Klassischer Streetpunk.

Klassischer Streetpunk ist älter als die spätere Oi!-Szene. So zählt Garry Bushell unter anderem Sham 69, Red London, Menace, Slaughter & The Dogs, UK Subs, The Lurkers, The Ruts und The Skids zu den Klassikern des "Prä-Oi!-Streetpunks". Aus einigen Bands des Streetpunk-Umfeldes wie The Exploited und GBH entwickelte sich ein Teil des späteren UK-Hardcores oder UK82.  Zu den wichtigeren Labels, die diesen Stil pflegten und am Leben erhielten, zählen unter anderem Cherry Red, Capt'n Oi, Get Back sowie in den 1980er Jahren No Future und Riot City.

Streetpunk-Revival.

Anfang der 1990er Jahre kam es zu einem Streetpunk-Revival, das sowohl von amerikanischen Gruppen wie The Casualties und The Unseen, als auch von europäischen Gruppen wie Oxymoron getragen wurde. Diese Bands orientierten sich am Sound britischer Bands der 1980er wie Blitz, The Partisans, The Violators, The Expelled, Abrasive Wheels, One Way System, GBH und Vice Squad. Eine große Rolle beim Streetpunk- und Oi!-Revival der 1990er Jahre kam zudem der britischen Band The Business zu.  Außerdem finden sich Streetpunk-Einflüsse bei Gruppen wie Rancid, Anti-Flag, U.S. Bombs, Street Dogs und anderen wieder. Bezeichnend für einige Bands dieser neueren Generation sind Einflüsse aus Hardcore und Ska. Mitunter wurde für Gruppen, die Streetpunk- und Oi!-Einflüsse mit Hardcore verschmolzen, auch der Begriff "Streetcore" geprägt. Einige Gruppen wie die Dropkick Murphys, The Real McKenzies und Swingin’ Utters kombinieren auch Streetpunk-Einflüsse mit Folk-Punk.

Streetpunk in Deutschland.

In Deutschland hatte der Streetpunk-Stil einigen hörbaren Einfluss auf die Herausbildung des Deutschpunks, vor allem deutlich bemerkbar bei Gruppen wie Daily Terror, Cotzbrocken und Hass, aber auch Slime, die z. B. das Oi!-beeinflusste Lied "ACAB" schrieben, und KFC, die in ihrem Song "Knülle im Politbüro" als eine der ersten deutschen Bands den Slogan "Oi! Oi! Oi!" benutzten. In den 1990ern bezogen sich deutsche Bands wie Oxymoron oder auch Pestpocken wieder auf die Streetpunk-Szene. Das Fanzine ZAP widmete der Streetpunkbewegung in den frühen 1990ern eine eigene Sonderausgabe, die mit zur Wiederauferstehung der Chaostage beitrug.

"Clockwork Punks".

Eine Besonderheit vieler Streetpunk-Gruppen ist eine spezielle Affinität zum Buch und vor allem Film "Uhrwerk Orange". Diese drückt sich nicht nur in Texten und Gestaltung von Releases, sondern oftmals auch darin aus, dass etliche Punks den Kleidungsstil der "Droogs" imitieren. Der Clockwork-Orange-Bezug ist vor allem in der Streetpunk-, Oi!- und Suedehead-Szene anzutreffen, jedoch nicht allein auf diese beschränkt.  Einige Clockwork-Punk-Bands sind u. a. The Adicts, Lower Class Brats, Major Accident und Snap-Her. Außerdem widmeten Die Toten Hosen ihr Album "Ein kleines bisschen Horrorschau" mit dem Hit "Hier kommt Alex" (später u. a. von den UK Subs gecovert) dem Theaterstück zu "A Clockwork Orange". Auch Electropunk-Bands wie Jäger 90 oder XPQ-21 treten im Clockwork-Orange-Outfit auf.

Streetpunk bezeichnet eine Subszene des Punkrocks, die in Großbritannien in den 1970er Jahren aufkam. Die Streetpunks oder "Realpunks" verabscheuten Poser und die extreme Vermarktung von Punk und seiner Mode und favorisierten eine Version von Punk, die von musikalischer Professionalität „unverdorben“ war. Die Streetpunkszene setzte sich von der parallel aufkommenden Anarcho-Punk-Szene ab und spiegelte die politischen Ansichten der Arbeiterjugend wider. „Straßen-Sozialismus“, „Stadionkameradschaft“ und „Mobchoräle“ verschmolzen zu etwas Neuem. Der musikalische Stil war melodisch und dennoch aggressiv, eingängig, aber energiegeladen.  Der Stil wurde als „von der Arbeiterklasse für die Arbeiterklasse“ vermarktet, auch wenn dies nicht immer der Wahrheit entsprach. Es entstand eine weltweite Streetpunk-Bewegung, deren Stimmen sich für die Arbeiterklasse und gegen Rassismus, staatliche Bürokratie und Repression aussprachen.  Während einige Szenevertreter wie Garry Bushell der Meinung sind, dass es keinen prinzipiellen Unterschied zwischen Streetpunk und Oi! gebe, sehen andere wie der amerikanische Fanziner und Labelmacher Felix von Havoc Oi! als überladenes Genre an und versuchen, diesen Begriff und die Bands, die sich ihm zugehörig fühlen, zu meiden.

Street punk (sometimes alternatively spelled streetpunk) is an urban working class-based subgenre of hardcore punk, partly as a rebellion against the perceived artistic pretensions of the first wave of British punk. Street punk emerged from the style of early Oi! bands such as Sham 69 and Cockney Rejects, and the Oi! bands that followed them such as Blitz, The Business and Angelic Upstarts. A key band in defining the aesthetic was The Exploited. However, street punk continued beyond the confines of the original Oi! form with bands such as GBH, Chaos UK, Discharge, The Anti-Nowhere League and Oxymoron. Street punks generally have a much more ostentatious and flamboyant appearance than the working class or skinhead image cultivated by many Oi! groups. Street punks commonly sported multi-coloured hair, mohawks, tattoos, heavily studded vests and leather jackets, and clothing, especially plaids, adorned with political slogans, patches, and/or the names of punk bands.  In the 1990s and 2000s, a street punk revival began with emerging street punk bands such as The Casualties, The Virus, Cheap Sex, Lower Class Brats and The Unseen. The Casualties achieved underground success in the 2000s.


Leben.

Wilhelm Miklas, Sohn eines Postbeamten, studierte an der Universität Wien Geschichte und Geographie. Er war Mitglied der KÖStV Austria Wien, damals im CV, jetzt im ÖCV und der heutigen MKV-Verbindung Waldmark Horn. Von 1905 bis 1922 war er Direktor am Gymnasium Horn.  1907 begann seine politische Karriere als Abgeordneter der Christlichsozialen Partei im Reichsrat. 1911 wiedergewählt, war er als Abgeordneter ab Oktober 1918 Mitglied der Provisorischen Nationalversammlung für Deutschösterreich und wurde im Februar 1919 in die Konstituierende Nationalversammlung für Deutschösterreich gewählt. Das Parlament wählte ihn in seinen Leitungsausschuss, den bis März 1919 bestehenden Staatsrat. Im März 1919 wurde Miklas Unterstaatssekretär für Kultus in der Staatsregierung Renner II. Er gehörte bis 20. November 1920 auch den beiden folgenden Regierungen Renner III und Mayr I an.  Als das Parlament am 12. November 1918 die Republik und den Anschluss an das Deutsche Reich beschloss, sprach sich Miklas gegen diesen Anschluss aus.  1923 bis 1928 war Miklas Präsident des Nationalrates. Von der Bundesversammlung wurde er als Nachfolger von Michael Hainisch am 10. Dezember 1928 zum Bundespräsidenten Österreichs gewählt und am 9. Oktober 1931 von der Bundesversammlung wiedergewählt, obwohl die Verfassungsnovelle 1929 die Volkswahl vorschrieb. Mit dieser Novelle wurde weiters die Amtsperiode des Bundespräsidenten auf sechs Jahre verlängert.  In der Krise um die sogenannte „Selbstausschaltung des Parlaments“ im März 1933 unterließ es Miklas, von der Bundesregierung Dollfuß I den nötigen Vorschlag zur Auflösung des Nationalrates und zu Neuwahlen einzufordern bzw. die diesbezüglich untätige Regierung durch eine verfassungstreue zu ersetzen, was ihm nach der Verfassung jederzeit möglich gewesen wäre. Miklas wurde in einer ihm am 20. September 1933 von Karl Seitz, Karl Renner und anderen Sozialdemokraten übergebenen "Volksadresse" (Petition), nach Aussagen der Einreicher von mehr als einer Million Bürgern unterstützt, aufgefordert, den Nationalrat wieder einzuberufen, tat dies aber nicht und setzte den verfassungswidrigen Aktionen der Regierung auch sonst nichts entgegen. Ebenso unterließ er es, von der Regierung die nötigen Vorschläge zur Besetzung vakanter Richterposten im Verfassungsgerichtshof zu verlangen, und war damit hauptverantwortlich für die Lahmlegung dieses Höchstgerichts.  Durch seine Passivität – er ließ sämtliche ihm von der Verfassung gegebenen Rechte, für eine verfassungstreue Regierung zu sorgen, ungenützt – ermöglichte es Miklas Engelbert Dollfuß, den austrofaschistischen Ständestaat zu errichten, der die Position des Bundespräsidenten unangetastet ließ. Felix Czeike bezeichnete Miklas’ Passivität als "Versagen in der Staatskrise", merkte aber auch an, er sei "dem Ständestaat mit zunehmender Ablehnung" gegenübergestanden.  In postum entdeckten privaten Notizen äußerte sich Miklas kritisch zur Politik von Dollfuß und dessen Nachfolger Kurt Schuschnigg. Insbesondere kritisierte er dort die Wiedereinführung der Todesstrafe. Während öffentliche Kritik der Regierungspolitik ausblieb, notierte Miklas in seinem privaten Tagebuch:  1934 scheiterte ein Versuch österreichischer Nationalsozialisten, Miklas im Rahmen des Juliputsches festzunehmen. Die Amtsräume des Bundespräsidenten befanden sich damals im von den Putschisten überfallenen Bundeskanzleramt; Miklas hielt sich aber zur Zeit des Putsches in Velden in Kärnten auf und konnte dort nicht, wie geplant, von einer Gruppe der Putschisten "neutralisiert" werden.  In seiner zweiten Amtsperiode ernannte er nach dem Rücktritt Schuschniggs am Abend des 11. März 1938 auf Druck des NS-Regimes Arthur Seyß-Inquart zum Bundeskanzler. Von Miklas befragte Christlichsoziale hatten abgelehnt, das Amt zu übernehmen. Das Bundeskanzleramt auf dem Ballhausplatz, in dem auch der Bundespräsident amtierte, wurde „zum Schutz Miklas’“ von SS-Truppen umstellt. Als Seyß-Inquart das "Anschlussgesetz" zur Unterzeichnung vorlegte, entging Miklas der Unterzeichnung dadurch, dass er am 13. März 1938 seine Amtsgeschäfte niederlegte. Seine Funktionen als Staatsoberhaupt gingen damit auf den Bundeskanzler über, der das am gleichen Tag in Kraft tretende Gesetz unterzeichnete.  Die Frage, warum Miklas, der den Verfassungsbruch klar erkannte, nichts gegen Dollfuß, Schuschnigg und Seyß-Inquart unternahm, wurde in der zeitgeschichtlichen Literatur erörtert. Als Begründung wird angeführt, Miklas habe um seine vielköpfige Familie und deren Unterhalt gebangt und sich deshalb nicht getraut, seine Person und seine Funktion zu gefährden. Dieses Argument wurde schon am 11. März 1938 von Generalfeldmarschall Hermann Göring verwendet; in einem Telefonat mit dem deutschen Militärattaché in Wien, Wolfgang Muff, sagte er laut Mitschrift: "„Na gut, bei 14 Kindern muß man vielleicht sitzen bleiben.“"  Es ist bemerkenswert, dass die spätere Kritik der Sozialdemokraten sich weitestgehend auf die handelnden Politiker des Austrofaschismus konzentrierte und die entscheidenden Unterlassungen Miklas’ fast aussparte.  Die Zeit des Zweiten Weltkriegs verbrachte Miklas in seinem heute noch bestehenden Haus in Wien 3., Hainburger Straße 15 (nahe der heutigen U-Bahn-Station Rochusgasse) und seinem Sommerhaus am Wörthersee. Er bezog seine Bundespräsidentenpension und wurde auf Hitlers Weisung vom NS-Regime – im Unterschied zu anderen prominenten Exponenten des Ständestaates – nicht verfolgt. Nach 1945 übte Miklas keine politischen Funktionen mehr aus, obwohl er vorübergehend erneut als Kandidat für das Amt des Bundespräsidenten im Gespräch war, wogegen er sich jedoch sträubte. Im Jänner 1948 wurde Miklas für den Wilhelmstraßen-Prozess gegen Ernst von Weizsäcker et al. (Fall 11) vernommen. Das Tribunal reiste dazu eigens nach Wien. Nach seinem Tod wurde er am 24. März 1956 im Familiengrab auf dem Döblinger Friedhof beigesetzt.

Wilhelm Miklas (* 15. Oktober 1872 in Krems an der Donau, Niederösterreich; † 20. März 1956 in Wien) war ein österreichischer Politiker (CS). Von 1928 bis Mai 1934 war er Bundespräsident der Republik Österreich und anschließend bis 13. März 1938 Bundespräsident des diktatorisch regierten "Bundesstaats Österreich".

Wilhelm Miklas (15 October 187220 March 1956) was an Austrian politician who served as President of Austria from 1928 until the "Anschluss" to Nazi Germany in 1938.


Geschichte.

Die Band wurde im Januar 1980 von Bassist Nikki Sixx gegründet, nachdem sich dieser von der Band London getrennt hatte. Sixx fragte seinen ehemaligen Bandkollegen Greg Leon, ob dieser nicht noch ein paar Musiker kenne, die mit ihm eine Band gründen wollten. Leon empfahl ihm den Schlagzeuger Tommy Lee, damals Mitglied der Band "Suite 19". Sixx und Lee suchten nun nach weiteren Musikern, durch eine Anzeige in einem Musikmagazin trafen sie den Gitarristen Mick Mars.  Da die Band noch immer ohne Namen war, schlug Sixx den Namen Xmass vor, was jedoch von den anderen Bandmitgliedern schnell abgelehnt wurde. Mick Mars erinnerte sich an den Kommentar eines Bassisten einer seiner alten Bands, der die Bandmitglieder als „bunten Haufen“ (engl.: "motley crew") bezeichnete – daher entschied die Band, sich Mottley Krew zu nennen, was später in Mötley Crüe geändert wurde. Die Umlautzeichen wurden in Anlehnung an die Biermarke Löwenbräu gewählt, die nach Aussage der Bandmitglieder ihr Lieblingsbier war. Einzig ein Sänger fehlte noch. Dieser wurde durch Zufall gefunden, eigentlich wollte die Band den Gitarristen der Band Rock Candy überreden, in die Band zu kommen. Mick Mars konnte sich jedoch mit seiner Meinung durchsetzen, dass ein Gitarrist reiche, und stattdessen wurde Vince Neil nach einem Konzert von Rockandi als Sänger abgeworben.  Rockandi war von James Alverson (Gitarre) gegründet worden, neben Vince Neil gehörten noch der Schlagzeuger Robert Stokes und der Bassist Joe Marks zur Gruppe. Die eigenwillige Schreibweise des Bandnamens war dabei bewusst gewählt.  Am 19. November 2019 kündigten Mötley Crüe eine Reunion an. In einem Video auf Ihrer Homepage zerstörten sie den Vertrag, der festgelegt hatte, dass kein Gruppenmitglied je wieder als Mötley Crüe auftreten darf. "Mötley Crüe is Back".

1980er Jahre.

Mötley Crüe nahmen im November 1981 das Debütalbum "Too Fast for Love" auf. Das Album wurde von der Band selbst produziert und auf dem bandeigenen Label "Leathür Records" veröffentlicht. Der Erfolg des Albums in der Los-Angeles-Club-Szene verhalf der Band Anfang 1982 zu einem Plattenvertrag mit Elektra Records. Das Album wurde remastert und am 20. August 1982 erneut veröffentlicht.  Mötley Crüe wurden schnell zu einer der populärsten Bands des Landes – berühmt sowohl für ihre Musik als auch für ihren massiven Drogenkonsum. Die Mischung aus Heavy-Metal- und Glam-Rock-Einflüssen bescherte der Band in den 1980ern einige sehr erfolgreiche Alben. Zu diesen gehörten "Shout at the Devil" (1983), "Theatre of Pain" (1985) und "Girls, Girls, Girls" (1987). Die Songs handelten von ihrer Liebe zu Motorrädern, Whiskey und Strip Clubs und erzählten von den stetigen Eskapaden mit Drogen und Sexorgien.  Im August 1989 spielten sie beim Moscow Music Peace Festival neben Bands wie Bon Jovi, Ozzy Osbourne, Scorpions, Skid Row und Cinderella.  Die Band erreichte den Höhepunkt ihrer Karriere mit dem Erscheinen des fünften Albums "Dr. Feelgood" am 23. September 1989. Das Album stieg am 14. Oktober desselben Jahres auf den ersten Platz der Billboard Charts und verblieb in diesen für 109 Wochen.

1990er Jahre.

In den 1990ern war Mötley Crüe eher für die Ehefrauen von drei Bandmitgliedern als für ihre Musik berühmt. Sowohl Lee als auch Sixx heirateten ehemalige "Playboy"-Playmates und Darstellerinnen der Fernsehserie "Baywatch – Die Rettungsschwimmer von Malibu". Lee heiratete Pamela Anderson und Sixx Donna D’Errico. Sänger Neil heiratete das Playmate Heidi Mark. Von diesen Ehen hatte jedoch keine dauerhaften Bestand.  Vince Neil musste die Band im Februar 1992 nach internen Streitigkeiten verlassen. Er begann eine anfangs erfolgreiche Solo-Karriere. Nachdem Nikki Sixx in einem Interview mit dem Magazin "Spin" die Frage nach seinen aktuellen musikalischen Favoriten damit beantwortet hatte, dass er von The Scream begeistert sei, rief deren Sänger John Corabi am 14. Februar 1992 das Mötley Crüe-Management an, um sich zu bedanken. Kurz nachdem er das Gespräch beendet hatte, teilte ihm Nikki Sixx per Anruf mit, dass Vince Neil die Band verlassen habe und die Crüe nach einem neuen Sänger suche. Er nahm Sixx’ Einladung an, spielte am 17. und 18. Februar 1992 vor, und bekam den Job als Sänger von Mötley Crüe.  2013 behauptete Sebastian Bach, Mötley Crüe hätten ihn zu dieser Zeit gefragt, ob er diesen ersetzen wolle. Nikki Sixx reagierte sauer und bezichtigte Bach der Lüge. Daraufhin postete Bach auf seiner Facebook-Seite ein Interview, in dem Nikki Sixx 1994 selbst darüber berichtet, zuerst Bach, dann Steve Perry von Journey, und zuletzt John Corabi gefragt zu haben. Corabi wurde im September 1992 als neuer Sänger der Gruppe vorgestellt, hatte jedoch schon zahlreiche Songs für das nächste Crüe-Album (Arbeitstitel: "Til Death Do Us Part") mit der Band geschrieben. Das 1994 erschienene Album, das schlicht "Mötley Crüe" hieß und von Bob Rock produziert worden war, war jedoch kommerziell nicht erfolgreich, vor allem wohl deshalb, weil die Fans der Band den Wechsel des Band-Sounds weg vom Glam und hin zu härteren, zeitgemäßen Klängen nicht abnahmen. Das Album stieg zwar am 2. April 1994 auf Platz 7 der Billboard 200 ein, landete aber nach zehn Wochen bereits auf Platz 194 und verschwand dann ganz aus den Charts.  Während der Arbeiten an dem Album "Generation Swine" 1997 insistierte das Plattenlabel, dass Vince Neil aus kommerziellen Gründen zur Band zurückkehren solle. Dieser nahm, auch weil seine eigene Karriere mittlerweile im Sande verlief, das Angebot an, was das Aus von John Corabi bei Mötley Crüe bedeutete. Die Titel "Flush" und "Let Us Prey" auf "Generation Swine" sind noch unter Mitwirkung von Corabi entstanden.  Tommy Lee war mit dieser Entwicklung nicht einverstanden, da er eine musikalische Rückwärtsorientierung wahrnahm, nahm mit der Gruppe 1998 aber noch die beiden neuen Titel für das Best of-Album "Greatest Hits" ("Bitter Pill" und "Enslaved") auf. Er spielte auch auf der anschließenden Tournee mit der Band, verkündete danach jedoch seinen Ausstieg aus der Band.

2000 bis 2015.

Er wurde durch Randy Castillo ersetzt, der vormals das Schlagzeug in der Band von Ozzy Osbourne gespielt hatte. Mit ihm nahm die Gruppe das Album "New Tattoo" auf, das im Jahr 2000 veröffentlicht wurde. Vor der zugehörigen Tournee erkrankte Castillo an Krebs. Für die Tournee wurde er durch Samantha Maloney, Schlagzeugerin der Band Hole, ersetzt. Castillo starb am 26. März 2002.  2001 erschien ihre Autobiografie "The Dirt", die in der Regie von Jeff Tremaine verfilmt wurde und im März 2019 erstmals auf Netflix ausgestrahlt wurde. 2004 erwies der Spielwaren-Hersteller McFarlane Toys der Band seine Reverenz, als er Miniatur-Skulpturen aller vier Musiker im Outfit der "Shout at the Devil Tour" veröffentlichte.  In den letzten Jahren spielte Sixx in den Bands 58 (ursprünglicher Projektname 1958 nach Nikkis Geburtsjahr) und Brides of Destruction, Lee in Methods of Mayhem und als Solokünstler, und Neil tourte jährlich als Solokünstler, wobei er hauptsächlich Mötley-Crüe-Lieder sang. Mars litt an schweren Rückenproblemen durch seine Krankheit Spondylitis ankylosans, die im Alter von 20 Jahren bei ihm diagnostiziert worden war.  Im September 2004 verkündete Sixx, dass er und Neil neue Lieder aufnehmen würden. 2004 wurde eine Tour in Originalbesetzung geplant, die am 14. Februar in San Juan starten sollte. Das dazugehörige Album zu der Tour erschien im Februar 2005 und heißt "Red, White, & Crüe", auf dem drei neue Lieder (darunter ein The-Rolling-Stones-Cover) sowie die Lieblingslieder der Bandmitglieder zu hören sind.  Im Zuge dieser Veröffentlichung kam es wie geplant zur großen Reuniontour, welche die Crüe im Sommer 2005 auch zum ersten Mal seit 1991 (damals noch im Zuge der "Monsters-of-Rock"-Tournee mit AC/DC, Metallica, Queensrÿche und Black Crowes) wieder nach Deutschland führte. Beim Rock am Ring und Rock im Park fanden diese Konzerte statt.  Im Januar 2006 wurde die Live-DVD "Carnival of Sins" veröffentlicht. Fast zeitgleich verkündete Nikki Sixx, dass bereits an einem neuen Mötley Crüe Album gearbeitet wird.  Am 25. Januar 2006, kurz vor dem dritten Teil ihrer "Carnival-of-sins-Reunion-Tour", erhielten Mötley Crüe 25 Jahre nach der offiziellen Gründung der Band einen Stern auf dem Walk of Fame in Hollywood.  Nachdem das letzte Live-Album "Entertainment or Death" (1999) noch eine Sammlung von Live-Aufnahmen aus verschiedenen Konzerten und Zeitabschnitten war, veröffentlichten Mötley Crüe im Mai 2006 auch in Deutschland (nachdem es bereits Anfang des Jahres in Amerika veröffentlicht wurde) das Album "Carnival of Sins – live". Hierbei handelt es sich um einen kompletten Konzertmitschnitt, welcher mit der DVD-Version identisch ist. Ebenfalls im Mai erscheint eine Hörbuch-Version von "The Dirt", die von Ralf Richter gelesen wird, aber dem Umfang des Buches keinesfalls gerecht wird, weil nur Ausschnitte aus einzelnen Kapiteln vorgetragen werden.  Im April 2008 erschien das Lied "Saints of Los Angeles" bei AOL Music. Das gleichnamige Album wurde Mitte Juli 2008 veröffentlicht.  Im Sommer 2009 besuchte die Crüe nach etlichen Jahren im Zuge der „Saints of Los Angeles European Tour“ wieder Deutschland und spielte dabei in München, Stuttgart, Berlin und Köln. Vorbands waren Duff McKagan's Loaded und Backyard Babies.  2013 gab Sänger Vince Neil bekannt, dass sich die Band 2015, nach einer Abschiedstour, auflösen wolle. Er sagte zwar, dass er nicht kategorisch ausschließe, jemals neue Projekte mit seinen Kollegen zu machen, doch dies werde frühestens in zehn Jahren zu erwarten sein. Eine Hinauszögerung der Abschiedstour schloss Neil jedoch aus. Er, und später auch Tommy Lee, nannten Mick Mars’ Gesundheit als Grund für die Auflösung. Dieser bestritt dies aber. Des Weiteren wolle man die Band auf ihrem Zenit beenden.  Nach der angekündigten Abschiedstour mit Alice Cooper im Vorprogramm löste sich die Band am 31. Dezember 2015 nach drei Konzerten im Staples Center in Los Angeles auf. Das letzte der Konzerte wurde für Veröffentlichungen aufgezeichnet.

2017.

Mötley Crüe sollten bei der Amtseinführung Donald Trumps am 20. Januar 2017 auftreten, nachdem sich keine renommierten Künstler dazu bereit gefunden hatten. Sie wurden jedoch wieder ausgeladen.

2019.

Am 18. November 2019 gab Mötley Crüe ihre Wiedervereinigung bekannt. Dies geschah in einem Statement, welches die Band auf ihren öffentlichen Kanälen in Form von einem Video veröffentlichte.  Das Statement wird von dem Rapper Machine Gun Kelly gesprochen.  "2014 haben Mötley Crüe ihre finale Konzertreihe angekündigt und damit einen Schlussstrich unter fast 35 Jahre auf Tour gesetzt. Um es offiziell zu machen haben sie einen beispiellosen Vertrag unterzeichnet. Im letzten Jahr wurden Mötley Crüe beliebter als jemals zuvor und gewannen eine ganz neue Legion an Fans, die zusammen mit den eingefleischten Crüeheads forderten, dass die Band diesen dummen Vertrag zerreißt und aus dem Ruhestand zurückkehrt."  "Sie wussten, wenn sie jemals wieder zusammen auf der Bühne stehen sollten, würde dieser Vertrag zerstört werden müssen. Nun: Zerstörung war noch nie ein Problem für Mötley Crüe."  Die Band kündigte weiterhin an, mit der Band Poison und Def Leppard 2020 auf Stadiontournee durch die USA gehen zu wollen. Ebenfalls 2019 wurde die Filmbiographie "The Dirt – Sie wollten Sex, Drugs & Rock’n’Roll" veröffentlicht.

Diskografie.

Studioalben

Mötley Crüe [] (Verballhornung von „zusammengewürfelter Haufen“ bzw. „kunterbunter Haufen“) ist eine US-amerikanische Glam-Metal-Band, die 1980 in Los Angeles gegründet wurde. Die Band besteht aus den Musikern Nikki Sixx, Mick Mars, Tommy Lee und Vince Neil. Sowohl Sänger Neil als auch Schlagzeuger Lee waren in den 1990er Jahren zeitweise durch andere Musiker ersetzt worden. Trotz vieler rechtlicher Streitigkeiten und privater Probleme bestand die Band bis 2015 in ihrer Originalbesetzung. Ende 2018 reformierte sich die Band für die Veröffentlichung des Soundtracks für den die Biographie der Band behandelnden Film "The Dirt", der am 18. März 2019 in Hollywood Premiere feierte und in Deutschland seit dem 22. März 2019 beim Streamingdienst Netflix zu sehen ist.  Mötley Crüe sind einer der bekanntesten Benutzer des Heavy-Metal-Umlauts und Vorreiter einer Musikrichtung, die viele andere Bands hervorbrachte. Bis heute haben sie weltweit etwa 100 Millionen Alben verkauft.

Mötley Crüe is an American heavy metal band formed in Los Angeles in 1981. The group was founded by bassist Nikki Sixx, drummer Tommy Lee, lead guitarist Mick Mars and lead singer Vince Neil. Mötley Crüe has sold over 100 million albums worldwide. They have also achieved seven platinum or multi-platinum certifications, nine Top 10 albums on the "Billboard" 200 chart (including 1989's "Dr. Feelgood", which is Mötley Crüe's only album to reach number one), twenty-two Top 40 mainstream rock hits, and six Top 20 pop singles. The band experienced several short-term lineup changes in the 1990s and 2000s; these included the introduction of vocalist John Corabi (who was Neil's replacement from 1992 to 1996) and drummers Randy Castillo and Samantha Maloney, both of whom filled in for Lee during his absence from the band from 1999 to 2004.  The members of Mötley Crüe have often been noted for their hedonistic lifestyles and the androgynous personae they maintained. Following the hard rock and heavy metal origins on the band's first two albums, "Too Fast for Love" (1981) and "Shout at the Devil" (1983), the release of its third album "Theatre of Pain" (1985) saw Mötley Crüe joining the first wave of glam metal. The band has also been known for their elaborate live performances, which features flame thrower guitars, roller coaster drum kits, and heavy use of pyrotechnics. Mötley Crüe's most recent studio album, "Saints of Los Angeles", was released on June 24, 2008. What was planned to be the band's final show took place on New Year's Eve, December 31, 2015. The concert was filmed for a theatrical and Blu-ray release in 2016.  After two-and-a-half years of inactivity, Neil announced in September 2018 that Mötley Crüe had reunited and was working on new material. On March 22, 2019, the band released four new songs on the soundtrack for its Netflix biopic "The Dirt", based on the band's "New York Times" best-selling autobiography. The soundtrack went to Number 1 on the iTunes All Genres Album Chart, Number 3 on "Billboard" Top Album and Digital Album sales chart, Number 10 on Billboard Top 200, and Top 10 worldwide. The autobiography returned to "New York Times" Best Seller list at number 6 on Nonfiction Print and number 8 on Nonfiction Combined Print & E-Book.


Leben.

Georgi Wassiljewitsch Florowski wurde in Odessa als viertes Kind einer orthodoxen Priesterfamilie geboren. In einem gebildeten Milieu lernte er schon als Schüler Englisch, Deutsch, Französisch, Latein, Griechisch und Hebräisch. Mit 18 Jahren studierte er Philosophie und Geschichte. Nach einem ersten Abschluss unterrichtete er drei Jahre an Schulen in Odessa und machte dann seinen Abschluss einschließlich der licensia docendi an allen Universitäten im russischen Reich. 1919 begann er an der Universität von Odessa zu lehren, doch 1920 war die Familie gezwungen, Russland zu verlassen. Florowski war sich von Anfang an darüber im Klaren, dass es für ihn keine Rückkehr gab, da die Geschichte und Philosophie, die er lehrte, vom Marxismus nicht akzeptiert werden würde.  Florowski hatte in den Zwanzigerjahren eine enge persönliche und berufliche Freundschaft mit Nikolai Alexandrowitsch Berdjajew. Diese wurde in späteren Jahren etwas distanzierter, unter anderem durch Florowskis Priesterweihe, für die Berdjajew kein Verständnis hatte und durch Florowskis "Wege der russischen Theologie", das Berdjajews Religionsphilosophie kritisch gegenüberstand.  1925 wurde Florowski als Professor für Patristik an das Institut de Théologie Orthodoxe Saint-Serge nach Paris berufen. Auf dem Gebiet der Patristik fand er seine eigentliche Berufung und die Patristik wurde für ihn auch der Maßstab für die Orthodoxe Theologie und die Auslegung der Schrift, ebenso wie die Quelle für viele seiner Beiträge und Kritiken zur Ökumenischen Bewegung. Für den Rest seines Lebens sollte Florowski an theologischen Hochschulen lehren, obwohl er selbst keinen akademischen Abschluss in Theologie hatte (später kamen allerdings diverse Ehrendoktorate und andere Auszeichnungen dazu).  1932 ließ Florowski sich zum Priester der orthodoxen Kirche weihen. In den 1930er Jahren unternahm er ausgedehnte Forschungen in europäischen Bibliotheken und verfasste seine wichtigsten Werke auf dem Gebiet der Patristik und sein Magnum Opus, "Der Weg der russischen Theologie" in dem er unter anderem die westlichen Einflüsse von Scholastik, Pietismus und Idealismus auf die russische Theologie hinterfragte und dazu aufrief, die russische Theologie im Licht der Patristik neu zu evaluieren. Das Werk wurde von den russischen Emigranten teils in den Himmel gelobt und teils verdammt – eine neutrale Einstellung gab es nicht. Abgelehnt wurde das Werk unter anderem von Sergei Nikolajewitsch Bulgakow, dem Leiter des St. Sergius Institutes und Vertreter der russischen theologischen Tradition des 19. Jahrhunderts aber ebenso von Nikolai Alexandrowitsch Berdjajew, dem Vertreter der religiösen Renaissance des 20. Jahrhunderts.  1937 nahm Florowski an der zweiten Konferenz für Glaube und Kirchenverfassung in Edinburgh teil. Dabei vertrat er energisch die Position, dass es wichtig und notwendig sei, die tatsächlichen Unterschiede zwischen Christen offenzulegen und auch anscheinend unmöglich zu vereinende Gedankenpositionen auszusprechen – auf eine andere Weise sei ein echter ökumenischer Dialog nicht möglich. Als sich die Lutheraner und Presbyterianer mündlich bezüglich einen Kompromiss bezüglich der Formulierung der Gnadenlehre suchten, wies Florowski sie darauf hin, dass das keine wirkliche Einheit der Lehre sein könne, solange Lutheraner und Calvinisten zwei verschiedene Kirchen seien.  Ein Ergebnis der Edinburgh-Konferenz war der Plan, einen Weltkirchenrat zu gründen. Florowski gehörte zu den vierzehn Personen, die ernannt wurden, um eine Verfassung für diese Körperschaft zu erarbeiten. Damit hatte er eine Spitzenposition in der weltweiten Ökumene erreicht, in der er für den Rest seines Lebens Jahre unermüdlich arbeiten würde, um eine essentielle christliche Einheit zu erreichen.  Den Zweiten Weltkrieg verbrachte Florowski in der Schweiz und in Belgrad, nach dem Krieg nahm er seine Lehrtätigkeit in Paris wieder auf, verbunden mit vielen Reisen und Vorträgen über ökumenische Fragen. Auch seine schriftlichen Werke dieser Zeit reflektieren sein ökumenisches Engagement: in vielen Essays präsentierte er die orthodoxe Lehre der Kirche einem ökumenischen Publikum.  Bei der Eröffnungskonferenz des Ökumenischen Rats der Kirchen 1949 in Amsterdam war Florowski der theologische Sprecher für die Orthodoxen Kirchen und hielt eine Ansprache über "Ökumenische Ziele und Zweifel". 1965 wurde er in die American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Veröffentlichungen (Auswahl).

Florowski publizierte auf Russisch, Französisch und Englisch. Kurz vor seinem Tod erschienen seine gesammelten Werke auf Englisch in vierzehn Bänden. Thematisch widmete er sich der orthodoxe Kirchen- und Theologiegeschichte, Kirchenväter sowie der Ökumene.

Georgi Wassiljewitsch Florowski, auch "Georges Florovsky" und "Georgij Florovskij", (; * in Odessa; † 11. August 1979 in Princeton (New Jersey), Vereinigte Staaten) war einer der herausragendsten orthodoxen Theologen des 20. Jahrhunderts, der sich auch sehr in der Ökumene engagierte.

Georges Vasilievich Florovsky (Russian: Гео́ргий Васи́льевич Флоро́вский; September 9 [O.S. August 28], 1893 – August 11, 1979) was an Orthodox Christian priest, theologian, historian and ecumenist. Born in Odessa, in the Russian Empire, he spent his working life in Paris (1920–1949) and New York (1949–1979). With Sergei Bulgakov, Vladimir Lossky, Justin Popović and Dumitru Stăniloae he was one of the more influential Orthodox Christian theologians of the mid-20th century. He was particularly concerned that modern Christian theology might receive inspiration from the lively intellectual debates of the patristic traditions of the undivided Church rather than from later Scholastic or Reformation categories of thought.


Einordnung in die Genres der Fotografie.

Die Modefotografie hatte immer mit dem Image der Auftragskreativität zu kämpfen, deren Aufgabe rein kommerzieller Natur sei. Die Modefotografie sei das "fuck"-Wort in der Kunst, kommentierte Richard Avedon im Jahre 1970, sie sei dreckig, verpönt, eben keine richtige Kunst. Auch Kritikern, Kuratoren und Direktoren der Museen galt sie bisweilen frivol, dekadent, selbstverliebt bis eitel, oberflächlich, flüchtig, kommerziell. Der Makel kaum mehr sein zu können, als ein fotografisches Plakat, dass primär zum Kauf animieren soll, machte es ihr in der akademischen Kunstwelt nicht leicht sich als Kunstform zu etablieren. Den Anspruch der Echtheit jedenfalls hat das Genre nie vertreten, sondern sie war und ist oft perfekt inszenierte Werbefotografie des Schönen.

Geschichte.

19. Jahrhundert.

Die Vorläufer der ersten Modefotografien stammen aus dem Jahr 1856. Adolphe Braun veröffentlichte ein Buch mit 288 Fotografien von Virginia Oldoini, Comtesse de Castiglione, einer toskanischen Edeldame am Hof Napoleon III. Die Comtesse führte auf diesen Bildern ihre Garderobe vor und wurde so das erste Fotomodell der Geschichte.  Auch die Bilder von Clementina Hawarden können als frühe Zeugnisse der Modefotografie gelten. In ihrem eleganten Haus in London errichtete sie ein photographisches Studio, in welchem die charakteristischen Porträts ihrer Töchter entstanden. Die Arrangements und Kompositionen ihrer Models, der viktorianischen Kleidung und Einrichtungsgegenstände waren der Zeit weit voraus.  1892 erschien die erste reproduzierte Modefotografie in der französischen Publikation "La Mode Pratique".

20. Jahrhundert.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erschienen Modefotografien in Zeitschriften wie "Harper’s Bazaar" oder "Les Modes". Zur gleichen Zeit etablierten sich eigene Fotostudios für Modefotografie in den europäischen Hauptstädten wie die Ateliers „Reutlinger“, „Talbot“ (Paris), „Willinger“ oder „Binder“ (Berlin). Im Jahr 1909 übernahm Condé Nast das Magazin "Vogue" und Baron Adolphe de Meyer entwickelte neue Inszenierungen der Bilder in denen die Eigenständigkeit der Modefotografie wurzelt. Meyer bildete die Fotomodelle in natürlicher Umgebung und natürlichen Posen ab. Die Modezeitschrift Vogue und ihre stärkste Konkurrenz, Harper’s Bazaar, führten die Modefotografie in den 1920er und 1930er Jahren zu einer angesehenen Kunstform. Wichtige Protagonisten in dieser Zeit waren Edward Steichen, George Hoyningen-Huene, Horst P. Horst, Dora Maars oder Cecil Beaton. Auch surrealistische Fotokünstler wie Man Ray oder Lee Miller arbeiteten für dieses Genre. In Berlin etablierte Yva erfolgreich ihr Studio, in dem Helmut Newton ausgebildet wurde.  Der Zweite Weltkrieg bedeutete für die Modefotografie eine wichtige Zäsur. Der Schwerpunkt der Arbeit der Modefotografen verlagerte sich von Europa in die USA. Dort konkurrierten die beiden großen Magazine "Vogue" und "Harper’s Bazaar" um den Markt. Ihre Hausfotografen allen voran Louise Dahl-Wolfe, aber auch Irving Penn, Martin Munkácsi und Richard Avedon, sollten den „Look“ der Modefotografie für die nächsten Jahrzehnte entscheidend prägen. Die Modefotografie löste sich aus ihren starren Positionen und entwickelte eine freiere Bildsprache. Der Fotograf Martin Munkácsi lichtete 1936 als erster Models am Strand in sportlichen Posen ab, Louise Dahl-Wolfe arbeitete für ihre Modeaufnahmen vor allem mit natürlichem Licht und beeinflusste mit ihrem Stil ihre jüngeren Kollegen.  Unter der künstlerischen Leitung von Alexey Brodovitch setzte gerade "Harper’s Bazaar" diese neue Bildauffassung in ihrem Magazin durch. Richard Avedon war der wichtigste Mitarbeiter in den 1950er Jahren. Im deutschsprachigen Raum entwickelten sich in den fünfziger und sechziger Jahren beispielsweise Regina Relang, Walter E. Lautenbacher, F. C. Gundlach und Willy Maywald zu Größen der Modefotografie.  In den 1960er Jahren revolutionierten Fotografen David Bailey oder Bob Richardson, der Vater von Terry Richardson die Modefotografie. Neue Models wie Twiggy oder Jean Shrimpton standen für einen Generationswechsel und für einen verjüngten, dynamischeren Stil.  In den 1970er Jahren erweiterten Fotografen wie Guy Bourdin und Helmut Newton, die für die "Vogue" arbeiteten, die Grenzen des Genres. Themen wie Fetischismus, Pornographie und Voyeurismus hielten Einzug in die klassische Modefotografie.  Die 1980er Jahre hingegen sah eine neue Generation von Fotografen. Peter Lindbergh, Herb Ritts und Bruce Weber inszenierten ästhetische schöne Welten; der Einfluss der großen Marketingabteilungen auf die Modezeitschriften war sichtbar, die Schwarz-Weiß-Fotografie erlebte ein Comeback. Supermodels wie Linda Evangelista, Christy Turlington, Naomi Campbell, Tatjana Patitz oder Claudia Schiffer standen exemplarisch für die Epoche einer perfekten Inszenierung. Allerdings gab es auch Rebellen: Mit der Benetton-Kampagne durchbrach Oliviero Toscani in den 1980er Jahren die tradierten Sehgewohnheiten bis hin zum Skandal, allerdings auch mit einer konzeptionell durchgängigen Bildsprache von hoher emotionaler Tonalität.  In den 1990er Jahren wandten sich einige Fotografen einem „neuen Realismus“ zu und kehrten sich von den glatten und hyperästhetischen Welten ab. Von Subkulturen beeinflusste Fotografen wie Juergen Teller, Wolfgang Tillmans oder Nick Knight prägten eine Ästhetik der sogenannten „Heroine Looks“, Models wie Kate Moss waren Ikonen der Dekade. Parallel dazu entwickelten Modefotografen wie David LaChapelle oder Steven Meisel einen glamourösen eigenen Stil.

21. Jahrhundert.

Terry Richardson provozierte die Szene ab dem Jahre 2000 mit freizügigen Fotos aus der Kampagne für Sisley; seine an der Ästhetik von Pornos orientierte Fotografie brach Tabus. Von den Medien wurde Richardson daher mit der Stilrichtung des Porn Chic in Verbindung gebracht. Die englische Zeitung Guardian bezeichnete Richardsons umstrittenen Modefotografie-Stil als ""soft porn"". Allerdings brachte ihm der Tabubruch auch einen gewissen Kultcharakter ein.  Das 21. Jahrhundert ist aber auch in der Modebranche geprägt von der digitalen Transformation als Mega-Trend. Die Magie der Exklusivität einer Modepräsentation wurde durch Blogger und Influencer aufgebrochen, die heute bei den Modeschauen in der ersten Reihe sitzen. Fotos der kommenden Saison gehen noch während der Schau online, werden geshared und geliked. Art-Direktoren, Branchen-Insider und klassische Hochglanz-Medien verlieren ihre gewohnten Gate-Keeper-Funktionen. Blogger und Influencer posten nicht nur die neusten Styles, sondern vor allem sich selbst auf Plattformen wie Instagram. Gezeigt werden nun Street-Stars statt Diven, echte Menschen statt Models. Die Modefotografie wird so massenkompatibel und neue Genres entstehen auf dieser Basis, wie die Street-Fashion-Fotografie. Es scheint so, als sei die klassische Modefotografie in den Museen angekommen ist, sich aber die fotografischen Ausdrucksformen und die Bildsprache grundlegend wandeln.

Auktionsrekord.

Richard Avedon hält den bisherigen Auktionsrekord für ein Modefoto: „"Dovima mit Elefanten"“ (1955) – eine Auftragsarbeit für „Harper’s Bazaar“ wurde im Jahr 2010 für 841.000 Euro versteigert.

Die Modefotografie ist ein Zweig der Fotografie, bei der Kleidermode meist zum Zwecke der Werbung und des Verkaufs abgebildet wird. Allerdings gilt für die Fotografie der Haute Couture, dass die Fotografen des Genres sich lesen wie ein "Who's Who" der Fotografie des 20. und 21. Jahrhunderts. In den vergangenen Jahren gelang es der Modefotografie in den Kanon der Künste aufgenommen zu werden, da sie in zahlreichen Museen und Galerien als eigenständiges Genre der Fotografie ausgestellt wird.

Fashion photography is a genre of photography which is devoted to displaying clothing and other fashion items. Fashion photography is most often conducted for advertisements or fashion magazines such as "Vogue", "Vanity Fair", or "Elle". Fashion photography has developed its own aesthetic in which the clothes and fashions are enhanced by the presence of exotic locations or accessories.


Leben und Wirken.

Anfänge.

Pierre Pflimlins Vater war Textilfabrikant, der eine Spinnerei in Mülhausen betrieb. Pflimlin wuchs in der elsässischen Stadt auf, die in seinen frühen Jugendjahren noch zu Deutschland gehörte. In der Familie wurde sowohl Deutsch als auch Französisch gesprochen. Er studierte Jura am Institut Catholique de Paris und an der Universität Straßburg, hier wurde er schließlich mit einer juristischen Dissertation promoviert. Er ließ sich 1933 als Rechtsanwalt in Straßburg nieder. Aus religiöser Überzeugung nahm der konservative Jurist keine Scheidungsfälle an, demgegenüber vertrat er aber sozialreformerische Ideen. Im Zweiten Weltkrieg arbeitete er als Dolmetscher, dann im Jugendministerium des Vichy-Regimes unter Pétain, doch zog er sich bald wieder aus der Politik zurück und wurde schließlich Richter.

Politischer Werdegang.

Nach der Befreiung widmete sich Pflimlin ganz der Politik, er wurde Mitglied der Republikanischen Volkspartei (Mouvement républicain populaire, MRP), einer schon 1944 zur Zeit der Provisorischen Regierung gegründeten Partei mit einem aus christlichen wie sozialdemokratischen Anteilen bestehenden Programm. Diese Kombination erwies sich als so erfolgreich, dass sie der MRP den drittgrößten Wählerzuspruch in der Nachkriegszeit verschaffte. Ihr bekanntester Protagonist war der Europapolitiker Robert Schuman.  1945 wurde Pflimlin Stadtrat in Straßburg und für 22 Jahre Abgeordneter der Nationalversammlung. Seine politischen Ambitionen konnte er ungeachtet der Kurzlebigkeit der französischen Kabinette in der Vierten Republik immer mehr ausbauen. Zunächst wurde er Unterstaatssekretär für Bevölkerungspolitik, dann Landwirtschaftsminister von 1947 bis 1951, wo er den europäischen Schuman-Plan mit seinem Pflimlin-Plan auf dem landwirtschaftlichen Gebiet ergänzte. In kurzer Folge amtierte er in verschiedenen Kabinetten als Handelsminister, Staatsminister, Minister für das überseeische Frankreich und Finanzminister. Letztere Tätigkeit war auch als Ersatz zu verstehen für sein erstmaliges, vergebliches Bemühen um eine Regierungsbildung.  1956 erfolgte seine Wahl zum Vorsitzenden der MRP. Seine ministeriale Tätigkeit setzte für anderthalb Jahre aus, dann wurde er wieder Finanzminister. Pflimlin konnte am 13. Mai 1958 Premierminister werden, nachdem die vorherige Regierung Gaillard wegen des zugespitzten Algerienkonflikts stürzte. Da aber die Militärführung nicht ihn, sondern General de Gaulle als Präsidenten haben wollten, gab es am selben Tag den ersten "Algerienputsch" der Generäle. Am 28. Mai trat Pflimlin wieder zurück, weil seine Kompromisse keine Seite zufriedenstellen konnten. Eine Zusammenarbeit mit den Kommunisten kam für ihn nicht in Frage. Das bedeutete auch das Ende der Vierten Republik, da de Gaulle seine Rückkehr an die Macht mit einer Verfassungsänderung besiegelte.  Dem neuen Kabinett der Fünften Republik gehörte Pflimlin wieder als Staatsminister und MRP-Vertreter an. Doch aufgrund der Unterschiede zur Europapolitik de Gaulles beteiligte er sich nicht mehr am nächsten Kabinett. Stattdessen kandidierte er 1959 erfolgreich für die Wahlen zum Bürgermeister in Straßburg. Dieses Amt übte er bis 1983 aus. Ein letztes Mal übernahm er im April 1962 eine ministeriale Verantwortung im Kabinett von Georges Pompidou. Doch schon im nächsten Monat verließen die MRP-Minister die Regierung, da ihre Europapolitik von de Gaulle auf einer Pressekonferenz brüskiert worden war.  In der Nationalversammlung bildete sich Ende 1962 ein neues bürgerliches Fraktionsbündnis, das "Centre démocratique", dessen Vorsitz er übernahm. Den Vorsitz der MRP gab er kurz darauf ab. Nach der Auflösung des MRP 1967 traten er und die meisten Parteifunktionäre in das "Centre des démocrates sociaux (CDS)" über.

Europapolitik.

Pflimlin widmete seine Politik der deutsch-französischen Aussöhnung und der europäischen Einigung. Seinem Engagement ist es zum größten Teil zu verdanken, dass Straßburg zu einem Zentrum der europäischen Politik geworden ist. Von 1959 bis 1967 war er Mitglied und von 1963 bis 1966 Präsident der Parlamentarischen Versammlung des Europarats.  1979 wurde er zum Mitglied, 1982 zu einem der Vizepräsidenten und am 24. Juli 1984 zum Präsidenten des Europaparlaments gewählt. Das Amt hatte er bis zum Januar 1987 inne, danach blieb er bis 1989 einfacher Abgeordneter und engagierte sich weiterhin für die europäische Einigung. Pflimlin verlegte sich nun mehr auf das Publizieren. In seinen Memoiren (1991) hob er noch einmal die Bedeutung der europäischen Einigungsbestrebungen hervor. Seine Kollegen und Freunde schätzten Pflimlin wegen seiner Diplomatie, seines feinsinnigen Humors und seiner Arbeitsdisziplin.  Er war einer der letzten überlebenden Gründungsväter der Europäischen Union. Pflimlin war seit 1939 verheiratet mit Marie Odile, geb. Heinrich, und hinterließ drei Kinder: Étienne, Bankpräsident von Crédit Mutuel, Odile, Germanistikdozentin in Paris, und Antoinette, Angestellte der Stadt Straßburg.

Pierre Eugène Jean Pflimlin ([]; * 5. Februar 1907 in Roubaix, Département Nord; † 27. Juni 2000 in Straßburg) war ein französischer Jurist und Politiker des christdemokratischen MRP. Unter anderem bekleidete er Ministerämter und 1958 kurzzeitig das Amt des Ministerpräsidenten. Er war auch Bürgermeister von Straßburg und von 1984 bis 1987 Präsident des Europäischen Parlamentes.

Pierre Eugène Jean Pflimlin (; 5 February 1907 – 27 June 2000) was a French Christian democratic politician who served as the Prime Minister of the Fourth Republic for a few weeks in 1958, before being replaced by Charles de Gaulle during the crisis of that year.


Funktionsweise.

Der Arbeitsbereich von FL Studio ist in verschiedene Fenster unterteilt.  In der "Playlist" werden Tonspuren und Audiodateien als "Audio Clips", MIDI-Daten als "Pattern Clips" und Automationskurven als "Automation Clips" organisiert und angeordnet.  Im "Channel Rack" werden virtuelle Instrumente und die dazugehörigen MIDI-Spuren verwaltet. MIDI-Daten können mit der Tastatur oder mit externen MIDI-Geräten aufgenommen werden. Die Bearbeitung und manuelle Eingabe findet im "Piano Roll" statt.  Im "Mixer" werden die, den verschiedenen Kanälen zugewiesenen, Klangquellen in ihrer Lautstärke und Panorama-Position angepasst und mit virtuellen Effekten wie beispielsweise einem Equalizer oder einem Kompressor versehen.  Mit dem "Browser" werden Dateien gesucht und per Drag and Drop in die verschiedenen Fenster des Arbeitsbereiches gezogen, Projekte verwaltet und die Plug-in-Datenbank organisiert. Dateien können ganze Projekt-Dateien (äquivalent zum manuellen Laden eines Projektes), Audiodateien, Presets und Plug-ins sein.

Virtuelle Effekte und Instrumente.

FL Studio unterstützt die Einbindung von VST-Plug-ins, die es als virtuelle Effekte ermöglichen, bestehende Klangquellen zu verändern und als virtuelle Instrumente Klänge zu generieren. Es können sowohl die zum Lieferumfang gehörenden VST-Plug-ins, als auch die von unabhängigen Drittanbietern verwendet werden.  Neben den mitgelieferten virtuellen Effektgeräten und Synthesizern, können mit dem virtuellen Sampler und dem virtuellen Drumcomputer Audiodateien modifiziert und in das Projekt eingebettet werden.  Dank ASIO-Fähigkeit können die Instrumente nahezu latenzfrei (d. h. in Echtzeit, ohne zeitliche Verzögerung) gespielt werden (eine ASIO-kompatible Soundkarten-/Treiberkombination vorausgesetzt).

Hintergründe.

Vertrieb und Produktpolitik.

FL Studio wird als die im Funktionsumfang eingeschränkte "Fruity Edition" und die vollwertige "Producer Edition" vertrieben. Darüber hinaus kann man das "Signature Bundle" erwerben und erhält Zugriff auf zusätzliche VST-Erweiterungen.  Ursprünglich konnte man FL Studio lediglich über das Internet beziehen, inzwischen ist eine Boxed-Version auch im Fachhandel erhältlich.  Das Aktualisieren von FL Studio auf neuere Versionen ist durch das "Lifetime Free Update" kostenfrei und uneingeschränkt möglich.

Entwicklung.

Agierte die Software, entwickelt von Didier Dambrin, in der ersten Version 1.0 im Jahr 1997 noch als reiner MIDI-Drumcomputer, wurde der Funktionsumfang bald um VST- und DirectX-Unterstützung erweitert. Spätere Releases machten FL Studio zu einer komplexen Digital Audio Workstation-Software. Entwickelt wurde die Software mit der Entwicklungsumgebung Delphi. Die aktuelle Version ist die 20.x Reihe. Vor der Veröffentlichung von FL Studio 20 war die macOS-Version noch in der Entwicklung. Seit FL Studio 20 ist FL Studio auch offiziell für macOS verfügbar.

Vektorisierte Benutzeroberfläche.

Die Benutzeroberfläche von FL Studio ist vollständig vektorisiert und in diskreten Schritten skalierbar. FL Studio kann dadurch auf Bildschirmen mit einer hohen Bildauflösung oder hohen Punktdichte bei gleichbleibender Größe verlustfrei und detailreicher dargestellt werden. Ein Teil der mitgelieferten Plug-ins und die meisten Plug-ins von Drittanbietern basieren noch auf Rastergrafiken und können deshalb nicht verlustfrei skaliert werden. Image-Line ist bestrebt, die mitgelieferten Plug-ins ebenfalls vollständig zu vektorisieren.

Nutzer.

Zahlreiche etablierte Produzenten verwenden FL Studio, darunter Madeon, Brian Transeau, Basshunter, Martin Garrix, Avicii, Feed Me, Mike Oldfield, 9th Wonder, Afrojack und Louis Bell (Produzent von Post Malone).

FL Studio (ehemals "Fruity Loops") ist eine DAW (Digital Audio Workstation) des belgischen Unternehmens "Image-Line Software". Das Programm ermöglicht das Komponieren von Musikstücken mithilfe von Samples, Software-Synthesizern und externen MIDI-Geräten, die Aufnahme und Bearbeitung von Tonmaterial und das Aufführen von Musikstücken.  Eine funktionseingeschränkte Version für mobile Geräte mit Apple iOS, Android und Windows 10 Mobile existiert unter dem Namen "FL Studio Mobile".

FL Studio (until 2003 known as FruityLoops) is a digital audio workstation (DAW) developed by the Belgian company Image-Line. FL Studio features a graphical user interface with a pattern-based music sequencer. The program is available in four different editions for Microsoft Windows and macOS.  Image-Line offers lifetime free updates to the program, which means customers receive all future updates of the software for free after one time purchase. Image-Line also develops FL Studio Mobile for iPod Touch, iPhone, iPad and Android devices.  FL Studio can also be used as a Virtual Studio Technology (VST) instrument in other audio workstation programs and also functions as a ReWire client. Image-Line also offers its own VST instruments and audio applications. FL Studio has been used by numerous highly visible hip hop and EDM producers, including Porter Robinson, Madeon, Soulja Boy, Martin Garrix and Deadmau5.


Aussehen.

Der Iberische Steinbock wirkt kleiner und zierlicher als der Alpensteinbock. Seine Kopfrumpflänge beträgt 100 bis 140 cm, seine Schulterhöhe 65 bis 75 cm und das Gewicht liegt bei etwa 40 kg (Weibchen) bzw. 80 kg (Böcke). Das Fell ist hellbraun gefärbt und ähnelt dem der Bezoarziege. Im Sommer ist es hell- bis rotbraun. Das Gehörn des Iberiensteinbocks ist anders geformt als das des Alpensteinbocks. Es wird beim Bock bis zu 75 cm lang. Sie krümmen sich zuerst nach außen und oben, später nach innen zurück und haben eine scharfe Hinterkante. Die Geiß besitzt nur kurze, kaum gebogene Hörner.

Verbreitungsgebiet und Unterarten.

Ursprüngliches Verbreitungsgebiet waren die Pyrenäen und mehrere Bergketten Spaniens und Portugals. Heute ist es durch heftige Bejagung jedoch stark geschrumpft, weshalb die gesamte Art potentiell gefährdet ist. Vier Unterarten werden unterschieden, von denen zwei ausgestorben sind. Der Portugiesische Steinbock ("C. p. lusitanica") wurde bereits 1890 ausgerottet.  Der Pyrenäen-Steinbock ("C. p. pyrenaica") wurde im 19. Jahrhundert auf der französischen Seite der Pyrenäen ausgerottet; in den 1980ern gab es auf der spanischen Seite noch 30 Tiere, in den 1990ern fiel die Zahl weiter; das letzte lebende Exemplar, ein Weibchen, starb am 6. Januar 2000, womit die Unterart ausgestorben war. Da die Population streng geschützt und bewacht war, sind die Gründe des Aussterbens rätselhaft; vermutet wird eine Anfälligkeit für Infektionen, die von Rinder- und Ziegenherden ausgingen. Versuche, diese Unterart durch Klonen wieder zum Leben zu erwecken, sind bisher gescheitert. 2013 wurden jedoch gewöhnliche Iberiensteinböcke in den französischen Pyrenäen wieder angesiedelt, je 40 Tiere im Bereich des Pyrenäen-Nationalparks und im Bereich des Mont Valier im Ariège.  Die zwei weiteren Unterarten sind einigermaßen gesichert: "C. p. hispanica" aus dem Südosten Spaniens zählt etwa 8000 Exemplare. Der Gredos-Steinbock ("C. p. victoriae") aus Zentral-Spanien war 1905 bis auf zwölf Tiere ausgerottet; die wurden aber streng geschützt und konnten sich heute wieder zu einer Population von 3500 vermehren. Da dieser Bestand aber noch immer nicht wirklich gesichert ist, gilt die Unterart weiter als gefährdet.

Lebensweise.

Wie andere Steinböcke und Wildziegen bewohnt die Art felsiges oder bergiges Gelände. In Lebensweise und Ernährung unterscheidet sich die Art kaum vom Alpensteinbock. Wie dieser ernährt er sich von Gräsern, Kräutern und Blättern. Die Paarungszeit fällt in die Zeit zwischen November und Januar. In dieser Zeit leben die Tiere in gemischten Gruppen von etwa zehn Tieren, die aus Böcken und Geißen bestehen. Ab Februar verlassen die alten Böcke diese Gruppen. Im April, wenn die trächtigen Weibchen ihre Jungen gebären, verlassen auch die halbwüchsigen die Gruppen. Im Herbst bilden sich dann wieder größere gemischte Herden. Die Tragezeit beträgt sechs Monate und endet im Mai mit der Geburt eines Jungtieres (Kitz), in seltenen Fällen auch Zwillingen.

Der Iberiensteinbock ("Capra pyrenaica") ist eine auf der Iberischen Halbinsel verbreitete Art der Ziegen. Trotz der äußerlich recht deutlichen Unterschiede gleicht er genetisch stark dem Alpensteinbock und dürfte nach jüngsten Studien sogar derselben Art angehören.

The Iberian ibex, Spanish ibex, Spanish wild goat, or Iberian wild goat ("Capra pyrenaica") is a species of ibex with four subspecies. Of these, two can still be found on the Iberian Peninsula, but the remaining two are now extinct. The Portuguese subspecies became extinct in 1892 and the Pyrenean subspecies became extinct in 2000. An ongoing project to clone to the Pyrenean subspecies resulted in one clone being born alive in July 2003. This is the first taxon to become "un-extinct", although the clone died a few minutes after birth due to physical defects in lungs.


Leben.

Ján Chryzostom Korec trat 1939 in den Jesuitenorden ein und studierte Katholische Theologie und Philosophie. Wegen der Unterdrückung des Ordens durch die Kommunisten musste er seine philosophischen Studien abbrechen. Er empfing im Jahre 1950 die Priesterweihe. Im Alter von 27 Jahren spendete ihm Bischof Paul Hnilica am 24. August 1951 heimlich die Bischofsweihe in der kommunistischen Ära.  In den folgenden neun Jahren arbeitete Korec in einer Fabrik. 1960 wurde er wegen verbotener Seelsorgearbeit inhaftiert und saß von 1960 bis 1968 im Gefängnis, wo er sich aufopferungsvoll um seine Mitgefangenen kümmerte. Nach mehreren Eingaben wurde er im Zuge einer Generalamnestie im 1968 rehabilitiert. In angeschlagenem Gesundheitszustand musste er in der Folgezeit als Straßenreiniger und Fabrikarbeiter arbeiten. 1974 wurde die zuvor ausgesprochene Rehabilitation annulliert, und Korec wurde erneut für vier Jahre inhaftiert. 1978 entließ man ihn wegen seines schlechten Gesundheitszustands vorzeitig aus der Haft. Zunächst arbeitslos, fand er dann eine Anstellung als Lagerist in einer Chemiefabrik.  Nach dem Wegfall des Eisernen Vorhangs ernannte ihn Papst Johannes Paul II. im Jahre 1990 zum Bischof von Nitra. Im feierlichen Konsistorium des Jahres 1991 wurde Korec dann als Kardinalpriester mit der Titelkirche "Santi Fabiano e Venanzio a Villa Fiorelli" in das Kardinalskollegium aufgenommen.  Am Konklave 2005, in dem Papst Benedikt XVI. gewählt wurde, nahm er nicht teil, da er zu diesem Zeitpunkt das für die aktive Papstwahl zulässige Höchstalter von 80 Jahren bereits überschritten hatte. Er war jedoch zu den Sitzungen der Kardinalskongregation, die über den Beginn des Konklave verhandelte, und bei der Überführung des Körpers des verstorbenen Papstes Johannes Paul II. in den Petersdom anwesend.  Seit dem Tod des tschechischen Bischofs Karel Otčenášek am 23. Mai 2011 war Korec der dienstälteste Bischof der Welt.

Ján Chryzostom Kardinal Korec SJ (* 22. Januar 1924 in Bošany; † 24. Oktober 2015 in Nitra) war ein slowakischer Jesuit und Bischof von Nitra.

Ján Chryzostom Korec, SJ (22 January 1924 – 24 October 2015) was a Slovak Jesuit priest and a Cardinal of the Roman Catholic Church. He was ordained a priest in 1950 and consecrated bishop in 1951. Because of government suppression of the Catholic Church, he spent 39 years working as a priest without government authorization, either in prison or supporting himself as a laborer.  In 1990 Pope John Paul II named him Bishop of Nitra and in 1991 named him a cardinal. Korec retired in 2005 and died in 2015.


Trivialnamen.

Weitere Trivialnamen (volkstümliche Namen) sind Wiesen-Primel, Frühlings-Schlüsselblume (Schweiz), Wiesen-Schlüsselblume, Arznei-Schlüsselblume und Himmelsschlüssel. Für den Ursprung der Bezeichnung Schlüsselblume, die mindestens seit dem 15. Jhdt. belegt ist, gibt es verschiedene Interpretationen. Darunter die Ähnlichkeit des ganzen Blütenstandes mit einem Schlüssel, wobei die Blüten selbst den Schlüsselbart und der Stängel das Schlüsselrohr darstellen oder durch die Ähnlichkeit der Blütendolde mit einem Schlüsselbund, wobei die einzelnen Blüten wohl die Schlüssel darstellen. Die Bezeichnung Himmelsschlüssel, die mindestens seit dem 12. Jhdt. belegt ist, steht wohl im Zusammenhang mit Petrus und dessen Schlüssel zum Himmelreich.

Beschreibung.

Erscheinungsbild und Blatt.

Die Echte Schlüsselblume wächst als ausdauernde, krautige Pflanze, die Wuchshöhen von 8 bis 30 Zentimetern erreicht und meist in kleineren und größeren Gruppen anzutreffen ist. Sie überwintert mit einem ausdauernden, dicken, kurzen Rhizom. Die vegetativen Pflanzenteile sind oft flaumig behaart aber nicht bemehlt.  Die Laubblätter sind in einer grundständigen Rosette angeordnet. Die Blattspreite verschmälert sich mehr oder weniger plötzlich in Richtung des geflügelten Blattstiels. Die dünne, einfache Blattspreite entwickelt eine Länge zwischen 5 und 20 Zentimeter, die Breite misst 2 bis 6 Zentimeter. Ihre Form variiert von eiförmig bis eiförmig-länglich. Die Blattspitze ist stumpf bis spitz ausgeprägt. Die dunkelgrüne, mit einfachen Trichomen flaumig behaarte Blattoberseite weist eine runzlige Struktur auf. Die ebenfalls behaarte Blattunterseite ist hellgrün gefärbt. Der wellige und unregelmäßig grob gezähnte Blattrand ist bei jungen Blättern nach unten eingerollt.

Blütenstand und Blüte.

Die Blütezeit erstreckt sich von April bis Juni (Deutschland und nördlicher) oder von Februar bis Mai (Österreich, Schweiz, Slowenien etc.). Fünf bis zwanzig Blüten sind in einer endständigen und einseitswendigen, einfachen Dolde angeordnet. Der mehr oder weniger lange, fein behaarte Blütenstandsschaft ist unbeblättert. Die Tragblätter sind flach und ungleich. Die aufrechten bis nickenden, behaarten Blütenstiele sind mit einer Länge von 3 bis 20 Millimetern ein- bis dreimal so lang wie die Tragblätter.  Die zwittrige Blüte ist radiärsymmetrisch und fünfzählig mit doppelter Blütenhülle. Die fünf blass-grünen, 0,8 bis 2 Zentimeter langen Kelchblätter sind bauchig und breit-glockig verwachsen. Die fünf dottergelben Kronblätter sind an ihrer Basis zu einer Röhre verwachsen. Die Kronröhre ist mit einer Länge von 8 bis 20 Millimetern höchstens so lang wie der Kelch. Der Kronschlund weist einen Durchmesser von 8 bis 28 Millimetern auf. Die fünf tellerförmig ausgebreiteten, 8 bis 14 mm langen Kronlappen besitzen an ihrer Basis einen orangefarbenen Fleck und sind am oberen Ende leicht ausgerandet bis deutlich gekerbt. Die fünf Staubblätter sind mit der Kronröhre verwachsen. Fünf Fruchtblätter sind zu einem oberständigen, einkammerigen Fruchtknoten verwachsenen. Im Zentrum des Fruchtknotens befindet sich die dicke Plazenta, an der die Samenanlagen sitzen.

Frucht und Samen.

Aus dem Fruchtknoten entwickelt sich eine 5 bis 10 mm lange, vom Kelch umgebene, Kapselfrucht. Sie ist etwa halb so lang wie der überdauernde Kelch, ihre Form ist eiförmig und leicht bauchig ausgeprägt. Bei Reife öffnet sich die Kapsel mit zehn Kapselzähnchen und entlässt die zahlreichen Samen. Die Samen besitzen winzige Bläschen.

Chromosomenzahl.

Für europäische Populationen werden Chromosomenzahlen von 2n = 22 angegeben. Seltener wurde auch 2n = 24 festgestellt.

Unterscheidungsmerkmale zu ähnlicher Art.

Die Merkmale, mit denen sich die Echte Schlüsselblume unter anderem von der Hohen Schlüsselblume ("Primula elatior") unterscheidet, sind die dottergelben, stark duftenden Blüten mit ihren fünf orangefarbenen Flecken (Saftmale) im Schlund der Blüte. Die Hohe Schlüsselblume dagegen duftet weniger stark und der Schlund ihrer Blüten ist goldgelb. Der Blütenkelch ist bei der Echten Schlüsselblume blassgrün, bauchig und glockig, während er bei der Hohen Schlüsselblume eng an den Blütenkronblättern anliegt.

Ökologie.

Die Echte Schlüsselblume ist eine Rosettenpflanze mit zwiebelförmigen Erneuerungsknospen. Das kräftige Speicher-Rhizom steht ziemlich senkrecht und verzweigt sich evtl. schon im 2. Jahr.  Blütenökologisch stellen die Blüten Stieltellerblumen dar. Bei den Blüten der "Primula veris" liegt Heterostylie vor. Sie bildet unterschiedliche Blütentypen mit zwei unterschiedlichen Griffellängen und Staubblattpositionen aus. Der eine Blütentyp besitzt einen langen Griffel und tief in der Kronröhre sitzende Staubblätter. Die köpfige Narbe befindet sich am Kronröhreneingang. Der andere Blütentyp besitzt einen kurzen Griffel, die Staubblätter sind hier wesentlich höher gelegen und enden am Kronröhreneingang. Die Heterostylie dient dazu, Nachbarbestäubung – genetisch gleichwertig mit Selbstbestäubung – zu vermeiden und damit Fremdbestäubung zu unterstützen. Die Bestäubung erfolgt durch langrüsselige Insekten wie Hummeln oder Falter. Die Blütenkrone ist durch Flavonoide gelb gefärbt mit orangefarbenen, duftenden Saftmalen. Die Pollenkörner sind sehr klein.  Die Samen besitzen winzige Bläschen und werden über den Wind ausgebreitet. Zum Keimen benötigen die Samen Kälte und Licht.

Nahrungspflanze.

Die Echte Schlüsselblume dient mehreren Schmetterlingsraupen als Futterpflanze, darunter der Raupe der Silbergrauen Bandeule, auch Trockenrasenbusch-Bandeule genannt ("Epilecta linogrisea") und des Schlüsselblumen-Würfelfalters, beide in ihrem Bestand gefährdete Arten.

Vorkommen.

Diese kalkliebende Art kommt in ganz Europa und Vorderasien vor, lediglich im Süden der Mittelmeerländer und im äußersten Norden ist sie nicht beheimatet. In Mitteleuropa fehlt sie im Tiefland westlich der Elbe weitgehend, im übrigen Tiefland ist sie selten, ebenso in Gebieten mit kalkfreiem Gestein. Im übrigen Mitteleuropa kommt sie zerstreut vor.  Als Standorte werden Raine, Halbtrockenrasen, trockene Wiesen, lichte Laubwälder, Waldränder und Waldschläge insbesondere von krautreichen Eichenwäldern, mitteleuropäischen Flaumeichenmischwäldern, west-submediterranen Flaumeichenwäldern, Hainbuchenwäldern oder auch Seggen-Buchenwäldern bevorzugt. Sie steigt von der Ebene bis zu Höhenlagen von 1700 Metern. Die Echte Schlüsselblume gedeiht am besten auf kalkhaltigen, stickstoffarmen, lockeren Lehmböden mit reichlicher Humusbeimischung.

Systematik.

Die Erstveröffentlichung von "Primula veris" erfolgte 1753 durch Carl von Linné in "Species Plantarum". Der Gattungsname "Primula" kommt von "Primus" für „der Erste“ Artepitheton "veris" ist abgeleitet von "ver" für Frühling; "Primula veris" bedeutet also „die Erste des Frühlings“.  "Primula veris" gehört zur Sektion "Primula" aus der Untergattung "Primula" in der Gattung "Primula".  Von "Primula veris" gibt es folgende Unterarten:

Hybriden.

Die Echte Schlüsselblume ("Primula veris") kann mit der Stängellosen Schlüsselblume ("Primula vulgaris") Hybriden bilden, die "Primula" ×"polyantha" Mill. oder "Primula" ×"variabilis" non genannt werden und sowohl in den morphologischen als auch in den ökologischen Merkmalen zwischen den Elternarten stehen. Die Hybride wird oft übersehen oder falsch bestimmt. Eine wissenschaftliche Arbeit aus der Schweiz zeigt, dass "Primula" ×"variabilis" im Tessin nicht selten ist und immer mit seinen Stammarten anzutreffen ist.

Verwendung.

Als Heilpflanze.

Schlüsselblumenblüten enthalten geringe Mengen an Saponinen, etwa drei Prozent Flavonoide -insbesondere Rutosid-, Carotinoide und Spuren von ätherischem Öl. Die Wurzeln enthalten drei bis zwölf Prozent Triterpensaponine, beispielsweise Primulasaponin oder Primacrosaponin, Phenolglykosiden wie Primulaverin sowie seltene Zuckerstoffe. Die Triterpensaponine üben eine reizende Wirkung auf die Magenschleimhaut aus. Dieser Effekt soll über Nervenfasern reflektorisch die Bronchialschleimhaut dazu anregen, mehr Schleim zu produzieren. Hierdurch verdünnt sich das Sekret und erleichtert das Abhusten. Extrakte aus Schlüsselblumen werden vor allem bei Erkältungen mit verschleimtem Husten und Schnupfen als Begleitsymptomatik eingesetzt. Als Nebenwirkung der Anwendung konnten Magenschmerzen und Übelkeit sowie allergische Hautreaktionen festgestellt werden.  Frische, junge Schlüsselblumenblättchen können auch Salaten zugesetzt werden.

Als Zierpflanze.

Die Echte Schlüsselblume findet gelegentlich als Zierpflanze Verwendung. Gehölzgruppen, Rabatten und Steingärten in vollsonniger Lage sind geeignete Standorte. Die Vermehrung erfolgt durch Aussaat. Auch als Schnittblume in Blumensträußen wird sie gerne verwendet.

Sonstiges.

Die Rhizome wurden früher auch für Niespulver verwendet. Mit den Blüten der Schlüsselblumen in kochendem Wasser werden in der Schweiz und Österreich auch Ostereier gefärbt. Vom Sammeln der Pflanze sollte man absehen, da sie regional gefährdet ist und beispielsweise nach der deutschen Bundesartenschutzverordnung besonders geschützt ist.

Kulturelle Bedeutung.

Im Volksglauben galt die Echte Schlüsselblume als Schutz- und Fruchtbarkeitsmittel. In der germanischen Mythologie zählte sie zu den Pflanzen, die von Elfen und Nixen geliebt und beschützt werden. Auch wird von einer Sagengestalt, der Schlüsseljungfrau, berichtet, die auf ihrer Krone einen großen goldenen Schlüssel trägt und der Pflanze die Gabe verleiht, verborgene Schätze aufzuspüren.

Poesie und Musik.

Der Name „Himmelsschlüssel“ bezieht sich auch darauf, dass diese Pflanzenart als eines der himmelöffnenden Frühlingskräuter gilt.  Bildhaft wird die Pflanze auch im Text der Johannes-Passion von Johann Sebastian Bach (Bach-Werke-Verzeichnis 245, Nr. 31) in einem Bass-Arioso genannt mit den Worten:

Die Echte Schlüsselblume ("Primula veris") ist eine Pflanzenart aus der Gattung der Primeln ("Primula") in der Familie der Primelgewächse (Primulaceae). Sie ist in weiten Teilen Europas und Vorderasiens verbreitet.  Die Stiftung Naturschutz Hamburg kürte die Echte Schlüsselblume zur Blume des Jahres 2016.

Primula veris, the cowslip, common cowslip, or cowslip primrose (syn. "Primula officinalis" Hill), is a herbaceous perennial flowering plant in the primrose family Primulaceae. The species is native throughout most of temperate Europe and western Asia, and although absent from more northerly areas including much of northwest Scotland, it reappears in northernmost Sutherland and Orkney and in Scandinavia. This species frequently hybridizes with other "Primulas" such as "Primula vulgaris" to form false oxlip ("Primula" × "polyantha") which is often confused with true oxlip ("Primula elatior"), a much rarer plant.


Geschichte.

Eine Zusammenkunft „fest noz“ existierte nur in der bäuerlichen Tradition der Region Haute-Cornouaille (Carhaix, Huelgoat, Châteauneuf-du-Faou, Pleyben), welche sich in ihrer Art von den heutigen Tanztreffen unterschied (im Bretonischen heißt Fest ursprünglich „gouel“). Das bretonische „fest“ meint „Zusammenkunft, Gemeinschaft, Verbundenheit, Spaß“: Die Freude, zusammen zu sein nach gemeinsamer Arbeit (manchmal noch auf dem Hof selbst), auch zu einer Hochzeit, beim Singen, beim Tanzen und Wettspielen. Die Begleitung zum Tanz war das gemeinsame Singen (bzw. zwei Sänger im Kreis der Tänzer im Wechselgesang) ohne Instrumente. Diese „Zusammenkunft“ in der alten Tradition war noch bis Ende der 1920er Jahre lebendig, in Maël Carhaix, Rostrenen sogar bis 1935, Ende der 30er dann verschwunden. Das „fest“ war nur noch eine Erinnerung, jedoch lebendig bei P. Huiban, R. Le Béon und Ropars selbst, welche als junge Animateure die bretonische Kultur ihrer Region wiederbeleben wollten und ihr in verschiedenen Aktionen Geltung verschafften. Am 30. Oktober 1955 fand das erste Mal ein Tanztreffen im „neuen Stil“ unter dem Titel „fest noz“ statt. Seit 1957 (im Rahmen des Festival de Cornouaille) hat sich der Titel „fest noz“ für das bretonische Tanz-Revival durchgesetzt. Ein fest noz findet auch beim Festival Interceltique in Lorient statt. Loeiz Ropars stammt aus Poullaouen (Bretagne) und beeinflusst durch seine Arbeit maßgeblich das Revival der bretonischen Tänze und Sprache.  Im deutschsprachigen Raum ist die Bezeichnung Bal Folk verbreitet. Seltener als das Fest-noz ist das tagsüber veranstaltete fest-deizh.

Die Tänze.

Die Besonderheit der bretonischen Tanzkultur im Vergleich zu den sprachlich verwandten keltischen Gebieten (Schottland, Irland, Wales) sowie im westeuropäischen Vergleich insgesamt steht mit dem Tanztyp der Reihen- und Kettentänzen in Verbindung: Tänze dieses Typs sind ansonsten in Westeuropa, anders als etwa in Südosteuropa, sehr selten (geworden), sie erfreuen sich hoher Popularität auf den Tanzfesten: Auf den Festoù-Noz können diese Tänze von bis zu über tausend Teilnehmern getanzt werden, was eine besondere Dynamik entwickeln kann, da zudem die bretonischen Tänze keine Betonung auf Tanzfiguren (wie die Contra-Tänze), sondern auf Schrittkombinationen haben, welche rhythmisiert sind. Je mehr Tänzer, desto erlebensreicher ist dieser rhythmische Akzent. Die Reihenform (also Tanznachbarn dicht an dicht) unterstützt dies. Je nach Region und Musikgruppe wird eine Auswahl des bretonischen Tanzrepertoires getanzt. Einige bekannte bretonische Tänze heißen:  Paartänze, wie Walzer, Mazurka, Polka oder Schottische werden beim Fest-Noz weniger bis gar nicht getanzt.

Die Musik.

Die Musik, die beim Fest-Noz zu hören ist, teilt sich in zwei Typen auf:  Eine andere Möglichkeit ist die Kombination von Violine und Akkordeon, welche in wieder anderen Regionen während des 19. Jahrhunderts gepflegt wurde.  Das Wechselspiel zwischen den Sängern bzw. Instrumenten ist ein charakteristisches Merkmal, welches zur Dynamik der Stücke beiträgt und auch den Musikern regelmäßige kurze Erholungspausen (gerade beim Spiel der Bombarde) ermöglicht.

Entwicklung.

Seit dem Folk-Revival der 1970er Jahre haben die Festoù-Noz überall in und außerhalb der Bretagne Zulauf. An Festivals, wie vor einigen Jahren in dem bretonischen Dorf Kerlouan (Nordküste), beteiligen sich alljährlich tausende Tanzbegeisterte.  Die Fest-Noz-Musik wurde in dieser Zeit weiterentwickelt. Nicht nur Einflüsse von Rock-, Jazz- und Popmusik wurden aufgenommen, sondern auch weltmusikalische Einflüsse aus dem arabischen Raum, dem Balkan, Afrika und Südamerika haben sich in der Fest-Noz-Musik eingegliedert. Auch in Deutschland gibt es die Möglichkeit, bretonisch zu tanzen (z. B. in Folkclubs) und zu den Konzerten einiger deutscher Livebands wie "An Erminig".  Zu den bekannten Namen der Fest-Noz-Musik gehören "Skolvan", "Carré Manchot", "Karma", "Bleizi Ruz", "Kornog", Ar Re Yaouank, "Hamon-Martin Quintett", "Sonerien Du" und "Loened Fall".

Fest-noz ("fest" = bretonisch für „gesellige Zusammenkunft mit Spiel und Tanz“ / "noz" = bretonisch für „Nacht“; Plural "Festoù-Noz") ist der Name für volkstümliche Tanzveranstaltungen mit Tänzen aus der Bretagne, welche meist abends oder nachts stattfinden. Der Begriff wurde von Loeiz Ropars geprägt.  Das Fest-noz ist seit Dezember 2012 auf der Repräsentativen Liste des immateriellen Kulturerbes der Menschheit der UNESCO geführt.

A Fest Noz (Breton for "night festival") is a Breton traditional festival, with dancing in groups and live musicians playing acoustic instruments.  Although it is all too easy to write off the "fest nozou" and "fêtes folkloriques" as modern inventions, most of the traditional dances of the Fest Noz are ancient, some dating back to the Middle Ages, providing a way for the community to grasp hold of its past and relish a deep sense of being with ancestors and with place.  The plural in Breton is "festoù-noz", but the Goadec Sisters (a family of traditional singers) used to say "festnozoù", and the French may also say in French "des fest-noz".  On 5 December 2012 the fest-noz was added by UNESCO to the Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity.


Historische Einordnung.

Das Ashikaga-Shōgunat hatte im Verlauf der Muromachi-Zeit ständig an Macht eingebüßt. Mit dem Ōnin-Krieg (1467–77) verlor das Ashikaga-Shōgunat seine Bedeutung und das Land den letzten Rest einer zentralen Staatsgewalt. In den folgenden etwa 100 Jahren, die in den Geschichtsbüchern als Sengoku-Zeit (, "Sengoku-jidai", Zeitalter der streitenden Reiche) bezeichnet werden, rangen neue Männer um die Herrschaft über den Archipel.  Unter der Herrschaft der Ashikaga waren die Provinzen von Lokalherren regiert worden, die zumindest formal noch Shugo, also bestellte Provinzgouverneure, waren. Mit dem Ende der Zentralstaatlichkeit trat ein neuer Typ Feudalherr auf, der Sengoku-Daimyō. Er legitimierte sich nicht mehr über die Berufung durch eine Zentralregierung, sondern durch Landbesitz und militärische Macht. Japan war in zahllose Territorien zersplittert, deren Herrscher in häufig wechselnden Bündnissen Kriege gegeneinander führten.  Die Zersplitterung wurde durch drei Feldherren, Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi und Tokugawa Ieyasu mit militärischer Gewalt überwunden. Mit der Einigung Japans und der Errichtung eines neuen Shōgunats endete die "Zeit der streitenden Reiche" Anfang des 17. Jahrhunderts.

Die streitenden Reiche.

Mit dem Ende des Ashikaga-Shōgunats entstanden schätzungsweise 200 Territorien mit autonomen Herrschern. Etwa dreißig davon waren wirtschaftlich und militärisch mächtig genug, um in den Hegemonialkämpfen eine Rolle zu spielen. In der Mitte des 16. Jahrhunderts hatten sich mit Mōri Motonari, Hōjō Ujitsuna, Imagawa Yoshimoto, Oda Nobunaga, Takeda Shingen und Uesugi Kenshin die Hauptkontrahenten herauskristallisiert. Später kämpften Akechi Mitsuhide, Hashiba Hideyoshi und Tokugawa Ieyasu um die Macht.  Takeda Shingen und Uesugi Kenshin bekriegten einander heftig. Vier Schlachten von Kawanakajima verliefen ohne eindeutiges Ergebnis. Imagawa Yoshimoto marschierte im Jahr 1560 gegen Oda Nobunaga. Obwohl seine Armee etwa 20.000 Mann zählte, griffen die Oda (die nur 3000 Krieger in die Schlacht führten) sein Hauptlager an und töteten Yoshimoto in der Schlacht von Okehazama. Im Jahr 1568 gelang es Oda Nobunaga, Kyōto zu erobern, Ashikaga Yoshiaki als Marionetten-Shōgun einzusetzen und mit dieser Legitimation die Eroberung ganz Japans anzustreben. Oda schloss ein Bündnis mit Tokugawa Ieyasu, einem ehemaligen General Imagawa Yoshimotos. Daraufhin marschierte er gegen die bedeutendsten buddhistischen Klöster des Landes, da deren Mönchssoldaten, die "Sōhei", seine Feinde unterstützt hatten. Als Beispiel für seine Grausamkeit und Härte wird der Angriff auf das Kloster Enryaku-ji im Jahr 1571 genannt, das er umzingeln und in Brand setzen ließ. Auch in den Kämpfen gegen die Sekten von Osaka kannte er keine Gnade. Im Jahr 1573 entmachtete er Ashikaga Yoshiaki und war damit Herr über Japan. Mit diesem Akt spricht die japanische Geschichtswissenschaft auch vom Eintritt in die Azuchi-Momoyama-Zeit, in der sich nur noch eine Hand voll großer verbliebener Sengoku-Daimyō gegenüberstanden, die in einem west- und einem Ostbündnis organisiert waren, mit den jeweiligen Hauptfestungen Azuchi-jō und Momoyama-jō.  1575 gelang Oda Nobunaga in der Schlacht von Nagashino ein Sieg über die Heere der naheliegenden Armee der Takeda, die sich hauptsächlich aus Kavallerie zusammensetzte. Dieser Sieg basierte nicht zuletzt auf dem erstmaligen Einsatz von Feuerwaffen in größerem Maßstab. In der folgenden Zeit rüstete er sich zum Kampf gegen seine verbliebenen Feinde, zwischen 1576 und 1579 errichtete er die Festung Azuchi, die später der Azuchi-Momoyama-Zeit einen Teil ihres Namens gab. 1582 wurden Oda Nobunaga und sein ältester Sohn von Akechi Mitsuhide, einem seiner wichtigsten Vertrauten und Militärführer, überfallen und zum Selbstmord gezwungen.  Toyotomi Hideyoshi, der zu dieser Zeit als General für Nobunaga im Westen des Landes kämpfte, kehrte zurück, tötete den Verräter Akechi Mitsuhide und übernahm die Herrschaft.  Mit Toyotomi Hideyoshi trat der zweite der drei "Reichseiniger" hervor. Er hatte seine Laufbahn als einfacher Soldat in Nobunagas Heer begonnen und war nach einigen Machtkämpfen 1585 der mächtigste Mann des Landes. Er bestätigte Oda Nobunagas Bündnisse mit den Uesugi und den Tokugawa und stellte sich den verbliebenen großen Daimyō des Landes zum Kampf. 1590 bezwang er sie und vollendete Japans Einigung. Hideyoshi teilte das Land in etwa 200 Provinzen, übertrug die Herrschaft an Daimyō und sicherte sich deren Lehnstreue. Seine Herrschaft sicherte er durch persönliche Verfügung über ergiebige Provinzen ab, und er umgab sich nur mit Daimyō, die ihm treu ergeben waren. Weiterhin ließ er sich als Regent durch den Kaiser bestätigen. Trotz allem war das System aber nicht vollends stabil. 1591 befahl er eine Invasion in Korea. Unklar ist bis heute ob er ernsthaft glaubte, Korea und China erobern zu können, oder ob er die unbeschäftigten Krieger außer Landes bringen wollte, die ein ständiges Konfliktpotential darstellten. Die Invasion war aufgrund der chinesischen Militärmacht nicht erfolgreich und wurde nach Hideyoshis Tod im Jahr 1598 beendet.  Bevor er 1598 starb, beauftragte er einen Rat aus fünf Daimyō, zu dem auch Tokugawa Ieyasu gehörte, mit der Regentschaft für seinen noch minderjährigen Erben. Sofort nach Toyotomi Hideyoshis Tod begann der Kampf um die Macht. Tokugawa Ieyasu konnte sich behaupten und der Unterstützung vieler Daimyō versichern. 1600 vernichtete er in der Schlacht von Sekigahara das Aufgebot seiner verbliebenen Feinde. Mit diesem Sieg war Japan endgültig geeint und die Tokugawa sollten für über zweieinhalb Jahrhunderte über Japan herrschen.

Gesellschaftliche Auswirkungen.

Trotz der unruhigen Zustände war die Endphase der Sengoku-Zeit eine Zeit bedeutsamer Entwicklungen für Japan. Oda Nobunaga reformierte die Verwaltung der Dörfer, die Landvermessung und die Steuererhebung. Eine Reform und Vereinheitlichung von Maßen und Gewichten, sowie eine Befreiung des Handels legten den Grundstein für den Aufstieg der Kaufleute ("chōnin"), der später prägend für die Edo-Zeit sein sollte.  Toyotomi Hideyoshi begründete mit dem System der Daimyō als Provinzherren, die dem Regenten gegenüber zu Lehnstreue verpflichtet waren, die Basis für das Baku-Han-System der Tokugawa-Shōgune. Er setzte Oda Nobunagas Reformen fort, teilte Japan neu auf und führte eine Steuer in Form von Reis ein. Sein bedeutendster Reformansatz jedoch war die Einführung von Ständen. Gerade er, der sich vom Bauern zum Kriegsherrn hochgedient hatte, zwang die Menschen, nun entweder Bauern oder Krieger ("Samurai") zu sein.  Dieser Reformschritt gestaltete sich schwierig, da in den langen Kriegsjahren der Sengoku-Ära riesige Heere aus Bauern aufgestellt worden waren. Bis zum Onin-Krieg hatten allein die "Bushi", von alters her Japans Kriegerelite, gekämpft. Für die Massenschlachten der folgenden Jahre waren auch die Bauern bewaffnet worden. Nach Toyotomi Hideyoshis Gesellschaftsreform mussten sie in sogenannten Schwertjagden ("katana-gari") wieder entwaffnet werden.  Diese Teilung der Gesellschaft bildete die Grundlage für das spätere Gesellschaftsmodell der Edo-Zeit mit seinen vier Ständen. Tokugawa Ieyasu vervollkommnete schließlich die Ansätze seiner beiden Vorgänger und installierte ein politisches System von bemerkenswerter Stabilität.

Die Sengoku-Zeit (jap. "sengoku-jidai", dt. "Zeit der [gegeneinander] kriegführenden Lande") ist eines der bewegtesten Zeitalter in der japanischen Geschichte. Der Beginn der Sengoku-Zeit wird auf etwa 1477 (Ōnin-Krieg) auf das Ende der Muromachi-Zeit datiert. Die Sengoku-Zeit ging 1573 in die "Epoche der drei Reichseiniger" (Azuchi-Momoyama-Zeit) über.

The is a period in Japanese history of near-constant civil war, social upheaval, and political intrigue from 1467 to 1615.  The Sengoku period was initiated by the Ōnin War in 1467 which collapsed the feudal system of Japan under the Ashikaga Shogunate. Various "samurai" warlords and clans fought for control over Japan in the power vacuum, while the "Ikkō-ikki" emerged to fight against "samurai" rule. The arrival of Europeans in 1543 introduced the arquebus into Japanese warfare, and Japan ended its status as a tributary state of China in 1549. Oda Nobunaga dissolved the Ashikaga Shogunate in 1573 and launched a war of political unification by force, including the Ishiyama Hongan-ji War, until his death in the Honnō-ji Incident in 1582. Nobunaga's successor Toyotomi Hideyoshi completed his campaign to unify Japan and consolidated his rule with numerous influential reforms. Hideyoshi launched the Japanese invasions of Korea in 1592, but their eventual failure damaged his prestige before his death in 1598. Tokugawa Ieyasu displaced Hideyoshi's young son and successor Toyotomi Hideyori at the Battle of Sekigahara in 1600 and re-established the feudal system under the Tokugawa Shogunate. The Sengoku period ended when Toyotomi loyalists were defeated at the Siege of Osaka in 1615.  The Sengoku period was named by Japanese historians after the otherwise unrelated Warring States period of China. Modern Japan recognizes Nobunaga, Hideyoshi, and Ieyasu as the three "Great Unifiers" for their restoration of central government in the country.


Leben.

Ausbildung.

Francis Picabia war der Sohn von Francisco Vicente Martinez Picabia, einem kubanischen Botschaftsangestellten adliger Herkunft, und der Französin Marie Cécile Davanne, einer Bürgerlichen. Die Mutter starb an Tuberkulose, als er sieben Jahre alt war. Da er finanziell unabhängig war, studierte er von 1895 bis 1897 zunächst an der École des arts décoratifs in Paris, danach bei Fernand Humbert und bei Albert Charles Wallet (1852–1918) und ab 1899 bei Fernand Cormon in dessen Atelier.

Ausstellungen in Paris und New York.

Picabia wechselte mehrfach die Stilrichtung. Er begann im Winter 1902/03 als Impressionist und stellte 1903 erstmals im Salon d’Automne und im Salon des Indépendants aus. Seine erste Einzelausstellung hatte er in der Galerie Haussmann in Paris im Jahr 1905. 1909 malte er mit "Caoutchouc" sein erstes Bild, das sich mit dem Kubismus auseinandersetzte und zugleich abstrakt war. Er verarbeitete jedoch auch weiterhin Elemente des Fauvismus sowie des Neo-Impressionismus.  1909 heirateten Francis Picabia und die Musikstudentin Gabrielle Buffet. Die Ehe, der vier Kinder entstammten, wurde 1930 geschieden.  1911 lernte Picabia bei den sonntäglichen Zusammenkünften im Atelier von Jacques Villon unter anderem Fernand Léger, Roger de La Fresnaye, Albert Gleizes, Guillaume Apollinaire und Marcel Duchamp, dessen Freund er wurde, kennen und beteiligte sich im selben und im darauffolgenden Jahr an der Puteaux-Gruppe. 1913 nahm er an der in New York stattfindenden Armory Show teil, und Alfred Stieglitz, den Picabia in New York in dessen Galerie 291 kennenlernte, richtete ihm in seiner Galerie eine Einzelausstellung seiner Werke ein. Er war im Jahr 1912 neben Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Juan Gris und Jacques Villon Mitbegründer der Section d’Or.  In den USA begann er die Arbeiten der „Mechanischen Periode“ (1915–1921). Die Gründe dafür lagen in seinem New-York-Besuch 1915 und dadurch entstandener Inspiration durch die Großstadt und deren ständiger Bewegung. Die Erfahrung einer neuen Dimension innerhalb der menschlich-mechanischen Beziehung führte Picabia zu der Verbindung vom Titel und Bild, die in den aus dem Jahr 1915 stammenden Werken seiner mechanischen Periode, wie "Ici, c´est ici Stieglitz, foi et amour, Portrait d´une jeune fille americaine dans l´état de nudité," sowie in dem Porträt von Marius de Zayas und einem Selbstporträt genannt "Canter" zu sehen ist. Die ersten Werke der mechanischen Periode erschienen in der im Jahr 1915 von Stieglitz, Marius de Zayas und Picabia gegründeten Zeitschrift, die sie – gleichnamig wie Stieglitz’ Galerie – "291" nannten. Picabia entwickelte sich in seiner mechanischen Periode von humorvollen satirischen Porträts im Jahr 1915 über die sexuellen Thematiken der Jahre 1917 und 1918 (Werke "Prostitution Universelle, Machine tournez vite") in Richtung des Physikalischen. In den letzten Werken, zu denen "Ortophone" zählt, sollen das Menschliche und das Mechanische zusammenkommen.

Gründung der „391“.

Picabia hatte eine kurze Affäre mit Isadora Duncan und kehrte 1917 nach Barcelona zurück. Dort gründete er die Dadazeitschrift "391", der Titel war eine Anlehnung an die "291" von Stieglitz; sie bereitete mit Dichtung, Essay und Grafik dem Dadaismus in Europa den Weg. Die Ausgaben erschienen von 1917 bis 1924. 1917 lernte er in Barcelona Joan Miró kennen und traf unter anderem mit Marie Laurencin und Arthur Cravan zusammen. Auf Einladung Tristan Tzaras engagierte er sich in der Dada-Bewegung von Zürich und begründete 1919 die Pariser Dada-Bewegung mit, sagte sich jedoch 1922 von ihr los und näherte sich kurzzeitig dem Surrealismus an.  1922 zog er mit seiner neuen Lebensgefährtin Germaine Everling, für die er 1924 das Château de Mai in Mougins bauen ließ, nach Tremblay-sur-Mauldre nahe Paris und kehrte zur figurativen Kunst zurück. 1924 erschien die letzte Ausgabe der "391", in der Picabia eine Attacke gegen André Breton veröffentlichte. Im Dezember 1924 spielte er in René Clairs dadaistischem Stummfilm "Entr’acte" mit. Dieser Film war Bestandteil des avantgardistischen Balletts "Relâche", zu dem Picabia das Libretto geschaffen hatte. Erik Satie komponierte die Musik zum Ballett und die Filmmusik "Cinema". Es war das erste Mal, dass ein Film in ein Bühnenstück eingefügt wurde. Die Premiere fand im Théâtre des Champs-Élysées statt und löste einen Tumult des Publikums aus.

Picabia an der Côte d’Azur.

Von 1924 bis 1928, nach einem Umzug nach Cannes, widmete Picabia sich erneut einem neuen Stil: Er schuf neben dadaistischen Collagen und Gemälden mit spanischen Bildthemen die sogenannten "Monstres". Diese figurativen Darstellungen zeigen mehrheitlich Paare, deren Gesichtszüge verzerrt und mehrfach im Gesicht einer einzigen Figur dargestellt sind (z. B. "Les Tropiques (Souvenir de Juan-les-Pins)" von ca. 1925–1926). Bereits bei den "Monstres" deutete sich durch den an die Überlagerung mehrerer Gesichter erinnernden Effekt an, womit Picabia sich in seiner nächsten Werkgruppe, den sogenannten "Transparences" beschäftigte.  Picabia reizte das Konzept von Transparenz sowie deren technischen Umsetzung in der Ölmalerei. In den "Transparances" verwob er in sich überlagernden, transparent erscheinenden Bildebenen zahlreiche kunsthistorische Anspielungen miteinander, welche in dieser Zusammenstellung neue, zuweilen undurchschaubare Bedeutungsebenen schaffen. Die "Transparances" sind daher mit eine der eklektizistischsten Schaffensphasen Picabias. Picabia selbst bezeichnete die "Transparances" als "This third dimension, not made of light and shadow, these transparancies with their corner of oubliettes permit me to express for myself the resemblance of my interior desires ... I want a painting where all my instincts may have a free course ..." Von William A. Camfield werden die "Transparances" in zwei chronologische Phasen eingeteilt: Die erste Phase, von 1928 bis 1932, bezeichnet er als "Transparancies" bzw. "Transparances" (z. B. "Sphinx" von 1929 oder "Hera" von ca. 1929); die daran anschließenden "Superimpositions" (1933 bis 1940, z. B. "Rêve" von 1935) zeichnen sich durch noch deutlichere Linienführung und die abnehmende Anzahl sich überlagernder Bildebenen aus.

Spätere Jahre.

In den 1930er Jahren lernte Picabia Gertrude Stein kennen, mit der er Freundschaft schloss und die er 1933 porträtierte. 1940 heiratete er in zweiter Ehe Olga Mohler. Kurz vor dem Zweiten Weltkrieg wandte er sich in Anlehnung an sein Frühwerk erneut dem Impressionismus zu. Nach Ende des Krieges kehrte er nach Paris zurück; in dieser Zeit wurden seine Bilder abstrakt, und er schrieb Aphorismen. Ein Prozess, in dem er wegen Kollaboration mit der deutschen Besatzungsmacht angeklagt werden sollte, fand nicht statt, da er einen Schlaganfall erlitten hatte. 1951 folgte ein weiterer, der zu Lähmungserscheinungen führte. Zwei Jahre später verstarb Picabia in Paris. Seine Grabstätte befindet sich auf dem Cimetière de Montmartre.  Francis Picabia gilt als exzentrischer Künstler, der sich keinen politischen oder stilistischen Dogmen unterordnen wollte. Er beeinflusste maßgeblich die moderne Kunst, vor allem aber den Dadaismus.

Werke (Auswahl).

Gesammelte Aphorismen:

Weblinks.

„This visit to America… has brought about a complete revolution in my methods of work… Prior to leaving Europe I was engrossed in presenting psychological studies through the mediumship of forms which I created. Almost immediately upon coming to America it flashed on me that the genius of the modern world is in machinery and that through machinery art ought to find a most vivid expression.“

Francis-Marie Martinez Picabia (* 22. Januar 1879 in Paris, Frankreich; † 30. November 1953 ebenda) war ein französischer Schriftsteller, Maler und Grafiker.

Francis Picabia (: born Francis-Marie Martinez de Picabia; 22January 1879 – 30November 1953) was a French avant-garde painter, poet and typographist. After experimenting with Impressionism and Pointillism, Picabia became associated with Cubism. His highly abstract planar compositions were colourful and rich in contrasts. He was one of the early major figures of the Dada movement in the United States and in France. He was later briefly associated with Surrealism, but would soon turn his back on the art establishment.