音楽を聴いたり学んだりするのは、決して安くも易くもなかった。私がドラムを学び始めたのはおよそ2006年あたりで、YouTubeの誕生とほぼ同じ時期である。この当時市販のドラムの教材というと、教則本とそれについてくるCD・DVDくらいであった。中高生の頃は一緒に音楽をやる周りの大人たちに習い、大学生になると渡米し大学で音楽を学んだ。今は一丁前に日米中で演奏、講義やレッスンをするおじさんになった。消費者から生産者になったこの15年の間で、世間の状況も大きく変わったと思う。YouTubeの普及によって莫大な量の演奏や教材が無料で容易に手に入るようになった影響は、あまりにも大きい。聴く側、学ぶ側にとって様々な演奏、教材へのアクセスが容易になったのは良いことだ。確かに裾野は広がったかもしれない。悪い影響も無視できない。NAMMショーやPASICという世界中の音楽関係者が集まる展覧会に参加していると、この負の側面に関する議題が頻繁に取り上げられている。聴く、学ぶ行為におけるインスタント性の高まり視点1.レコード、CD、ウォークマン、ストリーミングと移る中で、一番良い部分に易くかつ安くアクセスできるようになった。お気に入りの1曲や1フレーズを見つけたりするのに何十分も曲を聴くようなことは、もはや一般的ではなくなった。YouTube、TikTokはその極致だ。インスタントな良さがすべてなのだ。視点2.そもそも動画というフォーマットのインスタントな良さというのは、名前の有名度・顔などのビジュアル・再生数や評価など、音楽の性質以外の要因が大きい。音楽の良さの基準が、音のない要因とも結びつき、変遷してきた。「情熱大陸か第九をサビから弾くしかないんか」と言うピアニストや「タキシードという出オチ」と嘆くオペラ歌手、さらには「じゃあ私も谷間出せばええんか」とキレ散らかすバンドマンまで、嘆いている内容は同じだ。視点3.YouTubeを含めたSNSでは、インスタントな「イイね」を取れるコンテンツが強い。これは学習者にとっても同じだ。理論の解説や、楽曲分析、地味なフレーズの繰り返しの演奏は、ウケない。動画の最初の数秒、場合によっては再生前のタイトルやサムネイルによって再生されるかどうかが決まる。そのため、大音量で派手なタム回しや、複雑怪奇なフィルが好まれる。日向があれば日影があり、派手があれば地味がある、そんなものは旧いのだ。全部日向が一番いいのだ。視点4.学習者にとっては派手な演奏などの断片的な知識がどんどん貯まっていくだけで、「なぜその演奏がよく聞こえるのか」「なぜその手順なのか」などの根本的な理解が進まない。最近学習を始めた生徒さんを見ていると、このパターンがほとんどである。これでは、すぐに飽きてしまう。どんなに派手なフィルが叩けても、アンサンブル力がないと、「自分の出番」以外はうまく叩けないし、つまらないのだ。視点5.無料で容易にアクセスできる派手な情報がある時代に、楽器店に行かなければ買えず、DVDプレイヤーが必要で、数千円もする教則本なんてものは、物好き以外は買わない。動画であればコメント、再生数、評価やクオリティなどで「良いもの」が簡単に判断できるが、教則本の良し悪しは、とてもわかりづらい。聴く側=消費者の耳も、学ぶ側=将来の作る側の手も、インスタントな音楽にチューニングされている。音楽はオマケになった。「CDショップやiTunesで30秒の試聴が導入されても、スローな良さを好む(=認知に時間と注意力を費やす)層はいなくならなかった。」「インスタントな良さに飛びついたファンも一部はコアファンに変容し、より長く深い音楽自体への注意をいずれ獲得できる。」「敢えて人気でないものを好む層もいる」「モノ消費からコト消費へ、CDからライヴへ」こんな慰めの言葉をいくら聴いても、現場のディストピア感は消えない。音楽はもはや単体では数秒の注意しか獲得できず、1曲0.01円まで価値は落ちたのだ。前述のコメントは我々の危惧の本質からズレているのだ。音楽自体で金をとる、音楽で長い時間の楽しみを提供することは、もうかなり厳しい。技術の革新と普及は避けられない。あらゆるものの価格は落ちる。そんなことはわかっている。(特に自覚のある)演奏者にとって、技術と市場の大きな力に負け、俗に落ちてこのインスタント化=音楽の価格の下落を加速させる歯車になることは大きな悲しみを伴うのだ。吹奏楽部のスポ魂化批判、クラシック奏者による「ポップス堕ち」した同業の軽蔑、インディーズによるメジャーの「大衆迎合」批判など、これまで数世紀の間、様々な形で現れてきたものも、ついにここまで来たのである。無料でコンテンツをオンラインに上げ、聴く者・学ぶ者をインスタントな良さにチューニングし、裾野を広げるとの名目で価値の低下を招く、そんな行為に対する嫌悪感。これはジレンマの一例に過ぎない。言う私も、もういろいろな形でこの業界の自殺に加担してしまっている。コンクールの実績では売れず結局アイドル化した音大卒のピアニストに依頼通りの派手な曲を書きながら、大衆向けと謳うクラシックコンサートでジジババに向けて燕尾服で千本桜を叩きながら、ミュージカル調なアニソンのドラミングを罪のない若者に教えながら、割と絶望している。コメント現役のプロとしてドラム/パーカッション講師を始めて5年目、生徒さん達からのアンケートを基にまとめます。個人レッスンを受ける意味として大きく分けると次の6つが考えられそうです。------1.何が違うのかを学び、効率的に練習できる。「なんかうまく聞こえない/叩けない」という曖昧な悩みの状態から「こうこうこうだからこうなっている」という具体的な原因と結果がわかっている状態に素早く辿り着けるのは大きな利点です。客観的な指摘をプロの視点から提供することで何がわかっていないのかわからない状態を脱却します。このプロセスを通して何を治すべきか目的が明確にわかるので、成長の効率が上がります。2.ひとりひとりに合った練習の内容を学べる。完成形のビートをやみくもに真似するよりも効率的な練習を学べるのも、大きな利点のようです。練習パッドのみ持っている、キックペダルも持っている、電子/生ドラムをやっているなど所持楽器の種類や、部活で毎日叩ける、仕事休みの土日だけ叩けるなど練習時間も、ひとりひとり異なります。これらを考慮して最適なプランを立てられるのもメリットです。ある生徒さんは1か月後の結婚式の出し物に向けて超特急で、ある生徒さんは全くの初心者でスティックの握り方から体系的に、ある生徒さんは経験者で見えていなかった部分をそれぞれ、そんな融通が利きます。自分の場合、通勤通学の空き時間などに楽器無しで練習する方法なども提供しているので、これも好評のようです。3.目標が目の前で見える/聞ける。自分自身楽器を始めたての頃は教則本の挿絵やビデオを見て自学をしていましたが、これはなかなか難しいです。私の後ろに立って奏者目線で観察したり、目標となる演奏をゆっくりにして/分解して聞いたりできるのが個人レッスンならではの良さです。録画、録音もOKにしているので、家に帰ってから復習できます。4.楽器や練習用品を買うときのアドバイスが得られる。これも意外とよく言われます。「これを買って練習になるのだろうか」「カホンはどこを見てどこで買えばよいのか」という相談にプロの演奏家の視点から答えられます。5.できるようになったことが明確になりモチベーションが上がる。場合は実際に上手くなるまで次のトピックには移らないので、上手くなったときの実感があるようです。確かに曲が叩けるようになった、ベースと離れなくなった、など成果が出るのは嬉しいですよね。6.自分の都合でレッスンとその支払いのペースが決められる。これは特に集団レッスンや大手教室、エージェントを通した場合と比べて、という話になります。集団レッスンですと、「毎週何時にどこどこ」という指定、固定があるようですが、私のような個人レッスンの場合、「今日は学校/職場の近く、次回は自宅寄り」「来週急に空き時間ができたからそこで」など好きなタイミング、ペースで学べます。月何回という月謝制でもなく都度支払いなので忙しい時期に振り替えないと損をするようなこともありません。-------特に上の5つの利点に関しては医者に診てもらうのと似ているように思います。「なんか咳が出るからかぜ薬飲む」よりも医者に行って検査を受けて原因と症状を明らかにして効果のある薬を処方してもらった方が効率良く確実に治せる、という具合です。この記事の内容がレッスン受講を考えている人、レッスン開講を考えている人、双方の役に立てば幸いです。東京でドラム、カホン、コンガ、音楽理論などのレッスンに興味がある方はぜひご連絡、ご予約ください。コメント1.打楽器奏者のタイプを知る世間には、様々な種類の打楽器奏者がいます。音楽のジャンル、シーン(場面)、楽器所有の有無、経験等を加味して適切な人に仕事を頼むのが大切です。音楽のジャンルについて、クラシック、ロック・ポップ、ジャズ、ラテン、それぞれ別の能力が要求されるのは他の楽器と同様です。複数のジャンルができる人もいます。打楽器奏者について特に留意して頂きたいのは、ジャンルによって必要となる楽器が大きく異なるということです。ドラムセットを使う仕事でも、ロックとジャズではほとんど別物のドラム、シンバルが好まれます。したがって依頼する奏者の所有する楽器が非常に重要になってきます。List(使用機材リスト)という形で自分の所有する楽器を提示する手段を持っていますので、ウェブサイトや問い合わせで調べましょう。)楽器の種類が特にわからない方は、経歴を見るか、直接相談しましょう。駆け出しの奏者は機材が揃っていない場合もありますが、複数の打楽器奏者がいる場合にはある程度機材力のある奏者が楽器のレンタルを行うという場合もあります。次にシーン(場面)についてです。これは依頼のタイプとも言い換えられます。小編成を組んで狭い会場でBGM的に演奏するのと、広い会場、厚い編成で音楽がメインの演奏をするのとでは、必要とされる能力も楽器も異なります。これに関しては経験値も大きく影響するので、依頼先の経歴やメディアを確認するとよいでしょう。学歴、受賞歴で判断するのは例外が多いのであまり賢明とは言えません。クラシック畑の学校を出ているジャズマンもいますし、アンサンブルょゎょゎなソリストもいます。(ジャズのできないジャズ科も......)エンドースメント(楽器メーカーなどの公式認定)のあるアーティストは多少信頼度が高いかもしれません。これには注意が必要です。好きなメーカーのエンドースは受けますが、あまり好きではない会社からのお誘いはお断りしている場合もあります。そのため、エンドースがなくても素晴らしいアーティストもたくさんいます。2.打楽器奏者の価格を知る打楽器奏者の報酬相場に関しては、世に出回る情報が少ないからか不安の声をよく聞きます。これは経験値や応用力、集客力に依って変わります。集客力は大きいファクターで、今でいうとSNSのフォロワー数なんかで露骨にわかります。知名度がありファン層がお金を落としやすいような場合には主催者側に入ってくるお金も大きくなるので、報酬額も高まりやすいという仕組みです。ライブ、コンサート系の仕事でよくみられるチケットバックや歩合といったものと、REC系の仕事でよく見られる〇万円という固定額のものの大分して2つ、報酬の設定方法がありますので、打楽器奏者側との交渉が必要です。「先生」や「マエストロ」と呼ばれる”お高い”人でも集客力がなかったりするので、特に初めて依頼するときは少し注意が必要です。経験値、応用力も報酬額に関与してきます。こちらは集客力ほど劇的な影響がないので、比較的お得な奏者を見つけることもできるともいえます。多くの場面、ジャンルを経験し楽器を所有しているような奏者はその場の状況を見て演奏以外の能力を提供してくれる可能性があります。複数ジャンルの音楽を一現場で演奏したり、大編成向けの楽譜しかないときに作編曲の能力を活かして小編成に書き換えたり、複数楽器の演奏ができることから小音量が要求される場面でドラムセット以外の楽器を提案したり、ミュージカルの経験と機材を活かして複数のパートを一人でカバーしたり、英語を生かして海外ミュージシャンとの通訳をしたり、人脈を活かして他のメンバーを調達したり、即興演奏の能力を活かして”引き伸ばし”を行ったり、そういった演奏の”一つ外側”の仕事を同時に行うことのできる人材が多くいますのでぜひ探してみましょう。(宣伝:上記は私のよく頂く依頼例です。)報酬額の設定方法については人によって大きく異なるのでまずは問い合わせて相談することをお勧めします。(宣伝:僕の価格表はこちら。)ちなみに報酬額を考えるとき、打楽器奏者側はこんなことを考慮していますのでご参考になれば幸いです。(ヒント:会場に楽器があると経費が安くなるので報酬額も少なくて済む。次の仕事の確約があるとちょっと安くしやすくなる。楽しそうかどうか:同じ人からもらった前の現場、”ヤバイ”共演者の有無3.仕事を依頼する時に送るべき、知らせるべきもの仕事がどれほどスムーズに進行するかは最終的な演奏のクオリティや次の現場の報酬額に間接的に影響してくるので、前準備の段階が当日より大切かもしれません。依頼の決定次第送られてくると嬉しいものは以下の通りです。場合の処理、反社の諸々。楽譜:リードシート、パート譜、スコアなど。楽譜と参考音源から必要な楽器を判断するのでとても重要です。クラシックをやる場合を除けばリードシートやピアノ譜が欲しいです。場面によって要求される音楽性が変わる、そもそも記譜はデタラメであてにならないことが多い、などの理由から叩くものが1音1音書かれていてもそれ通りにやる現場はほぼないです。クラシックをやる場面においては、とりあえず複数パート渡してみる、というのもありかもしれません。複数の楽器ができる奏者の多くはその音楽に重要なパートを判断してそれらをできる限り多く効率的にカバーしようとしていますので、打楽器系はティンパニ、鍵盤も含めすべて送ってみましょう。参考音源(リファレンストラック):同じ曲でもアレンジが違うと曲の構成や持っていく楽器が変わるので先に知っておきたいです。会場見取図:どのくらいのスペースを取れるのかによって楽器の種類や配置が変わってきます。PAの有無、ある場合はプランと連絡手段:マイクが立てられるのかどうかによって必要な楽器や演奏のスタイルが変わります。細かい話ではありますがタム直付けのクリップしか用意がないような場面ではウッドフープは避けています。ポップ、ロックの場面では特に電子楽器が要求される場面が非常に多い(私の場合99%)ので、PAさんと密接な連絡を取る必要があります。モニター環境も含め、双方向のやり取りが事前に判明していると気持ちがよいです。「奏者は演奏に集中するべきで、どんな奏者が来ても対応するのが音響屋の仕事」という一方通行無責任ピーポーもいますが、お互い気持ちよく、最大効率で最大限の結果を残せるよう努めるモラル感が私は好みです。4.リハ、本番日に打楽器奏者が気にすることリハや本番の日にも、仕事がスムーズにいくかどうかの鍵となる事項がいくつかあります。入り時間、ハケ時間:「打楽器奏者は最初に来て最後に帰る」と言われるほど、セットアップに時間のかかる現場が多いのが打楽器奏者の特徴です。たくさんの大きくて重い部品を組み立てる必要があるためです。従って、入って10分後に音出し、終演から20分で完全撤収、などと言われると楽器によってはキビしい場面も多くあります。事前の相談が欠かせません。駐車場、駅からの距離、搬入口、エレベーター広さ:上記と同様の理由です。衣装、メイク:これは他の楽器と同様ですが、黒服を持っていない奏者、タキシードを持っていない奏者などもいますので事前に相談しましょう。映像で抜かれる、ライトが強い、など、メイクの必要があるような現場ではそれも知らせておくとよいでしょう。男性ではどこまでできるか人によって大きく異なります。(宣伝?:私は髭剃ってファンデーションぺちぺちして、コンシーラーちょんちょんが限界です。)会場備品:特に駆け出しの奏者に関して会場の楽器や譜面台などを使う場合が多いと思いますが、この時は写真や具体的な楽器名を知らせると奏者は何を準備すべきかわかり、助かります。ある程度の経験のある奏者であれば機材全持ち込みということも多いので、その場合は特に心配ありません。5.最後に今回このような文章を書いたのには、紹介や集客力、学歴のみが判断材料になり、明らかなミスマッチの仕事を頼んで/頼まれて失敗したという方が多い、前述の判断材料が重視された結果若手に回せる仕事が少なくなる現在の構造、(自他含め)打楽器奏者ならではの事情が多く依頼者と演奏者のミスコミュニケーションがしばしば発生している、という背景があります。これらの問題は金銭的なことを含むビジネス的トピックを軽視、and/or忌避する業界の傾向が一因になっているので、今回の記事がこの状況を改善させられれば幸いです。(宣伝:お仕事のご依頼待ってます。コメントオンラインレッスンの第1弾として、デジタルパーカッション入門編を配信開始しました。打楽器の演奏者の皆様向けに作りましたのでぜひご覧ください。AppointmentBlogContact。