine", mais le film est un échec critique et commercial.  Mais elle passe ensuite à la télévision, le temps de tenir l'un des rôles principaux du téléfilm "Grey Gardens", aux côtés de Jessica Lange, lui permettant ainsi d'obtenir le premier Golden Globe de sa carrière.  Cette même année 2008, elle participe pour la sixième fois depuis 1982 à l'émission humoristique de NBC, "Saturday Night Live", devenant ainsi la première femme à venir six fois dans le show depuis sa création en 1975.

Diversification et confirmation (depuis 2010).

Fin 2009, elle fait ses débuts de réalisatrice avec "Bliss", comédie sur les "rollers derby", avec Ellen Page comme actrice principale. Elle se confie également un second rôle. N'ayant pas obtenu le succès escompté en salles, "Bliss" reçoit néanmoins l'éloge de la critique et une nomination au "Cheval de bronze" du Festival international du film de Stockholm.  En 2010, elle partage la vedette avec son compagnon de l'époque, Justin Long, dans la comédie romantique "Trop loin pour toi".  Entretemps, elle continue la production en devenant productrice exécutive de plusieurs supports tels que : la série télévisée "Charlie's Angels" en 2011, les télé-réalités "Though Love" en 2011, "Knife Light" en 2013 ou encore les films "Happy Camp" et "Animal", tous deux sortis en 2014.  En 2012, elle retourne sous la direction de Ken Kwapis dans le drame familial "Miracle en Alaska" aux côtés de Kristen Bell et John Krasinski, relatant l'histoire de trois baleines grises de Californie piégées dans la glace arctique en octobre 1988, dont la situation critique est l'occasion d'un véritable mouvement médiatique dans la minuscule ville de l'Alaska.  En 2014, elle est l'affiche de la comédie "Famille recomposée" ("") aux côtés d'Adam Sandler, qui est un succès au box-office en obtenant de recettes mondiales, malgré des critiques catastrophiques.  L'année d'après, elle renoue avec le cinéma indépendant pour la comédie dramatique "Miss You Already", où elle donne la réplique à Toni Collette, et ce sous la direction de Catherine Hardwicke.  En 2016, elle est productrice exécutive de la comédie "Célibataire, mode d'emploi" de Christian Ditter qui met en vedette le quatuor féminin : Dakota Johnson, Rebel Wilson, Leslie Mann et Alison Brie.  En 2017, elle soigne son retour en devenant l’héroïne de "Santa Clarita Diet" dans laquelle elle partage la vedette aux côtés de Timothy Olyphant. Dans cette série qui mélange horreur et comédie, elle incarne une mère de famille, exerçant la profession d’agent immobilier aux côtés de son mari, qui se transforme en mort vivant assoiffée de sang. La série est rapidement renouvelée pour une seconde saison face à l'engouement qu'elle suscite auprès du public et de la presse.  En 2019, en dépit de critiques positives, elle est arrêtée à l'issue de la saison trois. La même année, elle participe à la production d’une nouvelle version cinématographique de "Charlie's Angels" qui est cette fois-ci réalisée par Elizabeth Banks.

Vie privée.

Drew Barrymore est bisexuelle, et a déclaré qu'.  Elle a été mariée au barman Jeremy Thomas du 20 mars au, elle est sortie avec Edward Norton en 1999, elle s'est remariée au comédien Tom Green du au (Green a demandé le divorce en décembre 2001).  De 2002 à 2006, elle a vécu avec Fabrizio Moretti, le batteur de The Strokes.  En 2007, elle vit avec l'acteur Justin Long dont elle se sépare un an plus tard. En août 2010, l'actrice annonce officiellement leur rupture définitive sur le tournage de leur film en commun "Trop loin pour toi".  Le, elle se marie avec le consultant en art Will Kopelman. Ils ont deux filles, Olive Barrymore Kopelman née le 26 septembre 2012, et Frankie Barrymore Kopelman, née le 22 avril 2014. Les médias américains ont annoncé leur divorce le 2 avril 2016, qui serait justifié par un désaccord concernant leur lieu de vie, Drew Barrymore souhaitant s'installer à Los Angeles tandis que son mari préférait rester à New York.  Elle est également la marraine de Frances Bean Cobain, la fille de Kurt Cobain et Courtney Love.

Vie publique.

En mai 2007, l'actrice est nommée ambassadrice contre la faim pour le Programme alimentaire mondial, organisme de l'ONU et fait un don d'un million de dollars.  Ayant le goût pour la photographie, elle fait des photos pour des magazines et espère exposer ses œuvres un jour dans une galerie.  Quand elle ne tourne pas pour le cinéma et la télévision, elle devient la porte-parole et modèle des cosmétiques, est numéro un des "100 Beautiful People" du magazine "People", devient la nouvelle tête de la ligne de bijoux de Gucci la même année.

Filmographie.

Comme actrice.

Télévision.

"Saturday Night Live".

Elle a participé a neuf épisodes de l'émission humoristique "Saturday Night Live" depuis 1982 (6 épisodes comme hôte et 3 épisodes en caméo). Voici la liste complète :

Distinctions.

Au cours de sa carrière, elle a été récompensée plus d'une trentaine de fois et fut nommée près de soixante fois à diverses récompenses telles que les Golden Globes, les Emmy Awards et les MTV Movie Awards depuis 1982. Le, elle obtient une étoile sur la promenade de la gloire d'Hollywood.

Voix françaises.

En France, Laura Préjean et Virginie Ledieu sont les voix françaises les plus régulières en alternance de Drew Barrymore.  Au Québec, Christine Bellier et Aline Pinsonneault sont les voix québécoises régulières de Drew Barrymore.

Drew Barrymore est une actrice, productrice et réalisatrice américaine, née le à Culver City (Californie). Elle est la petite-fille de l'acteur John Barrymore et de l'actrice Dolores Costello, et la filleule du réalisateur Steven Spielberg.

茱儿·芭莉摩(英语:Drew Barrymore,1975年-2月22日),美国演员、电影监制和导演,是演艺世家芭莉摩家族的成员、同时也是约翰·巴里摩的孙女。她在11个月时拍摄了人生第一支广告作品,1980年演出电影处女作《变形博士》。芭莉摩随后以电影《E.T. 外星人》窜红,成为好莱坞当红童星,因此接演了许多喜剧角色。


Historique.

Europol trouve ses racines dans le groupe "ad hoc" TREVI, une structure de coopération policière des douze États membres de la Communauté européenne, créée en 1976, et restée complètement secrète jusqu'en 1989.

Missions.

Europol participe à la lutte contre la criminalité en Europe en améliorant la coopération entre les officiers de liaison Europol (OLE) détachés auprès de l'office par les États membres et par la transmission simplifiée d'informations nécessaires aux enquêtes. Il coordonne et centralise des enquêtes à l'encontre d'organisations criminelles de dimension européenne, voire internationale.  Europol est responsable devant le Conseil de l'UE en formation Justice et des Affaires intérieures, troisième pilier de l'Union européenne. Le Conseil est responsable du contrôle global et des orientations d'Europol. Il lui incombe de nommer le directeur, les directeurs adjoints et d'adopter le budget.  En novembre 2016, Europol a mis en ligne un calendrier de l'avent avec un criminel recherché chaque jour par les polices européennes.  Europol est également un acteur de la lutte contre la cybercriminalité à travers le Centre européen de lutte contre la cybercriminalité. Face au développement des ransomwares Europol est ainsi à l’initiative, avec la police néerlandaise et les sociétés Kaspersky Lab et McAfee, de la plateforme "No More Ransom" dont le but est d'aider les victimes des rançongiciels à retrouver leurs données chiffrées sans avoir à payer les criminels.

Autres activités.

Europol soutient le Projet Sirius visant à répondre au besoin d'accès aux données situées à l'étranger, notamment des réseaux sociaux.

Europol (European Police Office) est une agence européenne de police criminelle qui facilite l'échange de renseignements entre polices nationales en matière de stupéfiants, de terrorisme, de criminalité internationale et de pédophilie au sein de l'Union européenne.

欧洲刑警组织(英语:European Union Agency for Law Enforcement Cooperation,简称Europol)前称欧洲警察局(英语:European Police Office)和欧洲缉毒组(英语:Europol Drugs Unit)为欧盟的一个常设机构,属于欧盟刑事司法合作之一部分,旨在加强欧盟成员国之间的执法合作。总部设在荷兰海牙。


Histoire de l'automatique.

Préhistoire de l'automatique.

On peut faire remonter les débuts de l’automatique à l’Antiquité. Par exemple, les Romains régulaient le niveau d’eau des aqueducs grâce à un système de valves. Au, Cornelis Drebbel a conçu l'asservissement de température d'un four en combinant des effets thermiques et mécaniques ; alchimiste, Drebbel espérait grâce à ce four (« l'athanor ») transformer le plomb en or. Puis, au, Robert Hooke et Christian Huygens conçurent des régulateurs de vitesse (pour les moulins à vent en ce qui concerne Huyghens). En 1769, James Watt a conçu son fameux régulateur à boules pour la régulation de vitesse des machines à vapeurs. Parmi d’autres pionniers de l’automatique, il convient d’évoquer l’astronome Airy (vers 1840), James Clerk Maxwell (son article "On governors", déjà mentionné, est le premier article mathématique sur la théorie du contrôle), Ivan Alexeïevitch Vichnegradski (1876) ; et, bien entendu, les mathématiciens Adolf Hurwitz et Edward Routh (auteurs du critère de stabilité qui porte leur nom, datant de la fin du ), ainsi que les Français Liénard et Chipart, qui ont amélioré en 1914 le Critère de Routh-Hurwitz. On peut citer aussi Alexandre Liapounov, qui a présenté en 1892 sa thèse fondamentale sur la stabilité des équations différentielles, ainsi que tous les mathématiciens qui ont contribué à la théorie de la stabilité (voir l'histoire de la théorie de la stabilité). Ces derniers travaux, qui mènent à une époque assez récente, sont néanmoins à caractère essentiellement mathématique.

L'automatique fréquentielle.

L’histoire de l’automatique proprement dite commence avec les fameux chercheurs des laboratoires Bell (fondés en 1925) : Harold Stephen Black et, qui ont conçu leur célèbre diagramme, Harry Nyquist qui, le premier sans doute, a compris le problème de stabilité que posent les systèmes bouclés, enfin et surtout Hendrik Wade Bode. Ce dernier est très connu par son diagramme, mais son œuvre maîtresse est son livre "Network Analysis and Feedback Amplifier Designer", édité juste après la Seconde Guerre mondiale (et réédité depuis), qui marque la maturité de l’automatique fréquentielle.

Les systèmes échantillonnés.

Il faut mentionner aussi les pionniers de l’automatique à temps discret : l’Américain Claude Shannon, lui aussi chercheur aux laboratoires Bell, le Russe Yakov Zalmanovitch Tsypkin, l'Américain enfin, auteur du critère correspondant à celui de Routh-Hurwitz mais pour les systèmes à temps discret. Une découverte fondamentale est le théorème de l'échantillonnage, attribué par de nombreux auteurs à Nyquist et Shannon, mais auquel il faut aussi associer, entre autres Edmund Taylor Whittaker et Vladimir Kotelnikov.

La commande optimale.

Dans les années 1950, d’autres approches de l’automatique se préparent : en Russie avec Lev Pontriaguine et ses collaborateurs, aux États-Unis avec Richard Bellman. Pontriaguine conçoit le principe du maximum pour la commande optimale. Il s’agit d’une extension du calcul des variations, avec « variations fortes » qui permettent d’obtenir une condition de maximum à la place de l’égalité d’Euler. Bellman invente la programmation dynamique, d’où il déduit l’, généralisation de l’équation d’Hamilton-Jacobi du Calcul des variations.

La représentation d'état.

Les découvertes qui viennent d’être évoquées jouent bien sûr un rôle essentiel dans la théorie de la commande optimale, mais elles ont également conduit à la notion de représentation d’état. C’est Rudolf Kalman qui, en 1960, a fait la théorie (presque) complète de ces systèmes dans le cas linéaire. Il a notamment mis en évidence les notions fondamentales de commandabilité et d’observabilité. La même année (son ""), il faisait la théorie de la commande optimale linéaire quadratique (par application des résultats de Pontriaguine et de Bellman) et sa « version duale », le filtre de Kalman qui généralise le filtre de Wiener. Puis quelques mathématiciens, dont, développent la commande optimale stochastique.

Applications de l'algèbre et de la géométrie différentielle.

S’ouvre alors une nouvelle ère de l’automatique, avec des travaux de nature algébrique (pour les systèmes linéaires) ou relevant de la géométrie différentielle (dans le cas des systèmes non linéaires). Pour ce qui concerne les systèmes linéaires, un livre célèbre de, dont la première édition date de 1974 (mais qui a été plusieurs fois réédité), marque l’apogée de cette période. Concernant les systèmes non linéaires, un livre d', dont la première édition date de 1985, puis plusieurs fois réédité et augmenté, a eu une influence considérable.

La robustesse.

Bien que la notion de robustesse ait été prise en compte dans des approches fréquentielles traditionnelles, telles que la « théorie quantitative de la rétroaction » développée par Isaac Horowitz dès 1963, c'est vers la fin des années 1970 que la problématique de la commande robuste, qui était complètement occultée dans une approche uniquement algébrique, est apparue comme incontournable. La commande optimale « linéaire quadratique » a des propriétés de robustesse intrinsèques (marge de phase d'au moins 60°, etc.), du moins dans le cas des systèmes monovariables, comme il résulte d'un article publié par Kalman dès 1964. La question s'est donc posée de savoir si cette propriété se conserve en présence d'un observateur. Or en 1978,, un des pionniers de la théorie de la robustesse, a montré qu’une commande linéaire quadratique gaussienne (LQG) (dont l'observateur est un filtre de Kalman) peut n’avoir aucune propriété de robustesse. Le formalisme H-infini, établi par le mathématicien Godfrey Harold Hardy dès le début du, mais introduit en 1981 par dans le domaine de l'automatique, s’est avéré utile pour formaliser les problèmes de commande robuste. Il a été rapidement associé à des techniques d’optimisation convexe fondées sur des « inégalités matricielles linéaires » (LMI) qui ont pu conduire à des méthodes de synthèse (parfois excessivement) complexes.

Applications de l'analyse algébrique et de l'algèbre différentielle.

Enfin, depuis le début des années 1990 se développe une nouvelle approche de l’automatique linéaire fondée sur la théorie des modules (plus précisément, des D-modules) et l’analyse algébrique (branche des mathématiques fondée sur les idées d'Alexandre Grothendieck, puis développée par Mikio Satō, Masaki Kashiwara et, pour ce qui concerne les systèmes d'équations différentielles, Bernard Malgrange). On peut évoquer ici l’approche « behaviorale » de, ainsi que les travaux de Michel Fliess (qui a également appliqué aux systèmes non linéaires des méthodes issues de l'algèbre différentielle et est à l'origine, avec trois autres automaticiens, de la notion de « système plat »), d’Ulrich Oberst, ainsi que de leurs divers collaborateurs et émules.

Généralités, concepts.

On souhaite contrôler la température d’un four. La première tâche consiste à définir le "système" « four ». Celui-ci possède une entrée (le courant fourni à la résistance de chauffage) et une sortie (la température à l’intérieur du four). On "modélise" le système sous forme d’équations, qui permettent d’exprimer les relations entre les entrées et les sorties du système, sous la forme d’une équation différentielle ou d’une fonction de transfert. On détermine aussi les conditions de "stabilité" du système (on ne veut pas que le four se mette à augmenter la température sans s’arrêter).  Les personnes chargées de réguler ce système ont un cahier des charges à respecter :  Après avoir déterminé la solution répondant le mieux aux besoins, on va synthétiser un nouveau système, le « régulateur » ; celui-ci aura pour entrées la consigne (c’est-à-dire la température souhaitée à l’intérieur du four) ainsi que la température réelle du four fourni par un "capteur", et pour sortie, la commande du four ; cette sortie est ainsi reliée à l’entrée du système four.  L’ensemble forme ce qu’on appelle un « système asservi ».  Le régulateur peut alors être réalisé sous forme analogique (circuit électronique) ou numérique (microcontrôleur). Il existe également des régulateurs dans le commerce qui permettent ces fonctions, où l’automaticien peut choisir la méthode de régulation, ou par exemple entrer les coefficients dans le cadre d’un régulateur Proportionnel-Intégral-Dérivé.

Les systèmes.

Un système est une modélisation d’un procédé en fonctionnement. Il possède une ou plusieurs entrées, et une ou plusieurs sorties. Les entrées du système sont appelées variables exogènes ; elles rassemblent les perturbations et les variables manipulées, commandes ou grandeurs de réglage. Elles sont souvent représentées de manière générique par la lettre "u" ou "e". Elles sont reliées au procédé en tant que tel par un actionneur.  Les sorties du système sont appelées variables contrôlées, mesures ou grandeurs réglées. Elles sont souvent représentées de manière générique par la lettre "y". Le procédé est relié à la sortie du système par un capteur.  Dans le cas d’un système échantillonné, les entrées et sorties sont à temps discret, mais le système en lui-même demeure à temps continu. Le système inclut donc un convertisseur numérique-analogique en entrée, un convertisseur analogique-numérique en sortie et une horloge permettant de fixer la fréquence d'échantillonnage.  Il existe une infinité d’exemples de systèmes : des systèmes mécaniques, des systèmes électriques ou des procédés chimiques. La représentation du système ne pourra alors se faire qu’avec de bonnes connaissances dans le domaine physique correspondant.

Différents systèmes.

Les systèmes peuvent être classés en plusieurs catégories.

Systèmes monovariables, systèmes multivariables.

Quatre possibilités existent : Néanmoins, ces deux derniers termes sont peu utilisés.

Système invariant (ou stationnaire).

Ce sont des systèmes dont les paramètres du modèle mathématique ne varient pas au cours du temps.

Systèmes linéaires ou non linéaires.

On dit qu’un système est linéaire s'il est régi par un système d'équations différentielles linéaires.  En pratique, aucun système n’est linéaire, ne serait-ce que par les saturations (butées physiques, par exemple) qu’il comporte ou encore par les phénomènes d’hystérésis. Toutefois, un système non linéaire peut être considéré comme linéaire dans une certaine plage d’utilisation. Il faut toujours garder à l’esprit que le système sur lequel on peut travailler n’est qu’un modèle mathématique de la réalité, et que par conséquent il y a une perte d’information lors du passage au modèle. Bien sûr, il incombe à l’ingénieur de juger la pertinence de son modèle vis-à-vis des objectifs fixés.  Un système peut admettre une représentation linéaire et une autre représentation non linéaire. Par exemple, un système pourra être linéaire en utilisant des coordonnées cartésiennes, et deviendra non linéaire en coordonnées polaires.

Représentation des systèmes linéaires invariants.

Les automaticiens ont l’habitude de représenter graphiquement un système asservi par l’utilisation de schémas fonctionnels.

Équation différentielle et fonction de transfert.

Un système physique se décrit généralement avec des équations différentielles (par exemple le principe fondamental de la dynamique, caractéristique d’un condensateur ou d’une bobine...). La transformation de Laplace permet alors de passer de l’équation différentielle temporelle à une fonction de transfert, l'inverse n'étant exact que sous certaines hypothèses, car l'obtention d'une fonction de transfert suppose qu'on travaille à conditions initiales nulles.  Pour un système à temps discret on utilise la transformation en Z.  Ces transformations permettent d’étudier le comportement entrée-sortie du système, mais risquent de faire apparaître des modes cachés, du fait de l’impasse faite sur les conditions initiales.

Représentation temporelle.

On peut s’intéresser au comportement du système lorsqu’on le soumet à certains signaux comme une impulsion de Dirac ou un échelon. On peut en déduire un certain nombre de caractéristiques du système.

Représentation fréquentielle.

Le diagramme de Bode représente, sur des graphes séparés, le gain et la phase en fonction de la fréquence.  Le diagramme de Nyquist représente la partie imaginaire de la fonction de transfert en fonction de la partie réelle.  Le diagramme de Black représente le gain en fonction de la phase.

Représentation d’état.

La représentation d'état est une représentation du système faisant appel au formalisme matriciel. On s’intéresse à des variables internes aux systèmes, appelées variables d’état. On représente alors la dérivée des variables d’état en fonction d’elles-mêmes et de l’entrée, et la sortie en fonction des variables d'état et de l'entrée (ainsi qu’éventuellement de certaines dérivées de l'entrée). La représentation d’état peut se déduire de la fonction de transfert.  De cette représentation on peut déduire le comportement entrée-sortie du système mais aussi un certain nombre d’autres informations comme la commandabilité ou l’observabilité. Ces notions ne sont toutefois pas propres à la représentation d’état, car elles sont des caractéristiques intrinsèques d'un système.  La représentation d’état peut aussi représenter un système non linéaire ou instationnaire.

Stabilité.

Dans le cas des systèmes linéaires représentés par une fonction de transfert rationnelle, l’analyse des pôles permet de conclure sur la stabilité entrée-sortie (stabilité EBSB) du système. On rappelle que les pôles d’une fraction rationnelle sont les nombres complexes formula_4, formula_5... qui annulent le dénominateur. Supposons que cette fonction de transfert soit propre.  Les pôles de la fonction de transfert, dont il est question ci-dessus, sont appelés « pôles de transmission ». Si l’on prend pour le système une représentation plus complète que sa fonction de transfert, on peut définir les pôles du système. Par exemple, les pôles d'un système d’état linéaire invariant sont les valeurs propres de la matrice d’état. Le système est asymptotiquement (ou exponentiellement) stable, si, et seulement si ses pôles appartiennent au demi-plan gauche dans le cas du temps continu, et à l’intérieur du cercle unité dans le cas du temps discret. Ceci reste valable si on considère une représentation intrinsèque du système (modules de présentation finie sur l’anneau des opérateurs différentiels à coefficients constants) et s’étend, dans une large mesure (en faisant appel à des techniques mathématiques plus complexes, comme la théorie des modules sur un anneau non commutatif), au cas des systèmes linéaires à coefficients variant en fonction du temps.  En automatique, surtout dès qu’on aborde le cas des systèmes non linéaires, le terme « stabilité » doit être défini précisément car il existe une dizaine de sortes de stabilités différentes. On fait le plus souvent référence à la stabilité asymptotique ou la, ces deux termes étant synonymes dans le cas des systèmes linéaires invariants. La stabilité au sens de Lyapunov est un concept également très important.  Dans le cas des systèmes non linéaires, la stabilité est généralement étudiée à l'aide de la théorie de Lyapunov.

Commande en boucle ouverte.

La commande peut être calculée en boucle ouverte par un ordinateur ou un automate programmable industriel, en ne tenant pas compte des informations recueillies en temps réel. Cela revient par exemple à conduire une voiture les yeux fermés. Néanmoins, c’est ce type de commande que l’on conçoit lorsqu’on fait de la planification de trajectoire. On ne parle pas de « système asservi » dans un tel cas.

Asservissement.

Système bouclé.

La technique d’automatisation la plus répandue est le contrôle en boucle fermée. Un système est dit en boucle fermée lorsque la sortie du procédé est prise en compte pour calculer l'entrée. Généralement le contrôleur effectue une action en fonction de l’erreur entre la mesure et la consigne désirée. Le schéma classique d'un système linéaire pourvu d'un régulateur linéaire en boucle fermée est le suivant :  La boucle ouverte du système est composée de deux sous-systèmes : le procédé et le régulateur (ou « correcteur »). La fonction de transfert de ce système en boucle ouverte est donc :  formula_6.  Avec cette architecture, on peut recalculer une nouvelle fonction de transfert du système, soit la fonction de transfert en boucle fermée, à l’aide des relations entre les différentes variables :  formula_7  formula_8  formula_9.  On obtient alors : formula_10.  La fonction formula_11 représente la fonction de transfert en boucle fermée. On peut remarquer que pour les systèmes à retour unitaireformula_12 : c’est la formule de Black qui permet de passer d’une fonction de transfert en boucle ouverte (à retour unitaire) à une fonction de transfert en boucle fermée.  Remarques :  L'étude de cette fonction de transfert en boucle fermée formula_15 est un des éléments qui permettent l'analyse fréquentielle et temporelle du système bouclé. Il convient d'étudier également la fonction de sensibilité formula_16 et (notamment pour les questions de stabilité) les deux autres fonctions de transfert formula_17 et formula_18.  Le système bouclé est stable si aucune des quatre fonctions de transfert ci-dessus n'a de pôles dans le demi-plan droit fermé (c'est-à-dire axe imaginaire inclus). La stabilité du système bouclé peut s'étudier à partir de la fonction de transfert de la boucle ouverte formula_19, ainsi que des pôles de formula_20 et de formula_21, grâce au.

Exemple de boucle de régulation.

Reprenons l’exemple du moteur automobile.  On le commande en choisissant l’ouverture du papillon des gaz intégré au système d’injection du moteur. L’ouverture est directement liée à la force appliquée sur le piston donc à l’accélération du véhicule. Disons qu’elles sont proportionnelles (on néglige les pertes et la résistance de l’air sur le véhicule).  On veut maintenir une certaine vitesse, par exemple. Dans ce cas, est la consigne, il faut la comparer à la vitesse réelle donnée par un tachymètre. La différence donne la variation de vitesse à réaliser. On en déduit l’accélération à demander au véhicule. Connaissant le rapport entre l’accélération et l’ouverture du papillon, on calcule l’ouverture à donner au papillon pour s’approcher de la vitesse de consigne. Le compteur de vitesse prend alors la nouvelle valeur de la vitesse pour réitérer l’opération. De cette manière, lorsqu’on approche de la vitesse voulue, l’accélération diminue jusqu’à s’annuler sans brutalité.  On obtient donc ce schéma.  En réalité, à cause des pertes, il faut maintenir une certaine accélération, entre autres pour lutter contre la résistance de l’air.

Les différentes techniques.

Il existe différentes techniques pour synthétiser les régulateurs. La technique industrielle la plus largement utilisée est le régulateur PID qui calcule une action Proportionnelle, Intégrale et Dérivée en fonction de l’erreur consigne/mesure. Cette technique permet de satisfaire la régulation de plus de 90 % des procédés industriels. La, généralisation des régulateurs PI ou PID avec, offre beaucoup plus de possibilités et est également répandue.  Des techniques avancées se basent sur la commande par retour d'état (ou commande par retour d'état reconstruit par un observateur). On peut aussi utiliser le formalisme du régulateur RST. Ces types de commande peuvent être conçus par placement de pôles ou (pour ce qui concerne les systèmes d’état) par minimisation d’un critère quadratique : commande LQ ou LQG.  Autres commandes :

L’automatique est une science qui traite de la modélisation, de l’analyse, de l’identification et de la commande des systèmes dynamiques. Elle inclut la cybernétique au sens étymologique du terme, et a pour fondements théoriques les mathématiques, la théorie du signal et l’informatique théorique. L’automatique permet de commander un système en respectant un cahier des charges (rapidité, précision, stabilité...).

自动化控制(英语:automation control)属于自动化技术的一门,广义来说,通常是指不需借着人力亲自操作机器或机构,而能利用动物以外的其他装置元件或能源,来达成人类所期盼执行的工作。更狭义地说即是以生化、机电、电脑、通讯、水力、蒸汽等科学知识与应用工具,进行设计来代替人力或减轻人力或简化人类工作程序的机构机制,皆可称之。


Quartier administratif.

Situation.

Situé dans le nord de l'arrondissement, le quartier du Montparnasse correspond à un espace initialement peu habité entre Paris et Montrouge, sur le versant sud d’une colline artificielle de gravats qui a été arasée, surnommée « mont Parnasse ».  Il est délimité au nord par le boulevard du Montparnasse et le boulevard de Port-Royal, à l’est par la rue de la Santé, au sud par le terre-plein du boulevard Saint-Jacques (sur la tracé, en partie aérien, de la ligne 6 du métro), la place Denfert-Rochereau, une section de la rue Froidevaux, de la rue Boulard et de la rue Daguerre, au sud-ouest par une section de l’avenue du Maine et au nord-ouest par la rue du Départ. Une partie importante de la partie occidentale du quartier est occupée par le cimetière du Montparnasse.

Quartier culturel.

Le quartier administratif n’est qu’une portion de « », un lieu-dit parisien qui désigne habituellement un périmètre plus large que le seul quartier administratif. Certains des lieux emblématiques de Montparnasse sont situés, non dans le quartier du Montparnasse, mais dans les quartiers Notre-Dame-des-Champs, Necker ou Plaisance, (par exemple, la gare de Paris-Montparnasse, dans les quartiers Plaisance et Necker, ou la tour Montparnasse et le musée du Montparnasse, tous deux situés dans le quartier Necker). À l'inverse, une partie du quartier administratif n'appartient pas au Montparnasse culturel, qui s'articule autour du boulevard du Montparnasse et dont le centre névralgique est le carrefour avec le boulevard Raspail, qui porte le nom de « place Pablo-Picasso » depuis 1984.

Origine du nom.

Le nom de ce quartier avait été donné par les étudiants voisins qui venaient déclamer des vers sur la butte formée par des remblais au, en référence au mont Parnasse, résidence des Muses de la mythologie grecque. La colline fut en partie arasée pour tracer le boulevard du Montparnasse au, lieu de promenade alors à la périphérie de la ville..

Historique.

La communauté artistique.

L’Exposition universelle de 1889 et la vie artistique déjà si riche de Montmartre attirent de nombreux artistes qui vont choisir ce quartier populaire plus au centre de Paris et qui va devenir la plaque tournante de la modernité. Pablo Picasso y aménageait parmi les premiers. Montparnasse allait connaître son apogée dans les années 1920, les Années folles. Il était alors le cœur de la vie intellectuelle et artistique à Paris, avec ses cafés qui entreront dans l'histoire de l'art.  À cette époque, de nombreux artistes de pays très divers sont attirés par le rayonnement intact de Paris. Montparnasse, quartier encore relativement en friche, leur offre des ateliers à des loyers modiques et un environnement de cafés bon marché qui facilite la sociabilité, l'émulation et l'entraide. Les « Montparnos » vont rapidement y instaurer une atmosphère créative et libertaire, et attirer des commanditaires, pas uniquement français, à la recherche de talents nouveaux. Dans cette communauté mondialisée qui formera l'École de Paris, la créativité était accueillie avec toutes ses bizarreries et provocations, chaque nouvelle arrivée étant accueillie comme la promesse d'un renouvellement artistique.  Parmi les artistes qui habitèrent ou fréquentèrent le quartier, il y avait notamment :  Aux côtés de la peinture et de la sculpture, la photographie est également présente. Avant de s'installer rue Campagne-Première, Man Ray planta son premier studio à l'Hôtel des Écoles au 15, rue Delambre. C'est là que sa carrière comme photographe commença, et que Kiki (Alice Prin), James Joyce, Gertrude Stein, Jean Cocteau et d'autres posèrent. Il y avait là également Marc Vaux, figure incontournable ; appelé par ce petit monde « le photographe des peintres », il reprendra les locaux de Marie Vassilieff, créera sur le boulevard, un foyer cantine d'artistes, une galerie d'art et après guerre le journal " Montparnasse Carrefour des Arts".

L’âge d’or.

Venus rencontrer cette communauté artistique qui menait une existence de saltimbanques et qui avait de grosses difficultés à joindre les deux bouts, des amateurs d'art fortunés surtout venus des États-Unis comme Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Edith Wharton et Harry Crosby, avec l'aide de critiques comme D. H. Lawrence, Archibald MacLeish, James Joyce, Kay Boyle, Hart Crane, Ernest Hemingway, William Faulkner, Dorothy Parker et d'autres, allaient devenir les commanditaires.  Les cafés, bars et bistrots, notamment ceux du carrefour entre les deux principaux axes du quartier que sont les boulevards du Montparnasse et Raspail, l'actuelle place Pablo-Picasso, étaient des lieux de rencontre où les artistes venaient à la fois rencontrer leurs homologues et négocier. Les cafés comme "Le Dôme", "La Closerie des Lilas", "La Rotonde", "Le Select", et "La Coupole" acceptaient que des artistes affamés puissent occuper une table pour toute la soirée pour un prix dérisoire. S'ils s'endormaient, les serveurs avaient pour instruction de ne pas les déranger. Les disputes étaient courantes, certaines nées de polémiques, d'autres de l'alcool, et la coutume voulait que même lorsque l'affrontement tournait aux coups, la police n'était pas appelée. Si les artistes ne pouvaient payer leur facture, le propriétaire de "La Rotonde", Victor Libion, acceptait souvent un croquis. Aussi les murs des cafés étaient couverts d'une collection d'œuvres d'art, galeries improvisées.  La vie nocturne est également passée dans la légende, comme les nuits chaudes du "Dingo Bar" au 10, rue Delambre. Parmi ceux qui faisaient "Montparnasse by night", on peut signaler l'écrivain Morley Callaghan et F. Scott Fitzgerald.  La rue de la Gaîté était celle des théâtres et du music-hall, autour du fameux Bobino. Sur leurs scènes, les grands du jour, utilisant leurs d'un seul nom comme c'était la mode, comme Damia, Kiki, Mayol et Georgius chantèrent et se produisirent devant des salles pleines. Les Six se retrouvaient également souvent dans le quartier, créant une musique fondée sur les idées d'Erik Satie et Jean Cocteau.  Le poète Max Jacob dit qu'il vint à Montparnasse pour « pécher honteusement », mais Marc Chagall le résuma plus élégamment quand il expliqua pourquoi il était venu : « J'aspirais à voir avec mes propres yeux ce que j'avais entendu de si loin : la révolution de l'œil, la rotation des couleurs qui spontanément et astucieusement se fondent ensemble dans un flux de lignes conçues. Ceci n'aurait pu être vu dans ma ville. Le soleil de l'Art alors brillait seulement sur Paris. »  Pendant que le quartier attirait des gens du monde entier qui vinrent y vivre et travailler dans un environnement créatif et bohème, il devint aussi le domicile pour des exilés politiques comme Lénine, Léon Trotsky, Porfirio Diaz et Simon Petlioura. Mais après les années 1930, où l'esprit frondeur et gai des Années folles passa de mode, et bien que plusieurs académies continuent de fonctionner (Académie de la Grande Chaumière, Académie Ranson), la Seconde Guerre mondiale força la dispersion de la société artistique.  Si, après la guerre, Montparnasse ne retrouva jamais son aura, il convient de mentionner l'arrivée, en 1947, d'artistes espagnols en exil comme Eduardo Pisano, la présence, dans les années 1950, du metteur en scène de théâtre Roger Blin et, dans les années 1970, de l'artiste illusionniste Renélys.  La gare Montparnasse, qui dessert la Bretagne, a fait de ce quartier le « fief » des Bretons de Paris (et des habitants originaires du nord-ouest de la France en général) depuis plus d'un siècle.

Montparnasse aujourd'hui.

Dans les années 1960, la volonté proclamée de faire de Montparnasse le quartier d'affaires de la Rive gauche allait changer le visage de ce lieu chargé d'histoire. La gare, trop étroite, recula de 400 mètres, et sur l'emprise gagnée poussèrent la tour Montparnasse et le centre commercial Montparnasse Rive Gauche. L'arrivée du TGV Atlantique a conduit à la reconfiguration de la gare et à la création du jardin Atlantique sur la dalle qui couvre les voies entre la façade place Raoul-Dautry et la place des Cinq-Martyrs-du-Lycée-Buffon.  Avec la spécialisation croissante des quartiers de Paris, Montparnasse est devenu à la fois un quartier de bureaux et de passage le jour, et de loisirs le soir, présentant un choix de cafés, de cinémas et de restaurants qui a peu d'égaux.  Il reste peu de traces du Montparnasse artistique, hormis les enseignes des cafés qui cultivent plus ou moins la nostalgie. L'Académie de la Grande Chaumière, où les artistes amateurs peuvent toujours peindre des modèles, ou la boutique de matériel de peinture Adam Montparnasse, constituent parmi les témoignages du centre artistique que fut le quartier. Les amateurs d'art peuvent aussi découvrir chaque dimanche sur le marché de La Création les œuvres exposées et vendues en direct par les artistes ; le marché a été déplacé de la place Jacques-Demy au boulevard Edgar-Quinet. Des plaques ont également été apposées sur certains immeubles pour y rappeler le nom illustre d'un de ses habitants.  Pour sauvegarder l'esprit du quartier, le musée du Montparnasse ouvrit en 1998 au 21, avenue du Maine et à fermé en 2013. Opérant avec une subvention de la Ville, le musée, qui ne présentait que des expositions temporaires, était géré par une association qui regroupait des amoureux du quartier et de son histoire. Il est depuis remplacé par le Centre d’art Villa Vassilief, lieu de rencontre entre artistes et de vie artistique.  La galerie Les Montparnos, ouverte en 2009 au 5, rue Stanislas, est spécialisée dans l'École de Paris des années 1920 et la redécouverte d'artistes oubliés de la peinture de Montparnasse de l'entre-deux-guerres.  Dans les années 2010, l'urbanisme des années 60-70 est remis en cause : la tour Montparnasse est l'objet d'un projet de remodelage d'ampleur, tout comme la tour CIT et la gare ; l'architecte britannique Richard Rogers est quant à lui chargé par la ville de Paris d'une restructuration des espaces publics, une rue centrale végétalisée remplaçant l'urbanisme sur dalle dans l'axe de la tour.

Le quartier du Montparnasse est le quartier administratif de Paris situé dans le, sur la rive gauche de la Seine, au sud de l'intersection du boulevard du Montparnasse et du boulevard Raspail. La partie sud-ouest du quartier a été absorbée par la ville avec d'autres communes et divisions administratives en 1860.

蒙帕纳斯(Quartier du Montparnasse)是法国巴黎的一个区域,位于塞纳河左岸。蒙帕纳斯大道(Boulevard du Montparnasse)是该区的主要干道,蒙帕纳斯大部分都位在巴黎十四区。


Biographie.

Jeunesse et formation.

Marjane Satrapi (un pseudonyme) est née le dans une famille de Téhéran, proche des idées communistes. Elle vit, en tant qu'enfant, la restriction grandissante des libertés individuelles et les conséquences dans la vie quotidienne des événements politiques de l'époque, particulièrement la révolution islamique et les débuts de la guerre Iran-Irak. Son oncle Anouche, un dirigeant du Parti communiste iranien à qui elle est très attachée, est exécuté pour ses opinions politiques.  En 1984, à l'âge de 14 ans, elle est envoyée par ses parents au lycée français de Vienne, en Autriche, où elle reste pendant quatre ans. Après un retour en 1988 en Iran, et l'obtention d'une maîtrise de communication visuelle à l'école des beaux arts de Téhéran, elle part ensuite, en 1994, en France et fait des études à l'École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Elle réside actuellement à Paris.

Auteur de bandes dessinées à succès (années 2000).

Son entrée à l'atelier des Vosges, au sein duquel sont associés des dessinateurs comme Émile Bravo, Fabrice Tarrin, Christophe Blain, Joann Sfar, Frédéric Boilet ou David B., lui donne le goût de la bande dessinée.  La vraie révélation vient de la lecture de "Maus" de Art Spiegelman. Elle publie les quatre tomes de "Persepolis" entre 2000 et 2003 et obtient un grand succès critique et commercial.  En 2003, elle publie "Broderies", nommé dans la catégorie du meilleur album au Festival d'Angoulême 2004. Finalement, sa dernière bande dessinée, "Poulet aux prunes", paraît en 2004, couronné cette fois-ci par le prix du meilleur album.

Carrière de réalisatrice (années 2000 et 2010).

Entre 2005 et 2007, elle réalise en partenariat avec Vincent Paronnaud "Persepolis", l'adaptation de sa bande dessinée autobiographique en long métrage d'animation en noir et blanc, sorti le. Il est projeté au Festival de Cannes 2007 au sein de la sélection officielle. À cette occasion, la République islamique d'Iran s'est inquiétée de voir la sélection de ce film présentant ce qu'elle trouve être « "un tableau irréel des conséquences et des réussites de la révolution islamique" ». Le film recevra, malgré la polémique, le Prix du Jury du Festival et obtiendra un succès international couronné par deux Césars l'année suivante (ceux du meilleur premier film et de la meilleure adaptation) ainsi que par une nomination à l'Oscar 2008 du meilleur film d'animation. En 2008, elle remporte également le Prix International d'Humour Gat Perich.  En 2010, elle adapte son album "Poulet aux prunes" au cinéma dans un film également titré "Poulet aux prunes", sélectionné en compétition lors de la Mostra de Venise en 2011, et qui a gagné le prix du meilleur Long métrage au festival international de film d'Abu Dhabi ainsi que le prix du public à São Paulo. Le film sera distribué aux États-Unis en 2012 par Sony Classics.  Le, Fleur Pellerin, ministre de la Culture et de la Communication, la nomme au grade d'officier de l'ordre des Arts et des Lettres en compagnie de l'humoriste Anne Roumanoff.  Lors de la campagne pour l'élection présidentielle de 2017, elle participe à un meeting de soutien au candidat En marche Emmanuel Macron, le à Bercy.  Initialement annoncée pour réaliser "L'Extraordinaire Voyage du fakir qui était resté coincé dans une armoire Ikea", sa réalisation est finalement confiée à Ken Scott. Il est finalement annoncé en mai 2017 qu'elle réalisera un biopic sur Marie Curie (incarné par Rosamund Pike), intitulé "Radioactive".  Elle parle anglais, allemand, italien et suédois en plus de sa langue maternelle (le persan) et du français. Elle est l'épouse de Mattias Ripa, un Suédois.

Marjane Satrapi, née le à Rasht (Iran), est une artiste franco-iranienne d'expression francophone surtout connue comme auteure de bande dessinée et réalisatrice.

玛嘉·莎塔碧(波斯语:مرجان ساتراپی,Marjane Satrapi;1969年-11月22日),也译作玛赞·莎塔琵,伊朗裔法籍图画小说家,插画家,电影导演,也是童书作家。法国连环画新浪潮(la nouvelle BD)重要代表人之一。 2007年,她参与导演了以她自传意味的漫画《茉莉人生》所改编的同名动画片。


Jeunesse.

David Livingstone est né le dans une famille pauvre à Blantyre, au sud de Glasgow. Second fils de Neil Livingstone (1788-1856) et de sa femme Agnes (1782-1865), il fut élevé dans la religion presbytérienne avant de se convertir au congrégationalisme.  Avec l'arrivée de nouveaux enfants, la difficulté croissante de ses parents à joindre les deux bouts contraignirent le jeune David à travailler, comme son frère ainé, dans une fabrique de coton : dès l'âge de dix ans, il y réparait les fils cassés sur les machines à filer de l'usine. Il trouva cependant, à l'issue de ces harassantes journées de travail de douze heures, l'énergie et la volonté pour s'atteler à deux heures quotidiennes de cours du soir, manifestation de cette grande détermination qui caractérisa David Livingstone tout au long de sa vie. Il est à noter que le contexte familial, s'il n'était matériellement guère confortable, était néanmoins favorable à l'étude : la lecture était traditionnellement encouragée aussi bien dans sa famille maternelle que paternelle. Certes, son père, dont la stricte abstinence n'était qu'un des aspects de ses fortes convictions religieuses, avait tendance à privilégier les lectures pieuses. Cependant, il est indéniable que l'on valorisait globalement chez les Livingstone le désir d'instruction dès lors qu'il se manifestait chez l'enfant. C'était clairement le cas du jeune David, friand de récits de voyage comme d'ouvrages scientifiques, malgré les préventions de son père contre des lectures qu'il considérait comme peu favorables à l'expression de la foi. Sa curiosité n'était pas que livresque : les carrières de calcaire stimulaient ainsi son intérêt pour la géologie.  En 1834, Neil Livingstone ramena chez lui une brochure de Karl Gützlaff appelant à l'envoi de missionnaires médecins en Chine. David s'appuya sur elle pour démontrer à son père que son désir grandissant d'étudier la médecine était compatible avec la piété. En 1836, il avait suffisamment épargné pour pouvoir entrer à l'Anderson's College de Glasgow. En outre, les qualités intellectuelles qu'il avait révélées dans le cadre des cours du soir qu'il suivait l'avait fait remarquer et lui permirent d'obtenir une bourse pour mener des études de théologie et de médecine à l'université de Glasgow, tout en assistant régulièrement aux conférences théologiques de Ralph Wardlaw. Il obtint une licence de médecine. Il travailla ensuite à Londres avant de céder à sa fascination de jeunesse pour l'aventure missionnaire et de rejoindre la London Missionary Society.

Explorateur et missionnaire.

En mission dans le sud de l'Afrique.

En 1840, après avoir été ordonné pasteur, il fut envoyé au Cap puis au Protectorat du Bechuanaland, futur Botswana, près du désert du Kalahari par la London Missionary Society. En 1844, à Kuruman, base arrière de ses futures expéditions, il rencontra et épousa en janvier 1845 la fille du missionnaire congrégationaliste Robert Moffat et de Mary Smith (1795-1871), Mary, née le 12 avril 1821 à Griquatown, dans la colonie du Cap (Afrique-du-Sud). Elle voyagea quelque temps avec lui, malgré sa grossesse et les injonctions de sa famille. Ultérieurement, elle revint finalement en Angleterre avec leur enfant. Livingstone était également accompagné dans ses explorations par un groupe de Makololo, des Zambéziens. Il maîtrisait leur langue, un dialecte du setswana, ce qui facilita ses explorations dans la mesure où les langues des populations auxquelles il devait être confronté disposaient de grandes similarités avec ce dialecte, notamment le sesotho. Le fait d'utiliser la langue maternelle des populations à qui il s'adressait dans sa prédication de l'Évangile était un principe cardinal de l'explorateur écossais.  À partir de 1849, en remontant la rivière Botletle, David Livingstone pensa avoir trouvé la voie d'accès au centre des terres africaines et commença à explorer le centre-sud du continent africain. Il traversa le désert du Kalahari jusqu'au lac Ngami. À partir de 1851-1852, il remonta le Zambèze, dont il établit la cartographie, puis rejoignit la côte atlantique à Luanda en Angola. Après avoir exploré, le premier, la rivière Kasaï, un affluent du Congo, en 1854, et exploré l'Angola, il arriva le aux chutes du Zambèze, qu'il baptisa du nom de la reine Victoria. Grâce à cette expédition, débutée le, il devint le premier Européen à avoir traversé l'Afrique d'ouest en est, rejoignant l'océan Indien à Quelimane le.

Héros de la mission britannique en Afrique.

Reçu en héros à son retour au Royaume-Uni, il publia à cette occasion ses "Missionary Travels and Researches in South Africa" (1857), dont les de la première édition furent vendus avant même leur parution, ce qui contribua à lui assurer une certaine aisance financière. Le patronage de la Royal Geographical Society, qui avait publié entretemps les rapports que Livingstone lui avait fait parvenir et lui avait décerné dès 1855 sa médaille d'honneur n'y était pas pour rien. Le président de cette institution, Roderick Murchison, auquel l'ouvrage de Livingstone était dédié, se montra soucieux de relayer l'action exploratoire du missionnaire. Une foule importante se pressa aux conférences que Livingstone donna dans tout le pays et il fut en 1858 fait membre de la Royal Society.  Dès cette époque, sa célébrité contribua à renforcer le prestige, en métropole, des activités missionnaires. Malgré une efficacité très relative en matière de conversions (il ne réussit à convertir que le chef des Kwena, Sechele), son statut de héros national encouragea les Britanniques à contribuer aux collectes organisées par les sociétés missionnaires en vue de soutenir les missions établies et en ouvrir de nouvelles.  David Livingstone est par ailleurs connu pour sa théorie de la colonisation, notamment sa doctrine des « 3 C » : christianisation, commerce et civilisation. Il considérait que la religion chrétienne et le commerce amélioreraient la condition des Africains en leur apportant une civilisation largement identifiée à son modèle britannique. Les hommes blancs avaient un devoir : civiliser les races considérées comme moins développées en leur apportant les bienfaits des progrès techniques, de la médecine, de l’alphabétisation et de la religion chrétienne. Chronologiquement, le premier « C », le « commerce légitime » (par opposition à l'« infâme commerce » de l'esclavage interne à l'Afrique ou à destination du monde musulman) devait cependant, selon Livingstone et à l'instar de Thomas Fowell Buxton, précéder les deux autres. L'exploration méthodique des territoires africains inconnus des Européens pour en définir précisément les caractéristiques et les ressources était ainsi un préliminaire indispensable à la christianisation. Cette conception nouvelle des missions évangéliques, centrée sur l'exploration de territoires vierges de toute présence européenne, constitua un tournant dans l'histoire missionnaire en Afrique ; elle contribua à faire de David Livingstone le symbole d'« une certaine agressivité conquérante préfigurant l'impérialisme de la fin du ».

À la recherche des sources du Nil.

Livingstone reprit, à partir de 1858 et jusqu'en 1864, ses explorations dans la même région, après avoir démissionné de la London Missionary Society que ses finances fragiles rendaient réticente à financer des activités trop éloignées de la stricte pratique missionnaire. C'est le gouvernement britannique, alléché par les perspectives commerciales de la vallée du Zambèze que laissait entrevoir le récit de Livingstone, qui finança cette expédition. Cette dernière s'avéra cependant coûteuse et décevante, y compris en matière de lutte anti-esclavagiste. Elle lui permit néanmoins de découvrir, le, le lac Malawi, qu'il cartographia, ainsi que les ruines de la mission portugaise de Zumbo en 1860.  Après le décès de sa femme de la malaria, à, le à Chupanga (Mozambique), puis un rapide retour à Londres en 1864-1865, Livingstone repartit dans des conditions plus précaires en 1866. Il établit à cette époque que le système hydrographique de la Lualaba (partie supérieure du fleuve Congo) ne faisait pas partie du système hydrographique du Zambèze comme il l'avait longtemps pensé (notamment par le rapprochement Zambezi/Chambeshi). Il s'orienta ensuite vers le lac Tanganyika en Tanzanie, dans l'espoir d'y trouver les sources du Nil. Malade et abandonné par ses porteurs, il perdit alors totalement contact avec son pays d'origine. Il se retira à Ujiji, sur les bords du lac Tanganyika.  C'est là que Henry Morton Stanley, financé par le journal "New York Herald" en 1869, le retrouva finalement à Ujiji, non loin du Lac Tanganyika le. Cet événement est un classique de l'histoire des explorations, notamment dans la mesure où la question initiale de Stanley lors de leur rencontre («, I presume? ») est « emblématique d'une certaine communauté de civilisation au cœur de la jungle ». Stanley et Livingstone discutèrent ensuite de ce que ce dernier ignorait du fait de son isolement : le conflit franco-prussien, le percement du canal de Suez, l'établissement d'un câble télégraphique à travers l'Atlantique. Livingstone accompagna Stanley pour explorer le Nord du lac Tanganyika, mais refusa de le suivre lorsqu'il retourna en Angleterre : il souhaitait s'assurer que la Lualaba ne se rattachait pas au bassin du haut Nil. Leurs routes se séparèrent donc à Unyanyembe, ce qui amena Stanley à dire de Livingstone : « un mysticisme voisin du martyre rejoignait chez lui la soif de découverte ».

Un mythe victorien.

David Livingstone mourut le de dysenterie sur les bords du lac Bangwelo dans l'actuelle Zambie, toujours à la recherche des sources du Nil. Ses deux serviteurs enterrèrent son cœur sous un arbre Mpundu, à l'endroit où se dresse aujourd'hui le Mémorial de Livingstone. Ils ramenèrent ensuite le reste de son corps embaumé jusqu'à Bagamoyo, où ils rencontrèrent une nouvelle mission d'assistance au héros victorien, menée par Verney Lovett Cameron et commanditée par la Royal Geographical Society. Plusieurs objets lui appartenant (guêtres, matelas...) y furent mis en vente et son corps rapatrié au Royaume-Uni. David Livingstone fut enterré au milieu de la nef centrale de l'abbaye de Westminster l'année suivante, en véritable « saint victorien » qu'il était devenu de par la persévérance de son engagement exploratoire, missionnaire et antiesclavagiste. On relevait aussi fréquemment son extraction modeste pour faire de lui un « exemple de réussite sociale par le travail, la force de caractère et la persévérance », valeurs par excellence de la société victorienne : Livingstone fait ainsi partie des personnages érigés en modèles dans le "Self help" de Samuel Smiles (1859). C'est cependant le célèbre récit que Stanley tira de son expédition en 1872 ("How I found Livingstone") qui joua un rôle déterminant dans sa « canonisation » en élevant l'explorateur écossais au rang de mythe.  De fait, au cours de sa vie et encore davantage à son issue, Livingstone fut érigé en modèle héroïque d'une civilisation britannique conquérante et dominatrice. Il est d'ailleurs emblématique des ambiguïtés de l'impérialisme victorien notamment dans ses motivations. Car si Livingstone était indéniablement mû par la volonté d'évangéliser les populations africaines comme de les soustraire à la traite (ses rapports seraient par exemple à l'origine du traité imposant en 1873 au sultan de Zanzibar l'interdiction du trafic d'esclaves), sa volonté de définir préalablement les richesses exploitables des territoires africains encore inconnus des Européens fit de lui le symbole d'un « glissement dans la manière de conquérir l'empire, de plus en plus strictement organisée et plus systématiquement orientée par des fins utilitaires ». Ainsi, lors de l'expédition qu'il mena de 1858 à 1864 sur le Zambèze, il accepta de se conformer à des objectifs, définis par le gouvernement britannique qui le finançait, forts éloignés de la perspective missionnaire classique : « étendre les connaissances déjà obtenues sur la géographie et les ressources minérales et agricoles de l'Afrique orientale et centrale [...] en vue de la production de matières premières à exporter vers l'Angleterre en échange de produits industriels britanniques ».  L'explorateur a donné son nom à la ville de Livingstone, en Zambie, à proximité des chutes Victoria. La ville fut la première capitale de la Rhodésie du Nord. Elle abrite aujourd'hui le Livingstone Museum, créé en 1934 sous le nom de Rhodes-Livingstone Museum. Il donna aussi son nom aux chutes Livingstone, qui est le nom donné par Stanley à l'ensemble de rapides entre le Pool Malebo et Matadi, sur le Congo inférieur, même si David Livingstone ne s'aventura jamais dans cette partie de l'Afrique.

Voir aussi.

Charles Gounod compose en 1873 Ilala ("Stances à la mémoire de D Livingstone").

David Livingstone (1813-1873) est un médecin, missionnaire protestant et explorateur écossais qui contribua à la fois au développement et à la promotion de l'empire commercial britannique d'une part, à la lutte contre la traite esclavagiste et à l'évangélisation du Sud du continent africain d'autre part. Il participa au mouvement d'exploration et de cartographie de l'intérieur du continent africain précédant le « partage de l'Afrique » entre grandes puissances européennes. Il fut notamment le premier Européen à découvrir la vallée du Zambèze et consacra une partie de sa vie à rechercher les sources du Nil.

戴维·利文斯通(;1813年-3月19日-1873年-5月1日),英国探险家、传教士,维多利亚瀑布和马拉维湖的发现者,非洲探险的最伟大人物之一。