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  在印度的文化傳來之前,印尼已經有自己獨特的藝術形式出現。甘美蘭除了演唱的方式受到印度音樂影響以外,自成一格,而甘美蘭的樂器在滿者伯夷朝代(若公元十四至十五世紀)發展成今天的規模。  根據爪哇的神話,甘美蘭是由天神山陽古魯(Sang Hyang Guru)在若公元230年發明的,山陽古魯據說在拉伍山上有一個宮殿,統治爪哇的所有其它神祇。山陽古魯希望以聲音傳達訊息給其它的天神,因而發明了鑼(gong);而為了表達更復雜的訊號,他再發明瞭另外兩個鑼,而成為了甘美蘭。  在公元八世紀爪哇中部的婆羅浮屠神殿,出現了最早的關於音樂演奏的浮雕,浮雕上出現了各種的鑼、鼓、竹笛、碰鈴、撥絃及拉絃樂器,但未出現鋼片琴及木片琴的影象,展現了印尼最早的演奏形式。  在十二世紀爪哇的宮廷裹出現了兩種甘美蘭合奏,蒙剛(Munggang)以及科多哥力(Kodokngorek)甘美蘭,成為「響亮風格」的基礎。而另一種以吟唱詩歌的克瑪納(Kemanak)傳統,則成為「柔和風格」的基礎,逐漸演變成為貝達雅(Bedhaya)舞蹈的音樂風格。而在十七世紀,兩種風格互相影響,逐漸發展成今天巴釐、爪哇及巽他的甘美蘭合奏。印尼各島嶼的甘美蘭風格各有特色,但它們在樂理、樂器以及演奏技法有共通之處。

  幾乎沒有兩個甘美蘭樂隊是完全相同的,它們的分別在於樂器、人聲的運用、音階、演格風格的不同以及演奏環境和文化的差異。  以地理上來分類,最為人所知的是爪哇甘美蘭、巴釐甘美蘭和巽他甘美蘭。巽他(爪哇島西部的一個部族)最著名的是地貢甘美蘭(Gamelan Degung),運用皮洛音階(pelog scale)。巴厘島的剛克伯牙甘美蘭(Gamelan gong kebyar),以炫技的風格和常變的速度著名;而另一種甘美蘭與克格(Gamelan and kecak),又稱為猴子歌(monkey chant)。爪哇島的甘美蘭主要是十九世紀的宮廷音樂,比起巴厘島的甘美蘭通常較緩慢和靜態,每個宮廷有自己的音樂特色。  除了印尼各島嶼,甘美蘭亦影響到附近的國家。馬來西亞亦有甘美蘭,但樂器的種類通常較為簡單,而音階上則受到西方影響而用Bb或C作為調音的基礎。有部分爪哇人在荷蘭殖民時期移居到南美洲蘇利南打工,他們亦把爪哇甘美蘭的傳統帶到蘇利南。而菲律賓的排式座鑼(Kulintang,又譯作庫林堂)亦和甘美蘭相關。今天歐美以及世界各地都有不少人學習和演奏甘美蘭,更有不少現代作曲家為甘美蘭創作音樂。

  在印尼甘美蘭常常在宗教儀式和各種慶典應用,也常常用來伴奏舞蹈和皮影戲(wayang)。甘美蘭的演奏者同時要對詩歌以及舞蹈熟悉,而舞者以及皮影戲的匠人(dalang)也會非常瞭解甘美蘭的音樂,以便一起演奏。單純的甘美蘭表演(klenengan)又或者在電臺上播放也很常見,但卻較少會像西方那樣在音樂廳裡演出。  在印尼幾乎在每個正式的慶典都會有甘美蘭。例如如皇室蘇丹(Sultan of Yogyakarta)的巡遊慶典。有些甘美蘭樂隊只會在獨特的節日應用,如Gamelan Sekaten通常只會在穆罕默德誕辰(Mawlid an-Nabi)演奏。  在巴釐天主教教堂的典禮上也會演奏甘美蘭。一些甘美蘭用來作為進場曲和散場曲(例如樂曲Udan Mas),有部分樂曲亦被視為神聖的,能夠趕走邪靈。  在雅加達,甘美蘭經常在電臺廣播,除了平時邀請專業的甘美蘭樂隊演奏音樂和說唱形式的戲劇,每逢Minggu Pon的日子(爪哇日曆裡每35日一個迴圈)都一定會播放甘美蘭。  在爪哇的宮廷傳統,甘美蘭通常在一個涼亭(pendopo)演奏。因為是戶外的環境,為了令樂器的聲音能夠傳播得達,樂器會安放在一個空心的平臺上,以加強音響的共鳴。  在巴釐,甘美蘭的樂器通常都存放在一個社群的會堂(balai banjar),因為當地人認為所有樂器屬於整個群體,而不是各自擁有的樂器。會堂的牆壁有透風的空隙,令樂隊(sekaha)練習和演奏時,整個社群都可以欣賞到。  甘美蘭樂隊(sekaha)通常由一位師傅帶領,他負責撰寫樂曲以及教導其它樂師演奏,通常甘美蘭樂曲只是一個基本的草稿,再由成員演奏時加入即興的元素。樂曲通常並非不變的作品,樂師習慣從已有的樂曲上不斷加上新意,除了一些神聖的歌曲是固定的,其它樂曲通常經過長年累月才逐漸定型。男性和女性通常不會在同一個樂隊中演奏,除了女演唱者(Pesindhen)會和男性的演奏者一起演出。  現在不少歐美國家亦有甘美蘭樂隊,但常常會在音樂廳演奏,雖然偶然也會加上舞蹈和皮影戲。

  甘美蘭音樂是種多音色合奏音樂,組成樂器包括有鐵琴、木琴、竹笛(suling),鑼、人聲、撥絃樂及拉絃樂等。叫做「"kendhang"」的手敲鼓控制音樂的節拍與節奏,及曲目之間的銜接,而與此同時,一種樂器提供主旋律音軌來表現一部分的章節。下圖列出來部分今日在中爪哇島使用的甘美蘭樂器:

  爪哇甘美蘭以兩種音階(五聲音階)和(七聲音階)最常見,除此之外亦有degung、madenda(又稱作diatonis,因為和西方的自然小調音階類似)。Sléndro和中國的五聲音階近似,接近純律,類似西方的do re mi so la。Pélog則有七個音,音與音之間的距離並不相等,和西方的音階很不同,因此聲音很獨特。演奏時並不一定用盡七個音,很多時在同一段樂曲裡只會選擇其中五個音。  每一隊的甘美蘭樂隊的音準亦略有不同,但同一隊樂隊之中每件樂器都依隨同一套音準的標準。因此,不同甘美蘭樂隊的樂器不能混合使用。作曲家及民族音樂學者科林·麥克菲察覺到這個現象,並認為音階的分別是導致印尼出現許多種類的甘美蘭的原因。但亦有人持相反看法,因為印尼亦有一種甘美蘭稱為Gamelan Manikasanti,能夠演奏多種音階,以方便在節日中以一隊樂隊演奏來自不同風格的樂曲。  巴釐甘美蘭樂器最大的特色是樂師會同時演奏兩組音,兩組之間的音準略有差異,而形成物理上的拍頻,聲音帶有一點震抖,而帶來閃爍的音色,在宗教音樂裡亦加強了冥想的感覺。

  傳統上甘美蘭音樂是口傳心授,但到了十九世紀日惹(Yogyakarta)和梭羅(Surakarta)出現了樂譜,但主要是為了紀錄和流傳,並不像西方樂譜是用來視譜演奏。日惹的樂譜看起來像棋盤,是直行書寫的;而梭羅的樂譜則是橫排。  以上兩種樂譜今天已很少人使用,被克柏提翰記譜法(Kepatihan notation)取代,以數字來代表音高,以附點來標記音區,橫線來標記時值,類似近代中國音樂所用的簡譜。通常樂譜上只記錄Balungan樂器的聲部,作為旋律的骨幹,其它樂手取依據骨幹音即興演奏,將本來一個音加上兩倍、四倍、八倍的音。通常樂師經過長時間練習,演奏時已經大概把樂曲背熟。在西方為了方便教學和民族音樂學的研究,有時會將所有樂器的聲部以五線譜默寫出來。

  在1889年巴黎的世界博覽會中,一隊爪哇甘美蘭樂隊的演出吸引到法國作曲家德布西(Claude Debussy)和埃裡克·薩蒂(Erik Satie)的注意,德布西後來在自己的作品應用到五聲音階、支聲復調的織體以及鑼的音色,其中最明顯受到影響的是他的鋼琴作品《版畫集》(Estampes)裡的樂章「涼亭」(Pagodes)。薩蒂在其鋼琴曲集Gnossienne裡不停重複的樂段亦有像甘美蘭的效果。  到了二十世紀,更多的作曲家受到甘美蘭音樂影響,包括約翰·凱吉(John Cage)、奧利維埃·梅西安(Olivier Messiaen)、科林·麥克菲(Colin McPhee)、斯蒂夫·萊奇(Steve Reich)、菲利普·格拉斯(Philip Glass)、利蓋蒂(György Ligeti)等等。在流行音樂方面,亦有民謠吉他手John Fahey、搖滾樂隊Sonic Youth等等受到甘美蘭影響。吉他手King Crimson嘗試把巴釐的兩組音準的概念運用到兩支吉他上製造拍頻效應。一些西方音樂家甚至創作樂曲給甘美蘭樂隊。甘美蘭這種充滿金屬和敲擊的音色也常常在電子音樂裡聽到。  日本1988年的動畫電影《阿基拉》裡亦以甘美蘭音樂來描寫科幻的主題。樂曲由作曲家及工程師大橋力(Tsutomu Oohashi)創作,由藝能山城組(Geinō Yamashirogumi)演奏。這齣電影讓甘美蘭音樂被更多人認識。
甘美朗(Gamelan)是印度尼西亞歷史最悠久的一種民族音樂,又以巴厘島及爪哇島的甘美朗合奏最為著名。主要的樂器有鋼片琴類、木琴類、鼓、鑼、竹笛、撥絃及拉絃樂器,有些曲目亦可以加上演唱者。甘美朗是整隊組合的名稱,「甘美」(gamels)在印尼語解作敲擊,而字尾「朗」(-an)用來標示名詞,合起來即敲擊樂的意思。甘美朗除了成為印尼的宮廷和宗教音樂,也對二十世紀的西方音樂影響很大。