Au Musée Marmottan-Monet, les métamorphoses picturales de Piet Mondrian
Au Musée Marmottan-Monet à Paris, une exposition témoigne de la richesse de l’itinéraire artistique du peintre néerlandais.
« Moulin dans le crépuscule » (vers 1907-1908), de Piet Mondrian, huile sur toile. KUNSTMUSEUM DEN HAAG, THE HAGUE, THE NETHERLANDS Il y a plusieurs raisons d’aller voir, au Musée Marmottan-Monet à Paris, l’exposition « Mondrian figuratif ». Elle présente une soixantaine d’œuvres sur toile et sur papier de celui qui s’appelle, jusqu’en 1912, Pieter Cornelis Mondriaan (1872-1944), avant de simplifier nom et prénom. La plupart, prêtées par le Kunstmuseum de La Haye, n’ont jamais été vues en France. Cet ensemble fut constitué par un seul homme, le plus précoce collectionneur du peintre, Salomon Slijper (1884-1971), mécène méconnu. L’itinéraire de l’artiste, par le postimpressionnisme et le cubisme jusqu’à l’abstraction géométrique, qui est ce que l’on connaît le mieux de lui généralement, s’y voit clairement. La question de la continuité de la création à travers des manières picturales très différentes y est posée, réflexion favorisée par une scénographie et un accrochage qui réussissent des courts-circuits visuels suggestifs. Enfin, il y a dans ces salles des œuvres qui appellent les adjectifs les plus forts. Le grand Bois près d’Oele de 1908 est un éblouissement d’une intensité chromatique que Munch et Kandinsky sont les rares à atteindre alors. La série des dunes et celle des clochers sont à leur place à proximité de celles que Monet a consacrées au pont japonais de Giverny. Voir le portfolio sur Piet Mondrian célébré à Paris : « Figuration et abstraction se complètent l’une l’autre » A ses débuts, Pieter Mondriaan pratique le paysage réaliste. Initié aux arts par son père pasteur, élève de l’Académie royale des beaux-arts d’Amsterdam à partir de 1892, il commence par des vues de prairies, canaux, bois, moulins et fermes, motifs hollandais depuis le XVIIe siècle. Il les traite dans la manière de l’école de La Haye alors à la mode : Anton Mauve, les frères Maris et les frères Mesdag, qui se réclament des anciens Ruysdael et Hobbema et des modernes Corot, Daubigny, Chintreuil et Courbet, ce dernier considéré à bonne distance car réputé révolutionnaire. Vers 1900, il se défait de la minutie et pose la couleur par touches plus distinctes. Il décrit moins qu’il ne suggère, avec des variations de verts, gris et bleu pâle. Il a pris connaissance de l’impressionnisme, plutôt Pissarro et Sisley que Monet. Dans quelques études, dont celle d’une ferme dans la brume de 1906-1907, un penchant vers une composition très équilibrée de bandes horizontales parallèles et de courbes symétriques se repère, mais les couleurs sont sourdes et peu contrastées. « Moulin dans la clarté du soleil » (1908), huile sur toile. GEMEENTEMUSEUM DEN HAAG, THE HAGUE, THE NETHERLANDS Intensité chromatique Elles se risquent à plus d’intensité vers 1907 et rompent avec toute vraisemblance l’année suivante, celle du Bois près d’Oele, de l’aveuglant Moulin dans la clarté du soleil rouge et jaune et du Moulin dans le crépuscule, qui a pour vrai sujet les amours du jaune et du violet en présence du vert. Suivent les dunes et les églises, ses motifs jusqu’en 1911. L’analyse picturale de cette métamorphose passe par Van Gogh, le néoimpressionnisme parisien, le Monet des Peupliers et des Meules, Munch et peut-être le fauvisme de Derain. L’intensité chromatique croît jusqu’à se dégager de l’imitation du réel. Les touches sont tantôt séparées et juxtaposées, direction indiquée par Seurat et Signac, reprise par Matisse et bien d’autres ; tantôt fluides et un peu sinueuses, façon Van Gogh, Gauguin et Munch.