Besteigungsgeschichte.

Erste Versuche.

Im Jahre 1952 bestiegen die französischen Bergsteiger Lionel Terray und Guido Magnone erstmals den Fitz Roy und urteilten über den in Sichtweite aufragenden Cerro Torre, dieser sei ein „unmöglicher Berg“. Dennoch fanden sich schon wenige Jahre später Kletterer aus Europa am Cerro Torre ein, um eine Besteigung dieses möglicherweise schwierigsten Bergs der Welt zu versuchen. Die ersten Besteigungsversuche datieren aus dem Jahr 1958, als die Italiener Walter Bonatti und Carlo Mauri über die Westseite eine beachtliche Höhe erreichten, jedoch nicht bis in die Gipfelregion vordringen konnten. Eine gleichzeitig auf der Ostseite des Bergs operierende italienische Expedition unter Bruno Detassis mit dem Trentiner Cesare Maestri musste ebenfalls aufgeben, ohne einen ernsthaften Versuch am Berg unternommen zu haben. Während Bonatti im darauffolgenden Jahr auf einen zweiten Versuch verzichtete und der französische Extrembergsteiger Jean Couzy kurz vor einer geplanten Expedition zum Cerro Torre tödlich verunglückte, kehrte Cesare Maestri für einen Versuch an den Berg zurück.

Maestri und Egger 1959.

Die Erstbesteigung soll schließlich am 30. Januar 1959 Cesare Maestri und dem Tiroler Toni Egger über die Nordwand gelungen sein. Beim Abstieg verunglückte Egger durch eine Eislawine tödlich. Da seine Kamera, die angeblich das Gipfelfoto enthielt, verloren ging, konnte Maestri nicht beweisen, dass er tatsächlich den Gipfel erreicht hatte. Ab 1968 wurden seine Schilderungen von immer mehr Bergsteigern in Zweifel gezogen und der Cerro Torre mitunter weiterhin als „unmöglicher Berg“ bezeichnet.  Cesare Maestri rückte trotz vieler erheblicher Widersprüche in den Schilderungen der Expedition von 1959 und des Ausbleibens von Funden der damals angeblich in der Felswand zurückgelassenen Ausrüstung nie davon ab, den Cerro Torre gemeinsam mit Toni Egger erstbestiegen zu haben. Verteidiger und Sympathisanten Maestris verweisen immer wieder auf die Eisschicht, mit der 1959 die Wände des Cerro Torre überzogen gewesen sein sollen und die dem hervorragenden Eiskletterer Egger schon damals trotz der mangelhaften Ausrüstung den Aufstieg ermöglicht habe. Kritiker (z. B. Reinhold Messner) führen dagegen die Argumente an, dass mit den Ausrüstungsgegenständen (v. a. den Eispickeln) und mit dem Kletterkönnen der 1950er Jahre ein Aufstieg über die extrem schwierigen Steilwände geradezu undenkbar sei, dass man schon längst Seil- und Hakenüberreste des damaligen Aufstiegs hätte finden müssen, wenn dieser tatsächlich stattgefunden hätte, und dass Maestris umstrittene Bohrhaken-Besteigung des Cerro Torre 1970 auf einer ganz anderen Route die vermeintliche Erstbesteigung von 1959 nicht beweise, sondern eher neue Zweifel schüre.

Kompressorroute 1970.

Elf Jahre später kehrte Maestri wegen der für ihn unerträglichen Zweifel und der Kritik der Öffentlichkeit zum Cerro Torre zurück, um sein Können zu beweisen. Diesmal versuchte er, sich mit Hilfe eines Kompressors und ungefähr 300 Bohrhaken über die Südwest-Flanke „hinaufzubohren“, scheiterte aber an den extrem widrigen Witterungsbedingungen des patagonischen Winters. Wenige Monate später reiste er ein viertes Mal zum Cerro Torre, um seine Route zu vervollständigen. Am 2. Dezember 1970 erreichte er mit zwei Kameraden das Ende der Felswand unterhalb des Gipfels, verzichtete aber darauf, den instabilen Gipfelschneepilz zu besteigen, den er ohnehin nicht als Gipfel betrachtete: . Maestri sah den Berg damit als bestiegen an und betrachtete seine Ehre als wiederhergestellt. Für einige Kritiker gilt dieser Versuch nicht als Besteigung, da Maestri nicht auf dem höchsten Punkt des Berges gestanden habe und nur mit Hilfe massiven Materialeinsatzes geklettert sei. Der Kompressor hängt noch heute eine Seillänge unterhalb des Gipfeleispilzes, Maestris Route ist heute unter dem Namen „Kompressorroute“ bekannt.

Anerkannte Besteigung 1974.

Zur ersten anerkannten Besteigung des Cerro Torre kam es 1974 durch eine von Casimiro Ferrari geleitete Expedition über die von Schnee und Eis durchsetzte Westwand („Ferrari-Route“ oder Via dei Ragni). Nach einer dreiwöchigen Schlechtwetterphase, die er mit Kameraden in einem Zelt hoch oben am Berg überstand, gelangte Ferrari, kurz bevor sie die zur Neige gegangenen Nahrungsmittel zum Abstieg gezwungen hätten, auf den Gipfel. Die Besteigung gilt als die erste zweifelsfrei dokumentierte Gipfelbesteigung des Cerro Torre, da der Gipfeleispilz bestiegen wurde und ein Beweisfoto vom Gipfel existiert.

Neuere Besteigungsgeschichte.

1977 gelang drei Amerikanern die erste Besteigung des Cerro Torre im Alpinstil über die Westseite, im Jahr 1979 wurde die Kompressorroute von Jim Bridwell erstmals wiederholt. 1985 erfolgte die erste Winterbesteigung durch vier Italiener; im selben Jahr führte der Schweizer Marco Pedrini die erste Solo-Besteigung in zwölf Stunden durch – beide über die Kompressorroute. 1986 durchstiegen Jugoslawen erstmals die Ostwand, 1988 eröffneten Slowenen eine Route in der Südwand. Die „Maestri-Egger-Route“ konnte mit den neuesten technischen Hilfsmitteln 46 Jahre lang von keiner Seilschaft erfolgreich wiederholt werden. Teilnehmer von mehr als 20 Expeditionen, die einen Versuch wagten, berichteten vom Fehlen der angeblich von Maestri gesetzten Stahlhaken, was die Zweifel am Gipfelerfolg Maestris und Eggers weiter untermauerte. Am 12. und 13. November 2005 konnten Alessandro Beltrami, Ermanno Salvaterra und Rolando Garibotti den Cerro Torre über die Nordwand besteigen und so die Maestri-Egger-Route „wiederholen“. Sie gaben ihrer Route den Namen "El Arca de los Vientos" und bewerteten sie mit dem Schwierigkeitsgrad "EX".  Vom 21. bis 24. Januar 2008 gelang Colin Haley und Rolando Garibotti die erste vollständige Überschreitung des Torre-Massivs (von Nord nach Süd). Die Deutsche Dörte Pietron durchstieg im Dezember 2008 als erste Frau die Westwand des Cerro Torre und stand als erste deutsche Frau auf dem Gipfel.  Die erste Durchsteigung der Südostwand entlang der Kompressorroute (VIII/A1) laut eigenen Aussagen „by fair means“ gelang am 16. Januar 2012 den beiden Nordamerikanern Hayden Kennedy und Jason Kruk. Allerdings kletterten sie ein Schlüsselstück technisch. Für die Besteigung benötigten die beiden Bergsteiger nur 13 Stunden und sie benutzen nach eigenen Angaben nur wenige der durch Maestri gesetzten Bohrhaken. Neben der großartigen alpinen Leistung erregte die Besteigung in der Kletterergemeinschaft vor allem deswegen großes Aufsehen, weil Kennedy und Kruk auf ihrem Abstieg einen Großteil der durch Maestri gesetzten Bohrhaken aus der Gipfelwand entfernten. Die Beseitigung der Haken und die daraus resultierende Zerstörung der historischen Kompressorroute wurde weltweit in Klettererforen kontrovers diskutiert und stößt neben zahlreichem Zuspruch teilweise auf erhebliche Kritik. Durch diese Aktion ist die Kompressorroute deutlich schwieriger geworden und der am häufigsten genutzte Aufstiegsweg ist inzwischen die Route von 1974 (Ferrari-Route) in der Westwand.  Am 21. Januar 2012 gelang den Österreichern David Lama und Peter Ortner die erste freie Begehung entlang der Kompressorroute (IX+/X-). Sie benötigten dafür 24 Stunden.  Der erste Durchstieg der Nordwand gelang Marc-Andre Leclerc und Colin Haley vom 2. bis 3. Februar 2015.

Filme.

Im Film "" des deutschen Filmregisseurs Werner Herzog liefern sich ein Bergsteiger und ein Freikletterer einen Wettkampf zum Gipfel des Cerro Torre, wobei Maestris umstrittene Erstbesteigung in der ansonsten fiktiven Handlung aufgegriffen wird.  Der Dokumentarfilm "Cerro Torre – Nicht den Hauch einer Chance" (Regie Thomas Dirnhofer) konzentriert sich auf die freie Besteigung des Berges durch David Lama und Peter Ortner auf der Kompressorroute im Jahr 2012. Dabei wird zunächst die Vorgeschichte der angeblichen Besteigung und die Kompressor-Tour von Maestri thematisiert. Zur Sprache kommt der Cerro-Torre-Veteran Jim Bridwell. Der von Red Bull Media House produzierte und vertriebene Film widmet sich der ausgiebigen Darstellung der an Grenzerfahrungen orientierten Mentalität der Extremkletterer. Kinostart in Deutschland war der 13. März 2014.  In der Dokumentation und Reportage "Mythos Cerro Torre" (Regie: Reinhold Messner) begibt sich der Regisseur und Extrembergsteiger auf Spurensuche nach der Wahrheit um die nicht bewiesene Erstbesteigung durch Cesare Maestri und Toni Egger am 30. Januar 1959.

Der Cerro Torre ("spanisch: „Turm-Berg“") ist ein 3128 Meter, nach anderen Quellen 3133 Meter hoher Granitberg, der sich im Nationalpark Los Glaciares am Rande zum Campo de Hielo Sur an der argentinisch-chilenischen Grenze befindet. Der Cerro Torre ist aufgrund seiner steil aufragenden, glatten Granitwände, die im oberen Bereich größtenteils mit Raureifeis bedeckt sind, und der extrem widrigen Wetterbedingungen nur sehr schwer zu besteigen und gilt daher unter Bergsteigern als einer der schwierigsten und zugleich schönsten Gipfel der Welt.

Cerro Torre is one of the mountains of the Southern Patagonian Ice Field in South America. It is located in a region which is disputed between Argentina and Chile, west of Fitz Roy (also known as Cerro Chaltén). The peak is the highest of a four mountain chain: the other peaks are Torre Egger (), Punta Herron, and Cerro Standhardt. The top of the mountain often has a mushroom of rime ice, formed by the constant strong winds, increasing the difficulty of reaching the actual summit.


Leben.

Gaufredus Malaterra, der Robert Guiskard und seinen Bruder Roger mit „Joseph und Benjamin“ vergleicht, sagt über Roger: „Er war ein junger Mann von größter Schönheit, hoher Statur, anmutiger Gestalt, äußerst redegewandt und gelassen in der Beratung. Er war weitsichtig in allen seinem Handlungen, freundlich und fröhlich mit all seinen Männern, stark und mutig, und wild in der Schlacht.“ Er teilte sich mit Robert Guiskard die Eroberung Kalabriens, und in einem Vertrag von 1062 richteten die Brüder eine Art „Kondominium“ ein, indem sie jedem die Hälfte von jeder Burg und jeder Stadt in Kalabrien zusprachen.  Robert wandte Rogers Aufmerksamkeit und Tatendrang auf Sizilien, das neben den Muslimen viele griechische Christen bewohnten, die arabischen Fürsten unterstanden, die wiederum vom Sultan von Tunis abhängig waren. Im Mai 1061 griffen die Brüder von Reggio Calabria aus Messina an und eroberten die Stadt. Nachdem Palermo im Januar 1072 gefallen war, machte Robert Guiskard als Souverän seinen Bruder zum Grafen von Sizilien, behielt aber Palermo, halb Messina und den nordöstlichen Teil, das Val Demone, für sich. Erst 1085 war Roger in der Lage, den systematischen Kampf gegen die muslimischen Herrscher aufzunehmen. Residenz und Hauptstützpunkt auf der Insel war Troina, in dem zeitgleich mit der Ernennung eines Bischofs in Mileto das erste lateinische Bistum in Sizilien errichtet wurde.  Im März 1086 unterwarf sich Syrakus, 1090 Malta und als im Februar 1091 Noto aufgab, war die Eroberung vollständig. Viel von Robert Guiskards Erfolg war Rogers Unterstützung zu verdanken, umgekehrt unterstützte letzterer den Herzog Roger Borsa, seinen Neffen, gegen Bohemund von Tarent, Capua und seine Rebellen, wobei die tatsächliche Führung in der Familie Hauteville an den sizilianischen Grafen überging. Als Gegenleistung für seine Hilfe gegen Bohemund und seine Rebellen übergab der Herzog 1085 seinem Onkel seinen Anteil an den Burgen Kalabriens und 1091 seinen Anteil an Palermo. Rogers Herrschaft in Sizilien war realer als die Roberts Guiskards in Italien. Bei der Verteilung der Lehen 1072 und 1092 wurden keine großen ungeteilten Besitztümer geschaffen, und die normannischen, französischen und italienischen Vasallen, die dem Grafen ihren Besitz verdankten, trübten folglich nicht Rogers Herrschaft durch wichtige feudale Revolten.

Kirchenpolitik.

Politisch der Oberste, wurde er auch der Herr der insularen Kirche. Er ließ der griechischen Kirche volle Freiheit, schuf neue lateinische Bistümer unter anderem in Syrakus und Agrigent, ernannte die Bischöfe selbst. Das Erzbistum Palermo wurde nach dem Tod des Erzbischofs Nicodemus, den die Normannen bei der Eroberung vorgefunden und wieder in der zwischenzeitlich zur Moschee umgewidmeten Kathedrale inthronisiert hatten, mit einem Lateiner besetzt. Der Papst, der einen Fürsten, der Sizilien den Muslimen abgenommen hatte, bevorzugte, gewährte ihm und seinen Erben 1098 das Amt des Apostolischen Legaten auf der Insel.

Toleranzpolitik.

Roger praktizierte eine allgemeine Tolerierung der Araber und der Griechen und erlaubte jeder Gruppe die Ausweitung ihrer eigenen Zivilisation. In den Städten behielten die Muslime ihre Moscheen, ihre Qadis und ihre Handelsprivilegien – auf dem Land wurden sie Leibeigene. Aus der Gruppe der Muslime rekrutierte er seine Infanterie, zu denen Anselm von Canterbury bei der Belagerung Capuas 1098 meinte, „die braunen Zelte der Araber seien nicht zählbar“ gewesen. Dennoch begannen bald die lateinischen Elemente zu überwiegen durch die Lombarden und andere Italiener, die während der Eroberung ins Land strömten.  Ein um 1098 in Mileto geprägter Trifollis zeigt uns den Grafen als Ritter auf dem Pferd, mit einem normannischen Schild und geschulterter Fahnenlanze sowie der Umschrift ROGERIUS COMES. Auf der Rückseite ist eine sitzende Gottesmutter mit Kind dargestellt. Roger, der „große Graf von Sizilien“, starb am 22. Juni 1101 in Mileto, Kalabrien, und wurde dort in der von ihm gegründeten Kirche Santa Trinità begraben.

Ehen und Nachkommen.

Er heiratete drei Mal. Seine erste Frau war Judith († 1076), Tochter des Grafen Wilhelm von Évreux und der Hawisa von Echauffour. Seine zweite Frau war Eremberga († 1087), Tochter des Grafen Robert von Mortain, und seine dritte Frau war Adelheid († 1118), Tochter des Markgrafen Manfred I. von Savona.  Mit seinen ersten beiden Frauen hatte er eine Reihe von Kindern, darunter:  Von seiner dritten Frau hatte er zwei Söhne, Simon und Roger II., die beide seine Nachfolger wurden, da die Söhne aus den beiden ersten Ehen schon vor ihrem Vater gestorben waren.

Roger I. (* 1031; † 22. Juni 1101 in Mileto, Kalabrien) war Herrscher von Sizilien und jüngster Sohn Tankreds von Hauteville.

Roger I ( – 22 June 1101), nicknamed Roger Bosso and The Great Count, was a Norman nobleman who became the first Count of Sicily from 1071 to 1101. He was a member of the House of Hauteville, and his descendants in the male line continued to rule Sicily down to 1194.  Roger was born in Normandy, and came to southern Italy as a young man in 1057. He participated in several military expeditions against the Emirate of Sicily beginning in 1061. He was invested with part of Sicily and the title of count by his brother, Robert Guiscard, Duke of Apulia, in 1071. By 1090, he had conquered the entire island. In 1091, he conquered Malta. The state he created was merged with the Duchy of Apulia in 1127 and became the Kingdom of Sicily in 1130.


Leben und Werk.

In seiner Jugend spielte Hubbard mit unterschiedlichen Musikern in Indianapolis, dazu zählten Wes Montgomery und dessen Brüder. Er studierte Musik in seiner Heimatstadt und ging danach nach New York.  Hubbards Karriere begann 1958 in New York City. Dort arbeitete er mit Ornette Coleman (auf dessen Album ""), mit John Coltrane (auf dessen Album Ascension 1965), mit Eric Dolphy (mit dem er 18 Monate zusammenwohnte und von dem er das „intervallische“ Spielen lernte mit Sprüngen von zwei Oktaven), Slide Hampton, J. J. Johnson, Philly Joe Jones, Quincy Jones (Soundtrack zum Film "The Pawnbroker" von Sidney Lumet), Oliver Nelson sowie Sonny Rollins zusammen und wurde durch sein Zusammenspiel mit Art Blakey und dessen Jazz Messengers 1961 bis 1964 bekannt. Hubbard spielte bei Blue Note Records 1960 bis 1965 acht Alben als Bandleader ein, sowie achtundzwanzig als Sideman. Die meisten dieser Aufnahmen gelten heute als Klassiker. 1970 etablierte ihn seine feurige, melodische Improvisation und seine phänomenale Technik als einen der führenden Trompeter seiner Zeit; allerdings brachte ihm eine Serie kommerziell orientierter Smooth-Jazz-Alben auch negative Kritiken ein.  Viele seiner Platten haben ganze Generationen von Trompetern beeinflusst. Stilistisch bewegten sich die Veröffentlichungen von Hubbard teilweise im Hard Bop-, teilweise im Fusion-Lager. Aus chronologischer Perspektive spiegeln seine Plattenveröffentlichungen die Entwicklung des Jazz vom Hardbop über das „freie“ Spiel in den 60er-Jahren hin zum elektrischen Sound der 70er-Jahre wider. Das Album "The Hub Of Hubbard" (MPS 1970) mit Stücken wie "The Things We Did Last Summer" (von Jule Styne) gilt als Meisterwerk des Jazz. Das in Villingen am 9. Dezember 1969 aufgenommene Album, produziert von Joachim Ernst Behrendt, war ein „Nebenprodukt“ der damaligen Europatournee. Seine wohl bekanntesten Werke sind die bei CTI Records erschienenen Fusion-Alben "Red Clay" von 1970 und das "California Concert" von 1971, bei dem er mitwirkte. Darüber hinaus ist das unter demselben Label erschienene Album "First Light" zu erwähnen, für welches er 1973 den Grammy in der Kategorie „Best Jazz Performance by a Group“ bekam. Die kongenialen Arrangements und Orchestrationen für Kammerorchester stammen aus der Feder des Arrangeurs und Komponisten Don Sebesky.  Mit Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter und Tony Williams, den Mitgliedern des berühmten zweiten Miles Davis Quintetts, bildete er seit 1976 die Gruppe "V.S.O.P.", die auch in Europa auf Tournee war und mehrere Alben einspielte.  Ein Lippenriss in der Oberlippe mit anschließender Infektion (der Verdacht eines Lippenkarzinoms bestätigte sich nach einer Biopsie nicht) lähmte ab 1993 für lange Zeit sein künstlerisches Wirken. Mit dem Album „New Colors“ (2001), das er mit dem "New Jazz Composers Octet" um David Weiss einspielte, gelang ihm ein Comeback am Flügelhorn (das weniger Lippenspannung verlangt).  2006 erhielt Hubbard die NEA Jazz Masters Fellowship.  Freddie Hubbard starb am 29. Dezember 2008 an Herzversagen in einem Krankenhaus in Los Angeles, wo er im November des Jahres wegen eines Herzinfarktes eingeliefert worden war.

Frederick Dewayne „Freddie“ Hubbard (* 7. April 1938 in Indianapolis, Indiana; † 29. Dezember 2008 in Sherman Oaks, Kalifornien) war ein US-amerikanischer Jazz-Trompeter und -Kornettist.

Frederick Dewayne Hubbard (April 7, 1938 – December 29, 2008) was an American jazz trumpeter. He played bebop, hard bop, and post-bop styles from the early 1960s onwards. His unmistakable and influential tone contributed to new perspectives for modern jazz and bebop.


Geschichte.

Die Geschichte der Straßenbahn begann am 27. August 1863 mit der Eröffnung der ersten Pferdebahn durch die französische Gesellschaft "Première Compagnie des tramways à Petersbourg". Die erste Strecke verlief vom "Admiralitejskaja-Platz" über den "Newski-Prospekt" zum heutigen "Moskauer Bahnhof". Sie wurde mit der russischen Breitspur von 1524 mm gebaut und war 4,3 Kilometer lang. Bereits im nächsten Jahr folgten zwei weitere Strecken mit einer Länge von je 3,5 Kilometern. Mit der Gründung der "Zweiten Aktiengesellschaft der Pferdebahnen in Sankt Petersburg" im Jahr 1874 begann der erste Boomphase der Bahnen in der Stadt. 1877 verkehrten bereits 27 Linien auf insgesamt 90,7 Kilometern Strecke. 1899 betrug die Streckenlänge 131,3 Kilometer. Im Jahr 1878 kam ein drittes Unternehmen hinzu. Die "Newskaja Vorortpferdebahn" nahm ihren Betrieb vom "Moskauer Bahnhof" in den heutigen Stadtteil "Rybazkoje" auf. Sie wurde 1902 von der Stadtverwaltung übernommen. Im September 1880 betrieb der Erfinder Fjodor Pirozki mit einem umgebauten Pferdebahnwagen auf einer präparierten Teilstrecke einer Petersburger Pferdebahn knapp einen Monat lang den ersten elektrischen Straßenbahndienst der Welt. Dann musste der Artillerieoffizier den Betrieb, der sein Hobby war, aus Geldmangel wieder einstellen. Der nächste elektrische Bahnbetrieb wurde ab den Jahren 1895 und 1896 von der "Finnischen Gesellschaft für Schifffahrt" durchgeführt, allerdings nicht auf dem Land. Die Gesellschaft verlegte in den Wintermonaten Gleise auf der zugefrorenen Newa. Sie umging mit ihren drei Linien das Monopol der "Zweiten Aktiengesellschaft der Pferdebahnen in Sankt Petersburg". Mit dem Neubau einer Brücke endete dieser Betrieb 1910. Erst am 29. September 1907 ging die erste dauerhafte und stadteigene elektrische Bahn in Petersburg in Betrieb. Ab 1915 begann man, die Pferdebahnstrecken zu elektrifizieren. Der Erste Weltkrieg und die damit verbundenen Engpässe in der Futterversorgung beendeten schließlich den Pferdebahnbetrieb in Sankt Petersburg. Auch die beiden Dampfstraßenbahnstrecken aus dem Jahr 1881 und 1887 wurden ab 1918 elektrifiziert. Diese Umstellung fand am 26. August 1922 ihren Abschluss.  Ab 1923 verkehrten die Züge nach einem festen Fahrplan. Bis 1941 wuchs das Netz weiter und erreichte eine Länge von rund 700 Kilometern. Mit dem Beginn der Blockade durch die deutsche Wehrmacht im Zweiten Weltkrieg begann für die Bahngesellschaft eine schwere Zeit. Bis zum Ende hatte die Bahn 500 Kilometer Oberleitung und 150 Fahrzeuge verloren. Weitere 1065 Wagen waren teilweise stark beschädigt.  Nach dem Krieg begannen die Reparaturen am Netz und an den Fahrzeugen. Bis 1947 war das Netz wieder vollständig hergestellt. In den folgenden Jahren wuchs es weiter. Bis 1986 hatte das Netz mit einer Linienlänge von 1022 Kilometern seine größte Ausdehnung erreicht. Zu diesem Zeitpunkt verkehrten fast 2200 Fahrzeuge. Mit der Perestrojka begann auch der Niedergang der Straßenbahn. Bis 1997 schrumpfte das Netz um fast 400 Kilometer. In diesem Jahr wurde auch die erste Linie aus dem Jahr 1863 nach mehr als 130 Jahren Betrieb eingestellt.

Heutiger Zustand.

Die Gleise und sonstigen Bahnanlagen sind vielerorts verschlissen. So kommen beispielsweise bis zu mehrere Zentimeter breite Schienenstöße vor, weshalb die Fahrgeschwindigkeit der Züge gering ist. Unter dem Vorwand, dass die Straßenbahn deshalb große Staus auf den Straßen verursachen würde, wurden Straßenbahnlinien stillgelegt und -strecken abgebaut sowie die in der Nähe vom Stadtzentrum (auf sehr teuer gewordenen Grundstücken) liegenden Depots abgerissen, um an deren Stelle neue Bürohäuser zu bauen, anstatt in die Unterhaltung von Anlagen und Fahrzeugen zu investieren.  Ende 2012 gelangten die ersten zwei Zweirichtungswagen des Typs 71-631 nach Sankt Petersburg, so dass das Umfahren ganzer Viertel mit diesem neuen Typ nicht mehr erforderlich ist, um an den Endhaltepunkten in die Gegenrichtung starten zu können. Die Gelenkwagen wurden zuvor mehrere Monate in Slatoust erprobt.  Am 7. März 2018 wurde der erste Abschnitt von 4,2 km der neuen Linie 8 als erste von einem privaten Konsortium betriebene Linie eröffnet. Die Strecke führt von der Station Ladoschskaja der Metrolinie 4 zur Chasanskaja Uliza. Stadler liefert insgesamt 23 Zweirichtungs-Fahrzeuge. Der nächste Abschnitt von 1,6 km Länge öffnet im Sommer 2018.  Eine zweite, privat betriebene Strecke soll von der Station Kuptschino der Metrolinie 2 nach Schuschary und Slawjanka führen.

Tarif.

Der Fahrpreis beträgt 40 Rubel, umgerechnet ca. 60 Cent (Stand Juni 2017).  In jedem Straßenbahnzug fährt ein Fahrkartenverkäufer mit. Einzelfahrten berechtigen nicht zum Umsteigen. Beim Einsteigen ist erneut ein Fahrschein zu lösen.

Die Straßenbahn Sankt Petersburg (/ "") ist ein Straßenbahnbetrieb in der russischen Stadt Sankt Petersburg. Noch 2002 hatte die Stadt mit einer Streckenlänge von 285 Kilometern und einer Linienlänge von rund 600 Kilometern das längste Straßenbahnnetz der Welt. Mittlerweile ist das Netz durch Streckenstilllegungen nur noch das viertlängste.

Trams in Saint Petersburg are a major mode of public transit in the city of Saint Petersburg, Russia. Saint Petersburg once had the second-largest tram network in the world, consisting of about of unduplicated track in the late 1980s. However, since 1995 the tramway network has declined sharply in size as major portions of track were removed, particularly in the city centre. Saint Petersburg lost its record to Melbourne, Australia. While it still had of length in 2002, by early 2007 the tram network's had declined to just over , and by the 2010s operated on just of network.  The system is operated by "Gorelektrotrans" (), a municipal organization that operates St. Petersburg's 41 tram routes, as well as the city's trolleybus network.


Leben.

Frühe Jahre.

Derain wurde am 10. Juni 1880 in Chatou geboren. Sein Vater war ein wohlhabender Konditor und Stadtrat. Nachdem er die Schule Saint-Croix in Le Vésinet besucht hatte, ging er auf das Lycée Chaptal in Paris und gewann dort im Jahre 1898 einen Preis für Zeichnen und einen für Naturwissenschaften.  Derain wandte sich früh der Malerei zu und etwa im Alter von 15 Jahren erhielt er einige Unterrichtsstunden von le père Jacomin, dessen Sohn sein Klassenkamerad war. Derain gestand später, dass er wahrscheinlich nichts aus diesem Unterricht gelernt habe.  Seine Eltern beabsichtigten ihn zum Offizier oder Ingenieur zu machen, und als Schritt zur Erreichung dieses Ziels wurde er auf die École des Mines in Paris geschickt.  Durch die Freunde, die er in Paris gewann, wurden seine künstlerischen Ambitionen gefördert und seine intellektuellen Bedürfnisse angeregt. Zu diesen Freunden gehörten der Sohn des symbolistischen Dichters Villiers de L'Isle-Adam, Linaret, ein Malerfreund und der Comte de la Noue, ein junger, exzentrischer bretonischer Aristokrat.

Aufenthalte in Paris – Fauvismus (1898–1907).

Derain besuchte von 1898 bis 1899 die Académie Camillo in der Rue de Rennes in Montparnasse, wo er von Eugène Carrière unterrichtet wurde.  Eine wesentliche Änderung in seinem Leben verursachte die im Jahre 1900 beginnende Freundschaft mit Maurice de Vlaminck, der einige Jahre älter war als Derain. Bei ihren Zusammentreffen diskutierten sie die anarchistischen und die naturalistischen Autoren oder Cézanne und Courbet und die „Primitiven“. Es war die Leidenschaft für das Radikale, die die Themen ihrer Gespräche formte und die Vlaminck, begierig die Vergangenheit herauszufordern, dazu veranlasste, reine Grundfarben für seine Bilder zu verwenden.  Bei einem Besuch der van Gogh-Retrospektive in der Galerie Alexandre Bernheim (später Bernheim-Jeune) im Jahr 1901 machte er Vlaminck mit Henri Matisse bekannt, den er zuvor beim Kopieren klassischer Werke im Louvre kennengelernt hatte. Daraufhin erfolgte ein Besuch, den Matisse beiden jungen Männern in Chatou abstattete. Matisse berichtete darüber: „Die Malerei von Derain und Vlaminck überraschte mich nicht, denn sie kam den Studien, die ich selbst machte, sehr nahe.“ Somit waren bereits die Künstler beieinander, die wenige Jahre später den Fauvismus hervorbrachten. Im Herbst 1901 wurde Derain zum Militärdienst einberufen und konnte seine Studien nur noch sporadisch fortsetzen. Er malte in den Folgejahren eine Reihe von Dekorationen für die Soldatenunterkünfte in Commercy, die jedoch sofort wieder übertüncht wurden. Er begann eine langanhaltende Korrespondenz mit Vlaminck.  Nach Beendigung seiner Militärzeit im Jahr 1904 überredete Matisse Derains Eltern, die andere Pläne mit ihrem Sohn verfolgten, ihm zu erlauben, sich von nun an nur noch der Malerei zu widmen. Derain schrieb sich entgegen dem Rat Vlamincks an der Académie Julian ein. Zur gleichen Zeit bekundete er sein Interesse für afrikanische Kunst und verweilte 1905 zusammen mit Matisse in Collioure. Im Herbst 1905 kam es im Salon d'Automne zur Ausstellung der in Collioure entstandenen Arbeiten, woraufhin der Zeitungskritiker Louis Vauxcelles die Maler als "Fauves" bezeichnete.  Ambroise Vollard kaufte die Arbeiten Derains auf und nahm ihn unter Vertrag. In den Jahren 1905 und 1906 besuchte er London. In dieser Zeit entstanden seine persönlichsten fauvistischen Arbeiten. 1906 schloss Derain Freundschaft mit Picasso, nachdem er schon zuvor mit Guillaume Apollinaire Kontakt geknüpft hatte.  Heute erinnert der "Chemin du Fauvisme" in Collioure an die dortige Entstehung des Fauvismus: An 20 Stellen, wo die Staffeleien von Matisse und Derain standen, sind Reproduktionen der dort entstandenen Gemälde angebracht.

Umzug nach Paris – Kubismus (1907–1914).

Im Jahr 1907 folgte der Umzug von Chatou nach Paris, in das Atelierhaus Les Fusains, 22 rue de Tourlaque, Montmartre. Während seiner Jahre in Chatou hatte er bereits viele der jüngeren Mitglieder des Montmartre-Kreises kennengelernt. Er liebte besonders die Diskussionen an den Restaurant- und Cafétischen und war in ständigem Kontakt mit Picasso, Braque, van Dongen und Vlaminck.  Derain unterzeichnete bei dem Galeristen Daniel-Henry Kahnweiler einen Exklusivvertrag und stand mit Picasso in engem Kontakt, als dieser die Arbeit zu Les Demoiselles d’Avignon in Angriff nahm.  Im Sommer des Jahres 1909 hielt er sich mit Braque in Carrières-Saint-Denis auf, 1910 mit Picasso in Cadaquès (Spanien). Im Herbst 1909 starb sein Vater. Drei seiner Werke waren in der Ausstellung "Manet und die Nach-Impressionisten" vertreten.  In den Folgejahren unternahm der Künstler weitere Reisen, so unter anderem nach Beauvais, Serbonne-sur-le-Grand Morin, nach Camiers in Palais de Calais, nach Vers in der Lot und 1913 nach Martigues.

Erster Weltkrieg und die Jahre danach (1914–1921).

Derain war mit Braque und Picasso in Montfavet, als der Krieg ausbrach, und wurde zu den Waffen gerufen. Er diente bei einer motorisierten Einheit in der Champagne, an der Somme, in Verdun, in L'Aisne und in den Vogesen. Während seines Soldatenlebens fertigte er Illustrationen zu André Bretons "Mont-de-Pieté" an und stellte im Herbst 1916 in der Galerie Paul Guillaume in Paris aus.  Kurz nach der Entlassung aus der Armee gab Derain sein Debüt in der Theater- und Ballettwelt. Diaghilev beauftragte ihn, Bühnenbilder, Vorhang und Kostüme für "La Boutique Fantasque" — Musik von Rossini, Choreographie von Massine — zu entwerfen. Die Erstaufführung fand am 5. Juni 1919 im Alhambra Theatre, London, statt.  Kahnweiler, der 1920 nach Paris zurückkehrte, kaufte nun wiederum bis 1922 die Arbeiten Derains auf. Von 1921 bis 1922 weilte Derain in Rom und erhielt im Jahre 1923 von Jean Renoir als Gegenleistung für ein Porträt – Derain malte dessen Frau – vier kleine Bilder von dessen Vater Auguste Renoir.

Jahre der Kritik (1922–1939).

Gegen Ende der zwanziger Jahre, in der er unter anderem 1928 den Carnegie-Preis für "Nature morte: La Chasse" erhielt, begannen die Jahre der sich gegen ihn einsetzenden Kritik, die sich unter anderem in dem Buch "Pour ou Contre Derain" zeigt. Obwohl ihn verschiedene Maler und Kritiker in dieser Publikation verteidigten, wurde die Sache der Anklage von Pierre Courthion und Jacques-Emile Blanche vorgetragen: „Glaube und Heftigkeit, wie sie in seinen frühen Versuchen sich bezeugen, scheinen durch die Indifferenz eines Skeptikers ersetzt, der überwältigt wurde durch seine Kenntnis zu vieler Meisterwerke, die er in den Museen und Sammlungen gesehen hat.“  Derain begann sich nach und nach aus dem Pariser Leben zurückzuziehen, eine Tendenz, die zunahm, seit er sein Haus in Chambourcy im Jahre 1935 bezogen hatte, das bis zu seinem Tode sein Heim blieb. Was genau in dieser Zeit geschah, ist keineswegs leicht festzustellen. Es scheint, als ob eine gewisse Verschanzung stattfand.  1930 tauschte er seine afrikanischen Kunstgegenstände gegen griechisch-römische und ägyptisch-römische Porträts. 1931 fand die Ausstellung "Neue Malerei von Derain" in der Lefevre Gallery in London statt. Im Jahr 1933 verkaufte er einen weiteren Teil seiner Sammlung afrikanischer Kunst.  Die Kunsthalle Bern organisierte 1935 die erste große Retrospektive seines Werkes. In den dreißiger Jahren erhielt der Künstler zahlreiche Aufträge von der Pariser Oper für Kostüme und Dekorationen, so illustrierte er unter anderem 1932 "Les Héroides" von Ovid und 1938 "Salomé" von Oscar Wilde. 1937 nahm er an der Retrospektivausstellung der Indépendants in Paris teil.

Zweiter Weltkrieg und die Jahre danach (1940–1954).

Anfang der vierziger Jahre arbeitete Derain hauptsächlich in Donnemarie-en-Montois, 1940 in Vichy und 1941 an der Loire, und kehrte nach der Befreiung von der deutschen Besatzung 1944 wieder nach Chambourcy zurück.  Während der Besetzung Frankreichs im Zweiten Weltkrieg wurde Derain von den deutschen Besatzern als Vertreter der französischen Kultur umschmeichelt. 1941 unternahm er mit anderen französischen Künstlern eine von den Behörden organisierte Reise nach Berlin. Dort besuchte er unter anderem das Atelier Arno Brekers, der zu dieser Zeit ein Hauptvertreter der sogenannten Deutschen Kunst war. Die nationalsozialistische Propaganda bezog sich wiederholt auf diese Reise. Wieso Derain die Reise antrat, ist nicht geklärt. Es gibt Quellen, die darlegen, dass die Nationalsozialisten ihm bei Nichtantritt der Reise mit der Zerstörung seines Ateliers drohten.  Die radikale Abkehr Derains von den stilistischen und begrifflichen Sorgen der französischen Avantgarde erlangte ihren Höhepunkt. 1944 schlug er das Angebot aus, Direktor der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris zu werden, der wichtigsten Akademie der Bildenden Kunst in Frankreich. Nach der Befreiung wurde Derain von vielen Franzosen als Kollaborateur betrachtet und geächtet. Im Nachkriegsfrankreich gab es zunächst keine öffentlichen Ausstellungen seiner Werke.  Derain starb 1954 im Département Hauts-de-Seine. Der mit Derain befreundete Alberto Giacometti nahm als einziger namhafter Künstler an seinem Begräbnis teil.

Malerisches Werk.

In den Jahren kurz vor und nach dem Ersten Weltkrieg wurde Derain von vielen Kennern als ein führendes, wenn nicht als das führende Mitglied der französischen Avantgarde und als die wichtigste Stütze der nationalen Tradition angesehen. Spätestens seit den zwanziger Jahren verdeutlicht sein Werk jedoch die Rückkehr – und somit die Abkehr von den Hauptströmungen seiner Zeit – zu einer traditionelleren Sichtweise. Sein Werk zeugt von der Kenntnis vielfältigster Stile; u. a. afrikanische, cypriotische, hellenische und römische Kunst, italienische Malerei des Trecento und Quattrocento, die französische Schule des 15. Jahrhunderts, Breughel, die Venezianer, El Greco, Caravaggio, Peter Paul Rubens, die niederländischen und spanischen Meister des 17. Jahrhunderts und näher an unserer Zeit, Delacroix, Corot, Courbet, Manet, Renoir und Cézanne trugen zu seiner Kunst bei. Markant für diese Jahre ist, dass er zwischen zwei Standpunkten hin und her pendelte, einem realistischen und einem idealistischen.  In Bezug zu den beiden bedeutendsten Malern der französischen Avantgarde, Picasso und Matisse, mit denen er innerhalb seiner verschiedenen Schaffenszeiten in engem Kontakt stand, bildete Derain in seinen späten Jahren mit seiner deutlichen Abkehr zu den Strömungen seiner Zeit – einer Linearisierung der Bildelemente – ein läuterndes Element. Er selbst als einer der damaligen Hauptvertreter der Klassischen Moderne suchte durch den Kontakt zu seinen Vorläufern, den Weg, der in seinen Augen in Verantwortung gegenüber der Tradition weiterzuführen sei.

Frühes Werk (1898–1904).

Derains frühe Arbeiten waren Landschaften in der Manier von Corot, und die ersten datierten Bilder aus dieser Zeit, etwa die "Die Straße nach Carrières", verraten eine mögliche Kenntnis von Cézanne und Gauguin. Andererseits enthüllt "Das Begräbnis", das um 1899 datiert wird, seine Würdigung Manets sowie seine Vorliebe für jene beseelten Figuren, die von nun an oft in seiner Malerei auftauchen. Vor allem jedoch hatte sich Derain nun auf ein Studium alter Meister im Louvre eingelassen, und hier kopierte er auch unter anderem "Christus, das Kreuz tragend", das damals Ghirlandajo zugeschrieben wurde, eine Kopie, von der er sich zeit seines Lebens nicht mehr trennte. Während dieser Zeit (1901) kam es zur ersten Begegnung mit Matisse im Louvre.

Kubistische Periode (1907–1911).

Eine Unzufriedenheit mit dem Fauvismus äußerte sich bereits im Jahr 1906 und im Folgejahr wird noch deutlicher, dass sein Interesse an der „reinen“ Farbe im Abklingen war. Er teilte in dieser Zeit wie so viele aus dem Kreis der Avantgarde die Begeisterung für afrikanische Kunst. Auch das Werk Cézannes übte in jenen Jahren einen starken Einfluss auf ihn aus, von dem er 1904 im Salon d'Automne 33 Bilder sah. So ist eine Rückkehr zur Cézanne’schen Manier unter anderem in "Intérieur mit Stillleben" feststellbar.  Durch den Kontakt mit Picasso und Braque war Derain zwar in dem Augenblick, als sich der Kubismus entwickelte, in Tuchfühlung mit ihren Gründern, jedoch gab er sich dem Kubismus nie ganz hin. Er war bereits unzufrieden mit seinem kubistischen Vorstoß, dessen Wildheit mit seiner eigenen Natur nicht in Einklang stand und zerstörte 1908 all jene Arbeiten, die zu vertreten ihm widerstrebten. So berichtet Kahnweiler in seinem Buch "Der Weg zum Kubismus" aus dem Jahre 1920, Derain habe „eine ganze Reihe von Kompositionen mit lebensgroßen Figuren geschaffen. Einige davon stellte er in den Indépendants aus – so einen Stier, ein Bild mit Badenden. Die Badenden wurden glücklicherweise angekauft und sind uns so erhalten geblieben. Alle anderen hat Derain im Jahre 1908 verbrannt.“  Obwohl Derain dem Weg der Kubisten nicht folgen wollte, trug er jedoch vorerst dem Trend nach Vereinfachung und Abstraktion Rechnung, was unter anderem in "Paysage à Cassis" ablesbar ist. Andererseits wiederum wird seine besondere Eigenart und Sichtweise in dem Bild "Martigues" deutlich, in dem er in Übereinstimmung mit der klassischen Formel das Auge weit in die Ferne führt.  Derains Ungewissheit, welchen Weg er einschlagen sollte, entsprang seiner ausgesprochenen Empfindlichkeit für die Atmosphäre, für die Grenzen und Probleme seiner Zeit. Derains Ansicht, dass die Annahme einer bestimmten Haltung lächerlich sei, führte ihn dazu, sich von den Freunden Picasso und Braque zu trennen und den Kubismus zu verwerfen. Er vertrat die Ansicht, dass direkter Kolorismus — im Sinne des Fauvismus — nicht ausreichte und war andererseits nicht bereit, sich dem neuen Stil des Kubismus völlig hinzugeben. In diesem Stadium bot ihm das Werk Cézannes einen Ausweg, den er voller Enthusiasmus ergriff. Der Unterschied zwischen seinen Absichten und denen jener Maler, die weiter in Richtung ihrer Erforschung räumlicher Relationen dachten, zeigen die Arbeiten, die er 1910 in Cagnes malte. Der Einfluss Cézannes ist noch durchschlagend, besonders in den Bildern "Cagnes" und "Le Vieux Pont à Cagnes".

Gotische Periode (1911–1914).

1911 fand ein Stilwandel statt. Kennzeichnend hierfür ist die Aufgabe der konstruktiven Phase, wie sie sich beispielsweise in "La route de Camiers" zeigt. Die Elemente, die Derains Stil in jener Periode formten, waren außerordentlich komplex und sogar widersprüchlich. Wie schon in den Vorjahren war er außerordentlich empfänglich für alles, was um ihn vorging und ebenso begierig danach, sich der Vergangenheit zu stellen. So untersuchte er nicht nur die romanische, gotische und Renaissancekunst, sondern auch die indische und byzantinische Kunst. Die Jahre 1911–1914 werden oftmals seine "période gothique" ("Gotische Periode") genannt.  Derains Intentionen in diesen Jahren laufen darauf hinaus, den Konflikt zwischen zwei Elementen zu lösen: der instinktiven Qualität des Primitivismus — gesehen als ein Mittel zur Erneuerung der Inspirationsquellen – und einem Konstruktivismus, im Zusammenhang mit Cézanne — als ein Mittel, das körperliche Aussehen der „Gegenstände“ oder der Natur darzustellen. So ist auffällig, dass er nicht nur in dieser Phase, sondern auch zukünftig versuchte, zwischen Extremen das Gleichgewicht zu halten. Der Konflikt zwischen diesen beiden Polen seiner Natur erlaubte es ihm, einen ganz eigenen Stil zu entwickeln, der ihm ermöglichte, seinen Glauben sowohl an eine dauerhafte Inspiration durch die Natur wie auch an die emotionalen Kräfte des menschlichen Lebens darzustellen.  Die Bilder betonen die synthetischen Mittel, die Derain zu verschiedenen Zeiten seines Lebens verwendet hatte, um sich auszudrücken. Seine Anwendung von Formeln alter Meister erlaubte ihm, zu einem Stil zu kommen, der einzigartig frisch und ansprechend war. Enthüllt das "Tal bei Morin" ein Übergangsstadium, in dem der Geist Cézannes lebendig ist, erkennt man hingegen in dem Gemälde "Chevalier X." Einflüsse von Rousseau. "Chevalier X." wiederum beeinflusste Künstler wie Modigliani und Giacometti. Ferner griff Derain in diesen Jahren auf religiöse Themen zu, etwa in "Der Kalvarienberg" oder "Das letzte Abendmahl", und malte eine Anzahl verschiedener und brillanter Kompositionen, von "Der Violine" und den Reihen von Bildern mit Tabakstöpfen mit ihrer kubistischen Ikonographie und engen Farbskala bis zu dem hervorragenden Cézanne’schen Stillleben der Chester Dale Collection, Washington, oder dem mehr traditionellen Jagd-Stillleben "La Gibecière".  Derain lieferte für eine Ausgabe von Guillaume Apollinaires erstem prosaischen Werk, "L 'enchanteur pourrissant" (1909), Holzschnitte im Stil des Primitivismus, zeigte 1910 Arbeiten in der "Neuen Künstlervereinigung" in München, 1912 beim "Blauen Reiter", 1913 in der Armory Show in New York und illustrierte 1912 auch eine Sammlung von Gedichten Max Jacobs. Zu dieser Zeit begannen sich in Derains Werk bereits seine Studien alter Meister widerzuspiegeln.

Kriegsjahre (1914–1922).

Im Jahr 1914 kehrte Derain zur figürlichen Malerei zurück. Es entstanden Arbeiten wie "Le Deux Soeurs", "La jeune fille". In Werken wie "Le samedi" finden sich deutliche Anklänge an die Kunst des Trecento. In seinem Wunsch, eine „Rückkehr zur Ordnung“ zu erreichen – als ein Gegengewicht beispielsweise zur anarchistischen und anti-künstlerischen Richtung des Dadaismus – befand sich Derain im Gleichschritt mit einigen der wichtigsten Persönlichkeiten seiner Zeit — etwa Picasso und Cocteau. Es erhob sich in jenen Tagen ein allgemeiner Ruf nach Rückkehr zur Ordnung.

Erneuter Stilwandel (1922–1954).

Der erneute Stilwandel Derains mag durch seinen Rombesuch 1921–1922 veranlasst worden sein. So sah sich der Künstler unter anderem römische und Fayum-Portraits, pompejianische und römische Mosaike besonders genau an, um weitere klassische Themen in seine Arbeiten einfließen zu lassen. Für ihn wie für einen Poussin bestärkte der Besuch Roms womöglich den Entschluss, auf die Tradition zu bauen. Derain vertrat den Standpunkt, dass die Gegenwart ohnehin das Echo und Weiterleben der Vergangenheit darstellt. Hierzu äußerte er im Jahr 1948:  Von 1920 bis zu seinem Tod ist ein Versuch, seine stilistische Entwicklung für ein Verständnis seiner Malerei aufzuspüren, wenig ergiebig. So behandelte er seine Themen nach dem Charakter ihres Gegenstandes oder nach der Stimmung des Augenblicks und gestand Florent Fels, dass Kunstwerke für die Umgebung geschaffen werden, in der sie konzipiert wurden.  Derain pendelte in den kommenden Jahren auffallend zwischen einer realistischen — so in "La Table de Cuisine" — und einer idealistischen Manier — so in "Pierrot et Harléquin". In den Hauptwerken dieser Zeit wird Derains Ziel ersichtlich, die Resultate verschiedener Versuche in ein umfassendes Bild – eine Synthese – zusammenzufassen. Sein Sinn für Volumen, seine Sorgfalt in der Anordnung der Formen, eine immer in Beziehung zur anderen zu bringen, stellen ihn in diesem Stadium in die Nähe von Zurbarán und Caravaggio. Auffällig bei Derain ist, dass er innerhalb eines begrenzten Schaffenszeitraums, etwa 1923–1925, in ein und demselben Sujet – beispielhaft im Stillleben – die unterschiedlichsten malerischen Mittel einsetzte. So unterliegt "La Table de Cuisine" ein klarer und straffer kompositorischer Aufbau, dem eine „trockene“ Farbigkeit zugrunde liegt. Hingegen "Vase de roses, assiette et pipe" zeigt deutlich süßere Züge und erinnert mehr an den Einfluss Renoirs, und wiederum in "Un Vase de Fleurs" erinnert seine Malweise daran, dass er ein Landsmann von Delacroix und Courbet ist.  Betrachtet man die in dieser Zeit entstandenen Akte, so haben Derains Modelle eine Substanz, eine Erdigkeit oder eine feenhafte Qualität, die in der modernen Malerei kaum ihresgleichen hat, etwa in "Nu au chat" oder "Le Beau Modèle". In seinen Porträts zeigt er seine Fähigkeit, Gegenstände in Angriff zu nehmen, die im Allgemeinen als akademischen Künstlern zugehörig betrachtet werden. Diese Fähigkeit kommt in "Geneviève" oder "Madame Guillaume" zum Ausdruck.  Das volle Maß seiner Fähigkeiten aber gab er in den vielen Landschaften, die aus diesen Jahren stammen. In "La Basilique de St. Maximin" erkennt man seine Verpflichtung gegenüber Corot. Derains intuitiver Sinn für Natur wiederum, der sich in "La Clairière" mit ihrer stark pastosen Mischung von Grün- , Blau- und Brauntönen so deutlich zeigt, geht auf Courbet und Cézanne zurück und zu "Le gros arbre" bemerkt Hans Tietze: „In dieser Darstellung offenbart sich mehr denn je die innige Verbundenheit des Künstlers mit dem klassischen Ideal, der klassischen Form und der klassischen Malweise, die er in den Dienst seiner hohen bildnerischen Begabung stellt […] Damit ist er zur Zeit der einzige große Maler, der die Tradition der Renaissance fortführt.“  Derain war sich sicher, dass seine Kunst und seine Position falsch eingeschätzt würden, solange nicht seine Gedanken über die Probleme des zwanzigsten Jahrhunderts in Rechnung gezogen wurden. Er erklärte: „Ich fühle mich keinem Prinzip verpflichtet – außer dem der Freiheit –, aber meine Vorstellung von der Freiheit ist, daß sie der Tradition verbunden sein muss. Ich will nicht irgendwelche Theorien darlegen darüber, was in der Kunst zu tun sei. Ich male einfach so gut ich nur kann. Der Jammer ist, daß viel zu viele Theorien in Umlauf sind und nicht genug Leidenschaft, sie zum Leben zu erwecken.“

Rezeption.

Zeugnisse von Zeitgenossen.

Derains früher dekorativer Stil wurde in England abgöttisch verehrt. Roger Fry äußerte in den Ausstellungen der Grafton Galleries, London, von 1910 und 1911, dass in Derains Malerei der "„Geist von Poussin“" wieder aufzuleben scheine.  In einer Rede, die er anlässlich einer Ausstellung Derains im Oktober 1916 hielt, schilderte Paul Guillaume Derain als einen Mann, dem es nach jugendlichen Wildheiten gelungen sei, sich der Mäßigung und dem Maß zuzuwenden. Er sah in dem Werk Derains ein wagemutiges und diszipliniertes Temperament, das dazu gelangt sei, eine Ordnung und jene expressive Größe zu realisieren, die er antik nannte.  In "Since Cézanne" lobte Clive Bell 1922 Derains ungeheure Kraft des Charakters und die Fähigkeit, allein zu stehen. In seinen Augen war es die Intention Derains, etwas zu schaffen, das als Kunstwerk kompromisslos und doch zugleich human ist. Er sieht ihn als den Vertreter für etwas, „das höchst lebendig und bindend ist in Frankreich – eine leidenschaftliche Liebe zur großen Tradition, ein Verlangen nach Ordnung und den Willen, jenes mysteriöse Ding zu gewinnen, das die Athener σπουδαιότης und das die Schulmeister "hohen Ernst" nennen.“  Alberto Giacometti äußerte sich 1957 in "Derrière le miroir" zu dem Werk Derains:

Nachwirkungen.

Derain war ein Realist mit einer seltsamen naiveté, ein Frondeur, ein Mann der Renaissance und mit seltenen Begierden ausgestattet. Derain sagte einmal, „dass jeder den Wein finden sollte, der ihm bekommt, dass es für jede Palette einen Wein gibt.“ Und auf die Frage, ob er den seinen gefunden habe, antwortete er: „Non“. In kritischen Augenblicken seiner Laufbahn war seine Ablehnung einiger der Hauptbestrebungen seiner Zeit – Kubismus und Abstraktion – die Folge eines durchdachten persönlichen Standpunktes. Er weigerte sich, seine Segel mit Rücksicht auf die Mode zu trimmen. Die meisten Bücher oder Essays, die sich mit dem Werk Derains beschäftigen, erschienen in einer Zeit, als er noch der Löwe der Pariser Szenerie war.  Die Werke des Künstlers sind unter anderem in Paris, London, New York und Prag ausgestellt. Viele seiner Bilder sind nicht öffentlich zugänglich. Einige wurden postum auf der documenta 1 (1955), der documenta II (1959) und der documenta III im Jahr 1964 in Kassel gezeigt. Während sein Werk lange Zeit keine weitere Beachtung fand, wird es vermehrt seit der Jahrtausendwende in zahlreichen Ausstellungen gewürdigt. So waren in der bedeutenden Cézanne-Ausstellung "Aufbruch in die Moderne" im Essener Folkwang Museum zur Jahreswende 2005 einige Bilder Derains aus seiner fauvistischen und kubistischen Phase erstmals in Deutschland zu sehen.

André Derain (* 10. Juni 1880 in Chatou bei Paris; † 8. September 1954 in Garches bei Paris) war ein französischer Künstler. Er schuf unter anderem Gemälde, Grafiken, Skulpturen, Bühnenbilder und -kostüme, überdauert hat vor allem seine Malerei.  Derain war neben Henri Matisse der Hauptvertreter des Fauvismus und wird zu den ersten Malern der Klassischen Moderne gezählt. Er wurde zeitweilig als der führende Kopf der französischen Avantgarde angesehen und stand ebenfalls in engem Kontakt zu den Kubisten Picasso und Braque.  Seine sich in den zwanziger Jahren vollziehende Abkehr von der Diskussion um die Moderne löste eine heftige Kritik aus.

André Derain (, ; 10 June 1880 – 8 September 1954) was a French artist, painter, sculptor and co-founder of Fauvism with Henri Matisse.


Leben und Schaffen.

Allingham ist unter den wesentlichen Schriftstellerinnen, die im sogenannten Goldenen Zeitalter der Detektivgeschichte die einzige, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts geboren wurde. Agatha Christie, Dorothy Sayers, Ngaio Marsh und Josephine Tey wurden im Gegensatz zu ihr alle im ausgehenden 19. Jahrhundert geboren.

Familie und Kindheit.

Allingham war das erste Kind von Emily „Em“ Hughes und Herbert Allingham und kam in London zur Welt. Zwei Jahre später kam ihr Bruder Phil und 1913 ihre Schwester Joyce auf die Welt. Erzogen wurde sie allerdings von Hausangestellten. Ihr Vater war zum Zeitpunkt ihrer Geburt Herausgeber des "London Journals", einer Wochenzeitschrift, die als Fortsetzungsserie die Erzählungen populärer viktorianischer Schriftsteller veröffentlichte. Zeitschriften dieser Art trafen auf ein zunehmend geringeres Interesse beim Lesepublikum, und Herbert Allingham gab diese Tätigkeit auf, als Margery fünf Jahre alt war. Von da an arbeitete er als freier Schriftsteller für verschiedene Publikationen. Allinghams Mutter Emily Hughes war – nachdem sich ihre Mutter vom alkoholabhängigen Ehemann getrennt hatte – in materiell sehr begrenzten Verhältnissen aufgewachsen und hatte vor der Heirat als Hutmacherin gearbeitet. Sie schrieb zum Zeitpunkt von Margery Allinghams Geburt gleichfalls für diverse britische Publikationen. Beide Elternteile standen sozialistischen Ideen aufgeschlossen gegenüber und gehörten zum Umkreis der Fabian Society, einer intellektuell-sozialistischen Bewegung. Em Hughes experimentierte außerdem mit verschiedenen religiösen Richtungen, kennzeichnend war aber ihre Ablehnung einer traditionellen Mutter- und Hausfrauenrolle.  1909 zog das Ehepaar Allingham mit seinen Kindern in die Nähe von Colchester in Essex. Das neue Familienheim war ein ehemaliges, heruntergekommenes Pfarrhaus, dessen Wohnkomfort all die Annehmlichkeiten fehlten, die damals schon zum Wohnstandard der Mittelschicht gehörten. In diesem weitläufigen Haus richtete das Ehepaar Allingham anlässlich des siebten Geburtstags ihrer Tochter für sie einen Raum im Dienstbotentrakt als Büro ein: Hier begann sie unter Aufsicht ihres Vaters zu schreiben. Herbert Allingham gab ihr eine Handlung vor und ließ seine älteste Tochter dann eine Geschichte schreiben, die diese Vorgabe ausfüllte. Er lehrte sie unter anderem sorgfältiges Überarbeiten ihres ersten Entwurfes. Ihre erste Geschichte war ein Märchen, wenig später begann sie eine Familienzeitung zu schreiben, die unter anderem Fortsetzungsgeschichten, Gedichte und sogar Werbung enthielt.  Kurz nach ihrem siebten Geburtstag wurde Margery Allingham in einem Mädchenpensionat eingeschrieben und kehrte nur noch an den Wochenenden zu ihrer Familie zurück. Nach einem Jahr erkrankte sie allerdings schwer an Typhus. Der behandelnde Arzt empfahl nach ihrer Genesung, sie nicht mehr auf die Schule zurückkehren zu lassen. Margery Allingham wurde entsprechend bis 1915 von einer Reihe unterschiedlicher Gouvernanten erzogen, bevor sie in das Mädchenpensionat zurückkehrte.

Erste Veröffentlichungen.

Der Erste Weltkrieg veränderte das britische Verlagsgeschäft nachhaltig – eine Reihe von Zeitschriften, Zeitungen und Magazine, für die Herbert und Em Allingham geschrieben hatten, wurden entweder eingestellt oder verschmolzen mit anderen. Nach fünf Jahren relativen Wohlstands sah sich das Ehepaar Allingham ihre ländliche Idylle in Essex aufzugeben und nach London zurückzukehren, wo sie eine Wohnung in Bayswater bezogen. Die veränderten Lebensumstände belasteten die Ehe erheblich. Ems Schwester Maud war in der Lage, dem Ehepaar behilflich zu sein. Sie war eine der ersten Herausgeberinnen des britischen Frauenmagazins Woman's Weekly und beauftragte Em Allingham mit einer Serie von Detektivgeschichten. Wenig später begann auch Herbert für dieses neue Magazin zu schreiben. In einem Ableger des Magazins, nämlich "Mother and Home", erschien 1917 Margery Allinghams erste verkaufte Geschichte, ein Märchen.  Im Jahre 1919 wurde Margery Allingham in einem anderen Internat in Cambridge angemeldet. "The Peres High School for Girls" war bekannt für ihren Schwerpunkt auf einer klassischen Erziehung und bereitete ihre Schülerinnen auf die Universität vor. Allingham erwies sich jedoch auch hier als schlechte Schülerin, wenn sie auch unter anderem zwei Theaterstücke verfasste, die von ihren Klassenkameradinnen aufgeführt wurde. 1920 verließ sie das Internat und wurde für weitere drei Jahre von Barbara Harper, einer Lehrerin des Queen's College in London, privat unterrichtet. Auf Harper werden Allinghams Kenntnisse von Literatur und Geschichte zurückgeführt. Parallel zu diesem Unterricht belegte sie einzelne Kurse an Londons Regent Street Polytechnic. Wegen ihrer ersten Erfolge im Schauspielunterricht dieser Universität zielte sie auf eine Schauspielkarriere ab, parallel dazu schrieb sie unter der Anleitung von Harper weiterhin Theaterstücke und Kurzgeschichten. 1921 begann Allingham, inspiriert von einem Familienurlaub auf der abgeschiedenen Mersea Island mit dem Schreiben eines ersten Romans. Die Abenteuergeschichte "Blackerchief Dick" (in deutscher Sprache nicht veröffentlicht) erschien 1923.  1925 beendete Margery Allingham ihre Studien an der Regent Street Polytechnic. Groß gewachsen und schwergewichtig hatte sie ihren Traum von einer Theaterkarriere aufgegeben. Arbeit bot ihr erneut ihre Tante Maud an. Maud Hughes betreute als Herausgeberin von Frauenzeitschriften auch zwei, deren Schwerpunkt die Filmwelt und eine, die sich an junge, arbeitende Frauen – den sogenannten "Flappern" – richtete. Allingham begann regelmäßig für diese Publikationen zu schreiben.

Der erste Kriminalroman.

1927 erschien Allinghams erster Kriminalroman "Ein böser Nachbar" ("The White Cottage Mystery") als Fortsetzungsserie in einer Zeitung. Im gleichen Jahr, nämlich am 29. September 1927, heiratete sie Philip „Pip“ Youngman Carter, der Bruder einer Studienkollegin ihrer Schauspielkurse. Beide Ehepartner waren gerade 23 Jahre alt. Carter versuchte sich in der Kunstszene als Maler zu etablieren. Geld verdiente er nur gelegentlich, wenn er Bucheinbände entwarf. Den größeren Teil des Einkommens des Ehepaars steuerte Allingham durch ihre Schreibereien für diverse Zeitschriften und Zeitungen bei. Carter ermutigte sie, als 1928 Allinghams erster Kriminalroman auch in Buchform erschien, zur Arbeit an einer zweiten Detektivgeschichte, die später unter "The Crime at Black Dudley" ("Mord in Black Dudley") erschien. Allingham schrieb später über die Arbeit an diesem Roman:  Allinghams Kriminalromane erwiesen sich schnell als erfolgreich: Der US-amerikanische "Doubleday Crime Club" wählte ihren dritten Kriminalroman "Mystery Mile" ("Gefährliches Landleben") zum Buch des Monats.

Schwieriges Eheleben.

Der Erfolg von Allingham als Autorin blieb nicht ohne Einfluss auf ihre Ehe. Ihr Ehemann Pip Carter nahm zunehmend die Rolle eines Mentors ein – zum Zeitpunkt des Erscheinens von "Mystery Mile" bezeichnete Allingham ihn als wichtigsten Ideengeber für ihre Romanhandlungen. Zwei Drittel der Handlung von "Mystery Mile" und die Hälfte des Humors dieses Romans schrieb Allingham unmittelbar ihrem Ehemann zu, der etwa Mitte der 1930er Jahre jegliche Hoffnung auf eine künstlerische Karriere aufgegeben hatte. Die mittlerweile stark übergewichtige Allingham war zunehmend die einzige, die zum Haushaltseinkommen beitrug. Nicht zuletzt auch, weil Allingham zusätzlich zu ihrer Arbeit an ihren Kriminalromanen unverändert für Zeitungen und Zeitschriften schrieb. Pip Carter führte zunehmend das Leben eines Landedelmanns der Gentry: Spielen und Trinken war seine Hauptbeschäftigung. Zwischen den beiden Ehepartnern kam es zunehmend zu Streitigkeiten und es gibt Indizien, dass es dabei auch zu Handgreiflichkeiten zwischen den beiden kam. In einem Tagebucheintrag hielt Allingham 1934 fest:  In der Öffentlichkeit wurde das Ehepaar, das mittlerweile auf dem Land lebte, als ein glückliches, etwas außergewöhnliches Ehepaar wahrgenommen, das zufrieden Seite an Seite arbeitete und regelmäßig Freunde zum fröhlichen Wochenende in ihr Landhaus einlud, mit einem Kostümfest und einem Cricketturnier als jährliche Höhepunkte. Allingham schien in der öffentlichen Wahrnehmung der Motor dieses Eheglücks zu sein: Schreibend, aber gleichzeitig einen umfangreichen Haushalt führend, eine geduldige Gastgeberin, deren bevorzugte Freizeitbeschäftigungen Kochen und Nähen waren. Presseartikel stellen Allingham als eine Person dar, die ihr berufliches und privates Leben mit Grazie und Selbstvertrauen ausführte. Tatsächlich war sie jedoch überarbeitet und fühlte sich von den Personen, die ihr am nächsten stand, wenig wertgeschätzt. Vermutlich ging sie bereits zu diesem Zeitpunkt davon aus, dass ihr Mann sie betrog. Gleichzeitig litt sie an ständigen Nackenschmerzen und vermutlich auch an Bronchitis und Sinusitis.  Die finanzielle Verantwortung, die Allingham übernahm, wuchs im Jahr 1935 weiter: Auf Betreiben ihres Ehemanns erwarben sie 1935 ein weitläufiges Landhaus in Tolleshunt D'Arcy in Essex. Zum Haushalt der Carter gehörte neben dem seit Jahren mit ihnen lebenden Grog Gregory nun auch Mary Orr, eine alte Freundin aus Zeiten an der Regent Street Polytechnic. Daneben gab es eine Haushälterin, eine Köchin und einen Gärtner. Allingham schrieb mehr und mehr Fortsetzungsserien und Kurzgeschichten und trotz der erfolgreichen Veröffentlichung mehrerer Kriminalromane fiel es ihr schwer, ausreichend Geld für den Unterhalt des Landhauses in Essex aufzubringen.

Anerkennung als Schriftstellerin.

1937 veröffentlichte Allingham ihren Kriminalroman "Dancers in Mourning" ("Tänzer in Trauer"), der sehr wohlmeinende Besprechungen erhielt. Kritiker verglichen ihn mit Dorothy Sayers letztem vollenden Kriminalroman "Busman's Honeymoon" und urteilten häufig, dass Allinghams Roman das gelungenere Werk war. Der Roman verkaufte sich besser als jeder ihrer vorherigen Romane und erhielt erstmals auch Anerkennung aus Literaturkreisen. Sie wurde zu Veranstaltungen eingeladen, an denen auch anerkannte Personen der literarischen Welt wie E. C. Bentley und Freeman Wills Crofts teilnahmen. Der Schriftsteller und Literaturkritiker Frank Swinnerton und seine Frau wurden zu ihren Freunden. Das einflussreiche Literaturmagazin "Time and Tide" bat sie darum, Rezensionen für sie zu schreiben. Noch wohlwollender als "Dancers in Mourning" wurde ihr nächster Roman "The Fashion in Shrouds" ("Mode und Morde") aufgenommen. Auch für die an sich selbst zweifelnde Allingham war nun offensichtlich, dass sie anspruchsvolle literarische Werke in Form von Kriminalgeschichten schreiben konnte. Im Observer erschien eine bis heute häufig zitierte Romanbesprechung, in der der Kritiker festhielt:

Einordnung des Werkes.

Margery Allingham begann ihre Karriere mit dem Schreiben von Theaterstücken. Ihren ersten Erfolg hatte sie bereits im Alter von 17 Jahren während ihres Theaterstudiums in London. Ihr erster Roman "Blackerchief", der sehr stark von Robert Louis Stevenson beeinflusst ist, erhielt nach Ansicht von Martha Hailey Dubose bei Erscheinen mehr Besprechungen als die literarische Qualität rechtfertigt. Allingham selber distanzierte sich von diesem Roman und kaufte später antiquarische Druckexemplare auf, um so den Roman aus dem Verkehr zu ziehen.  1927 entdeckte sie das Krimi-Genre für sich und veröffentlichte ihren ersten Kriminalroman. 1929 erschien "Mord in Black Dudley" (The crime at Black Dudley), wo zum ersten Mal die Figur auftrat, die sie berühmt machen sollte: Albert Campion. Er ist eine etwas nervige Person, die fast keinen vernünftigen Satz herausbringt, die Handlung aber voranbringt. Allingham plante ursprünglich nicht, Campion zu ihrem wichtigsten Protagonisten zu machen. Allerdings überstrahlten seine merkwürdige Persönlichkeit und sein eigenartiger Stil den eigentlichen Protagonisten diesen zweiten Romans, den Pathologen und Berater des Scotland Yards Abbershaw. Dubose sieht viele Charakterzüge Albert Campions bei Dorothy Sayers Protagonisten Lord Peter Wimsey und P. G. Wodehouses Bertie Wooster entlehnt. Zeitgenossen Allinghams nennen als Inspiration für diese Figur jedoch auch ihren Ehemann sowie Grog Gregory, einen Freund des Ehemanns. Literaturhistoriker wie Julia Thorogood haben aber auch darauf verwiesen, dass „Duffer“, der Held in einer Fortsetzungsserie von Allinghams Vater, diese Figur wesentlich beeinflussten.  Wie auch Dorothy L. Sayers' Lord Peter Wimsey stammt Albert Campion aus hohen Adelskreisen, versteckt sich jedoch hinter dem Pseudonym Albert Campion und seinen Maskeraden. Der Grund ist sein Bruder. Aus welchen Kreisen er stammt und warum er sich hinter einem falschen Namen versteckt, wird nie verraten. Er tritt als manchmal naiv und abwesend wirkender jugendlicher Dandy auf und wird deshalb von anderen gerne unterschätzt, aber mit seinem scharfen Verstand gelingt ihm immer wieder die Lösung verworrener Fälle. Sein fiktives Geburtsdatum ist der 15. Mai 1900; er ist damit älter als seine Erfinderin. Campion hat die für eine Romanfigur seiner Zeit seltene Eigenschaft, sich zu entwickeln und auch zu altern. Campions Diener ist "Magersfontein Lugg", eine Figur, die Allingham in ihrem zweiten Campion-Kriminalroman "Mystery Mile" ("Gefährliches Landleben") einführte. In diesem 1930 erschienenen Kriminalroman ermittelt Campion zum ersten Mal als Hauptakteur. Er ist Protagonist in weiteren 16 Romanen und zahlreichen Geschichten bis 1965. Ihr letztes Buch konnte Allingham nicht mehr vollenden, weil sie an Krebs erkrankte und 1966 verstarb. Ihr Ehemann P. Y. Carter schrieb "Verschwundene Fracht" zu Ende und ließ zwei weitere Campion-Abenteuer folgen, bevor auch er 1970 starb.

Margery Louise Allingham (* 20. Mai 1904 in London; † 30. Juni 1966 in Colchester, Essex) war eine englische Schriftstellerin und Krimi-Autorin. Sie wird heute zu den Vertreterinnen des klassischen Detektivromans gezählt.  Allinghams Eltern waren Journalisten und Schriftsteller. Sie selber begann sehr früh zu schreiben, konzentrierte sich anfangs aber auf Theaterstücke und Kurzgeschichten. Ihren ersten größeren Durchbruch hatte sie mit ihrem zweiten Kriminalroman "The Crime at Black Dudley" (auf Deutsch unter den Titeln "Mord in Black Dudley" beziehungsweise "Der Italienische Dolch" erschienen), der 1927 veröffentlicht wurde. In diesem Roman führt sie auch ihren wichtigsten Protagonisten Albert Campion ein. Bereits ihr dritter Kriminalroman "Mystery Mile" ("Gefährliches Landleben"), in dem sie die Figur des Magersfontein Lugg als Diener von Campion einführt, wurde vom Doubleday Crime Club zur Buchempfehlung des Monats gewählt.

Margery Louise Allingham (20 May 1904 – 30 June 1966) was an English novelist from the "Golden Age of Detective Fiction", best remembered for her hero, the gentleman sleuth Albert Campion.  Initially believed to be a parody of Dorothy L. Sayers's detective Lord Peter Wimsey, Campion matured into a strongly individual character, part-detective, part-adventurer, who formed the basis for 18 novels and many short stories.


Zeitgeschichtlicher Hintergrund.

Zwei Personen auf diesem Gemälde sind besonders exponiert: Die eine ist der Arzt Dr. Nicolaes Tulp, der den anwesenden Zuschauern anhand der Sektion des linken Armes der zu obduzierenden Person die Skelettmuskulatur erklärt. Die andere ist der auf dem Tisch liegende Tote, gemeinhin als Adriaan Adriaanszoon identifiziert, was jedoch zunehmend angezweifelt wird. Adriaanszoon war ein gewalttätiger Straßenräuber, der wegen seiner Verbrechen gehängt wurde. Die anderen Personen sind vermutlich Jacob Jansz Colevelt, Adrian Cornilsz Slabberaen, Mathys Evertsz Calkoen, Jacob Jans de Witt, Jacob Dielofse Block und Frans van Loenen, was sich sowohl durch die Auftragslage als auch das mittig in der Hand gehaltene Papier stützen lässt. Anatomie-Vorführungen waren im 17. Jahrhundert ein gesellschaftliches Ereignis. Sie fanden in hörsaalähnlichen sogenannten anatomischen Theatern statt; das Publikum, oft Zunftkollegen, Studenten und Honoratioren, musste Eintritt bezahlen. Mit dem eingenommenen Geld wurden die an der Schaustellung beteiligten Personen entgolten.

Das Gemälde.

Die abgebildeten Zuschauer sind dem gesellschaftlichen Anlass entsprechend feierlich gekleidet, es sind ebenso wie Dr. Tulp Mitglieder der Amsterdamer Gilde der Barbiere und Chirurgen. Der hohe Rang Tulps zeigt sich darin, dass er im Saal den Hut aufbehalten hat. Dies ist jedoch eine spätere kompositorische Lösung, da Röntgenaufnahmen in tieferen Malschichten einen Hut bei der am höchsten sitzenden Person offenbarten. Es wird ebenfalls angenommen, dass die Person links im Bild sowie die im Hintergrund über allen anderen Zuschauern stehende erst nachträglich in das Bild eingefügt wurden.  Die damalige Wissenschaft erklärte, das blutige Handwerk der Sektion solle von anderen Berufsgruppen verrichtet werden. Folgerichtig gibt es in diesem Bild auch keine Schneideinstrumente, stattdessen schließt es im rechten unteren Rand mit einem gewaltigen Buch ab, das für den Betrachter nicht lesbar ist, doch ein Lehrbuch der Anatomie sein wird. Im Gemälde zeigt sich ein sachlicher Fehler: Der angehobene Muskel (Musculus flexor digitorum superficialis) müsste laut der anatomischen Nomenklatur auf der Innenseite des Ellenbogens seinen Ursprung haben, er setzt im Bild hingegen nicht dort an.  Rembrandt war erst 25 Jahre alt als er das Bild malte. Doch bereits hier, besonders in der Gestaltung der Person des Toten, zeigt sich eine Eigenart, die Rembrandt in späteren Jahren immer öfter praktizierte: das Abschatten von Gesichtern, das als Andeutung der umbra mortis gedeutet wird.

Nachwirkung.

Im November 1967 entstanden mehrere Fotos des aufgebahrten Che Guevara, der kurz zuvor vom bolivianischen Militär gefangen genommen und erschossen worden war. Zu den bekanntesten Fotografien zählt die Aufnahme des bolivianischen Fotografen Freddy Alborta, die Offiziere, Soldaten und Zivilisten zeigt, die sich um Guevaras Leichnam platziert haben. Sie wurde vom britischen Kunstkritiker John Berger in einem bereits kurz nach dem Tod Guevaras erschienenen Essay mit der "Anatomie des Dr. Tulp" verglichen. Daneben kombinierten mehrere Künstler die Fotografie mit dem Gemälde, beispielsweise der Mexikaner Arnold Belkin in einer zwischen 1972 und 1975 entstandenen Serie von vier Acrylgemälden.  W. G. Sebald beschäftigt sich in "Die Ringe des Saturn" ausführlich mit dem Gemälde, insbesondere auch mit dem anatomischen Fehler. Im Spielfilm "Barbara" von Christian Petzold (2012) interpretiert der Arzt André Reiser, in Anlehnung an Sebald, den Fehler so, dass Rembrandt die Hand absichtlich falsch gezeichnet hat – als eine zweite rechte Hand. Alle Ärzte schauen auf das Lehrbuch der Anatomie und sehen die Hand so, wie sie diese sehen wollen – wie im Lehrbuch abgebildet – nicht aber so, wie sie in der Realität vorliegt.  Goscinny und Uderzo parodierten das Gemälde im Asterix-Band "Der Seher". Der Seher „liest“ hierbei aus einem auf dem Tisch liegenden Fisch die Zukunft, während die Dorfbewohner um das Tischende herumstehen. In einem Werbetrailer des Computerspiels "" wurde das Bild als Variation in einer computergenerierten Animation umgesetzt. Es dient als Parallele für das Ersetzen der Arme durch kybernetische Prothesen.

Die Anatomie des Dr. Tulp ist ein Gemälde des niederländischen Malers Rembrandt. Das 1632 fertiggestellte Werk mit den Maßen 216,5 cm × 169,5 cm hängt heute im Mauritshuis in Den Haag.

The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp is a 1632 oil painting on canvas by Rembrandt housed in the Mauritshuis museum in The Hague, the Netherlands. The painting is regarded as one of Rembrandt's early masterpieces.  In the work, Dr. Nicolaes Tulp is pictured explaining the musculature of the arm to medical professionals. Some of the spectators are various doctors who paid commissions to be included in the painting. The painting is signed in the top-left hand corner "Rembrandt. f[ecit] 1632". This may be the first instance of Rembrandt signing a painting with his forename (in its original form) as opposed to the monogramme "RHL" (Rembrandt Harmenszoon of Leiden), and is thus a sign of his growing artistic confidence.


Leben.

Maria Reiche wurde in Dresden als ältestes von drei Kindern des Amtsgerichtsrates Felix Reiche-Grosse und dessen Ehefrau Elisabeth geboren. Nach dem Besuch der Städtischen Studienanstalt für Mädchen in Dresden studierte sie Mathematik, Physik und Geographie an der Technischen Hochschule Dresden und schloss 1928 mit dem Staatsexamen ab. 1932 nahm sie eine Stelle als Hauslehrerin beim deutschen Konsul in Cusco, Peru, an. Vor Ablauf der Vertragszeit ging sie in die Hauptstadt Lima. Dort lebte sie von Gelegenheitsjobs, Sprachunterricht und Übersetzungen.  Seit 1937 half sie am Nationalmuseum Lima, historische Stoffe zu restaurieren. 1939 hörte sie von dem US-amerikanischen Wissenschaftler Paul Kosok zum ersten Mal von den sogenannten Nazca-Linien, die 1924 entdeckt worden waren. Er bat sie, einige Messungen für ihn zu machen. 1946 begann sie allein und ohne Unterstützung, die rätselhaften Zeichnungen im Wüstenboden bei Nazca zu untersuchen. Reiche war überzeugt: „…wenn es gelingt, alle Maße in Zeitangaben zu übersetzen, können wir in der Pampa lesen wie in einem riesigen Geschichtsbuch.“  Mit 52 Jahren ließ sich Maria Reiche außerhalb der Kanzel auf den Kufen eines Helikopters festbinden, um bessere Luftaufnahmen von den Riesenbildern machen zu können. Die Großaufnahmen machten sie weltbekannt. 1960 traf Maria Reiche den 21-jährigen Yonah Ibn Aharon. Er lebte in den USA und hatte in New York ein Komitee zum Schutz der Nazca-Linien gegründet. Zwischen 1962 und 1964 half er auf der Pampa. Er brachte zahllose Ideen in Reiches Arbeit ein, unter anderem entwickelte er ein Karteisystem, in das die Linien mit ihren Messpunkten und Eigenarten eingetragen wurden. Bis in die 1960er-Jahre hatte Maria Reiche ein Gebiet von rund 150 Quadratkilometern zu Fuß vermessen. Dabei lebte sie spartanisch in einer kleinen Hütte am Rande der Pampa Colorada oder gemeinsam mit ihrer Freundin und Partnerin Amy Meredith in einem Haus in Lima. Selbst der Rollstuhl hinderte sie nicht, ihre Studien bis ins hohe Alter fortzuführen.  Anfang der 1970er-Jahre wurden die Nazca-Linien zu einer Touristenattraktion. Maria Reiche engagierte sich für den Schutz und den Erhalt der Zeichnungen und bewirkte 1994 die Aufnahme der Linien und Bodenzeichnungen von Nazca und Pampa de Jumana in die Liste des UNESCO-Welterbes.  Am 8. Juni 1998 starb Maria Reiche mit 95 Jahren. Die Trauerfeier fand am 10. Juni 1998 im Nationalmuseum von Peru statt. Sie wurde in Nazca neben der Hütte begraben, in der sie über 25 Jahre lang gelebt hatte.

Ehrungen und Nachwirkung.

Reiche erhielt das Bundesverdienstkreuz 1. Klasse der Bundesrepublik Deutschland, den "Orden der Weisen der Inka" und die höchste Auszeichnung der Republik Peru, den Sonnenorden, den Ehrendoktortitel der Peruanischen San-Marcos-Universität (unter anderem, insgesamt erhielt sie fünf Ehrendoktorwürden) und als 90-Jährige in Anerkennung ihrer Leistungen für das Land die peruanische Staatsbürgerschaft. Zudem wurde der Flughafen von Nazca, der "Aeropuerto Maria Reiche Neuman", nach ihr benannt.  Nach ihrem Tode wurde in der einfachen Hütte, in der sie über 25 Jahre lang ohne Wasser und Strom gelebt hatte, ein Museum eingerichtet. Im Maria-Reiche-Museum bei Nazca wird ihre damalige Wohnsituation realistisch nachgebildet, mit einer Wachsfigur von Maria Reiche zur Darstellung ihrer Arbeit an der Schreibmaschine. Die Besucher können unter anderem Zeichnungen und ihr Maßband sehen, außerdem archäologische Funde, die in ihren Besitz gelangt waren: Einige Schädel, eine Mumie und die Skulptur einer gebärenden Frau. Ihr Grab befindet sich unmittelbar neben dem Museum.  In Dresden, der Heimatstadt Maria Reiches, hat sich im Jahr 1994, also noch zu ihren Lebzeiten, ein Verein gegründet, der ihren Namen trägt. Der Verein würdigt Reiches Lebenswerk, versucht ihre Leistungen der Öffentlichkeit zu vermitteln und führt ihre wissenschaftliche Arbeit fort, die Erforschung der Nazca-Linien im Blick auf den möglichen Zusammenhang mit astronomischen Konstellationen.  In der Tageszeitung "Dresdner Neueste Nachrichten" wurde sie in den Kreis der „100 Dresdner des 20. Jahrhunderts“ gewählt.  Im Industriegebiet Dresden-Klotzsche wurde im Oktober 2005 eine Straße nach Maria Reiche benannt.  Mit dem "Maria-Reiche-Programm" fördert Reiches Alma Mater, die TU Dresden, seit 2011 Nachwuchswissenschaftlerinnen und versucht, den Anteil von Frauen am wissenschaftlichen Personal zu erhöhen.  Zu ihrem 115. Geburtstag wurde sie von der Suchmaschine Google mit einem Doodle geehrt, das ihre Forschungen an den Nazca-Linien würdigt.

Literatur.

Biografische Artikel in Sammelwerken

Maria Reiche (* 15. Mai 1903 in Dresden; † 8. Juni 1998 in Lima, Peru) war eine deutsche Lehrerin und Privatgelehrte. Sie wurde durch die systematische Untersuchung der Nazca-Linien, der sog. Scharrbilder, bekannt. Sie widmete mehr als 40 Jahre der Aufgabe, die Bedeutung der geheimnisvollen Bodenzeichnungen zu ergründen und sie vor Beschädigungen zu bewahren. Maria Reiche hat etwa 50 Figuren in der Ebene von Nazca entdeckt und insgesamt etwa 1000 Linien vermessen.

Maria Reiche (15 May 1903 – 8 June 1998) was a German-born Peruvian mathematician, archaeologist, and technical translator. She is known for her research into the Nazca Lines, which she first saw in 1941 together with American historian Paul Kosok. Known as the "Lady of the Lines", Reiche made the documentation, preservation and public dissemination of the Nazca Lines her life's work.  She was widely recognized as the curator of the lines and lived nearby to protect them. She received recognition as Doctor Honoris Causa by the National University of San Marcos and the Universidad Nacional de Ingenieria in Lima. Reiche helped gain national and international attention for the Nazca Lines; Peru established protection, and they were designated a UNESCO World Heritage Site in 1994.  Following her death, her former home in Nazca was adapted as a museum, the "Museo Maria Reiche". She is honored as the namesake of Maria Reiche Neuman Airport in Nazca, and of some fifty schools and other institutions in Peru. The 115th anniversary of her birth was commemorated with a Google Doodle in May 2018.


Leben.

Im Alter von sieben Jahren begann Basil Poledouris Klavierunterricht zu nehmen, womit der Grundstein für seine spätere Karriere gelegt wurde. Nach seinem Schulabschluss studierte er – im selben Jahrgang wie George Lucas – an der Universität von Südkalifornien (University of Southern California) unter anderem Kinematographie und Musik. In seiner Zeit an der Universität knüpfte er Kontakte zu den Regisseuren John Milius und Randal Kleiser, mit denen er später zusammenarbeitete.  Mit seiner Frau Bobbie hatte er zwei Kinder, Zoë und Alexis. Obwohl Poledouris berufsbedingt oft auf Reisen war, blieb sein Hauptwohnsitz seine Geburtsstadt Kansas City. Die letzten vier Jahre seines Lebens verbrachte er auf Vashon Island in der Nähe von Seattle.  Am 8. November 2006 erlag er einem Krebsleiden.

Werk.

Seine erste Filmmusik schrieb er bereits 1973 zum Film „Extreme Close-Up“. Obwohl er für seine Filmmusiken der Filme "Tag der Entscheidung" (Regie: John Milius, 1978) und "Die blaue Lagune" (Regie: Randal Kleiser, 1980) bereits kleinere Auszeichnungen erhielt, gelang sein Durchbruch erst mit der Verfilmung von "Conan der Barbar" (ebenfalls von John Milius, 1982): Die Titelsequenz „Anvil of Crom“ enthielt zum ersten Mal die für Poledouris später typischen Choräle und Hornpassagen.  1985 kam es zur ersten Zusammenarbeit mit Paul Verhoeven, für dessen ersten englischsprachigen Film "Flesh and Blood" Poledouris die Musik schrieb. 1987 entstand die Musik zu "Robocop", die zweite Zusammenarbeit mit Verhoeven. Auch später noch sollte Poledouris mit Verhoeven weiter zusammenarbeiten, da dieser „von seiner Dramatik beeindruckt war“, so Verhoeven Mitte der 1990er.  Durch seine steigende Bekanntheit war es Poledouris möglich, in Zusammenarbeit mit dem Drehbuchautor Larry McMurtry die Filmmusik für den über fünfstündigen Western "Lonesome Dove" zu schreiben, für den er 1990 einen Emmy bekam. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits Filmmusiken für über 18 Filme geschrieben. Noch im gleichen Jahr schrieb Poledouris in Kooperation mit dem Regisseur John McTiernan die Musik zum Film "Jagd auf Roter Oktober". Die Titelmelodie mit dem Titel „Hymn To Red October“ spielt auf die Oktoberrevolution in Russland an. Sie lehnt sich stilistisch an die Nationalhymne der Sowjetunion an.  Bis 1995 schrieb er die Musiken für "Free Willy – Ruf der Freiheit" (1993) und "Free Willy 2 – Freiheit in Gefahr" (1995), für "Hot Shots! Der zweite Versuch" (ebenfalls 1993) und für sonst eher unbekannte US-amerikanische Produktionen. 1996 wurde Poledouris die Ehre zuteil, Musik für die Eröffnung der Olympischen Spiele in Atlanta zu schreiben: "„The Tradition of the Games“" ist der Titel.  1997 setzte er seine Arbeit mit Paul Verhoeven fort und komponierte die Filmmusik zu "Starship Troopers". Diese wurde mit einem 96-köpfigen Orchester eingespielt. Im gleichen Jahr schrieb er auch das Titelthema zu "Breakdown" mit Kurt Russell. Auch seine Musik zu "Les Misérables" (Regie: Bille August, 1998) wurde ausgezeichnet; 1999 komponierte er die Musik zu "Mickey Blue Eyes". Außerdem komponierte er die Musik für zwei IMAX-Filme.

Stil.

Durch seine frühe musikalische Ausbildung am Klavier wurde Poledouris' Stil vor allem von Prokofjew beeinflusst. Dies steht im Kontrast zu den klassischen Komponisten wie Mozart oder Haydn, die er später an der Universität studierte. Diese Kontraste spiegeln sich auch in seiner Musik wider: Obwohl Poledouris oft sehr emotionale und „pompöse“ Werke entwarf, die auch mit einem entsprechenden Orchester eingespielt wurden (z. B. die Titelmusik zu "Jagd auf Roter Oktober"), finden sich vereinzelt auch sehr dezente Stücke, so zum Beispiel die relativ ruhige Musik zu Randal Kleisers "It's my Party" (1996), welche für nur ein einzelnes Klavier geschrieben wurde.

Trivia.

Basil Poledouris trat in einigen Raumschiff Enterprise-Episoden als Statist auf, z. B. in Folge 21 der dritten Staffel: "Schablonen der Gewalt" (1968)

Basil Poledouris (geboren als "Basilis Konstantine Poledouris" * 21. August 1945 in Kansas City, Missouri; † 8. November 2006 in Los Angeles, Kalifornien) war ein US-amerikanischer Filmkomponist mit griechischen Wurzeln.

Basil Konstantine Poledouris (; August 21, 1945 – November 8, 2006) was a Greek-American composer, conductor, and orchestrator of film and television scores, best known for his long-running collaborations with directors John Milius and Paul Verhoeven. Among his works are scores for the films "Conan the Barbarian" (1982), "Red Dawn" (1984), "Iron Eagle" (1986), "RoboCop" (1987), "The Hunt for Red October" (1990), "Free Willy" (1993), "Starship Troopers" (1997) and "Les Miserables" (1998). Poledouris won the Primetime Emmy Award for Outstanding Music Composition for a Limited Series, Movie, or Special for his work on the four-part miniseries "Lonesome Dove" in 1989, and was a four-time recipient of the BMI Film Music Award.


Leben.

Tolman studierte Chemieingenieurwesen am MIT, wo er 1903 seinen Abschluss (B.A.) machte und 1910 promovierte. Dazwischen war er 1904 in Berlin. Danach hatte er Positionen unter anderem an der University of California, Berkeley. Im Ersten Weltkrieg arbeitete er für die Regierung in der Entwicklung chemischer Kampfmittel und ab 1919 bis 1922 als stellvertretender Leiter (später Leiter) einer Forschungsstelle zur Stickstoff-Fixierung für Sprengstoffe und Düngemittel.  1922 wurde er Professor für mathematische Physik und physikalische Chemie am California Institute of Technology (Caltech) in Pasadena, wo er bis zu seinem Tod blieb und zeitweise Dean der „Graduate School“ war (deren Orientierung an aktueller Forschung er am Caltech wesentlich bestimmte).  Er hatte auch hohe Regierungsämter inne. Während des Zweiten Weltkriegs war er wissenschaftlicher Berater von General Leslie Groves im "Manhattan-Projekt" und Vizepräsident des National Defense Research Committee (NDRC), wo er speziell mit der Entwicklung von Aufschlagzündern und Raketen beschäftigt war. Nach dem Krieg war er wichtigster Berater des US-Delegierten Bernard Baruch bei der United Nations Atomic Energy Commission.  1922 wurde er in die American Academy of Arts and Sciences gewählt, 1923 in die National Academy of Sciences und 1932 in die American Philosophical Society.  Tolman war für seine hervorragenden, gut vorbereiteten Vorlesungen bekannt, bei denen er die Studenten zu Diskussionen ermutigte. Zu seinen Studenten zählt Linus Pauling.

Werk.

Tolman schrieb ab 1909 Arbeiten über die Spezielle Relativitätstheorie, wobei er Gilbert Newton Lewis folgend 1909/1912 die relativistische Masse definierte (in Abwandlung der älteren von Hendrik Antoon Lorentz (1899) und Albert Einstein (1905) benutzten Begriffe von „longitudinaler“ und „transversaler“ Masse). 1912 untersuchte er auch die Emissionstheorie als Alternative zur SRT, jedoch verwarf er sie später.  Tolman wies nach, dass Elektronen die Träger der elektrischen Ladung beim Elektrizitätsfluss in Metallen sind und bestimmte deren Masse im Tolman-Experiment (1916), indem er die aufgrund der Trägheit der Elektronen in beschleunigten Metallen hervorgerufenen Spannungen maß.  Vor allem war er ein Spezialist für statistische Mechanik, über die er ein lange maßgebliches Lehrbuch schrieb (1927 noch vor dem Hintergrund der älteren Quantentheorie, 1938 in völliger Neubearbeitung mit voller Berücksichtigung der Quantenmechanik) und die er auch auf relativistische Systeme und die Kosmologie anwandte. So zeigte er 1934, dass sich Schwarzkörperstrahlung in einem sich ausdehnenden Universum zwar abkühlt, aber thermisch bleibt. Seine Untersuchung oszillierender Universen führte zur zeitweiligen Ablehnung dieser Theorien, die aber seitdem immer wieder einmal diskutiert werden. Sein "Relativity, Thermodynamics and Cosmology" war auch ein bekanntes Lehrbuch der allgemeinen Relativitätstheorie.

Sonstiges.

Tolman machte vergeblich den Vorschlag, das Zeitintervall, das Licht benötigt, um die Entfernung von einem Femtometer zurückzulegen, als Jiffy zu bezeichnen.  Nach Richard C. Tolman ist der Tolman Award benannt, der jährlich von der "Southern California Section of the American Chemical Society" für wichtige Arbeiten auf dem Gebiet der Chemie verliehen wird.

Richard Chace Tolman (* 4. März 1881 in West Newton, Massachusetts; † 5. September 1948 in Pasadena, Kalifornien) war ein US-amerikanischer theoretischer Physiker, der sich vor allem mit physikalischer Chemie, statistischer Mechanik und der Relativitätstheorie beschäftigte.

Richard Chace Tolman (March 4, 1881 – September 5, 1948) was an American mathematical physicist and physical chemist who made many contributions to statistical mechanics. He also made important contributions to theoretical cosmology in the years soon after Einstein's discovery of general relativity. He was a professor of physical chemistry and mathematical physics at the California Institute of Technology (Caltech).


Leben.

Dicke war der Sohn eines Patentprüfers und Patentanwalts. Er studierte an der Princeton University (Bachelor 1939) und promovierte 1941 an der University of Rochester in Kernphysik. Danach war er 1941 bis 1946 am Radiation Laboratory des Massachusetts Institute of Technology (MIT) (wohin er seinem Lehrer Lee DuBridge folgte), wo er an Radar-Technologien arbeitete (unter anderem einem Mikrowellendetektor, dem Dicke Radiometer). Ab 1946 war er zunächst Assistant Professor und ab 1957 "Cyrus Fogg Brackett Professor" für Physik an der Princeton University. 1975 wurde er dort "Albert Einstein Professor of Science". 1984 emeritierte er. 1967 bis 1970 war er in Princeton Vorstand der Physik-Fakultät. 1946 wurde er Fellow der American Physical Society. 1954/55 war er Gastprofessor in Harvard.  Robert H. Dicke folgerte 1964 (mit James Peebles und anderen), dass bei Annahme eines Urknalls eine kosmische Reststrahlung (Kosmischer Mikrowellenhintergrund) noch heute vorhanden sein müsste, die der Strahlung eines Schwarzen Körpers von der Temperatur von etwa 3 Kelvin entsprechen müsste. Das hatten zwar schon in den 1940er Jahren George Gamow, Ralph Alpher und Robert Herman vermutet, ihre Vorhersage war aber in Vergessenheit geraten. Dicke wollte sich auch experimentell auf die Suche danach begeben, andere kamen ihm aber zuvor. 1965 wurde von Arno Penzias und Robert W. Wilson in Holmdel / New Jersey eine solche Strahlung (durch Zufall bei Überprüfung der Empfindlichkeit ihrer Antenne) nachgewiesen, die gleichmäßig und aus allen Richtungen zu uns kommt, also keinem kosmischen Objekt zugeordnet werden konnte.  Dicke entwickelte eine Schaltung zum schnellen Umschalten eines Empfängereingangs zwischen einer Antenne und einem Referenzwiderstand. Diese Anordnung, nach seinem Erfinder "Dicke-Switch" genannt, ermöglicht Referenzmessungen zur Elimination von Rauschquellen in Empfangsschaltungen. Dicke gilt auch als Erfinder des Lock-in-Verstärkers, den er in seiner Firma Princeton Applied Research vermarktete. In den 1940er Jahren war er führend in der Entwicklung einer modernen Analyse von Mikrowellen-Elektronik mit Hilfe von Symmetrierelationen, Reziprozitätsrelationen und Streumatrizen. Dicke hielt um die 50 Patente. Von ihm stammen auch frühe Ideen zur Adaptiven Optik und er spielte auch eine Rolle in der Entwicklungsphase des Masers und Lasers, mit einem Patent von 1956 und Vorschlägen in einer einflussreichen Arbeit von 1954. Er schlug darin Methoden zum Übergang des Masers vom Mikrowellenbereich (wie ursprünglich von Charles Townes entwickelt) in den Infrarot-Bereich unter Verwendung eines Fabry-Pérot-Interferometers (also zwei parallelen Spiegeln als optischer Resonator) vor. Weiter entwickelte er in seiner Arbeit von 1954 ein einfaches Modell (Dicke Modell) für die Erzeugung kohärenter Strahlung (von ihm "Superradiant" genannt) in einem Maser (N Zweizustandsatome in einem Hohlraum, Wechselwirkung mit der Strahlung in Dipolapproximation).  Dicke entwickelte mit Carl H. Brans eine nach ihnen benannte Skalar-Tensor-Theorie der Gravitation (Brans-Dicke-Theorie) als Alternative zur Einsteinschen Allgemeinen Relativitätstheorie (ART). Motivation waren auch die kosmologischen Ideen von Paul Dirac (Large Number Hypothesis) und das Machsche Prinzip. Die Theorie verletzt das Äquivalenzprinzip, das Dicke in Folge mit P. Roll und R. Krotkov testete. In Zusammenhang mit seinen Gravitationstheorien formulierte er auch früh eine schwache Form des Anthropischen Prinzips. Dicke war auch an anderen Fragen des Tests der Allgemeinen Relativitätstheorie aktiv, zum Beispiel in der Messung der Abflachung der Sonne, was einen Beitrag zur Periheldrehung des Merkur, einem der klassischen Tests der ART, leisten kann. Er testete auch das Äquivalenzprinzip über Abstandsmessungen zum Mond.  Mit dem Dicke-Fix-Prinzip gelang ihm 1960 die Verbesserung eines Verfahrens zur Unterdrückung von kurzen Störsignalen in Radargeräten.  In den 1980er Jahren befasste er sich unter anderem mit Helioseismologie.  In der Spektroskopie beschrieb er die Dicke-Verengung (Dicke Narrowing) von Linienbreiten falls die mittlere freie Weglänge viel kürzer als die emittierte Wellenlänge ist. Der Effekt wird in den Atomuhren zum Beispiel des Global Positioning Systems verwendet und ermöglichte damals genauere Messungen in der Atomphysik.  1963 bis 1966 stand er dem Physik-Komitee der NASA vor, dem er bis 1970 angehörte. Seit 1963 war er Mitglied der American Academy of Arts and Sciences, seit 1967 der National Academy of Sciences und seit 1978 der American Philosophical Society.  Er war seit 1942 mit der Britin Annie Currie verheiratet, mit der er eine Tochter und zwei Söhne hatte.

Robert Henry Dicke (* 6. Mai 1916 in St. Louis, Missouri; † 4. März 1997 in Princeton) war ein US-amerikanischer Physiker und Astrophysiker.

Robert Henry Dicke (; May 6, 1916 – March 4, 1997) was an American astronomer and physicist who made important contributions to the fields of astrophysics, atomic physics, cosmology and gravity. He was the Albert Einstein Professor in Science at Princeton University (1975 - 1984).


Herkunft und Geschichte.

Namensgebend war die portugiesische Ortschaft Castro Laboreiro. Der Rasse wird, wie dem Berghund der Serra da Estrela, nachgesagt, zu den ältesten in Europa zu gehören.  Die Hunde werden als Schutzhunde für das Vieh und auf den Höfen in der Region von Castro Laboreiro gehalten. Sie werden auch zum Bewachen von Haus und Hof genutzt. Bedingt durch die Lebensweise der Menschen, die diese Region bewohnen, musste der Hund agil und beweglich sein. Das Klima zwang und zwingt die Menschen dort bis heute zum „Weidetourismus“. Durch diese Haltung und ihren Einsatz unter widrigsten Bedingungen entstand ein besonderer Typ Schutzhund, der sich von den anderen Herdenschutzhunden in vielen Punkten unterscheidet.

Beschreibung.

Der Cão de Castro Laboreiro ist ein mittelgroßer sehr eleganter Hund. Neben so genannten "Showdogs" (Ausstellungshunden), gibt es Arbeitslinien, bei denen die Eigenschaften als Gebrauchshund im Mittelpunkt der Zucht stehen. Das Haar ist dick, dicht, gegen jede Art von Wetter beständig, glatt und am ganzen Körper anliegend. Meist ist die Brust buschig. Die Rute wird säbelartig nach hinten getragen und ist in der Mitte buschig. Das Haar ist kurz (ungefähr 5 cm); längeres Haar kommt je nach Farbschlag vor: "cor du monte", "lobeiro claro" und "lobeiro escuro" sowie "cor du pinao", rot-braun-grau in allen Schattierungen, einfarbig sandfarben und schwarz. Das Fell verschmilzt so mit den vorwiegenden Landschaftsfarben im Hochland Portugals. Die Augen sind mandelförmig und von haselnuss- bis bernsteinbraun. Die Ohren sind mittelgroß, fast dreieckig mit abgerundeter Spitze; mäßig hoch angesetzt, am Kopf hängend anliegend. Der Gang ist tänzelnd elegant und sehr beweglich. Der Cão de Castro Laboreiro darf Wolfskrallen haben.  Rüden werden 58–64 cm groß und wiegen 30–40 kg; Hündinnen sind mit 55–61 cm bei 25–35 kg etwas kleiner und leichter.  Den Cão de Castro Laboreiro gibt es in verschiedenen Schlägen. Der Typ aus dem Süden unterscheidet sich in seiner Kopfform von dem aus dem Norden.

Wesen und Verwendung.

Der Cão de Castro Laboreiro ist ein sehr guter Wachhund. In seiner Ursprungsregion verteidigt er Vieh, Haus und Hof unter anderem gegen den in dieser Gegend auch heute noch vorkommenden Wolf. Er ist freundlich zum Besitzer und seiner Familie, jedoch weniger gehorsam als manch anderer Gebrauchshunde. Er hat keinerlei "will-to-please". Er ist misstrauisch gegenüber Fremden und Fremdem. Auf Grund seiner ursprünglichen Haltungsbedingungen eignet er sich auch als Familienhund, der andere Tiere respektiert. Der Cão de Castro Laboreiro braucht einen Halter, der ihm mit Respekt und liebevoller Konsequenz begegnet. Er ist es gewohnt, selbstständig zu entscheiden und zu agieren.

Der Cão de Castro Laboreiro (CCL) ist eine von der FCI anerkannte portugiesische Hunderasse (FCI-Gruppe 2, Sektion 2.2, Standard Nr. 170).

The Castro Laboreiro Dog (, 'dog of Castro Laboreiro'), also known as the Portuguese cattle dog or Portuguese watchdog, is an "extremely ancient" dog breed of the livestock guardian type, originating from Castro Laboreiro in the northern mountains of Portugal.