Banksy fa discutere. Sempre. Non è forse la sua ragion d'essere di street artist? E fa discutere anche suo malgrado. Come avviene con la mostra a lui dedicata, inaugurata il 22 febbraio nelle sale della fondazione M9, a Mestre, Banksy painting Walls, a cura di Sabrina De Gregori.
Trasferire le opere dello street artist da un contesto urbano, ove la fruizione è condivisa dai passanti che si imbattono casualmente e spontaneamente nelle sue provocazioni, in un ambiente museale a pagamento, è un'operazione destinata molto prevedibilmente a mandare su tutte le furie i suoi fan – e così è successo anche questa volta, e immaginiamo anche nelle altre mostre in giro per il mondo – pare 34! – che gli sono state dedicate o sono tuttora in corso. Eclatante lo stridore tra i suoi messaggi irriverenti di libertà, ribellione, anarchia, di cambiamento dal basso, e il contesto istituzionale in cui sono state trasferite, pur con tutte le cure e le attenzioni alla peculiarità della sua arte.
Questo problema è stato evidentemente valutato da chi ha voluto e da chi ha curato la mostra, mettendo sull'altro piatto della bilancia l'indubbio successo dell'operazione, come infatti si è visto nella serata inaugurale, festosa e partecipata.
Che non sia possibile negare la perdita del senso originale delle opere è infatti dichiarato all'inizio stesso della mostra. Appena entrati all'interno dell'ambiente espositivo una didascalia introduttiva avverte che
l'arte di strada che dovrebbe aprire un dialogo e favorire interazioni artistiche, finisce così per emanciparsi dal suo valore sociale diventando qualcosa di statico, dall'aura sacrale, intoccabile e indiscutibile.
Banksy, dichiara la curatrice stessa, segna benedizione e condanna, liberazione e morte della street art.
L'illegalità, inizialmente, figurava tra le caratteristiche portanti delle opere di questa forma d'arte, ricche di rivendicazioni sociali espresse anche attraverso la ribellione nei confronti della legge.
I graffiti, i tag, e tutte le manifestazioni del genere artistico erano considerate reato di imbrattamento, ma la celebrità di artisti come Banksy ha portato in modo forzatamente spontaneo, il pubblico e le autorità competenti a riconoscerne la legittimità.
Può sembrare un ossimoro, ma la forza con cui l'artista si è imposto durante gli ultimi due decenni al gusto del pubblico ha liberato in modo spontaneo e, per così dire, dal basso, le opere di street art, impedendone, spesso, la rimozione e apportandovi dignità e riconoscimento, con una tale velocità da impedire all'ambiente giuridico di stare al passo con le esigenze (celebre il caso veneziano del Bambino migrante che ha generato dubbi e critiche intorno al suo restauro).
La domanda che dobbiamo porci, però, non riguarda tanto le motivazioni che hanno spinto a realizzare la mostra, ma ciò che ci stimola a recarci all'M9 per fruire delle litografie e dei tre muri dell'artista.
Innanzitutto una prima motivazione può essere comune a ciò che incentiva la visita di ogni esposizione di arte figurativa. Nonostante molte opere abbiano raggiunto una tale celebrità da rendere la loro presenza inflazionata su social media, locandine, televisione e tutti i mezzi di comunicazione che ne permettono la riproduzione, permane il desiderio di ammirarle dal vivo per poter prendere visione delle pennellate, della consistenza materica del colore e di tutta una serie di dettagli che non sono riproducibili su uno schermo o su una stampa.
Dunque, come trovarsi di fronte ai girasoli di Van Gogh non è la stessa cosa rispetto a dare una rapida occhiata alla sua fotografia su Instagram, avere la possibilità di camminare a pochi centimetri da Season's Greetings non è paragonabile all'impressione di un post, per la materialità, l'imponenza e la realtà dell'opera.
Il pungolo che ci incoraggia a visitare la mostra è proprio quello dichiarato all'ingresso dalla curatrice, la deificazione dell'artista.
Nonostante l'invisibilità del personaggio, grazie alle sue opere è passato dall'essere UN artista che utilizza la tecnica dei graffiti per esprimere dissenso nei confronti di un ordine costituito, all'essere L'artista, e ricevere attenzioni che si confanno più ad un soggetto sacro.
Questo processo è comune a moltissimi artisti, le cui opere, una volta musealizzate acquisiscono un significato nuovo, che risulta dissonante da quello originario, un'aurea sacrale che spinge il pubblico ad avvicinarvisi come in un rituale.
Un interesse, quello legato alle opere musealizzate, che spesso, più che essere legato ai messaggi che l'artista aveva destinato al pubblico, risulta maggiormente legato al valore identitario che se ne trae, il poter dire di essere stato alla mostra, di fronte a quelle opere che ora, lungi dall'essere sullo stesso piano del pubblico, per suscitare un confronto, sono messe su un piedistallo, in senso figurato e letterale, a generare ammirazione.
Come in veri e propri rituali, le visite si configurano come azioni collettive, condivise, in cui si segue un codice di comportamento: l'andamento lento, i bisbigli di confronto, le attese davanti alle opere più conosciute.
Ciò che stimola la visita non è tanto nelle opere in quanto tali, ma nella trasformazione dei loro significati, che traslano verso la sacralità, e che determinano una fruizione complessivamente diversa da quella connessa ai graffiti nel loro ambiente.
È curioso vedere come ci rechiamo alla mostra per vedere un cambiamento scatenato da noi, ci viene raccontata la deificazione dell'autore che, nel mentre, noi stessi stiamo promuovendo mentre ci aggiriamo tra le creazione di Banksy.
La mostra andrebbe intrapresa come un viaggio verso una maggiore consapevolezza del nostro ruolo come spettatori, ma allo stesso tempo generatori di significato. Le opere sono uno specchio che riflette il modo che abbiamo di rapportarci alle esposizioni e alle motivazioni che ci spingono a frequentarle.