Cobayashi小林健太Newfaveより刊行した2冊の写真集、『EVERYTHING_1』と『EVERYTHING_2』の間の4年間で、小林健太は国内外の美術館やギャラリーで多くの展覧会に参加、ファッションブランドに作品を提供し、新規オープンするメゾンのディスプレイを手掛けるなど、写真家として実に多くの、そしてスケール感のある仕事を行なってきた。同時に仲間や同胞とコラボレーションを続け、その作品は出版物やパフォーマンスという形で展開されている。学生時代から小林を知り、その軌跡と変化を間近で見るNewfave主宰・大山光平によるインタビュー。close.-2012年にこばけんの通う大学で横田大輔と行ったzineのワークショップに受講生として参加してくれて、写真を見せてもらったのが出会ったきっかけでした。見せてもらった写真も友人たちを撮ったストレートな写真だった。当時から渋家(渋谷の一等地の一軒家を複数人の10-20代の若者でシェアするプロジェクト)に住んでいたんだっけ?その頃から写真を使って作品を作っていくビジョンはあった?当時はまだ渋家に住んでいませんでした。大山さんと横田さんのワークショップで見せたのは家族や友人を写したモノクロームでストレートフォトのzineでした。ワークショップをきっかけに、同期だったPUGMENTの大谷将弘と一緒に大学のコピー機で遊びながらzineを作りました。その翌年から渋家に住み始め、日々の写真を撮りはじめました。MATE」や、巨大なzineを制作する「MMGGZZNN」プロジェクトを行い、現在の活動の起点となりました。zineの制作によって、写真のレイアウトを組む面白さに気がつきました。いえば大学時代に大谷と「流通」についてよく考えていました。美術大学の閉鎖的な空間に限界を感じていたんです。ハンドメイドの出版という手法は、流通の手触りを感じるために最適な手法に思えましたし、そのコレクティブを行なっている人が日本にいて、そこから世界中の評価を得たアーティストがひとまわり上の世代にいるという話は、勇気とインスピレーションを与えてくれました。EXPOSED#7」をキュレーションさせてもらうことになって、声を掛けた。ワークショップの後、ブログ『Everything』に写真を上げてたのをチェックしていたんだけど、当時は何を思ってネットに写真を上げてたの?高校時代に渋家の存在を知ったのですが、そのきっかけの一つが石田裕規(渋家メンバー:写真家)のブログで、熱心にウォッチしていました。石田の影響を受けて写真の面白さを知ったので、僕が最初にメディアとして扱ったのもブログになりました。高校時代『銀河ヒッチハイクガイド』が好きで、通学中によく読んでいました。Everything)」から引用して『Everything』をブログのタイトルとしました。EXPOSED#7」では展示のために写真をプリントするのは初めてだったわけだけど、モニター上で写真を見るのと展示のために大きくプリントして写真を見ることは、経験として違いがある?プリントとモニターでは異なる質感が確かにありますが、作品が空間に配置されることの感触の方が、自分にとっては大きな意味がありました。作品のサイズや配置を工夫して、空間が放つ意味合いを変えていくというのは、ある種の結界の作り方です。ウェブ上で表示される作品ももちろん重要なのですが、それはあくまで実空間の結界が作動するためのタネのようなものです。Forever』を作って、Newfaveで扱いながら海外のブックフェアに参加したね。アーティストが自分で本を作ることについて、またロンドンやNYなどのブックフェアについてどう思う?2014年から2016年にかけて積極的に海外のブックフェアに参加しました。いろんな国に自分の作品のファンがいてくれるのは、非常に嬉しい体験でした。日本からチームで参加して、ブースに立って販売して、終わったら酒を飲んで街を探検して、というのはキャラバンで行商しているみたいでとても楽しかった。大山さん横田さんをはじめとして、良いチームに混ぜてもらえて幸運でした。僕が初めて制作の楽しみを覚えたのは、中学生時代にフラッシュを使って雪の結晶を作るウェブサイトでした。工夫してユニークな幾何学図形を作って、そこに2、3件のコメントが英語で書き込まれたとき、制作を通して世界とつながることの喜びを知りました。海外のブックフェアで作品を販売して、実際に反応をもらうのは、中学生のときのあの喜びの延長線にあるような気がします。ISLANDS』ではVR作品を手掛け、『SOUND&VISION』では映像と音響を含めたパフォーマンス作品を発表した。この頃から写真を軸にしつつ扱うメディアを拡張し始めた感じだね。Scorpion、のちのVR作品『REM』ではビートメイカーのMolphobeatsとコラボレーションしましたし、『SOUND&VISION』では高田優希とコラボレーションしました。全員渋家で同じ釜の飯を食った仲です。作りたいものがあるから彼らに声をかけたというより、ただ一緒に何かをやりたかったから彼らを誘ってみました。そもそも写真というメディアは、外部環境を取り込むことでしか成立しない、コラボレーションのしやすいメディアだと思います。僕がタグやサインのように、ストロークをシンボリックな痕跡として残したのは、コラボレーションのために特徴的な形を埋め込んでおきたかったのかもしれません。Scrap』が挙げられます。これはひとつの写真に対して交換日記のようにそれぞれが加工や画像編集を重ねていくというユニークな取り組みで、写真への姿勢として二人に共通するものがあるからなし得たことでもあると思う。横田の存在や作品についてはどう思ってる?横田さんはだいたい10歳上の先輩ですが、海外のフェアではいろいろと案内してもらいました。アーティストやキュレイター、コレクターを紹介してくれました。ともに写真を大きくクラッシュする作風の写真家として、横田さんのファンが自分の作品を好んでくれるということも多かったです。Scrap』では互いの写真を交換しながら加工を重ねていきました。Photographs』に代表されるような、溶解したフィルムの技法に行き着くまでに、デジタル加工のバリエーションをいくつも試したことは知っていましたが、その片鱗をやり取りの中で感じました。自分としては、横田さんとやり取りの中で、共通点より相違点を見出せたことが影響として大きかったです。それらを自覚していくことで、自分の作品の輪郭が見えてきました。横田さんは日本の新世代写真家として、海外の現代写真のシーンに斬り込む先鋒の役割を担っていました。横田さんが望む望まないに関わらず、海外のシーンではプロヴォークの面々と横田さんの比較が成されていました。横田さんはそのことに真摯に向き合っていたと思います。僕は伝統的な日本写真からの影響もプレッシャーもなく、グローバルなデジタルネイティブとしての看板を背負うことになりました。そのようなシーズンも今は過ぎたように感じます。お互いにこれから全く異なる道を歩むような気がします。2015-そして2016年に初出版となる『EVERYTHING_1』を刊行。ブログからタイトルをとり、ライフワーク的に見せていくシリーズとしてスタートしました。一作目ということもあり小林健太とその作品を紹介する意味合いが強かったわけだけど、作品集を自主出版と出版社から出すことの違いは感じる?自主出版では、本の厚みを考えずに実験を行えるのが良いところです。『EVERYTHING_2』の編集でも感じましたが、「ラフさ」って大事な要素ですよね。勢いが死んでると面白くないので、自主出版はそれをキープするために有効な手段だと思います。画像加工のソフトウェアもどんどん進化が進んでいて、無料ソフトもたくさんありますし、今はラップトップ一台あれば面白いものをどんどん作れる時代ですよね。単発や小ロットで面白いものを作っても、その制作を維持してより深みに向かうには協力者が不可欠です。軍司匡寛さんのデザインや瞬報社のカレイドインキ、それらのディレクションをした大山さんのおかげで、自力ではたどり着けないものを制作できました。-写真は、ネットはもちろん本という形式との相性もすごく良くて、それが多くの人が写真集を買ったり作ったりすることの要因だと思うけど、作家によっては本はいいけど展示はおもしろくないということが起こる。作り手としてそのギャップについてはどう考えてる?展示の面白さは、空間への影響の強さですね。展示空間では立体的な結界を作るし、コレクターの家の壁にかかっていれば、その生活風景を緩やかに変化させます。そこで作品は、コレクターの家族や友人に対して開かれた存在です。一方で写真集は買ってくれた人の本棚に入って、コレクターの気が向いた時に開かれます。そこには壁にかけられた作品よりも、もっとクローズでプライベートな関係性が生まれるような気がします。僕は幼少期、寝る前にラジオドラマを聞いて育ちました。音声だけの限られた情報だからこそ、イメージが広がりました。写真集も、始まりから終わりまでの時間軸を扱うけれど、映像作品のような豊富な扱い方ではありません。限定的なメディアだからこそ、それを鑑賞した人独自のイメージが広がる、そんな良さがありますね。2016-ファッションブランドPUGMENTとの関係について。FAIRでパフォーマンスをして『IROHA』という本を自主で作った。2018年にはPUGMENTの2018AWコレクション『1XXX-2018-2XXX』をランウェイで撮影、その後Newfaveの同シリーズの本に合わせてイメージビジュアルを制作。PUGMENTの大谷将弘とは大学時代からの同期だということだけど、やはり他とのコラボレーションとは違う?大学時代、彼との対話で印象に残っているのは、ファッションの歴史がすべてミリタリーに行き着くということ。僕もちゃんと学んでみると、すべてのテクノロジーはミリタリーに行き着く。振り返ってみると、大谷との対話は、その構造的な悲しみに気づくきっかけになりました。いった問題意識が根底にあるから、PUGMENTの作品が好きです。Nephew」の期間中に『SOUND&VISION』をアップデートしたパフォーマンス作品『#VISUALINERTIA』を発表。『SOUND&VISION』でトライした画像編集のプロセスをリアルタイムで投影しつつそこに音響を乗せていくという形は踏襲しながら、ストロークを描く手段がマウスやトラックパッドからスマホに変わったことで、よりこばけんの身体そのものが浮かび上がる形になった。この作品の意図はどんなところ?『SOUND&VISION』では、ラップトップPCの中で起こっていることを投影する手法をとっていました。『#VISUALINERTIA』では、より体全体を使って制作に向き合いたかった。「イメージの拡大縮小」が持つ可能性を探究したかったと言うのが一つのコンセプトです。ディスプレイ上で拡大縮小しても、そこで起こっていることのその本質的な面白さを生かし切れていないのではないか。体より大きな編集空間が、最終的にはA4サイズの表現に収まるといったような、ダイナミックな拡縮を扱いたかったんです。一つの理由は、前作からの4年間で、自分は頭の中の探究に結論をつけ、体を通して初めて可能になる表現へ向かっていきたいと思っているからです。頭の中の探究で行き着いた端、それが「グリッドの宇宙」です。Photoshopを拡大しまくると現れる幾何学空間です。あのグリッド空間こそ、脳内で発生する言語的な情報空間の基礎単位であり、美しさの一つの基本形であり、概念としては原子論や、決定論的な世界観とリンクしています。それがわかったから、自分が何を制作で求めていたのかよくわかりました。デジタル美学の果てに、自分はタッチしたと感じています。そこから引き返して、未知の領域である体の世界の美学へ向かっていきたいんです。それはグリッドの外側、つまりこの現実空間の探究であり、不確定な量子論的な世界観とリンクしています。「現実の面白さ」に気付くまでに、人は様々なルートを様々な時間をかけて辿るのだと思いますが、自分は制作活動を通して辿り着きました。そのことには、もう感謝でいっぱいです。2019-今回リリースした『EVERYTHIG_2」の話。今作は、前作からの4年間で様々な国内外での展示や仕事など経験してからの刊行となったわけだけど、前作と比べて自身の変化を感じるのはどんなところ?出版した後の、この心地よさです。『EVERYTHING_1』では、自分の作品に対して未開拓の状態でした。『EVERYTHIG_2』は、自分の作品に対する認識が、比べ物にならないほど開拓されました。『EVERYTHING_2』に掲載されている作品は『EVERYTHING_1』の作品と同時期に作られたものもありますし、今年制作したものもあります。4年間の幅広いシーズンに対して、前作とは異なる俯瞰した視点からレイアウトを組めました。出版の直後にコロナウイルスが流行して、世界は一変しました。その意味でも、この写真集は自分にとってシンボリックなものになりました。時間をおいてこの写真集を見たら、また違う意味合いが浮かび上がってくるような気がします。-今作では東京を俯瞰するように撮った写真が随所に見られます。都市のどういったことに注目してる?都市の構造には、その形に向かう人々の集合無意識が表出しているように思います。世界経済はこの形めがけて、どこも同じように発展しているのですから。それはコンクリートと電飾に満ちていて、さながら立体棒グラフのように、xyz軸がグリッド状に処理されています。確かに、そこにはある種の美しさがありますが、恐ろしく退屈な眺めでもあります。・・・しかしコロナウイルスで状況は変わりました!もしこのウイルスと、これから長い間付き合っていかなければならないとしたら、この一極集中の過密都市モデルは無効化されます。ウイルスの流行は痛ましいことですが、あえて言うなら、このパラダイムシフトには多くの可能性が秘められています。-表紙でも見られるように、写真の上にストロークが走るのがひとつの代名詞になりつつあるけど、今作では始点と終点あたりが割れた筆のような、あるいは植物のような、装飾的な質を持つバリエーションが見られるね。あとは8の字を描くような動きも幾つか見られるのが興味深い。ストロークの動きや質に対してどう考えてる?ブラシの種類によっては、処理に時間がかかって重たいフィードバックになります。処理の重さ軽さは、デジタル空間の重さを感じさせるフィードバックとして、ストロークの走り方に影響しています。ストローク同士の交差による立体感も前作よりアップしています。Photoshopの編集空間における浅い奥行きを探求しています。2020-高校生の頃からマーク・ボランなどのサイケデリック・ミュージックを聴いてたっていう好きな音楽の話を聞いて、改めて作品を見返すとその影響の大きさが感じられます。00年代に流行していたものではなく、60-70年代の音楽や思想が背景にあることが作品に奥行きを生んでいる気がする。ティラノサウルス・レックスからT・レックスへの移行は、なにか自分の作品のテーマと通ずるところがあるかもしれません。60-70年代の文化は、テレビやエレキギターといった電気的な新しいメディア、サイケデリックムーブメントの人間存在への探究心、その初期衝動的な感応が好きです。自分はもっと遡ってエドワード・マイブリッジも好きですが、初期衝動の中に隠されているヒントに関心があります。現代は、あらゆるメディアにおいて、洗練させることに価値を置きすぎていると感じることもあります。自分は生まれていない時代ですが、インターネットで60-70年の文化を知りました。資本主義と共産主義・テクノロジーやメディアの発展・戦争の大義・人間存在の意味・宇宙開発への希望が同時に問われた、人類史においても一つの転換点となった時代なのではないでしょうか。その後80年代以降の超資本主義へ向かう舵取りで、こぼれ落ちたものがあるはずです。それを探したいんです。コロナショック後の世界は、ある意味で60-70年代に匹敵するほどの転換点となるかもしれません。実験と発明の初期衝動が、少なくとも僕の周りには漂っています。-色校正の時に印刷物のおもしろさを改めて感じたと言っていたのが印象的でした。展示やネットでの鑑賞と違って、写真が印刷された紙面を実際に手にとって観るところが写真集の魅力でもあるよね。今作は「カレイドインキ」を使用して、ディスプレイで見るのと遜色ない発色で再現できていることもポイント。変化球が好きなので、特殊インクを使っているというのは個人的にも嬉しいです!ディスプレイは光を放ちますが、印刷は光を吸い込むような面もありますよね。それが印刷物の魅力かなと思います。-『EVERYTHIG_1』を作る際、継続的にリリースすることを念頭に置いてデザイナーの軍司くんがゴム紐一本で今後のシリーズをバインドして一冊にできるという、シンプルで素晴らしいアイデアを出してくれた。今後も『EVERYTHING』シリーズは出していきたいね。合体させると、エッジが尖っていくところがカッコいいです!「EVERYTHING」という言葉は、写真という言葉の不思議さと通ずる感じもします。future!小林健太1992年神奈川県生まれ。東京と湘南を拠点に活動。YESTERDAY」フォンダツィオーネ・プラダ・ミラノ(イタリア、2016年)など。2019年には、マーク・ウェストン率いるダンヒル、2020年春夏コレクションとのコラボレーション、またヴァージル・アブロー率いるルイ・ヴィトン、メンズ秋冬コレクション2019のキャンペーンイメージを手がける。主なコレクションに、サンフランシスコアジア美術館(アメリカ)などがある。2016年に写真集『Everything_1』、2020年に『Everything_2』がNewfaveより発行。