Développement musical.

Grundman fait son entrée dans le monde de la musique à l'âge de 12 ans et achève sa première composition à l'âge de 14 ans alors qu'il est encore scolarisé. Il commence des études de solfège, de piano et de chœur au Real Conservatorio Superior de Música de Madrid avec Carmen Ledesma au département du professeur Joaquín Soriano. Au début de sa carrière, Grundman prend part à des groupes de pop dans lesquels il est chanteur, claviériste, compositeur et arrangeur. Sa chanson "Yo lo intentaría una vez más" figure en 1983 dans les classements musicaux des radios FM espagnoles. Il se retire de la scène musicale jusqu'en 1999 lorsqu'il sort "The Sons Of The Cold", air qui se place en tête des classements de musique New Age sur l'ancien site MP3.com. À partir de ce moment et en raison de la popularité du programme "Payback for Playback" que diffuse MP3.com, Grundman commence à collecter des fonds avec sa musique à destination de Médecins sans frontières. Il crée une maison de disques appelée « Non Profit Music » et plus tard une fondation du même nom, destinée à promouvoir la musique contemporaine consonante et à collecter des fonds pour des causes humanitaires.  Ses œuvres ont été interprétées et radiodiffusées principalement aux États-Unis, au Canada, à Londres, en France, au Japon, au Brésil et en Espagne.

Interprètes.

De nombreux solistes et ensembles ont interprété la musique de Grundman comme le Quatuor Brodsky, Ara Malikian,, Susana Cordón, Jirí Bárta, le B3 Classic Trio, le trio Arbós, le Blau Kamara Quartet, le Winchester Orchestra of San José, l'Orquesta Sinfónica Nacional d'Ecuador, l'Orquesta de Cámara de España ou Music Chamber Orchestra caritatif. Ses œuvres ont été créées dans des salles de concert telles que l' de Madrid, le Teatro Nacional of Brasilia, la Trinity Cathedral of California, le West Valley College Theater ou l'Iglesia La Dolorosa de Quito entre autres.

Style.

La musique qu'écrit Grundman n'appartient pas à un style d'avant-garde. Plus proche de la musique tonale que néoromantique, sa musique est à prédominance émotionnelle en raison de son utilisation extensive d'accords mineurs de tonalité relative et consonante. Dans son enfance, il a été membre de plusieurs groupes de pop en Espagne et plus tard, il oriente son écriture musicale vers la musique New Age. Il écrit également de la musique pour le cinéma et des spectacles de télévision et juste quand il apparaît sur la scène classique, il réalise une fusion de tous ces éléments avec sa touche personnelle. Sa musique a été comparée à celle de Malcolm Arnold, Federico Mompou ou même celle du compositeur pour film John Barry. Dans un entretien avec Phillip Scott pour Fanfare Magazine, Grundman parle de la musique consonante et dit : «...Dans la seconde moitié du, de nombreux compositeurs ont préféré écrire pour un petit groupe d'individus et ont perdu le contact avec le public plus général. L'idée de la musique comme art de communication a été ignorée. Pourtant, la musique est le seul art qui n'existe pas jusqu'à ce qu'il soit interprété. Pour atteindre son potentiel maximum, le compositeur, l'interprète et le public doivent parler la même langue. Dans de nombreux pays, cette approche cérébrale de la composition est maintenant oubliée et les compositeurs sont revenus à la musique consonante. Par ailleurs, je ne veux pas dire simplement consonante dans son sens harmonique mais dans le sens que tous les participants de l'expérience - compositeur, interprète et le public - sont au même niveau... ». Ainsi, sa musique a été caractérisée dans le magazine « Sinfonía Virtual » comme "Fenomenología Concertante".

Créations récentes.

En avril 2011, Grundman reçoit commande du XVIIe Festival Internacional de Música de Toledo et compose sa sonate pour flûte et piano intitulée "Warhol in Springtime". Selon la partition, cette musique a été conçue comme un collage d'image de pop art à la Andy Warhol et doit durer 15 minutes en hommage à la célèbre phrase de l'artiste. D'autre part, sa sonate pour violon et piano, "What Inspires Poetry", dédiée au compositeur Marjan Mozetich, est diffusée par de nombreuses stations de radios américaines.  En 2011, Grundman dédie "A Walk across Adolescence" pour violon, violoncelle et piano au pianiste et compositeur ukrainien Nikolaï Kapoustine. La pièce est créée cette même année à Tolède, Jaén, Badajoz, Madrid et de nombreux autres endroits par Daniel del Pino, Roman Patocka et Jirí Bárta ou le Trío Arbós qui l'a récemment enregistrée pour "Play it Again", dernier enregistrement du Trio Arbós.  En 2012, le Quatuor Brodsky avec la soprano Susana Cordon et le percussionniste Jaime Fernández Soriano enregistrent ses quatuors à cordes "Surviving a Son's Suicide" et "God's Sketches".  En 2013, il revient à l'oratorio de chambre en latin avec son "A Mortuis Resurgere: The Resurrection of Christ" pour soprano et quatuor à cordes qui est interprété à plusieurs reprises cette année-là et de nouveau enregistré par le Quatuor Brodsky et Susana Cordón pour Chandos Records.

Prix.

La musique de Jorge Grundman a été récompensée ou nommée à de nombreuses occasions. Grundman a remporté des prix tels que le Prix Narcissus des États-Unis en 2005 et la nomination au prix NAR de 2004 en tant que "Best Contemporary Instrumental Album" pour sa pièce "We are the forthcoming past, take care of it". Il a aussi reçu le prix de la meilleure composition instrumentale aux pour son quatuor à cordes "On Blondes and Detectives" dédié au Quatuor Brodsky. En plus et pour la première fois dans l'histoire d'un concours international de composition vieux de 13 ans, un compositeur espagnol, Jorge Grundman, accède à la première place dans cette catégorie et ramène en Espagne la prestigieuse récompense en musique instrumentale pour son quatuor à cordes "On Blondes And Detectives". Grundman est aussi le premier compositeur espagnol à recevoir deux prix du. Son monodrame "Four Sad Seasons Over Madrid" pour soprano, violon, piano et orchestre à cordes est couronné en 2014 du BMO Concert Award et son monodrame "God's Sketches" pour quatuor à cordes, soprano et mailloches reçoit le BMO Director's Choice Award. Par ailleurs, beaucoup de ses compositions ont été nommées directement ou incluses dans des albums de nomination d'attribution, comme en 2013 la nomination de récompense comme meilleur album classique pour "God's Sketches" interprété par le Quatuor Brodsky, Susana Cordón et Jaime Fernández Soriano aux Spanish Independent Music Awards. En 2012, l'album qui comprend son trio avec piano "A Walk across Adolescence", "Play It Again", interprété par le Trio Arbos est nommé meilleur album classique aux Spanish Music Awards. En 2010, l'album "No Seasons" interprété par Ara Malikian, Daniel del Pino et Susana Cordon, qui inclut le monodrame écrit par Grundman "Four Sad Seasons Over Madrid" pour soprano, violon, piano et orchestre à cordes est nommé dans la catégorie meilleurs interprètes classiques aux Spanish Music Awards. En 2008, l'album "Meeting with a friend" interprété par Ara Malikian qui comprend son "Concerto Sentido" pour violon, alto, violoncelle et orchestre à cordes est aussi nommé dans la catégorie meilleurs interprètes classiques aux Spanish Music Awards.

Jorge Grundman Isla, né en 1961, est un compositeur de musique classique, musicologue, musicien et professeur espagnol qui a permis la redécouverte de la musique de Robert Kahn et Adalbert Gyrowetz entre autres par le biais de la fondation musicale sans but lucratif qu'il a créée.


Biographie.

En 2004, les guitaristes Christian Bröhenhorst et Jonathan Stenger se rencontrent alors qu'ils sont étudiants à Hildesheim. À la fin de l'année, ils jouent avec la chanteuse Britta Görtz puis peu après du bassiste Erik Hess, et du batteur Dennis Weber. Le premier concert a lieu en septembre 2005. Hess quitte le groupe, et est remplacé par Thomas Maiwald puis Sören Becker.  Les six premières chansons écrites par le groupe sont sur l'EP'en 2006. La même année, Cripper joue notamment au festival Metalcamp en Slovénie. En 2007, sort le premier album ', avec un mastering d'Andy Classen. En compagnie des groupes Spectre Dragon et Hatred, il organise la tournée'en Allemagne. En 2008, Sören Becker est remplacé à la basse par Bastian Helwig. Après une nouvelle tournée en Allemagne avec Hatred et Lost World Order,'est réédité. Le deuxième album " est publié en juin 2009.  Début 2010, Cripper fait sa première partie européenne en première partie d'Overkill, et est confirmé pour le 70000 Tons of Metal. Fin janvier 2011, il participe au festival 70000 tons of Metal. En 2012, le troisième album'sort ; pour l'occasion, deux clips sont réalisés. Le bassiste Bastian Hellwig part pour des raisons privées et est remplacé par Gerrit Mohrmann. En 2014, le groupe joue de nouveau à 70000 tons of Metal, avant de signer avec Metal Blade Records. L'album'paraît en novembre 2014.

Style musical.

Le groupe se concentre principalement sur un thrash metal technique et moderne. Leur style musical rappelle des groupes comme Holy Moses, Slayer, Evildead, Kreator, et Anthrax.

Cripper est un groupe de thrash metal allemand, originaire de Hanovre. Les six premières chansons écrites par le groupe sont sur l'EP " en 2006.


Biographie.

Formation.

Piers Lane naît d'un père anglais et de mère australienne qui se sont rencontrés pendant une audition de piano des élèves au Collège Royal de Musique. Bien que né à Londres, Lane grandi à Brisbane. Il travaille avec Nancy Weir et obtient une médaille d'excellence du Conservatoire de Queensland. Il gagne ensuite le prix Margaret Nickson en 1978 et le prix Ruby C. Cooling en 1977 et 1978. Il reçoit ensuite un doctorat honorifique par le conservatoire  Sa carrière publique commence lors de l'inauguration du Concours de piano de Sydney en 1977, au cours duquel il est nommé meilleur pianiste australien (où il est membre du jury lors de l'édition 2004 du concours). Il étudie à l'étranger grâce à une bourse Churchill.

Carrière.

Au cours de sa carrière, Piers Lane a joué des concertos à l'Avery Fisher Hall, Lincoln Center à New York avec l'American Symphony Orchestra sous la direction de Leon Botstein ; le "Concerto « Empereur »" de Beethoven avec le Queensland Orchestra (qui a reçu le prix Limelight du meilleur orchestre de concert en 2007 ; toujours en concerto, il est apparu avec l'Orchestre symphonique de Birmingham, le London Philharmonic, le Hallé Orchestra et l'Orchestre d'Ulster ; il a aussi donné un récital au Symphony Hall de Birmingham pour la BBC ; une série de trois récitals intitulée "Métamorphoses" et d'un récital Chopin au Wigmore Hall de Londres. Il s'est également produit dans de nombreux festivals aux États-Unis, au Royaume-Uni, en France, en Allemagne, en Italie et en Scandinavie. Il a également joué avec les orchestres de l'ABC et de la BBC, le Aarhus, le Birmingham, le Bournemouth, le Göteborg et de Nouvelle-Zélande, les Orchestres symphoniques de Hallé, le Philharmonia, le Kanazawa Ensemble et le City of London Sinfonia de Londres, le Royal Liverpool Philharmonic et l'Orchestre philharmonique royal et de l'Orchestre national de France, parmi beaucoup d'autres. Il est soliste pour les Proms de Londres à cinq reprises, au Royal Albert Hall.  Ses engagements en Australie et en Nouvelle-Zélande au cours de l'année 2008, comprennent une deuxième tournée avec Cheryl Barker et son mari le baryton Peter Coleman-Wright pour Musica Viva Australia, des interprétation de concertos à Christchurch et Dunedin et des récitals en soliste à Adelaide, Auckland, Brisbane, Newcastle, Noosa et Perth.  Les récentes collaborations en tant que chambriste incluent une tournée pour Musica Viva Australia, avec l'altiste et compositeur Brett Dean et des concerts avec Anne Sofie von Otter et Bengt Forsberg à Malmö, Stockholm et au Festival de Bergen. Il continue son partenariat de longue date avec le violoniste britannique Tasmin Little par une tournée de récitals au Royaume-Uni.  Depuis 2007, Lane est le directeur artistique du Festival australien de musique de chambre organisé chaque année à Townsville (Queensland).  Lane est une voix bien connue sur BBC Radio 3, puisqu'il a écrit et présenté plus de cent programmes, dont les 54 numéros de la série intitulée "Le Piano". En 1994, il est fait membre honoraire de la Royal Academy of Music, où il est professeur de piano depuis 1989. En 2007, il reçoit un doctorat honorifique de l'Université de Griffith, à Brisbane. Lane est le protecteur et partisan actif de la Tait Memorial Trust à Londres, une fondation de bienfaisance destinée à soutenir les jeunes artistes australiens à se produire au Royaume-Uni.  Lane est le directeur artistique de la journée Myra Hess qui a lieu chaque année à la National Gallery de Londres. En 2009, il tenait le même poste pour le Bloch Festival, au Wigmore Hall.  Le 11 juin 2012, Lane a été nommé Officier de l'Ordre d'Australie pour le « service distingué aux arts de la scène en tant que pianiste classique de renommée internationale, aux organisations professionnelles et culturelles et au développement des musiciens émergents. ».  En avril 2015, à la suite de la mort, en février, de son premier directeur artistique, Warren Thomson, Piers Lane, est annoncé comme directeur artistique du Concours de piano de Sydney 2016.

Discographie.

Lane a développé une vaste discographie sur le label Hyperion mais a également enregistré pour EMI, Decca, BMG, Lyrita et la Unicorn-Khanchana. Les dernières gravures chez Hyperion comprennent des concertos d'Eyvind Alnæs et Christian Sinding, un disque Delius de mélodies avec la soprano australienne Yvonne Kenny et un enregistrement des deux quintettes d'Ernest Bloch, avec le quatuor à cordes Goldner, Editor's Choice du magazine "Gramophone "en décembre 2007 et Dossier du mois du "BBC Music Magazine" en février 2008. Lane est l'un des rares pianistes ayant enregistré le Concerto pour piano de John Ireland. En 2014, Hyperion publie son enregistrement de l'intégrale de la musique pour piano de Malcolm Williamson, avec, en première mondiale, le quatrième concerto pour piano.

Piers Lane AO (Londres, ) est un pianiste classique australien. Sa carrière de concertiste l'a mené à jouer dans plus de 40 pays et son répertoire concertant dépasse les 75 œuvres.


Origine Quraychite.

Les "Fihrides" sont les membres et descendants du clan Quraychite des "Banu Fihr". Le nom de ce clan, provient du nom de l'aïeul fondateur de la tribu : Fihr surnommé Quraysh (en arabe : qurayš : قريش : « petit requin »).  Le clan des Banu Fihr serait issu d'une alliance de plusieurs clans quraychites : les Banu 'Amir ibn Fihr, les Banu Ma'is, les Banu Taim et les Banu Muharib. Cette alliance aurait ainsi permit à ces trois derniers clans de rejoindre les Banu 'Amir ibn Fihr à l'intérieur même de La Mecque et de s'installer aux abords de la Kaaba (devanant ainsi des "Quraych al-Bataʿih"")

Arrivée au Maghreb.

C'est au sein de ce clan de la tribu de Quraych que naquit Oqba Ibn Nafi Al Fihri () en 622. Il est également le neveu d'Amru ben al-As, compagnon de Mahomet puis lieutenant du premier calife omeyyade Muʿawiya Ier et conquérant et gouverneur de l'Égypte.  Entre 642 et 644, Oqba a accompagné Amr ibn al-As dans la capture de villes de l'ouest du Maghreb, commençant avec Barqa dont il est nommé gouverneur, Entre 661 et 663, Oqba est nommé Emir d'Ifriqiya et occupe de façon permanente le Fezzan. En 670, il est placé à la têtes de l'armée musulmane de l'ouest par Muawiya et envoyé à la conquête de l'Afrique du Nord. La même année, il fonde l'actuelle Kairouan en Tunisie, ville destinée à devenir la base de ses futures expéditions, et y édifie la Grande Mosquée de Kairouan.

Prise de pouvoir en Ifriqiya et à Al-Andalus.

C'est à la suite d'Oqba Ibn Nafi que son clan s'installe à Kairouan, avant, pour certains, de participer à l'invasion de l'Andalousie (comme c'est le cas pour Abu Obeida ibn Oqba al-Fihri, fils de Oqba) et de jouer un rôle capital dans l'organisation de la migration arabe en direction de l'Espagne  Ses membres bénéficiaient alors d'un double prestige lié à la fois à leur lignée quraychite et à l’héroïsme de leurs ancêtres, ce qui leur permit d'occuper une place de premier plan en Ifriqiya et à Al-Andalus jusqu'à la fin du. Ils incarnaient notamment l'esprit du corps des "Jund", cette classe de militaires arabes partisans de l'expansion militaire continue. Il menèrent ainsi le camp des arabes au cours de la Bataille des Nobles en 740. De nombreux gouverneurs et chefs militaires de ces provinces orientales du califat sont issus de cette famille, et les Fihrides furent réputés pendant près de quatre siècles pour leur haut rang, leur savoir et leur fortune dans des villes comme Niebla, Séville, Grenade et Malaga, comme le rapportent de nombreux historiens andalous dont Ibn Khaldoun ou Ibn el Abbar.  Après la Grande révolte berbère de 740-743, l'ouest de l'Empire arabe tombe dans l'anarchie. Le califat omeyyade de Damas, faisant face à des révoltes en Perse, n'avait pas les ressources suffisantes pour rétablir son autorité dans les provinces d'Ifriqiya et d'Al-Andalus. Profitant de ce vide de pouvoir, les Fihrides prirent le pouvoir : Abd al-Rahman ibn Habib al-Fihri en Ifriqyia (745-755) puis, aidé par ce dernier, Yusuf ibn 'Abd al-Rahman al-Fihri à Al-Andalus (747-755). Ils gouvernèrent ces régions dans une indépendance de fait par rapport au califat omeyyade comme des royaumes familiaux.  Accueillant avec satisfaction la chute du califat omeyyade en 749-750, les Fihrides tentèrent de trouver un accord avec le nouveau califat abbasside afin de conserver leur autonomie en Ifriqyia et à al-Andalus. Face à l’intransigeance du califat Abbaside qui exigeait une complète soumission de ces régions à leur pouvoir direct, les Fihrides rompirent tout lien avec le califat. Par une décision qui s'avérera ensuite fatale pour cette famille dans ces régions, Abd al-Rahman ibn Habib al-Fihri, maître de fait de l'Ifriqyia, offrit l'asile aux princes omeyyade alors traqués par le nouveau califat abbasside. Ces réfugiés ne tardèrent pas à s'impliquer dans les diverses conspirations de l’aristocratie Kairouanaise, jalouse du pouvoir autocratique d'Abd al-Rahman ibn Habib. Parmi ces réfugiés se trouvait notamment le jeune Abd ar-Rahman ibn Mu`āwîya ibn Hichām ibn `Abd al-Malik, qui déposera plus tard Yusuf ibn 'Abd al-Rahman al-Fihri à Al-Andalus et érigera l'Émirat omeyyade de Cordoue en 756. Alors que la branche andalouse est ainsi évincée, la branche africaine des Fihrides entra en 755 dans une guerre fratricide sanglante, et fut évincée à son tour en 757-758 à la suite de la révolte berbère karijite.  Cependant le nom al-Fihri continua d'exercer une grande influence en Andalousie, et des prétendants au pouvoir issus de cette famille continuèrent à défier l'autorité des Omeyyades jusqu'à la fin du. Il en est ainsi d'Abd al-Rahman ibn Habib al-Fihri, dit 'al-Saqaliba' (fils de Habib ibn Abd al-Rahman), allié au rebelle berbère Abu Ha'tem, mène la révolte ibère de 778-779. De même Muhammad ibn Yusuf al-Fihri (fils de Yusuf ibn 'Abd al-Rahman), mène la révolte ibère de 785.

Héritage marocain : la mosquée el-Qaraouiyyîn.

C'est de cette même famille que seront plus tard issues Fatima el Fihria et sa sœur Meryem al-Fihriya. Filles d'un riche marchand de Kairouan, Mohamed al-Fihri, qui leur laissa à sa mort un héritage colossale, elles sont à l'origine de la construction à Fès de la mosquée el-Qaraouiyyîn (en 859) pour la première, et de la Mosquée des Andalous pour la seconde.  Fatima el Fihria est notamment passée à la postérité sous le nom d'Oum al Banine ("La mère des deux fils"). La Mosquée el-Qaraouiyyin est reconnue comme étant la plus ancienne université dans le monde, encore en activité.

Reconquista et installation au Maroc.

En 1476-1476, deux frères issus de cette famille, Abd-er-Rahmane et Ahmed ben Abd-el-Malek, quittèrent Malaga pour s'installer à Fès. Surnommés "Chemaa" à Fès en raison de leur implication dans le commerce de cire, les deux frères auraient succombé en 1474 des suites d'une peste qui ravageait la ville de Fès, laissant un descendant, fils de Abd-er-Rahmane, appelé Abou-l-Hajjaj Youssef. Pour des raisons commerciales, ce dernier effectuait des allers retours incessants entre Fès et Ksar el Kebir (qui été alors la capitale florissante du Habt) où il trouva la mort en 1515, ce qui valu à lui et ses descendants le nom de "Fassi-Fihri" ou d"El Fassi", tandis que les branches résidant à Fès furent corrélativement connues sous le nom d"'El Qasri".  C'est dans la capitale du Habt que naquit en 1530 son petit-fils, Abou-l-Mahassin Youssef, grand savant et mystique, relégué au rang de Qotb par ses contemporains. Disciple de Sidi Abd-er-Rahmane Medjoub à Ksar Kebir, où il fonda une Zaouïa, il s'établit à Fès où il enseigna le soufisme à la Qaraouiyin et fonda la Zaouïa des Fassiyin d'obédience Chadiliya. Mort en 1604, Abou-l-Mahassin laissa derrière lui trois fils : Ahmed et Ali et Larbi el-Fassi (auteur de plusieurs ouvrages dont le célèbre Mir'at al-Mahassin) lesquels laissèrent à leur tour une importante lignée : Abd-el-Qadir ben Ali el-Fassi, né en 1599 et petit-fils du Cheikh Abou-l-Mahassin, est un grand traditionniste, enseignant à la Qaraouiyine et chef de la zaouïa des Fassiyin. Abd-er-Rahman el Fassi, fils de Abd-el-Qadir ben Ali el Fassi, est un intellectuel et écrivain, surnommé "le Soyouti de son siècle" pour l'importance de ses œuvres qui embrassent des domaines aussi variés que la théologie, la jurisprudence, la médecine, l'astronomie, les belles lettres et dont la plus connue est "Ibtihaj al-Qoloub".  Enfin Mhammed el Fassi, autre fils de Abd-el-Qadir ben Ali el Fassi, est un érudit versé, entre autres disciplines, en jurisprudence, en musique et en littérature. Il est considéré comme l'aïeul direct de la famille marocaine des Fassi Fihri.

Le terme Fihrides se rapporte à une famille d'aristocrates arabes issus du clan quraychite des "Banu Fihr". Cette famille s'installa dès le en Ifriqiya et à al-Andalus, à la suite d'Oqba ibn Nafii al-Fihri, où elle joua un rôle de premier plan notamment jusqu'à la fin du.


Biographie.

Jacki Clerico est né le ou le, à Paris en France. En 1928, son père, Joseph Clerico un verrier, avec son frère Louis Clerico, ont quitté la région du Piémont pour s'installer à Paris. Les frères avaient ouvert une boutique parisienne de verre et menuiserie industrielle. Joseph et Louis ont développé leurs activités dès le début des années 30: peinture, vitrerie-miroiterie, menuiserie, bâtiment et gros œuvres. Leurs activités s'étendent alors sur toute la France et en Afrique (Afrique du Nord, Sénégal). Pendant la guerre, ils assurent leur développement en participant au maintien et à la reconstruction des villes de France qui ont été dévastées par les bombardements et les combats. Dès 1945, les frères décident de se reconvertir et se lancent dans une nouvelle aventure.  Les frères ont acheté le cabaret le Lido sur les Champs-Élysées en 1946. En 1955, Joseph et Louis achètent le Moulin Rouge. Ils ont rénové les cuisines et commercialisé le lieu en tant que destination touristique. Malgré cela, le Moulin Rouge a continué à souffrir de difficultés financières au début des années 1960.  En 1962, Jacki Clerico reprend le Moulin Rouge de son père Joseph. Il construit un nouvel aquarium pour les spectacles, élargit l'auditorium, et introduit des toiles de fond professionnelles de théâtre et des décors. Son premier spectacle « Frou-Frou », ouvre à guichets fermés en 1963. À partir de ce moment, Jacki Clerico ouvre uniquement les spectacles dont le nom commence par la lettre "F" en fonction d'une superstition selon laquelle la lettre a apporté de la chance à "Frou-Frou". Ses autres spectacles incluant "Frisson" (1965), "Fascination" (1967), "Fantastique" (1970), "Festival" (1973), "Follement" (1976), "Frénésie" (1979), "Femmes, Femmes, Femmes..." (1983), ont suivi cette tradition. La musique de ces spectacles a été composée par Henri Betti.  En 1989, Clerico ouvre "Formidable" pour marquer le du Moulin Rouge. Parmi les invités, le Prince Edward, Comte de Wessex.  Le Moulin Rouge a commencé à nouveau à perdre de la popularité au cours des années 1990. Clerico a continué à produire la marque de spectacles du Moulin Rouge, mais le cabaret a presque fait faillite en 1997. Le dernier spectacle que Clerico a produit était "Féerie" en 1999, il a comporté une centaine de danseurs. La sortie de Baz Luhrmann' "Moulin Rouge!" en 2001, qui mettant en vedette Nicole Kidman, Ewan McGregor, et Jim Broadbent, a relancé la popularité du cabaret. Il a servi en tant que Président du Conseil de Surveillance du Moulin Rouge, jusqu'à peu de temps avant sa mort. Jacki Clerico est décédé le, à l'âge de 83 ans. L'entreprise est aujourd'hui une référence internationale du spectacle et du music-hall.

Jacki Clerico (ou Clérico), né en et mort le, était un homme d'affaires français qui possédait le cabaret "Moulin-Rouge" à Paris à partir de 1962 jusqu'à sa mort en 2013. Il lui est attribué la relance de la popularité du Moulin Rouge durant cinquante années. Dans un article du "Figaro" il est décrit comme le.


Biographie.

Jeunesse et débuts.

Damso et sa famille avec sa sœur fuient la République démocratique du Congo à cause du conflit armé les menaçant dont il parle dans ses morceaux "Graine de sablier" (), "Exutoire" (), "Bruxelles vie" () ou encore "Kin la belle" (). Ils s'installent en Belgique alors qu'il a 9 ans et grandit à Kraainem avant de déménager à ses 22 ans pendant trois ans dans le quartier congolais de Matonge dans la commune bruxelloise d'Ixelles.  Damso débute le rap en 2006, en créant le groupe OPG avec son ami d'enfance Dolfa. Ils seront rejoint par la suite par Rex, Ducke et Lio Brown. Il publie son premier projet solo en 2014, une "mixtape" intitulée "Salle d'attente", disponible en téléchargement gratuit, composé de huit titres, avec des nombreuses productions faites par lui-même et une production de Dolfa. La même année, le 24 septembre, il sort la mixtape "MMMXIII" ou "3013" avec son groupe OPG.

"Batterie faible" (2015-2016).

Damso se fait connaître en 2015 grâce à son morceau "Poséidon", qui apparaît sur la "mixtape" "OKLM" de Booba. Suite à cela, il rejoint le 92i, collectif créé par Booba, et signe chez Universal. Il fait une apparition sur l'album "Nero Nemesis" de Booba, sur le morceau "Pinocchio", en collaboration avec Booba et le rappeur Gato Da Bato. Le couplet de Damso est très remarqué par le public et les médias, ce qui lui permet d'être découvert par le grand public.  Toujours en 2015, le rappeur belge réalise le morceau "Black", principale musique de la bande Originale du film dramatique éponyme Black, réalisé par Adil El Arbi et Bilall Fallah.  Le premier album de Damso, intitulé "Batterie faible", sort le 8 juillet 2016. Il en dévoile des extraits avant sa sortie, avec cinq singles dont trois clips, puis sort le clip "Amnésie" plusieurs mois plus tard. Pour faire la promotion de son album, Damso publie un petit couplet sur Instagram qui, remarqué par Booba, deviendra un featuring nommé "Paris c'est loin", sorti le 18 juillet 2016 et qui ne figurera donc pas dans l'album. Durant le même mois, Damso refuse de se rendre à l'édition de l'émission Planète Rap, de la station de radio Skyrock, qui lui était dédiée. Il accuse la radio de ne pas respecter le rap et de ne pas inclure ses morceaux dans les playlists Skyrock. Booba défendra Damso sur les réseaux sociaux après les réactions de l'animateur Fred Musa et du directeur général des programmes Laurent Bouneau. L'album sera certifié disque d'or en début décembre 2016, puis disque de platine en août 2017.  Le 24 mai 2017, l'album est retiré des plateformes de "streaming" et le clip du titre "Amnésie" est supprimé de la plateforme vidéo YouTube. Sans confirmation, il semblerait qu'un sample non déclaré soit à l'origine de ces actions. L'album a cependant été réintégré sur ces plateformes quelques jours plus tard, sans comporter le titre "Amnésie" pour autant. Le 28 décembre 2017, le titre "Amnésie" est finalement réintroduit sur les plateformes de streaming. Il sera retiré de nouveau peu de temps après de ces mêmes plateformes.

"Ipséité", polémique et "Lithopédion" (2017-2018).

Le, Damso sort son deuxième album, "Ipséité". Composé de quatorze titres, il ne contient qu'une seule collaboration, avec Youri, sur le morceau "Peur d'être père". Sur cet album, Damso parle de lui, de ses problèmes, sa peur d'être père, sa difficulté à trouver sa place dans la société, de son pays d'origine la République démocratique du Congo. L'album contient beaucoup de singles, notamment "Macarena", certifié single de diamant, ou encore "Signaler", "Mosaïque Solitaire", "Nwaar Is The New Black" et "Kin la belle", tous certifiés au moins single d'or. "Ipséité" a connu un grand buzz en partie car il a fuité sur la toile avant sa date de sortie. Le jour même de la sortie de l'album, Damso sort le clip "J Respect R", suivi par "Nwaar Is The New Black". Un an et demi plus tard son album "Ipséité" est certifié disque de diamant.  En, durant la semaine internationale des droits des femmes, la Fédération belge de football annonce renoncer à sa collaboration avec l'artiste, en raison des paroles de ce dernier et ce bien que Damso ait déjà composé la musique qui devait en être l'hymne. Le morceau s'intitule "Humains" et Damso décide de le mettre en tant que piste bonus sur l'album "Lithopédion".  Le, il dévoile la liste des titres de son prochain album, "Lithopédion", ainsi que la pochette. Cet album fuite le 13 juin, après la sortie de l'album en avant-première par certains magasins culturels. Il est certifié triple disque de platine en juin 2019 et a remporté la Victoire du Meilleur album rap de l'année le 8 février 2019.  Il enchaîne ensuite en fin d'année avec une tournée, le "Lithopédion Tour," qui ne comporte que 8 dates mais dans les plus grandes salles de France, Suisse et Belgique, avec notamment un concert à l'Accor Hôtel Arena le 4 décembre. Tous ses concerts rencontrent un grand succès et Damso se produit à guichets fermés, notamment à l'Accor Hôtel Arena.  En parallèle, il apparaît dans deux featurings : "RVRE" avec 404 Billy et "Rêves Bizarres" avec Orelsan.

Pause puis retour avec "QALF" (depuis 2019).

Damso annonce ensuite vouloir faire une pause dans sa carrière, comme le montre sa biographie Instagram. Il donne cependant plusieurs concerts dans le monde début 2019, avec des dates au Maroc, au Canada, en Tunisie, au Sénégal ainsi que dans son pays natal, la République Démocratique du Congo.  En janvier 2019, il supprime tous ses posts Instagram et demande à ses fans de lui envoyer des instrumentales dans l'optique de réaliser sa mixtape "QALF," qu'il annonce depuis 2015.  Le 6 juin, Nekfeu sort son album Les Étoiles vagabondes, sur lequel Damso est présent dans une collaboration sur le son "Tricheur" certifié single de diamant fin février. Son ancien mentor, Booba, l'interpelle alors pour des paroles qu'il croyait adressées à lui. Damso profite de cette occasion pour annoncer la sortie de la mixtape QALF pour 2019.  Tandis que Booba entre en clash avec le rappeur belge, en lançant plusieurs piques à son encontre, ce dernier reste impassible et sort de nombreux featurings, huit exactement, avec des artistes confirmés comme Nekfeu et Dadju ; des rappeurs montants comme D.A.V, Vegedream ou encore le beatmaker Ikaz Boi ; et enfin des amis avec lesquels il avait déjà collaboré : Kalash et Hamza. Dans le même temps, Damso annonce la création d'une fondation humanitaire, "Vie Sur Nous Fondation ", pour lutter contre l'exploitation minière dans son pays natal, la République Démocratique du Congo.  Cependant, le 19 décembre 2019, sort le son "God Bless" de Hamza en collaboration avec Damso sur la mixtape "Santa Sauce 2", ce dernier annonce alors que la mixtape "QALF" ne sortira pas cette année à cause de problèmes de santé de sa mère, alors dans le coma. Le projet est donc une nouvelle fois repoussée, à une date indéterminée.  Le 23 janvier 2020, Damso crée son nouveau label TheVie MUSIC et dévoile le titre "Œveillé".

Environnement artistique.

Style musical et influences.

La musique de Damso est influencé par son enfance, à Kinshasa au Congo ainsi que son adolescence dans le quartier bruxellois de Matonge en Belgique. Il déclare dans une interview avoir été inspiré par Bone Thugs N Harmony et Mylène Farmer.  Après sa polémique liée à l'Hymne de la coupe du monde 2018 de football, Damso s'est intéressé au féminisme et a lu divers oeuvres traitant le sujet parmi lesquelles "Le Deuxième Sexe" de Simone de Beauvoir, "De la marge au centre" de Bell Hooks, "Beauté fatale" de Mona Chollet, "King Kong théorie" de Virginie Despentes, "Féminismes islamiques", ouvrage collectif dirigé par la sociologue Zahra Ali, et un livre d'Hannah Arendt.

Thèmes abordés.

Damso aborde de nombreux thèmes parmi lesquels les relations, le succès, son pays d'origine (la République Démocratique du Congo), le racisme, le sexe ou encore la réussite.  Il confesse dans une interview donnée à Libération avoir cette propension, singulière dans le rap, à écrire sur le vice et les maux du monde - la prostitution, l’inceste, le suicide. « Je me disais : "Si c’est une attirance, c’est que c’est dans la nature de celui qui la ressent. Si sa nature est une mauvaise nature, c’est que c’est une erreur de la nature. Mais est-ce que c’est une erreur de la nature, ou la nature qui est une erreur?" J’ai commencé à écrire : "Personne se connaît mais tout le monde prétend connaître l’autre, une erreur de la nature, à qui la faute?" C’est ce que je vois de la société. C’est la première fois que je faisais un texte descriptif, un croquis de la vie. En général, c’est vraiment de moi que je parle, et cette fois-ci, c’est tout sauf moi. »  Il traite aussi de la pédophilie dans le morceau "Julien" sur l'album Lithopédion. Il explique l'origine de cette chanson : « Nk.F (Nikola Feve, qui a masterisé les deux albums studio de PNL), l’autre ingénieur du son avec qui je travaille, m’a envoyé une prod totalement différente de ce que j’écoutais jusque-là. Je l’ai écoutée pendant huit heures d’affilée, sans appuyer sur pause une seule fois. C’était la première fois que ça m’arrivait. Je l’ai tellement écoutée que j’ai oublié qu’elle était là, comme si j’étais transporté dedans. J’ai commencé à voir les choses comme un narrateur qui observait : mon fils qui jouait, la télé posée là... J’ai commencé à me questionner sur la nature profonde de l’homme, qu’elle soit obscure ou non, et c’est là que je suis tombé sur le thème de la pédophilie. J’ai vraiment voulu analyser de manière objective le mécanisme humain qui mène à une attirance sexuelle envers les enfants. »

Titres des albums.

Damso explique peu avant la sortie de Lithopédion au journal Libération avoir choisi ce titre pour son album car « Lithopédion, c’est un mort dans un corps en vie, un fœtus qui atteint la maturité mais qui est mort, qui s’est calcifié avec le temps dans le corps d’une mère et qui n’a jamais été extrait. Pour pouvoir l’extraire, il faut mourir. J’aime cette métaphore parce que c’est actuel pour moi : je me sens mort dans un corps en vie. J’ai l’impression de ne plus vivre les choses comme tout le monde. Je m’endurcis au fond de moi comme un lithopédion. » Tout aurait été pensé avant même que sa carrière ne soit lancée : « Les titres de mes albums, c’est une vision de ma vie que j’ai eue quand je terminais les secondaires (l’équivalent du lycée en France). J’avais imaginé que si je faisais un album et que ça marchait, je passerais par telle ou telle étape d’un point de vue psychologique. Pour pas se perdre en cas de succès, il faut rester soi-même face à différentes situations : les meufs, les gens qui changent... Et accepter le succès. Je me disais que je devrais alors faire preuve d’ipséité ("ce qui fait qu’un être est lui-même et non pas autre chose", mentionne le Larousse). Après ça, tu te rends compte que t’es en vie, mais que tu vis comme un mort. »

Chansons écrites pour d'autres artistes.

Damso est reconnu pour sa qualité d'écriture et ses talents d'auteur.

Polémiques.

Hymne de l'équipe de Belgique de football de 2018.

A l'initiative de certains joueurs fans du rappeur, l'Union belge de football avait confié début mars 2018 à Damso le soin de composer l'hymne de l'équipe de Belgique, une tradition dans le pays. Pour rappel en 2014, c'est Stromae qui avait créé et interprété "Ta fête", un succès commercial.  Mais la décision d'opter pour Damso en 2018 a embrasé les réseaux sociaux en raison de paroles sexistes, misogynes voire violentes présentes dans un rap qualifié de « sale, dur, violent, sans filtre, qui dit les choses de façon crue », d'après certaines associations féministes. Ainsi le Conseil des femmes francophones de Belgique, qui regroupe des associations féministes, a vivement dénoncé ce choix de la fédération, dans une lettre ouverte aux sponsors des Diables. « Les paroles de Damso sont aussi crues qu'injurieuses. Elles expriment haine, sévices et violences envers les femmes à un degré qui est franchement stupéfiant (...) La promotion de Damso comme porte-étendard donne son aval au sexisme dont il est le champion », souligne ce collectif, évoquant de possibles actions en justice.  La controverse a également gagné la sphère politique. Un vice-Premier ministre, le libéral flamand Alexander De Croo s'est même insurgé contre ce choix. « On peut chanter ce que l'on veut, mais pas marquer des buts de cette façon », a-t-il commenté, sous le slogan « sexisme hors-jeu ».  Dans la nuit du jeudi au vendredi 9 mars 2018 la fédération indique dans un communiqué diffusé, « La collaboration avec Damso a été arrêtée de commun accord », ajoutant qu'il n'y aura pas de chanson officielle en vue de la Coupe du Monde 2018.  Damso répondra à cette polémique dans cette interview : « C’est pas le son qui a fait polémique. C’est l’idée de l’artiste, soi-disant ma vision des femmes. Mais on ne m’a jamais demandé ce que je pense de la femme. » Dont acte : « J’ai pas connu beaucoup de femmes. J’ai surtout connu des filles qui pensent faire un choix dans une absence de choix. [...] La société actuelle empêche les femmes de prendre de réelles décisions, de faire de vrais choix pour se considérer elles-mêmes. C’est pour ça qu’elles se sentent brimées. Je suis pour, moi. C’est pareil pour les hommes. On ne fait pas de choix non plus, ni d’être sérieux, ni d’être un bon père, d’aimer. On fuit, on recule face à l’amour et on reste des garçons. On traite mal les filles, comme je l’ai fait dans ma vie. On n’évolue pas. »  Il sortira finalement le titre "Humain", qui devait originellement être l'hymne de la Belgique, en tant que Bonus Track sur l'album Lithopédion.

Concerts.

Damso organise sa première tournée, l"'Ipséité tour", après la sortie de l'album Ipséité, en 2017 ; celle-ci aura lieu en France et Belgique. Fort d'un succès grandissant, il récidive l'année d'après avec le "Lithopédion Tour", dans tout le monde francophone, tournée de concerts qui s'étale sur 2018 et 2019.

Damso, de son vrai nom William Kalubi, né le à Kinshasa au Zaïre (aujourd'hui République démocratique du Congo), est un rappeur et auteur-compositeur-interprète belgo-congolais.


Origine.

Le titre "Mittageisen" est un jeu de mot basé sur les mots allemands "mittagessen" (littéralement : repas de midi) et eisen (fer). Le titre est inspiré du photocollage de John Heartfield, "Hurrah, die Butter ist Alle!" ("Hourra le beurre est fini!") qui fut également utilisé comme couverture du single.  Le photocollage de Heartfield était initialement utilisé en première page du "Arbeiter Illustrierte Zeitung" ("Le Journal illustré des travailleurs"), publié le. Heartfield (1891-1968) était un des premiers membres du Club Dada, qui débuta en 1916 comme le Cabaret Voltaire à Zürich. La photo titrée "Hurrah, die Butter ist Alle!" ("hourra le beurre est fini!") montre une famille mangeant différentes pièces de métal. L'élément déclencheur de cette œuvre fut une citation d'Hermann Göring :.

Écriture et enregistrement.

"Mittageisen" a été composé par Siouxsie Sioux, John McKay, Kenny Morris et Steven Severin : Les paroles ont été traduites en allemand par leur manager, Dave Woods, et une femme nommée Renate. Le single est dédié à John Heartfield.  La face B, "Love in a Void", a été composée par Siouxsie Sioux et l'ancien guitariste des Banshees, Peter Fenton. Le morceau était un favoris des premiers lives, c'est également la première chanson de leur première John Peel session, enregistrée à la fin de. "Love in a Void" n'avait pas été enregistré avant sa diffusion par Polydor.

Sortie.

"Mittageisen" est sorti en single au Royaume-Uni en chez le label Polydor. Le disque a été promu comme une sortie de double face-A à l'époque, mais seule "Mittageisen" est entré dans les charts au Royaume-Uni, où il a atteint la place 47. Néanmoins", Love in a Void," et non "Mittageisen" a été inclus sur la compilation de 1981 des singles du groupe, "", qui compilait toutes leurs faces-A jusqu'à cette période, et plus tard sur l'édition remasterisée de 2006 de "Join Hands". La face-A putative "Mittageisen" apparaîtra plus tard sur la compilation de faces-B du groupe : "Downside up".

Reprises et références culturelles.

"Mittageisen" a été reprise et samplée par Massive Attack sous le nom "Superpredators (Metal postcard)" en 1997, pour la bande-son du film "Le Chacal".  Le groupe de Black metal Darkthrone a enregistré une reprise de "Love in a Void" sur leur EP : "Too Old, Too Cold", sorti en 2006.  Le groupe suisse "Mittageisen" est nommé d'après cette chanson.

Mittageisen est une chanson du groupe anglais de post-punk Siouxsie and the Banshees. Elle apparaît pour la première fois sur le premier album du groupe, sorti en 1978, "The Scream", avec comme titre "Metal Postcard (Mittageisen)". La chanson est réenregistrée en 1979, cette fois avec les paroles chantées en allemand, et réalisée en tant que single en Allemagne de l'Ouest. Plus tard, en septembre de la même année, elle est distribuée au Royaume-Uni par le label Polydor.


Biographie.

Levin assiste à la "Brooklyn Friends School" et à la "Andrew Jackson High School", puis passe une année à étudier avec Nadia Boulanger à Paris. Il étudie à Harvard, où il passe avec succès Bachelor of Arts en 1968 avec sa thèse intitulé "The Unfinished Works of W. A. Mozart "[Les œuvres inachevées de Mozart].  Levin prend des leçons privées à la Chatham Square Music School, Conservatoire de Paris et Conservatoire américain de Fontainebleau avec :

Professeur.

Après son diplôme d'Harvard, Levin est nommé chef du département théorie de la musique du Curtis Institute of Music. Il est ensuite nommé professeur agrégé de musique et coordonnateur de l'enseignement de la théorie à la State University of New York de Purchase et enfin professeur en 1975. de 1986 à 1993, il est professeur de piano à la Hochschule für Musik Freiburg en Allemagne. En 1993, il est professeur de musique à l'Université Harvard, où il est encore. En 1994, il est fait Dwight P. Robinson Jr professeur de sciences humaines à Harvard. En 2012, en tant que professeur en visite (Humanitas Visiting Professor) pour la musique de chambre à l'University of Cambridge, il donne deux conférences intitulées "Improvisation et composition de Mozart" et un concert avec Academy of Ancient Music.  La carrière universitaire de Levin comprend l'enseignement et le tutorat de la pratique de l'interprétation (avec notamment les instruments à clavier et la direction d'orchestre avec un accent sur la période classique), en plus de l'histoire de la musique et la théorie.

Achèvements d'œuvres.

Levin a complété ou reconstruit un certain nombre d'œuvres du, en particulier des compositions restées inachevées de Mozart et Johann Sebastian Bach.  Ses finitions de plusieurs œuvres de Mozart inachevées, notamment le "Requiem" en ré mineur et la "« Grande » messe en ut mineur", sont considérés comme ses réalisations les plus importantes. Dans le Requiem, il a reconstitué la fugue de l'Amen d'après les esquisses de Mozart. John Eliot Gardiner le chargea d'écrire les parties d'orchestre manquantes de cinq mouvements de cantates de Bach, tel que l'aria pour soprano de la cantate "Ach! ich sehe, itzt, da ich zur Hochzeit gehe, BWV 162". En tant qu'interprète, il est surtout connu en général, en tant que soliste de l'ère classique des concertos pour piano et en particulier ceux de Mozart et de Beethoven, dans lequel il recrée la pratique robuste de l'interprétation de l'époque des compositeurs, notamment en improvisant les cadences et de petits embellissements dans le style du compositeur.  Levin a également composé plusieurs œuvres, notamment :

Robert D. Levin (né le ) est un artiste classique, musicologue et compositeur, également directeur artistique du Festival de musique de Sarasota.


Situation ferroviaire.

Établie à, la gare de West Hampstead (Thameslink) est située sur la, entre les gares ouvertes de Cricklewood et de Kentish Town.

Histoire.

La station alors dénommée « West End » est mise en service le par la Midland Railway. Elle est située sur son extension à St-Pancras, pour desservir le nouveau quartier autour du hameau de West End.  Pendant une courte période à partir de 1878 la gare faisait partie des trains du Midland Main Line qui traversent de St-Pancras à Earl Court via Acton Central et Turnham Green.  La gare a changé de nom à plusieurs reprises : et finalement :

Service des voyageurs.

Accueil.

La gare dispose d'un bâtiment voyageurs situé au sud des voies. Il y a également un accès au nord des voies.  Deux passerelles permettent la traversée des voies et l'accès aux quais.

Desserte.

La gare de West Hampstead (Thameslink) est sur la route Thameslink, exploité par Thameslink. Elle est desservie à tout moment de la journée avec un service horaire de nuit entre Bedford et Three Bridges. En heure de pointe, six trains arrivent en une heure, quatre trains sont en cours d'exécution entre Luton et Saint-Albans.  Il y a aussi un service horaire à Sevenoaks pendant le pic de départ de West Hampstead (Thameslink)

Intermodalité.

Les lignes 139,328 et C11 de l'autobus de Londres desservent la gare.  La station West Hampstead du métro de Londres est située à proximité.

Projet.

La disposition actuelle des trois gares distinctes (Thameslink, Overground et Jubilee Line) signifie que les passagers qui souhaitent changer de ligne doivent marcher le long du West End Lane, une rue très passante. Une proposition de réaménagement a été proposée en 2004 par Chiltern Railways qui relierait les trois gares avec des allées souterraines. Ce projet prévoit de construire de nouvelles plates-formes pour le Chiltern Main Line, et peut-être également pour Metropolitan Line, et les gares de Thameslink et London Overground (anciennement Silverlink) seraient déplacés sur le côté est du West End Lane. Le réaménagement impliquerait la démolition des bâtiments existants et le réaménagement du West End Lane comme « un boulevard bordé d'arbres ».  Les plans ont été mis en attente en 2007 en raison de l'incertitude sur la franchise ferroviaire North London Line. Des trains de destinations supplémentaires à travers le réseau Thameslink sera réalisé en 2018.

La gare de West Hampstead (Thameslink) est une gare ferroviaire anglaise de la, située à West Hampstead, membre du Borough londonien de Camden, dans le Grand Londres en Angleterre.


Toponymie.

Le nom, Cippenham provient du vieil anglais " Cippan-ham ", ce qui signifie " ferme de Cippa ".

Histoire.

Le roi Henry III avait un palais à Cippenham. Sa localisation figure encore sur les cartes modernes sous le nom de "Cippenham Moat". Elle est très proche de l'autoroute M4.  Cippenham Green est le lieu où les villageois menaient paître leurs vaches, jusqu'à la fin du. C'est le seul espace vert ancien dans les limites de Slough. Un document de 1925, décrit Cippenham avec des cottages et d'autres bâtiments groupés autour des pâturages, plusieurs grandes fermes à la périphérie.  Les grandes maisons notables comprennent Western House, occupée par Josiah Gregory. Western House est le nom de l'école primaire actuelle, qui a déménagé en avril 2006 dans de nouveaux locaux au centre des nouveaux logements de Parcs Cedar.  D'autres maisons remarquables du début du comprennent Cippenham Lodge et Cippenham Cour. La maison publique Long Barn date du. C'était à l'origine une dépendance de ferme appartenant à Cippenham Cour, une société d'études de marchés se trouve maintenant sur le site d'origine de Cippenham Cour.  Cippenham Lodge est toujours un logement privé. Il est situé à Lower Cippenham Lane. Une grande partie des terres agricoles d'origine a maintenant été construite avec les grands ensembles de logements de Windsor Meadows et Cedar Parks, encore dans les phases finales du développement.  Pendant la Première Guerre mondiale, un dépôt de réparation de véhicules a été créé dans Cippenham Court Farm. Après la guerre, le site a été vendu à un groupe d'hommes d'affaires appelé Trading Company Slough. Celui-ci a changé de nom en 1926 pour « Slough Estates Ltd ». C'est la base du Slough Trading Estate, la première zone d'activités mise en place dans le monde.

Sports.

Cippenham a été également le siège du Cippenham Sports Football Club. Le club a récemment joué en deuxième division de la Ligue de l'East Berkshire, à Mercian Way Park. Pour la saison 2007-08, il a atteint la finale de l'« East Berkshire League Cup » pour la première fois, en battant trois équipes de première ligue.  Le club a été fondé en 1923 sous le nom de Cippenham F.C. et a été membre fondateur de la Slough Challenge Cup et Windsor Slough & District League. Au début des années 80, le Cippenham Football Club a fusionné avec le Cippenham Cricket Club et, à l'origine, a joué sur le green du village, traversé par une route. Cela a conduit à des problèmes avec le club de cricket de Fielding et à la dissolution du club au début des années 1990. L'équipe de football a alors rejoint celle de Mercian Way.  Cippenham Sport a cessé toute activité à la fin de la saison 2013-14. À l'heure actuelle, il n'y a aucun signe de reprise du club.

" 'Cippenham' " est une banlieue de la circonscription de Slough dans le comté de Berkshire, en Angleterre. La localité a été transférée dans le Berkshire (à partir du Buckinghamshire) en 1974. Slough est devenu une autorité unitaire le, avec l'abolition du conseil du comté de Berkshire et de l'arrondissement de 1973-1998.


Formation.

Farkhonda Hassan obtient un Baccalauréat universitaire en sciences en chimie et en géologie à l'université du Caire, une Maîtrise universitaire ès sciences en physique du solide de l'Université Américaine du Caire, et un doctorat en Géologie de l'université de Pittsburgh. Elle est également titulaire d'un diplôme en Psychologie et en Éducation de l'Université Ain Shams en Égypte.

Carrière.

Farkhonda Hassan est co-présidente du Conseil Consultatif sur l'égalité des sexes de la Commission de l'Organisation des Nations unies de la Science et de la Technologie pour le Développement, elle est aussi Secrétaire générale (2001) et membre du Conseil National pour les Femmes en Égypte depuis 2000. En tant que scientifique, femme politique et spécialiste du développement, elle a eu une carrière centrée sur la cause des femmes dans les activités politiques, les services publics, les sciences, les technologies de l'information, le travail social à la base, l'éducation et la culture, et d'autres disciplines.  Ses affiliations avec des organisations nationales et internationales, des organisations non gouvernementales, des institutions dans la recherche et la connaissance sont orientées vers l'autonomisation des femmes. Hassan a été pour courte période, consultante et experte auprès de plusieurs programmes internationaux et régionaux organisés par diverses organisations des Nations unies telles que le Fonds de développement des Nations unies pour la femme, le Programme des Nations unies pour le développement, l'Institut international de recherche et de formation des Nations unies pour la promotion de la femme et l'UNESCO.  Elle est élue au Parlement égyptien en 1979 et elle a joué un rôle clé dans la mise en place de l'Agence des affaires environnementales égyptienne (), dans la création de réserves naturelles et dans la promulgation de lois de protection de l'environnement.

Prix et distinctions.

Farkhonda Hassan est décorée de l'Ordre National du Mérite en Arts et Sciences, première classe, par le gouvernement égyptien en 1980.

Farkhonda Hassan () est une universitaire égyptienne, professeure de géologie à l'université américaine du Caire, née en 1930. Elle est présidente de la Commission sur le Développement Humain et de l'Administration Locale du Conseil de la Choura.


Appellations.

À Tashilhunpo, le mur a pour noms « "kugopea" » (Samuel Turner, 1800), « "gö-ku-pea" » (Laurence Austin Waddell, 1895), « "gos-sku-spe'u" » (Michael Aris, 1982), c'est-à-dire « cloth-image tower » / « tour à image en tissu », "pea" ou "spe'u" signifiant « tour », ou encore « "kiku-tamsa" » (Laurence Austin Waddell, 1895, Sarat Chandras Das, 1902), c'est-à-dire « support d'image en tissu », "kiku" étant la prononciation de "goku".  À Palcho, le nom est « "goku tramsa" » (selon "The Tibet Album", 2006), ou « "gos sku thang sa" » (Michael Henss, 2011), "tramsa" / "thang sa" signifiant « support », et "goku" / "kiku" « image en tissu ».  Dans les écrits de langue anglaise concernant ce type de bâtiment, on parle généralement de « "thangka wall" » (« mur à thangka ») (Andreas Gruschke, 2001 ; "The Tibet Album", 2006 ; Diane Lange, 2016 ; Michael Henss, 2011 ; "Tibet, Lonely Planet", 2015) ou parfois de « "support wall" » (« mur de support ») ("Tibet, Lonely Planet", 2015) ou encore de « "display wall" » (« mur d'exposition ») (Ronald M. Bernier, 1997), l'emploi de « "wall" » (« mur ») étant métonymique (la partie remplace le tout). Dans "Tibet. Le Guide du Pèlerin" de Victor Chan, traduit de l'anglais (1998), on trouve « mur à thangka » (p. 910), mais aussi « tour du "gheku" » (p. 457).  Le zoologue allemand Ernst Schäfer, séjournant au Tibet en 1938-1939, donne le nom de « "große Tangamauer" » (« grand mur à thangka ») au support de thangkas géants du monastère de Tashilhunpo ainsi qu'à celui du monastère de Palcho.

Fonctions et morphologie.

Un mur à thangka sert à la suspension et à l'exposition de thangkas géants, ou monumentaux, dans certains grands monastères du bouddhisme tibétain. Il se présente sous la forme d'un bâtiment de plan rectangulaire, long, étroit et haut, plat au sommet, à la face avant présentant un fruit prononcé et à la face arrière verticale. Implanté sur un versant de colline de façon à dominer l'ensemble monastique et à être vu de loin, le mur à thanka est précédé d'une terrasse destinée à la manœuvre et aux fidèles.  Il est utilisé principalement lors de fêtes de l'exposition du Bouddha () dans la région autonome du Tibet. Ces fêtes se déroulent à des dates différentes selon les lieux : au début du deuxième mois, dans la seconde décade du quatrième mois ou du sixième mois du calendrier tibétain, également pendant la fête de Shoton. Lors de cette dernière, il y a généralement du spectacle vivant tibétain.

Monastères disposant d'un mur à thangka.

Des murs à thangka géant sont visibles dans quatre grands monastères : Séra (Lhassa), Palcho (Gyantsé), Tashilhunpo (Shigatsé) et Riwo Dechen (Qonggyai). Le monastère de Drépoung, quant à lui, n'a jamais eu de mur à thangka, se contentant d'un versant de colline spécialement aménagé à l'ouest du monastère.

Monastère de Séra.

Près de l'ermitage de Chöding, lieu de retraite de Tsongkhapa avant la construction du monastère de Séra, se dresse un mur, nouvellement construit, destiné à suspendre un thangka géant représentant le bouddha lors de la fête du Shoton qui a lieu au mois d'août.

Monastère de Palcho.

Le mur à thangka, dit « goku tramsa », du monastère de Palcho (ou Pelkor Chode), à Gyantsé, se dresse, massif et austère, en haut d'un versant, dans l'angle nord-est de l'enceinte monastique (Victor Chan donne au bâtiment-mur le nom de « tour du "gheku" »). Lors de la fête de Gyantsé, qui se déroule pendant le de l'année tibétaine, il sert, une année sur deux, à suspendre un thangka monumental ("goku" ou "gheku"), conservé dans un sac en cuir dans la chapelle de Dorje Ying et ayant pour sujet principal Sakyamuni. Il alterne, l'année suivante, avec le "gos sku" de Maitreya. Un troisième thangka, celui de Dipankara, n'est plus exposé en raison de son état.  Dans ses mémoires, l'explorateur américain, F. Bailey Vanderhoef, Jr., qui séjourna à Gyantsé en 1938 pour y photographier les danses exécutées par les moines lors des festivités annuelles, rapporte que le « pylône » ("pylon" en anglais), ainsi qu'il qualifie la structure, servait à l'origine également de « grenier à grain » ("granary").

Monastère de Tashilhunpo.

Le mur à thangka du monastère de Tashilhunpo (Shigatsé) est, selon Samuel Turner qui en publie la description en 1800, un bâtiment haut et large mais étroit situé à l'extrême nord-est du complexe monastique et répondant au nom de « "kugopea" ». Il contient, à ce qu'on lui a rapporté, les portraits des grands lamas ainsi que d'autres sujets sacrés relevant de la mythologie bouddhiste; il est affecté à la pratique de certains rites lors de festivités religieuses.  Un siècle plus tard, Laurence Austine Waddell décrit le même édifice, dénommé « gö-ku-pea » (qu'il traduit par "The Stored Silken Pictures") car il servait à suspendre, lors de certaines fêtes, des tapisseries de soie gigantesques représentant Maitreya et autres divinités bouddhistes. Les fidèles appelaient le bâtiment « "kiku-tamsa" ». Il servait aussi d'entrepôt pour les carcasses séchées de moutons, chèvres et yaks réservées à la nourriture des moines. L'esplanade devant la structure accueillait la foule lors de l'exposition des thangkas monumentaux en juin et en novembre. Le thangka déployé atteint les 40 mètres de longueur.  À la même époque, Sarat Chandra Das, qui s'est rendu au pied de l'édifice, lui donne alors plus de 200 ans d'âge et 60 pas de longueur et 30 pas de largeur, dénombre neuf étages, mentionne « "kiku tamsa" » comme désignation, signale son usage comme chambre froide et note que Turner en a fait un croquis en 1785 et a cru qu'il s'agissait d'un bâtiment religieux.  Un détail de la carte panoramique du Tibet méridional faisant partie de ce qu'il est convenu d'appeler la collection Wise, restitue le monastère de Tashilhunpo tel qu'il était au milieu du siècle avec son grand mur à thangka, les mausolées des quatre panchen lamas et le jardin Kiki Naga.  En 1986, l'alpiniste français Yvon Denard, visitant le monastère, suit, sur les pentes du mont Dromari, le chemin, ou "kora", faisant le tour du complexe, et voit de près.

Monastère de Riwo Dechen.

Le monastère de Riwo Dechen, d'obédience kagyupa, sis à Qonggyai dans le Xian de Qonggyai, préfecture de Shannan, possède un grand mur à thangka géant. Il se situe dans la vallée des rois, où l'on trouve les tombes de personnalités de l'Empire tibétain. Le monastère conserve un grand thangka de Maitreya, le Bouddha à venir.

Un mur à thangka (tibétain : göku tramsa ; ) est, dans certains grands monastères tibétains, une haute et étroite construction en maçonnerie de pierre, de plan rectangulaire et en forme d'écran, bâtie à flanc de colline et en position dominante, pour servir à la suspension et à l'exposition, en plein air, de thangkas monumentaux en soie fabriqués selon la technique de l'appliqué, comme lors de la fête de l'exposition du grand thangka du Bouddha au monastère de Tashilhunpo à Shigatsé ou de la fête de l'anniversaire de Bouddha (Saga Dawa) au monastère de Palcho à Gyantsé. Des structures similaires se rencontrent dans l'aire d'extension du bouddhisme vajrayāna.


Histoire.

D'après l"'Histoire ecclésiastique du peuple anglais" de Bède le Vénérable, qui s'appuie sur une hagiographie antérieure du moine irlandais Fursy, le roi des Angles de l'Est Sigeberht offre un terrain à Fursy pour y construire un monastère vers 630. Bède précise que. Le successeur de Sigeberht, Anna, dote encore davantage ce monastère en terres et en biens. Au bout de quelques années, peut-être vers 643, Fursy décide de se retirer du monde et confie Cnobheresburg à son frère Foillan. D'après la propre hagiographie de ce dernier, le monastère est pillé et détruit vers 650 ou 651 par les armées du roi païen Penda de Mercie, qui contraint Anna à l'exil. L'intervention d'Anna permet cependant à Foillan de s'échapper avec les reliques et les livres qui étaient conservés à Cnobheresburg. Il prend la mer et se réfugie à Péronne, où son frère Fursy est inhumé.

Localisation.

William Camden est le premier à proposer de situer le "Cnobheresburg" de Bède à Burgh Castle, un village du Norfolk, dans son ouvrage'(1586). Les ruines du fort romain qui s'y trouve pourraient correspondre au,'en latin, dont parle Bède. Cette identification est reprise par la plupart des historiens ultérieurs. Néanmoins, plusieurs détails suggèrent qu'elle n'est pas exacte. Quand il mentionne « la cité de Cnobhere », Bède parle d""', un terme qu'il n'utilise que pour des sites qui ne sont pas d'origine romaine. D'après l'historien Richard Hoggett, les fouilles menées à Burgh Castle par Charles Green entre 1958 et 1961 n'ont pas permis de trancher la question, malgré la découverte d'un cimetière chrétien datant de la période 650-800.

Cnobheresburg est un site monastique anglo-saxon du situé dans le royaume d'Est-Anglie. Il est couramment localisé à Burgh Castle, un village du Norfolk.


Biographie.

Yehuda Meir Guez est né dans un village du Nord-Ouest de la Tunisie en 1924. Son père était le rabbin Tsemah Guez (d'une famille originaire de Constantine en Algérie), et sa mère Simha Masouda descendait du Or ha-Ḥayyim. Il se marie en 1943 avec Sylvette Esther Guez (une parente éloignée).  Il est nommé rabbin de Souk El Arba en 1946. Parallèlement a ses fonctions de rabbin, il fait, par correspondance, des études de notaire.  Il quitte la Tunisie et monte en Israël en 1949, établissant son domicile dans le quartier Halisa de Haifa. Par la suite, il est nommé rabbin du Moshav Kerem Ben Zimra en haute Galilée, dont il sera un des fondateurs.  Il change son nom de Guez en Getz.  Bien que rabbin et père de famille, il demande a servir dans les Forces de défense d'Israël, atteignant le grade de lieutenant-colonel.  À la suite du décès de son fils Avner pendant la Guerre des Six Jours, il s'installe dans la Vieille ville de Jérusalem. Peu de temps après, il est nommé rabbin du Mur Occidental du Temple. Sa connaissance de nombreuses langues (hébreu, arabe, français, latin, yiddish, allemand, ladino, espéranto, roumain, italien et turc) lui facilite l'exercice de ses fonctions et les contacts avec des représentants étrangers et des touristes venant visiter le Mur Occidental.  Il reconstruit la Yeshivat haMekubalim Bet-El qui avait été abandonnée en 1948. Il dirigera lui-même cette Yechiva, de la reconstruction en 1973 jusqu’à son décès en 1995.  Le rabbin Getz encourage les fouilles archéologiques sur le Mont du Temple. En, le rabbin Getz et plusieurs collaborateurs ouvrent un tunnel sous le Mont du Temple, près de l'endroit où il croyait que l'Arche de l'Alliance du Temple de Salomon avait été cachée, directement au-dessous du Saint des Saints du Second Temple.  Le rabbin Getz est mort d'une crise cardiaque le. Il laisse son épouse et ses six enfants, et est enterré au cimetière juif du mont des Oliviers.

Le rabbin Yehuda Meir Getz, né le en Tunisie et mort le à Jérusalem, est un éminent rabbin et cabaliste israélien. Il était le rabbin du Mur occidental du Temple de Jérusalem.


Biographie.

Óscar Álvarez se forme à partir de 1989 à La Masia, le centre de formation du FC Barcelone. Il passe par toutes les équipes de jeunes avant de jouer avec le FC Barcelone C de 1995 à 1997. Il joue ensuite avec le FC Barcelone B de 1997 à 1999, en Segunda División B, puis en deuxième division. Il débute avec l'équipe première du Barça le 24 mars 1998 face à l'UE Lleida lors d'un match de la Copa Catalunya. C'est son seul match officiel avec le Barça.  En 1999, il rejoint le Real Oviedo en première division mais il ne joue que trois matches de championnat. Lors de la saison 2000-2001, il retourne à l'UE Lleida (D2) sous forme de prêt, où il joue 24 matches de championnat. Il retourne ensuite à Oviedo, relégué entretemps en D2, pour la saison 2001-2002, où il est titulaire (32 matches joués).  Lors de l'été 2002, il est recruté par le CD Tenerife (D2), où il reste trois saisons, sans parvenir à être titulaire. Puis, en 2005, il rejoint le Gimnàstic de Tarragona, qui parvient à monter en D1 au terme de la saison, mais Óscar joue peu (4 matches).  En 2006, il rejoint l'Orihuela CF (Segunda División B), où il reste jusqu'en 2008. Ensuite, en 2008, il est recruté par le Girona FC (D2), où il joue peu.  Il joue la saison 2010-2011 avec L'Hospitalet en Segunda División B. De 2011 à 2014, il joue avec l'UE Llagostera en Segunda División B. Lors de la saison 2013-2014, le club monte en D2. Il met alors un terme à sa carrière de joueur, et devient entraîneur.  Le bilan de la carrière d'Óscar Álvarez en championnat s'élève à 3 matchs en première division (0 but), 136 matchs en deuxième division (6 buts), et enfin 196 matchs en troisième division (6 buts).

Óscar Álvarez Sanjuán, né le 9 juin 1977 à Barcelone, est un footballeur espagnol qui jouait au poste de défenseur. Il est le fils de l'ancien joueur du FC Barcelone Quique Costas, et le frère du footballeur Quique Álvarez.


Avant la guerre.

Lewis Tappan Barney naît dans la ville de Brooklyn, New York le, fils d'un avocat New-Yorkais, Hiram Barney et sa femme Susannah A. Tappan. Grandissant avec ses cinq frères et sœurs, Barney devient un greffier d'hôtel et tente sa chance en tant que viticulteur.

Guerre de Sécession.

En 1862, la guerre de Sécession faisant rage depuis un an, Barney rejoint le 7th New York Militia Regiment (compagnie F),en tant que simple soldat pour une période de 90 jours de service. En octobre, il rejoint le 68th New York Infantry Regiment (compagnie G). À l'époque, le 68th Infantry fait partie du XI corps de l'armée du Potomac et, dans la brigade de Alexander Schimmelfennig, est affecté aux défenses de Washington. Un mois plus tard, Barney, qui est inscrit dans certaines listes en tant que "John Barney", est nommé premier lieutenant. Il est promu premier lieutenant le au sein du 68th New York Infantry.  Le, Barney est promu capitaine et affecté à l'état-major du Général Rufus Saxton. Il exerce en tant que adjudant général adjoint pour les forces stationnées en Caroline du Sud. Pendant l'été, On lui propose de devenir colonel du 106th New York Infantry Regiment, mais il refuse. Au lieu de cela, il tente de lever le 180th New York Infantry. Toutefois, le régiment ne parvient pas à atteindre l'effectif suffisant alors qu'il n'a seulement assez d'hommes pour une compagnie ; et, en, le régiment est dissout (ses hommes sont transférés au 179th New York Infantry). Le, alors âgé de 20 ans, il est breveté à la fois brigadier et major-général des volontaires des États-Unis pour « bravoure et services méritoires pendant la guerre ».

Après la guerre.

Après la guerre, Barney s'installe en Californie et se marie avec son épouse, Mary S. Fowler, en 1875. Il meurt à Inglewood, le ; et il est enterré dans le cimetière de Rosedale, à Los Angeles (maintenant cimetière d'Angelus-Rosedale).

Lewis Tappan Barney ( - ) est un officier de l'armée de l'Union de la guerre de Sécession. Né en 1844, il devient le plus jeune homme breveté brigadier général et major-général de la guerre.


Biographie.

Blom naît à Berne. Son père était danois et de descente britannique et sa mère Suisse. Il est éduqué en Suisse germanophone et plus tard en Angleterre. Il est en grande partie un autodidacte en musique. Il commence dans le journalisme musical, en aidant Rosa Newmarch à la rédaction des notes de programme des Proms du chef d'orchestre Henry Wood, remarquables par leur abondance leurs informations précises (1919–1926). Entre 1923 et 1931, il est correspondant musical à Londres, pour le "Manchester Guardian". De 1931 à 1946, il est au Birmingham Post". "Il retourne à Londres en 1949, en tant que critique musical pour "The Observer". Il prend sa retraite en tant que critique musical en chef de "The Observer" en 1953, mais y écrit chaque semaine jusqu'à sa mort.  Il est le rédacteur en chef de "Music & Letters", de 1937 à 1950 et à nouveau à partir de 1954 jusqu'à sa mort. Il se retire de ce poste en 1950, en raison du travail lié à la préparation du "Grove Dictionary," et n'y retourne en 1954, seulement en raison de la mort du propriétaire et rédacteur en chef, Richard Capell. En sa qualité de conseiller musical de la maison d'édition Dent, il est aussi l'éditeur de la collection "Master Musicians", dont il a écrit le « Mozart ». Il découvre un certain nombre de jeunes auteurs et leur donne l'opportunités d'écrire des biographies musicales.  Le premier ouvrage lexicographique d'Eric Blom était "Everyman's Dictionary of Music" (1947) [« "Dictionnaire de musique pour tout le monde" »], qui connut plusieurs éditions – et une révision en 1988, par D. Cummings sous le titre, "The New Everyman Dictionary of Music".  Il succède à H. C. Colles en tant que rédacteur en chef de "Grove's Dictionary," pour la (généralement appelée « Grove V »). Colles avait confiné le dictionnaire de cinq et six volumes pour Grove III et IV, respectivement (1927, 1940). Blom a étendu à neuf volumes le Grove V (1954). Outre ses responsabilités globales d'éditeur, Blom a personnellement écrit des centaines d'entrées, notamment l'article Arthur Sullivan. Il a également traduit plusieurs entrées par des contributeurs étrangers : il parlait couramment l'allemand, le danois, l'italien et le français aussi bien que l'anglais. Un volume de supplément est publié en 1961, après la mort de Blom, mais il avait fait la plupart des travaux. Son introduction et remerciements ont été conservés et il est crédité en tant que rédacteur, avec Denis Stevens en tant que rédacteur en chef adjoint. Sa propre biographie, écrite par Frank Howes (le critique musical en chef du "Times") est parue dans le volume supplémentaire. Le « Grove V » a été réédité en 1966, 1968, 1970, 1973 et 1975, restant l'édition standard du Grove, jusqu'à la parution du New Grove en 1980.  Blom était catégorique dans ses opinions. Il pouvait être bouillonnant avec ses favoris, en particulier Mozart et plus particulièrement ses opéras. Il a écrit que le "Peter Grimes" de Benjamin Britten était « tellement impressionnant et original que seuls les plus absurdes préjugés vont le garder hors des grandes maisons d'opéra étrangères ». De même, il n'a pas hésité à critiquer les compositeurs qu'il pensait moins intéressant et introduit certains de ses propres préjugés. Il était capable de manière unique des commentaires perspicaces sur des œuvres connues dans laquelle il détenait une opinion minoritaire ; par exemple, que la partie solo du Concerto pour Violon de Sibelius (même si l'œuvre est en fait l'une des plus populaires, fréquemment jouée et enregistrée parmi tous les concertos pour violon). Encore plus notoirement et avec beaucoup moins de perspicacité, il a écrit que Rachmaninoff. Harold C. Schonberg, critique du New York Times, qui n'est pas à l'abri de son propre snobisme, a répondu dans ses "Lives of the Great Composers" [« Vies des Grands Compositeurs »], avec une injustice tout aussi franche :.  Blom a traduit de nombreux documents pour le livre d'Otto Erich Deutsch, "Mozart: A Documentary Biography" (publié en 1965).  Il a aidé Gervase Hughes dans l'écriture de son livre "". En 1956, pour le bicentenaire Mozart, il a publié certains des lettres de Mozart traduites par Emily Anderson.  Il est décédé le et est inhumée au Golders Green Crematorium.

Eric Walter Blom CBE () est lexicographe, musicologue, critique musical, biographe musical et traducteur britannique, d'origine Suisse. Il est surtout connu comme l'éditeur de la du "Grove Dictionary of Music and Musicians" (1954).


Premières années de vie.

Ian Harvie est né le à Portland, dans le Maine. Harvie savait qu'il était transgenre à un âge très précoce, mais il n'avait pas pour autant exprimé son identité de genre à cette époque. Harvie a fait son coming-out queer à dix-neuf ans, et son CO transgenre à l'âge de trente-deux ans. Harvie a grandi à Beaver Pond, dans les zones rurales montagneuses de la ville de Bridgton (Maine), jusqu'à l'âge de douze ans. Il a deux frères plus âgés, Rob et Jeff. Ses premières influences concernant la comédie comprennent "The Carol Burnett Show", "Flip Wilson", "Rich Little", "Hee Haw", "Laugh-In", "Dean Martin, Celebrity Roast", et "Saturday Night Live".

Carrière d'humoriste.

Harvie a commencé sa carrière de comédie stand-up en, dans un petit club de Portland, dans le Maine. Trois mois plus tard, il a commencé à jouer au Sister Club de Boston, dans le Massachusetts. Harvie a déménagé à Los Angeles, en Californie, en. En, il a commencé à faire des tournées avec la célèbre comédienne Margaret Cho pour ses premières parties de spectacle. Cho a intégré Harvie comme membre permanent de sa revue burlesque, "Margaret Cho's The Sensuous Woman".  En, Harvie a commencé à produire et à héberger sa propre comédie/talk-show, "The Ian Harvie Show", au club de musique et de comédie de Los Angeles Largo. Le spectacle est dans un format similaire à d'autres talk-shows de soirée, mais avec des invités qui sont tous des LGBT, ou en lien avec la communauté LGBT. Les précédents invités du show comprennent Margaret Cho, Leslie Jordan, Jane Lynch, Alan Cumming, Jorja Fox, Suzanne Westenhoefer, de Kimberly Peirce, Rex Lee, Selene Luna, Jenny Shimizu, Buck Angel, Garrnison Starr, Sabrina Matthews, et Erin Foley.  D' à, Harvie a joué dans des clubs de théâtre du monde entier avec Margaret Cho. En 2007, il est apparu sur Logo TV dans le cadre du "Wisecrack Outlaugh Festival on Wisecrack". Il s'est produit sur Logo TV de nouveau en 2009, dans l'épisode 6 de "One Night Stand Up" et sur les séries télévisées de soirée de "ABC", "Comics Unleashed avec Byron Allen", dans la saison de 2009.  En, Harvie a commencé sa carrière solo en tête d'affiche. Son one-man show, "Parts Sold Separately", qui dispose d'humour sur le sexe et le genre, a été joué au Melbourne International Comedy Arts Festival de Melbourne, en Australie, en. En, Harvie a joué son nouveau spectacle solo "Balls OUT with Ian Harvie" au SF SketchFest de San Francisco, en Californie.  En, Harvie et ses collègues comédiens Felon O'Reilly et Amy Dresner ont lancé un groupe de comédie composé de trois personnes. Ils ont voyagé à travers les États-Unis avec leur show de comédie stand-up, "Laughs Without Liquorl": le "We Are Not Saints" tour. Le road-show et la tournée ont été filmés par le réalisateur et directeur Bobby R. Poirier avec une sortie qui avait été prévue pour l'été 2011.

Notes et références.

Autres :

Ian Harvie est un humoriste (stand-up) américain qui fait souvent référence au fait d'être un homme trans au cours de ses performances.


Carrière.

World Wrestling Entertainment (2015-2017).

WWE NXT (2015-2016).

Le, Jason Jordan qui n'a plus d'équipier depuis la dissolution de son alliance avec Tye Dillinger annonce avoir trouvé un nouveau partenaire : Chad Gable. Ils remportent leur premier match le face à Elias Samson et Steve Cutler. Ils participent au tournoi'où ils éliminent Neville et Solomon Crowe au premier tour le avant de se faire sortir en demi finale par Rhyno et Baron Corbin le au cours de '.  Le, ils deviennent challengers pour le championnat par équipe de la "NXT" après leur victoire face aux. Ils deviennent champion le avril au cours de "" en mettant fin au règne de.

Débuts à SmackDown et SmackDown Tag Team Champions (2016-2017).

Le 1er novembre à Smackdown, ils battent Spirit Squad et se qualifient pour le match des Survivor Series. Le à SmackDown, ils perdent contre The Wyatt Family (Bray Wyatt et Randy Orton) à cause d'une distraction de Luke Harper et ne deviennent pas les challengers numéro un au WWE SmackDown Tag Team Championship de Heath Slater et Rhyno lors de. Le à SmackDown, ils battent Breezango. Le à SmackDown, ils battent The Wyatt Family (Luke Harper et Randy Orton), The Usos et Heath Slater et Rhyno dans un Fatal Four Way Corner Elimination Match pour devenir pour la première fois WWE SmackDown Tag Team Champions. Le à SmackDown, ils battent Breezango. Le à SmackDown, ils conservent leurs titres contre contre The Wyatt Family (Bray Wyatt et Randy Orton). Le à SmaackDown, ils perdent avec Heath Slater, Rhyno, Fandango et Tyler Breeze contre The Usos, The Vaudevillains et The Ascension. Lors de Elimination Chamber, ils conservent leurs titres dans un Tag team Turnoil Match en battant The Usos et The Ascension. Le à SmakcDown, ils battent The Ascension. À la fin du match, ils se font confronter par The Usos. Le à SmackDown Live, ils battent Breezango à la fin du match, ils se font confronter par The Usos. Le à Smackdown, ils perdent contre The Usos.

Perte des titres et Rivalité avec The Colons (2017).

Le à Smackdown, ils perdent leurs titres contre The Usos. le à SmackDown, ils perdent contre The Usos et ne remportent pas les WWE SmackDown Tag Team Championship. À la fin du match, ils se font attaquer par The Shinning Stars. Le à SmackDown, ils perdent contre The Colons.

Séparation (2017).

Le à Raw, Kurt Angle annonce que son fils (storyline) Jason Jordan rejoint le roster de Raw, laissant Chad Gable à SmackDown, ce qui marque la fin de The American Alpha.

American Alpha était une équipe de catcheurs composée de Jason Jordan et Chad Gable. Ils travaillaient à la dans la division NXT puis ils travaillaient à la dans la division "". "American Alpha" se sépare lorsque Jason Jordan rejoint le show dirigé par son père Kurt Angle (RAW).


Renseignements personnels.

Robison est né à Athens, en Georgie, alors que ses parents étudiaient à l'Université de Georgie. Il est le fils de la poétesse Margaret Robison et de John G. Robison (1935–2005), ancien chef du département de philosophie de l'Université du Massachusetts à Amherst. Robison s'est marié trois fois et a un fils.  Il est le frère aîné d'Augusten Burroughs, qui a également écrit au sujet de son enfance dans le mémoire "Running with Scissors". Il a été diagnostiqué comme ayant le syndrome d'Asperger à l'âge de 40 ans.  En 2011, Robison a été mis en vedette dans un épisode de Ingenious Minds, qui traitait notamment de l'expérience de la stimulation magnétique transcrânienne qu'il a subi pour améliorer sa cognition sociale.

Livres.

Dans "Look Me in the Eye", Robison décrit sa vie quand il n'avait pas le diagnostic d'autisme, tout en sachant qu'il était différent, ainsi que la manière dont il a été diagnostiqué, pour la première fois, par un ami thérapeute quand il avait 40 ans. Après l'écriture de ce livre, Robison est devenu actif dans la planification de la recherche sur l'autisme, et dans la défense des droits dans l'autisme.  Robison est également l'auteur de "Be Different" (2011) un guide pour grandir en étant autiste ; Raising Cubby (2013) l'histoire de l'éducation de son fils autiste, et Switched On (2016) raconte l'histoire de sa participation en tant que sujet de recherche dans les études sur le cerveau à l'aide de la stimulation magnétique transcrânienne (TMS) au Beth Israel Deaconess Medical Center, un hôpital universitaire de l'École de médecine de Harvard.

Carrière.

Robison a appris seul les circuits électriques et les ondes sonores. Il a utilisé ses connaissances autodidactes pour concevoir des guitares pour le groupe de rock KISS et des jouets pour Milton Bradley.  Robison a fait fonctionner avec succès une voiture dans une boutique spécialisée. Il est le fondateur de J E Robison Service à Springfield, dans le Massachusetts. Le Robison Service fait partie du Bosch Car Service Center, spécialisé dans les services et la restauration de l'automobile haut de gamme européenne. Le Robison Service fait aussi partie du Springfield Automobile Complex, qui utilise le TCS Auto Program, une licence d'enseignement spéciale de haut niveau qui enseigne des compétences de vie dans le contexte d'un travail commercial de complexe auto. L'école est un partenariat avec Robison and Tri County Schools, une partie du Northeast Center for Youth and Families of Easthampton.

Défense des droits.

Robison milite pour le mouvement de défense des droits des personnes autistes. Il est membre d'Autism Speaks pour donner des avis consultatifs. Il a démissionné en 2013 à la suite d'un éditorial publié par Suzanne Wright, co-fondatrice d'Autism Speaks. Robison et d'autres membres de la communauté autistique ont critiqué Wright pour proclamer que les familles concernées par l'autisme vivent dans le "désespoir" et la "peur de l'avenir".  Depuis 2012, Robison fait des recherches sur la Neurodiversité au College of William & Mary de Williamsburg, en Virginie. Robison est également co-président du campus de comité de la neurodiversité, résidant au President’s office of diversity. Robison co-enseigne les cours sur la neurodiversité à Williamsburg et à Washington.  Depuis 2012, Robison a servi en tant que membre de l'Interagency Autism Coordinating Committee (IACC). Le Comité est responsable de la production du Plan pour l'Autisme pour le gouvernement américain, et du Résumé Annuel des Progrès dans la Recherche sur l'Autisme. Le comité établi un rapport au secrétaire de la santé et des services à la personne, qui supervise des programmes relatifs à l'autisme. L'IACC coordonne également ces efforts avec d'autres organismes gouvernementaux, notamment la sécurité sociale, la défense et l'éducation.  Au sein de l'IACC et d'autres comités du gouvernement, Robison est connu pour sa position que les avis des personnes autistes doivent être pris en considération dans la définition des objectifs de la recherche sur l'autisme.

John Elder Robison (né le ) est l'auteur de "Look Me in the Eye", mémoire sorti en 2007 qui relate sa vie quand il n'était pas encore diagnostiqué comme ayant le syndrome d'Asperger et le syndrome du savant, et de trois autres livres. Robison a eu plusieurs carrières. Dans les années 1970, il a travaillé comme ingénieur dans le secteur de la musique, où il est surtout connu pour la création de la signature des effets spéciaux de guitares jouées par le groupe KISS. Dans les années 1980 Robison a travaillé pour les fabricants de produits électroniques de Milton Bradley (jeux électroniques), Simplex (alarmes d'incendie et contrôle de la construction), et ISOREG (alimentation de systèmes de climatisation). Robison a écrit son premier livre à l'âge de 49 ans.


Création à Léningrad de la symphonie no 7 de Chostakovitch

Composition et diffusion de la symphonie.

Le compositeur Dmitri Chostakovitch (1906–1975) termine sa "Symphonie " le 27 décembre 1941 et la dédie à sa ville natale, attaquée depuis seize semaines. Léningrad est assiégée pendant 900 jours par l'Allemagne nazie, et environ un tiers de la population urbaine d'avant-guerre est tuée.  Chostakovitch prévoyait que la création de la symphonie reviendrait à la Philharmonie de Léningrad, mais l'ensemble est évacué à Novossibirsk dans le cadre de l'exode culturel ordonné par le gouvernement. La première mondiale est donc donnée à Kouïbychev le 5 mars 1942, interprétée par l'Orchestre du théâtre Bolchoï sous la direction du chef d'orchestre Samuel Samossoud. La création moscovite est réalisée par la réunion de l’Orchestre du Bolchoï et de l'Orchestre symphonique de la Radio de Moscou, le 29 mars, dans le péristyle de la Maison des syndicats.  La partition de la symphonie, microfilmée, s'envole pour Téhéran en avril, afin de permettre sa publication à l'Ouest. Elle est créée à la radio, en Europe de l'Ouest, le 22 juin, dans l'interprétation de Sir Henry Wood et du London Philharmonic Orchestra, et en création publique lors d'un concert des Proms de Londres, au Royal Albert Hall, le 29 juin. La première américaine est diffusée à partir de New York, le 19 juillet 1942, par l'Orchestre symphonique de la NBC placé sous la direction d'Arturo Toscanini.

Préparation.

L'Orchestre symphonique de la Radio de Léningrad est le seul ensemble symphonique restant à Léningrad, après l'évacuation de la Philharmonie. La dernière représentation de l'Orchestre symphonique de la Radio de Léningrad a lieu le 14 décembre 1941 et sa dernière diffusion le janvier 1942. Une note du journal de planification des répétitions, mentionne :.  Le 2 avril 1942, Boris Zagorsky et Yasha Babushkin, du Département des arts de Léningrad, annoncent les préparatifs pour l'exécution de la symphonie. La diffusion des émissions musicales radiophoniques, qui avait été interrompue, est rapidement rétablie par Andreï Jdanov, un homme politique soviétique impliqué dans la défense de Léningrad, afin de permettre les répétitions et de contribuer à redonner le moral aux habitants de la ville. L'exécution de la symphonie. Selon un membre de l'orchestre,. L'événement musical a été considéré comme un acte politique important en raison de sa valeur potentielle de propagande.  Des 40 membres d'origine de l'Orchestre symphonique de la Radio de Léningrad, seuls 14 ou 15 vivaient encore dans la ville ; les autres sont, soit morts de faim, soit enrôlés pour combattre l'ennemi. La "Septième Symphonie" de Chostakovitch requiert un orchestre élargi de cent musiciens, ce qui signifie que le reste des effectifs est largement insuffisant. Carl Eliasberg, au moment d'être traité de « dystrophie », fait du porte-à-porte à la recherche de musiciens n'ayant pas répondu à l'annonce du remontage de l'orchestre, en raison de la famine ou de leur faiblesse. rappelle l'un des organisateurs.. Un avion, transportant des fournitures de Kouïbychev à Léningrad, a livré la partition de direction de la symphonie et comprenant 252 pages.  La première répétition, en mars 1942, est destinée à durer trois heures, mais elle s'arrête après quinze minutes, parce que les trente musiciens présents sont trop faibles pour jouer de leur instrument. Souvent, ils s'effondrent au cours des répétitions, en particulier ceux qui jouent les cuivres. Eliasberg lui-même doit être traîné aux répétitions sur une luge et, finalement, est déplacé par les élus communistes dans un appartement à proximité et un vélo lui est fourni pour le transport. Ses premières tentatives de direction le font apparaître comme un. Un rapport de Babushkin note que. Les musiciens de l'orchestre reçoivent un supplément de nourriture (donnée par des civils amateurs de musique) dans un effort pour lutter contre la famine ; et des briques chaudes sont utilisées pour diffuser de la chaleur ; néanmoins, trois artistes sont morts pendant les répétitions. Des affiches placardées dans la ville demandent à tous les musiciens de se mettre en rapport avec le comité de la radio pour l'incorporation dans l'orchestre. Des musiciens sont également rappelés du front ou réaffectés à des ensembles militaires, avec le soutien du commandant du front de Léningrad, Leonid Govorov.  En plus de la "Septième Symphonie", l'orchestre de fortune répète également les traditionnelles œuvres symphoniques de Beethoven, Tchaïkovski et Rimski-Korsakov. Un concert d'extraits de Tchaïkovski a lieu le 5 avril. Certains instrumentistes protestent contre la décision d'interpréter la "Symphonie" de Chostakovitch, ne voulant pas dépenser leur peu de force sur une œuvre. Eliasberg menace de résilier le supplément de nourriture et réprime toute dissidence. Pendant les répétitions, Eliasberg est critiqué pour la dureté de son comportement : des musiciens absents aux répétitions, en retard, ou ne correspondant pas aux attentes, perdent leurs rations. Un artiste perd ses rations parce que, assistant à l'enterrement de sa femme, il est en retard pour la répétition. Bien que certaines sources suggèrent qu'une équipe de copistes est employée, selon d'autres sources, chaque musicien a copié à la main sa partie à partir de la partition.  Les répétitions se tiennent six jours par semaine au Théâtre Pouchkine, généralement de dix heures du matin à une heure de l'après-midi. Elles sont fréquemment interrompues par les sirènes des raids aériens et quelques musiciens sont tenus de prendre leur fonction de lutte anti-aérienne, ou de lutte contre l'incendie. Pour leur permettre d'assister aux répétitions, les membres de l'orchestre sont pourvus de cartes d'identité à montrer aux points de contrôle. Les membres de l'orchestre militaire (et quelques troupes ordinaires) sont dépêchés aux répétitions pour compléter les instrumentistes. Les répétitions sont déplacées vers la Salle de la Philharmonie en juin, et à la fin de juillet, elles sont augmentées de 5 à 6 heures par jour. Les instruments, en mauvais état, trouvent peu de luthiers ou réparateurs disponibles ; un hautboïste propose un chat en échange d'une réparation, alors que l’artisan, affamé, en avait déjà mangé plusieurs.  L'orchestre ne joue la symphonie de bout en bout qu'une seule fois avant la première, lors de la répétition générale, le 6 août.

Exécution.

Le concert est donné dans la grande salle de la Philharmonie le 9 août 1942. C'est le jour désigné par Hitler pour célébrer la chute de la ville, avec un somptueux banquet à l'Hôtel Astoria de Léningrad. Le concert est précédé d'un pré-enregistrement à l'intention de la radio par Eliasberg, diffusé à 16 heures.  Le Lieutenant-Général Govorov commande un bombardement des positions de l'artillerie allemande avant le concert, dans une opération spéciale, avec le nom de code « Bourrasque ». Les agents du renseignement soviétique avaient localisé les batteries allemandes et les postes d'observation depuis plusieurs semaines, en préparation de l'attaque. Trois mille obus de fort calibre sont lancés sur l'ennemi. Le but de l'opération est d'empêcher les Allemands de cibler la salle de concert et de s'assurer qu'ils seraient assez silencieux pour laisser entendre la musique sur les haut-parleurs, dont la mise en place avait été ordonnée. Il a aussi encouragé les soldats soviétiques à écouter le concert à la radio. Ultérieurement, le musicologue Andrei Krukov a fait l'éloge des actions d'« incitation » de Govorov pour le concert, ajoutant que son choix de permettre aux soldats de participer était. Govorov lui-même a fait remarquer plus tard à Eliasberg que, faisant allusion aux tirs d'artillerie. La contribution militaire, dans l'histoire, reste peu connue et ce, bien après la fin de la guerre.  Un public important se rassemble pour le concert, composé de chefs du Parti, de militaires et de civils. Les citoyens de Léningrad, qui ne peuvent pas tous tenir dans la salle, sont rassemblés autour des fenêtres ouvertes et de haut-parleurs. Les musiciens sur scène sont, avec plusieurs couches de vêtements pour éviter les frissons induits par la famine. Peu de temps avant le début du concert, les lustres électriques au-dessus de la scène sont allumés pour la première fois depuis le début des répétitions. Dès que la salle fait silence, Eliasberg lance l'orchestre. L'exécution est de mauvaise qualité artistique, mais est marquée par les houles d'émotions du public, notamment dans le "finale", lorsque certains musiciens chancellent en raison de l'épuisement : le public se lève.  Le concert reçoit une ovation d'une heure, debout, Eliasberg recevant un bouquet de fleurs cultivées à Léningrad remis par une jeune fille. De nombreux auditeurs sont en larmes, en raison de l'impact émotionnel du concert, considéré comme une. Les musiciens sont invités à un banquet pour célébrer l'événement, avec les responsables du Parti.  Pendant le concert, les haut-parleurs diffusent la musique à travers la ville, ainsi qu'à destination des forces allemandes dans un mouvement de guerre psychologique, une. Un soldat allemand s'est rappelé que son escadron a. Eliasberg, quelque temps après, raconte que certains Allemands qui campaient à l'extérieur de Léningrad pendant le concert lui ont dit qu'ils avaient cru qu'ils ne pourraient jamais s'emparer de la ville :.

Réception.

Le spécialiste de la musique de Chostakovitch, Laurel Fay, suggère que ce concert était. Le journaliste Michael Tumely l'appelle. Le critique américain, Dhuga, estime que ce concert. Le blocus a été brisé au début de 1943 et s'est terminé en 1944. Eliasberg, en accord avec l'évaluation de Dhuga, disait que « toute la ville a trouvé son humanité... à ce moment, nous avons triomphé de l'inhumaine machine de guerre nazie ». Cependant, il n'y a pas de reconnaissance officielle de l'importance du concert : un musicien a noté que par la suite.  La "Symphonie" de Chostakovitch a été populaire en Occident pendant la guerre, mais à partir de 1945, elle est rarement donnée en dehors de l'Union soviétique. Elle est devenue un sujet de controverse dans les années 1980, après la parution de "Testimony" de Solomon Volkov qui laisse entendre qu'elle était une critique non pas des Nazis, mais du gouvernement soviétique. La véracité de l'explication de Volkov, dont il affirme qu'elle est enracinée dans des entretiens avec Chostakovitch, a été débattue. D'autres points de désaccord subsistent à propos de la symphonie, à savoir : si elle a été inspirée par l'attaque de Léningrad (comme les autorités soviétiques et les explications officielles l'avaient affirmé) ou prévue plus tôt et réorientée pour la propagande? de même que sur son mérite artistique, comparé à d'autres œuvres de Chostakovitch.

Postérité.

La création de la "Symphonie" de Chostakovitch fait d'Eliasberg un « héros de la ville ». Peu de temps après le concert, il épouse Nina Bronnikova, qui avait joué la partie de piano. Mais une fois que le siège est terminé et que l’Orchestre philharmonique retourne à Léningrad, il tombe en disgrâce. Le chef d'orchestre titulaire de l’Orchestre philharmonique de Léningrad, Ievgueni Mravinski, le met à la porte en 1950, parce qu’envieux de la popularité d'Eliasberg. Celui-ci était « pauvre et largement oublié » à sa mort en 1978. Cependant, pour le cinquantenaire de la première, ses restes ont été transférés à la prestigieuse Volkovskoye ou cimetière Alexandre Nevski ; résultat d'une campagne par l'archiviste de l'orchestre Galina Retrovskaya, le chef d'orchestre Iouri Temirkanov et le maire de Saint-Pétersbourg Anatoli Sobtchak. Sarah Quigley a romancé la carrière d'Eliasberg pendant la guerre, dans son roman historique "The Conductor", traduit en français sous le titre de "La Symphonie de Léningrad".  Les artistes survivants ont participé à des concerts de retrouvailles en 1964 et 1992, jouant « dans les mêmes places dans la même salle ». Chostakovitch a assisté au premier concert, le 27 janvier 1964. Vingt-deux musiciens et Eliasberg ont joué la "Symphonie", alors que des instruments ont été placés sur les autres chaises pour représenter les participants qui avaient trouvé la mort depuis la première exécution. Le concert de 1992 met en vedette les 14 survivants. Le concert de 1942 a également été commémoré dans le film de 1997,, un documentaire de Larry Weinstein centré sur la période de la vie du compositeur entre 1936 et 1945. Un autre documentaire allemand de Carsten Gutschmidt et Christian Frey, (2017, 90 min) est diffusé sur Arte le 27 février 2018. Un petit musée est dédié à l'événement à l'école de Saint-Pétersbourg, et comprend une statue de Chostakovitch et des artefacts du concert.

La création à Léningrad de la "Symphonie " de Chostakovitch a lieu le, pendant la Seconde Guerre mondiale, durant le siège de cette ville par les forces armées de l'Allemagne nazie.