#5】これからの「つくる」を考えるべく、各界の識者が本を紹介するシリーズ「つくるの本棚」。第5回は、ラッセンやCGなど広く親しまれている視覚文化をモチーフに、多様な表現活動を行うアーティスト・原田裕規さんが登場。搾取的なスタンスに陥ることなく「他者と経験を分かち合う機会をつくる」ことをテーマに、3冊セレクトしていただきました。linkFacebookEmailNoteOther1Share原田さんの語りには、”均衡”という言葉が何度も登場する。美術業界でアウトサイダーと位置付けられることが多いクリスチャン・ラッセンを、中心/周縁ではない概念から見つめることはできないか。見知らぬ誰かの写真を自身の作品で利用するとき、自分が払う対価はどのようなものであるべきか。遠いハワイの地で移住者たちが継承してきたものを、搾取することなく表現に昇華するには何をするべきか。それぞれの状況において「対となるもの」を冷静に見つめ、真摯に”均衡”を追い求める姿。それはアートの枠組みをゆうに超え、自分/他者という普遍的な関係性を考え、築く上で大きなヒントになるだろう。今回の選書にも、そのような原田さんの価値観が存分に反映されている。原田さんご自身による書籍紹介とともに、ぜひ「他者と経験を分かち合う機会をつくる」というテーマについて思いを巡らせてみてほしい。Verlag選書にあたって、ぼく自身のいくつかの作品を例に、美術的な観点について軽く触れたいと思います。ぼくは大きく3〜4種類の作風の違うプロジェクトを並走させています。長く継続しているのが、マリンアートで知られるクリスチャン・ラッセンにまつわるプロジェクト。2012年には「ラッセン展」を共同企画し、2013年には論考集『ラッセンとは何だったのか?:消費とアートを越えた「先」』(フィルムアート社)を上梓しました。ラッセンを語るとき、”アウトサイダー・アート”という概念がもち出されることがあります。これは、美術の正規教育を受けておらず、美術システムの周縁にいる人たちによって制作された作品のことを指す言葉です。ぼくは、その周縁にある対象を「美術」という制度のなかにいる人間が取り上げるときに、搾取的な関係に陥らないアプローチについて考える必要性を自然と感じるようになりました。ぼくが「心霊写真」と呼ぶ、所有者不明の写真を大量に集めるプロジェクトもあります。Seeings》は、知らない誰かの写真を1枚ずつ、24時間にわたってひたすら見続けるというパフォーマンスを収めた映像作品です。持ち主がいないものを取り扱うことは、欠席裁判のように一方的に「見る」状況を生み出します。一方的に「見られる」写真を映像作品に登場させるにあたり、ぼくが払うべき対価を考えたところ、24時間という長い時間にわたって、自らの身体を拘束する必要があると思いました。作家によって集められた「行き場のない写真」を見届ける様子を記録した映像作品。「行き場のない写真」の「行き場」をつくるための試みでもある。第1作は原田さん自身が出演し、24時間にわたって実施した。2作目以降も、ほとんどの場合で同様の構成をとっているまた、ぼくは2019年からハワイでのリサーチを開始したのですが、そこで出会ったピジン語(ふたつ以上の言語が接触したことで生まれる混成語)に着目したプロジェクトにも取り組んでいます。19世紀以降、世界中の人びとがハワイへ移り住みました。なかでも日本からの移民者は多く、ぼくの出身地でもある瀬戸内海沿岸地域の出身者がその多数派を占めていました。そこで独自に発展した「ピジン英語」で物語の朗読を試みたのが《Shadowing》という作品シリーズです。移住者が互いの言葉をなぞり合う過程を、英語学習で用いられる"シャドーイング"に見立てて、ぼくが後から追いかけるように発語する。そのときのぼくの表情の動きをフェイストラッキングし、デジタルヒューマンがその動きをなぞる。現地の方々の継承してきた言葉や伝承を尊重するために、自分が風上に立つような手法は避けたいと思っていました。その結果、このようなアプローチで提示することに決めたんです。サウンド)16分24秒。ハワイ出身の日系アメリカ人をモデルに制作されたデジタルヒューマン/映像作品。ハワイで活躍した作家・歴史家のグレン・グラントが日系アメリカ人から聞き取った民間伝承「オバケ・ストーリー」を、デジタルヒューマンの視点に翻案した上で、その内容をピジン英語化。次に、ハワイ生まれの日系アメリカ人が物語を朗読し、その音声を原田さんがシャドーイング(復唱)。その表情の動きをフェイストラッキングでデジタルヒューマンがシャドーイング(同期)しているぼくが作品を制作する過程では、自分が優位に立つような手法や非対称的なアプローチではなく、いかにして他者と自分の関係性における"均衡"を実現するか、ということを重視しているといえるかもしれません。振り返ると、"均衡"という状態そのものに惹かれてきた過去があるように思います。伝統的な彫刻においては、物理的に自立する騎馬像のように"均衡"が保たれたものが美しいとされますし、絵画においてはヴァルール(画面における、色彩の相関関係による「色の価値」)のバランスが重視されるという価値観もあります。このような”均衡”はいかにして成立しうるのか。それは「他者と経験を分かち合う」方法を考える手がかりにもなるでしょう。そのような観点から、今回は3冊の本をご紹介できればと思います。イデオロギーの振り子の根元1冊目は、菊畑茂久馬による『フジタよ眠れ:絵描きと戦争』です。しての責任を負わされて日本からフランスへ亡命し、レオナール・フジタと改名しました。収蔵・展示されています。藤田は画家として一身に戦争犯罪の責任を負ったわけですが、実際には、他にも多くの画家が戦争画に協力していました。そのほとんどはその後も責任を負わされることなく活動を続けました。戦後の日本の美術家たちにとって、戦争画というのは耳が痛い、できれば忘却したい亡霊のような存在だったんです。この黙殺されていた戦争画をどう語るのかを考えて書かれたのが、菊畑茂久馬の『フジタよ眠れ:絵描きと戦争』でした。『〈新版〉フジタよ眠れ:絵描きと戦争』(菊畑茂久馬|花乱社)。終戦後長らく忌避されてきた藤田嗣治たちの戦争画に接近し、画家である菊畑自身の幼少期の戦争画への陶酔の記憶に触れつつ、政治的イデオロギー以前の根本にある絵画表現について批評するもちろん当時、まったく戦争画が語られていなかったわけではありません。そこには一定のパターンがありました。戦争画を「正当」に批判する立場にある画家や評論家たちが戦後、「ほら見ろ、あれは良くないと言っただろう」と全面的に断罪するという流れです。一方で、この本の著者であり、戦時中に子ども時代を過ごした画家の菊畑は、幼少期に戦争画に強く魅了されたという個人的な経験から話を始めます。戦争中、絵の好きな一人の少年が見上げたあの大画面のふるえるような感動の意味を、多少考察が粗略になるとしても、今わたしはどうしても問いたださなければならないのである。p.13)戦時中の大政翼賛的な思想と、戦後にイデオロギーから戦争画を全面的に断罪する思想。戦争画の「賛美」と「断罪」はこの振り子の両極を行ったり来たりするわけですが、菊畑はその根元にある「表現」に立ち戻らないといけない、ということを話しています。イデオロギーの振り子に依るのではなく、不透明な主体である自分自身の内省的な語りとして、幼少期の経験を持ち出しながら戦争画に向き合う姿勢が、菊畑の『フジタよ眠れ』のなかの語りから読み取れるのではないでしょうか。ある日本ハワイ移民資料館で個展『やっぱり世の中で一ばんえらいのが人間のようでごいす』を開催したのですが、そのなかで展示した《Shadowing》シリーズの編集過程では、宮本常一が書いたテキストやインタビューの語りを参照しました。(上)『忘れられた日本人』(宮本常一|岩波書店)。項目や語彙を中心にして採集される民俗とは異なり、日本の周縁に暮らす人びとの営みを、老人たちをはじめとする人びとのライフヒストリーから描き出している。著作をモチーフとした映像作品シリーズ《Shadowing》が発表された宮本は市井の高齢者たちへの聞き取りに力を注いでいましたが、有名なものに、土佐に生きた博労の男の生と性の遍歴を描いた「土佐源氏」があります。聞き取り、つまりインタビューを行うとき、インタビュアーの存在は透明なものとして扱われることが多いですよね。それは、読者にとっては聞き手の話より語り手の話のほうが重要だから。「土佐源氏」の冒頭の場面は違います。はァ長州か、長州かな、そうかなァ、長州人はこのあたりへはえっときておった。長州人は昔からよう稼いだもんじゃ。このあたりへは木挽や大工で働きに来ておった。大工は腕ききで、みなええ仕事をしておった。百姓じゃといいなさるか、百姓じゃァあるまい、物いいがちがう。