Badaro, le "village" de Beyrouth.

Badaro est un quartier attrayant de Beyrouth, avec des rues arborées aux trottoirs dégagés, agréables pour se promener le soir comme le jour, qualité que Badaro ne partage qu'avec la région de Solidere, mais avec plus d'âme et d'authenticité. En raison de l'animation de ses cafés, sa fréquentation plutôt jeune et "bobo", ses espaces verts et sa taille humaine le quartier est comme un village dans Beyrouth qui rappelle un peu Saint-Germain-des-Prés. Badaro bénéficie de la proximité des deux plus grands espaces verts de la capitale : un parc public de 35 hectares (la forêt de pins de Beyrouth) et un îlot de 30 hectares qui comprend l'hippodrome de Beyrouth et le parc de la résidence des pins. En face du musée, le petit square où se trouve la tombe du soldat inconnu est remarquable par sa colonnade à chapiteaux d'époque romaine et ses mosaïques byzantines. Le quartier est à échelle humaine avec de petites épiceries à chaque coin de rue. Les résidents, un mélange de vieille bourgeoisie chrétienne désargentée, de "quadras" style bohème et de professionnels urbains bien établis, sont fidèles aux épiceries et pâtisseries du quartier. En raison de la floraison de nombreux cafés, pubs et bars à partir du début de 2014, Badaro est devenue un des quartiers les plus "tendance" de Beyrouth mais les vieux Beyrouthins se souviennent que Badaro était déjà un quartier branché dans les années soixante et soixante-dix.. Dans chaque recoin on trouve restaurants, pubs et cafés-terrasses de presque tous les styles. À de nombreux endroits, il y a des snacks (beaucoup de fours à Manakishs et quelques sandwicheries) très abordables et l'on peut savourer son repas sur le trottoir. Il y a aussi quelques restaurants haut de gamme bien connus. Badaro est également le quartier où l'on retrouve l'un des meilleurs hôtels de Beyrouth, le Smallville, avec son emplacement unique à côté du musée national de Beyrouth et sa décoration de style design. La zone du musée et de la rue de Damas à Badaro est le «Petit Paris» de Beyrouth car on y trouve la plupart des institutions françaises de Beyrouth comme certaines facultés de l'Université Saint Joseph, l'ambassade et le consulat de France, le Lycée Français et la résidence de l'ambassadeur de France, un palais exceptionnel du connu sous le nom "La résidence des pins ".

Histoire.

Selon une version largement répandue, l'émir Fakhreddine, souverain de la Principauté du Liban, aurait planté des pins au pour arrêter l'avancement des sables au sud de la ville de Beyrouth dans une zone habitée par des chrétiens et des druzes. En réalité, des chroniqueurs bien antérieurs font état d'une forêt de pins parasols qui s'étendait de la mer jusqu'à la frontière nord de Badaro. Au Guillaume de Tyr la nomme la "Pinée" ou la "Sapinoie". Au milieu du, la rue principale a reçu son nom de Habib Badaro, un riche industriel qui avait établi ses fabriques de textiles dans le secteur. La construction du quartier résidentiel a été planifiée au sortir de la Deuxième Guerre mondiale dans le cadre du plan d'urbanisation de Beyrouth de l'urbaniste Michel Ecochard, le long de la frontière orientale du parc public appelé bois de Beyrouth, dans la pinède appelée Horsh Kfoury, du nom de la principale famille propriétaire des terrains. La démographie de Badaro a été radicalement transformée dans les années 1960 lorsque de riches familles chrétiennes syriennes d'Alep et de Damas ont fui leur pays craignant les lois d'arabisation et de nationalisation. Beaucoup d'entre elles se sont installées dans Badaro, ce qui a valu au quartier de porter le sobriquet de "quartier des Wakh Wakh" tiré d'une expression étrange et purement alépine. Badaro a connu dès lors un essor immobilier accompagné de la destruction progressive de sa forêt de pins. La plupart des bâtiments ont été construits dans les années 1960 et 1970 dans un style post-moderne à pilotis, parfois ornementés de mosaïques à motifs contemporains. Certains immeubles sont l'œuvre d'architectes renommés du milieu du siècle, dont Jean Royère en association avec Nadim Majdalani. Pendant la guerre civile libanaise de 1975-1990, Badaro était un des quartiers chrétiens de la ligne de démarcation, ce qui a provoqué l'exode de l'essentiel de sa population vers l'Europe ou des régions plus sûres du Liban. La nostalgie de la douceur de vivre du Badaro cosmopolite des années 1950 et 1960 ressort des œuvres de l'écrivain français Richard Millet qui y raconte le Badaro de son enfance : «La rue Badaro est une forêt enchantée, chaque pas y suscite quelque chose d'enfoui (...)»

Écoles et églises.

La région de Badaro abrite de nombreuses écoles et églises de différents rites. Sur la rue de Damas, face à l'hôtel Smallville, se trouve le très agréable patriarcat Syrien-Catholique, un beau palais entouré d'un jardin paisible. De l'autre côté du boulevard Pierre Gemayel, à la limite nord du quartier, se dresse la cathédrale des Syriens Catholiques toute en pierres blanches. Au-delà du Musée de Beyrouth sur la rue de Damas et à côté de l'ambassade française, on peut admirer le palais épiscopal Grec-Catholique Melkite de Beyrouth qui a été complètement reconstruit après la guerre civile de 1975-1990 avec la même pierre de sable jaune originelle. L'église du Sacré-Cœur, maronite, est un bâtiment moderne situé au nord-ouest de l'avenue Sami el Solh tandis qu'une autre église maronite, Notre-Dame de Lourdes, se situe de l'autre côté de l'avenue Sami el Solh, au sud-est. Elle est principalement fréquentée par des fidèles venus de la banlieue chrétienne voisine de Ain el Remmaneh. Sur la rue Henry Chehab, la célèbre église Notre-Dame-des-Anges, catholique de rite latin a une très belle façade moderne en mosaïques. La messe y est le plus souvent dite en français. C'est une réminiscence de la période d'avant-guerre civile, lorsque Badaro était le quartier de prédilection des nombreux ressortissants français installés au Liban. De l'autre côté de la rue Badaro, l'une des rares églises protestantes (Baptiste) du pays est fréquentée principalement par la très petite communauté évangélique libanaise. Le dimanche à midi, l'église est réservée à la communauté évangélique noire immigrée, en particulier des protestants éthiopiens avec des chants et de la musiques aux sonorités très afro-américaines. De même, la messe du dimanche du beau couvent des sœurs franciscaines adjacent à l'hippodrome est réservée au rite orthodoxe éthiopien et aux centaines de femmes Éthiopiennes, essentiellement des travailleuses domestiques. La scène, avec ses chants et ses prières en amharique, qui peut être vue à partir de la rue, est tout à fait fascinante, surtout que ces fidèles orthodoxes "Tewahedo" sont entièrement voilées de blanc (la shemma) comme les femmes musulmanes. La rue du musée, parallèle à la rue Badaro et adjacente à l'Hippodrome, abrite quatre écoles : le Collège Louise Wegman, école laïque fréquentée par les enfants de la haute bourgeoisie libanaise tant chrétienne que musulmane, le collège du Saint-Sauveur qui est associé au collège des Jésuites de Notre-Dame de Jamhour, le lycée du Musée dépendant du patriarcat Syrien-Catholique et l'école des sœurs franciscaines. De l'autre côté de Sami el Solh, l'église semi-tubulaire "Notre-Dame" du Collège des Frères de la Salle domine l'avenue.

Économie.

En plus de ses dizaines de cafés, bars et restaurants, les principales attractions de Badaro sont ses deux remarquables musées (le Musée national de Beyrouth et le Musée des minéraux de Beyrouth), le Bois des Pins de 35 hectares où les Beyrouthins, principalement les habitants des quartiers limitrophes, s’adonnent au jogging ou à la ballade et l'hippodrome de Beyrouth. Badaro est aussi l'un des principaux quartiers d'affaires de Beyrouth ; De nombreux sièges sociaux sont situés sur Sami el Solh et le boulevard Pierre Gemayel à la limite nord du quartier a vu émerger de nombreuses tours de bureaux, dont certaines abritent les sièges sociaux de grandes banques du pays. Mais Badaro est avant tout le cœur battant de l'activité judiciaire du pays puisqu'on y trouve le palais de justice de Beyrouth, le ministère de la justice, le tribunal militaire, le siège de l'ordre des avocats et la grande majorité des bureaux d'avocats du pays. Le quartier est fréquenté par les résidents, les flâneurs du jour, les fêtards du soir, les employés des bureaux et cabinets d'avocats et de nombreux expatriés. Au sortir de la guerre civile de 1975-1990, le quartier a mis de longues années à sortir de sa torpeur surtout le soir après la sortie des bureaux.  À partir de 2014, notamment à la suite des travaux d'infrastructure effectués par la municipalité de Beyrouth (trottoirs, chaussés, éclairage public...), la multiplication de commerces, de restaurants et de bars-trottoirs ouverts tard le soir, le quartier est animé de jour comme de nuit. Contrairement à d'autres quartiers de Beyrouth tels que Gemmayzeh ou Mar Mikhael, la renaissance de Badaro n'est pas un processus de "gentrification"; Le quartier, depuis le milieu du siècle dernier, est demeuré un quartier bourgeois discret, en partie du fait de son histoire, la vieille bourgeoisie chrétienne originaire de Syrie ayant une réputation de discrétion qui contraste avec le goût libanais pour l'ostentation et l'étalage des signes de richesse.  Cette animation, en plus de la présence de postes de gardes municipaux fixes, en fait désormais un des quartiers les plus sûrs de Beyrouth, ce qui est très apprécié des résidents. Dans le même temps, Badaro n'est pas un parc d'attractions et les gens qui y vivent sont généralement assez calmes, et ne peuvent pas être en vacances perpétuelles. Heureusement, les pubs et les cafés sont soucieux d'éviter les nuisances excessives et leurs clients sont plutôt respectueux du voisinage. Le dimanche, le quartier prend des allures de petit Harlem car il devient le lieu de rendez-vous des immigrés éthiopiens (principalement des femmes) qui s'y retrouvent pour assister à la messe et faire leurs courses dans des petites échoppes spécialisées (coiffeurs afro, boutiques d'accessoires et d'habits, alimentation..)  À l’extrême sud-ouest de Badaro, le secteur de l'hôpital militaire est une véritable enclave. Il regroupe une caserne, un hôpital, des commerces, des pharmacies et des coopératives, réservés aux membres des forces de l'ordre et de l'armée et à leurs familles, les habitants locaux et les touristes peuvent aussi venir faire leur courses dans ces commerces et coopératives, les touristes sont bien accueillis et aidés.  Les familles de militaires venues de toutes les régions du Liban, généralement pauvres, viennent se faire soigner gratuitement et acheter à bon compte. Si la présence de militaires armés peut sembler intimidante, il n'est pas interdit d'y pénétrer pour découvrir une foule totalement différente de celle du quartier environnant.

Badaro est un quartier résidentiel principalement chrétien mais aussi un centre d'affaires au cœur de Beyrouth. Le quartier est approximativement délimité par le boulevard Pierre Gemayel (corniche du fleuve) au nord, l'hippodrome à l'ouest, l'avenue Sami el Solh à l'est, le bois des pins de Beyrouth au sud-est et le rond-point Tayyouneh au sud. L'appellation administrative du quartier est Secteur du Parc ou Secteur Horsh, qui comprend, en plus de la partie urbanisée, la forêt de pins de Beyrouth, l'hippodrome et la Résidence des Pins.


Contexte.

La défaite de Little Crow lors de la guerre des Sioux de 1862 a abouti à une dispersion étendue des sioux Santee (ou Dakotas orientaux). Plus de et autres Sioux se rassemblent lors de l'été 1863 dans un grand campement situé de nos jours dans le comté de Kidder, Dakota du Nord.  En juin et juillet 1863, le brigadier général Henry Hastings Sibley mène une expédition militaire punitive contre les Santees. Sibley a. Le, Sibley trouve le campement des Sioux et la bataille de Big Mound s'ensuit. Les Sioux se retirent du champ de bataille, les guerriers menant des combats d'arrière garde pour protéger leurs familles sur environ vingt kilomètres. Alors que les familles continuent de fuir pour être en sureté derrière le fleuve Missouri, les guerriers s'arrêtent à Dead Buffalo Lake, à environ trois kilomètres au nord-ouest de ce qui est de nos jours Dawson (Dakota du Nord) pour attendre l'avance de Sibley.  Beaucoup de Santees commandés par leur chef Standing Buffalo sont des combattants réticents et semblent avoir évité d'autres combats en fuyant vers le nord-ouest et finalement au Canada, plutôt que de s'être arrêtés à Dead Buffalo Lake. Le reste des Santees, Yanktons, et Yanktonais qui ont perdu leur chef le plus connu, sont rejoints par 650 guerriers Lakotas (Hunkpapa et ). Cela fait croître le nombre de guerriers amérindiens à plus de selon une estimation. Sitting Bull est parmi les renforts Tetons.

Bataille.

Silbley est en route pour Dead Buffalo Lake le et vers midi campe près des rives du petit lac. Des cavaliers sioux apparaissent brièvement sur les collines entourant le lac et le camp de Sibley, présageant une attaque. Sibley fait avancer son artillerie, deux compagnies d'infanterie, et ses pionniers sur une position à environ cinq cent cinquante mètres devant son camp et ouvre le feu à longue distance sur les Amérindiens. Les Amérindiens se mettent à une distance de sécurité.  L'objectif des Sioux semble être la capture du train de ravitaillement de l'armée, avec ses chevaux et ses mules, et d'immobiliser Sibley. Ils tentent un premier assaut sur le flanc gauche de Sibley, mais sont mis en échec par une compagnie de "mounted rangers" et deux compagnies d'infanterie. Les Amérindiens disparaissent alors dans les collines. Plusieurs muletiers dans le camp de Sibley pensent que le combat est terminé et sortent le bétail en dehors de la ligne de défense pour le faire brouter. Les Sioux réapparaissent sur le flanc droit et font une nouvelle tentative pour capturer le stock, mais sont repoussés après un bref combat au corps à corps avec deux compagnies de cavalerie et six compagnies d'infanterie. Sitting Bull, armé seulement d'un fouet, est réputé avoir pris l'ascendant sur un muletier et avoir capturé sa mule. Échouant à atteindre leur objectif qui est de capture la plupart des mules et des chevaux, les Amérindiens se retirent alors du champ de bataille et la bataille se termine.  Un soldat est tué. Les soldats estiment avoir tués 15 Sioux. Le nombre de combattants amérindiens et les pertes amérindiennes sont souvent surestimés par l'armée.

Conséquences.

Sibley continue sa poursuite des Sioux le lendemain, tentant de les prendre avant qu'ils ne puissent traverser le fleuve Missouri. Le, il les engage une nouvelle fois lors de la bataille de Stony Lake.

La bataille de Dead Buffalo Lake est une escarmouche qui s'est déroulée en juillet 1863 dans le territoire du Dakota entre les forces de l'armée des États-Unis et les Sioux Santee, Yankton, Yanktonai et Teton. Les indiens tentent de capturer un train de ravitaillement de l'armée et se retirent lorsqu'ils constatent qu'ils n'y parviendront pas.


Histoire.

Fabriquée en Corée pour un coût de, la cloche est offerte en 1976 par la République de Corée au peuple américain dans le cadre des célébrations du bicentenaire de l'indépendance des États-Unis ; elle symbolise l'amitié entre les deux nations et commémore les vétérans de la guerre de Corée. L'offrande est coordonnée par Philip Ahn, un acteur américain d'origine coréenne. La Cloche de l'amitié est inaugurée le 3 octobre 1976 et est classée Monument historique-culturel de Los Angeles 187 le 3 mai 1978.  La Cloche de l'amitié est conçue d'après la cloche du Roi Seongdeok (également appelée ), moulée en l'an 771 pour le temple Bongdeok et aujourd'hui hébergée au Musée national de Gyeongju. La cloche Emille et la Cloche coréenne de l'amitié figurent parmi les plus grosses cloches du monde.  De septembre à décembre 2013 a lieu une restauration complète de la cloche et du beffroi, dont les frais () sont intégralement pris en charge par le. Le monument est ensuite réinauguré par la Ville de Los Angeles lors d'une cérémonie publique tenue le 10 janvier 2014.

Description.

La cloche de l'amitié est faite de plus de 17 tonnes de cuivre et d'étain, ainsi que d'or, de nickel et de plomb. Du phosphore est également ajouté à l'alliage afin d'améliorer la qualité du son de la cloche. D'un diamètre de, la cloche a une épaisseur moyenne de et une hauteur de. Sa face extérieure est ornée de décorations en relief présentant quatre paires d'illustrations, chacune comprenant une « Déesse de la liberté » (quelque peu semblable à la Statue de la Liberté) ainsi qu'une "Seonnyeo" (une allégorie spirituelle coréenne) tenant un symbole national coréen : un, une branche de rose de Sharon, une branche de laurier, symbole de la victoire, et une colombe, symbole de la paix.  Le pavillon qui abrite la tour, nommé « Beffroi de l'amitié », a été construit par une trentaine d'artisans coréens sur une période de dix mois pour un coût de. De style traditionnel coréen, il est axialement symétrique et comporte un toit pyramidal porté par 12 colonnes représentant les 12 signes du zodiaque coréen, chaque colonne étant ornée d'un animal sculpté. Le toit et la charpente du kiosque sont recouverts de motifs de peinture dont la couleur dominante est le "", un teint apparenté au bleu-vert.

Alentours.

Aux abords de l'allée menant au Beffroi de l'amitié se trouvent plusieurs arbres, dont un planté par le président sud-coréen Chun Doo-hwan lors de sa première visite officielle aux États-Unis le 29 janvier 1981, et un autre planté en souvenir de la visite du Premier ministre à Los Angeles le 12 novembre 2001.  Le site surplombe l'océan Pacifique.

Utilisation.

Depuis 2010, la cloche est sonnée cinq fois par an : le Jour de l'an, le jour américano-coréen (13 janvier), le Jour de l'Indépendance des États-Unis (4 juillet), le Journée nationale de la libération de Corée (15 août), ainsi que le (17 septembre). Elle est également sonnée le 11 septembre 2002 lors des commémorations des attentats terroristes du 11 septembre 2001. La cloche de l'amitié ne possède pas de battant ; elle doit donc être frappée à l'aide d'un rondin de bois suspendu par des chaînes au plafond du kiosque.

Dans la culture.

Le Beffroi de l'amitié apparaît dans deux scènes du film "Usual Suspects".  La chanteuse américaine Lana Del Rey et le rappeur coréen Zico ont tous deux tourné un clip aux alentours de la Cloche de l'amitié.

La Cloche coréenne de l'amitié (en anglais : "Korean Bell of Friendship" ou simplement "Korean Friendship Bell" ; en coréen : 우정의 종) est une importante cloche en bronze située au Angel's Gate Park, dans le quartier de San Pedro, à Los Angeles. Elle est abritée sous un kiosque en pierre situé à l'angle de Gaffey Street et de la, dans une section du parc baptisée « Parc de la paix américano-coréenne » et occupant le site de l'ancienne réserve haute du Fort MacArthur.


Histoire.

Au cours de la Seconde Guerre mondiale, le, l'armée soviétique est entré dans le village et a assassiné de 59 soldats polonais. Cet événement est appelé «Petite Katyn». D'autres soldats ont été tués dans les combats dans et autour de Grabowiec-Góra - En 1989, il a érigé un monument commémorant ces combats.
 Le, les premières troupes allemandes entrent dans le village. Pendant l'occupation allemande, il y avait dans le village un ghetto, qui a fonctionné jusqu'en 1942, où les villageois ont été déportés vers le camp d'extermination de Sobibor. Pendant la guerre, le village a été détruit et brûlé.
 En 1943, il y eut une action d'expulsion, à la suite, il ne restait dans Grabowiec que seulement quelques familles. Les personnes déplacées ont été regroupées dans un camp de transit à Zamosc.
 Dans la nuit 27 au, une unité de l'Armia Krajowa, sous le commandement de Joseph Laughter a attaqué le poste de police ukrainien, mais n'a pas gagné. Toutefois, il a brûlé le bâtiment de l'ancien presbytère catholique romaine, où résidait un petit groupe de soldats SS (probablement le bâtiment était le siège de certains contingents). Il a été tué un soldat allemand et 3 soldats SS ukrainiens.
 En. Les troupes allemandes ont effectué les dernières actions de pacification contre les Polonais et arrêté 250 personnes. Le, l'armée soviétique est entré dans le village et le libère de l'emprise nazie.
 Il a été établi que pendant les hostilités de la Seconde Guerre mondiale avec la communauté de Grabowiec, il y eut personnes tuées : 563 Polonais, 401 Ukrainiens et Juifs.

Administration.

De 1975 à 1998, le village est attaché administrativement à l'ancienne voïvodie de Zamość.<br> Depuis 1999, il fait partie de la nouvelle voïvodie de Lublin.

Grabowiec (prononciation ) est un village de la gmina de Grabowiec, du powiat de Zamość, dans la voïvodie de Lublin, situé dans l'est de la Pologne.


Historique.

Le premier fossile humain fut découvert en 1913 près de Boskop, dans la province du Nord-Ouest (à l'époque dans le Transvaal), par deux fermiers afrikaners, qui l'offrirent à Frederick William FitzSimons pour qu'il soit examiné. Celui-ci publia une première description en 1915. Robert Broom créa en 1918 pour ce fossile l'appellation "Homo capensis", à une époque où l'on ne maitrisait pas encore les critères de ressemblance ou de dissemblance entre formes humaines diverses.  Par la suite, des fossiles similaires furent découverts en Afrique du Sud par des paléoanthropologues comme William Pycraft et Raymond Dart. Tous ces spécimens fossiles ont dans les années 1960 été ramenés à l'espèce "Homo sapiens".

Description.

Le crâne de 1913 est incomplet, constitué des os frontaux et pariétaux, avec un occiput partiel, un os temporal, et un fragment de mandibule.<br> Selon John Hawks,.

Controverse.

En, les neuroscientifiques Gary Lynch et Richard Granger publièrent un livre sur l'intelligence humaine nommé "Big Brain : The Origins and Future of Human Intelligence", et dans lequel l'exemple du Boskop joue un rôle majeur. Les auteurs en conclurent que le crâne d'un homme de Boskop aurait été 30 % plus grand que celui d'un humain moderne, leur conférant un plus grand cerveau antérieur, ce qui indiquerait un quotient intellectuel (QI) relativement élevé.  Selon de nombreux paléoanthropologues, les caractéristiques supposées inhabituelles de l'Homme de Boskop relèvent d'une mauvaise interprétation. L'Homme de Boskop est seulement un spécimen se situant dans le haut de la variabilité de l'homme moderne.

L'Homme de Boskop est le nom donné à un ensemble de vestiges fossiles d"Homo sapiens" trouvés au début du en Afrique du Sud. Un premier crâne fossile fut découvert en 1913 près de Boskop, dans la province du Nord-Ouest, et fut considéré peu après sa découverte comme le représentant d'une espèce humaine distincte, en raison de son volume inhabituellement élevé. Il a été daté entre et avant le présent.


Biographie.

Débuts artistiques (2003-2005).

En 2003, à La Paz, Bolivie, Hernan Ergueta fonde et dirigé le projet musical Madre Tul en intégrant des musiciens itinérants de différentes nationalités afin de fusionner, dans ses compositions, divers rythmes traditionnels du monde, en soulignant celles de Moyen Orient. Dans la même année, il est entré comme un accordéoniste dans le groupe de fusion rock bolivienne Atajo pour participer dans trois disques au cours de la période 2003-2006 et la tournée par l'Europe intitulée "Babylon by minibús", avec des concerts dans le « World Festival » Tilburg en Les Pays-Bas, et le « Weltjugendtag » (Journée Mondiale de la Juventud) en Köln en Allemagne, entre autres concerts en Suède, le Luxembourg et l'Autriche.

Madre Tul (2006-2010).

En 2006 Hernan Ergueta sort du groupe Atajo et il publie une compilation d'enregistrements avec Madre Tul sur le LP intitulé du même nom: "Madre Tul" enregistrée en Bolivie en 2003 et 2006 avec quatre de ses compositions. Le CD contenait originalement des versions propres des classiques arabes, plus tard, seules les compositions de Hernan Ergueta ont été réédités, remasterisé et publié sous le même nom que le LP original. En 2007, le projet musical Madre Tul recruter plus des musiciens itinérants en Espagne où il a fait une série de présentations lors de la préparation d'enregistrer un prochain LP, qui est publié en 2009 sous le titre "Frases Aladas" (Phrases ailées). Cet album est enregistré en Espagne et Bolivie et il contient sept compositions de Hernan Ergueta. Les deux disques de Madre Tul ont des rythmes du Moyen-Orient, bien que ce dernier comprend une fusion avec la musique gitane et des rythmes boliviennes comme la traditionnelle « Morenada ». En 2010, Hernan Ergueta initie l ́élaboration du matériel éducatif pour les centres culturels publics et privés de l ́Espagne, en encourageant les ateliers multiculturels y compris la théorie de l'enseignement des instruments musicaux et la musique orientée vers la danse, en particulier la soi-disant Danse orientale en se inspirant du musicien égyptien Hossam Ramzy. Au même temps, avec le groupe Madre Tul, Hernan Ergueta publie une composition de musique et lettre en format single intitulée "Dawn after dawn", enregistré en Turquie, Bolivie et Espagne avec la voie de la chanteuse belge invitée An-Sofie Noppe. Avec elle ils enregistrent aussi, en hommage du compositeur turc Zeki Müren, une version en espagnol de la chanson "Bir demet yasemen" ("Un bouquet de jasmin") composée à l'origine par Müren et intitulé et adapté à l'espagnol par Hernán Ergueta sous le titre "Un racimo de jazmines" (enregistrée en Turquie, Bolivie et Espagne), qui est distribué comme un single gratuit de Madre Tul en format mp3.

Les années 2011 et 2012.

En 2011, Hernán Ergueta publie un audiolivre instructif intitulé "Ritmología del Mundo Volumen 1 Ritmos provenientes del Maqsoum" (Rythmologie du Monde Volume 1 Rythmes originaires d Maqsoum), publié en anglais et en espagnol. Ce livre audio contient une étude de 12 rythmes, principalement égyptiens, et il est destiné aux étudiants de danse orientale et aux musiciens qui les accompagnent. Plus tard cette année, il a également publié son premier CD double comme musicien solo intitulé "Instrumental Mandjet" avec douze de ses compositions enregistrées en Equateur et Espagne. Chacune de ces compositions se correspondent aux rythmes étudiés dans son audio-livre et ils ont été publiés plus tard comme "Instrumental Mandjet" I et "Instrumental Mandjet II". En 2012, en faisant la promotion de son nouveau matériel, il participe en tant que musicien jouer de darbouka dans plusieurs festivals de la musique et de la danse; au même temps, il réalise des ateliers de "La théorie musicale orientée vers la danse" réalisés en Chili, Bolivie, Espagne, Roumanie et en Equateur. C ́est dans ce dernier qu ́il a fondé l'Ensemble de Musique et de Danse Arabe « EMDA » en intégrant à des musiciens des instruments arabes et des danseurs de la danse orientale, afin de promouvoir les liens culturels à travers la combinaison de la musique traditionnelle du Moyen-Orient, la danse et la poésie latino-américaine d'origine arabe, principalement du poète costaricain Osvaldo Sauma. L'Ensemble EMDA a fait des actuations en Équateur et Bolivie et il a publie le CD "Desde la mitad del mundo" (A partir du milieu du monde), enregistré en Bolivie et Équateur, et en contenant des versions de chansons classiques du Moyen-Orient avec trois compositions propres. Ces derniers ont été publiés en format mp3, plus tard, comme un maxi-single solo de Hernan Ergueta sous le titre "From the Middle of the World".

De 2013 à nos jours.

En 2013, Hernan Ergueta créait le projet de charité « Arte y Solidaridad » (Art et Solidarité), qui vise à établir des espaces gratuits pour l'éducation et la réalisation d'événements philanthropiques. Ce projet itinérant a mené des campagnes à Quito, Équateur ; Santa Cruz de la Sierra, Bolivie et Barcelone, Espagne, jusqu'au l ́année 2014, date à laquelle il se mit à l ́écart de ce projet, et il prend une année sabbatique et ferme indéfiniment les activités de l'Ensemble EMDA. Pendant ce temps, le groupe Madre Tul a publié deux vidéos promotionnelles de compositions de Hernan Ergueta intitulées : "Arabictrance" et "The Glow" comme un aperçu musical de ce que sera le prochain album "Solvet et coagula" dans lequel on sent une approche au style musical Dark folk.  En avril 2015, Hernan Ergueta a publié une sélection de neuf histoires intitulée "The Burning Sanctuary" avec la traduction de l'espagnol vers l'anglais par Ruxandra Lungu. Un an plus tard, en avril 2016, Hernan Ergueta a publié la version espagnole intitulée "El Santuario que Arde". Ces neuf histoires ont été écrites entre les années 1990 et 2003 et appartiennent à une première sélection, lesquelles, avec les dessins qui les accompagnent, ont été cataloguées de « lugubres, existentialistes et obscures ».

Hernan Ergueta, est un auteur, compositeur et multi-instrumentiste, né le à La Paz, Bolivie. Ses compositions sont cataloguées dans le genre musiques du monde. Ses influences musicales les plus représentatifs viennent du Moyen-Orient, les Balkans et l'Europe Latine. Les principaux instruments qu ́il joue sont: accordéon, guitare, baglama, laud, piano et la darbouka. Dans chacune de ses compositions suggère « le mélange de traditions et de cultures locales, dans une nouvelle culture mondiale qui ne représente pas les nations, mais les êtres humains comme des individus libres ». De sa jeunesse écrit, compose et fait partie de groupes de musique de fusion et de groupes mixtes de musique et de danse. Il a parcouru des festivals et fait présentations dans plusieurs pays d’Amérique du Sud et en Europe.


Vie privée.

Bradley King est née en 1894 à New York sous le nom de Joséphine McLauglin. Fille d'un médecin, elle étudie au couvent Sacred Heart. Jeune, elle tente de devenir une actrice, mais échoue et devient sténographe pour un scénariste qui la paye dix dollars par semaine.  Bradley King s'est mariée trois fois, notamment avec le réalisateur John Griffith Wray en 1929 (qui décède une année après de l'appendicite) et George Hiram Boyd, un entrepreneur qui vola une grande partie de ses biens (elle divorce en 1940).  Son frère Barnum Brown était le directeur du département des dinosaures au musée de l'histoire naturelle de New York.  La date du décès de Bradley King est inconnue, après son dernier scénario en 1947, la scénariste disparaît du monde cinématographique, et plus aucun article ne fait allusion à elle.

Carrière.

Bradley King passe de sténographe à scénariste lorsqu'elle proposa une de ses histoires à son employeur, qui immédiatement vit du potentiel. Dès 1916, Bradley King écrivait des scénarios sous son nom au sein de la Lubin Manufacturing Company mais commença à utiliser "Bradley King" en 1918 lorsqu'elle publie des histoires d'amour pour certains magazines. Elle signa un contrat avec Thomas Ince en 1920 pour par semaine et un bonus de pour chaque idée originale. Elle remplace C. Gardner Sullivan, scénariste principal de Thomas Ince depuis 1912. En 1923, elle écrivit notamment "A Man of Action" (James W. Horne) et "Anna Christie" (John Griffith Wray), deux films qui vont considérablement amplifier sa notoriété. Eugene O'Neil, auteur de la pièce originale félicite d'ailleurs Bradley King pour sa fidèle représentation. Après le décès de Thomas Ince en 1924, Bradley King écrit une lettre expliquant que selon elle, il avait un des esprits cinématographiques les plus importants depuis le début de l'histoire du cinéma. Elle se lance ensuite à son compte en entament l'adaptation de "Déclassée" (Robert Vignola, 1925) pour la société de production de Corinne Griffith.  En 1924, au pic de sa carrière, Bradley King percevait par scénario terminé. Elle signe par la suite des contrats avec la Fox Production Company ("One Increasing Purpose", Harry Beaumont, 1927), la MGM ("Mockery", Benjamin Christensen, 1927) ou même encore Paramount ("Maid of Salem", Frank Lloyd, 1937).  Jusqu'en 1937, Bradley King travaille en tant que scénariste sans rencontrer de majeur problème, la transition des films muets aux films parlants se fait en douceur.  Après "Maid of Salem" (Frank Lloyd, 1937), Bradley King n'écrit plus jusqu'à la parution de son dernier scénario, "That's My Man" (Frank Borzage, 1947).  Bradley King co-écrit avec Talbot Mundy "Her Reputation" paru 1923, qui est une nouvelle basée sur le film homonyme.

Bradley King, aussi connue sous les noms de Josephine McLaughlin, John Griffith Wray, Bradley King Wray ou encore George Hiram Boyd était une scénariste, dramaturge et écrivain américaine du début du. Durant sa carrière elle écrivit soixante scripts dont une quarantaine étaient muets. Elle est une des scénaristes les plus importantes des années 1920 et 1930.


John Campbell (officier de la Royal Navy)

Biographie.

Les années d'apprentissage.

John Campbell naît dans la paroisse de Kirkbean, à peu de distance du lieu de naissance de John Paul Jones, le « père de la Marine américaine ».  Son père est le pasteur de Kirkbean. Très jeune, John Campbell s'initie au cabotage maritime. Il sert durant sur le, le, puis sur le, avant d'être affecté comme "midshipman" en 1740 sur le HMS "Centurion". Durant le tour du monde du "Centurion", sous les ordres du commodore George Anson, il est promu sous-lieutenant puis capitaine d'armes après le combat contre le galion manillais "Nuestra Señora de Covadonga". Sur le même navire, se trouve également Augustus Keppel, avec lequel Campbell lie une longue amitié.  De retour en, Campbell prépare son examen pour le grade de lieutenant ; grâce au soutien d'Anson, il obtient rapidement un commandement sur un sloop et, dès, un second avec une promotion au grade de "post-captain" de la frégate "Bellona", poste qu'il garde jusqu'en 1748. Apprécié pour ses succès obtenus sur le "Bellona", il reçoit en 1749 le commandement de l'expédition vers l'océan Pacifique sur le HMS "Porcupine", puis sur le HMS "Raven" ; il est ensuite chargé d'une autre expédition vers le passage du Nord-Ouest et celui du Nord-Est, finalement annulée pour des raisons politiques.

Astronomie.

Vers 1747, Campbell effectue des expériences dans le domaine de la navigation utilisant l'astronomie, étant le premier à utiliser l'octant de John Hadley pour mesurer la distance angulaire entre la Lune et des étoiles fixes. L'Astronome royal, James Bradley, auquel les mesures sont présentées, découvre qu'elles correspondent exactement aux données scientifiques. Par la suite, Bradley et Campbell effectuent à Greenwich de nombreux relevés des distances de la Lune au Soleil ou à certaines étoiles, ou des étoiles entre elles.  Après le "Bellona", Campbell reçoit le commandement du, du HMS "Prince" et, en 1757, de l'"Essex" dans l'escadre de Edward Hawke qui contrôle le Golfe de Gascogne durant le blocus de Brest. De 1758 à 1759, à la tête du HMS "Royan George" sous le pavillon d'Anson, il commande également l'escadre de Brest. En 1756, alors que Campbell commande l"'Essex", James Bradley propose au Bureau des longitudes, présidé par Anson, que le capitaine puisse vérifier des nouvelles théories de Tobias Mayer. Campbell s'en acquitte avec succès, face aux côtes bretonnes ; ses essais vont influencer profondément la navigation maritime durant les qui suivent. Il compare le cercle répétiteur de Mayer à l'octant d'Hadley en bois pour mesurer les distances lunaires ; ce faisant, il juge l'instrument de Mayer peu pratique, trop lourd alors que celui d'Hadley, bien que ne permettant pas la mesure d'angles supérieurs à et trop souvent instable compte tenu de sa structure en bois, lui semble plus maniable. En conséquence, il suggère des améliorations à apporter à l'octant d'Hadley, permettant la mesure d'angles jusqu'à, à fabriquer en laiton plutôt qu'en bois. En 1759, l'astronome, commissionné par le Bureau des longitudes, élabore un instrument qui tient compte de ces suggestions, un sextant de avec un cadre de laiton, d’un tiers du poids de l’ancien cercle répétiteur de de diamètre (), un prototype du sextant toujours en usage dans la Marine au.

La guerre de Sept Ans.

John Campbell reprend le commandement du "Royal George" en tant que "Flag captain" en, lorsque Hawke transfert son pavillon sur ce bateau ; c’est sous ce grade qu’il prend part à la bataille des Cardinaux le. C’est lui qu’Hawke envoie le, sur la frégate, annoncer la victoire en Angleterre, nouvelle qu’il remet personnellement au roi George II, après de navigation en compagnie de Lord Anson désormais "First Lord of the Admiralty".  Campbell est ensuite nommé capitaine du "Dorsetshire", poste qu’il assure entre son port d’attache et la Méditerranée, de 1760 jusqu’à la paix de 1763. Il est admis à la "Royal Society" le et devient l’un des "visitors" de l’Observatoire royal de Greenwich à partir de.  Il commande, à partir de 1764, le yacht, puis le, commandement qu’il conserve jusqu’à ce qu’il soit nommé "Rear admiral of the blue" le. Il est choisi, en, par son vieil ami l’amiral Keppel, commandant de la flotte de la Manche, pour être son assistant sur le HMS "Victory", choisi en pour porter le pavillon de Keppel. À ce poste, il tient un rôle déterminant durant la bataille d'Ouessant, le. Pour ces faits d’armes, il est chaudement recommandé au roi George III par le Lord de l'Amirauté John Montagu. Il conserve ce commandement jusqu’à la fin de l’.

Gouverneur.

Campbell ne reçoit plus d’autre commandement jusqu’à. Keppel, successeur de Sandwich comme "first sea lord", appelle Campbell, désormais "vice-admiral of the white", pour le poste de gouverneur et de commandant en chef de la colonie de Terre-Neuve ; Campbell part pour rejoindre son poste à bord du vaisseau de HMS "Portland" le. Le, l’escadre de dont fait partie le "Portland", est interceptée par la flotte franco-espagnole commandée par Luis de Córdova y Córdova. Le "Portland", aux côtés de neuf autres vaisseaux, parvient à prendre le large, alors que sont capturés. Campbell demeure gouverneur de la colonie jusqu’en 1785.  Il retourne en Angleterre périodiquement, lui permettant en 1784 et en 1785 de tester le premier chronomètre de Thomas Mudge ; il emprunte à cette occasion un télescope achromatique au Bureau des longitudes pour vérifier la longitude de Terre-Neuve. Résultat de la proclamation par Campbell de la liberté de culte dans la colonie de Terre-Neuve, autorise la construction d’une chapelle catholique.

John Campbell, né en 1720 dans la paroisse de Kirkbean, près de Dumfries en Écosse, et mort à Londres le, est un officier de marine britannique, expert en navigation. Très jeune, il s'engage dans la "Royal Navy" et fait un tour du monde en 1740 sur le HMS "Centurion". "Vice admiral", il est également gouverneur et commandant en chef de la colonie de Terre-Neuve de 1782 à 1785.


Définition.

Les rivalités sont principalement le résultat de l'opposition entre les "faces" ou "beaux" (les « gentils ») et les "heels" ou "tocs" (les « méchants »). Les raisons les plus souvent utilisées sont les moqueries et autres insultes, mais aussi des divergences d'ordre moral, personnel (les histoires d'amour, par exemple, sont un terreau fertile pour d'intenses rivalités), ou tout simplement l'opposition entre un challenger et le champion. Certaines des rivalités les plus populaires opposent d'anciens équipiers après la dissolution de leur équipe, le plus souvent des suites de la trahison d'un coéquipier par l'autre. Si le promoteur et le public jugent cette rivalité populaire et divertissante, alors elle peut continuer pendant plusieurs semaines afin de se conclure dans un match à enjeu ou dont la stipulation marque une fin (un match où le contrat du perdant est en jeu par exemple).  Une des plus longues rivalités opposa Ricky Steamboat à Ric Flair et donna lieu à plus de les opposant, la plupart n'ayant pas été retransmis à la télévision.  Traditionnellement, les promoteurs souhaitent « protéger le "business" » en demandant à leur catcheurs d'agir en permanence comme le personnage qu'ils incarnent pour convaincre le public qu'ils se détestent. À l'époque des territoires de la "National Wrestling Alliance" (avant 1980), certaines rivalités duraient pendant des années, et si deux catcheurs rivaux sur le ring montrent de l'amitié l'un pour l'autre en public, cela brise l'illusion. Au fil des années, le monde du catch est devenu plus ouvert, ce qui a permis aux fans de le voir autrement.

Au catch, une rivalité est une mise en scène opposant deux ou plusieurs catcheurs pour des besoins scénaristiques visant à créer le spectacle, l'intérêt du public envers les catcheurs et les rencontres, et — surtout — l'intérêt pour le public à se rendre aux évènements en live les plus importants (les plus chers, donc les plus rentables pour les promotions) où ces rivalités trouvent le plus souvent leur conclusion. Elles font partie des "storylines" et peuvent durer quelques semaines ou s'étendre sur plusieurs années.


Étymologie.

« "Beita" » signifie "abri" ou "maison". Autrefois, les pèlerins restaient dans ce village quelques jours pour se reposer.

Histoire.

Il existe deux centres historiques à Beita : "Beita al-Fauqa" (« Beita du haut ») au Nord-Est, et "Beita al-Tahta" (« Beita du bas ») au Sud-Ouest. On a retrouvé à Beita al-Fauqa des tessons de poterie qui remontent au second âge du fer, à l'Empire achéménide et au sultanat mamelouk ; quant à Beita al-Tahta, on y a découvert des tessons datant du second âge du fer, de l'Empire achéménide, de l'Empire romain, de l'Empire byzantin et de l'époque mamelouk.

Époque ottomane.

Beita fut intégrée dans l'Empire ottoman en 1517, tout comme le reste de la Palestine, et des tessons de céramique du début de l'époque ottomane ont été trouvés aussi bien à Beita al-Fauqa qu'à Beita et-Tahta.  En 1596, Beita apparaît dans les registres d'imposition, qui mentionnent qu'elle fait partie de la nahié ("division administrative") de Jabal Qubal du sandjak de Naplouse. Le village compte alors 50 foyers, tous musulmans. Les villageois payent des impôts sur le blé, l'orge, les récoltes estivales, les oliviers, ainsi que sur quelques revenus occasionnels, sur les chèvres, les ruches ou encore les pressoirs à olives ou à raisins.  En 1838, Edward Robinson qualifie Beita de « grand village ». En 1882, le "Survey of Western Palestine" mené par le "Palestine Exploration Fund" le décrit comme

Histoire récente.

En 1988, pendant la première intifada, un groupe de colons juifs attaque le village. Les habitants du village affrontent les colons à coups de pierres. Trezza Borate, une tuée par une balle perdue, est la première victime israélienne civile à Beita, dont les habitants sont accusés de l'avoir tuée. Le lendemain des obsèques de Trezza Borate, les colons appellent à la vengeance et à l'expulsion des Arabes.. Cependant, le jour même des funérailles,.  L'école est transformée en centre de détention pour une centaine d’habitants. Le même jour, des dizaines d’oliviers sont déracinés, et cinq maisons palestiniennes sont démolies à coup d'explosifs. Le 10 avril, quatre jours après l'incident, "The New York Times" émet des doutes sur le fait que cette fille ait tué par un soldat israélien. Le jour suivant, Ariel Sharon propose l'évacuation de tout le village de Beita, « le dynamitage de toutes les maisons et la construction de nouvelles colonies »..

Ressources.

La ville possède des sources d'eau (Ein Olime, Ein Roujan, Ein Sara, Ein Magara, Ein Al-Gouta, de Quza). Elles constituent la principale alimentation de l'usine d'eau qui survient aux besoins en eau du village.  La montagne Al-Oramma s'élève à environ au-dessus du niveau de la mer, et est donc enneigée assez tôt dans l'année. À l'est de ce village-là, il y a deux endroits isolés qui s'appellent Al-Kherbe, et où se trouvent des maisons datant de l'époque romaine, ainsi que des prisons qui remontent également à l'époque romaine.  La citadelle Al-Ormma remonte à l'époque Bronze. C'est une grande forteresse située au sommet de la montagne, qui contient quatre trous énormes, chacun de 400 à carrés. Durant le mandat britannique, ces trous ont été utilisés comme prisons.  L'huile d'olives est une source économique très importante pour les habitants de ce village.

Beita, située à de Naplouse, est une ville du gouvernorat de Naplouse, dans le Nord de la Cisjordanie. Son altitude est d'environ. Sa population était en 2007 de habitants.


Biographie.

Enfance et vie familiale.

Née au Cameroun dans la ville de Douala, Grace Decca est la sixième d'une famille de 11 enfants. Son père est expert automobile et sa mère pédagogue. Sa famille, bien connue de la scène musicale camerounaise, est une famille de musiciens qui compte 4 artistes réputés dont son frère ainé Ben Decca, sa sœur cadette Dora Decca et son jeune frère Isaac Decca. Elle est par ailleurs la nièce du feu Eboa Lotin et l'arrière petite fille du musicien Lobe Lobe Rameau, l'un des pionniers du Makossa.  Grace Decca est mariée à Jean Paul Nana Sandjo, ancien DG de la Compagnie aérienne camerounaise Camair-Co et est mère de plusieurs enfants.

Éducation.

Grace Decca est titulaire d'un DEA en communication (sciences de l'éducation) obtenu en France en 1998. En effet, après l'obtention de son baccalauréat, Grace Decca quitte le Cameroun pour la France afin d'y poursuivre ses études. Elle obtient tout à tour un DEUG en culture et communication, un BTS en outils de gestion, une licence puis une maitrise avant d'entamer la préparation de son Diplôme d’études approfondies.

Carrière.

Elle est introduite dans la musique au début des années 1980 par son frère ainé, Ben Decca, pour qui elle fait des chœurs. En 1983 celui-ci l'invite sur son single ""Na sengui bobe"" qui sera un grand succès. En 1987, elle pose sa voix dans les chœurs du titre "À nos actes manqués" du célèbre chanteur français Jean-Jacques Goldman.  Elle accompagne son frère sur plusieurs chansons entre 1984 et 1989 avant se lancer dans une carrière solo. Interprète et auteur-compositeur, Grace Decca sort en 1989 son tout premier album avec pour titre "Besoin d’amour". L'album de 5 titres est vendu à plus exemplaires au Cameroun et permet à l'artiste de véritablement se faire connaitre du grand public.  En 1993, elle sort son second album "Doi La Mulema" qui rencontre un succès encore plus grand que le premier et lui permet de s'imposer sur la scène internationale.  5 ans après le succès de cet album, Grace Decca revient en 1998 avec un troisième album intitulé "Appelle-moi Princesse" avec lequel elle remporte de nombreuses récompenses dont le meilleur album féminin de l’année, meilleure vente féminine de l’année, prix Bertrand Folon pour la maturité artistique.  En 2001, elle sort son quatrième album, ""Donne-moi un peu d'amour"". Un album de 8 titres produit par J.P.S Productions.  Elle crée plus tard son label GNS Productions sous lequel est évolue désormais. Elle y produit également quelques jeunes artistes à l'instar de Joly Din et de son frère cadet Isaac Decca.

Mouna, le retour.

Treize ans après la sortie l'album "Donne-moi un peu d'amour", Grâce revient sur la scène musicale avec un album d'un style tout à fait différent des 4 précédents. En effet, pour ce cinquième album, Grace Decca choisit le gospel. L'album qui porte le nom de "Mouna" ("Fardeau" en langue Douala) est entièrement produit aux États-Unis par George Duke qui écrit deux chansons sur cet album. Pour la réalisation de cet album de 13 titres chantés en anglais, français et douala, Grace Decca bénéficie de la participation de musiciens américains de renom tels que Sheila E., Jeffrey Osborne, Jonathan Butler, Chino XL, Paul Jackson Jr., Kirk Whalum, Sarah Thornton, Alex Al, Teddy Campbell, Howard Hewett et Erik Zobbler.

Grace Decca, de son vrai nom Ndom’a Deccah Grace, née le est une chanteuse camerounaise originaire de Douala, capitale économique du Cameroun. Elle est initiée à la musique en 1983 par son frère ainé Ben Decca, célèbre chanteur de Makossa. Elle accompagne son frère et d'autres artistes de renom tel Jean Jacques Goldman sur diverses chansons avant de se lancer dans une carrière solo en 1989 avec son premier album intitulé "Besoin d'amour". Après 5 albums Makossa parus entre 1989 et 2001 et une longue pause discographique d'une douzaine d'années, elle fait son retour sur la scène musicale camerounaise en 2014 avec un album Gospel intitulé "Mouna".


Biographie.

Elle est née dans le groupe ethnique Ewondo du Cameroun. Initialement sa mère, cantatrice et animatrice de réseaux d'association villageoises, chante dans les fêtes et conte pratiquement tous les soirs. Elle initie très tôt sa fille à la musique. Celle-ci la remplace à l'âge de dans une cérémonie officielle. Puis elle rejoint une institution catholique afin de devenir religieuse. La mort tragique de cette mère en 1998, alors qu'elle n'a que, lui fait changer d'orientation. Ainsi elle quitte la campagne pour la ville de Yaoundé où elle s'inscrit dans la chorale de la paroisse de son quartier (Essos).  Dans ses débuts, elle intègre un groupe d'artistes congolais, avec qui elle effectue des animations dans plusieurs cabarets de la capitale camerounaise, notamment Le Camp Sonel, La Cascade. Son style s'élargit avec l'intégration de plusieurs rythmes en vogue au Cameroun (bikutsi, makossa, ndombolo, salsa). Elle fréquente les chanteuses et musiciennes camerounaises telles qu'Anne-Marie Nzié et Sally Nyolo. Elle rejoint ensuite le groupe « Akoak » avec lequel elle enregistre son tout premier album.  Puis elle interprète les musiques de bikutsi des artistes camerounais à succès. Le rythme de cette musique sert de support à la danse du peuple de la région du Centre du Cameroun. Son inspiration lui vient des contes et des fables entendus dans son enfance au village. Elle devient l'une des représentantes attitrées de cette musique. Son titre "Le ventre et le bas-ventre" est diffusé sans relâche par les médias à sa sortie et est repris par les bars. Son nom est retrouvé dans quelques romans.  Ses attitudes et ses tenues sont quelquefois jugées provocantes, et lui sont souvent reprochées. Avec d'autres artistes, elle est critiquée pour son exploitation commerciale des danses traditionnelles, une réduction à une dimension érotique et une banalisation de ces danses.  Son nom s'exploite au travers les établissements NAR dont elle est la dirigeante. Ils comprennent un cabaret ("Ponce Attitude"), une ligne de prêt-à-porter, un institut de beauté ("Ponce Original Fashion") et une maison de production.  Lady Ponce est mère de trois enfants. La rumeur de sa mort à la suite d'un accouchement a circulé en 2011.

Distinctions.

En 2007, à la suite de l'enregistrement de l'album "Le ventre", elle est élue « meilleure voix et révélation féminine de la scène camerounaise ».  Lors de la cérémonie des "Canal 2'or" organisée par une télévision nationale camerounaise, le titre de « meilleure artiste féminin de l'année 2008 » lui est décerné, tandis que sa chanson "Trahison" reçoit le prix de la « chanson de l'année». Elle demeure l'artiste la plus récompensée de ces awards..  Le, à l'occasion de la fête nationale, elle est élevée Chevalier de l’ordre de la Valeur (premier des ordres nationaux camerounais). Ainsi donc, en début d'année 2017 pour la célébrer, elle remplit la salle de concert la Cigale à paris

Récompenses et nominations.

Canal 2'or Canal 2'or - ACT10 et 11(Canal 2 International Awards) Rts Awards (Radio Tiéméni Siantou) Festival Bikutsi KORA Afrique Centrale Njangui TV( Monréal)

Discographie.

Albums.

La production d'albums, avec la maison JPS, se fait ensuite avec NAR en 2015.

Lady Ponce, de son vrai nom Adèle Ruffine Ngono, épouse Youmbi Tsafack, née le en région du Centre du Cameroun est une chanteuse et parolière camerounaise. Elle se fait connaître au public en 2004 par son titre "Le Ventre et le Bas-ventre". Depuis elle est porteuse de plusieurs distinctions nationales et musicales.


Biographie.

Formation.

John Hawes naît le à Richmond, près de Londres. Il est le fils de l'avocat Edward Hawes et de son épouse Amelia. Il fréquente l'école de Brighton et Canterbury, puis entame en 1893 une formation d'architecte à Londres, au sein de l"'Architectural School Association" et de l'École centrale des Arts et de l'Artisanat.  En 1897, il est chargé de la conception de maisons à Bognor, puis remporte un concours d'architecture et construit sa première église à Gunnerton en 1899. Parallèlement, il étudie au "Lincoln Theological College", et reçoit l'ordination au sein de l'Église anglicane en 1903.

Conversion.

Comme prêtre anglican il oeuvre à Clerkenwell et sur l'île de Caldey. ensuite il est envoyé comme missionnaire aux Bahamas. En 1910, il conçoit l'église Saint-Paul de Clarence Town, à Long Island. En 1911, il quitte les Bahamas pour les États-Unis et se convertit au catholicisme. Ne pouvant plus exercer de ministère sacerdotal il mène alors une vie nomade au Canada et aux États-Unis pendant plusieurs années, durant lesquels il travaille comme ouvrier et comme charretier de chemin de fer.  Il reprend alors des études de théologie à Rome en vue du sacerdoce catholique et est ordonné prêtre le, après quoi il est envoyé à Geraldton, en Australie-Occidentale. Nommé prélat domestique par le pape Pie XI, il reçoit le titre de « Monseigneur ».

Érémitisme.

En, il part en pèlerinage aux Bahamas. Il y conçoit et construit l'ermitage du mont Alverne, sur l'Île Cat, où devenu ermite il est connu sous le nom de Père Jérôme. Il conçoit également six églises sur l'ensemble des Bahamas.  Le père John Hawes (Père Jérôme) meurt le à Miami, en Floride, à l'âge de 79 ans. À sa demande, il est enterré dans une grotte située sous son ermitage de l'île Cat.

Œuvres architecturales.

John Hawes est notamment le concepteur de :

John Hawes (ou Père Jérôme), né le à Richmond et mort le à Miami, est un architecte et prêtre anglican britannique, converti au catholicisme en 1911, puis ordonné prêtre catholique en 1915. Il est principalement connu pour la réalisation d'églises en Angleterre, en Australie-Occidentale et aux Bahamas, où il se retira ensuite comme ermite, sous le nom de 'père Jérôme'.


Contexte.

Mystères de Chester.

Les pièces de théâtre ou « miracles » anglais ont dramatisé l'histoire de la Bible, dans une tradition ancienne de l'Église les jours de fête sur les places de marché de la ville par les membres des différents corps de métiers (guildes). Ils couvrent toute la narration et les métaphores bibliques, de la chute de Lucifer au jugement dernier. De nombreux cycles de pièces ont pris naissance à la fin du Moyen Âge. Le cycle de Chester est l'une des quatre qui ont survécu jusqu'au. Les textes, d'un auteur non identifié, ont été révisés à la fin du, dans un format similaire à celui de la passion contemporaine, d'origine française, et a été publié en 1890, dans "English Miracle Plays, Moralities, and Interludes" de Alfred W. Pollard.  L'histoire de Noé et du déluge, la troisième pièce dans le cycle Chester, a été réalisée par la guilde des porteurs d'eau de la ville de Dee. Une caractéristique de la pièce, observée par l'historienne Rosemary Woolf, est la représentation de la femme de Noé, et par l'implication des femmes en général, comme désobéissantes, obstinées et finalement abusives, contrairement au « grave et obéissant » Noé et à la patience de ses fils.  À la fin du, avec la Réforme, l'Église a été moins tolérante avec les présentations de mystères. Une représentation en 1575 à Chester, est la dernière enregistrée, jusqu'au. Le cycle Chester a été repris dans le cadre des célébrations de la Fête de la Grande-Bretagne de la ville, en, sous la supervision de Christopher Ede. La production a été reçue avec enthousiasme et a été rejouée l'année suivante. Par la suite, la pièce est devenue une caractéristique et une attraction touristique régulière.

Conception.

À la fin des années 1940, Benjamin Britten s'est établi comme principal compositeur d'opéra anglais, avec plusieurs grandes œuvres à son actif. En 1947, il suggère à son librettiste, Eric Crozier, qu'ils devraient créer un opéra pour enfants, basé sur une histoire biblique. Crozier donne à Britten un exemplaire du livre d'Alfred Pollard, comme source éventuelle. Rien de ce projet ne sort immédiatement ; à la place, Britten et Crozier écrivent la cantate "Saint Nicolas" (1948), le premier ouvrage dans lesquels Britten combine artistes professionnels et amateurs. La cantate requiert au moins deux chœurs d'enfants et intègre deux hymnes chantés par l'assemblée publique. Britten a également utilisé cette association de professionnels avec les moyens d'amateurs avec "The Little Sweep" (1949), qui constitue la deuxième partie de l'animation pour les enfants, "Let's Make an Opera" (nous allons faire un opéra), conçue avec Crozier. Encore une fois, les petits chanteurs (qui ont également des rôles d'acteurs) sont utilisés et le public chante des refrains, lors de séquences appropriées. En 1952, alors que la collaboration Crozier et Britten était terminée, le compositeur utilise le livre de Chester comme texte source pour son "Canticle II", avec pour base l'histoire d'Abraham et Isaac.  En, Boris Ford, chef de l'école de la radiodiffusion à l’"Associated Rediffusion", écrit à Britten, pour lui proposer une série de programmes d'une demi-heure. Le contenu permettrait de montrer Britten composer et répéter une œuvre avec des interprètes et offrirait aux enfants Britten était d'abord prudent ; il trouvait l'idée intéressante, mais, en avertissant Ford, qu'il était très occupé par ses voyages et qu'il avait peu de temps pour l'écrire. Il était également soucieux de ne pas couvrir le même terrain que ce qu'il réalisait avec "Faisons un opéra". Toutefois, il accepte de discuter plus avant du projet. Le, ils se rencontrent à Londres, avec Imogen Holst, l'assistante musicale de Britten. Britten dit à Ford qu'il avait et accepte d'écrire un opéra pour la session d'été 1958 des programmes de l'école "Associated Rediffusion". Le sujet serait Noé et le déluge, avec pour base le texte de Chester. Plus tard, Ford et son scénariste, Martin Worth, se rendent à Aldeburgh avec Britten pour faire un repérage des églises pour le spectacle. L'église d'Orford est choisie, car contrairement à la plupart des autres églises de la région de l'East Suffolk, ses bancs ne sont pas fixés et ainsi offrent un espace de représentation plus souple.

Résumé.

Après l'hymne d'ouverture « Seigneur Jésus, pensez à moi », Dieu parle à Noé, annonçant la destruction prochaine du monde de péchés. Dieu dit à Noé de construire une arche qui permettra le salut pour lui et sa famille. Noé accepte et demande à sa famille de l'aider. Ses fils et leurs épouses entrent avec des outils et des matériaux et de commencer à travailler, tandis que Noé et ses amies se moquent du projet.  Quand l'arche est achevé, Noé tente de convaincre sa femme d'y entrer : « Femme, dans ce navire nous serons saufs », mais elle refuse et ils se querellent. La voix de Dieu prédit quarante jours et quarante nuits de pluie et charge Noé de remplir l'arche avec des animaux de toutes sortes. Les animaux entrent dans l'arche deux à deux, tandis que les fils de Noé et leurs épouses commentent la scène. Noé commande à sa famille de monter à bord de l'arche ; de nouveau madame Noé et ses amies refusent, préférant festoyer. Finalement, les fils poussent madame Noé à bord, tandis que ses amies sont emportés par l'inondation ; elle récompense son mari avec une claque. La pluie commence à tomber et il se forme une grande tempête juste lorsque la première strophe de l'hymne naval se fait entendre de l'arche. La congrégation chante avec eux, dans les deuxième et troisième versets de l'hymne, pendant lesquels la tempête se calme progressivement. Quand il le calme est revenu, Noé envoie un corbeau, en disant Le corbeau ne revenant pas, Noé sait que l'oiseau a découvert la terre ferme. Il envoie une colombe, qui finalement ramène un rameau d'olivier. Noé accepte ce signe de délivrance et rend grâce à Dieu.  La voix de Dieu commande à tous de quitter l'arche. Alors les animaux chantent « Alleluia » et les hommes un concert de louanges :. Dieu promet qu'il ne détruira plus jamais la terre avec l'eau et produit un arc en ciel comme promesse. Les chanteurs commencent l'hymne, avec la congrégation qui se joint à eux les deux versets suivants. Tous s'en vont, sauf Noé, qui reçoit la bénédiction de Dieu et la promesse qu'il ne se vengera plus : avant de sortir de scène.

Création.

Écriture.

Britten commence la planification détaillée de l'opéra en, alors qu'il naviguait vers le Canada pour une tournée avec l'English Opera Group. Il dit à Colin Graham, alors metteur en scène de l'EOG, qu'il le voulait pour diriger la nouvelle œuvre. Après une nouvelle réunion à Londres, au siège de l’"Associated Rediffusion", le, Britten commence les brouillons de sa musique à Aldeburgh dès le. À la pièce sur Noé dans l'édition de Pollard, il ajoute trois hymnes anglicans :, et ; introduit le chant grec répétitif « Kyrie eleison » (« Seigneur ayez pitié ») lors de l'entrée des animaux et « Alleluias » leur de leur sortie triomphale. Le musicien a terminé les deux tiers environ de l'opéra, quand Ford est démis de l’"Associated Rediffusion", prétendument pour des carences administratives et inexpérience. L’"Associated Rediffusion" se retire du projet, ensuite repris par Associated Television (ATV), dont le président Lew Grade prend personnellement la responsabilité de signer le contrat et demande instamment à Britten d'achever l'opéra.  En, Britten déménage à la Maison Rouge, juste à la sortie Aldeburgh, mais continue à travailler sur l'opéra pendant ce bouleversement. Selon une lettre écrite à Edith Sitwell le, des ouvriers travaillant à la Maison Rouge. Avant de terminer le brouillon de la composition le, Britten écrit au baryton Owen Brannigan, qui avait chanté dans plusieurs des opéras précédant de Britten, lui proposant le rôle-titre. Britten termine la partition d'orchestre en, qui est dédicacée ainsi : [un des filleuls de Britten].

Besoins.

Avec la grande variété d'enfants artistes nécessaires à l'opéra et à la lumière de ce qui s'est déroulé lors de sa première, Britten détaille certaines des exigences spécifiques pour l'interprétation dans les partitions vocales et d'étude publiées par Boosey & Hawkes. L'opéra est conçu pour une grande salle ou une église mais n'est pas destiné au théâtre. L'action devrait avoir lieu sur une estrade, mais pas sur une scène séparée de l'auditoire ; l'orchestre doit être placé à la vue de tous, avec le chef d'orchestre en position de diriger à la fois l'orchestre et, lors des hymnes, la congrégation. Noé et madame Noé sont chantés par des « chanteurs-acteurs accomplis » et la voix de Dieu mais pas nécessairement un acteur professionnel, doit avoir « une voix parlée riche, avec une élocution simple et sincère, sans être du tout « cabotin ». Les jeunes amateurs jouant les enfants de Noé, doivent être âgés entre 11 et 15 ans, avec « des voix bien formés et des personnalités pleine de vie » ; Jaffet, l'aîné, pourrait avoir une voix cassée. Les amies de Madame Noé – appelées "gossips" ou commères – devraient être les filles plus âgées, avec des voix fortes et une grande capacité à agir. Les enfants qui jouent les animaux, devraient varier en taille et sont âgés de sept à dix-huit ans. Un groupe plus âgé, avec peut-être quelques voix cassées, devraient représenter les plus grands animaux : lions, léopards, chevaux, chameaux etc. ; tandis que les plus jeunes doivent jouer les rats, les souris et les oiseaux. Il y a une danse ou un ballet, impliquant deux enfants artistes jouant les rôles du corbeau et de la colombe.  Pour la première fois, pour un de ses ouvrages impliquant des amateurs, Britten a envisagé un large complément d'enfants artistes au sein de l'orchestre, dirigé par ce que Graham décrit comme « la consolidation professionnel » ("the professional stiffening") d'un duo de piano, un quintette à cordes composé d'un quatuor et contrebasse, des flûtes à bec et une timbale. Les jeunes musiciens jouent des instruments variés, notamment un ensemble de cordes complet avec pour chaque pupitre, un membre du quintette professionnel. Les violons sont subdivisés en différents niveaux de difficulté, du simple (cordes à vide la plupart du temps), à ceux capables de jouer jusqu'à la troisième position. Les flûtes à bec devraient être dirigées par un soliste accompli, capable de coup de langue ("Flatterzunge", "Flutter-tonguing") ; les clairons, joués dans la production originale par un groupe de garçons d'une l'école locale, sont joués par les enfants représentant des animaux qui marchent dans l'arche, à l'apogée de l'opéra. Les jeunes percussionnistes, animés par un timbalier professionnel, jouent de divers instruments exotiques et inventés la partition elle-même spécifie du papier de verre (), et « tasses en bandoulières » Ces avait pour but de représenter les premières gouttes de pluie. Britten avait à l'origine, l'idée de frapper des tasses avec une cuillère, mais après des essais infructueux, il a demandé conseils Imogen Holst :  Britten ajoute aussi – relativement tard dans le travail décriture de la partition – un ensemble de clochettes. Selon Imogen Holst, un membre du club des jeunes d'Aldeburgh, a attiré l'attention de Britten sur un ensemble local jeunes sonneurs de clochettes. En les entendant, Britten a été tellement enchanté par les sonorités, qu'il a donné à l'ensemble un rôle majeur pendant l'épisode de l'arc-en-ciel, qui se déroule à la fin de l'opéra. Plusieurs commentateurs, notamment Michael Kennedy, Christopher Palmer et Humphrey Carpenter, ont noté les affinités de son entre l'utilisation que fait Britten des clochette et les ensembles de gamelan qu'il avait entendu en directe à Bali, en 1956. La rareté des clochettes accordées à différents sons, requis par Britten dans l'opéra, allait devenir un problème lorsque la partition était en cours de préparation pour publication.

Histoire des interprétations et réception.

Création.

La première représentation de "Noye's Fludde" a été mis en scène pendant le Festival d'Aldeburgh 1958, à l'église Orford le. Le chef d'orchestre était Charles Mackerras qui avait déjà participé à plusieurs production du festival. La production était dirigée par Colin Graham, qui a aussi conçu la mise en scène, avec des costumes de Ceri Richards. Outre Brannigan dans le rôle de Noye, deux autres chanteurs professionnels ont été engagés : Gladys Parr, dans son dernier rôle avant sa retraite, qui a chanté la partie de Noye et enfin la voix parlée de Dieu a été fournis par la basse d'origine galloise, Trevor Anthony. Les autres rôles important étaient tenus par les enfants solistes, sélectionnés par de vastes auditions. Parmi ceux-ci, il y avait le futur acteur et chanteur, Michael Crawford, âgé de 16 ans et que décrit Colin Graham comme, qui jouait le rôle de Jaffet. Les commères de Mrs. Noye qui devaient être originellement jouées par des filles d'une école du Suffolk, mais lorsque la directrice a entendu des rumeurs sur les parties « dissolues » qui devait être joué, elle a retiré ses élèves du projet. Le chœur des animaux a été fourni par les enfants de trois écoles locales : Sir John Leman, de Beccles ; Bungay County Primary ; et the Heath Primary School, de Kesgrave.  Les éléments professionnels de l'orchestre ont été fournis par les musiciens de l'English Opera Group, dirigé par Emanuel Hurwitz. Les adultes restants étaient le duo de piano, joué par Viola Tunnard et Martin Penny et l'organiste Ralph Downes. Les enfants, désignés comme « Orchestre des enfants de l'Est-Suffolk », était composé des sonneurs de clochettes venant de l'école du comté de Leiston ; un groupe de percussion, dont les instruments incluaient des tasses en bandoulière, originaires de la "Woolverstone Hall School" ; les flûtistes du "Framlingham College" ; et les joueurs de clairon de la "Royal Hospital School" d'Holbrook.En évoquant la première Graham, quelques années plus tard, écrit : Philip Hope-Wallace, dans le "The Manchester Guardian", remarque que Martin Cooper du "The Daily Telegraph" note :

Productions suivantes.

En 1972 Jonathan Miller met en scène sa première production de "Noye's Fludde", les 21– au "Roundhouse Theatre" de Londres. Les rôles d'adulte était tenus par Michael Williams (Dieu), Bryan Drake (Noé) et Isabelle Lucas (Madame Noah) et dirigé par le chef d'orchestre John Lubbock.  Parmi les production les moins conventionnelles, en, "Noye's Fludde" était joué au zoo de Nuremberg, dans une production du festival international de musique de chambre de Nuremberg avec la participation d'environ 180 enfants de la ville et d'Angleterre, mise en scène par Nina Kühner, dirigé par Peter Selwyn. Une autre production, a été montée au zoo de Belfast, en Irlande du Nord, par l'Opéra d'Irlande du Nord et la KT Wong Foundation. La mise en scène était d'Oliver Mears et la direction assurée par Nicholas Chalmers, avec Paul Carey Jones dans le rôle de Noé et Doreen Curran, la femme de Noye. La même production a été interprétée en Chine, en, au festival de Pékin, en création chinoise de l'œuvre et la première d'un opéra complet donné en chine, et donné de nouveau au festival Shanghai Music In The Summer Air (MISA) en.  L'année du centenaire Britten en 2013, a initié de nombreux spectacles à travers le Royaume-Uni. Notamment au Tewkesbury Abbey durant le Festival de musique de Cheltenham et le festival de Thaxted Festival où 120 enfants de la ville portaient des costumes d'animaux. Une production du Festival d'Aldeburgh pour clôturer l'année en novembre, a été montée dans sa ville natale de Lowestoft, la veille du anniversaire de la naissance de Britten. Andrew Shore était Noye et Felicity Palmer Mrs Noye. Ce concert a été enregistré par la radio et diffusé sur BBC Radio 3 le. Hors du Royaume-Uni, plusieurs théâtres professionnels ont monté "Noye's Fludde" l'année du centenaire, avec la participation d'enfants, notamment à l'opéra de Santa Fe et à l'opéra de La Nouvelle-Orléans qui montait sa toute première production d'un opéra de Britten.

Musique.

"Noye's Fludde" est décrit par le musicologue Arnold Whittall, comme un précurseur des paraboles d'église composés par Britten des années 1960, et par Paul Kildea, biographie du compositeur, comme une œuvre hybride,. L'essentiel de l'écriture orchestrale, dit Eric Roseberry, analyste de la musique, se trouve. Plusieurs épisodes de l'opéra — tels que — introduit les auditeurs et les jeunes artistes, comme le dit Eric Roseberry dans, en contraste avec le « style usé » de la plupart des musiques écrites pour les enfants. Avec son arrangement novateur tant du groupe vocal et instrumentale, "Noye's Fludde", est résumée par Whittall comme  L'opéra débute avec un court, « intense » prélude instrumental, qui forme la base de l'accompagnement musical de l'hymne d'ouverture de la congrégation ; sa première phrase est fondée sur une basse descendante "mi – si – fa", appelée à devenir un motif important. Humphrey Carpenter note que, tout au long de l'hymne la ligne de basse est en phase avec le chant, un effet qui, dit-il. À la suite de l'hymne, la Voix de Dieu est accompagné, comme il est dans tous ses avertissements et déclamations d'avant le déluge, par les notes "mi – si – fa" de la ligne de basse présenté dans l'ouverture de l'opéra, sonnant aux timbales. Après la réponse de Noé en récitatif, l'épisode musical suivant est l'entrée des enfants de Noé et de leurs épouses. Un passage qui, comme le suggère Carpenter, remplace le pessimisme des adultes avec. La mélodie syncopée de la chanson des enfants est dérivée de la dernière ligne du récitatif de Noé :.  Madame Noé et ses commères entrent sur une transformation (en "fa-dièse" mineur) de la mélodie des enfants, qui reflète leur attitude moqueuse. Dans la chanson de Noé, autour de l'arche à construire, le leitmotiv du déluge, dérivée de la première ligne de l'hymne d'ouverture, revient comme un refrain solennel. La musique qui accompagne les travaux de construction, sollicite fortement l'orchestre des enfants et comprend des trilles de flûte à bec, pizzicato des cordes à vide, et des coups dur des blocs chinois. Après un bref the brief "quarrel" en duo entre Noé et son épouse dans une mesure à 6/8, des percussion et timbales, la Voix de Dieu donne l'ordre de remplir l'arche. Une fanfare de Bugle annonce l'arrivée des animaux, qui marchent dans l'arche d'un air « désinvolte et innocent », dans lequel Roseberry détecte l'esprit de Mahler ; les fanfares rythment l'ensemble de la marche. Les oiseaux sont le dernier groupe pour entrer dans l'arche, à l'accompagnement d'une troisième partie canon chanté par les enfants de Noé et leurs épouses. Dans la scène finale avant la tempête, où Noé et sa famille tentent de persuader Madame Noé à se joindre à eux dans l'arche ("sol" majeur), la musique exprime l'obstination de Madame Noé en ayant sa réponse accompagnée d'une pédale en "ré-dièse", préparant le scherzo des commères en "mi" mineur. Madame Noé reçoit une gifle, quand finalement elle est persuadé, le tout accompagné d'un grand fortissimo en "mi" majeur.  La scène de la tempête, qui forme le centre de l'opéra, est une passacaille étendue. Le thème utilise l'ensemble de échelle chromatique. Dans une longue introduction instrumentale, libre cours est donné aux différents pupitres de l'orchestre des enfants. Les tasses en bandoulières, frappées avec une cuillère en bois, donnent le son des premières gouttes de pluie. Les trilles des flûtes à bec représentent le vent, les cordes imitent les vagues, tandis que les accords de piano décrivent le leitmotiv de l'inondation. Le son construit un à "climax" avec le tonnerre et la foudre de la percussion. À l'apogée de la tempête, lorsqu'est chanté « Père éternel », le thème de la passacaille fournit la ligne de basse de l'hymne. Après l'hymne, la fureur en mineur de la passacaille progressivement s’atténue et se résous, dans ce Roseberry décrit comme semblable à celle du "finale" de la Pastorale de Beethoven. La réapparition de Noé est suivie par de brèves valses pour le corbeau, accompagnées du violoncelle solo, et la colombe, celle-ci évoqué par la les coups de langue de la flûte à bec solo, dont la mélodie est inversée lors du retour de la colombe.  Après l'instruction de Dieu, les gens et les animaux quittent l'arche, chantant un chœur reconnaissants d'« Alleluias », avec en plus des fanfares de bugle en "si-bémol". L'apparition de l'arc-en-ciel est accompagné du carillon des clochettes, un son qui domine les dernières étapes de l'œuvre. Dans l'hymne canonique final, les mélodies principales se déplacent de "fa" majeur à "sol" majeur et une chanté sur les appels de bugle réitérés, rejoints par les clochettes. Dans le troisième verset, l'orgue fournit une brève intervention dissonante, "the one jarring note in "Noye's Fludde"" according to the musicologist. Graham Elliott believes that this may be a musical joke in which Britten pokes gentle fun at the habits of some church organists. Les carillons, mêlés de tasses en bandoulière et de cloches qui continuent pendant la bénédiction finale de Dieu. À la disparition de Noé, l'orchestre offre un salut fortissimo final. L'opéra se conclus pacifiquement avec le carillon des clochettes en "si-bémol" en alternance avec les accords en "sol" des cordes –, selon Roseberry.

Publication.

Plusieurs des caractéristiques nouvelles de l'opéra, notamment l'utilisation d'un grand orchestre amateur, et plus particulièrement l'utilisation des clochettes, ont posé des problèmes pour l'éditeurs de Britten, Boosey & Hawkes. Ernst Roth a demandé au sujet de la disponibilité des clochettes à la firme Mears & Stainbank (la fonderie de cloche de Whitechapel à Londres) et a écrit à Britten pour lui demander de préparer une version alternative simplifiée de "Noye's Fludde" destinée à la publication, depuis la rareté des clochettes dans la tonalité de "mi-bémol" fait la partition originale, à son avis, impraticable. Britten a résisté à une telle proposition : Britten a suggéré que Boosey & Hawkes devaient plutôt investir dans un ensemble de clochettes en "mi-bémol" en location pour les spectacles ; ou que la partie de clochettes pourrait être tout simplement repéré dans la partie de duo de piano. Plus tard, après la publication de la partition et dans la pers score a été publié et dans la perspective de l'imminente présentation à Ettal, Britten a suggéré qu'il pourrait tenter de réécrire la musique pour un ensemble de clochette en "ré" ; depuis les ensembles dans cette tonalité ont été plus fréquents qu'en "mi-bémol".  Dans le cas, Britten n'a jamais préparé de version alternative pour instrumentation réduite. Il était d'accord cependant, pour publier une partition « moins encombrante », en présentant les groupes de flûtes à bec amateurs, cordes en ripieno et percussions sous la forme de courtes partitions, bien entendu les partitions complètes pour ces groupes étant disponibles à la location pour les répétition et les représentations. La partition d'orchestre complète a été publié en 1958, et la partition vocale, préparée par Imogen Holst, avec le livret traduit en allemand par le prince Ludwig de Hesse et du Rhin, sous le pseudonyme de Ludwig Landgraf, l'année suivante.  Autres textes

Noye's Fludde (l'Arche de Noé, littéralement l'inondation de Noé) est un opéra en un acte, destiné pour l'essentiel aux artistes amateurs, en particulier des enfants, composé par le britannique Benjamin Britten. La création de l'œuvre a eu lieu le au Festival d'Aldeburgh. L'action est basée sur une pièce du, le mystère de Chester, qui raconte l'histoire biblique de Noé, le déluge et l'arche. Britten ayant précisé que l'opéra devait être mis en scène dans les églises ou de grandes salles, mais pas au théâtre.


Biographie.

Une bonne carrière de joueur en Pologne.

Au poste de défenseur ou de milieu défensif entre les années 1990 et 2010, Piotr Stokowiec joue 131 matchs de première division polonaise, avec le KSZO Ostrowiec Świętokrzyski, le Śląsk Wrocław, le Dyskobolia Grodzisk Wielkopolski et le Polonia Varsovie. Il connaît également deux courtes expériences à l'étranger, à l'Akademisk Boldklub Copenhague au Danemark et à Notodden en Norvège.  Alors qu'il décide de mettre un terme à sa carrière à l'issue de la saison 2006-2007 au Wigry Suwałki, après avoir été son entraîneur lors de la deuxième partie de saison, il est contraint d'y revenir disputer deux nouveaux matchs en août 2007, pour faire face à une pénurie de joueurs dans la ligne arrière.

Parcours d'entraîneur.

Après six mois en tant qu'entraîneur-joueur à Suwałki, Piotr Stokowiec rejoint en 2009 le staff technique de Paweł Janas au Widzew Łódź. Il suit ce dernier à l'été 2010 pour partir au Polonia Varsovie, son ancien club, et devenir l'adjoint de l'Espagnol José Mari Bakero. Il restera en poste après l'éviction de celui-ci, pour être sous les ordres de Janas puis de Theo Bos.  Les résultats du Polonia n'étant pas meilleurs avec le Néerlandais, Bos est limogé en mars 2011, deux mois seulement après son entrée en fonction, et est remplacé par Stokowiec qui devient entraîneur par intérim. Remplacé par la suite par Jacek Zieliński, il reste toutefois au club pour dans un premier temps être responsable de l'analyse du jeu, puis dans un second diriger l'équipe réserve à partir du.  En juillet 2012, après le changement de propriétaire au sein du Polonia Varsovie, Piotr Stokowiec est à nouveau nommé sur le banc de l'équipe première, mais cette fois-ci de façon permanente. Sa première saison en première division est satisfaisante, le Polonia se classant à la sixième place, à quatre points d'une qualification pour la Ligue Europa. Cependant, pour des questions d'impayés de salaires et de nombreuses dettes, le Polonia Varsovie ne reçoit pas de licence pour la saison suivante de la part de la commission des clubs de la fédération polonaise et est contrait de redémarrer en cinquième division.  Libéré par le Polonia, Stokowiec est nommé entraîneur du Jagiellonia Białystok le. Malgré un bon parcours en Coupe de Pologne (demi-finale atteinte), les résultats du Jagiellonia sont décevants et l'entraîneur est limogé le, après une lourde défaite contre le Lech Poznań.  Le, il signe un contrat avec le Zagłębie Lubin, à la lutte pour se maintenir en première division. Alors qu'il ne lui reste que quatre matchs à jouer, Stokowiec les perd tous, dont un sur forfait après des incidents en tribune, et le Zagłębie, dernier du classement, descend en deuxième division. Conforté toutefois à son poste après cet échec, le Polonais réussit brillamment à ramener le club vers l'élite à l'issue de la saison 2014-2015.

Statistiques.

Le tableau ci-dessous représente les statistiques de Piotr Stokowiec en tant qu'entraîneur principal :

Piotr Stokowiec, né le à Kielce, est un joueur polonais de football qui exerce aujourd'hui la fonction d'entraîneur. Il est actuellement sans club depuis son départ du Zagłębie Lubin le.


Biographie.

Les jeunes années.

Peter Denis est le fils d'un réfugié huguenot ; il entre au de Chester et s'engage très jeune dans la Marine. Il est cadet sur le HMS "Centurion", alors sous les ordres de George Anson qui allait entreprendre son périple autour du monde en 1740.  Peter Denis devient lieutenant en 1739. Le, dans les mers du Sud, il prend le commandement de à bord d'un cotre, à la poursuite d'un vaisseau espagnol. Il réussit son abordage et ramène sa prise en provenance de Guayaquil et en route pour Callao. Bien que le navire soit de peu de valeur, les informations collectées lors de sa capture sont déterminantes pour l'attaque de Paita quelques jours plus tard.  En 1745, Denis reçoit le commandement du vaisseau de. Peu après, il obtient le commandement temporaire du avec lequel il capture un corsaire français et reprend deux navires marchands britanniques.

La guerre de Succession d'Autriche (1740 - 1748).

En 1747, il revient à bord du "Centurion", cette fois-ci comme capitaine ; il prend alors part à la bataille du cap Finisterre en, sous les ordres d'Anson, devenu amiral. Celui-ci, alors que l'ennemi est identifié, ordonne la chasse, estimant que la flotte française va essayer de prendre la fuite et essayer de prendre le large à la faveur de la nuit tombante. Le "Centurion" rentre rapidement en action ; il attaque le dernier navire de l'arrière-garde française et menace deux autres vaisseaux plus importants, attendant que le gros de l'escadre anglaise arrive. Les faits d'armes de Denis lui valent l'honneur de rapporter la nouvelle de la victoire d'Anson en Angleterre ; Anson doit à cette victoire son entrée dans la pairie. Le lien entre Denis et Anson s'en trouve renforcé.

La guerre de Sept Ans (1756 - 1763).

La carrière navale de Peter Denis se poursuit par l'obtention du commandement du HMS "Namur" qu'il mène durant le raid sur Rochefort en dans l'escadre commandée par l'amiral Edward Hawke. Le, il est le capitaine du HMS "Dorsetshire" qui capture le navire français Le "Raisonnable" dans le Golfe de Gascogne. Le "Dorsetshire" participe à la bataille des Cardinaux, avec Denis comme capitaine, le.

La carrière politique.

En 1754, Peter Denis entre au Parlement, représentant la dans le Yorkshire, fief d'Anson qui a le pouvoir d'en choisir les parlementaires. Durant Denis partage ce siège avec un autre officier de la Royal Navy, Charles Saunders, futur Premier lord de l'Amirauté.

Les dernières années.

En 1767, Peter Denis reçoit le titre de baronnet de St Mary's dans le comté de Kent, mais n'ayant laissé aucun héritier, le titre s'éteint à sa mort.  En 1771, il devient, basé sur la Medway, avec son pavillon à bord du, un vaisseau de 64 canons.  Il meurt en 1778, ayant atteint le grade de "vice admiral of the Red".

Peter Denis, né en 1713 et mort le, est un officier de la Royal Navy. Il prend part à la guerre de Succession d'Autriche et à la guerre de Sept Ans, s’élevant au rang de "vice admiral of the Red". Il est également "Member of Parliament" de 1754 à 1768.


Biographie.

Carrière en club.

Formé à l'Étoile de Lusitana, un centre au Sénégal, Mbaye rejoint en 2010 l'Inter Milan, en Italie, où il signe officiellement en, à 16 ans. Il intègre alors l'équipe des moins de 17 ans du club, puis rapidement l', avec laquelle il remporte le tournoi NextGen Series en 2012 et le championnat d'Italie. Andrea Stramaccioni promeut Mbaye en équipe première le, sans le faire jouer cependant.  La saison suivante, Mbaye fait ses débuts en équipe première. Il joue quelques matchs amicaux, puis dispute son premier match officiel en tour préliminaire de coupe d'Europe, face à l'Hajduk Split, comme défenseur gauche. Il n'est cependant pas retenu parmi les 17 joueurs étrangers autorisé par le règlement européen. Peu après ses 18 ans, Mbaye signe un nouveau contrat avec l'Inter.  En 2013-2014, il est prêté à Livorno, en Serie A, pour gagner du temps de jeu. Avec Livourne il dispute 25 matchs en première division, inscrivant 2 buts. Le, Mbaye est prêté au Bologna CF jusqu'à la fin de la saison, avec une option d'achat automatique en cas de promotion (fixée à 3 millions d'euros). Il participe activement aux bons résultats de sa nouvelle équipe, qu'il rejoint donc définitivement l'été suivant.

Carrière internationale.

Ibrahima Mbaye compte quelques sélections en équipe du Sénégal des moins de 20 ans.  Il est pour la première fois en sélection A en par le nouveau sélectionneur Aliou Cissé, à l'occasion d'un match amical face au Ghana, mais il n'entre pas en jeu.

Ibrahima Mbaye, né le à Guédiawaye, près de Dakar, est un footballeur internationalsénégalais. Il évolue comme défenseur. Il rejoint en 2015 le club italien de Bologne.


Carrière.

Débuts dans le rugby à sept et au Stade toulousain.

Sacha Valleau commence le rugby à XV à l'âge de 10 ans, et commence le rugby à sept au pôle espoir de Toulouse. Il est ensuite appelé dans l'équipe de France de rugby à sept des moins de 18 ans, à l'occasion d'un tournoi à Dubaï aux Émirats arabes unis. Sacha Valleau est sacré champion olympique de la jeunesse en 2014 avec l'équipe de France de rugby à sept des à Nanjing en Chine, en tant que capitaine d'équipe. La saison suivante, il intègre le groupe espoir de son club formateur, le Stade toulousain, ainsi que le pôle France de Marcoussis. Cela lui permet d'être appelé par Jean-Claude Skrela, entraineur de l'équipe de France de rugby à sept, fait appel à lui à lui pour les tournois asiatiques de Hong Kong et de Tokyo. Cette saison, il est aussi sacré champion d'Europe avec l'équipe de France de rugby à sept des moins de 19 ans.

Équipe de France de rugby à sept.

À l'issue de cette saison, il se voit proposer un contrat espoir par des clubs de Top 14, comme le Castres olympique, l'ASM Clermont Auvergne et son club formateur, le Stade toulousain, mais aussi par la Fédération française de rugby pour intégrer le groupe professionnel de l'équipe de France de rugby à sept. Il explique en partie ce choix en raison des Jeux olympiques se disputant à la fin de la saison. Il signe donc un contrat fédéral d'une durée de 2 ans et joue donc la saison 2015-2016 des World Series.  Cette saison, Sacha Valleau dispute neuf tournois sur dix possibles et participe aux troisième place lors des tournois de Dubaï (en battant notamment les champions du monde fidjiens 17 à 14) et de Paris. Il dispute également la rencontre lors du tournoi de Singapour contre la Nouvelle-Zélande, match remporté par la France sur le score de 24 à 0, équipe que les bleus n'avaient pas battu depuis 2005.  Il fait partie de l'équipe de France qui dispute les Jeux olympiques, et qui échoue en quart de finale face au Japon (12-10).

Sacha Valleau, né le, est un joueur français de rugby à XV et à sept. Après avoir été formé au rugby à XV au poste de troisième ligne aile au Stade toulousain, il s'engage en 2015 avec la Fédération française de rugby et son équipe de rugby à sept.


Biographie.

Jean Quiquampoix naît le à Paris 19. En, sa famille s'installe à Antibes où il entame l'enseignement secondaire au collège Pierre Bertone. Il découvre le tir un mercredi après-midi au Tir Sportif d'Antibes et rapidement s'oriente vers le tir au pistolet à (pistolet à plomb), discipline dans laquelle il accèdera à plusieurs podiums notamment des titres départementaux et régionaux.  Cadet première année (14-16ans), Jean Quiquampoix découvre le pistolet vitesse (pistolet 22 long rifle). Il apprécie la discipline pour sa vivacité et son caractère ludique. Alliant à la fois rapidité et précision, il faut tirer dans le temps imparti (8, 6 et 4 secondes) 5 cartouches le plus au centre de chacune des 5 cibles, disposées à.  Pour son premier championnat de France à Bordeaux dans cette discipline (2010), il se distingue en remportant la médaille de bronze. Il découvre alors une compétition d'envergure nationale et en apprécie l'ambiance. Fort de ses résultats il est sélectionné en équipe de France et participe en catégorie Junior à son premier championnat d'Europe à Bologne en 2012 où il décroche la médaille d'or. (Score 573 + 27 en finale)  En 2013, pour son deuxième championnat d'Europe, Jean Quiquampoix sort premier après la phase de qualification avec un score de 574. Il finit après finale. Grâce à des belles performances en junior, il est intégré au collectif France senior et commence les stages avec les seniors de l'équipe de France et participe à des coupes du monde en senior où il se classe 29, 33 et.  Après cet échec malgré un restant de saison correct, l'objectif suivant est le championnat du monde junior à Grenade en.  En cette année 2014, Jean Quiquampoix remporte toutes les compétitions internationales de préparation. Pour clôturer cette belle saison, Il s'offre le titre de champion du monde junior à Grenade.  Fort de ce titre, il intègre pleinement le collectif senior et participe aux coupes du monde senior sélectives pour les Jeux olympiques.  Lors de la première manche en avril à Changwon, Jean Quiquampoix tire 582 points et se classe après la phase qualificative. Il apprécie le format de la finale où il se distingue en gagnant la coupe du monde avec 29 points.  Il gagne un quota pour les Jeux olympiques de Rio. Lors de la finale des coupes du monde en (compétition qui réunit les 10 meilleurs tireurs de la saison passée) Jean Quiquampoix gagne cette compétition et le globe de cristal, haute distinction du tir sportif.  Très motivé pour gagner les Jeux olympiques, Jean Quiquampoix, en cette année 2016 gagne 2 médailles sur les 4 coupes du monde. Il est finaliste et finit à Bakou pour la dernière coupe du monde avant les Jeux.  Le, Jean Quiquampoix obtient la médaille d'argent à l'épreuve du pistolet vitesse aux Jeux olympiques de Rio.  Il gagne une médaille d'argent aux Jeux européens de 2019 à Minsk.  En parallèle, Jean suit une formation à l'Institut de Formation en Masso-Kinésithérapie à Marseille pour exercer la profession de kinésithérapeute du sport.  C'est en septembre 2018, durant les Championnats du Monde à Changwon (Corée du sud) que Jean décroche son quota pour les Jeux olympiques de Tokyo.

Jean Quiquampoix, né le dans le de Paris, est un tireur sportif français évoluant dans la discipline pistolet vitesse 25m. Il est vice champion olympique aux Jeux Olympiques de Rio de Janeiro en 2016. A de nombreuses reprises, il remporte des compétitions internationales. Il est pré-qualifié pour les Jeux Olympiques de Tokyo en 2020.


Carrière.

En 1994, Bodanzky co-écrit et réalise le court métrage "Cartão Vermelho" avec Guilherme Vasconcelos. L'année suivante, elle produit et participe au montage du court métrage "Pedro e o Senhor" de Luiz Bolognesi. En 1999, elle co-réalise avec Luiz Bolognesi le documentaire "Cine Mambembe - O Cinema Descobre o Brasil", qui remporte le prix du meilleur documentaire de plusieurs festivals brésiliens et internationaux (Cuba, États-Unis et Uruguay notamment).  En 2001, Bodanzky dirige le long métrage "Bicho de Sete Cabeças", écrit par Luiz Bolognesi. Elle rencontre dans un premier temps des difficultés à obtenir un financement pour ce film, en raison de la réticence de plusieurs entreprises à soutenir un film portant sur la drogue. Le film est finalement réalisé avec comme acteurs principaux Rodrigo Santoro, Cássia Kiss et Gero Camilo. L'année suivante, elle co-réalise le documentaire "Guerra dos Paulistas" avec Luiz Bolognesi qui porte sur la révolution brésilienne de 1932.  Elle co-écrit et réalise en 2007 le film "Tourbillons" (titre original : "Chega de Saudade") puis, trois ans plus tard, elle réalise "As Melhores Coisas do Mundo", film écrit par Luiz Bolognesi. En 2012, Bodanzky participe au projet "Mundo Invisível" en réalisant l'un des douze sketches du film, "O Ser Transparente". L'année suivante, elle écrit et réalise le documentaire "Mulheres Olímpicas", qui porte sur la place des femmes dans le domaine du sport.  En 2014, Bodanzky co-réalise la série documentaire "Educação.doc" avec Luiz Bolognesi. Cette série comprend 5 épisodes de 20 minutes et traite notamment de l'éducation dans les établissements publics brésiliens. Pour réaliser cette série, Bodanzky et Bolognesi ont interviewé des élèves et des professeurs de huit différents établissements brésiliens pour comprendre comment améliorer la qualité de l'enseignement public brésilien. En 2015, Bodanzky participe à l'écriture du scénario de la deuxième saison de la série brésilienne "Psi", aux côtés des réalisateurs Alex Gbassi, Tata Amaral et Rodrigo Meirelles, entre autres.

Laís Bodanzky (née le à São Paulo) est une réalisatrice, scénariste et productrice brésilienne. Elle a notamment réalisé le film "Bicho de Sete Cabeças" (2001) qui a remporté de nombreux prix au Festival de Biarritz Amérique latine, au Festival international du film de Carthagène (Colombie), au Recife Cinema Festival (Brésil) ou encore au Festival international de films de femmes de Créteil. Laís Bodanzky est mariée au réalisateur et scénariste brésilien Luiz Bolognesi, avec qui elle a deux enfants.