誰的作曲風格並不局限於樂譜？
巴赫
華格納被認為是音樂史上最富革新性和爭議性的作曲家。在韋伯和梅耶貝爾的風格影響下，華格納最終發展出混集音樂、詩詞和美術於一身的總體藝術的新概念。在後期的成熟作品中，如特里斯坦與伊索爾德、紐倫堡的名歌手、尼伯龍根的指環和帕西法爾，華格納廢除了宣敘調和詠嘆調之間的停頓，將歌劇化為旋律不休止的樂劇。同時華格納相當強調管弦樂團在歌劇中的角色和能力，更通過在樂譜上羅織主導動機的網絡，不斷重複與個別角色和戲劇概念有關的主題旋律。另一方面，華格納更嘗試突破傳統的音樂理論，如音調以及和聲，以求更大的表達空間。華格納更嘗試將哲學觀點嵌入自己的歌劇作品當中，常常以德意志和凱爾特傳說為基礎編寫歌劇。最終華格納更在拜羅伊特修建自己的劇院，參照自己的歌劇需求設計，專門上演自己的歌劇。歌劇在華格納以後便不能以同日而語，而華格納的傳奇成為了很多作曲家的沉重包袱。但理察•施特勞斯卻能成功吸收華格納的概念，發展出令人驚異的新方向。他先以極富爭議性的莎樂美聲名大噪，既而以灰暗的厄勒克特拉把和聲推到極限。但此後施特勞斯來了個大轉向，把華格納的風格混和莫札特的風格和維也納圓舞曲，炮製出了巔峰之作─玫瑰騎士。施特勞斯其後不斷推出風格各異的歌劇作品，不少由著名詩人胡戈•馮•霍夫曼史塔提供辭本，直至1942年推出隨想曲為止。20世紀值得一提的德語歌劇作曲家還包括亞歷山大•馮•策姆林斯基、保羅•興德米特、寇特•威爾和義大利出生的費魯西奧•布索尼。而阿諾德•勛伯格和其弟子在歌劇方面的創新則會在現代主義一節中討論。
古典音樂作曲者常會將民間音樂用在古典音樂中。像安東寧·德沃夏克及貝多伊齊·史麥塔納等音樂家用民間的音樂使其作品有特定民族的風格，而其他作曲家會使用來自民間音樂傳統的特定主題。美國凱斯西儲大學音樂學家勞勃·瓦爾瑟表示：「重金屬音樂中最具有影響力的幾位音樂家，都曾經鑽研過古典音樂。他們對古典樂典範的改編與擷取，在重金屬的發展史上走出嶄新的路線，而且激發了近代金屬音樂中和聲與旋律語言的變化。」《葛洛夫音樂百科全書》線上版寫著：「1980年代之後，具有影響力的金屬吉他手如埃迪·范·海倫、蘭迪・羅茲和英格威·瑪姆斯汀等人，在和弦上廣泛借鑒了18世紀的歐洲古典樂，特別是巴哈、華格納與韋瓦第。」
由於古典音樂包含了極其眾多的形式、風格、流派和歷史時期，因此很難列舉出適用於全部古典音樂作品的普適特徵。然而，仍然可以找到一些其他音樂類型所不具備的，只有古典音樂所獨有的特徵。古典音樂最突出的特徵就是作品通常是以記譜法表記，形成一份樂譜。樂譜的突出作用是確定節奏、音高的細節，以及在涉及多名表演者時不同聲部間的協調。優質的表記方法不僅使得作品得以留存，更使得作品能夠達到相當複雜的程度，但複雜的內容也沒有必要完全受限於譜。例如巴赫的賦格，驚為天人地將大膽鮮明的多條旋律線條以對位法編制在一起，同時又不失密切關聯的和聲邏輯，卻也有即興演出的即興賦格。古典音樂中使用的多數樂器都是在19世紀中葉之前發明，在18、19世紀納入樂隊編制的。他們包括管弦樂團和管樂團中的各類樂器，還包括一些獨奏樂器，如鋼琴，大鍵琴和管風琴。交響管弦樂團是最為人熟知的古典音樂媒介，它包含了弦樂器組，木管樂器組，銅管樂器組和打擊樂器組。管樂團是另一類演奏古典音樂的團體，它包含了木管樂器組，銅管樂器組和打擊樂器組。
與以歌曲為主的眾多流行音樂形式不同，古典音樂為人熟知的乃是它發展出的高度複雜的器樂形式，包括協奏曲，交響曲，奏鳴曲，組曲，練習曲，交響詩，歌劇等。古典音樂的作曲者多半渴望用其情感及智力的內涵，以及之間複雜的關係，將這些層面放在其音樂中。其中許多傑出的作品會在不同的段落中，將動機或是音樂觀念，以不同形式一再的重覆過程。像賦格及奏鳴曲中就有許多這類的音樂元素。作曲家想在作品創作中施展高超的技法，而古典音樂的表演者也想表現其演奏的技術。有許多學校及音樂學系都在從事古典音樂的研究及教學。專業的古典音樂演奏需要專業的視奏及樂團合作能力，也要理解調性及和弦的原則，瞭解演奏實踐，以及熟悉某一特定時期、特定作曲者或特定作品中的音樂風格，這些是受古典音樂訓練音樂家的基本能力。古典音樂的作品在使用對位法、主題、樂句、和聲、轉調、織體及音樂形式上，都會表現出藝術的複雜性。較大規模的組成形式是由像樂句、樂段、樂章等較小的單位組成。樂曲的曲式分析都是希望對這些元素有更多的了解，因此在聆聽樂曲時更可以有意義的聆聽，也更可以欣賞作曲者的風格。