扉を開くと、金属のワイヤーによる骨格の上から飴色の油紙を張って成形した、頭のない「くま」のような4つ足の動物が計9体、床に置かれたり壁に取り付けられたりして空間を構成している。それぞれの体長は10cmほどで(高さは9cmほど)、首に当たる部分が大きく口を開けており、そこから裂けるような切り込みが入った背中には、同じく飴色のボタンが3つ付けられており、この小さなオブジェ自体が、何かの生き物であると同時に、「服」の象徴であることを示している。床の左奥には、白色をベースに黄色や青色が薄く入った布が多数重ねられ、あたかも「巣」のように塊となっているが、これらは実は、乳児の「おくるみ」をかたどったもので、中にいる9体の着衣を暗に表している。これらは短絡的にみれば、小林にとって、かつて自身が幼かった頃に身にまとっていた衣服の、その身体感覚に対する記憶がかたちとなったものだといえるのではなかろうか。小林雅子1971年生まれ。布団、電気スタンド、ぬいぐるみが一体となって表された「部屋」や五段飾りの雛人形など、過去の思い出が鉄を素材にかたちとなったものや、コンクリートの「布団」から油紙の「ぬいぐるみ」が這い出てきたもの、油紙で彼女自身の服を油紙でかたどったものなど、様々な素材や形態による立体作品を発表。SPACE,2004年)他。私たちは、永遠の時空に浮かぶはかない存在である。そんな私たちの実体は、「意識」そのものだともいえるが、目には視えないこの実体は「身体」という容れ物で覆われ、さらにその最も外側は、外界と直に接する「皮膚」で包まれている。この「皮膚」は、人の姿かたちの輪郭として存在するが、それと同時にこの皮膜は、私たちの「意識」を外界から守って分け隔てる、いわば「自我」を成り立たせるものの一翼を担っているといえるのではなかろうか。私たちの「意識」の内側は、外界との関わりの中で芽生えたさまざまな「思考」と、生まれては消える「思考」が成り代わった無数の「記憶」で埋め尽くされているが、私たちを覆う皮膜は、こうした「意識」の内の堆積物を包んで自己と他者との境界となり、人を「個」とならせる存在としてもとらえられるからである。今回行われる小林雅子展には、「出発の記憶」というタイトルが付けられている。「記憶」とは、彼女の表現に一貫して現れる重要なテーマであるが、それは、主に油紙を素材とするさまざまなものの「抜け殻」というかたちで現実の世界に姿を表し、服や蝉、何かの生き物などといった多様なモチーフは、素材の地色である飴色で覆われている。短絡的な見方をすれば、この色は古い記憶を象徴するセピア色を連想させるが、コントラストの弱い飴色で印象付けられる展示空間は、観る者の視線をひとところに定まらせず、それは、個々のモチーフが彼女にとっての具体的な記憶を示すわけではなく、意識の内に沈殿する無数の記憶の総体そのものを暗に表しているような気がしてならない。飴色に浸食されてモチーフをかたちづくる「抜け殻」は、小林自身の意識の容れ物となって外界との境い目となる皮膜を象徴しており、そうやって目に視えるかたちとなった彼女の「記憶たち」と出会うことで、私たちも、自身の意識の内にある、普段は気に留めることもないけれども大切なその深淵の領域を、思い返すようにしばし揺すぶられるのである。最初は素材として鉄を使っていましたけれども、油紙を使うようになるまでの過程を教えて下さい。金属を使っていた時も、薄い板を加工して中身の無いものをつくってはいたんです。金属という素材が好きだったのも、鉄の持っている血のような匂いとか、工業製品だけれども人間に近いようなものがあって使っていたんです。油紙にも皮膚感覚といったものがありますけれども、それが金属を使うときに感じていたに人体的な部分とつながってきて、あるとき「ぽこん」と油紙の方に移動したんです。油紙で最初に出てきたかたちは何ですか。最初は、蝉の抜け殻をそのまま細かくつくったんです。その後はぬいぐるみとか座蒲団みたいな立体的なものを油紙でつくるようになってきました。油紙の中でもいろいろなかたちのものをつくっていますけれども、モチ−フのかたちが違っても、作品のテーマ自体は同じなんですか。自分が実際に着ていた服になるときと、蝉のようにもう少し抽象的なイメージに近づけたいときと、今回のようなころっとした立体にするときと、自分の皮膚ということではそんなに違いはないんです。皮膚感覚というのものが前提にあるんですね。したときの方が、たとえば赤ちゃんの服のイメージとか、覚えていないけれどもたぶんあるだろうといった、より幼少の頃の思い出とつながっているんです。したイメージとしての思い出は、小林さんが幼い頃の何か具体的な記憶がもとになっているんですか。記憶がない子供の頃の写真をあるとき発見して見たときの気持ちとか。覚えていないんですけれども、母が洋服を手づくりしてくれたんですね。その型紙を見つけて、そこに型を取った後のようなものを見たんです。「抜け殻」というものについてどんなイメージを持っていますか。中身の本体はどこかにいってしまっていて、そこにあるのは残骸だけだけれども、中にいたものの存在を感じさせる、空洞であるけれども存在感があるというイメージです。空っぽだけれども意味のある存在というものに魅かれています。変化していった後の象徴とでもいいましょうか。油紙だと、色は必然的に地色の飴色になりますよね。した飴色に対する何か特別なイメージはあるんですか。蝉の抜け殻の「人間バージョン」をつくろうと思った時に、「この質感とこの色」って、素材の方から近寄ってきたんです。実際の蝉の抜け殻とはちょっと違う色なんですが、感覚的にはこの色が、自分にとっての抜け殻になり得る素材だなって。実は油紙は、白っぽいものとか、クリーム色っぽいものとか、もっと茶色っぽいものもあるんですですけれども。小林さんのトレードマークのような色ですよね。実際の蝉の抜け殻はもっと茶色っぽいんですけれども、光を発しているような色の方がいいんじゃないかと思って、いくつかの案の中からだんだん選んでいって、あの色になったんです。油紙を素材にしたもののほかにも、おがくずや砂、今回では布を使ったものを組み合わせた展示をしていますけれども、展示の中で、それぞれの役割分担は設定しているんですか。それとも、どちらも同じく記憶をモチーフにしているということでは、特に違いはないんですか。おがくずの時は、そこから抜け殻が出てくる「巣」のようなイメージを強調していました。今回は、「ロンパース」っていう全部がつながった服がもとになっていて、その中から出てきたものが積み重なっていくというような、「巣」の意味をもう少し強調したものをつくりたかったんです。それは、制作のバック・グラウンドの部分を表しているんでしょうか。油紙によるものは自分の皮膚に一番近い部分で、そうでないものは、さらにその周りにあって自分を守ってくれる、もう一層外の部分ではないでしょうか。今回は「百葉箱」の中での展示ですが、特別に考えたことは何かありますか。子供の頃小学校にあったんですけれども、恐くて近寄れなかったんです。「百」というのにも少し妖怪っぽいイメージがあって。いった、ちょっと恐いような、見たときに「わっ」となるようなものになるように考えて展示しています。箱の中に、高さ約25cm、幅約11cmの、鮮やかな色のやわらかい布でできた「顔」が一つ、上からテグスで吊るされて浮かんでいる。この「顔」の表面のところどころには、1.5cmほどの穴が数十個開いており、それぞれをよく見ると、2つの黒い目と口のようなものが付いた小さな「顔」が奥に埋め込まれている。この小さな「顔」をつまんで引っ張りだすと、短いもので10cm、長いもので30cmほどの、直径約2cmの「へび」のような細長いものが徐々に現れる。この展覧会では、「顔」の付いたこの「へび」を(髪の毛が「へび」である「メデゥーサ」を思わせる)、1ヶ月がかりで毎日少しずつ引き出してすべてが姿を表すようにし、また、チャックの付いた口の中に収められた何かの身体のようなものを、同じく1ヶ月かけて少しずつ出し、これを定点から毎日写真に撮って欲しいという指示が作者から私に事前に与えられた。この「顔」は、当初は表面が赤色の布によるものだったが、展示33日目の3月5日(タイトルに付けられた「啓蟄」の1日前)に作者が訪れ、内蔵されていたものが全て引き出されたこの「顔」の表裏を完全にひっくり返し(実は裏側が黄緑色のリバーシブルになっている)、再びそれを箱の中に吊るす作業が行われた。今度は(ここでは「顔」の下に小さなからだが付けられている)、緑の「顔」の穴から、撮影を伴いながら同様に「へび」を少しずつ引き出し、展覧会最終日にすべてが引き出され、さながら「メデゥーサ」のような姿が再び現れたのである。携帯電話ケース、ブックカバーなどの役に立つものから「とげとげさん」「鈴頭」などの役に立たぬものまで取り混ぜ、観た人を「くすっと」笑わせるような奇妙なキャラクターのオブジェや雑貨を制作・販売。SPACE(2003年,2004年,2005年)他。SPACE.1999年)他。SPACEで私が企画した3人展『火星にゆく』(他の二人は佐川悟と尾留川幸恵)での出展作品だった。台の上に華やかな色で彩られた「火星」の街が広がり、宇宙船に見立てた透明アクリルの球がギャラリーのところどころに浮き、球の中では黄色い「人」が操縦管を握る。落書きの線のようなかたちの身体なのに目や眉毛などの顔の造作だけはくっきりして個性を主張する黄色い人形の、そのアンバランスさになぜか強く興味をひかれたのだ。私の内では、この時の展示を振り出しにして、ありんこ天国の作品世界が際限なく膨張していったような気がする。〜ありんこ天国屋開店〜』の時だった。当時記した文書少し抜き出してみよう。原色の布でできた平べったい大きな抱き人形が配置されている。壁は、布に黒の線で絵を描いた、天井から床まで届くような大きなタペストリーが計5枚と、「ありんこカラー」の黄色で塗られた11体の厚紙性の人型、まわりに「ひだ」が付いた直径15cmほどの円形のライトが約10個、色とりどりの布でできた「へび」のようなもの、小さな人形、巨大な食虫植物のようなオブジェなど、まさに「ありんこ」そのものといえるさまざまなオブジェ、グッズで埋め尽くされ、さらに天井から釣り下げられた8本の「トローリ頭」、すだれのような飾り、ギャラリーの隅にハンガーで掛けられたTシャツやかぶり物の類の他、会期中ありんこが描き続けたポストカードやマグネット、コースターなどのグッズ等、全部で数百点にもなる大小の作品で埋まることで、ギャラリーの空間は「ありんこ天国」の世界そのものに塗りかえられてしまったのである。−さまざまな色の氾濫と、布や粘土という素材をもとにした親密感のある手触り。これがありんこ天国の作品の外見的な魅力を支えているといえる。それぞれの作品に描かれた「顔」の造作は、ある「個性」を示しつつ次々と増殖し、それらがもとになって、展示が行われる空間には、観る者を包み込む目に視えない「場」のようなものがつくられる。それは、ありんこ天国自身が持つさまざまな個性が細かく枝分かれしてかたちとなったもののようにも思われが、その部分こそが、私たちを魅き付けてやまない、一般的な美術作品ともアート雑貨とも一線を画する魅力の源なのではなかろうか。個々の作品と向かい合うときそこから感じる、その数だけある多数の「個性」は、ありんこ天国の心の内に在る、記憶やイメージがもとになった無数の「何か」の存在を私たちに空想させるのである。最初は版画をやっていましたよね。今の作品はキャラクターの花盛りですが、そのときは、そういったものは出ていたんですか。人物を描く時は、今みたいな感じの顔だったんですが。その顔の輪郭だけが今の作品に残っているんでしょうか。なくて、テキスタイル的なことを銅版画でやっていたんです。紙に模様を刷り込んで、それを使ってストッキングやかつらをくったりしていました。それがキャラクターの最初と考えていいんでしょうか。立体作品の場合は、布を素材に使っていることもあってたくさんの色を使っているけれども、絵の場合は、単色の線だけで描いていますよね。自分の中では使い分けがあるんですか。色を使うのが苦手なんです。それで、ずっと単色でやってきたんですけれども、苦手だからこそあえて使いたくなって色を使い始めたら、友達にとても美術をやってきたとは思えない色の組み合わせだと言われて。それは誉め言葉かなと思って、そのまま色も付くようになったんですけれども、特に平面と立体を分けているわけではないんです。素材自体の色に任せるという部分があるんでしょうか。布の場合には色を塗っているわけではないですよね。いう意味では、平面と立体の間の意識の差はないということなんでしょうね。色を使う時は、常に「ぱきっ」とくる色合わせにはしているんです。作品のほとんどには「顔」がありますけれども、モデルはあるんですか。