Une fashion week de Paris de haute tenue
Qu’elles soient architecturées pour Balenciaga, hédonistes chez Valentino ou hyperféminines pour Givenchy, les collections sont aussi le reflet de savoir-faire uniques.
L’industrie du luxe ne veut plus être confondue avec le marché de la mode de masse. Du coup, elle affiche publiquement ses volontés d’être plus durable, plus « propre », par opposition aux vêtements surproduits pour pas cher qui donnent la nausée aux écologistes. Et puis, elle met en avant lors de la Paris Fashion Week ce qui la distingue et justifie ses prix : des savoir-faire techniques et des matériaux qui font de la mode du printemps-été 2020 un spectacle haut de gamme. Balenciaga. Victor VIRGILE / Gamma-Rapho via Getty Images Dans cet exercice, certains designers privilégient l’architecture. Sous la direction de Demna Gvasalia, Balenciaga a pris des allures plus brutes, des formes nourries de la culture de la rue. Pour son défilé, dimanche 29 septembre, il a fait construire dans les studios de cinéma de Luc Besson, à Saint-Denis, en Seine-Saint-Denis, un hémicycle drapé d’un bleu qui ne peut que rappeler le drapeau européen. Dans ce faux parlement, des mannequins au physique anodin (parfois modifiés par des prothèses de bouche ou de pommettes, imitant la chirurgie esthétique) arrivent bientôt en costumes « corporate » aux épaules exagérées, blousons surgonflés ou robes imprimées à carrures suraiguës. Le designer s’est penché ici sur la façon dont les gens s’habillent pour aller travailler, quel que soit leur emploi. Echo lointain des architectures de Cristobal Balenciaga, ses volumes évoquent également l’œuvre de Claude Montana, un des héros des années 1980, mais dans une version sans glamour. Appliqués aux tenues du soir, ces jeux de construction prennent une force nouvelle : combinaisons seconde peau, grands jupons de bal métallisés décorés de nœuds géants ou robes-manteaux granitées de cristaux incarnent une ultramodernité et soulignent le luxe déployé dans la collection. Pour bâtir, Junya Watanabe a commencé par déconstruire. Il a disséqué des trenchs (majoritairement beige) pour les reconstruire sous d’autres formes : robes à bustier ou à bretelles, tailleurs jupes plissées soleil et incrustations de dentelles très couture. Tout est possible grâce à l’imagination et la virtuosité technique du créateur. Le résultat se porte avec des leggings en Lycra imprimés des fresques murales de Demsky J. et Bicicleta Sem Freio et possède aussi le charme de pièces à porter au quotidien. La mode Hermès de Nadège Vanhee-Cybulski possède la simplicité assumée d’une architecture moderne. La créatrice a le sens de la structure rigoureuse et de la ligne droite, mais souple juste qu’il faut. Ses vêtements aux teintes neutres exploitent beaucoup les cuirs de la maison, associés à de la gabardine de coton. Robes chemises, grands manteaux à brides et formes « tablier » qui évoquent le travail des artisans, Hermès compose un vestiaire plein de retenue solennelle, comme un temple dédié au luxe français le plus discret. Valentino. Andre Lucat/SGP La maîtrise des meilleurs savoir-faire offre aux créateurs la possibilité d’exprimer leur fibre artistique. Chez Valentino, Pierpaolo Piccioli a clairement l’âme d’un dramaturge. Chacune de ses collections est une sorte d’opéra réalisée grâce aux remarquables ateliers romains de la maison. Pour l’été, il y a un peu de tout dans son théâtre : du coton blanc bouillonné, des couleurs fluo, de longues robes à fleurs brodées et imprimées façon Liz Taylor à Puerto Vallarta, des bijoux et des motifs singes, des volants de mousseline en cascade, des plissés de tulle et des envolées de plumes. A cette ode au luxe hédoniste des années 1970, on ne peut reprocher qu’une chose : d’aller essentiellement à de très jeunes filles. Kei Ninomiya (Noir) et Rei Kawakubo (Comme des garçons) sont des metteurs en scène d’exception. Leurs collections pleines d’une poésie hors normes sont proches de la haute couture et du happening artistique. Elles expriment à son acmé l’idée que des vêtements plus portables incarneront plus tard en boutique. Kei Ninomiya rend hommage à la nature avec des silhouettes-sculptures prêtes à surgir de terre (le show a lieu dans une boîte de nuit sans fenêtre sous le pont Alexandre-III), elles semblent traverser toutes les saisons : d’un printemps verdoyant au givre de l’hiver. Au milieu de cette germination extraordinaire se faufilent des silhouettes noires dont les exosquelettes sont reliés à des reptiles-bijoux accrochés aux dos des vêtements. Entre féerie et conte noir futuriste, c’est une petite merveille d’expression créative portée par une technique exceptionnelle. La reine Rei Kawakubo proposait, elle, le second volet (le show homme de juin était le premier) d’un triptyque consacré à Orlando, personnage élisabéthain capable de changer de sexe mis en scène par Virginia Woolf dans le roman éponyme (1928). La Japonaise déconstruit le costume historique, le fait passer par le XVIIIe et le XIXe siècle, l’époque moderne et le futur, l’additionne de détails presque kitsch, puis passe habillement du rouge passion au noir du deuil. Un vrai voyage acrobatique dans le temps et l’espace. Givenchy. CHRISTOPHE ARCHAMBAULT / AFP Entre architecture et esprit couture, Clare Waight Keller fait faire le grand écart chez Givenchy. Dans sa collection se télescopent les graphismes androgynes de la mode new-yorkaise des années 1990 et l’opulence couture hyperféminine du Paris de la même époque. Le denim usé (et recyclé) se porte avec des blouses en soie aux couleurs riches. Aux tailleurs pantacourts portés avec des sabots à gros talons succèdent de longues robes floues à fleurs parfois brodées de dentelle. On retrouve le style cool et féminin qu’elle avait développé chez Chloé mais dans une version très luxe. Une piste à suivre ?