Dhin Q Le - The Headless Buddha - statementThe Headless BuddhaThis work was inspired by a trip to Angkor Watt in the early 1990 s were I encountered numerous headless Buddhas . Looters severed the heads in order to sell them to Western collectors . The body was left behind because it was too heavy to carry . The Headless Buddhaset a faux Cambodian Buddha head on a white museum - style pedestal facing a wall - scaled , color photo - transparency of a headless Buddha sculpture strewn with fascia flowers and draped in a red - saffron cloth . Contrasting the death - like colors of a museum - style artifact with the vitality of a Buddhist work in situ , this piece addressed the different types of interpretation brought to the perception of the Buddha object in different cultural contexts . Where the West has looted the East primarily for objects of artistic appreciation , the headless Buddhas that remain in countries such as Cambodia and Vietnam continue to be regarded reverently , even in their desecrated state . 1 1 Chattopadhyay , Collette . ASIAN ART NEWS , March - April 1998 , p . 93 . Hong LeiIn 1998 , when Irealy was aware of that photography is a rare meida , many trational chinese images were streaming together . the Buddhism story is most absorbing in those ancient tales ( although Chinese are not believe in Buddhism religion ) . I trembled without self - control at the sight of the painting of LiangKai , The unconventional eye of Skyamuni , the misty image , which is the contrary of the the real life . It costed my about 10 days to imitate the mountain , stone and withered tree on the backgroud - screen from the dynasty painting " Skyamuni coming out of retirement " by Liang Kai and I add some thick branch of tree in it . I need a dramatic image . But it ' s not a drama and I won ' t exaggeration , I just painted the white powder to my friend Mou XiaoXing who acted Skyamuni . What I want is a dramatic feeling which makes visitors shock and startled ------- Honglei " in the original painting " Skyamuni coming out of retirement " by LiangKai , the body and express of Skyamuni are a peace and disillusion , but in the photo of honglei , it ' s a fright with the round - opened eyes . Honglei implied his feeling in 1998 by the retired Skyamuni with such expression . The vivid expression by the photo also endued Skyamuni with reality , and reinforced the shock by every change of mind in th world ----- by Gu Zhen ( curator ) Jitish KallatMuch of my work , absorb the twin codes of pop and agitprop , addressing some of the classic themes of art : birth , death , survival and the endless narratives of human struggle . ' Conditions Apply ' is a seven part work wherein a life - sized image of a roti ( the staple Indian meal ) is seen shrinking with every passing frame . The viewer , who at first will perceive the imageas that of a waning moon , will slowly see it transmogrify into that of an eaten up roti . The moon as seen in numerous cinematic moments and literary texts symbolizes hope ; here disturbed by the unsettling image of a diminishing meal . With ' Conditions Apply ', my attempt is to morph the twin metaphors of deprivation and hope which form the leitmotif of contemporary Indian life . Jitish Kallat Mumbai 이 수경 나 는 조선 백자 를 전통 적 인 방법 으로 재현 해 내 는 도예 가 공방 에서 도자기 쓰레기 들 을 수거 해 왔 다 . 그 는 전통 적 인 불가마 ( 너구리 가마 ) 에서 도자기 를 구운 후 명작 의 수준 에 미치 지 못하 는 것 들 을 깨 버린다 . 나 는 그 깨진 조각 들 을 하나 씩 맞춰 기괴 하 고 울퉁불퉁 한 오브제 를 만들 었 는데 주둥이 가 있 고 물 을 담 아 꽃 을 꽂 을 수 있 으므로 이것 도 항아리 들 이 다 . 작업 의 과정 에 있 어서 하나 의 조각 들 은 예기 치 못할 구조 를 향해 서로 붙 으며 무한히 증식 해 가 는 세포 처럼 작동 했 다 . 이 것 은 기존 의 명작 의 기준 에서 밀려난 장황 한 지껄임 과 말 더듬 기 같 다 . I took ceramic trash from a ceramic master who reproduces ceramics in the way of the Chosun Dynasty style . After baking in a kiln , he breaks away almost 70 percent of porcelains which doesn ' t reach up to his standards of masterpieces . I put the broken bits and pieces together of ceramic trash one by one and formed uncanny and bumpy object that could be called pottery , by the condition of containing water and being able to insert flowers inside . In the process of work each broken piece operates as sell , each forming an infinite proliferation toward as unexpected fabrication . It presents a fictitious loquacity and stuttering which is discarded from the standard of conventional masterpiece . Michael Joo , Artist ' s Statement A more media saturated , information based society means a heightened sense of context as the core of establishing meaning . I am interested in how nature used to be about context in its purest form , and as close to the truth as possible . From the perspective of both science as well as the religions of animist cultures , it was cyclical and its individual creatures were one with environs . While it is true that we are intruding and diminishing this territory , I am more preoccupied with the possibility that human beings still aspire to fulfil an imperative to be at one with environment ; a balance that involves more than the dualism implied by the mind - body problem , but includes the wild card factor of an unfixed and shifting context that is informed by class , culture , belief and space itself . Since " nature " at the fringes can kill you , it has always had an element of the romantic and spiritual . At the same time , nature in itself is unaware of time and so without us does not exist . As such , it is always in the visceral present . This perpetual immediacy relates to my own interest in the relevance of sculpture in a world already overflowing with objects . There seem to be two paths to homogeny in our culture . One is through assimilation and the other through adaptation . While assimilation deals with absorption of information shaped by dominant norms , only adaptation sets the individual up for the ability to make decisions based on experience / knowledge and establish a potential for change / transformation . Only adaptation is capable of allowing both abstraction and representation . In the work , nature takes the form of the representational ( from coyotes to taxidermied mosquitoes to flax nooses ) , while energy is abstract ( from calories to salt crystals to sweat ) . These two terms are always vying for balance in the work ; ice crystals growing on a corpse , salt as a by - product of sweat entering the bloodstream of an elk . My work has always dealt directly with an overload of information as a way to access the intuitive in the art making ( and receiving ) process . In the video works seemingly unorganized and shapeless content is given structure by time and actions . This structure has elements of the linear and cyclical , and is present in some way in all of my work . Just as information implies a truth , so do the contradictions in this content thatinform our choices and therefore our individual identities imply a balance point . The moment of balance defies choice and could be seen as both eternal and ephemeral . Perhaps one idea of faith and spiritual renewal could be seen as the human drive to repeat that moment of balance combined with the fear of losing one ' s identity 야나기 미 와 섹슈얼 리티 의 소거 ： 야나기 미 와 （ やなぎ 　 みわ ） 여성 을 보 는 시선 에서 자신 으로 일본 코 오베 （ 神 ? ） 에서 태어나 쿄 오토 （ 京都 ） 에 거점 을 두 고 세계 적 으로 활동 하 고 있 는 야나기 미 와 （ 1967 -） 는 대 도시 의 상업 적 공간 속 에서 마치 복제 인간 처럼 우두커니 서 있 는 「 엘레 베 이터 걸 」 의 사진 시리즈 로 첫 등장 했 다 . 남성 중심 사회 에서 타인 처럼 보여 지 는 여성상 은 정형 화 된 미 의식 과 서비스 의 기호 로써 기능 한다 . 2000 년 부터 제작 된 그 다음 시리즈 「 My Grandmothers 」 는 20 대 의 젊 은 여성 들 을 중심 으로 그녀 들 이 50 년 뒤 의 자신 의 모습 을 상상 하 고 는 미래 의 노인 의 모습 으로 변신 한다는 시간 적 개념 을 고려 한 대담 한 전개 의 작품 이 되 었 다 . 영상 작품 「 My Granddaughters 」 에서 는 19 세기 에 태어난 여성 들 의 실상 을 보다 근접 적 으로 체험 할 수 있 게끔 세계 각지 의 나이 든 여인 들 로부터 자신 의 할머니 의 추억 을 보 는 이 에게 들려주 는 듯 한 형태 로 다큐 멘 타리 처럼 엮 어 간다 . 야나기 미와 의 흑백 의 사진 작품 우화 （ 寓話 ） 시리즈 는 「 잠자 는 숲 속 의 공주 」 「 빨간 두건 」 「 백설 공주 」 「 그레 텔 」 「 신데렐라 」 등 의 널리 알려진 우화 의 세계 를 무대 로 소녀 가 노파 의 가면 을 쓰 고 등장 해서 는 얘기 를 재연 하 는 형식 의 작품 이 었 다 . 「 어릴 때 부터 나 이 든 여자 로 되 고 싶 다고 생각 했었 다 . 」 라고 야나기 미 와 는 말 한다 . 이번 시리즈 에서 가면 이라든가 주름 으로 가득 한 손 으로 표현 되 는 늙 은 여자 는 , 무서울 정도 로 보 기 흉한 기호 의 단편 임 과 동시 에 소녀 속 에 내재 된 미래 의 공포 와 파탄 의 부호 라고 할 수 있 다 . 모성 을 초월 해서 소녀 가 늙 은 여자 로 변신 하 는 가면극 이란 , 순진 함 이 라는 아름다움의 힘 과 마녀 로 상징 되 는 여성 의 늙 음 , 그럼 으로써 생겨나 는 추악 함 의 위력 을 서로 종합 하 는 의도 라고 할 수 있 지 않 을까 라고 생각 된다 . 가르시아 마르케스 의 문학 작품 에서 영감 을 얻 어 제작 된 「 에렌 디 라 」 에서 는 소녀 의 사지 （ 四肢 ） 가 성적 으로 금기 （ 禁忌 ） 이 기에 에로틱 한 시선 을 유혹 하 는 장치 로 , 그 곁 에서 어딘가 먼 곳 을 주시 하 는 듯 한 가면 의 늙 은 여자 는 , 누군가 에게 보여 지 고 있 다는 사실 로부터 욕정 되 는 소녀 로 부 터 , 그 모든 것 을 간파 하 고 는 마법 을 거 는 마녀 로 의 변신 을 얘기 해 준다 . 그러나 , 젊음 과 늙 음 의 힘 을 시각 화 시킴 으로써 , 생명 을 잉태 할 수 있 는 신체 로서 의 여성 의 상징 성 을 말살 시킨다는 것 은 실제로 가능 한 일 일까 . 그리고 , 우리 들 은 섹슈얼 리티 와 여체 의 소멸 대신 에 제시 된 촉각 적 인 에로스 의 공간 으로 인도 된다 . 「 우화 」 시리즈 에서 는 흙 , 물 , 불 , 눈 등 의 자연 적 요소 를 의도 적 으로 눈 에 띄 게 한 공간 에 지나칠 정도 로 양모 , 깃털 , 털가죽 , 머리털 등 의 기능 적 이 고 또 한 성 적 인 상징 들 을 개입 시킴 으로써 , 섹슈얼 한 여성 의 신체 는 등장 하 지 않 지만 집요 할 정도 의 성 적 인 암유 를 포함 하 고 있 다 . 촉감 적 인 물질 에 의미 를 부여 하 여 구사 하 는 이러 한 뛰어난 표현 은 , 학생 시절 에 텍스타일 의 인스 터레이 션 을 제작 하 고 있 던 작가 의 전문 분야 이 지만 , 자연 을 배경 으로 제작 되 는 에로틱 한 촉감 은 보 는 이 가 거부 하 려고 해도 감추 어 진 섹슈얼 리티 와 에로스 를 상상 하 게끔 한다 . 보이 지 않 기 때문 에 자극 받 을 수 밖 에 없 는 에로티시즘 의 구조 는 , 어떠 한 면 에서 해석 한다고 해도 충분히 일본 적 이 라고 할 수 있 을 것 이 다 . 「 우화 」 의 악몽 이 구조 화 시키 기 위해서 거듭 하 고 있 는 것 은 , 내면 화 된 어둠 속 으로 도주 하 는 보이 지 않 는 여성 과 , 그 보이 지 않 는 여성 의 주위 에 퍼져 있 는 , 어린 소녀 라고 해도 자신 의 속 으로 삼켜 버리 고 마 는 위험 으로 가득 찬 에로틱 한 감각 이 라고 할 수 있 다 . 동화 속 에 숨겨진 여러 가지 의 상투 적 인 표현 들 을 무 자비 하 게 검증 해 가 는 「 우화 」 시리즈 는 , 정신 분석 적 인 독백 이 라고 도 해석 할 수 있 다 . 《 무제 1 》 의 보이 지 않 는 텐트 속 의 인물 은 작가 를 암시 하 고 , 어둠 을 실체 로 하 는 텐트 의 여성 이 실제로 는 자기 자신 이 라고 야나기 미 와 는 말 한다 . 오카베 아오이 （ 岡 部 あおみ ） 공저 『 예술 과 성차 』（『 芸 術 と 性差 』） 무사시노 미술 대학 （ 武 ? 野 美術 大 ? ） 젠더 리서치 공동 연구 논문집 2006 　 88 ～ 90 페이지 에서 인용 오카베 아오이 （ 岡 部 あおみ ） 1950 년 일본 동경 출생 . 미술 평론가 . 무사시노 미술 대학 조형 학부 예술문 화학 과 교수 RAQIB SHAW STATEMENTRaqib Shaw ' s extraordinary paintings captivate the eye with the vibrancy of their rich colours and intricate detail . Yet beneath their bejewelled , glittering surfaces lies a fantasy world simmering with erotic tension and violence . Inspired by an eclectic range of sources such as Renaissance painting techniques , the work of Hieronymus Bosch , Persian miniatures and displays at the Natural History Museum , his labour - intensive paintings and works on paper present explosive collisions of fact and fiction , nature and culture . Shaw ' s materials are derived from equally diverse traditions , using industrial enamel paints alongside stained glass paint and exotic cobalt blues . " I do not have a plan when I start working , I have a feeling . Most of the time I use my own body in my paintings and the paintings seem to reflect what I feel inside . I often feel I am living inside my head and the work holds images of my many selves , my fantasies , my fears . I am acutely aware of the tradition of painting from the first line on a blank surface . I have always been obsessed with the idea of making industrial paints and decorative materials into something beyond decorative . I want the paintings to question people ' s notions of aesthetics . looking at my work I want people to believe in the possibility of transcendence , that base metal might be turned into gold , or as Proust eloquently wrote , to reveal " the pearl that may give the lie to our carapace of paste and pewter . " My paintings draw on images from my childhood : men are having sex with animals , men are being consumed by animals , men become animals , animals become human . They are celebrating life , they are engaged in a dance of death - very much like Shiva ' s dance of death without which creation is not possible . This world is an illusion , the society is a stage , so let us dance in our best costumes till we drop . " - Raqib Shaw 아라야 라 잠 레아 른수크 Not only can Life be deserted , but Death , too . Without passing through death , would life ' s vacuum be derived from other sources ? Isn ' t it the reality of Death that diminishes the imagination where Death is concerned ? But then , do we need imagination regarding Death ? " The stage prop and the actors ( It was not so clear which was which ) who played Death in the temple confused me because I could not determine what death was the bone fragments in the sema - shaped repository , the tender scents of flowers mixed with the stale scent that seeped through the black bunyan - root cracks in the cement , the inscription of dates past and the cobwebbed stony stillness , the bright colors of the Chinese hearse moving through the sounds of white laments , or the dignified stillness of the Chinese coffin amid the severity of the funeral rites under the pale neon light . " The more Death is talked about in a public context , the more its charm is lost . Death should have its own corner a close , unventilated corner where it can find its own breath once more . 시하 루 시오타 In SilenceI always carry silence within me . Deep in my heart . When I try to express it , I lack the necessary words . But the silence lasts . The more I think about it , the stronger it gets . The piano looses its voice , the painter does not paint any more , the musician stops making music . They loose their function , but not their beauty . They even become more beautiful . My true word has no sound . 2000 Chris WelsbyTree Studies A three channel , digital media installation . Combining the speed and versatility of modern technology with the strength and spiritual significance of the tree , the installation suggests an environmental model where technology can work collaboratively with natural forces . The combinations of imagery and sound generated in real time is unique at any given moment and is part of a continuously evolving process fueled by the operating system ' s interaction with the planetary weather system . In the sciences , this generation of image and sound is often described as an " emergent " property . " Emergence " is a term used to describe self - organization in all living systems and on a planetary scale this is recognized as the dynamic origin of biological life , cognition and evolution . The weather systems which track across the surface of the planet are likewise described as emergent and are the driving force which fuels all biological life and an integral part of the cosmologies of both the ancient and modern world . The ' shape ' of the work , at any particular moment in time , will be governed by the weather systems , which are constantly circling the planet . Just like the trees in the landscape , the representation will change its form and appearance in response to input from the weather . The flickering ephemeral nature of the projected image will combine with the changing winter light to create an uneasy equilibrium between the power and presence of the tree , the transitory nature of the light and the clouds , and human presence in the landscape . The over all feeling of the work will reflect the vulnerability and transitory nature of all living systems . Drawing on the ancient concept of the earth as a living system , combining the traditional Eastern concept of Yin and Yang and the systems theory from contemporary science the work will suggest a new post Romantic form of landscape art with relevance to the issues of our own times . The installation will use modern high speed communication systems combined with customized soft ware and computer technologies to harness the energy produced by the rotation and tilt of the planet and transform that energy into an open , self regulating and interconnected system . The system will monitor weather data from three different continents and use this real - time information to edit three files of pre recorded movie footage of a tree seen against the background of a stormy winter sky . Chris Welsby June 2006 Dinh Q Le - Texture of Memory - statemnetTexture of Memory This work was inspired by the story of a group of Cambodian women living in Southern California suffering from a symptom of post - traumatic stress disorder , called Hysterical Blindness . These women witnessed the brutality inflicted on their loved ones by the Khmer Rouge while living under this murderous regime in Cambodia in the late 1970 s . Unable to reconcile these painful memories , their minds shut down their vision . Although there is no physical condition affecting the eyes , they can ' t see . This phenomenon of Hysterical Blindness motivated the creation of this work . The title of the series , Texture of Memory , was borrowed from James E . Young ' s book , Texture of Memory : Holocaust Memorials and Meanings . This series consists of embroidered portraits of Cambodians murdered by the Khmer Rouge . The pieces are white thread embroidered on white cotton . The idea was to create artwork that allows for an experience that resembles reading Braille . The viewer is invited to touch the embroidery , and the hope is that the oils on the viewers ' hands will , over time , stain the threads , making the portrait more apparent . Like all memories , the more people who participate in remembering , the stronger the memory becomes and lives on rather than fading into obscurity . Kim Sang Yeon statement 작품 설명 : 일상 생활 에서 흔히 사용 하 는 물건 ( 쇼파 ) 을 多 視點 方法 과 상호 비스듬히 마주 보 는 방향 으로 설치 ( 평면 회화 ) 하고 이것 을 거대 하 게 繪 畵 化 한다 . 본래 의 실용 적 인 도구 가 거대 하 게 시각화 되 면 권력 , 욕망 , 숭고 , 부동 의 힘 등 의 의미 가 담겨져 보 는 이 에게 물질 적 압박감 과 무게 감 으로 다가오 지만 또한 심오 하 면서 도 새로운 기운 으로 다가간다 . 이런 시각 적 변화 에 의해 그림 속 일상 의 사물 은 다시 개개 의 실존 적 인 의미 로 전이 되 어 관객 에게 사유 라는 정신 세계 로 들어가 는 통로 가 형성 된다 . 이 평면 인 회화 그림 앞쪽 으로 원숭이 를 넝쿨 처럼 서로 늘여 뜨려 엉키 고 설키 게 연결 , 설치 하 여 3 점 의 객체 로 된 회화 가 , 움직이 는 생명체 ( 원숭이 ) 에 의해서 개개 의 다양 성 이 자유로이 합치 되 고 , 서로 간 에 소통 이 이뤄지는 의미 로서 매 개체 마다 각각 의 이상 을 향하 여 살아가 기 를 희망 하 고 , 원천 적 인 에너지 인 기 를 발산 하 는 공존 적 샘 으로 표현 했 다 . 작품 설명 속편 : 본 작업 은 존재 와 존재 가 뒤엉켜 살아가 는 현실 속 에서 어떻게 하 면 서로 간 의 객체성 을 유지 하 며 소통 할 수 있 는가 의 문제 를 나타냅니다 . 각자 가 가지 고 있 는 다양 성 의 존중 과 상호 보완 소통 하 여 삶 의 에 서지 를 공유 할 수 있 는 방법 을 생각 해 보 는데 있 습니다 . 손오공 과 그 의 졸개 들 또는 삼장법사 와 수직 적 그 의 무리 들 이 아닌 진정 한 수평 적 사유 관계 를 시각 적 으로 표현 하 고자 했 습니다 . 모든 사물 이나 생명체 가 대립 의 관계 가 아닌 서로 의 연관 선상 에서 각각 의 객체 가 빛나 는 삶 의 방식 인 그런 것 말 입니다 . 이것 이 진정한 에너지 의 원천 이 되 고 , 출발점 이 라 생각 합니다 . 그리하여 인간 을 원숭이 로 우화 화 하 여 등장 시켜서 , 관객 에게 긴장감 을 덜 어 주 면서 유모 와 흥미 를 유발 시키 기 는 발상 으로 사용 되 었 습니다 . 여기 에서 중요 한 것 은 원숭이 몇 마리 가 아닌 5 , 000 여 마리 를 설치 사용 하 는데 있 습니다 . 이 의미 는 하나 의 무리 가 아닌 사회 집단 의 의미 로써 우둔 하 게 보이 지만 그 우둔 함 이 세상 을 이끌 어 가 는 진정 한 민중 을 나타내 는 것 입니다 . 세상 은 한 명 의 기발 한 천재 가 인간사 문명 적 발전 을 이룬다 지만 그것 을 진정 으로 이끌 어 가 고 삶 과 부합 시키 는 이 는 역시 보편 적 민중 이 라 생각 합니다 . 또한 하나 하나 손 으로 수고 롭 게 만들 어 가 는 과정 이 한 가지 한 가지 의 고민 과 번뇌 를 털 어 버리 는 동양 적 수련 방법 을 택했 다는 데 에 그 의미 가 있 습니다 . 이 무리 들 ( 원숭이 ) 은 그림 화면 과 천장 에서부터 나타나 온 공간 을 휩쓸 고 지나가 는 듯 한 3 차원 의 일정 한 형태 로 표현 합니다 . 실제 그 자리 에 서 보 지 않 은 관객 이 라면 그런 무시무시 한 동양 적 기운 과 에너지 의 힘 을 어찌 말 로 표현 할 수 있 을 런지 , 이것 은 차후 전달자 의 상상 에 맡기 고 . ....... 또한 회화 와 설치 가 근본 적 으로 동양 적 기운 과 사유 가 내포 되 어 있 는 재료 인 먹 을 사용 했 다는데 있 습니다 . 그나저나 작품 의 설명 은 직접 보 시 고 , 또한 제목 에 다 내포 되 어 있 습니다 . 리즈 아우 토제 나 & 죠수아 포트 웨이 Most Blue Skies brings together poetic imagination and scientific data to calculate the world ' s bluest skies . Paul Virillio once observed that humans stand on the littoral between the earth and the sky . Our feet are rooted in the material and scientific realm , our heads in the heavens , the symbolic , imaginative and spiritual realm . But our perceptions of space and temporality are changing . Once it seemed that earth and sky were witness to our short lives . Now , in a period of rapid environmental change , it seems we are witness to theirs . For earlier generations of artists , such as the Romantic poets of the early 19 th Century , a clear blue sky was a counter point to the chimney smoke of the industrial revolution . But our identifications are no longer so simple . Climate science gives us mixed signals as to the meaning of a clear blue sky . We are increasingly confused . Recent research into ' global dimming ' suggests that the chemical haze caused by air pollution may have cancelled out some of the potential effects of global warming . Ironically , recent attempts to cut air pollution may make global temperature rise more acute in the future . Perhaps now a clearer and bluer sky , is more threatening than one occluded by aerosol and soot particles . In such a technological sublime , the ' terrible beauty ' overwhelming humanity is not an uncontrollable Nature but a loss of balance in the human corruptions that impinge upon it . As in previous projects by Autogena and Portway , Most Blue Skiesbuilds from a poetic or imaginative insight towards a complex actualization . The project addresses our changing relationship to the sky as the subject for scientific and symbolic representation . In collaboration with climatologists and environmental researchers , the artists will sift global atmospheric data , tracking the passage of light moving through the polluting particles , resulting in a visualization of the exact color and location of the bluest sky in the world . Written by Jaime Stapleton 시 셀 톨 라스 STATEMENTThe most important thing is the idea . No arbitrary distinction should be made between medium and technique . Medium or the techniques should always serve the ideas , not limit them . Art is a natural extension of ones interest . A certain sensitivity to a certain situation is of great importance and that the work one do is open to influence in terms of process , content and cultural influences . It is very important to be able to understand the context in which the work is to be seen - " the context is half the work " to choose the right moment to do the right thing . To try to understand the context might be the same as trying to understand a new language , it might be very hard , but necessary to be able to continue a ' conversation . ' The space between people working together is filled with conflicts , fiction , strife , exhilaration , delight and vast creative potential . ..….….. coffee breaks , cab rides , meals , green rooms … … … Real growth often happens outside of where we intend it too . In the interstitial spaces , what Dr . Seuss calls " waiting places ". 수잔 빅터 Title : : CONTOURS OF A RICH MANOEUVRE 2006 Materials : Acrylic rods , metal rods , pendulum motor , chandelierArtist Statement : The artwork occurs as a pair of chandeliers held captive in a " bamboo forest " of suspendedglass - like rods . Installed to a critical mass from the ceiling , they cumulatively act as a floating " prison " for hostage objects swinging in rhythmic cycles within . It can be said that Contours of a Rich Manoeuvre 2006 at the Gwangju Biennale challengesits own stake in the politics of visibility by withdrawing the seamless narrative from view . However , it is also this very device that tenders in its stead the visually elusive as part of an erotica of the eye . In this kinetic work , colonial signs are complicated by the way chandeliers are transformed from lights into pendulums that mark the passing of time and history to re - engage the seduced Asian imagination .