The Tintoretto Effect: Longhi, Sartre, Bernhard
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Searching for the core of Tintoretto&rsquo;s &lsquo;modern&rsquo; thinking and for his attractivity, the issue touches two different perspectives on the Venetian painter. Different in genre but not so in content, Sartre&rsquo;s essays on Tintoretto&rsquo;s paintings and Bernhard&rsquo;s novel Ancient Masters look at the new relation between the painter and his public as a fundamental feature in his way of working. The painter&rsquo;s aspiration after changing the city, its people and the same rules of the art market is not his only way to go beyond the limits. Also useful for this aim is the theme of perception, of looking, that, peculiarly developed by Tintoretto, as Sartre displays, becomes also an interesting aspect in Bernhard&rsquo;s novel. In the presence of a rather nonfamous portrait by the Venetian painter, The Man with a white Beard, the novel goes beyond and debates on great general artistic questions: originality, masterpiece, tradition and critic.
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Stefania Rutigliano
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Modernity
Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard
Text.Serial.Journal
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Writing and Visions:  Threshold Crossings
2011-05-28
2011-05-28
2011-04-21
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Stefania Rutigliano
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Università degli Studi di Bari Aldo Moro
2039-6597
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Modernity
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Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard
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      Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre,
                  Bernhard
                            Stefania Rutigliano

      Molti hanno scritto dell’opera e della personalità artistica di
Jacopo Robusti detto Tintoretto: da Ruskin (1843) a Fontane (1882), per
citare solo due di quanti segnalano nell’artista veneziano un primo
sconfinamento, dalla critica d’arte all’investimento letterario. Dal
secondo dopoguerra il pittore veneziano è oggetto di un rinnovato
interesse diffuso in opere molto diverse tra loro, fino ai saggi di Jean
Paul Sartre raccolti in Tintoretto o il sequestrato di Venezia (2005) e Alte
Meister (1985) di Thomas Bernhard, che scoprono nell’artista
cinquecentesco questioni di rilievo per l’estetica contemporanea. Quali
siano i nuclei del pensiero ‘moderno’ su Tintoretto, quali le forze di
attrazione da lui esercitate sono quesiti ai quali si può cominciare a
rispondere con le pagine di Roberto Longhi nel Viatico per cinque secoli
di pittura veneziana.
      Il Viatico, compilato in occasione della mostra allestita a Venezia
nel 1946, presenta Tintoretto come uno degli ottanta maestri delle circa
duecento tele veneziane esposte. Longhi ricorda che Ruskin ne aveva
rilanciato il nome quasi un secolo prima, inaugurando quella fama che
dagli inizi del Novecento, per motivi diversi, accompagna con toni
sempre più entusiastici l’artista veneziano. Se l’autore di Modern
Painters (1843) loda Tintoretto in virtù della corrispondenza di segno
romantico tra intenzioni e realizzazioni, in Italia lo si ammirerebbe più
per la bravura che per la fantasia, elogiandone il titanismo tecnico che
lo innalza a modello di «gran capitano dell’industria pittorica» (Longhi
1997: 656). Una pittura che Longhi definisce «astuta» e «sbrigativa»,
rimproverando il «macchinista Tintoretto» che «si sporge un po’
troppo oltre le quinte, ciò che» – dice – «non è mai buon teatro» (ibid.).


Between, vol. 1, n. 1 (Maggio/ May 2011)
Stefania Rutigliano, Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard



Tra le opere esposte (San Demetrio, la Cena, i Quattro Evangelisti, la
Cattura di San Rocco a Montpellier) mancano gli esempi della ritrattistica
del maestro – «per eccellenza effimera, non durevole nella memoria»
(ibid.: 659): Longhi, pur avendo presente «il fiotto d’ombra sotto ogni
naso e molte barbe bianche e farinose; la solita tenda a spegazzoni, le
solite mani spioventi» (ibid.), tra quei ritratti lamenta di ricordare a
stento un uomo.
      I temi della fama e della ricezione che aprono il suo discorso su
Tintoretto rimandano al ruolo decisivo dell’interazione fra l’artista e il
pubblico e indicano un’analisi condotta dal critico d’arte oltre il piano
contenutistico dell’opera: interrogandosi sui motivi della recente
riscoperta dell’artista, Longhi privilegia il rapporto con Venezia e vede
nell’avvicendarsi dei giudizi segni e caratteri distintivi delle diverse
epoche. I quadri rappresentano dunque, oltre alle immagini che
riproducono, coloro che le hanno guardate e valutate. Venezia sta
dentro e fuori le opere, come tradizione di tecniche e temi della pittura,
ma anche come attesa del pubblico e mercato dell’arte: è qui che
Robusti intervenne forzando le regole e provocando le tensioni che lo
isolarono dai concittadini.
      Siamo già alla prospettiva approfondita da Sartre. Le séquestré de
Venise (1957) – primo studio sistematico dopo gli appunti raccolti in La
Reine Albermarle ou le dernier touriste (1951) – valorizza gli elementi di
rottura della concezione artistica di Tintoretto, amplificandoli fino
farne indici del rapporto conflittuale dell’artista con la città dei Dogi.
Recuperando l’aneddoto riportato da Vasari nel 1567, relativo alla
cacciata (1530) per gelosia del giovane Jacopo dalla bottega di Tiziano,
Sartre ne ripercorre il destino di esclusione che, apparentemente
scampato nel 1539, quando Robusti diventa maestro in una città
minacciata dalla crisi economica, torna prepotentemente a imporsi nel
1548, l’anno del San Marco libera lo schiavo. In proposito leggiamo che
«Venezia e il suo pittore si guardano e non si comprendono più»
(Sartre 2005: 51).
      Decisivo, il tema dello sguardo registra il possibile
attraversamento delle frontiere, dall’individualità dell’artista allo
spazio in cui la sua arte si esprime e trova accoglienza, anche se spesso


2
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non benevola. Dal tipo di committenza a cui Tintoretto si rivolge e
ancor più dai mezzi con cui recluta gli acquirenti si evince un tratto di
modernità che può aver inciso nella riscoperta del pittore (anche
Longhi ne parla come di un tratto precipuo). Obbedendo alla legge
della produttività Tintoretto scorge una nuova risorsa nel mercato
secondario della pittura, quello delle copie di bottega: l’artista elimina i
modelli e vieta di imitare le sue tele che i collaboratori potranno
tuttavia usare come ispirazione. Certo, se basta cambiare qualcosa per
produrre degli originali al prezzo di una copia, si sta preannunciando
l’epoca di riproducibilità tecnica dell’opera d’arte. È un aspetto di
quell’astuzia di cui Sartre ricorda altre dirompenti attestazioni nella
carriera di Tintoretto: nel 1564, quando trucca un concorso di bozzetti
alla Scuola grande di San Rocco donando una tela – certo che le regole
della Confraternita impedissero di rifiutare i doni dei fedeli – o nel
1571, quando ritenta il colpo al Palazzo dei Dogi.
      Fin qui il mercato, o meglio l’estensione del mercato dell’arte,
come funzione del rapporto che l’artista stabilisce con l’esterno, una
città che – si è detto – è anche pubblico e mura da riempire.
      Nel «*…+ privilegio di trasformare la città in se stesso *…+» (ibid.:
60) che Tintoretto crede di avere ricevuto per nascita, i quadri
rappresentano la soglia tra Venezia e l’artista che, dipingendo, pensa
alla reazione dello spettatore attirato nell’incanto dei suoi dipinti, e
dunque ambisce a progettare e realizzare da solo l’intero processo
creativo.
      Sartre si spinge oltre l’insistito rapporto dell’artista con la città e i
suoi abitanti. La descrizione del San Marco libera lo schiavo (1547-48)
condotta in Saint Marc et son double (1981) dimostra la centralità assunta
dalle opere come luogo di una nuova gestione dello spazio attraverso
la rappresentazione. Lo scandalo che suscitò la tela sarebbe infatti
provocato dalla caduta del santo che, contro ogni convenzione,
precipita dal cielo per salvare uno schiavo dal martirio.
      Il quadro liquida la teoria dei luoghi naturali condivisa da
gentiluomini e artisti, che restituiva nell’ordine profano della materia
la gerarchia dei valori sacri. Ecco l’immediata indignazione dei
committenti, poiché non si dovrebbe raffigurare la materia se il


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Stefania Rutigliano, Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard



contratto prevede l’esposizione di un tema tratto dalla storia sacra. Il
loro sdegno prova che hanno compreso l’intenzione di Tintoretto ma
non vogliono vedere il disordine di quella pittura ‚compatta e pigiata
di materia‛ – scrive Sartre, rilevando, insieme all’intensità del rapporto
tra l’artista e il pubblico, le minacce di un’arte che travolge gli assetti
sociali.
      Sartre è tanto colpito dal fatto che il pittore conti sulla
partecipazione dello spettatore a seguire il movimento rappresentato
sulla tela, che ritiene lo sguardo una componente del quadro: «*…+ la
pittura divenne una scuola di visione» (ibid.: 208). Visione che
senz’altro è quella di Tintoretto, dell’artista, ma vuole essere anche
quella dello spettatore di fronte alla rappresentazione: lo sguardo crea
una profondità che accoglie anche chi sta fuori dal dipinto, come se il
quadro guardasse a sua volta chi lo osserva assumendo una terza
dimensione. In San Giorgio uccide il drago (1558) – analizzato in Saint
Georges et le dragon (1976) – l’azione che dà il titolo al dipinto si trova
sullo sfondo e viene vista solo quando l’osservatore ha ripercorso la via
di fuga fino alla vittima. Responsabilizzato a esaminare il quadro, lo
spettatore incarnerebbe il sistema di riferimento per stabilire la
distanza tra gli oggetti, mostrando un aspetto del cosiddetto
‘soggettivismo’ di Tintoretto: termine improprio a detta di Sartre,
impiegato come se Robusti avesse inventato la partecipazione del
pubblico alla risurrezione permanente di un dipinto.


         È vero che egli fa entrare il pubblico nei suoi quadri, ma non nel
      modo in cui il prestigiatore chiede a uno spettatore di salire sul
      palco. Non vuole convincere e ancora meno ingannare
      sottolineando le componenti reali della finzione: mostra
      un’immagine e ci obbliga ad approfondirla modificandoci con
      determinazioni immaginarie – in altre parole: sviluppando le
      componenti fittizie delle nostre percezioni reali. (Ibid.: 248)


      L’accento batte non sulla realtà ma sulla finzione. In questo senso
l’artista supera l’innovazione prospettica scoperta dai fiorentini perché



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«ha sfruttato le nostre risorse e fatto di noi i suoi aiutanti. Ma non ha
mai confuso il reale e l’immaginario» (ibid.).
      Nell’epoca del trionfo dell’imitazione Tintoretto offre quindi una
più moderna declinazione del rapporto con la natura, riconoscendo
all’arte una concretezza autonoma. È in gioco la definizione di realismo
della pittura veneziana del Cinquecento – vale a dire «*…+ l’altezza e la
larghezza vera della tela forniscono ai personaggi immaginari le loro
dimensioni fittizie» (ibid.: 222) –, su cui Sartre misura l’eccentricità di
Tintoretto che «pretende di rimodellare la Creazione nello spessore
delle sue tele e che lo spazio infinito vi si incontri *…+» (ibid.: 243).
Nella novità sta indicando la contrapposizione ai maestri antichi: «Il
primo ad avere denunciato l’impostura dei suoi maestri è il Tintoretto.
Masaccio, Uccello, e persino Mantegna credevano di rendere la cosa
stessa, mentre non ne davano che il segno» (ibid.: 207). Lo scossone che
Tintoretto ha inferto alle convenzioni implica dunque una ridefinizione
dei confini dell’opera e della sua fruizione. Discorso che ovviamente
può valere anche oltre l’ambito dell’arte visuale.
      Infatti, nelle riflessioni sul Sequestrato di Venezia Sartre incanala le
linee principali della propria estetica: basti pensare alle teorie sullo
sguardo delineate ne L’Être et le Néant e al peso del milieu nella
valutazione della consapevolezza di un artista e del suo grado di
libertà in Qu’est-ce que la Littérature. In tal senso l’incontro con
Tintoretto sembra appunto eletto da Sartre a esemplificare
l’applicabilità del proprio metodo.
      Il filosofo francese vede gli argomenti a lui cari relativi alla
responsabilità dell’artista e al milieu dell’opera rispecchiati nell’intera
attività del pittore veneziano, che espone il problema delle possibilità
espressive dell’artista di fronte a ricettori che non ne condividono le
opinioni. Uno dei punti di disaccordo indicati da Sarte riguarda
proprio ciò che può entrare in una tela: se per Tintoretto «certamente il
quadro si presenta come un’apertura sul mondo: dall’altra parte della
finestra non ci si può rifiutare nulla *…+» (ibid.: 219), l’opposizione dei
contemporanei rimanda alla questione definita da Lotman 1 a proposito

     1
         Lotman 1975: 145-81.


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Stefania Rutigliano, Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard



dell’orientamento, una delle caratteristiche fondamentali dei modelli
della cultura.
       I motivi dello sguardo e della ricezione rilevati da Sartre tornano
in Alte Meister con modalità diffuse e incisive. Quasi l’intero romanzo
di Bernhard si svolge in presenza dell’Uomo dalla barba bianca di
Tintoretto (1568-1578, periodo tardo; 92,4 x 59,5), osservato dal
protagonista, l’ottantaduenne critico musicale Reger, e da Atzbacher il
quale, guardando entrambi da un angolo nascosto della galleria
adiacente alla Sala Bordone2, riporta i monologhi dell’amico. Non gli
altri dipinti del Tintoretto custoditi nel Kunsthistorisches Museum ma
il ritratto di un vecchio senza nome, simbolo di saggezza e di declino,
diventa lo sfondo e quasi il pretesto del romanzo. La scelta cade su una
sezione dell’opera non molto apprezzata dalla critica – lo abbiamo
appreso da Longhi –, per la scarsa individualità della ritrattistica di
Tintoretto. I burocrati della Serenissima immortalati dal pittore,
rimandando soprattutto il segno della loro funzione sociale, appaiono,
più che come individui, come parti di un tutto anonimo; specie con i
ritratti dei vecchi Tintoretto trasmette stanchezza e delusione,
rendendoli quasi una topografia del vissuto3. Ed è forse proprio per
questo tratto unanimemente umano che L’uomo dalla barba bianca è
chiamato a esprimere una universale Weltanschauung.
       Più che essere descritto, il dipinto esemplifica l’arte come
metafora di specifici modelli culturali. Non a caso Alte Meister è
ambientato in un museo, luogo di consistenza dell’identità nazionale
austriaca, intimamente legata al passato asburgico: «diese ganze
Österreich ist ja nichts anderes, als ein Kunsthistorisches Museum»


      2 All’epoca della pubblicazione del romanzo, la Sala Tiziano o Sebastia-
no si trovava come oggi all’inizio della parte italiana della galleria di pittura
ed era contrassegnata come sala I; la sala in origine indicata come II, cioè la
Sala Bordone, fu successivamente scambiata con la Sala Veronese, sicché oggi
L’uomo dalla barba bianca si trova nella sala III, insieme alle altre opere di Tin-
toretto e di Bordone che Reger o Atzbacher usarono per dare il nome alla sa-
la. Seipel 1999: 201-207.
      3 Cfr. Ferino-Pagden 1994: III-IV.




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(Bernhard 1985), esclama polemicamente Reger, per poi contestare, con
la sola eccezione dell’Uomo di Tintoretto, l’intoccabilità dei capolavori,
e la qualità della collezione del museo, simbolo della scadente politica
culturale degli Asburgo.
      Giustapponendo artisti di varie epoche e vari generi, il discorso di
Reger rappresenta un’antitesi all’organizzazione dei musei in generale
e del Kunsthistorisches Museum in particolare, dove i dipinti sono
raggruppati in base all’epoca. I suoi monologhi trasformano il museo,
scardinandone l’organizzazione fondata sulle nozioni di progressione e
periodizzazione, cioè la cornice entro cui l’arte è fruibile
all’interpretazione del pubblico. Il modo di ricezione di Reger è infatti
una celebrazione della discontinuità.
      L’agilità con cui passa da un quadro al racconto di una tradizione
trova corrispondenza nella concezione di un costante scambio tra
critica e arte che Reger avanza definendosi un kritischer Künstler, con
riferimento all’idea romantica di Kunstkritik ripercorsa da Benjamin in
Der Bergriff der Kunstkritik in der deutschen Romantik4. La tesi
benjaminiana, che la critica dissolva la forma finita ed empirica
dell’opera d’arte, riaffiora in Reger il quale, seguendo le teorie di
Friedrich Schlegel, in effetti elimina ogni barriera tra arte e critica e
smantella le differenze tra le arti: scrivendo per il Times afferma di
sentirsi pittore, musicista e scrittore in uno. Antichi maestri, antiche
sorelle quindi, per citare la bella lettura di Michele Cometa.
      E infatti la possibilità di superare nel discorso critico le frontiere
tra i generi artistici è implicata nella denominazione complessiva di
‚Antichi maestri‛, comprendente non soltanto pittori e scultori, ma i
protagonisti di un’intera tradizione personificata dagli esempi più
prominenti della cultura tedesca. Con l’esercizio dell’attività critica
attraverso il metodo dell’osservazione approfondita e della ricerca
dell’errore, rintracciabile a suo dire in qualsiasi capolavoro, Reger
mette in discussione l’arte canonizzata nei musei perché ne confuta
l’idea di perfezione. Il fatto poi che da anni si concentri esclusivamente
su una sola opera e per giunta minore del pittore veneziano risponde a

     4
         Per quanto affermato cfr. Kaufmann 1998: 105 e segg.


                                                                                   7
Stefania Rutigliano, Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard



un’estetica del frammento che accomuna pittura e scultura: osservare
L’uomo dalla barba bianca equivale a leggere fino in fondo poche righe di
un testo. È la lettura praticata da Reger che, per comprendere il vero
significato dei libri, afferma di sfogliarli anziché leggerli. Lo stesso
Bernhard forza la narrazione verso un’espressione non verbale,
assimilando al testo scritto un modo di vedere dominante nella
percezione dell’arte visuale che estende il campo della significazione
testuale e concepisce il testo come un’entità spaziale5.
      Alla assimilazione di lettura e pittura corrisponde la posizione di
osservatore adottata dal personaggio principale e intensificata dalla
figura di Atzbacher che fissa Reger seduto sulla sua panca e con lui il
quadro di Tintoretto. La doppia visione di Atzbacher ribadisce la
funzione trasversale attribuita al dipinto, pretesto – motivato dagli
interventi di Tintoretto sul coinvolgimento del pubblico – per le
riflessioni sul senso della fruizione artistica di cui si nutre il romanzo.
La contemplazione incorpora nella lettura un atto del vedere che si
estende al lettore, permettendogli di immaginare la scena e di
identificarsi con l’osservatore. Così la partecipazione dinamica dello
spettatore implicata da Tintoretto trova una trasposizione letteraria che
sfrutta anche mezzi squisitamente narrativi: basti pensare all’uso dei
deittici per disorientare il lettore e ricollocarlo consapevolmente di
fronte agli oggetti estetici.
      Una delle scene più lunghe del romanzo esplicitamente legate a
Tintoretto è straordinariamente consonante all’aspetto rilevato da
Sartre a proposito del nuovo mercato inventato dal pittore veneziano
con la trasformazione delle copie di bottega in opere originali. Si tratta
della fondamentale questione dell’originalità dell’opera d’arte
affrontata nell’episodio dell’inglese che fa vacillare l’autenticità
dell’Uomo dalla barba bianca, appeso nella sua camera da letto (si tratta
di un inglese del Galles, quindi anche lui non un inglese originale) e
nello stesso tempo nella Sala Bordone del museo di Vienna. «Es ist, als
ob es nicht nur das gleiche, sondern absolut dasselbe wäre, sagte der


      5
          Per approfondimenti cfr. Long 2001.


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Engländer, sagte Reger» (Bernhard 1985: 156)6. E oltre «Eins von beiden
muß eine Fälschung sein *…+» (ibid.: 158)7, così l’inglese, «*…+ und dann,
daß es aber auch durchhaus möglich sei, daß beide Weißbärtigen
Männer echt sind, also von Tintoretto und echt sind» (ibid.: 160)8.
      Originale e falso qui non sono più contrapposti, ma l’eventuale
mediazione non si dà se non fuori dal testo, poiché la possibilità che
«entrambi gli uomini con la barba bianca siano di Tintoretto e siano
autentici» non è una risposta: di originale nel caso di due uomini dalla
barba bianca non si può propriamente parlare. La soluzione va cercata
nella storia dell’arte, dove non ci sono originali nel senso di primi e
ogni pittore può solo riferirsi a quello che c’era prima di lui.
      Nell’accostamento tra originale e falso potrebbe nascondersi una
critica al culto romantico del genio, che ha stilizzato i grandi dell’arte e
della filosofia in ‘antichi maestri’: insieme ai concetti di originalità e di
genio il romanzo colpisce anche la sopravvalutazione della soggettività
ad essi sottesa. Che sia un genio a muovere queste obiezioni è coerente
solo se alla fine Reger in quanto genio, così come è stato presentato
all’inizio del romanzo, si elimina da sé9.
      L’uomo dalla barba bianca, che segue l’osservatore per 16 metri,
mostra la semplificazione reciproca dei ruoli di osservatore e osservato;
e insieme è la rappresentazione del passato che rincorre il presente,
della tradizione che si impossessa dell’originalità. Negare gli antichi
maestri (senza poterne fare a meno) significa comprenderne la lezione
nel momento attuale e partecipe dell’osservazione, liberando l’arte alla
sua sopravvivenza: non i maestri nella solitudine dei capolavori, ma gli
uomini che, considerando l’arte, ripensano se stessi. Allo stesso modo,
come aveva detto Sartre «*…+ un quadro cessa di essere una superficie

     6
        «È come se non solo fosse uguale, è come se fosse assolutamente lo
stesso, disse l’inglese, diceva Reger» (trad. it.: 103).
      7 «Uno dei due deve essere un falso *…+» (ibid.: 104).

      8 «Ma poi disse anche che era possibilissimo che entrambi gli Uomini

dalla barba bianca fossero autentici, ovvero entrambi di Tintoretto ed entrambi
autentici» (ibid.: 104-105).
      9 Cfr. Walitsch 1992.




                                                                                   9
Stefania Rutigliano, Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard



piatta, abitata da uno spazio immaginario, e diventa un circuito
installato dal pittore, che si richiude sull’amabile clientela e la obbliga a
integrare gli oggetti nella realtà senza alterarne la natura. Non si serve
più il cliente: si lascia che egli si serva da solo» (Sartre 2005: 155).




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                                                                                  11
Stefania Rutigliano, Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard




                                          L’autrice

Stefania Rutigliano

       Stefania Rutigliano è ricercatore di Letterature comparate
all’Università degli Studi di Bari Aldo Moro. Autrice di una
monografia sul Golem, ha studiato la tradizione ebraica e le sue
espressioni moderne (Immanuel Romano, Carlo Michelstaedter, Isaac
B. Singer, Cynthia Ozick, Amos Oz). Ha scritto sul Petrarchismo
europeo, sulla traduzione inglese di Mary Sidney del Triumphus Mortis
e ha tradotto i saggi di T.B. Macaulay su Dante e Petrarca. Si è occupata
del rapporto tra la letteratura contemporanea e le arti figurative.
       Il Golem. Mistica e letteratura, Bari, Graphis, 2006.
       ‚Il modello dantesco nel Ha-Tofet ve-ha-Eden di Immanuel
Romano‛, La letteratura italiana a congresso. Bilanci e prospettive del
decennale (1996-2006), Eds. Raffaele Cavalluzzi et alii, Lecce, Pensa
Multimedia Editore, 2008: 223-31, I.
       ‚La storia della Princesse de Clèves tra Petrarchismo e
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europea dal Rinascimento all'età contemporanea, Ed. Stefano. Bronzini,
Roma, Edizioni di Storia e Letteratura, 2009: 59-70.
       La natura illuminata. La favola secondo Lessing, Lessing, Gotthold
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La cultura letteraria, artistica, teatrale e musicale del métissage (17-18
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        Email: s.rutigliano@lettere.uniba.it




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                                          Between, vol. I, n. 1 (Maggio/May 2011)




                              L’articolo

Data invio: 30/09/2010
Data accettazione: 20/10/2010
Data pubblicazione: 30/05/2011




                  Come citare questo articolo

Rutigliano, Stefania, ‚Effetto Tintoretto: Longhi, Sartre, Bernhard‛, Be-
tween, I.1 (2011), http://www.Between-journal.it/




                                                                              13
