キャラクターづくりをしているわけではないんですね。ところでテキストにも書きましたけれども、一個一個が微妙に違う個性を持っているような気がするんです。いった使い分けや描き分けは意識しているんですか。その時々の気分が微妙に影響するんでしょうか。それはあるでしょうね。ありんこ天国自身の個性に、微妙に異なる面がたくさんあって、それが状況に応じて出てくるような気がするんです。それが手書きの良さかもしれないですね。版画をやっていたこともあって、顔や目をプリントでしないのって言われたことがあって。したらおもしろくないなと思ってね。一個一個にはそれぞれ個性があって、それがたくさん集まって一つの空間をつくるわけだけれども、そうした時には、個々のものとは別に、全体で一つの個性が生まれているような気がするんです。作品を一個一個つくってゆく時と、全体としての空間をつくってゆくときの考え方の違いはあるんですか。考えたことがないから、多分ないんじゃないかな。たくさんの作品が集まって、その組み合わせの中で、空間として別の個性が出来上がってゆくのを見るのが楽しいということになるんでしょうか。大きな空間で展示するときは、大きいものを置きたいということがあるんです。小さなものが集まってできた空間というのは、個々の作品とはまた違った受け取られ方をしますよね。いった意識はないですか。空間をつくる場合、作品を次々と足していってイメージを広げてゆく方法と、最初に全体的なイメージがあって、それを埋めるようにどんどん作品を空間に入れてゆくこと方法があると思いますが。埋めてゆくほうが近いかな。色とかかたちとか、一つのイメージが最初にあるんですか。したら、そうした区別は全くなくて、同じ意識の中でやっているのかもしれません。そこがおもしろいところなんですよね。大きな空間を埋めるときは、とにかくそこを、隙がないようにいっぱいにしてしまいたいんです。そればっかり考えています。今回「百葉箱」での展示になりますが、「百葉箱」についてどんなイメージを持っていましたか。あと、「百葉箱」の中で展示することについては、どう思いましたか。学校にあったなあ、という。かたちだけの思い出ですか。中身を見たことがなかったからどんな中身なんだろうと思っていたんですけれども、ここに来て、こんな風になっているんだなあと。小さくて良いところだとね。今回の作品について一言。今回は「啓蟄」というテーマが先にあったんで、春になって虫が土の中から出てくるということをもとにして、そうしたものがいっぱい出てくるものをつくりたいなと思って出来上がりました。表面に傷を付けた部分が文字のように黒くなることから「葉書」の語源とされる、「タラヨウ(多羅葉)」と呼ばれる緑葉を箱の中に多数設置して行われた展覧会。「タラヨウ」の葉は、会期が始まった当初は32枚を箱に床に敷き詰め、その一ヶ月後には32枚を足して64枚とし、さらに一ヶ月後の会期最終日には26枚を足して100枚とすることで(百葉箱をかけている)展示が完成した。葉の一枚は、長さ10〜20cm、幅4〜7cmで、縁はギザギザしている。一枚を取り上げて、葉に刻まれた文字をみてみると、「fstndsijefzlafliulidlhimhjabhsnihamtgsn」などという、ことばの意味をなさない文字が続くが、これは、パソコン内部の乱数表をアルファベットに変換する、「ハイパーカード」という作者自作のプログラムによってつくられたものである。ところで、展示は最終的に、100枚の葉が5cmほどの高さで折り重なるものとなったが、それを遠目から見ると、時間の経過にしたがって表面がやや黒ずんだ緑色の色彩がつくる一つのかたまりのところどころに、文字として刻まれた黒い記号が点在する様相を読み取ることができる。ここでは文字は、葉に実際に刻まれてあたかもエンボスのような高さを持つが、それは、ここに「記された」読めないことばそのものにモノとしての質感を与えている。100枚の葉に付随して点在するこれらの「文字」は、葉の折り重なりに伴って、視覚の上では箱の中でひとかたまりとなり、読めないことばを生み出した作者の意識の内の「何か」を、一つの物体として暗に表し、私たちの前に差し出して見せるのである。福本浩子1971年生まれ。「情報」と「モノ」との関わりの探求を表現に核として、雑誌や新聞などの印刷物を水で溶かした後に、ブロックや石などのかたちに固めて再成形したものを多数組み合わせることで造形空間を構築するようなインスタレーションおよび、書物を素材とするブック・オブジェを主に発表。スタジオ(『ことばの領分』巡回,2000年)他。ト工房』,1998年)、『メッセージ/ことばの扉をひらく』(せんだいメディアテーク,2001年)他。LEAF」は、タラヨウというモチノキ科の常緑樹の葉を使用した作品である。ウ(多羅葉)と呼ばれるようになった。情報と縁の深い木である。さまざまな「情報」が潜んでいることを伝えたい。よって「情報を内包する葉(自然物)」を主題に、作品化しようと考えている。(福本浩子)「ことば」や「情報」が物体やかたちとなって積み上げられてゆく。それは、本や新聞などといった印刷物を水で溶かした後に、ブロックなどの形状に再形成し、それらを多数組み合わせることで空間がつくられる、福本浩子のインスタレーション作品を見るにつけて一貫して感じる所感である。スタジオ)の搬入出を手伝った際のことだった。中でも福岡と埼玉での展示は、印刷物の「ブロック」を、円筒の壁をつくるようにして床から2mほど均等に積み上げてゆくというもので、自身の手の内にある、やや凹凸がありながら手触りは意外と滑らかで、想像以上に軽く、表面のところどころにもとの印刷物の文字が浮き出た「ブロック」が、作業の進行と共に身体よりも大きなものとなってゆく様は、大量の本から無数の文字やことばが抜け出して、目の前で一つの塊となる姿を想像させたのである。ところで、この「印刷物に含まれることばあるいは情報が一つの塊となる」ということは、福本の表現に一貫する中核の部分だといえる。本来は口伝えのもであったことばや情報は、石や紙に記されることで、「記憶」されるものに加えて「記録」される存在となったが、それらの発信元や意図を無視して解体した後にランダムに混ぜ合わせる表現行為は、ことばや情報、思想をはじめとする、もともとは人の意識の内に在った不可視のものが、紙などと結び付くことで一つの物質になってゆく印刷物の起源を逆に辿りつつ、造形という新たな物質として再生させたものであるように思われてならないのだ。福本は、ある一冊の本のページのすべての文字を線香で焼いて穴を開け、カバーなどの印刷部分もサンド・ペーパーで削り落としたオブジェ作品なども平行して制作してきた。これについても、方法やスケールの違いこそあれ、焼かれて穴の開いた部分が、そこにかつてあった文字およびことばの存在をより際立たせることにおいて、前出の「ブロック」の作品と同様に、その代表的なものである「本」をもとにして、印刷物の起源へのアプローチから情報の物質的な在り方を新たに模索した末のものであると考えられるだろう。LEAF』では、かつては葉の裏に傷をつけて文字を記したことから「葉書」の語源になったと言われる、「タラヨウ」の葉を起点とした展示が予定されているが、そこで私たちは、新たにどのような「ことば」あるいは「情報」のかたちと向かい合うことになるだろうか。福本さんの作品には、ブロックの形状のものしても、小石のものにしても、表面にもとの印刷物の文字が少しずつ浮き出ているものがありますが、それは意図的なものなんですか。それを消すこともできるけれども、あえて残したんですね。ミキサーにかけたら完全に消すことも可能で、その方が楽な場合も多いです。そこまで消してしまうと、情報であったものというよりは、リサイクルになってしまって、こちらの意図する、情報を持ったものがかたちを変えるということにつながってこないので、あえて文字を残しています。一つ、文字を残さない方法によるもので、1冊の本の文字をすべて線香で焼く作品がありますよね。私はそれに対して、文字の消えた跡が残されることで、文字の存在感がかえって際立っていると感じているんです。これが一方にあって、もう一方では、ブロックのかたちの作品のように文字が残されるものがあって、それを平行して制作していますけれども、それは、意図的にあるバランスを取って両方のものをつくっているんですか。2つを別の思考のもとにやっているのか、つながりをもったものの裏表としてやっているのかということなんですが。自分としては、つながったものの裏表でやっているんだと思います。2つは共通点を持ってつながっているとして、では、その間にはどのような違いがあると思いますか。本のかたちの作品に関しては、文字の跡が際立っているとおっしゃっていたように、文字だとわかることが一つあると共に、本という形態がしっかりと残っている部分でもあります。字がなくなってももとは本であったことが明確に伝わるわけです。ところが、ブロックなどのかたちにした作品は、完全に字をなくしてしまったら、それは元情報であったものというあり様ではなくなってしまって、何かの素材でできた構築物になってしまう。形態を変えることに意味があるか、それとも形態を残して情報を消してしまうかということが、裏表の関係になっていると思います。ことばと情報は、深い関わりはあるけれども少し違うものじゃないですか。作品で表すにあたって、その違いをどのようにとらえていますか。情報はさまざまなものを包括するものであって、ことばもその内の一つだと。作品の中では、情報の中の一つの枠組がことばだということですね。自分の作品の中ではそうですね。情報として意味のないようなことばも存在しますけれども、それもひっくるめてある種の情報であるという考え方を取っています。福本さんの作品は、思想やことばがかたちになってゆくという、印刷物の起源であたる部分を解体して、その発生の過程を遡るというところに原点があって、でも完全には遡り切らずに、その途上でできたものが造形のかたちを取っているように思うんです。福本さんは、印刷物の起源の過程を遡りつつ、印刷物とは根が同じ別の存在を造形としてつくろうとしているような気がするんです。したら、それは印刷物とどのような関係にあるものなんでしょうか。情報とことばといったときに、モノ性が希薄なことが気になっている点でもありました。私の学生時代にはすでにコンピューターが出だしていて、パソコン通信をやっていたこともあって、情報とことばのモノ性は確かに希薄に見えるかもしれないけれど、これもやはりモノなんじゃないか、モノであるからここにあるのではないかと考えまして、それが作品づくりの出発点になっていると思います。(印刷の起源の過程で)立ち止まってみえるというのは、そういった視座から見てつくっているからではないでしょうか。実際には、そういった視座を福本さん自身が自分の中で明らかにするための制作や作品であるような気がしています。ところで今回の作品は、葉書の語源である「タラヨウ」の葉を起点にしていますけれども、物質としての葉書の在り方についてどう思いますか。今回は「タラヨウ」自体がオブジェになっていますよね。それは、物質としての葉書そのものだと思うんですが。ことばがのっていて、個人なり団体が通信している以上、情報媒体として重要なものじゃないかと思います。個人的には、郵便局で働いていたことがありまして、その体験上、明らかにモノなんです。完全に番号で割り振って、箱に入れて持ち運ぶものなので。そのモノが人の手で移動してゆくということで、最も原始的で、しかし今日でも重要な情報の媒体だと思います。百葉箱に対してもともと持っているイメージや、百葉箱での展示についてはいかがでしょう。ギャラリー空間としてとらえた場合は、前代未聞ですし、それをギャラリーにしようという発想自体がおもしろいです。今回の作品も、百葉箱というイメージに引きずられた部分がかなりあると思います。箱の底には白いフェルトが敷きつめられ、正面奥の壁には、四切大の男性のカラーポートレート写真が透明アクリル板に密着されて設置されている。床のフェルトの上には、同じ男性をモデルとしたコンタクトプリント大のカラー写真を、それぞれ46×35mmのプラスチック板に貼ったもの計100枚が、シルバーの鎖にすべて一列につながれる、あるところでは裏返りあるところでは重なり合いながら、鎖の両端を箱の左右の壁に固定して一塊となって置かれている。モデル名、通し番号、作者のサインを記した紙がそれぞれ貼られ、一点ずつが写真作品として成り立つことを示している。伊藤主税をモデルとしたこれらの写真は、撮影した時間軸の順に鎖につながれ展示がなされたが、「彼女が来なかったクリスマスの晩の出来事」をモチーフにした一連の作品は、一点ずつを順を追いながら手に取り見てゆくことで、作者の中野とモデルの伊藤がつくり出した架空の冬の夜の濃密な時間を、私たちにも共有させてくれるのである。人物と部屋、小物でその人らしさを浮かび上がらせるシリーズや、密室の撮影パーティーをカラープリントで展示構成したシリーズなど、自身と被写体となる人々との距離に特別な意味を持たせるような写真作品を発表。TEZZ(2004年)他。PRIDE「女性たちが見たプライド」展』(スパイラル1Fスパイラルガーデン.2004年)他。lovers」だった。トイレの壁面と天井を写真で覆い尽くして行われたこの展覧会は、あるカップルが密室で過ごした二人だけのパーティーを、100枚あまりのカラープリントによって構成したもので、そこでは、彼らが体感したであろう濃密な時間を確かに感じ取ることができた。この二人は、実は本当のカップルではなく、展覧会タイトルが暗に示す通り、撮影の中で架空のカップルを演じていたわけだが、だからこそ、まさしく「かりそめ」の時間はより凝縮され、二人の親密な空気が私たちの心をとらえたように思われてならない。トイレという一畳ほどの広さの密室での展示は、観る者と写し出された画像との距離を極度に接近させ、それがこうした効果を助長していたのである。ところで中野は、撮影者である自分と、撮られる対象との関わりについて、「自身と、被写体となる人々との間の距離に特別な意味を持たせる」という意味のことを語っている。撮られる人々と彼女自身との「距離感」がまず作品の根幹にあり、作品と向かい合う私たちは、そこから独特の空気を感じて読み取ることで、被写体との間に生まれる彼女にとっての特別な意味を追体験することが可能となる。した過程を経て、中野と私たちとの間にも写真を仲立ちとしたある関係が築かれ、その結果、中野自身と撮られた人々、作品を観る私たちは、ゆるやかな円環のように一つに結ばれるのである。Roses』は、トイレの展示よりもさらに特殊な、「百葉箱」という43cmの立方体の空間での展示となる。外の光や空気が入ってくるとはいえ、見かけの上では密閉されたこの「箱」の扉を開き中を覗くことによって、トイレの展示で体感したものと同じような「密室」の気配を、時には箱の中に自身の意識が入り込んで周囲の壁を見回す空想を伴いながら、私たちは視覚を通して読み取ることになるだろう。そこでは、撮られた人は観る者に何を語りかけ、中野が被写体への視線に込めた意識や感情を、私たちはそれぞれどのように感じ取ることになるだろうか。展覧会で展示する作品を撮る場合、何か具体的なストーリーを予め設定した上で、撮影のプランを組むんですか。決めて撮り始める場合もあれば、のりで撮っていって、物語は撮っている途中から少しずつ出来てきてくることもあります。モデルになる人との、ストーリーについての打ち合わせは事前にあるんですか。それとも、中野さんが予めすべてを決めておいて指示を出すんですか。決めている場合と、決めていない場合があります。今回の展覧会は、モデルさんはもう4年間撮っている人なんですけれども、すごく元気でおちゃらけたのは得意なんですが、落ち着いたのとか色っぽい表情は苦手なんです。4年撮っていて、20代後半なんだから、そういういろいろな表情がそろそろ出来ないかな、ということがあって。彼が「じゃあ、やってみる」ということになったところから始まっています。Roses」というタイトルが付いていますけれども、このタイトルにちなんだストーリーが設定されているんですか。タイトルは一番最後に決まったんです。具体的にどんなストーリーがあるんですか。最初に撮り始めたのがクリスマスのちょっと前だったんで、クリスマスに彼女と会う約束をしたんだけれども彼女は来なくて、一人寂しくしているというストーリーが撮っているときにまず出来てきて、今回の個展が決まったときに、百葉箱を「百の葉っぱ」と解釈して、いくらことばを重ねても届かないものは届かないという切ない想いを表そうと考えたんです。lovers」にはどんなストーリーがあったんですか。最初にペニス型のパスタを発見して、男性のモデルさんに食べさせたいというところから始まって、女の子と一緒にしてカップルで撮ってみよう考えて。このときはどれくらいの時間で撮っているんですか。昼過ぎから始まって、飲みながら、食べながらで半日くらいです。半日がかりのパーティーですね。今回は、展覧会が決まる前に撮ったのと、決まった後に撮ったのとの2日間です。撮影するときの被写体との「距離感」についてですが、それはどの作品でも共通しているんですか。それとも、一つの作品ごとに距離感を自分で設定して撮るんですか。モデルになってくれた人とのリアルな距離感ですね。中野さんが撮影の時に、そうやってリアルに感じられる距離感が常に統一されているということですよね。ところでこの「距離」は、それぞれの作品ごとのストーリーと関わりがあるんですか。百葉箱での展示という特殊な状況についてはどう考えていますか。外だし、わざわざ来なければいけない場所なので、いつも以上に来た人に楽しんでもらうことに気を付けてみました。SPACEまでの100kmあまりを、「鈴」の左右に五十音を刻んだ金属のキューブを配したものを、一部を持ち帰りつつ各所に取り付けながら、野宿によって6日間をかけて歩き通すという行為の末に完成した作品による展覧会。この遠大な行為をもとにかたちとなったものは二つある。SPACEに到達したことを示す鈴とキューブのセットを置いたもの。SPACEまでを歩いてきた道程と「鈴」を設置してきたポイントを示す、A4大に出力したものを縦につなぎ合わせて巻物状にした、23.5cm×直径3.5cmの地図である。名、天候が赤のペンで記されている。私たちは、地図上のこの記述を順に見てゆくことで、6日間にわたるオバナの足跡をたどることになるが、それは彼の行為の追体験であるだけではなく、表現行為のそれぞれの瞬間にオバナを取り囲み、五十音を介しての彼の言語感覚と結び付けられたその周囲の光景の有り様を想像させるという、オバナの意識の領域に根ざす内的光景をめぐる旅の体験でもあるのだ。タカユキオバナ1958年生まれ。鑑賞者自身の存在の根元を自問せざるを得なくなるような状況を発生させる「装置」としての作品を発表するほか、人の存在と意識の在り方への探索を核としてギャラリー・SPACE-Uを主宰。同じ何かの別の側面という考え方を言葉に当てはめると日本語で使われている七十五音は、五つの母音とん(AIUEO+N)に収斂される。ゆいつわ」私読『わそよみひ』などの一連の試みは、この可能性を探るもので、今回の写真は、今年の木術界『わそよみひ』からである。概要を言えば、参観者は、袋から出ている紐を引くことで、鈴を伴った母音を表すAIUEOのサイコロを引き当てることが出来る。写真は、尾花なかさんがAのサイコロを引き当て「あ」段の「な」に変換して、桜の木に結って頂いたものである。このように参観者は、引き当てた母音をその段のいずれかに変換して、次々に枝に結っていく。風がそよぐたびに、変換された響きは、枝々の関係性の中で、共鳴しているのが鈴の音によって、具体的に感受できるのである。(タカユキオバナ)タカユキオバナの表現活動は、彼が運営する群馬県館林のギャラリー・SPACE-Uと、今や切っても切れない関係にあるといえるだろう。オバナは、作品と向かい合う者に「何か」を問いかけ、そこで返される「答え」そのものが表現のおおもととなるような活動を行ってきた。LAVATORYで開催した個展では、観客は、ギャラリーの入口に積み上げられた色とりどりの包み紙のチューイング・ガムから一つを選び、それを噛みながら、照明を落としたトイレの展示室に入ってゆく。壁面全体には、200ほどの黒い封筒が整然と並んで貼られており、私たちは噛み終えたガムを用意された透明の袋に入れ、そこに何らかの「名前」を付け、壁の黒い封筒と取り替えてそれを壁に貼り、封筒を持ち帰ることが指示されるが、その中には、小さな穴を穿ちそこから向こう側を覗き見ることができる鏡が一枚、布に覆われて入れられている。壁に置いて帰った「名付けられた」ガムは、オバナによる別の展示の中で素材の一つとなるというものだった。この作品についての論評は省くが、私たちの意識の中に、感情や思考、記憶などの「何ものか」を引き起こし、それが展示の一部、あるいはその後つくられるだろう作品の一部として、あたかも輪廻するように別の「場」に引き継がれてゆくことが、他の作家にはないタカユキオバナによる表現の特殊性であり、さらに、彼が運営するギャラリー・SPACE-Uの存在は、そうした表現活動の延長線上にあると思われる。ところで、SPACE-Uが他の一般的なギャラリーと一線を画するのは、ここで行われるさまざまな展覧会が、オバナとそれぞれの作家との間に交わされる、きわめて密度の濃い対話をもとに成り立ってきたという点である。それは、展示のための打ち合わせを超え、オバナ自身の展示空間に対する思い入れの深さを背景として、各作家の個性を受け入れることで、作家に対するオバナの意志と、オバナの意志が大きく関与するSPACE-Uという「場」の性質、各作家の表現に対する志向が一つとなって重なり合うような、観客との関わり合いを前提に据えた展示が行われる可能性が高まるのだ。観客としてそこに足を踏み入れる私たちは、オバナよってつくられた「場」と、そこに在る作品のもととなる作家の意志それぞれと向かい合うことで、それらとの関わりの中から生まれる視えない「何か」を否応なく手渡され、持ち帰ることになるのである。オバナさんの作品は、観客が何かしら関わって、そこから何かを持ち帰ってくるようなものが主流ですが、今SPACE-Uというギャラリーをやっていて、そのギャラリー自体も、観客に何かを持ち帰ってもらうという意識を強く感じるんですが。ここで展覧会をやっていただける作家とコミュニケーションを取りまして、作品に関係するようなものを持ち帰ってもらうということは、皆さんと打ち合わせの段階で話し合っています。オバナさんの方からそういう話を持ちかけるんですか。作家を決める段階で、そういうタイプの人を選ぶんです。SPACE-Uでは、もともと作品をつくってきたわけではない方が多く展覧会をやっていますよね。展覧会をやるというわけではなくて、何回かグループ展に参加することを通してコミュニケーションを図る中で、これぐらいだったらもう個展が出来るかな、ということになったときに誘うわけです。展覧会をやる人は、徐々に自分が変わってゆくことを意識するんでしょうか。しなくちゃ出来ないでしょう。自分は表現の大事な部分に、「気付き」というものを置いています。何かに気が付くということが非常に重要だと思っています。ここと関わる上で、ちょっとしたことに気が付くようになってゆくんだと思います。気が付くと、いろいろなものが見えてくるんです。観客の場合は、気付くことで別の次元に行けるということでしょうか。いったことが、その人の中である種の感動とつながってゆくんではないでしょうか。それと関連して、オバナさんの作品自体、もともと何かを喚起する部分があると思うんですけれども、このSPACE-Uの活動も同じような性質があって、それぞれ重なり合っている部分としては、どのようなことがあげられますか。自分が作品をつくる上で、自分の自意識を前面に出すと、その自意識がほかのものを排除するようなところにマイナス面を感じることがあって、それが邪魔になって他の人が作品になかなか関われない状況が出てくると思うんです。それを逆転させて、自分の表現のようなものの矛を収めてしまって、極端にいうと作品を無くしてしまう。無くしたところに関わってくれる人たちを動員して、その人たちに何とか光をあてるような仕掛けをつくってゆくことで、その人が自分自身に出会うようなチャンスを生み出してゆくような作品を工夫するんですね。することで、そういう人たちが響き合って意識を結いわす。個人の自意識だけではなくて、たくさんの意識を結いわした状態の中で、新しい言語、あるいは新しいことばがひょっとしたら可能になるかもしれない。自分の作品の表現と、SPACE-Uでやっている活動との違う部分はどんな点だと思いますか。変わらないと思いますけれども、相補うという、つまり自分の得意分野があるのと同時に、ここで展覧会をやって関わってくれる人はそれぞれ個性があるわけで、いろいろな得手不得手がある。みんなが集まって、その人の良い部分が重なって響き合うことで、ひょっとしたら個人の意識では到達できないようなところにシフトする可能性を感じるわけです。先日オバナさんは、玉川学園を歩いて一周しましたけれども、今回展示する作品との関わりの中で街の印象はどうでしたか。百葉箱というスペースは非常に狭い。あの中でだけの展示を考えるには難しいと思いまして、隣接する環境との関係性で表現したらおもしろいと思ったんです。それで、自分が最初に発想したのは、響きを象徴するものとしての鈴でした。日本語の75音にリンクさせるように、ある種の、文法を使わないことばの響きの波、たとえば「わそよみひ」といった場合そういったことばがあるわけではなくて響きがあるわけで、そういうものを、隣接する環境との間でつくれないだろうか。具体的には、歩いていくつかのポイントに鈴を設置しながら、何らかの響きを百葉箱に収斂させるようなことはできないだろうかと考えています。この街の印象自体はどうですか。非常に坂が多かったり、地形が平坦ではないですね。いった地形の複雑さが、作品と関係してくるんではないかと考えているんですが。自分は、歩くということと、鈴を設置するときにはいったん歩きを止めて、動から静に移って、そこに響きを発生させ、また次の動に移ってゆくという流れの中で、ある種の「詩もどき」みたいな、響きの節のようなものが出来るんではないかと思うんです。それに関係するようなものを箱の中にちょっと設置して、実はそれ以外のものを周りでやる。ここ(SPACE-U)との関係性も考えた、鈴の道のようなイメージを持っています。自分個人とのつながりというものを意識した上で考えてゆきたいと思います。展覧会会期中、いくつかのポイントに鈴を、つまり響きを設置するつもりです。百葉箱というもの自体についての印象はいかがでしょう。祠(ほこら)のような・・・。このスペースの「ユウ(*註:Uの中に−が入る特殊文字)」は、「くち」という意味で、古くは祝詞を入れる器ということもあって、そういうもののイメージを百葉箱に感じます。それから、光との関係性の中で、白くペイントされている百葉箱が、ちょっと高みを意識するようなイメージを持ちます。いう意味では、自分のギャラリーの「ユウ」と百葉箱のイメージは重なると思います。扉を開くと目、鼻、口のない小さな顔が数十個、さまざまな方向を向いてこちらを覗いている。一つの大きさは縦9cm×横6cm×奥行5cmほどで、顔面の部分は白い布で、おかっぱ頭のような髪の毛は濃い緑色の布でつくられている。これは作者が「和歌子人形」と呼ぶ、川上自身をモデルにしたもので、実際に彼女に会うと、顔の造作の特徴が実に的確に再現されている。この人形たちが、上にゆくほど狭まる傾斜をつくるように、箱の中にぎっしりと下から積み上げられて。私たちは、この無数にも見える「和歌子人形」と向かい合うことで、そこには顔の造作がないのになぜだか、川上自身のさまざまな感情や表情と出会ったような不思議な感覚を覚えるのだ。頭のない人型や、自己の姿を模した人形などが展示空間で無数に増殖し、そこで使われる赤や黄色の鮮明な色彩が強く印象付けられるインスタレーション作品を主に発表。個展:ギャラリーK(1998年,1999年)、ギャラリー山口(1999年)、藍画廊(1999年)*1999年開催の個展は同時開催、ギャラリーアート倉庫(2000年)他。SCOPE』(杉並会館ギャラリー.2002年)他。川上和歌子の作品とのはじめての出会いは、1995年に行われたギャラリイKでの個展だった。白い手袋を縫い合せたような、頭部のない無数の布の人型が壁面全体を覆い、さらに小部屋のような箱がいくつか置かれ、その内壁も白い布の人型で覆われている。床には鮮明な黄色の布が敷きつめられ、黄色と白とのゆるやかなコントラストは、それが現実の場ではないような不思議な印象を生み出す要因となっていた。この展示を見るにつけて、制作に費やしたであろう膨大な労力への想像と、非現実的な空間の様相は、川上という美術家に対する強い興味を私にもたらし、展示の一部である箱の中に川上自身に入ってもらい、たまたま持っていたカメラで彼女のポートレートを撮影した。1997』に、川上も加わってもらうことになり、天上から吊るされた数個のフレームに黄色い布の人型を無数に連ねて付けた展示が行われ、その後10年、彼女のさまざまな展示を見てきたのである。川上の作品はその間、展示の規模を増し、自身を象徴する「和歌子人形」ともいえるものや、極小の「枕」など、モチーフのバリエーションも徐々に増え、基調となる色彩にも赤や緑などが加わるようになったが、作品から受ける印象は見事なまでに変わらず、常に一貫している。小さな人型の果てしない増殖と、展示空間を統一する鮮やかな色彩。この2つが、きわめてシンプルな表現でありながらも深遠な「何か」を感じ取らせるが、川上の展示をはじめて見たときから、その「何か」とは、彼女自身の意識の内に在る視えない領域を暗示しているように思われてならなかった。その後、川上自身がモチーフとなるいわゆる「和歌子人形」が登場するのにあたって、そうした予感は確信に変わって今に至るが、作品から放たれる不変の個性は、彼女自身の核の部分が作品空間そのものとなって、そこに向かい合う私たちに寄り添うような感覚を与えることが、その源になっているといえるだろう。今回行われる展覧会では、胴体のない、のっぺらぼうの顔面が白で髪の毛が黄緑の「和歌子人形」が、43×43×43cmの空間にぎっしりと詰められることになっている。展示空間の扉を開けた瞬間に、私たちは多数の「顔」と出会うことになるが、川上の分身ともいえるこれらの「顔」たちによって、その刹那、彼女と私たちとの間にはどのような関係が結ばれるだろうか。解説のテキストの中で「和歌子人形」ということばを使ったんですけれども、本当にそういう名称なんですか。