À la fin de la tournée Diamond Dogs, qui sonne définitivement le glas de sa période glam, David Bowie amorce une nouvelle métamorphose pour conquérir l'Amérique avec sa white soul de luxe.
7 mars 1975 : sortie de Young Americans de David Bowie
Si les années 1974 et 1975 sont incontestablement des années de confusion pour David, il n'en conserve pas moins cet instinct formidable pour sentir d'où vient le vent, voire précéder la bourrasque. Lorsqu'il débarque à New York, Ava Cherry devient son guide culturel et l'emmène très vite au légendaire Apollo Theater de Harlem pour y assister à une soirée auquel participe le groupe The Main Ingredient, dont le guitariste n'est autre que le jeune Carlos Alomar. Bowie assiste également aux concerts des artistes Motown alors en vogue : Temptations, Jackson Five et surtout Marvin Gaye dont, selon Matthieu Thibault, "l'aisance avec laquelle il parvient à suggérer introspection ou érotisme grâce à un chant virtuose ou nuancé encourage Bowie à développer les différents registres de sa voix et à gagner en polyvalence".
Il prête une oreille attentive aux disques de Barry White et à ceux des Ohio Players, parallèlement à un retour aux sources qui le fait biberonner l'un de ses disques de chevet alors qu'il n'était encore qu'un jeune mod : le Live at the Apollo de James Brown. Mais il ne peut évidemment faire l'impasse sur le son de l'Amérique de l'époque : celui de la "Philadelphia Soul" qui s'échappe des studios Sigma Sound de Philadelphie, sous la houlette du magistral duo Gamble & Huff. De ces studios est sorti en 1973 le "The Love I Lost" de Harold Melvin & The Blue Notes, considéré par Peter Shapiro, l'auteur de Turn the Beat Around : L'Histoire secrète de la disco (Allia) comme le "premier authentique disque de disco".
À l'été 1974, après en avoir fini avec le Diamond Dogs Tour, une tournée strictement américaine dotée d'une production d'une ampleur quasi inédite pour l'époque, qui mélange une esthétique typiquement européenne à une musique qui vire doucement vers le son de l'Amérique (comme en témoigne le double album David Live, enregistré lors d'une résidence de quatre jours à Philadelphie, en juillet), David cherche à recruter le groupe maison des disques Philadelphia International, le MFSB. Il n'y parvient pas, mais monte quand même un orchestre multiracial de huit musiciens et cinq choristes comprenant, outre Alomar, Mike Garson au piano, Andy Newmark de la Family Stone à la batterie, Willie Weeks (accompagnateur de l'organiste Donny Hathaway) à la basse, et un certain Luther Vandross aux chœurs.
Né à Porto Rico et élevé dans le Bronx, Carlos Alomar est un prodige : à 17 ans, il est devenu membre à part entière du groupe maison de l'Apollo, faisant ses classes derrière des pointures telles que James Brown ou Chuck Berry. C'est lui qui a constitué le backing band de David Bowie pour les séances de Philadelphie : tous les musiciens se connaissent, et tout va donc très vite. En deux semaines, la quasi intégralité de Young Americans est en boîte, créant ce que Bowie lui-même appelle la "plastic soul". Ne manquent que deux chansons, "Win" et "Fascination" (calqué – avec l'accord de son auteur – sur une chanson de Luther Vandross, "Funky Music") qui seront enregistrées au studio Record Plant de New York en décembre de la même année. Et puis la chanson qui va tout déclencher, et faire passer Bowie du statut de star britannique du glam-rock à celui de star internationale : "Fame".
Enregistré aux studios Electric Lady en janvier 1975, "Fame" possède deux titres de gloire : d'abord, elle repose plus ou moins solidement sur une séquence de guitare acoustique créée et interprétée par John Lennon, alors sur la fin de son "lost week-end" ; ensuite, c'est la première chanson de Bowie à atteindre la première position des charts outre-Atlantique. Mais pas seulement : dans son livre Apathy for the Devil, Nick Kent, qui l'a sélectionnée comme l'un des titres les plus marquants de l'année, dit de la chanson : "Critique acerbe des célébrités, le roi David et son extravagance disco sont partout en 1975. John Lennon, coauteur de 'Fame', se cache quelque part dans le mix, mais le personnage clé, ici, hormis Bowie lui-même, s'appelle Carlos Alomar."
La chanson repose effectivement sur un riff et un empilement de guitares qui sont l'œuvre du Portoricain. Ce qui est fascinant dans le travail accompli par Alomar, c'est qu'au-delà de ses rythmiques typiquement funky, il introduit déjà des sonorités qui se projettent vers le futur. Dans tous les cas, même si l'album est généralement considéré comme assez inégal, il prouve par son succès (n° 2 au Royaume-Uni et n° 9 aux US) que David Bowie a réussi sa transformation en chanteur de soul-disco, s'inventant, par la grâce de pantalons empruntés à la garde-robe du père d'Ava Cherry, le personnage du "Gouster", un genre de mauvais garçon, de grande gueule des bas quartiers de Chicago. Abandonnant la démesure du printemps, David relance à l'automne la tournée Diamond Dogs dans ses nouveaux atours de Gouster, avec une formation qui se calque directement sur The J.B.'s, l'orchestre accompagnant James Brown. Onze musiciens parmi lesquels, outre Carlos Alomar, on retrouve Earl Slick, guitariste britannique présent pendant l'enregistrement de Diamond Dogs et des ultimes séances de Young Americans, et Michael Kamen, embauché ici comme organiste et oboïste, mais aussi directeur musical et arrangeur de la tournée. Cette tournée, rebaptisée Philly Dog, est un genre de triomphe, et tout semble s'arranger pour David.
Manuel Rabasse
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David Gilmour parle de la conception de Rattle that Lock et explique pourquoi, cette fois, Pink Floyd, c'est vraiment fini. Par Andy Greene.
6 mars 1946 : Naissance de David Gilmour
Cette interview a été initialement publiée au début de l'année 2015.
David Gilmour s'est fait discret depuis la fin de la tournée On an Island en 2006. Mais The Endless River, l'album d'adieu majoritairement instrumental de Pink Floyd sorti par surprise aura suffisamment motivé le singer-songwriter pour lui donner envie de terminer son prochain album solo, Rattle That Lock, en bacs le 18 septembre 2015. Sorte de concept album, le LP décrit les pensées et les sentiments d'un homme le temps d'une journée, et musicalement, par sa fluidité et son ambiance aérienne, il rappelle les albums post-Roger Waters de Pink Floyd.
Rolling Stone a discuté avec Gilmour de la conception de l'album, de ce que les fans peuvent espérer de la tournée qui suivra sa sortie et de l'avenir de Pink Floyd.
Aviez-vous prévu de faire un break si long après la fin du On an Island tour en 2006 ?
David Gilmour : Non, pas du tout. Je voulais m'y remettre, mais la vie en a décidé autrement : je me suis consacré à l'éducation de mes enfants, avec toutes les joies et les peines que ça comporte, et j'ai soutenu ma femme dans sa carrière d'écrivain. Elle va bientôt publier un très bon livre qui s'appelle The Kindness. Et parfois, on met un moment avant de retrouver l'élan nécessaire à continuer. J'avais vraiment l'intention de sortir un album plus tôt, mais ça ne s'est pas passé comme ça. A mon âge, j'ai bien le droit de m'accorder un peu de temps libre. Et comme la dernière fois, j'ai l'intention d'en sortir un autre bien plus vite.
Comment cet album a-t-il vu le jour ?
David Gilmour : Il a été conçu sur une période assez longue. Quand je suis à la maison, que les enfants sont à l'école et que ma femme Polly travaille, je peux passer du temps à travailler dans mon home studio. C'est un processus assez lent, je prends mon temps, et puis au bout d'un moment, je réalise que j'ai pas mal de matière, et j'essaye de me concentrer sur ce que j'ai. Je me retrouve avec des tas de morceaux disparates que j'essaye d'associer pour en faire un album. Pour le dernier, tout a commencé il y a deux ans, mais j'ai dû m'interrompre pendant quelques mois pour me consacrer au projet Endless River de Pink Floyd. Mais depuis que je m'y suis remis, je m'y suis consacré à fond.
Comment avez-vous eu l'idée de faire se dérouler l'album le temps d'une journée ?
David Gilmour : C'est bien d'avoir une certaine cohérence, de lier les choses pour qu'elles forment un tout, même imprécis. L'album reflète ce qu'on peut penser ou faire à un instant T de la journée. Mais tout ça n'est pas fait de manière stricte. C'est bien de pouvoir s'appuyer sur une sorte de thème, de fil rouge.
A quel point le personnage principal est-il basé sur vous ?
J'ai écrit deux des textes, et trois instrumentaux. Cinq autres textes ont été écrits par Polly, qui parvient parfois à entrer dans ma tête. D'autres fois, elle se sent plus libre d'être la simple narratrice d'une histoire. C'est le cas pour « The Girl in the Yellow Dress », un titre aux couleurs jazzy qu'elle a écrit comme elle l'aurait fait pour une histoire dans un livre. Ca se mariait à la perfection avec un morceau que j'avais écrit. L'album semble s'ouvrir sur une note négative et devenir de plus en plus optimiste à mesure qu'il avance. Je ne sais pas si c'était intentionnel de notre part de baser tout l'album sur cette structure, mais nous avons vraiment voulu terminer sur le thème du carpe diem, sur l'idée qu'il faut profiter de l'instant et qu'on a la vie que se construit. A certains moments, j'encourage les gens à se battre pour le droit d'exister, à s'affirmer et à protester contre les injustices en ce bas monde. L'idée, c'est qu'il faut se libérer.
Parlez-moi de la chanson en hommage à Richard Wright, « A Boat Lies Waiting »…
J'ai enregistré le piano qu'on entend en arrière-plan sur un MiniDisc il y a 18 ans. Mon fils Gabriel a aujourd'hui 18 ans, et sur l'enregistrement, on l'entend babiller quand il était bébé. J'ai tenté de reproduire ce son de piano avec Roger Eno au clavier, mais finalement, j'ai décidé de me servir du MiniDisc, car même si la qualité du son n'était pas excellente, il possédait une atmosphère unique. Polly a trouvé que le roulement du son du piano faisait penser à la mer. Rick adorait la voile, et c'est de là que viennent les paroles. Tous ces éléments ont fusionné pour donner naissance à une histoire sur Rick.
« In Any Tongue » aborde clairement le sujet de la guerre moderne…
Oui. Beaucoup de jeunes dans le monde et dans votre pays ont vécu des expériences traumatisantes d'une manière ou d'une autre. Le monde est plus dur qu'avant. Il y a un vrai processus de sélection darwinien. Je ne sais pas si ça nous fait avancer en termes d'humanité et de bonté. Nous n'avons plus qu'à espérer.
Quel est votre regard sur l'industrie musicale actuelle ?
Je pense que c'est terrible pour un jeune musicien de débuter aujourd'hui, car il est très difficile de se faire entendre. Il faut donner beaucoup de concerts pour essayer de gagner sa vie en jouant live car il est très difficile de gagner de l'argent avec sa musique enregistrée. J'ai l'impression que les jeunes croient que c'est leur droit d'accéder gratuitement à la musique. Peu m'importe, mais d'où viendra la bonne musique ? Je ne crois pas que la musique devrait être gratuite. Avec un peu de chance, tout ça rentrera dans l'ordre de soi-même ces prochaines années, et les artistes gagneront leur vie correctement. Quant aux maisons de disques, si elles continuent à exister aux Etats-Unis, elles pourront investir de l'argent dans l'exploration de nouveaux territoires musicaux.
Où en êtes-vous de la mise sur pied de votre tournée ?
J'ai le groupe. J'ai un endroit où répéter. Mais je n'ai pas encore réfléchi à ce que j'ai envie de faire. C'est mon prochain chantier ! Il faut que je m'y mette demain après le petit-déjeuner.
Vous allez jouer tout le nouvel album ?
C'est très possible. Mais comme je l'ai dit, je n'ai pas encore décidé de ce que j'allais faire.
Y a-t-il certaines chansons de Pink Floyd, comme « Echoes », que vous ne jouerez pas sans Rick ?
Je pense que ça ne serait pas bien de jouer « Echoes ». Je doute fort que nous le fassions. Mais je ferai tout ce qui me semble approprié et amusant à faire. Je rejouerai peut-être « Shine On You Crazy Diamond ». Je n'ai pas complètement renoncé aux chansons de Pink Floyd. Elles sont géniales à jouer.
Qui sera aux claviers ?
Jon Carin et Kevin McAlea, qui a joué pour les concerts de Kate Bush à Londres l'an passé.
Phil Manzanera assurera-t-il la guitare ?
Oui, Phil sera à la guitare, et Guy Pratt à la basse. Steve Distanislao sera à la batterie.
La dernière tournée était incroyable. Craignez-vous qu'il soit difficile de faire mieux ?
Musicalement, je trouve qu'on s'est très bien débrouillé la dernière fois, et avec un peu de chance, on fera aussi bien cette fois-ci. Ma crainte, c'est de ne pas m'éclater autant que la dernière fois. On s'est tellement amusé ! Je pense que c'était plus amusant pour nous que pour personne d'autre. J'espère que même sans Rick, on prendra notre pied. On fera de notre mieux, on verra.
Roger a donné plus de 200 représentations de son show Wall…
Ah bon ?J'ai beaucoup d'admiration pour quelqu'un qui peut faire ça. Mais je pense que pour moi, tout ça fait désormais partie du passé.
Je suis sûr que vous en avez assez qu'on vous pose cette question, mais cela en est-il vraiment fini de Pink Floyd, tant sur scène que sur disque ?
Pour moi, oui. J'ai apprécié cette partie de ma vie ; elle m'a beaucoup apporté. Il y a eu beaucoup de joies, beaucoup de rires, beaucoup de satisfactions au niveau de la création. 95% du temps qu'on a passé ensemble a été super. Je ne voudrais pas que les 5% restants qui ont été moins agréables gâchent le tout. Tout a une fin. Je ne veux pas recommencer. Pour moi, le chapitre est clos.
Pourtant, des fans dans le monde entier continuent de fantasmer sur une dernière tournée qui vous réunirait vous, Nick et Roger. Mais je suppose que sans Rick, ça n'arrivera pas…
Non. Je ne trouve pas que ça serait une bonne idée. Ca ne serait pas agréable.
Du coup, on peut dire que vous et les autres avez mis fin à l'aventure d'une belle façon avec Endless River…
Oui. Je pense qu'il est raisonnable de dire adieu à tout ça maintenant. Je sais que les gens aiment s'accrocher à ce genre de chose, mais pas moi. Remplir à nouveau des stades, tout ce cirque, ne me procure aucun plaisir. Ca ne m'excite plus. Je veux me rapprocher des gens et m'éclater musicalement parlant.
A ce point de votre carrière, vous avez certainement gagné le droit de faire ce dont vous avez envie…
Merci. C'est gentil de votre part de me le confirmer !
Traduction et adaptation Kathleen Aubert
L'œuvre de Chris Rea est à l'honneur d'une collection de rééditions parue au printemps 2020, absolument indispensable.
4 mars 1951 : naissance de Chris Rea
C'était il y bien a longtemps, sous le règne de Bruce Springsteen et de Dire Straits, à l'aube d'une décennie musicale généralement honnie. Le singer/songwriter anglais Chris Rea pensait avoir définitivement « manqué le bateau » – selon ses propres mots – lorsque le miracle survint. Lui, qui estimait s'être mis à la guitare trop tard (21 ans) et qui avait bataillé de groupe en groupe durant les 70's, décroche la timbale avec Shamrock Diaries (1985), après plusieurs albums et un premier tube européen, « I Can Hear You Heartbeat ». Une ascension tout sauf fulgurante… mais cette fois, c'est la bonne. « Stainsby Girls » (assez sprinsgtinienne) et surtout « Joephine » (dédié sa fille) vont percuter le Top 20 anglais et lancer la carrière d'un musicien misant, à l'évidence, plus sur son talent de hit maker que sur son charisme.
Voix de malt, éclats de slide-guitar, mélodies rock/blues hyper accrocheuses, la route est désormais tracée… et elle ne mène pas forcément en enfer. De swing cool ensoleillé (« On The Beach », 86) en tourneries taillées par les radios (« Let's Dance », extrait de Dancing With Strangers, 87), Mister Rea va imposer sa griffe, d'album en album, coup de bottleneck après coup de bottleneck, vendant ses disques par millions jusqu'au majestueux The Road To Hell (89) et son follow-up Auberge (91) qui marquent l'apogée de sa carrière…
Aujourd'hui augmentée de précieuses raretés, cette quinte de rééditions en double digipack s'avère tout aussi indispensable que son fameux coffret (11 CD) dédié à la musique du diable, Blues Guitars, publié en 2005.
Shamrock Diaries
★★★★
On The Beach
★★★★
Dancing with Strangers
★★★
The Road To Hell
★★★★
Auberge
★★★/2
Alain Gouvrion
Le 3 mars 1986 sortait Master of Puppets, troisième album de Metallica. Retour sur la chronique de Rolling Stone sortie la même année.
Metallica a pris le matériau brut du heavy metal et l'a raffiné de fond en comble. Exit les fanfaronnades, la vantardise et l'imagerie médiévale façon Donjons et dragons. A la place des habituelles gestuelles éjaculatoires insignifiantes et de l'effervescence populaire, les membres de Metallica projettent la plus pure terreur apocalyptique. Leur version du heavy metal est le son de la paranoïa mondiale. Il n'y a pas de pitreries musicales qui servent d'échappatoire pour eux, ils ne cherchent pas à faire passer le rock pour une méthode de salut ou de transcendance. Leur fureur dévorante apporte un équivalent sonore aux angoisses que leurs paroles définissent.
Metallica applique la maxime selon laquelle rien ne réussit mieux que l'excès. Pour preuve, les huit morceaux de Master of Puppets se bouclent en un peu moins d'une heure. Clairement, ce groupe, composé de Cliff Burton (basse), Lars Ulrich (batterie), Kirk Hammet (guitare) et James Hetfield (guitare et chant), a bien des choses à dire. Le morceau-titre extrapole la métaphore metal basique selon laquelle l'abus de drogues est un asservissement ("Needlework the way, never you betray/Life of death becoming clearer/Pain monopoly, ritual misery/Chop your breakfast on a mirror") et suggère que nous sommes ballotés par la main de Dieu.
Ensuite, sur « Leper Messiah« , ils condamnent les piètres stratagèmes des faux prophètes. Plutôt que de les décrire simplement comme des profiteurs, Metallica voit les « messies lépreux » comme un lien direct à l'antéchrist promus par une élite sinistre au pouvoir. Sur « Damage Inc.« , Metallica met froidement en lumière ces forces supérieures, ce mal implacable qui transforme les jeunes hommes en « Disposable Heroes« . Le seul refuge est dans « Welcome Home (Sanitarium)« , qui explique simplement que pour ceux qui ont vu la réalité du monde, il y a toujours une échappatoire : la folie.
Produit par le groupe avec Flemming Rasmussen, Master of Puppets est réel. Metallica sait frapper avec suffisamment de finesse pour créer un nouveau metal. Si jamais une certification « disque de titane » existe, elle doit revenir à Master of Puppets.
Tim Holmes
Traduit par la rédaction
Tracklist :
- Battery
- Master of Puppets
- The Thing That Should Not Be
- Welcome Home (Sanitarium)
- Disposable Heroes
- Leper Messiah
- Orion
- Damage Inc.
Tremblez pauvres hères et protégez vos conduits auditifs… Spinal Tap et ses enfants illégitimes Manowar, Steel Panther et Mötley Crüe reviennent sur scène ou à l'écran… et ils ont décidé de pousser les potards jusqu'à 11 !
2 mars 1984 : sortie cinéma de This Is Spinal Tap
Sans les avoir jamais oubliés, on ne les attendait pas vraiment non plus, mais le fait est là : le groupe Spinal Tap revient dans la lumière à l'occasion du 35e anniversaire du film réalisé par Rob Reiner qui signait là, en 1984, son premier long métrage. Ce dernier ainsi que la fine équipe composée de Christopher Guest, Michael McKean et Harry Shearer se retrouveront au mois d'avril dans le cadre de la 18e édition du festival du film de Tribeca. Au programme, une projection de This is Spinal Tap et un concert exceptionnel qui, depuis cette annonce, laisse espérer aux fans une reformation pérenne, qui n'a été à l'heure de la rédaction de ces lignes ni confirmée, ni infirmée. Déjà au mois de novembre dernier, nos joyeux drilles avaient refait parler d'eux au sujet d'un probable arrangement dans le conflit qui les oppose à Vivendi : au nom de ses petits camarades, Harry Shearer (le bassiste du groupe mais aussi depuis 1989 la voix de Mr. Burns dans Les Simpson) demande depuis deux ans 400 millions de dollars, correspondant selon lui aux royalties non versées par le géant français détenteur des droits d'exploitation de l'œuvre. Une somme astronomique digne d'une scène de ce film élu en 2003 la meilleure pellicule rock de tous les temps par le magazine que vous tenez entre les mains.
Si le film a traumatisé nombre d'artistes, Eddie Van Halen, lui, n'a pas sourcillé et a estimé que cela correspondait bien à son quotidien de musicien, ce qui laisse songeur…
On peut discuter ad vitam aeternam de ce classement… en revanche, il est incontestable que ce faux documentaire, qui met en scène un groupe bidon de hard-rock du nom de Spinal Tap (littéralement "Ponction lombaire"), est la toile binaire la plus drôle de toute la stratosphère. Le film suit le groupe dans une tournée nord-américaine destinée à promouvoir son nouvel album intitulé Smell the Glove ("L'odeur du gant")… Opus qui tarde à être commercialisé en raison d'une pochette jugée trop sexiste par la maison de disques (on se demande bien pourquoi : une femme nue, tenue en laisse à quatre pattes, qui renifle un gant tenu par un homme…) et comme l'indique l'un des membres du groupe : "Difficile de vendre un disque qui n'est pas sur le marché, mais on va y arriver…" Le reste est à l'avenant, qui accumule d'irrésistibles situations parodiques, non sans rapport avec quelques événements marquants de l'histoire du rock : la malédiction des batteurs qui disparaissent dans des accidents de jardinage, explosent sur scène ou s'étouffent dans leur vomi (John Bonham de Led Zeppelin) ; le décor scénique, inspiré des monolithes anglais de Stonehenge, qui s'avère finalement trop massif pour être installé dans les salles de concert (Black Sabbath), l'ahurissant volume sonore des musiciens qui les obligent à posséder des amplis dont le volume pousse jusqu'à 11… On pourrait continuer ainsi pendant longtemps tant chaque scène est un monument d'humour, admirablement servi par la réalisation volontairement "amateur" de Rob Reiner et par l'interprétation des membres de ce groupe au départ factice, qui composèrent eux-mêmes les titres figurant sur la bande originale. Si le film n'a trouvé son public que lors de sa commercialisation en VHS deux ans après sa sortie dans les salles, il a néanmoins traumatisé quelques artistes et non des moindres : les membres d'Aerosmith et de Scorpions ont pensé qu'il était spécifiquement dirigé contre eux, idem pour Ozzy Osbourne, dont la légende dit qu'il a été si choqué qu'il serait resté cloîtré chez lui de 1984 à 1986. Seul Eddie Van Halen n'a pas sourcillé et a estimé que cela correspondait bien à son quotidien de musicien, ce qui laisse songeur…
Faux groupe devenu vrai en enregistrant une poignée de disques et en effectuant quelques concerts dont un, s'il vous plaît, au Royal Albert Hall en 1992, Spinal Tap a engendré quelques successeurs, bien réels ceux-là : Gwar, Anvil, Lordi, Manowar qui sera en tête d'affiche du Hellfest 2019 et Steel Panther, qui a annoncé une tournée 2019 intitulée "Heavy Metal Mardi Gras". Les auteurs de la très spinoziste chanson "Girl from Oklahoma" ("So come on pretty baby, Suck my balls all night…") ont d'ailleurs été obligés de retourner en studio au mois de novembre 2018, après que le bassiste Lexxi Foxx a irrémédiablement supprimé leurs nouveaux morceaux en tentant de télécharger l'album finalisé sur Soundcloud… le groupe insiste sur le fait qu'il ne s'agit pas d'une blague ! Mais la palme de la formation la plus "spinaltapienne" revient sans conteste à Mötley Crüe, dont l'adaptation cinématographique de la sulfureuse autobiographie The Dirt, réalisée par Jeff Tremaine (Jackass), sera disponible le 22 mars sur Netflix. En chantier depuis douze ans — rien n'est jamais simple avec les Mötley ! —, le film promet démons et merveilles, quand on sait par exemple que Tommy Lee, dont la batterie était fixée sur une plate- forme montée sur des petites montagnes russes, s'est déjà retrouvé bloqué la tête en bas, 7 m au-dessus du public, durant de longues minutes. Sans oublier également que le chanteur Vince Neil avait pour habitude d'organiser à son domicile des combats de catch féminins dans la boue et que le guitariste Mick Mars a fait craquer sa psy, devenue alcoolique au dernier degré… Spinal Tap n'a qu'à bien se tenir, la réalité dépasse toujours la fiction !
Denis Roulleau
Pourquoi Robert Plant refuse une reformation avec Led Zeppelin depuis 36 ans
Publié
29/02/2024Retour sur toutes les fois où le chanteur Robert Plant a anéanti tout espoir de reformation de Led Zeppelin malgré la volonté des fans et des journalistes depuis le début des années 80.
29 février 1988 : Robert Plant sort l'album Now and Zen
On en viendrait presque à s'excuser auprès de l'intéressé. Évidemment, l'homme a connu une carrière immensément réussie en tant qu'artiste solo, qui a duré plus de trois fois plus longtemps que celle de son ancien groupe, Led Zeppelin. Il n'a eu de cesse de poursuivre son inspiration artistique à travers le monde par le biais de collaborations multiples et fructueuses avec Alison Krauss (Raising Sand (2007) a remporté un Grammy pour l'album de l'année), Nigel Kennedy, Phil Collins, Patty Griffin, Afro Celt Sound System et (bien sûr) son ancien acolyte Jimmy Page.
Et pourtant, même si 38 ans se sont écoulés depuis la mort du batteur de Zeppelin John Bonham et la fin du groupe, Plant ne peut toujours pas bouger sans que personne ne lui pose la question: « Qu'en est-il de la tournée de Led Zeppelin? »
Une récente interview d'Esquire, réalisée à l'appui de son excellent dernier album Carry Fire – enregistré avec son groupe depuis 2012 Sensational Space Shifters – a remis la question au centre du débat. Lorsque l'intervieweur l'informait que ses rédacteurs le tueraient s'il ne demandait pas à Plant la possibilité d'un grand concert de reformation, Plant lui répondait: « Je vous suggère de porter les bons vêtements au moment où ils vous tueront. »
Le mélange d'un charme candide et d'un agacement à peine dissimulé de Plant est extrêmement bien aiguisé, à ce stade. Après tout, malgré ses réalisations solo considérables, il donne la même réponse depuis le début des années quatre-vingt. Et jusqu'à ce que lui ou Page ne quittent ce bas monde, il continuera probablement à devoir y répondre. Voici un aperçu de certaines de ses nombreuses réponses jusqu'à aujourd'hui.
1982: « Il n'y a absolument aucun intérêt.«
Dans la toute première interview post-Zeppelin de Plant, réalisée peu de temps après la sortie de son premier album solo, Pictures at Eleven de 1982, la plume du magazine Sounds Geoff Barton demandait au chanteur si Led Zeppelin était bien « mort et enterré ». « Après avoir perdu John, nous avons publié une déclaration à cet effet, mais tout le monde l'a trouvé ambiguë », a répondu Plant. « Je ne peux pas me souvenir de ma formulation exacte, mais non, il n'y a absolument aucun intérêt, il y a certaines personnes dans la vie sans qui on ne peut rien faire mais on ne peut pas maintenir l'idée que cela va se faire juste pour le plaisir. Il n'y a pas d'objectif en vue pour que les choses avancent dans ce sens. Et pour qui ? Personne, vraiment. »
« Personne ne pourra prendre la place de John, jamais, c'est impossible, j'écoute des trucs de Zeppelin maintenant et je réalise à quel point John était important … Quand il jouait, il était là, plus présent que n'importe qui au milieu de ma voix et de la guitare de Jimmy. Tu n'aurais pas pu trouver quelqu'un d'autre avec les mêmes ingrédients pour que le groupe décolle comme John l'a fait … Et pour toutes les merdes qui ont choqué les fans … nous en sommes sortis. On ne peut pas recommencer avec des gens qui n'en faisaient pas partie. »
1984: « Nos chemins sont séparés.«
Peu de temps après la sortie de The Honeydrippers: Volume One, une collection de reprises de standards rock & roll enregistrées avec l'aide de Jeff Beck, Nile Rodgers, Paul Shaffer et Jimmy Page, Plant a été interrogé pour MTV Extra, le journalise lui demandait s'il craignait que la présence de Page sur le disque déclenche les mêmes débats d'une réunion de Zeppelin. « Non, je ne pense pas que quelqu'un soit aussi bête », répondit-il. « Je pense que c'est bien de jouer ensemble dans ce genre d'approche simple et pas sérieuse. Tu sais, ce serait différent si on faisait un album ensemble. Ce qui est sympa, c'est que je peux y aller pour chanter avec lui, il peut venir jouer avec moi, mais nos chemins sont séparés. »
1985: « Je préfère les tournées en solo qu'avec Zeppelin.«
Quelques semaines après la sortie de son troisième album solo, Shaken 'n' Stirred – et un peu plus d'un mois avant les regrettables performances de Zeppelin, assisté par Phil Collins au Live Aid – Plant déclarait au Los Angeles Times qu'il préférait la liberté d'une carrière solo à l'expérience de son précédent concert avec Zeppelin. « J'aime mieux faire des tournées en solo que de tourner avec Zeppelin », a-t-il déclaré. « Il y a des fardeaux, mais ils sont différents. L'un est que je dois prendre des décisions, mais je n'ai qu'à penser à ce que je désire à ce sujet alors que dans un groupe, tout le monde vote. »
« Être dans Zeppelin, c'était comme vivre dans un bocal de poissons rouges. Les choses se passaient à une si grande échelle. Le groupe était une machine à mouvement perpétuel qui ne me permettait pas de m'arrêter et de considérer les valeurs des choses. Cette expérience était une distorsion de la réalité et mon point de vue sur la réalité et le dur labeur était tronqué. »
1988: « Ce serait une tromperie d'essayer de tout refaire.«
Après trois albums solo basés sur des sonorités de clavier à la pointe de la technologie, Plant revient au hard rock avec Now and Zen (1988), qui deviendra son album solo le plus réussi, vendu à plus de 3 millions d'exemplaires. Mais dans une interview datant du mois de mars 1988 avec Rolling Stone, Plant disait à David Fricke que Now and Zen était tout sauf un échauffement pour une réunion de Zeppelin; il a dévoilé la semaine de répétition frustrante tentée avec Page, le bassiste John Paul Jones et le batteur de Chic Tony Thompson début 1986, et de sa réticence à capitaliser sur les gloires passées. « Quel que soit le désir de refaire de moi le chanteur de Led Zeppelin, je ne le suis pas », dit-il. « Et je n'ai pas la capacité d'imiter ou de recréer cette chose. Je sais que si Jimmy et moi allions en Amérique, Coca-Cola voudra mettre de l'argent sur nos fesses et on nous trompera pour essayer de recommencer cette histoire. »
« Je pense souvent à l'idée de répéter jusqu'à ce que je sois vraiment bon avec Page et que je fasse un concert un peu expéditif, mais il faudrait que ce soit une musique incroyablement bonne. Et c'est ce dont j'aurais besoin pour appeler ce projet Page & Plant. C'est comme ça que devrait être le vrai nouveau Zeppelin. Et cela ne pourrait être possible que dans des années, voire jamais. »
1990: « Je ne connais pas le gars qui a chanté dans Led Zeppelin. »
En poursuivant le son et l'approche de Now and Zen, Manic Nirvana (1990) offre la preuve que Plant – alors âgé d'une quarantaine d'années – pouvait encore fricoter avec le hard-rock. Mais dans une interview de Music Express en juin 1990, Plant a clairement fait savoir qu'il ne ressentait aucun désir de (comme le dit l'interviewer) « remonter le vieux cheval de guerre Zep une fois de plus ». « Je ne pouvais pas continuer et réinventer l'esprit de cet énorme monstre, je ne pouvais pas me sentir à l'aise », a-t-il insisté. « Je ne connais pas le gars qui a chanté dans Led Zeppelin, je vois des photos très marrantes de lui, puis je vois cette progéniture infâme du rock dans un pantalon en lurex et des mitaines en cuir. »
1995: « C'est inutile d'essayer de prétendre que vous êtes immortel et que vous êtes revenu une fois de plus pour faire cette ultime version de Stairway to Heaven« .
En s'associant avec Page pour No Quarter: Jimmy Page et Robert Plant Unledded, grand succès en 1994, Plant trouve enfin un moyen de s'appuyer sur son passé de Zeppelin tout en approfondissant ses obsessions personnelles pour la musique classique égyptienne, marocaine et occidentale. Mais à la veille de l'intronisation de Led Zeppelin dans le Rock and Roll Hall of Fame – qui impliquerait une performance avec John Paul Jones, qui n'a pas été invité à se joindre à No Quarter – Plant a pris soin de dire à Rolling Stone que la tournée à venir ne serait pas le retour de Led Zeppelin. « Je ne pense pas que nous puissions ramener le passé d'une manière ou d'une autre« , a-t-il déclaré. « Je ne voulais pas être responsable de l'idée que tout le monde se faisait de ce que c'était avant, il ne sert à rien de prétendre que tu es immortel et que tu es de retour une fois de plus pour faire cette ultime version de Stairway to Heaven ».
2002: « Le fils de John Bonham n'est pas aussi bon que son père.«
Après avoir travaillé régulièrement avec Page de 1994 à 1998 (et la réunification avec le guitariste au Montreux Jazz Festival en juillet 2001), Plant a livré son premier album solo en neuf ans avec Dreamland (2002), un disque merveilleux chargé de chansons bluesy folk-rock de reprises de Bob Dylan, Tim Buckley et Skip Spence. Les interrogations sur une réunion de Led Zeppelin ont continué à planer, et le magazine Spin lui a demandé pourquoi Page et lui ne faisaient pas de tournée avec John Paul Jones et Jason, le fils de John Bonham, qui avait pris la batterie au concert du 40ème anniversaire d'Atlantic Records. « Mais pour quoi faire ? » il a répondu. « Le fils de John Bonham n'est pas aussi bon que John Bonham, je sais que tu es journaliste, alors je vais répondre à cette question. Je ne passe pas ma vie à essayer de la gagner. Je ne vais pas compromette mes goûts et mes aspérités simplement pour correspondre aux goûts des autres. Est-ce que vous vous imaginez quel monstre rampant aurait été cette tournée de vieux hard rockers ? L'important était que Page et moi avions décidé d'écrire à nouveau.«
2003: « Je n'aime pas la routine et l'ennui.«
Novembre 2003 voit la sortie de Sixty Six to Timbuktu, une compilation de deux CD contenant des tubes et d'autres extraits de la carrière solo de Plant, ainsi que des démos et des raretés datant de 1966, dont une reprise de You Better Run du groupe Young Rascals. Bien qu'il n'y ait pas de piste de Led Zeppelin dans la compilation, le sujet d'une reformation de Zeppelin a encore été soulevé lors d'une interview avec la revue Christian Science Monitor. « Un de mes vieux copains m'a dit: « Hé, Robert, pourquoi continuez-vous à tourner le dos à l'évidence? », Explique Plant. « Parce que j'aime vraiment la musique, je n'aime pas la routine et l'ennui, et il a dit: « Mais rappelez-vous, la gloire est éphémère, l'obscurité est éternelle. » J'ai dit: « Combien de temps devrais-je continuer à être l'une ou l'autre de ces deux uniques conditions? »
2007: « Les spéculations n'ont aucun intérêt.«
En dépit de ses précédents commentaires sur Jason Bonham, Plant a accepté de retrouver Page, Jones et Bonham pour un concert complet de Led Zeppelin à l'O2 de Londres en décembre 2007. La performance unique – qui permettait de recueillir des fonds pour Ahmet Ertegun Education , qui paie pour des bourses universitaires au Royaume-Uni, aux États-Unis et en Turquie – se vend en un rien de temps, avec 1 million de demandes pour seulement 20 000 billets disponibles. Les promoteurs de concerts du monde entier se frottaient les mains en prévision d'une tournée complète de Led Zep. Mais comme Plant a dit à Rolling Stone, il remplissait déjà son calendrier pour 2008 – et ce n'était pas avec Zeppelin. « Les spéculations n'ont aucun intérêt« , dit-il avec impatience. « Si les gens ne parlent pas d'une tournée, c'est que tout est probable. Mais plus les gens parlent, plus ils font pression sur tout le monde.«
2008: « C'est à la fois frustrant et ridicule que cette histoire continue de monter en flèche.«
Dans la foulée de la performance acclamée d'O2, les rumeurs d'une tournée de retrouvailles de Led Zeppelin ont atteint leur paroxysme à l'été 2008, au point que Plant s'est senti obligé de publier une déclaration via son site officiel en insistant sur le fait qu'il n'avait aucune intention de faire du tourisme avec qui que ce soit pendant les deux prochaines années. Fatigué des rumeurs de reformation avec Page, Jones et Bonham pour une tournée estivale 2009 qui comprendrait des arrêts à Bonnaroo et Coachella, Plant – déjà en tournée avec Alison Krauss pour promouvoir Raising Sand – déclarait: « Il est à la fois frustrant et ridicule que cette histoire continue de monter en flèche quand tous les musiciens qui entourent l'histoire sont impatients de poursuivre leurs projets individuels et d'aller de l'avant. Je ne souhaite à Jimmy Page, John Paul Jones et Jason Bonham que des succès dans leurs projets futurs. »
2010: « Tout doit avancer vers l'avant, dans toutes les relations.«
En septembre 2010, Plant sort Band of Joy – son neuvième album solo, qui présente des reprises de chansons de Low, Richard Thompson et Townes Van Zandt, ainsi que plusieurs titres traditionnelles arrangés par Plant et le coproducteur Buddy Miller. Trois années s'étaient écoulées depuis le concert à l'O2. The Telegraph demande alors à Plant s'il envisage de recommencer. « Je ne pense pas, » soupira-t-il. « Il faut avoir beaucoup de choses en commun avec les personnes avec lesquelles vous travaillez, tout doit aller de l'avant, dans toutes les relations. Je sais que les groupes qui n'ont pas sorti d'album depuis 10 ans jouent devant 20 000 personnes par soir quand ils se reforment, mais ce n'est pas un exploit. L'exploit c'est d'en sortir, c'est très égoïste.«
2011: « Je suis allé si loin ailleurs que cela ne me ressemble plus beaucoup…«
En 2011, Plant s'est entretenu longuement avec Rolling Stone, nous tenant au courant de tout, depuis son récent voyage au Maroc jusqu'à sa tentative ratée de faire suite à Raising Sand avec Alison Krauss. Bien sûr, les discussions se sont également tournées vers Led Zeppelin, et pourquoi il n'avait aucun intérêt à retenter la performance de l'O2. « Ce fut une soirée incroyable« , a-t-il déclaré. « Les préparatifs étaient tendus et intenses, mais la dernière répétition était vraiment, vraiment bonne, pour tout ce qu'elle représentait et tout ce que nous essayions de capturer, mais je suis allée si loin ailleurs que cela ne me ressemble plus beaucoup. C'est devenu un peu pénible. Ça intéresse qui ? Je sais que les gens s'en soucient, mais voyez les choses sous mon angle. Bientôt, je vais avoir besoin d'aide pour traverser la rue. «
2012: « Désolé !«
Une conférence de presse en octobre 2012 au Museum of Modern Art de New York pour promouvoir la prochaine sortie du film Celebration Day – qui contient la captation de la performance à l'O2 de Led Zeppelin en 2007 – est devenue gênante lorsque des journalistes et des reporters de la radio ont commencé à interroger Plant, Page, Jones et Jason Bonham à propos d'une autre réunion. Lorsque un journaliste faisait l'éloge du film mais ajoutait: « Je ne sais pas si ça va étancher la soif de ceux qui voulaient te voir en chair et en os« , le groupe est resté silencieux jusqu'à ce que Plant se lève avec un simple « Sorry!« . « Il y a eu des moments où nous avons décollé« , dira Plant plus tard à propos de l'O2. « Mais faire cela quatre nuits par semaine est une chose différente …Si on est capable de faire quelque chose à notre époque, alors on le fera. Vous devriez juste vraiment penser à quel point il est difficile de répondre à une question comme celle là.«
2014: « Je ne suis pas un jukebox !«
Tout en discutant avec Rolling Stone pour promouvoir les nouvelles rééditions deluxe de Led Zeppelin, Plant a perdu patience quand l'interview s'est orienté vers la reformation. « Vous revenez à la même vieille merde, » dit-il. « Une tournée aurait été un bordel d'intérêts particuliers et l'essence même de tout ce qui est merdique dans ces tournées de stades. Nous étions entourés par un cirque de gens qui auraient brûlé nos âmes à petit feu. Je ne suis pas un jukebox ! Savez-vous pourquoi les Eagles ont dit qu'ils se réuniraient après Hell Freezes Over ? » a t-il demandé. « Ce n'est pas parce qu'ils ont été payés une fortune, ce n'est pas pour l'argent, c'est parce qu'ils s'ennuyaient, mais moi je ne m'ennuie pas.«
2018: « Mon temps doit être rempli de joie et d'effort, d'humour, de pouvoir et de satisfaction de soi absolue« .
L'interview de Plant en mars 2018 a fait des vagues, mais ce qu'il a dit est resté remarquablement cohérent avec ses propos depuis 1982 – qu'il est plus intéressé par de nouvelles perspectives musicales (comme celles qu'il explore actuellement avec les Sensational Space Shifters), que pour réveiller de vieilles nostalgies. « Vous n'avez même pas à me parler si tout ce que vous voulez savoir concerne Led Zeppelin« , a-t-il dit. « Il y a 38 ans, John Bonham est décédé, c'est tout ce que je sais, c'est ça, l'histoire … Vous savez, Led Zeppelin était une fabuleuse et amusante usine, mais c'était trois superbes musiciens et un chanteur. Je ne vais pas m'empêcher de faire ce que je fais maintenant, donc que cela fasse les gros titres ou pas, ça n'a pas d'importance pour moi. Si c'est facile, et que l'accord est sans grandes conséquences, OK, » continua-t-il. « Mais quand vous approchez 70 ans, vous devez faire très attention à profiter du temps qui vous reste… Pour moi, mon temps doit être rempli de joie et d'effort, d'humour, de pouvoir et de satisfaction de soi absolue. Et ce n'est pas avec Led Zeppelin, mais avec ce que je fais en ce moment, avec ce groupe, sur cette tournée. «
Écrit par Dan Eipstein, traduit par Baptiste Manzinali
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