in problems 2328, answer the questions about the given function.
in 2328, answer the questions about the given function. | studysoup
 formal analysis: medium, colors, structure, nothing to do with context/culture (don’t care  who painted it, why it was painted, only what’s in the composition) the proto­renaissance 1200’s ­1300’s in italy ­the style of the artist are anticipating the changes of the renaissance. there’s a danger in calling it the proto renaissance because it implies that it’s inferior to the renaissance.  art doesn’t progress/get better and better. italy as a nation didn’t come into being until the 19th century.  italy wasn’t unified until  the early 20th century.  it was made up of small self governing units (city states).  the  republic of siena had it’s arch enemy the republic of florence. the pope was a prince.  during this time period there was a lot of excitement (especially in literature). dante and petrarch ­famous italian poets who write in the vernacular. (vernacular v  latin). similar to the difference in artistic style.  latin represents religion, education,  comes from ancient rome ­has specific terms, conservative.  vernacular represents the  common people, represents no or low education… a lot more imprecision.  doesn’t talk  about complicated ideas from theology.  might be easier to understand.  it’s shocking for  you to write good literature in the vernacular.   there were guilds during this time period.  art/apothecary/goldsmiths guild, wool  makers guild, armor guild. both the apothecary/doctors and the painters grind things up.  the 100 year war is also at this time.  joan of arc is during this time.  it’s also the era of  the black plague.   2 types of art mirror 2 types of art. art in florence compared to siena. florence: cathedral is a church where the bishop reins of 150 smaller churches.. it’s his  throne/administrative center.  the city of rome/paris only has one cathedral. cimabue, virgin and child enthroned.  cimabue very influenced by the iconic art  imported by the byzantine empire.  the eastern part of roman empire.  it had it’s own  language, culture, and practice of christianity. their practice of religion relied heavily on  icons.   icon: complicated dimension of shading, egg tempora, many thin layers of paint from  dark to light, stylized clothing (not trying to make it look natural), jesus is a miniature  adult (not an ordinary baby, he’s a god who has humbled himself down for us), gold  background, shading chrysography (the shading of jesus’ clothes are gold), halo  around head.  the icon functions as a window in the orthodox church.  you pray in front of icon, kiss the icon, leave gifts for the icon.  so they aren’t worshiping the icon, the  prayers transfer through the window and go to the person they represent.  the eyes are  always exaggerated in icon art.  she’s pointing to the christ child to represent her  praying to them.  christ has his hand facing down towards her as he blesses her.  the  forehead is large to symbolize wisdom.   one of the important styles in the proto renaissance is heavily influenced by byzantine  art and is called the italo byzantine or the greek manner. 
 cimabue works in this style. christ is raising his hand in blessing.  both the mother and  the son have their right foot forward so that you can kiss it.  you should get the sense  (as with the icons) that you’re looking into another world. the christ baby is holding out two fingers.  two fingers means: perfectly divine and  perfectly man at the same time.  or representing icxc which is his name, so he  blesses you with his name. devotion to the virgin mary really accelerates through the renaissance.  this is because  they believed salvation was a community effort.  you also depend on the prayers of  other people.  they ask the living and the dead to pray for you (the dead are already in  heaven and can intercede on your behalf).  the lord’s own mother is the best one to  pray to because how could christ refuse anything of his mother?  also, christ is harder  to conceptualize since he’s half god. so mary was viewed as the queen of heaven, the  mother of christians in catholicism.     one of mary’s titles is the throne of wisdom. because christ sits on her lap. giotto di bondone is one of the most important figures leading us towards the  renaissance.  it’s a style based on observation of nature.  giotto paints on a fresco wall  the saint francis.  saint francis was born in 1180 and dies in 1226.  he was born to a  wealthy family but decides to serve the lord as a poor man.  he’s a very popular saint.  he kneels in prayer at a crucifix that talks to him and tells him to repair his disordered  church.  he realizes this is a call to repair the institutional church that was crumbling  under unethical practices.  his reform is to go back to absolute strict poverty, chastity,  and obedience.  the friars that follow him represent these values with 3 knots that they  wear.  friars work in the city and they preach in the vernacular.  the most important  event in st francis’s life is that he goes up into the mountain and a crucifix with wings  appears to him.  he received the stigmata from the crucifix (christ’s wounds).  it’s an  important part of franciscan theology that he lived so much like christ that he was given  his wounds. fresco­ where you take a wall and put a layer of fresh plaster on a small section and  then with pigments you paint.  the color and pigments then become part of the wall.  fresco is perfect for southern/central italy climate.  giotto uses a lot of frescos.  giotto paints st francis in a twisting awkward pose to show all of his wounds.  nothing is  stylized/it’s normal looking.  there’s a sense of depth since there’s a shallow stagelike  background.  the figures are fairly bulky.  there’s a naturalistic light.  it creates a story.  it ties into the franciscan friars preaching.. they pointed to the pictures as they  preached. giotto goes north to work for enricho scrovegni,.  he was guilty of the sin of usury.  coming to the end of his life he decides that in order to show sorrow for his life to make  a special gift to god.  he has giotto design the inside of the chapel he made. the most  expensive pigment was ultramarine made out of lapis lazuri.  it was more expensive  than gold.  your eyes are drawn to mary since her clothes were made out of the  expensive pigment.  there’s an image of scrovegni placing himself on the heaven side  presenting his chapel to mary and she’s reaching out to him.  the lamentation of christ­ one of the panels.  right next to the resurrection.  he puts the mourning of christ next to 
 the raising of lazarus.  the mountain is connected through the panels.  the lion  breathes life into their young, so there’s a symbolic image of a lion in between the two  panels.  the mourning panel­shows mary magdalene mourning of christ’s feet.  the  angels are foreshortened so it looks like they are coming at you.  the leading line of the  background mountain pulls your gaze to his face.  in a way giotto leaves rooms for you  to view christ.. “leaves a spot open for you.”    you are supposed to connect this to the  nativity of christ because mary and christ are in the same positions.  mary wrapped  baby jesus and at his death they wrapped his body.  like a faithful animal in the manger you can go and take from the sacrament in the tomb.  siena cathedral: duccio de buoninegra ­ very influenced by guccio and cima.  the altar piece is  covered on the front and back.  it’s very iconic and very narrative as well.  he paints with egg tempera on panel.  he paints mary in the ultramarine blue (which unfortunately  fades).  she’s in the throne which shows that she rules siena in a theological way.  the  governor of siena gave her the keys to the city trusting her to save them in their trial.  he’s a little more interested in naturalism.  duccio uses calligraphic lines to display her  apparel.  on her throne is says “holy mother of god give life to siena and to duccio who painted you thus”.. he involved himself and asked people to pray for him in this way.  mary points to christ to guide you to him.  he also paints the betrayal of christ.  more  calligraphic lines on christ’s clothing.  the figures are all stretched out to make it look  otherworldly.  the background is gold to represent that although it is a narrative it is a  holy narrative. duccio’s important student is simone martini.  in 1309 the pope was an elected french  man who wanted to move the court to southern france in avignon.  so they elected  another pope in rome to have a pope in italy.  both of them excommunicate each other.  in 1417 the french pope resigned.  however, simone went to paint for the french pope  during that time.  his style was then spread throughout europe.  it was called the  international gothic style. he also uses elongated figures.  he paints annunciation­ mary accepting the angel’s invitation to become the mother of the savior. gabriel says”  hail thou that art highly favored” in latin right on the panel.  mary is started and leans  back a little bit.  there’s punchwork around mary’s head.  the gold leaf is punchwork.  as the light shines of the gold it glitters and you aren’t blinded by the gold.   the last work is in the palazzo pubblico, the main city hall of siena.  it was ruled by an  oligarchy of 9 men.  these old rich wealthy men commissioned frescoes for the walls so  that they would make good decisions for siena.  so they commissioned frescoes of good government and bad government.  some art historians speculate that the men threw  things at the walls with the bad government frescoes.  in the good government frescoes  there are people dancing, donkeys carrying goods, construction going on, (it looks like a  dollhouse/stage set).  outside of siena there are fields with farmers.  in the sky there’s a nude figure.. the beginning of the new allegorical classical art.  the figure in the sky  represents prosperity.  she holds a paper talking about siena being great and also a  gallows.  less than 10 years after this fresco was made the city was taken out by the  black plague.. 40% of the city was killed.  rats that came in from venice caused the  plague but people thought it was caused by sin.  there was a group that walked around  
 beating themselves as ‘punishment’ to try to get god to stop the plague.  the plague  prepared a way for a new style. 1/12/2016 the fifteenth century northern renaissance the northern europe’s history is the medieval/dark ages.  when you think of the dark  ages: gargoyles, prayer books, stained glass,cathedral, treasury, tapestry… stained  glass is extremely difficult to make.  deep emotion in the sculpture.  the preciousness of jeweled covers… tiny and detailed.  very small art that glows with jewel like colors and  gold leaf. philip the bold was the first duke of burgundy.  he was ruthless, engaged in lots of  warfare.  he wasn’t honest/took over people’s lands.  towards the end of his life he  worried about his soul.  they believed at this time that everyone goes to purgatory and  you suffer for your sins forever.   the life of a monk is manual labor, not speaking, being righteous… their order, they  never were reformed because they were never deformed.  he wanted the carthusians to pray night and day for his soul since he built them this monastery.  he hoped their  prayers would get him through purgatory.  he created the well of moses.  christ on the  crucifix was at the very top, held up by the prophets of old.  the sculpture has a lot of  texture and details of the natural world.  it’s based on the philosophy of aristotle. (italy  sides with plato).  aristotle finds truth by scientifically categorizing… looks very closely at objects to understand them.  not worried about proportions, worried about the detail,  skin looks like skin, leather that looks like leather, they’re bent forward.  the north isn’t  worried about anatomy… also they are bearing the news of christ’s suffering.  he shall  be led as a lamb to the slaughter. silent (good for the carthusians).   jeremiah is different than the other prophets because he’s wearing different colors than  the other prophets.  he has a very distinctive look… similar to philip the bold.  he wore  purple and green like how they painted jeremiah.  in his death he wanted himself  wearing the carthusian wardrobe.  they believed that the soul of a person was  malleable, and you sculpted it through your sense.  what you looked at, listen to, read,  what you said.. you could change the way your soul looked.  15th century christians  wanted to reform their warped souls to make it look like christ.  the way you best do  that is to feel his suffering and empathize with him. book of hours owned by the brother of philip the bold.  john duke de berry.  his book  was called “the very rich hours of john de berry”. lay people wanted to do the 7 prayers ( a series of prayers 7 times a day).  so they got  a book of prayers that they could do. there’s hundreds of pages of beautiful illustrations that represent what labors go on  during that month of the year.  it’s done in the international gothic style.  when the pope moved to northern france the style came with him and simone martini.  there’s even  text written on the picture like there was with simone’s other piece.  the january piece  is of john’s feasting.  february shows how it’s a snowy day and the serfs are working.  it’s very naturalistic.  there’s a huge contrast between january and february.   he’s  
 showing off his property/his serfs that work his land. there’s a lot of tiny details, the  footprints, the expensive materials, are all used to glorify john.   the merode triptych by robert campin­ one of the founders of naturalism and one of  the first artists to use oil paints.  oil paint=northern renaissance.  you grind  pigments and mix with linseed oil.  you can work on a layer a lot longer, you can work,  work and rework.  they thinned it down and then did layers on layers. glazes and glazes.  oil is extremely reflective. it was a triptych­3 panels that open up.  they are imagining that the annunciation of  mary/the birth of christ is happening in their home.  it’s suppose to help you be more  spiritual/devoted.  you compare the heart as a home that’s furnished with objects that  represent virtues.  it’s the pure immaculate chamber of her soul.  a basin of pure water  and a clean towel=her purity.  a lily with 3 petals represent the trinity.  she’s on the floor  in humility.  there’s lions on her bench to represent a kingly throne and her lineage of  david.  the home of mary’s soul is in their own heart.  anyone who has prepared their  heart like mary has will be able to have christ in their heart.  christ comes straight  through the window.. like how he entered into mary without breaking her virginity.  joseph in the the carpenters shop… creating a fire screen, representing the protection  of mary.  he sands away rough places, he makes things beautiful.  northern  renaissance is known for all the details, microscopic and telescopic.   mousetrap.. if he gets the people to kill christ then he thinks that he’s won.  christ will be on the cross and the devil will pounce and be killed.  because he doesn’t that christ will  be resurrected.   peter is carrying a rose.  his wife is carrying a rosary (beads).  mary is the rose (she’s  dressed as a rose).  they try to become roses themselves.  the paintings are meant to  help recreate yourself. the ghent altarpiece ­jan van eyck.  was a court painter with a fixed salary.. so he  could spend a lot of time on panels. he paints with a level of detail that is perhaps  unmatched.  it was done for wealthy merchant class couple.  the man was concerned  with the end of his life and decided to make this great gift to god and put it in their family chapel.  really big for a northern renaissance painting.  he prays to john the baptist  who is holding the lamb of god.  behold the lamb of god. the annunciation takes place  on it.  gabriel is talking to mary and there are prophets of old above him.  god becomes  flesh and blood in the sacrament in the same way that he became flesh and blood inside mary.  on the inside there’s bright colors mimicking the miracle by which the sacrament  takes place.  also shows the contrast of taking the sacrament on a regular day versus  the sabbath.  the red figure embodies the father, the son, and the holy ghost.  a  crown similar to the one the pope wears.. the pope of the universe.  mary and john are  on the other sides of him, showing how he’s also christ.  adam and eve on the outsides.  on the bottom there’s the theology of the mass.   1/14/2015 cont.) the ghent altarpiece.. the inside is dramatically different.. representing a holy  days and the central theme of the eucharist.  behold the lamb of god.  it’s supposed to  mirror transubstantiation.  here john the baptist is pointing the living breathing lamb of  god.  his robe is red.. to represent his blood.it’s wool that has been sheared from his  
 own body (the lamb) and then dyed in his own blood.  the bread at the altar is actually  the lamb of god in front of you.  you’re joined by the saints and the angels.  the male  martyrs are wearing robes in their own blood.  righteous pagans in the bottom left.  carrying palm fronds to represent resurrection.  pilgrim saints on the left hand side.. all  worshipping at the altar, the well represents the living water of god.  up close you can  see the golden chalice, the blood of the lamb pours into the cup, the blood is much  brighter than the gold cup.  he does a lot of detail...the knight has reflective metals..the fountain you can see the water, you can see every single plant.   the dayisis is a way of showing the intercession of the saints.  mankind’s most powerful  intercessors are on his sides.  his mother on his right and his left is john the baptist.  embroidered in the tapestry behind him there’s a bird.  the legend of the pelican.  it  was believed that mother of father would pierce their own heart when there was no food  and their children could feed their children.  in the final moments of christ’s crucifixion  his heart broke with love for the world.  there’s little scratches on his staff, there’s a ton  of detail in all the pearls of his broach.  each pearl is attached with silk.   jan van eyck  puts himself in one of the jewels. jan van eyck, wear a red turban in his self portraits.  northern renaissance portraits look exactly like the people.. it’s a ¾’s view you can see  more of the face.  straight on view is associated with christ as he faces you straight on.  northern likes to describe things scientifically.  often the perspective is manipulated so  that you can see more things. “as i can”  he writes as false humble, “it’s the best i can  do”.. he has the abbreviated name for christ when he says that.  christ usually has a  bleeding head.. which he references with the red turban that he’s wearing.  reforming  yourself to look like christ=northern renaissance idea.  he’s trying to conform his soul to  christ.. he’s receiving his image.  jan van eyck says that he imitates the way that god  creates.   rogier van der weyden, deposition (descent from the cross).  no one can compete with  him in realism of emotion.  it fills your heart with sympathy.  they are bent in grief.  mary  magdalene is looking at the feet of christ that she once washed with her tears.  it shows  the kind of wooden frame work that was found on altar pieces.  he gives you the sense  that they were wooden sculptures.  he’s the first artist to paint 3 diminsionational tears.  when you fill your heart in devotion can essentially animate a scene in front of you.  this idea of imagining yourself there is closely related to the imitation of christ­ thomas.  it’s based around the idea that christ tells us to take up our cross and follow  him.  you imitate him by suffering with him.  you do it with a heart turned to chirst.  you  imagine yourself with him in his suffering as if you were feeling his pain.  the theme of  deposition is that all the surrounding people are imitating his suffering.  polyphony­  multiple melodies going at once.  the idea is that there’s a harmonic line and there’s  voices with variations on it and you get a beautiful whole.  you imagine the suffering of  christ as the main harmonic line.  the two outside figures create a parenthesis around  the group.  mary magdalene is holding her hands in front of her, she feels such empathy  that she turns herself into a cross.  his mother falls in the same way (as she faints) as he does because she experiences a type of death. christ has nails in his hands and a spear in her side, mary is pierced with a spiritual sword in her soul.  nicodemus is staring at  christ’s hand… his stare pierces through his sides, his other hand, mary’s soul, and then the skull of adam.  the crossbowman who created this painting thought their whole guild represented christ.   
 portinari altarpiece by hugo van der goes.  portinari commissioned this for the hospital  chapel.  all the people dying could look into the chapel and see this portrait.  st margaret was swallowed by a dragon and then made a cross and was spit out of the dragon..  which then made her the patron saint of childbirth.  mary stares at her child who is laying on the ground in the middle of the circle.  he’s on a “golden plate” that represents how  the sacrament would be on a golden plate.  there’s a flower in the front… in a medicine  jar.. so the ultimate healing is christ.  in the jar are blood red lilies that reference the  compassion of the virgin (a sword piercing through her soul).  violets for his humility.  there’s the shepherds (with a lot of detail of northern renaissance).  all of the angels  are wearing the different vestments of bishops.. they have the words holy holy holy.  christ is the priest. his vestment is his flesh that he has put on.  ox and a donkey  comes from isaiah representing that the gentiles know christ but not the jews. the diptych are two panels.  hans memling­diptych of maarten van nieuwenhave.  he  would have prayed to it at night.  he was very ambitious.  he wanted to show his power  as someone who would be good for political office.  maarten’s family crest is in the  background with illustrations that would represent his name.. which means new garden.  the hand of god is planting the garden.  people try to represent christ through the  house.. another way to show your heart is malleable is to represent it as a garden. the  old garden is the garden of eden with adam and eve.  the apple in this painting  represents a new apple in the new garden which is the apple of salvation.  as in adam  all die.  christ is the new adam.  mary is called the new eve because she sets the plan  of salvation into motion.  this vision is prompted by the book of hours.  he’s looking into  space which shows that this is a vision that he has conjured  up.  the important thing to  see is that he shows us how deeply real a spiritual vision can be.  because you can see  the mirror on the back wall that has the reflection of mary and maarten. early italian renaissance: fifteenth century the renaissance is a renewed interest in classical art (rome).  part of the reason this  starts is because there are ruins everywhere. inspired by the augustus of prima porta. at it’s heart is the ideal.  they like naturalism that is made idealized.  eternally young.  to look youthful/godlike.  they are concerned with exact and ratioed proportions.  it’s  often very static.  there’s lots of stable horizontal and vertical lines.  it’s stoic.  they  don’t show a lot of emotion.  italian renaissance artists looked back to the parthenon. there’s the doric, ionic, and the corinthian order.  the easiest way to tell them apart is  with the capital (the top part).  the doric has a bowl shaped/squashed tire capital.  the  ionic has a rams horn top.  the corinthian has a very decorated capital.   the medici family was a group of bankers that were extremely powerful.. they cultivated the interest of the liberal arts (an idea that changes over time).  before they were things  that you had to use your mind to do, like philosophy, theology, poetry.  artists try to  
 become part of this.  there are a couple important philosophies to talk about..  humanism was theologists trying to figure out where man fit in the scheme of things.  the body of humans is glorious. the psalm says that man is just lower than the angels.  one of the most important philosophers in humanism was giovanni.  they were  interested in vitruvius who believed in architecture and perfect proportions.  one aspect  of humanism is called individualism: because human beings are endowed with talents  then they can take advantage over other people.  machiavelli says the ends always  justify the means.. you can hurt and destroy with your intellect to get to the top, you need to hurt people so they respect you.  1/19/2016 there was a renewal of interest in classicism and art and architecture.  there’s an  emphasis on platonism.  in the north they like aristotle.  the italians like aristotle but  they mainly like plato.  plato is interested in the perfect.  aristotle discovers truth in a  very scientific hypothesis/observation.  plato on the other hand is more focused on the  ideal.  he writes about these ideals and writes about how they’ll never be realized.  he  called their adaptation neo platonism.  it seeks to reconcile platonism with italian art and  christianity.  in the arts you can see the influence of neoplatonism.  exact mathematical  recession into space.  ideal human figures.  everyone is eternally young and beautiful.  you can’t recognize them in the spirit world.  neoplatonism flourishes with the medici.     a man named george bizarre­one of the first art historians.  he wrote a history of the  italian renaissance and was very biased.  he’s from florence and writes his history as if  everything good comes from florence.  bizarre loved michelangelo.  from florence.    the great cathedral of florence.  there is a structure called the baptistry on the end of  it.  it used to be separated from the church because you weren’t supposed to affiliated  with the church until you’re baptised.  there was a competition to design the best doors.  may the best man win (individualism).  it came down to lorenzo ghiberti and filippo  brunelleschi.  they each made a bronze relief panel (sculpture attached to a backing).  brunelleschi was famous from making the dome on the cathedral and challenged  ghiberti.  brunelleschi made a relief where it shows abraham sacrificing isaac but the  angel stopping him at the last moment… it also shows the ram in front of the thicket.  brunelleschi made his relief in international gothic style.  it doesn’t look as natural.  ghiberti foreshortens the angel so it looks like the bronze background is the sky.  he  portrays isaac as a nude figure.  it’s a reference to classical greek and roman.  abraham twists and turns.  ghiberti borrows that from giotto (the foreshortening).  the guild  holding this competition couldn’t decide. so brunelleschi just pulls out of the competition.  ghiberti does the doors and then are given the commission to do the doors between the baptistry and the chapel.  these doors were nicknamed the gates of paradise because  they were so beautiful.  they are bronze covered in gilding.  he made gold frames in  squares.  with the international style it was an ornamental gothic shape.{ }  it was a  continuous narrative (like a cartoon strip).  in the background you can see rebecca.  it is revealed to her that there are two people within her (jacob and esau).    in the middle  she is giving birth.  in the same frame in the front she is talking to jacob plotting to take  esau’s birthright.  it’s interesting that he uses atmospheric perspective to put the story  together.  ghiberti makes the characters flatter when they are farther away.. you get the  sense that you are looking farther into the distance.  by doing that it makes the  continuous narrative.  contrapposto ­the italian renaissance are copying the ancient  
 greek sculptures.  his weight weight is all on one foot.  he also uses  linear/mathematical/one point perspective.  all the lines in the piece go to one point.  all  the orthogonal lines recede into the one vanishing point.  they are emulating the writings of leon alberti­he wrote a book called on painting.  it talks about all the things you need to do to create a good painting.  his ultimate goal is that “art should be a window on the  world.”  no one challenges this idea until the late 19th century.  everyone tries to copy  nature as completely as possible.  ex: the ultimately compliment is to say: that looks just  like a photograph.  ghiberti is consciously competing with atmospheric perspective.  this idea of competition is an aspect of individualism.. he’s competing with painting.. called  patagonia.. challenging other art forms. grainery­houses very important piece of art.  all of the guilds were commissioned to  create a sculpture to represent their guild.  most of the guild choose to do their saints.  donatello­st george. done for the arms and armory guild.  he’s a knight.. and the guild  made armor for the knights.  originally he was wearing a helmet and a sword.  they  made it very similar to the prima porta augustus.  st george has been very idealized..  he’s proportionate.  st george was never painted because they didn’t know that the  romans used to paint their sculptures.  donatello made atmospheric perspective in his  sculpture as well.  the vanishing point in his scene is st george himself.  he’s bringing  your eye to the most important figure.  he just faces you to communicate grandeur,  stature.  donatello also made an equestrian portrait of gattamelata.  this also comes  from ancient rome.  marcus orelius’ equestrian statue is one of the only surviving ones  because they thought it was constantine who started christianity.    gattamelata­  condottiere/he was a mercenary soldier. he hires himself out to help the warring city  states.  he worked for venice and became very powerful.  you can sense his power  because he’s on a huge horse.  the diagonal sword takes your eyes to his armor.  also,  he’s controlling the horse.  a humanist would understand that he controls his passion.  king david­ as he’s about to go forward and kill goliath.  he’s the first nude figure in the renaissance since the medieval ages.  it used to be that only: adam and eve were nude,  or spirits were nude­­it represents how god can see their conscience.  nudity had a very  negative connotations.  in greece and rome the body was seen as something divine…  gods were nude because the human body was something glorious.  so nudity  represented gloriousness.  david was naked because he’s giving himself completely to  god’s care… neoplatonism.  taking philosophy of plato and applying it to sculpture.  medici think of themselves as having their great victory because of god’s help too. masaccio­ brancacci chapel filled fresco’s.     christ tells peter to catch a fish and it will  have money for the tax collector.  the fresco is from florence saying that even christ  made people pay taxes.  peter is showed three times.. there’s the use of perspective to  make it seem more natural.  masaccio versus giotto=masaccio  is contraposto, the  figures are slimmer, there’s atmospheric perspective in the mountains, the lines on the  buildings go to christ, peter isn’t facing the front, giotto uses profiles and masaccio is  more naturalistic, masaccio uses a real light source (the window in the chapel lines up  with the shadows).  in masaccio uses chiaro oscuro­the figures are modeling/have  shading, there’s a lot of light and dark to show 3­dimensionality.  the lenzi family  commissioned the holy trinity.  they are one either side of christ being crucified.. to  show that god was crucified with his son.  throught the savior we have access to the  father.  in italy they were so used to rationality that he gave god a little podium to stand  on.  there’s a lot of chiaro oscuro.. the light and dark of the skin on christ’s face/body. 
  the lenzi family would build a little chapel where they would be buried.they wanted  masaccio to create a fake chapel for them.  pillistar=pillar attached to the wall. under the altar there’s a skeleton “as you now are, so once was i, as i now am so will you one day  become”.   the church of santa maria novella­designed by leon alberti.  it’s the shape of a cross  so you can imagine christ crucified on the church.. so you enter the body of christ and  in the center of the church you are in his heart. 1470.  there a very mathematical  measurements showing off the golden mean.  derived from nature. 1/21/2016 pelotazo ­the medici palace.  ruling family in florence.  they were an ordinary family.  they were very wealthy.  the become puppeteers behind the government.  vitruvius  wrote about proportions created by god, are natural and occur in the human body.  the  stones on the bottom of the palace are very rough.  the next level has smoother stone.  the final level, the windows are closest together.  the stone is dressed/very smooth  that you get the impression of something light.  the bottom level feels very bulky/heavy.  it’s stopped by a very heavy cornice on the top.  you bank with us your money stays  here, the corners are big solid, represents stability and power.   sandro botticelli, primavera. he was one of the most beloved painters.  he tried to insert himself in liberal arts discussions.  this painting brings in new ideas of neoplatonism.  botticelli’s figures seem like they’re floating.  he doesn’t used as much chiaro oscuro.  his figures are contrapposto.  he’s showing off the technical skills (individual skills) in  order to look good.    it comes from the saying, she comes forth,  it’s suppose to be  telling us about spring.  in the center there’s venus/aphrodite.  she’s the goddess of  beauty and love.  she’s a perfect personification of spring.  she’s in very old fashioned  clothing for the time.  it represents the spring of the medici family.  the orange  grove=the garden of the medici family.  the significance of venus in the center of the  painting.  she represents the virgin mary.  because mary was beautiful… it showed the  medici’s love and dedication to the virgin.  the dominicans versus the franciscans.  the  dominicans are preachers and they stamp out heresy.  they’re often behind inquisitions.  a dominican friar, girolamo savonarola,  brought florence to the attention that they  were too prideful.  there were laws against fine clothing because it shows you are too  prideful.. so people would get around those laws by having themselves painted.  the  friar told people to burn their fine clothing in the fires of vanity.  bottecelli was converted  by this friar and started burning a lot of his paintings.  this friar expelled the medici  family.  he was later hanged by the florentines. fra angelico, from the same order as girolamo.  it’s a nickname for angelic friar.  he’s  a very pious painter.  his work is deeply religious.  the angel gabirel is very idealized.  he uses one point perspective.  calligrpahic international gothic style.  there’s lots of  gold leaf.  he only is using egg tempera.  the virgin mary is ‘living’ with the monks.  ultramarine pigment on the ceiling.15th century of the renaissance was an  experimental time.. if mary stood up she wouldn’t fit in the building.  adam and eve are  being expelled from the garden outside of where mary is talking to gabriel.  christ is the  new adam.  the virgin mary assists christ in bringing about redemption.  fra angelico  makes a point about this in the inscription of the painting.  ave maria­hail mary.  ave  
 backwards is the latin name for eve.  he’s saying that because she agrees to become  the mother of the receiver, and that makes her eve/setting forth the reversal of the fall..  reversing the name of eve.   northern italy­15th century the alps separated italy from the rest of europe.  northern italy gets more interested in  vast landscaped background.  they also use oil in northern italy as they do in the rest of europe.   sforza and fedrico da montefeltro by pero della francesca.  still dedicated to  humanism, individualism etc.  urbino was taken over by ^.  she died after having nine  children.  fedrico is not shown in the regular manner of portraits.  he lost his right eye so the portrait shows the left side of his face.  northern realism is reflected in fedrico’s  portrait.   sforza was fedrico’s property and has an expressionless face. (well she was  also dead).  the profile portrait was favored because that’s what they did in ancient  rome.  the landscapes are also gendered.  sforza is landlocked, she stays at home and  has children.  fredrico’s is filled with waterways to show that he goes out into the world  to provide for his family.   mancia­fresco walls painted for his son francesco coming home as a cardinal. andrea  mantegna­cumera picta, worm’s eye perspective.  give the perception that the ceiling  isn’t even there. there’s cupid figures looking down at you.  it’s an oculus.  it’s a copy of the pantheon. venice­giovanni bellini, st francis in ectasy.  it’s in oil and has atmospheric perspective (northern influence).  there’s telescopic detail as well.  his heart is filled with praise for  god.  he looks as if he’s ready to receive the wounds of christ.  test question distinctions: high renaissance very end of the 14th century to the beginning of the 16th.  the medici (the big promotors of the renaissace) get kicked out of power and a new  power center dominates. rome.  very powerful popes, mainly julius ll.  this is also the  generation of the most famous italian renaissance artists.  leonardo, michelangelo, and rafael.  bizarri loves all 3.  bizarri says that artists are no longer experimenting.  they  can now use the techniques they’ve perfected.  they make compositions are are  extremely unified.  artists who have been trying to get into that liberal art circles are now  firm established in the liberal arts.  there’s the idea of a renaissance man, they know  everything, poetry, botany, prints, invents, mechanics etc.  the artists now become  liberal arts philosopher.  the artists are no longer just craftspeople. another important  change is that oil paint becomes the primary medium.  it used to be only used in  northern italy. high renaissance in italy leonardo’s sketch of a fetus… dissection was/is illegal in italy.  leonardo was very  interested in science.  he moves around a lot.  he’s employed as a military designer.  he designed weaponry.  he makes militaristic plans.  he invents a lot of things.  his  paintings show how he puzzles through things. 
 the madonna of the rocks.  the virgin mary in the center.  jesus is by the angel, john  the baptist is on the other side of the virgin.  he was influenced by northern europe too  by categorizing plants and rock formations. the high renaissance still loves the triangle.  but he makes it 3 dimensional.  he loves twisting fingers.  he uses stable greens and  reds and yellows.. he paints a golden glaze over the top to unify the colors.  leonardo is one of the first to use chiaro oscura.  sfato­ makes it looks like you’re looking through  mist. leonardo takes you through the composition through gazes.  1/28/2016 bramante­the architect who plans the first iteration of the st peter basilica.  little  temple/tempietto.  he works in northern italy and ends up in rome.  he makes the  temple for ferdinand and isabella (king and queen  of portugal).  they want him to  make a martyrium =centrally planned building.  constructed over a sacred site. it’s over  the spot where st peter was believed to be crucified.  there’s a hole in the ground  where peter’s cross was put in upside down.. since he didn’t want to be killed like christ.  for a high renaissance architect, they’re interested in perfection….very interested in  proportions.. so a centrally planned building is great! it’s perfect.. like how god is perfect.  mathematical divisions.  the very top it slows down… slow ­>fast ­>slow.  imitating a  classical greek temple.  doric order.  frieze on top of the columns.  he’s evoking the  image of greek architecture in an educated way.   giorgione, the tempest.  northern europe/venetians like to incorporate very careful  details, light and shadow.  studying species of plants.  oil painting. venetian has a  golden feel to its paintings. giorgione had an impact on the other painters.. he died at  35.  there’s also telescopic views far into the distance.  he swapped a man in where the woman was.. so the story wasn’t very important.  the subject of the painting is the  storm… which is very innovative because in the 16th century the focus was always the  people.   most famous venetian painter is titian. remember his name.  he’s very interested in naturalistic textures.  the effects of lights shining on new materials… called the pesaro  madonna.. he’s the leading naval officer of the pope’s army.  so he has quite a bit of  power.  in honor of a huge victory he commissioned this painting.  he thought she  prayed in his behalf.  goes right to the heart of humanism and individualism.  it gives  you a sense of a little chapel that you could climb inside the painting.  he repeats the  columns into the painting.  he uses the pyramidal composition.  titian builds his figures  with color (no one else has done this yet!).  the rest of the artists have been very linear  painters.  he makes the lines by color blocking.. nothing it very linear.  his brushstroke  is painterly/loose brush stroke.  (the ultimate painterly artists are the impressionists).  they use their entire arm to do the brushstrokes.  it gives you the impression of a lot of  movement.  why venice?  it has to do with mosaics. when you get into a church with  mosaics you see shifts shimmering glowing color.  venice traded most with the  byzantine empire and so they have the most mosaic.   last work from the high renaiassance.. by pilladio.. he was born next to venice, he;s  well versed in classical culture.  he was not just a philosopher he was also a  stonemason.  he told people how to make things.  he made the church of san giorgio  
 maggiore.  he imitates classical architecture very strongly.  corinthian order.  the whole  thing in high renaissance white.  pure ratios and rhythms.   mannerism in italy and spain mannerism is a style that appears all over europe.  the best examples are in italy.. but  it’s going on everywhere.  the high renaissance ends in the teens (only lasts a few  decades).  in the 1510’s there’s a huge thing.  martin luther­ a catholic priest­becomes  dissatisfied with the catholic church.  he’s excommunicated.  it started the protestant  church.  the pope did not have his act together.  luther’s grievances: indulgences ( a  pope or a bishop says to show your devotion to god and then the pope/bishop will loose  you from your punishment).  in the 16th century you’re then allowed to pay a certain  amount to the church to pay for your sins.  he also complained that there wasn’t enough  access to the bible.  their vernacular bibles were filled with glosses/footnotes that were  lutheran.  martin does not believe in priesthood lineage… he believes that if you have  faith then you can have authority.  there’s 7 sacraments/ordinances in the catholic  church, he says are unnecessary… because they aren’t in the bible.  you don’t need  works to save you.  you only need faith.  martin loved images. his friend john calvin believes images are idolatrous.  they do awful things to art..  they would bash statues. erasmus translated the bible.  he was a tremendous humanist who never left the  catholic church.   king henry vlll ­earned defender of the faith award.  he wanted to divorce his wife  catherine of eragon.  the pope won’t let him divorce.  so he forms the anglican church.  henry v111 was friends with thomas moore who was friends with erasmus and deeply loyal to the church.  he wouldn’t become anglican with the king and so he was  beheaded. mannered=proper, intentional distortions of the high renaissance rules.. the high  renaissance was symmetrical, reasoned, no emotion.. mannerism is illogical, not based  on proper proportions, figures are stretched, colors are jarring, twisted, cramped, illogical space.. people think it’s a reflection of the anxiety of the time. michelangelo starts to work in a mannerly style.  pope paul lll asked michelangelo to  remove a painting and create the last judgment scene.  usually they are very organized and christ is the great judge in the middle.  michelangelo creates a swirling vortex of  humans.  there’s corpses being pulled out of the grave.  it’s an eery resurrection around christ.  it’s hard to tell who the saved and the righteous are.  mary is much smaller than  christ.  she’s strange/  he makes an ambiguous gesture. anyone can go to hell.  there’s psychological torment… jacopo da pontormo, deposition  people are elongated.  the figures are stacked in  weird positions.  balancing on toes, weird shaped back.  very flattened and abstracted  and weird colors… lots of light blue.. strange orange. all the figures are looking in  different directions. art review who patronage/who it was for what material used, historical content.. formal qualities 
 where when  why… why it was comissioned only need last names for artists. 5­8 pieces of art per essay.  you can use same  paintings for different essays.  write what you know and then stop once you’ve said  everything. study for 3 of the essay questions… 2 will be given and you only have to answer 1. 1. 15th century italy and northern europe (not mannerism or michelangelo) ­philosophy interests   north=aristotle (tryptic, telescopic, earthly rational here and now, realism,  extreme detail) italy=platonic (botticelli primavera, plato looks at the ideal, idealized figures,  looking at ancient greece, venus in the center,  humanistic  platonism=neoplatonism is christianity.  venus represents mary.  the orange  trees represents the medici family. ­materials and media employed northern renaissance started using oils.  the oil paints give it luster. italy was fond of fresco.  masaccio.  the frescos are more matte.   ­literature ­religion ­patrons italy was the medici family (bankers).  they commissioned things to show power. north was the laymen commissioning objects of devotion.  merchants with some extra  cash.  and institutions/hospitals/monasteries. ­cultural heritages italy is looking back to rome.  the north is looking back to medieval times. ­politics ­economics 2.  4 aspects of change in renaissance religion with 5 pieces of art referring to the religious doctrine and how the portrayal changes. timeline of 1200­1500 the doctrine of christianity changing in the art. proto renaissance­ (cimabue) christ is a man child… to show that you can trust him  and put faith in him. madonna of the rocks­christ looks like a baby.  humanism­making him like us because  we were a baby once too.  man is the measure of all things.  super self reflecting… the  emphasis is on man.  by making christ a baby it’s bringing god down to us… elevate  humanity and denigrate their gods.  similar to how the greek gods had a lot of  problems.  but the humans were the heros.  christ as a human connects humanity  stronger to god and empowers them. christ is changing ^ incorporating humanism. 
 neoplatonism… instead of being grounded in reality the art starts to push towards the  ideal.  that pushes towards heaven.  bodies are idealized. protestantism art commissioning is starting to be done by popes.  art becomes a tool for the popes. the ideas of latin or vernacular (low/high art). christianity becoming more  generalized. latin was a higher language, used by the church, used for philosophy.  vernacular was  the language of the common people… not as sophisticated.  there’s two types of art.  latinized high church with the international gothic style.. all in gold.  the image is flat.  the figures are elongated.  more sophisticated. influenced by the idea of an icon, very  stylized/unrealistic. compared to the stigmatization of st francis.  he;s set into a space.  there’s no gold.  he’s more readable.  it’s not idealized.  vernacular is for the common people to  understand and read.  more narrative... like a story. the vernacular takes over the latin.  the church was always in latin but in the 1500’s  there’s not martin luther saying everyone needs a bible.  christianity becomes more  generalized. 3.  development from the early italian renaissance ­> high renaissance ­>  mannerism 3­4 images for each section below. early italian art some examples could be: perspective, prove to you they can do it (gates of paradise­ ghiberti).  artist status in society was pretty low.. they were still craftsman.  naturalism/idealism/triangle composition.  very stable.  lacking emotion.  they don’t  move very much.  realistic figures. high renaissance not emphasizing perspectives.  the renaissance men.. they don’t have to prove  themselves.  they can do images that show off.. the triangle becomes 3dimensional  (madonna of the rocks).  the way the disciples are looking.  the gazes are hidden. the  last supper… 3 quarters view profile (mona lisa).  they start experimenting with  subjects (the tempest).. there’s still a triangle but it’s with a natural weather event.  starting to be more movement.  expanding on early renaissance. mannerism a lot of motion.  they aren’t made rationally.  represents anxiety.  there’s no sense of  harmony and unity.  every gaze is going in different directions.  nothings a focal point.  entombment of christ.  it happens along the time with the separation of the church.  no  harmony, no sense or logic in the outside world.  martin is breaking up the church.  there’s a lot of questioning.  breaking all the rules. 4.  patronages. 
 churches are commissioning work in the north medicis in italy. effects of good and bad government in sienna. ^they’re showing how great their city is.  it’s on the wall of their civic office building.  it  represents something to reach for. arena chapel­giotto di bondone.  the chapel was commissioned as a deathbed  repentance to make up for giving loans and then charging interest on it.  he’s a layman.  it’s in italy.  religiously motivated.