Le vêtement, une pièce de collection comme les autres
Au MAD à Paris, ou au Metropolitan Museum of Art de New York, les expositions de mode connaissent un succès florissant. En coulisses, les conservateurs explorent, préservent et valorisent ces pièces comme ils le feraient pour une œuvre d’art.
Robe Lesbos de Lanvin (1925), dans la grande galerie du Palais Galliera pour l’exposition Jeanne Lanvin, 8 mars au 23 août 2015. Pierre ANTOINE Dans la grande pièce où l’on pénètre uniquement avec un badge d’accès, des dizaines de cartons rectangulaires gris clair sont installés sur une succession d’étagères métalliques. « A l’entrée, légèrement de côté, les peignes. Là, les boutons. Ici, les bijoux. Et plus loin, là-bas, les chaussures XVIIIe siècle », guide Marie-Laure Gutton, chargée de la conservation des accessoires du Palais Galliera, le Musée de la mode de Paris. A l’étage en dessous, des tiroirs et penderies dressés à l’infini recueillent le reste de la collection du musée, chaque vêtement emballé dans une housse de coton, elle-même recouverte d’une couche de plastique. « Tout est classé et organisé, avec les allées, les étagères, les tiroirs et les penderies numérotés, pour que l’on puisse retrouver facilement une œuvre recherchée. » « Voir toutes les pièces d’un musée de près est ce que je préfère, c’est un grand privilège. Ce matin encore, j’étais ébahi devant une robe 1910, en soie noire et doublure rose, cousue à la main. » Wim Mertens, conservateur au MoMu (Anvers). A cette adresse parisienne tenue secrète pour réduire les risques de cambriolage reposent les réserves du musée, soit plus de 250 000 pièces, costumes XVIIIe comme robes du soir Yves Saint Laurent, accessoires de tout temps comme audaces signées Martin Margiela. Venir travailler ici, Marie-Laure Gutton le fait « au moins une fois par semaine », comme ses collègues. Leurs missions ? Observer, vérifier, documenter, apprécier l’état et choisir parfois d’exposer des vêtements ou accessoires dont ils ont la responsabilité (jusqu’à 40 000 chacun). Les conservateurs textiles s’emploient dans les coulisses à préserver la mémoire mondiale de la mode. Gagnant peu à peu en visibilité à mesure que les expositions de mode se multiplient et séduisent le grand public (plus de 700 000 visiteurs pour Christian Dior, couturier du rêve, au Musée des arts décoratifs en 2017), leur profession reste malgré tout encore peu médiatisée. Denis Bruna conservateur en chef collections antérieures à 1800 au MAD, à Paris. Ici dans l’atelier de restauration textiles du Musée des arts décoratifs, en 2018. EMMANUELLE GARCIN « Lorsqu’on se présente comme conservateur, la réaction est toujours la même, raconte Sophie Grossiord, conservateur général de la mode féminine et enfantine de la première moitié du XXe siècle à Galliera. D’abord : “Oh, comme c’est intéressant !” Puis, très vite : “Mais que faites-vous exactement ?” » L’ambition – protéger le patrimoine textile – est colossale et les tâches si variées. « Dans ce métier, il n’y a pas de journée type », disent en chœur les conservateurs. Denis Bruna, qui supervise les collections antérieures à 1800 du Musée des arts décoratifs (MAD) à Paris, détaille : « Cela va de préparer une exposition à répondre à des anonymes qui veulent faire don d’un habit ou à des mails de collègues à l’étranger qui nous sollicitent pour un prêt ou des recherches. De rédiger un article à récoler. » Le récolement, ouvrage obligatoire en France, consiste à vérifier que le contenu du fonds du musée soit bien conforme à l’inventaire : voilà les conservateurs contraints de s’assurer, pièce après pièce, que rien ne manque dans les réserves et que tout soit en état convenable. « Cela a l’air d’une corvée, mais cela offre un panorama sur la collection dont on s’occupe : on tombe toujours sur des choses inédites ou intéressantes », assure Sophie Grossiord. Wim Mertens, conservateur au MoMu, le Musée de la mode d’Anvers, en Belgique, abonde : « Voir toutes les pièces d’un musée de près est ce que je préfère, c’est le grand privilège du conservateur, d’autant qu’aucun vêtement ne ressemble à un autre. Ce matin encore, j’étais ébahi devant une robe 1910, en soie noire et doublure rose, cousue à la main. Ce sont de précieux moments de face-à-face. » Portants sur roulettes et accrochage Le conservateur se doit de connaître sa collection. Il sait ce qui y entre (selon les prêts ou les acquisitions) et ce qui en sort. C’est lui qui consent à prêter une robe XIXe ou une veste contemporaine à un autre musée qui les réclame pour un accrochage. Lui qui s’y refuse s’il estime qu’un vêtement ne peut pas voyager, être mannequiné ou doit « se reposer » (idéalement, pour limiter la détérioration, il faut en moyenne compter trois ans de repos pour trois mois d’exposition). « Depuis que nous avons acquis en 2013 le chapeau-chaussure de l’hiver 1937 d’Elsa Schiaparelli, on me le réclame très souvent, constate Marie-Laure Gutton à Galliera. Mais il serait trop risqué de le prêter systématiquement. » Lorsque le conservateur accepte de prêter une œuvre, il en fixe préalablement la valeur assurantielle (des montants confidentiels, de 4 à 6 chiffres) avant qu’elle ne quitte les réserves et juge si elle a auparavant besoin d’être restaurée et à quel point. Si, en Europe, le conservateur n’assure pas la restauration, le conservator à l’américaine peut en être chargé. En plus de signer certaines expositions et de rédiger des articles scientifiques, Sarah Scaturro, la conservateur en chef du Costume Institute, le département mode du Metropolitan Museum of Art de New York, dirige ainsi une équipe de restaurateurs qui interviennent sur les 32 000 pièces du musée. « Il y a, d’une part, la prévention : s’assurer que tout soit conservé dans un environnement optimal. Et, d’autre part, l’intervention : administrer des traitements, recoudre, rapiécer, nettoyer, sans dénaturer. Cela exige une large connaissance de la collection », précise celle qui a travaillé auparavant au Cooper-Hewitt, Smithsonian Design Museum, un établissement de l’Upper East Side. Sarah Scaturro, conservateur en chef du Costume Institute, le département mode du Metropolitan Museum of Art de New York. MET Lorsqu’on aime explorer le passé mais ne pas rester le nez plongé dans les livres, la profession offre aussi de s’adonner à la transmission, son deuxième pilier. A travers des articles qui alimentent la communauté scientifique et surtout, pour certains, à travers le commissariat d’exposition. « Le public ne réalise pas le travail de plusieurs années qu’exige une exposition », remarque Sarah Scaturro. Une fois le thème et la période délimités, il leur faut faire un choix d’œuvres à exposer, faire dépêcher des prêts d’institutions nationales ou internationales, rédiger des argumentaires, un catalogue, des textes de présentation, songer au parcours le plus pertinent pour le visiteur… « Notre mission reste celle d’un service public », rappelle Sophie Grossiord : donner à admirer au plus grand nombre le patrimoine textile de l’humanité. Dans les réserves de Galliera, un portant sur roulettes retient ainsi l’attention. Entre deux allées, y patientent sur cintre quelques pièces. « Chanel », renseigne une feuille de papier. « Elles sont destinées à notre prochaine exposition sur Gabrielle Chanel qui se tiendra au printemps », explicite Marie-Laure Gutton, en laissant entrevoir un tailleur noir des années 1960 avec, à l’intérieur, la bordure en chaîne en or, signature des vestes de « Mademoiselle ». Dans les locaux du MAD, ces dernières semaines, on parfait plutôt le mannequinage de souliers de toute époque, dont un de 1792 ayant appartenu à Marie-Antoinette, pour Marche et démarche : une histoire de la chaussure, le nouvel accrochage de Denis Bruna, visible à partir du 7 novembre. « En veille permanente » La tenue d’une exposition amène quelquefois à organiser l’acquisition d’œuvres qui intégreront ensuite la collection. C’est la troisième mission majeure du conservateur. « Ma préférée », sourit Denis Bruna, buste penché sur un collet en cuir qu’il manipule précautionneusement avec des gants en tissu et que le MAD a acquis au printemps grâce à l’aide financière d’une mécène australienne, la collectionneuse Krystyna Campbell-Pretty (contrairement à d’autres musées, les acquisitions du MAD ne se font que sur fonds privés). « C’est désormais l’une des plus anciennes pièces que le musée possède. Grâce à ses baleinages en graminées, j’ai pu la dater : elle remonte entre 1590 et 1610. » Chaque dimanche, il scrute les annonces des prochaines ventes aux enchères, craignant de passer à côté d’une perle. « Il faut être en veille permanente, renchérit Marie-Laure Gutton à Galliera. Nous avons la chance d’avoir des dons, mais pour les achats, même si nous possédons un réseau privilégié d’experts, le plus dur est de dégager du temps pour rester toujours à l’affût. » Chacun, désireux de combler les lacunes de sa propre collection, a ses quêtes personnelles : des gants XVIIe, des souliers XVIIIe, des tenues sport des années 1920, des créations contemporaines de haute volée… Avec, pour les musées hexagonaux, la possibilité de faire valoir, après le coup de marteau, le droit de préemption au nom de l’Etat, une priorité face aux acquéreurs privés, à condition d’avoir reçu délégation et de respecter un prix maximum préalablement fixé. Lire aussi Le dos, face cachée de la mode Une fois obtenue, une nouveauté nécessitera parfois d’en éclairer l’origine. « Pour l’exposition consacrée à la garde-robe d’Alice Alleaume en 2013, tout a commencé par un coup de fil : un descendant appelait pour faire une donation majeure. Puis il a fallu faire des recherches pendant des mois pour comprendre ce vestiaire. Je me souviens d’un merveilleux après-midi où, grâce à la documentation des Archives de Paris, j’ai pu dater et attribuer une griffe à trois modèles en un seul coup, savoure encore Sophie Grossiord. Un objet peut parler, mais il faut savoir l’interroger. » Conservateur du patrimoine depuis 1983, elle a exercé à la Maison de Victor Hugo avant d’entrer à Galliera en 2001. « Il y a trente ans, les conservateurs textiles étaient vus comme s’occupant de chiffons, se souvient-elle. Aujourd’hui, c’est une discipline scientifique à part entière où il reste tant de sujets à explorer encore ! » Pourtant, même si ce métier « a pour les gens une touche magique, le textile reste néanmoins encore vu comme une matière quotidienne, peu noble ». « Pourquoi alors la conserver comme de l’art ? », s’étonnent encore certains qui ne demandent jamais cela pour un tableau de Van Dyck, se désole Wim Mertens du MoMu d’Anvers. Il nous faut de la persévérance pour expliquer sans cesse que la mode est un héritage à préserver et mérite de parvenir aux générations futures. » De la chaussure à la haute couture Tandis qu’au musée Bourdelle à Paris, on peut toujours visiter, jusqu’au 17 novembre, « Back Side / Dos à la mode », une exposition imaginée par Alexandre Samson, un des conservateurs du Palais Galliera, d’autres musées de la mode mettent la dernière main à leurs expositions automnales. Au MAD, Denis Bruna proposera à partir du 7 novembre son dernier accrochage, « Marche et démarche, une histoire de la chaussure ». De son côté, fermé pour rénovation pour plusieurs mois, le MoMu d’Anvers tente cette saison une expérience hors les murs : « Textile comme résistance », à découvrir au Musée de la Lys et du lin, dans la ville de Courtrai, à compter du 15 novembre. A travers une sélection de photographies, de tissus et de vêtements, l’exposition interrogera le pouvoir de contestation du textile à travers le monde, notamment son appropriation politique au Moyen-Orient. Enfin, le Metropolitan Museum donnera à voir une exceptionnelle donation dont il a récemment bénéficié : la garde-robe accumulée par la collectionneuse Sandy Schreier au cours du XXe siècle. Balenciaga, Chanel, Dior, Charles James, Lanvin, Moschino, Schiaparelli, Madeleine Vionnet… L’institution new-yorkaise promet de montrer à son public, dès le 27 novembre, 80 tenues des plus fameux couturiers, parmi les 165 que l’octogénaire native du Michigan a promis de lui léguer. Une aubaine pour le musée, mais à peine plus de 1 % de la collection de Schreier dont on dit qu’elle rassemblerait pas moins de 15 000 pièces haute couture.