Le peintre autrichien à la vie brève est l'auteur d'une œuvre marquée par un expressionnisme au service de la représentation de la chair dans sa vérité crue.
Cent ans après sa mort, l'artiste autrichien Egon Schiele n'en finit pas d'interroger le monde et, partant, de nous questionner. C'est sans doute parce que sa recherche existentielle, commencée si jeune et achevée prématurément, à l'âge de 28 ans, était un bouquet composé d'honnêteté, d'intransigeance, de craintes, d'émotions, de colères, mais aussi de beauté acérée, parfois cruelle, mais sans compromis. C'est très exactement ce qui apparaît en parcourant les salles de la Fondation Vuitton, où sont présentées plus d'une centaine de ses œuvres. Il s'agit essentiellement de dessins, aquarelles et gouaches, et d'une dizaine d'huiles.
Il fait vivre les volumes humains dans l'espace
Schiele est une sorte de météorite venue transpercer le dôme atmosphérique d'une histoire de l'art qui allait son chemin, particulièrement dans cet Empire austro-hongrois où le Jugendstil et Gustav Klimt dominent la scène picturale. Des traces que commence à suivre le bouillant Egon, dont la frénésie de dessins et la rapidité d'exécution ne sont pas sans rappeler celles d'un Picasso. Ce qui l'amène irrémédiablement à quitter le nid « Klimt », ses personnages enchâssés dans un décor foisonnant, pour trouver dans une ligne sûre, à la pointe sèche, les contours véritables de corps qu'il cherche à sonder. On pourrait trivialement dire que la force d'une exposition est justement de faire percevoir la texture d'une œuvre. La reproduction, n'en déplaise à Walter Benjamin, appauvrissant trop l'inscription totale de ce qui nous est présenté.
Or, si l'on veut bien saisir le travail de Schiele, on verra d'abord de quelle manière il fait vivre les volumes humains dans l'espace, en épurant le fond voire en le laissant nu, sans nécessairement montrer le corps dans son entièreté. L'angle de vision – en plongée, dans un mouvement de tension, en dressant le dessin d'un modèle vu allongé – indique déjà le parti pris de l'artiste. Les aplats de couleurs (du rouge, du vert, du jaune : du jamais-vu !), qui se chevauchent d'abord puis s'entrelacent, donnent aussi à comprendre ce qui le tracasse. L'aquarelle coule comme un liquide séminal, la gouache inscrit des masses, le crayon donne des formes. Egon Schiele ne joue pas. Il se met constamment en danger, utilisant son propre corps pour cerner ses tourments. En 1910, il n'a que 20 ans et doit se débrouiller avec ses ambivalences sexuelles, ses relations avec les adultes… Le nombre d'autoportraits en témoigne.
Huit ans plus tard, il meurt de la grippe espagnole, non sans être passé de l'exploration érotique à la représentation plus naturaliste des corps. Entre-temps, il a été jeté en prison (1912) parce que les bonnes gens s'offusquaient de sa vie et de sa relation avec ses modèles. Mais la condamnation touchera en définitive ses œuvres, dont certaines ont été détruites sur ordre de la « justice ». Recherche intime avec les dessins et des formats réduits. Il en est autrement avec ses peintures à l'huile, terrain privilégié pour traiter des thèmes existentiels de l'humanité : la naissance, la vie, la mort, la solitude. Autant d'allégories qui mêlent représentations séculières et religieuses, Schiele ne cédant pas à ses tendances expressionnistes et à son tempérament passionné. Et l'on se met à évoquer Pasolini qui s'écriait : « Adulte ? Jamais. »