. Adquirido por Amalia Fortabat en 1980, fue en su momento la obra de arte más cara vendida en una subasta cuando su valor alcanzó USD 6.4 millones, aunque llegó a 7,040,000 si se toma en cuenta la comisión de la casa Sotheby's Parke Bernet, de Nueva York. Hasta ese momento, el récord lo ostentaba un retrato de	, es una buena oportunidad para acercarse a una pintura donde se encuentran todas las características del considerado como el mejor pintor de Inglaterra y el primer maestro del arte moderno: el trabajo sobre la luz y la ferocidad de sus cielos que amortajan a una ciudad difusa mientras se celebra a San Marcos.	Turner donó 282 óleos a la Galería Tate y 19.751 acuarelas al Museo Británico, muchos de ellos perecieron ante una inundación e incluso un incendio, por eso hoy resulta extrañísimo que una obra suya salga al mercado. En ese sentido, de acuerdo a algunos especialistas, esta obra en caso de salir a subasta superaría los USD 100 millones.	pone en escena el empadronamiento en Belén, descrito en el Evangelio según San Lucas, aunque toma como escenario el extinto Ducado de Brabante. En un atardecer nevado, la Sagrada Familia – María embarazada monta una mula, mientras José, lleva un cesto y una gran sierra de carpintero al hombro- aparece casi perdida en el paisaje, entre el devenir de los pobladores y los oficios que hacían a una aldea, mientras se dirigen al edificio oficial, con el águila bicéfala de los Habsburgo sobre un costado. Una obra de múltiples detalles, que cuenta muchísimas historias a la vez.	Su azul místico está allí. Y también esa explosión de colores, de rojos y amarillos, de estridencias que son el corazón de la obra de un artista con una capacidad inherente para observar y observarse, para expresar en sus obras su propia vida, como pocos, como casi ninguno. Este óleo sobre tela (100,5 x 73) nos revela a un Chagall que había vuelto a ser feliz, que volvía a amar y ser amado.	Al ramo de flores lo circundan pequeñas escenas de su pasado, pero sobre todo de su presente. Están allí sus animales de granja que representan su niñez en Vitebsk, la Torre Eiffel como recuerdo de sus años maravillosos en París y sobre todo el regreso del amor a su vida, de la felicidad, simbolizada en la pareja abrazada, que es una referencia a la relación con su esposa	(óleo sobre tela, 46 x 71 cm) circunda el interés del pintor por los temas latinoamericanos con un estilo en el que funde el naturalismo europeo con el realismo clásico de la Generación del '80. Además, plantea la dicotomía civilización o barbarie. En aquel momento -la pieza fue pintada en Florencia, Italia en 1880-	Si bien no es la obra más representativa del nacido en Burdeos, la pintura de 1915 se produce un año después de haberse mudado a Buenos Aires, luego de haber abandonado el arte por unos años para atender el negocio familiar en Mendoza y haberse embarcado en una obra de ingeniería gigantesca, como fue la construcción de la represa en el río Mendoza, con lo que había buscado sustituir la tristeza de haber perdido a su padre, y que tras un alud dejó a toda la familia en bancarrota.	De acuerdo a su datación, la pieza es anterior a su partida hacia Córdoba por serios problemas de salud, aunque allí pueden apreciarse muchas de las marcas que lo distinguieron en el recorrido por los paisajes y pueblos serranos que terminaron de inmortalizarlo, como los colores pasteles, ese juego con la luz "a través de contrastes de claroscuros coloridos y con una materia densa, cuando no opaca o pesada", como reflexionó	Este óleo sobre madera (64 x 54) fue realizado en 1921, año de su primera exposición en Buenos Aires y que significó un quiebre profundo entre su obra del momento y toda la que produciría después, tras su regreso a Santiago y la prosiguiente obra por la que se lo recuerda.	El escenario de aquella muestra fue la extinta galería Chandler de la calle Florida y las críticas recibidas fueron devastadoras. Gómez Cornet estudió en Barcelona y París, además como diplomático, también vivió en Francia e Italia. De aquella experiencia hizo su propia interpretación de las vanguardias, que trajo al país, que aún no estaba preparado y lo hizo tres años antes que	. Esta pieza es una de las dos que sobreviven de aquella muestra que eran en gran parte óleos de colores planos, donde los fondos ajedrezados tenían referencias cubistas y fauvistas. La otra sobreviviente es un autorretrato con sus ojos en blanco, aunque al pertenecer a una colección privada, ésta es la única accesible. Y vale la pena.	En la expo del '74, dijo sobre su obra "arrumbada": "La muestro al público con recientes retoques para dar el hilo conductor necesario a la comprensión de los actuales collages con el tema de Juanito Laguna". Así, Berni planteaba una génesis del muchacho, un origen, del que había sido su "símbolo para sacudir la conciencia de la gente". Cuando Berni falleció,	(que no pertenece a la Colección), y que además recuperaba esa estética de marcada gestualidad en el dolor, en la pérdida, que ya había desarrollado en su serie España (1938-1939) a partir del estallido de la Guerra Civil Española, en esta pieza la artista rompe finalmente con las vanguardias históricas de principio de siglo.	La pieza (óleo sobre tela, 160 x 130cm), en ese sentido, muestra la adaptación de la porteña al nuevo lenguaje del arte posthistórico o contemporáneo, que cierra finalmente el camino de la modernidad, cuando el arte deja de parecerse a sí mismo, y surge el informalismo que en palabras de Forner "ha completado la liberación del pintor, representa el impulso vital y la liberación a través del instinto y la intuición".	En la Bienal, los artistas mostraban su descontento tomando pabellones, protestando en la plaza San Marcos, donde se desarrollan enfrentamientos con la policía bajo la consigna "Bienal de los capitalistas ¡quemaremos tus pabellones!". La organización respondió eliminando la oficina de ventas que ayudaba a los artistas a vender sus obras y otorgaba las comisiones y en siguiente ediciones aparecieron espacios de debate, entre otros cambios.	En el medio de este complejo cuadro, el artista llevó adelante su propia protesta e interviene la Bienal de una manera que quedó en la historia, aún cuando siquiera había sido invitado a participar: tiñó el Gran Canal de color verde con una sustancia atoxica que utilizaban los astronautas para marcar los lugares de amerizaje, con el fin de llamar la atención con respecto al desequilibrio ecológico del planeta.	"Desde 1968, cuando conscientemente decidí tratar de simplificar los elementos visuales de mi obra, esa forma de trabajar se convirtió naturalmente en mi manera de plantear las ideas. Trato de presentar solamente los elementos visuales que considero imprescindibles para que el resultado de lo que digo sea más directo y más claro", dijo en una entrevista la creadora que desde 1964 reside en Nueva York y que ha exhibido su trabajo en más de 35 países.	
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