La London Fashion Week à l’ère victorienne
De Burberry à JW Anderson en passant par Erdem, les créateurs de la London Fashion Week puisent leur inspiration dans le XIXe siècle anglais pour livrer un vestiaire glorieux et ténébreux.
Halpern. Halpern Stephanie Phair, présidente du British Fashion Council, posait le vendredi 13 septembre dans son discours d’introduction à la Fashion Week un constat vertigineux et édifiant : « En se fondant sur les chiffres d’importation de 2018, passer sous la juridiction de l’Organisation mondiale du commerce [en cas de Brexit sans aucun accord avec la communauté européenne] coûterait à l’industrie de la mode 870 millions de livres [979 millions d’euros]. » Pour parer au pire, des séminaires ont déjà été organisés pour guider les petites entreprises du secteur à travers la tempête. Dans la capitale anglaise, la Fashion Week s’est déroulée normalement, du 13 au 17 septembre, et l’ambiance générale est loin d’évoquer Armageddon. Les Londoniens lézardent dans les parcs et profitent des derniers soleils d’été. Au son du mot « Brexit » un passant lâche, placide : « Qu’on le fasse et qu’on en finisse, on verra bien. » Même les manifestants du collectif écologiste Extinction Rebellion (un groupe international d’action directe prônant des changements radicaux comme la suppression de la Fashion Week pour lutter contre le réchauffement climatique et ses conséquences) œuvrent dans le calme. Devant le défilé de Victoria Beckham, ils haranguent poliment les invités, les encourageant à rejoindre leur combat. On cherche dans les défilés les symptômes de l’impact potentiel du Brexit. On y découvre surtout une forte poussée de créativité, l’expression d’une féminité vibrante jusqu’à l’excentricité, et quelques fantômes de l’ère victorienne, époque glorieuse, agitée et ténébreuse de l’histoire britannique. La période fascine Riccardo Tisci, directeur de la création du joyau de la mode anglaise, Burberry. Elle le renvoie aussi aux origines de la marque (née en 1856) et à son fondateur, Thomas Burberry, inventeur, entrepreneur et rêveur qui choisit comme emblèmes un chevalier en armure et une licorne. Malgré ces sources patrimoniales, la collection qui défile le 16 septembre est la plus personnelle qu’il ait produite pour la maison. Le sportswear de luxe qui a fait son succès se fait plutôt discret, mais sa manière de mélanger masculin et féminin pour créer une sensualité un peu dure et vénéneuse se lit dans chaque silhouette. Sur les tailleurs, les effets corsetés souples dessinent des courbes gracieuses ; franges de soie et superpositions de dentelles apportent une note plus fragile mais jamais mièvre. Les capes bouffantes et les manches fendues soulignent la dramaturgie d’une allure par ailleurs stoïque. Pour ses précédentes collections, l’Italien avait matérialisé les contrastes du style anglais dans des shows en deux volets. Ici, la dichotomie s’exprime dans chaque silhouette comme un écho à la schizophrénie de l’époque victorienne, déchirée entre rigidité morale et progrès vertigineux. De cette collision naît une tension qui infuse toute la collection et lui donne une âme moderne. JW Anderson. Daisy Walker Dépouille de rat, jouets anciens, ficelles de couleur rangées dans des boîtes en plastique transparentes… L’artiste canadienne Liz Magor signe le décor familier et dérangeant du show JW Anderson. L’installation interroge le rapport à l’objet, le regard que l’on pose sur lui. En parallèle, le designer s’est penché sur la façon dont on regarde le vêtement, les textures, les bijoux. De cette mixture conceptuelle, il tire une poésie singulière presque surréaliste. Aux minirobes en mohair pastel succèdent des robes drapées dont les découpes et la poitrine sont soulignées de bijoux de strass XXL ; les tailleurs à basque façon jupon de Marie-Antoinette croisent des capes lamées… C’est gracieux et étrange, féminin et sensuel. Alors, forcément, le regard s’accroche à ces vêtements et à rien d’autre. Dans un monde saturé de stimuli, c’est presque un acte de rébellion, une méditation, le cool en plus. Tous les shows londoniens ne prétendent pas à cette densité de sens. Il existe aussi un courant plus léger quoique haut en couleur. Esprit romanesque par nature, Erdem invoque un personnage digne des romans picaresques : Tina Modotti, actrice de films muets, photographe de la vie rurale mexicaine et militante communiste. La garde-robe qui va avec cette saga est forcément grandiloquente et télescope couleurs vibrantes, velours dévorés, silhouettes victoriennes à manches gigots, motifs fleuris saturés et touches de folklore mexicain. Une mode théâtrale brandie comme un étendard irréaliste à la face du monde d’aujourd’hui. Halpern. Halpern Le sens du spectacle est aussi au cœur du style Halpern, reconnaissable à ses explosions de paillettes sur tenues du soir. Pour l’été, le designer s’inspire à la fois de Barbra Streisand et des Ziegfeld Follies, le spectacle dansant ultraglamour des années 1930. Dans une salle de bal occupée par deux lustres de cristal géants, glissent des silhouettes qui alternent exubérance seventies et séduction façon « old Hollywood ». Lamés de couleurs, sequins, motifs aquatiques et imprimés panthère font la fête ensemble. C’est très « bal disco sur le Titanic », improbable mais jouissif. Pour une vie plus simple mais sophistiquée, on pourra toujours préférer Victoria Beckham. Ses tailleurs-pantalons aux couleurs denses et contrastées (camel et violine par exemple), ses robes floues à volants ont un certain charme quotidien et optimiste. Simone Rocha. HENRY NICHOLLS / REUTERS Enfin, certaines jeunes créatrices « habitées » sont parties à la chasse aux esprits. Simone Rocha reçoit dans l’antre décrépi de l’Alexandra Palace, ancien centre de loisirs public inauguré en 1875. Dans ce lieu qu’on ne peut imaginer que hanté, l’Irlandaise se replonge dans le folklore de son pays ; l’occasion de découvrir la « chasse au wren ». Dans la tradition celtique, cela désigne le moment où de jeunes garçons chassaient et tuaient un roitelet (wren en anglais), réputé diabolique, et le promenaient ensuite de maison en maison attaché à un mât décoré. Robes de poupée et références victoriennes (deux signatures de Simone Rocha), tresses de paille et motifs de porcelaine, ces drôles de sorcières passent en procession sur le vieux parquet poussiéreux et grinçant. Et la ferveur du public semble confirmer un certain attrait pour le surnaturel. Dilara Findikoglu Kim Weston-Arnold Les sorcières de Dilara Findikoglu sont plus teigneuses. Symbole de paix peint sur le mur avec ce qui ressemble à du faux sang, éclairage à la bougie et totems de paille (réalisés par le directeur du Musée de la sorcellerie, en Cornouailles) servent de décor à une messe occulte et électrique où l’on invoque les esprits pour sauver la planète. La créatrice turque connue pour son style goth rock victorien décadent et féministe a fait inscrire sur la poitrine d’un mannequin « Vivienne says buy less » (« Vivienne a dit achetez moins »), le slogan de décélération de dame Westwood, dont elle est la digne descendante. Crinoline déstructurée, bustier tudor découpé sur les hanches, cape de messe noire en velours, bijoux ciselés qui enserrent les tailles et les épaules, matériaux recyclés et coupes savantes : la collection ressuscite au passage de grandes héroïnes martyres, de Jeanne d’Arc à Mary Stuart. Il y a là toute la virtuosité technique, toute la créativité débridée, presque furieuse, que l’on attend de la mode londonienne. Dans cette collection intense et sans concession, il y a aussi cette énergie vitale que l’on ressent partout dans la Fashion Week. Une résilience pleine de panache.