Le dessinateur Zep présente le projet musical The Woohoo, orienté pop-folk indé, dans lequel allie dessin et musique. Découvrez le making of.
Lorsqu'il n'est pas occupé à dessiner. Zep fait de la musique. Il écrit, compose et joue de la guitare dans bon nombre de groupes depuis des décennies. Aujourd'hui, toujours fou de rock, il se lance dans un projet pop-folk indé. Avec la chanteuse Valérie Martinez, ils montent le groupe The Woohoo. Ils composent ensemble et vont enregistrer un peu partout. Des toilettes de la maison au prestigieux studio bordelais de Cocoon. II raconte chaque semaine la chronique tumultueuse de la naissance de leur disque.
Fou de rock, Zep a été aussi bien biberonné au hard rock des années 70 et 80, avec KISS, Deep Purple et Whitesnake, qu'à la folk de Bob Dylan. II raconte chaque semaine la chronique tumultueuse de la naissance de leur disque : « d'ou viennent les mélodies », « comment fabrique-t-on un album», « est-ce que Sting est sympa» et « la pâte de vinyle tache-t-elle les pantalons » ? Vous saurez tout.
Découvrez également les précédents épisodes du making of dessiné par Zep :
Découvrez « Little Heartbreak Girl », le dernier single en date de la chanteuse américaine Beth Hart, au texte personnel.
La chanteuse américaine Beth Hart dévoile un nouveau morceau intitulé « Little Heartbreak Girl ». Découvrez son clip via le player ci-dessous :
« Je suis très reconnaissante du soutien indéfectible que vous m'avez apporté au cours des périodes compliquées que j'ai traversées ces derniers temps », déclare-t-elle dans un communiqué. « C'est pourquoi j'ai décidé de partager 'Little Heartbreak Girl' avec vous. Elle est dédiée à tous ceux qui sont restés à mes côtés, y compris vous tous ! Votre amour et votre compréhension comptent énormément pour moi. »
Un titre profondément personnel, pour lequel Beth Hart a employé les services de Kevin Shirley (Iron Maiden, Joe Bonamassa…). Elle y exprime toute sa résilience après avoir vécu une période difficile sur le plan personnel. La chanteuse n'a pas précisé si ce morceau ferait partie d'un éventuel nouvel album.
Récemment, elle a été l'invitée du guitariste américain Walter Trout sur le morceau « Broken« , qui donne également son titre à son dernier album en date. Slash, guitariste de Guns N' Roses, l'a également invitée sur son prochain album, composé de reprises de blues. La chanteuse y interprétera « Stormy Monday » de T-Bone Walker. Ce titre n'est pas encore disponible.
L'album le plus récent de Beth Hart est sorti en 2022. Il s'agit d'un hommage à Led Zeppelin. Elle y reprend certains des plus grands morceaux du quatuor britannique, notamment « Black Dog » et « Good Times, Bad Times« .
Mathieu David
Revivez l'époque de Nursery Cryme de Genesis en regardant cette vidéo du chef-d'œuvre du rock progressif en concert.
27 mars 1950 : naissance de Tony Banks, claviériste de Genesis
Il y a 50 ans cette semaine, un nouvel album intitulé Nursery Cryme, du groupe britannique largement inconnu à l'époque Genesis, arrivait dans les bacs. Sur la pochette, une écolière de l'ère victorienne maniait un maillet de croquet dans un vaste champ parsemé de têtes. Les chansons de l'album étaient tout aussi bizarres, notamment « The Fountain of Salmacis » et « The Return of the Giant Hogweed« . La première racontait en détail l'ancien mythe grec d'Hermaphrodite, tandis que la seconde parlait d'une obscure plante venimeuse qui faisait des ravages en Angleterre après avoir été importée de Russie. Les deux chansons duraient plus de huit minutes… Difficile d'imaginer que les personnes à l'origine de cet album ne soient pas issue d'un pensionnat d'élite britannique.
Et en effet, le noyau dur de Genesis (le chanteur Peter Gabriel, le guitariste-bassiste Michael Rutherford et le claviériste Tony Banks) venait juste d'être diplômé de l'internat Charterhouse, vénérable institution vieille de 400 ans. Mais Nursery Cryme marque leur première sortie depuis qu'ils ont été rejoints par le guitariste Steve Hackett, 21 ans, et le batteur Phil Collins, 20 ans. Tous deux étaient des talents incroyables qui ont élevé le groupe à de nouveaux sommets de créativité, même si de nombreuses critiques n'ont pas été emballées par Nursery Cryme.
« Le principal problème de Nursery Cryme ne réside pas dans les concepts de Genesis, qui sont, à tout le moins, outrageusement imaginatifs et adorablement excentriques« , écrit Richard Cromelin, critique de Rolling Stone, « ni dans leurs structures musicales (de longues structures complexes et multi-mouvementées sur lesquelles ils accrochent leurs récits) ni même dans leur jeu, qui devient tout de même assez léthargique par moments. C'est la production horrible, un ragoût sombre et distant qui, au mieux, bouillonne doucement alors qu'on a désespérément besoin d'explosions de batterie et de guitares, de hurlements d'orgue, de cordes vocales éraillées« .
Cromelin n'a pas tort. Nursery Cryme a été enregistré en moins d'un mois avec un budget minimal. La production est assez médiocre, bien que les remasters ultérieurs aient considérablement amélioré les choses. Mais les chansons ont pris vie lorsque le groupe est parti en tournée. Dans cette vidéo, Genesis joue « The Musical Box » lors d'un concert en 1973.
Il s'agit d'une chanson typiquement loufoque qui parle d'une jeune fille, Cynthia, qui décapite son ami Henry pendant une partie de croquet. Son esprit se retrouve piégé dans sa boîte à musique où il vieillit rapidement. Il réapparaît alors sous la forme d'un vieux fantôme très en colère et tente de l'attaquer sexuellement. Elle est sauvée par son infirmière qui lance la boîte à musique sur Henry, le renvoyant dans le monde des esprits.
Difficile de trouver une histoire plus étrange à raconter dans une chanson de rock, mais « The Musical Box » a fait partie des concerts de Genesis pendant des décennies. Comme vous pouvez le voir dans cette vidéo, Gabriel s'est déguisé en fantôme d'Henry pour le point culminant du morceau. S'il décide un jour de se réunir avec Genesis, il pourra jouer ce rôle sans masque, puisqu'il a naturellement vieilli pour pouvoir jouer ce rôle.
En 1971, Nursery Cryme était considéré par la plupart des gens comme une œuvre mineure et éclectique d'un groupe d'art-rock anglais, mais Rolling Stone y voyait un réel potentiel. « Par moments, on peut réellement détecter une véritable électricité dans leur musique (qui se situe à peu près dans le territoire délimité par Yes, Strawbs et Family, avec une touche de Procol Harum)« , écrit Cromelin. « Il faut peut-être simplement soulever le couvercle« .
Andy Greene
Traduit par la rédaction
Futur de la musique : 25 artistes qui vont compter en 2024
La rédaction a sélectionné 25 groupes et artistes issus de divers horizons pour représenter le futur de la musique.
Dans tous les genres et dans le monde entier, voici les artistes qui nous enthousiasment le plus. Il y a réellement de tout, du rock bien sûr, du rap, de l'électro, de la pop bien évidemment, de la chanson, France oblige. Bref, tous les artistes sur lesquels Rolling Stone France parie pour l'année 2024 et le futur de la musique.
Howlin' Jaws
Une fraîcheur. Un enthousiasme. Une immédiateté. Une étincelle. Les mots se bousculent un peu au portillon quand on s'essaie à rassembler les premières impressions que ces trois-là peuvent vous avoir laissées après trois quarts d'heure passés en leur compagnie. Un peu comme leurs mots à eux se télescopent et n'attendent pas forcément que ceux du copain se terminent pour embrayer, se chevaucher, mais jamais avec l'intention de s'imposer l'un à l'autre. "Ça fait quinze ans que l'on bosse ensemble, expliquera Baptiste Léon, le batteur. Alors, on arrive assez aisément à mettre les questions d'ego de côté."
En vérité, c'est juste parce que chez (les) Howlin' Jaws, ça fuse, ça jaillit dans tous les sens. Pas pour rien que dans ce pilonnage verbal à trois, le mot qui reviendra le plus souvent est "kiffer" ? Voilà, on veut kiffer chez Howlin' Jaws. Kiffer les concerts qui vont bientôt reprendre après quelques mois d'interruption, kiffer ce studio de répétition qui se peaufine doucement mais sûrement et qu'ils ne sont pas peu fiers d'en faire découvrir les détails au visiteur du jour.
Si ce côté vivifiant se retrouve dans la pop qui sert de fil rouge tout au long des onze titres de Half Asleep Half Awake, leur dernier (et second) album en date sorti à l'automne, on serait quand même en droit de s'interroger sur un premier point, à savoir cette veine 60's qui transpire tout autant au fil de l'album. Comment des jeunes gens apparemment bien sous tous rapports peuvent-ils à ce point être "branchés" par une époque de plus en plus lointaine ? "Déjà, 'bien sous tous rapports', c'est ce que tu crois !", renvoie tel un retour de service imparable Lucas Humbert, le guitariste de l'équipée. "Ça s'est fait naturellement, reprend à la volée Djivan Abkarian, la voix et la basse du trio. Quand on a commencé à jouer ensemble, gamins, on faisait du punk-rock. À partir de là, on a remonté le temps, en quelque sorte, pour découvrir qu'il y avait une énergie incroyable dans le rockabilly et des gars comme Johnny Burnette. Lucas, lui, a toujours écouté les Beatles. Il y a eu aussi les compilations Nuggets. L'esthétique, le son, on a tout pris !"
Xavier Bonnet
Bim
Le Bim, Bénin International Musical, est originaire de ce petit pays d'Afrique de l'Ouest, coincé entre le Togo et le géant Nigeria. Résolument tournés vers la création contemporaine, ces jeunes artistes n'oublient pas de respecter la culture et les traditions de leur pays. Alors forcément, ça groove au son de percussions traditionnelles vaudoues mêlées à une basse profonde et une batterie très… New Orleans, comme par hasard, mais ça "rocke" aussi avec des guitares incendiaires et saturées, distordues à souhait. Côté chant, si l'on part sur de belles mélodies héroïques, il y a des passages scandés, rappés. Musicalement, on est quelque part entre les Meters et le Poly Ritmo !
Entreprenants, les musiciens découverts dans les couvents vaudous du Bénin montrent une sincérité à toute épreuve et une foi dans ce qu'ils jouent qui prend toute son ampleur une fois sur scène, avides de faire partager la richesse artistique de leur pays encore trop méconnu à l'international. Et quel meilleur véhicule que la musique ? Si leur premier album leur a permis de faire le tour du monde et de jouer dans de nombreux festivals en Europe comme en Amérique du Nord – et même un concert à guichets fermés à New York –, le BIM prépare pour cet automne un deuxième opus enregistré entre la France et le Bénin. Qu'ils sont d'ores et déjà entre train de promouvoir en France, et à nouveau en Amérique du Nord cet été.
Belkacem Bahlouli
Woodkid
Dire que Woodkid, aka Yoann Lemoine, a bien sa place dans cette sélection est un doux euphémisme. L'auteur-compositeur-interprète et graphiste français, originaire de la région lyonnaise, a construit sa carrière sur près d'une décennie, jonchée de succès : d'abord en réalisant des clips pour les stars du monde entier (Yelle, Mylène Farmer, Lana Del Rey, Katy Perry, Rihanna, Harry Styles), mais aussi en produisant sa propre musique, au-delà des codes musicaux pré-établis. Au fil de ses deux albums studios (The Golden Age, en 2013, et S16, en 2020), il s'est entouré des meilleurs (dont Julien Delfaud, producteur de Phoenix) et dessine un univers bien à lui, entre sonorités électroniques machinales et organiques, et orchestrations cinématographiques. L'odyssée Woodkid, teintée de son identité queer, réussit à préserver un équilibre étonnant entre le fait main et le digital, sur scène comme en studio. En 2021, il dévoile le morceau "Prologue", composé pour la cérémonie de passation des Jeux olympiques entre Tokyo 2020 et Paris 2024. Si le projet Woodkid est peut-être aussi insaisissable qu'éphémère, il agit au prisme de l'esprit de Yoann. Un artiste complet, dont on ne peut qu'être fier.
Samuel Regnard
En attendant Ana
Un groupe de garage/pop, francophone, qui perce à l'international… vraiment ? Son titre est en tout cas bien énigmatique. En Attendant Ana… On raconte qu'en 2015, le groupe prend forme, d'un nom qui rendrait hommage à une serveuse de leur bar belge fétiche. La musique, savant mélange de rock vintage et garage/lo-fi (on pense au Velvet, à Broadcast), est dirigée par la voix libre et fluette de Margaux Bouchaudon. Pour la petite histoire, leur premier album, Lost and Found, sort en 2017 via Buddy Records. Il capte l'attention de la célèbre écurie Trouble in Mind, qui propulse le disque à l'international. C'est d'ailleurs ensemble qu'ils proposeront, trois ans plus tard Juillet, plus sophistiqué, enregistré en pleine campagne. Aventure rondement menée, jusqu'à une certaine consécration, avec Principia, sorti en 2023, disque tentaculaire, sacré dans le Time (tout de même) et à la 21e place chez nos confrères américains. Cette année, ils dévoilent un opus deux titres, via le Singles Club du fameux label Sub Pop. Convaincus ?
Sophie Rosemont
Fishbach
On n'apprendra rien au plus grand nombre, en relevant une fois de plus qu'elle tire son nom de scène de son vrai patronyme, à une lettre près, un "c" disparu de la circulation, probablement pour ne pas semer plus que de raison la confusion auprès des scribouillards appelés à l'écrire ou le "claviériser" de travers trois fois sur quatre… Dans l'absolu, on se serait volontiers passé de cette incursion en livret de famille. Seulement voilà, en allemand, fischbach vaut pour "ruisseau aux poissons". Or s'il y a bien quelque chose qui distingue celle en qui d'aucuns n'ont pas hésité à voir le "diamant brut" de la chanson française, c'est bien cet art de se faufiler dans tous les ruisseaux qui se présentent à elle. Celui de la musique donc, avec désormais au compteur deux albums (À ta merci, 2017 ; Avec les yeux, 2022) et une tripotée d'EP avant et, entre-temps, des collaborations en tout genre. Celui du cinéma également – avant que ne soit révélé en quelles… eaux troubles il pouvait parfois barboter – avec une apparition plus que remarquée dans la version télévisée de Vernon Subutex, tirée du roman de Virginie Despentes, où, là encore, les dithyrambes avaient fusé, le mot révélation avec elles. Plus récemment, il y eut ce court-métrage d'animation, La Grande Arche, auquel elle prêta sa voix.
Cette multiplicité, Fishbach la revendique. L'érige quasiment en droit. Et pas seulement au moment de passer de la pop la plus lumineuse aux humeurs disco au fil des diverses étapes d'Avec les yeux, quand ce ne sont pas des guitares un brin grandiloquentes qui viennent prendre le relais et que l'on retrouverait plus volontiers du côté d'un hard rock ou d'un rock progressif flamboyant, elle au pedigree punk non moins assumé, fut-il désormais quelque peu lointain. Tels les poissons de son lien étymologique à la langue de Goethe, Fishbach n'a pas son pareil pour rester insaisissable, pour nous glisser entre les doigts. Mais là où notre solidarité avec les pêcheurs s'arrête, c'est que nous sommes parfaitement disposés à ce que ce refus de se laisser apprivoiser-emprisonner se renouvelle le plus souvent et le plus longtemps possible. Mieux, ce n'est pas sans impatience que l'on attend la prochaine marée…
Xavier Bonnet
Psychotic Monks
Si la musique rock a toujours été (et restera) l'un des vecteurs musicaux les plus empruntés pour défendre une cause et provoquer une révolte, en France, les Psychotic Monks en sont le porte-étendard. Leur nouvel album, l'éminent Pink Colour Surgery, est produit par Daniel Fox (bassiste du groupe irlandais Gilla Band) et ce n'est pas un hasard, tant il donne un grand coup de pied dans la fourmilière du post-punk et du noise, pour tout éparpiller, façon puzzle.
Les Monks, en plus d'inviter leur public à être "soi-même" lors de leurs concerts, apportent à la scène française son lot de saturation et de transe, entre les nappes volumineuses de guitares et les quelques sonorités industrielles qui viennent s'immiscer et provoquer le cataclysme. En live, le fond et la forme s'entrechoquent avec brio : on y danse, on s'y perd, portés par l'énergie d'une protest song et par les discours cohérents sur l'état de notre monde. Cette catharsis, le public en a besoin. Un groupe nécessaire, en somme.
Samuel Regnard
Mustii
Célèbre dans sa Belgique natale, aussi bien en tant que comédien sous le nom de Thomas Mustin (Grave, Un petit boulot…) qu'en qualité d'auteur-compositeur-interprète responsable de deux albums, Mustii est malheureusement encore trop méconnu en France. Publié en 2022 en hommage à son défunt oncle atteint d'une maladie mentale, son deuxième disque d'excellente facture, It's Happening Now, a pourtant tout pour satisfaire un public friand de synth-glam-pop millimétrée et intelligente. Alors qu'il s'était fait un peu oublier, le voici qui revient aujourd'hui sous le feu des projecteurs avec le très efficace "Before the Party's Over", titre sélectionné pour représenter la Belgique au prochain concours de l'Eurovision. Quel que soit le résultat, cette participation devrait lui permettre de connaître un succès plus ample et, pourquoi pas, de poursuivre une carrière à la Måneskin. C'est tout le mal qu'on lui souhaite.
Denis Roulleau
MNNQNS
"La cohabitation entre le songwriting et les sons allant plus loin dans l'expérimentation est une constante dans MNNQNS. On est aussi fan de pop tubesque des années 1980 que de musique concrète. On est vraiment emballé quand les deux se rencontrent et que tu n'as pas l'impression que c'est la guerre des clans", explique Adrian d'Épinay, fondateur et tête pensante, depuis 2014, du groupe rouennais, MNNQNS ("mannequins" sans les voyelles). Et effectivement, le deuxième album publié en 2022, The Second Principle, s'écarte de la voie toute tracée post-punk et guitare en avant du premier (Body Negative, en 2019), pour emprunter des chemins plus électro-pop, jalonnés de reliefs psychés, kraut-rock, voire ambient. Un peu comme si CAN taillait la route avec New Order.
Denis Roulleau
Carpenter Brut
Ce projet mené par le producteur de renom Franck Hueso mélange habilement musique électronique habillée par une esthétique délicieusement eighties et influences metal, qui prennent toute leur ampleur lors de leurs prestations live endiablées. Alliant mélodies immédiates, rythmiques dansantes et riffs décadents, Carpenter Brut passe par toutes les extrémités musicales, sans oublier d'assumer ses influences cinématographiques, et ce jusqu'à son nom, inspiré du légendaire réalisateur et musicien (John Carpenter, donc !). Leather Terror, son dernier album en date, se pare d'invités de renom, comme Greg Puciato, chanteur de The Dillinger Escape Plan. Des interprètes talentueux pour raconter l'inquiétante histoire d'une rockstar devenue tueur en série.
Mathieu David
Noé Preszow
« J'ai vraiment le sentiment de faire la même chose depuis que j'ai 13 ans. Oui, c'est mon deuxième album, et en même temps, c'est la continuité des CD qu'on me demandait de graver et que je distribuais dans la cour de récré", affirme d'emblée et sans détour Noé Preszow, ci-devant chanteur rock à la culture musicale plus qu'étendue. En moi, il n'y a pas eu de changement, mais il y a eu quand même l'envie de mettre les points sur les 'i', de préciser certaines choses. C'était plus un vrai besoin, observé une fois que l'album était fait, qu'un concept. Je me méfie du concept, du fait qu'il faut une idée forte. Au contraire, je l'ai même moins pensé que le premier."
S'il reconnaît que sur le premier album en question, l'encensé À Nous, il s'était "retenu" – "J'avais tellement peur de mettre trop de guitares, car je suis un fou de guitare, que j'en ai presque pas mis !" –, il avait alors décidé de mettre ses propres limites. De peur de tout donner dès son premier disque ? Allez savoir. Cependant, à un moment il faut plonger et il s'est dit : "C'est maintenant, j'y vais !" C'est ce qu'il a fait, plonger dans la réalisation de son nouvel opus.
Noé cherchait "un truc particulier". Une manière d'autobiographie musicale où raconter l'origine de sa famille et son militantisme ? "C'est venu d'un souvenir. Il y a cinq-six ans, on a été en Pologne avec mon père et mon frère, reprend le Bruxellois. On a été sur les traces de notre famille qui est partie en Belgique avant la deuxième guerre, pour revenir et mourir dans les camps… Et franchement, si on m'avait dit il y a quelques années que je ferai une chanson où je parle de mes origines juives, je n'y aurais pas cru. Pour moi, c'était un sujet très intime. Mais c'est tellement lié… À mon sens, et chacun son point de vue, être juif c'est être de gauche. Et ça se traduit notamment par être proche de la cause des sans-papiers et exilés en 2024. Et ça dit beaucoup de choses sur qui tu es, ce qui te touche, ton engagement…"
Belkacem Bahlouli
Bandit Bandit
Tenter de faire sonner les mots du français dans un environnement résolument rock ? Une bien longue histoire, souvent semée d'embûches en tout genre. Chez Bandit Bandit, le duo formé par Maëva Nicolas et Hugo Herleman, on en a fait sa règle d'or, son quasi-sacerdoce, depuis la révélation – dans l'écriture – d'un premier single, "Maux", il y a maintenant plus de quatre ans. Une gageure pourtant pas gagnée d'avance de l'avis de Hugo, longtemps persuadé que jongler ainsi avec les mots bien de chez nous, jouer avec leur tonalité, tenait de la mission impossible dans un contexte rock. "C'était essentiellement de la peur, concède-t-il sans faux détour. Aussi à cause des clichés autour de tout ça et que je m'imposais. Et c'est précisément cette barrière que j'ai voulu casser dans un second temps, notamment après avoir bossé avec quelqu'un comme Dimoné. De même que des groupes comme La Femme ou Grand Blanc ont décomplexé cette utilisation du français tout en trouvant leur propre style. Écrire en français n'est plus du tout un challenge supplémentaire que l'on aurait cherché à se fixer."
De son côté, Maëva va jusqu'à parler de besoin et, en tant qu'interprète, "de [se] sentir plus sincère dans la manière de raconter ce que disent nos chansons". Qui a déjà assisté à un concert de Bandit Bandit, l'énergie que le duo y déploie, pourrait s'étonner que l'on place ainsi le curseur de l'utilisation de la langue française chez lui, quand bien même il est le premier à reconnaître, pour ne pas dire à revendiquer, l'importance qu'ont pris les mots dans leur projet, constitué en quatre ans de deux EP (Bandit Bandit, Tachycardie) et d'un album (11:11). Sauf que voilà, l'une des forces majeures de cette dualité réside dans cette faculté à jouer avec ces mots, les faire jongler et rythmer avec ce fameux contexte rock, au point d'en avoir fait un jeu particulier, une attention qui ne l'est pas moins. "On peut s'arracher les cheveux là-dessus, passer jusqu'à trois heures sur une phrase, se désespère et s'en amuse à la fois la chanteuse. Mais nous restons mille fois un groupe de scène. Hugo adore le studio, être au milieu de tous ces instruments. Pour moi, c'est parfois pénible, heureusement qu'il y a des canapés très confortables dans les studios (rires) ! Je vis pour la scène, et quand on n'a pas joué pendant deux mois, je suis à cran… Mais comme le dit aussi Hugo, le studio est un peu un prétexte pour la scène. Quand on travaillait nos morceaux en studio, c'était déjà en pensant à comment ils pourraient sonner en concert."
Xavier Bonnet
Yamê
Yamê est un artiste franco-camerounais, né d'un père musicien et d'une mère informaticienne. Deux passions dont il a hérité et qui rythment sa vie, jusque dans sa musique. Ayant grandi à Cergy-Pontoise, il apprend le piano en autodidacte et lance officiellement sa carrière solo en mars 2020, après avoir débuté en tant que claviériste et chanteur dans des jams à Paris. Il fait partie de cette nouvelle génération de rappeurs post-Covid, qui ont profité de l'explosion des supports de diffusion et d'une capacité d'attention plus accrue du public.
Yamê est vite propulsé au fronton de la scène, porté par ce mélo singulier dans la voix (variant les tons) et ses prod' aux petits oignons, entre organique et électronique, autour de ce piano toujours central. En 2023, il publie un album de neuf chansons, Elowi, qui signifie "ce qui n'est pas visible" en langue mbo, parlée dans plusieurs régions du Cameroun. Enfin, un vrai moment charnière qu'il nous fallait préciser : il s'est fait remarquer par le célèbre producteur américain Timbaland, qui partage l'un de ses freestyles sur Instagram. Rien que pour ça, on prédit un chemin jonché de succès.
Sophie Rosemont
Silly Boy Blue
Ana Benabdelkarim, dite Silly Boy Blue, tient son nom du fameux morceau de David Bowie. Si elle a consacré une partie de sa vie professionnelle au journalisme, chez France 24, c'est sa première aventure musicale au côté du groupe Pégase, en tant que bassiste et claviériste, qui lui donne les clés pour la suite. Elle se lance alors dans une aventure solo, qui atteint sa première consécration en 2019, quand elle remporte le prix des iNOUïS du Printemps de Bourges…
Sa musique, un exutoire pop et mélancolique, "de lover", comme on dit, s'articule en un premier EP, sorti en 2018 (But You Will), inspiré du film Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de Michel Gondry. Deux albums suivront, signés chez Sony, un en 2021, Breakup Songs (incluant le single "The Riddle"), puis la suite en 2023, Eternal Lover, qui la propulse sur les scènes des festivals d'été (de notre côté, on l'a aperçue lors de l'édition 2023 de Rock en Seine). Si la Nantaise s'est vue être en lice pour la catégorie "Révélation" aux Victoires de la Musique en 2022, elle continue évidemment son chemin, évitant les étiquettes et les facilités. Le meilleur pour la suite !
Sophie Rosemont
Theo Charaf
Les images, les sons, les sensations restent, toujours incroyablement présentes huit mois plus tard. De par cette façon de faire résonner sa voix grave et de laisser sa guitare prendre possession des lieux, à savoir cette Salle des États du château royal de Cognac a priori tout sauf inadaptée – car on doute que François Ier se soit embarrassé de considérations acoustiques à l'instant d'en passer commande, en 1517 –, le garçon ne survole pas les débats (parce qu'il n'y en a pas !), mais embarque son monde au-delà de l'Atlantique. Pour tout un chacun, pas l'ombre d'un doute : ce blues à l'os, cette country-folk "rurale" à souhait, c'est sur place qu'il est allé les puiser en personne. Dans le Mississippi ou pas loin des rives de celui-ci, en passant la porte des rares juke-joints encore debout ; qu'il s'est imprégné de tout ça, des Skip James, Robert Johnson et consorts. Raté.
Ainsi qu'il en convient, il n'y a jamais mis les pieds : "Plutôt sur la côte ouest, avec un groupe de punks… Mais j'ai le sentiment que ça a toujours été là, dans tout ce qui m'a accompagné musicalement. Un exemple que je cite régulièrement, c'est Moby. Quand je l'écoutais, je ne me doutais pas une seconde que ses samples, c'était du blues old school ! Cette musique me touche au plus profond sans que je sois capable de l'expliquer. Comment ne pas être touché par ces types dans leur campagne, qui n'avaient pas forcément la meilleure existence qui soit car noirs dans les années 1930, tous seuls avec leur bout de bois et à s'exprimer de manière quasi divine, qui les dépasse probablement, avec cette musique nue, sans arrangements ?"
Xavier Bonnet
De Laurentis
Si l'avenir de la musique doit en passer par l'électronique et ce que les nouvelles technologies peuvent apporter à celle-ci, alors DeLaurentis pourrait y occuper une place de choix en même temps que tirer les marrons du feu, ou plus exactement d'un parcours entamé il y a bientôt dix ans maintenant. DeLaurentis donc, Cécile de son prénom et un nom hérité d'un grand-père d'origine toscane dingue de cinéma, au point que tout un chacun dans la famille s'amusait alors à lui imaginer des liens avec Dino, le célébrissime producteur napolitain et même avec un "i" en moins dans le patronyme.
Faire corps avec sa musique, au point qu'elle ne rechigne pas au terme de "femme-machine", DeLaurentis ne conçoit pas les choses autrement, qu'elle s'enferme huit à dix heures par jour dans son studio que vient lécher le ressac marin du cap Ferret ou ses diverses expérimentations dans tel laboratoire sonore, où elle se mêle aux développeurs pour nourrir des outils d'intelligence artificielle en grilles harmoniques, lignes de basse, rythmes de batterie, suites de voix et consorts. Avant qu'une fois digérées, ces mêmes machines puissent lui en proposer d'autres, plus ou moins proches d'une trame d'origine en fonction de ce qui leur sera demandé. "Je me vois un peu comme une chimiste de sons, une exploratrice, concède-t-elle à propos d'un processus qui paraît sans limites et dont on n'est probablement qu'aux balbutiements. Idem quand j'ai expérimenté sur le chœur virtuel avec l'Ircam."
Mais aussi scientifique que cette quête puisse paraître, elle n'en oublie jamais de rester accessible au non-initié, obsessionnellement mélodique, ainsi qu'en attestent une batterie d'EP et un album, Unica, en 2021 (avant un second, espéré à l'automne, avec la synesthésie pour thème central). Accessible et visuel, à l'instar de ces couleurs qui accompagnent les touches de ces palettes musicales, véritable extension d'elle-même. "Ce sont ces couleurs qui vont m'aider à imaginer comment les sons, préalablement enregistrés comme dans une banque de données, vont aller ensemble. Certains seront ainsi davantage bleus, d'autres plutôt rouges et ainsi de suite. C'est un lien émotionnel avec ces couleurs, qui a moins à voir avec une logique technique…
Xavier Bonnet
Bafang
Duo guitare-batterie, les frères Enguerran et Lancelot Harre avaient, il y a trois ans, redéfini l'afro-rock avec leur premier album, Elektrik Makossa. Mais ils ne s'attendaient pas à une avalanche de concerts qui, malgré les années Covid, ont pu tout de même se tenir : "On a eu de la chance de jouer beaucoup en 2023. On a parcouru la France de long en large et on a eu la chance aussi de jouer en Hongrie et à Tahiti, en fin d'année dernière." Demandé partout dans l'Hexagone et à l'étranger, et même dans le pays d'origine de ses grands-parents, le Cameroun, le duo cartonne partout où il passe. "Bafang est le nom d'une ville pas loin de Yaoundé, la capitale du Cameroun. Et cela qualifie aussi notre musique : qu'elle soit africaine, comme Tinariwen, ou classic rock, à commencer par Led Zeppelin." Cette rencontre, ou plutôt collision de sons et de cultures, modèle le projet des frères, une guitare pour Lancelot et une batterie pour Enguerran – et parfois le contraire ! –, car pour ces Normands, le rock est un tout. Au final, le résultat est explosif, et c'est sous cette formule qu'ils feront leur première vraie grande scène française, aux Trans Musicales de Rennes, en 2018. Une véritable révélation pour la critique comme pour le public, venu en masse ce jour-là.
Du jour au lendemain, ils deviennent "la découverte des Trans". La presse les compare – du fait de la formule guitare-batterie – à Royal Blood et, évidemment, aux White Stripes. Erreur flagrante au regard de leur musique articulée sur des rythmiques très éloignées du rock : "On est allé les chercher en Afrique principalement, ces rythmes tout en syncopes, en contretemps, et, côté riffs, on s'est nourri de tous les grands guitaristes." Car oui, le secret du groupe est là, dans la composition et la manière de faire sonner aussi rock que world une sorte de langage musical universel, qui parle aussi bien aux fans des Stones qu'à ceux de Songhoy Blues. Et les tournées avec cette formule guitare-batterie se sont enchaînées à un rythme effréné : "Effectivement, un album est en prévision, mais pas avant septembre. On n'a pas trop eu le temps de rentrer en studio en 2023. Par contre on va sûrement sortir un single au début de l'été pour annoncer le début du Makossa Summer Tour 2024. Nous avons même eu l'honneur d'apparaître dans un "Tracks" Arte à propos de "l'afro-rock", en compagnie de Skindred et NSG, au mois de décembre dernier", rappelle Enguerran, enthousiaste. Quelques semaines à tenir, donc, avant leur prochain titre.
Belkacem Bahlouli
Zaho de Sagazan
On peut penser ce que l'on veut des victoires de la musique – et on ne s'est pas gêné, dans ces colonnes, d'en exposer limites et griefs –, difficile de leur en retirer l'impact et la perception du chemin écoulé sur quelques mois ou davantage, à plus forte raison quand, en tant qu'artiste directement concerné, on en repart en une seule fois avec rien moins que quatre trophées (en l'occurrence : album, chanson originale, révélation féminine, révélation scène). Enfin, dans un monde normal, ça devrait – ou pourrait – se passer comme ça. Or, il se peut qu'on ait déniché le parfait contre-exemple avec une Zaho de Sagazan vous expliquant d'entrée de jeu qu'elle n'a pas eu trop le temps de réfléchir à tout ça, trop accaparée qu'elle était à peaufiner la nouvelle mouture de ses spectacles, musicalement comme au niveau de la scénographe, à l'aube de la série de Zénith dans laquelle elle était sur le point de s'embarquer à travers l'Hexagone. "Et comme je ne sais pas trop quoi en penser, comment l'analyser, ça me va plutôt bien, ponctue-t-elle sur le sujet. Je préfère être dans l'action de toute façon."
Explique-t-on vraiment le succès quand il vous tombe ainsi sur le paletot, dans des proportions que l'on n'aurait jamais imaginées ? À plus forte raison avec un album, La Symphonie des éclairs, sur lequel on aura passé en tout six ans, à en peaufiner chaque détail, peser chaque mot et découvrir au fur et à mesure son lot de nouvelles inspirations musicales, de nouveaux arrangements ? Tout juste l'observateur extérieur pourra-t-il essayer de voir dans cette réussite celle d'avoir su dresser un pont entre la chanson française et la musique électronique. Et encore. Zaho de Sagazan n'aura pas été la première à s'y essayer. Disons alors qu'elle aura su le faire à sa manière, à y mettre aussi – surtout – beaucoup d'elle-même.
Elle n'en fait en effet aucun mystère et il serait au demeurant difficile de s'en exonérer : Zaho parle beaucoup d'elle dans ses chansons, une "elle" en proie aux doutes, questionnements et tourments auxquels elle a eu à faire face au moment de l'adolescence. Une auto-auscultation au long cours, dont on serait en droit de s'interroger si elle est toujours en phase après avoir soufflé ses 24 bougies à la fin décembre dernier. "Bizarrement, je ne me sens pas éloignée de ces chansons, assure-t-elle. Bien sûr, je n'ai par exemple plus du tout le même rapport très compliqué à mon corps par rapport à ce que je peux raconter dans une c h a n s o n c o m m e ' M o n corps', justement, mais il y a une forme de tendresse à revenir sur son soi d'avant et à toutes les personnes qui ont pu connaître la même chose, ou le connaissent encore. Ce fut une réalité à un moment et ça reste de fait une vérité."
Xavier Bonnet
Thomas Kahn
Non, contrairement à ce que l'auditeur pourrait facilement concevoir à la simple écoute du deuxième album de Thomas Kahn, This is Real, ce dernier n'est pas né à Memphis, où il aurait écumé les clubs de Beale Street, mais bien à Clermont-Ferrand, où il a intégré de manière autodidacte les canons d'une soul moderne.
La question de la crédibilité étant réglée, restent celles des compositions ("Hope" et "A Place Like Home" en duo avec Kaz Hawkins devraient mettre tout le monde d'accord) et des prestations live : ceux qui étaient à la Maroquinerie au mois de février ont pu constater qu'il est non seulement bien entouré, notamment par une puissante section de cuivres, mais qu'il sait également conjuguer émotion et fièvre du samedi soir.
Denis Roulleau
Tamino
En publiant son premier album, Amir, en octobre 2018, l'artiste belge d'origine égyptienne ne se doutait pas du raz de marée qu'il allait provoquer. En effet, depuis son single initial, "Habibi", sorti en 2017, Tamino en a fait du chemin : un premier disque acclamé par le public comme par les professionnels, des tournées internationales – Europe, Amérique, Moyen-Orient – puis le coup d'arrêt de la pandémie. Et le songwriter de profiter de cette pause forcée pour peaufiner son nouvel album, Sahar : "Ce n'est pas vraiment un album de confinement, reconnaît-il. Mais cette période a bien sûr eu des conséquences directes sur l'écriture même."
S'il a mis à profit le "calme relatif" de cette parenthèse obligée pour se remettre à l'écriture, c'était pour ne pas sombrer dans la mélancolie : "À cause de cette situation, j'ai préféré prendre la plume et me mettre au travail. Comme j'étais chez moi, à Anvers, en Belgique, j'ai beaucoup écrit. J'ai aussi changé ma manière d'aborder la musique, notamment les textes, en travaillant sur les assonances, trouver le mot juste et qui sonne parfaitement. Et comme je dispose de mon propre home studio, j'ai pu avoir une très bonne base de travail une fois arrivé en studio."
Mieux encore, l'internationalisation a été l'un de ses tout premiers objectifs : "Pour la tournée américaine, je voyageais avec une équipe très réduite, avec ma guitare… et mon aoud ! En Europe, notamment en France, j'ai tourné avec le groupe, car j'ai la chance d'avoir des musiciens géniaux, dont Colin Greenwood, de Radiohead, à la basse. La plupart de ces musiciens ont participé aux séances d'ailleurs, ils connaissent bien mes chansons."
L'avenir, il le prépare aujourd'hui et est déjà au travail sur un nouvel opus, dont la date de sortie n'est pas encore précisée. Côté scène, ce fan de Dylan et de Cohen, mais aussi de pop, rock et musique orientale, continue son bonhomme de chemin un peu partout dans le monde. N'hésitez pas à croiser sa route.
Belkacem Bahlouli
The Blaze
"L'image, c'est quelque chose qui est indispensable pour nous, pour notre travail. On réfléchit tous les deux sur l'idée d'un vidéoclip, on essaie de prendre beaucoup de temps. Je pense que notre objectif, c'est de raconter des histoires", indique sans faux détour Jonathan Alric, membre fondateur, en 2016, en compagnie de son cousin Guillaume, de The Blaze. À tel point qu'il est légitime de se demander si le duo, extrêmement discret dans les médias par ailleurs, ne concocte pas sa soft-électro-house du meilleur goût pour principalement illustrer les vidéoclips équivoques ("Virile", "Heaven"…), qu'il réalise lui-même avec succès. Tourné en Algérie, "Territory" a ainsi été vu plus de 36 millions de fois et a très largement contribué à la notoriété internationale de la formation, qui a déjà publié deux albums : Dancehall, en 2018, et Jungle, en 2023.
Denis Roulleau
L'impératrice
Longtemps catalogué comme les fiers représentants de la nouvelle scène French Touch (puisqu'on ne peut plus compter sur les Daft Punk), le groupe composé de cinq musiciens et de la chanteuse et compositrice Flore Benguigui poursuit sa conquête groovy vers le succès, toujours sous l'égide du label parisien microqlima. Si la recette peine parfois à se renouveler, on constate tout de même un certain entrain pour les mélodies accrocheuses ("Agitations tropicales", "Anomalie bleue", "Peur des filles") et les productions toujours aussi léchées, non loin des cousins australiens de Parcels, teintées de synthés vintage et de basses rondes à souhait, dans lequel on se love facilement. Le public de L'Impératrice, toujours au rendez-vous (plus de 2 millions d'auditeurs par mois sur Spotify), s'est aussi internationalisé. On raconte que leur nouvel album pourrait sortir cette année, non loin d'un futur show à Coachella… La musique électronique française a donc encore de beaux jours devant elle.
Sophie Rosemont
Jain
La chanteuse toulousaine montre, si cela était encore nécessaire, que la pop protéiforme a toujours de beaux jours devant elle. En dix petites années de carrière, Jeanne Galice aligne les succès avec les désormais classiques "Makeba", "Come" ou encore "Alright". Loin de se reposer sur ses lauriers, Jain n'hésite pas à faire évoluer sa formule en proposant une approche plus personnelle sur The Fool, son dernier album en date, sorti en 2023, qui marque un grand retour après une pause de quatre ans. Elle déclare à France Info : "Ma volonté dans cet album était de raconter un peu plus qui j'étais, ce que j'ai vécu aussi." Une vision personnelle qui est loin d'être incompatible avec la scène, le public présent au Zénith de Paris le confirmera.
Mathieu David
Soolking
Le rappeur franco-algérien Soolking a marqué les esprits avec trois albums, notamment le dernier, Sans visa, rempli à ras bord de collaborations. On y retrouve ainsi (notamment) la fine fleur de la scène rap française, dont Niska, Heuss l'Enfoiré, Naps, Reynmen ou encore… Kendji Girac ! Un disque qui l'a par ailleurs mené sur la scène du prestigieux Olympia. Lauréat de deux NRJ Music Awards en 2020 et 2022, cette étoile montante ne limite pas son influence au monde francophone et se produit également à travers l'Europe : sa route l'a déjà mené à Berlin, Amsterdam et Londres. Élevé dans un univers musical, il montre son talent à travers des morceaux personnels et sincères, qui n'en finissent pas de convaincre des auditeurs de tous horizons.
Mathieu David
Moodoïd
Entre vapeurs psychédéliques et réinvention(s) pop, le projet Moodoïd a toujours été une curiosité dans le paysage sonore français. Fondé en 2010 par le chanteur et multi-instrumentiste Pablo Padovani, alors guitariste du groupe Melody's Echo Chamber, avec Clémence Lasme, Lucie Droga, Lucie Antunes et Maud Nadal (Halo Maud pour les fins connaisseurs), le groupe aura fait ses preuves dans le rock psyché avec un premier album signé chez Entreprise, Le Monde Möö, puis un disque plus acide, coloré et, disons-le, sexy, Cité Champagne, cette fois-ci chez Because Music. Une collaboration fructueuse, puisque Moodoïd continuera l'aventure, le temps de deux EP, PrimaDonna volumes 1 et 2, fruits juteux de collaborations féminines (Juliette Armanet, Lætitia Sadier, Peppy Jane, Prudence…). Un projet collaboratif plein d'espaces sonores mystérieux et cotonneux, qui redessine l'avenir de Moodoïd. La suite ? Toujours savamment calculée pour rester en marge, on l'espère, comme sait si bien le faire le cerveau de la bande.
Sophie Rosemont
Kungs
Dansez avec la house de Valentin Brunel, qui est en passe de conquérir le monde en à peine deux albums, Layers et Club Azur. Le premier, sorti en 2016, comprend notamment le tube interplanétaire "This Girl", dont le clip dépasse le demi-milliard de vues. Le dernier disque en date n'est pas en reste, avec les entêtants "Never Going Home" et "Clap Your Hands", sans oublier ses collaborations avec Boys Noize et The Knocks. Futur leader mondial de la fête, Kungs maîtrise chacun de ses tubes en puissance pour faire remuer des millions de dancefloors. Preuve est faite avec sa dernière compilation en date, sobrement intitulée The Complete Collection, qui comprend tous ses incroyables singles.
Mathieu David
Colin Greenwood, bassiste de Radiohead, annonce un livre de photos
Le livre de Colin Greenwood, « How to Disappear », est une collection d'images de Radiohead contenant « deux décennies de souvenirs ».
Le bassiste de Radiohead, Colin Greenwood, se penchera sur l'histoire du groupe dans How To Disappear – A Portrait of Radiohead, qui sortira le 15 octobre.
Dans l'annonce de How to Disappear, Greenwood a inclus un portrait de Thom Yorke avec son chapeau « Lotus Flower » (vendu aux enchères pour une œuvre de charité en 2020) ainsi que des photos de son frère et membre du groupe Jonny Greenwood, du batteur Phil Selway et du guitariste Ed O'Brien.
« Je prends des photos des membres de mon groupe depuis de nombreuses années et je suis très heureux d'avoir rassemblé une sélection d'images décrivant la façon dont nous avons passé la majeure partie de notre temps ensemble : écriture, répétitions, enregistrements et concerts, a écrit Greenwood. J'ai également écrit un essai qui tente d'assembler ces images pour dresser un portrait de mon groupe, depuis ses années moins certaines jusqu'à aujourd'hui. J'espère que tous ceux qui aiment notre musique l'apprécieront autant que j'ai apprécié de rassembler ces deux décennies de souvenirs. »
Greenwood a également annoncé une version autographiée en édition limitée du livre, qui comprend 32 photos « light show ». Vous pouvez précommander cette version, ainsi que l'édition standard, ici.
L'année dernière, Greenwood a rejoint Nick Cave lors d'une rare tournée en solo en Amérique du Nord (avant cela, il avait fait une tournée avec lui en Australie). Radiohead a sorti son dernier album, A Moon Shaped Pool, en 2016. Depuis, Yorke et Jonny ont formé le projet parallèle The Smile, qui a récemment sorti son deuxième album, Wall of Eyes. Plusieurs membres de Radiohead ont sorti des albums solo : Anima de Yorke (2019), l'excellent premier album d'O'Brien, Earth (2020), et Strange Dance de Selway (2023). Jonny s'est également occupé de la composition de bandes originales de films, notamment celle du film Power of the Dog (2021) de Jane Campion.
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Angie Martoccio
Traduit par la rédaction
Le bluesman américain Marcus King annonce la sortie d'un nouvel album, qu'il défendra au cours de deux dates françaises.
Marcus King vous donne rendez-vous le 5 avril pour la sortie de l'album qui suit Young Blood. Intitulé Mood Swings, ce disque a été enregistré à Malibu, sous la houlette du producteur-star Rick Rubin. En 11 morceaux, le bluesman américain y sonde ses émotions, aussi bien sur le plan musical que psychologique. Il y fait sortir ses inspirations soul tout en tentant de chasser ses démons.
« Cet album m'a appris à ne plus ignorer mes tempêtes intérieures, à les affronter non seulement comme un défi, mais aussi comme une inspiration » confie le musicien.
« Cet album est un voyage dans les recoins inconnus de la personnalité complexe de Marcus » ajoute Rick Rubin. « Son jeu et sa voix vous font traverser toute une gamme d'émotions qui nous promène de l'obscurité à la lumière. »
Des morceaux personnels, dans la tradition de Marcus King. Il avait expliqué sa démarche à la rédaction en 2022 : "Les chansons sont toujours plus ou moins auto-biographiques, chez moi, et écrire pour ce que j'appelle de 'vraies raisons', même si tout n'est pas complètement véridique, est toujours un plus. Les albums douloureux à écrire sont souvent les meilleurs, j'en suis assez convaincu. Je ne sais pas ce qui pouvait traverser le cerveau de Brian Wilson quand il a écrit Pet Sounds ; mais s'il était en souffrance, ça valait la peine [rires] !"
Le morceau « Hero » est disponible :
Marcus King défendra Mood Swings le 23 octobre au Transbordeur (Lyon) et le 3 novembre au Bataclan (Paris). Les places sont disponibles via le site de l'organisateur.
Mood Swings est disponible en précommande
Voici la tracklist et la pochette :
- Mood Swings
- F*ck My Life Up Again
- Soul It Screams
- Save Me
- Hero
- Delilah
- Inglewood Motel (Halestorm)
- This Far Gone
- Bipolar Love
- Me Or Tennessee
- Cadillac
Mathieu David
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