哪一部作品充滿超自然力量的氣氛?
魔彈射手
19世紀初的義大利歌劇壇，幾乎為美聲運動和其歌劇代表作所佔據，如喬奇諾•羅西尼、文琴佐•貝利尼、葛塔諾•多尼采蒂、喬望尼•帕契尼和薩維利奧•馬卡丹特等人的作品。美聲，本為義大利一種聲樂學派，其後出現相應的歌劇作品，成為一種歌劇的風格。美聲作品的旋律往往非常華麗且複雜精細的，需要相當靈活的技巧和音高控制能力。美聲時期過後，朱塞佩威爾第帶動了一種更直接，更震撼的新風格，以聖經故事為題材的拿布果便是這種風格的第一擊。而深受後拿破崙時代的義大利民族主義影響的歌劇觀眾，覺得威爾第通過自己的作品回應他們的訴求，令威爾第成為義大利統一運動的代表人物之一。1850年代早期，威爾第一連推出三部最受歡迎的歌劇：弄臣、遊唱詩人和茶花女。此後更進一步發展他自己的風格，寫下了法式大歌劇唐•卡洛斯，並改編兩套莎翁戲劇，奧泰羅和法斯塔夫，作為自己的收山之作，並成功顯示了義大利歌劇的複雜與精密。威爾第以後，隨著馬斯卡尼的鄉村騎士和萊翁卡瓦洛的小丑情淚的出現，寫實主義歌劇漸漸流行於義大利。而寫實主義風格歌劇，尤其是賈科莫•普契尼的代表作波希米亞人、托斯卡和蝴蝶夫人，更是一時主宰世界各地的歌劇舞台。此後的義大利作曲家，如盧西亞諾•貝里奧和路易吉•諾諾都一度嘗試將現代元素混入歌劇當中。
與以歌曲為主的眾多流行音樂形式不同，古典音樂為人熟知的乃是它發展出的高度複雜的器樂形式，包括協奏曲，交響曲，奏鳴曲，組曲，練習曲，交響詩，歌劇等。古典音樂的作曲者多半渴望用其情感及智力的內涵，以及之間複雜的關係，將這些層面放在其音樂中。其中許多傑出的作品會在不同的段落中，將動機或是音樂觀念，以不同形式一再的重覆過程。像賦格及奏鳴曲中就有許多這類的音樂元素。作曲家想在作品創作中施展高超的技法，而古典音樂的表演者也想表現其演奏的技術。有許多學校及音樂學系都在從事古典音樂的研究及教學。專業的古典音樂演奏需要專業的視奏及樂團合作能力，也要理解調性及和弦的原則，瞭解演奏實踐，以及熟悉某一特定時期、特定作曲者或特定作品中的音樂風格，這些是受古典音樂訓練音樂家的基本能力。古典音樂的作品在使用對位法、主題、樂句、和聲、轉調、織體及音樂形式上，都會表現出藝術的複雜性。較大規模的組成形式是由像樂句、樂段、樂章等較小的單位組成。樂曲的曲式分析都是希望對這些元素有更多的了解，因此在聆聽樂曲時更可以有意義的聆聽，也更可以欣賞作曲者的風格。
歌劇是一門西方舞台表演藝術，簡單而言就是主要或完全以歌唱和音樂來交代和表達劇情的戲劇。歌劇在17世紀，即1600年前後才出現在義大利佛羅倫斯，它源自古希臘戲劇的劇場音樂。歌劇的演出和戲劇的所需一樣，都要憑藉劇場的典型元素，如背景、戲服以及表演等。一般而言，較之其他戲劇不同的是，歌劇演出更看重歌唱和歌手的傳統聲樂技巧等音樂元素。歌手和合唱團常有一隊樂器手負責伴奏，有的歌劇只需一隊小樂隊，有的則需要一團完整的管弦樂團。有些歌劇中都會穿插有舞蹈表演，如不少法語歌劇都有一場芭蕾舞表演。歌劇被視為西方古典音樂傳統的一部分，因此和經典音樂一樣，流行程度不及當代流行音樂，而近代的音樂劇被視為歌劇的現代版本。
首齣德語歌劇是德國作曲家海因里希•許茨在1627年所寫的達芙妮，但曲譜已經散佚。直到18世紀為止，義大利歌劇對德語地區一直有很大的影響力。不過本土形式也非停滯不前。1644年，西格蒙德施塔登首創了歌唱劇，以音樂化的對白代替義大利歌劇宣敘調的地位。17世紀末至18世紀初，漢堡的白鵝市場歌劇院成為了德語歌劇的中心，上演了不少賴恩哈德•凱澤爾、格奧爾格•菲利普•泰勒曼和韓德爾的作品。然而不少作曲家，如卡爾•海因里希•格勞恩、約翰•阿道夫•哈塞以至後來的格魯克，甚至韓德爾本人，都選擇以外語譜寫歌劇，尤以義大利語為多。莫札特的歌唱劇，1782年的後宮誘逃和1791年的魔笛，被視為德語歌劇在國際歌劇市場立足的重要突破。而在法國大革命思潮的影響，貝多芬的費德里奧成功延續了德語歌劇的發展。而卡爾•馬利亞•馮•韋伯則成功開創德語浪漫主義歌劇的先河，成功抵抗了義大利美聲歌劇的浪潮。而在1821年首演的，充滿超自然力量的氣氛的魔彈射手，更彰顯了韋伯製造戲劇效果的天賦能力。當時著名的歌劇作曲家還包括海因里希•馬施納、弗朗茨•舒伯特、羅伯特•舒曼和阿爾伯特•洛爾青，然而最著名的德語巨匠，當數理察•華格納。