Biennale de Lyon : « Une forme d’inquiétude que nous espérons stimulante »
Deux des sept commissaires, Yoann Gourmel et Claire Moulène, expliquent leur vision d’une Biennale « traversée par toutes les questions contemporaines ».
Claire Moulène et Yoann Gourmel, deux des sept commissaires délégués du Palais de Tokyo, à Paris, pour la Biennale de Lyon. Ayka Lux Pour la première fois, ce n’est plus à une seule personne, mais à sept qu’a été confié le commissariat de la Biennale de Lyon : les curateurs du Palais de Tokyo – Adélaïde Blanc, Daria de Beauvais, Yoann Gourmel, Matthieu Lelièvre, Vittoria Matarrese, Claire Moulène et Hugo Vitrani. Ceux-ci ont pris possession des usines Fagor, immense friche industrielle au cœur de la ville. La Biennale quitte cette année La Sucrière pour investir le site des anciennes usines d’électroménager Fagor. Pourquoi ce déménagement ? Yoann Gourmel Ce nouveau site nous permet de préserver davantage de budget pour aider les artistes à produire des œuvres. Son potentiel est énorme : quatre halles, dont l’une de 18 000 m2, chacune avec son identité, l’une très haute, d’autres dotées de fosses… Nous avons choisi de garder tous les stigmates du site, qui renvoie à la violence de l’économie libérale. On voit encore toutes les peintures au sol qui évoquent la place des corps et des machines. Cette usine d’électroménager, fermée depuis 2015, raconte le passage d’une économie de l’industrie lourde à une économie de services. C’est pourquoi nous avons choisi comme titre « Là où les eaux se mêlent ». Ce vers est tiré d’un poème de Raymond Carver, métaphore des flux humains, capitalistiques, monétaires qui font aujourd’hui notre paysage. Nous sommes ici dans un ultraprésent. Nous n’avons pas imposé de thème, comme les années précédentes, mais la Biennale est traversée par toutes les questions contemporaines. Claire Moulène Le site n’en est qu’au début de son devenir de friche, il n’est pas encore gentrifié. Nous voulions préserver cet entre-deux. Beaucoup d’artistes jouent d’ailleurs sur ce temps en suspens, sur l’entropie, en construisant avec nous un lieu où la nature semble parfois avoir repris ses droits. Le site a t-il beaucoup inspiré les artistes ? Y.G. Enormément, d’autant plus que nous produisons près de 90 % des œuvres spécifiquement pour la Biennale, ce qui est complètement inédit. Chaque artiste a choisi son emplacement, et beaucoup d’entre eux se sont inspirés de l’histoire de cette production, de cette architecture industrielle, du contexte socio-économique… C.M. La Sud-Africaine Bianca Biondi, par exemple, a rencontré d’anciens ouvriers de l’usine, où on produisait notamment des machines à laver, et a créé un espace domestique fantomatique, une cuisine complètement rongée par le sel. Les artistes du post-diplôme de l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Lyon ont, eux, constitué un « Bureau des pleurs », dans les anciens locaux de l’administration, qu’ils ont ensablés. A partir d’entretiens avec les ouvriers, pour qui cette histoire reste très douloureuse, mais aussi avec les habitants du coin, ils s’intéressent au passé de l’usine tout en se projetant dans un futur plus ou moins lointain. Beaucoup d’œuvres sont empreintes d’une forme d’inquiétude, mais que nous espérons stimulante. Neuf pièces sur dix sont produites sur place pour la Biennale. Comment avez-vous relevé ce défi logistique ? Y.G. Nous avons tenté de faire en sorte qu’un maximum de choses se fasse en circuit court, sur place. Le contexte lyonnais et le mécénat de compétences nous ont permis d’avoir accès à toutes sortes de matériaux et de savoir-faire, de chercheurs de l’université Lyon-I à des danseurs du centre chorégraphique, en passant par des torréfacteurs. Nous avons même réussi à dénicher pour l’un des artistes un véritable tunnelier, cette machine qui semble presque issue de la science-fiction, et dont il se sert dans un scénario apocalyptique. Plus qu’une exposition, c’est un paysage que vous semblez avoir composé. C.M. Nous nous sommes inspirés de l’expérience de la halle pour créer ce paysage. Nous n’avons monté aucune cimaise, nous laissons certains espaces respirer. Les œuvres entrent ainsi en relation, avec des plans et des arrière-plans, en un écosystème très poreux. Le parcours est très organique, à chaque visiteur de le construire. Certaines œuvres s’infiltrent dans tous les espaces, comme celle de Dale Harding, qui a pris soin du lieu en nettoyant quelques fenêtres, en restaurant les graffitis. Même nous, nous sommes incapables de dire où il est effectivement intervenu ! Les œuvres zooment, dézooment, avec une attention à l’infiniment petit comme à l’infiniment grand. Elles tissent des récits qui mettent en mouvement ces rapports d’interdépendance, comme un système de poupées russes, qui propose différents niveaux de lecture. Thomas Feuerstein s’intéresse aux bactéries, d’autres aux plantes, à la chimie, aux cristaux. Tout le spectre du vivant est embrassé. Y.G. Nous avons beaucoup réfléchi au terme même de paysage, très galvaudé. Quelle réalité peut-il recouvrir aujourd’hui ? Longtemps, ce concept a été conditionné par le point de vue de l’homme, avec ce fantasme d’une nature intouchée en toile de fond. Pour cette Biennale, nous nous sommes inspirés des problématiques de l’anthropologie contemporaine, à partir des lectures, notamment, de Tim Ingold ou Philippe Descola. Ils définissent le paysage comme un ensemble de relations qui peuvent se passer de l’homme, où toute hiérarchie est abolie. De là ces grandes familles d’œuvres qui témoignent d’autres rapports au vivant, de notre relation à ce que l’on produit, distribue, saccage ; d’autres évoquent la cosmogonie, interrogeant la place de l’homme dans l’Univers, voire son absence. Bref, nous avons tenté de restituer l’expérience de la complexité du monde, par une poétique de la relation. S’intéresser aux bactéries, au corps comme lieu d’échange, aussi bien qu’au corps social. Plus concrètement, comment l’anthropologie a-t-elle guidé votre démarche ? Y.G. Nous avons, par exemple, été très inspirés par le livre de l’anthropologue Anna Tsing, Le Champignon de la fin du monde. Sur la possibilité de vivre dans les ruines du capitalisme [La Découverte, 2017]. C’est une enquête sur un champignon appelé matsutake, qui est un vrai produit de luxe au Japon et que l’on peut ramasser dans les forêts au sol appauvri de l’Oregon. C’est un des premiers organismes qui ait repoussé après Hiroshima. Dans son livre, Anna Tsing s’intéresse à tout : les travailleurs précaires qui le ramassent, les interactions entre les espèces. C’est une vraie parabole, qui enchevêtre tous les éléments, naturels, économiques, sociaux… Beaucoup des artistes que nous avons invités travaillent ainsi, en enchevêtrant les récits, loin du récit dominant. Espérons que la rencontre avec ces œuvres transforme l’imaginaire du visiteur, même si l’ensemble peut sembler empreint d’une grande dureté et de mélancolie. Cet article fait partie d’un dossier réalisé dans le cadre d’un partenariat avec la Biennale de Lyon.