Allgemeines.

Die Quellenangabe wird entweder direkt am Objekt (Artikel, Bericht, Foto, Zeichnung, Zitat) gemacht oder in einem gesonderten „Quellenverzeichnis“ angegeben. In Ton- oder Filmmaterial können die Quellen im Nachspann angesagt oder angezeigt werden.  Erfolgt die Quellenangabe direkt am Objekt, so steht sie meistens in Klammern. Zum Beispiel:  Im Internet kann man die Quellenangabe auch per Link anbringen. Zum Beispiel:  Als Quellen können alle Dinge mit Informationsgehalt dienen, wie z. B. Fotos, Zeitungsartikel, Statistiken, Zeichnungen, Tonaufzeichnungen, Bildaufzeichnungen, Zeitungen, Magazine, Zeitschriften.  In vielen Werken mit historischem Gehalt werden auch oft Zeitzeugen genannt. Diese werden dann bei ihrem Bericht gefilmt oder es wird der Ton mitgeschnitten, um eine belegbare Quelle zu erhalten. Auch Tagebücher und handgefertigte Skizzen können als historische Quellen dienen.  Die Zitate sind eine Untermenge der Quellenangaben. Quellenangaben dienen dabei zur Auffindung sämtlicher Ausdrucksweisen, Zitate beschränken sich nur auf gesprochenen oder gedruckten Wortlaut.  Je nach moderner Lizenz der Quelle ist mit der Quellenangabe möglicherweise bereits der Urheberschutz abgedeckt, wenn der Urheber besonders darauf hinweist.  In wissenschaftlichen Ausarbeitungen und für schulische Zwecke ist die Quellenangabe obligatorisch, um anderen Wissenschaftlern, Mitstudierenden und Mitschülern sowie Lehrkräften die Möglichkeit zu geben, das verwendete Material zu sichten und dadurch den inhaltlichen Wert der Arbeit zu erkennen.

Quellenangabe im Urheberrecht.

Viele nationale Kodifikationen zum Urheberrecht gestatten im Rahmen der urheberrechtlichen Schranken die Verwendung von Zitaten. Die Rechtmäßigkeit dieser Verwendung fremden Gedankenguts ist allerdings an die Angabe der Quelle gebunden.

Bundesrepublik Deutschland.

§ 63 UrhG bestimmt, dass die Quelle deutlich anzugeben ist. In der Regel ist die genaue Angabe der Fundstelle erforderlich, also auch die Angabe des Kapitels oder der Seitenzahl bei umfangreicheren Werken.  Beispiel einer Quellenangabe:  Zitat: Der Begriff der Quelle umfasse "jedenfalls die Bezeichnung des Urhebers" und "in allen Fällen auch den Titel des Werkes oder eine andere dieses identifizierende Bezeichnung [...]. Auch die Angabe des Publikationsorgans [...] wird davon erfasst".  Quellenangabe: Dietz in: Schricker, Urheberrecht 2. A., 1999, § 63 UrhG Rdnr. 13f.

Österreich.

§ 57 des österreichischen Urheberrechtsgesetzes enthält detailliertere Vorschriften über die Quellenangabe als das deutsche Gesetz, unter anderem: In den Erläuterungen (ErlRV) heißt es: „Bei Entlehnungen aus umfangreichen Werken muss also in der Quellenangabe auch die Seite, der Abschnitt, das Kapitel oder der Akt, wo sich die entlehnte Stelle befindet, angeführt werden“ (Dillenz, Materialien zum österreichischen Urheberrecht, 134, zitiert nach Dittrich S. 621).  2002 nahm der österreichische OGH zur Frage der Quellenangabe in der Entscheidung "Riven Rock" Stellung:

Eine Quellenangabe ist in einer Veröffentlichung der Verweis auf eine Informationsquelle, auf die zurückgegriffen wurde, beispielsweise ein Buch oder einen Zeitungsartikel.

A citation is a reference to a source. More precisely, a citation is an abbreviated alphanumeric expression embedded in the body of an intellectual work that denotes an entry in the bibliographic references section of the work for the purpose of acknowledging the relevance of the works of others to the topic of discussion at the spot where the citation appears.  Generally the combination of both the in-body citation and the bibliographic entry constitutes what is commonly thought of as a citation (whereas bibliographic entries by themselves are not). References to single, machine-readable assertions in electronic scientific articles are known as nanopublications, a form of microattribution.  Citations have several important purposes: to uphold intellectual honesty (or avoiding plagiarism), to attribute prior or unoriginal work and ideas to the correct sources, to allow the reader to determine independently whether the referenced material supports the author's argument in the claimed way, and to help the reader gauge the strength and validity of the material the author has used.  The forms of citations generally subscribe to one of the generally accepted citations systems, such as the Oxford, Harvard, MLA, American Sociological Association (ASA), American Psychological Association (APA), and other citations systems, because their syntactic conventions are widely known and easily interpreted by readers. Each of these citation systems has its advantages and disadvantages. Editors often specify the citation system to use.  Bibliographies, and other list-like compilations of references, are generally not considered citations because they do not fulfill the true spirit of the term: deliberate acknowledgement by other authors of the priority of one's ideas.


Geschichte.

Anhand archäologischer Ausgrabungen konnte nachgewiesen werden, dass auf dem Areal der späteren Burg bereits im 9. Jahrhundert eine vermutlich befestigte slawische Burgstätte existierte, die später in den Besitz des Bistums Prag überging. Bechyně ist für Anfang des 12. Jahrhunderts urkundlich belegt und fungierte in den nachfolgenden Jahrhunderten als Mittelpunkt des „Districtus Bechinensis“. Für die zweite Hälfte des 12. Jahrhunderts ist die Existenz eines Archidiakonats in Bechyně nachgewiesen.  Um 1268 fiel Bechyně an König Přemysl Ottokar II., der hier eine Burg errichtete, die 1283 erstmals erwähnt wurde. In der Vorburg wurde um 1284 ein Konvent des 1210 gegründeten Franziskanerordens (auch "Minoriten" oder "Minderbrüder" genannt) gegründet. Um 1340 erwarben die Herren von Sternberg Burg und Stadt Bechyně. Anfang des 15. Jahrhunderts war es im Besitz des Markgrafen Jobst von Mähren, von dem es nach kurzer Zeit an den Oberstlandschreiber Boček II. von Podiebrad († 1417) überging. Er tausche 1414 Bechyně mit dem Königlichen Kämmerer und Landeshauptmann von Breslau Heinrich von Lazan gegen Stadt und Herrschaft Nachod sowie die benachbarte, damals zu Böhmen gehörende Herrschaft Hummel.  1422 und 1428 wurde Bechyně von den Taboriten zerstört. Nach der Schlacht bei Lipan, mit der die Hussitenkriege beendet wurden, gelangten 1434 die Nachkommen Heinrichs von Lazan, die sich nun Bechinie von Lazan nannten, wieder in den rechtmäßigen Besitz der Herrschaft Bechyně. Johann Bechinie von Lazan gab im Jahre 1444 der Stadt Bechyně die Stadtrechte zurück und erweiterte diese um weitere Privilegien.  1477 gelangte Bechyně wiederum an die Herren von Sternberg. Sie beriefen Ende des 15. Jahrhunderts erneut die Franziskaner, die auf dem Gelände des in den Hussitenkriegen zerstörten Klosters ein neues Kloster errichteten und die Klosterkirche "Mariä Himmelfahrt" wieder aufbauten. 1530 erwarben die Herren von Schwanberg Bechyně, von denen es 1569 an Peter Wok von Rosenberg fiel. Er residierte auf der Burg, die er durch den Baumeister Baldassare Maggi zu einem Renaissance-Schloss umbauen ließ. Während Peter Woks Regentschaft erlebten Stadt und Herrschaft Bechyně eine wirtschaftliche Blüte. Vermutlich weil er nach dem Tod seines Bruders Wilhelm von Rosenberg 1592 seinen Sitz auf das Schloss Krumlov verlegen musste, verkaufte Peter Wok von Rosenberg Bechyně 1596 wiederum an die Herren von Sternberg. Am 13. Juni 1700 ertranken Johann Joseph von Sternberg, seine Frau Marie Violanta Teresia, geborene von Preysing und ihre dreijährige Tochter Marie Violanta auf der Heimreise von einem Besuch der Heiligen Kapelle Altötting bei Passau im hochwasserführenden Inn. Marie Violanta Teresia von Sternberg wurde in der Bechiner Franziskanerkirche beigesetzt, die Leichen ihres Mannes und der Tochter wurde nicht gefunden. Erbin der Herrschaft Bechin wurde die einjährige Marie Theresie Violanta von Sternberg, die 1715 Leopold Graf von Paar heiratete, bei deren Nachkommen das Schloss bis zu deren Enteignung im Jahre 1948 verblieb.  Von wirtschaftlicher Bedeutung waren im 19. Jahrhundert neben der Landwirtschaft die Herstellung von Keramik sowie eine Brauerei. Durch die kohlensäurehaltigen Quellen, die als Moorbäder verabreicht wurden, erlangte Bechyně auch eine Bedeutung als Heilbad. Die 1903 von František Křižík gebaute Bahnstrecke Tábor–Bechyně war die erste elektrifizierte Eisenbahnlinie von Österreich-Ungarn.  Heute beherbergt Bechyně die älteste keramische Fachschule Tschechiens.

Bechyně (deutsch "Bechin", auch "Beching"; "Bechingen") ist eine Stadt in Tschechien. Sie liegt am Zusammenfluss von Smutná und Lainsitz im Jihočeský kraj.

Bechyně (, is a town in the South Bohemian Region of the Czech Republic. Also known as Bechin or Beching in German. as It is located on the Lužnice River 20 km southwest of Tábor and has a population of around 5,000.  The town is the terminus of the railway line from Tabor. This was built in 1903 and was the first electrified railway in the Austro-Hungarian Empire. The original passenger train is preserved and operates several times each summer.  A 13th century castle was built in Bechyně, although almost none of that original structure remains today. A reconstruction in the late 16th century and subsequent renovation in the 1670s resulted in the structure that stands there today.


Leben.

Jean Mabillon wurde als Sohn des Bauern Estienne Mabillon († 1692) und dessen Ehefrau Jeanne, geb. Guérin, in einem Dorf in den Ardennen geboren. Sein Onkel Jean Mabillon, ein Gemeindepriester in Neuville-Day, erteilte dem 9-jährigen seinen ersten Unterricht. Im Alter von 12 Jahren trat er, finanziell unterstützt von seinem Onkel, in das Collège des Bons Enfants in Reims und 1650 in das Priesterseminar ein. Drei Jahre später verließ er das Seminar und wurde Mönch in der Maurinerabtei St. Remi. Ironischerweise wurden ihm zunächst wegen eines Kopfleidens intellektuelle Studien verboten. 1658 wurde Mabillon nach Corbie geschickt, wo er als Kellermeister arbeitete. 1660 erhielt er in der Kathedrale von Amiens die Priesterweihe. 1663 kam er als Klosterschatzmeister in die Abtei Saint-Denis und ein Jahr später in die Abtei Saint-Germain-des-Prés in Paris, wo er sich bis zu seinem Lebensende aufhielt.  In Saint-Germain-des-Prés wurde er 1664 Assistent des Bibliothekars Luc d’Achery, womit seine Gelehrtenlaufbahn ihren Anfang nahm. In der Folgezeit kam Mabillon mit zahlreichen Gelehrten in Kontakt, so Charles du Fresne, sieur du Cange, Étienne Baluze und Louis-Sébastien Le Nain de Tillemont.  In diesem Umfeld widmete sich Mabillon ganz der Herausgebertätigkeit. 1667 erschien seine Edition der Werke des Bernhard von Clairvaux und 1668 die Viten der Heiligen des Benediktinerordens (Acta sanctorum ordinis Sancti Benedicti 500-1100, 9 Bde., 1668–1701). 1681 erschien die erste Auflage der "De re diplomatica libri sex", in denen Mabillon antike und mittelalterliche Schriften und Urkunden erstmals wissenschaftlich beschrieb und klassifizierte. Dieses Werk gilt als Begründung der Paläografie und der Diplomatik. Es erbrachte ihm die Aufmerksamkeit Jean-Baptiste Colberts und Ludwig XIV. Die Pension, die Colbert ihm anbot, lehnte Mabillon ab. Er reiste durch Europa, nach Burgund (1682), in die Schweiz und nach Deutschland (1683) sowie nach Italien (1685), um in Archiven zu forschen und mittelalterliche Handschriften für die königliche Bibliothek, die heutige Bibliothèque nationale de France in Paris, zu erwerben.  Diesen ganz der historischen Forschung gewidmeten Lebensstil kritisierte Armand Jean Le Bouthillier de Rancé, Abt der Reformabtei La Trappe. Er beschuldigte Mabillon, entgegen der Tradition des benediktinischen Mönchtums geistige statt körperliche Arbeit zu leisten. Ihm antwortete Mabillon 1691 mit dem "Traité des études monastiques", dass Wissenschaft und Forschung durchaus dem monastischen Lebensideal untergeordnet, aber sehr wohl notwendig seien.  Auch Mabillons unter dem Pseudonym "Eusebius Romanus" vorgetragene Kritik an der Verehrung von Reliquien „unbekannter Heiliger“ in den Katakomben von Rom und sein kontroverser Kommentar zu den Werken des Augustinus verursachten Klagen, die in dem Vorwurf des Jansenismus gipfelten. Kirche und König deckten den Gelehrten jedoch.  1701 wurde Mabillon zu einem der Gründungsmitglieder der Académie des inscriptions et belles-lettres ernannt. 1703 bis 1707 veröffentlichte er die ersten vier Bände der "Annales ordinis Sancti Benedicti 480-1157" (Bd. 5 postum 1713, Bd. 6 von anderen Autoren 1739). 1704 erschien die zweite Auflage der "De re diplomatica" mit einem Ergänzungsband.  Mabillon starb 1707 im Alter von 75 Jahren und wurde in der Kirche von Saint-Germain-des-Prés in Paris beigesetzt, wo sein Grabmal heute noch zu finden ist.  Seinen Namen tragen in Paris die nahegelegene "Rue Mabillon" und seit 1925 die Métro-Station Mabillon. Ebenso trägt die historische Zeitschrift "Revue Mabillon" seinen Namen.

Jean Mabillon (* 23. November 1632 in Saint-Pierremont, Provinz Champagne; † 27. Dezember 1707 in Paris) war ein französischer Benediktinermönch, Gelehrter und Begründer der Historischen Hilfswissenschaften.

Dom Jean Mabillon, O.S.B., (23 November 1632 – 27 December 1707) was a French Benedictine monk and scholar of the Congregation of Saint Maur. He is considered the founder of the disciplines of palaeography and diplomatics.


Geschichte.

Die Bibliothek wurde 1648 von König Frederik III. gegründet und mit einer umfassenden Sammlung europäischer Arbeiten ausgestattet. Das erste eigene Gebäude bezog die Bibliothek 1673, das heutige Reichsarchiv. Bereits 1793 wurde sie unter dem Bibliothekar Daniel Gotthilf Moldenhawer der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Das – heute noch genutzte – Bibliotheksgebäude auf Slotsholmen wurde bis 1906 vom Architekten Hans J. Holm errichtet, es imitiert Elemente des Norditalienischen Mittelalters und der frühen Renaissance mit venezianischen Elementen. Das Gebäude ist architektonisch mit der Pfalzkapelle Karls des Großen im Aachener Dom verwandt. In den Jahren 1966–1968 und 1979–1980 wurden Anbauten auf dem Slotsholmen errichtet.  1989 fand ein Zusammenschluss der Dänische Königlichen Bibliothek mit der Universitätsbibliothek von Kopenhagen statt. Heute existieren dadurch drei Standorte: einer für Jura und Sozialwissenschaften in der Fiolstræde (eröffnet als Universitätsbibliothek 1861), einer für Geisteswissenschaften auf Amager (seit 1997, auf dem Universitätsgelände) und das nicht spezialisierte Hauptgebäude auf dem Slotsholmen, mit den eigentlichen Sammlungen der Nationalbibliothek.  1999 wurde ein weiteres Gebäude am Hauptstandort auf dem Slotsholmen eröffnet, das wegen seiner Fassade aus einem schwarzen Gestein von Simbabwe auch als der „Schwarze Diamant“ (dänisch: "Den sorte diamant") bezeichnet wird. Es beherbergt neben einem Teil der Bibliotheksbestände auch einen Konzertsaal.

Bestände.

In die Bestände der Bibliothek eingegangen sind die bedeutenden Klosterbibliotheken des Klosters Bordesholm und des Klosters Cismar sowie die Bibliothek des Schlosses Gottorf.

Großer Buchdiebstahl.

Zwischen 1968 und 1978 musste die Bibliothek einen der größten Buchdiebstähle der Geschichte hinnehmen, der bis 1975 unentdeckt blieb.  Es wurden über 3200 historische Werke mit einem Gesamtwert von fast 40 Millionen Euro entwendet, unter anderem Manuskripte von Martin Luther, sowie Originale von Immanuel Kant, Thomas More und John Milton. Zwischen 1998 und 2002 wurden Bücher im Wert von gut anderthalb Millionen Euro bei verschiedenen Auktionen verkauft. Der Fall wurde im September 2003 gelöst, nachdem ein Buch beim Auktionshaus Christie's in London aufgetaucht war. Der Dieb, Frede Møller-Kristensen, war ein Angestellter der Orient-Abteilung der Bibliothek. Er starb im Februar 2003. Seine Familie wurde unvorsichtig und verkaufte weitere Bücher. Bei einer Durchsuchung des Hauses der Familie im November 2003 wurden 1500 der gestohlenen Bücher gefunden. Im Juni 2004 wurden seine Frau, sein Sohn und seine Stieftochter zu Gefängnisstrafen zwischen 18 Monaten und 3 Jahren verurteilt. Im Sommer 2004 gaben die beteiligten Auktionshäuser, Swann Galleries in New York und Christie's in London, die Namen der Käufer an die dänische Polizei weiter. Es handelt sich häufig um Antiquariate, die in der Zwischenzeit die Bücher weiterverkauft hatten.

Die Dänische Königliche Bibliothek (auch: "Königliche Bibliothek zu Kopenhagen"; dänisch: "Det Kongelige Bibliotek") in Kopenhagen ist die Nationalbibliothek Dänemarks, die größte und bedeutendste Bibliothek Skandinaviens sowie eine der größten Bibliotheken der Erde. Zu den historischen Schätzen gehören unter anderem nahezu sämtliche Werke, die in Dänemark seit dem 17. Jahrhundert publiziert wurden. Der Lesesaal West ist der Forschungslesesaal.

The Royal Library () in Copenhagen is the national library of Denmark and the university library of the University of Copenhagen. It is among the largest libraries in the world and the largest in the Nordic countries. In 2017 it merged with the State and University Library in Aarhus to form a combined national library. The combined library organisation (the separate library locations in Copenhagen and Aarhus are maintained) is known as the Royal Danish Library ().  It contains numerous historical treasures, and a copy of all works printed in Denmark since the 17th century are deposited there. Thanks to extensive donations in the past, the library holds nearly all known Danish printed works back to and including the first Danish books, printed in 1482 by Johann Snell.


Handlung.

Der verarmte Sprachlehrer "Robert Morgan" wird von dem Reisebüro "Baker & Co." für eine Kreuzfahrt von England zu den kanarischen Inseln engagiert. Das Reisebüro Thompson & Co. bietet jedoch die gleiche Reise an, allerdings preiswerter als Baker & Co. Die beiden Konkurrenten versuchen, sich gegenseitig im Preis zu unterbieten. Thompson & Co. gewinnt den Preiskrieg, Baker & Co. muss die Reise absagen; der Geschäftsführer empfiehlt Morgan seine Dienste dem Reisebüro Thompson & Co. anzubieten.  So kommt es, dass Morgan seinen Dienst als sprachkundiger Führer auf dem Dampfschiff "Seamew" antritt. Thompson hat ein Dampfschiff mit 70 Kabinen gechartert, das zusätzlich mit einer Segeltakelage versehen ist. Mit an Bord ist neben mehr als 100 Touristen "Mr. Thompson", der Inhaber des Reisebüros Thompson & Co. Im Laufe der Reise stellt sich heraus, dass Mr. Thompson weder die Kreuzfahrt noch die Landausflüge organisiert hat. Die Verpflegung an Bord der "Seamew" wird immer schlechter je länger die Reise dauert. Die Landausflüge müssen von Mr. Thompson mit Morgans Unterstützung vor Ort organisiert werden. Der erste Band schildert die Erlebnisse der Reisenden auf den Azoren und Madeira sowie den Beginn der Liebesgeschichte zwischen Morgan und der 23-jährigen Passagierin und Witwe "Alice Lindsay". Deren Leben wird darüber hinaus von ihrem Schwager und abgewiesenen Verehrer Jack Lindsay bedroht. Morgan rettet Alice Lindsay und zieht sich dadurch seinerseits den Zorn von Jack Lindsay zu.  Im zweiten Band führt die Reise nach Gran Canaria und nach Teneriffa, wo die Reisenden den Teide besteigen. Auf dem Heimfahrt nach England fällt die Dampfmaschine der "Seamew" aus; das Schiff kann nur noch mit Hilfe seiner Segel weiterfahren. Vor den kapverdischen Inseln sinkt die altersschwache "Seamew", die Reisenden können sich jedoch an Land retten. Das ist jedoch nur der Beginn einer Reihe von Abenteuern, die die Reisegesellschaft nach Afrika führt. Morgan meldet sich freiwillig um in einer nahe gelegenen französischen Niederlassung Hilfe zu holen. Dabei wird er auf den Weg dahin von Jack mit einer Kugel niedergestreckt. Gleichzeitig hetzt der Verräter einen nahe lagernden Stamm von Beduinen auf, die sich hohe Lösegelder für die Freilassung der von ihnen entführten Schiffbrüchigen erhoffen. Die in das Landesinnere in Richtung der Stadt Timbuktu entführten Reisenden werden von französischer Kavallerie befreit. Diese wurde von Morgan alarmiert, der, obwohl er schwer verletzt war, Hilfe holen konnte. Während der Befreiung stirbt als einziger Jack Lindsay, der von einer verirrten Kugel getroffen wird. Am Ende ist unter anderem Morgan mit Alice Lindsay vereint. Es stellt sich heraus, dass Baker ebenfalls unter einem Decknamen an der Reise teilgenommen hat. Dem Reiseveranstalter Thompson hetzen sein Widersacher Baker und andere Reisende Anwälte auf den Hals, doch der gewitzte Thompson kann sich durch den Konkurs seines Unternehmens aus der Affäre ziehen.

Das Reisebüro Thompson & Co. ist ein Roman, der dem französischen Schriftsteller Jules Verne zugeschrieben wird. Der Roman wurde erstmals 1907 in zwei Bänden von dem Verlag Pierre-Jules Hetzel unter dem französischen Titel "L´Agence Thompson and Co." veröffentlicht; die erste deutsche Übersetzung erschien 1908.  "Das Reisebüro Thompson & Co." ist eines der letzten Werke Jules Vernes; der Roman wurde erst posthum veröffentlicht. Es ist nicht bekannt, wie viel Jules Verne vor seinem Tod selbst schrieb und welchen Anteil sein Sohn Michel Verne, der die nicht von Jules Verne vor seinem Tod vollendeten Werke beendete, an dem Buch hat; es kann auch sein, dass Michel Verne das Buch komplett selbst schrieb. Nach Aussagen des Biographen Volker Dehs wurden beide Bände von Jules Vernes Sohn Michel Verne geschrieben.

The Thompson Travel Agency (, literally "The Agency Thompson & Co.") is a 1907 novel attributed to Jules Verne but written by his son Michel Verne.


Die Bezeichnung "Nazarener".

Die Bezeichnung "Nazarener" ist zunächst biblischen Ursprungs. Mit diesem Begriff wurden die Anhänger Jesu nach dessen Kreuzestod bezeichnet. Im 17. Jahrhundert kannte man in Rom "alla nazarena" als Bezeichnung einer Haartracht, bei der das Haar lang und in der Mitte gescheitelt getragen wurde.  Sowohl Raffael als auch Albrecht Dürer haben solche Frisuren getragen, und die in Rom lebenden Künstler, die man später als Nazarener bezeichnete, sollen sie zumindest eine Zeit lang ebenfalls so getragen haben. Eine Theorie besagt, dass die Bezeichnung "i Nazareni" für die Anhänger dieser Kunstrichtung auf die spottlustigen Römer zurückzuführen sei, die

Geschichte.

Die Wiener Kunstakademie.

Die Kunstrichtung wurde von Studenten, die seit 1804 an der Kaiserlichen Akademie der bildenden Künste Wien studierten, ins Leben gerufen. An der Kunstakademie in Wien begannen sowohl der Lübecker Patriziersohn Friedrich Overbeck als auch Franz Pforr, Sohn eines Frankfurter Malers, ihre Ausbildung, da die Institution zu dieser Zeit europaweit einen hervorragenden Ruf hatte.

Die Gründung des Lukasbundes.

Einige Akademiestudenten vermissten bei dieser Ausbildung etwas ihrer Ansicht nach Wesentliches:  Pforr, der in besonderer Weise von den altdeutschen Malern begeistert war und in ihnen jenen emotionalen Ausdruck sah, den er bei seiner Ausbildung vermisste, war zu dieser Zeit mit Overbeck bereits befreundet. Beide teilten ihre kritische Auffassung über die Ausbildung an der Wiener Kunstakademie. Im Laufe des Sommers 1808 erweiterte sich der Freundeskreis um Joseph Sutter, Josef Wintergerst, Johann Konrad Hottinger und Ludwig Vogel. Ab Juli 1808 trafen sich die sechs Künstler regelmäßig, um jeweils über ein künstlerisches Thema zu sprechen. Ein Jahr später, als die Freunde das einjährige Jubiläum ihres Treffens feierten, beschlossen sie, den Orden des "Lukasbundes" zu konstituieren. Sie wählten den Namen, weil der Evangelist Lukas als Schutzpatron der Maler gilt. In der Literatur bezeichnet man die Künstlergruppe auch als "Lukasbrüder".  Obwohl

Die Künstlerkolonie in Rom.

Kloster Sant’Isidoro.

1810 verließen Franz Pforr, Friedrich Overbeck, Ludwig Vogel und Johann Konrad Hottinger Wien, um nach Rom zu ziehen und dort ihre italienischen Vorbilder zu studieren. Sie bezogen Quartier im leerstehenden Franziskanerkloster "Sant’Isidoro" am Fuße des Pincio (in der Nähe der Spanischen Treppe) und führten ein künstlerisches Außenseiterleben abgesondert von der Welt (Overbeck: „Unter sich im Stillen der alten heiligen Kunst nachzuarbeiten“).  Im Unterschied zu den „Deutschrömern“, die schon früher nach Italien und besonders nach Rom gepilgert waren, suchten die Nazarener nicht das Rom der Antike, sondern das

Die Fresken für die Casa Bartholdy.

Der Freskenzyklus der "Casa Bartholdy" entstand 1815 bis 1817 im Auftrag des preußischen Generalkonsuls Jakob Ludwig Salomon Bartholdy. Bartholdy lebte zu dieser Zeit in einer Wohnung im Palazzo Zuccari, unweit des Klosters Sant’Isidoro. Die Fresken waren für den Empfangsraum dieser Wohnung bestimmt. Der Palazzo Zuccari wurde später in "Casa Bartholdy" umbenannt und ist heute die "Bibliotheca Hertziana". Kunstgeschichtlich werden diese Gemälde daher als „Fresken der "Casa Bartholdy"“ bezeichnet.  Die Lukasbrüder waren in der Freskomalerei nicht geübt, da diese zugunsten

Die Fresken für die Casa Massimo.

Trotz der unterschiedlichen Qualität erregten die Fresken sehr viel Aufmerksamkeit. Überliefert ist, dass nach der Fertigstellung Schaulustige vor der Casa Bartholdy Schlange standen, um das Werk zu besichtigen.  Generalkonsul Bartholdy sandte Kopien der Arbeiten sogar an den preußischen Kanzler Prinz Karl August von Hardenberg. Bei den Kopien handelte es sich um Aquarelle, die jeder der einzelnen Künstler anfertigte, nachdem er seinen Teil der Arbeit an den Fresken für die "Casa Bartholdy" beendet hatte. Fünf Aquarelle wurden anschließend auf eine gemeinsame Leinwand aufgezogen und durch gemalte Architekturmotive miteinander verbunden. Das erste Mal wurden diese Arbeit auf der Herbstausstellung der Berliner

Christus-Zyklus.

Der Mäzen und Stiftsregierungsrat Immanuel Christian Leberecht von Ampach, Domherr in Naumburg und Wurzen, gab 1820 ein weiteres Gemeinschaftswerk bei den Nazarenern in Rom in Auftrag. Die Malerfreunde Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich von Olivier und Theodor Rehbenitz wohnten seit 1819 im Gebäude der Preußischen Gesandtschaft beim Heiligen Stuhl, im Palazzo Caffarelli auf dem Capitolhügel; sie wurden daher die drei "Capitoliner" genannt. Die neun Gemälde zum Leben Jesu wurden unter der Projektleitung von Julius Schnorr von Carolsfeld von neun von Ampach persönlich ausgewählten Künstlern, darunter auch die weiteren Capitoliner Olivier und Rehbenitz, für seine Privatkapelle in Naumburg gefertigt. Ampach vererbte den Zyklus mit seinem Tode dem Naumburger Dom, wo acht von ihnen heute noch in der Drei-Königs-Kapelle gezeigt werden. Julius Schnorr von Carolsfelds "Lasset die Kindlein zu mir kommen" verbrannte 1931 im Glaspalast München. Die Kartons zu den Gemälden schenkte Ampach dem Dom St. Marien in Wurzen.

Weitere Entwicklung in Wien.

In Wien, ihrem Ausgangspunkt, hatte die neue künstlerische Bewegung es schwerer, sich durchzusetzen. 1812 zog der Deutsch-Römer Joseph Anton Koch von Rom nach Wien um. Er fand Aufnahme in einen Zirkel romantisch gesinnter Bürger und Künstler, unter ihnen Wilhelm von Humboldt und seine Frau Karoline, Joseph von Eichendorff, Clemens und Bettina Brentano, und einen Kreis junger Maler, die sich im Hause der Brüder August Wilhelm und Friedrich Schlegel trafen. Gestützt durch Aufträge aus diesem Umfeld, entstand eine Reihe von Landschaftsbildern mit religiösen Themen, insbesondere durch Ferdinand Olivier und Julius Schnorr von Carolsfeld. Trotz der Unterstützung durch das romantisch gesinnte Bürgertum traf die Bewegung im

Das Fest in der Villa Schultheiß.

Der Durchbruch der Nazarener zu öffentlicher Anerkennung in Deutschland begann 1818 mit einem Besuch des bayerischen Kronprinzen Ludwig in Rom. Der Kronprinz hatte während seiner beschwerlichen Reise Sizilien und einen Teil Griechenlands besucht und traf am 21. Januar 1818 in Rom ein. Er galt als der neuen Kunst zugeneigt, und man wusste von ihm, dass er München zum neuen Zentrum der romantischen Kunst in Deutschland und Italien erheben wollte.  Ihm zu Ehren veranstalteten die zahlreichen in Rom weilenden deutschen Künstler am 29. April 1818 ein Abschiedsfest in der vor der Porta del Popolo, auf dem Monte Parioli gelegenen Villa Schultheiß, bei dem die gesamte Dekoration die nazarenische Auffassung von der Rolle der Künstler und der Mäzene zum Motto hatte.  Die Idee dafür war offenbar von Cornelius ausgegangen, und die beteiligten Künstler schufen in großer Eile dazu passende Transparente und Dekorationen. Die großen Gemälde, die den Kronprinzen im Hauptraum der Villa Schultheiß begrüßten, stammten von Cornelius, Fohr, Veit und

Durchbruch in Deutschland.

Der Münchner Erfolg.

Wenige Jahre nach dem Fest in der Villa Schultheiß waren die Direktorenstellen an den Akademien in Düsseldorf, Berlin und Frankfurt am Main mit Nazarenern besetzt. Dies ist sowohl der erfolgreichen Arbeit von Cornelius zu verdanken als auch der Protektion durch den bayerischen König sowie dem aufkommenden romantischen Nationalismus.  Der erste bedeutende Auftrag, den Cornelius durch Ludwig I. erhielt, waren die Fresken der Glyptothek, die von 1820 bis 1830 entstanden. Der Bau, ein Entwurf von Leo von Klenze, sollte als Skulpturenmuseum dienen, in dem vor allem antike Statuen zu sehen waren. Die Fresken sollten dazu passende Einzeldarstellungen aus der griechischen Mythologie zeigen. An der Ausführung waren wie zu Zeiten Raffaels nicht nur Cornelius beteiligt, sondern auch seine Schüler. Schon nach der Vollendung des Göttersaales im Jahre 1824 wurde Cornelius zum Akademiedirektor ernannt. schrieb der bayerische König auf die Ernennungsurkunde. Die im Zweiten Weltkrieg zerstörten Fresken erregten weitreichende Aufmerksamkeit. Mit dem Erfolg war

Die Auswirkung im übrigen Deutschland.

Als zweiter Hauptort der Nazarenerbewegung etablierte sich vor allem Frankfurt am Main. Philipp Veit wurde 1830 als "Vorsteher der Malschule und Direktor der Galerie" nach Frankfurt berufen. Johann David Passavant wurde zum Inspektor des Städels und trug maßgeblich dazu bei, dass dieses Museum heute eine so umfangreiche Sammlung an mittelalterlicher Kunst besitzt. Auf ihn ist beispielsweise auch der Ankauf der Lucca-Madonna von Jan van Eyck zurückzuführen.  Zunehmend erhielten die Nazarener auch Aufträge außerhalb Münchens. Philipp Veit schuf für das Städel Fresken und arbeitete später an denen für den Mainzer Dom. Von ihnen sind heute nur noch die neutestamentlichen Bibelszenen in den Wandbögen des Mittelschiffs erhalten.  Der Bildhauer Christian Mohr stattete, nach zeichnerischen Entwürfen von Ludwig Schwanthaler, die Südfront mit Skulpturen aus.  Eduard von Steinle schuf Fresken für den Kölner

Der Ausklang der Bewegung.

Von der Säkularisation in den Kulturkampf.

Der Ausklang der nazarenischen Kunst wurde durch äußere und innere Gründe verursacht. Die Romantik polarisierte sich zwischen Religiosität und politischem Sturm und Drang. Ein äußerer Grund für die Konzentration der Nazarener aufs Religiöse waren die Revolutionen von 1830 und 1848/49 und die ihnen folgende Repression. Sukzessive entstand eine preußische politische Dominanz ab 1848.  Nach einer kurzen Phase des Arrangements mit der katholischen Kirche war diese verbunden mit einer aggressiven Kulturpolitik Preußens: Der preußische Kulturkampf folgte auf die lokalen "Kirchenstreite", wie beispielsweise im Herzogtum Nassau. Er richtete sich gegen alle Strömungen, die mit römisch-katholischen Geisteshaltungen verbunden waren, weil dahinter eine anti-preußische Haltung vermutet wurde (→ „Musspreußen“).

Die Trivialisierung eines Kunstideals.

Während der Impressionismus in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts an Bedeutung gewann, hatte sich das Kunstideal der Nazarener inhaltlich verbraucht und war zur Schablone herabgekommen. Die gesamte Kunstrichtung wurde von Kunstkennern zunehmend geringgeschätzt und geriet in Vergessenheit.  „Nazarenisch bezeichnet im Sprachgebrauch der Nichtfachleute eine blutleere und sentimentale religiöse Imagerie, die bis zum Zweiten Weltkrieg lebendig war und in ihren letzten Ausläufern noch heute faßbar ist. Es wird in etwa als deutsches Äquivalent jenes kirchlichen Kunstgewerbes verstanden, das in Paris um die Kirche Saint-Sulpice angesiedelt war und dessen standardisierte Serienproduktion als

Die Wiederentdeckung der Nazarener.

Die ersten kunsthistorischen Arbeiten über die zum Kreis der Nazarener gehörenden Maler, die mehr als eine reine Quellen- und Materialsammlung waren, wurden in den 1920er und in den 1930er Jahren veröffentlicht. Es waren Monographien, die sich vor allem mit den Hauptfiguren unter den Lukasbrüdern beschäftigten. In den 1930er Jahren wurde dies durch eine umfangreichere Arbeit über die Fresken in der Casa Massimo erweitert.  Die ausführliche Auseinandersetzung mit der nazarenischen Kunst setzte allerdings erst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts ein. 1964 erschien "The Nazarenes – A Brotherhood of German Painters in Rome" von Keith

Merkmale nazarenischer Kunst.

In einer Hinsicht gleicht die nazarenische Kunst der klassizistischen Schule, aus der sie sich entwickelt hat: Die klare, konturierte Form hat Vorrang vor der Farbe, das Zeichnerische hat Vorrang vor dem Malerischen. Vorherrschendes Kompositionselement ist die menschliche Figur.  Protagonist dieser Richtung war Johann Gottfried Herder (1744–1803), der führende Theoretiker des Sturm und Drang. Er wandte sich gegen einige der zentralen Lehren der Aufklärung (Klassizismus) und betonte die Schönheit auch der regellosen, urtümlichen Dinge, die Gegen-Antike (Mittelalter).  Begonnen hatte diese Entwicklung schon im 17. Jahrhundert, aber eher in elitären Kreisen und mit geringen technischen Möglichkeiten. Im 18. und besonders im 19. Jahrhundert wurden diese Bestrebungen beträchtlich intensiviert. Jetzt erschienen auch Bücher, die Kunstwerke dieser Epochen wiedergeben sollten. Zur Reproduktion wurden diese Werke in Holzstiche oder Holzschnitte umgewandelt – und in dieser Form wurden die Werke der sogenannten „Primitiven“ populär. Die "Betonung des linearen Elements" – als Hauptcharakteristikum des Holzschnitts – in der Kunst der Nazarener stammt also aus einer technisch missverstandenen Sicht der mittelalterlichen Kunst. Das zweifellos sowieso schon vorhandene Übergewicht des Zeichnerischen und Konturhaften der älteren Malerei wurde durch die Erfordernisse des damaligen Buchdrucks noch zusätzlich betont.  Diese Version der „vor-raffaelischen“ Malerei lernte Overbeck kennen und lieben als Werke von frommer Einfalt und mönchischer Werkergebenheit, bevor er in Rom die Originale sah. Die heute manchmal spürbare Süßlichkeit und

Einfluss der nazarenischen Kunst auf andere Stilrichtungen.

Der künstlerische Einfluss der Nazarener war weitreichend und langanhaltend.  Italien: Erste Erfolge für die Nazarener gab es in Italien, wo sie lange beheimatet waren, sogar im Vatikan und in Assisi (Overbeck in der Porciuncula-Kapelle in Santa Maria degli Angeli). Vor allem Tommaso Minardi folgte ihrem Stil, der seinen caravaggesken Frühstil um 1820 aufgab und Wortführer der Bewegung „Il Purismo“ wurde, der die nazarenischen Prinzipien in die religiöse italienische Malerei einführte.  Frankreich: In Frankreich führte ihr Einfluss zu einer Erneuerung der religiösen Kunst in der Schule von Lyon und prägte den Maler Maurice Denis. Nazarenische Elemente gibt es in der Kirchenmalerei von Jean-Auguste-Dominique Ingres. Sein Schüler Hippolyte Flandrin schuf ein großes Wandgemälde in St. Germain-des-Prés 1846. Zentrum des deutschen Einflusses in Frankreich war Lyon, wo Paul Chenavard riesige Wandgemälde mit komplizierten philosophischen Themen entwarf.  Holland: Der Holländer Ary Scheffer führte nazarenische Schlichtheit in seine Salonmalerei ein.  England: In Großbritannien übten vor allem Julius Schnorr von Carolsfelds 240 Bibelillustrationen, die 1860 veröffentlicht wurden, großen Einfluss aus. Bereits die Präraffaeliten, eine von den Malern Dante Gabriel Rossetti und Everett Millais 1848 gegründete englische Künstlervereinigung, hatten Ideen der Nazarener aufgegriffen. Ford Madox Brown hatte Verbindung zu den Nazarenern aufgenommen. Auch die Präraffaeliten strebten nach einer religiös-seelischen Vertiefung der Kunst und betrachteten die italienische Kunst der Frührenaissance als Vorbild. Man vermisste schmerzlich eine Tradition in der Historienmalerei. Und als 1840 das House of Parliament mit Wandgemälden ausgestattet werden sollte, tat man das in deutscher Manier.  Deutschland: In Deutschland war es vor allem die Schule von Beuron, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts das Gedankengut der Nazarener aufgriff. Die Beuroner Richtung war von dem Baumeister, Bildhauer und Maler Peter Lenz sowie Jakob Wüger und Lukas Steiner im Benediktinerkloster Beuron begründet worden mit dem Ziel, die religiöse Kunst wiederzubeleben.

Als nazarenische Kunst wird eine romantisch-religiöse Kunstrichtung bezeichnet, die deutschsprachige Künstler zu Beginn des 19. Jahrhunderts in Wien und Rom begründeten. Vertreter dieser Stilrichtung, die Nazarener, standen überwiegend dem Katholizismus nahe, und nicht wenige konvertierten zu ihm. Hintergrund ihres Aufbruchs waren die gesellschaftspolitischen Umbrüche der napoleonischen Ära und im repressiven Metternichschen System, die sich in der Kunst und der Lehre an den Kunstakademien niederschlugen. Das Ziel der Nazarener war die Erneuerung der Kunst im Geiste des Christentums, wobei ihnen alte italienische und deutsche Meister als Vorbilder dienten. Sie beeinflussten die Kunst der gesamten Romantik.

The epithet Nazarene was adopted by a group of early 19th century German Romantic painters who aimed to revive spirituality in art. The name Nazarene came from a term of derision used against them for their affectation of a biblical manner of clothing and hair style.


Etymologie.

Das aus dem Persischen stammende Wort "sarod" ist wesentlich älter als das indische Musikinstrument. Es wird üblicherweise auf "sorūd" in der Bedeutung „Lied“, „Melodie“, „Hymne“ und weiter auf das persische Verb "sorūdan" zurückgeführt, das dementsprechend „singen“, „ein Musikinstrument spielen“, aber darüber hinaus auch „dichten“ bedeutet. Es wurde vielleicht in den Aussprachevarianten "surod, sorud" und "saroz" auf Streichlauten in der Volksmusik von Belutschistan übertragen, die mit der "sarinda" verwandt sind. "Sarod" wird manchmal des Weiteren von "schahrud" ("šāh-rūd") hergeleitet, dem Namen eines im 10. Jahrhundert entwickelten Saiteninstruments. Darin sind die beiden Komponenten "šāh", (Schah), „König“ und "rūd", „Saite“, in der ungefähren Bedeutung „König der Lauten“ enthalten. In beiden Herleitungen ist das Wort in irgendeiner Weise mit Musik verbunden. Die vom Musikwissenschaftler S. M. Tagore (Sourindramohan Tagore) 1875 angegebene Verbindung von "sarod" mit "sarad" und "saradiya vina" (Sanskrit „herbstliche Vina“) gilt heute als unbegründet.

Bauform.

Die Rückseite der "sarod" wird aus einem Stück geschnitzt. Als Material dient entweder Tun (Indisches Mahagoni) oder Teakholz. Der Korpus wird mit einem Ziegenfell bespannt. Das bundlose Griffbrett besteht aus Metall. Bespannt wird die "sarod" mit 25 Saiten aus Metall. Drei von diesen sind Rhythmussaiten, vier von diesen werden als Melodiesaiten genutzt. Die Griffhand verkürzt diese Melodiesaiten – anders als bei den meisten Saiteninstrumenten – mit Hilfe des Fingernagels. Die Melodie- und Rhythmussaiten werden mit einem Plektrum aus Kokosnussschale ("jaba") angeschlagen. Sie sind über einen dünnen Steg aus Horn gespannt. Die restlichen Saiten dienen als Resonanzsaiten und laufen durch eine Aussparung im Steg hindurch. Der Hals trägt eine polierte Stahlplatte als Griffbrett. Am Halsende ist ein zusätzlicher Resonanzkörper befestigt.

Spielweise.

Zur Lehrtradition der "Senia-Gharanas", Musikschulen oder Stilrichtungen, die ihre Herkunft auf den bedeutenden Musiker Mian Tansen im 16. Jahrhundert zurückführen, gehörte neben der Gesangsausbildung das Unterrichten der Langhalslaute "vina" und der Schalenhalslaute "rubab". Die Weitergabe der klassischen Dhrupad-Tradition erfolgte weitgehend innerhalb der entsprechenden Familien meist vom Vater auf den Sohn. Außenstehende unterrichteten die Musiklehrer nur im weniger strengen Khyal-Gesangsstil und an den Lauteninstrumenten "sitar, sursingar" und "sarod". Vier Sarod-Gharanas werden unterschieden: die von muslimischen Familien gepflegte "Shahjahanpur-Gharana", die "Lakhnau-Gharana" und die "Gwalior-Gharana" sowie die von Allauddin Khan, einem hinduistischen Musiker gegründete "Maihar-Gharana".  Der bekannteste Sarodspieler des 20. Jahrhunderts war Ali Akbar Khan. Er verstarb 2009 in San Francisco und stand in der Tradition der "Maihar-Gharana". Weitere sind: Amjad Ali Khan, Radhika Mohan Maitra (1917–1981) und dessen Schüler Buddhadev Das Gupta, Jai Uttal, Hafiz Ali Khan, Partho Sarathy, Rajeev Taranath, Tejendra Majumdar, Aashish Khan, Ayaan Ali Khan, Amaan Ali Khan, Basant Kabra, Biswajeet Roy Chowdhury, Brij Narayan, Devjyoti Bose, Kalyan Mukherjee, Ken Zuckerman, Wajahat Khan, Zarin Daruwala, Ranajit Sengupta, Sharan Rani und Vikash Maharaj.

Sarod ist eines der führenden Saiteninstrumente der klassischen nordindischen Musik. Die Langhalslaute wurde in den 1860er Jahren in Lakhnau aus der afghanischen "rubab" und mit Formelementen der "sursingar" entwickelt.

The sarod or sarode is a stringed instrument, used mainly in Hindustani music on the Indian subcontinent. Along with the sitar, it is among the most popular and prominent instruments. The sarod is known for a deep, weighty, introspective sound, in contrast with the sweet, overtone-rich texture of the sitar, with sympathetic strings that give it a resonant, reverberant quality. It is a fretless instrument able to produce the continuous slides between notes known as meend (glissandi), which are important in Indian music.


Beschreibung.

Die Brücke der Märtyrer des 15. Juli ist eine Hängebrücke mit sechs Fahrspuren, zwei Notspuren und einem Fußweg. Die Fahrtrichtung der Hauptspuren ist nicht festgelegt, sondern wird je nach Tageszeit und Wochentag dem Verkehrsfluss angepasst. An Werktagen führen morgens vier Spuren von Ost nach West, abends vier von West nach Ost, um den Berufsverkehr von Asien nach Europa, wo sich die meisten Arbeitsplätze befinden, zu bewältigen.  Das fast horizontal verlaufende Brückendeck verbindet die auf den Hochufern gelegenen Stadtteile, die Stadtviertel unmittelbar am Ufer liegen tief unter der Brücke. Sie überquert den Bosporus mit einer lichten Höhe von 64 m, so dass auch große Schiffe wie Flugzeugträger und Kreuzfahrtschiffe passieren können.  Ihre Länge zwischen den auf den Hochufern gelegenen Ankerblöcken beträgt 1560 m. Die Spannweite zwischen den Pylonen beträgt 1074 m.  Ihre beiden stählernen Pylone stehen unmittelbar am Ufer. Sie sind 165 m hoch und überragen die Fahrbahn um 105 m. Ihre beiden Stiele sind durch einen Querriegel unterhalb des Brückendecks sowie durch einen Querriegel auf halber Höhe über der Fahrbahn und durch einen zwischen den Spitzen miteinander verbunden und versteift.  Das Brückendeck zwischen den Pylonen besteht aus einem aerodynamisch günstig geformten, flachen Hohlkasten aus Stahlblechen. Die Bosporus-Brücke war nach der Severn-Brücke die zweite der von Freeman Fox & Partners geplanten großen Hängebrücken, bei der zur Versteifung des Fahrbahnträgers nicht mehr hohe Fachwerkträger verwendet wurden, sondern im Windkanal getestete Hohlkästen, die dem Wind wenig Widerstand bieten und durch ihre aerodynamische Form Schwingungen und aeroelastisches Flattern vermeiden.  Das Brückendeck ist insgesamt 33,4 m breit und nur 3 m hoch. Es hat eine 25 m breite flache Oberseite, die an beiden Rändern mit einer 1,5 m breiten Schräge in die etwas tiefer liegenden 2,5 m breiten Fußwege übergeht. Die flache, lediglich 18 m breite Unterseite des Hohlkastens ist mit den äußeren Rändern durch eine lange Schräge verbunden. Die Fußwege wirken deshalb ähnlich wie ein umgedrehter Flügel.  Nur dieses Brückendeck der Hauptspanne ist an den 58 cm starken Tragkabeln aufgehängt, ähnlich wie bei der Williamsburg Bridge und der Ambassador Bridge. Die Hänger sind (wie schon bei der Severn-Brücke) diagonal angebracht, so dass an den Tragkabeln und am Fahrbahnträger immer zwei Hänger an einem gemeinsamen Befestigungspunkt enden, wodurch ein Zickzack-förmiges Muster entsteht.  Die Seitenöffnungen bestehen aus einer stählernen Plattenbalkenkonstruktion mit zwei schmalen Hohlkästen, die von schmalen Stahlpfeilern gestützt werden. Die 231 m lange Seitenöffnung ist dabei unterteilt in Brückenfelder von 40 + 3 × 45 + 56 m; die 255 m lange Öffnung ist in 4 × 63,75 m lange Felder aufgeteilt.

Maut.

Eine Maut sollte ursprünglich nur in den ersten drei Jahren erhoben werden, sie wird nur für die Fahrt von Europa nach Asien fällig, nicht umgekehrt. Neben der Zahlung an der Mautstation auf der asiatischen Seite war seit 1999 für regelmäßige Benutzer auch eine Abbuchung per Funk möglich. Seit 2004 ist nur noch eine Zahlung per Mautkarte oder Funkempfänger möglich, die Zahlung mit Bargeld wurde wie die mit Personen besetzten Mautkabinen abgeschafft. Die Brücke wird heute von ca. 180.000 Fahrzeugen täglich benutzt. Bis 1997 waren es insgesamt 1 Milliarde. Abgeschafft wurde die Maut nie. Sie beträgt für PKW 5,50 TRY (Stand Oktober 2014, etwa 2 €), so dass sich die monatlichen Einnahmen der Stadt heute auf 10 Mio. Euro belaufen.

Geschichte.

Der erste Vorschlag zur Errichtung einer Hängebrücke zwischen Ortaköy und Beylerbeyi wurde 1951 vom Architekten Paul Bonatz entwickelt, acht Jahre später wurde 1959 der Bau der Brücke unter Ministerpräsident Adnan Menderes beschlossen. Konkrete Planungen begannen 1968 im Büro Freeman Fox & Partners unter der Leitung von Gilbert Roberts und William Brown. Mit dem Bau beauftragt wurde ein Joint Venture aus der deutschen Hochtief, der britischen Cleveland Bridge & Engineering Co. und der türkischen Enka. Baubeginn war 1970. Die Baukosten betrugen 23,2 Millionen US-Dollar. Eröffnet wurde die Bosporus-Brücke am 50. Jahrestag der türkischen Republik am 29. Oktober 1973 durch den damaligen Präsidenten Fahri Korutürk.  In den ersten vier Jahren stand die Brücke auch Fußgängern offen – sie wurden von Aufzügen in den Pylonen vom Bosporusufer auf Fahrbahnhöhe befördert. Aufgrund zahlreicher Selbsttötungssprünge (bis heute etwa 100 Tote) ist die Brücke heute für Fußgänger gesperrt.  Seit 1979 gehört die Brücke zur Route des Istanbul-Marathons, der von Üsküdar nach Beyoglu führt. 1988 wurde fünf Kilometer nördlich der Brücke eine zweite Brücke namens Fatih-Sultan-Mehmet-Brücke eröffnet. 2013 begann noch weiter nördlich der Bau einer dritten Brücke, der Yavuz-Sultan-Selim-Brücke, die am 6. März 2016 fertiggestellt worden ist.  Während des Putschversuches von Teilen des türkischen Militärs am 15. und 16. Juli 2016 wurde die Brücke, als strategisch wichtiger Ort, zu einem der Schauplätze von heftigen Auseinandersetzungen zwischen den gegen die Regierung gerichteten Militärangehörigen und Unterstützern des türkischen Präsidenten sowie der türkischen Polizei. Am 25. Juli 2016 verkündete Ministerpräsident Binali Yıldırım den Beschluss des türkischen Kabinetts, die Brücke von „Bosporus-Brücke“ in „Brücke der Märtyrer des 15. Juli“ umzubenennen.

Die Brücke der Märtyrer des 15. Juli (), ehemals Bosporus-Brücke "(Boğaz Köprüsü)" oder Erste Brücke "(Birinci Köprü)" genannt, ist die älteste von drei Brücken in Istanbul, die den Bosporus überspannen und so den europäischen mit dem asiatischen Teil der Stadt verbinden. Sie wurde 1973 eröffnet und verbindet im Zuge der Autobahn O-1 die Stadtteile Beşiktaş und Üsküdar miteinander. Darüber hinaus ist die Brücke über die TEM "( )" zu erreichen.

The Bosphorus Bridge (), known officially as the 15 July Martyrs Bridge () and unofficially as the First Bridge (), is one of the three suspension bridges spanning the Bosphorus strait (Turkish: "Boğaziçi") in Istanbul, Turkey, thus connecting Europe and Asia (alongside Fatih Sultan Mehmet Bridge and Yavuz Sultan Selim Bridge). The bridge extends between Ortaköy (in Europe) and Beylerbeyi (in Asia).  It is a gravity-anchored suspension bridge with steel towers and inclined hangers. The aerodynamic deck hangs on steel cables. It is long with a deck width of . The distance between the towers (main span) is and the total height of the towers is . The clearance of the bridge from sea level is .  Upon its completion in 1973, the Bosphorus Bridge had the fourth-longest suspension bridge span in the world, and the longest outside the United States (only the Verrazano-Narrows Bridge, Golden Gate Bridge and Mackinac Bridge had a longer span in 1973). The Bosphorus Bridge remained the longest suspension bridge in Europe until the completion of the Humber Bridge in 1981, and the longest suspension bridge in Asia until the completion of the Fatih Sultan Mehmet Bridge (Second Bosphorus Bridge) in 1988 (which was surpassed by the Minami Bisan-Seto Bridge in 1989). Currently, the Bosphorus Bridge has the 33rd-longest suspension bridge span in the world.  After a group of soldiers took control and partially closed off the bridge during the military coup d'état attempt on 15 July 2016, Prime Minister Binali Yıldırım announced on 25 July 2016 the decision of the Cabinet of Turkey that the bridge will be formally renamed as the "15 Temmuz Şehitler Köprüsü" ("July 15th Martyrs Bridge") in memory of those killed while resisting the attempted coup.


Leben.

Ursprünglich aus Venedig stammend, bildete er sich in Padua weiter und arbeitete anschließend im südlichen Teil der italienischen Region Marken. Wobei er in der Tat der bedeutendste aktive Künstler im adriatischen Raum wurde, mit Ausnahme der venezianischen Lagune. Da er in seiner Jugend von Donatello beeinflusst wurde, blieb seine Kunst immer im Gleichgewicht zwischen perspektivistischen Neuheiten und einem starken Expressionismus, wobei seine Zeichnungen eine genaue, akkurate Darstellung wiedergeben. Andererseits sind seine Werke geprägt von einem spätgotischen Dekorativismus, dargestellt anhand von buntem Marmor, kostbaren Gewändern, Früchten, Tieren und goldenen Arabesken, unter häufiger Anwendung von Pastellfarben. Crivelli blieb in der Tat ausgeschlossen von den großen Strömungen der italienischen Renaissancekunst. Dennoch verweilte er nie in seinem provinziellen Schaffen, sondern erfand sich ständig selbst neu, durch Originalität und der Suche nach formaler Perfektion: ""Er bleibt nicht ruhig und ist nie zufrieden mit seiner schöpferischen Begabung. Er gibt sich nicht die Mühe neue Kompositionen zu finden, sondern ist vielmehr ständig auf der Suche nach neuen formellen Lösungen, fast besessen vom Bedürfnis nach einer unmöglichen Perfektion."" (Zampetti, 1986) Seine Forschung war anders als die seiner Zeitgenossen, aber nicht weniger umfassend: Er suchte nicht den atmosphärischen Atem eines Giovanni Bellini, sondern bemühte sich vielmehr Momente scharfer Wahrheit in einen Kontext abstrakter Starrheit einzufügen.

Biographie.

Das Wissen über das Leben des Carlo Crivelli beruht auf wenigen, ihn betreffenden Dokumenten und auf zahlreiche Unterschriften, die er auf seine Werke aufbrachte. Auch wenn diese häufig zerstört und verschollen sind, erlauben sie uns dennoch Einblicke in sein Privatleben.

Herkunft und Bildung.

Ein Dokument vom 13. Oktober 1444 bescheinigt, dass Carlo Crivelli der Sohn des Malers Iachobus de Chriveris ist, der in Venedig in der Pfarrgemeinde von San Moisè wohnhaft ist. Er hat einen jüngeren Bruder namens Vittore. Einen weiteren Bruder, der 1834 Ridolfo dal Ricci genannt wird, hat es wahrscheinlich nie gegeben. Von der Malerei des Vaters ist kein einziges Kunstwerk bekannt: Vermutlich gehörte er zu den Anhängern des Jacobello del Fiore oder Michele di Giambono. Kein Dokument überliefert uns das genaue Geburtsdatum des Malers, was allerdings zwischen den Jahren 1430–1435 vermutet wird, da er am 7. März 1457 volljährig gewesen sein muss, sonst wäre er nicht zu sechs Monaten Gefängnis und 200 Lire Bußgeld verurteilt worden. Folgendes wird dazu berichtet: ""Weil er sich in Tarsia, die Frau des venezianischen Seemanns Franceso Cortese verliebt hat, sie daher aus dem Haus von dessen Bruder entführte und für viele Monate versteckt hielt. Mit ihr hatte er fleischlichen Kontakt, wobei er gottverachtend das Sakrament der Ehe beschmutzte."" Der begangene Ehebruch war ein derartiger Skandal und wahrscheinlich ausschlaggebend dafür, dass sich Crivelli aus seiner Heimatstadt Venedig entfernte und er niemals wieder dorthin zurückging.  Trotz fehlender Dokumente vermutet man, dass Carlo Crivelli Lehrling von Antonio Vivarini, Giovanni d’Alemagna und Bartolomeo Vivarini gewesen sein muss. Letzterer war gut im Bilde über die zeitgenössische paduanische Malerei, die auf der Schule von Francesco Squarcione basierte. Von ihr wurde der junge Carlo geprägt, im besonderen Maße vom dalmatischen Altersgenossen Giorgio Čulinovič, der Giorgio Schiavone genannt wird, sowie Andrea Mantegna, Marco Zoppo und die Fiorentiner Filippo Lippi und Donatello, die sich zufällig auf der Durchreise in Padua befanden. Es ist nicht überliefert, ob der Künstler bereits vor seiner Verurteilung in direkten Kontakt mit der paduanischen Schule stand, oder erst mittels der Vivarini.  Im Bezug auf die ersten Jahre in Venedig lässt sich kein Kunstwerk mit Sicherheit auf Crivelli zurückführen. Die Werke, die in seiner Heimatstadt entstanden und die vom Historiker Carlo Ridolfi (1648) erwähnt werden, sind allesamt verloren, nämlich: "San Fabiano" und "Nozze mistiche di Santa Caterina", die sich in der Kirche von San Sebastiano befanden. Des Weiteren: "Storie di San Leone Bembo" aus der Kapelle von San Sebastiano bei San Lorenzo. Dasselbe Schicksal ereilte die Werke, die von Moischini 1664 namentlich erwähnt werden. Ein paar von ihm signierte Madonnen "Madonna Huldschinsky" in San Diego, "Madonna col Bambino e putti" in Verona, die sich ursprünglich in venezianischen Klöstern befanden, lassen sich auf die 1460er Jahre zurückführen und zeigen den Einfluss der paduanischen Schule auf, auch wenn Bottari einen Zusammenhang mit Domenico Veneziano erkennen wollte. Nach der Vermutung von Zampetti, sei die "Madonna Speyer", die sich in der Fondazione Giorgio Cini befindet, noch älter. In ihr erkennt man einen Hauch von Vorrenaissance, begründet auf Jacopo Bellini.

In Zara.

Nach der Festnahme von 1457 landete der Künstler in Padua, wo er sich mit Giorgio Schiavone anfreundete. Diesem folgte er anschließend nach Zara, einer Stadt, die zur damaligen Zeit unter venezianischer Herrschaft stand. Hier wird Crivelli in zwei notariellen Urkunden erwähnt. Eine, vom 23. Juni 1463 und die andere vom 11. September 1465. Er wird als Meister der Malerei, Bewohner und Bürger der dalmatischen Stadt bezeichnet.  Ein Werk aus dieser Zeit ist uns nicht bekannt. Zwei Madonne col Bambino e due angeli, befinden sich heute in New York, die von Prijatelj fälschlicherweise dem Maler zugeschrieben wurden. Diese zeigen jedoch eine gewisse Schwäche in der Zeichnung auf, sodass man davon ausgehen muss, dass sein jüngerer Bruder Vittore, der sich in diesen Jahren auch in der Stadt aufhielt, sie gefertigt haben muss. Womöglich sind die Madonnen, die sich heute in Verona und San Diego befinden, nicht in seiner Heimatstadt, sondern in Zara entstanden.

Ankunft in den Marken.

Sowohl die Gründe seiner Abfahrt aus Zara als auch der Zeitpunkt der Überquerung der Adria liegen völlig im Dunkeln. Auf jeden Fall signierte er 1468 das Altarbild "Polittico di Massa Fermana" und befand sich bereits 1469 in Ascoli Piceno, wo er, wie aus Dokumenten hervorgeht, mit einem Bürger in Konflikt geriet. Tatsächlich war er am 16. Februar 1469 in einen Prozess gegen einen gewissen Savino di mastro Giovani d’Ascoli verwickelt. Dazu bevollmächtigte er Ulisse di ser Antonio aus Venedig und Corradino Pasqualucci aus Ascoli mit seinem Fall. Daneben stammen die ersten Werke seiner künstlerischen Laufbahn in den Marken alle aus der näheren Umgebung von Fermo. Darunter ist das Altarbild "Polittico di Porto San Giorgio" (1470), entworfen für die Kirche von San Giorgio, im Auftrag eines gewissen Giorgio, eines Albaners, der infolge der türkischen Eroberungen in die Marken ausgewandert war.

Wohnhaft in Ascoli.

Dokumente weisen darauf hin, dass der Künstler ab 1473 in Ascoli dauerhaft sesshaft wurde. Dort entstand auch das Altarbild "Polittico di Sant’Emidio" in einer Kapelle des Doms. Der Aufenthalt in der Stadt wird darüber hinaus durch den Kauf eines Hauses für zehn Dukaten im Sestiere di San Biagio vom 17. Juni 1478 bestätigt. Zu einem uns unbekannten Zeitpunkt, heiratete er eine gewisse Iolanda in Ascoli. Jene stammte möglicherweise aus Atri in den Abruzzen. Sie schenkte ihm eine Tochter namens Diana und einen kleinen Jungen, der im August 1487 starb. Das Ehepaar adoptierte zudem ein Mädchen namens Biasiola. Man vermutete, dass der Künstler in jenen Jahren die Toscana oder die Stadt Ferrara besuchte, wo Werke von Rogier van der Weyden existierten. Allerdings beweisen keinerlei Dokumente diese Aufenthalte. Viel mehr scheint sich das Leben des Crivelli, ohne Unterbrechung, bis zu seinem Tode in der Umgebung von Ascoli abgespielt zu haben. Sein Ruhm oder sein Unternehmergeist brachten ihn dazu, zahlreiche Orte der Umgebung aufzusuchen, um dort etliche Altarbilder zu malen und zu signieren.

Aufenthalte in Camerino.

Besonders erwähnenswert erscheinen einige Aufenthalte in Camerino, einer Stadt, die unter der Herrschaft der Familie Varano stand und sich in kultureller Blüte befand. Dort waren auch verschiedene Maler tätig, darunter Girolamo di Giovanni und Giovanni Broccati, die Crivelli bereits aus der Schule des Squarcione in Padua her kannte. Darüber hinaus waren einige fremde Meister, wie Nicolò Alunno zugegen, der einen gewissen Einfluss auf den venezianischen Kollegen gehabt haben muss, obwohl er ihm künstlerisch nicht unterlegen war.  1482 signierte Crivelli das Altarbild "Polittico di San Domenico di Camerino". Es folgten mehr oder weniger anspruchsvolle Aufträge, in Ascoli und Camerino, weshalb man annimmt, dass der Künstler in den ganzen 80er Jahren sich abwechselnd in beiden Städten aufhielt, wobei die Aufenthalte in der Letzteren länger waren, wie aus einem Dokument von 1488 hervorgeht. Darin wird festgehalten, dass er in der Stadt der Varano einen festen Wohnsitz hatte. In jenen Jahren wurde der herzögliche Palast ausgeschmückt und es scheint der Fall zu sein, dass Crivelli dort ebenfalls tätig war, auch wenn es unmöglich ist, eine dementsprechende Spur in den wenigen fragmentarischen Unterlagen zu finden.  Im fortgeschrittenen Alter übernahm er einige Neuheiten von anderen Künstlern, wie die neue Struktur des Altarbilds gegenüber dem sich wiederholenden Polittico. Ein besonderes Beispiel hierfür ist "L’Annunciazione di Ascoli" aus dem Jahr 1486. Die Besonderheit dieses Werkes, welches sich ursprünglich in der Kirche der Santissima Annunziata in Ascoli Piceno befand, beweist, dass der Künstler die neuen Techniken der Renaissancemalerei perfekt beherrschte. Wenn es wahr ist, dass Crivelli charakterisiert wird durch seine antik anmutende Maltechnik, die auf der Linie venezianischen Tradition von vor Bellini basiert, dann liegt das nicht an der fehlenden Kenntnis der Techniken der Renaissancemalerei, sondern am bewusst gewählten Archaismus des Künstlers.

Die letzten Jahre.

Für das Jahr 1488 wird in Ascoli der Tod seines einzigen Sohnes dokumentiert, von dem man weder das Alter, noch den Namen kennt. Er musste dennoch ziemlich jung gewesen sein, denn anlässlich seiner Beerdigung wird in der Buchhaltung der Stadt eine Schenkung von zwei Pfund Wachs seitens des Künstlers registriert. Dabei handelt es sich um das letzte bekannte Lebenszeichen des Künstlers in der Stadt, während sich die Aufträge von außerhalb häuften. Am 10. Mai. 1488 wurde er mit dem Altarbild "Polittico del Duomo di Camerino" beauftragt, ein eindrucksvolles Werk, vorgesehen für den Hochaltar der Kathedrale von Camerino.  In seinen letzten Lebensjahren war Crivelli ständig unterwegs zwischen Camerino, Matelica, Fabriano und Pergola. In diese Zeit reicht ein bedeutendes Ereignis ins Leben des Künstlers hinein, nämlich die Erteilung des Titels „miles“ (1490) durch Ferdinando di Aragona, dem Prinzen von Capua und künftigem König von Neapel. In einer schwierigen Periode seines Staates, unterhielt Ferdinando gute Beziehungen mit Ascoli, allerdings befand er sich in einem latenten Konflikt mit dem Kirchenstaat, sodass der Prinz im September 1491 den Fluss Tronto überquerte und weite Gebiete von Fermo und Ascoli besetzte, die unter päpstlicher Gerichtsbarkeit standen. Ascoli wurde daher, seit August desselben Jahres wegen zu enger Beziehungen zu Ferdinando von Kardinal Balue exkommuniziert und seine Kirchen ebenfalls mit dem Bann belegt. Während sich Papst Sixtus IV. auf der Suche nach Bündnispartnern befand, um den Gegner aufzuhalten, zog jener seine eigenen Truppen zurück, wobei er die Bewohner von Ascoli mit ihren Problemen alleinließ, "sodass sie viele Demütigungen hinnehmen mussten." Seit diesem Zeitpunkt nahm der Titel, den der Maler erhalten hatte, im Bezug auf die umliegenden Staaten der damaligen Zeit einen zweideutigen Zusammenhang an.  Seit jenem Dokument gehört Crivelli zur Familie des Prinzen und wird weder als Venezianer, noch als Maler erwähnt, sondern als Bürger der Stadt Ascoli und getreuer Anhänger der neapolitanischen Monarchie. Immerhin war Ferdinando der Enkel von Francesco Sforza, der lange Zeit der Herr der Stadt war. Die Verleihung des Titels an den Maler muss als Danksagung für die erwiesene Treue der Ascolaner in der Auseinandersetzung mit dem Papst verstanden werden. Seitdem signierte Crivelli seine Werke stets mit dem Titel miles. Nach dem Abzug des Prinzen brachte ihm dieser Ehrentitel Schwierigkeiten ein, was der Grund für seine Abreise aus der Stadt gewesen sein mag. In den letzten Jahren vermehrten sich seine Aufenthalte an verschiedenen Orten. Ein letztes Dokument vom 7. August 1494 beweist seine Anwesenheit in Fabriano, wo er ein Altarbild abgab.

Der Tod.

Man geht vom Todeszeitpunkt des Malers zwischen der Vollendung des Altarbildes "Pala di San Francesco a Fabriano" und dem 7. September 1495, als der jüngere Bruder Vittore aus Fermo seinen Anspruch als Universalerbe geltend machen wollte, aus. Dieser legte dar, dass er nichts von der Familiensituation von Carlo gewusst habe. Er erklärte zudem, er wüsste weder etwas von Kindern noch von einer Eheschließung. Schuld daran trüge der jahrelange totale Kontaktmangel zwischen den beiden Brüdern. Im selben Dokument gab Vittore jedoch zu, seinen Bruder im Leben vernachlässigt zu haben und ihm Dank zu schulden, wahrscheinlich auf künstlerischem Gebiet. Eine lokalhistorische Überlieferung schildert, dass Carlo Crivelli in Fermo gestorben und in der Kirche von San Francesco begraben liege. Ein Brief von Vittore an den Magistrat von Ascoli widerlegt jedoch diese Notiz; es steht noch nicht einmal fest, ob er in Ascoli verstarb. Wahrscheinlicher ist, dass er bei seinen Aufenthalten in Pergola, Matelica oder Fabriano das Zeitliche segnete.  Die Familiensituation des Malers lässt sich erst aus Dokumenten erschließen, die nach seinem Tode entstanden sind. Allesamt beziehen sich auf die komplizierte Erbschaftsfrage. Der Name seiner Frau Iolanda taucht zum ersten Mal in einem Dokument des Jahres 1500 auf, nachdem Carlo bereits fünf Jahre tot war. Seine Frau muss viel jünger als er selbst gewesen sein, wenn sie nach dem Ende der Erbschaftsprozesse 1511, im Jahr 1524 immer noch als lebend erwähnt wird. Sie hatte nach dem Tode der Tochter Diana Auseinandersetzungen mit ihrem Schwiegersohn, da sie versuchte, ihn vom Erbe auszuschließen. Nicht einmal Carlo, den Sohn ihrer Stieftochter Biasiola, hatte sie testamentarisch bedacht, obwohl er den Namen seines Adoptivgroßvaters trug.

Stil.

Carlo Crivelli gehörte zwar zu jenen venezianischen Malern, die durch das Wirken von Francesco Squarcione und Andrea Mantegna dazu angeregt wurden, deren Stil zu übernehmen und damit die Formensprache der Renaissance in ihrem Wirkungsbereich zu etablieren, doch gleichzeitig blieb er in gewisser Weise auch den etablierten Traditionen der Gotik treu. Dadurch entwickelte er eine völlig eigenständige, unverkennbare Art der Bildersprache, die von den anderen Malern Venetiens völlig unabhängig war. Seine Figuren wirken auf den ersten Blick meist hart und streng, sind aber, wenn man sich näher auf sie einlässt, von so eindringlicher Wirkung, dass man sich ihrer Faszination nur schwer entziehen kann. Eine ganz besondere Vorliebe entwickelte er für Dekorationen und prachtvolle Ornamente, mit denen er seine Bilder oftmals völlig zu überladen pflegte. Hierzu gehören auch die auf vielen Gemälden vorhandenen Gurken, die eine nahezu surrealistische Wirkung hervorrufen. Teilweise setzte er einzelne Elemente seiner Bilder mit Gips auf, so dass die Werke in einzelnen Partien wie ein Relief wirken. Diesem Stil blieb Crivelli bis zu seinem Lebensende treu.

Nachwirken.

Carlo Crivellis Schaffen war sehr verwurzelt mit dem Gebiet der Marken. Besonders beeinflusste er seinen jüngeren Bruder Vittore, ebenso die Maler Pietro Alemanno, den jungen Cola dell’Amatrice, sowie viele andere, darunter Lorenzo d’Alessandro und Stefano Folchetti. Vincenzo Pagani wechselte vom Einfluss Crivellis zu dem von Lorenzo Lotto, also zwischen den zwei großen Venezianern der markischen Kunst.

Carlo Crivelli (* zwischen 1430 und 1435 in Venedig; † vor dem 7. August 1500 vermutlich in Ascoli Piceno) war ein italienischer Maler.

Carlo Crivelli (Venice c. 1430 – Ascoli Piceno 1495) was an Italian Renaissance painter of conservative Late Gothic decorative sensibility, who spent his early years in the Veneto, where he absorbed influences from the Vivarini, Squarcione and Mantegna. He left the Veneto by 1458 and spent most of the remainder of his career in the March of Ancona, where he developed a distinctive personal style that contrasts with that of his Venetian contemporary Giovanni Bellini.


Geschichte.

Als 1560 Kurfürst August die Dresdner kurfürstliche Kunstkammer gründete, spielten Gemälde neben Sammlungsstücken aus allen möglichen Bereichen der Wissenschaft in dieser Universalsammlung noch eine untergeordnete Rolle. Unter den beiden zwischen 1694 und 1763 regierenden sächsischen Kurfürsten, August dem Starken und seinem Sohn, Friedrich August II., begann in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts eine systematische Sammeltätigkeit. Nachdem sie insbesondere durch den Ankauf der 100 besten Werke aus der hervorragenden Sammlung des Herzogs Francesco III. von Modena im Jahr 1746 rasch angewachsen war, zog die Sammlung 1747 zunächst in das zur Gemäldegalerie umgebaute Stallgebäude am Neumarkt ein. Gekrönt wurde diese Sammlungsepoche 1754 durch den Erwerb von Raffaels Bild "Sixtinische Madonna". Durch ihre kostbaren Erwerbungen war die Sammlung mittlerweile zu europäischem Ruhm gelangt. Der nun einsetzende Siebenjährige Krieg beendete für viele Jahre die aktive Sammlungserweiterung. Aufgrund des Bedürfnisses nach einem neuen Museumsgebäude, das den Erfordernissen des 19. Jahrhunderts entspricht, konzipierte Gottfried Semper den heutigen Galeriebau am Zwinger, die sogenannte Sempergalerie. Nach Sempers Flucht 1849 wurde dieser „nordseitige Zwingerabschluss“ im Jahr 1855 durch Karl Moritz Haenel fertiggestellt. Das „Neue Königliche Museum zu Dresden“ öffnete am 25. September 1855 in der „Sempergalerie“, wo sich die Gemäldegalerie noch immer befindet. Auch setzte nun wieder die Ankaufstätigkeit ein. So gelangten 1853 aus dem Nachlass des „Bürgerkönigs“ Louis-Philippe I. 16 spanische Gemälde nach Dresden; in den 70er und 80er Jahren des 19. Jahrhunderts folgten Bilder italienischer und niederländischer Meister. 1873 erfolgte ein Beschluss des Landtages, bedeutende Summen für den Erwerb von Kunstwerken zur Verfügung zu stellen.  Aus Platzgründen wurde die Ausgliederung moderner Gemälde Anfang des 20. Jahrhunderts notwendig, womit die Galerie Neue Meister ihren Anfang nahm. Während des Zweiten Weltkriegs wurden die Gemälde ausgelagert, u. a. im Kalkwerk Lengefeld, im Tunnel der Rottwerndorfer Sandsteinwerke bei Pirna und im Cottaer Tunnel. Damit blieben sie trotz weitgehender Zerstörung der Sempergalerie durch die Luftangriffe auf Dresden in ihrer Mehrzahl erhalten. Am 13. Februar 1945 verbrannten 154 Gemälde, als der Lastwagen, auf den sie geladen worden waren, von einer Bombe getroffen wurde. Weitere 42 Gemälde, alles Großformate, verbrannten am gleichen Tag im Residenzschloss.  Nach Kriegsende kamen die Bilder als Beutekunst in die Sowjetunion. 1955 beschloss der Ministerrat der UdSSR die Rückgabe. Am 25. August 1955 erfolgte in Moskau die Übergabe der Dresdener Gemälde an eine Regierungsdelegation der DDR. Zu diesem Thema gab die Deutsche Post der DDR mehrere Briefmarkenserien mit dem Titel Von der UdSSR zurückgeführte Gemälde der Dresdner Gemäldegalerie heraus. Am 3. Juni 1956 wurde die Dresdner Gemäldegalerie wieder eröffnet, in einem Teil der noch im Wiederaufbau befindlichen Sempergalerie. Diese wurde 1960 fertiggestellt. 1963 zählte man 206 zerstörte und 507 vermisste Gemälde. Es werden noch etwa 450 Gemälde vermisst.  Ab 1988 wurde die Sempergalerie umfassend rekonstruiert und am 5. Dezember 1992 wiedereröffnet. Nach einer siebenjährigen Generalsanierung und einer damit verbundenen Teilschließung der Galerie wurde die Gemäldegalerie Alte Meister am 28. Februar 2020 wiedereröffnet.

Ausstellung.

Bedeutende Meisterwerke aus dem 15. bis 18. Jahrhundert begründen die weltweite Bekanntheit der Sammlung. Die Sammlungsschwerpunkte liegen auf der italienischen Malerei, besonders der Hochrenaissance und dem Barock, sowie holländischer und flämischer Malerei, vor allem aus dem 17. Jahrhundert. Herausragende Werken bekannter deutscher, französischer und spanischer Maler ist ebenso vertreten. Die 34 Werke umfassende Sammlung spanischer Malerei gilt als der wichtigste Bestand in einem deutschen Museum. Darüber hinaus werden Tafel- und Leinwandbilder der italienischen Frührenaissance gezeigt. Die Gemäldegalerie verfügt über die weltweit größte Cranach-Sammlung. Dabei sind nahezu der gesamte Bestand an Werken von Lucas Cranach dem Älteren und dem Jüngeren sowie Arbeiten aus deren Werkstatt ausgestellt.  Seit der Wiedereröffnung der Sempergalerie am 29. Februar 2020 wird die Sammlung in einer neugestalteten Form präsentiert. Die Farben der Wände werden zur Gliederung eingesetzt. So sind die Werke der Italiener auf roten Wänden ausgestellt, während die deutschen und niederländischen Gemälde vor grüner Wandbespannung hängen. Spanische und französische Bilder des 17. Jahrhunderts präsentieren sich auf blauem Grund.  Die ständige Ausstellung besteht aus etwa 700 Gemälden, was ungefähr 40 % des Depotbestandes entspricht. Die relativ dichte Hängung dieser Bilder erfolgt in prunkvollen Goldrahmen. Durch die Aufstellung der Skulpturen innerhalb der Gemäldegalerie werden hier Skulpturen und Gemälde im Sinne des Paragone („Wettstreit der Künste“) gegenübergestellt. Außerdem werden die antiken Skulpturen in der Antikenhalle (Osthalle der Galerie) gezeigt. Das Winckelmann-Forum (früher Gobelin-Saal) wurde am 6. Juni 2020 mit einer Sonderausstellung zu den Dresdner Bildteppichen nach Kartons von Raffael (1483–1520) eröffnet.  Das Museum wird jährlich über eine halbe Million Mal besucht.

Die Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden zählt mit ungefähr 700 ausgestellten Meisterwerken aus dem 15. bis 18. Jahrhundert zu den renommiertesten Gemäldesammlungen der Welt. Zu den Schwerpunkten des Museums gehören italienische Werke der Renaissance sowie holländische und flämische Maler des 17. Jahrhunderts. Präsentiert werden auch herausragende Gemälde altdeutscher und altniederländischer Malerei. Die Gemäldegalerie ist Teil der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden. Sie befindet sich in der Sempergalerie des Zwingers.

The Gemäldegalerie Alte Meister (, "Old Masters Gallery") in Dresden, Germany, displays around 750 paintings from the 15th to the 18th centuries. It includes major Italian Renaissance works as well as Dutch and Flemish paintings. Outstanding works by German, French and Spanish painters of the period are also among the gallery's attractions.  The Old Masters are part of the Dresden State Art Collections. The collection is located in the Semper Gallery, the gallery wing of the Zwinger.


Leben.

Mark Taimanow wurde am 7. Februar 1926 in Charkow geboren. Sein Vater war Ingenieur, seine Mutter Sängerin. Etwa ein halbes Jahr nach Taimanows Geburt zogen seine Eltern nach Leningrad. Dem sowjetischen Publikum wurde Taimanow bereits 1936 als Zehnjähriger bekannt, als er in Wladimir Schmidthofs Film "Beethovens Konzert" die Hauptrolle spielte. Dies blieb die einzige Filmrolle im Leben Taimanows.

Pianist.

Seine pianistische (und schachliche) Ausbildung erhielt Mark Taimanow als Jugendlicher in Leningrad. Seit seinem zwölften Lebensjahr spielte er gemeinsam mit seiner späteren Ehefrau Ljubow Bruk (1926–1996) Werke für zwei Klaviere. Beide wurden von Samari Sawschinski (1891–1968) unterrichtet. Zwischen 1941 und 1944 wurden die Leningrader Musikschule und das Konservatorium infolge der deutschen Invasion nach Taschkent verlegt. 1948 schloss Taimanow sein Klavierstudium mit Auszeichnung ab.  Das Duo "Bruk & Taimanow" begann eine umfangreiche Konzerttätigkeit in der Sowjetunion, nahm sein gesamtes Repertoire (Werke für zwei Klaviere) für "Melodija" auf Schallplatten auf und wurde so auch außerhalb der Sowjetunion bekannt. Es folgten Auslandsgastspiele in der DDR, Ungarn und der Tschechoslowakei. Anfang der 1970er Jahre trennte sich das Ehepaar, was gleichzeitig das Ende des gemeinsamen Musizierens bedeutete. Taimanow konzertierte fortan als Solist.  Im Jahre 1998 erschien bei Philips in der Reihe "Die größten Pianisten des 20. Jahrhunderts" eine Doppel-CD (Nr. 456 736-2) mit Aufnahmen des Duos "Bruk & Taimanow" aus den Jahren zwischen 1959 und 1968.

Schachspieler.

Taimanow nahm an 23 Schachmeisterschaften der Sowjetunion teil und konnte 1952, geteilt mit Michail Botwinnik, sowie 1956 (nach Stichkampf) den ersten Platz erringen. 1952 wurde er Großmeister.  1971 wurde er im Kandidatenturnier, einem Qualifikationswettkampf zur Schachweltmeisterschaft 1972, von Bobby Fischer vernichtend mit 0:6 geschlagen. Daraufhin fiel er bei den sowjetischen Behörden in Ungnade, die es für unmöglich hielten, dass ein sowjetischer Großmeister mit einem solchen Ergebnis verlieren könnte, und ihm politische Motive unterstellten. Ihm wurden alle nationalen Titel entzogen, und er durfte zwei Jahre lang keine internationalen Turniere mehr spielen. Erst als andere Spieler ebenfalls deutlich gegen Fischer verloren, wurden die Sanktionen schrittweise wieder aufgehoben. Taimanow kommentierte dies mit den Worten: „Mir blieb wirklich nur die Musik.“  1993 und 1994 wurde er zum Abschluss seiner langen Karriere zweimal Seniorenweltmeister.  Im Mai 2014 eröffnete er eine Taimanow-Schachschule in Sankt Petersburg. An der Zeremonie nahmen der frühere Weltmeister Wladimir Kramnik, Alexander Schukow und Gennadi Timtschenko teil.  Taimanow galt als ausgezeichneter Eröffnungstheoretiker. Die Taimanow-Variante 1. e4 c5 2. Sf3 e6 3. d4 cxd4 4. Sxd4 Sc6 der Sizilianischen Verteidigung wurde nach ihm benannt.  Taimanow wurde bei der FIDE zuletzt als inaktiv geführt, da er seit einem im Januar 2008 in Sankt Petersburg ausgetragenen Vergleichskampf "Seniors vs. Women" keine gewertete Partie mehr gespielt hat. Seine letzte Elo-Zahl war 2386, seine beste Elo-Zahl von 2600 hatte Taimanow im Juli 1971. Vor Einführung der Elo-Zahlen betrug seine beste historische Elo-Zahl 2742; er erreichte sie im Januar 1957.

Nationalmannschaft.

Taimanow gewann mit der sowjetischen Nationalmannschaft die Schacholympiade 1956 und die Mannschaftseuropameisterschaften 1957, 1961, 1965 und 1970. 1970 wurde er für den Wettkampf UdSSR gegen den Rest der Welt ans siebte Brett der sowjetischen Mannschaft nominiert und besiegte Wolfgang Uhlmann mit 2,5:1,5.

Vereine.

Bei der sowjetischen Vereinsmeisterschaft spielte Taimanow 1954 für "Iskra", danach für "Burewestnik", mit denen er 1961, 1968, 1971, 1974 und 1976 sowjetischer Vereinsmeister wurde, den European Club Cup 1976 gewann sowie 1982 und 1984 das Finale des European Club Cup erreichte.

Privates.

2004 wurde Taimanow im Alter von 78 Jahren Vater von Zwillingen, die seine vierte Ehefrau Nadja gebar.

Bedeutende Partien.

Das linke Diagramm zeigt die fünfte Partie des für Taimanow verhängnisvollen Kandidatenwettkampfs 1971 in Vancouver gegen Bobby Fischer nach 45. … Kg7–h6. In der Diagrammstellung steht Weiß nicht schlechter und die Partie sollte nach 46. Dc7–f4+ remis enden. Taimanow, der bereits hoffnungslos mit 0:4 zurücklag, unterlief ein schwerer Fehler, der unter normalen Umständen einem Spieler seines Niveaus nicht hätte passieren dürfen: Taimanow schlug mit 46. Tf1xf6?? einen schwarzen Bauern, verlor durch den folgenden Doppelangriff Fischers auf seinen König und Turm mit 46. … De4–d4+ (47. Tf6–f2 Ta8–a1+) seinen Turm und gab auf.  Das rechte Diagramm zeigt die Partie zwischen dem damaligen Schachweltmeister Anatoli Karpow und Taimanow beim internationalen Jubiläumsturnier in Leningrad 1977 nach 37. Tb3–b1. Mit der Kombination 38. … Sf5–g3+!! entschied Taimanow die Partie für sich. Nach 39. h2xg3 wäre 39. … Ta1–a8 gefolgt, wonach Weiß keine ausreichende Verteidigung gegen die Drohung 40. … Ta8–h8 matt besitzt. Auch nach 39. De1xg3 Ta1xb1 ist Weiß verloren. Karpow gab auf. Taimanow selbst schrieb 1989: „Dieses effektvolle Finale im Zweikampf mit dem damals fast unbesiegbaren Weltmeister ist bis heute der Stolz meines Schachschaffens.“

Mark Jewgenjewitsch Taimanow (, wiss. Transliteration ""; * 7. Februar 1926 in Charkow; † 28. November 2016 in Sankt Petersburg) war ein sowjetischer, später russischer Pianist und Schachmeister.

Mark Evgenievich Taimanov (; 7 February 1926 – 28 November 2016) was one of the leading Soviet and Russian chess players, among the world's top 20 players from 1946 to 1971. Also a prolific chess author, Taimanov was awarded the title of Grandmaster in 1952 and in 1956 won the USSR Chess Championship. Several chess variations are named after him. A modern Renaissance man, Taimanov was also a world-class concert pianist.  Taimanov was a World Championship Candidate twice, in 1953 and 1971. In 1971, however, he lost his Candidates match by 6–0 to Bobby Fischer, causing embarrassment for the Soviet Union. Nonetheless, throughout his career, he generally excelled in representing the USSR internationally in the chess field.


Leben.

Gökçen wurde als Tochter des Vilayet-Hauptschreibers Hafız Mustafa İzzet geboren, der von Sultan Abdülhamid II. ins Exil geschickt worden war. Sabiha verlor ihren Vater während der Grundschulzeit, konnte jedoch aufgrund einer Unterstützung durch ihre Geschwister die Ausbildung fortführen.  Im Alter von zwölf Jahren traf sie in Bursa erstmals auf Atatürk. Sie erzählte ihm, dass sie eine höhere Schule besuchen wolle. Nachdem Atatürk von ihren elenden Lebensumständen erfahren hatte, adoptierte er sie und ermöglichte ihr den Besuch der "Çankaya-Grundschule" in Ankara und später des "Üsküdar-Mädchenkollegiums" in Istanbul.  Atatürk gab ihr am 19. Dezember 1934 den Nachnamen „Gökçen“, was auf Türkisch „himmelsbezogen“ bedeutet. Sie war kurze Zeit mit einem Luftwaffenmajor verheiratet, der 1943 starb.

Umstrittene Abstammung.

Im Februar 2004 veröffentlichte der Journalist Hrant Dink einen mit Dokumenten belegten Artikel in der armenischen Wochenzeitung der Türkei „AGOS“ mit dem Titel „Das Geheimnis von Sabiha Hatun“. Eine ehemalige Bewohnerin der Stadt Gaziantep, Hripsime Sebilciyan Gazalyan, gab an, Gökçens Nichte zu sein, und implizierte somit eine armenische Abstammung. Sie sagte, dass Gökçen ihre Familie 1915 beim Völkermord an den Armeniern verloren habe, daraufhin nach Urfa in ein Waisenhaus gegeben und anschließend von Atatürk adoptiert worden sei. Die Adoptivtochter Atatürks, Ülkü Adatepe (1932–2012), bestritt diese Behauptung. Laut Adatepe war Sabihas Mutter, Hayriye Hanım, eine ethnische Bosniakin. Die bloße Vorstellung, dass Gökçen eine Armenierin gewesen sein kann, sorgte für großen Aufruhr in der Türkei und führte zu rassistischen öffentlichen Erklärungen.

Wirken.

Pilotinnenkarriere.

1935 begann ihre Pilotenausbildung an der türkischen Zivilflugschule in Ankara. Am Ende ihrer Flugausbildung wurde sie zusammen mit sieben männlichen Flugzeugführern zur Weiterbildung in die Sowjetunion beordert. 1936 absolvierte sie ihren ersten Soloflug. 1936 trat sie der türkischen Luftwaffe in der Militärflugschule Eskişehir bei, wo sie zur Militärpilotin ausgebildet wurde. Zu ihrer militärischen fliegerischen Ausbildung gehörte auch das Fallschirmspringen, war doch zur damaligen Zeit, in der Flugzeuge noch keine Schleudersitze hatten, der Absprung mit dem Fallschirm die einzige Möglichkeit, sich aus einer abstürzenden Maschine zu retten.  Ihre ersten Einsätze flog Gökçen im Sommer 1937 und Frühjahr 1938 während der Niederschlagung des Dersim-Aufstandes. Dabei unterstützte sie den Vormarsch der türkischen Bodentruppen, indem sie die Stellungen der Kurden bombardierte.  Im Juli 1938 besuchte sie mit einem werbewirksamen Flug die Hauptstädte der Balkanstaaten.  In Atatürks handschriftlichem Testament von 1938 erhielt Sabiha Gökçen 600 türkische Lira aus den Dividenden der von Atatürk gehaltenen Aktien im Gesamtwert von 2800 türkischen Lira. Zusätzlich bekam sie so viel Geld zugeteilt, dass sie sich ein Haus kaufen konnte.  Im Jahre 1951 nahm sie auch am Korea-Krieg teil. Sie war Mitglied des 1. Luftwaffenregiments in Eskişehir. Für besondere Tapferkeit, die sie bei ihren zahlreichen Einsätzen immer wieder unter Beweis stellte, wurde ihr der höchste Fliegerorden verliehen, und sie wurde in den Rang eines Majors befördert.  Gökçen hatte die Leitung der Kampfpilotenausbildung der türkischen Luftwaffe inne. Sie beendete ihren aktiven Militärflugdienst 1955 und widmete sich danach ganz der Pilotenausbildung in ihrem Beruf. Danach flog sie bis 1964 in einer Kunstflugstaffel, in der sie ihre außergewöhnlichen fliegerischen Fähigkeiten demonstrierte. Insgesamt 22 verschiedene Flugzeugtypen, sowohl Propellermaschinen als auch Jets, flog Sabiha Gökçen im Laufe ihrer Fliegerkarriere.

Politisches Wirken.

Ihr gesamtes Erwachsenenleben wirkte Gökçen für den Kemalismus. Nach Atatürks Tod schrieb sie Gedichte zu seinen Ehren und verfasste eine Autobiographie. Noch am Ende ihres Lebens sprach sie sich gegen den politischen Islam aus.

Rezeption.

Noch zu ihren Lebzeiten im Januar 2001 wurde der zweite Istanbuler Flughafen im kleinasiatischen Teil der Stadt nach ihr benannt.  Die Ausbildung von Gökçen zur Militärpilotin diente mehreren Symbolfunktionen. Einerseits repräsentiert sie das Lehrmuster einer modernen türkischen Frau, der jede Berufswahl offenstand. Andererseits wurde sie in ihrer Fortschrittlichkeit besonders für ethnisch-türkische Frauen zur Integrationsfigur in der noch jungen türkischen Republik. Als Vertreterin der Mehrheitsethnie und der wohlhabenden Oberschicht wird in der Forschung heute aber auch ihre Rolle als Instrument der Unterdrückung von Minderheiten, insbesondere Kurden, erwähnt. Hans-Lukas Kieser hebt daher die Fragwürdigkeit des „Mythos Sabiha Gökçen“ hervor. Als „moderne“ Türkin hat Sabiha Gökçen Bomben auf alevitische Kurden abgeworfen und die türkische Frau im Allgemeinen als Tochter einer soldatischen Nation verstanden.

Sabiha Gökçen (* 22. März 1913 in Bursa; † 22. März 2001 in Ankara) war eine der ersten türkischen Pilotinnen und die erste Kampfpilotin der Welt. Sie war eines von acht Adoptivkindern Mustafa Kemal Atatürks.

Sabiha Gökçen (; 22 March 1913 – 22 March 2001) was a Turkish aviator. She was the world's first female fighter pilot, aged 23. Others such as Marie Marvingt and Evgeniya Shakhovskaya preceded her as military pilots in other roles, but not as fighter pilots and without military academy enrollment. She was an orphan, and one of the thirteen adopted children of Mustafa Kemal Atatürk.  She is recognized as the first female combat pilot by The Guinness Book of World Records and was selected as the only female pilot for the poster of ""The 20 Greatest Aviators in History"" published by the United States Air Force in 1996.


Leben und Wirken.

Über die Abstammung und die frühe Zeit von Claude Goudimel sind keine Informationen überliefert. Er studierte wahrscheinlich ab 1549 an der Universität Paris bis 1557; im Verlagshaus von Nicolas Du Chemin (1520–1576) bekam er 1551 das Amt eines Korrektors und wurde 1553 Teilhaber des Verlags. Im Jahr 1551 erschien hier auch sein erstes Buch mit motettischen Psalmbearbeitungen und zwischen 1549 und 1554 seine ersten Chansons. Der Verleger veröffentlichte bis 1548 keine Musikdrucke, bekam aber dann ein sechs Jahre dauerndes Privileg für die Herausgabe von Musik. Insofern wurde die Zusammenarbeit mit ihm für Goudimel sehr bedeutsam. Der Komponist lebte ab 1557 bis etwa 1567 in Metz; dort schloss er sich nach den 1569 ausgebrochenen Unruhen der protestantischen Glaubensbewegung der Hugenotten an, welche die Stadt dann verließen. In seiner fruchtbarsten Periode zwischen 1551 und 1558 schrieb er die meisten seiner Psalmen, Chansons, Motetten und Messen. Gesichert ist sein Aufenthalt in Lyon im Mai 1572. Er hatte sein Gesamtwerk der mehrstimmigen Psalmen-Vertonung auf einen gewissen Stand gebracht, aber noch nicht abgeschlossen. In Lyon kam es im Zuge der Hugenottenverfolgung vom 28. bis 31. August 1572 zu dem als Bartholomäusnacht bekannten Ereignis, bei dem weit über 1000 Personen hugenottischen Glaubens ermordet wurden; auch Claude Goudimel verlor hier sein Leben. Der Lyoner Pfarrer Jean Rigaud stellte in seinem Diskurs die unvollendete motettische Bearbeitung der Genfer Psalmmelodien seitens Goudimel als Folge der Bartholomäusnacht dar.

Bedeutung.

Claude Goudimel war hoch gebildet und hatte nie ein öffentliches Amt. Er hat die Melodien des Genfer Psalters drei Mal mehrstimmig vertont. Die zuerst begonnene Vertonung (1551 bis 1566) besteht aus acht Büchern mit 67 groß angelegten drei- bis sechsstimmigen Motetten, welche die Texte in ganzer Länge bringen; die vorgegebenen Melodien sind infolge der freien Verarbeitung fragmentarisch auf die einzelnen Stimmen verteilt. Ergänzt werden die Psalm-Motetten durch das Zehn-Gebote-Lied und den Lobgesang des Simeon, die zum Genfer Psalter dazugehören. Diese Vertonung ist wegen des vorzeitigen Todes des Komponisten unvollendet geblieben (67 von 150 Psalmen). Die zweite Fassung von 1568 ist ebenfalls im motettischen Stil geschrieben; es wurde nur jeweils der 1. Psalmvers vertont. Die meist unveränderten Melodien des Genfer Psalters erscheinen hier meistens in der obersten Stimme, zum kleineren Teil im Tenor, und werden in aufgelockerter Satzweise durch Imitation und Vorimitation in den Nebenstimmen etwas knapper als bei der ersten Vertonung dargestellt ("contrapunctus floridus"). Eine vollständige Version dieser Fassung ist in einem Genfer Nachdruck von Pierre de Saint André von 1580 überliefert.  Die bekannteste Fassung der Psalmvertonungen Goudimels ist die dritte Version von 1564, die großenteils im einfachen Satz Note gegen Note geschrieben ist ("contrapunctus simplex"), mit der Melodie meist im Tenor, nur in 17 Fällen in der Oberstimme. Eine vollständige Ausfertigung ist in dem Genfer Nachdruck von 1565 überliefert, durch den Namen des Verlegers als „Jaqui-Psalter“ bekannt. Diese Version wurde zur Grundlage der bekannten deutschen Fassung mit der Übersetzung durch Ambrosius Lobwasser, „Psalter deß Königlichen Propheten Dauids“, Leipzig 1573. In dieser Form fand der Genfer Psalter, eigentlich nur für das häusliche Singen gedacht, Eingang in die lutherische Kirchenmusik und sogar in den calvinistischen Gottesdienst. Einer dieser Liedsätze befindet sich im heutigen Evangelischen Gesangbuch von 1994 unter Nr. 140.

Claude Goudimel (* um 1514 in Besançon; † um den 29. August 1572 in Lyon) war ein französischer Komponist der Renaissance.

Claude Goudimel (c. 1514 to 1520 – between 28 August and 31 August 1572) was a French composer, music editor and publisher, and music theorist of the High Renaissance.


Politik.

Maček wurde nach der Ermordung Stjepan Radićs im Jahre 1928 dessen Nachfolger als Vorsitzender der Kroatischen Bauernpartei. Er war ein energischer, wenn auch friedlicher, Gegner der Diktatur von Alexander I. von Jugoslawien. Als Befürworter der Unabhängigkeit Kroatiens wurde Maček mehrere Male verhaftet und auch zu Gefängnisstrafen verurteilt. Unter anderem war er 1933 im berüchtigten Gefängnis Glavnjača in Belgrad inhaftiert. Nach dem Tode Alexander I. 1934 wurde Maček begnadigt. Durch seine geschickten Verhandlungen mit Pavle Karađorđević, der anstelle des noch minderjährigen Königs Peter II. Regent des Landes war, gelang es Maček am 26. August 1939 mit Unterstützung Großbritanniens und Italiens im Sporazum weitgehende Autonomie für Kroatien als Banschaft Kroatien ("Banovina Hrvatska") innerhalb Jugoslawiens zu erreichen. Seine Partei trat danach in die jugoslawische Zentralregierung ein, und Maček selbst wurde stellvertretender Ministerpräsident Jugoslawiens. Im Vorfeld des Überfalls Nazideutschlands auf Jugoslawien im Frühjahr 1941 wurde Maček von deutscher Seite angeboten, nach der Besetzung des Landes durch die deutsche Wehrmacht einen unabhängigen kroatischen Staat unter seiner Führung zu gründen. Maček lehnte dieses Angebot jedoch ab und bot stattdessen an, sich als Vermittler um die Aufrechterhaltung des Friedens zwischen Jugoslawien und den Achsenmächten zu bemühen, was von deutscher Seite jedoch abgelehnt wurde. Während die übrigen Vertreter seiner Partei in der jugoslawischen Regierung nach der Besetzung Jugoslawiens durch die Truppen der Achsenmächte zusammen mit dieser ins Exil nach London gingen, trat Maček von seiner Position als stellvertretender Ministerpräsident zurück und kehrte nach Zagreb zurück.  Nach Mačeks Weigerung wurde die Macht in Kroatien von den Besatzungsmächten der Ustascha unter Ante Pavelić übertragen, die den Unabhängigen Staat Kroatien ausrief. Maček wurde unter polizeiliche Überwachung gestellt und der Kroatischen Bauernpartei wurde ebenso wie allen anderen politischen Organisationen mit Ausnahme der Ustascha selbst die weitere politische Aktivität untersagt. Nachdem sich bedeutende Teile der Partei nicht an dieses Verbot hielten und die Parole zu verbreiten suchten, dass der von der Ustascha regierte Unabhängige Staat Kroatien nur ein vorübergehendes Phänomen sei und nach dem Kriege mit Unterstützung Großbritanniens erneut die Kroatische Bauernpartei die Macht in einem demokratischen Kroatien übernehmen werde, wurde Maček zeitweise inhaftiert, und auch nach seiner Freilassung blieb er unter Hausarrest, jeglicher Kontakt zu seiner Partei wurde unterbunden. Maček hoffte weiterhin darauf, dass seine Partei nach dem Kriege mit Unterstützung der Westmächte auf demokratischem Wege wieder die Regierung würde übernehmen können. Eine Zusammenarbeit mit der Kommunistischen Partei unter Tito, der als Führer der Partisanenbewegung schließlich 1944 auch von den Westmächten als neuer jugoslawischer Regierungschef anerkannt wurde, lehnte Maček ab, da er diese als undemokratisch betrachtete. In Reaktion darauf verlangten die Kommunisten von denjenigen Mitgliedern der Kroatischen Bauernpartei, die sich den Partisanen angeschlossen hatte, dass sie sich ausdrücklich von Maček und den angeblich reaktionären "mačekovci" (Maček-Anhängern) distanzieren müssten.  Unmittelbar vor dem Einmarsch der Partisanen in Zagreb im Frühjahr 1945 verließ er das Land, nach dem ihm zuvor von Vertretern des abziehenden Ustascha-Regimes bedeutet worden war, dass man „für seine Sicherheit nicht garantieren“ könne. Er begab sich zunächst nach Paris und versuchte über das dort ansässige Oberkommando der Westalliierten Streitkräfte in Europa Kontakt zu den Regierungen der Westmächte aufzunehmen, um sie aufzufordern, sich für freie Wahlen im jetzt von Tito regierten Jugoslawien einzusetzen. Nachdem er damit keinen Erfolg hatte, wanderte er in die USA aus. Vladko Maček verstarb 1964 in Washington und wurde auf dem Mirogoj-Friedhof in Zagreb beigesetzt.

Vladko Maček (* 20. Juni 1879 in Jastrebarsko; † 15. Mai 1964 in Washington, D.C.) war ein jugoslawischer Politiker der Kroatischen Bauernpartei (HSS). Durch das Sporazum konnte er 1939 die Errichtung der teilautonomen Banschaft Kroatien innerhalb des Königreichs Jugoslawien aushandeln. In der jugoslawischen Regierung nach dem Staatsstreich im März 1941 war er lediglich für vier Tage stellvertretender Ministerpräsident.

Vladimir "Vladko" Maček (20 June 1879 – 15 May 1964) was a politician in the Kingdom of Yugoslavia. As a leader of the Croatian Peasant Party (HSS) following the 1928 assassination of Stjepan Radić, Maček had been a leading Croatian political figure until the Axis invasion of Yugoslavia in 1941. As a leader of the HSS, Maček played a key role in establishment of the Banovina of Croatia, an autonomous banovina in Yugoslavia in 1939.