Paris Fashion Week: la moda, instabile regno
La Fashion Week parigina è discontinua nelle proposte, incerta nei messaggi, ricca di stimoli tra loro differenti, se non contraddittori: è anche vero che una delle caratteristiche più distintive della cultura della nostra epoca è la disaggregazione dei codici e degli stili di abbigliamento. L'ampia gamma e qualità di tessuti, finiture, colori, silhouette e in particolare modalità stilistiche, nonché la molteplicità di accessori, dalle calzature ai gioielli, dalle borse alle acconciature, mostrano aperture e frammentazioni quasi senza precedenti nella storia del post-modernismo.
Se volessimo cercare un elemento comune, sarebbe di sicuro il corpo e le domande che suscita la sua presenza nel mondo: i nostri vestiti rivelano le nostre identità, fisse o in evoluzione? Quali cimeli sartoriali lasciamo indugiare nei nostri armadi e quali verità trasmettono queste scelte riguardo alle nostre storie, alle nostre aspirazioni, ai nostri personaggi? Per quanto la moda rimanga un'entità commerciale, le sue oscillazioni sono intrinsecamente legate al nostro senso di sé.
Di solito, messi di fronte a un corpo, non immaginiamo affatto di leggere una scrittura. Al contrario, viviamo l'illusione di un'evidenza: ecco il sex appeal di una splendida ragazza, l'eleganza carica di una signora che sfoggia il suo status, l'aspetto asciutto di un'adolescente, l'arroganza di una fanciulla ipervitaminica, la nudità di una donna consapevole della sua fisicità. Impressioni che sembrano imporsi con la forza della verità immediata. E invece si tratta proprio di lettura, di un lavoro complesso di deduzione, di applicazione di codici e ragionamenti, che arriva fino a dirci l'identità di chi ci troviamo di fronte. Per comporre, cioè, una storia, un testo. Di una persona, ma anche dell'epoca in cui vive quella persona.
Femminilità: come raccontarne una nuova?
I designer sembrano bloccati in questo momento: vendo borse? Faccio meme? Dovrei essere più o meno politico? Molti, come Dior, Hermès e Giambattista Valli hanno risposto a questa esigenza offrendo capi di abbigliamento diretti, anche semplici: buoni cappotti, bei vestiti, belle gonne, eleganti ballerine. Ma le donne non meritano di più? Sicuramente: però non sapremmo se interpretare come forma di protesta antisistema la collezione-performance di Anthony Vaccarello per Saint Laurent, dove quasi tutti i capi erano nello stesso tessuto dei collant e, oltre a mettere in mostra il possibile e anche l'impossibile, erano pure dimostrazioni di virtuosismo: se non si smagliavano con le unghie a metterli, certo si smagliavano a toglierli, dunque non saranno mai prodotti. E, oltre a vedere il seno delle modelle, ci chiediamo a cosa possa servire un esercizio che si esaurisce nell'arco di un défilé e non è neppure instagrammabile, perché il social vieta i post con capezzoli femminili visibili. Sicuramente una mossa concomitante con la mostra Transparences – Le pouvoir des matières al museo Musée Yves Saint Laurent Paris, dedicata al fondatore della maison e inventore del Nude Look nel '66, ma ha suscitato parecchie controversie («Basta con le tette!», ha tuonato Vanessa Friedman dalle colonne del New York Times).
L'abito nudo – con mutande a coprire le pudenda da Courrèges, che ha aggiunto su tutti i capi una taschina orizzontale proprio lì, per sollazzarsi in momenti di massima noia solitaria, anche pubblica, tipo fila alla posta o coda al supermercato – è stato un refrain di molte altre sfilate evidentemente destagionalizzate, ma sembra più un autogol che un'attestazione di libertà.
Più interessante è l'aggiornamento del bohemian-chic a opera, guarda caso, di due donne: Chemena Kamali al suo debutto come direttrice creativa di Chloé e Virginie Viard per Chanel. La prima disegna abiti corti e sensuali con una buona dose di humour, ricchi di volant a strascico come per prendere il giro l'ultima tendenza tiktokiana del coquettecore. La seconda prende da una certa attitudine "gitana" in voga negli anni Settanta l'attenzione per abiti lievi e sovrapposti come una millefoglie, dimostrando che oggi una persona che lavora, viaggia, ha una vita attiva e dinamica, tenderà a vestirsi utilizzando vari pezzi da assemblare insieme: che poi è esattamente quello che ogni donna fa, unendo l'accessorio d'affezione ai pantaloni no-logo sotto la camicetta di seta griffata, con un cappotto autoriale e un blazer da uomo, per esempio.
Previsione? Diventerà un tormentone, insieme alla sua estremizzazione rappresentata, a cavallo tra gli anni Novanta e i primi Duemila, dalla confusa congerie di abiti radunati sulla propria anatomia secondo le norme dell'Indie Sleaze. Poi, certo, ci si sbizzarrirà ad acquistare qualcosa offerta sul plat de jour: gli onnipresenti stivali alti, quasi dei cuissard a metà coscia, visti anche a Milano, che non siamo sicuri quanto siano donanti, ma bisognerà arrendersi allo spirito del Tempo. Un tempo a sua volta che sembra girare in senso antiorario, riportandoci a formule d'eleganza già ampiamente collaudate ma azzerate da un solo colore per l'intera sfilata: vedi Pierpaolo Piccioli per Valentino, autore di una collezione all black, dal titolo Le Noir.
Corpo individuale, corpo sociale
Il rapporto fra vestito e corpo è necessario: il vestito è fatto per il corpo, e anche se ci sono abiti che sono delle vere opere d'arte (o almeno capolavori artigianali: il confine fra le due denominazioni è relativamente arbitrario) sono opere d'arte solo nella misura in cui vengono indossati e non appesi su dei manichini. In questa dinamica di valorizzazione reciproca fra vestito e corpo, nelle immagini di moda ci possono essere diverse accentuazioni e diverse polarità: accanto a immagini che valorizzano le linee del corpo o addirittura lo esibiscono, ci possono essere immagini che giocano sulla costruzione di linee vestimentarie che spezzano o comunque contraddicono le linee naturali del corpo umano, costruendo una serie di figure e di significati in qualche modo autonomi. È il caso di Demna per Balenciaga, ma anche del fratello Guram Gvasalia per Vetements: se il primo si chiede quale sia oggi la differenza tra moda e stile, rispondendo con proposte più sulfureamente ironiche ma amiche dell'anatomia (gli abiti da sera con ancora il cartellino del prezzo attaccato, che in realtà è un charm di pelle, richiami agli anni Cinquanta smitizzati da stampe militari o leopardate come le dive di Hollywood d'antan, ossessione anche dell'ottima prova di Rick Owens), per creazioni che si riannodano magicamente all'animo punk dello stilista e alle radici aristocratiche di Cristóbal, suo fratello procede stancamente per sproporzioni magniloquenti quanto disutili, gigantesche quanto insipide, enormi quanto insensate.
Il punto è che fare vestiti reali per donne reali che non siano banali, è difficilissimo: due tra i più bei défilé stagionali – quello di Sacai e quello di Loewe – ci riescono e colgono nel segno. Con i suoi progetti di abito "tutt'uno", veri capolavori di design, Chitose Abe di Sacai realizza alcuni degli abiti più indossabili e accessibili della stagione, anche se rimane creativa e completamente originale. JW Anderson per Loewe rovescia "le buone cose di pessimo gusto" di gozzaniana memoria. In un omaggio derisorio ai quadri da salotto buono del modesto pittore Albert York, elabora abiti e accessori di suprema fattura (il ricamo "caviale") che riprendono oggetti di gusto grossolano, che la cultura di massa ha introdotto sul mercato e che oggi definiremmo kitsch, come i souvenir turistici, porcellane dai disegni elaborati, animali domestici su arazzi, mobili Chippendale. E li trasforma in qualcosa di altamente desiderabile. Un'operazione meno cerebrale a vedersi che non a raccontarsi: c'è diletto, leggerezza, ironia, passione e molto humour che richiede una cliente di grande raffinatezza mentale (ma in realtà fanno venir voglia a tutte).
Old but gold: la fashion icon è adulta
Da Miu Miu, un film distopico a la Black Mirror viene proiettato in loop prima del défilé. È un'opera di videoarte dell'artista Cécile B. Evans: una delle ultime traduttrici umane, di nome Reception, raccoglie il ricordo di una donna che parla in antico gaelico, lei traduce all'impronto in francese a una macchina che la trascrive in inglese. Ma poi è Reception ad avere un vuoto di memoria che l'abbandona, rappresentata digitalmente, come spore che lasciano un fungo. Questa idea del trattenere i ricordi dà il via a una sovrapposizione di citazioni vintage e di stimoli giovanili: dal giaccone da campagna Mac ai sandali con i buchi sul davanti a "occhio di bue", dai tubini neri in stile Audrey Hepburn in Colazione da Tiffany all'onnipresente filo di perle come nuova catena per gli occhiali.
L'insolenza di far sfilare Kristin Scott-Thomas e Angela Molina, due splendide sessantenni, mette al centro del discorso estetico il valore o il disvalore di cosa significhi oggi, per una donna, essere "forever young". Una sfilata memorabile che attesta come – noi ve l'avevamo detto -lo stile da sciura sia percepibile dalle ragazzine come qualcosa di irritantemente fresco e desiderabile. Ma anche una riflessione – la stessa che a Londra aveva fatto JW Anderson, glamourizzando la vecchiaia nella sfilata eponima, la medesima che, su toni più intimi, ha espresso Olivier Rousteing nella sua prova per Balmain, dove ha chiamato mannequin over fifty – su come la moda sia indipendente dall'età e si nutra di miti e di capi sempreverdi. Chiamiamole con affetto le "Regine della Retrospettiva" le protagoniste del défilé di Miuccia che sfoggiano abiti vintage con un sorriso ironico sulle labbra, consapevoli del fatto che il vestire vive dentro un ciclo senza fine. La loro presenza sulla scena fashion non è solo un atto di sfida agli stereotipi, ma una celebrazione della complessità del nostro rapporto con il passato, il presente e il futuro: gonne a pieghe degli anni Cinquanta, giacche oversize degli anni Ottanta e cappelli a cloche degli anni Venti sono solo alcuni dei pezzi con cui queste signore dimostrano che è la Moda, e non le mode, l'unica verità intramontabile.
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