A magia acontece todos os dias em Nashville.
Qualquer garagem, sala de estar ou estúdio improvisado pode ser o berço de uma trilha sonora que molda a vida. Dos primeiros rascunhos às gravações finais, alguns dos álbuns mais influentes da história americana ganharam vida em salas assombradas por melodias de titãs da composição: Cash, Parton, Dylan, Kristofferson, Prine, Brooks, Lambert, Swift... e a lista continua.
Artistas viajam para os refúgios de Pie Town, amontoam-se nos porões de Berry Hill ou contratam operações sofisticadas do Music Row. Cada nota poderia aproximar um compositor de uma ideia – descoberta após a primeira rotação de “Blonde On Blonde” de Bob Dylan ou “Red” de Taylor Swift – de que eles poderiam gravar um álbum que moldaria uma geração.
Apesar de um cenário em constante mudança para artistas e fãs, a produção de álbuns continua a ser uma obra de arte de assinatura que, na sua maior parte, pode ajudar a definir a cultura e - na sua forma mais íntima - oferece um companheiro inabalável para as maravilhas da vida quotidiana. Fama do TikTok? Engajamento no Instagram? Para alguns que entram em uma fileira praticamente interminável de estúdios em Nashville, as métricas descartáveis ​​ficam em segundo lugar na criação de uma coleção de músicas que sobreviverão por muito tempo ao compositor.
E em uma cidade onde alguns buscam singles de rádio sofisticados e tendências da moda, a produção de álbuns continua a ser um elemento criativo que pode reunir um auditório de canções suadas e catárticas e impulsionar cantores de cidades pequenas a premiar palcos de temporada.
“Nashville está muito além do talento”, disse Dave Cobb, produtor vencedor do Grammy com créditos que incluem Chris Stapleton, Jason Isbell e John Prine. “Artistas incríveis. Grandes cantores, grandes compositores. É por isso que todos nós nos mudamos para cá, certo?”
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Do vinil à fita cassete, CDs, downloads digitais, streaming e de volta ao LP, a forma como os fãs consomem música pode ser um pouco como praticar um esporte onde as regras podem mudar no meio do jogo.
E o que acontece quando um torcedor corre em campo para roubar a bola? Digite: Pirataria. Duas décadas atrás, o compartilhamento de arquivos peer-to-peer revolucionou a indústria musical de uma forma que nunca havia acontecido antes e que não aconteceria novamente até que o COVID-19 atrapalhasse os artistas ao vivo.
Os fãs pularam as filas das lojas de discos e das seções de eletrônicos das lojas de departamentos – onde as gravadoras disputavam semanalmente espaço endcap – para roubar álbuns on-line via Napster, Limewire e programas similares. As vendas de música – principalmente CDs – começaram uma lenta espiral descendente.
Por exemplo: em 2000, as receitas musicais ultrapassaram os 14 mil milhões de dólares, com 13,2 mil milhões de dólares em vendas de CD, de acordo com a Recording Industry Association of America. Em 2010, a receita global foi cortada pela metade, chegando a cerca de US$ 7 bilhões. As vendas de CDs caíram para US$ 3,4 bilhões naquele ano, enquanto as vendas digitais ultrapassaram US$ 2 bilhões.
“Grande parte da erosão dos CDs é uma coisa de cauda longa”, disse Doyle Davis, coproprietário da Grimey’s New and Preloved Music em East Nashville. “Lembro-me de quando fui visitar a casa dos amigos e tudo o que eles usavam era um iPod com alto-falantes remotos amplificados. Eu diria, ‘Esse é o seu aparelho de som? O que aconteceu com o seu aparelho de som real?’ Chegou ao ponto em que [eles não estavam] mais tocando CDs.”
Mas fazer álbuns? Continuou. Os artistas não pararam de criar e os fãs nunca pararam de ouvir.
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“As pessoas falam sobre músicas por um segundo, e isso simplesmente desaparece”, disse Paul Roper, presidente do selo independente Dualtone Music Group de Nashville, lar da atração principal americana Lumineers, do cantor country Hays Carll e muito mais. “Mas se você tem um álbum, ele resiste ao teste do tempo se ele estiver conectado e se houver algo realmente especial nele.”
Por volta de 2014, o streaming tornou-se uma fonte de receita obrigatória, um movimento que transformou simultaneamente o gatekeeping e a descoberta de música – novamente.
E embora ainda seja financeiramente controverso para artistas e compositores que regularmente fazem lobby por taxas de royalties mais altas, o streaming impediu muitos de roubar música online para modelos de assinatura gratuita ou paga. No ano passado, a receita musical se aproximou de US$ 15 bilhões, a marca mais alta desde 2000, segundo a RIAA. O streaming por assinatura paga atingiu cerca de US$ 8,6 bilhões, mais de 50% de toda a receita.
Agora - depois de anos lutando para colocar a proverbial bola de volta em campo depois que a pirataria a roubou - o que acontece se as regras do jogo continuarem mudando... e as regras antigas ainda existirem? Isso é lançar um álbum em 2022.
Artistas e gravadoras devem descobrir como lançar música para todos os fãs – nativos digitais, colecionadores de álbuns impressos, swipers do TikTok e compradores de CDs tradicionais. Como o espaço endcap décadas atrás, esses grupos agora trabalham para garantir imóveis de primeira linha em playlists e páginas iniciais em várias plataformas de streaming, bem como em clubes de assinatura de vinil e colocação tradicional em lojas.
“Antigamente, era: publique alguns anúncios impressos, certifique-se de estar no limite de sua rede, varejo físico e tente conseguir imprensa e rádio”, disse Roper. Ele acrescentou: “Pode ser um desafio. Acho que se você tiver músicas que conectem as pessoas, elas descobrirão o álbum.”
Apesar de um labirinto de mudanças, muitos artistas ainda querem lançar um álbum robusto o suficiente para resistir a qualquer mudança que a indústria enfrente.
No ano passado, a artista country Carly Pearce fez o melhor álbum de sua carreira até hoje. A cantora e compositora criada em Kentucky canalizou composições para lamentar seu breve casamento e divórcio público em “29: Written In Stone”, uma coleção de 15 canções que a impulsionou a ganhar Vocalista Feminina do Ano no CMA Awards e Artista Feminina do Ano no Prêmio ACM.
O álbum conectou-se imediatamente com mulheres que se ouviram nas palavras de Pearce. Ao cantar a sua verdade, ela imprimiu um atlas musical para outras pessoas que precisam navegar pelos momentos complicados da vida. Embora o projeto tenha estreado inicialmente como um EP de sete músicas, Pearce disse que não contava uma história completa.
“Lançei o EP e comecei a perceber o que estava fazendo”, disse Pearce. “Percebi que isso era apenas a ponta do iceberg da história. Eu queria terminar a história.”
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Para alguns artistas, como o grupo de raízes irmãs Larkin Poe, a criatividade não vem em fatias de uma única música. Os álbuns podem capturar temporadas criativas inteiras de músicas que vêm em explosões inspiradoras de três ou quatro de cada vez.
E três minutos podem não ser suficientes para compartilhar a história inteira de alguém.
“Para mim, como compositor, ser capaz de criar um corpo de trabalho – em vez de apenas uma mão ou uma cabeça, algum esforço criativo e isolado – parece muito mais natural”, disse Rebecca Lovell, cofundadora de Larkin Poe.
A cofundadora de Larkin Poe, Megan Lovell, acrescentou: “É bom ter mais do que apenas uma música para poder contar uma história. E essa é a beleza da criação de um álbum.”
Às vezes, um álbum só precisa ser um álbum - como “Car Wheels On a Gravel Road” de Lucinda Williams, “Storms of Change” de Randy Travis ou “Come On Over” de Shania Twain.
O mesmo poderia ser dito de “Traveller” de Chris Stapleton.
“As pessoas sabiam que [‘Traveller’] era um álbum”, disse Cobb. “Não era para terminar. … [você] veste tudo e realmente entende de onde ele está vindo naquele momento.
Assim como jogar um jogo do primeiro ao último apito, lançar um álbum continua a fazer sentido para os guardiões da indústria que investem muito dinheiro em campanhas de rádio e esforços de marketing para novas músicas.
“Todas as despesas envolvidas na gravação de um álbum – muitos de nossos artistas e fãs compram suas músicas em formato físico – a economia disso ainda pende fortemente para um álbum”, disse David Macias, proprietário do selo independente Thirty, de Nashville. Tigres.
Os álbuns continuam em grande parte como uma âncora narrativa na carreira de um artista que a mídia pode abraçar, disse Macias.
“A imprensa, talvez através de um pouco de memória muscular, ainda trata o álbum, o lançamento do álbum, como um evento instigante”, disse ele. “'Aqui está um corpo de onde. Isso é o que os artistas vêm dizer.'”
Mas a entrega e a descoberta continuam a mudar com cada novo recurso do Spotify e campanha da Apple Music. Por exemplo, os artistas normalmente lançam vários singles antes de um álbum em uma “cascata” em serviços de streaming, o que significa que os fãs podem reproduzir cada faixa pré-lançada simultaneamente em uma lista de reprodução que esperançosamente conduza à descoberta de mais de uma música nova.
Além disso, as gravadoras lançam remixes, edições de luxo e comentários de áudio dos bastidores na esperança de atrair novos ouvidos para um álbum original em plataformas de streaming. Esses provedores também podem enviar lançamentos por meio de campanhas por e-mail, notificações push e algoritmos de página inicial que lembram os ouvintes de um novo álbum.
“Você pode ver um mundo onde [a música] se torna mais focada nas faixas e mais pessoas investem em playlists passivas – elas não conhecem o artista”, disse Roper. “Mas acho que o que vimos é que nossos artistas [que] estão traduzindo uma história única de uma forma convincente estão tendo carreiras. E as carreiras ainda estão vinculadas a um recorde.”
E, além das regras em constante mudança para a música digital, um meio há muito pressionado continua a crescer em popularidade: o vinil. Em 2021, as vendas de vinil ultrapassaram US$ 1 bilhão pela primeira vez desde 1986, segundo a RIAA. Álbuns de grandes estrelas com fãs ávidos por uma experiência auditiva controlada - Taylor Swift, Adele e Olivia Rodrigo - superaram as vendas no ano passado.
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Por que? Talvez porque poucas coisas superem desembrulhar o plástico, desdobrar a arte e sentar pela primeira vez com um novo álbum girando em um aparelho de som.
“No ambiente de streaming, o mundo é basicamente um mundo de singles”, disse Doyle, “mas quando você compra vinil, você está tendo a experiência do álbum. Podemos ver pelo quanto a demanda aumentou, as crianças querem essa experiência.”
Bem-vindo ao Liner Notes, uma nova série do Tennessean que destaca alguns dos álbuns inovadores lançados em Nashville neste século (até agora). De potências comerciais a pilares críticos, iremos aos bastidores todos os meses com um álbum que ajudou a moldar a Nashville de hoje.
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