076-220-2800人間と自然のより調和的でバランスのとれた関係を目指す上で、アートはその特性とするオープンで受容的な考え方や、既存の前提を疑う姿勢、そして今を生きる我々が、意識をどこに向けていくかを再考する重要なプラットホームとなり得る。人間の自然界への積極的な関与もまた、現代的な意識の変化と「世界」の把握に影響を与えるものと考える。展覧会「Lines—意識を流れに合わせる」では、自然の中に見出す手がかりを、どこまでも追求するアーティストらによってもたらされるもののほとんどが線に沿って進んでいるとするティム・インゴルドの考えを参照して、世界を相互に結びついた生態系のプロセスの網の目として理解し、私たち人間の創造的実践をより広範な文脈の中に統合すること、また、生きるためにさまざまな亀裂を縫い続けて線に沿って歩くことを現在進行中の前向きな「なりゆき」のプロセスと捉える。線の探究に積極的に参加する作家作品を紹介する。気鋭の人類学者であり社会科学者としても知られるティム・インゴルドは、線という概念について興味深い視点を持っています。彼の著作のひとつ「Lines」によれば、線は世界にあらかじめ存在する実体ではなく、むしろプロセスであり活動そのものであるとの考えを示しています。線がどのように世界という織物の中に織り込まれ、物、人、アイデアをつないでいるかについて、インゴルド氏自身が研究の一端を語ります。意識を流れに合わせる」の出品作家6名が、作品の前で自作について語ります。制作のコンセプトやアイディアなど、制作者の生きた声で語られる貴重な時間です。Humeauは、昆虫の集団行動に深い関心を寄せ、彫刻や映像作品に反映させています。彼女の作品にちなんで、蜂の生態について深く知るレクチャーと、美術館の敷地内に設置したニホンミツバチの巣箱の見学の会です。よるアーティスト・トーク+若狭と京を結ぶ鯖街道群についてのレクチャーとダイニング。※8/15にチケット販売を開始いたします。WEBサイトをご確認ください。意識を流れに合わせる」は、地球上のあらゆる有機体が紡ぎ出す糸の絡まりとその関係性の網目を考えてみようという展覧会です。美術館内で作品を紹介するだけでなく、自然の中にも「線」を発見する散歩をお薦めしています。各回、黒澤浩美(金沢21世紀美術館チーフ・キュレーター)、野中祐美子(同キュレーター)いずれかがナビゲートを務め、美術館の敷地内を散歩するツアーです。身体はダマされない【終了】VRゴーグルを装着したアーティスト日比野克彦が仮想空間と現実空間を行き来しながらそれぞれの空間に脳(意識)が移動し、それに身体が反応してライブペインティングを行う、ワンナイト・イベント。今年2月に南仏フォンフロワドにあるルドンの壁画の部屋で描いてきたVRのデータをきっかけに金沢の地では何が起こるのか?その場で目撃しないことには、この感覚は伝えきれない...。呼ばれるモノと、人々がどのような「関係性」にあるのかをスタディしました。今回はその関係性を写し取ることで全体構造を可視化し、モデル化したものを展示します。実物のネオン管で言葉や消費されていくイメージを制作して、それを忠実に絵画に描く横山奈美。Words(言葉のかたち)》だ。目と心に導かれた手の動きによる書き文字は、その瞬間のその人の意図、感情、思考を反映した独特の痕跡を生み出す。手書きの「Lines(線)」は、言葉の意味以上に心と身体と外界を直接結びつけることができる。日本海は、アジア大陸と日本列島に囲まれた縁海で、対馬海峡からの対馬暖流が流入する。外洋との海水交換が表層に限られた閉鎖性の高い海域で、3つの海盆があり、その中央は大和堆と呼ばれる浅瀬だ。2024年1月1日の地震で被災した能登半島は、この日本海に最も突出した半島である。2024》は、円盤にプリントされた世界を構成する大陸のダイナミックな動きと、その上に据えられた銀色のオブジェが大和堆の上の空と海を、盤上を静かに動く振子には大和堆の地形が溝に刻まれている。時間と共に変化する陸地と海の関係は、常に「なりつつある」状態にあり、人間社会が共有する時間の軸とは異なる時間を刻む。大巻は実体を固定的で静的なものとして見るのではなく、関係の網の目の中に取り込まれ、環境との相互作用の中で常に変化しているものとして見るべきと本作で示唆して、量塊とそれを取り巻く環境との間がゆらぎながら変化している「動き」を表している。素材を巧みに使いこなし、ファウンド・オブジェクトやアーカイブ資料を作品に取り入れた作品は、先住民の血を引く自身の身体性、時間と記憶のレイヤーが一体化しており、深みと意義に富んでいる。*モノタイプ:版に直接インクや油絵具などの描画材を用いて描画し、その上に紙をのせて圧力をかけることにより、版に描画したイメージを紙へと転写する版画技法。2015年アナツイの代表的な作品は、金属ボトルのキャップ、牛乳缶の蓋、アルミの帯など、廃棄された素材から作られた複雑なタペストリーであることが多い。これらの素材を丹念に縫い、織ることで、記念碑的な彫刻へと変貌させている。直面する地域社会の回復力というテーマを物語っている。対する感受性の反映をダイナミックに表した大作である。動物の関係などのテーマを探求している。彼女の彫刻作品は、しばしば人間以外の生き物とその環境との関係を探求し、すべての生き物の相互のつながりに注目させる。昆虫が生態系の中で繁栄するために採用している複雑なシステムとコミュニケーションの方法は、科学的な見聞と、彼女が感じる生き物の本質の両方を捉え、ユモーの彫刻を傑出したものにして生命を吹き込む。音や光、香りの要素もしばしばインスタレーションに取り入れ、彫刻、ドローイング、インスタレーションといった伝統的なメディアと、科学的リサーチや思索的なストーリーテリングを組み合わせて、崩壊しつつある人間社会から、昆虫コミュニティ内の秘密の生活のシミュレーション、そして新たに形成された集団がシンクロする過程にある未来の集まりの予想図を見せる。奈良時代の木簡や平安時代の法典「延喜式」からは、若狭が「御贄(みにえ)」を納める国であったことがうかがえ、今日においても「鯖街道」と呼ばれる道筋が、人々の往来を示すLines(線)として地図に標が残っている。鯖街道沿いの豊かな食材と、自然界の繰り返しに寄り添う季節の移ろいを表す風景を、繊細で透明感のある写真にとらえてきた。街道沿いを実際に歩くように50作品から成る連作は、人々の営みが点で構成されたものでなく、時間と空間をつなぎながら美しい網目となって絶えず変化し、相互に作用し合っていることに気づかされる。LOOGATHAサリー・ガボリは、故郷のクイーンズランド州ベンティンク島をモチーフにした鮮やかな土地や海の風景で知られるオーストラリア先住民のアーティストである。モチーフーとは全く異なる、大胆な色彩を独自のリズムとパターンで展開するスタイルを築いた。彼女の民族・カイアディルトを中心に、アボリジニの先祖が代々継承してきた土地、海、空を、まるで空を飛ぶ鳥の視点から地上を見おろしたように描いている。躍動感と活力のある作品群は、彼女の個人的な人生と、民族の文化的な物語を力強く表現したもので、自然と民族への共感で溢れている。2005-2020年マーク・マンダースは1986年より「建物としての自画像」という構想に沿って、インスタレーション、彫刻、紙作品やドローイングなどの作品制作を行なってきた。これらの作品は、架空の建物のメタファーであると見なし、正確な形や大きさが定まっていない別々の「部屋」に分けられ、時間的には始まりも終わりもない。このコンセプトに基づいて、粘土やブロンズ、木といった身近な素材を用いて、実際に使用した素材よりも脆弱に見える彫像を制作。未完成、あるいは壊れてしまったブロンズ製の人物像のほとんどは、人間存在の不確かさと曖昧さに重ねてみれば、私たちの時代における、漠然と人々が持つ不安や見通しの暗さに重ねることもできる。特定できない場所、時間、人物が網の目のように交錯する作品群は、静謐と不穏の混じり合いの中に人々を導いていく。2023年サム・フォールズのキャンバスの作品は、太陽の光、雨、風といった自然の要素を利用して、キャンバスの上に植物を配置して何週間にもわたって屋外に置く。このアプローチは、環境と作品との共生関係をもたらし、伝統的な芸術的創造と自然の力との境界線を曖昧にする。この独特のプロセスを通して、無常、儚さ、時の流れといったテーマを探求しているが、彼の作品を考えるうえで、より重要な点は、最終的な作品と同様に芸術表現の一形態として制作行為を重視し、その実践において自発性と即興性を受け入れていることであろう。関する詳細なリサーチと内容の分析を通して培われた学際的な活動を元にした作品で世界的に知られている。Rouge」にも現れている。紀元前2300-300年と言われる新石器時代の円形土塁の土壁の痕跡や、19世紀のフランス植民地時代のゴム農園、ベトナム戦争で放棄された飛行場などが描かれたものだ。Archives)から、政府や政府内の通信文書を入手、地図に印を付けて脱出の歴史を再構築。1975年以降のベトナム難民がアフリカ、中東、ラテンアメリカなど世界中に脱出した海路と陸路、そして秩序ある出国プログラムの軌跡を描いている。(UNHCR)の記録と、タイ湾で海賊がベトナム難民の船を襲撃した場所の座標を基にしたこのビデオインスタレーションは、襲撃され水中で命を落とした人々のための象徴的な海洋葬をテーマに、私たちを歴史的トラウマの現場へといざなう。強制移住の複雑な経験だけでなく、追悼と癒しの行為を通して、私たちの世界の非人間性の下に埋もれた人間性をも思い出させてくれる作品群である。2023-2024年1982年、東欧の歴史的地域であるルテニア生まれとされる以外に、詳細な経歴を辿るのが難しいオクサナ・パサイコの無名性は、完全に意図的に作り出されたもので、創作はアーティストの存在そのものにも及んでいる。2004年の「マニフェスタ5」に参加した際、彼女は展覧会カタログの略歴に「アーティストの希望により、彼女の人生についての詳細は掲載されません」と記載するよう求めた。《短く悲しい文(二国間の国境に基づく)》は、石鹸に人間の髪の毛が1本ずつ固定された作品で、これらは争われる国境を隠喩的に表現している。ルテニアは正式な州ではないが、ポーランド、スロバキア、ハンガリー、ルーマニア、ウクライナに挟まれた東ヨーロッパの一地域である。森も山も海も、本来は分離した境界を持つ個体ではないにも関わらず、人為的な国境「線」による分断は、東欧の歴史が数世紀にわたって直面してきた戦争や紛争と深く関わっていることと密接に絡まっている。2010年ユージニア・ラスコプロスは、写真、ビデオ、インスタレーションなど様々なメディアを使い、印やジェスチャーがどのように意味を持ち、個人的あるいは文化的な物語を伝えることができるかを探求している。タイトルの《作り直すまたは言及する》は、既存のマークやシンボルを再解釈または再想像するプロセスを示唆しており、視覚言語を通して意味が構築され、伝達される方法について、彼女の関心を浮き彫りにする。線は、移動、成長、つながりの道筋を表し、糸は人生のさまざまな側面を織り成す糸を象徴している。印をつけることと作ることは、人間が環境と関わる活動の痕跡であり、ひいては個人は日々の生活を通して世界を作る継続的なプロセスに参加している。2009年ガブリエラとシルヴァーナ・マンガーノは、プライベートで親密なジェスチャーで凝縮された、ビデオ作品において独自の美学を生み出している。《落下の可能性》は、二人の腕が、まるで空間に絵を描くように動きながら、姉妹の手にテープが絡みつき、素早いジェスチャー(身振り/手振り)で優雅なダンスをなぞる。テープは、動きの中で二人の間で交換されながら、常に二人をつないでいる。冒頭はバレエのような優雅さと互いに呼応するような動きで始まり、時間が経つにつれ、より緊張感のあるやりとりになっていく。ジェスチャーは孤立した行為ではなく、文化や歴史、身体化された経験と複雑に結びついているので、社会規範、個人のアイデンティティ、過去の経験と相互に関連していることを認識するきっかけにもなるだろう。デス・マスク》は、トイレ、蛇口、ロール付きトイレットペーパーホルダー、タイル、水洗ボタンといった衛生器具のデス・マスクを鋳造するための鋳型の作品である。トイレという、本部の限られた権力者のみがアクセスできるプライベートな空間を象ったもので、未焼成の粘土で鋳造された彫刻は、この空間の断片的な相似形となる。金沢の土を使って彫刻は複製され、どのような数でも、どのような組み合わせでも展示することができる。トイレという日常的な排泄の場をパブリック・ドメインとして再構築することで、権威的な建築に立ち向かい、オリジナルとコピー、排他性と包括性、ひいては権力のインフラとその日常的な顕在化との関係も問い直す。人間が生態系システムの中では参加者であるという考え方に基づいた映像作品である。海洋海面上昇のため、今後数世紀のうちに、より高い場所や高層ビルへと垂直に移動することになるだろう。クラゲなど、水中に生息する複数の生物が集まった群体生物の物語は、私たちの物語でもある。生身の人間は漆黒の深海を旅することはできないが、私たちがつながっていること、私たちの行動が互いに影響し合っていること、そして共通の運命を共有していることを認識するために、観察し検討を加えることはできる。作品では、センサーによって、人が近づけば生物が遠のき、人が謙虚に距離を保てば、やがて生物はゆっくりと画面を横断していく。※《垂直移動》は市役所側のガラス壁面にて、16:00〜22:00に上映(休場日を除く)。2024年エンリケ・オリヴェイラは、しばしば廃棄された家具や建設現場などの都市環境から作品材料とする木材を調達し、彫刻やダイナミックなインスタレーションに変えて、新たな命を吹き込んでいる。環境の関係についての考察など、何層もの意味を持たせている。曲がりくねった有機的なフォルムは、まるで今でも成長し、部分的に空間を支配して、自然界の境界線を曖昧にする。美術館の内外が人の往来によって可視化されている建物の入口(出口)に門のようなフォルムの新作を発表する。2004年サラ・ジーの作品の多くは紙、金属、木、プラスチック、ボトルや椅子、電球のような拾い物など、日常生活に使われるありふれたモノを素材に組み合わせ、繊細で精緻なインスタレーションである。《喪失の美学》は、オブジェクトが組み立てられたり分解されたりする過程にあるような、絶え間ない流動的な状態を示唆し、彼女が探究する「混沌と秩序」という関心事や、物体をどのように配置・構成すれば、複雑さとバランスの感覚を同時に生み出すことができるかという二面性を見事に反映している。複雑な構造を辿って混沌と秩序の間の緊張と戯れながら、私たちが身の回りの世界をどのように線に沿って知覚し、ナビゲートする作品である。団体鑑賞プレスルームメールニュース登録よくある質問お問い合わせ。