Bac français 2019 : le corrigé de la série L
Nous publions ici le corrigé type de l’épreuve anticipée de français du bac réservé aux élèves de première de la série L lundi 17 juin. Le thème : le rôle de la chanson au théâtre.
Voici un corrigé de l’épreuve anticipée de français du bac 2019, série L, que Le Monde vous propose en exclusivité, en partenariat avec Annabac. Des candidats au baccalauréat 2019 lors des épreuves, au lycée Pasteur à Strasbourg. AFP/Frédérick Florin Le corpus : - Texte A : Molière, Le Bourgeois Gentilhomme - Texte B : Beaumarchais, Le Barbier de Séville - Texte C : Victor Hugo, Ruy Blas LE CORRIGÉ I. Vous répondrez d’abord à la question suivante (4 points) Quels rôles la chanson joue-t-elle dans ces textes ? Par Mathilde de Maistre, professeure agrégée Analyse du sujet • La question invite à considérer les différents « rôles » que jouent les chansons dans ces extraits de pièces de théâtre : il ne faut donc pas se limiter à un seul aspect. • N’oubliez pas que l’objet d’étude s’intitule « texte théâtral et représentation ». L’étude des extraits ne doit pas négliger la question de la mise en scène. • Le corpus soumis à l’étude témoigne des mutations du théâtre français depuis le classicisme jusqu’au romantisme, mais aussi de la diversité des registres propres à ce genre. Plan détaillé Introduction Le corpus soumis à l’étude rassemble trois scènes, deux tirées de comédies, et une d’un drame romantique. Dans chacun de ces extraits, les personnages chantent, ou bien écoutent une chanson. On peut s’interroger sur les rôles que jouent ces chansons, tant dans l’action que dans la mise en scène. 1. LA CHANSON JOUE UN RÔLE COMIQUE • Dans l’extrait du Bourgeois gentilhomme, le contraste entre les deux chansons, l’une qui ressort de la lyrique amoureuse et l’autre de la chanson populaire proche du farcesque, permet d’exploiter le comique de mots (par exemple, la réplique « il y a du mouton dedans »). • Le comique de caractère est aussi présent, puisque Monsieur Jourdain apparaît comme un ignare peu sensible à la poésie et à la musique (« Cette chanson me semble un peu lugubre »/« le plus joli du monde »). • La chanson participe aussi au comique dans le texte de Beaumarchais, puisque les paroles qui professent pauvreté et humilité sont en complet décalage avec ce que le spectateur connaît du comte Almaviva. Par ailleurs, les réactions outrancières de Figaro s’inscrivent aussi dans le comique. 2. LA CHANSON ÉCLAIRE LA COMPRÉHENSION DES PERSONNAGES • La chanson fait avancer l’action dans Le Barbier de Séville, puisqu’elle permet au Comte de poursuivre son entreprise de séduction. • La chanson est aussi un morceau de bravoure, qui montre le Comte en habile séducteur, ce dont témoigne l’admiration de Figaro (« Fort bien, parbleu ! »). • Dans l’extrait de Ruy Blas, la chanson donne l’occasion de manifester la situation de la Reine, enfermée et coupée du monde, comme en témoigne sa difficulté à entendre la musique (« on les entend à peine »). Elle permet aussi au personnage d’exprimer sa solitude et ses aspirations. C’est « l’amour » qui semble manquer à la Reine (« l’amour ! – oui, celles-là sont heureuses », v. 22). 3. LA CHANSON PRODUIT UNE ÉMOTION ESTHÉTIQUE • Dans Ruy Blas, la chanson des lavandières témoigne du goût romantique pour la culture populaire et le folklore. Par ailleurs, la dernière réplique de la Reine, qui est marquée par un fort lyrisme, fait ressortir la puissance de la chanson qui permet au personnage d’exprimer à son tour ses sentiments. • La chanson est aussi l’occasion d’une performance d’acteur, en particulier dans les textes A et B, à la fois pour les personnages qui chantent (Monsieur Jourdain et le Comte) et pour les témoins (le maître de musique et Figaro). • A cet égard, les accessoires sont importants dans ces deux textes, qu’il s’agisse de la « guitare » du Comte ou de la « robe » qui doit permettre à Monsieur Jourdain de mieux entendre. La chanson est associée à des effets de mise en scène qui doivent toucher le spectateur. Conclusion En conclusion, la chanson joue un rôle dramaturgique mais aussi poétique dans ces textes. Elle participe à la compréhension des personnages et de leurs actions, tout en intégrant la musique sur la scène, dans une forme de mélange des arts. II- Vous traiterez ensuite, au choix, l’un des sujets suivants (16 points) : 1. Commentaire Vous commenterez l’extrait du Barbier de Séville de Beaumarchais (texte B) par Mathilde de Maistre, professeure agrégée Analyse du sujet • La scène joue sur le contraste entre les registres lyriques et comiques et entre les personnages. • Le commentaire doit montrer que le texte joue avec des codes esthétiques familiers aux spectateurs de l’époque, notamment dans la représentation de la séduction amoureuse. • L’objet d’étude porte sur le texte théâtral et sa représentation : il faut évoquer la mise en scène sous toutes ses formes. Plan détaillé Introduction Dans cet extrait du Barbier de Séville, Beaumarchais reprend les lieux communs de la scène de séduction amoureuse des romances espagnoles, dans une mise en abyme permise par le décor. La scène construit également une opposition entre le Comte et Figaro, et montre les enjeux de la relation entre maître et valet. 1. UNE SCÈNE DE SÉDUCTION A. Une scène de genre : romance au balcon • La scène reprend les codes et les clichés d’une scène de séduction : le comte vient chanter sous la « jalousie » de la femme qu’il convoite. Le « balcon » est un élément de décor récurrent dans ce genre de scène. • La chanson qu’improvise le Comte reprend également les codes de la lyrique amoureuse et de la poésie sentimentale, que ce soit dans le lexique (« vous adorer ») ou dans la ponctuation forte et les interjections (« hélas »). B. Une entreprise de séduction efficace • L’efficacité de la sérénade est lourdement soulignée par Figaro, qui manifeste à plusieurs reprises son admiration (voir la didascalie l. 35), ce qui permet également d’en souligner l’artificialité. • Rosine semble conquise, puisqu’elle ébauche une réponse (lignes 42 et 43), toujours en chanson : elle accepte que le jeu de la séduction se poursuive. 2. FAUX SEMBLANTS ET MENSONGES AMOUREUX A. Séduire et mentir • En effet, la chanson apparaît davantage comme un morceau de bravoure où le Comte montre sa maîtrise des codes de la séduction que comme l’expression sincère de sentiments amoureux. • Cela est renforcé par le mensonge qu’il a construit afin de séduire Rosine : il se présente comme Lindor, jeune homme de basse extraction (« il faut obéir à son maître », « ma naissance est commune »). B. Les artifices de la chanson • Les trois couplets correspondent à des attendus de la chanson sentimentale, tant dans la forme (rimes croisées et les décasyllabes) que dans le fond (aveu d’amour, profession d’humilité et expression des espérances). • Les répliques de Figaro soulignent à quel point l’artifice domine : le comte peut dire « tout ce qui [lui] viendra », puisque « le cœur » se contente de peu. 3. L’AMBIGUÏTÉ DU PLAISIR THÉÂTRAL A. Almaviva, un personnage ambivalent • Le Comte apparaît comme un homme habile, qui maîtrise à la fois le langage et la performance artistique, puisqu’il peut improviser une sérénade alors qu’il affirme ne savoir ni jouer de la guitare ni « faire de vers ». C’est une mise en abyme : Almaviva joue un rôle. • Cependant, c’est aussi un homme qui cherche le « triomphe » et envisage la conquête amoureuse comme un défi où tous les mensonges sont permis. Il apparaît donc ambivalent aux yeux des spectateurs. B. Entre légèreté et invitation à la méfiance • L’extrait apparaît comme une réécriture amusée des clichés de la scène de romance, dans laquelle le langage familier de Figaro et ses répétitions créent un effet comique. • L’admiration excessive de Figaro, qui se pâme devant la réussite formelle en négligeant l’immoralité du procédé, peut inviter le spectateur à se méfier de sa propre tendance à se laisser trop aisément séduire. En outre, l’évidente domination sociale du Comte sur Figaro (« Monseigneur »/« que veux-tu ») invite à considérer avec prudence cette admiration. Conclusion Dans cette scène qui reprend tous les codes de la séduction amoureuse, Beaumarchais interroge plus largement les tromperies et les artifices de la parole. Entre comédie et invitation à l’esprit critique, la mise en abyme invite les spectateurs à mettre en question le plaisir esthétique et à ne pas en être dupe. La statue de cire de Victor Hugo au Musée Grévin, à Paris. Christophe Lehenaff / Photononstop 2. Dissertation Le sens d’une pièce de théâtre et le plaisir qu’elle nous donne reposent-ils uniquement sur les mots ? Vous appuierez votre réflexion sur les textes du corpus, sur ceux que vous avez étudiés en classe ainsi que sur votre expérience de spectateur. Par Hélène Bernard, professeure agrégée Analyse du sujet • Le sujet porte sur la réception de l’œuvre théâtrale : le texte suffit-il à l’interprétation et au divertissement ? • C’est la question du statut de l’œuvre théâtrale qui se trouve alors posée : est-ce un texte autosuffisant au même titre qu’un récit ou un poème ? ou n’est-il qu’un prétexte pour servir une représentation qui en actualise la signification et l’émotion ? • L’expérience de spectateur pourrait plaider pour la seconde voie ; cependant, la représentation ne saurait-elle faire mentir le texte ? Plan détaillé Introduction Dans l’avis au lecteur de L’Amour médecin, Molière déclare : « On sait bien que les comédies ne sont faites que pour jouées », signalant la primauté de la représentation sur le texte de théâtre, du jeu des comédiens sur les mots du dramaturge. Cela donnerait à penser que le sens d’une pièce et le plaisir qu’elle nous donne ne reposent pas uniquement sur le texte. 1. LE PRIMAT DU TEXTE A. La parole : support du drame • Au théâtre « dire, c’est faire » comme le rappelle R. Barthes à propos de Racine. Les paroles se substituent à l’action, valent pour elle. Les personnages, leur caractère et leur profil psychologique sont entièrement déterminés par leurs répliques. « Il y a du mouton dedans » de M. Jourdain infléchit le cours de la scène 2 de l’acte I du Bourgeois gentilhomme dans le sens du comique et révèle le caractère naïf et bouffon du protagoniste. • Indications silencieuses, les didascalies n’en sont pas moins des mots du dramaturge destinés à contrôler la mise en scène pour favoriser la compréhension du spectateur : les indications scéniques, techniques chez Molière, plus psychologiques sous la plume de Beaumarchais et Hugo, signalent la volonté de contrôler le texte sur lequel s’enlève le sens. B. Les mots : garants de l’émotion • Le théâtre se donne d’abord comme un texte à lire et à entendre. Tout spectateur est comme la Reine de Ruy Blas qui écoutant les « VOIX du DEHORS » devient « rêveu[r] ». • Ce sont les mots avant les gestes du personnage qui révèlent son état affectif et communiquent au lecteur l’intériorité du protagoniste : le lyrisme de la tirade finale de la Reine mise en scène par V. Hugo a sans doute largement participé au plaisir des lecteurs romantiques. 2. LA FONCTION DE LA MISE EN SCÈNE A. Les éléments extra-langagiers • Une pièce de théâtre représentée ne saurait se réduire à un enchaînement de répliques, tirades et monologues. La mise en scène apporte en effet des éléments extérieurs au texte : l’éclairagiste, le costumier, le décorateur, le scénographe construisent la dimension visuelle et non verbale du drame, que le texte ne pouvait pas entièrement contenir. La « guitare » du Comte accentue la dimension spectaculaire de la scène et théâtralise ses couplets. • Le jeu de l’acteur, c’est-à-dire ses mimiques, ses déplacements sur les tréteaux, son élocution notamment, permettent de valoriser le texte, de rendre sensible sa signification, de produire un véritable plaisir chez le spectateur. Dépourvue d’indications, la chanson de Jeanneton nécessite un travail de création et d’invention de la part du metteur en scène et du comédien, une sorte de complément de texte pour qu’éclate le comique. B. La représentation comme épiphanie • La diversité des mises en scène d’une même pièce signale que les mots appellent des interprétations différentes : ainsi le Tartuffe d’Antoine Vitez fait de l’hypocrite un séducteur à qui rien ne résiste alors que chez Ariane Mnouchkine, à la lumière d’une lecture politique des mots de Molière, la mise en scène transforme le faux dévot en extrémiste religieux. • Là où le texte de théâtre est silencieux, parce qu’il ne saurait tout dire, le metteur en scène donne du sens. La fin énigmatique de Rhinocéros de Ionesco exige que la mise en scène donne un sens à la confusion du personnage de Bérenger. 3. LES MOTS : DES NOTES À EXÉCUTER A. La mise en scène comme interprétation du texte • Le théâtre semble consister en une co-création, dans laquelle les mots de l’auteur s’adjoignent la vision du metteur en scène. C’est ce qu’illustre le travail engagé par Joël Jouanneau sur les pièces de Beckett : le metteur en scène prend des libertés au nom même du texte. • Pour autant, le metteur en scène ne peut faire fi des mots car il risque, comme tout lecteur de texte, de faire des contresens, de jouer une scène à l’envers ou dans un registre déplacé. B. La mise en scène comme actualisation du texte • Les mots du texte théâtral contiennent virtuellement le sens de la pièce. Il revient au metteur en scène et aux comédiens de les mettre en jeu, en musique, à l’image des chansons des textes du corpus. • Les mots du théâtre ont besoin de s’incarner dans des êtres de chair et d’os et dans une époque pour prendre sens et procurer plaisir au spectateur. Conclusion Le sens d’une pièce de théâtre et le plaisir qu’elle nous donne restent une affaire de mots. Cependant, comme en musique, ceux-ci exigent d’être interprétés, joués, incarnés pour que se construise la signification et que la fête commence… 3. Invention En tenant compte des caractères des personnages et de la tonalité du texte de Molière, écrivez la scène au cours de laquelle Monsieur Jourdain rend compte de sa leçon de musique à son épouse et à sa servante Nicole. L’une et l’autre désapprouvent ses prétentions. Par Mathilde de Maistre Analyse du sujet • Le sujet est un exercice d’amplification : il faut donc reprendre les éléments caractéristiques du texte source, et ici respecter les codes du genre théâtral, en faisant figurer les noms des personnages, en intégrant des didascalies, etc. On peut reprendre des éléments de style, par exemple en utilisant des répliques plutôt courtes, des interjections, etc. • Les consignes invitent à tenir compte des « caractères des personnages » : la scène pourra insister sur l’ignorance de Monsieur Jourdain, mais aussi sur sa fatuité et son orgueil. Il apparaît dans l’extrait du corpus comme assez autoritaire et prompt à juger ses semblables, alors même qu’il n’a aucun recul sur lui-même et sur ses propres aptitudes. Le dialogue avec sa femme et Nicole pourra pointer cela, puisque le sujet précise que les deux femmes « désapprouvent ses prétentions ». • Le sujet invite également à prendre en considération « la tonalité ». L’écrit produit devra être comique tant dans le récit que fait Monsieur Jourdain de sa leçon que dans les réactions des deux femmes : on peut utiliser le comique de mots, mais aussi le comique de gestes (présent dans l’extrait proposé, avec la scène de la robe par exemple). Le comique de caractère doit être exploité autant que possible : la pièce a pour objet de montrer le ridicule de Monsieur Jourdain, parvenu qui tente de s’élever au-dessus de sa condition. La comédie classique a en effet pour but de « corriger les mœurs par le rire ». • La présence sur scène d’un personnage de servante, Nicole, peut permettre d’exploiter les effets comiques généralement associés à ce type de personnage : la servante ou le valet a souvent la remarque acerbe, et peut utiliser un langage plus familier.