« Rabbi Jacob », « Apocalypse Now », « Godzilla »… Nos choix de films classiques réédités
Tous les mois, « M Le magazine du Monde » vous propose une sélection de films réédités en Blu-Ray et DVD et racontés à travers un acteur, un secret de tournage, un contexte historique…
LA LISTE DE LA MATINALE Vous avez sans doute déjà vu ces films… Avant de les revoir, Samuel Blumenfeld vous en dit un peu plus sur Louis de Funès et son travail de l’accent yiddish pour Les Aventures de Rabbi Jacob, le « bon kilo » de cocaïne de Denis Hopper sur le tournage d’Apocalypse Now, Sylvester Stallone à la réalisation et le Godzilla d’Ishiro Honda, incarnation de la peur des Japonais… La dernière danse de Louis de Funès Louis de Funès dans « Les Aventures de Rabbi Jacob ». LES AVENTURES DE RABBI JACOB En octobre 1974, un an après la sortie des Aventures de Rabbi Jacob, de Gérard Oury, Louis de Funès décrit, dans un sujet diffusé au JT, son personnage d’industriel parisien et catholique, plongé dans les milieux juifs orthodoxes et contraint de se faire passer pour un rabbin afin d’échapper à de dangereux activistes d’un pays arabe : « Il est anti-tout, anti-juifs, anti-Arabes, anti-Noirs… J’avais moi aussi des idées anti… Je ne veux pas me confesser, mais, comme je l’ai dit à Gérard Oury, ça m’a décrassé l’âme. » Une fois l’âme « décrassée », comme il le déclarait avec un courage certain, il était temps pour le comédien d’enchaîner avec un autre film. De Funès, à 59 ans, se trouve alors au sommet de son art. Cependant, une attaque cardiaque le tiendra définitivement éloigné des plateaux, si bien que Rabbi Jacob devait rester le chant du cygne de l’acteur, celui où il fait étalage de son registre, comique bien entendu, grimacier et linguistique. « Les Aventures de Rabbi Jacob » participe à cette vague mémorielle où il est souligné, à travers la figure paradoxale de De Funès, que, si une partie des Français juifs a été déportée, une autre subsiste, bien vivante. Pour les scènes où il apparaît en rabbin, de Funès avait travaillé son accent yiddish en compagnie de Jean Herbert, un comédien alors inconnu qui fera ensuite carrière sous le surnom de Popeck, avec des résultats troublants. La voix de De Funès, son accent yiddish, donc, cet usage du français travaillé par une langue étrangère et en grande partie éteinte, semblait sortir d’outre-tombe. En 1973, trois ans après la sortie en France du Chagrin et la Pitié, de Marcel Ophuls, l’année de la publication de La France de Vichy, de l’Américain Robert Paxton, Les Aventures de Rabbi Jacob participe à cette vague mémorielle où il est souligné, à travers la figure paradoxale de De Funès, que, si une partie des Français juifs a été déportée, une autre subsiste, bien vivante. De Funès, ce comédien d’origine espagnole, formé aux classiques, à l’opérette, au cabaret, au jazz, devient une star sortie du théâtre yiddish, le fantôme d’un autre temps, mais aussi une figure bien présente, et résiliente. La danse intéressait de Funès au premier chef. L’acteur, qui avait excellé dans L’Homme orchestre (1970), titre qui pouvait également qualifier ce génial comédien, s’était montré attiré, dans le scénario de Gérard Oury et de sa fille Danièle Thompson, par ce passage où son personnage est entraîné, rue des Rosiers, dans l’enclave juive ashkénaze à Paris, dans un ballet, entouré de jeunes juifs orthodoxes, bas blancs, costumes noirs, bras tendus vers le ciel. De Funès avait travaillé plusieurs semaines, avec Ilan Zaoui, chorégraphe de danses hassidiques, à la recherche du geste juste, d’une perfection qui l’obsédait, répétant ses mouvements le jour, la nuit aussi, dans sa tête, à la recherche d’une culture enfouie, qu’il avait décidé de sortir du néant, avant lui-même, sans le savoir, de livrer sa dernière danse à l’écran et dans la vie. « Les Aventures de Rabbi Jacob » (1 h 40), de Gérard Oury, édité en Blu-Ray par TF1 Vidéo. Stupéfiant Dennis Hopper Dennis Hopper dans « Apocalypse Now ». RUE DES ARCHIVES / EVERETT Parmi les multiples avanies endurées par Francis ford Coppola sur le tournage au long cours d’Apocalypse Now, il y avait le cas de Dennis Hopper. Dans cette adaptation d’Au cœur des ténèbres, de Joseph Conrad, la performance du réalisateur d’Easy Rider se révèle encore plus elliptique que celle de Marlon Brando, et presque autant mémorable. Sa présence relève de l’hallucination : un photographe en chemise indienne, bandana autour de la tête, lunettes fumées, avec plusieurs appareils photo autour du cou, accueille les membres hagards d’une patrouille de l’armée américaine, dans un îlot situé au-delà de la frontière vietnamienne avec le Cambodge, où règne sur une tribu indigène un officier de l’armée américaine qui a perdu la raison. L’hallucination tient aussi à la personnalité erratique de Hopper, perdu durant une bonne partie de la décennie 1970, entre paradis artificiels, happenings et alcool, dans une gestion improbable de sa carrière. Un acteur dont le succès phénoménal d’Easy Rider en 1969 aura soldé la disparition au lieu de signer son inscription dans le paysage du cinéma américain. Avec Dennis Hopper, « Apocalypse Now » solde une ère finissante, celle des espoirs, des révolutions, du Flower Power, juste avant l’arrivée de Ronald Reagan à la Maison Blanche. La réapparition improbable de Dennis Hopper dans le cauchemar hippie Côte ouest du dernier tiers d’Apocalypse Now ajoute un indice supplémentaire à la compréhension de ce chef-d’œuvre. Le film de Coppola ne met pas seulement en scène le cauchemar vietnamien à une époque, la toute fin des années 1970, où cette guerre devient centrale dans le cinéma américain. Avec Hopper, Apocalypse Now solde une ère finissante, celle des espoirs, des révolutions, du Flower Power, juste avant l’arrivée de Ronald Reagan à la Maison Blanche. L’irruption de Hopper dans Apocalypse Now obéissait à un désir précis de sa part. Il idolâtrait Brando depuis l’adolescence. Tourner à ses côtés était son rêve. Au point qu’il avait fait spécifier dans son contrat qu’il aurait au moins une ligne de dialogue avec la vedette de Sur les quais. Sauf que ce dernier, effrayé par le mode de vie de Hopper et sa consommation déraisonnable de drogues, exigeait non seulement de ne pas partager l’écran avec ce partenaire, mais même de ne pas le croiser sur le plateau. « Que pouvons-nous faire pour vous aider à interpréter ce rôle ? », avait demandé un assistant de Coppola à Hopper. « Un bon kilo de cocaïne », avait-il répondu, obtenant d’ailleurs la marchandise souhaitée. Hopper manifestait d’autres manies. Il ne prenait jamais de douche. Au point de créer un cercle invisible autour de lui. Accompagné de sa petite amie du moment, il avait l’habitude de faire l’amour entouré de plusieurs dizaines de bougies. Ce rituel anodin allait passer moins inaperçu lorsque les bougies, après avoir provoqué un feu dans sa tente, enflammèrent les décors. Le film qu’il tournait s’intitulait Apocalypse Now. Du film, Hopper ne retenait que le titre. C’était l’histoire de sa vie. « Apocalypse Now : the final Cut » (3 h 02), de Francis Ford Coppola, édité dans un coffret Blu-Ray par Pathé. Stallone à la réalisation Sylvester Stallone dans « La Taverne de l’enfer ». UNIVERSAL / LA TAVERNE DE L'ENFER De l’adolescence de Sylvester Stallone ne subsiste, en dehors des récits de l’acteur, qu’une rare photo, lui à 15 ans, la main masquant son nez et sa bouche, comme pour signifier que cet âge est le plus triste de la vie. Derrière lui, on aperçoit les immeubles ternes du quartier de Hell’s Kitchen, à Manhattan, où la star a grandi. Un lieu maudit et chéri, où le futur acteur, complexé, handicapé par sa diction, angoissé par un corps trop fluet, servait de bouc émissaire à ses camarades. Sylvester Stallone, en 1978, dans La Taverne de l’enfer, raconte une autre histoire. Le succès de Rocky, écrit et joué par Stallone, est passé par là, transformant du jour au lendemain en star cet acteur passé, en désespoir de cause, par le cinéma porno. Désormais, filmé par ses soins, Stallone, élégant et musclé, s’affiche en pleine lumière. Même sa diction, heurtée au point de frôler le handicap, lui offre cette voix distinctive en forme de signature. « La Taverne de l’enfer » est ce film que Stallone se permet d’écrire, de réaliser et de jouer à un moment où les portes lui sont ouvertes. La Taverne de l’enfer est ce film que Stallone se permet d’écrire, de réaliser et de jouer à un moment où les portes lui sont ouvertes. Il ne cherche pas le succès à tout prix. Plutôt le plaisir de parler à la première personne, en retournant sur le territoire de son enfance, à Hell’s Kitchen, pour y situer le récit de trois frères orphelins se lançant dans l’organisation de combats de lutte dans des tripots clandestins. Stallone a choisi de situer l’action en 1946, l’année de sa naissance. Et quand il apparaît, c’est avec une boucle à l’oreille, une cigarette au bec, une casquette sur la tête – celle qu’il portait à 15 ans sur cette photo de lui –, pour signifier qu’il n’a pas changé, ne changera jamais, lui le héros en col bleu, incapable de sortir de cet emploi puisque c’est le rôle de sa vie. Article réservé à nos abonnés Lire aussi Sylvester Stallone, l’histoire d’un jeune homme fauché devenu légende d’Hollywood Dans La Taverne de l’enfer, au-delà des corps musclés que Stallone aime tant filmer, le sien, celui de son partenaire et frère à l’écran, Lee Canalito, dont le destin se joue sur le ring, c’est le sens du détail qui est le plus impressionnant : un soldat cul-de-jatte au comptoir d’un bar, un bookmaker incapable d’articuler, le Monsieur Loyal d’un combat de lutte accompagné d’un ouistiti. Un univers baroque composé de gens improbables que Stallone sait filmer, car il les aime et les connaît. L’acteur ne sera plus jamais autant lui-même que dans ce premier film qu’il réalise, livré en forme de testament à son spectateur, la preuve de son talent, de son savoir-faire et de son authenticité. Stallone avait écrit aussi la version romancée de La Taverne de l’enfer. Un texte maladroit, alors qu’il filme avec aisance. Plus tard, il retentera, en 2005, le pari d’un livre, Sly Moves, une méthode pour maigrir et prendre confiance. Un pari manqué, rappelant qu’il est l’homme d’une seule histoire. « La Taverne de l’enfer » (1 h 47), de Sylvester stallone, est édité en Blu-Ray par BQHL. Godzilla, monstre sacré Godzilla dans « King Kong contre Godzilla » (1962). ARCHIVES DU 7E ART / TOHO COMPANY Avec King Kong, il s’agit du seul monstre à témoigner d’une telle résilience au cinéma, au point d’apparaître, cette année encore, dans la superproduction américaine de Michael Dougherty, Godzilla II, roi des monstres. Dans cette version 2019, celle de l’ère numérique, le monstre n’est plus qu’une horrible créature et n’a plus rien à voir avec la métaphore du péril nucléaire du Godzilla d’Ishiro Honda, de 1954, qui hantait le Japon depuis Hiroshima et Nagasaki, et le poursuit encore aujourd’hui avec Fukushima. Comme dans la plupart des films à gros budget américains, le sous-texte politique est évacué. « Godzilla » personnifie le martyre du Japon, mais aussi sa prospérité retrouvée, celle d’un pays renouant avec l’essor industriel après la défaite et les années d’occupation américaine. Or, en matière d’authenticité et de pertinence, c’est le Godzilla d’Ishiro Honda qui l’emporte. Il devait s’imposer comme la plus grande star du cinéma nippon et l’emblème d’une nouvelle identité nationale. Sorti de sa torpeur à la suite de l’explosion d’une bombe atomique, le monstre préhistorique inspirait alors effroi et empathie. Il s’inscrivait dans une réécriture de l’Histoire visant à faire du Japon un pays agressé durant le deuxième conflit mondial. Au-delà du message nationaliste du film, il n’est pas anodin de constater qu’après les tragédies d’Hiroshima et de Nagasaki, Godzilla portait la mémoire récente des essais nucléaires effectués dans le Pacifique par les Américains, les Soviétiques et les Britanniques durant la première moitié des années 1950. En mars 1954, un navire de pêche japonais était entré par inadvertance dans la zone irradiée de l’atoll de Bikini, des poussières radioactives étaient retombées sur l’équipage, avec des conséquences fatales. L’épisode n’avait eu aucun retentissement aux Etats-Unis, mais avait fait la « une » des journaux japonais. Le Japon vivait dans la peur, Godzilla en serait l’incarnation. Ishiro Honda disposait pour son film du plus gros budget jamais alloué à une production japonaise. Et ce n’est pas un détail : Godzilla personnifie le martyre du Japon, mais aussi sa prospérité retrouvée, celle d’un pays renouant avec l’essor industriel après la défaite et les années d’occupation américaine, une nation capable de financer une superproduction dont le succès permettrait de l’exporter dans le monde entier, y compris aux Etats-Unis. En 1956, Godzilla sort chez l’ancien ennemi, mais dans une version expurgée de toutes les allusions à Nagasaki et à la nourriture contaminée, avec des inserts replaçant l’histoire dans une perspective américaine. Soudain, le réalisme du film (une population en panique, des blindés dans la rue, des hôpitaux de fortune), qui évoquait les épreuves subies par les Japonais quelques années auparavant, se trouvait gommé. Godzilla avait aussi été rebaptisé par son distributeur américain Godzilla, roi des monstres, présenté comme un film de série B doté d’un budget de série A. Plus d’un demi-siècle après, Godzilla reste, au cinéma, le roi des monstres. Un titre sans importance tant que l’on ne considère pas qu’il n’existe que pour véhiculer les horreurs commises par les hommes. « Godzilla » (1 h 38), d’Ishiro Honda, est édité par HK Vidéo. « Godzilla II, roi des monstres » (2 h 12), de Michael Dougherty, est édité par Warner. Découvrez nos codes promo CDiscount