10.13125/2039-6597/1246
Il volume Comparative Arts è il risultato del XIV Convegno dell’Associazione tedesca di letteratura generale e comparata, la Deutsche Gesellschaft für Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft, tenutosi presso l’Università di Münster, dal 26 al 28 novembre del 2008. Il titolo del consesso, Comparative Arts. Neue Ansätze zu einer universellen Ästhetik, contiene solo in nuce gli snodi critico-tematici rielaborati dalla pubblicazione, che conquista una direzione di ricerca più specifica, declinando l’universale nell’interazione reciproca tra le arti. «Auch kann man sagen,» — scrive Achim Hölter nella sua premessa in qualità di curatore — «dass die Tagung fruchtbar war durch Widerspruch» (XIX). Il dibattito che sottende il volume, infatti, rifugge da ogni compilazione semplicistica e riduttiva di oggetti particolari.
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2039-6597
1246
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Enza Dammiano
Between
Achim Hölter (ed.), <i>Comparative Arts. Universelle Ästhetik im Fokus der Vergleichenden Literaturwissenschaft</i>
Text.Serial.Journal
https://ojs.unica.it/index.php/between
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Between the Texts / Reviews: Eds. Giulio Iacoli and Marina Guglielmi
2014-06-10
2014-05-27
2014-06-10
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Enza Dammiano
2014
10.13125/2039-6597/1246
Università degli Studi di Napoli "L'Orientale"
2039-6597
7
it
Achim Hölter (ed.), <i>Comparative Arts. Universelle Ästhetik im Fokus der Vergleichenden Literaturwissenschaft</i>
https://ojs.unica.it/index.php/between/article/download/1246/1009
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            Achim Hölter (ed.)
             Comparative Arts.
     Universelle Ästhetik im Fokus der
    Vergleichenden Literaturwissenschaft
 Heidelberg, Synchron Wissenschaftsverlag der Autoren,
                     2011, 433 pp.

      Il volume Comparative Arts è il risultato del XIV Convegno
dell’Associazione tedesca di letteratura generale e comparata, la
Deutsche      Gesellschaft     für     Allgemeine   und     Vergleichende
Literaturwissenschaft, tenutosi presso l’Università di Münster, dal 26 al
28 novembre del 2008. Il titolo del consesso, Comparative Arts. Neue
Ansätze zu einer universellen Ästhetik, contiene solo in nuce gli snodi
critico-tematici rielaborati dalla pubblicazione, che conquista una
direzione di ricerca più specifica, declinando l’universale
nell’interazione reciproca tra le arti. «Auch kann man sagen,» — scrive
Achim Hölter nella sua premessa in qualità di curatore — «dass die
Tagung fruchtbar war durch Widerspruch» (XIX). Il dibattito che
sottende il volume, infatti, rifugge da ogni compilazione semplicistica e
riduttiva di oggetti particolari: «es wäre die wesentlich leichtlebigere
Variante,» — si legge — «ein für allemal jedes Sprechen über
Allgemeinerkenntnisse ad acta legen und sich im Partikulären und im
Kompilieren des Partikulären zu beschränken» (ibid.). Esso si pone,
piuttosto, alla ricerca di elementi comuni, Gemeinsamkeiten, a una Praxis
critica condivisa; è proprio da questi ultimi che la riflessione lascia
emergere, senza tuttavia cedere al rischio di eccessiva astrazione,
nuove concettualizzazioni, tese a contribuire al repertorio
lessicografico della comparatistica: «Daneben wurden aber auf der
Ebene literatur-, medien- oder kulturwissenschaftlicher Praxis auch



Between, vol. IV, n. 7 (Maggio/ May 2014)
Achim Hölter (ed.), Comparative Arts (Enza Dammiano)



zahlreiche konkrete Anläufe, […] Allgemeinbegriffe zum Lexikon der
Komparatistik oder der Ästhetik beizusteuern, die sich in der Zukunft
als tragende Bausteine erweisen könnten» (ibid.).
      Il volume presenta una molteplicità di saggi (trentotto), preceduti
dalla premessa del curatore e distribuiti in sette sezioni che ne
determinano la struttura. Nonostante l’elevato numero di contributi,
quest’ultima, proprio in virtù dall’approccio critico sopra descritto, si
sviluppa in maniera omogenea e circolare, declinando in una sorta di
scambio, reciproco e continuo, i concetti di estetica e universale, arte e
arti: dal dispiegarsi dell’iniziale problema critico di una estetica
universale (I. Universelle Ästhetik) all’esplorazione di una universalità
interculturale (IV. Interkulturelle Universalität), passando attraverso le
arti nel loro ‘contendersi’ lo spazio critico (II. Der Wettstreit der Künste)
e nel loro interagire con gli studi intermediali (III. Multi- und
intermediale Studien), fino a un ampliamento del sistema stesso che le
contiene (VI. Das System der Künste - erweitert). Si arriva, allora, ai
tentativi di indagine di ‘universali estetici’ (VI. Ästhetische Universalien),
per poi tornare al presupposto di partenza, questa volta in una forma
interrogativa (VII. Noch einmal: Universelle Ästhetik?).
      L’analisi della relazione arte/arti, ovvero singolare/plurale, e del
loro uso nel corso degli ultimi tre secoli, inaugura la prima sezione:
«Zu diesem Zweck»— scrive Klaus Weimar — «liefere ich eine ganz
knappe Skizze der Verwendungsweisen von >Kunst< und >Künste< in
Genenwart und Vergangenheit, in den letzten knapp dreihundert
Jahren» (3). L’intervento di Harald Bost, invece, indaga il mito di Orfeo
nelle     sue    trasposizioni    pittoriche,     letterarie,   musicali    e
cinematografiche, analizzando il nesso strutturale arte/mito: «Damit
die Worte klingen und die Bilder leuchten, muß der Künstler wie der
Betrachter sie in einen Bezug zur Unendlichkeit setzten, das heißt
durch sie hindurch den Mythos sehen» (17). Nel saggio successivo,
Armen Avanessian rilegge criticamente Kant, ipotizzando una
conciliazione tra forma interna e forma esterna dell’esperienza estetica,
attraverso la rielaborazione del concetto di ‘sensazione’ dello spazio-
tempo, raumzeit-ästhetische Sensation, per cui: «In unterschiedlichen
Variationen zeigt sich also bei Kant die Möglichkeit einer aisthetischen


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Sensation angedacht, in der die vermeintlich äußere Empfindung zu
einer inneren Reflexion auf die dem Subjekt eigenen Bedingungen der
Möglichkeit von Wahrnehmung führt» (23). Al rapporto tra le arti e
l’Idealismo tedesco è, invece, dedicato il saggio di Detlef Kremer che,
da J. C. Gottsched a K. P. Moritz, dai fratelli Schlegel a F. Hölderlin, a
F. W. J. Schelling fino a F. Hegel, analizza i diversi esiti di una teoria
dei generi. Segue uno studio comparato di testi critici di E. Zola e S.
Mallarmé sulla pittura di E. Manet, inteso come analisi della relazione
chiasmatica tra Sehen und Schreiben (48), che si realizza
nell’osservazione di opere d’arte figurativa e nel processo di scrittura
sulla stessa. La riflessione di Ulrich Meurer sulla ricerca della forma
come costante di ogni analisi comparata chiude la prima sezione.
      Alla figura del ‘paragone’ — Vergleich/Paragone — dalla prima
modernità al ventesimo secolo sono dedicati i tre saggi di Erich
Achermann, Annette e Linda Simonis, e di Peter Gossens; essi
costituiscono la seconda sezione e analizzano genealogia e sviluppo del
concetto di ‘paragone’ per l’elaborazione di una estetica intermediale e
comparativa: «Während der Paragone in der frühen Neuzeit eine
spannungsvolle und agonale Konkurrenz der Künste in Szene setzte,
kommt es in der Moderne nach 1900 vielfach zu einer dialogischen
Wiederaufnahme des alten Paragone- Wettstreit. […] Vielmehr werden
die beteiligten Kunstformen und Medien spielerisch zu einander in
Beziehung gesetzt und zusammengeführt, was zur Ausbildung einer
intermediale Ästhetik führt» (85). Indagando il ‚paragone‘ come tropo
e al contempo come topos per eccellenza di ogni analisi comparata, gli
studiosi mettono a punto l’apparato critico-teorico funzionale ai
discorsi di Praxis che arricchiscono il volume
      Una vera e propria prassi estetica intermediale sembra emergere,
infatti, dai contributi successivi, in cui si dispiega un ampio ventaglio
di interazione reciproca tra le arti: Angelika Corbineau-Hoffmann
analizza il romanzo di G. Rodenbach, Bruges-la-morte, e il suo trasporsi
in pittura, sulla scena e in musica, fino a costituire una autentica
dinamica ipertestuale; Erika Greber propone, invece, una lettura
dell’opera di R. Federman, Double or Nothing, il cui testo si costruisce
come labirinto di forme — «Textlabyrinth» (111) — nell’interazione con


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Achim Hölter (ed.), Comparative Arts (Enza Dammiano)



l’elemento visivo che lo determina. Quest’ultimo diventa
gradualmente protagonista degli studi che seguono: l’opera di P. Celan
diventa visuale in A. Kiefer (Eva Erdmann e Dietmar Schmidt), nelle
dinamiche di lettura che l’artista fa/dà del poeta. A una forma
particolare di relazione immagine-testo, «Bild-Text-Relation» (132),
fatta di citazioni intertestuali che si compenetrano nel racconto di G.
Hoffmann, Der Blindensturz, è dedicata la ricerca di Peter Brandes. La
fotografia immaginata/ immaginaria è al centro dello studio di Maria
Oikonomou che analizza il tentativo del geografo francese V. Bérards e
del fotografo svizzero F. Boissonas di catturare i luoghi testuali
dell’Odissea, «nicht existierende Orte» (143), in Album Odysséen.
Immagini, ideogrammi e strategie testuali differenziate sono indagate
da Christine Ivanovic e Christiane Solte-Gresser nelle relazioni
immagine-testo rispettivamente in Yoko Tawada e in B. Brecht,
Spiegelman e H. Müller. L’elemento sonoro, invece, entra in gioco con
Ulrich Ernst che analizza la valenza testuale della fuga e della sinfonia
come autentiche ‘forme’ non solo musicali.
      A partire dalla quarta sezione, la ricerca va incontro a un
progressivo dilatarsi del sistema stesso delle arti verso il concetto di
interculturalità: in riferimento al programma UNESCO-Memory of the
world, Lothar Jordan si interroga sul valore universale dei concetti
estetici e sulla costituzione di una memoria storico-estetica condivisa;
alla comparazione tra i modelli narrativi europei e quelli africani è
dedicato il saggio di Werner Nell. Del teatro brechtiano e, in generale,
del teatro europeo del dopoguerra scrivono Konstantinos Kotsiaros e
Wolf Gerhard Schmidt. Alla definizione di una ‘pluralità’ di estetiche
differenziate si dedica la quinta sezione del volume: alla formulazione
di una estetica della moda (Gertrud Lehnert) e del fumetto (Monika
Schmitz-Emans), si affiancano l’analisi delle possibilità di definizione
degli studi performativi (Thomas Wägenbaur) e della conquista di una
dimensione estetica da parte del genere specifico del romanzo
picaresco (Elke Sturm-Trigonakis). I tentativi di indagare le strutture
narrative dei videogiochi sfidano la comparatistica a interrogarsi su
una nuova possibile estetica virtuale (Hans-Joakim Backe), mentre lo
studio di Stephan Packard sulla definizione del concetto di


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«intermedium» sembra porsi alla ricerca di unità intermediali fruibili e
condivisibili.
      Con la sesta sezione del volume si approda al tentativo di
ridefinizione di alcune categorie estetiche universali: il comico, con le
sue declinazioni in letteratura e pittura (Christiane Dahms), è indagato
nelle sue potenziali localizzazioni estetiche in un discorso comparativo;
mentre l’assenza, intesa come «Lücke» e «Zwischenräume» adorniani,
è postulata come figura di pensiero che partecipa alle istanze di
trasformazione di un’estetica rinnovata (Carolin Bohn): «Die
erkennklich werdenden ‘paralysierte[n] Zwischenräume […] sind
Auslöser und zeitgleich Bestandteil der Transformation ebenso wie sie
(nachträglich) Bestandteil der neuen Ästhetik» (318). La visualità
diventa rappresentazione transmediale della percezione (Sandra
Poppe); mentre il concetto di Stimmung (Carolin Fischer), si inserisce
dinamicamente in una estetica ermeneutica, quasi a farsi categoria;
autentica categoria post-moderna è, invece, il Trash nelle sue
interrelazioni con il Kitsch e il Camp (Keyvan Sarkhosh). A figure o a
fenomeni estetici sono dedicati i restanti contributi della sezione:
Martin Jörg Schärfer analizza la teoria del collage in J. Rancière e F.
Stark; alla ‘tensione’ tra storiografia e finzione è dedicato il saggio di
Timo Günther; Sophie Wennerscheid problematizza il caleidoscopio
come figura e motivo dell’estetica post-moderna; mentre Sonja Klimek
analizza la metalepsi come fenomeno transmediale, «als
fiktionsinternes Phänomen» (363).
      La settima e ultima sezione si interroga nuovamente, «noch
einmal» (379), sulle possibilità di una estetica universale. I due saggi
che la compongono, rispettivamente di Rüdiger Zymner e Harald
Fricke, indagano i confini del problema critico di partenza, mettendolo
‘ancora una volta’ in gioco: se per il primo una estetica universale
risulta concepibile nel riconoscimento di disposizioni universali che si
differenziano esteticamente a seconda di variabili storico-culturali; per
il secondo tale estetica può essere universale solo se si riconosce al suo
interno un modello funzionale che si misuri con le deviazioni dalla
norma vigente e contempli l’arte stessa come Abweichung: «Wie schon
die Allgemeine Poetik, so kann erst recht eine Allgemeine Ästhetik nur


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Achim Hölter (ed.), Comparative Arts (Enza Dammiano)



durch ein Modell vielfältiger ABWEICHUNGEN von anderwertig
geltenden Regularitäten angemessen konzipiert werden» (392).
      Le ipotesi formulate in risposta all’interrogativo finale chiudono
circolarmente il volume, riaprendo al contempo la riflessione e
restituendo coerenza al lavoro collettaneo. Gli ‘universali’, che la
riflessione critica si propone di indagare, si dispiegano in una prassi
estetica che, proprio in virtù della sua transmedialità, non si traduce
mai in un discorso conchiuso e particolaristico. Essa conquista,
piuttosto, una dimensione universale che si profila nell’interazione
reciproca delle arti; da qui deriva anche la scelta dell’inglese
Comparative Arts che, come nota Klaus Weimar, rende evidente la
relazione di pluralità e reciprocità tra le arti nelle rispettive
declinazioni formali. Il volume si sforza di rispondere al problema di
una estetica universale, di indagarla nei suoi snodi critici, pur non
definendola in sterili astrazioni: «Nein:» — si legge nell’ultimo
contributo — «Es gibt keine universalisierbaren Kunstregeln, Normen,
Prinzipien oder Strukturen, die für alle Künste […] gleichermaßen
grundlegend wären» (392). Ciò che sembra, infatti, accomunare tutte le
arti è proprio il suo ‘divergere’ in maniera funzionale e creativa in un
contesto intermediale: «Ja, die Künste haben in aller Verschiedenheit
etwas gemeinsam: Alle Kunst ist funktionale Abweichung - nämlich
‘Freiheit vom Gesetz der Zeit’» (393).



                                    L’autrice
Enza Dammiano

    Dottoranda di ricerca in Letterature Comparate e Cultrice della
materia in Letteratura russa, presso l’Università degli Studi di Napoli
“L’Orientale”.

      Email: enza.dammiano@gmail.com




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                           La recensione
Data invio: 30/04/2014
Data accettazione: 15/05/2014
Data pubblicazione: 30/05/2014



                 Come citare questa recensione

Dammiano, Enza, “Achim Hölter (ed.), Comparative Arts. Universelle
Ästhetik im Fokus der Vergleichenden Literaturwissenschaft”, Between, IV.7
(2014), http://www.between-journal.it/




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