Bereiche.

Sozialpolitik hat im Kernbereich zunächst die klassischen Systeme der Sozialversicherung gegen viele Lebensrisiken der abhängig Beschäftigten herausgebildet: Krankheit, Alter, Unfall, Arbeitslosigkeit und relativ neu Pflegebedürftigkeit.  Hinzu kommen vielerlei Maßnahmen, die den sozialen Ausgleich etwa durch Kinderfreibeträge, Erziehungsgeld, Sozialhilfe und Wohngeld herstellen sollen.  Außerhalb der direkten Einkommensumverteilung befasst sich Sozialpolitik weitergehend familienpolitisch sowie mit Arbeitsschutz, Mieterschutz und generell im Bereich der Sozialfürsorge (früher: Armenfürsorge) zur Jugendhilfe, zur Eingliederung Behinderter in die Gesellschaft u. a. m.

Träger.

Träger der staatlichen Sozialpolitik in der Bundesrepublik Deutschland sind der Bund, die Länder und die Gemeinden sowie von ihnen beauftragte Anstalten und Körperschaften.

Geschichte der Sozialpolitik in Deutschland.

Industrialisierung, Urbanisierung und Soziale Frage.

Durch die Industrialisierung und die damit einhergehenden gesellschaftlichen und sozialen Veränderungen entstand die Notwendigkeit, soziale Sicherung und soziokulturelle Integration der Bevölkerung zunehmend durch staatliches Handeln herzustellen. Die Abwanderung großer Teile der ländlichen Bevölkerung von der dörflichen Gemeinschaft in die Städte als abhängige Lohnarbeiter bargen bei Wirtschaftskrisen die Gefahr massenhafter Verelendung (Pauperismus), die von der traditionellen Armenfürsorge der rasch wachsenden Städte (Urbanisierung) nicht aufgefangen werden konnte. Zudem waren die Arbeitsbedingungen in den Fabriken so schlecht, dass viele der Proletarier relativ früh oder nach Arbeitsunfällen aus dem Arbeitsprozess ausscheiden mussten.  Diese Soziale Frage sowie das Anwachsen der Sozialdemokratie führten dazu, dass sich Sozialpolitik im Kaiserreich zunächst auf die Arbeiter konzentrierte, erst in der Bundesrepublik Deutschland wurden auch Teile der Selbständigen in die gesetzlichen Sozialversicherungssysteme einbezogen.

Der Beginn im Kaiserreich.

Um den direkten Eingriff in die innerbetriebliche Gestaltung der Arbeitsbedingungen (Arbeitsschutz) zu vermeiden sowie die wachsende Zustimmung zu den oppositionellen Sozialdemokraten und Sozialisten umzukehren, wurde von Otto von Bismarck Ende des 19. Jahrhunderts das System der Sozialversicherungen (Krankenversicherung, Unfallversicherung sowie Invaliditäts- und Altersversicherung) reichsgesetzlich geregelt. Beiträge für die Versicherung im Krankheitsfall und für das Ausscheiden aus dem Arbeitsleben zahlten Beschäftigte und Unternehmer zu gleichen Teilen, Beiträge für die Berufsgenossenschaften die Unternehmer alleine. Der Arbeitsschutz wurde vor allem mit Blick auf die Bevölkerungspolitik (Schutz von Schwangeren sowie Kindern und Jugendlichen) ausgebaut.  In den Jahren des Deutschen Kaiserreichs, insbesondere im Ersten Weltkrieg, entwickelte sich die Zuständigkeit für die Sozialpolitik aus dem Bereich der Innenministerien heraus zu eigenen Behörden bzw. Ministerien. Die Sozialpolitik war nun nicht mehr allein ein Teil staatlichen Handelns mit dem Ziel der Prävention gegen soziale Unruhen.

Weimarer Republik.

In der Weimarer Republik kam es zu einem Ausbau der Sozialversicherungen sowie zur Erweiterung sozialer Dienste und Institutionen im Bereich der Krankenfürsorge, Bildung und Schulwesen und im Bereich der Wohnungspolitik. Die deutsche Inflation, die zur Verarmung von Menschen führte, die geglaubt hatten, durch Ersparnisse für ihr Alter vorgesorgt zu haben, machte die Einrichtung einer Kleinrentnerversicherung notwendig. Dagegen hatte die Sozialversicherung der Rentnerinnen und Rentner, wenn auch mit dramatischen Einschnitten im Verlauf der Inflation selbst, die ersten Jahre der Weimarer Republik schadlos überstanden. 1927 wurde nach langen Debatten – die bereits im Kaiserreich begonnen hatten – die Arbeitslosenversicherung reichsgesetzlich geregelt. Durch die Deflationspolitik des Reichskanzlers Heinrich Brüning als Antwort auf die Auswirkungen der Weltwirtschaftskrise wurden große Teile des Sozialversicherungssystems in ihrer Substanz gefährdet, die Leistungen für Kranke, Invaliden und Rentner wurden durch eine Politik des Sparens drastisch verringert. Obwohl die Arbeitgeber seit 1928 gegen die „Überlastung“ durch die Beiträge als Teil des Bruttolohns Sturm gelaufen waren, überlebte das System der Sozialversicherungen auch diese Zeit.

Zeit des Nationalsozialismus.

Zur Zeit des Nationalsozialismus veranlasste die Regierung unter anderem deutliche Reallohnsenkungen durch gesetzliche Lohnstopps und Zwangsarbeitsmaßnahmen. Jedoch demontierte die Regierung das System nicht insgesamt, sondern baute es in wenigen strategischen Teilen auch aus, deutete Sozialpolitik ideologisch um und instrumentalisierte sie. Die Sozialpolitik des Nationalsozialismus war an der Ideologie der „Volksgemeinschaft“ ausgerichtet. Aus ihrer Zeit stammen z. B. die gesetzlichen Regelungen hinsichtlich des 1. Mai als Feiertages (Tag der Arbeit) und des Anspruchs auf Jahresurlaub, die bis heute gelten. Besonders im Blickpunkt der Förderung war dabei die Familie, um die Kinderanzahl bzw. die Bevölkerungsgröße für den Zweiten Weltkrieg zu erhöhen. Die Sozialpolitik im Nationalsozialismus war ein wichtiges Politikfeld um die Bevölkerung zu gewinnen bzw. ihre Unterstützung in Kriegszeiten nicht zu verlieren.

Sozialpolitik der DDR.

In der DDR wurde der Begriff „Sozialpolitik“ erst in den 1960er Jahren eingeführt – vorher herrschte die Meinung vor, der Begriff sei, da ja durch die Sozialistische Einheitspartei Deutschlands (SED) der Sozialismus aufgebaut werde, überflüssig. Nach einer umfassenden ideologischen Prüfung des Begriffs fand dieser schließlich im Jahre 1968 erstmals seine Legitimation in der Verfassung der DDR: So wurde die Sozialpolitik in der DDR wie auch in den anderen sozialistischen Staaten in Mittel- und Osteuropa in einem sehr weiten Sinne verstanden und umgesetzt. Die DDR-Sozialpolitik zielte klar darauf, die sozialistische Gesellschafts- und Wirtschaftsordnung sowie deren parteilichen Unter- und Überbau zu flankieren, zu schützen und zu stabilisieren. Die Arbeitsproduktivität der Werktätigen sollte durch eine Motivationsstärkung erhöht werden. Die Existenzsicherung gewährleistete eine Mindestversorgung, welche sich aber auf einem sehr geringen Niveau bewegte. Das schloss auch die Konsumpolitik der DDR ein, besonders die Bezuschussung von Produkten des täglichen Bedarfs, welche aus dem öffentlichen Haushalt des „Arbeiter- und Bauernstaates“ kamen, sowie die Festlegung von Tarifen und Dienstleistungen.  In den 1970er Jahren wurde die „Einheit von Wirtschafts- und Sozialpolitik“ beschworen. Als Neuerung kamen die forcierte Förderung des Wohnungsbaus und der Ausbau der Frauen- und Familienpolitik hinzu. Die Frauen- und Familienpolitik zielte auf eine Vereinbarung von Mutterschaft und Erwerbstätigkeit. Aufgewertet wurde zudem die auf Freizeit und Erholung zielende betriebliche Sozialpolitik. Wachsende sozialpolitische Bedeutung als Schutz vor materieller Verelendung großer einkommensschwacher Gruppen in der DDR gewannen in den 1970er und 1980er Jahren die Preissubventionen für Waren des Grundbedarfs sowie für Mieten und Tarife im Personennahverkehr und für Gas, Strom und Wasser.

Bundesrepublik Deutschland.

Im Grundgesetz wird das Sozialstaatsprinzip generell in Abs. 1 festgeschrieben; sozialstaatliche Grundsätze lassen sich auch aus einzelnen Geboten wie Schutz der Menschenwürde, Sozialbindung des Eigentums, Schutz von Ehe und Familie ableiten.  Auf dieser Grundlage und begünstigt durch einen wirtschaftlichen Aufschwung (Wirtschaftswunder) wurde von der Gründung bis in die Mitte der 1990er Jahre hinein in der Bundesrepublik Deutschland das Netz der sozialen Sicherungen weiter ausgebaut. Meilensteine des Ausbaus des Sozialstaates waren: In der Folge stieg die Sozialquote bis 2003 auf den bisherigen Höchstwert von 32,3 % um danach bis 2006 auf 30,3 % leicht abzusinken.

Sozialpolitik in der Schweiz.

Das im Sommer 1937 von Schweizer Gewerkschaften und Unternehmern geschlossene „Friedensabkommen“ war einerseits Grundlage einer bis in die 1960er Jahre währenden Abwesenheit von Streiks, führte aber andererseits dazu, dass Konflikte sich ins Innere der Fabriken verlagerten. Kündigungen und hohe Fluktuation wurden zum Ersatz für Streiks und gewerkschaftliche Vertretung. Einer Betrieblichen Sozialpolitik kam daher nach 1945 die Rolle zu, die Beschäftigten zu „motivieren“, Arbeitskraftreserven zu erschließen und Konflikte im Betrieb einzuhegen. Dazu gehörte einerseits die Einrichtung von Wohlfahrtsfonds für den Fall von Alter und Krankheit (die 1947 durch ein nationales Versicherungssystem ergänzt wurden) sowie von Kantinen und Wohlfahrtshäusern mit Angeboten wie Nähkursen für die Beschäftigten. Flankiert wurde diese betriebliche Sozialpolitik von aus den USA übernommene Neuerungen wie dem betrieblichen Vorschlagswesen und werbewirksamen Maßnahmen zur Identifikation mit der Firma. Neben den USA war jedoch auch die im NS-Deutschland propagierte Betriebsgemeinschaft ein ideologisches Vorbild: Konzepte aus der NS-Rüstungsindustriie kamen insbesondere bei der Rationalisierung von Produktionsabläufen und im Akkordwesen zum Einsatz.

Sozialpolitik im internationalen Vergleich.

Die deutsche Sozialpolitik ist nur ein Beispiel für die Herausbildung des Wohlfahrtsstaates in den entwickelten Industrieländern. In vielen Ländern wurden (und werden) die sozialen Sicherungssysteme gegen die Wechselfälle des Lebens aus ihrer geschichtlichen Entwicklung heraus nicht nur über Beiträge, sondern auch über den Staatshaushalt finanziert (Beispiel: skandinavische Länder, in denen allerdings auch ein bedeutender Teil der staatlichen Sozialpolitik außerhalb der Sicherungssysteme stattfindet). Andere Länder gehen erst in den letzten Jahren zur Beitragsfinanzierung über (z. B. Italien). Eine gewisse Harmonisierung findet im Rahmen der Sozialpolitik der EU statt, deren weitere Entwicklung aber schwer einzuschätzen ist.  In Großbritannien unterlag der zunächst in der Nachkriegszeit ausgebaute Wohlfahrtsstaat in den 1980er Jahren unter Margaret Thatcher erheblichen Leistungssenkungen. Das damit verbundene Sozialmodell wurde 1997 von der Labourregierung unter Tony Blair weitgehend übernommen, die besonders die Mobilisierung der von Armut und Ausgrenzung Betroffenen in den Vordergrund stellte („work for welfare“ Workfare). Eine Umverteilung gesellschaftlichen Wohlstandes ist dabei im sozialpolitischen Modell Großbritanniens nicht angestrebt.  Die USA entschlossen sich erst in der Weltwirtschaftskrise, angesichts Hunderttausender verelendeter Veteranen des Ersten Weltkrieges, zu ersten Ansätzen des Aufbaus von sozialen Sicherungssystemen "(New Deal)". Dritte-Welt-Staaten haben z. T. noch gar nicht mit dem Aufbau solcher Systeme begonnen.

Sozialpolitik ist die Bezeichnung für Maßnahmen zur Verbesserung der wirtschaftlichen und sozialen Situation insbesondere benachteiligter gesellschaftlicher Gruppen. Träger der Sozialpolitik sind vornehmlich der Staat, daneben Unternehmen, Gewerkschaften, NGOs und die Kirchen.  Im staatlichen Bereich gehört die Sozialpolitik zu den ältesten Politikfeldern. Ihr primäres Ziel ist es, die soziale Lage benachteiligter Gruppen zu bessern, insbesondere durch eine Angleichung der Lebenschancen und Existenzbedingungen. Übergeordnetes politisches Ziel ist die Integration ärmerer Bevölkerungsgruppen in die Gesellschaft und damit die Stabilisierung der Gesellschaftsordnung.  Die betriebliche Sozialpolitik geht zurück auf die Entstehung der Industrialisierung. Insbesondere industrielle Großunternehmen (z. B. Krupp AG) schufen Wohlfahrtseinrichtungen (Kranken-, Sterbe-, Unterstützungs- und Pensionskassen, Konsumanstalten, Wohn- und Ledigenheime) zu einer Zeit, als die staatliche Sozialpolitik noch in ihren Anfängen steckte.  Als wissenschaftlicher Gegenstand wird Sozialpolitik an deutschen Universitäten von mehreren sozialwissenschaftlichen Disziplinen thematisiert. Sowohl die Profession der sozialen Arbeit, die Volkswirtschaftslehre als auch die politischen Wissenschaften und die politischen Soziologie analysieren die Sozialpolitik aus unterschiedlichen Perspektiven.

Social policy is policy usually within a governmental or political setting, such as the welfare state and study of social services.  Social policy consists of guidelines, principles, legislation and activities that affect the living conditions conducive to human welfare, such as a person's quality of life. The Department of Social Policy at the London School of Economics defines social policy as "an interdisciplinary and applied subject concerned with the analysis of societies' responses to social need", which seeks to foster in its students a capacity to understand theory and evidence drawn from a wide range of social science disciplines, including economics, sociology, psychology, geography, history, law, philosophy and political science. The Malcolm Wiener Center for Social Policy at Harvard University describes social policy as "public policy and practice in the areas of health care, human services, criminal justice, inequality, education, and labor". Social policy might also be described as actions that affect the well-being of members of a society through shaping the distribution of and access to goods and resources in that society. Social policy often deals with wicked problems.  The discussion of 'social policy' in the United States and Canada can also apply to governmental policy on social issues such as tackling racism, LGBT issues (such as same-sex marriage) and the legal status of abortion, guns, euthanasia, recreational drugs and prostitution. In other countries, these issues would be classified under health policy and domestic policy.


Beschreibung.

Die Krone ist aus 21 bis 22-karätigem Gold gefertigt. Sie wiegt etwa 2,5 Kilogramm, ihre maximale Höhe und ihr Durchmesser betragen 19 cm. Ihre Form ist an ältere Kronen der Přemysliden und der französischen Könige angelehnt. Sie besteht aus vier am Reif befestigten Seiten aus Goldblech, die jeweils in einer großen Lilie enden. Zwei Bögen verbinden die vier Seitenteile. Die Bögen sind mit Teilen eines älteren Schmuckstücks besetzt, einem goldenen Gürtel, den Blanca von Valois 1323 zu ihrer Hochzeit mit Karl IV. von ihrem Cousin, dem französischen König Karl dem Schönen bekam. An der höchsten Stelle, dem Kreuzungspunkt der beiden Bögen, ist ein hohles goldenes Kreuz angebracht. Das Kreuz schmückt eine Kamee aus einem byzantinischen Saphir mit der Darstellung einer Kreuzigungsszene.  Die Inschrift auf dem Kreuz lautet "Hic est spina de corona Domini" („Hier befindet sich ein Dorn aus der Krone des Herrn“) und weist auf das darin als Reliquie enthaltene Fragment der Dornenkrone hin. Unter den Bögen ist die Krone mit einer Stoffmütze ausgepolstert. Die Krone wurde bei ihrer Fertigung im Jahr 1347 mit roten und blauen Edelsteinen besetzt. Die Zusammensetzung der Edelsteinkollektion änderte sich jedoch mehrfach, da Karl bis zu seinem Tod im Jahr 1378 die Krone mit Edelsteinen ergänzen ließ, die in seinen Besitz gelangt waren. Ihre endgültige Form erhielt die Wenzelskrone zwischen 1374 und 1378. Seitdem ist sie mit 19 Saphiren, 44 Spinellen, einem Rubin, 30 Smaragden und 20 Perlen besetzt.

Geschichte und heutige Aufbewahrung.

Karl IV. ließ die Krone anlässlich seiner Krönung 1347 anfertigen. Sie sollte fortan als Staatsjuwel bei der Krönung der böhmischen Könige verwendet werden. Nach den Bestimmungen Karls sollte sie nur zu den Krönungen und ähnlich bedeutenden Staatsakten aus dem Prager Domschatz entnommen und am selben Tage wieder zurückgegeben werden. Jede Entnahme war mit einer Gebühr von 200 bzw. 300 Pfund verbunden, die den Geistlichen des Veitsdomes zugutekommen sollte.  Der reguläre Aufbewahrungsort der Krone war der Domschatz des Veitsdomes. Bereits bei ihrer Herstellung widmete Karl IV. die Krone dem ersten Landespatron, dem heiligen Wenzel. Den Schädel des Heiligen, der ebenfalls im Domschatz lag, ließ der König mit Gold überziehen. An bestimmten kirchlichen Feiertagen sollte der Schädel öffentlich ausgestellt und mit der Krone geschmückt werden. Der Schädel als Reliquie und die Krone aus Staatsjuwel bildeten aber nie eine materielle Einheit. Die Verbindung beider war ideeller und rechtlicher Natur: Die Widmung der Krone dem ersten Landespatron sollte ihre Sicherheit garantieren. Diebstahl und Zweckentfremdung waren mit hohen kirchlichen Strafen belegt.  Obwohl nach dem Willen Karls IV. die neue Königskrone dauerhaft im Veitsdom aufbewahrt werden sollte, ließ bereits sein Sohn Wenzel IV. die Krönungsjuwelen auf die Burg Karlstein überführen. Seitdem wechselte der Aufbewahrungsort vielfach, im 18. Jahrhundert gelangten sie nach Wien.  Seit 1791 befinden sie sich in einer besonderen Kammer in der St.-Wenzels-Kapelle des Veitsdomes in Prag. Die Tür der Kammer, in der die Reichskleinodien (Krone, Zepter und Reichsapfel) ruhen, ist mit sieben Schlössern ausgestattet, die von sieben staatlichen und geistlichen Würdenträgern verwahrt werden. Schlüsselinhaber sind der Präsident der Tschechischen Republik, der Premierminister, der Prager Erzbischof, der Vorsitzende des Abgeordnetenhauses, der Vorsitzende des Senats, der Dekan des Metropolitankapitels der St.-Veits-Kathedrale und der Oberbürgermeister der Stadt Prag. Über eine Entnahme und öffentliche Ausstellung der Reichskleinodien entscheidet der Staatspräsident. Im 21. Jahrhundert wurden die Reichskleinodien insgesamt viermal öffentlich gezeigt, zuletzt 2016 zur Feier des 700. Geburtstages Karl IV.

Verwendung und Mythos.

Viele Personen wurden mit der Krone zum König von Böhmen gekrönt, darunter der Wittelsbacher „Winterkönig“ Friedrich von der Pfalz. Die Krone wurde im 19. Jahrhundert zum Symbol für die böhmischen Staatsrechte und die Selbstständigkeit.  Die letzte Krönung mit der Wenzelskrone fand 1836 statt, als Kaiser Ferdinand I. von Österreich im Prager Veitsdom zum König von Böhmen gekrönt wurde.  Um die Wenzelskrone rankt sich die Legende, dass jeder, der sie zu Unrecht trägt, binnen eines Jahres eines gewaltsamen Todes stirbt. Angeblich setzte sich im Wissen um diese Legende der geschäftsführende Reichsprotektor Reinhard Heydrich bei einer symbolischen Schlüsselübergabe in der Krönungskammer neben dem Prager Veitsdom am 19. November 1941 kurz die Wenzelskrone auf, um das Allerheiligste des Tschechentums zu entweihen und die Legende zu widerlegen. Dabei handelt es sich wahrscheinlich nur um eine Legende, die erst nach dem tödlichen Attentat auf Heydrich am 26. Mai 1942 aufkam.

Die Wenzelskrone oder "Krone des hl. Wenzel" () ist die Königskrone des Königreichs Böhmen und Symbol für die Länder der böhmischen Krone. Sie ist der älteste Bestandteil der böhmischen Krönungsinsignien. Von diesen sind außer der Krone noch der königliche Apfel, das königliche Zepter und der Königsmantel erhalten.

The Crown of Saint Wenceslas is a crown forming part of the Bohemian Crown Jewels, made in 1347. The eleventh king of Bohemia and Holy Roman Emperor Charles IV, from the House of Luxembourg, had it made for his coronation, dedicating it to the first patron saint of the country St. Wenceslas and bequeathed it as a state crown for the coronation of (future) Bohemian kings. On the orders of Charles IV the new royal crown was deposited in St. Vitus Cathedral, however, it was later transferred to Karlštejn Castle. It was used for the last time for the coronation of Ferdinand V in 1836.


Ziele und Aktivitäten.

Die Ziele sind die Förderung und Entwicklung der gegenseitigen Verständigung, die Zusammenarbeit und Durchführung von Begegnungen zwischen Jurastudenten und jungen Juristen unterschiedlicher Länder und Rechtsordnungen, vor allem in Europa, durch die gemeinsame Arbeit auf den Gebieten der Rechtswissenschaften, der Rechtsausbildung sowie der Rechtsberufe.  ELSA hat drei Hauptprogramme gebildet, mit deren Hilfe diese Ziele vorrangig umgesetzt werden sollen:

Netzwerk.

ELSA wurde 1981 in Wien von Jurastudenten aus Österreich, Ungarn, Polen und dem damaligen Westdeutschland gegründet. Daraus entwickelt hat sich ein inzwischen europaweites Netzwerk. Kennzeichnend ist die Gliederung auf drei Ebenen: lokal, national und international.

Lokale Fakultätsgruppen.

An mehr als 350 Universitäten in Europa haben sich lokale Fakultätsgruppen gebildet. Die meisten Gruppen finden sich in Deutschland. Mit ca. 50.000 Mitgliedern in den jeweiligen Fakultätsgruppen ist ELSA die weltweit größte Vereinigung von Jurastudenten.

Nationale Dachverbände.

Die Fakultätsgruppen verteilen sich auf 44 Länder. In den meisten dieser Länder wurden nationale Dachverbände gegründet, um die Arbeit der jeweiligen lokalen Gruppen zu unterstützen und zu koordinieren. In kleinen Ländern, in denen an nur einer Universität ein juristisches Lehrangebot existiert oder in denen sich an nur einer juristischen Fakultät eine Gruppe etabliert hat (z. B. Malta), nimmt die jeweilige Fakultätsgruppe die Funktion des nationalen Dachverbandes wahr.

Struktur der einzelnen Gruppen.

Die strukturelle Ordnung der Gruppen folgt auf allen Ebenen einem vergleichbaren Schema, wobei sich die bei ELSA International gefundene Lösung weitgehend durchgesetzt hat.

Vorstand.

Jede Gruppe wird von einem Vorstand (Board) geleitet. Dieser setzt sich aus Personen mit verschiedenen Aufgabenbereichen zusammen, wobei nicht immer alle Posten besetzt werden und die Bezeichnung der Ämter variieren können.  Zumeist ist satzungsrechtlich die Besetzung zumindest der drei erstgenannten Ämter vorgeschrieben.

Mitgliederversammlungen.

Die Mitgliederversammlungen der jeweiligen Gruppen treten zumindest einmal jährlich zusammen, in Deutschland in der Regel halbjährlich. Sie sind ihre höchsten Beschlussfassungsorgane und folgen den Vorschriften der Rechtsordnungen, nach denen die Gruppen gegründet wurden.

ELSA (Internationaler Dachverband).

ELSA ist ein Verein nach niederländischem Recht mit Sitz in Amsterdam. Das International Board, wie der Vorstand des Dachverbands heißt, arbeitet jedoch in Brüssel, wo es ein Büro- und Wohngebäude unterhält ("ELSA House").  Aufgabe von ELSA International ist die Koordinierung des gesamten Netzwerks. Außerdem hält ELSA International Kontakt zu anderen Studentenvereinigungen in aller Welt, zum Beispiel mit der International Law Students’ Association (ILSA) in Nordamerika, der Asian Law Students’ Association (ALSA) Japan, der Australian Law Students’ Association (ALSA), der African Law Students’ Association (AfLSA) in Südafrika und der Association des Étudiants Juristes de Côte d’Ivoire (AEJCI) in der Elfenbeinküste.  Zahlreiche Internationale Organisationen haben ELSA Beobachter- oder Beraterstatus eingeräumt:  Des Weiteren hat ELSA eine Kooperation mit dem Hohen Flüchtlingskommissar der Vereinten Nationen (UNHCR) vereinbart.

ELSA in Deutschland.

Mit circa 11.500 Mitgliedern stellt ELSA in Deutschland den größten Teil des Netzwerks und gehört auch mit zu den aktivsten Verbänden.

Lokale Fakultätsgruppen.

ELSA ist an jeder juristischen Fakultät in Deutschland sowie einigen Fachhochschulen vertreten. Insgesamt existieren 43 lokale Fakultätsgruppen: Augsburg, Bayreuth, Berlin, Bielefeld, Bochum, Bonn, Bremen, Dresden, Düsseldorf, Erlangen-Nürnberg, Frankfurt/Main, Frankfurt/Oder, Freiburg, Gelsenkirchen, Gießen, Greifswald, Göttingen, Halle, Hamburg, Hannover, Heidelberg, Jena, Kiel, Konstanz, Köln, Leipzig, Lüneburg, Mainz, Mannheim, Marburg, München, Münster, Osnabrück, Passau, Pforzheim, Potsdam, Regensburg, Saarbrücken, Trier, Tübingen, Wiesbaden, Wismar und Würzburg.  Die einzelnen Fakultätsgruppen sind organisiert als eingetragene Vereine, tragen also das Kürzel „e. V.“ im Namen. Sie müssen als gemeinnützig anerkannt sein oder zumindest die Eintragung in das Vereinsregister und die Gemeinnützigkeit anstreben.

ELSA-Deutschland e. V..

Seit 1989 existiert ELSA-Deutschland e. V. als Dachverband der deutschen Fakultätsgruppen. Sitz der Vereinigung ist Heidelberg.  Zweimal im Jahr veranstaltet ELSA-Deutschland e. V. eine Generalversammlung, in der die Vertreter der Fakultätsgruppen im Status eines ordentlichen Mitglieds den nationalen Vorstand wählen, das Budget der Vereinigung bestimmen und die Arbeit der lokalen Gruppen koordinieren. Das Stimmgewicht der einzelnen Gruppen errechnet sich aus der jeweiligen Zahl ihrer Mitglieder. Darüber hinaus kommen lokale Vorstände zweimal jährlich zu sogenannten Referententreffen („Reftreff“) zusammen und bilden sich in ihren Geschäftsbereichen fort.  ELSA-Deutschland ist Gründungsmitglied des Verbands deutscher Studierendeninitiativen (der ehemaligen Kölner Runde).

Österreich.

ELSA ist in Österreich mit rund 4000 Mitgliedern an 6 Lokalgruppen (Uni Wien, WU Wien, Graz, Linz, Salzburg und Innsbruck) vertreten. Als Gründungsmitglied von ELSA besteht ELSA Austria bereits seit 1981. Die Lokalgruppen sind selbst eigenständige Vereine mit eigenen Vorständen und Budgetplänen.  Zweimal im Jahr veranstaltet ELSA Austria eine Generalversammlung, in der die Vertreter der Lokalgruppen den nationalen Vorstand wählen, das Budget von ELSA Austria beschließen und die lokale Arbeit koordinieren. Jede Lokalgruppe hat dabei gleich viele Stimmen.  Zu den großen inhaltlichen Projekten von ELSA Austria gehören die "M&A Contract Competition" und der KartellrechtsMootCourt. Ebenso hat ELSA Austria eine eigene (Online-)Rechtszeitschrift gestartet, die ELSA Austria Law Review (EALR).

Ehemalige.

Da ELSA eine Studentenorganisation ist, verliert sie die Mehrheit ihrer Mitglieder mit deren Studienende. Um den dadurch bedingten Abfluss an Wissen und Beziehungen zu stoppen, wurden auf internationaler Ebene die "ELSA Lawyers Society" und in Deutschland am 25. Januar 2003 der "ELSA Alumni Deutschland e. V." (EAD) gegründet.  Die Vereine haben sich im Wesentlichen zwei Ziele gesetzt:  Die ELSA Lawyers Society wird von einem Executive Committee geführt, welches aus einem President, einem Secretary General, einem Treasurer, einem Vicepresident for ELS Trust und einem Vicepresident for Marketing besteht. Sie werden auf der jährlichen Mitgliederversammlung auf dem International Council Meeting für ein Jahr gewählt.  Der Vorstand besteht aus dem Vorsitzenden, dem stellvertretenden Vorsitzenden und dem Vorstand für Finanzen und wird jeweils auf zwei Jahre gewählt. Einmal jährlich findet eine Generalversammlung für die Mitglieder statt.

Die European Law Students’ Association (ELSA) ist ein politisch neutrales, unabhängiges und nicht gewinnorientiertes Netzwerk von über 50.000 Studierenden der Rechtswissenschaften und jungen Juristen in Europa mit Sitz in Brüssel.

The European Law Students' Association (ELSA) is an international, independent, non-political, non-profit, non-governmental organisation run by and for law students. ELSA-activities comprise a large variety of academic and professional events that are organised to fulfill the stated vision of ELSA.


Svantovit-Kultstätte auf Rügen.

Auf Kap Arkona auf der Insel Rügen stand eine Holzstatue, die ihn mit vier Gesichtern und einem mit Wein gefüllten Horn darstellte. Die Statue befand sich in einem quadratischen, säulengetragenen Tempel innerhalb der Jaromarsburg. Das Heiligtum galt als geistiges Zentrum der Slawen und insbesondere der auf Rügen ansässigen Ranen. Es wurde 1168 vom dänischen König Waldemar zerstört. Ein Steinrelief, das sich in der Kirche von Altenkirchen auf Rügen befindet und von dem man annehmen könnte, dass es Svantovit abbildet, zeigt ebenfalls eine männliche Figur mit einem großen Trinkhorn. Wahrscheinlicher ist aber, dass es sich dabei um einen Priester der Gottheit handelt.  1921 glaubte der deutsche Archäologe Carl Schuchhardt, mithilfe der genauen Ortsbeschreibung des dänischen Geschichtsschreibers Saxo Grammaticus die Svantovit-Kultstätte gefunden zu haben. Forschungen nach 1945 ergaben jedoch, dass es sich bei seinem Fund vermutlich um eine dänische Missionskirche gehandelt hatte.  Wegen fortschreitender Hochuferabbrüche finden seit einigen Jahren erneut archäologische Notgrabungen auf Rügen statt, durch die überraschenderweise der Standort des Svantovit-Tempels gefunden wurde. Es handelt sich hierbei um eine rechteckige Fläche, die völlig frei von Fundstücken war, um die herum aber umso mehr Fundstücke zu finden waren, welche auf Opfergaben und (siegreich zerstörte?) Waffenteile hindeuten. Dies deckt sich auch mit der detaillierten Beschreibung durch Saxo Grammaticus, die besagt, dass der Priester innerhalb des Tempels nicht einmal atmen durfte, um ihn nicht zu verunreinigen.

Belege des Svantovit-Kults.

Für den Svantovit-Kult auf der Insel Rügen gibt es zahlreiche schriftliche und archäologische Nachweise. Die Chronica Slavorum des Chronisten Helmold von Bosau (12. Jh.) beschreibt das Svantovit-Orakel, dem zahlreiche Geschenke und Opfergaben aus der gesamten slawischen und der benachbarten nichtslawischen Welt dargebracht wurden. Ein Beispiel sei ein vom Dänenkönig Sven erhaltener, wertvoller Pokal. Die slawische Bevölkerung auf Rügen hielt länger als andere Slawenstämme der christlichen Missionierung stand. Erst der Angriff der Dänen 1168 und die Zerstörung der Opferstätte beendete die Zeit der Slawenherrschaft an der Ostsee.  Auch Saxo Grammaticus berichtet Ende des 12. Jahrhunderts von dem Svantovit-Kult. Er beschreibt genau die Kultstätte auf Kap Arkona: Ein Holztempel mit einem einzigen Eingang und einem roten Dach beherbergte das hölzerne, überlebensgroße Standbild von Svantovit. Von den vier Köpfen blickten zwei nach vorne und zwei nach hinten. Das Trinkhorn in der rechten Hand war aus Metall und wurde von einem einzelnen Priester einmal im Jahr mit Wein gefüllt, dessen Zustand der Weissagung über die kommende Ernte diente.

Svantovit und der heilige Veit.

Der rechtliche Anspruch, den das Kloster Corvey vom 12. bis ins 17. Jahrhundert auf die Insel Rügen erhob, wird in der Forschung auf den Svantovit-Kult bzw. auf eine Missdeutung dieses Kults als Verehrung des heiligen Veit (lat. "sanctus Vitus"), des zweiten Patrons des Klosters Corvey, zurückgeführt. Wesentlichste rechtliche Grundlage für die Forderung Corveys war die seit dem 12. Jahrhundert zu belegende Erzählung, dass sich in den 1120er Jahren bei einem Slawenzug des Herzogs von Sachsen und nachmaligen Kaisers Lothar III. besiegte Slawen als ehemalige Tributpflichtige der "civitas" Corvey und ihres Herrn, eines gewissen "sanctus Vitus", zu erkennen gaben, woraus dann abgeleitet wurde, dass Mönche aus Corvey schon in älterer Zeit Rügen missioniert und hierdurch rechtliche Ansprüche des Klosters begründet hätten.

Symbole Svantovits.

Von der Vielköpfigkeit, die besonders bei slawischen Gottheiten vermehrt auftritt (im Gegensatz zu keltischen und römischen Göttern), wird angenommen, sie sei ein Symbol der vielfachen Macht des jeweiligen Gottes.  Weitere Kultgegenstände, die um das Götterbild angeordnet waren sowie ein Schimmel, der nur vom Priester geritten werden durfte, wurden für andere Weissagungen eingesetzt, das Pferd z. B. für Orakel zu Kriegserfolg oder -misserfolg. Dreihundert Reiter waren jederzeit zum Schutz des Gottes und zur Mehrung seines Schatzes im Dienst.

Opferzeremonien und Kulthandlungen.

Nach den Opferzeremonien, bei denen der Priester mit angehaltenem Atem Wein und Honigkuchen darbrachte, gab es regelmäßig umfangreiche Opfergelage, die mit reichlichem Alkoholgenuss einhergingen.

Svantovit (auch "Svantevit", "Sveti Vid", "Swantewit", "Sventevit," "Svetovit", "Svatovit", "Świętowit" oder "Святовит") ist eine slawische Gottheit. Er war der Kriegsgott und die oberste Gottheit der Ranen auf Rügen und anderer Elb- und Ostseeslawen, vergleichbar mit dem obersten Gott Perun anderer slawischer Stämme. Slawische Gottheiten haben oft mehrere Köpfe. Svantovit ist vierköpfig, jeder Kopf schaut in eine Himmelsrichtung. Dabei war jeder Himmelsrichtung eine eigene Farbe zugeordnet: Norden Weiß, Westen Rot, Süden Schwarz und Osten Grün.  Er wurde auf Rügen von den slawischen Bewohnern insbesondere als Orakelspender verehrt.

Svetovid, Svantovit or Sventovit is a Slavic deity of war, fertility and abundance primarily venerated on the island of Rügen into the 12th century. He is often considered a local Rugian variant of the pan-Slavic god Perun.  Sometimes referred to as Beli (or Byali) Vid ("Beli" = white, bright, shining), Svetovid is associated with war and divination and depicted as a four-headed god with two heads looking forward and two back. A statue portraying the god shows him with four heads, each one looking in a separate direction, a symbolic representation of the four directions of the compass, and also perhaps the four seasons of the year. Each face had a specific color. The northern face of this totem was white (hence White Ruthenia / Belarus and the White Sea), the western, red (hence Red Ruthenia), the southern, black (hence the Black Sea) and the eastern, green (hence Zeleny klyn).


Allgemeines.

Im Gegensatz zur Freundlichkeit, mit der man vertraute Menschen behandelt, ist die Höflichkeit stark durch gesellschaftliche Normen und Umgangsformen geprägt und drückt sich oft durch respektvolle Distanz aus. Je nach Kultur und Epoche finden sich sehr unterschiedliche Ausprägungen dessen, was als höflich gilt. Allgemein gültige Höflichkeitsregeln, die für alle Kulturen gelten, lassen sich daher nicht finden. Eine zusammenfassende allgemeine Definition lautet in an Arthur Schopenhauer angelehnter Formulierung: „"Höflichkeit ist ein sprachliches oder nichtsprachliches Verhalten, das zum normalen Umgang der Menschen miteinander gehört und den Zweck hat, die Vorzüge eines anderen Menschen indirekt zur Erscheinung zu bringen oder ihn zu schonen, wenn er vielleicht nicht vorzüglich sein will."“ Die zugehörigen Verhaltensformen bezeichnet man – technisch, das heißt nicht moralisch wertend – entweder als negative oder als positive Höflichkeit: „‚negative Höflichkeit‘, die auf Schonung und Entlastung des anderen bedacht ist“, im Gegensatz zur „‚positive[n] Höflichkeit‘, die Sympathie, Aufmerksamkeit und Neugierde für den anderen zeigt.“ Eine solche gerade nicht distanziert-kühle Höflichkeit wird auch als „Herzenshöflichkeit“ bezeichnet (vgl. das Taktgefühl). Der französische Moralist Joseph Joubert sagte dazu: „Für den Menschen ist seine Güte der schönste Schmuck, der ist nicht ausreichend Mensch, wer nicht ausreichend gut erzogen ist.“  Historisch entwickelte sich die Höflichkeit im Prozess der Zivilisation (Norbert Elias) im spätmittelalterlichen Übergang zur Neuzeit, zuerst bei Hofe, wo die Rohheit und Gewalttätigkeit des "Feudaladels" zur höfischen Courtoisie des "Hofadels" gebändigt wurde.  Höflichkeit ist eine Strategie im Rahmen des von Erving Goffman geprägten Begriffs des Facework.

Beispiele.

Einige wenige Beispiele von Höflichkeitsnormen, die in den meisten westlichen Gesellschaften allgemein gängig sind:

Moralphilosophische Definitionen und Empfehlungen.

Der Moralphilosoph Friedrich Paulsen gab folgende klare und prägnante Definitionen und Empfehlungen:  "Höflichkeit als Beachtung des jeweiligen Verkehrs-Zeremoniells:"Sei höflich, d. h. gewöhne dich daran, das Verkehrszeremoniell zu beachten, das die Gesellschaft, d. h. hier die Gesamtheit derer, die durch geselligen Verkehr miteinander verbunden sind, wie jede Organisation hervorbringt. Durch das Verkehrszeremoniell wird allgemein verbindlich vorgeschrieben, wie der einzelne sich im geselligen Verkehr benehmen soll, wann und wie er Es ist die Aufgabe des Verkehrszeremoniells, den Störungen vorzubeugen, die im geselligen Verkehr durch Ungeschick und disziplinlose Selbstsucht hervorgerufen würden.  "Anstand:"Wahre den Anstand, d. h. verletze niemanden. Der Anstand gebietet, zu vermeiden, was dem anderen abstoßend, widerwärtig, ekelhaft sein könnte.  "Höflichkeit im engeren Sinne ("humanitas"):"Erstrebe Höflichkeit im engeren Sinne (humanitas). Der Höfliche kommt dem Fremden mit Zeichen von Achtung und Wohlwollen entgegen und erklärt damit, dass er mit ihm auf einen friedlichen und freundlichen Verkehr einzugehen bereit sei.  "Rücksichtslosigkeit und ihre Unterarten:"Meide Rücksichtslosigkeit, das Gegenteil der Höflichkeit. Sie zeigt sich entweder in

Höflichkeit in verschiedenen Kulturen.

Judentum.

Eine zentrale Rolle spielen Höflichkeit und gute Umgangsformen (hebr. "Derech Eretz", דרך ארץ) in der jüdischen Kultur. Die jüdische Religion gebietet es dem Gläubigen, Gott zu ehren, indem er auf die Gefühle anderer Rücksicht nimmt und sensibel dafür ist. Zu den sozialen Feinheiten, zu denen der Einzelne angehalten ist, zählt insbesondere, dass er Menschen, die er kennt, grüßt, dass er sie zu sich nach Hause einlädt ("Hachnasat orchim"), und dass er über andere – Abwesende eingeschlossen – respektvoll spricht. Höflichkeit und gute Umgangsformen gelten als essenzielles Element einer stabilen und gesunden Gemeinschaft.

Die Höflichkeit oder Zivilisiertheit ist eine Tugend, deren Folge eine rücksichtsvolle Verhaltensweise ist, die den Respekt vor dem Gegenüber zum Ausdruck bringen soll. Ihr Gegenteil ist die Grobheit oder Barbarei.  Sozial gehört sie zu den Sitten, soziologisch zu den sozialen Normen. Das Wort hat sich aus dem Begriff „höfisch“ entwickelt, das die Lebensart am frühneuzeitlichen Hof bezeichnete.

Politeness is the practical application of good manners or etiquette so as not to offend others. It is a culturally defined phenomenon, and therefore what is considered polite in one culture can sometimes be quite rude or simply eccentric in another cultural context.  While the goal of politeness is to refrain from behaving in an offensive way so as not to offend others and make all people feel relaxed and comfortable with one another, these culturally defined standards at times may be manipulated.


Geschichte.

Die ältesten bekannten Ringe sind mehr als 21.000 Jahre alt; so zum Beispiel die Fingerringe aus Mammutelfenbein, die in Pavlov in Tschechien gefunden wurden.  Ringe waren nicht nur als Schmuck gebräuchlich, sondern stellten auch Wertobjekte dar, die als Tausch- und Zahlungsmittel dienen konnten. Dieses Ringgeld zählt zu den vormünzlichen Zahlungsmitteln und gehört in den Bereich des Schmuckgeldes.  Ursprünglich wurden Ringe aus Knochen, vermutlich auch aus Holz sowie Stein (beispielsweise Bernstein) hergestellt; später auch aus Bronze, Eisen, Edelmetallen und Glas. Bei Ringen bildeten sich im Laufe der Kulturgeschichte die unterschiedlichsten Bedeutungen heraus.  Ringe gehörten sowohl im europäischen Mittelalter als auch in der Antike zu den beliebtesten Schmuckstücken der Oberschicht. Siegelringe waren Macht- und Würdezeichen. Daneben fungierten Ringe bereits im Hochmittelalter, wahrscheinlich aber schon in der Antike auch als Zeichen der Liebe und Treue bei der Eheschließung, in der frühen Neuzeit verstärkt auch als persönlicher Gedächtnis- oder Trauerring. Im Mittelalter gab es Schutz- und Heilringe, die zum Beispiel einen Krötenstein enthielten. Der Brauch hielt sich auch über die Renaissance hinaus.  Ringe wurden zu Herrschaftssymbolen, ordneten den Träger in Glaubensgemeinschaften ein, dienten rituellen Zwecken, wie zum Beispiel der Trauer, oder dokumentierten das gegebene Eheversprechen. Darüber hinaus dienten Ringe auch immer der Selbstdarstellung.  Die Wahl des Materials, der Wert, die künstlerische Gestaltung und die Ikonografie sind ausschlaggebend für die Bedeutung eines Rings als Schmuck. Seltenes und damit kostbares Material sowie eine schöne Gestaltung des Rings stellen die Grundlage dar, auf der auch die Symbolik des Rings beruht.

Erzählgut.

Auch im Erzählgut drücken Ringe Bindungen und Beziehungen aus. Es gibt Erzählungen, in denen Vögel durch Ringdiebstahl Liebende trennen ("Magelone") oder Unschuldige in Diebstahlverdacht geraten lassen (Grimms Kinder- und Hausmärchen: "Die weiße Schlange"; Deutsche Sagen: "Idda von Toggenburg"). Siehe auch "Der Ring des Polykrates". Oft dient der Ring oder die Ringhälfte als Wiedererkennungszeichen (AaTh 974 "Heimkehr des Gatten"; KHM 25, 65, 67, 93, 101). Außerordentlich häufig sind Zauberringe: Fastrada, "Friedrich von Schwaben", Grimms Deutsche Sagen Nr. 529 "Der edle Moringer". Ein modernes Beispiel ist J. R. R. Tolkiens "Der Herr der Ringe".  In Grimms Märchen Nr. 17, 25, 40, 55, 63, 65, 67, 69, 92, 93, 97, 121, 123, 166, 192, 193, 197 spielt ein Ring eine Rolle.  Eine besondere Rolle kommt dem Ring auch in der sogenannten "Ringparabel" aus Lessings Werk "Nathan der Weise" zu.

Verlobungsring.

Ein Verlobungsring ist ein Ring, der das Versprechen symbolisiert, mit einem anderen die Ehe eingehen zu wollen.

Ehering.

Bereits im frühen Altertum symbolisierte der Trauring Unendlichkeit und Beständigkeit. Sowohl die alten Ägypter als auch Römer trugen den Trauring am Ringfinger der linken Hand. Der Grund hierfür war die Vorstellung, dass eine Ader, die sog. "Vena amoris" (lat. für ‚Liebesader‘), direkt von diesem Finger zum Herzen führe. Im antiken Rom trugen nur Frauen einen Ehe- oder Verlobungsring. Letzterer war meist aus Eisen und galt als Zeichen der Bindung, vor allem aber auch als „Empfangsbestätigung“ für die Mitgift. Die Übergabe eines Ringes nur an die Frau hielt sich je nach Kulturkreis und Gesellschaftsschicht bis weit ins vergangene Jahrhundert.  Der Brauch, den Trauring am Ringfinger zu tragen, hat sich bis heute erhalten. Während in den meisten europäischen Ländern der Trauring am linken Ringfinger getragen wird, ist es in Deutschland und Österreich üblich, den Ring am rechten Ringfinger zu tragen.  Eheringe sind oft mit Inschriften oder Symbolen in der inneren Ringschiene versehen. In antiken römischen Ringen findet man beispielsweise „Pignus amoris habes“ – „Du hast meiner Liebe Pfand“. In heutigen Eheringen sind häufig der Name des Partners und das Datum des Versprechens zu lesen.  Seit dem 2. Jahrhundert v. Chr. gab es unter anderem auch goldene Ringe in Form zweier ineinander verschränkter Hände. Nach Livius wurden goldene Ringe in großer Zahl auf den Schlachtfeldern Süditaliens gefunden, was man damit erklärt, dass es sich um Eheringe gehandelt haben muss. Seine sakrale Bedeutung in der christlichen Kirche hat der Ehering spätestens seit Papst Nikolaus I. (um 850). Seit dem 13. Jahrhundert gehört der Ring fest zum kirchlichen Trauritus.  Der Ehering gilt als Sinnbild der Treue der tragenden Person und ihrer ehelichen Bindung entsprechend den Ritusworten „Trage diesen Ring als Zeichen "Deiner" Treue“. Mit den heute oft gesprochenen Worten „Trage diesen Ring als Zeichen "meiner" Treue“ oder „Trage diesen Ring als Zeichen "unsrer" Liebe und Treue“ und dem wechselseitigen Anstecken und Tragen zweier gleichförmiger Ringe hat der Ehering eine völlig neue Bedeutung erlangt und steht für eine geänderte Eheauffassung.  Auch das Judentum kennt einen Hochzeitsring; dieser wird jedoch nur rituell genutzt; während der Trauung wird der Braut ein solcher Ring an den Zeigefinger der rechten Hand gesteckt. Ein Paar von Ringen ist ein weit verbreitetes Symbol der Ehe, wobei oft ein Ring durch den anderen geführt ist. Die Ringe selbst werden auch mit symbolischer Bedeutung versehen. So hat ihre Kreisform kein Ende, verschlungene Ringe können nicht getrennt werden, ohne sie zu beschädigen, sie ähneln dem neuzeitlichen Symbol für Unendlichkeit (∞), und meist werden möglichst dauerhafte Materialien verwendet – sämtlich Symbole für die im Kontext der Ehe positiv konnotierten Konzepte Ewigkeit und Verbundenheit. Spezielle Ringformen tragen auch religiöse Bedeutung wie die Verwendung dreiteiliger Ringe zur Symbolisierung der christlichen Dreifaltigkeit.

Trauerring.

Ring aus unterschiedlichen Materialien, der sich beim Tragen durch Abrieb und/oder Zersetzung (z. B. durch Reaktion mit Schweiß) auflöst. Die Asche des Toten oder andere Stoffe, die mit dem Toten in Verbindung standen, können im Material enthalten sein.

Ringe als Zeichen des religiösen Standes.

Seit dem 7. Jahrhundert gehört zu den Insignien der geweihten Jungfrauen der Ring. Ausgehend von diesem alten Brauch tragen auch in manchen Orden Nonnen und Ordensschwestern nach ihrer feierlichen Profess einen Ring. In beiden Fällen ist der Ring ein bräutliches Symbol für die Bindung an Christus.  Abt-, Bischof- und Kardinalsring sowie der Fischerring des Papstes sind ebenfalls Insignien. Oft sind diese Ringe mit einem Amethyst (Stein der Anmut und Weisheit) verarbeitet.

Ringe als Auszeichnung für künstlerische Leistungen.

Einige Preise, mit denen Künstlerinnen oder Künstler ausgezeichnet werden, sind Fingerringe. Der von der österreichischen Bundesregierung gestiftete, auf Lebenszeit verliehene Iffland-Ring wird von seinem jeweiligen Träger testamentarisch an den bedeutendsten und würdigsten Bühnenkünstler des deutschsprachigen Theaters weiterverliehen. Bühnenkünstlerinnen erhalten stattdessen den Alma-Seidler-Ring. Die Stadt Goslar und der Verein zur Förderung moderner Kunst Goslar e. V. verleihen jährlich den Goslarer Kaiserring als undotierte Auszeichnung an zeitgenössische bildende Künstler.

Ringe als Zeichen des Berufsstandes.

Daumenring von Bogenschützen.

Der dem Schutz des Daumens dienende und auf dessen zweiten Glied zu tragende Ring war bei den berittenen oder zu Fuß kämpfenden Bogenschützen mancher Heere üblich.

Absolventenringe.

1835 wurden erstmals Absolventenringe an Offiziersanwärter der amerikanischen Militärakademie West Point ausgegeben. Über Militärakademien hinaus, sind solche Ringe mittlerweile an vielen Highschools, Colleges und Universitäten in den USA und Kanada üblich. Sie symbolisieren Zusammengehörigkeit des jeweiligen Jahrganges, Verbundenheit der Absolventen mit ihrer Alma Mater und den erfolgreichen Abschluss.

Ringe, die zugleich eine Funktion erfüllen.

Giftring.

Seit der Antike ist der Giftring bekannt – ein Ring, der mit einem zu öffnenden Behältnis versehen ist, das eine ausreichende Menge Gift (oder Medizin) aufnehmen kann. Das Gift kann so unauffällig ins Getränk oder die Speise des Opfers geleert werden. Der Giftring ist ein skurriles Schmuckstück, das von jeher die Fantasie der Menschen anregte. Besonders während der Renaissance soll der Giftring ein Requisit der Machterhaltung gewesen sein.

Siegelring.

Siegelringe sind ebenfalls seit der Antike bekannt. Es handelt sich dabei um einen ringförmigen Stempel. Aus dem antiken Ägypten sind Ringe mit Rollsiegeln bekannt. Bei Siegelringen finden häufig geschnittene Lagenachate als Siegelplatte Verwendung.

Schlüsselring.

In der Antike gab es auch Ringe, die nicht als Schmuck, sondern als Befestigung für Schlüssel dienten. Es handelte sich nicht um einen Ring, der mehrere Schlüssel zusammenfasst, wie wir den Begriff heute verstehen, sondern um einzelne Fingerringe, an denen je ein Schlüssel fest angeschmiedet ist.

Rosenkranzring.

Eine verkleinerte Version des Rosenkranzes ist der "Fingerrosenkranz", "Rosenkranzring" oder "Soldatenrosenkranz", der als Zählhilfe bei Gebetsabfolgen Verwendung findet. Er hat im Allgemeinen zehn Erhebungen, zuweilen auch fünf, und ein kleines Kreuz. Mit ihm kann ein sogenanntes "Gesätz" gebetet werden, das aus jeweils zehn "Ave Maria" und einem "Vaterunser" besteht, wie auch der ganze Rosenkranz, der aus fünf Gesätzen besteht.

Ringgrößen.

Es existieren weltweit verschiedene Maße:  Juweliere und Goldschmiede messen die Ringgröße ihrer Kunden mit einem genormten "Ringmaß". Dies hat meist die Gestalt von Eisenringen in entsprechenden Größen, welche beweglich um einen zentralen, sie bündelnden Ring gruppiert sind, so dass durch Aufstecken der einzelnen Ringe die passende Größe ermittelt werden kann. Manchmal wird hierzu auch eine einfache Schablone mit Lochungen in den verschiedenen Größen benutzt.  Die persönliche Ringgröße kann auch festgestellt werden, indem bei einem gut sitzenden, vorhandenen Ring der innere Durchmesser in Millimeter (mm) mit Hilfe eines Messschiebers ermittelt wird. Anschließend wird dieser mit der Kreiszahl (gerundet 3,142) multipliziert. Das Ergebnis ist der Ringumfang bzw. Fingerumfang.  Eine Methode zur ungefähren Ermittlung der Ringgröße ist die Bestimmung des Fingerumfangs mit Hilfe eines Papierstücks. Hierzu wird ein wenige Millimeter breiter Papierstreifen ausgeschnitten und um den Finger gewickelt. Die Schnittstelle des Papiers wird auf beiden, einander überlappenden Lagen markiert und anschließend der Abstand zwischen den Markierungen mit einem Lineal ausgemessen. Jedoch berücksichtigt diese Methode nicht, dass Ringe je nach ihrer Gestalt, der Form des Fingers und der Ausprägung der Fingerknöchel unterschiedlich weit gearbeitet werden müssen, um angenehm tragbar zu sein.  Hinzu kommt, dass die Finger im Verlaufe des Tages anschwellen und zudem im Sommer aufgrund der höheren Temperaturen etwas dicker sind als im Winter.

Der Ring zählt zu den bekanntesten Schmuckformen. In allen Kulturen findet man ihn als Schmuck für die Hand oder den Fuß. Ohr- und Nasenringe gehören hingegen zu den Nadeln.

A ring is a round band, usually of metal, worn as ornamental jewellery. The term "ring" by itself always denotes jewellery worn on the finger; when worn as an ornament elsewhere, the body part is specified within the term, e.g., earrings, neck rings, arm rings, and toe rings. Rings always fit snugly around or in the part of the body they ornament, so bands worn loosely, like a bracelet, are not rings. Rings may be made of almost any hard material: wood, bone, stone, metal, glass, gemstone or plastic. They may be set with gemstones (diamond, ruby, sapphire or emerald) or with other types of stone or glass.  Although some wear rings as mere ornaments or as conspicuous displays of wealth, rings have symbolic functions concerning marriage, exceptional achievement, high status or authority, membership in an organization, and the like. Rings can be made to sport insignia which may be impressed on a wax seal or outfitted with a small compartment in which to conceal things. In myth, fable, and fiction, rings are often endowed with spiritual or supernatural significance.


Tempo und Charakter.

Über das Tempo der Passacaglia bzw. Passacaille geben einige historische Quellen Auskunft.  Die französischen Theoretiker erläutern die Temporelation zwischen Passacaille und Chaconne – und ihr Verhältnis zu einigen anderen Tänzen wie Sarabande, Courante, Menuet oder Gigue. Das gilt sowohl für „nur“ beschreibende Quellen, die keine exakten Tempoangeben machen, wie Freillon-Poncein 1700, L’Affilard 1702, Brossard 1703, und Montéclair 1736; aber auch für L’Affilard 1705 und Pajot 1732, die genauere Angaben machen für das von Joseph Sauveur 1701 erfundene „Pendulum“.  Montéclair z. B. charakterisiert das Tempo der Courante, Sarabande und der Passacaille als „grave“ (gravitätisch, gewichtig, schwer, langsam), der Chaconne und des Menuet als „gai“ (fröhlich), und von Passepied und Canarie als „vite“ (schnell). L’Affilard sagt 1702, die Dreiermetren von Sarabande und Passacaille wären „lentement“ (langsam), die Chaconne „plus légèrement“ (schneller, leichter), und das Menuet „fort légers“ (sehr leichtfüßig, sehr schnell). Übereinstimmende Informationen geben Freillon-Poncein 1700 and Brossard 1703. Über fünfzig Jahre später bezeichnen auch Rameau/d’Alembert 1759 die Passacaille als „plus lente, plus tendre“ (langsamer, zärtlicher / empfindsamer) als die Chaconne, desgleichen Rousseau in seinem "Dictionnaire de musique" 1768.  Präzise Angaben gibt l’Affilard in seinen "Principes" (1705). Das Tempo der Chaconne beträgt bei ihm ♩ = 156 MM. Seine Angaben zur Passacaille sind deutlich langsamer und betragen ♩ = 106 MM. Ähnlich gibt Pajot für die Passacaille ♩ = 95 MM, und für die Chaconne ♩ = 159 MM an. L'Affilard 1705 und Pajot 1732 nennen zwar leicht unterschiedliche Zahlen, sind sich aber über das Verhältnis der Tänze bezüglich ihres Tempos einig; und so entsteht die folgende Reihenfolge, angefangen mit dem langsamsten Tanz (Sarabande) bis zum schnellsten (Gigue bzw. Canarie):  Sarabande, Courante, Passacaille, Chaconne, Menuet, Passepied, Gigue/Canaries.  Dafür, dass man in Frankreich keinen eindeutigen Tempounterschied zwischen Chaconne und Passacaille machte, spricht auch die Tatsache, dass es beispielsweise von François Couperin und Jean-Philippe Rameau Stücke gibt, die die Bezeichnung „mouvement de passacaille“ oder „mouvement de chaconne“ tragen, die also in Bewegung bzw. im Tempo einer Passacaille oder Chaconne gespielt werden sollen. Beispiele sind F. Couperins Cembalostück "L’Amphibie" (24. Ordre, "Livre IV", 1730), das er mit „mouvement de Passacaille“ bezeichnet; und einige Stücke in Rameaus Opern: z. B. eine "Air. Mouvement de chaconne vive" in "Acanthe et Céphise" (1751), oder eine "Air de Ballet (Mouvement de Chaconne)" für "Platée" (1745), oder ein "Rondeau. Mouvement de chaconne" in "Zoroastre" (1749 / 1756)"."  Die deutschen Theoretiker des 18. Jahrhunderts vertreten widersprüchliche Auffassungen über das Tempo von Chaconne und Passacaille. Walther stimmt mit den Franzosen überein und bemerkt 1732 zur Passacaille dass sie, „ordinairement langsamer als die Chaconne“ gehe, und dass „die Melodie mattherziger (zärtlicher), und die Expression nicht so lebhaft“ sei.  Aber Quantz (1752) meint merkwürdigerweise, dass die Passacaille „fast ein wenig geschwinder“ als die Chaconne gespielt werde, deren Tempo er mit ungefähr ♩ = 160 angibt. Zu einem Zeitpunkt, als beide Tänze ihren eigentlichen Zenit schon überschritten haben, fasst Türk 1789 zusammen: „Die Passacaille wird etwas langsamer, oder wie andere wollen, beynahe ein wenig geschwinder gespielet, als die Chaconne. Der Charakter ist auf jeden Fall zärtlich und etwas ernsthaft.“  Man darf jedoch nicht vergessen, dass vor allem Angaben von Quantz und Türk aus einer Zeit entstammen, die jenseits der eigentlichen Epoche vor allem der Passacaglia liegt, und dass man eventuell auch Schwankungen der Moden und Stile berücksichtigen muss (siehe auch die Geschichte z. B. des Menuetts).

Geschichte.

Der Passacaglia war ursprünglich ein spanischer Volkstanz. Der Name stammt von spanisch "pasar" (überqueren) und "calle" (Straße) und bedeutet wörtlich: „über die Straße gehen“ (oder „Geh’ über die Straße“). Die spanischen Wurzeln sind bisher nur durch die zeitgenössische spanische Literatur überliefert, erste einfache musikalische Beispiele stammen aus Italien, und datieren von 1606.

Die Passacaglia von Frescobaldi.

Eine erste berühmte Version aus der Kunstmusik (für Cembalo oder Orgel) stammt von Girolamo Frescobaldi: Die "Cento partite sopra Passacagli" (= „Hundert Partien über Passacaglia“), die er in der dritten Edition seines "Libro Primo di Toccate…" 1637 veröffentlichte. Zwei ähnliche, kurze Passacaglia schrieb er außerdem als Abschluss für seine "Balletti" I und III.  Der Ostinato ist ein absteigender Tetrachord, das heißt eine Folge von vier Tönen (z. B. in d-moll: d-c-b-a). Er wird allerdings denkbar frei behandelt, wird oft chromatisiert, kann umspielt werden, und in andere Stimmen wandern oder auf verschiedene Stimmen verteilt werden, und manchmal in einem kunstvollen kontrapunktischen Geflecht aus Gegenstimmen beinahe verschwinden.  In diesem mehrteiligen Stück gibt es auch eine Corrente und drei Abschnitte, die als "Ciaccona" bezeichnet sind; die letzteren haben einen anderen rhythmischen Verlauf. Schon Silbiger beobachtete, dass der Ostinato in den Passacaglia aus je „vier Dreiertakt-Gruppen“ besteht, während es in den Ciacconen nur „zwei Dreiertakt-Gruppen“ sind. Die einfachste Form des Grund-Ostinato für die Passacaglia bzw. die Ciaccona bei Frescobaldi lautet also:  "Passacagli"-Grund-Ostinato (in d-moll): 3 ||: d - - | c - - | b - - | a - - :||  "Ciaccona"- Grund-Ostinato (in F-Dur): 3 ||: f – c | d b c :||  Das bedeutet, dass in den Ciaccona-Teilen pro Takt mehr harmonische Wechsel stattfinden. Allein dadurch wirken die Passacagli-Teile ruhiger und melancholischer (und auch durch melodische Kunstgriffe).  Der Aufbau der "Cento Partite…" lautet: Passacagli (Pa) – Corrente – Pa – Ciaccona (Ci) – Pa – Ci – Pa – Ci – Pa. Frescobaldi selber schreibt, dass man die diversen Abschnitte auch einzeln spielen darf, ganz nach Belieben. Allerdings wird zwischen einigen Abschnitten innerhalb weniger Takte in eine andere Tonart moduliert, so dass sie in einer anderen Tonart enden als sie beginnen – das gilt auch für das ganze Stück. Die Abfolge der Tonarten lautet: d – F – C/c – a – d – a – e. Diese Tonartenfolge stimmt jedoch nicht mit der obengenannten Reihenfolge der verschiedenen Tanzrhythmen überein, der Tonartenwechsel findet meistens mitten in einer Passacagli oder Ciaccona statt und zieht sich dann über den Wechsel des Tanz-Charakters hinüber. Das Ganze wird noch komplexer durch einen ausgefeilten Umgang mit verschiedenen Dreiermetren, die auch als Tempoangaben fungieren; auch der Wechsel der Metren findet oft mitten in einem Tanz-Abschnitt statt.  Man kann die Wechsel von Tonarten und Metren, und besonders die Tatsache, dass Frescobaldis "Cento Partite…" in einer anderen Tonart beginnen als sie enden, als ein bildhaftes Auskomponieren des Titels ansehen: "Pasa-calle" (die Straße überqueren): Daher wechselt er die Tonart mitten „auf der Straße“ und landet am Ende „auf der anderen Straßenseite“.

Nachfolger Frescobaldis.

Frescobaldis "Passacagli" hatten einen enormen Einfluss auf die Cembalo- und Orgelliteratur. Bernardo Storace veröffentlichte 1664 vier große und virtuose Passacagli, von denen zwei Stücke ebenfalls durch verschiedene Tonarten modulieren, ohne die Ausgangstonart wieder zu erreichen; die anderen beiden Passacagli sind in c- und a-moll, wechseln aber auch mehrfach das Metrum. Mehrere Passacagli komponierte auch Bernardo Pasquini, es sind feine geistvolle Stücke, die aber kürzer und einfacher sind als die seiner Vorgänger und in einer einheitlichen Tonart bleiben.  Frescobaldis "Passacagli" dienten vermutlich auch als Vorbild für die ersten Beispiele in der deutschen barocken Tastenmusik, z. B. die bekannte Passacaglia in d von Johann Caspar Kerll, die ebenfalls über den absteigenden Tetrachord gehalten ist. Spätere Komponisten wählen auch eigene Ostinati für ihre Orgel- und Cembalo-Kompositionen, wie z. B. Georg Muffat, Johann Caspar Ferdinand Fischer, u. a.  Berühmt ist vor allem die Passacaglia in d-moll (BuxWV 161) von Dieterich Buxtehude über ein frei gewähltes viertaktiges Ostinato-Thema (d / a – cis / d – A / B - - / A). Sie besteht aus vier gleichlangen Abschnitten, in denen das Thema jeweils siebenmal erscheint. Ganz ähnlich wie Frescobaldi moduliert Buxtehude zwischen den Abschnitten in eine andere Tonart: Von d nach F und a, und schließlich zurück nach d. Buxtehudes Passacaglia war zusammen mit seiner Ciacona in c-moll (BuxWV 159) ein direktes Vorbild für Johann Sebastian Bachs Passacaglia c-Moll (BWV 582) – die berühmteste aller Passacaglias, die auch einen enormen Einfluss auf alle späteren Orgel-Passacaglias des 19. und 20. Jahrhunderts ausübte. Ein hoch bedeutsames Werk ist auch Heinrich Ignaz Franz Bibers Passacaglia in g-moll für Violine solo – das letzte Stück aus seinem Zyklus der "Rosenkranz-Sonaten". Es ist eine der frühesten Kompositionen für Solo-Violine und war vermutlich ein Vorbild für Bachs berühmte Chaconne in d-moll aus der Partita BWV 1004. Der Ostinato des Stückes ist wieder der absteigende Tetrachord, über den Biber 65 Variationen erfindet, und der in diesem speziellen Fall vermutlich den Beginn der Schutzengel-Hymne "Einen Engel Gott mir geben" versinnbildlicht – denn im Originaldruck ist dem Stück eine Gravur mit einem kleinen Kind und seinem Schutzengel vorangestellt.  Auch der Spanier Juan Bautista Cabanilles hinterließ einige "Pasacalles" – einzigartig in der spanischen Tastenmusik des 17. Jahrhunderts. Sie sind jedoch nicht im Dreiertakt, sondern Ostinatovariationen in einem geraden Metrum, und stehen deshalb formal etwas abseits. Ein seltenes Beispiel für eine Passacaille im geraden C-Takt beendet auch Georg Friedrich Händels Cembalo-Suite in g-moll (HWV 432, aus der 1. Sammlung von 1720).  Für Laute oder Theorbe gibt es Passacaglien von Alessandro Piccinini, Giovanni Girolamo Kapsperger, Esaias Reusner und Sylvius Leopold Weiss; und aus dem französischen Repertoire von Ennemond Gaultier, Denis Gaultier, Dufaut, Gallot, Robert de Visée u. a. Für Barock-Gitarre sind Passacaglien überliefert von Gaspar Sanz, Santiago de Murcia, Francesco Guerau und Marcello Vitale sowie Robert de Visée, Ludovico Roncalli und Francesco Corbetta

Passacaille en rondeau.

In die französische Cembalomusik wurde die Passacaille von Louis Couperin eingeführt. Die Clavecinisten verwendeten manchmal die Form der "Passacaille en rondeau", d. h. eine Passacaille in Rondoform. Beispiele sind Louis Couperins Passacaille in g-moll, und François Couperins harmonisch gewagte und tragisch gefärbte Passacaille in h-moll in seinem 8. Ordre ("Livre second", Paris 1716) – dieses Stück hat einen chromatisch aufsteigenden Bass im Refrain, und acht verschiedene Couplets (Zwischenspiele). Dandrieu schrieb eine große dreiteilige Passacaille zu seinem "Concert des Muses" („Konzert der Musen“; 2. Suite, 2. Buch, 1728), die beiden äußeren Teile stehen in f-moll, der Mittelteil im parallelen F-Dur. Jeder Teil ist ein eigener Rondeau, aber alle drei Rondeaus sind über den gleichen chromatisch absteigenden Basso ostinato gearbeitet, der z. T. auch in den Couplets wiederkehrt. Es sind jeweils drei Couplets, also insgesamt neun – die Zahl der neun Musen.  Auch von Georg Muffat sind einige groß angelegte Passacaglien in Rondoform bekannt: Seine Passacaille g-moll (für Orgel oder Cembalo) aus "Apparatus musico-organisticus" (1690), und die "Passacaglia – Grave", mit der er sein Concerto Nr. V in G-Dur aus "Armonico tributo" (Salzburg, 1682) beendet. Diese kann entweder kammermusikalisch aufgeführt werden, oder in großer Besetzung mit "Concertino" (Solisten) und "Concerto grosso" (Streichorchester mit B. c.).

In der Oper.

In Frankreich wurde die Passacaille seit Jean-Baptiste Lully auch als Bühnentanz aufgeführt, z. B. in seinen Tragédies "Persée" (1682) oder in "Armide" (1686). In "Armide" (Akt V, Szene 1) lässt die Zauberin Armida für ihren Geliebten Renaud (Rinaldo) eine große Passacaille in g-moll für Orchester, Chor und Solisten aufspielen. Sie besteht aus dem eigentlichen Tanz und einer Gesangsszene, dauert ungekürzt ca. 13 Minuten, und ist allein wegen ihrer Instrumentierung mit Zwischenspielen verschiedener Orchestergruppen wie Oboen oder Flöten ein zu ihrer Zeit sehr besonderes Stück; inmitten des Tanzes besingen „glückliche Liebende“ und die personifizierten Freuden "(les Plaisirs)" die Freuden der Liebe („Les plaisir ont choisi pour asile…“).  Lullys Passacaille aus Armide verfehlte ihre Wirkung nicht: d’Anglebert veröffentlichte drei Jahre später eine Transkription für Cembalo; und Henry Purcell komponierte nach ihrem Vorbild die mindestens ebenso bestrickende Passacaglia "How happy the lover…" für seine Semi-opera King Arthur (1691), mit deren Hilfe der Titelheld ebenfalls zu den „Freuden der Liebe“ verführt werden soll. Sie wird von verschiedenen Solisten z. T. im Duett und Terzett gesungen und vom Chor beantwortet mit dem Refrain: „No joys are above the pleasures of love“ („Kein Vergnügen ist größer als die Freuden der Liebe“). Eine gegenüber solchen in seinen Balletten und Ballettkomödien vorkommenden Chaconnen im Umfang erheblich erweiterte, hatte Lully erstmals 1673 in "Cadmus et Hermione" gebracht – er legte mit Zufügung von Solos und Chören deren, und jener der Passacaille, Gestalt für die Zukunft fest. Von "Persée" an bei ihm Standard, kamen Chaconnen und Passacaillen bis 1750 in fast allen französischen Opern vor. Teilweise hielten sich die Komponisten akribisch an Lullys Vorlagen, einen speziellen Erfindungsreichtum bei Abweichungen zeigte hingegen Rameau. Mitunter entledigte er sich den Obliegenheiten des Basso ostinato. Die Gattung wandelte sich in der Mitte des 18. Jahrhunderts unter Willibald Gluck zu etwas von der Form der Sonate beeinflusstem, ohne dass die französische Tradition der großzügigen Stücke, tauglich für Choreographien mit den besten Tänzern, verloren ging.

Nach 1750.

Während der Epoche der Klassik wurde die Passacaille nur selten verwendet. Luigi Boccherini bezeichnete den 5. Satz seines bekannten Quintettino C-Dur Op. 30,6 "Musica notturna delle strade di Madrid" als „Passacalle“ – er ließ sich dabei offenbar vom Titel (= „Nächtliche Musik auf den Straßen zu Madrid“) und der spanischen Bedeutung von "Pasacalle" (= „über die Straße gehen“) anregen, denn in seiner eigenen Beschreibung des Quintettino heißt es, in diesem Satz „…amüsieren sich die Spanier des nachts auf den Straßen, singend und tanzend“. Das Stück ist allerdings keine Passacaglia wie in der traditionellen Kunstmusik, sondern von echter spanischer Volksmusik inspiriert.  Eine „wirkliche“ Passacaille in Es-Dur schrieb Mozart für seine Ballettmusik zu "Idomeneo, Ré di Creta" KV 367 (1781).

Häufigkeit.

Im italienischen Frühbarock bis zum Ende des 17. Jahrhunderts scheinen die "Passacagli" beliebter gewesen zu sein als die Ciacona; diese war allerdings in Italien auch recht eng als ein ganz bestimmter Tanzbass in Dur definiert. Dieser „Vorsprung“ der "Passacagli" ist deutlich zu sehen an Frescobaldis "Cento partite" ("Libro I", 1637) und an Storaces vier "Passacagli" im Vergleich zu einer einzigen Version der Ciaccona ("Selva...", 1664). Auch um 1700 schrieb Pasquini nur vier Passacagli und keine Version der Ciaccona. Dabei setzen sich seine Passacagli in C-Dur „per Petronilla“ tonartlich und charakterlich deutlich von den anderen (in d, g, und B) ab – in Deutschland hätte man ein solches Stück vermutlich „Ciaccona“ genannt, aber Pasquini hielt sich vermutlich an die Idee der frühbarocken italienischen Ciaccona, und dem entspricht seine Passacagli in C mit einem absteigenden Tetrachord als Ostinato nicht.  Französische Cembalisten verwendeten die Passacaille seltener als die Chaconne. Schon von Louis Couperin sind im "Manuscrit Bauyn" (Paris, Bibliothèque Nationale) allein 9 Chaconnen überliefert, aber nur zwei Passacailles – außerdem ein Stück in g-moll mit dem rätselhaften Titel "Chaconne ou Passacaille" (= „Chaconne oder Passacaille“). Von d’Anglebert gibt es fünf Chaconnen – drei eigene in C-, in G- und in D-Dur, und zwei von Lully -, aber nur zwei Passacailles in g-moll (eine eigene und eine von Lully; 1689). Auch Lebègue veröffentlichte nur eine Passacaille, aber fünf Chaconnen. Die meisten anderen Clavecinisten schrieben nur Chaconnen (z. B. Chambonnières, Élisabeth Jacquet de la Guerre, Marchand, und Duphly), oder keins von beidem (z. B. Clérambault, Rameau).  François Couperin ist in mehrfacher Hinsicht die Ausnahme mit nur einer Chaconne in c-moll ("La Favorite", 3. Ordre, Livre I, 1713), die aber ungewöhnlicherweise im geraden Takt steht („à deux tem(p)s“), und für eine französische Chaconne einen ungewöhnlich düsteren Charakter hat. Dazu kommt die Passacaille in h-moll (8. Ordre, "Livre II," 1716), und ein Stück "L’Amphibie" in D-Dur (24. Ordre, Livre IV, 1730), das er mit „mouvement de Passacaille“ und „noblement“ bezeichnet – offenbar um ein etwas langsameres Tempo und einen weniger fröhlichen Charakter anzudeuten als bei einer Chaconne. Denn ohne diese Angaben würde man "L’Amphibie" für eine normale "Chaconne en rondeau" halten (daher vermutlich auch die Anspielung an ein Amphibium, das je nach Situation die Farbe wechseln kann). F. Couperin tritt also anscheinend in seinem Cembalowerk für eine Art Ausgleich der beiden Gattungen ein: Er bringt je eine Chaconne, eine Passacaille und ein drittes Stück, das eine Art Mischung von Beidem ist. An anderer Stelle findet sich dann allerdings doch noch eine Chaconne, z. B. im "Concert Royal" Nr. 3 (Paris, 1722). Eine Chaconne tauchte 1804 wieder in Lesueurs "Ossian, ou les Bardes" auf, und unter den mehr als 150 seit "Cadmus et Hermione" feststellbaren Tänzen dieses Typs waren weniger als ein Viertel Passacaillen.  In Deutschland ist das Bild ähnlich: In den Cembalosuiten von Johann Caspar Ferdinand Fischer gibt es beispielsweise insgesamt vier Chaconnen, aber nur zwei Passacaglias. Händel komponierte (in seiner Cembalomusik) nur eine Passacaglia, aber drei große und zwei kleine Chaconnen. Buxtehude hinterließ drei Orgel-Ciaconas aber nur eine Passacaglia (in d). Einige deutsche Tastenvirtuosen schrieben nur Chaconnen, z. B. Georg Böhm (3), Pachelbel (mindestens 3), Johann Krieger, und Christoph Graupner (4).  Dabei kann man sich angesichts einiger Chaconnen in Moll, deren Charakter eigentlich verdächtig dem typisch weichen, lieblichen und melancholischen Wesen der Passacaglia entspricht, durchaus fragen, warum sie überhaupt als „Ciacona“ bezeichnet wurden. Exemplarisch gilt das für Buxtehudes Orgel-„Ciaconas“ in e (BuxWV 160) und c (BuxWV 159) und für Pachelbels "Ciacona" in der traditionell als besonders weich und „traurig“ geltenden Tonart f-moll, und auch für zwei kleine Chaconnen in e und a von Fischer. War die Chaconne einfach mehr in Mode? Oder sollten die entsprechenden Stücke irgendwie anders interpretiert werden als eine Passacaglia (z. B. anderes Tempo, oder andere Art der Registrierung auf der Orgel)?

19. Jahrhundert bis heute.

Im 19. Jahrhundert feierte die Passacaglia als Variationsform eine Auferstehung mit Felix Mendelssohns Orgel-Passacaglia in c-moll, die offensichtlich von Bach inspiriert ist.  Seit der Epoche der Spätromantik wurden unter dem Einfluss von Bachs Orgelwerk wieder verstärkt Orgelpassacaglien komponiert (häufig ebenfalls mit anschließender Fuge). Auch neoklassizistische Komponisten bedienten sich gern dieser Form. Wichtige Beispiele:  Wichtige Passacaglia-Kompositionen des 20. Jahrhunderts stammen auch von Maurice Ravel, etwa in seinem Klaviertrio, Leopold Godowsky, der die "Passacaglia, Epilogue, Cadenza und Fuge nach Schuberts Unvollendeter" h-Moll für Klavier 1827 zum 100. Jahrestag des Todes Schuberts schrieb, Dmitri Schostakowitsch, der einige langsame Sätze größerer Werke (zuerst in seiner Oper "Lady Macbeth von Mzensk" (Zwischenspiel); 8. Sinfonie, 2. Klaviertrio, 1. Violinkonzert, 15. Sinfonie) in dieser Form schrieb. Zu den bekanntesten Orchesterpassacaglien gehört ferner die "Passacaglia d-Moll op. 1" von Anton Webern und die Passacaglia im 4. Satz der 4. Sinfonie von Johannes Brahms.

Weblinks.

Youtube-Filme: Anderes:

Die Passacaglia (italienisch <nowiki>[pasaˈkaʎːa]</nowiki>, auch: Passacagli; französisch: Passacaille <nowiki>[pasaˈkɑːj]</nowiki>, auch: Passecaille; spanisch: Pasacalle <nowiki>[pasaˈkaʎe]</nowiki>) ist ein Tanz und eine Variationsform des Barocks in einem Dreiermetrum; sie steht meistens (aber nicht immer) in Moll und hat tendenziell einen weichen oder melancholischen Ausdruck. Typisch ist eine meist vier- oder achttaktige feste Basslinie, der Basso ostinato, der beliebig oft wiederholt werden kann und als Basis für eine Folge von Variationen dient. Im 17. und 18. Jahrhundert breitete sie sich über Italien und Frankreich in ganz Europa aus. Die Grenzen zur eng verwandten Chaconne (bzw. Ciaccona) sind fließend und bilden noch heute Diskussionsstoff.  Zum Unterschied von Passacaglia und Chaconne siehe auch im Artikel "Chaconne".

The passacaglia (; ) is a musical form that originated in early seventeenth-century Spain and is still used today by composers. It is usually of a serious character and is often, but not always, based on a bass-ostinato and written in triple metre.


Herkunft und Privates.

Röhrl wuchs als jüngstes von drei Kindern eines Steinmetzen in Regensburg auf. Die Eltern trennten sich, als Walter Röhrl zehn Jahre alt war. Fortan lebte er bei seiner Mutter. Nach Abschluss der Schule absolvierte er eine kaufmännische Ausbildung beim Bischöflichen Ordinariat Regensburg. Mit Erwerb des Führerscheins im Alter von 18 Jahren wurde Röhrl von seinem Dienstherrn als Fahrer für den Verwaltungsbeamten Dr. jur. Heinrich Zenglein Dieser arbeitete von Regensburg aus für die sieben Diözesen Bayerns als Rechtsvertreter in Immobilienangelegenheiten. Die Medien nannten Röhrl wegen dieser Tätigkeit später gerne – allerdings fälschlicherweise – den ehemaligen „Privatchauffeur des Bischofs von Regensburg“. Die Herkunft aus einem katholisch-gläubigen Umfeld bezeichnet Röhrl heute als prägend auch in der Zeit seiner Rallye-Karriere: „[…] ich verließ mich nicht nur auf den Verstand. Ich bin sehr gläubig. Unter schlimmstem Wettbewerbsdruck betete ich viel. Manchmal habe ich heutzutage ein schlechtes Gewissen, weil ich weniger bete. Denn damals, als ich Beistand brauchte, betete ich mehr. Das ist irgendwie schäbig, denke ich mir. Ich hatte früher bei den Rallyes eine Sprachregelung: ‚Du musst mir nicht helfen, dass ich gewinne. Hilf mir nur, dass mir nichts passiert.‘ So betete ich, wenn ich auf der Startrampe stand. Einen Sieg zu verlangen, wäre mir unverschämt vorgekommen.“  Ebenfalls in dem Jahr, als Walter Röhrl den Führerschein erwarb, erlitt sein knapp elf Jahre älterer Bruder Michael einen tödlichen Verkehrsunfall mit seinem Porsche 356. In Interviews bezeichnet Röhrl den Bruder bis heute als eine prägende Persönlichkeit seiner Jugend. Er habe seine Automobilleidenschaft gefördert, während für ihn, Walter Röhrl, der Tod des Bruders und die sich daraus ergebende Gefühlslage der Mutter zu einem fortwährenden Gewissenskonflikt in den Anfangsjahren des Rallyefahrens geführt hätten.  Unmittelbar vor Beginn seiner Profikarriere als Rallyefahrer (1973) hatte Walter Röhrl die Ausbildung zum staatlich geprüften Skilehrer abgeschlossen. In seiner Jugend war er Skirennläufer, gab diese Laufbahn jedoch verletzungsbedingt auf. Durch die Mitgliedschaft im Skiclub Regensburg entstand die Bekanntschaft mit Herbert Marecek. Dieser brachte Röhrl zum Rallyesport, wurde sein erster Beifahrer und organisierte die Finanzierung der Rallye-Einsätze zwischen 1968 und 1970.  Walter Röhrl ist seit 1978 verheiratet und lebt mit seiner Frau kinderlos in Sankt Englmar im Bayerischen Wald.

Karriere.

Anfänge (1968 bis 1972).

Röhrls Laufbahn im Rallyesport – zunächst als Privatfahrer – begann 1968 mit der Teilnahme an der Bavaria-Rallye auf einem Fiat 850 Coupé. Beifahrer war Herbert Marecek. Das Fahrzeug schied mit einem gebrochenen Lichtmaschinenbügel aus, an weiteren Rallyes nahm Röhrl im Jahr 1968 nicht In den Jahren 1969 und 1970 starteten Röhrl/Marecek bei insgesamt fünf Rallyes. Als Fahrzeuge dienten hierbei ein BMW 2002 ti, ein Alfa Romeo 1750 GT Veloce sowie ein Porsche 911 S, allesamt privat eingesetzt. Die erste und in diesen beiden Jahren einzige Podestplatzierung war ein dritter Platz bei der Rudolf-Diesel-Rallye 1970, einem Lauf zur Deutschen Rallye-.  In den Saisons 1971 und 1972 konnten Röhrl/Marecek den Sport semi-professionell ausüben, durch ein Engagement im Ford-Team des Hamburgers Ernie Kleint. Stammfahrer dort war Jochi Kleint, der Bruder des Team-Managers. Wie Röhrl in einem Interview berichtet, war ihm ein entsprechender Vertrag vom Ford-Motorsportchef Mike Kranefuss angeboten worden, was er, Röhrl, auf das nachhaltige Drängen seines Beifahrers und inoffiziellen Managers Marecek zurückführt. Die Fahrergage betrug 250 DM jährlich. Als Karrieresprung wertet Röhrl dies, weil erstmals weder er selbst noch Marecek für das Rallyefahren bezahlen Bei Kleint absolvierten Röhrl/Marecek auf einem Ford Capri die Deutsche Meisterschaftssaison 1971 mit der Teilnahme an elf Läufen und dem dritten Platz in der Meisterschaft. Weiterer herausragender Erfolg war in diesem Jahr der Gesamtsieg bei der Rallye Wiesbaden, die zur Deutschen Meisterschaft aber auch zur Rallye-Europameisterschaft zählte. Dieser Erfolg blieb der einzige Sieg für das Duo Röhrl/Marecek bei einer Rallye mit internationalem Prädikat. Die letzte Veranstaltung, bei der Röhrl und Marecek gemeinsam im Cockpit saßen, war die Hugenotten-Rallye im Oktober  Beim Team Kleint war der Kontakt zwischen Röhrl und seinem künftigen Copiloten Jochen Berger entstanden. Unter familiärem Druck hatte Röhrl nach der Saison 1971 trotz bestehenden Zweijahresvertrags mit Ford das Ende seiner Rallyelaufbahn verkündet. Kurze Zeit später nahm er die Entscheidung zurück, konnte aber 1972 lediglich an drei Rallyes teilnehmen. Hierbei errangen Röhrl/Berger auf ihrem Ford Capri den Sieg bei der Baltic Rallye, einem Lauf zur Deutschen Meisterschaft. Als persönlichen Durchbruch bezeichnet Röhrl seine Teilnahme an der Olympia-Rallye im August 1972. Mit Copilot Hannes Rothfuß hatte er lange gegen damals etablierte Fahrer wie Hannu Mikkola und Jean-Pierre Nicolas geführt, bevor der Capri auf einer Überführungsetappe, drei Wertungsprüfungen vor der Zielankunft, von einem Motorschaden gestoppt wurde.

Profilaufbahn Rallye und Rundstrecke (1973 bis 1987).

1973 bis 1977: Opel – Gewinn der Europameisterschaft.

Ab 1973 starteten Röhrl/Berger für Opel. Für Röhrl, der bis dahin noch immer Angestellter des Bischöflichen Ordinariats Regensburg gewesen war, bedeutete dies den Beginn der Profikarriere. Er erhielt ein monatliches Gehalt von und konnte damit erstmals seinen Lebensunterhalt als Rallyefahrer bestreiten. Betreut wurden die Opel-Fahrzeuge (Commodore Coupé und Ascona) in diesem Jahr vom Tuner Irmscher. Mit der Rallye Monte Carlo im Januar 1973 nahmen Röhrl/Berger erstmals an einem Lauf zur Rallye-Weltmeisterschaft teil, die seinerzeit ausschließlich als Markenweltmeisterschaft (ohne Fahrertitel) ausgetragen wurde. Röhrl erreichte bei seinem WM-Debüt das Ziel nicht, wurde jedoch noch als 45. . Im Vordergrund der Saison 1973 standen allerdings die Läufe zur Rallye-Europameisterschaft. Röhrl/Berger errangen vier Siege bei EM-Läufen, allesamt auf Opel Damit belegte Röhrl im Championat Rang zwei hinter Sandro Munari auf Lancia.  1974 ließ Opel seine Rallye-Fahrzeuge nicht mehr von Irmscher einsetzen, sondern übernahm dies von Rüsselsheim aus selbst über ein Werksteam, bezeichnet als "Opel Euro Händler Team". Dessen Leiter und damit Chef der Fahrer Walter Röhrl und Rauno Aaltonen war Helle Bein. Einsatzfahrzeug blieb der Ascona. Mit ihm traten Röhrl/Berger bei elf EM-Läufen an, gewannen davon sechs und sicherten sich den  Als amtierender Europameister ging Röhrl 1975 erstmals in eine Saison, die schwerpunktmäßig auf die Teilnahme an der Weltmeisterschaft ausgerichtet war. Allerdings sollten sich diese und die beiden nachfolgenden Saisons aufgrund zahlreicher technischer Defekte als eine Zeit ausgesprochener Erfolglosigkeit erweisen. Mit Beifahrer Jochen Berger trat Röhrl 1975 bei sechs WM-Läufen an und schied fünfmal . Bei ihrer einzigen Zielankunft, der Akropolis-Rallye 1975 errangen Röhrl/Berger den Sieg mit einem Vorsprung von 35 Minuten 42 Sekunden auf den . Dieser Gewinn eines WM-Laufs sollte für Röhrl der einzige bleiben, den er mit Copilot Berger erreichte, der einzige mit dem Ascona A und der einzige mit einem Fahrzeug der Gruppe 2. Der Ascona wurde von Opel während der Saison 1975 durch den Kadett GT/E, gleichfalls aufgebaut nach dem Reglement der Gruppe 2, abgelöst. Ebenfalls im Jahr 1975 begann die Laufbahn von Röhrl als Rundstreckenrennfahrer: Von seinem Arbeitgeber Opel wurden er und sein Rallye-Teamkollege Aaltonen, gleichfalls Rallye-Europameister (1965), als Fahrerduo beim 24-Stunden-Rennen von Spa-Francorchamps eingesetzt. Fahrzeug war ein Opel Manta GT/E. Röhrl/Aaltonen fielen mit Motorschaden  Beim WM-Auftakt 1976, der Rallye Monte Carlo, wurden Röhrl/Berger mit ihrem Kadett Vierte, hinter drei Lancia Stratos HF, dem WM-Siegerwagen der Jahre 1974 bis 1976. Röhrls Rückstand auf den Monte-Carlo-Sieger 1976 (Sandro Munari) betrug 9 Minuten und . Da Berger zu diesem Zeitpunkt bereits die Funktion des zweiten Teammanagers neben Helle Bein übernommen hatte, stand er nur noch eingeschränkt als Copilot zur Verfügung. Von den sechs WM-Läufen, an denen Röhrl in dieser Saison teilnahm, fuhr er drei mit Berger, zwei mit Claes Billstam als Beifahrer und einen mit Willi-Peter Pitz. Als äußerst problematisch erwies sich die Standfestigkeit des Opel Kadett: Bei den elf WM-Läufen, zu denen Röhrl zwischen Oktober 1975 und November 1977 mit diesem Fahrzeug antrat, erlebte er eine einzige Zielankunft bei der erwähnten Rallye Monte Carlo 1976. An der Erfolglosigkeit änderte auch der Umstand nichts, dass der Kadett ab der Rallye San Remo 1976 mit einem 16-V-Motor ausgestattet war und nun den Spezifikationen der Gruppe 4 entsprach.  Aus Marketing-Gründen wurde der seinerzeit bereits sehr populäre Röhrl von seinem Arbeitgeber Opel 1976 bei fünf Läufen in der Division II zur Deutschen Rennsport-Meisterschaft (DRM) eingesetzt. Er fuhr einen Opel Kadett GT/E, der optisch stark an das Rallye-Auto angelehnt war. Beste Ergebnisse waren ein siebter Platz beim Rennen um den DMV Rhein-Pokal in Hockenheim sowie ein achter Platz beim ADAC Flugplatzrennen in während drei Ausfälle wegen technischer Defekte die mangelnde Zuverlässigkeit des Kadett auch auf der Rundstrecke untermauerten.  In der Saison 1977 trat Röhrl bei fünf Rallye-WM-Läufen an und erreichte bei keinem von ihnen das Ziel. Die anhaltende Erfolglosigkeit im Werksteam von Opel versuchte Röhrl durch gelegentliche Teilnahmen an Nicht-WM-Läufen auf einem privaten Porsche 911 zu kompensieren. Wie er berichtet, wurde ihm bei einer dieser Gelegenheiten, der zur EM zählenden Rallye San Martino di Castrozza, von Fiat-Teamchef Daniele Audetto spontan angeboten, einen Fiat 131 Abarth zu fahren. Röhrl absolvierte diese Rallye mit seinem neuen Beifahrer Christian Geistdörfer. Das Duo lag bis unmittelbar vor Schluss der Rallye auf Platz drei hinter den Fiat-/Lancia-Teamgefährten Sandro Munari und Mauro Pregliasco (beide Lancia Stratos HF). In seiner Funktion als Gaststarter blieb Röhrl unmittelbar vor dem Ziel der letzten Sonderprüfung stehen, um dem bis dahin hinter ihm liegenden Maurizio Verini (Fiat 131 Abarth) weitere Meisterschaftspunkte zukommen zu lassen. Die Art und Weise, wie die Zuschauer dieses Verhalten honorierten, wertet Röhrl als einen Grundstein für seine ausgeprägte Popularität in Zum Saisonabschluss 1977 trat Röhrl vertragsgemäß noch einmal zu einem WM-Lauf mit dem Opel Kadett an (RAC-Rallye, Beifahrer Willi-Peter Pitz). Zwei weitere WM-Läufe hatte er zuvor mit Fiat absolviert. Einer von ihnen, die Rallye Critérium du Québec (Kanada) im September 1977, war der erste WM-Lauf, an dem Röhrl zusammen mit seinem später langjährigen Beifahrer Christian Geistdörfer teilnahm. In Führung liegend fielen Röhrl/Geistdörfer mit Motorschaden aus.  Die Rundstreckenaktivitäten von Röhrl beschränkten sich 1977 auf die Teilnahme am DRM-Rennen auf dem Norisring. Röhrl pilotierte in der Division II einen BMW 2002 Turbo des Schnitzer-Teams, mit dem er von der dritten Startposition aus ins Rennen gegangen war. Nach 20 von 70 Runden fiel er

1978 bis 1980: Fiat – erster WM-Titel.

1978 und 1979 traten Röhrl/Geistdörfer jeweils mit dem Fiat 131 Abarth in der Rallye-Weltmeisterschaft an. Ihren ersten gemeinsamen Sieg bei einem WM-Lauf feierten sie bei der Akropolis-Rallye 1978. Röhrl führte Fiat bei dieser Rallye zu einem Doppelerfolg vor seinem Teamkollegen und langjährigen Rivalen . Dasselbe Duell setzte sich fort bei der die Rallye Critérium du Québec, die ebenfalls Röhrl vor Alén für sich . Ebenfalls in die Saison 1978 fällt der bekannte Unfall, den Röhrl bei der Rallye San Remo verursachte. In Führung liegend kam er von der Fahrbahn ab, stürzte einen Abhang hinunter, landete zuerst auf dem Dach eines Bauernhauses und schließlich auf dem davor liegenden Hof. Röhrl und Geistdörfer blieben unverletzt. Auf einem Lancia Stratos bestritten Röhrl/Geistdörfer im Jahr 1978 die Deutsche Rallye-Meisterschaft. Sie errangen dabei vier  Als bestes Einzelergebnis in der WM-Saison 1979 erreichten Röhrl/Geistdörfer lediglich einen zweiten Platz bei der Rallye San Remo. In der erstmals ausgetragenen Fahrerweltmeisterschaft belegte Röhrl damit Rang 9. Bemerkenswert in diesem Jahr war das Erreichen des Ziels bei der Rallye Safari auf einem 8. Platz trotz schwer beschädigten Fahrzeugs. Nach Kollision mit einem Kleinbus wurde Röhrls Fahrertür von den Fiat-Mechanikern zugeschweißt. Nach dem Zusammenstoß mit einem Marabu fuhren Röhrl/Geistdörfer die Rallye ohne Windschutzscheibe zu Ende.  1980 traten Röhrl/Geistdörfer auf Fiat 131 Abarth bei sieben Läufen zur Rallye-WM an. Davon gewannen sie vier und belegten bei zwei weiteren den zweiten Platz. Damit wurde Röhrl Fahrerweltmeister mit 118 Punkten vor Hannu Mikkola mit lediglich . Als herausragenden persönlichen Triumph dieses Jahres wertet Röhrl seinen ersten Sieg bei der Rallye Monte Carlo, den er mit einem Vorsprung von 10:38 Minuten auf den Zweitplatzierten Bernard Darniche (Lancia Stratos) . Bei der Rallye Portugal dieses Jahres erreichte die Rivalität zwischen den Fiat-Teamkollegen Walter Röhrl und Markku Alén ihren Höhepunkt. Bis heute wirft Röhrl Alén vor, indirekt einen Zusammenstoß zwischen einem Fiat-Servicefahrzeug und Röhrls Fiat 131 verursacht zu haben, was ihn, Röhrl, letztlich aber motiviert habe, unter den äußerst widrigen Witterungsbedingungen der Sonderprüfung Arganil den siegentscheidenden Zeitvorsprung Ergänzt wurde das WM-Programm von Röhrl/Geistdörfer im Jahr 1980 durch die Teilnahme an vier Läufen zur Deutschen Meisterschaft, ebenfalls auf Fiat 131 Abarth, die sie allesamt  1979 und 1980 trat Röhrl zusätzlich zur Rallye-Weltmeisterschaft mit Fiat auch in der Markenweltmeisterschaft für Sportwagen an, wo er die 6 Stunden von Brands Hatch 1980 gewann. Einsatzfahrzeug war ein Lancia Beta Montecarlo Turbo, dessen Cockpit sich Röhrl während dieser beiden Jahre vor allem mit Riccardo Patrese, daneben auch mit Michele Alboreto, Eddie Cheever, Giorgio Pianta und Hans Heyer

1981: Übergangssaison bei Porsche.

Für 1981 und vier weitere Saisons hatten Röhrl/Geistdörfer einen Fünfjahresvertrag bei Mercedes-Benz unterschrieben. Als Teamkollegen waren Ari Vatanen/David Richards vorgesehen. Das Einsatzfahrzeug für die Jahre 1981 und 1982 sollte ein Mercedes-Benz 500 SL (Roadster mit Hardtop) Für die Zeit ab 1983 hatte Mercedes-Teamchef Erich Waxenberger Röhrl den Einsatz eines speziell auf die Anforderungen der Gruppe B hin entwickelten Wagens mit Mittelmotor und Turbolader, vergleichbar etwa mit dem Peugeot 205 Turbo 16, in Aussicht Wie Waxenberger und Röhrl sich übereinstimmend erinnern, stoppte der Vorstand der Daimler-Benz AG das Rallyeprojekt wenige Wochen vor der Rallye Monte Carlo 1981, als berechtigte Zweifel aufkamen, die Debüt-Rallye mit dem 500 SL zu Nach Verhandlungen erhielt Röhrl eine Abfindung von 900.000 DM und wurde aus seinem Fünfjahresvertrag  Nach mehreren Monaten Wartezeit erhielten Röhrl/Geistdörfer übergangsweise ein Engagement bei Porsche. Ab Mai 1981 nahmen sie mit einem Porsche 924 Carrera GTS an sechs Läufen zur Deutschen Rallye-Meisterschaft teil, von denen sie vier Daneben absolvierte Röhrl auf einem Porsche 911 SC einen einzigen WM-Lauf, die Rallye San Remo. Für Röhrl endete sie, auf Platz 2 liegend, mit einem  Zusammen mit Harald Grohs und Dieter Schornstein startete Röhrl auf einem Porsche 935 bei zwei Läufen zur Sportwagen-Weltmeisterschaft 1981. Das Trio siegte bei den 6 Stunden von Silverstone. Ebenfalls in das Jahr 1981 fällt Röhrls erster Start bei den 24 Stunden von Le Mans. Gemeinsam mit Jürgen Barth pilotierte Röhrl einen Porsche 924 Carrera GTP, der über den für den Porsche 944 konzipierten Turbomotor verfügte. Röhrl/Barth wurden Siebte im Gesamtklassement.

1982: Opel – zweiter WM-Titel.

1982 absolvierten Röhrl/Geistdörfer wieder eine komplette WM-Saison, jetzt erneut bei Opel. Sportchef dort war inzwischen der einstige Fahrerkonkurrent Tony Fall. Röhrl pilotierte als Stammfahrer in der Weltmeisterschaft einen Opel Ascona 400 der Baureihe B. Das zweite Fahrzeug war zunächst mit Jochi Kleint, dann mit Henri Toivonen und bei der Rallye Safari ausnahmsweise mit Testfahrer Rauno Aaltonen besetzt. Röhrl und Copilot Geistdörfer traten in diesem Jahr ausschließlich bei Rallyes mit WM-Status an. Sie nahmen an zehn Läufen teil, gewannen davon zwei und belegten sechs weitere . Hauptkonkurrentin war in diesem Jahr Michèle Mouton auf einem – auch von Röhrl selbst – als technisch haushoch überlegen eingeschätzten Audi quattro. Mouton errang drei Siege und damit einen mehr als . Dennoch gewann Röhrl durch Moutons Ausfall bei der Rallye Elfenbeinküste den WM-Titel. Er wurde damit zum letzten Weltmeister, der diesen Titel auf einem zweiradgetriebenen Fahrzeug errang.  Durch den Sieg bei der Rallye Elfenbeinküste sowie einen zweiten Platz bei der Rallye Safari gewann Röhrl 1982 die Afrikanische Rallye-Meisterschaft.  Wie Tony Fall noch zwanzig Jahre später schreibt, war die gesamte Saison 1982 durch nicht zu überbrückende Spannungen zwischen Röhrl und der Opel-Teamleitung geprägt. Auslöser seien unterschiedliche Ansichten über die Mitwirkung an Promotionaktivitäten für den Hauptsponsor Rothmans gewesen, ohne die jedoch, wie Fall betont, Röhrls Fahrergage nicht zu bezahlen gewesen Der Streit eskalierte so weit, dass Röhrl nach Feststehen des Titelgewinns nicht mehr beim abschließenden WM-Lauf in Großbritannien (RAC Rallye) antrat und kurze Zeit später einen Vertrag bei Lancia unterschrieb.

1983: Vizeweltmeister auf Lancia.

Ab 1983 traten alle Spitzenteams mit Fahrzeugen der Gruppe B an, die im Vorjahr als Top-Kategorie oberhalb der Gruppe 4 eingeführt worden war. Röhrl/Geistdörfer fuhren einen Lancia Rally 037 der Gruppe B und somit erneut einen Hecktriebler. Obwohl Röhrl amtierender Titelträger war, sollte er lediglich die Nummer Zwei im Team hinter Markku Alén bilden, der mit Beifahrer Ilkka Kivimäki auf den Gewinn der Fahrerweltmeisterschaft angesetzt war. Diese Strategie des Teamchefs Cesare Fiorio ging nicht auf. Weltmeister 1983 wurde Hannu Mikkola auf Audi quattro vor Röhrl im Lancia. Alén belegte Rang Drei. Lancia wurde Markenweltmeister. Bei allen sechs WM-Läufen, an denen Röhrl in diesem Jahr teilnahm, fuhr er eine Podestplatzierung heraus, hiervon dreimal den Sieg (Rallye Monte Carlo, Akropolis-Rallye, Rallye Neuseeland). Gegen Ende der Saison verzichtete Röhrl bewusst auf die Teilnahme an weiteren WM-Läufen, die ihm die Titelverteidigung hätte ermöglichen können. Als Begründung gibt Röhrl an, er habe sich nicht erneut jenem Druck aussetzen wollen, den er in seinem WM-Jahr 1982 verspürt habe. Ergänzend zur WM absolvierten Röhrl/Geistdörfer drei Läufe zur Deutschen Rallye-Meisterschaft, ebenfalls auf Lancia Rally 037, von denen sie zwei gewannen.  Entgegen den Empfehlungen von Copilot Geistdörfer sowie Röhrls Manager Domingos Piedade unterschrieb Röhrl für 1984 einen Vertrag bei Audi. Noch im Herbst 1983 fuhren Röhrl/Geistdörfer den Audi quattro erstmals unter Wettbewerbsbedingungen bei der Rallye Köln-Ahrweiler, wo er allerdings nur als Vorausfahrzeug diente. Röhrl überschlug sich und konnte die Rallye nicht beenden.

1984 bis 1987: Audi.

Bis zum Saisonauftakt 1984 bei der Rallye Monte Carlo musste Röhrl sich in seiner Fahrtechnik anpassen, z. B. das Bremsen mit links. Trotz großer Probleme am Anfang schaffte er es die Monte mit dem Quattro A2 zu gewinnen. Danach fuhren Röhrl/Geistdörfer das Nachfolgemodell Sport Quattro, welches jedoch 1984 sich anfangs als schadensanfällig erwies, so dass Endplatzierungen selten wurden. Bei Audi erlebten Röhrl/Geistdörfer das Ende der Gruppe-B-Ära (1986) und fuhren in der nachfolgenden Saison noch drei WM-Läufe auf einem Audi 200 quattro, der gemäß dem nunmehr gültigen Reglement der Gruppe A vorbereitet war.  1987 stellte Röhrl beim "Pikes Peak International Hill Climb" einen neuen Rekord für die 19,99 Kilometer lange Bergstrecke auf den Gipfel des Pikes Peak auf. In einem rund 600 PS starken Audi Sport quattro S1 benötigte er für den damals noch mit einer durchgängig unbefestigten Fahrbahndecke versehenen "Pikes Peak Highway" 10 Minuten und 47,85 Sekunden. Er war damit der erste Fahrer, der auf dieser Strecke mit einer Laufzeit von unter 11 Minuten siegte.

Nach der Zeit in der Rallye-WM (ab 1988).

Audi beteiligte sich ab 1988 nicht mehr werksseitig am Rallye-Sport. Röhrl war fortan bis 1992 als Testfahrer für Audi tätig und trat sporadisch bei Rundstreckenrennen der US-Serien Trans Am (zwei Siege) und IMSA-GTO (ein Sieg) sowie in der Deutschen Tourenwagen-Meisterschaft (ein Laufsieg) an.  In seiner späteren Eigenschaft als Versuchsfahrer für Porsche war Röhrl unter anderem an der Entwicklung des Supersportwagens Carrera GT beteiligt, der von 2003 bis 2006 produziert wurde. 2001 fuhr Röhrl mit Copilot Geistdörfer einen Porsche 996 GT3 als Vorauswagen der vom 5. bis 8. Juli ausgetragenen ADAC Rallye Deutschland.

Statistik.

Rallye-Weltmeisterschaft.

Bis einschließlich 1978 wurde im Rallyesport keine Fahrerweltmeisterschaft ausgetragen.

Walter Röhrl (* 7. März 1947 in Regensburg) ist ein deutscher Rallyefahrer. „Der Lange“, wie sein auch in den Medien häufig verwendeter Spitzname war zwischen 1973 und 1987 als Rallyeprofi aktiv und gewann in dieser Zeit zwei FIA-Fahrerweltmeisterschaften (1980 und 1982) sowie eine Europameisterschaft (1974). Parallel zu seiner Karriere als Rallyesportler fuhr Röhrl auch Rundstreckenrennen. Seine Laufbahn als Profirennfahrer endete 1992 bei Audi, wo er bereits seit 1988 hauptsächlich Entwicklungsaufgaben wahrgenommen hatte. Die letzte Meisterschaft, in der er startete, war die DTM. Seit 1993 ist Walter Röhrl Repräsentant und Versuchsfahrer bei Porsche. Für diese Marke nahm er noch bis 1994 sporadisch an Rennen teil, bis heute fährt er Wettbewerbe im historischen Automobilsport.  Walter Röhrl ist der einzige deutsche Rallye-Weltmeister. Insgesamt stehen für ihn 14 Siege bei Rallye-WM-Läufen zu Buche, hiervon einer mit Copilot Jochen Berger, alle weiteren mit Christian Geistdörfer. Wie Röhrl verschiedentlich betonte, betrachtet er seine vier Siege bei der Rallye Monte Carlo als persönlich besonders bedeutsam. Er errang diese auf vier unterschiedlichen Fabrikaten: 1980 Fiat, 1982 Opel, 1983 Lancia und 1984 Audi.

Walter Röhrl (born 7 March 1947) is a German rally and auto racing driver, with victories for Fiat, Opel, Lancia and Audi as well as Porsche, Ford and BMW.


Mythos.

Bei Homer kommt Eros nicht vor. In der "Theogonie" des Dichters Hesiod gehört er zusammen mit Gaia, Nyx, Tartaros und Erebos zu den fünf ersten nach dem anfänglichen Chaos entstandenen Gottheiten. Eros und Himeros begleiten Aphrodite seit ihrer Geburt. In der Komödie "Die Vögel" des Aristophanes schlüpft Eros aus einem Ei, das die Nacht mit ihren schwarzen Flügeln in die Welt gesetzt hat. Er hat zwei goldene Flügel, und er zeugt mit Chaos das Geschlecht der Vögel.  In der Tragödie "Antigone" des Sophokles veranlasst Eros den mit der Titelheldin verlobten Haimon, den Sohn des Königs Kreon, sich gegen seinen Vater, der Antigones Hinrichtung will, aufzulehnen. Damit thematisiert der Dichter einen Konflikt zwischen erotischem Begehren und der Loyalitätspflicht gegenüber dem Vater, wobei Eros sich als stärker erweist. Er wird vom Chor als „Eros, unbesiegt im Kampf“ angesprochen. Mit diesem berühmten Vers drückt der Dichter seine Überzeugung aus, dass der Mensch der Macht des Eros, die ihn ergreift, gänzlich ausgeliefert ist.  Neben der alten Vorstellung von Eros als Urmacht, als Schöpfer und – bei Parmenides – als erster der Götter war auch ein anderes Bild von ihm verbreitet: Eros als verspielter, mutwilliger Knabe. Diese Gestalt und Auftretensweise des Liebesgottes dominierte in der Literatur und bildenden Kunst des Hellenismus. Trotz des großen Unterschieds zur machtvollen Schöpfergestalt älterer Quellen ist dieser kindliche, aber auf seine Art ebenfalls mächtige hellenistische Eros nicht ein anderer Gott; vielmehr ist er das Ergebnis eines Prozesses der Verkindlichung der Liebesgottheit.  Eros gilt als Sohn der Aphrodite (römisch Venus) und des Ares (römisch Mars). Auch werden Hermes, der römische Mercurius, oder Zeus bzw. der ihm entsprechende römische Jupiter als Vater genannt. Bei Platon gelten Poros und Penia als Eltern.  Berühmt ist die Geschichte von Amor und Psyche des Apuleius. Hier ist Psyche die Geliebte des Amor, die ihm eine Tochter namens Voluptas („Lust“) schenkt.

Kult.

In Athen wurde am 4. Munichion ein Fest zu Ehren des Eros begangen, das im Rahmen einer Prozession zu Ehren der Aphrodite Pandemos begangen wurde. In Thespiai wurden ihm zu Ehren alle vier Jahre die agonischen Erotidia begangen. Er wurde gemeinhin neben Hermes und Herakles in Gymnasien verehrt.

Darstellungen.

Bis in die Zeit der griechischen Klassik wird Eros in Kunst und Literatur als schöner Jüngling dargestellt. Seine Attribute sind meist Peitsche, Netz oder Sandale. Im Hellenismus setzt sich die Darstellung des Eros als Kleinkind mit Pfeil und Bogen durch. Dabei soll eine auf das Herz gezielte goldene Pfeilspitze die Leidenschaft entfachen, eine bleierne dagegen die Leidenschaft abtöten. Der Gegensatz zwischen dem harmlosen, unbeholfenen Kleinkind und seiner gewaltigen Wirkung wird offenbar als besonders reizvoll empfunden. Meist wird Eros mit Flügeln dargestellt. In einigen hellenistischen Darstellungen reitet Eros auf einer Ente.

Eros ( ) ist in der griechischen Mythologie der Gott der begehrlichen Liebe. Ihm entspricht in der römischen Mythologie Amor, der als Personifikation der erotischen Begierde auch "Cupido" („Begierde“, „Leidenschaft“) genannt wird. Eros hat zwar im Kult kaum eine Rolle gespielt, ist aber seit der Antike eine der beliebtesten mythischen Figuren in Literatur, bildender Kunst und Musik.

In Greek mythology, Eros (, ; , "Desire") is the Greek god of love and sex. His Roman counterpart was Cupid ("desire"). In the earliest account, he is a primordial god, while in later accounts he is described as one of the children of Aphrodite and Ares and, with some of his siblings, was one of the Erotes, a group of winged love gods.