title: Sandro Botticelli

text: Du 18 juin au 18 août 1470, il travaille sur sa première commande publique, d'un prestige et d'une résonance considérables, une allégorie pour le Tribunal de Commerce de Florence, représentant la "Force". Le panneau doit être inséré dans un cycle commandé à Piero Pollaiuolo des sept "vertus chrétiennes", ce dernier en exécutant six. Botticelli accepte les lignes générales du schéma présenté par Pollaiolo, mais interprète l'image d'une manière complètement différente : à la place du siège de marbre austère proposé par Piero, il peint un trône richement décoré aux formes fantastiques qui constituent une référence précise aux qualités morales inhérentes à l'exercice du pouvoir judiciaire, soit en réalité, une allusion symbolique au « trésor » qui accompagne la possession de cette vertu. L'architecture vivante et réelle rejoint la figure d'une femme assise dessus, solide, plastique, mais surtout d'une extrême beauté ; c'est précisément la recherche continue de la beauté absolue, au-delà du temps et de l'espace, qui a conduit par la suite Botticelli à se détacher progressivement des modèles initiaux et à développer un style sensiblement différent de celui de ses contemporains, ce qui fait de lui un cas pratiquement unique dans le panorama artistique Florentin de l'époque. Cette commande signe toutefois la reconnaissance sociale d'un peintre jusqu'alors plutôt spécialisé en Madones à l'Enfant.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli choisit d'exalter la "grâce", c'est-à-dire l'élégance intellectuelle et la représentation exquise des sentiments. C'est pour cette raison que ses œuvres les plus célèbres se caractérisent par une linéarité marquée et un lyrisme intense, mais surtout par un équilibre idéal entre naturalisme et artificialité des formes.


title: Sandro Botticelli

text: Avant de produire ces authentiques chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, il peut cependant élargir son expérience avec d'autres peintures qui constituent le passage intermédiaire nécessaire entre les œuvres de ses débuts et celles de sa maturité.


title: Sandro Botticelli

text: En 1472, Botticelli rejoint la "Compagnia di San Luca", la confrérie des artistes de Florence, et pousse son ami Filippino Lippi âgé de quinze ans, fils de son maître Filippo, à faire de même. Ce dernier, ainsi qu'un ami cher, devient bientôt son premier collaborateur.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli fréquente le cercle de la famille Médicis, notamment les humanistes comme Ange Politien ou Pic de la Mirandole, ce qui lui offre protection et garantie de nombreuses commandes, comme "L'Adoration des mages" (celle de 1475), peinte pour la chapelle funéraire de Gaspare Zanobi del Lama à Santa Maria Novella, une œuvre importante dans laquelle il peint un cortège dans lequel il représente les membres de la famille Médicis. Pour le tournoi de 1475, il peint l'étendard de Julien de Médicis, œuvre aujourd'hui perdue, preuve, en apportant sa participation à une grande cérémonie, qu'il commence à être introduit socialement.


title: Sandro Botticelli

text: Le "Saint Sébastien", destiné à Santa Maria Maggiore, appartient à cette première période, travail dans lequel Botticelli montre son approche de la philosophie de l'académie néoplatonicienne, qu'il doit déjà avoir abordée à l'époque de la "Force". Dans les cercles culturels cultivés proches de la famille Médicis, animés par Marsile Ficin et Ange Politien, la réalité est vue comme la combinaison de deux grands principes, le divin d'un côté et la matière inerte de l'autre ; l'homme occupe ainsi une place privilégiée dans le monde car, par la raison, il peut accéder à la contemplation du divin, mais il peut aussi se replier aux niveaux les plus bas de sa condition s'il n'est guidé que par la matérialité de ses propres instincts. Dans cet œuvre, Botticelli, en plus d'exalter la beauté corporelle, veut à la fois détacher la figure suspendue dans les airs du saint de la mondanité, la mettre en valeur avec cette lumière sur les côtés qui le rapproche du ciel et de la transcendance, et mettre en évidence, comme Piero Pollaiolo le fait plus explicitement dans une peinture analogue, la mélancolie qui se dégage de l'offense que le monde, impénétrable à ces idéaux, a commis contre saint Sébastien. Il réussit ainsi à rendre visible cette beauté que ses amis philosophes néoplatoniciens, dont il accueille pleinement les idées, théorisent, en y rajoutant son interprétation personnelle du caractère mélancolique et contemplatif, qui le distingue des autres artistes de son temps.


title: Sandro Botticelli

text: Il compose en 1472 le diptyque des "Épisodes de la vie de Judith", avec "La Découverte du cadavre d'Holopherne" et "Le Retour de Judith à Béthulie". Les deux panneaux, peut-être réunis à l'origine, fournissent une preuve supplémentaire de la leçon assimilée de ses maîtres. En effet, dans le premier, avec la "Découverte du cadavre d'Holopherne," la référence au style de Pollaiolo est encore forte, avec le modelage incisif des personnages, le chromatisme brillant et l'expressionnisme marqué de la scène. Tout le drame et la violence qui caractérisent ce premier épisode disparaissent totalement dans le second panneau, avec une atmosphère presque idyllique plus adaptée au langage et à la sensibilité de Fra Filippo ; le "Retour de Judith à Béthulie" est inséré dans un paysage délicat, dans lequel les deux femmes évoluent d'un pas presque incertain. Cependant, ce n'est pas la énième citation du maître : la draperie vibrante des robes suggère un sentiment d'agitation étranger à Filippo, tout comme l'expression mélancolique sur le visage de Judith.


title: Sandro Botticelli

text: Le format du tableau avec l"'Adoration des Mages;" exécuté entre 1473 et 1474 et conservé à la National Gallery de Londres, est un dérivé du "desco da parto" traditionnel, exemple d'anamorphose (ou anamorphose), qu'il faut le mettre en position horizontale pour pouvoir le regarder. Il constitue l'une des premières expériences visant à déformer la perspective telle qu'elle s'est configurée au .


title: Sandro Botticelli

text: De cette même période (1474-1475), date une œuvre composée avec les mêmes principes qui révèle également l'influence flamande : le "Portrait d'un jeune homme portant le sceau de Cosme l'Ancien." Le célèbre "Portrait de Julien de Médicis" est légèrement postérieur et date de 1478..


title: Sandro Botticelli

text: Dans les années soixante-dix, le style de Botticelli apparaît désormais pleinement campé. Ses œuvres ultérieures s'enrichiront ensuite de thèmes humanistes et philosophiques dans les grandes commandes qui lui seront confiées par des membres importants de la famille Médicis, ouvrant sa période de grands chefs-d'œuvre .


title: Sandro Botticelli

text: Les néo-platoniciens offrent la revalorisation la plus convaincante connue de la culture antique depuis la période de l'antiquité, réussissant à combler le fossé qui s'était formé entre les premiers partisans du mouvement humaniste et la religion chrétienne, qui condamnait l'antiquité comme païenne ; non seulement ils proposent de nouveau avec force les « "vertus des anciens comme modèle éthique" » de la vie civile, mais ils parviennent à réconcilier les idéaux chrétiens avec ceux de la culture classique, s'inspirant de Platon et des divers courants de la mystique païenne tardive qui témoignaient de la profonde religiosité des communautés préchrétiennes.


title: Sandro Botticelli

text: L'influence de ces théories sur les arts figuratifs est profonde. Dans le système néoplatonicien, les thèmes de la beauté et de l'amour deviennent centraux parce que l'homme, poussé par l'amour, peut s'élever du royaume inférieur de la matière vers le domaine supérieur de l'esprit. La mythologie est entièrement réhabilitée et on lui attribue le même rang que les thèmes des sujets sacrés ; cela explique aussi la raison pour laquelle les décorations profanes connaissent alors une si large diffusion.


title: Sandro Botticelli

text: Vénus, la déesse la plus pécheresse de l'Olympe païen, est totalement réinterprétée par les philosophes néoplatoniciens et devient l'un des sujets les plus fréquemment représentés par les artistes selon une double typologie : la "Vénus céleste", symbole de l'amour spirituel qui pousse l'homme vers l'ascèse, et la "Vénus terrestre", symbole de l'instinct et de la passion qui le font tomber.


title: Sandro Botticelli

text: La lutte entre un principe supérieur et un principe inférieur (par exemple Mars apprivoisé par Vénus ou les monstres tués par Hercule), est un autre thème souvent représenté selon l'idée d'une tension continue de l'âme humaine, suspendue entre vertus et vices ; l'homme dans la pratique tend vers le bien, mais est incapable d'atteindre la perfection et est souvent menacé par le danger de retomber vers l'irrationalité, dictée par son instinct ; le drame existentiel de l'homme néoplatonicien, conscient de devoir pourchasser toute sa vie une condition qui ne peut être atteinte de manière définitive, découle de cette conscience de ses propres limites.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli, ami des philosophes néoplatoniciens, a pleinement accepté leurs idées et réussit à rendre visible la beauté qu'ils théorisent, avec son interprétation personnelle au caractère mélancolique et contemplatif, qui souvent ne coïncide pas avec celle proposée par d'autres artistes liés au même environnement culturel.


title: Sandro Botticelli

text: En 1474, Botticelli est appelé à Pise pour peindre un cycle de fresques dans le Camposanto monumentale. Preuve de son habileté, on lui demande un retable avec l'Assomption, mais aucune des deux commandes n'est achevée pour des raisons qui demeurent inconnues.


title: Sandro Botticelli

text: Les relations de Botticelli dans le cercle de la famille Médicis lui sont sans doute utiles pour lui garantir une certaine protection et de nombreuses commandes effectuées pendant une vingtaine d'années. En 1475, il peint la bannière de la joute qui se tient sur la Piazza Santa Croce, où il représente Simonetta Vespucci, muse d'une beauté épique que l'artiste représentera tout au long de sa carrière, joute remportée par Julien de Médicis. En 1478, après la conjuration des Pazzi lors de laquelle Julien est tué, Botticelli est invité à représenter le condamné par contumace sur des pancartes accrochées à côté du Palazzo Vecchio, Porta della Dogana, comme Andrea del Castagno l'avait fait des années plus tôt, en 1440, lors du complot des Albizi contre les Médicis, qui avait valu à l'artiste le surnom de « Andrea degli Impiccati ». Sandro embrasse pleinement la cause des Médicis qui le protègent et lui donnent l'opportunité de créer des œuvres de grand prestige.


title: Sandro Botticelli

text: L"Adoration des mages" de 1475, peinte pour la chapelle funéraire de Zanobi del Lama Gaspare à Santa Maria Novella, est particulièrement intéressante : c'est une œuvre très importante car elle introduit une grande nouveauté sur le plan formel, à savoir la vue frontale de la scène, avec les personnages sacrés au centre et les autres disposés en perspective sur les côtés ; avant elle, en effet, il était d'usage de disposer les trois rois et tous les autres membres de la suite sur le côté, à droite ou à gauche, de sorte que les personnages créent une sorte de cortège rappelant la cavalcade annuelle des mages, représentation sacrée perpétuée dans les rues de Florence.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli insère, à la demande de son client, un courtisan des Médicis, les portraits des membres de la famille, dont ceux de Cosme l'Ancien et de ses fils Pierre et Jean qui sont clairement distingués, tandis que Laurent le Magnifique, Julien de Médicis et d'autres personnages de la cour des Médicis sont représentés parmi les spectateurs disposés sur les côtés, formant deux ailes reliées par les figures des deux mages au premier plan au centre. Mais le motif iconographique le plus innovant est celui de la crèche où se trouve la sainte famille, installée sur un bâtiment délabré, tandis qu'en arrière-plan, on peut voir les arcades d'un autre bâtiment à moitié détruit sur lequel l'herbe a maintenant poussé ; ce thème sera généralisé et sera également repris par Léonard de Vinci pour son "Adoration des mages". Il est basé sur un épisode de la "Légende dorée", selon laquelle l'empereur Auguste, qui se vantait d'avoir pacifié le monde, rencontra un jour une Sibylle qui prédit l'arrivée d'un nouveau roi qui pourrait le vaincre et avoir un pouvoir bien plus grand que le sien. Les bâtiments en ruine à l'arrière-plan représentent donc symboliquement le monde antique et le paganisme, tandis que le christianisme, représenté par la crèche, est au premier plan car il constitue le présent et l'avenir du monde. La peinture constitue également une justification exceptionnelle, tant en termes philosophiques que religieux, de la principauté des Médicis sur Florence avec la représentation des principaux membres de la famille sous les traits des mages et des spectateurs.


title: Sandro Botticelli

text: Des portraits de la même époque, en plus de confirmer la relation entre Botticelli et le cercle néoplatonicien, révèlent également des influences flamandes précises dans sa peinture. Dans le "Portrait d'un homme avec une médaille de Cosme l'Ancien" (1474-1475), le personnage est représenté dans une pose de trois quarts et est vêtu de la robe typique portée par la bourgeoisie florentine de l'époque ; on pense aujourd'hui qu'il s'agit presque certainement du frère du peintre, Antonio Filipepi, orfèvre cité précisément dans certains documents des archives Médicis pour la dorure de certaines médailles (celle apposée en stuc sur le tableau a été créée entre 1465 et 1469). Jusqu'alors, le seul exemple connu de portrait de ce type, était celui réalisé par le peintre flamand Hans Memling vers 1470, avec lequel il existe des similitudes notables.


title: Sandro Botticelli

text: Cependant, la référence aux modèles flamands constitue un simple point de départ pour l'artiste qui tend de plus en plus à abstraire les figures de leur contexte.


title: Sandro Botticelli

text: Dans le "Portrait de Julien de Médicis" de 1478, certaines influences flamandes sont encore visibles, comme la porte entrouverte en arrière-plan et la pose du sujet, une référence au chromatisme et à la linéarité énergétique de Pollaiolo, mais la nouveauté est constituée par la colombe en gros plan qui suggère une plus grande introspection psychologique.


title: Sandro Botticelli

text: Le parcours stylistique de Botticelli dans ce genre pictural apparaît abouti dans les portraits suivants comme en témoigne le "Portrait d'un jeune homme", réalisé après 1478, dominé par une linéarité formelle qui n'hésite pas à sacrifier la conquête historique du début de la Renaissance florentine : l'arrière-plan est totalement absent et l'image complètement transfigurée ; la perspective n'est plus considérée comme indispensable pour donner du réalisme à la scène.


title: Sandro Botticelli

text: Dans sa déclaration au cadastre de 1480, un grand nombre d'élèves et d'aides est mentionné, démontrant à quel point l'atelier du peintre est alors très actif. Le "Saint Augustin dans son cabinet de travail" de l'église Ognissanti remonte à cette même année. Commandé par l'importante famille florentine Vespucci, il se caractérise par une puissance expressive qui rappelle les meilleures œuvres d'Andrea del Castagno. Dans un livre ouvert placé derrière le saint, il est possible de lire quelques phrases concernant un frère qui sont aujourd'hui principalement interprétées comme une plaisanterie que le peintre a voulu immortaliser. L"'Annonciation de San Martino alla Scala" est datée de l'année suivante.


title: Sandro Botticelli

text: La politique de réconciliation de Laurent de Médicis avec les alliés de la Conspiration des Pazzi (en particulier Sixte IV et Ferdinand Ier d'Aragon) est menée efficacement à travers également des échanges culturels, avec l'envoi des plus grands artistes florentins dans d'autres villes italiennes, en tant qu'ambassadeurs de la beauté, de l'harmonie et de la primauté culturelle florentine.


title: Sandro Botticelli

text: Le 27 octobre 1480, Botticelli, Cosimo Rosselli, Domenico Ghirlandaio, Le Pérugin et leurs collaborateurs respectifs partent à Rome pour peindre à la fresque les murs de la chapelle Sixtine. Le cycle comprend la réalisation de dix scènes des "Vies du Christ et de Moïse." Les peintres adhérent à des conventions représentatives communes afin de rendre l'œuvre homogène grâce à l'utilisation des mêmes échelles dimensionnelles, structures rythmiques et représentations du paysage. Ils utilisent également des finitions à l'or aux côtés d'une seule gamme chromatique afin que les peintures brillent à la lueur des torches et des bougies. Selon le programme iconographique voulu par Sixte IV, les différents épisodes sont disposés symétriquement pour permettre la comparaison conceptuelle entre la vie du Christ et celle de Moïse, dans un parallélisme continu tendant à affirmer la supériorité du Nouveau Testament sur l'Ancien et à démontrer la continuité de la loi divine qui a été transposée des tables de la Loi au message évangélique chrétien, puis transmise de Jésus à saint Pierre, et de celui-ci à ses successeurs, c'est-à-dire aux papes eux-mêmes.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli se voit attribuer trois épisodes. Le , son contrat pour les peintures est renouvelé, mais le 20 du même mois, son père meurt, le forçant à retourner à Florence, d'où il ne repartira pas.


title: Sandro Botticelli

text: Les trois grandes fresques exécutées par Botticelli, avec le recours aux aides qu'une œuvre d'une telle immensité exige, sont les "Épreuves de Moïse", la "Tentation du Christ" et la "Punition des rebelles", ainsi que quelques figures de papes sur les côtés des fenêtres, dont "Sixte II," aujourd'hui très dégradé et repeint.


title: Sandro Botticelli

text: Dans les fresques de la Sixtine, Botticelli ne montre plus inconsistant et plus dispersé qu'à son habitude, avec des difficultés à coordonner les formes et le récit, créant un ensemble souvent fragmentaire, peut-être en raison de sa désorientation : il travaille sur des dimensions et des thèmes qui ne lui sont pas familiers et dans un environnement étranger. Malheureusement, à cause de la rivalité qui existe entre le pape, un Della Rovere, et les Médicis, ses mécènes, son talent n'est pas reconnu.


title: Sandro Botticelli

text: De retour à Florence, mécontent de l'accueil réservé à ses fresques vaticanes et décidé de ne plus jamais quitter sa ville natale, Botticelli doit exprimer sa décision de ne pas retourner à Rome et s'engage dans de nouvelles commandes pour sa ville. Le 5 octobre 1482, il est chargé de décorer la "Sala dei Gigli" du Palazzo Vecchio avec certains des artistes les plus reconnus de l'époque, tels que Domenico Ghirlandaio, Le Pérugin et Piero Pollaiuolo. Au final, Ghirlandaio est le seul à y travailler : pour des raisons inconnues, les autres n'y participent pas.


title: Sandro Botticelli

text: Son séjour romain a eu toutefois une influence certaine sur l'évolution de son style, stimulant un regain d'intérêt pour les motifs classiques (issus de la vision directe des sarcophages antiques) et une utilisation plus consciente d'éléments architecturaux antiques dans les arrière-plans.


title: Sandro Botticelli

text: L'année suivante, en 1483, Botticelli reçoit la commande des Médicis pour quatre panneaux de cassone avec l"'Histoire de" "Nastagio degli Onesti", tirée d'une nouvelle du "Décaméron". Peut-être commandées directement par Laurent le Magnifique, elles sont un cadeau pour le mariage célébré entre Giannozzo Pucci et Lucrezia Bini la même année.


title: Sandro Botticelli

text: L'intrigue du roman, riche en éléments surnaturels, permet à Botticelli de mélanger la vivacité narrative de l'histoire avec un registre fantastique qui ne lui est pas habituel et, malgré le fait que la main de ses assistants se retrouve dans une grande partie des panneaux, le résultat constitue l'une des œuvres les plus originales et intéressantes de sa production artistique. En 1483, Sandro Botticelli participe au programme décoratif le plus ambitieux initié par Laurent le Magnifique, la décoration de la villa di Spedaletto, près de Volterra, où il réunit les meilleurs artistes de la scène florentine de l'époque : Le Pérugin, Domenico Ghirlandaio, Filippino Lippi et Botticelli. Les fresques, qui avaient, comme on le sait, un caractère délicieusement mythologique, ont été complètement perdues.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli peint pour la villa Medicea di Castello de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, cousin au second degré de Laurent le Magnifique, "Le Printemps" en 1482 et "La Naissance de Vénus" vers 1485, ses deux œuvres les plus connues.


title: Sandro Botticelli

text: "Le Printemps" est, avec la "Naissance de Vénus", l'œuvre la plus célèbre de Botticelli. On ne sait pas si les deux grandes peintures, la première sur bois, la seconde sur toile, sont des "pièces d'accompagnement", comme Vasari les a vues vers 1550 dans la villa Médicea di Castello.


title: Sandro Botticelli

text: Il semble établi, au moins pour "Le" "Printemps," qu'il a été commandé par Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici, qui fut aussi un élève de Marsile Ficin et qui a ensuite fait créer à l'artiste un cycle de fresques (perdues) dans la villa. Le sujet du "Printemps" n'est pas complètement élucidé, les personnages mythologiques qui y figurent se réfèrent à diverses théories du néoplatonisme médicéen et, probablement, font aussi référence au client et à son mariage survenu en 1482.


title: Sandro Botticelli

text: L'une des interprétations les plus plausibles considère le groupe de personnes comme une représentation de l'amour charnel instinctif (le bon groupe), qui déclenche également le changement de nature (la transformation en Flore - Printemps) et qui est ensuite sublimé, sous le regard de Vénus et Éros au centre, dans quelque chose de plus parfait (les Grâces, symbole de l'Amour parfait), tandis qu'à droite, Mercure chasse les nuages avec le caducée pour un printemps sans fin. Vénus serait donc l'idéal humaniste de l'amour spirituel dans une perspective d'ascendance purificatrice.


title: Sandro Botticelli

text: Le mythe est décrit en termes modernes, avec une scène idyllique dominée par des rythmes et des équilibres formels judicieusement calibrés, comme la ligne harmonique qui définit la draperie, les gestes, les profils très élégants, qui se termine par le geste de Mercure. Les figures se détachent nettement sur le fond sombre, avec une spatialité simplifiée rappelant les tapisseries, dans laquelle on voit les premiers signes de la crise du monde de la perspective rationnelle du début du pour aller vers une insertion plus libre des figures dans l'espace.


title: Sandro Botticelli

text: L'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste et de la Renaissance italienne en général, la "Naissance de Vénus", est datable, comme le "Printemps", dans la période qui va de 1477 à environ 1485. Les théories les plus récentes considèrent que les deux œuvres sont pratiquement contemporaines, même s'il est difficile pour Botticelli d'avoir conçu les deux tableaux dans le même programme figuratif en raison de leurs différences de technique et de style. Contrairement au "Printemps", la "Naissance de Vénus" n'est pas mentionnée dans les inventaires des Médicis de 1498, 1503 et 1516, mais grâce au témoignage de Vasari dans "les Vies", nous savons qu'il a vu, en 1550, les deux œuvres exposées ensemble dans la Villa di Castello, la résidence de campagne de la branche cadette de la famille Médicis.


title: Sandro Botticelli

text: Au niveau de l'interprétation, la scène représenterait le moment précédant celui représenté dans le "Printemps," lorsque Vénus s'installe dans le jardin de l'Amour : après sa naissance de l'écume de mer, conduite par l'union des vents Zéphyr et Aura, elle débarque sur les côtes de l'île de Chypre, où elle est accueillie par l'une des Heures qui étend sur elle un riche manteau tissé de fleurs. De nombreux historiens semblent s'accorder sur le lien très étroit entre le tableau et un passage des "Stanze" d'Ange Politien : la coïncidence presque absolue entre le récit et le tableau confirmerait qu'il s'agit d'une illustration du poème du philosophe néoplatonicien, avec des références implicites aux idéaux de l'amour qui caractérisent ce courant de pensée.


title: Sandro Botticelli

text: La Naissance de Vénus serait donc la venue à la lumière de l"Humanitas", comprise comme l'allégorie de la force motrice de la Nature. La figure de la déesse, représentée dans la pose de l"'Aphrodite pudique" (c'est-à-dire en couvrant sa nudité avec ses mains et ses longs cheveux blonds), est la personnification de la "Vénus céleste", symbole de pureté, de simplicité et de beauté sans fioritures de l'âme. C'est l'un des concepts fondamentaux de l'humanisme néoplatonicien, qui revient également sous divers aspects dans deux autres tableaux de Botticelli réalisés dans la même période : "Pallas et le Centaure" et "Vénus et Mars".


title: Sandro Botticelli

text: La composition est extrêmement équilibrée et symétrique, le dessin est basé sur des lignes très élégantes qui créent des jeux décoratifs sinueux et gracieux. Le dessin ne se résout jamais à des effets purement décoratifs, mais maintient un respect du volume et un rendu fidèle des différentes matières, notamment dans les vêtements très légers. La couleur claire et nette, issue d'une technique particulière qui imite la fresque, imprègne les personnages de lumière, faisant ressortir la pureté pénétrante de la beauté. Plus encore que dans le "Printemps", la spatialité du fond est plate, bloquant les personnages dans une suspension magique. La perte progressive des valeurs de la perspective place ce travail après le "Printemps", dans une phase où la « crise » qui frappera Florence à la fin du siècle a déjà plus que jamais commencé. "Pallas et le centaure" (1482-84) est mentionné dans les inventaires des Médicis parmi les œuvres présentes, avec le "Printemps," dans le palais Medici-Riccardi. Selon la pensée néo-platonicienne, soutenue par les écrits de Marsile Ficin, la scène pourrait être vue comme l'allégorie de la raison, symbolisée par la déesse qui gagne sur l’instinct représenté par le centaure, une créature mythologique mi-homme, mi-cheval.


title: Sandro Botticelli

text: Cependant, une autre lecture politique du tableau a également été proposée : il représenterait, toujours de manière symbolique, l'action diplomatique menée par Laurent le Magnifique, qui est engagé à négocier une paix séparée avec le Royaume de Naples pour éviter son adhésion à la ligue anti-florentine promue par Sixte IV ; dans ce cas, le centaure représenterait Rome et la déesse personnifierait Florence (elle porte la hallebarde et a une robe ornée de l'insigne personnel de Laurent), tandis que le golfe de Naples est reconnaissable en arrière-plan.


title: Sandro Botticelli

text: L'interprétation proposée pour une autre allégorie représentant "Vénus et Mars", couchés sur une pelouse et entourés d'un groupe de satyres enjoués, est essentiellement philosophique ; la source d'inspiration de Botticelli semble raisonnablement être "Le Banquet" de Platon que Ficin a traduit, dans lequel la déesse Vénus, symbole d'amour et d'harmonie, triomphe du dieu Mars, symbole de haine et de discorde (Mars est le dieu de la guerre chez les anciens).


title: Sandro Botticelli

text: Les satyres semblent tourmenter Mars en perturbant son sommeil, tout en ignorant complètement Vénus, alerte et consciente ; cette scène serait la figuration d'une autre pierre angulaire des idéaux de la pensée néo-platonicienne, celle de l'harmonie des contraires, constituée par le duo Mars-Vénus, bien que le critique Plunkett ait mis en évidence le fait que le tableau reprend un passage de l'écrivain grec Lucien de Samosate, dans lequel une autre peinture représentant le "mariage d'Alexandre et de Roxane" est décrite. L'œuvre a donc pu être créée pour le mariage d'un membre de la famille Vespucci, protecteur des Filipepi (comme l'indiquerait le motif inhabituel des abeilles en haut à droite, qui figurent dans les armoiries des Vespucci) et cette iconographie aurait été choisie .


title: Sandro Botticelli

text: L'esprit philosophique qui semble envelopper toutes les œuvres de Botticelli dans la première moitié des années 1480 s'étend également à celles de nature religieuse ; en est un exemple significatif, le tondo avec la "Madone du Magnificat", réalisé entre 1483 et 1485 et où, selon André Chastel, Botticelli tente de combiner le naturalisme classique avec le spiritualisme chrétien.


title: Sandro Botticelli

text: La Vierge est au centre, richement vêtue, la tête couverte de voiles transparents et d'étoffes précieuses, ses cheveux blonds entrelacés, une écharpe nouée sur sa poitrine ; le nom donné au tableau dérive du mot « Magnificat » qui apparaît sur un livre tenu par deux anges, habillés comme des pages, qui offrent à la Vierge un encrier, tandis que l'Enfant observe sa mère et, de sa main gauche, attrape une grenade, symbole de la résurrection.


title: Sandro Botticelli

text: En arrière-plan, un paysage apparait à travers une fenêtre circulaire ; le cadre en pierre peinte écrase les personnages au premier plan qui suivent le mouvement circulaire du tableau afin laisser émerger les figures de la surface du tableau, comme si l'image se reflétait dans un miroir convexe. En même temps, la composition aérée par la disposition des deux anges au premier plan, qui mènent le regard à travers une diagonale idéale vers le paysage en arrière-plan.


title: Sandro Botticelli

text: Un tondo pour la salle d'audience de la Magistratura dei Massai di Camera du Palazzo Vecchio, peut-être la "Vierge à la grenade," autre commande publique, occupe l'artiste jusqu'en 1487.


title: Sandro Botticelli

text: A partir de la fin des années 1480, la production du peintre commence à révéler les premiers signes d'une crise intérieure qui culmine dans la dernière phase de sa carrière dans un mysticisme exacerbé, visant à nier le style pour lequel il s'est distingué dans le panorama artistique florentin du siècle. L'apparition sur la scène politico-religieuse du prédicateur ferrarais Savonarole engendre, surtout après la mort de Laurent le Magnifique en 1492, une profonde remise en question de la culture antérieure avec la condamnation des thèmes mythologiques et païens, de la liberté dans les costumes et du luxe ostentatoire. Le moine attaque durement les coutumes et la culture de l'époque, prédisant la mort et l'arrivée du jugement divin, et imposant pénitence et expiation des péchés. L'invasion du roi de France Charles VIII en 1494 semble réaliser ses prophéties, de sorte que Savonarole réussit à fomenter le soulèvement qui chasse Pierre II de Médicis et rétablit la République florentine à l'organisation de laquelle il semble que le frère contribue de façon substantielle.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli est, avec de nombreux autres artistes tels que Fra Bartolomeo et le jeune Michel-Ange, influencé par ce nouveau climat politique et social, qui ébranle les certitudes engendrées par l'humanisme du .


title: Sandro Botticelli

text: Le , Savonarole et ses disciples élèvent le bûcher des Vanités. Des jeunes garçons sont envoyés de porte en porte pour collecter tous les objets liés à la corruption spirituelle : les miroirs et cosmétiques, les images licencieuses, les livres non religieux, les jeux, les robes les plus splendides, les nus peints sur les couvercles des "", les livres de poètes jugés immoraux, comme ceux de Boccace et de Pétrarque. Ces objets sont brûlés sur un vaste bûcher dressé Piazza della Signoria. Des chefs-d’œuvre de l’art florentin de la Renaissance disparaissent ainsi dans les flammes, dont des peintures de Sandro Botticelli que l’artiste a lui-même apportées : il et allait se consacrer aux peintures religieuses. Vasari dans "les Vies des peintres", tome I, dit qu'il est adepte de Savonarole en ces termes : . Aussi, l'on comprend mieux pourquoi Vasari, en qualité d'architecte de la piazzale des Offices, ne fait pas ériger de statue de Sandro Botticelli parmi celles des « grands hommes » qui font le prestige de Florence.


title: Sandro Botticelli

text: En 1497 et 1498, les adeptes de Savonarole organisent plusieurs « feux de Vanités », qui non seulement doivent avoir beaucoup impressionné le peintre, mais aussi suscité chez lui un profond sentiment de culpabilité d'avoir donné un visage à ce magistère artistique si amèrement condamné par le frère.


title: Sandro Botticelli

text: L'hostilité du pape Alexandre VI et d'autres chefs d'États italiens mine la popularité du frère qui, abandonné par ses propres concitoyens, est excommunié, puis condamné au bûcher après un procès fortement contrôlé, subissant la torture sur la Piazza della Signoria le .


title: Sandro Botticelli

text: Que Botticelli soit un partisan militant du moine dominicain n'est pas documenté, mais il y a une allusion à son plaidoyer pour la cause de Savonarole dans la "Cronaca" di Simone Filipepi dans laquelle l'artiste est représenté dans un dialogue dans lequel il dit trouver la condamnation du moine injuste. Certains thèmes du moine dominicain se retrouvent dans ses œuvres ultérieures, comme la "Nativité mystique" et la "Crucifixion mystique", qui témoignent au moins de sa forte attirance pour sa personnalité. Ce n'est pas par hasard si, après 1490, Botticelli se consacre exclusivement à des thèmes sacrés.


title: Sandro Botticelli

text: Les Madones acquièrent une physionomie plus haute et plus élancée, avec des traits plus nets qui leur confèrent un caractère ascétique ("Madone Bardi", "retable de San Barnaba", vers 1485), et qui montrent un plasticisme plus marqué, une utilisation accentuée du clair-obscur, ainsi qu'une expressivité accentuée des personnages. Parfois, le peintre parvient à restaurer un fond d'or archaïque, comme dans le "Retable de San Marco" (1488-1490). L"Annonciation du Cestello" date de cette période (1489-1490) .


title: Sandro Botticelli

text: Le , Botticelli est condamné à une amende par les Ufficiali di Notte e Monasteri, offices spécialisés dans la sanction des crimes contre la moralité, pour une infraction « contra ordinamenta » non spécifiée. Parmi les missions publiques qui lui sont confiées à cette époque, il y a le dessin de la mosaïque de la chapelle de San Zanobi à Santa Maria del Fiore, exécutée ensuite par David Ghirlandaio, Gherardo et Monte di Giovanni, et la participation avec Lorenzo di Credi, Ghirlandaio, Le Pérugin et Alesso Baldovinetti, à l'évaluation des projets de façade du Duomo, qui n'a été construite qu'au .


title: Sandro Botticelli

text: La "Calomnie d'Apelle" exécutée entre 1490 et 1495, marque le véritable « tournant » entre les deux voies, peinture allégorique inspirée par Lucien de Samosate, rapportée dans le traité d'Alberti qui fait allusion à la fausse accusation d'avoir conspiré contre Ptolémée IV faite par un rival au peintre Apelle.


title: Sandro Botticelli

text: Une fois de plus, l'iconographie complexe reproduit fidèlement l'épisode original. La scène est insérée dans une salle de classe grandiose, richement décorée de marbre et de sculptures, pleine de personnages ; le tableau doit être lu de droite à gauche : le roi Midas (reconnaissable à ses oreilles d'âne), sous les traits du mauvais juge, est assis sur le trône, conseillé par "Ignorance" et "Suspicion" ; devant lui se tient "Lividité", l'homme à la capuche noire et la torche à la main ; derrière lui la "Calomnie", une très belle femme qui se fait coiffer par "Perfide" et "Tromperie", tout en traînant le "calomniateur" impuissant au sol ; la vieille femme à gauche est "Pénitence" et la dernière figure de femme, toujours à gauche est "Vérité", les yeux tournés vers le ciel, comme pour indiquer la seule vraie source de justice.


title: Sandro Botticelli

text: Malgré la perfection formelle de la peinture, la scène se caractérise avant tout par un fort sens du drame ; le cadre somptueux contribue à créer une sorte de « cour » de l'histoire, dans laquelle l'accusation réelle semble être dirigée précisément contre le monde antique, dont la justice, une des valeurs fondamentales de la vie civile, semble absente. C'est un constat amer, qui révèle toutes les limites de la sagesse humaine et des principes éthiques du classicisme, pas tout à fait étrangères à la philosophie néo-platonicienne, mais qui s'exprime ici avec des tons violents et pathétiques, qui vont bien au-delà de la simple expression de la mélancolie constatée sur le visages des personnages des premières œuvres de Botticelli.


title: Sandro Botticelli

text: Savonarole est exécuté le 23 mai 1498, mais ses idées ont porté des coups si durs à la vie publique et culturelle florentine que la ville ne s'en est jamais complètement rétablie.


title: Sandro Botticelli

text: Après sa mort, Botticelli n'est plus le même et il ne peut certainement pas embrasser à nouveau les mythes païens comme si de rien n'était. Son point de vue est consigné dans la "Cronaca" de Simone Filipepi (1499) dans laquelle le peintre est décrit dans un entretien avec Dolfo Spini, l'un des juges ayant participé au procès de Savonarole, sur les événements qui ont conduit à la condamnation du frère. Les paroles de Botticelli sonnent comme un reproche à une sentence jugée injuste.


title: Sandro Botticelli

text: Les œuvres des années suivantes apparaissent de plus en plus isolées du contexte local et animées par un fantasme visionnaire. Botticelli se réfugie dans un mysticisme désolé et enflammé comme en témoigne "La" "Lamentation sur" le "Christ mort" pratiquement contemporain de la "Calomnie", avec des personnages aux gestes pathétiques et le corps du Christ au centre qui se cambre en arc-de-cercle, et la "Nativité mystique" de 1501 : Botticelli interprète une scène aux tons apocalyptiques et à la structure archaïque, effectuant une régression consciente qui vient nier la construction de la perspective, se référant à l'iconographie médiévale qui ordonnait les figures selon la hiérarchie religieuse. L'écriture en grec au sommet (unique dans sa production), la danse des anges au-dessus de la crèche et l'étreinte sans précédent entre des créatures célestes et des hommes, constituent les éléments de cette vision prophétique sur l'avènement de l'Antéchrist.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli veut apporter la douleur et le pathétique dans ses compositions afin d'impliquer davantage le spectateur, mais sa tentative de retracer le chemin de la vie et de l'histoire ne rencontre ni la faveur, ni la compréhension de ses contemporains qui, après la « tempête » savonarolienne, essaient lentement de revenir à la normalité. De plus, les influences du frère ont un effet aussi durable que dans la seule production du peintre.


title: Sandro Botticelli

text: En 1493, son frère Giovanni meurt, et en 1495 il réalise des travaux pour les Médicis de la branche « Popolano », peignant pour eux des œuvres destinées à la Villa del Trebbio. En 1498, les biens déclarés au cadastre témoignent d'un patrimoine substantiel : une maison dans le quartier de Santa Maria Novella et un revenu garanti par la villa de Bellosguardo près de Florence.


title: Sandro Botticelli

text: En 1502, une plainte anonyme l'accuse de sodomie. Dans le registre des Officiers de Nuit, le 16 novembre de cette année, il est rapporté que le peintre « garde un garçon ». Dans tous les cas, tant cet épisode que celui ayant eu lieu douze ans plus tôt, sont résolus apparemment sans dommage pour l'artiste.


title: Sandro Botticelli

text: Sa renommée est alors en plein déclin : l'environnement artistique, à Florence et ailleurs, est dominé par Leonard de Vinci, déjà bien établi, et la jeune étoile montante Michel-Ange. Après la "Nativité mystique," Botticelli semble rester inactif. En 1502, il a écrit une lettre à Isabelle d'Este proposant, sans engagement, de travailler sur la décoration de son studiolo.


title: Sandro Botticelli

text: Bien qu'il soit âgé et qu'il ait pris de la distance, son opinion artistique est encore prise en considération : en 1504, il fait partie des membres de la commission chargée de choisir le lieu le plus approprié pour installer le David de Michel-Ange.


title: Sandro Botticelli

text: Le peintre, désormais âgé et presque inactif, passe les dernières années de sa vie isolé et dans la pauvreté. Il meurt le 17 mai 1510 dans la maison de la Via della Porcellenna où il a travaillé toute sa vie. Il est enterré dans la tombe familiale de l'église Ognissanti à Florence.


title: Sandro Botticelli

text: Son seul véritable héritier est Filippino Lippi, qui partage avec lui l'anxiété présente dans sa dernière production.


title: Sandro Botticelli

text: Le style de Botticelli connait plusieurs évolutions au fil du temps, mais conserve certains traits fondamentaux qui le rendent encore reconnaissable aujourd'hui, même pour le vaste public. Les apports fondamentaux de sa formation artistique sont essentiellement ceux de Filippo Lippi, Andrea del Verrocchio et Antonio del Pollaiolo.


title: Sandro Botticelli

text: De Lippi, son premier véritable maître, il apprend à peindre des visages élégants et une beauté idéale raréfiée, le goût pour la prédominance du dessin et du contour, des formes lâches, des couleurs délicatement assorties, la chaleur domestique des figures sacrées. De Pollaiolo, il a acquiert un dessin à la ligne dynamique et énergique, la capacité de construire des formes expressives et vivantes grâce à la force du contour et du mouvement. De Verrocchio, il apprend à peindre des formes solennelles et monumentales, fusionnées avec l'atmosphère grâce aux beaux effets de lumière, et dotées d'effets de matière dans le rendu des différents matériaux.


title: Sandro Botticelli

text: De la synthèse de ces enseignements, Botticelli puise l'expression originale et autonome de son propre style, caractérisé par la physionomie particulière des personnages, à la beauté intemporelle subtilement voilée de mélancolie, par un grand intérêt réservé à la figure humaine par rapport aux arrière-plans et à l'environnement, et à la linéarité qui modifie parfois les formes selon le sentiment recherché (« expressionnisme »), ce dernier point étant remarquable surtout dans la phase tardive de son activité.


title: Sandro Botticelli

text: De temps en temps, selon les sujets et la période, des composantes linéaires ou coloristes, ou enfin expressionnistes, prévalent.


title: Sandro Botticelli

text: Dans sa dernière production, le dilemme s'est posé dans le contraste entre le monde de la culture humaniste, avec ses composantes courtoises et paganisées, et celui de la rigueur ascétique et réformatrice de Savonarole, qui conduit l'artiste à repenser et à une crise mystique qui se lit même dans ses œuvres. Les sujets deviennent de plus en plus introspectifs, presque exclusivement religieux ; les scènes sont plus irréelles, avec la renaissance consciente d'archaïsmes tels que le fond d'or ou une perspective signifiante. Dans cette crise, cependant, il y a aussi le germe de la rupture de l'idéal de la rationalité géométrique du début de la Renaissance au profit d'une disposition plus libre des sujets dans l'espace qui prélude à la sensibilité du .


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli laisse également une production remarquable de dessins. Il s'agit souvent d'œuvres préparatoires à la peinture, mais certains constituent des œuvres indépendantes. Les plus célèbres sont les dessins de la "Divine Comédie", réalisés sur parchemin entre 1490 et 1496 pour Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, et aujourd'hui dispersés entre la Bibliothèque apostolique vaticane et la Kupferstichkabinett à Berlin. Dans ces dessins, la linéarité est accentuée et le goût archaïsant, avec des personnages qui se déplacent très peu dans leur environnement.


title: Sandro Botticelli

text: Les cartons de diverses incrustations sont également attribués à Botticelli, comme celles des portes de la Sala dei Gigli au Palazzo Vecchio (1478) ou certaines pour le studiolo de Federico da Montefeltro (1476) . Les Offices conservent la "Lunette avec trois anges volants," et le croquis à la plume de "l'Allegoria dell'Abbondanza" se trouve au British Museum.


title: Sandro Botticelli

text: Le premier nu peint par Botticelli est masculin. Il s'agit du corps nu du général assyrien Holopherne décapité : "La Découverte du cadavre d'Holopherne". Ce tableau, où Holopherne est retrouvé par ses aides de camp, est le deuxième panneau d'un diptyque dont le panneau gauche montre le retour de Judith suivie de sa servante portant la tête du général dans un panier. Le second nu du même peintre, masculin également, est un Saint Sébastien (Botticelli) percé de flèches, montré en pied lié à une colonne, et auquel, pour la première fois, Botticelli fait observer une double arabesque. Dans ces deux œuvres, le sexe du personnage est dissimulé sous des voiles opportuns. Dans "La Naissance de Vénus", panneau peint une dizaine d'années plus tard, la déesse est représentée nue de face, en pied, grandeur nature. Commandé par Lorenzo di Pierfrancesco, parent de Laurent de Médicis, comme pendant du "Printemps" (dont le Magnifique, son tuteur, lui avait fait cadeau), ce tableau était destiné à décorer sa villa de Castello, proche de Florence. Seuls pouvaient l'admirer les amis de son propriétaire, des néoplatoniciens amateurs de mythologie gréco-romaine et souvent collectionneurs de statues antiques, que la nudité ne pouvait choquer.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli représente dans cette œuvre une Vénus pudique, dont l'attitude est vraisemblablement inspirée par un bas-relief romain. Il montre la déesse sous les traits de Simonetta Vespucci, en dépit du fait que cette jeune femme était morte depuis au moins huit ans quand il a peint d'elle ce portrait idéalisé. Déesse de la beauté et de l'amour, la Vénus nue de Botticelli est au contraire très chaste, se couvrant d'une main la poitrine, dissimulant de l'autre son pubis derrière une mèche de sa longue chevelure flottant au vent. En outre, le peintre a estompé la pointe des seins et le nombril de Vénus, et il lui a donné un regard rêveur qui supprime toute équivoque dans l'esprit du spectateur. Loin d'avoir voulu peindre une "Venus Erotica", Botticelli a représenté la "Venus Humanitas" des platoniciens, pour lesquels la contemplation de la beauté donnait aux hommes une image de la perfection divine. Une copie du personnage central de la "Naissance de Vénus" a été réalisée se découpant sur un fond brun par l'atelier de Botticelli, modèle dont devait s'inspirer ultérieurement Lorenzo di Credi pour peindre sa propre "Vénus".


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli a peint un dernier nu féminin environ vingt ans plus tard, la Vérité de sa "La Calomnie d'Apelle (Botticelli)", pour laquelle il a repris la silhouette de Simonetta Vespucci telle qu'il l'avait représentée dans sa "Naissance de Vénus", le corps observant la même double arabesque, une main levée pour indiquer le ciel, l'autre dissimulant pudiquement son sexe.


title: Sandro Botticelli

text: La peinture de Botticelli multiplie les mystères. Une culture prestigieuse et une attitude souvent hermétique y jouent un rôle décisif, dont Marsile Ficin est la figure la plus représentative. Le plaisir de cet art est complexe et complet : la beauté proprement plastique est celle d'une image codée qui pose l'intimité profonde de la Forme et de l'Intelligible.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli est connu pour ses allégories. Son étude de l'Antiquité gréco-romaine fait partie de ses humanités. Peintre intellectuel dont le public est composé des courtisans d'un haut niveau de culture, autant que richissimes, il peint de nombreux tableaux sur le mode de la référence à la mythographie hellénique pour en tirer des allusions destinées aux amateurs. "La Calomnie d'Apelle" constitue un emblème de ce type de travaux.


title: Sandro Botticelli

text: Son thème général est la représentation de la femme, sur laquelle il porte un regard nouveau tout en la magnifiant.


title: Sandro Botticelli

text: Dans ses thèmes religieux, se détachent celui de ses sept œuvres sur le thème de l'Annonciation et celui de la "Vierge à l'Enfant".Botticelli est appelé à Rome en 1481 par le pape Sixte IV pour exécuter trois fresques qui ornent les murs de la chapelle : "le Châtiment de Coré, de Datan et Abiram" (ou "Punition des Rebelles)", "Les Épreuves de Moïse" et "La Tentation de Jésus" Illustration (par 92 dessins de × ) d'un manuscrit de la "Divine Comédie" de Dante commandé par Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, un des cousins de Laurent de Médicis (pointe de métal sur parchemin, repris à l'encre et mis partiellement en couleurs). Une partie de ces illustrations a appartenu à la reine Christine de Suède et se trouve actuellement au Vatican, l'autre partie est parvenue au Cabinet Royal des Dessins et Estampes de Berlin.


title: Sandro Botticelli

text: Le cratère Botticelli, à la surface de Mercure, a été nommé d'après Sandro Botticelli.


title: Sandro Botticelli

text: Le long métrage "Botticelli, il suo tempo, i suoi amici artisti" de Guido Arata (1993) lui est dédié.


title: Sandro Botticelli

text: L'artiste apparaît également dans la deuxième saison de la série télévisée "", dans laquelle il est joué par Sebastian de Souza.


title: Sandro Botticelli

text: Lors d'une vente aux enchères chez Sotheby's à New York le 28 janvier 2021, le tableau "Jeune homme tenant un médaillon" s'est vendu de dollars. Botticelli est ainsi devenu le deuxième maître ancien le plus cher derrière Léonard de Vinci et l'œuvre devient le portrait le plus cher au monde.


title: Anna et le Roi (roman)

text: Anna et le Roi ("") est le titre d'un roman de l'écrivain américain Margaret Landon, publié en 1944.


title: Anna et le Roi (roman)

text: "Anna et le Roi" est basé sur les mémoires de l'Anglaise Anna Leonowens (1834-1915), préceptrice de 1862 à 1867 à la cour du Siam (actuelle Thaïlande) auprès des enfants du roi Mongkut. Ses mémoires ont été publiés en 1870 en deux volumes : "" et "." Margaret Landon reprend dans son roman le récit à la première personne du singulier utilisé par Anna Leonowens. Elle améliore le récit en incorporant des détails sur les habitants de Siam et leurs culture, détails pris d'autres sources.


title: Anna et le Roi (roman)

text: Le roman est un grand succès de librairie et est traduit dans de nombreuses langues, dont le français. La liberté prise avec la réalité par Leonowens, relayée par Margaret Landon, dont le roman a fait l'objet de nombreuses adaptations filmées, est aujourd'hui attestée.


title: Anna et le Roi (roman)

text: En 1862, Anna Leonowens, jeune veuve anglaise, est engagée par le roi de Siam Mongkut (Rama IV) pour être préceptrice de ses nombreux enfants dont le prince Chulalongkorn, âgé de onze ans et futur roi Rama V. Encouragée par le roi, elle aura une influence bénéfique sur le futur monarque.


title: Anna et le Roi (roman)

text: La jeune gouvernante est désorientée par les coutumes étranges ou cruelles au palais, les très nombreuses femmes du harem royal et par l'apparente goujaterie du roi. Ce dernier est pourtant intrigué lui aussi par la façon de penser occidentale et l'insoumission effrontée d'Anna. Cette opposition entre les deux cultures, traitée souvent de façon comique, est le ressort principal du roman de Margaret Landon, roman ayant servi de base aux différents scénarios hollywoodiens.


title: Anna et le Roi (roman)

text: Les prétendus « comptes rendus factuels » d'Anna Leonowens destinés à flatter la morale puritaine de l'Angleterre victorienne ont, depuis leur popularisation via le roman de Margaret Landon, été dénoncés par de nombreux historiens. Ainsi, dans les années 1970, l'entomologiste britannique W. S. Bristowe rectifie dans son ouvrage "Louis and the King of Siam" de nombreuses inexactitudes concernant le parcours d'Anna Leonowens ainsi que sa véritable fonction de professeur d'anglais à la Cour du Siam (et non de gouvernante des enfants royaux).


title: Anna et le Roi (roman)

text: Mais c'est surtout le portrait du roi tracé par Margaret Landon — et sa supposée romance avec Anna — qui suscita le plus de critiques. Dès 1948, les intellectuels thaïlandais Seni et Kukrit Pramoj donnant une version plus historique du souverain dans "The King of Siam Speaks". Cet essai servira de base au diplomate américain Abbot Low Moffat pour sa biographie du roi, "Mongkut the King of Siam" (1961).


title: Anna et le Roi (roman)

text: La version filmée de 1956, "Le Roi et moi", originellement prévue pour être tournée sur place, a dû se délocaliser en Malaisie et a été interdite durant de nombreuses années en Thaïlande.


title: Bouquinistes de Paris

text: Les bouquinistes de Paris sont des libraires de livres anciens et d’occasion, présents sur une grande partie des quais de Seine ; sur la rive droite, du pont Marie au quai du Louvre ; sur la rive gauche, du quai de la Tournelle au quai Voltaire. Proposant près de , ainsi qu’un grand nombre d’estampes, revues, cartes de collection, plus de gèrent près de sur les quais de la Seine.


title: Bouquinistes de Paris

text: En 2019, les bouquinistes de Paris sont inscrits à l'inventaire du patrimoine culturel immatériel en France.


title: Bouquinistes de Paris

text: Le terme de « boucquain », sans doute dérivé du flamand "boeckijn" (« petit livre »), fait son apparition en 1459 et est attesté sous la forme « bouquin » vers la fin du . Le terme « bouquiniste » apparaît dans le "Dictionnaire de l'Académie française" dans l'édition de 1762 avec la définition et la graphie suivante : . L'étymologie de « bouquin » (au sens de « livre peu estimé », d'occasion) n'est toutefois pas claire, mais le mot dans cette occurrence est attesté dès 1694, toujours par l'Académie, et Littré renvoie bien au mot flamand "boeckin".


title: Bouquinistes de Paris

text: La tradition des bouquinistes parisiens débute aux alentours du avec des petits marchands colporteurs. Sous la pression de la corporation des libraires, un règlement de 1649 interdit les boutiques portatives et l’étalage de livres sur le pont Neuf. Le pouvoir à l'époque était assez soucieux de limiter les marchés parallèles non soumis à la censure. Les libraires ambulants sont donc, selon la période, chassés puis réintégrés sous agréments.


title: Bouquinistes de Paris

text: L'emblème traditionnel des bouquinistes se blasonne ainsi : (Jean Lébédeff). En effet, le lézard symbolise les bouquinistes toujours à la recherche du soleil pour vendre leurs livres, et l'épée représente leur aspiration à la noble profession de libraire auxquels on accordait le privilège de porter l'épée.


title: Bouquinistes de Paris

text: Pendant la Révolution, de 1789 à 1795, malgré une forte baisse de la production éditoriale, seuls étaient imprimés les journaux et brochures révolutionnaires, les bouquinistes prospèrent et s’enrichissent des réquisitions et pillages de bibliothèques de l'aristocratie et du clergé.


title: Bouquinistes de Paris

text: Sous , les quais sont embellis et les bouquinistes se répandent du quai Voltaire au pont Saint-Michel. Ils sont alors enfin reconnus par les pouvoirs publics et ils obtiennent le même statut que les commerçants publics de la ville de Paris. Vers 1840, Charles Nodier, qui s'inquiétait déjà de la disparition de ce petit commerce, rappelait que et de rappeler au souvenir d'un certain Passard, , puis de conclure que .


title: Bouquinistes de Paris

text: En 1859, des concessions sont mises en place par la ville de Paris et les bouquinistes peuvent s'établir à des points fixes. Chacun a alors droit à de parapet pour un droit annuel de tolérance de 26,35 francs et de patente. Les ouvertures se font du lever au coucher du soleil. Enfin, c'est en 1930 que les dimensions des « boîtes » sont fixées.


title: Bouquinistes de Paris

text: Installés sur plus de trois kilomètres le long de la Seine, ils exploitent environ — d'une couleur réglementée appelée « vert wagon » en référence à la signalétique du premier métropolitain et qui est aussi celui des fontaines Wallace ou des colonnes Morris — où sont exposés, selon diverses estimations, environ d'occasion et un très grand nombre de revues, timbres et cartes de collection. Toutefois, si la vente de livres reste la raison sociale officielle, ces boîtes ont toujours par tradition proposé d'autres articles : estampes, timbres, monnaies et petites brocantes, voire souvenirs, comme en attestent les nombreuses représentations (par exemple, le tableau d'Eugène Galien-Laloue intitulé "Notre-Dame vue du quai Saint-Michel", v. 1940). Le règlement actuel a définitivement tranché : une seule boite peut contenir des souvenirs de Paris.


title: Bouquinistes de Paris

text: Les exploitants n'ont plus à acquitter un droit de concession, ils ne payent pas de loyer et l'autorisation de stationnement peut être enlevée à tout moment par la Mairie de Paris. Comme tout commerçant, ils doivent être inscrits au registre du commerce et des sociétés, en donner le justificatif tous les ans. La plupart sont inscrits en auto-entrepreneurs. Ils occupent de parapet chacun, permettant de placer jusqu'à quatre boîtes. Les emplacements doivent obligatoirement être exploités au moins quatre jours par semaine, sauf intempéries.


title: Bouquinistes de Paris

text: En 2009, la mairie de Paris a commencé à donner des avertissements aux bouquinistes qui vendaient majoritairement plus d'articles – souvenirs, bibelots, gadgets – autres que le livre et la gravure, alors que le règlement autorise seulement une boîte sur quatre. Avec l'essor du tourisme dans la capitale, ce phénomène est sensible aux abords des monuments touristiques et des zones les plus fréquentées notamment. La baisse des ventes de livres d'occasion ne fait qu'amplifier ce phénomène poussant même dans certaines zones – comme celle dite du « Purgatoire » près de l'Hôtel de ville de Paris – à la fermeture massive des boites.


title: Bouquinistes de Paris

text: En 2014, les bouquinistes lancent leur premier festival. Cinquante bouquinistes s'étaient alors réunis pour présenter leurs meilleurs choix de livres anciens et d'occasion. Les 4 et 5 septembre 2021, un autre festival est créé par une quarantaine de bouquinistes sur les 200 que compte la profession. Intitulé Paname bouquine, il propose diverses animations (rencontres avec des écrivains, ateliers d'écriture ou encore chasse au trésor pour les enfants)


title: Bouquinistes de Paris

text: Le , sous l'impulsion de la Mairie de Paris, le Ministère de la Culture décide que les bouquinistes de Paris entrent au Patrimoine culturel immatériel de l'inventaire français, condition préalable à une possible candidature au patrimoine mondial de l'Unesco envisagée depuis quelques années notamment à l'initiative de l'Association culturelle des bouquinistes de Paris, unique association qui regroupe près de 80 % des bouquinistes, et des maires du  et arrondissement de Paris. Les rives de la Seine à Paris, sur lesquelles sont installés les bouquinistes, sont déjà inscrites au patrimoine mondial depuis 1991.


title: Bouquinistes de Paris

text: Les bouquinistes de Paris ont inspiré d'autres capitales, comme Ottawa, Pékin ou Tokyo.D'après le "Règlement des bouquinistes des quais de la Seine", toute candidature doit être déposée à la Mairie de Paris en nom propre par le candidat lui-même.


title: Bouquinistes de Paris

text: En 2010, une centaine de candidatures ont été déposées alors que seulement vingt-deux places étaient à pourvoir.


title: Bouquinistes de Paris

text: Les boîtes installées doivent être conformes au « Règlement des Bouquinistes des quais de la Seine » cité ci-devant et dont est extrait l'article qui suit.


title: Bouquinistes de Paris

text: En 2012, à la demande de la Ville de Paris, une réflexion a été lancée en partenariat avec les designers Materiaupôle Paris–Seine-Amont et Paris Région Lab pour « rénover » ces boîtes vertes sensiblement éprouvées par les conditions climatiques et le vandalisme. Après consultation des bouquinistes de quais de la Seine, conception puis réalisation de quatre prototypes de boîtes, un « cahier de recommandations pour la construction de nouvelles boîtes de bouquinistes et/ou l'amélioration des boites existantes » a été rédigé en .


title: Bouquinistes de Paris

text: Les bouquinistes de Paris ont inspiré de nombreux peintres et aquarellistes : Exerçant elle-même cette profession, Camille Goudeau est l'auteure du roman "Les Chats éraflés" (Gallimard, 2021), qui raconte l'histoire d'une provinciale devenue bouquiniste à Paris.


title: Accent grave

text: L’accent grave est un diacritique que l’on retrouve dans divers alphabets.


title: Accent grave

text: L’imprimeur Geoffroy Tory propose pour la première fois en 1529, dans son traité de typographie "Champfleury", des caractères d'imprimerie propres à la transcription du français, notamment l'accent grave. Dès le milieu du , on commence à le rencontrer fréquemment, comme en atteste en 1549 le "Dictionnaire Français-Latin" de Robert Estienne qui le dénomme pour la première fois.


title: Accent grave

text: L'accent grave grec n'apparaissait, en grec ancien, que sur la dernière syllabe d'un mot, dans les cas où l'intonation de celle-ci était grave. Le terme grave dérive d'ailleurs du latin "gravis" (lourd), lui-même traduit du grec βαρύς, qui désignait cette intonation.


title: Accent grave

text: L’accent grave de l’alphabet cyrillique est parfois utilisé en bulgare pour indiquer l’accent tonique sur certaines voyelles , et est généralement utilisé pour différentier (« elle ») de (« et »).


title: Accent grave

text: Dans l'alphabet latin, l'accent grave est directement emprunté à l'alphabet grec. Moins courant que l'accent aigu, on le trouve de manière générale sur les voyelles A, E, O et U, dans les langues suivantes : Le jeu de caractères ASCII ne contient pas de lettre accentuée. À l'époque où il s'agissait de la seule page de code disponible, il était possible d'émuler l'accent grave en plaçant une apostrophe inversée devant la lettre : par exemple, en écrivant « codice_1 » pour « fière ». En VIQR, l'apostrophe inversée était placée après, par exemple « codice_2 » pour « è ».


title: Accent grave

text: La norme ISO/CEI 8859-1 inclut les caractères À, à, È, è, Ì, ì, Ò, ò, Ù et ù. Plusieurs dizaines d'autres lettres portant un accent grave sont disponibles avec Unicode. Cette norme inclut également un caractère accent grave pouvant se combiner avec d'autres caractères.


title: Accent grave

text: Sur certains claviers, l’accent grave possède une touche réservée destinée à être combinée avec une voyelle. Sur les claviers Azerty français et belges ou les claviers Qwerty canadien multilingue, le ù possède une touche pour lui seul alors qu'il n'est utile qu'à un seul mot de la langue française : "où".


title: Accent grave

text: Sur la plupart des Shell Unix (par exemple bash), l'apostrophe inversée (backquote) est utilisée : ce qui est entre 2 backquote est évalué.


title: Kabuki-za

text: Le est le plus fameux théâtre de kabuki à Tokyo. Il est géré par la société Shōchiku.


title: Kabuki-za

text: Il est inauguré le dans le quartier de Ginza et tout de suite considéré comme un lieu de référence en matière de kabuki. C'est un bâtiment de deux étages dont l’extérieur est de style occidental, et l’intérieur, en cyprès du Japon, est de style japonais. En 1911, il fait l’objet de travaux très importants qui donnent également à l’aspect extérieur un style japonais. Cette deuxième version du Kabuki-za brûle entièrement dans un incendie en 1921. Il est reconstruit en 1923 par , qui s'inspire du style de l’époque Azuchi-Momoyama (1568-1603), notamment pour ses . L'intérieur est cependant fortement endommagé par un incendie dû au terrible séisme de 1923 de Kantō, qui fit plus de ; il est finalement inauguré en 1924. Le Kabuki-za a de nouveau brûlé en 1945 à la suite des bombardements américains. Isoya Yoshida (1894-1974) achève sa reconstruction à l'identique en 1951, en s'inspirant du style "sukiya-zukuri", apparu dans l’architecture des pavillons de thé à la fin de l'époque Azuchi-Momoyama. Il pouvait accueillir . La salle est détruite en , ne respectant pas les normes de résistance sismique japonaises.


title: Kabuki-za

text: Elle est reconstruite dans le même site de 2010 à 2013 aux premiers étages d'un nouveau gratte-ciel, tout en reprenant certains éléments de façade existants. Le bâtiment est conçu par Kengo Kuma, s’inspirant aussi du style de l’époque Azuchi-Momoyama. Cette cinquième version du Kabuki-za ouvre le , après une semaine de célébrations. Le théâtre communique directement avec la station de métro Higashi-Ginza, située au deuxième sous-sol de l’édifice.


title: Kabuki-za

text: La nouvelle salle forme les cinq premiers étages, ainsi que deux sous-sols, d'un gratte-ciel de . Elle peut recevoir . L'entrée est faite d'un dont le sol est recouvert d’une moquette rouge vif avec des piliers rouge sombre encadrés par des panneaux de brocart provenant du quartier des tisserands de à Kyoto, et d'une guirlande de lanternes rouges en papier blanc. Le quatrième étage propose une galerie et un jardin regroupant des objets historiques du théâtre kabuki.


title: Kabuki-za

text: Les dimensions de la scène sont identiques à celle de la version précédente : le plateau mesure de longueur sur de hauteur et la partie circulaire mobile de la scène a toujours de diamètre. Une passerelle perpendiculaire à la scène, appelée prolonge celle-ci entre les sièges sur de long. Le rideau de scène mérite une attention particulière : il n'utilise que les trois couleurs ancestrales des décors du kabuki, le noir, le vert et l'orangé, manifestant le respect des traditions japonaises.


title: Kabuki-za

text: Outre la mise aux normes anti-sismiques, des écrans ont été installés sur les sièges, offrant des explications et des sous-titres, et la fosse fait désormais . La salle contient répartis sur trois niveaux : orchestre, premier balcon et deuxième balcon. Il comporte aussi un troisième balcon doté de à prix réduit .


title: Kabuki-za

text: Le répertoire du Kabuki-za comporte des pièces mythologiques, des "jidai mono" (historiques) et des pièces d'amour. Les pièces les plus célèbres sont entre autres "Funa benkei", "Suicides d'amour à Amijima" et "Moritsuna jinya no dan" (« Le Quartier général de Moritsuna »). C'est dans cette salle qu'a été donnée pour la première fois "Iwashi Uri Koi Hikiami" de Yukio Mishima en .


title: Kabuki-za

text: Les représentations ont lieu presque quotidiennement, elles débutent en fin de matinée, jusqu'au soir. Le programme est composé dans la journée d'actes de pièces célèbres, entrecoupés de scènes dansées extraites d'autres pièces, et le soir d'une pièce entière. Mais il est possible, si l'on ne veut pas passer toute la journée au spectacle, de ne prendre un billet que pour un seul acte, ou une seule danse.


title: Division du renseignement de la force aérienne d'autodéfense japonaise

text: La division du renseignement de la force aérienne d'autodéfense japonaise (en anglais : "JASDF Intelligence Division") est une unité de renseignement militaire de la Force aérienne d'autodéfense japonaise spécialisée dans la collecte et l’analyse de données satellitaires et aériennes possédant des unités de reconnaissances aériennes permettant d’appuyer efficacement des opérations militaires si le besoin s’en faisait ressentir.


text: Elle est rattachée au Jōhōhonbu, le service de renseignement des forces japonaises d'autodéfense fondé en .


text: L'Intelligence Division maintient en permanence un groupe de reconnaissance tactique (偵察航空隊（ていさつこうくうたい、JASDF Tactical Reconnaissance Group） sur la base aérienne Hiyakuri de la ville d'Omitama à au nord-est de Tokyo. Il s'agit du 501 Hikotai (Escadron) "Teisatsu Kokutai" () créé en le sur la base aérienne de Matsushima et équipé à l'origine de RF-56F Sabre et redéployé en 1975 sur leur actuelle base.


text: Ce sont, en 2000, 17 chasseurs F-4 EJ qui ont été convertis en avions de reconnaissance et assignés au Hikotai (Hikotai Kokutai) à partir de 1993. L'ID possède également une douzaine d'avions de reconnaissance RF-4E entrés en service à partir de 1974. Les derniers F-4 et le sont désactivés le .


text: Trois drones de surveillance Northrop Grumman RQ-4 Global Hawk sont commandés en novembre 2018 pour une livraison à partir de septembre 2022 . Ils devraient être mis en œuvre par le reconstitué à cette occasion.


text: Les deux premiers satellites espions "Information Gathering Satellite" japonais ont été mis sur orbite en 2003. Leur lancement avait été décidé par le gouvernement japonais en 1998, peu après le lancement par la Corée du Nord d'un missile balistique qui avait survolé l'archipel nippon avant de terminer sa course dans l'océan Pacifique. En 2011, quatre satellites d’observations terrestre sont en service, un cinquième a été perdu à la suite de l'échec du lancement.


title: Train gravitationnel

text: Un train gravitationnel est un mode de transport théorique qui consiste à utiliser la force gravitationnelle d'une planète pour faire circuler un véhicule dans un tunnel, celui-ci pouvant ou non traverser de part en part la planète.


title: Train gravitationnel

text: Boris Vian est connu pour avoir proposé une idée digne d'Alphonse Allais : construire un plan incliné de Paris à Lyon afin de pouvoir s'y rendre sans moteur. Un échange de courriers de lecteurs de Scientific American dans les années 1960 fera même revivre l'idée quelque temps en l'assortissant de très haute technologie.


title: Train gravitationnel

text: Un train de pesanteur est l'un des moyens théoriques de transport prévu pour aller entre deux points sur la surface d'une sphère, en perçant un tunnel qui va directement d'un point à l'autre par l'intérieur de la sphère.


title: Train gravitationnel

text: Dans un grand corps tel qu'une planète, ce train accélère en utilisant seulement la force de pesanteur, puisque, pendant la première moitié du voyage (du point de départ jusqu'au milieu), l'attraction due au centre de gravité le tirerait vers la destination. Pendant la deuxième moitié du voyage, l'accélération serait dans la direction opposée relativement à la trajectoire, mais (en ignorant les effets du frottement) la vitesse acquise serait suffisante pour compenser exactement cette décélération (de sorte que le train atteigne sa destination avec une vitesse égale à zéro).  En réalité, il y a deux raisons pour que les trains de pesanteur n'existent pas. Le passage montré dans l'illustration percerait le manteau et la traversée de la terre une région où la roche est plus fluide que solide. On ne connaît aucun matériau qui résisterait à la chaleur et à la pression énorme. Deuxièmement, les pertes de frottement seraient significatives. Les pertes de frottement de roulement peuvent être réduites en utilisant un train à sustentation magnétique. Le concept pourrait être utilisé sur la Lune.


title: Train gravitationnel

text: Au , le scientifique britannique Robert Hooke a présenté l'idée d'un objet accélérant à l'intérieur d'une planète dans une lettre à Isaac Newton. Un projet de train de pesanteur a été sérieusement présenté à l'Académie des sciences de Paris au . L'idée a été redécouverte dans les années 60 par le physicien Paul Cooper qui a édité un article dans le journal américain de la physique proposant d'envisager des trains à gravité pour un futur projet de transport.


title: Train gravitationnel

text: En 1884 furent créées les premières montagnes russes, premier exemple aussi d'un train mû par la seule gravité. Un système de crémaillère fait arriver les voitures à une certaine hauteur, d'où une pente descendante les accélère et leur procure l'énergie cinétique qui assurera tout leur parcours.Au-delà de ce feu d'artifice d'idées ingénieuses, une question est de savoir si un jour on pourrait leur envisager un début de pratique


title: Train gravitationnel

text: On ne voit donc pas poindre de mise en place d'une telle technologie à un horizon prévisible. Cela ne gâte en rien l'intérêt ludique que peut présenter ce genre d'étude, qui représente une application amusante dans un cadre unique d'un ensemble de concepts étudiés séparément en physique.


title: Train gravitationnel

text: "", film américain de 2012 dans lequel apparait un train gravitationnel appelé « la Chute » traversant de part en part la Terre entre les îles Britanniques et l'Australie.


title: Moteur à énergie mécanique

text: De même que l'on peut faire voler un petit aéroplane-jouet au moyen d'une hélice mue par un élastique, on a essayé de créer des moteurs où un stockage "mécanique" de l'énergie était utilisé en lieu et place d'une source d'énergie thermique, électrique ou hydraulique.


title: Moteur à énergie mécanique

text: C'est le plus simple pour mettre en œuvre de façon simple ces techniques, compte tenu des faibles énergies demandées.


title: Taureau de combat

text: Le taureau de combat ( ou en espagnol) est une race bovine espagnole, principalement élevée pour les spectacles de tauromachie comme la corrida.


title: Taureau de combat

text: L'animal se voit attribuer des appellations différentes en fonction de son âge :


title: Taureau de combat

text: Il appartient au rameau ibérique. Il est élevé principalement pour la tauromachie, originaire des régions du sud de l'Espagne (Andalousie, Estrémadure) ou de Castille-et-León (Salamanque). On compte près de . Tous sont inscrits au registre généalogique. C'est une race de la péninsule Ibérique. Elle a été exportée en Amérique latine, et dans les pays ayant une tradition tauromachique. En France, elle a été introduite au en Camargue sous le nom de Brava.


title: Taureau de combat

text: C'est un bovin de taille moyenne, avec une hauteur au garrot de chez les mâles et chez les femelles. Les taureaux ont un poids faible de et les vaches de . La robe est le plus souvent noire ou brun noir, mais différentes couleurs existent : gris, bringé, rouan, rouge et châtaigne. Les muqueuses sont noires. L'allure de ces animaux est assez élégante, avec un cou long et une tête bien droite. Le règlement dispose qu'un taureau ne doit pas peser moins de . Jusqu'en 1917 les taureaux de combat devaient avoir un poids minimum de . Le "trapío" (allure) de l'animal a une très grande importance dans le "ruedo", sans toutefois être spécifié dans le règlement taurin


title: Taureau de combat

text: La race est élevée pour sa combativité ainsi que pour la production de viande et de cuir. Les vaches ont un grand instinct maternel. Elles vèlent seules, ont assez de lait pour nourrir correctement leur veau et le taureau défend son petit contre les éventuels prédateurs. Ce sont des animaux capables de s'adapter à des conditions difficiles. Ils sont élevés en système extensif en plein air intégral. Autrefois on leur réservait un espace de par bête. Désormais, avec l'excès de constructions, il ne leur reste plus que par bête. Un complément alimentaire peut être amené en période sèche.


title: Taureau de combat

text: La sélection génétique est intense depuis plusieurs siècles, cherchant à produire des animaux combatifs. Ce caractère peu transmissible par héritage nécessite donc un grand réservoir. Chaque année, les veaux sont regroupés, marqués et testés. Les plus aptes au combat sont élevés séparément, les autres sont castrés pour être engraissés. Les femelles sont aussi testées dans des tientas. Seules les plus combatives mériteront d'être gardées pour être des mères de toro. Ce sont les mâles et génisses refusés et les vaches de réforme qui sont fournisseurs de viande. Le taureau qui dirige le troupeau doit être un individu exceptionnel pour conférer à sa descendance les qualités requises. C'est parfois un combattant gracié ("indulto") pour sa bravoure et sa noblesse. Le règlement indique très précisément les conditions de la grâce :


title: Taureau de combat

text: C'est la race la plus pure d'Espagne. Pour courir, les taureaux doivent être inscrits sur le livre généalogique. Pour s'assurer de ce fait, les éleveurs ne possèdent que des individus de pure race. Cet arbre généalogique est établi pour chaque race fondatrice du taureau de combat qui sont au nombre de trente-six ou trente-sept.


title: Taureau de combat

text: À la sortie du toril, il est marqué de la devise, flot de rubans de diverses couleurs, chaque "ganadería" ayant sa propre devise.


title: Taureau de combat

text: Les principales qualités que l’on demande au taureau sont la bravoure, la noblesse et la caste.En France, les caractéristiques du bétail à combattre sont contenues dans le chapitre I du titre V du Règlement de l'Union des villes taurines françaises.


title: Voix (musique classique)

text: D'abord unique instrument de la musique profane, la voix, instrument à part entière, est intégrée comme telle dans les œuvres de musique classique.


title: Voix (musique classique)

text: Pendant la plus grande partie du Moyen Âge, celle-ci est tout d'abord présente, de manière quasiment exclusive, dans le répertoire du chant grégorien. À partir de cette origine, de nombreux genres musicaux dédiés à la musique vocale se développeront au cours des siècles suivants : le motet, la cantate, l'opéra, la mélodie, etc.


title: Voix (musique classique)

text: Au cours de la Renaissance, une différenciation s'amorce entre d'une part la voix du choriste et d'autre part la voix du soliste.


title: Voix (musique classique)

text: Depuis la période baroque, la spécialisation et la virtuosité des voix de solistes n'ont jamais cessé de progresser au cours des siècles. Les chanteurs solistes sont principalement classés selon la hauteur relative de leur voix, comparée à celle des autres typologies vocales.


title: Voix (musique classique)

text: Les qualités d'une voix, son agilité, son volume, sa vélocité, dépendent moins des aptitudes reçues à la naissance, que du travail et des exercices d'entraînement accomplis par le chanteur.


title: Voix (musique classique)

text: On aura soin de distinguer, d'une part, la tessiture, qui désigne l'ensemble des notes aisément réalisées par un chanteur, d'autre part, l'ambitus, qui désigne l'étendue totale d'une voix, comprenant, outre la tessiture, un certain nombre de « notes exceptionnelles », dans l'aigu ou dans le grave, que le chanteur peut émettre au prix d'un effort particulier.


title: Voix (musique classique)

text: Chez les femmes et les enfants, il existe trois catégories vocales principales :


title: Voix (musique classique)

text: Chez les hommes, on distingue quatre catégories :


title: Voix (musique classique)

text: Il existait jusqu'au commencement du une cinquième catégorie : les castrats. Cette pratique, courante à la période baroque — surtout en Italie — ayant été interdite par la suite, les emplois sont maintenant désormais tenus par des chanteuses travesties ou des contreténors.


title: Voix (musique classique)

text: Verdhurt, Garcia, Faure, Crosti, etc. distinguent trois parties, trois registres dans la division de chaque voix, quelle que soit sa nature :


title: Voix (musique classique)

text: Pour Crosti, il n'y a pas que la voix de poitrine et la voix de tête; il y a une sorte d'émission intermédiaire qu'il appelle voix palatale, et qui est une légère modification de la voix de poitrine. La voix palatale est produite au niveau de la glotte suivant le même mécanisme que la voix de poitrine proprement dite (cordes vibrant dans toute leur longueur), mais elle diffère de cette dernière en ce sens que la résonance, au lieu de se faire surtout dans le thorax, vient prendre son appui sous la voûte palatine grâce à une disposition appropriée du pharynx, du voile du palais. Le souffle vocal, envoyé vers les sinus frontaux et frappant directement les parois supérieures du palais, y contracte la rondeur, la majesté et le moelleux auxquels les cavités nasales qu'il traverse, sans les mettre, en vibration toutefois, ajoutent (encore de la sonorité. C'est également dans ce registre que se produisent les sons les plus riches d'un organe. Aussi, faut-il en soigner l'émission, car il constitue en outre le médium, partie de la voix dans laquelle sont écrits généralement les morceaux à chanter.


title: Voix (musique classique)

text: Ne respirez pas en levant les épaules, outre que c'est pénible à exécuter, c'est fort désagréable, à voir, et de plus ce moyen, peu rapide, ne vous permet pas de respirer à fond et de prendre la dose intégrale d'air qui constitue une respiration complète. Respirez du thorax comme lorsque vous êtes couché sur le dos. Allongez-vous sur un lit et étudiez alors quel est le travail qui s'accomplit lorsque vous respirez. Vous verrez que vos épaules ne bougent pas, que seul votre thorax fonctionne. Eh bien, une fois debout, faites en sorte de vous habituer à prendre votre respiration comme vous la preniez l'instant d'avant, lorsque vous étiez couché sur le dos.  Il sera très important de s'habituer à prendre la respiration par le nez, sans ouvrir la bouche. Par ce moyen, outre qu'on prend autant d'air qu'en ouvrant la bouche, on a l'avantage de ne pas se dessécher la gorge.  Quand vous aurez contracté cette habitude, peu difficile à acquérir d'ailleurs, vous vous étudierez à garder, dans votre poitrine, le plus profondément possible, la respiration que vous aurez prise, et ce, en obligeant votre thorax par un léger effort, une légère pression, à rester dilaté, position qu'il devra garder, autant que possible, tant que vous chanterez, afin que votre poitrine, qui est votre caisse d'harmonie, soit toujours dans son plus grand développement. Respirez donc bien à fond (comme il faut toujours le faire, n'aurait-on qu'un mot à dire) et appuyez constamment, mais légèrement sur votre respiration, d'abord pour l'empêcher de remonter trop tôt, et pouvoir ainsi ne la dépenser qu'avec la plus grande parcimonie et ensuite pour forcer votre poitrine à rester dilatée et offrir ainsi au son le plus grand centre de développement possible. J'ajoute que cette façon de respirer vous permettra de prendre une rapide et copieuse respiration.


title: Voix (musique classique)

text: D'autres distinctions, variant selon les pays, les époques, les compositeurs ou les répertoires, viennent parfois s'ajouter au classement ci-dessus.


title: Voix (musique classique)

text: Selon l'agilité et le timbre, on pourra classer les voix en trois grandes sous-catégories :


title: Voix (musique classique)

text: Il est fréquent que les voix légères disposent de quelques notes supplémentaires dans l'aigu, tandis que les voix dramatiques bénéficient souvent d'une extension de leur registre vers le grave. Ces subdivisions sont couramment employées chez les sopranos, les mezzo-sopranos et les ténors.


title: Voix (musique classique)

text: On dira par exemple, que le rôle du comte Almaviva dans l'opéra "Le Barbier de Séville" de Rossini nécessite une voix de « ténor léger » celui de Don José dans "Carmen" de Bizet une voix de « ténor lyrique » et celui de Florestan dans "Fidelio" de Beethoven une voix de « ténor dramatique » (ou « fort ténor »).


title: Voix (musique classique)

text: D'autres caractéristiques peuvent entrer en ligne de compte dans la classification des types vocaux :


title: Voix (musique classique)

text: Selon la puissance relative, on pourra classer les voix de la manière suivante, par intensité croissante :


title: Voix (musique classique)

text: Dans une chorale ou chœur, les choristes sont habituellement répartis en plusieurs pupitres.


title: Voix (musique classique)

text: Une telle répartition constitue davantage une affectation parmi les différents pupitres, qu'une véritable distribution de parties vocales correspondant précisément à la tessiture de chaque choriste. Néanmoins, autant que faire se peut, les voix les plus élevées sont placées dans les pupitres aigus, et les voix les plus basses, dans les pupitres graves.


title: Voix (musique classique)

text: L'appellation des différents pupitres reprend à peu de chose près la typologie vocale des solistes, dans les pays francophones cependant, le mot « alto » est employé de préférence au mot « contralto », ce dernier restant associé à la voix de soliste.


title: Voix (musique classique)

text: C'est ainsi que, selon la hauteur, on classe les voix de femmes ou d'enfants en deux grandes catégories : le soprano — la plus aiguë — et l'alto — la plus grave. De la même façon, toujours selon la hauteur, on classe les voix d'hommes en deux grandes catégories : le ténor — la plus aiguë — et la basse — la plus grave.


title: Voix (musique classique)

text: Au sein d'un même pupitre, il peut arriver que les emplois se dédoublent — ou se divisent —, le premier sous-pupitre regroupant les voix les plus aiguës du pupitre, le second, les voix les plus graves. On aura ainsi (de l'aigu vers le grave) : les premiers sopranos, les seconds sopranos, etc. En ce qui concerne le pupitre des altos, les premières sont souvent appelées mezzo-sopranos, et les secondes, tout simplement altos. De la même façon, en ce qui concerne le pupitre des basses, les premières sont souvent appelées barytons et les secondes simplement basses.


title: Voix (musique classique)

text: Exemple de répartition des voix dans un chœur mixte (c'est-à-dire composé d'hommes et de femmes) à quatre voix :


title: Voix (musique classique)

text: En Occident, au Moyen Âge, l'étendue moyenne de la voix telle qu'elle était exigée par les partitions ne dépassait guère l'octave. Une portée de quatre lignes permettant de couvrir un ambitus de neuf notes, la sélection de la bonne clé facilitait donc la lecture, en évitant l'utilisation de lignes supplémentaires au-dessus ou au-dessous de la portée. C'est ainsi qu'à cette époque, le choix de la clé déterminait, non pas une typologie vocale, mais une simple étendue correspondant à l'ambitus de telle partie musicale. La terminologie utilisée "superius", "ténor", "basse", etc. désignait en fait une "fonction" précise dans l'édifice polyphonique, et non un véritable « type de voix », ainsi que ce sera le cas, plus tard, à l'époque baroque et à l'époque classique.


title: Voix (musique classique)

text: Dès la Renaissance cependant, une évolution est amorcée chez les solistes. De nombreux progrès techniques sont accomplis dans le domaine vocal, sans doute stimulés par le succès croissant de genres musicaux tels que le madrigal ou l'opéra. Ce mouvement entraîne un développement de la virtuosité et surtout, une "extension" progressive de l'ambitus des différents types vocaux. On peut considérer qu'à partir de la période classique, l'étendue habituelle d'une voix de soliste, est de deux octaves. Il n'est pas rare que des chanteurs dépassent de quelques notes ce registre de base, dans le grave ou dans l'aigu, et les compositeurs ne se priveront pas d'écrire des pièces destinées à telle ou telle voix exceptionnellement douée dans ce domaine. On raconte, par exemple, que l'étendue vocale de Pauline Viardot, célèbre cantatrice du , couvrait plus de trois octaves.


title: Voix (musique classique)

text: Le schéma ci-dessous présente la tessiture des principales typologies vocales pour la musique classique. Il doit évidemment être relativisé. Une telle répartition contient inévitablement une part d'arbitraire, dû à plusieurs facteurs. Tout d'abord, la fréquence du "la" du diapason a considérablement fluctué au cours des époques — et par voie de conséquence, la hauteur des notes, également. Il convient de tenir compte ensuite, d'une certaine imprécision en matière de terminologie, celle-ci variant selon les pays, les compositeurs, les courants musicaux, etc. Enfin, les typologies vocales ne peuvent correspondre exactement aux "voix individuelles" des chanteurs, fussent-ils solistes renommés, et ne constituent que des modèles idéaux associés à des emplois et des répertoires déterminés.


title: Voix (musique classique)

text: Les octaves sont différenciées par numérotation. La convention française donne le numéro "3" au "la" de 440 Hz, noté "la". Dans ce système, le "la" de 220 Hz est noté "la". Le changement d'octave se fait à partir du "do" supérieur ; ainsi on passe du "si" au "do".


title: Voix (musique classique)

text: Cette numérotation diffère selon les pays. Aux États-Unis, le "la" est noté A (une unité de plus). Ce standard est utilisé dans les logiciels d'édition et composition musicales les plus répandus. L'Allemagne et l'Angleterre possèdent également un système de numérotation qui leur est propre (cf schéma ci-dessous).


title: Voix (musique classique)

text: Dans le système français, au-dessous de l'octave 1 se trouve l'octave -1. Dans le système américain, la première octave commence à 0.


title: Voix (musique classique)

text: Correspondances des différents systèmes de notation Les différentes formes de clé en usage au Moyen Âge — principalement, la clé de fa, pour les sons graves, la clé d'ut, pour ceux du médium, et la clé de sol, pour les aigus — ont été successivement placées sur les différentes lignes de la portée.


title: Voix (musique classique)

text: À partir de la Renaissance, seul un petit nombre de clés est maintenu pour la notation des parties vocales. Il s'agit essentiellement de la clé de sol deuxième ligne, des clés d'ut, première, deuxième, troisième et quatrième lignes, et des clés de fa, troisième et quatrième lignes.


title: Voix (musique classique)

text: Il y en a eu d'autres — par exemple, la « clé de sol première », ou encore, la « clé de fa cinquième » — mais qui furent utilisées de manière plutôt exceptionnelle.


title: Voix (musique classique)

text: Au cours du , dans le but de simplifier la lecture des chanteurs — choristes aussi bien que solistes —, les éditeurs de musique vont progressivement abandonner l'usage de certaines de ces « anciennes clés ».Au , une simplification est apportée à ce système et seules deux d'entre elles sont conservées : la clé de sol deuxième pour les voix féminines et la clé de fa quatrième pour les voix masculines. Les parties de ténors, lorsqu'elles sont dissociées des basses, sont toutefois notées en clé de sol octaviée, le "do" grave correspond au "do".


title: Voix (musique classique)

text: Le terme « contre-["note"] » ne désigne pas une note précise mais une hauteur relative : le contre-ut du soprano est équivalent à un "do" alors que celui du ténor est un "do".


title: Raymond Loewy

text: Raymond Loewy, né le à Paris et mort le à Monaco, est un designer industriel et graphiste français devenu franco-américain après sa naturalisation.


title: Raymond Loewy

text: Troisième fils de Max Loewy, né à Presbourg (aujourd'hui Bratislava), et de Marie Labalme, née à Bessèges dans le Gard, Raymond Loewy nait alors que la situation de ses parents se stabilise. Max, naturalisé en 1890, a pu devenir directeur d'un journal d'informations boursières.


title: Raymond Loewy

text: Raymond fait ses études au lycée Chaptal à Paris. À quinze ou seize ans, il se passionne pour l'aviation naissante et construit un modèle réduit d'avion, dont l'hélice est mue par un élastique. Il le vend en boîte de construction, montrant une précoce volonté commerciale. Son (transcription phonétique de ses initiales) est engagé dans la coupe Gordon Bennett pour les petits aéroplanes et gagne des prix entre les mains d'autres enfants ou adolescents en 1910. Le jeune entrepreneur participe ensuite à des conférences sur l'aviation, ce qui ne manque pas de se répercuter sur ses études. À la rentrée suivante, ses parents lui font vendre son affaire, il quitte le Lycée Chaptal et entre à l'école Duvignau de Lanneau, où il reste trois ans. L'école préparait au concours de l'École centrale d'ingénieurs. Sa mère meurt au début de 1911.


title: Raymond Loewy

text: En , il s'engage au 8e régiment du génie, une unité de transmissions basée au Mont Valérien. La Première Guerre mondiale éclate alors qu'il est caporal ; il la termine lieutenant et décoré de la croix de guerre. Son père est mort en 1916, ses frères, libérés quelques mois avant lui, sont aux États-Unis.


title: Raymond Loewy

text: Libéré de l'armée en , il part pour les États-Unis, à New York, où réside son frère médecin et où il espère être embauché par la General Electric. Doué pour le dessin, il trouve du travail comme étalagiste pour des grands magasins dont Macy's et comme illustrateur de mode pour les journaux "Vogue" et "Harper's Bazaar". Ses clients sont Saks Fifth Avenue, Bonwit Teller, White Star Line et Renault. En 1929, il obtient le poste de directeur artistique de Westinghouse. Faisant le constat que tout ce qui l'environne « est très laid », il est habité par l'idée très européenne et "Arts and Crafts" de changer le cadre de vie en l'embellissant, tout en adoptant une approche américaine fondée sur la réussite commerciale. Un an plus tard, il ouvre sa propre agence de design Raymond Loewy et obtient sa première commande en tant que designer industriel : moderniser la machine à dupliquer cyclostyle, inventée par l'Anglais David Gestetner, tout en lui conférant une plus grande praticité et une meilleure esthétique. Les principes de son design sont alors nés. Surtout, le nouveau modèle du duplicateur se vend très bien, ce qui contribue à lancer sa carrière.


title: Raymond Loewy

text: Les années 1930, marquées par la crise, voient un envol de son activité, qui permet aux produits de mieux s'écouler et de se distinguer de la concurrence en jouant sur la psychologie du consommateur. Des années trente aux années cinquante, il travaille pour de nombreuses marques comme Shell dont il dessine le logo, Coca-Cola pour qui il dessine divers objets aux couleurs de la marque, les voitures Studebaker, les cars des Greyhound Lines. Sears, Roebuck and Company lui commande en 1934 le design du réfrigérateur Coldspot, dont les ventes passent de . C'est le début du succès. Le packaging du paquet de cigarettes Lucky Strike, en 1940, constitue un cas d'école dans le redesign d'objets de consommation. Raymond Loewy a simplifié le paquet de cigarettes Lucky Strike, reproduisant le logo sur les deux faces et changeant le fond vert foncé en blanc. Avec l'entrée des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale, la société a commercialisé cette mesure comme du patriotisme, affirmant qu'elle avait été faite pour réduire la consommation d'encre verte et de conserver les métaux utilisés dans l'encre verte.


title: Raymond Loewy

text: Pour le Chemin de fer de Pennsylvanie, qui constitue son client le plus prestigieux et qu'il gardera pendant vingt ans, il dessine les locomotives "K4s", "S1", "T1" et la GG1 qui utilisent le système de la tôle en jupe monocoque préfabriquée et soudée en atelier avant d'être simplement posée sur la machinerie. Sa collaboration avec Studebaker, débutée en 1936, donne naissance en 1947 à la Studebaker "Champion", en 1953 à la Studebaker "Commander" et à la Studebaker "Avanti" en 1961. Son agence s'agrandit et devient, en 1944, Raymond Loewy Associates (avec A. Baker Barnhart, William Snaith, et John Breen), comptant 150 employés et autant de clients actifs.


title: Raymond Loewy

text: Il passe alors pour le pionnier du design industriel et fait la couverture du "Time Magazine" en 1949, honneur qu'il obtient grâce à sa directrice de communication. Il soigne son image au moyen de clichés où il apparaît toujours élégamment vêtu et prenant la pose, avec sa petite moustache. Il construit son personnage dans de nombreuses apparitions publiques. Il publie plusieurs ouvrages, dont, en 1952, son autobiographie ', littéralement "Ne laissez jamais « pas mal » tranquille", , traduit en français sous le titre "La Laideur se vend mal", où il pose son principe commercial, résumé dans l'acronyme MAYA (' : "Le plus avancé encore acceptable"), qui consiste à proposer des solutions les plus avancées possible selon les concepteurs, mais qui restent acceptables pour le public, compte tenu de ses attentes et habitudes.


title: Raymond Loewy

text: En 1931, il épouse Jhona Thomson, qui lui apporte des moyens financiers pour monter son agence, et dont il divorcera en 1945. En 1938 il est naturalisé citoyen américain. En 1948 il épouse Viola Erikson. Ils ont une fille, Laurence. Pressentant le développement du design industriel en Europe où arrive la société de consommation à l'américaine, il fonde deux succursales, d'abord à Londres au milieu des années trente, puis à Paris en 1952. L'agence londonienne, qui ferme pendant la guerre en 1939 et rouvre en 1947, conçoit des balances pour Avery Hardoll Company, des pompes à essence, des emballages, des automobiles pour le groupe Rootes, ainsi que divers appareils. En France, il adopte la traduction en vigueur « esthétique industrielle », initiée en 1949 par Jacques Viénot, et baptise son agence « Compagnie de l'esthétique industrielle », dont il confie au départ la direction à un proche collaborateur, Harold Barnett. Elle conçoit des logos pour les biscuits LU (1957), pour la marque de prêt-à-porter New Man (1968) dont la particularité est qu'il peut se lire à l'endroit comme à l'envers, pour les enseignes de Coop, L'Oréal, Monoprix. Plus tard, toujours dans l'aéronautique, l'aménagement intérieur du Concorde et de ses plateaux-repas lui est confiée, en 1976, par Air France. En 1963, ses différentes agences comptent 250 collaborateurs. Loewy est alors au faîte de sa célébrité et possède une villa à Palm Springs (« "Tierra Caliente" »), dont il a élaboré les plans et l'aménagement, une résidence à Long Island et une autre au Mexique, des appartements à New York et Paris, ainsi que le manoir de la Cense, à Rochefort-en-Yvelines, où il passe ses étés et dirige à distance ses affaires, continuant de suivre de près les projets par correspondance épistolaire, téléphonique et autres moyens de communication.


title: Raymond Loewy

text: Il dessine et fait construire une villa moderniste à Gassin, où il s'installe, sur la route qui mène à Saint-Tropez.


title: Raymond Loewy

text: Le président J.F. Kennedy lui commande la décoration de l'Air Force One. La même année, il livre le design de l'intérieur de la station spatiale Skylab pour la NASA. Il signe les logos BP, de la Baldwin Locomotive Works et le timbre cinq cents John Kennedy, premier timbre d'hommage émis par la poste des États-Unis. Mais ce sont surtout la conception d'articles de consommation (appareils ménagers, ustensiles de cuisine, conditionnements, meubles, vaisselle, argenterie, télévision, radio…) et l'aménagement d'hôtels, de grands magasins, de centres commerciaux et de supermarchés, qui font tourner l'agence américaine. Malgré tout, les transports restent le domaine favori de Loewy.


title: Raymond Loewy

text: L'agence est en butte à des difficultés financières dès le début des années soixante-dix.