RELAY」は浅倉大介さんのご紹介で、ミュージシャンの土橋安騎夫さんのご登場です。高校時代からバンド活動にのめり込み、大学時代からプロを目指し活動していた土橋さんは1984年にレベッカのキーボーディスト、コンポーザーとして加入。翌年バンドリーダーになると「フレンズ」を含むほぼ全曲を作曲され、数々の名曲を送り出します。band等のバンドや、DJ活動、劇判音楽の制作など数多くのプロジェクトを進めている土橋さんにこれまでのキャリアから、コロナ禍におけるアーティスト活動についてまで、じっくり伺いました。安騎夫(どばし・あきお)1984年、レベッカのキーボード、及びコンポーザーとしてデビュー。「フレンズ」を含むそれ以降、ほぼ全作品の作曲を手掛ける。Tomorrow〜」がロックバンド史上初のオリコンチャート最高1位を獲得、累計140万枚のセールスを記録した。その後も全てのアルバムが同チャート初登場1位となり、名実と共にミリオンセラーアーティストになる。レベッカの活動休止後は、ソロ活動、アーティストプロデュース、楽曲提供、DJ、劇判制作など幅広いジャンルで音楽活動を展開中。edition)」をCDリリースした。自分でいい曲を作って、そのまま発表できる今はチャンスライブのモニター環境への不満とクラブミュージックとの出会い──レベッカは1990年に解散しますが、そのときは喪失感というか「お祭りが終わっちゃったな」みたいな感覚だったんでしょうか?土橋:いや、そのときは開放感のほうが先にありましたね。メンバーみんなそんな感じだったんじゃないかな。Bandというバンドを組み始めたんです。そこから90年代が始まった感じでしたね。Bandの結成は92年ですね。土橋:実は、その頃ってライブがあまり好きじゃなくなっていたんですよ。これは後々、色々なところで言っているんですが、結局キーボードを弾いているときって、今みたいにイヤモニできれいな音を聴くんじゃなくて、ころがし(モニタースピーカー)の音を聴いていたわけですよ。ボーカルやギターは動けるから色々なところに行けますが、キーボードってショルダーを持たない限り、定位置でころがしを聴いているしかなかったんです。レベッカのときもT.UTUのときもそうだったんですけど。それでライブの最初はいいんですが、終わりのほうになってくるとみんな熱くなってきますから、生楽器の音量はどんどん上がるし、キーボードも電気楽器だからいくらでも上がるんですね。タッチセンスで上がっている音ではなく、機械的にレベルが上がっているだけですから、結局どういうことが起きるかと言うと、音がぐちゃぐちゃになって、音程もわからなくなるんですね。それがすごく嫌だったんです。ライブはやらなくなりました。──当時のモニター環境が嫌になっちゃったと。土橋:もう本当に嫌でね。それで90年代の終わり頃に、LOOPというクラブに行ったときに、LOOPのような小箱ってDJブースに入ると自分の聴いている方向にスピーカーがちゃんとあって、結局DJが一番いい音で聴けるんですよ。大箱になるとまたちょっと違ってくるんですが、「これいいな」って思ったんですよね。それで、LOOPに通い始めて、2002年にそこでライブやDJをやったんです。──クラブミュージックですか?土橋:ええ。Realityという別名義でライブをやったんですが、それが結構自分ではよかったんですよね。インスト中心の曲でマイクが必要ないですからハウることもないですし、ステレオで聴くからとにかく気持ちがいいんですよ。──気分がいいなと(笑)。土橋:「あ、これだ」って思いましたね。その後2005年ぐらいに宇都宮さんとU_WAVEというバンドをやり初めて、再びライブもやり始めたんですが、そのときはもうイヤモニが存在していたので、80年代よりもやりやすくなっていましたね。──現在もDJ活動は続けられているのですか?。LOOPのあとにZeroというところでもやっているんですが、サウンドシステムにこだわりがあり、箱の鳴りは素晴らしいです。──YouTubeで聴かせていただきましたが、音がすごくいいですね。土橋:そうですか?ありがとうございます。音にはかなりこだわっています。YouTubeのそれは配信による音ですけど、クラブでやるともっと低音とかが出るのですごく気持ちいいんですが...まあこんな状況下なので今はできないのが本当に残念です。JAMを結成されますね。JAMは完ぺきに同窓会的な感じでしたね。「久しぶりだね」みたいな。レベッカは1995年に2日間限定の再結成ライブやって、2000年にシングルを出しているので、男子メンバーと会うのは9年ぶりだったのかな。そのときにボーカルをやってもらったのがsho-ta(田村直美)でした。──そして2015年にレベッカを本格的に再結成されますね。きっかけは何だったんですか?土橋:2013年にNOKKOのソロ・ライブにメンバーがゲストで出演したのがきっかけですね。この再結成はタイミング的にも良かったんじゃないですかね。久しぶりに集まって、みんなでレベッカの曲をやったときに、ちょっとでも時代とズレたりしたら「なんか懐かしいね」だけで終わっちゃうし、それでは意味がないですが、そこにプラスアルファ「新鮮だね」と思ったり「新しいサウンドにも聴こえるよね」とか、そういう喜びやリアクションがあったから、できたんだと思うんです。別に新しいことはやっていなかったわけですから。これってどのバンドでもあることで、タイミングが10年早かったら、そういう衝撃はなかったのかもしれないけれど、ちょうど2015年にやったときには、なんかピーンと来たんです。──この再結成のとき、なにか新しく録音をしたりとかはなかったんですか?土橋:いや、「フレンズ」などのシングルのハイレゾを出したくらいで、あとはライブですね。汐留で1回やって、「ロッキンジャパン」に出たんですよね。それで横浜アリーナを2回やって、さいたまスーパーアリーナを1回やりました。最後のシメがNHK紅白歌合戦という、そんな一年でした。──オーディエンスの反応は、昔とくらべていかがでしたか?土橋:昔よりすごかったですね。そのときは、ディスクガレージの代表の中西さん自らが全体のマネージメントやブッキングをやってくれたんです。それで一番最初に横浜アリーナだとキツイから、まずは汐留PITで再結成お披露目ライブをやって、あと「フェスに出るのはどうか?」みたいな感じで「ロッキンジャパン」に出て、ウォーミングアップをしてから横浜アリーナというスケジュールを組んでくれて、さすがだなと思いましたね。──中西さんは昔からレベッカのことをよくご存じだったんですか?土橋:ええ。僕たちのことをデビューのときから知っている人なので、こういう順番で組み立ててくれたんだなと思うんです。その横浜アリーナのときはステージが丸くはないんですが、後ろまでお客さんが入っている状態で、あんなに人が入った横浜アリーナは見たことがなかったので、始まる前は結構緊張しました。「どうしよう」みたいなね。メンバーも「大丈夫か?」と。(笑)──ステージに立ってみてどうでしたか?いろいろなことが蘇りましたか?土橋:蘇ったというか、なんだったんだろうな...やっぱりタイミングかなってそのときも思いました。オーディエンスがレベッカを久しぶりに聴きたいと求めていたタイミングと、我々もこのときみんな50過ぎで、気持ち的にも安定していた部分があったからこそできたんじゃないかなと思いますけどね。──最近は、再びライブを積極的に行われていますね。土橋:僕個人としては、特に2000年代後半からはライブがメインになっていますね。bandというSho-taとよっちゃん(野村義男)と一緒にやっているバンドも2011年ぐらいから始まっています。Bandも復活して、ライブをやっていますね。──色々なプロジェクトがずっと同時進行していると。ライブは全部イヤモニですから(笑)。──そうなると昔と違って、ステージ上のサウンドは気持ちいいわけですよね。横浜アリーナも埼玉スーパーアリーナも当然のごとく。bandは、主にライブハウスで演奏するので、ころがしで、昔みたいな感じになるわけですよ。ドラムが長谷川浩二君という、かなり音の大きいドラマーの隣でやる事になります。すると結構「懐かしくていいな...」なんて思ったりもしてね(笑)。土橋:昔、ホールでやっていたときは、ステージ上は音がぐちゃぐちゃなのに、オーディエンスはいい音で聴いてるっていうのがいやだったわけですが、ライブハウスだとオーディエンスと一体化している感じがしますから、「いいな」と思えるんですよね。──また最近はアニメや映画の音楽を多く手がけられていますが、こういった劇伴に興味があったんですか?土橋:そうですね。うちの父親が脚本・演出家だったということもあって、子どもの頃からよく舞台とかを観に行っていましたので、そこで流れる劇伴に対して小さいときから興味がものすごくありました。実は父親の関係で、小学生のときに、劇伴を数多く手がけた、とある大作曲家先生に会いに行ったこともあったんです。それで2000年ぐらいから劇伴を書く仕事も始め、今では自分の中で大きな位置を占めています。──やはりバンド活動とは違いますか?土橋:バンドというのは、自分のなかでわりと「決まったことをやる」とまでは言いませんが、ある程度、自分の中で方向性が決まっているんですが、劇伴というのは、自分を活かせる新しい場所であり、自分の新たな可能性を試せる場所という意識がすごくあります。──では、これからは映画やアニメの音楽にも力を入れていこうと。あと、シンセのサウンドをどこまで追求できるかとか、どこまで自分の音楽をシンセで表現できるかということにもすごく興味があります。ソロアルバムもそうですし、それとサントラ、ようするに劇伴もその流れなんですよ。Carnival」という宇都宮さんとnishi-ken、浅倉大介くんとやった公演で、それは追加公演だったんですが、すごく盛り上がったんですよ。実は、そのあとにシャケの還暦ライブのゲスト出演も3月8日に決まっていたんですが、3月くらいからライブがことごとくなくなったんですね。シャッターが「ガチャーン!」って降りちゃったような感じで、多分ミュージシャンはみんな気持ちが落ち込んだと思うんですよ。──土橋さんもですか?土橋:もちろん。「いきなりこうなっちゃうの?」みたいなね。意外にもろいというか。ウイルスが世の中に蔓延して、感染者が増え、ライブどころじゃなくなって全部中止になるなんて、誰も予想していなかったですし、「こういうことが現実に起きるんだ...」っていうぐらいショックでした。結局「このままではしょうがない。なにかやらなければ」と思った瞬間、僕はすぐにエンコーダー配信できるような機材を全部Amazonで買い集めたんです。それは先ほど言ったZeroで、自分1人でシンセサイザーを操りながらやるライブを去年ぐらいからやっていたので、これを配信できればと思ったんですよね。あとDJの配信に関しては、コロナ状態になる前からYouTubeでみんなやっているわけで、そこで自分の音楽をかけても面白いんじゃないかな?と、自分の配信をわりと早めに始めたんです。──実際にやってみていかがでしたか?土橋:実際にやってみると、配信って聴いている側とやっている側が完ぺきに分断されているんだなと思いました。昔から配信はいっぱいあったわけで、「おかしいな。どこが違うのかな?」と思ったら、配信には大きく2種類あって、僕がやっているような純配信と、もうひとつは、オーディエンスと演者が作り出すライブを配信で観る構造なんですね。結局、テレビで放送されるライブもそうですが、あくまでも演者はその場のオーディエンスに対してやっているんですよ。その配信は、オーディエンスと演者がやっている催しもの、そういう盛り上がっている雰囲気を観て自分も会場にいるというバーチャルな気分で楽しめるものであって、そこは大きな違いだなと思いました。土橋:つまり、純配信においては、オーディエンスとやっている側の距離をどこまで縮められるかというのが、今後の課題じゃないかなと思いました。演者もその会場にいるオーディエンスに対してか、配信で見てるオーディエンスに対してかで、パフォーマンスも変わってくるでしょう。それはオーディエンスの応援の力だったり、本番の緊張感があって初めてミラクルが起きるんだと。それって音楽でもあり得ると思うんですよ。上手くいった、上手くいかなかったとかじゃない、その場でしか味わえないような瞬間というか、それはスポーツも音楽も一緒で、そういった空間は演者とオーディエンスがいて、しかも距離が縮まらないと起こりえないので、配信でもその距離を縮めるようなことをいろいろ考えていかなくてはいけないと思います。今までは、例えばライブが5日間あるとして「3日目がライブ収録です」となると、毎日全力で演奏するけれど、意識の片隅で「3日目は収録されるから、ちょっと慎重にいこうかな...」みたいな(笑)。「毎日全部配信です」となると、その考えでいくと結構辛くなってくると思うんですよ。したがって、別のモチベーションを持つことが求められる。──もちろん配信は今までライブを観に行けなかった層の掘り起こしなどできるかもしれませんし、無観客でビジネスができるというのはわかったかもしれないですが、さきほど土橋さんがおっしゃっていたように、オーディエンスと演者の生み出すミラクルが、今のままでは生まれてこないと。