君へと続く道」が好調ですね。台湾と日本、二つの文化を行き来することで、思い込みを取り外しやすい気がします。既成概念に縛られることなく、想像力が刺激されて、オープンな気持ちで観られると思いました。言葉も文化も違うので、芝居に対するアプローチも変わります。日本語なら今の言い方だとこうなるのでこうしたいんですと的確に指示できるけど、言葉がわからない分、感覚的なものを生かそうと考えました。映像では深夜の雰囲気だから、その深夜の感じをもっと持つとどうなる?とか。すると必然的に声が届く距離が減ったり、そういうのを試行錯誤するのが楽しかったです。シュー・グァンハンさんは主人公として、いろんな人たちの思いを引き受けられる、スケールの大きな俳優さんですね。ほんと、出会えてよかったです。36歳の主人公が18歳の頃を振り返る話で、プロデューサーからは最初、36歳と18歳、二人の俳優を提案されたんです。僕はどちらも同じ人でやりたいと思っていて。台湾で36歳と18歳、どちらもできる菅田将暉さんみたいな人はいませんか?と聞いたら、彼しかいませんよと言われました。映像に温かみがあって、透明感のある撮り方が印象的でした。俳優を起用して共に映画を作る、片や池内さんはトレーニングを通して俳優を育て、才能を引き出す役割を担っています。藤井監督は撮影現場で、この俳優は訓練が足りないと思われることはありますか。それはキャスティングした監督の責任です。そこでスムーズに撮影を進めるには、監督が1,000個手数を持つことが大事。俳優と一言で言っても、演劇出身、テレビ出身、映画出身とそれぞれ違うわけで、哲学が違う人たちを一つの作品に落とし込むためには、それぞれ異なるアプローチを試みます。感情で説明した方がわかりやすい人もいれば、はっきり言ってあげた方がいい人もいます。毎回いろんな俳優がいるので、相手に合わせてという感じです。俳優に必要な技術って何か?と考えると、例えば声や体の使い方などの技術。それらは基本ですが、今は「見抜く力」も求められていると思います。この現場では何を求められていて、どこまで提案するべきか。ここは見せるだけがいい、もっと喋った方がいいとか、そういうことも技術の一つではないかと。映画が演劇と大きく違うのは、何度でも撮り直せて、適切な距離感があることです。我々が撮影で、光で、音の強弱で、音楽を後でつけて、編集で俳優をどれだけ魅力的に見せられるか。今ちょうど16歳で演技未経験のヒロインを撮っています。いでたちはいいけど技術はない人を魅力的に見せるには、カメラが寄る、いい位置に入れるとか、助け合いがかなりできるんです。俳優は技術があるに越したことはないので、僕の作品は演劇出身の人が非常に多い。入る際、俳優にはどんな準備が必要だと思われますか。刑事ドラマで求められるものと「青春18」で求めるものは違うので。言えるのは、役を決め込みすぎないこと。台詞はしっかり覚えてきてもらい、そこで初めて演出が乗る状態になっているといいですね。演出が乗った時に本番で順応してくれる、それには技術力が必要かと。ご一緒していただく田中哲司さん。最初は台詞だけ覚えてきて、段取りでは台詞だけポロポロ喋っている。そこで、この役は人との距離感がうまく図れない、イップスではないけど自分の言語に自信が持てない役だったらどうなりますか?と提案をする。するとその言葉を彼なりにどんどん落とし込んでくれる。いう作業が現場で一番楽しいです。俳優さんが演出にすんなり乗れるのは、それ面白そうだな!ってその気にさせる言語能力を監督が持っているからじゃないかと思いますね。監督は学生時代からこの仕事を始められて、俳優さんの方が年上だったり、名前があったりしたことも多かったと思うんです。「それ、わからない」と言われたこともあったはず。監督には何百本も映画を観た経験も大事ですが、自分の脳内にある思いをキャストやスタッフにどう伝えたらやる気になってくれるのか、面白がってもらえるのか、その言語能力はかなり鍛えられました。演劇だと稽古期間が一カ月くらいはあるから、そこでうまくいかないとしたら、ちゃんと伝えていない、何が欲しいのかが見えていない、そういうことが積み重なったケースが多いと思う。演出家が神様みたいになっていて、俳優やスタッフがわからないことを聞けない空気だったり。対話が少ないと難しいですよね。中にはヒントを出さずに「もう一回」と繰り返し、延々とやらせる監督もいるそうです。僕は仕事で遊びだと思ってやっているから、早く帰りたいなと(笑)、テキパキしています。やってていいことないし、お芝居には新鮮さも大切ですし。新鮮さ、本当に心が動いて、対話が起こっている、そういう瞬間を撮りたいし、そういう瞬間をお客さんも見たいでしょう。1,000本ノックは若い人には必要な時があるかもしれない。発声練習は毎日のルーティンにしましょうというのはあるけど、ただ大人の俳優に意味もなく1,000本ノックは怖いな、と。トレーニングで一番必要なのは発声だと思います。僕らが日常というものを撮る時に、俳優には極力誇張しないで欲しいと思うんです。映像で説明できる部分もあるし、感情をちゃんと見せているから、そこに感情が更に乗るとくどくなる。その駆け引きをやる時に、すごくボソッと、言葉を相手に与えるのではなく手前に落とすようにして、それを相手が拾ってくれるようなラリーをしてほしい。教育を受けてない俳優がそれやると、おいおい、何言ってる?みたいになるんです。技術がある人なら、ちゃんと相手が拾えるようにできるのだけど。その辺りは若い人を演出していると痛感します。私はイギリスでトレーニングを受けて資格を取り、日本でヴォイスコーチを始めたわけですが。初期の頃はいろんな方がいらっしゃって、ものすごく勉強したい方もいれば、トレーニングしたって才能がなければ意味がないとか、現場で磨くものだから必要ないとおっしゃる方もいて。声の表現ってとても大事で、相手に届くようにストレートに言う、相手に拾ってもらいたくて言うなど、喋ること一つにも様々なパターンがあるんです。そんな時に自分の中に物差しがあると、選択肢が増えて表現が明確になる。昔は魂の叫びだー!みたいな芝居も多くてね。映画業界はまだまだありますよ。昔のスターとは不安定なもので、二日酔いで来て何言っているかわからないけどかっこいい、みたいな(笑)。その揺れがスターであるゆえん。みんながそれに憧れてもね。逆に若い俳優は演技の解像度を上げることに興味を持つ人が多いから、非常に上手い人が多いです。ここ20、30年ぐらいで世の中も価値観も変わってきて、今はちょうど古い芝居と新しい芝居が混在している時期かもしれませんね。今直面している悩みでは、演技および映画を作るにあたってのローカライズの難しさがあります。地方向けに作るとなると、ある種のエンターテインメントに特化した方が良いので、演出のアプローチが変わってきたり。海外向けになると、もっとコメディーを入れないとヒットしないとか、中国の方々はもっとわかりやすいものを求めているとか、そのチューニングがめちゃくちゃ難しい。「青春18」で、電話を誰かにかけて涙してしまう主人公のシーンでは、自分は無音にしたいと思ったんです。中国の映画では、「僕の心は張り裂けそうだ」みたいな台詞を入れなければいけなくて。一つ、今ちょうど配信のドラマを作っていて、芝居の付け方が映画とはまた違うんですよね。配信は途中で飛ばされたり、1.5倍速で見られることも多い。飽きたら終わりというシステムです。一気見をしてもらうことを目指す。そのために、いつものテンポの1.2倍ぐらいの速さで演出したり。感情重視で演出しているはずなのに、申し訳ないけどちょっと派手に......とお願いしたり。その選択肢があると知っていることはすごく大切ですね。目的を見失わなければ演出の軸はきっとぶれない。俳優にもこれは配信で、残酷なことに間というものが映画ほど効果的ではないと先に伝えた上で演出しています。BRIDGE/ブリッジ」がすごく好きなんです。ホラーとミステリーが混在するような作品で、すごく自然な演技で俳優に技術があることがよくわかる。世界観が日本やアジアとは違い、海や灰色の雲がずーっと続く感じで、ゆっくりドラマが進む。知らないうちに人が殺されていたりして、暗黒の世界がひたひたって迫ってくるような不思議なリズムで。いうサブスクリプションタイプの作品もたくさんありますね。ヨーロッパ系のミステリーでは「ダーク」というドラマがあります。それがめちゃくちゃ静かで、ズーンと低音が鳴り続けているという。総合力で間を持たせたり、吸引させていたりと、今は技術力がめちゃくちゃ上がっているんだなと実感できますよ。