title: Pays d'Othe

text: Augustin Bécard comédien et Thomas Amblard, coordinateur de l'association e-graine montent « À quoi rêve le Pays d'Othe ? » Ils photographient deux cents habitants du Pays d'Othe, qui leur racontent leurs souhaits, leurs rêves, puis ils exposent leurs portraits dans les lavoir l'été, et les rassemblent à ChennegyLe Sentier de grande randonnée 2 passe par les Grandes Vallées et les communes de Vauchassis, Aix-en-Othe et Rigny-le-Ferron.


title: Pays d'Othe

text: On retrouve les amphibiens dans les parties les plus humides de la forêt d'Othe. Ils sont représentés par la salamandre tachetée, le triton alpestre (inscrit dans le livre rouge de la faune menacée en France), le triton helvétique, ainsi que par les crapauds, la grenouille agile, la grenouille verte et la grenouille rousse.


title: Pays d'Othe

text: On trouve le lézard des souches, le lézard vert et la coronelle lisse (coronella austriaca) sur les coteaux bien exposés.


title: Pays d'Othe

text: La diversité d'espèces d'oiseaux est importante. Dans la partie de la forêt d'Othe située dans le département de l'Aube par exemple, 88 espèces différentes ont été observées. Onze d'entre elles font partie de la liste rouge des oiseaux nicheurs menacés de Champagne-Ardenne : le pouillot de Bonelli, l'alouette lulu, le bruant zizi et l'engoulevent d'Europe se retrouvent dans les lieux secs et ensoleillés, le pigeon colombin, le faucon hobereau et le pic mar dans les boisements. La pie-grièche écorcheur, la pie-grièche grise, la huppe fasciée et le tarier d'Europe se rencontrent plutôt dans les milieux ouverts et bocagers de bordure.


title: Pays d'Othe

text: D'autres espèces plus communes, non menacées, fréquentent également la zone de la forêt d'Othe : dans les milieux ouverts et broussailleux de bordure de la forêt, on peut voir  la linotte mélodieuse, le bouvreuil, l'alouette des champs, le bruant proyer, le bruant jaune, le pipit des arbres. Dans les bois on rencontre de nombreux pics (pic vert, pic noir, pic épeiche, pic épeichette), des mésanges (charbonnière, nonnette, bleue, noire, boréale, huppée), des fauvettes (fauvette des jardins, fauvette à tête noire et fauvette grisette). On trouve aussi des pouillots (pouillot fitis dans les milieux semi-ouverts, pouillot véloce et pouillot siffleur), ainsi que la bécasse des bois, la sittelle torchepot, le troglodyte mignon, le grimpereau des jardins, l'accenteur mouchet, le gros-bec casse-noyaux, etc.


title: Pays d'Othe

text: De nombreux rapaces survolent la forêt à la recherche de proies pour se nourrir et de lieu de nidification, comme la bondrée apivore, le milan royal, l'autour des palombes, l'épervier d'Europe, le faucon crécerelle et la buse variable.


title: Pays d'Othe

text: Dans la ZNIEFF champenoise appelée "Forêt d'Othe et ses abords", on trouve deux endroits d'hibernation de chauves-souris, le premier au niveau de la source dite Fontaine du Crot du Doux sur la commune de Bouilly, et le second dans les anciennes carrières de silex des Sonneries à Javernant. Ces deux sites accueillent cinq espèces de chauves-souris : le petit rhinolophe, le grand rhinolophe, le vespertilion de Bechstein, le vespertilion à moustaches et l'oreillard commun. Ces espèces sont en forte régression tant en France qu'en Europe, et sont protégées en France depuis 1981. Elles sont inscrites à l'annexe II de la convention de Berne. Les trois premières espèces citées figurent également aux annexes II et IV de la directive Habitats et dans le livre rouge de la faune menacée en France.


title: Pays d'Othe

text: Ces deux sites constituent un des sites d'hibernation les plus importants pour le vespertilion de Bechstein dans tout le nord-est de la France. Les anciennes carrières de silex représentent le seul site connu dans le pays d'Othe pour l'hibernation, le passage et la reproduction des deux espèces de rhinolophes.


title: Pays d'Othe

text: Parmi les autres mammifères présents dans la forêt d'Othe, il faut citer le chevreuil, le cerf et le sanglier, ainsi que certains carnivores tels le renard, le chat sauvage, la belette, la martre, l'hermine, et le putois.


title: Première Renaissance

text: En histoire de l'art, on appelle Première Renaissance ("Primo Rinascimento" en italien) la période du Quattrocento qui, s'étendant des années 1420 à 1500, marque la rupture avec l'art de la pré-Renaissance.


title: Première Renaissance

text: La Première Renaissance trouve son origine à Florence, riche ville financière et industrielle de Toscane, qui a pris le dessus politique et militaire sur sa voisine et rivale Pise. Elle se retrouve dans le mécénat et les commandes des grandes familles, dont celle des Médicis, mécènes et collectionneurs, des riches corporations de la ville et des ordres religieux.Cette vision découle des perspectives philosophiques de l'école néoplatonicienne, fondée par Marsile Ficin et à laquelle Pic de la Mirandole contribue; elle s'affranchit de la vision médiévale qui jusqu'alors prévalait, pour se replonger dans la lecture des textes gréco-romains ; nombreux parmi ces derniers furent transmis à l'Occident par l'intermédiaire des bibliothèques du monde arabo-musulman telle que la Grande Bibliothèque d'Alexandrie, et les travaux sur la philosophie aristotélicienne à Tolède et Cordoue dans l'Espagne arabo-musulmane, effectués par des personnages tels que Averroes et Maïmonide.


title: Première Renaissance

text: Le sculpteur Michel-Ange, de voyage à Rome durant quatre ans, assiste à l'excavation des statues antiques de la Rome des Empereurs. De retour à Florence, cette vision l'inspirera pour sa sculpture du David, dont une copie se trouve aujourd'hui sur la place qui fait face au Palazzo Vecchio.


title: Première Renaissance

text: La fière cité au lys rouge n'est pas bâtie sur un promontoire, mais entre des collines : prospère, cette cité attire les convoitises.


title: Première Renaissance

text: Il s'agit d'inspirer, par des mythes provenant de l'Antiquité, le courage et la ferveur à la population de cette cité encore fragile, qui doit se défendre face à ses voisines, voire face à des nations étrangères à l'Italie : la fonction allégorique est ici directe.Depuis l'Italie, la lumière contenue dans la couleur des peintures, la finesse des formes vont instaurer de nouveaux canons, bravant ainsi les codes qui maintenaient la peinture enluminée dans un carcan. C'est aussi le début d'une nouvelle société qui est celle de la bourgeoisie venant remplacer la féodalité. Les donneurs ne sont alors plus seulement religieux leur commandant essentiellement des représentations des grands thèmes de la peinture religieuse, les artistes exécutent désormais des portraits de grands nobles, qui veulent montrer le prestige de leur rang en mandant des peintres talentueux. Se développe ainsi l'art du portrait ("ritratto"), qui montre le gentilhomme au bas des figures divines, autrefois représentées seules dans la peinture du Trecento.


title: Première Renaissance

text: Les techniques de peinture diversifient sa typologie ; on peint en cercles (les tondos), sur les plafonds, sur des fresques murales ; la taille des peintures décroît par rapport aux triptyques monumentaux de l'époque précédente, ce que permet le raffinement des techniques.


title: Première Renaissance

text: Les interdits professés sur l'image du corps humain ne sont plus suivis ; auparavant, le nu en représentation artistique n'était toléré, dans le contexte d'un thème religieux, que parce qu'associé à l'état de nature de la Genèse :


title: Première Renaissance

text: La statue du "David" de Donatello (1432) constitue le premier nu masculin depuis le Moyen Âge, et le tableau "La Naissance de Vénus", par Botticelli de 1485, la première représentation artistique d'un nu féminin dans le monde occidental de confession catholique.


title: Première Renaissance

text: Cette liberté de ton nouvelle reste cependant soumise aux autorités de bonne morale, l'artiste pour l'exercer sans tomber dans l'interdit va donc utiliser des symboles équivoques dans ses représentations, et des expressions de visage allant jusqu'à une érotisation graphique du sujet représenté ; sans jamais livrer ces clés d'analyse graphique à son donneur d'ordre, qui soit est un hiérarque religieux, soit un courtisan enrichi. La peinture devient donc objet d'un jeu d'intelligence entre le peintre et son mandataire, au travers des messages codés qu'il cache dans les détails, ou expose de manière indirecte.


title: Première Renaissance

text: Encouragés par leurs mécènes, les Botticelli, Michel-Ange, et autres artistes florentins se lancent dans l'aventure ; leur art à Florence sera reconnu sous le nom de Néoplatonisme médicéen, puisque hérité de l'École Néoplatonicienne soutenue par Laurent le Magnifique et supporté tout du long par les fameux Médicis.


title: Première Renaissance

text: En 1497, la famille Médicis est chassée de Florence, et sa population tombe subjuguée des visions d'apocalypse professées par le Moine dominicain Savonarole dans ses offices.


title: Première Renaissance

text: Ce dernier aura une influence sur le style artistique de Botticelli, qui est notable en comparant les deux représentations de la même figure allégorique qu'il interprète à quelques années d'intervalle, celle de Vénus : la première dans "la naissance de Vénus", toute en majesté et d'une beauté de divinité allégorique, la seconde dans "la Calomnie d'Apelles", cette fois beaucoup plus marquée par l'austérité.


title: Antipub

text: Le terme « antipub » ou « mouvement antipub », raccourci pour "antipublicitaire", est devenu une appellation médiatisée en France après des actions spectaculaires à l'encontre de l'affichage publicitaire dans le métro parisien en automne 2003.


title: Antipub

text: Cependant, le mouvement antipublicitaire et les actions de contestation de la publicité ont émergé bien avant et dans le monde entier : dès 1977, en Californie, avec le "Billboard Liberation Front", qui essaime jusqu'en Australie, (1983) ; en 1987, en France, avec les « Humains associés » et leurs campagnes d'affichage de contre-publicité humaniste, et en 1989 au Canada via le magazine "Adbusters", qui promeut également des campagnes et actions antipub. De grandes associations de défense de la nature et du patrimoine, ainsi que des parcs nationaux ou des parcs naturels régionaux ont également lutté contre l'envahissement du paysage par les panneaux publicitaires.


title: Antipub

text: En France, les situationnistes, dont Guy Debord, avaient déjà exprimé parmi les premiers la force du détournement de l'image, de la publicité, et les premières expérimentations pratiques eurent sans doute lieu en mai 1968. En 1984, Negativland, un groupe musical, utilise l'expression « résistance culturelle » "(culture jamming)" pour baptiser les détournements d'affiche. Chez les Britanniques, la casse de publicité s'appelle « "subvertising" » mot-valise formé de « "subversion" » et de « "advertising" » (publicité en anglais).


title: Antipub

text: Comme l'analyse Naomi Klein dans son livre "No Logo" : « Pour un nombre croissant de jeunes activistes, le cassage de pub s'est présenté comme l'outil parfait par lequel affirmer leur désapprobation des multinationales qui leur ont si agressivement fait la chasse en tant que consommateurs, et les ont si précipitamment laissés sur le carreau en tant que travailleurs. »


title: Antipub

text: La publicité, cible de la critique du mouvement, est définie comme :


title: Antipub

text: Le mot « publicité » peut aussi signifier « action de rendre public » mais ce n'est pas sous cette acception que la publicité est mise en cause par le mouvement antipub.


title: Antipub

text: La critique de la publicité apparaît simultanément avec son développement. La philosophe Simone Weil (1909-1943) y voit une menace directe contre la liberté d'opinion et une insulte à l'intelligence : Autrement dit, Simone Weil propose que la présence de la publicité soit minimisée et que son fond se limite strictement au produit promu. Elle s'élève tout particulièrement contre les publicités associant un produit à une valeur.


title: Antipub

text: La publicité est principalement critiquée pour son invasion de l'espace public, de la vie courante (télévision, radio, boîtes aux lettres, téléphone, journaux, cinéma, Internet, panneaux publicitaires, ainsi que sur les vêtements) et son emploi de techniques nuisibles et agressives comme le matraquage (plus de messages publicitaires par jour) ou la manipulation mentale. Une autre sorte de critique affirme que la publicité prise dans son ensemble diffuse un message politique fort, prônant la société de consommation, incitant au gaspillage et à la pollution. Ces critiques se retrouvent à la base du concept de la décroissance soutenable.


title: Antipub

text: L'opposition la plus courante à la publicité est une critique morale : ses impacts sur l'éducation des enfants et adolescents, la manipulation des consciences, la promotion de drogues (alcool, tabac)... N’apportant pas une information objective, elle détournerait de la vérité, valoriserait au contraire l'illusion et le mensonge. Elle distrairait au sens pascalien où elle ferait perdre de vue des choses importantes pour l'individu, la société et l'environnement. Elle tendrait en outre à propager des stéréotypes, généralement discriminatoires (sexisme, racisme), contribuant à imposer une « pensée unique », normative et démobilisatrice.


title: Antipub

text: Les médias sont principalement financés par la publicité, au détriment croissant de l'apport des lecteurs, auditeurs ou spectateurs. Cette position soumet les médias aux annonceurs, les soustrayant à la critique, sur le principe qu'on ne mord pas la main qui vous nourrit. Certains médias avouent d'ailleurs faire de la location d'espaces publicitaires leur cœur d'activité. Ainsi, Patrick Le Lay, P. D.-G. de la chaîne privée française de télévision TF1, a affirmé : « Ce que nous vendons à Coca-Cola, c'est du temps de cerveau humain disponible. »


title: Antipub

text: Elle peut être plus généralement encore, un refus de la propagande, de la manipulation et de toutes les formes de populisme. À l'instar de la pollution environnementale, on peut en effet parler de la publicité comme "pollution mentale".


title: Antipub

text: Le terme « système publicitaire » est utilisé pour évoquer les ramifications et impacts de la publicité dans la société, impliquant qu'elle n'est pas un phénomène isolé que l'on pourrait retirer toutes choses égales par ailleurs. Ainsi elle s'inscrirait au cœur du fonctionnement de la société dont il conviendrait de critiquer l'idéologie dans son ensemble.


title: Antipub

text: Un autre reproche fait à la publicité est le coût qu'elle engendre. En effet, une part difficilement mesurable du coût d'un produit de grande consommation ou d'un service repose dans le financement de sa publicité ou de son packaging. Ce coût est reporté dans le prix du produit fini payé par le consommateur. En diminuant la publicité, une entreprise aurait ainsi moins de dépenses et pourrait donc mécaniquement augmenter la qualité de son produit ou faire baisser les prix. À ceci, les publicitaires répondent que la publicité permet de vendre plus et donc d'effectuer une économie d'échelle, ce qui permet une baisse des prix. Les antipubs rétorquent encore une fois que l'économie d'échelle se produit naturellement : lorsque le produit est bon il se vend en nombre élevé, ceci étant particulièrement vrai lorsque le marché et la concurrence ne sont pas corrompus par une prédominance de l'image du produit sur sa réelle qualité.


title: Antipub

text: C'est pour cette raison que certains s'opposent au terme de "gratuité", employé lorsqu'un service est financé par la publicité. À leurs yeux, la gratuité dont semble bénéficier l'utilisateur final n'est qu'apparente. En effet le coût d'un service financé par la pub (journaux « gratuits », chaîne privée hertzienne) est reporté sur les annonceurs, qui eux-mêmes le reportent sur le prix que paye le consommateur dans son panier de courses. Le terme de « gratuité » atteint donc sa limite. C'est ainsi qu'en informatique, par souci de précision le terme de publiciel est encouragé dans le cas de logiciel dont l'apparente gratuité cache un financement à base de publicité. Le mot gratuiciel est alors réservé aux logiciels véritablement gratuits.


title: Antipub

text: La communication entre le vendeur et le consommateur est rendue asymétrique par la publicité : au moyen de sondages et d’études de marché, le vendeur cherche à avoir une information claire et objective sur le comportement du consommateur, ses désirs, ses critères, etc. afin de concevoir sa publicité. Le consommateur recevrait passivement du producteur une information (la publicité) qui n’est pas choisie en fonction de ses intérêts, mais de ceux du vendeur.


title: Antipub

text: La critique de la publicité peut s'inscrire, comme chez Naomi Klein (cf. "No Logo"), au sein d'une critique de l'hégémonie des marques dans la société actuelle. La marque est déjà en soi une publicité et celui qui la porte devient un "homme-sandwich".


title: Antipub

text: La publicité utilise de manière industrielle des techniques élaborées avec l'avancée des sciences humaines. Selon certaines critiques, la publicité culpabilise le consommateur, lui inculque des comportements compulsifs et sédentaires et nuit en général à sa santé physique et mentale.


title: Antipub

text: La critique de la publicité va souvent de pair avec une défense de la valeur de l'être humain dans la société de consommation. Tatiana Faria l'exprime ainsi : « Chacun de nous aujourd’hui vaut moins que le vêtement qu’il porte, à moins qu’il ne représente une puissance sans visage. Nous vivons sur une poudrière qui peut s’embraser d’un moment à l’autre, et nous oublions que le changement de cette situation dépend de la prise de conscience de chacun de nous en particulier. »


title: Antipub

text: La critique de la publicité peut s'inscrire dans un refus de la pollution environnementale, soit sous l'angle esthétique comme le clame notamment l'association Paysages de France soit sous l'angle de l'appauvrissement de l'environnement avec la production nécessaire à l'industrie publicitaire.


title: Antipub

text: La publicité et le « système publicitaire » sont également dénoncés par des mouvements écologistes (partis politiques, associations, mouvements citoyens...). Ils mettent en avant la corrélation entre la surconsommation incitée par la publicité et la surproduction. Cette sur-proposition de biens et services est un vecteur d'impact sur le climat, de génération de pollution, de surconsommation de ressources primaires et de destruction de la biodiversité. On retrouve cet argument par exemple dans les tracts du mouvement écologiste Extinction Rebellion , actif sur le front de l'antipub : "C'est le premier maillon de la surproduction : elle incite à la surconsommation pour écouler des produits dont nous n'avons pas besoin et dont la production est coûteuse écologiquement.  Un second argument porte sur le rôle de la publicité dans la croissance économiqueportant ainsi l'accroissement de consommation de ressources primaires et ses conséquences sur l'environnement. Un autre argument "antipub" est l'impact direct du "système publicitaire" : la fabrication de panneaux publicitaires, les affiches, les tournées régulières en camionnettes pour changer les affiches, la consommation énergétique des panneaux. A ce sujet, les mouvements écologistes mettent en avant la consommation énergétique et la pollution engendrée par les panneaux publicitaires numériques en s'appuyant sur des données de l'Adème : 245 kgCO2, eq par année d’utilisation pour un panneau numérique qui par ailleurs consomme 20 477 kWh sur une durée de 10 ans. Le travail citoyen de la Convention citoyenne pour le climat avait proposé, dans son rapport final , des mesures fortes sur la publicité (Pages 24 à 27 du rapport final ) :


title: Antipub

text: Ces propositions étaient introduites par cet argumentaire (page 24 du rapport) "La publicité a un impact très fort sur la création de besoins et sur la consommation : nous pensons ainsi qu’il s’agit d’un des principaux leviers à actionner pour faire évoluer les comportements du consommateur de manière durable, du fait de son rôle majeur sur la fabrication de nos modes de vie. Nous considérons ainsi comme essentiel d’agir sur la publicité afin de limiter les incitations à la consommation des produits les plus polluants et de favoriser l’information et la communication autour de produits, services et comportements écoresponsables."  Début 2007, aucun des principaux partis politiques français ne place dans son programme un projet de suppression, ou simplement de modération de la publicité.


title: Antipub

text: Les seules actions notables de la part d'élus français viennent de la mairie de Forcalquier, dans les Alpes-de-Haute-Provence, où le maire PS, Christophe Castaner, a fait disparaitre la publicité des rues à l'été en ne reconduisant pas le contrat liant la ville à l'annonceur local, et, à plus grande échelle, de la mairie de Grenoble, où le maire, Éric Piolle, a annoncé le ne pas renouveler le contrat de la ville avec l'annonceur JCDecaux, entrainant la suppression dans l'année d'une partie des publicités urbaines (à l'exception des abribus, le contrat courant jusqu'en , et des panneaux publicitaires privés).


title: Antipub

text: Les groupes contre la publicité sont généralement petits, morcelés et s'organisent à l'aide de l'Internet. Le message anti-publicitaire, ne pouvant passer par le jeu classique des partis, utilise d'autres méthodes, l’activisme de groupes organisés ou informels, le lancement de campagnes telles que la Journée internationale sans achat, l'édition de livres, la diffusion de magazines (comme Adbusters magazine), la publication d'articles critiques dans des revues d'opinion (S!lence...) ou sur le Net.


title: Antipub

text: Les attaques contre la publicité prennent différentes formes.


title: Antipub

text: Pratiquée par l'association « Paysages de France », qui attaque sur le plan juridique les afficheurs, car beaucoup de panneaux publicitaires sont illégaux ; les afficheurs profitant de l'inaction de la juridiction (préfets, personnalités politiques) savent qu'ils ont peu à craindre et laissent en place leurs panneaux illégaux, même après avoir été attaqués en justice. Paysages de France possède maintenant une forte expérience juridique concernant l'affichage publicitaire, cette association propose d'ailleurs de l'aide à divers groupes anti-publicitaires locaux afin de faire enlever des panneaux publicitaires. Pour ses attaques en justice, cette association se sert de différents ouvrages juridiques, notamment ceux de Jean-Philippe Strebler, un juriste spécialisé dans le droit public et l'affichage publicitaire.


title: Antipub

text: L'association Résistance à l'agression publicitaire a réalisé une campagne nommée « les justiciers de l'espace public » où elle met à disposition une mallette juridique pour permettre à chaque citoyen de reconnaitre les publicités légales et illégales présentes dans l'espace public et lui permettre ainsi de porter plainte contre les publicités illégales. À Genève (Suisse), une initiative populaire « Zéro pub » est lancée en 2017 par quatre collectifs locaux. Elle vise l’interdiction de la « publicité commerciale » en ville de Genève. En janvier 2017, une passation de mandat entre deux sociétés privées avait laissé un grand nombre de supports couverts de feuilles blanches, laissant libre cours à la créativité et donnant à la ville un air de galerie d'art à ciel ouvert. Cette expérience a inspiré les auteurs de l’initiative. Par deux fois la Cour constitutionnelle a sauvé ce projet, d’abord invalidé par le Conseil d’État (2019), puis attaqué par un recours (2020). Le texte devra donc passer en votation populaire.


title: Antipub

text: Considérant que la société de consommation (ou de « consumation ») et la publicité asserviraient l'homme, l'idée de l'association « Les Humains associés » est de réinvestir l'espace public et publicitaire pour le mettre au service de l'humain, à travers un discours non commercial et gratuit, dans une démarche qui cherche moins à être critique qu'à proposer une alternative et à inviter chacun à la réflexion et à une prise de conscience individuelle, libre et indépendante.


title: Antipub

text: Pratiqué surtout dans les années 1960 par les situationnistes et dans les années 1980 par les premiers groupes d'activistes, elle est encore utilisée aujourd'hui. Il s'agit d'utiliser la publicité en détournant le message afin de le transformer ou de révéler la volonté originale de la publicité. (voir aussi détournement)


title: Antipub

text: Se pratique dans la rue, il s'agit d'emballer avec du matériel trouvé sur place (carton) ou préparé à l'avance, les publicités en laissant éventuellement un message sur cet emballage ou en permettant à tous d'en laisser un. Cette pratique n'étant pas une dégradation, elle est pratiquée au grand jour (notamment à Montpellier ou à Montauban par le collectif "Antipub 82")


title: Antipub

text: Ce sont les actions les plus représentées par les médias. Cas courant dans le métro parisien, par des individus isolés ou des groupes clandestins plus organisés. S'agissant généralement de dégradations légères, leurs auteurs risquent une contravention de cinquième classe. Le reproche est fait au mouvement anti-publicitaires d'utiliser les moyens qu'ils dénoncent, à savoir les techniques publicitaires. En effet, le contre-affichage et le barbouillage de slogans relève d'une simplification des messages propagés, voire de la manipulation. Ces techniques ont cependant un caractère artisanal, à l'opposé des techniques industrielles utilisées dans la publicité permettant de diffuser un même message à très grande échelle.Refus de publicité de « courriers non adressés » dans les boîtes aux lettres : en France placer un autocollant « stop pub » sur sa boîte aux lettres permet de signifier son refus de recevoir les prospectus publicitaires et journaux d'annonces. Certaines mairies, associations ou organismes environnementaux délivrent des autocollants prêts à l'emploi.


title: Antipub

text: L'initiative fait son apparition après qu'une première étude menée par l'ADEME en 1999 a montré que les Français recevaient chaque année de prospectus publicitaires.


title: Antipub

text: Devant ce fléau, certaines initiatives citoyennes ont été lancées afin de faire valoir le choix de ne plus recevoir la publicité papier dans sa boîte aux lettres.


title: Antipub

text: En 1999, Les parlementaires Emmanuel Hamel et Alain Vasselle sont les premiers à saisir le ministre de l'écologie sur cette question. À cette époque, le ministère de l'écologie n'a pas souhaité recourir à la voie réglementaire préférant bâtir un dispositif d'incitation, sous forme d'un accord volontaire, plutôt que de retenir le principe d'une taxe.


title: Antipub

text: Ce sont des initiatives citoyennes, en particulier celles de l'association France Nature Environnement, non soutenue par le ministère de l'écologie de l'époque, qui développent le principe de fonctionnement du « stop pub ».


title: Antipub

text: En 2003, le gouvernement évolue sur cette question et introduit le principe pollueur-payeur pour les émetteurs d'imprimés publicitaires qui devront désormais participer financièrement à la collecte et au traitement des déchets générés en reversant une contribution à un organisme agréé. Inspiré des opérations citoyennes déjà menées depuis 5 ans, le ministère de l'écologie lance en 2004 une campagne nationale de distribution d'autocollants « stop pub » à l'occasion de la deuxième semaine du développement durable et du premier plan national de réduction des déchets.


title: Antipub

text: Le Syndicat de la Distribution Directe, syndicat professionnel qui regroupe la majorité des émetteurs d'imprimés publicitaires, s'engage dès 2004 à respecter ce dispositif.


title: Antipub

text: En 2008, après avoir diffusé 9 millions d'autocollants « stop pub », le ministère décide de ne plus en assurer la fourniture laissant aux collectivités locales et associations la charge de mener leurs propres opérations, toutefois l'ADEME publie en 2010 une boîte à outil pour les aider à mener efficacement cette mission.


title: Antipub

text: L'initiative « stop pub » a été largement relayée par des associations, et organismes environnementaux qui fédèrent la plupart des opérations « stop pub » menées localement.


title: Antipub

text: En 2015, on estime que 18 % des Français ont adopté le geste « stop pub » sur la boîte aux lettres et que 14 % de Français supplémentaires seraient favorables à le faire. Certains diffuseurs publicitaires profitent du succès de ce dispositif citoyen pour proposer une alternative moins polluante qui consiste à consulter les prospectus publicitaires dématérialisés directement en ligne. Concernant les publicités adressées, c'est-à-dire celles qui sont envoyées par courrier postal au nom et à l'adresse de l'usager, l'autocollant stop pub n'a pour rôle de les bloquer étant donné qu'il s'agit du courrier. Cependant, il est possible dans ce cas de s'inscrire sur la liste Robinson pour ne plus recevoir de courrier publicitaire « adressé », ce système a été mis en place en France en 1976 par l'Union française de marketing direct. Les entreprises qui adhèrent à ce dispositif se sont engagées par leur code professionnel et leur charte qualité, à respecter le choix des consommateurs. Il existe un dispositif similaire en Belgique géré par la Belgian Direct Marketing Association.


title: Antipub

text: En 2018, l’association Zero Waste France porte plainte contre Intermarché et Pizza Hut à Strasbourg, leur reprochant de ne pas respecter les autocollants «Stop Pub» sur les boîtes aux lettres


title: Antipub

text: Tous les logiciels de gestion de messagerie électronique récents permettent d'écarter le spam du courrier électronique. Sur Wikipédia des mois anti-pub sont organisés : les contributeurs bénévoles nettoient les articles marqués d'un « bandeau pub ». Certains articles sont en effet victime de contributions marketing de la part d'agences de communication ou par les entreprises elles-mêmes


title: Antipub

text: La journée mondiale contre la pub est une initiative qui se déroule le 25 mars de chaque année depuis 2015 et qui vise à des actions coordonnées à travers le monde pour contrer l’invasion de la pub. Cette date du 25 mars correspond à celle où le tribunal correctionnel de Paris a prononcé la relaxe de six membres du collectif antipub des « Déboulonneurs » ayant barbouillés des panneaux publicitaires à Paris invoquant la « liberté d’expression » et la « raison de nécessité ».


title: Antipub

text: De nombreuse autres manifestations anti-publicitaires existent, dont : En Californie, autour de San Francisco, le "Billboard Liberation Front", le "Front de libération du panneau-réclame" détourne des publicités. Il fait des émules jusqu'en Australie, par exemple, où le "Billboard Utilizing graffitists against unhealthy promotions", le BUG-UP ("Graphiteurs utilisant les panneaux-réclame contre les promotions malsaines"), atteint son apogée en 1983 avec un des détournements de campagne les plus spectaculaires.Paris : « Et si on parlait d'amour », deuxième campagne des humains associés sur 600 panneaux, invitant les passants à écrire librement sur des grandes affiches blanches. De larges échos dans les médias nationaux (télévision, radio, presse écrite). Mark Dery publie la brochure "Culture jamming, hacking, slashing and sniping in the Empire of Signs" (en français : "la résistance culturelle, s'attaquer à l'Empire des Signes à la hache, au couteau et au ciseau ") 2019


title: Antipub

text: En , l’association "Action for Climate Justice" mène une action dans plusieurs grandes villes belges (Bruxelles, Liège...) contre l'utilisation des panneaux publicitaires numériques, qui consommeraient autant d'électricité que trois ménages. De nombreuses affiches sont placardées sur les panneaux, afin d'interpeller les citoyens sur le fait que les personnalités politiques les incitent à économiser l'électricité, alors que les panneaux publicitaires en nécessitent encore davantage.


Antipub


title: Antipub

text: En mai 2020, le mouvement Extinction Rebellion France organise de manière synchronisée une action antipub nationale. Au sortir du 1er Confinements liés à la pandémie de Covid-19 en France, l'action intitulée "coucou nous revoilà" mobilise des centaines d'activistes et de citoyen.ne.s dans 30 villes françaises . Cette action nationale sert de base à la diffusion d'un kit antipub qui permet à quiconque d'organiser de manière autonome des actions antipub .


title: Pré-Renaissance

text: La pré-Renaissance italienne concerne les périodes historiques des "Duecento" et "Trecento" du point de vue de l'Histoire de l'art ; elle succède à l'art byzantin comme conséquence en Italie de l'art lors de l'intermède latin de Byzance.


title: Pré-Renaissance

text: Selon l'historien de l'art Jacob Burckhardt, cette Renaissance avant l'heure commence dès le en Toscane et se diffuse le siècle suivant jusqu'en Provence et en Italie centrale.


title: Pré-Renaissance

text: Poursuivant la tradition de la peinture byzantine, aboutissement de la peinture gothique en Italie, la période se traduit par de nombreux triptyques et l'emploi de feuilles d'or censées représenter le Divin. Les figures représentées ne bénéficient pas encore de la perspective, aussi les peintres éprouvent des difficultés pour donner de la profondeur dans les grandes scènes.


title: Pré-Renaissance

text: L'art s'y rapporte encore au Moyen Âge, ce qui implique que les uniques thèmes de représentation sont issus de la mythographie évangélique ; le siècle suivant a apporté une rupture avec le courant artistique de la Première Renaissance.


title: Pré-Renaissance

text: Les artistes de la ville de Pise y peignent des triptyques religieux, mais leur école ne se poursuivra pas aux siècles suivants, compte tenu de la prise de pouvoir de Florence.


title: Pré-Renaissance

text: Les fresques murales des monastères de Toscane sont décorées de petits personnages sur fond bleu figurant des anges, uniquement représentées par des têtes blondes poupines et des ailes : ce sont les angelots.


title: Pré-Renaissance

text: Malgré tout certains peintres ébauchent les prémices de la pleine Renaissance en introduisant plusieurs principes innovants dus aux intentions des ordres religieux franciscains et dominicains de se mêler à la population et d'user de la peinture pour lui parler et transmettre le message évangélique :


title: Pré-Renaissance

text: Ces peintres sont appelés aujourd'hui Primitifs italiens et on compte parmi eux Cimabue, Giotto, Duccio, les frères Lorenzetti et Simone Martini.


title: Apollonios de Perga

text: Apollonios de Perga ou Apollonius de Perge (en grec ancien / "Apollốnios"), né dans la seconde moitié du (probablement autour de ), disparu au début du est un géomètre et astronome grec. Il serait originaire de Pergé (ou Perga, ou encore Pergè actuelle Aksu en Turquie), mais a vécu à Alexandrie. Il est considéré comme l'une des grandes figures des mathématiques hellénistiques.


title: Apollonios de Perga

text: Apollonius serait né à Perge autour de 240 . On tient pour vrai et vérifié qu'il étudia au Musée d'Alexandrie et fut contemporain des disciples d'Euclide. Il résida assez longtemps dans la capitale alexandrine, où il développa sa fructueuse activité et exerça comme professeur de géométrie sous le règne de Ptolémée III Évergète et Ptolémée Philopator. Comme le raconte Pappus d'Alexandrie dans la "Collection mathématique", où il fait de nombreuses références à l'œuvre d'Apollonios, le grand géomètre avait un caractère mélancolique et irascible, et était d'abord difficile.


title: Apollonios de Perga

text: Une anecdote sur Apollonius raconte qu’il a été atteint d’une véritable fièvre isopséphique, donnant une méthode pour calculer la valeur d’un vers d’Homère non pas seulement en additionnant les lettres qui le composent mais en les multipliant.


title: Apollonios de Perga

text: Apollonios est célèbre pour ses écrits sur les sections coniques : il a donné à l’ellipse, la parabole et l’hyperbole les noms que nous leur connaissons. On lui attribue en outre l’hypothèse des orbites excentriques pour expliquer le mouvement apparent des planètes et la variation de vitesse de la Lune.


title: Apollonios de Perga

text: Vitruve indique que l’araignée (l’astrolabe plan) aurait été inventée par Eudoxe de Cnide ou Apollonios.


title: Apollonios de Perga

text: Pappus d’Alexandrie a donné des indications sur une série d’ouvrages d’Apollonios perdus qui permirent la déduction de leurs contenus par les géomètres de la Renaissance. Sa méthode novatrice et sa terminologie, spécialement dans le domaine des coniques, a influencé plusieurs mathématiciens postérieurs dont François Viète, Kepler, Isaac Newton et René Descartes.


title: Apollonios de Perga

text: Ces travaux en font « avec Archimède et Euclide, ses prédécesseurs, [...] l’une des trois figures les plus éminentes de l’âge d’or de la mathématique hellénistique ».


title: Apollonios de Perga

text: Les "Coniques" ou "Éléments des coniques" consistent en un ensemble de huit livres dus à Apollonios. Les quatre premiers nous sont parvenus en grec, avec les commentaires d’Eutocios. Les livres à ne nous sont connus, accompagnés des , que dans une traduction arabe due à Thābit ibn Qurra et revue par Nasir ad-Din at-Tusi ; le a disparu. L’ensemble de cet ouvrage, avec une reconstitution du huitième livre, a été publié (texte grec et traduction latine), par Edmund Halley en 1710. Celui-ci a, de plus, traduit de l’arabe en 1706 deux autres ouvrages d’Apollonios : "".


title: Apollonios de Perga

text: Outre les "Coniques", Pappus mentionne plusieurs autres traités d’Apollonios (les titres en latin sont dus à Commandino) : Ces traités, dont chacun comprenait deux livres, étaient compilés, à l’époque où vivait Pappus, avec les Coniques et trois ouvrages d’Euclide (le "Livre des données", les "Porismes" et les "Lieux plans") sous le titre générique de Trésor de l’Analyse.


title: Apollonios de Perga

text: Le propos de l’« analyse des Anciens », tel que l’expose Pappus dans le de sa "Collection mathématique", était de trouver une construction à la règle et au compas d’un lieu géométrique donné, ou du moins d’inventorier les cas où une telle construction était possible. Mais Pappus n’a transmis que des résumés des livres d’Apollonios, de sorte que l’étendue et la portée des méthodes de l’analyse a fait l’objet de multiples gloses du au . S’appuyant sur les indices donnés par Pappus et leurs spéculations personnelles, une pléiade de mathématiciens fameux se sont essayés à reconstruire les traités perdus d’Apollonios dans leur ordre original.


title: Apollonios de Perga

text: Les deux livres du traité "" sont consacrés au problème suivant :


title: Apollonios de Perga

text: Les deux livres du traité "" discutent la résolution d’un problème similaire au précédent : il s’agit cette fois de ; dans la terminologie géométrique des Anciens, l’énoncé demande que les deux segments .


title: Apollonios de Perga

text: Une copie arabe de "La Section de rapport" fut retrouvée à la fin du par à la bibliothèque Bodléienne. Bien qu’il eût commencé la traduction de ce document, ce fut Halley qui la mena à terme, et qui la publia en 1706 avec sa reconstitution du "".


title: Apollonios de Perga

text: Le traité traduit par Commandino sous le titre "" traite pour ainsi dire de problèmes à une dimension d’espace : il s’agit ici de construire sur une droite des segments qui soient dans un rapport donné.


title: Apollonios de Perga

text: Plus précisément, les problèmes abordés sont les suivants : ; ainsi :


title: Apollonios de Perga

text: Parmi les mathématiciens qui ont cherché à retrouver la solution d’Apollonios, citons :


title: Apollonios de Perga

text: Le traité "" est consacré au problème générique suivant :


title: Apollonios de Perga

text: Le cas le plus difficile et le plus intéressant historiquement parlant est celui où les trois données sont trois cercles. François Viète, à la fin du , proposa ce problème (dit « problème d’Apollonius ») à Adrien Romain, qui ne put le résoudre qu’en utilisant une hyperbole auxiliaire pour la construction. Viète lui répondit en publiant une solution « à la règle et au compas » (c’est-à-dire conforme aux exigences de l’analyse des Anciens), dans son livre "" (Paris, 1600).


title: Apollonios de Perga

text: Le propos du livre intitulé "" consiste à . Marin Ghetaldi et Hugo d’Omerique ("Analyse géométrique", Cadix, 1698) se sont essayés à ce problème, mais la reconstitution la plus satisfaisante est sans doute celle de Samuel Horsley (1770).


title: Apollonios de Perga

text: "" contient un ensemble de propositions relatives à des lieux qui s’avèrent être des droites ou des cercles. Comme Pappos d'Alexandrie ne donne que des cas particuliers de ce type de problème, les géomètres modernes ont longtemps été réduits aux conjectures pour trouver l’idée directrice de cette catégorie d’énoncés. Aussi chacun y est-il allé de son interprétation, à commencer par Pierre de Fermat (1636, publiée finalement dans ses "Œuvres", , 1891, ). Suivirent entre autres Frans van Schooten (Leyde, 1656) et Robert Simson (Glasgow, 1749).


title: Apollonios de Perga

text: Les Anciens mentionnent d’autres traités d’Apollonios qui ne sont pas parvenus jusqu’à nous :


title: Fra Angelico

text: Guido di Pietro, en religion Fra Giovanni (postérieurement connu sous le nom de Fra Angelico, quelquefois de l'Angelico et de Beato Angelico pour les Italiens) ou encore « Le Peintre des anges », né entre 1387 et 1395 selon les sources, à Vicchio (république de Florence) et mort le à Rome (États pontificaux), est un peintre italien du Quattrocento de qui Giorgio Vasari disait qu'il avait un « talent rare et parfait ». Il était connu de ses contemporains comme "Fra Giovanni da Fiesole", dans "les Vies" écrites avant 1555, et comme "Giovanni Fra Angelico" (« Frère Giovanni l'angélique »).


title: Fra Angelico

text: Il n'a été canoniquement béatifié que le 3 octobre 1982, par le pape Jean-Paul II, sous le nom de Bienheureux Jean de Fiesole, même si après sa mort il était déjà appelé « Beato Angelico », à la fois pour la religiosité émouvante de toutes ses œuvres, et pour ses qualités personnelles d'humanité et d'humilité. C'est Giorgio Vasari, qui a ajouté l'adjectif « Angelico » à son nom, dans "Les Vies".


title: Fra Angelico

text: Religieux dominicain, il a cherché à associer les principes picturaux de la Renaissance — constructions en perspective et représentation de la figure humaine — aux vieilles valeurs médiévales de l'art : sa fonction didactique et la valeur mystique de la lumière.


title: Fra Angelico

text: Il est commémoré le 18 février selon le Martyrologe romain.


title: Fra Angelico

text: Guido di Pietro naît vers 1395 dans la petite ville de Vicchio dans le Mugello, région d'où les Médicis sont originaires, et est baptisé Guido ou Guidolino (petit Guido). Vasari a laissé peu de détails sur sa famille, si ce n'est que son père Pietro est un paysan probablement aisé, fils d'un certain Gino, et que son frère Benedetto, son cadet de quelques années, est devenu moine bénédictin. Sa sœur Checca (Francesca), mariée vers 1440, aura un fils Giovanni di Antonio qui assistera le peintre sur les chantiers d'Orvieto et de Rome.


title: Fra Angelico

text: Le premier document mentionnant Guido di Pietro date du 31 octobre 1417. Il indique qu'un peintre laïc du nom de Guido di Pietro, rejoint, parrainé par Battista di Biagio Sanguigni, la confrérie saint Nicolas de Bari qui appartient à l'ordre des "Dominicains observants", une branche dominicaine minoritaire de flagellants, dans laquelle la règle originelle de saint Dominique est observée, requérant la pauvreté absolue et l'ascèse (l'« observance »), que Guido di Petro suit de 1418 à 1423.


title: Fra Angelico

text: Il entre avec son frère Benedetto dans le couvent San Dominico di Fiesole, où ils constituent un atelier d'enluminure, puis il est envoyé dans celui de Foligno sous la pression de l'évêque de Fiesole qui refuse cette stricte observance. En 1414, la peste survient et la communauté est obligée de demander l'hospitalité au couvent de Cortone. Enfin, en 1418, le pardon de l'évêque lui permet de réintégrer Fiesole.


title: Fra Angelico

text: À partir de 1423, il est nommé « frère Jean des frères de San Domenico di Fiesole » (fra étant le titre de frère en italien), et c'est seulement après sa mort qu'il est appelé "Beato Angelico" en Italie ("Bienheureux" Angelico). C'est Giorgio Vasari, qui dans "Les Vies," ajoute à son nom l'adjectif "Beato" (et le nomme précisément "Fra' Giovanni da Fiesole") utilisé auparavant par fra Domenico da Corella et par Cristoforo Landino.


title: Fra Angelico

text: Son éducation artistique se déroule à Florence à l'époque de Lorenzo Monaco, Masaccio, Gentile da Fabriano et Gherardo Starnina. Du premier, il reprend l'usage de couleurs accentuées et peu naturelles, mais aussi celle d'une lumière très forte qui annule les ombres et participe au mysticisme des scènes sacrées, thèmes qu'on retrouve dans sa production de miniatures et dans ses premières compositions.


title: Fra Angelico

text: L'art de la miniature sur manuscrit est une discipline rigoureuse qui a beaucoup servi Fra Angelico dans ses œuvres ultérieures. Avec cette activité, il compose des figures au style parfait et impeccable, à petite échelle, souvent en utilisant des pigments coûteux comme le lapis-lazuli et la feuille d'or, dosés avec un soin extrême, chaque contrat précisant la quantité à utiliser. En janvier et février 1418, il est mentionné dans certains documents comme « Guido di Pietro dipintore ».


title: Fra Angelico

text: En 1417, il est nommé dans des documents « Guido di Pietro, peintre de la paroisse San Michele Visdomoni ». En 1418, peu avant de prononcer ses vœux dans le couvent San Domenico di Fiesole, il peint un retable pour la chapelle Gherardini de l'église Saint-Étienne à Florence (aujourd'hui perdu), dans le cadre d'un projet décoratif confié à Ambrogio di Baldese, qui est peut-être son maître. La date exacte à laquelle il prononce ses vœux n'est pas connue, mais elle peut être située entre 1418 et 1421, car les novices n'étaient pas autorisés à peindre la première année, et aucune de ses œuvres n'est documentée entre 1418 et 1423.


title: Fra Angelico

text: En 1423, il peint une croix pour l'hôpital Santa Maria Nuova, et est nommé dans des documents comme « frère Giovanni de' frati di San Domenico di Fiesole », preuve qu'il est déjà religieux à cette date. Un "Saint Girolamo" dans le style Masaccesque, date de 1424. Son ordination sacerdotale remonte plutôt à la période 1427-1429.


title: Fra Angelico

text: Le "triptyque de saint Pierre martyr", commandé par les religieuses du monastère de Saint-Pierre-Martyr à Florence, date de 1428-1429. Dans cette œuvre, Angelico montre qu'il connaît et apprécie à la fois les nouveautés de Gentile da Fabriano et Masaccio, et qu'il tente une sorte de réconciliation entre les deux, embrassant le « style Masaccesque  » progressivement au fil des années, mais aussi en développant bientôt, à partir des années 30, un style personnel. Si Fra Giovanni montre un penchant indéniable pour les ornements, les détails précieux, les figures élégantes et allongées (constante de l'art gothique tardif ), il est aussi intéressé à les placer dans un espace réaliste, régi par les lois de la perspective, et à leur donner un volume corporel perceptible et équilibré.


title: Fra Angelico

text: Déjà dans le "triptyque de saint Pierre martyr", les robes des saints sont lourdes et ont des plis qui descendent droit, avec des couleurs vives et lumineuses, tout comme dans les miniatures ; l'espace est profond et mesurable, comme le suggère la disposition en demi-cercle des pieds des saints.


title: Fra Angelico

text: Une "Vierge à l'Enfant," aujourd'hui au Musée national San Marco, et une "Vierge à l'Enfant avec douze anges" au Städelsches Kunstinstitut de Francfort-sur-le-Main, font partie des œuvres datées de cette période.


title: Fra Angelico

text: En 1419, Angelico est au couvent San Domenico di Fiesole, où, le 22 octobre, il est enregistré comme « Frère Johannes petri de Muscello » lors d'une réunion du chapitre. Il apparait également dans d'autres réunions du chapitre en janvier 1431, en décembre 1432, en janvier 1433 (comme vicaire à la place du prieur absent) et en janvier 1435. Il est également documenté le 14 janvier 1434 dans une nomination laïque comme juge pour une estimation avec le peintre Rossello di Jacopo Franchi, du tableau de Bicci di Lorenzo et Stefano d'Antonio pour l'église San Niccolò Oltrarno à Florence : l'expertise d'autres peintres établis est souvent utilisée alors pour décider de la rémunération à verser aux artistes.


title: Fra Angelico

text: Entre les années vingt et trente du , il se consacre à de grands retables pour l'église San Domenico di Fiesole, ce qui lui vaut une renommée considérable et incite d'autres instituts religieux à lui en commander des répliques et des variantes. Entre 1424 et 1425 (environ), il peint le premier des trois panneaux pour les autels de l'église Saint-Dominique : la "Pala di Fiesole", œuvre retouchée par Lorenzo di Credi en 1501, qui en refait le fond. C'est un retable très original, où les séparations entre les saints sont désormais absentes des compartiments du polyptyque, même si des cuspides ont été enlevées plus tard lors de la restauration du .  En 1430, il peint "L'Annonciation" (musée du Prado), avec cinq histoires de la "Vie de la Vierge" dans la prédelle,seconde tableau destiné à l'église San Domenico di Fiesole, une œuvre où apparaissent de nouvelles techniques inspirées par Masaccio : une lumière diaphane, utilisée pour la première fois, enveloppe la composition, exaltant les couleurs et les masses plastiques des figures, et unifiant l'image. Elle deviendra l'une des caractéristiques les plus évidentes de son style. Le retable a un cadre de transition entre le gothique tardif et la Renaissance, mais c'est surtout dans les cinq histoires de la Vierge de la prédelle que le peintre travaille avec le plus de liberté et d'inventivité.


title: Fra Angelico

text: L"'Annonciation", dans laquelle l'archange Gabriel annonce à Marie qu'elle deviendra la mère du Christ, est un thème profondément éprouvé par la peinture florentine. Fra Angelico contribue à cultiver cette tradition tout en adoptant des conceptions modernes avec des compositions unifiées et rectangulaires, la Vierge étant assise dans une loggia à colonnades ouverte dans un jardin clôturé. Dans la même œuvre, en arrière-plan, apparaissent les figures d'Adam et Eve, qui symbolisent les premiers pécheurs dont le Dieu de la Rédemption s'est fait homme, mais aussi pour souligner que Marie consent à la requête de l'Ange, transformant le nom d'« Eve » (Eve / Ave) : Marie est ainsi la nouvelle Mère de l'humanité.


title: Fra Angelico

text: Deux autres grands retables suivent (ou précèdent) cette œuvre : l"'Annonciation de San Giovanni Valdarno" et l"'Annonciation de Cortone."


title: Fra Angelico

text: Entre 1430 et 1433, Angelico réalise le "Jugement dernier" (musée national San Marco), un grand panneau destiné à décorer le cymatium d'un siège. Stylistiquement liée aux manières de Lorenzo Monaco, le rythme des plans démontre un intérêt naissant pour l'organisation en perspective de l'espace. Entre 1434 et 1435 il peint à tempera sur bois "L'imposition du nom à saint Jean-Baptiste", partie d'une prédelle non identifiée. La scène est placée dans une cour construite avec une perspective d'une extrême précision et à l'aide d'un portail utilisé comme entonnoir perspectif. La "Déposition", peinte pour Palla Strozzi pour la Sacristie de Santa Trinita et l'I"mposition du nom" "à saint Jean-Baptiste," présentent déjà les caractéristiques évidentes de la maturité de l'artiste : figures et lignes douces, couleurs, construction en perspective brillante, délicatement réglée et rigoureuse.


title: Fra Angelico

text: Les œuvres de cette période sont souvent des exercices sur le thème de la lumière, comme l'éblouissant "Couronnement de la Vierge" aux Offices ou celui du Louvre, datant respectivement de 1432 et 1434-1435 environ. Le "Couronnement" du Louvre est le troisième et dernier panneau pour les autels de l'église San Domenico di Fiesole ; la lumière y construit les formes et les explore dans les moindres détails.


title: Fra Angelico

text: En juillet 1433, la corporation des Tisseurs de lin ("Arte dei Linaioli e Rigattieri") de Florence confie à Fra Angelico la réalisation de l'ensemble de peintures du "Tabernacolo dei Linaioli", sculpté par Lorenzo Ghiberti, désormais au Musée national San Marco. Dans cet ouvrage, la Vierge est d'empreinte Masaccesque, alors que dans les anges isoptères, Angelico se réfère à l'expressivité de la sculpture de Ghiberti.


title: Fra Angelico

text: En 1438, Angelico est impliqué dans les événements liés au transfert de San Domenico à San Marco à Florence. En 1439-1440, il se rend à Cortone pour le compte de Cosme de Medicis, pour faire don du vieux retable de San Marco, œuvre de style gothique tardif de Lorenzo di Niccolò, aux frères du couvent dominicain local. Angelico a déjà laissé deux œuvres dans la ville, et à cette occasion, il peint une lunette sur le portail de l'église du couvent avec la "Vierge à l'Enfant avec les Saints Dominique et Pierre Martyr".


title: Fra Angelico

text: Angelico garde probablement son atelier de San Domenico une bonne partie de 1440, alors qu'il a déjà commencé et mis en scène le "Pala di San Marco".


title: Fra Angelico

text: À partir de 1440, Cosme de Médicis lui confie la décoration du couvent San Marco, des pièces et des cellules individuelles des moines, travaux que dirige son ami Antonin de Florence qui deviendra archevêque de la ville en 1446. Angelico est le protagoniste de cette période artistique irremplaçable qui, sous le patronage des Médicis, atteint son apogée en 1439 avec le Concile de Bâle-Ferrare-Florence-Rome et pendant laquelle de grands travaux publics, dont le couvent San Marco, voient le jour.


title: Fra Angelico

text: Quelques frères de San Domenico di Fiesole s'installent en 1435 à Florence à San Giorgio alla Costa et, un an plus tard, en janvier 1436, à San Marco, après avoir résolu un différend avec les moines Sylvestrinis qui revendiquaient le même emplacement. En 1438, Michelozzo, sur commande de Cosme de Médicis, commence la construction d'un nouveau couvent avant-gardiste du point de vue à la fois fonctionnel et architectural. Angelico ne suit pas ses compagnons à San Giorgio alla Costa et à San Marco car il est vicaire de Fiesole. Cependant, vers 1440, Cosme lui confie la direction de la décoration picturale du couvent. La première preuve documentée de la présence du peintre à San Marco remonte au .


title: Fra Angelico

text: Parmi les traces documentées d'Angelico à San Marco, il y a sa participation au chapitre en août 1442 et en juillet 1445, lorsqu'il signe avec d'autres l'acte de séparation de la communauté florentine de la communauté Fiesolane d'origine. En 1443, il est « sindicho » du couvent, une fonction de contrôle administratif.


title: Fra Angelico

text: L'intervention décorative à San Marco est décidée avec l'aide de Michelozzo, qui a laissé de grands murs blancs destinés à être décorés. C'est une œuvre organique, qui concerne tous les espaces publics et privés du monastère : de l'église (le "Pala di San Marco" sur l'autel) au cloître (quatre lunettes et une "Crucifixion)", du réfectoire ("Crucifixion" détruite en 1554) à la salle capitulaire "(Crucifixion et saints" ), des couloirs ("Annonciation", "Crucifixion avec Saint Dominique" et "Madone des ombres" ) aux cellules individuelles. Finalement, la décoration picturale est la plus étendue jamais imaginée pour un couvent jusqu'alors.


title: Fra Angelico

text: La décoration comprend dans chaque cellule des frères, une fresque avec un épisode tiré du Nouveau Testament ou une "Crucifixion," où la présence de saint Dominique indique aux frères l'exemple à suivre et les vertus à cultiver (prostration, compassion, prière, méditation, etc. ).


title: Fra Angelico

text: On a beaucoup écrit sur l'attribution au seul Angelico d'un si grand nombre de décors, réalisés en un temps relativement court. Les fresques du rez-de-chaussée lui sont attribuées à l'unanimité en tout ou en partie. Celle des quarante-trois fresques des cellules et des trois couloirs du premier étage est plus incertaine et controversée. Si des contemporains, comme Giuliano Lapaccini, attribuent toutes les fresques à Angelico, aujourd'hui, par simple calcul du temps nécessaire à un individu pour réaliser une œuvre de ce genre et par des études stylistiques mettant en évidence trois ou quatre mains différentes, est plutôt attribuée à Angelico, toute la surintendance de la décoration, mais la réalisation d'un nombre limité de fresques, les autres ayant été peintes à partir de son dessin ou dans son style par des élèves, dont Benozzo Gozzoli.


title: Fra Angelico

text: Les fresques de San Marco ne sont pas seulement un jalon de l'art de la Renaissance, mais sont aussi les plus célèbres et les plus admirées de Fra Angelico. Leur force provient, au moins en partie, de leur harmonie et de leur simplicité absolues, ce qui leur permet de transcender l'objectif immédiat pour lequel elles ont été peintes, à savoir celle de la contemplation pieuse en fournissant des signes appropriés pour la méditation religieuse. Les fresques marquent ainsi une nouvelle phase dans l'art d'Angelico, caractérisée par une parcimonie dans les compositions et une rigueur formelle jamais utilisée auparavant, fruit de la maturité expressive de l'artiste.


title: Fra Angelico

text: Les faits évangéliques sont ainsi lus avec une plus grande efficacité que par le passé, exempts de distractions décoratives superflues et plus proches que jamais du narratif et de la psychologie des grandes œuvres de Masaccio. Les personnages sont peu nombreux et diaphanes, les arrière-plans sont déserts ou composés d'architectures claires inondées de lumière et d'espace, atteignant les sommets de la transcendance. Les figures apparaissent simplifiées et éclaircies, les couleurs plus tamisées et ternes. Dans ces contextes, la forte plasticité de la forme et de la couleur, dérivée de Masaccio, crée par contraste un sentiment de vive abstraction. Les saints dominicains apparaissent souvent dans les scènes comme des témoins, qui actualisent l'épisode sacré en l'insérant dans les principes de l'Ordre.


title: Fra Angelico

text: La lumière qui imprègne les peintures d'Angelico, est une lumière métaphysique : « De plus, si (comme le disait Filippo Brunelleschi) l'espace est une forme géométrique et la lumière divine (comme le disait saint Thomas d'Aquin) remplit l'espace, comment pouvons-nous nier que la forme géométrique est la forme de la lumière? ».


title: Fra Angelico

text: La période d'exécution des travaux picturaux de San Marco n'est pas connue avec précision, mais elle est généralement située de 1437 (ou 1438), avec la réalisation du "Pala di San Marco" pour commencer, à vers 1440/1441, avec les fresques du couloir est, côté extérieur (1-11), où participe également un assistant (le maître de la cellule 2), très proche d'Angelico qui l'encadre. La "Crucifixion et saints" dans le chapitre est datée avec certitude en 1441-1442. Du fait de ses analogies stylistiques, l"'Adoration des Mages" est également datée de 1442. Les cellules 24 à 28 ont probablement été peintes à fresque dans la même période, non pas de la main d'Angelico, mais directement inspirées de celles du côté opposé et probablement sous l'étroite surveillance du maître.


title: Fra Angelico

text: Les fresques du cloître semblent avoir été effectuées après la "Crucifixion" de la salle capitulaire, et la fresque du "Calvaire avec saint Dominique" est généralement considérée comme la dernière œuvre du maître avant son départ pour Rome en 1445. Les fresques des cellules 31 à 37 ne peuvent être datées avec évidence, mais doivent avoir été achevées en 1445. L"Annonciation" du corridor nord et la "Madonna des Ombres", présentent un style plus mature qu'on situe après le retour de Rome, dans les années 1450.


title: Fra Angelico

text: À la séparation des couvents de Fiesole et de San Marco, en 1445, Fra Angelico retourne à Fiesole, plus proche des principes de saint Dominique, car l'installation de la bibliothèque à San Marco en 1444 a troublé la quiétude du couvent. C'est en cette même année 1445, que le pape Eugène IV le convoque à Rome.


title: Fra Angelico

text: Parmi celles-ci, "La Nativité" représente la naissance du Christ (cellule 5). On peut y voir l'un des tableaux des débuts de la perspective, avec un essai « maladroit » concernant les anges sur le toit de l'étable. Le Christ est posé à terre, « devant » l'étable, et non dans la mangeoire, entouré de Marie et de Joseph, ainsi que de sainte Catherine d'Alexandrie et de saint Pierre martyr. Le bœuf et l'âne figurent au second plan, dans l'étable, devant la mangeoire. On peut voir d'après l'arrière-plan que la scène se situe dans une grotte ou, plus vraisemblablement, dans la montagne, ce qui est une idée courante de cette scène à l'époque de la Renaissance.


title: Fra Angelico

text: À une date exacte non connue, probablement dans la seconde moitié de 1445, Fra Angelico est convoqué à Rome par le pape Eugène IV, qui avait vécu neuf ans à Florence où il avait certainement eu l'occasion d'apprécier son travail lorsqu'il avait résidé à San Marco. Cette année-là, le siège de l'archidiocèse de Florence devient vacant et il semblerait que, selon des rumeurs persistantes, le pallium soit offert à Angelico, qui décline en suggérant au pape la nomination d'Antonino Pierozzi à sa place (janvier 1446). Il est clair qu'Angelico est suffisamment estimé intellectuellement pour pouvoir donner son avis sur une nomination au pape, comme l'ont également déclaré six témoins à l'occasion du processus de canonisation d'Antonin, voire pour pouvoir administrer un archidiocèse.


title: Fra Angelico

text: Angelico reste à Rome de 1446 à 1449 où il réside au couvent Santa Maria sopra Minerva. En 1446, il peint à la fresque la chapelle du Sacrement, dite « parva », avec des "Histoires du Christ", détruites à l'époque de Paul III : le décor devait avoir un caractère « humaniste », avec une série de portraits d'hommes illustres mentionnée par Vasari. Le peintre Jean Fouquet entretient également des relations étroites avec Angelico, peut-être déjà commencées à Florence, lorsqu'il était occupé à peindre un portrait du pape Eugène IV entre l'automne 1443 et l'hiver 1446. Le 23 février 1447, le pape Eugène meurt et le 6 mars, son successeur Nicolas V est élu. Parmi les quelques documents conservés sur son activité au Vatican, trois reçus de paiement (datés du 9 mai au juin) font référence à sa seule commande papale visible aujourd'hui, les fresques de la chapelle Nicoline.


title: Fra Angelico

text: Ces fresques s'étendent sur trois murs avec les "histoires des protomartyrs Stéphane et Laurent", sur la voûte avec les "évangélistes" et huit personnages grandeur nature, les "Pères de l'Église", sur les côtés, qu'Angelico peint avec ses aides, parmi lesquels Benozzo Gozzoli. Dans ces fresques, les personnages, solides, aux gestes calmes et solennels, évoluent dans une architecture majestueuse. Angelico devait être particulièrement familier avec le pape en travaillant dans ses appartements, et il a certainement pu s'impliquer dans les intérêts humanistes et les vastes horizons culturels de Nicolas V. Ces stimuli se manifestent pleinement dans les œuvres peintes pour la cour papale, où le style somptueux évoque conceptuellement l'ancienne Rome impériale et paléochrétienne, avec des rappels également de l'architecture proto-Renaissance florentine contemporaine.


title: Fra Angelico

text: Le 11 mai 1447, Angelico et son atelier, avec le consentement du pape, se rendent à Orvieto pour passer les mois d'été et travailler sur la voûte de la chapelle San Brizio dans la cathédrale. Ils y restent jusqu'à la mi-septembre et peignent deux pendentifs avec le "Jugement du Christ" et les "Prophètes". La rapidité avec laquelle les voiles sont réaliées témoigne de l'efficacité de l'atelier. L'autographie d'Angelico est prédominante, l'idée et la conception entièrement siennes, avec l'aide dans l'exécution de son « partenaire » Benozzo pour certaines parties. Les œuvres, bien qu'elles aient suscité un intérêt critique relativement modeste par rapport aux fresques du Vatican, sont caractérisées par des compositions spacieuses et des figures majestueuses.Elles seront terminées par Luca Signorelli.


title: Fra Angelico

text: Angelico retournea à Rome où il termina la chapelle Nicoline en 1448. Le janvier 1449, il est déjà occupé dans une autre partie du Vatican, avec la décoration du cabinet de Nicolas V, adjacent à la chapelle Niccoline. Le cabinet est plus petit que la chapelle et est recouvert d'incrustations en bois partiellement dorées ; il n'en reste aucune trace car il a été détruit lors d'un agrandissement ultérieur du bâtiment. En juin 1449, la décoration doit déjà être bien avancée, car l'assistant principal du maître, Gozzoli, retourne à Orvieto ; à la fin de l'année ou dans les premiers mois de 1450, la décoration est terminée et Angelico retourne à Florence.


title: Fra Angelico

text: Le , Angelico, de retour en Toscane, est nommé prieur de San Domenico di Fiesole, en remplacement de son frère décédé. Il est maintenu dans la fonction de prieur pendant la durée normale de deux ans, et en mars 1452, il est toujours à Fiesole, lorsqu'une lettre du provéditeur de la cathédrale de Prato est remise à l'archevêque Antonin de Florence dans laquelle il demande qu'Angelico peigne à fresque l'abside de la cathédrale de Prato. Huit jours plus tard, la demande est formalisée également au peintre, qui accepte de revenir avec le provéditeur à Prato pour évaluer les conditions de la demande. Angelico négocie avec quatre délégués et le podestat, mais ils ne parviennent pas à un accord (), probablement parce que l'artiste a déjà de nombreuses commandes en cours et ne veut pas entreprendre un ouvrage aussi important. Le travail est confié à Filippo Lippi.


title: Fra Angelico

text: Pour les années suivantes, la documentation est inexistante ou rare. Certains, comme John Pope-Hennessy, indiquent que les premières œuvres peintes après son retour de Rome, sont les fresques du couvent de San Marco de l"Annonciation du couloir Nord" et de la "Madonne des Ombres", où il aurait fait bon usage de la leçon romaine, alors que d'autres les datent plutôt des années 1440. La même incertitude demeure autour d'une datation tardive du "couronnement de la Vierge" du Louvre, tandis que le "Retable de Bosco ai Frati", commandé par Cosme de Médicis, peut être daté après 1450 avec certitude : en effet, sur la prédelle est peint saint Bernardin de Sienne avec l'auréole, dont la sanctification remonte à 1450. La datation de l"Armadio degli Argenti" , une série de panneaux peints qui composent la double porte d'un cabinet votif de la basilique de la Santissima Annunziata, commandée par Pierre Ier de Médicis entre 1451 et 1453 est également incontestée. Dans ces panneaux, représentant des "histoires de la vie et de la passion du Christ", on retrouve de nombreux thèmes déjà abordés par Angelico les années précédentes, mais il est surprenant de voir comment son inventivité, même dans la phase tardive de la production, n'a pas diminué.


title: Fra Angelico

text: Bien que tous les tableaux ne soient pas de sa main, certains se distinguent par une composition originale, la vivacité et les effets spatiaux et lumineux, comme l"'Annonciation" (thème récurrent de Fra Angelico tout au long de sa production) et la "Nativité."


title: Fra Angelico

text: Le , il est sollicité, conjointement à Filippo Lippi et Domenico Veneziano, les deux autres peintres florentins les plus respectés de l'époque, une estimation des fresques du Palazzo dei Priori à Pérouse.


title: Fra Angelico

text: Le tondo avec l"'Adoration des Mages", peut-être commencé en 1455 et complété plus tard par Filippo Lippi, est généralement considéré comme sa dernière œuvre.


title: Fra Angelico

text: En 1452 ou 1453, Angelico retourne à Rome pour peindre la chapelle de Nicolas V ("Cappella Niccolina") et créer diverses œuvres pour Santa Maria sopra Minerva, la maison mère de l'ordre dominicain : le retable principal, probablement une "Annonciation", dont trois sections de la prédelle avec des "histoires de saint Dominique", et le grand cycle de fresques, peintes en "terra verde" (un pigment à base d'oxyde de fer et d'acide silicique), illustrant les "méditations du cardinal espagnol Juan de Torquemada," dans le cloître. Ce cycle a été perdu, mais peut être reconstitué à partir de documents manuscrits et imprimés.


title: Fra Angelico

text: Fra Giovanni meurt à Rome le , quelques semaines avant Nicolas V. Il est enterré dans l'église de la Minerve. La pierre tombale de son sépulcre en marbre, honneur exceptionnel pour un artiste de l'époque, est visible près du maître-autel. Deux épitaphes sont écrites, probablement par Laurent Valla. La première, perdue, se trouvait sur une plaque murale, et la deuxième épigraphe est inscrite sur la plaque de marbre ornée d'un relief du corps du peintre avec la soutane dans une niche Renaissance.


title: Fra Angelico

text: Les Dominicains décident de demander formellement au Saint-Siège la béatification d'Angelico lors du chapitre général de Viterbe en 1904. En 1955, à l'occasion du 500 anniversaire de sa mort, son corps est exhumé et la reconnaissance canonique des reliques se poursuit. Avec le "motu proprio Qui res Christi gerit" du , le pape Jean-Paul II accorde à l'ordre dominicain par indult, la célébration de la messe et de l'office en l'honneur d'Angelico, et le samedi , à la basilique de la Minerve, le bienheureux est proclamé saint patron des artistes, notamment des peintres.


title: Fra Angelico

text: Fra Angelico a intégré les innovations stylistiques introduites par les maîtres de la Renaissance florentine comme Masolino da Panicale et Paolo Uccello (intérieurs emboîtés grâce à la perspective artificielle), initiant le courant artistique appelé « peintres de la lumière » en jouant sur les ombres et la lumière pour donner de la profondeur à ses tableaux ou du modelé à ses personnages, abandonnant ainsi les aplats de la peinture gothique.


title: Fra Angelico

text: L'importance de son travail se décèle à la fois chez ses collaborateurs (Benozzo Gozzoli), et sur des artistes qui ne lui sont pas directement liés (Filippo Lippi) ; Piero della Francesca et Melozzo da Forlì abandonneront sa manière de traiter la lumière.


title: Fra Angelico

text: Déjà quelques années après sa mort, Angelico apparaît comme "Angelicus pictor [. . . ] Johannes nomme, pas Jotto, pas Cimabove minor" dans le "De Vita et Obitu B. Mariae" du dominicain Domenico da Corella. Peu de temps après, il est mentionné avec Pisanello, Gentile da Fabriano, Filippo Lippi, Pesellino et Domenico Veneziano dans un célèbre poème de Giovanni Santi. Avec l'avènement de Savonarole, l'art est utilisé comme moyen de propagande spirituelle et la figure d'Angelico, artiste et frère, est prise comme modèle par les adeptes du frère ferrarais. Cette lecture, qui présupposait la supériorité artistique d'Angelico en raison de sa prééminence en tant qu'homme d'Église, figure déjà dans le premier récit de la vie de l'artiste publié dans un volume d'eulogies dominicaines par Leandro Alberti de 1517. Vasari a tiré de ce travail, intégré aux "histoires de Fra Eustachio", quatre-vingts ans, qui lui a transmis diverses légendes liées aux artistes de San Marco, le matériel pour la biographie des "Vies" de 1550.


title: Fra Angelico

text: Au , on se basait sur l'interprétation de Vasari, qui elle-même était inspirée de la Contre-Réforme, où l'on insistait sur le caractère dévot de sa peinture. Les commentateurs contemporains préfèrent resituer l'artiste dans la perspective de la première Renaissance, et souligner son effort novateur ainsi que l'influence initiale de Masaccio. Chez les commentateurs de l'époque, la vie spirituelle d'Angelico prend une allure romantique et légendaire, comme on la trouve chez divers écrivains. Au , sa figure est mieux contextualisée en le plaçant parmi les pères de la Renaissance florentine, ceux qui ont développé la nouvelle langue qui s'est répandue dans toute l'Europe.


title: Fra Angelico

text: Georges Didi-Huberman commence son livre "Devant l'image" par une analyse de "L'Annonciation" (cellule 3) du couvent San Marco.


title: Fra Angelico

text: Le musée Jacquemart-André est le premier musée français à avoir consacré, fin 2011-début 2012 une exposition Fra Angelico. Cette exposition a montré notamment comment les œuvres du peintre ont influencé son élève Benozzo Gozzoli ou encore comment son traitement de la lumière se retrouve dans les peintures d'autres « maîtres de la lumière » tels Fra Filippo Lippi, Melozzo de Forlì, Piero della Francesca ou Benozzo Gozzoli. On n'y voit par contre aucune fresque même transférée sur toile ou des "sinopie" sur Masonite et même des éléments enluminés à l'origine de l'art du Beato.


title: Carel Fabritius

text: Carel Fabritius, né en à Middenbeemster, et mort à Delft le , est un peintre néerlandais (Provinces-unies) du siècle d’or.


title: Carel Fabritius

text: Aîné d'une famille nombreuse, Carel Fabritius était le fils de Pieter Carel. Fabritius, qui fut à partir de 1619 maître d’école et sacristain à Beemster, un polder qui n'existait que depuis une décennie, et d’une sage-femme. Son grand-père, originaire de Gand, était pasteur à Purmerend. Deux frères cadets de Carel allaient également devenir peintres : Barent Fabritius, actif à Amsterdam, et Johannes Fabritius, actif à Hoorn. Tout comme pour Barent, on a supposé que Carel Fabritius avait tout d’abord reçu une formation pour devenir menuisier ou charpentier, d’après le mot « fabritius » (du latin ) qui serait devenu leur nom, ainsi que, rétrospectivement, celui de leur père.


title: Carel Fabritius

text: En 1641, alors âgé de 19 ans, il épouse une voisine aisée, la sœur du pasteur de l’endroit, et le couple vient s’établir à Amsterdam, dans la Runstraat. L’année suivante, Fabritius entre en apprentissage chez Rembrandt, à l'époque de la conception de sa célèbre "Ronde de nuit". Rembrandt avait alors également pour élève Samuel Van Hoogstraten. En 1643, la femme de Fabritius meurt en couches, à la suite de quoi le peintre retourne à Middenbeemster. Il se remarie en 1650 avec Agatha Van Pruyssen, de Delft.


title: Carel Fabritius

text: À partir de 1651, il vit à Delft, où il rompt avec l’influence de Rembrandt et développe son propre style. En 1652, il devient membre de la guilde de Saint-Luc locale.


title: Carel Fabritius

text: Fabritius réalise alors des portraits comme peintre de cour des princes d’Orange, des scènes de genre et des tableaux historiques. Le , Fabritius, sa belle-mère et le sacristain de l’"Oude Kerk", dont il était occupé à réaliser le portrait, sont blessés à la suite de l’explosion de la poudrière de Delft. Fabritius, transporté à l’hospice, succombe à ses blessures quelques heures plus tard. On suppose que, lors de l’explosion, un incendie s’est déclaré qui provoqua la destruction de toutes les peintures qui se trouvaient dans son atelier, ce qui expliquerait pourquoi si peu d’œuvres de l’artiste sont arrivées jusqu’à nous.


title: Carel Fabritius

text: De Carel Fabritius, en effet, moins d’une vingtaine d’œuvres ont été conservées, dont deux autoportraits actuellement conservés au musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam et à la National Gallery de Londres. Un troisième autoportrait, présumé, figure parmi les collections de l'Alte Pinakothek de Munich.


title: Carel Fabritius

text: Fabritius était sans nul doute doué de grands talents picturaux. Ses premières œuvres témoignent d’un très nette influence du style de Rembrandt. Aussi n’est-il n’est pas étonnant que beaucoup parmi celles-ci furent d’abord attribuées à ce dernier. Fabritius, cependant, parmi les élèves de Rembrandt, est l’un des rares qui soient parvenus au fil du temps à se dégager de son exemple : il abandonna les couleurs sombres et employa progressivement des teintes plus claires et plus chaleureuses. À côté de cela, il se préoccupa surtout de l’harmonie des couleurs et de la perspective.


title: Carel Fabritius

text: Ses dernières œuvres, à Delft, montrent une créativité et une recherche exceptionnelles. Il exerça alors une forte influence sur Johannes Vermeer, qui fut probablement son élève, et sur Pieter De Hooch, notamment en ce qui concerne la perspective et la composition ; cependant, c’est surtout son rendu de la lumière qui fascinèrent ces derniers. On ignore comment Fabritius en est arrivé à un changement de style aussi frappant. La force d’attraction de Delft y est sans doute pour beaucoup : la ville inspira également d’autres peintres talentueux de cette époque, comme Gerard Terborch, Jan Steen et Paulus Potter.


title: Carel Fabritius

text: La peinture de Carel Fabritius n'a été redécouverte qu'au par le travail du critique d'art Théophile Thoré-Bürger. (adaptation).


title: John Singer Sargent

text: John Singer Sargent, né le à Florence (grand-duché de Toscane), et mort le à Londres (Royaume-Uni), est un peintre américain qui vécut essentiellement en Europe.


title: John Singer Sargent

text: Élève de Carolus-Duran, de Léon Bonnat et d'Adolphe Yvon, il étudie à l'École des beaux-arts de Paris. Il est ami ou proche de grands artistes de l'époque, comme Claude Monet, Paul Helleu, Albert Besnard, Gabriel Fauré ou encore Edmund Gosse. Sargent est particulièrement connu pour son habileté dans les portraits, caractérisés par un style sophistiqué, une virtuosité visuelle et une certaine audace théâtrale. Il réalise sur commande des portraits d'hommes et de femmes les plus célèbres, riches ou puissants d'Europe ou des États-Unis, comme ceux de l'académicien Édouard Pailleron et de son épouse, Auguste Rodin, John D. Rockefeller, Robert Louis Stevenson, ou encore ceux des présidents, Theodore Roosevelt et Woodrow Wilson.


title: John Singer Sargent

text: Au cours de sa carrière, il composa environ neuf cents toiles et plus de deux mille aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Son œuvre documente ses voyages à travers le monde, de Venise au Tyrol, de Corfou au Moyen-Orient, ou encore du Montana à la Floride. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.


title: John Singer Sargent

text: Avant sa naissance, son père, Fitz William Sargent, est chirurgien ophtalmique au "Wills Hospital" de Philadelphie. Après la mort de sa sœur aînée, âgée de deux ans, sa mère Mary (née Singer) fait une dépression nerveuse et le couple décide de partir à l'étranger pour se remettre du choc. Ils restent des nomades expatriés tout au long de leur existence. Bien qu'ayant un pied-à-terre à Paris, les parents de Sargent se déplacent avec les saisons à la mer et dans les montagnes de France, d'Allemagne, d'Italie et de Suisse. Alors qu'elle est enceinte, ils s'arrêtent en raison d'une épidémie de choléra à Florence où naît Sargent en 1856. Un an plus tard, naît sa sœur Mary. Après sa naissance, bien qu'aspirant à revenir à sa pratique de la médecine à Philadelphie, Fitz William Sargent démissionne de son poste à la demande instante de sa femme qui souhaite demeurer à l'étranger. Ils vivent modestement d'un petit héritage et de quelques économies, avec leurs enfants, évitant la société en général et les autres Américains, exceptés quelques amis artistes. Quatre autres enfants naissent, dont deux survécurent à l'enfance.


title: John Singer Sargent

text: Bien que son père soit un professeur patient pour les matières de base, le jeune Sargent est un enfant turbulent, plus intéressé par les activités de plein air que par les études. Contrairement à son père, sa mère est convaincue que voyager à travers l'Europe, visiter musées et églises, est bon pour l'éducation des enfants. Plusieurs tentatives de lui faire donner un enseignement classique échouent, principalement à cause de leur vie itinérante. Sa mère est une bonne artiste amateur et son père, un illustrateur médical qualifié. Très tôt, elle lui donne des carnets et l'encourage à dessiner au cours de leurs excursions. Le jeune Sargent s'applique sur ses dessins, copie avec enthousiasme des images de navires de l"'Illustrated London News" et fait des esquisses détaillées de paysages. Fitz William Sargent en vient à espérer que l'intérêt de son fils pour les navires et la mer le conduiront à une carrière dans la marine.


title: John Singer Sargent

text: Alors qu'il est âgé de treize ans, sa mère remarque que John dessine très bien, qu'il a l'œil sûr et rapide, mais elle sait que pour devenir un artiste accompli il doit suivre un bon enseignement. Il reçoit alors quelques leçons d'aquarelle de Carl Welsch, un peintre paysagiste allemand. Cependant son éducation est loin d'être achevée, Sargent devient un jeune homme lettré, cosmopolite, accompli en art, musique et littérature. Il parle couramment le français, l'italien et l'allemand. À dix-sept ans, Sargent est décrit comme , par sa mère, et comme , par son père. Il devient un parfait connaisseur de bon nombre de grands maîtres, comme il l'écrit en 1874 : « J'ai appris à Venise à admirer Le Tintoret et à le voir comme venant seulement après Michel-Ange et Le Titien ».


title: John Singer Sargent

text: Il commence ses études à l'Académie de Florence, puis à Paris avec le portraitiste Carolus-Duran (où il se lie avec son cousin Ralph Curtis), de 1874 à 1878, et enfin à l'École des beaux-arts de Paris. Il suit les cours de dessin qui comprennent l'anatomie et la perspective et étudie également avec Léon Bonnat. Il passe beaucoup de temps à dessiner dans les musées et à peindre dans un atelier qu'il partage avec James Carroll Beckwith, qui devient son ami et est son premier contact avec le monde des artistes américains vivant à l'étranger.


title: John Singer Sargent

text: L'atelier de Carolus-Duran dispense à la fois une approche académique traditionnelle qui exige une grande rigueur dans le dessin et la couche de fond, mais aussi un travail "alla prima", au pinceau, directement sur la toile, comme le faisait Vélasquez. C'est une approche qui s'appuie sur un choix judicieux des tons de la peinture. Elle permet également un épanouissement spontané de la couleur, sans être lié au dessin de la sous-couche. Cet enseignement est sensiblement différent de celui de l'atelier traditionnel de Jean-Léon Gérôme, où les Américains Thomas Eakins et Julian Alden Weir étudient à cette époque.


title: John Singer Sargent

text: Sargent devient rapidement un élève vedette. Weir rencontre Sargent en 1874 et écrit que c'est . Sa maîtrise de la langue française et son grand talent font que Sargent est à la fois populaire et admiré. Grâce à son amitié avec Paul Helleu, Sargent rencontre de grandes personnalités du monde artistique de l'époque, comme Edgar Degas, Auguste Rodin, Claude Monet et Whistler.


title: John Singer Sargent

text: En 1879, Sargent peint le portrait de son maître Carolus-Duran ; son travail rencontre l'approbation générale et annonce la voie qu'il suivra. Son exposition au Salon de Paris est un hommage à son professeur et une vitrine qui lui assurera des commandes. Henry James écrit à propos de cette œuvre de Sargent qu'elle offre le spectacle d'un talent qui au seuil de sa carrière n'a déjà plus rien à apprendre.


title: John Singer Sargent

text: Après avoir quitté l'atelier de Carolus-Duran, Sargent visite l'Espagne en 1879. Il y étudie les tableaux de Vélasquez avec passion, s'imprégnant de la technique du maître, et réunissant des idées, au cours de son voyage, pour de nouvelles œuvres.


title: John Singer Sargent

text: Il se passionne également pour la musique et la danse espagnole qui réveillent son propre talent pour cet art. L'expression visuelle de cette passion se retrouve dans son œuvre "El Jaleo" (1882). La musique continuera également à jouer un rôle majeur dans sa vie sociale, en tant qu'accompagnateur de musiciens professionnels et amateurs. Sargent se fait également l'avocat des compositeurs modernes, en particulier de Gabriel Fauré. De voyages en Italie, il rapporte de nombreuses esquisses et idées pour différentes peintures de scènes de rue vénitiennes qui montrent les gestes et les postures que l'on retrouvera plus tard dans ses portraits.


title: John Singer Sargent

text: À son retour, Sargent reçoit rapidement plusieurs commandes de portraits. Sa carrière est lancée. Il se montre immédiatement concentré et endurant, ce qui lui permettra de peindre avec acharnement pendant les vingt-cinq années suivantes. Il comble les vides entre ses différentes commandes en réalisant de nombreux portraits d'amis et de collègues. Ses manières raffinées, son français parfait et son talent font de lui une vedette parmi les nouveaux portraitistes et sa renommée s'étend rapidement. Il annonce avec confiance des prix élevés et se permet même de refuser certains clients pénibles.


title: John Singer Sargent

text: Au début des années 1880, Sargent expose régulièrement au Salon de Paris, en particulier des portraits de femmes en pied, comme "Madame Édouard Pailleron" en 1880 et "Madame Ramón Subercaseaux" en 1881 qui sont toujours bien accueillis par la critique.


title: John Singer Sargent

text: Les meilleurs portraits de Sargent révèlent l'individu et la personnalité de ses clients ; ses plus ardents admirateurs pensent qu'il ne peut être comparé qu'à Vélasquez qui l'influença grandement. Le maître espagnol transparaît dans les "Filles d'Edward Darley Boit", de 1882, par un intérieur qui fait écho à celui des "Ménines". Comme dans nombre de ses premiers portraits, Sargent tente hardiment des approches différentes à chaque nouveau défi. Ici, il obtient un effet poignant en employant à la fois une composition et un éclairage inhabituels. Son œuvre la plus exposée et la plus appréciée des années 1880 est sans doute "The Lady with the Rose" (1882), un portrait de son amie proche Charlotte Burckhardt, envers laquelle il éprouvait un certain attachement romantique.


title: John Singer Sargent

text: Son œuvre la plus controversée, "Madame X" (Virginie Gautreau), réalisée en 1884, est aujourd'hui considérée comme son portrait le meilleur et elle était la préférée de Sargent. (Il écrira en 1915 ) Cependant, lorsqu'il est présenté à Paris au Salon de 1884, il déclenche une réaction si négative que Sargent part s'installer à Londres. Une fois encore, l'assurance de Sargent l'avait conduit à risquer une nouvelle expérience qui malheureusement venait de mal tourner. Madame Gautreau n'avait pas commandé ce tableau et il l'avait donc poursuivie pour obtenir de pouvoir la peindre, contrairement à ce qu'il faisait pour la plupart de ses portraits, pour lesquels c'était les clients qui le sollicitaient. Sargent écrit à l'une de leurs connaissances communes :


title: John Singer Sargent

text: Il lui faut toute une année pour achever ce portrait. La première version du portrait de Madame Gautreau, avec son fameux décolleté, sa peau si blanche et son port de tête altier sur une bretelle tombée de son épaule, donne une impression d'ensemble encore plus audacieuse et sensuelle. Il remet en place la bretelle pour tenter d'atténuer le scandale, mais le mal est fait. Les commandes françaises se tarissent et il admet lui-même à son ami Edmund Gosse en 1885 qu'il envisage d'abandonner la peinture pour la musique ou les affaires.


title: John Singer Sargent

text: À propos de la réaction du public, Judith Gautier écrit :


title: John Singer Sargent

text: Avant le scandale de "Madame X" en 1884, il peint des beautés exotiques comme Rosina Ferrara de Capri et le modèle espagnol expatrié Carmela Bertagna, mais ces peintures n'étaient pas destinées au grand public. Sargent garde cette peinture fièrement exhibée dans son atelier de Londres jusqu'à ce qu'il la vende au Metropolitan Museum of Art de New York, en 1916, quelques mois après la mort de Madame Gautreau.


title: John Singer Sargent

text: Avant son arrivée en Angleterre, Sargent y envoie certaines toiles afin qu'elles puissent être exposées à la Royal Academy, dont le portrait du "Pozzi at Home" (1881), un essai flamboyant en rouge, son premier portrait masculin en pied, ainsi que son portrait de "Mrs. Henry White" (1883), de facture plus traditionnelle. Les commandes de portraits qui s'ensuivent, encouragent Sargent à partir pour Londres en 1886. En oubliant le scandale de "Madame X", il avait auparavant envisagé de s'installer dans la capitale anglaise, dès 1882, à la demande pressante de son ami le nouvelliste Henry James. Rétrospectivement, on peut admettre que son départ était inévitable. Au début, la critique anglaise n'est pas enthousiaste et accable Sargent pour sa manière de peindre à la française. À propos du portrait de "Mrs. Henry White", un chroniqueur décrit sa technique comme . Cependant, grâce au concours de Madame White elle-même, Sargent emporte bientôt l'admiration des clients et des critiques anglais. Henry James donne également un coup de pouce important à la carrière de l'artiste en Grande-Bretagne.


title: John Singer Sargent

text: Sargent passe beaucoup de temps à arpenter et à peindre la campagne anglaise, lorsqu'il ne travaille pas dans son atelier. Lors d'une visite chez Claude Monet à Giverny en 1885, Sargent peint l'un de ses portraits les plus impressionnistes, qui représente Monet peignant en plein air, en compagnie de sa nouvelle épouse. Sargent n'est cependant pas considéré comme un peintre impressionniste, mais il en utilise parfois les techniques, avec talent, et son "" est sans doute sa vision personnelle de ce style. Dans les années 1880, il participe à des expositions impressionnistes et commence à peindre en plein air après sa visite à Monet. Il achète, à cette époque, pour sa collection personnelle, quatre toiles de Monet. Suivant la même inspiration, il avait réalisé un portrait de son ami Paul Helleu, peignant également en extérieur avec sa femme à ses côtés. Une photographie très similaire à sa peinture suggère que Sargent utilisait à l'occasion la photographie pour ses compositions. Grâce à Helleu, Sargent rencontre et fait un portrait de Rodin en 1884, qui est au sommet de la gloire. C'est un portrait plutôt sombre, rappelant l'œuvre de Thomas Eakins. Bien que les critiques britanniques classent Sargent parmi les impressionnistes, les impressionnistes français pensent tout autrement, comme Monet le dira plus tard, . En 1885, il succède à Boldini dans son atelier du boulevard Berthier à Paris. Sargent peignit également une scène domestique fascinante, où l'on voit Besnard debout, dans une élégante salle à manger aux murs rouges, décorés avec des objets orientaux. Devant lui, éclairés par la lumière que laisse filtrer un abat-jour oriental bleu et blanc, sa femme et son fils sont attablés, celle-ci est occupée à découper le gâteau d’anniversaire de l’enfant. Ce tableau connu sous le nom de "Fête familiale", se distingue par sa composition tronquée, ses cadrages audacieux et son rendu non conventionnel des visages : les traits de Besnard sont à peine ébauchés et ils disparaissent presque dans l’ombre de la pièce. Les études expérimentales de Sargent de ce type avaient fréquemment pour sujet des amis artistes ou des gens aux goûts progressistes et furent souvent donnés en cadeau.


title: John Singer Sargent

text: Le premier succès majeur de Sargent à la Royal Academy, a lieu en 1887, avec "Carnation, Lily, Lily, Rose", une grande composition peinte en extérieur, représentant deux fillettes allumant des lanternes dans un jardin anglais. Ce tableau est immédiatement acquis par la Tate Gallery.


title: John Singer Sargent

text: Son premier voyage à New York puis à Boston en tant qu'artiste professionnel a lieu entre 1887 et 1888, période pendant laquelle il peint plus de vingt commandes, dont les portraits d'Isabella Stewart Gardner, mécène bostonienne, et Madame Adrian Iselin, femme d'un riche homme d'affaires de New York. À Boston, il participe à sa première exposition personnelle, présentant vingt-deux de ses œuvres.


title: John Singer Sargent

text: De retour à Londres, Sargent est à nouveau très occupé. Sa méthode de travail est alors bien rodée, comme celle de nombreux maîtres du portrait avant lui. Après avoir obtenu une commande, à la suite de négociations qu'il mène en personne, Sargent rend visite à son client pour voir où le tableau sera accroché, puis il fait un tour de la garde robe de son client pour lui choisir une tenue adéquate. Certains portraits sont réalisés dans la demeure du client, mais le plus souvent à son atelier, bien aménagé en meubles et matériel de fond qu'il choisit pour rendre le meilleur effet. Il requiert de son client de huit à dix séances de poses. Il entretient habituellement son client de quelque agréable conversation et s'interrompt parfois pour jouer un morceau de piano. Sargent ne fait que rarement usage de croquis, il préfère en général commencer à peindre directement à l'huile. Sargent n'a pas d'assistant, il prépare lui-même ses toiles et vernit ses peintures, s'occupant de la photographie, des expéditions et de collecter la documentation. Il demande environ cinq mille dollars par portrait, soit l'équivalent de cent trente mille dollars en 2008. Certains de ses clients américains font même le déplacement à Londres pour qu'il peigne leur portrait. Vers 1890, Sargent peint deux portraits, non commandés, l'un de l'actrice Ellen Terry en Lady MacBeth et l'autre de la danseuse espagnole La Carmencita. Sargent est élu membre associé de la Royal Academy, puis devient membre ordinaire trois ans plus tard. Dans les années 1890, il réalise en moyenne quatorze commandes de portraits par an, dont le très apprécié "Lady Agnew of Lochnaw", en 1892. Son portrait de madame Hugh Hammersley reçoit également une critique élogieuse pour sa représentation très vivante d'une des hôtesses londoniennes des plus notables. En tant que portraitiste, le succès de Sargent est inégalé ; ses sujets sont à la fois ennoblis et comme dotés d'une énergie particulière ("", 1892). On dit alors fréquemment que Sargent est .


title: John Singer Sargent

text: Sargent peint une série de trois portraits de Robert Louis Stevenson. Le second, "" (1885), est l'un de ses plus célèbres. Il se rend fréquemment aux États-Unis, surtout pour répondre aux commandes de ses clients d'Outre-Atlantique et nombre de ses œuvres les plus importantes font partie des collections de musées américains. Il réalise d'ailleurs le portrait de deux présidents des États-Unis, Theodore Roosevelt et Woodrow Wilson.


title: John Singer Sargent

text: Asher Wertheimer, négociant en art vivant à Londres, commande à Sargent une série d'une douzaine de portraits de sa famille. Il s'agit là de sa commande la plus importante de la part d'un même client. Les tableaux révèlent une familiarité plaisante entre l'artiste et ses sujets. Wertheimer lèguera la plupart des portraits à la National Gallery.


title: John Singer Sargent

text: Vers 1900, Sargent est à l'apogée de sa renommée. Le dessinateur Max Beerbohm a fait dix-sept caricatures de lui, rendant familière au public son apparence physique rondouillarde. Sargent se met à voyager davantage et consacre relativement moins de temps aux portraits. Son "An Interior in Venice" (1900), un portrait de quatre membres de la famille Curtis dans leur élégant palais vénitien (le palazzo Barbaro), est cependant critiqué par Whistler qui, parlant du jeu de pinceau de Sargent, le résume par . L'un des derniers portraits de Sargent dans son style de virtuose est celui de Lord Ribblesdale, en 1902, élégamment vêtu d'une tenue de chasse. Entre 1900 et 1907, Sargent continue de produire à un rythme élevé. En plus de douzaines de portraits peints à l'huile, il réalise des centaines de portraits simplement dessinés qu'il vend chacun aux alentours de quatre cents dollars de l'époque.


title: John Singer Sargent

text: En 1907, âgé de cinquante et un ans, Sargent ferme officiellement son atelier. Soulagé, il dit : . Cette même année, il peint son propre portrait, sérieux et modeste, son dernier, pour la fameuse collection d'autoportraits de la Galerie des Offices de Florence.


title: John Singer Sargent

text: La renommée de Sargent est alors considérable et les musées se disputent ses œuvres. Il décline le titre de chevalier, préférant rester citoyen américain. Dès 1907, Sargent abandonne la réalisation de portraits et se concentre alors sur les paysages. Il se rend fréquemment aux États-Unis au cours des dix dernières années de sa vie, dont un séjour de deux ans entre 1915 et 1917.


title: John Singer Sargent

text: À l'époque où Sargent termine le portrait de John D. Rockefeller, en 1917, la plupart des critiques le considèrent comme un maître du passé, . Les modernistes le critiquent plus sévèrement, le considérant comme totalement déconnecté des réalités de la vie américaine et des tendances artistiques émergentes comme le cubisme et le futurisme. Sargent accepte calmement la critique, tout en refusant de changer son opinion négative à propos de l'art moderne. Il réplique : . En 1925, peu avant sa mort, Sargent peint son dernier portrait, une toile représentant Lady Curzon. Ce tableau sera acheté en 1936 par le Currier Museum of Art de Manchester dans le New Hampshire.


title: John Singer Sargent

text: Pendant sa longue carrière, Sargent a peint plus de deux mille aquarelles, allant de la campagne anglaise à Venise, du Tyrol à Corfou, du Moyen-Orient au Montana ou au Maine et à la Floride, chaque destination lui offrant un trésor de stimulation picturale. Même pendant ses loisirs, s'échappant des pressions de son atelier, il peint avec une intensité infatigable, souvent du matin jusqu'au soir.


title: John Singer Sargent

text: On remarquera ses centaines d'aquarelles de Venise, dont nombre sont réalisées sur une gondole. Ses couleurs sont parfois extrêmement vives et un analyste remarque, . Au Moyen-Orient et en Afrique du Nord, Sargent peint des bédouins, des gardiens de chèvres et des pêcheurs. Au cours de la dernière décennie de sa vie, il produit de nombreuses aquarelles, dans le Maine, en Floride, et dans l'Ouest américain, représentant la faune, la flore, et les peuples autochtones.