垂直像も含めて、ジャコメッティの彫刻は人間であるってことも大事だけど、それ以上にある空間を索敵するための棒という感じもする。ただの棒ではダメで、彼は細部を作ってしまう。いう風に捉えると、テーブル状の台の上に複数の人が立ってる作品も説明がつく。あの関係の中で人物像があるのかなと。それから油彩には必ずフレームがついてますよね。小さい像にはやたら大きい地山がついてる。いうものも、空間をフレーミングするためのものだったのかなあと。いう空間上の広がりのことでいうと、ロザリンド・クラウスがジャコメッティについて書いた「ノー・モア・プレイ」という論文があります。クラウスはシュルレアリスム時代の作品をすごく評価してるんだけど、垂直像を作り始めて以降の作品を全否定してるんですね。《ノー・モア・プレイ》のような初期の作品において、水平に場が広がっているというのと、形も決定しておらず変化していくという点にクラウスは革新性を見出している。それに対して垂直像はモニュメンタルで、モダンな精神性でしかないと。それでさっきの話に戻すと、ジャコメッティの垂直に立っている像が複数集まると、場ができて水平な広がりがでてくる。初期の試みと、垂直像を作るようになってからは基本的には変わってない。その話で連想されるのは、ランドアートで知られるウォルター・デ・マリアの《ライトニング・フィールド》です。これはニューメキシコの砂漠に避雷針を建てたというもので、雷が落ちてくるかもしれないという環境そのものを考える作品。環境の空気を考える、そういうものとしてジャコメッティの作品もあるんじゃないかな。考えると細いことも説明がつくよね。細いことで、空間の方が主体になる。チェース・マンハッタン銀行の作品も、ビルの高さがアトリエの高さと設定すると、その中でどういうふうに像が立っているか、という問題として捉えられる。銀行の広場を一つのフィールドと捉えていたんでしょうね。ジャコメッティの作品を模刻していた時に、最初は輪郭的に似せようと頑張ったんだけど、なかなか勢いが出ない。それで一度粘土を落として、何となくこういう感じだよなってやると、意外と似てきたりして。粘土って深度がありますからね。