Bruce Springsteen a été l'invité surprise du concert de Zach Bryan à Brooklyn, qui comprenait également des apparitions de Maggie Rogers.
Zach Bryan n'a jamais caché son amour profond pour Bruce Springsteen. Il n'y avait donc aucune raison de penser qu'il envoyait un message caché lorsqu'il a utilisé « Johnny 99 » comme musique d'entrée mercredi soir au Barclays Center de Brooklyn, ou même lorsqu'il est arrivé sur scène avec un T-shirt de la tournée de Springsteen dont les manches avaient été coupées. Mais lorsque Bryan a entamé son rappel de deux chansons avec les accords de sa chanson inédite « Sandpaper », Springsteen lui-même est monté sur scène.
Sous les acclamations de la foule, les deux hommes ont chanté les couplets de la chanson et se sont harmonisés sur les refrains, Springsteen prenant les parties les plus aiguës. A partir de là, Bryan a entamé son habituelle clôture de spectacle, l'étourdissante « Revival », et Springsteen est resté sur scène, où il a été rejoint par Maggie Rogers, qui avait fait une apparition en duo avec Bryan sur « Dawns » plus tôt dans le spectacle.
Bryan a l'habitude de présenter son groupe pendant « Revival », et il a ajouté un membre supplémentaire mercredi soir : « Son nom est… Springsteen ! » Bruce Springsteen chantait à la fois au micro et hors micro, partageant parfois celui de Rogers, manifestement extatique, qui jouait du tambourin. Springsteen a également joué un solo de guitare bref mais flamboyant, et s'est même joint aux autres musiciens pour quelques mouvements chorégraphiés.
L'apparition de Springsteen était une grande marque de respect envers le jeune artiste. Au milieu d'une série de concerts avec le E Street Band sur la côte ouest, Springsteen est retourné dans l'Est uniquement pour jouer avec Bryan, apprenant « Sandpaper » le jour du concert, selon une source au fait de la logistique du concert. Springsteen a ensuite dû retourner immédiatement en Californie pour jouer à San Francisco le jeudi soir.
Brian Hiatt
Traduit par la rédaction
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TikTok : Sony obtient 800 000 dollars de dommages et intérêts d'un rappeur
Le rappeur de TikTok Trefuego et sa chanson « 90mh » de 2019 ont enfreint les droits d'auteur d'une chanson de Toshifumi Hinata de 1986.
Un rappeur de TikTok a été condamné à payer à Sony Music un peu plus de 800 000 dollars pour violation des droits d'auteur concernant l'une de ses chansons, selon des documents judiciaires déposés mercredi.
L'année dernière, Sony a poursuivi Trefuego, un résident de l'Arizona âgé de 20 ans dont le vrai nom est Dantreal Clark-Rainbolt, pour sa chanson « 90mh » de 2019. La chanson contenait un sample de la chanson « Reflections » du compositeur japonais Toshifumi Hinata, datant de 1986 et appartenant à Sony. Bien que « 90mh » ait recueilli plus de 100 millions de streams sur Spotify et ait été utilisé dans plus de 150 000 vidéos TikTok, selon le procès, Trefuego n'avait pas demandé de licence à Sony pour l'échantillon.
Sony l'avait contacté dès janvier 2021, mais Trefuego aurait « ignoré les demandes des plaignants pour que son comportement illicite soit interrompu et corrigé », et la chanson serait restée en ligne jusqu'à ce que Sony émette un avis de retrait en août 2022.
« En copiant la composition musicale et l'enregistrement sonore de "Reflections", Trefuego a cherché effrontément à profiter de la créativité et de la popularité de Hinata sans tenir compte des lois américaines sur le droit d'auteur ou des droits des plaignants », a déclaré Sony dans sa plainte initiale.
Trefuego n'a pas répondu immédiatement à la demande de commentaire de Rolling Stone, et Sony s'est refusé à tout commentaire. La nouvelle a d'abord été rapportée par Billboard.
Au total, Sony a reçu près de 803 000 dollars, liés plus directement aux 700 000 dollars de revenus générés par Trefuego sur « 90mh ». Comme Billboard l'a précédemment rapporté, Sony a lutté pendant des mois pour localiser Trefuego, à tel point que le juge présidant le procès a autorisé l'entreprise à le contacter par le biais de messages privés sur ses comptes de réseaux sociaux.
Dans un mémorandum déposé mercredi, le juge Mark Pittman a reconnu le manque de pouvoir et de stature du jeune rappeur par rapport à Sony, la deuxième plus grande entreprise de musique de la planète, le qualifiant de « petit poisson ». Mais il a également souligné le manque apparent de coopération de Trefuego dans cette affaire.
« Certains peuvent s'interroger sur la sagesse d'intenter une action contre un poisson relativement petit comme Trefuego, mais ce fait ne rend pas la motivation de Sony inappropriée ou leur action en justice déraisonnable, a écrit M. Pittman. En fait, le seul comportement déraisonnable dans cette affaire a été celui de l'accusé, dont les tentatives constantes de se soustraire à la signification et d'esquiver les communications significatives ont entravé l'avancement de l'affaire et fait grimper les coûts pour Sony. »
« Bien qu'il puisse être décourageant pour de nombreux accusés de comparaître devant un tribunal fédéral ou de répondre à un acte de procédure, la seule mauvaise réponse dans de telles circonstances est le refus de répondre ou de se conformer aux ordonnances du tribunal, a poursuivi M. Pittman. Vous pouvez fuir les huissiers de justice, mais vous ne pouvez pas vous soustraire à la loi… L'accusé a fait grimper les coûts pour Sony ; il doit maintenant les payer. »
Ethan Millman
Traduit par la rédaction
La réédition de l'album de 1974 du Grateful Dead, produite par l'archiviste David Lemieux, contient des démos et un concert inédit de l'Université du Nevada-Reno.
Les albums de 1974 fêtent leurs 50 ans cette année, y compris From the Mars Hotel du Grateful Dead. Pour fêter l'événement, Rhino réédite l'album, qui sortira le 21 juin.
Sorti à l'origine le 27 juin 1974 (quelques mois seulement après que le groupe a lancé son énorme Wall of Sound lors de ses concerts), From the Mars Hotel contient des classiques tels que « U.S. Blues », « Scarlet Begonias » et « Ship of Fools ».
Réalisé par David Lemieux, le légendaire archiviste des Dead, l'édition 3 CD From the Mars Hotel (50th Anniversary Deluxe Edition) comprendra les huit titres, ainsi que les démos de « China Doll » et « Wave That Flag ». Vous pouvez écouter cette dernière, qui est devenue « U.S. Blues », ci-dessous.
L'édition de luxe comprend également un concert inédit : University of Nevada-Reno, 5/12/74, une performance que le groupe a réussi à réaliser malgré une tempête. La liste des morceaux inclut « China Cat Sunflower », « I Know You Rider », et bien d'autres.
En plus de l'édition de luxe, Rhino sortira également la réédition en plusieurs variantes de vinyles, y compris le vinyle noir standard de 180 grammes, le vinyle personnalisé « Ugly Rumors », et d'autres. Vous pouvez le précommander ici.
From the Mars Hotel (50th Anniversary Deluxe Edition) fait suite à la sortie de Wake of the Flood et Here Comes Sunshine, qui contenaient cinq concerts inédits. Cette époque est peut-être révolue, mais vous pourrez retrouver le groupe Dead & Company lors de sa prochaine résidence à la Sphère de 18 dates à Las Vegas, qui débutera le 16 mai.
From the Mars Hotel (50th Anniversary Deluxe Edition) Track List
Disc 1
1. "U.S. Blues"
2. "China Doll"
3. "Unbroken Chain"
4. "Loose Lucy"
5. "Scarlet Begonias"
6. Pride of Cucamonga
7. "Money Money"
8. "Ship of Fools"
9. "China Doll" (Demo)
10. "Wave That Flag" (Demo)
Disc 2: Live From the University of Nevada-Reno, 5/12/74
1. "Sugaree"
2. "Mexicali Blues"
3. "Tennessee Jed"
4. "Jack Straw"
5. "Brown-Eyed Women"
6. "Beat It on Down the Line"
7. "China Cat Sunflower"
8. "I Know You Rider"
9. "El Paso"
10. "U.S. Blues"
11. "Greatest Story Ever Told"
12. "It Must Have Been the Roses"
13. :Me and Bobby McGee:
Disc 3: Live From the University of Nevada-Reno, 5/12/74
1. "Deal"
2. "Around and Around"
3. "Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo"
4. "Truckin'"
5. "The Other One"
6. "Row Jimmy"
7. "Big River"
8. "Ship of Fools"
9. "Sugar Magnolia"
Angie Martoccio
Traduit par la rédaction
Voici la playlist du week-end, dans laquelle la rédaction de Rolling Stone France revient sur ses coups de cœur et découvertes de la semaine !
La playlist du week-end s'écoute aussi en streaming !
Sum 41 – Dopamine
Sum 41 célèbre la sortie de Heaven :x: Hell, son album final, pour sortir le clip de « Dopamine », titre à la fois énergique et mélancolique. Avant de faire ses adieux, le groupe de punk-rock canadien fera le tour des festivals français, avant un triomphe à la Paris la Défense Arena en novembre, qui affiche déjà complet.
Gesaffelstein – Your share of the Night
Plongez dans l'univers sombre et mystérieux de Mike Lévy, artiste électro lyonnais, qui sévit sous le nom Gesaffelstein. « Your share of the night », qui mélange samples modernes et ambiance gothique, porté par la voix de Yan Wagner, se trouve sur Gamma, son nouvel album studio.
Dopamoon – Maravilhosa
Le duo Dopamoon vous donne un avant-goût de l'été avec son nouveau morceau chaleureux et pétillant : « Maravilhosa ». On y retrouve notamment le chanteur João Selva, dont l'interprétation ajoute quelques rayons de soleil supplémentaires.
Fink – What Would You Call Yourself
Partez en promenade balnéaire avec Fin Greenall pour découvrir l'envoûtant et planant « What Would You Call Yourself ». Il s'agit du premier extrait de Beauty in Your Wake, huitième album studio de Fink, dont la sortie est annoncée pour le 5 juillet.
Swim Deep – First Song
Plongez dans le shoegaze vaporeux de Swim Seep avec « First Song », au texte fortement personnel. A retrouver dans leur prochain album studio, poétiquement intitulé There's A Big Star Outside, prévu pour le 7 juin.
Emilie Simon – Soleil
L'artiste multiple Emilie Simon est de retour pour vous mettre des étoiles dans les yeux avec Polaris. Elle célèbre la sortie de ce disque avec Soleil, un nouveau single original et dansant, dans lequel les lignes de chant envoûtantes se mêlent avec des leads de guitares bien sentis, portés par des percussions rythmées et accrocheuses.
Fishtalk – Men Are Dead
La musique alternative prend des ambiances atmosphériques inquiétantes avec l'apocalyptique « Men Are Dead », nouveau titre signé Fishtalk. Un morceau présent dans l'EP Out, dont la sortie est annoncée pour le 19 avril.
Katarina Pejak – Pearls On A String
Chanteuse et pianiste pratiquant une musique à la croisée entre blues, soul et jazz, Katarina Pejak dévoile le rythmé et poétique « Pearls On A String ». Un titre qui annonce le meilleur concernant le disque du même nom, dont la sortie est prévue pour le 19 avril.
Jerry Bellamy – Bikers
Le 23 mars sortait The Traveller, le dernier album en date de Jerry Bellamy. A cette occasion, le musicien vous propose un tour de bécane avec « BIKERS », titre blues-rock riffu qui n'est pas sans rappeler les grandes heures de ZZ Top.
Si vous avez raté la playlist précédente, retrouvez-la ici
Mathieu David
Mdou Moctar plaide pour la préservation de sa langue natale
Sur son dernier titre, « Imouhar », Mdou Moctar encourage le peuple touareg à ne pas laisser sa langue tamasheq devenir obsolète.
Mdou Moctar a publié un nouveau plaidoyer brûlant, « Imouhar », extrait du prochain album du groupe nigérien, Funeral for Justice, qui sortira le 3 mai via Matador.
« Imouhar » commence par un groove lo-fi, mais se lance rapidement dans le genre de blues du désert pour lequel Mdou Moctar est le plus connu, agrémenté (bien sûr) de nombreux effets pyrotechniques à la guitare. Dans les paroles, Moctar encourage le peuple touareg à ne pas laisser sa langue tamasheq devenir obsolète.
« Les gens ici n'utilisent que le français, a déclaré le chanteur dans un communiqué. Ils commencent à oublier leur propre langue. Nous avons l'impression que dans cent ans, plus personne ne parlera le bon tamasheq, et c'est très effrayant pour nous. »
« Imouhar » est également accompagné d'un clip vidéo réalisé par Lauren Greenhall. Le clip capture une performance de la chanson, mais il est composé en grande partie de gros plans qui se concentrent sur les visages des membres du groupe pendant qu'ils jouent, ainsi que sur leur technique impressionnante.
Mdou Moctar a annoncé Funeral for Justice le mois dernier, partageant également la chanson-titre de l'album. Cette sortie fait suite à l'acclamé Afrique Victime de 2021, et a été enregistré après que le groupe a terminé deux années de tournée intense.
Dans une déclaration, Moctar a parlé de la nature politiquement chargée de Funeral for Justice, qu'il décrit comme un album « vraiment différent » pour lui. « Aujourd'hui, les problèmes de violence terroriste sont plus graves en Afrique, a-t-il déclaré. Lorsque les États-Unis et l'Europe sont venus ici, ils ont dit qu'ils allaient nous aider, mais ce que nous voyons est vraiment différent. Ils ne nous aident jamais à trouver une solution. »
Le groupe Mdou Moctar a un été chargé devant lui, puisqu'il prend la route pour faire la promotion de Funeral for Justice. Après un passage à Coachella le mois prochain, leur tournée débutera officiellement le 5 juin à Atlantic City, avec des dates en Amérique du Nord et en Europe prévues jusqu'au début du mois de septembre.
Jon Blistein
Traduit par la rédaction
Futur de la musique : 25 artistes qui vont compter en 2024
Publié
29/03/2024La rédaction a sélectionné 25 groupes et artistes issus de divers horizons pour représenter le futur de la musique.
Dans tous les genres et dans le monde entier, voici les artistes qui nous enthousiasment le plus. Il y a réellement de tout, du rock bien sûr, du rap, de l'électro, de la pop bien évidemment, de la chanson, France oblige. Bref, tous les artistes sur lesquels Rolling Stone France parie pour l'année 2024 et le futur de la musique.
Howlin' Jaws
Une fraîcheur. Un enthousiasme. Une immédiateté. Une étincelle. Les mots se bousculent un peu au portillon quand on s'essaie à rassembler les premières impressions que ces trois-là peuvent vous avoir laissées après trois quarts d'heure passés en leur compagnie. Un peu comme leurs mots à eux se télescopent et n'attendent pas forcément que ceux du copain se terminent pour embrayer, se chevaucher, mais jamais avec l'intention de s'imposer l'un à l'autre. "Ça fait quinze ans que l'on bosse ensemble, expliquera Baptiste Léon, le batteur. Alors, on arrive assez aisément à mettre les questions d'ego de côté."
En vérité, c'est juste parce que chez (les) Howlin' Jaws, ça fuse, ça jaillit dans tous les sens. Pas pour rien que dans ce pilonnage verbal à trois, le mot qui reviendra le plus souvent est "kiffer" ? Voilà, on veut kiffer chez Howlin' Jaws. Kiffer les concerts qui vont bientôt reprendre après quelques mois d'interruption, kiffer ce studio de répétition qui se peaufine doucement mais sûrement et qu'ils ne sont pas peu fiers d'en faire découvrir les détails au visiteur du jour.
Si ce côté vivifiant se retrouve dans la pop qui sert de fil rouge tout au long des onze titres de Half Asleep Half Awake, leur dernier (et second) album en date sorti à l'automne, on serait quand même en droit de s'interroger sur un premier point, à savoir cette veine 60's qui transpire tout autant au fil de l'album. Comment des jeunes gens apparemment bien sous tous rapports peuvent-ils à ce point être "branchés" par une époque de plus en plus lointaine ? "Déjà, 'bien sous tous rapports', c'est ce que tu crois !", renvoie tel un retour de service imparable Lucas Humbert, le guitariste de l'équipée. "Ça s'est fait naturellement, reprend à la volée Djivan Abkarian, la voix et la basse du trio. Quand on a commencé à jouer ensemble, gamins, on faisait du punk-rock. À partir de là, on a remonté le temps, en quelque sorte, pour découvrir qu'il y avait une énergie incroyable dans le rockabilly et des gars comme Johnny Burnette. Lucas, lui, a toujours écouté les Beatles. Il y a eu aussi les compilations Nuggets. L'esthétique, le son, on a tout pris !"
Xavier Bonnet
Bim
Le Bim, Bénin International Musical, est originaire de ce petit pays d'Afrique de l'Ouest, coincé entre le Togo et le géant Nigeria. Résolument tournés vers la création contemporaine, ces jeunes artistes n'oublient pas de respecter la culture et les traditions de leur pays. Alors forcément, ça groove au son de percussions traditionnelles vaudoues mêlées à une basse profonde et une batterie très… New Orleans, comme par hasard, mais ça "rocke" aussi avec des guitares incendiaires et saturées, distordues à souhait. Côté chant, si l'on part sur de belles mélodies héroïques, il y a des passages scandés, rappés. Musicalement, on est quelque part entre les Meters et le Poly Ritmo !
Entreprenants, les musiciens découverts dans les couvents vaudous du Bénin montrent une sincérité à toute épreuve et une foi dans ce qu'ils jouent qui prend toute son ampleur une fois sur scène, avides de faire partager la richesse artistique de leur pays encore trop méconnu à l'international. Et quel meilleur véhicule que la musique ? Si leur premier album leur a permis de faire le tour du monde et de jouer dans de nombreux festivals en Europe comme en Amérique du Nord – et même un concert à guichets fermés à New York –, le BIM prépare pour cet automne un deuxième opus enregistré entre la France et le Bénin. Qu'ils sont d'ores et déjà entre train de promouvoir en France, et à nouveau en Amérique du Nord cet été.
Belkacem Bahlouli
Woodkid
Dire que Woodkid, aka Yoann Lemoine, a bien sa place dans cette sélection est un doux euphémisme. L'auteur-compositeur-interprète et graphiste français, originaire de la région lyonnaise, a construit sa carrière sur près d'une décennie, jonchée de succès : d'abord en réalisant des clips pour les stars du monde entier (Yelle, Mylène Farmer, Lana Del Rey, Katy Perry, Rihanna, Harry Styles), mais aussi en produisant sa propre musique, au-delà des codes musicaux pré-établis. Au fil de ses deux albums studios (The Golden Age, en 2013, et S16, en 2020), il s'est entouré des meilleurs (dont Julien Delfaud, producteur de Phoenix) et dessine un univers bien à lui, entre sonorités électroniques machinales et organiques, et orchestrations cinématographiques. L'odyssée Woodkid, teintée de son identité queer, réussit à préserver un équilibre étonnant entre le fait main et le digital, sur scène comme en studio. En 2021, il dévoile le morceau "Prologue", composé pour la cérémonie de passation des Jeux olympiques entre Tokyo 2020 et Paris 2024. Si le projet Woodkid est peut-être aussi insaisissable qu'éphémère, il agit au prisme de l'esprit de Yoann. Un artiste complet, dont on ne peut qu'être fier.
Samuel Regnard
En attendant Ana
Un groupe de garage/pop, francophone, qui perce à l'international… vraiment ? Son titre est en tout cas bien énigmatique. En Attendant Ana… On raconte qu'en 2015, le groupe prend forme, d'un nom qui rendrait hommage à une serveuse de leur bar belge fétiche. La musique, savant mélange de rock vintage et garage/lo-fi (on pense au Velvet, à Broadcast), est dirigée par la voix libre et fluette de Margaux Bouchaudon. Pour la petite histoire, leur premier album, Lost and Found, sort en 2017 via Buddy Records. Il capte l'attention de la célèbre écurie Trouble in Mind, qui propulse le disque à l'international. C'est d'ailleurs ensemble qu'ils proposeront, trois ans plus tard Juillet, plus sophistiqué, enregistré en pleine campagne. Aventure rondement menée, jusqu'à une certaine consécration, avec Principia, sorti en 2023, disque tentaculaire, sacré dans le Time (tout de même) et à la 21e place chez nos confrères américains. Cette année, ils dévoilent un opus deux titres, via le Singles Club du fameux label Sub Pop. Convaincus ?
Sophie Rosemont
Fishbach
On n'apprendra rien au plus grand nombre, en relevant une fois de plus qu'elle tire son nom de scène de son vrai patronyme, à une lettre près, un "c" disparu de la circulation, probablement pour ne pas semer plus que de raison la confusion auprès des scribouillards appelés à l'écrire ou le "claviériser" de travers trois fois sur quatre… Dans l'absolu, on se serait volontiers passé de cette incursion en livret de famille. Seulement voilà, en allemand, fischbach vaut pour "ruisseau aux poissons". Or s'il y a bien quelque chose qui distingue celle en qui d'aucuns n'ont pas hésité à voir le "diamant brut" de la chanson française, c'est bien cet art de se faufiler dans tous les ruisseaux qui se présentent à elle. Celui de la musique donc, avec désormais au compteur deux albums (À ta merci, 2017 ; Avec les yeux, 2022) et une tripotée d'EP avant et, entre-temps, des collaborations en tout genre. Celui du cinéma également – avant que ne soit révélé en quelles… eaux troubles il pouvait parfois barboter – avec une apparition plus que remarquée dans la version télévisée de Vernon Subutex, tirée du roman de Virginie Despentes, où, là encore, les dithyrambes avaient fusé, le mot révélation avec elles. Plus récemment, il y eut ce court-métrage d'animation, La Grande Arche, auquel elle prêta sa voix.
Cette multiplicité, Fishbach la revendique. L'érige quasiment en droit. Et pas seulement au moment de passer de la pop la plus lumineuse aux humeurs disco au fil des diverses étapes d'Avec les yeux, quand ce ne sont pas des guitares un brin grandiloquentes qui viennent prendre le relais et que l'on retrouverait plus volontiers du côté d'un hard rock ou d'un rock progressif flamboyant, elle au pedigree punk non moins assumé, fut-il désormais quelque peu lointain. Tels les poissons de son lien étymologique à la langue de Goethe, Fishbach n'a pas son pareil pour rester insaisissable, pour nous glisser entre les doigts. Mais là où notre solidarité avec les pêcheurs s'arrête, c'est que nous sommes parfaitement disposés à ce que ce refus de se laisser apprivoiser-emprisonner se renouvelle le plus souvent et le plus longtemps possible. Mieux, ce n'est pas sans impatience que l'on attend la prochaine marée…
Xavier Bonnet
Psychotic Monks
Si la musique rock a toujours été (et restera) l'un des vecteurs musicaux les plus empruntés pour défendre une cause et provoquer une révolte, en France, les Psychotic Monks en sont le porte-étendard. Leur nouvel album, l'éminent Pink Colour Surgery, est produit par Daniel Fox (bassiste du groupe irlandais Gilla Band) et ce n'est pas un hasard, tant il donne un grand coup de pied dans la fourmilière du post-punk et du noise, pour tout éparpiller, façon puzzle.
Les Monks, en plus d'inviter leur public à être "soi-même" lors de leurs concerts, apportent à la scène française son lot de saturation et de transe, entre les nappes volumineuses de guitares et les quelques sonorités industrielles qui viennent s'immiscer et provoquer le cataclysme. En live, le fond et la forme s'entrechoquent avec brio : on y danse, on s'y perd, portés par l'énergie d'une protest song et par les discours cohérents sur l'état de notre monde. Cette catharsis, le public en a besoin. Un groupe nécessaire, en somme.
Samuel Regnard
Mustii
Célèbre dans sa Belgique natale, aussi bien en tant que comédien sous le nom de Thomas Mustin (Grave, Un petit boulot…) qu'en qualité d'auteur-compositeur-interprète responsable de deux albums, Mustii est malheureusement encore trop méconnu en France. Publié en 2022 en hommage à son défunt oncle atteint d'une maladie mentale, son deuxième disque d'excellente facture, It's Happening Now, a pourtant tout pour satisfaire un public friand de synth-glam-pop millimétrée et intelligente. Alors qu'il s'était fait un peu oublier, le voici qui revient aujourd'hui sous le feu des projecteurs avec le très efficace "Before the Party's Over", titre sélectionné pour représenter la Belgique au prochain concours de l'Eurovision. Quel que soit le résultat, cette participation devrait lui permettre de connaître un succès plus ample et, pourquoi pas, de poursuivre une carrière à la Måneskin. C'est tout le mal qu'on lui souhaite.
Denis Roulleau
MNNQNS
"La cohabitation entre le songwriting et les sons allant plus loin dans l'expérimentation est une constante dans MNNQNS. On est aussi fan de pop tubesque des années 1980 que de musique concrète. On est vraiment emballé quand les deux se rencontrent et que tu n'as pas l'impression que c'est la guerre des clans", explique Adrian d'Épinay, fondateur et tête pensante, depuis 2014, du groupe rouennais, MNNQNS ("mannequins" sans les voyelles). Et effectivement, le deuxième album publié en 2022, The Second Principle, s'écarte de la voie toute tracée post-punk et guitare en avant du premier (Body Negative, en 2019), pour emprunter des chemins plus électro-pop, jalonnés de reliefs psychés, kraut-rock, voire ambient. Un peu comme si CAN taillait la route avec New Order.
Denis Roulleau
Carpenter Brut
Ce projet mené par le producteur de renom Franck Hueso mélange habilement musique électronique habillée par une esthétique délicieusement eighties et influences metal, qui prennent toute leur ampleur lors de leurs prestations live endiablées. Alliant mélodies immédiates, rythmiques dansantes et riffs décadents, Carpenter Brut passe par toutes les extrémités musicales, sans oublier d'assumer ses influences cinématographiques, et ce jusqu'à son nom, inspiré du légendaire réalisateur et musicien (John Carpenter, donc !). Leather Terror, son dernier album en date, se pare d'invités de renom, comme Greg Puciato, chanteur de The Dillinger Escape Plan. Des interprètes talentueux pour raconter l'inquiétante histoire d'une rockstar devenue tueur en série.
Mathieu David
Noé Preszow
« J'ai vraiment le sentiment de faire la même chose depuis que j'ai 13 ans. Oui, c'est mon deuxième album, et en même temps, c'est la continuité des CD qu'on me demandait de graver et que je distribuais dans la cour de récré", affirme d'emblée et sans détour Noé Preszow, ci-devant chanteur rock à la culture musicale plus qu'étendue. En moi, il n'y a pas eu de changement, mais il y a eu quand même l'envie de mettre les points sur les 'i', de préciser certaines choses. C'était plus un vrai besoin, observé une fois que l'album était fait, qu'un concept. Je me méfie du concept, du fait qu'il faut une idée forte. Au contraire, je l'ai même moins pensé que le premier."
S'il reconnaît que sur le premier album en question, l'encensé À Nous, il s'était "retenu" – "J'avais tellement peur de mettre trop de guitares, car je suis un fou de guitare, que j'en ai presque pas mis !" –, il avait alors décidé de mettre ses propres limites. De peur de tout donner dès son premier disque ? Allez savoir. Cependant, à un moment il faut plonger et il s'est dit : "C'est maintenant, j'y vais !" C'est ce qu'il a fait, plonger dans la réalisation de son nouvel opus.
Noé cherchait "un truc particulier". Une manière d'autobiographie musicale où raconter l'origine de sa famille et son militantisme ? "C'est venu d'un souvenir. Il y a cinq-six ans, on a été en Pologne avec mon père et mon frère, reprend le Bruxellois. On a été sur les traces de notre famille qui est partie en Belgique avant la deuxième guerre, pour revenir et mourir dans les camps… Et franchement, si on m'avait dit il y a quelques années que je ferai une chanson où je parle de mes origines juives, je n'y aurais pas cru. Pour moi, c'était un sujet très intime. Mais c'est tellement lié… À mon sens, et chacun son point de vue, être juif c'est être de gauche. Et ça se traduit notamment par être proche de la cause des sans-papiers et exilés en 2024. Et ça dit beaucoup de choses sur qui tu es, ce qui te touche, ton engagement…"
Belkacem Bahlouli
Bandit Bandit
Tenter de faire sonner les mots du français dans un environnement résolument rock ? Une bien longue histoire, souvent semée d'embûches en tout genre. Chez Bandit Bandit, le duo formé par Maëva Nicolas et Hugo Herleman, on en a fait sa règle d'or, son quasi-sacerdoce, depuis la révélation – dans l'écriture – d'un premier single, "Maux", il y a maintenant plus de quatre ans. Une gageure pourtant pas gagnée d'avance de l'avis de Hugo, longtemps persuadé que jongler ainsi avec les mots bien de chez nous, jouer avec leur tonalité, tenait de la mission impossible dans un contexte rock. "C'était essentiellement de la peur, concède-t-il sans faux détour. Aussi à cause des clichés autour de tout ça et que je m'imposais. Et c'est précisément cette barrière que j'ai voulu casser dans un second temps, notamment après avoir bossé avec quelqu'un comme Dimoné. De même que des groupes comme La Femme ou Grand Blanc ont décomplexé cette utilisation du français tout en trouvant leur propre style. Écrire en français n'est plus du tout un challenge supplémentaire que l'on aurait cherché à se fixer."
De son côté, Maëva va jusqu'à parler de besoin et, en tant qu'interprète, "de [se] sentir plus sincère dans la manière de raconter ce que disent nos chansons". Qui a déjà assisté à un concert de Bandit Bandit, l'énergie que le duo y déploie, pourrait s'étonner que l'on place ainsi le curseur de l'utilisation de la langue française chez lui, quand bien même il est le premier à reconnaître, pour ne pas dire à revendiquer, l'importance qu'ont pris les mots dans leur projet, constitué en quatre ans de deux EP (Bandit Bandit, Tachycardie) et d'un album (11:11). Sauf que voilà, l'une des forces majeures de cette dualité réside dans cette faculté à jouer avec ces mots, les faire jongler et rythmer avec ce fameux contexte rock, au point d'en avoir fait un jeu particulier, une attention qui ne l'est pas moins. "On peut s'arracher les cheveux là-dessus, passer jusqu'à trois heures sur une phrase, se désespère et s'en amuse à la fois la chanteuse. Mais nous restons mille fois un groupe de scène. Hugo adore le studio, être au milieu de tous ces instruments. Pour moi, c'est parfois pénible, heureusement qu'il y a des canapés très confortables dans les studios (rires) ! Je vis pour la scène, et quand on n'a pas joué pendant deux mois, je suis à cran… Mais comme le dit aussi Hugo, le studio est un peu un prétexte pour la scène. Quand on travaillait nos morceaux en studio, c'était déjà en pensant à comment ils pourraient sonner en concert."
Xavier Bonnet
Yamê
Yamê est un artiste franco-camerounais, né d'un père musicien et d'une mère informaticienne. Deux passions dont il a hérité et qui rythment sa vie, jusque dans sa musique. Ayant grandi à Cergy-Pontoise, il apprend le piano en autodidacte et lance officiellement sa carrière solo en mars 2020, après avoir débuté en tant que claviériste et chanteur dans des jams à Paris. Il fait partie de cette nouvelle génération de rappeurs post-Covid, qui ont profité de l'explosion des supports de diffusion et d'une capacité d'attention plus accrue du public.
Yamê est vite propulsé au fronton de la scène, porté par ce mélo singulier dans la voix (variant les tons) et ses prod' aux petits oignons, entre organique et électronique, autour de ce piano toujours central. En 2023, il publie un album de neuf chansons, Elowi, qui signifie "ce qui n'est pas visible" en langue mbo, parlée dans plusieurs régions du Cameroun. Enfin, un vrai moment charnière qu'il nous fallait préciser : il s'est fait remarquer par le célèbre producteur américain Timbaland, qui partage l'un de ses freestyles sur Instagram. Rien que pour ça, on prédit un chemin jonché de succès.
Sophie Rosemont
Silly Boy Blue
Ana Benabdelkarim, dite Silly Boy Blue, tient son nom du fameux morceau de David Bowie. Si elle a consacré une partie de sa vie professionnelle au journalisme, chez France 24, c'est sa première aventure musicale au côté du groupe Pégase, en tant que bassiste et claviériste, qui lui donne les clés pour la suite. Elle se lance alors dans une aventure solo, qui atteint sa première consécration en 2019, quand elle remporte le prix des iNOUïS du Printemps de Bourges…
Sa musique, un exutoire pop et mélancolique, "de lover", comme on dit, s'articule en un premier EP, sorti en 2018 (But You Will), inspiré du film Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de Michel Gondry. Deux albums suivront, signés chez Sony, un en 2021, Breakup Songs (incluant le single "The Riddle"), puis la suite en 2023, Eternal Lover, qui la propulse sur les scènes des festivals d'été (de notre côté, on l'a aperçue lors de l'édition 2023 de Rock en Seine). Si la Nantaise s'est vue être en lice pour la catégorie "Révélation" aux Victoires de la Musique en 2022, elle continue évidemment son chemin, évitant les étiquettes et les facilités. Le meilleur pour la suite !
Sophie Rosemont
Theo Charaf
Les images, les sons, les sensations restent, toujours incroyablement présentes huit mois plus tard. De par cette façon de faire résonner sa voix grave et de laisser sa guitare prendre possession des lieux, à savoir cette Salle des États du château royal de Cognac a priori tout sauf inadaptée – car on doute que François Ier se soit embarrassé de considérations acoustiques à l'instant d'en passer commande, en 1517 –, le garçon ne survole pas les débats (parce qu'il n'y en a pas !), mais embarque son monde au-delà de l'Atlantique. Pour tout un chacun, pas l'ombre d'un doute : ce blues à l'os, cette country-folk "rurale" à souhait, c'est sur place qu'il est allé les puiser en personne. Dans le Mississippi ou pas loin des rives de celui-ci, en passant la porte des rares juke-joints encore debout ; qu'il s'est imprégné de tout ça, des Skip James, Robert Johnson et consorts. Raté.
Ainsi qu'il en convient, il n'y a jamais mis les pieds : "Plutôt sur la côte ouest, avec un groupe de punks… Mais j'ai le sentiment que ça a toujours été là, dans tout ce qui m'a accompagné musicalement. Un exemple que je cite régulièrement, c'est Moby. Quand je l'écoutais, je ne me doutais pas une seconde que ses samples, c'était du blues old school ! Cette musique me touche au plus profond sans que je sois capable de l'expliquer. Comment ne pas être touché par ces types dans leur campagne, qui n'avaient pas forcément la meilleure existence qui soit car noirs dans les années 1930, tous seuls avec leur bout de bois et à s'exprimer de manière quasi divine, qui les dépasse probablement, avec cette musique nue, sans arrangements ?"
Xavier Bonnet
De Laurentis
Si l'avenir de la musique doit en passer par l'électronique et ce que les nouvelles technologies peuvent apporter à celle-ci, alors DeLaurentis pourrait y occuper une place de choix en même temps que tirer les marrons du feu, ou plus exactement d'un parcours entamé il y a bientôt dix ans maintenant. DeLaurentis donc, Cécile de son prénom et un nom hérité d'un grand-père d'origine toscane dingue de cinéma, au point que tout un chacun dans la famille s'amusait alors à lui imaginer des liens avec Dino, le célébrissime producteur napolitain et même avec un "i" en moins dans le patronyme.
Faire corps avec sa musique, au point qu'elle ne rechigne pas au terme de "femme-machine", DeLaurentis ne conçoit pas les choses autrement, qu'elle s'enferme huit à dix heures par jour dans son studio que vient lécher le ressac marin du cap Ferret ou ses diverses expérimentations dans tel laboratoire sonore, où elle se mêle aux développeurs pour nourrir des outils d'intelligence artificielle en grilles harmoniques, lignes de basse, rythmes de batterie, suites de voix et consorts. Avant qu'une fois digérées, ces mêmes machines puissent lui en proposer d'autres, plus ou moins proches d'une trame d'origine en fonction de ce qui leur sera demandé. "Je me vois un peu comme une chimiste de sons, une exploratrice, concède-t-elle à propos d'un processus qui paraît sans limites et dont on n'est probablement qu'aux balbutiements. Idem quand j'ai expérimenté sur le chœur virtuel avec l'Ircam."
Mais aussi scientifique que cette quête puisse paraître, elle n'en oublie jamais de rester accessible au non-initié, obsessionnellement mélodique, ainsi qu'en attestent une batterie d'EP et un album, Unica, en 2021 (avant un second, espéré à l'automne, avec la synesthésie pour thème central). Accessible et visuel, à l'instar de ces couleurs qui accompagnent les touches de ces palettes musicales, véritable extension d'elle-même. "Ce sont ces couleurs qui vont m'aider à imaginer comment les sons, préalablement enregistrés comme dans une banque de données, vont aller ensemble. Certains seront ainsi davantage bleus, d'autres plutôt rouges et ainsi de suite. C'est un lien émotionnel avec ces couleurs, qui a moins à voir avec une logique technique…
Xavier Bonnet
Bafang
Duo guitare-batterie, les frères Enguerran et Lancelot Harre avaient, il y a trois ans, redéfini l'afro-rock avec leur premier album, Elektrik Makossa. Mais ils ne s'attendaient pas à une avalanche de concerts qui, malgré les années Covid, ont pu tout de même se tenir : "On a eu de la chance de jouer beaucoup en 2023. On a parcouru la France de long en large et on a eu la chance aussi de jouer en Hongrie et à Tahiti, en fin d'année dernière." Demandé partout dans l'Hexagone et à l'étranger, et même dans le pays d'origine de ses grands-parents, le Cameroun, le duo cartonne partout où il passe. "Bafang est le nom d'une ville pas loin de Yaoundé, la capitale du Cameroun. Et cela qualifie aussi notre musique : qu'elle soit africaine, comme Tinariwen, ou classic rock, à commencer par Led Zeppelin." Cette rencontre, ou plutôt collision de sons et de cultures, modèle le projet des frères, une guitare pour Lancelot et une batterie pour Enguerran – et parfois le contraire ! –, car pour ces Normands, le rock est un tout. Au final, le résultat est explosif, et c'est sous cette formule qu'ils feront leur première vraie grande scène française, aux Trans Musicales de Rennes, en 2018. Une véritable révélation pour la critique comme pour le public, venu en masse ce jour-là.
Du jour au lendemain, ils deviennent "la découverte des Trans". La presse les compare – du fait de la formule guitare-batterie – à Royal Blood et, évidemment, aux White Stripes. Erreur flagrante au regard de leur musique articulée sur des rythmiques très éloignées du rock : "On est allé les chercher en Afrique principalement, ces rythmes tout en syncopes, en contretemps, et, côté riffs, on s'est nourri de tous les grands guitaristes." Car oui, le secret du groupe est là, dans la composition et la manière de faire sonner aussi rock que world une sorte de langage musical universel, qui parle aussi bien aux fans des Stones qu'à ceux de Songhoy Blues. Et les tournées avec cette formule guitare-batterie se sont enchaînées à un rythme effréné : "Effectivement, un album est en prévision, mais pas avant septembre. On n'a pas trop eu le temps de rentrer en studio en 2023. Par contre on va sûrement sortir un single au début de l'été pour annoncer le début du Makossa Summer Tour 2024. Nous avons même eu l'honneur d'apparaître dans un "Tracks" Arte à propos de "l'afro-rock", en compagnie de Skindred et NSG, au mois de décembre dernier", rappelle Enguerran, enthousiaste. Quelques semaines à tenir, donc, avant leur prochain titre.
Belkacem Bahlouli
Zaho de Sagazan
On peut penser ce que l'on veut des victoires de la musique – et on ne s'est pas gêné, dans ces colonnes, d'en exposer limites et griefs –, difficile de leur en retirer l'impact et la perception du chemin écoulé sur quelques mois ou davantage, à plus forte raison quand, en tant qu'artiste directement concerné, on en repart en une seule fois avec rien moins que quatre trophées (en l'occurrence : album, chanson originale, révélation féminine, révélation scène). Enfin, dans un monde normal, ça devrait – ou pourrait – se passer comme ça. Or, il se peut qu'on ait déniché le parfait contre-exemple avec une Zaho de Sagazan vous expliquant d'entrée de jeu qu'elle n'a pas eu trop le temps de réfléchir à tout ça, trop accaparée qu'elle était à peaufiner la nouvelle mouture de ses spectacles, musicalement comme au niveau de la scénographe, à l'aube de la série de Zénith dans laquelle elle était sur le point de s'embarquer à travers l'Hexagone. "Et comme je ne sais pas trop quoi en penser, comment l'analyser, ça me va plutôt bien, ponctue-t-elle sur le sujet. Je préfère être dans l'action de toute façon."
Explique-t-on vraiment le succès quand il vous tombe ainsi sur le paletot, dans des proportions que l'on n'aurait jamais imaginées ? À plus forte raison avec un album, La Symphonie des éclairs, sur lequel on aura passé en tout six ans, à en peaufiner chaque détail, peser chaque mot et découvrir au fur et à mesure son lot de nouvelles inspirations musicales, de nouveaux arrangements ? Tout juste l'observateur extérieur pourra-t-il essayer de voir dans cette réussite celle d'avoir su dresser un pont entre la chanson française et la musique électronique. Et encore. Zaho de Sagazan n'aura pas été la première à s'y essayer. Disons alors qu'elle aura su le faire à sa manière, à y mettre aussi – surtout – beaucoup d'elle-même.
Elle n'en fait en effet aucun mystère et il serait au demeurant difficile de s'en exonérer : Zaho parle beaucoup d'elle dans ses chansons, une "elle" en proie aux doutes, questionnements et tourments auxquels elle a eu à faire face au moment de l'adolescence. Une auto-auscultation au long cours, dont on serait en droit de s'interroger si elle est toujours en phase après avoir soufflé ses 24 bougies à la fin décembre dernier. "Bizarrement, je ne me sens pas éloignée de ces chansons, assure-t-elle. Bien sûr, je n'ai par exemple plus du tout le même rapport très compliqué à mon corps par rapport à ce que je peux raconter dans une c h a n s o n c o m m e ' M o n corps', justement, mais il y a une forme de tendresse à revenir sur son soi d'avant et à toutes les personnes qui ont pu connaître la même chose, ou le connaissent encore. Ce fut une réalité à un moment et ça reste de fait une vérité."
Xavier Bonnet
Thomas Kahn
Non, contrairement à ce que l'auditeur pourrait facilement concevoir à la simple écoute du deuxième album de Thomas Kahn, This is Real, ce dernier n'est pas né à Memphis, où il aurait écumé les clubs de Beale Street, mais bien à Clermont-Ferrand, où il a intégré de manière autodidacte les canons d'une soul moderne.
La question de la crédibilité étant réglée, restent celles des compositions ("Hope" et "A Place Like Home" en duo avec Kaz Hawkins devraient mettre tout le monde d'accord) et des prestations live : ceux qui étaient à la Maroquinerie au mois de février ont pu constater qu'il est non seulement bien entouré, notamment par une puissante section de cuivres, mais qu'il sait également conjuguer émotion et fièvre du samedi soir.
Denis Roulleau
Tamino
En publiant son premier album, Amir, en octobre 2018, l'artiste belge d'origine égyptienne ne se doutait pas du raz de marée qu'il allait provoquer. En effet, depuis son single initial, "Habibi", sorti en 2017, Tamino en a fait du chemin : un premier disque acclamé par le public comme par les professionnels, des tournées internationales – Europe, Amérique, Moyen-Orient – puis le coup d'arrêt de la pandémie. Et le songwriter de profiter de cette pause forcée pour peaufiner son nouvel album, Sahar : "Ce n'est pas vraiment un album de confinement, reconnaît-il. Mais cette période a bien sûr eu des conséquences directes sur l'écriture même."
S'il a mis à profit le "calme relatif" de cette parenthèse obligée pour se remettre à l'écriture, c'était pour ne pas sombrer dans la mélancolie : "À cause de cette situation, j'ai préféré prendre la plume et me mettre au travail. Comme j'étais chez moi, à Anvers, en Belgique, j'ai beaucoup écrit. J'ai aussi changé ma manière d'aborder la musique, notamment les textes, en travaillant sur les assonances, trouver le mot juste et qui sonne parfaitement. Et comme je dispose de mon propre home studio, j'ai pu avoir une très bonne base de travail une fois arrivé en studio."
Mieux encore, l'internationalisation a été l'un de ses tout premiers objectifs : "Pour la tournée américaine, je voyageais avec une équipe très réduite, avec ma guitare… et mon aoud ! En Europe, notamment en France, j'ai tourné avec le groupe, car j'ai la chance d'avoir des musiciens géniaux, dont Colin Greenwood, de Radiohead, à la basse. La plupart de ces musiciens ont participé aux séances d'ailleurs, ils connaissent bien mes chansons."
L'avenir, il le prépare aujourd'hui et est déjà au travail sur un nouvel opus, dont la date de sortie n'est pas encore précisée. Côté scène, ce fan de Dylan et de Cohen, mais aussi de pop, rock et musique orientale, continue son bonhomme de chemin un peu partout dans le monde. N'hésitez pas à croiser sa route.
Belkacem Bahlouli
The Blaze
"L'image, c'est quelque chose qui est indispensable pour nous, pour notre travail. On réfléchit tous les deux sur l'idée d'un vidéoclip, on essaie de prendre beaucoup de temps. Je pense que notre objectif, c'est de raconter des histoires", indique sans faux détour Jonathan Alric, membre fondateur, en 2016, en compagnie de son cousin Guillaume, de The Blaze. À tel point qu'il est légitime de se demander si le duo, extrêmement discret dans les médias par ailleurs, ne concocte pas sa soft-électro-house du meilleur goût pour principalement illustrer les vidéoclips équivoques ("Virile", "Heaven"…), qu'il réalise lui-même avec succès. Tourné en Algérie, "Territory" a ainsi été vu plus de 36 millions de fois et a très largement contribué à la notoriété internationale de la formation, qui a déjà publié deux albums : Dancehall, en 2018, et Jungle, en 2023.
Denis Roulleau
L'impératrice
Longtemps catalogué comme les fiers représentants de la nouvelle scène French Touch (puisqu'on ne peut plus compter sur les Daft Punk), le groupe composé de cinq musiciens et de la chanteuse et compositrice Flore Benguigui poursuit sa conquête groovy vers le succès, toujours sous l'égide du label parisien microqlima. Si la recette peine parfois à se renouveler, on constate tout de même un certain entrain pour les mélodies accrocheuses ("Agitations tropicales", "Anomalie bleue", "Peur des filles") et les productions toujours aussi léchées, non loin des cousins australiens de Parcels, teintées de synthés vintage et de basses rondes à souhait, dans lequel on se love facilement. Le public de L'Impératrice, toujours au rendez-vous (plus de 2 millions d'auditeurs par mois sur Spotify), s'est aussi internationalisé. On raconte que leur nouvel album pourrait sortir cette année, non loin d'un futur show à Coachella… La musique électronique française a donc encore de beaux jours devant elle.
Sophie Rosemont
Jain
La chanteuse toulousaine montre, si cela était encore nécessaire, que la pop protéiforme a toujours de beaux jours devant elle. En dix petites années de carrière, Jeanne Galice aligne les succès avec les désormais classiques "Makeba", "Come" ou encore "Alright". Loin de se reposer sur ses lauriers, Jain n'hésite pas à faire évoluer sa formule en proposant une approche plus personnelle sur The Fool, son dernier album en date, sorti en 2023, qui marque un grand retour après une pause de quatre ans. Elle déclare à France Info : "Ma volonté dans cet album était de raconter un peu plus qui j'étais, ce que j'ai vécu aussi." Une vision personnelle qui est loin d'être incompatible avec la scène, le public présent au Zénith de Paris le confirmera.
Mathieu David
Soolking
Le rappeur franco-algérien Soolking a marqué les esprits avec trois albums, notamment le dernier, Sans visa, rempli à ras bord de collaborations. On y retrouve ainsi (notamment) la fine fleur de la scène rap française, dont Niska, Heuss l'Enfoiré, Naps, Reynmen ou encore… Kendji Girac ! Un disque qui l'a par ailleurs mené sur la scène du prestigieux Olympia. Lauréat de deux NRJ Music Awards en 2020 et 2022, cette étoile montante ne limite pas son influence au monde francophone et se produit également à travers l'Europe : sa route l'a déjà mené à Berlin, Amsterdam et Londres. Élevé dans un univers musical, il montre son talent à travers des morceaux personnels et sincères, qui n'en finissent pas de convaincre des auditeurs de tous horizons.
Mathieu David
Moodoïd
Entre vapeurs psychédéliques et réinvention(s) pop, le projet Moodoïd a toujours été une curiosité dans le paysage sonore français. Fondé en 2010 par le chanteur et multi-instrumentiste Pablo Padovani, alors guitariste du groupe Melody's Echo Chamber, avec Clémence Lasme, Lucie Droga, Lucie Antunes et Maud Nadal (Halo Maud pour les fins connaisseurs), le groupe aura fait ses preuves dans le rock psyché avec un premier album signé chez Entreprise, Le Monde Möö, puis un disque plus acide, coloré et, disons-le, sexy, Cité Champagne, cette fois-ci chez Because Music. Une collaboration fructueuse, puisque Moodoïd continuera l'aventure, le temps de deux EP, PrimaDonna volumes 1 et 2, fruits juteux de collaborations féminines (Juliette Armanet, Lætitia Sadier, Peppy Jane, Prudence…). Un projet collaboratif plein d'espaces sonores mystérieux et cotonneux, qui redessine l'avenir de Moodoïd. La suite ? Toujours savamment calculée pour rester en marge, on l'espère, comme sait si bien le faire le cerveau de la bande.
Sophie Rosemont
Kungs
Dansez avec la house de Valentin Brunel, qui est en passe de conquérir le monde en à peine deux albums, Layers et Club Azur. Le premier, sorti en 2016, comprend notamment le tube interplanétaire "This Girl", dont le clip dépasse le demi-milliard de vues. Le dernier disque en date n'est pas en reste, avec les entêtants "Never Going Home" et "Clap Your Hands", sans oublier ses collaborations avec Boys Noize et The Knocks. Futur leader mondial de la fête, Kungs maîtrise chacun de ses tubes en puissance pour faire remuer des millions de dancefloors. Preuve est faite avec sa dernière compilation en date, sobrement intitulée The Complete Collection, qui comprend tous ses incroyables singles.
Mathieu David
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