Anne Bony : « Dans notre monde d’écrans, les gens veulent retrouver une relation sensible à l’objet »
Dans un « dictionnaire » grand public du design, l’historienne de l’art analyse à travers 55 portraits de créateurs emblématiques l’évolution récente de la discipline.
Floor Lamp Concrete Base 9 (2016), de Nacho Carbonell. Avec l'aimable autorisation de CarpentersWorkshop Gallery et Nacho Carbonell Historienne spécialisée en arts décoratifs et design, Anne Bony est l’auteure, depuis quatre décennies, de multiples livres de référence. En attendant un prochain opus sur les objets créés par l’architecte Jean-Michel Wilmotte, elle livre cet automne un panorama sur le sujet : Le design. Des années pop à nos jours, aux éditions Larousse, avec le portrait de 55 designers emblématiques, d’Eero Aarnio à Sori Yanagi, en passant par les frères Bouroullec ou Matali Crasset. L’occasion d’un état des lieux du secteur avec cette experte. Comment avez-vous sélectionné les designers présents dans l’ouvrage ? Ce livre d’art sur le design est à destination du grand public. Le défi était de brosser un panorama le plus exhaustif du secteur, en passant par le portrait de 55 designers, pas davantage. Mon casting est le fruit d’un équilibre entre générations, pays d’origine et tendances. Les rigoristes de l’histoire de l’art pourront me reprocher la couverture du livre dédiée à une œuvre de Pablo Reinoso, qui est davantage un sculpteur qu’un designer. Mais mon choix est fondé sur l’admiration que ce créateur d’origine argentine, installé à Paris, porte à une icône du design, la chaise Thonet : cette innovation en bois courbé, qu’il dévie et réinvente à son tour. En plus d’être un clin d’œil à une typologie fondamentale du design, cette couverture illustre aussi une problématique contemporaine, le lien entre art et design. L’historienne de l’art Anne Bony. Jean-Michel Tardy A quand remonte le flirt du design avec l’art ? Aux années 1960, avec le pop art et les nouveaux réalistes, qui initient une forme de célébration des objets par les artistes, « d’objectivation » dans l’exposition « Mythologies quotidiennes », en 1964, au Musée d’art moderne de la Ville de Paris. Il y a eu ensuite l’audace de la galerie Néotu (1984), puis le travail d’une maison de vente comme Artcurial, avec Fabien Naudan. Mais c’est en 2004, quand pour la première fois la Foire internationale d’art contemporain (FIAC) a exposé du design en son sein, qu’a changé le regard que l’on portait sur l’objet. Il est devenu soudain susceptible d’être collectionné. L’économie du design s’est tournée, en galeries, vers la série limitée, à la manière de l’art contemporain. Or le design est intrinsèquement lié à la production en série, un paradoxe ! Au bout de deux ou trois ans, la FIAC a fermé ses portes au design, avant de le réinviter en 2017. Mais dans un coin sombre, sous les escaliers du Grand Palais. Et sur les cinq galeristes ainsi confinés cet automne 2019, quatre présentent du mobilier vintage (Downtown, Eric Philippe, Patrick Seguin et Philippe Jousse) et un seul du contemporain (Kreo).