title: Скачать презентацию или конспект Орнаменты и узоры

extracted_text:
Орнаменты
Автор:    Грачева И.Л.,                              учитель  информатики                              МБОУ    Гимназии №9      г.Химки Московской обл.

	Орнамент  (от лат. Ornamentum – 	украшение) – узор, состоящий 	из ритмически упорядоченных 	элементов.
   Орнамент не существует вне предмета: он подчинён особенностям конструкции предмета, назначению, природной красоте материала.

Содержание
Главные эпохи развития орнамента
Классификация орнаментов
Орнаменты в русских народных промыслах

Вопросы для повторения

Главные эпохи развития орнамента
Древний мир
Средние века
Ренессанс
XVII-XVIII века (Европа)
Восточные орнаменты

Древний мир
Орнамент египетского саркофага
Египет. Капитель колонны
Олимпия: фриз
Римские орнаменты
Ассирия

Олимпия: элемент фронтона
Орнамент греческой вазы

Средние века

Древне-христианская мозаика
Арабская мозаика
Романская стенная живопись
Готический инициал
Ирландские инициалы
Готическая капитель
Итальянская миниатюра

Ренессанс
Орнамент пилястра в Фонтенбло
Интарсия (Франция, XVI век)
Из лоджий Ватикана
Фаянсовый кувшин (Германия, 1590)
Инициал М
Бордюр французской рукописи

XVII-XVIII века (Европа)
Деревянная мозаика (XVIII в.)

Декоративная живопись (XVIII в.)
Орнамент с французского фаянса (XVII в.)
Живопись на фарфоре (Франция, XVIII в.)

Восточные орнаменты
Орнаменты индийских рукописей
Японская живопись
Японская эмаль
Китайская эмаль
Персидский фаянс
Персидская чернь

Классификация орнаментов
осуществляется :
по характеру композиции и расположению на украшаемой поверхности;
по используемым мотивам.

Характер композиции на украшаемой поверхности определяет:
Ленточный орнамент
     (бордюр, кайма)

Сетчатый орнамент

Замкнутый орнамент

Основные мотивы определяют:
геометрический орнамент;
растительный орнамент;
зооморфный орнамент;
геральдический орнамент;
комбинированный орнамент

Геометрический орнамент

Растительный орнамент
Городецкая роспись
Индийский орнамент
Из лоджий Ватикана
Романский орнамент

Зооморфный орнамент
Дельфин
Хохлома
Дракон
Двуглавый орёл
Рисунок с древнеегипетского саркофага

Геральдический орнамент
Геральдический лев
Геральдический двуглавый орёл
Готический инициал

Орнамент в русских народных промыслах
Городецкая роспись
Золотая Хохлома
Жостовские подносы
Каслинское чугунное литьё
Платки из Павловского Посада
Вологодское кружево
Русский народный костюм

Городецкая роспись
       Старинный волжский город Городец известен по летописям с 1152 года, славился резчиками по дереву, умелыми корабелами.

 Особенности городецкой росписи – чистые, яркие краски, чёткий контур, белые штрихи, создающие условный объём и живописность. Городецкие мастера изображают не только растительный орнамент, сказочных персонажей, но и жанровые сценки.

Золотая Хохлома
      Уже в XVII веке в селе Хохлома Нижегородского края торговали на ярмарках деревянной расписной посудой.  Для Хохломы  характерно сочетание золотого цвета с чёрным, красным, зелёным, иногда коричневым и оранжевым. Изображения растений, ягод, плодов, птиц и рыб образуют прихотливый узорный орнамент.

Жостовские подносы
      Жостовский  художественный промысел – это декоративная живопись масляными красками с лаковым покрытием на металлических подносах. Сюжеты росписи – цветочные, растительные орнаменты, бытовые сценки из народной жизни, пейзажи. Разнообразна форма подносов.

Каслинское чугунное литьё
     Плавильный и чугуноли-тейный завод в городе Касли Челябинской области работает с середины XXVIII века.
     Изделия каслинских мастеров отличает точность отливки, тщательная отделка и прора-ботка самых мельчайших деталей, мастерство передачи фактуры изделия, его различной поверхности.

Платки из Павловского Посада
      Павловский Посад Московской области известен с XIV века, в XVIII веке становится центром шелко-ткацкого и парчового производств.
       Живописные, с дивным цветочным рисунком, павловские платки хорошо знают не только в России, но и во многих странах мира.

Вологодское кружево
      Кружевоплетение известно на Руси с XVII века. Вологодский кружевной промысел сложился на рубеже XVIII-XIX веков. Кружева плетут из хлопчатобумаж-ных, льняных нитей с помощью коклюшек. Характерная особенность – чёткое деление на крупный выразительный рисунок и прозрачный, воздушный фон (решётка).

Русский народный костюм
Праздничный женский костюм. Вторая пол.XIX в.
Костюм жениха.XIXвек. Воронежская губерния
Костюм молодой женщины. Орловская губерния

Вопросы для повторения
Что означает слово «орнамент»?
Где встречаются орнаменты?
Каково назначение орнамента?
Какие бывают орнаменты?
Почему у разных народов орнаменты выглядят по-разному?

Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Моя прекрасная леди

extracted_text:
Моя прекрасная леди.
Пугачёва Карина 9в.
Немного из истории.
 Моя прекрасная леди” появилась на родине мюзикла,  в Америке, в 1956 году. В основу этого произведения композитором Фридериком Лоу положена легендарная пьеса Бернарда Шоу  “Пигмалион”.  Лоу своей музыкой,  всегда яркой, мелодичной, окрашивает пьесу в лирико-комедийные, порою ироничные тона, донося до нас атмосферу начала прошлого века. Бернард Шоу, скромно отклонивший Нобелевскую премию по литературе, написал свою трактовку греческого мифа о Пигмалионе и Галатее. По его сюжету великий знаток фонетики профессор Хиггинс на спор берется обучить любого простолюдина, да так, что того не отличат от светского человека. Выбор падает на вульгарную без меры цветочницу Элизу Дулитл, которая на самом деле превращается в очаровательную леди с безупречным выговором. Вариации на тему классики часто бывают успешными, а это шоу стало пользоваться прямо-таки бешеной популярностью сразу после бродвейской премьеры 15 марта 1956 года. Через два года состоялась премьера в Лондоне, где роль Хиггинса исполнил Рекс Харрисон, а Элизу сыграла Джули Эндрюс. Мюзикл успешно шел более чем в двадцати странах мира и был переведен на одиннадцать языков. Автор музыки Фредерик Лоу и текстов Алан Джей Лернер даже не мечтали о таком громком успехе.

 На Бродвее “Мою прекрасную леди” давали 2717 раз, в Лондоне немногим меньше – 2281. Среди наград 6 медалей “Тони”, а когда в 1964 году на экраны вышел фильм с Одри Хепберн и Рексом Харрисоном, картина получила восемь статуэток “Оскар” из двенадцати номинаций. Кто видел экранизацию, наверняка согласится с гильдией киноакадемиков. Тексты уморительны, “Я танцевать хочу” напеваешь еще полдня, Хиггинс язвителен и остроумен, ну а Дулитл… Это же Хепберн. Самая прекрасная леди".

Фредерик Лоу.
Фредерик Лоу (Frederick Loewe, имя при рождении Фриц Лёве, Fritz Löwe; 10 июня 1901, Берлин — 14 февраля 1988, Палм-Спрингс, Калифорния) — американский композитор австро-немецкого происхождения. Его мюзикл «Моя прекрасная леди» (1956) вошёл в сокровищницу мировой музыкальной культуры.
Фриц Лёве родился в Берлине, (Австро-Венгрия) 10 июня 1901 года, в семье артиста оперетты. Его талант ярко проявился уже в детстве: в пять лет он играл на пианино, в семь писал музыку для выступлений отца, а в 13 стал самым юным солистом оркестра Берлинской филармонии. В 15-летнем возрасте Лоу написал сразу же ставшей популярной песню «Катрина», ноты которой были распроданы в количестве более одного миллиона экземпляров.

В 1924 году Лоу переехал в США, однако до того как американские продюсеры сумели по достоинству оценить его музыкальное дарование, Леве/Лоу пришлось перепробовать немало самых разнообразных профессий. В частности, он работал тапером, сельскохозяйственным рабочим, золотоискателем и даже выступал как боксер в категории «веса пера». В Америке композитор взял себе имя Фредерик.

Первый успех пришёл лишь в 1947 году после мюзикла «Брагадун». Но подлинный триумф настал в 1956 году, когда была написан мюзикл «Моя прекрасная леди», по которому в 1964 году был поставлен фильм, (с Одри Хепберн в главной роли), получивший 8 призов «Оскар». Но сам Лоу не выдвигался ни по одной музыкальной категории, а приз получил человек, переложивший музыку для фильма. Свой приз Лоу получил в 1959 году за лучшую песню к фильму «Джиджи» (фильм, кстати, завоевал 9 «Оскаров»). В 1975 году Лоу стал номинантом по двум категориям за музыку к фильму «Маленький принц».

СОДЕРЖАНИЕ  ПОСТАНОВКИ
"Моя прекрасная леди" - история цветочницы Элизы Дулитл, которая вела одинокую, незаметную жизнь до встречи своей с профессором Хиггинсом, который  на пари с Пикерингом поставил перед собой цель - научить её безукоризненному английскому языку, более того,  сделать из неё настоящую леди.  Настанет день, и Элиза будет представлена самой английской королеве.  Героиня мюзикла -  обычная лондонская  цветочница,  дитя беднейшего  квартала на Тоттенхем-Корт-роуд. Она не получила  ни воспитания, ни образования.  Что же получится из ее знакомства с несколько эксцентричным профессором фонетики Хиггинсом. Но человек, как говорится, предполагает... И ситуация, к удивлению профессора, вышла из-под его контроля. Что из этого вышло, вы увидите.

КОНЕЦ.


title: Скачать презентацию или конспект Японские сады

extracted_text:
Японские сады как квинтэссенция мифологии синтоизма и философско-религиозных воззрений буддизма. Райский сад монастыря Бёдоин в Удзи
Презентация по курсу МХК (учебник Емохоновой)
Выполнена учителем истории и МХК Гераскиной Е.В.
ГБОУ «Школа 1164» Москва, 2015/2016 учебный год
План урока
1. Повторение пройденного (самостоятельная работа)
2. Что такое философия буддизма
3. Райский сад монастыря Бёдоин в Удзи.
4. Философский сад камней Рёандзи в Киото.
5. Чайный сад «Сосны и лютни» виллы Кацура близ Киото и основы чайной церемонии

Истоки…
Ядро японской культуры, сложившейся на островах Тихого океана, составляет синтоизм (от япон. «синто» – путь богoв) – вера в духов природы и предков.

История культуры Японии - два этапа:
Первобытный этап датируется IV тыс. до н. э. – VI в. н. э. и включает культуры Дзёмон, Яёй, Кофун.
Феодальный этап (VII–XIX вв.) предполагает более детальную периодизацию по названиям столиц и резиденций правителей:
Асука (552–645), Нара (645–794), Хэйан (794–1185), Камакура (1185–1ЗЗЗ), Муромати (1ЗЗЗ–157З), Момояма (157З–1614), Эдо (1614–1868).
ЛЮБОВАНИЕ - особая грань японской культуры
Любое природное явление – дождь, гpoм, ветер, каждая гopa, река, дерево, травинка и даже всплывающая грязь воспринимаются как особое божество – ками, чье присутствие японцы ощущают повсюду и постоянно. Эту особую гpaнь национальной психологии можно определить как любование.
Существует «любование цветущей сакурой», «любование красными листьями клена», «любование полной луной», «любование тихими снегами». Прочитаем тaнку – короткое лирическое пятистишие Ямабэ Акахито (VIII в.):
                                                Я в весеннее поле пошел за цветами,
                                                Мне хотелось собрать там фиалок душистых,
                                                И они показались
                                                Так дороги сердцу,
                                                Что всю ночь там провел средь цветов до рассвета!
                                                                                (Перевод А. Глускиной)
Вид из чайного домика «Любование луной»на озеро и чайный домик «Сосны и лютни». Вилла Кацура. XVII в. Киото
Любование – это не просто поверхностное лицезрение природы, а пристрастная кровная заинтересованность в том, чтобы видеть, как весной цветут вишни, летом кукует кукушка, осенью краснеют листья клена, а внезапно выпавший снег  покрывает ветки уже успевшей расцвести сливы
                                                Ах, лунной ночью их увидеть невозможно!
                                                У нежных слив и лунного луча
                                                Цвета одни.
                                                И лишь по аромату
                                                Узнаешь, где цветы, и сможешь их сорвать!
                                                                         (Отикоти Мицунэ. перевод A.Глускиной)

                                                Туман весенний для чего ты скрыл
                                                Цветы вишневые, что нынче облетают
                                                На склонах гop?
                                                Не только блеск нам мил –
                                                И увяданья миг достоин восхищенья!
                                                                           (Цураюки, перевод A.Глускиной)
Природа в Японии – объект благоговейного почитания
И море, и вулканы, и водопады, и камни, и гopныe речки, и деревья, и цвeты, и травы. Даже тайфуны, землетрясения и наводнения не мoгyт поколебать жизнеутверждающее восприятие японцами окружающего мира.
В японских мифах подчеркивается очевидное превосходство сил жизни над силами разрушения.
Космогонический миф о создании Страны Восьми Больших Островов (Японии)
Спор между Идзанаги (Благой Муж) и Идзанами (Благая Жена). Бог Идзанаги выступает как воплощение созидательных сил жизни и развития, а богиня Идзанами, удалившаяся в страну Мрака, олицетворяет разрушительные силы смерти и тления. Бог, желая вернуть супругy на землю, ибо созданная ими страна «еще не устроена», проникает в страну Мрака и находит Идзанами в состоянии разложения. В ужасе произносит он слова, расторгающие их брачный союз. «Мой возлюбленный супруг, – говорит ему Идзанами, – если ты изволишь так поступить, я задушу в один день тысячу человек в твоей стране» (то есть, на Земле). «Моя возлюбленная супруга, – отвечает ей Идзанаги, – если ты изволишь так поступить, я сооружу в один день тысячу пятьсот убуя» (дома для рожениц). Возвратившись из страны Мрака, Идзанаги совершает обряд очищения и порождает множество божеств, в том числе великую богиню солнца Аматэрасу, отдав ей Равнину Выcoкoгo Неба.
Буддизм и японский сад… как это понимать?
Проникновение в Японию буддизма, с eгo ощущением нeпостоянства и мимолетности вceгo сущего, обусловило восприятие природы как совершенного и одухотворенного космичеcкoгo тела Будды, которое никогда не умирает, но вечно обновляется («Ничто не остается бренным, все изменяется»). Это очарование непостоянством природы, культ бессмертной красоты, умение находить радость в том, что приносит мгнoвенье, стремление найти поддержку ками и обрести гapмoнию с вечно обновляющейся природой получило зримый oтзвук в таком самобытном виде искусства, как японский сад.
Несмотря на различие типов сада – райский, ландшафтный пейзажный, ландшафтный сухой или философский, чайный, их создание предполагает соблюдение общих правил.
Что обязательно есть в японском саду?
В первую очередь сад воспроизводит идеализированный ландшафт с обязательным включением в нeгo воды и камней, где обитают невидимые духи природы. Даже в философском cyхом саду камней присутствует вода; ее символизирует мелкий гравий. Доминантой почти всех типов сада служат вечнозеленые деревья, гармонирующие с растениями по форме и цвету, а главное – не заслоняющие луну. В саду обязательны звуки: щебет птиц, журчание воды, «музыка капель» в дождь. Райские и философские сады предназначались для глубоких размышлений, медитации и восприятия их с одной точки зрения, ландшафтные пейзажные и чайные - для нeспешных прогулок и созерцания меняющихся картин.
Когда появились японские сады?
Первые сады, как особый вид искусства, появились в эпоху Хэйан. Эти так называемые райскuе сады воспроизводили образ рая – совершенной «чистой земли» Будды Амиды, расположенной на западе. Прикосновение к ней считалось возможным через переживание красоты как едва уловимого мгновения. Поэтому в устройстве райского сада всегда ощутим «вздох восхищения» перед внезапно oткpывшейся красотой, но с оттенком печали по поводу ее недолговечности. Eгo классический образец – сад монастыря Бёдоин в Удзu
(IX–XII вв.) (см. цв. вкл., рис. 77).
Как устроен сад монастыря Бёдоин в Удзи?
Ядром сада служит пруд, символ Запада. В нем отражается ажурный храм («павильон Феникса») за сходство с птицей, раскинувшей крылья и словно собравшейся взлететь.
В воде отражаются изящный изгиб кровли, открытые галереи на высоких тонких колоннах. Золотая статуя сидящего на лотосе Амиды мерцает в полумраке центрального павильона.  Все увиденное порождает чувство мимолетной иллюзорной кpacoты. Она в любую минуту может растаять, раствориться, ускользнуть. То же ощущение создают растения с гибкими стеблями, нежными лепестками и едва уловимым ароматом – вишня сакура, глициния, азалия, ирисы, лотосы.
«цивилизация сосновой иглы» возникает благодаря древнейшей религии Японии - синтоизму
Красота органично присуща природе и нужно лишь суметь разглядеть ее – суть так называемой «цивилизации сосновой иглы»:
Умение наслаждаться красотой одной хвоинки ценилось выше, чем cтpeмление охватить взором целое дерево.
Идея отображения мироздания в одном предмете – цветке, камне, дереве созвучна и дзен-буддизму.
Познать космическую природу Будды, высшим проявлением которой согласно дзен-буддизму является абсолютная Пустота, означает обрести «пустое сердце». Обретению «пустoгo сердца» – так в эстетике дзен обозначается внезапное «пробуждение» сознания, достижение просветления в тeкущей жизни, чувство слияния с великой Пустотой – способствует медитация. Целям медитации служат философские сады дзен-буддийских храмов – сад камней и сад мхов. При их создании используются только камни, гравий и мох.
Сад камней Рёандзив Киото (XV в.)
Сад камней Рёандзив Киото (XV в.), например, представляет собой прямоугольную площадку, огражденную с трех сторон каменной стеной и с четвертой, длинной стороны – деревянной галереей для медитации, чуть приподнятой над садом (см. цв. вкл., рис. 78). На площадке, засыпанной белым гравием, расположена композиция из 15 тeмнo-cepыx валунов: 5 групп по 3 камня в каждой. Если их мысленно соединить линиями, они образуют иероглиф «кокоро».

Иероглиф «кокоро» означает цель медитации – очищение души и обретение «пустого сердца». Число 3 выражает главные ценности буддизма – Будду, дхарму, монашескую общину.
Оно напоминает о трех важнейших событиях из жизни Будды – рождении, просветлении, смерти.
Количество камней связано с лунным циклом, так как именно за 15 дней луна становится полной, приближаясь к совершенной форме кpyгa, и на 15-й день первой летней луны – «трижды святой день» – буддисты отмечают все три события из жизни Будды.
Чудеса? Нет, ПОСТИЖЕНИЕ БУДДЫ!
Интересно, что с любой точки видно всегда только 14 кaмней. Прекрасным фоном для сада служит стена. Ее штукатурка замешана на репсовом масле, дающем уникальный эффект. Если на стену не cмoтреть в упор, она как бы растворяется и не мeшает сосредоточиться на созерцании композиции. С той же целью «причесывается» граблями поверхность гравия, параллельные бороздки котopoгo тянутся вдоль длинной стороны и круглятся вокpyг камней. Пустота сада побуждает к длительному созерцанию и размышлению, а невозможность увидеть все камни разом вселяет уверенность в том, что человек не должен стремиться к познанию мира в традиционном русле, находя объяснение тому, что eгo окружает. Все то, что недоступно зрению, можно найти в себе. Это и есть постижение Будды.
Загадочный колодец - цукубай
К постижению Будды подводит и особым способом устроенный колодец, находящийся с противоположной стороны деревянной галереи. Это невысокий чугунный цилиндр с квадратным отверстием посередине, куда из бамбуковой трубочки струится вода. С четырех cторон у отверстия начертано по иероглифу, которые не связаны с философией сада. Но вместе с центральным квадратом (иероглиф «рот») каждый из них обретает определенный смысл. Из слов складывается фраза, выражающая суть дзенбуддийского восприятия мира: «С меня дoвольно тoгo, что я знаю».
Японская чайная церемония
Обретению «пустого сердца» в дзен-буддизме способствует чайная церемония в особом чайном домике, расположенном в чайном саду. Поскольку чайный сад, нaпример на вилле Кацура у чайного домика «Сосны и лютни» («Cёкaнтэй» (XVll в.), предназначен для уединения и «безмолвной беседы сердец»,  деревья в нем посажены таким образом, чтобы создавать уютное, защищенное от посторонних взглядов пространство и в то же время не заслонять перспективу. Стержнем сада является «росяная тропа» – короткая дорожка из слегка выступающих над землей камней. Она как бы соединяет внешний мир с миром чайной церемонии. Низкие каменные фонари символизируют присутствие горных духов. Каменная чаша, в кoтoрую вода струится из бамбуковой трубочки, служит для oмoвения перед церемонией.
Чайная церемония состоит из приготовления чайногo нaпитка и eгo потребления. Приготовление чая включает:
1. Обряд омовения,
2. «Вползание» на корточках в чайный домик, приветствие хозяина, восхищение единственным украшением кoмнаты – цветком или свитком в специальной нише.
3. Хозяин кипятит воду и взбивает венчиком чайный порошок.
4. Ритуал потребления чая: хозяин передает гостям чашку, которую следует взять правой рукой, переместить ее в левую ладонь, повернуть по часовой стрелке на 90 градусов, для тoгo чтобы дать возможность присутствующим полюбоваться рисунком, расположенным на внутренней поверхности. Затем чашку надо поднять обеими руками, медленно поднести ко рту и осушить в три глотка.
Выводы:
1. Японский синтоизм дал жизнь культуре, уникальной по лаконичным, но отточенным до совершенства формам, будь то святилище, чайная церемония, японский сад или стихотворение танка.
2. Синтоистское восприятие природы как вмeстилища духов определило отсутствие у японцев стремления к ее преобразованию и переустройству.
3. Простота форм и ecтественность материала, дарованные природой, стали визитной карточкой японского искусства.
4. Буддийское восприятие природы как космического тела Будды нашло выражение в умении ценить ее мимолетную, ускользающую красоту и вместе с тем ощущать через один предмет – цветок, кaмень, дерево – целые миры. Оно позволяет приобщиться к великому через малое, увидеть сложное в простом, ощутить вечность в мгновении.
5. Именно лаконизм японской архитектуры, японского стихотворения, японской цветной гравюры оказал беспрецедентное влияние на французских художников Арт Нуво и русских художников Серебряного века, став своеобразным катализатором эстетики стиля модерн в eвpoпейском искусстве.
Гиперссылки
https://youtu.be/RA6ZR6cekQ0


title: Скачать презентацию или конспект Золотые ворота

extracted_text:
Золотые ворота

В паспорте владимирских Золотых ворот рождение этого древнейшего национального памятника России отмечено 1164 годом: сооружение живет уже девятый век! Возраст и судьба его удивительны.
Не только об архитектурных достоинствах этого сооружения будет рассказано в этой статье. Все-таки главное, чем впечатляет оно изумленного созерцателя, — его почтенный возраст! Мы воочию видим прошедшего через века каменного посланца наших далеких предков. Это их обобществленный труд, «громаду лет прорвав», явился в наше сегодняшнее утро.
Завершив переезд из Киева во Владимир, Андрей Боголюбский сразу же приступил к строительству великокняжеской столицы. Небольшую крепость предстояло превратить в блистательный и хорошо укрепленный центр княжества. Начались работы по возведению оборонительных укреплений вокруг города. Центральные ворота этой системы должны были совмещать две функции: служить и мощным защитным сооружением, и парадным въездом во Владимир.
Золотые ворота с таким же назначением имелись в Киеве. Они были построены Ярославом Мудрым в 1037 году как главные ворота города. Их верх украшала небольшая церковь. Несомненно, что предпринятое Андреем Боголюбским строительство парадного въезда в город должно было противопоставить княжескую столицу Владимир древнему Киеву.
Строительство Золотых ворот во Владимире началось уже в 1158 году. Материалом для них, как и для других построек в княжестве, служил местный известняк. Тесаные плиты из белого известкового камня ставились на наружные части стен. Бутовым камнем на известковом растворе заполнялись внутренние емкости стены. Строители владели каким-то особым рецептом растворов, обеспечивающих прочность постройки на века.
Ворота занимали передний край обороны города. Высоченной была арка въезда, она поднималась на 14 метров. Над аркой стояла каменная церковь, способная вместить более сотни людей. Вокруг нее располагалась главная боевая площадка, обнесенная зубчатым парапетом. По внутренней лестнице можно было подняться и в помещения церкви и на боевую площадку. Отсюда далеко просматривалась окружающая местность.
Арочный пролет ворот перекрывался посередине каменной перемычкой. К ней примыкали снизу огромные дубовые створы, обитые позолоченной аравийской медью. Они, как и карнизы ворот и купола церкви, ослепительно блистали золотом. Сооружение справедливо было названо Золотыми воротами.
Под аркой, над перемычкой и створами, находилась еще одна боевая площадка. Она держалась на бревнах, вмурованных в стены, и надежно прикрывала въезд.
К сооружению вплотную примыкали насыпные земляные валы. На их гребнях стояли бревенчатые стены с бойницами. Систему былых земляных укреплений называют грандиозной. Общая протяженность внешних и внутренних валов достигала семи километров.
По кольцу обороны стояли ворота: Золотые (главные) — с западной стороны; Серебряные — с восточной; Волжские, выходящие к Клязьме; Оринины и Медные — к реке Лыбеди.
Существовали еще Торговые и Ивановские ворота. Они стояли на внутренних укреплениях.
Остатки земляных валов сохраняются ныне как уникальный памятник древнерусского оборонительного сооружения. Вал, примыкавший к Золотым воротам, — Козлов вал — стал несколько ниже, чем был в начале своего существования, века изрядно стерли насыпь. Ширина вала 24 метра. Почти такой же ширины был и глубокий ров перед Золотыми воротами. Деревянный мост через ров, в случае подхода вражеских войск, можно было легко сжечь.
Золотые ворота были воздвигнуты руками замечательных русских умельцев, имена которых безвестны. Все же строители оставили для потомков свои автографы — высеченные на белом камне внутренних стен здания знаки (граффити).
Андрей Юрьевич ушел из Киева не только потому, что ему был дорог и мил север, где он роднился и вырос. Он был убежден, что сумеет создать здесь центр сильного государственного образования, объединить под своей властью разрозненные русские княжества. В строящейся столице кипела бурная трудовая жизнь. Получили развитие искусство и различные ремесла. Тут работали зодчие, скульпторы, живописцы, чеканщики по меди, каменотесы, плотники, столяры, литейщики.
Убийство Андрея Боголюбского послужило запалом к взрыву народного возмущения властью администрации и бояр.
Чтобы спасти положение, владимирское духовенство пошло на такой шаг: с иконой «богородицы» оно прошествовало по улицам города, призывая людей к восстановлению порядка. Восстание стихло.
Тело Андрея Боголюбского, выброшенное убийцами в огород и пролежавшее там несколько дней, было поднято и обряжено для погребения. 5 июля гроб с телом торжественно перенесли из Боголюбово во Владимир. У Серебряных ворот траурную процессию встретило высшее духовенство. Прах первого владимирского князя с почестями захоронили. Гробница сохранила останки князя до нашего времени.
Оборонительная система вокруг города пригодилась владимирцам вскоре же после смерти Андрея Боголюбского.
Для избрания нового князя во Владимире собрался боярский съезд. Ростовскому боярству удалось решить вопрос в пользу племянников Андрея Боголюбского — Ярополка и Мстислава, обойдя его родных братьев Михаила и Всеволода, законных наследников.
Владимирцы не согласились с решением съезда и пригласили княжить Михаила. Возник конфликт. И уже вскоре все ворота в город и стены валов штурмовались объединенной ратью ростовцев и рязаннев.
Семь недель держали оборону владимирцы. Но в городе иссякли запасы продовольствия, разразился голод. Тогда Михаил сдал город осаждавшим, а сам ушел на Черниговщину.
Победитель Ярополк недолго продержался во Владимире. Его правление вызвало недовольство горожан, они вновь призвали на княжение Михаила. Дружины Ярополка и Мстислава были разбиты, а власть Михаила восстановлена.
Вскоре, в 1177 году, Михаил умер. Владимирцы решили пригласить на княжество брата Андрея и Михаила — Всеволода. Летопись говорит о торжественной встрече его перед Золотыми воротами: «Владимирцы же выидоша вси противу ему пред Золота врата и целоваша к нему крест и на детях его и посадиша и на столе в Володимири».
Границы Владимиро-Суздальского княжества при Всеволоде III весьма расширились. Еще более укрепилась столица новыми белокаменными сооружениями. Был построен Дмитриевский собор — шедевр древнего зодчества. Развивались ремесла. Хорошо было поставлено летописание.
После смерти Всеволода III наследовавший ему сын Юрий продолжал украшать и укреплять столицу.


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура Древнего Рима

extracted_text:
Архитектура Древнего Рима
Выполнили:
Белов Григорий
Шпагилев Никита
 Римская архитектура представляет собой поистине творческий подвиг:

 Сооружения эпохи империи должны были вмещать такое количество людей, какое не смогли бы вместить постройки греческого образца, несмотря на всеобщее восхищение ими .

 С самого начала развития Рима как столичного города ведение в нем строительных работ предполагало использование арки и развившихся на ее основе трех типов сводов

 Основным материалом для строительства являлся бетон

бочарного (полуцилиндрического)
крестового (представляющего собой пересечение под прямым углом двух бочарных)
купольного
	Техника строительства из бетона была изобретена тысячелетием раньше на Ближнем Востоке, но римляне расширили область его применения и сделали основным методом строительства. Преимущества очевидны: прочный, дешевый и пластичный, именно он дал возможность создать грандиозные архитектурные сооружения, которые до наших дней остаются памятниками «былого величия Рима».
	Старейшим из архитектурных памятников, где эти качества проявились в полной мере, является святилище Фортуны Перворожденной в Палестрине, в отрогах Апеннинских гор, к   востоку от Рима. Здесь, в имевшей некогда большое значение цитадели этрусков, с древнейших времен существовал необычный культ Фортуны (богини судьбы) как изначального божества — в сочетании с находившимся тут же знаменитым оракулом.
Святилище Фортуны Перворожденной (Примигении).
(I век до н.э)
Колизей
Арка и свод, с которыми мы встретились в Палестрине

о высокой технике строительства в Древнем Риме
Не только
о высокой технике строительства в Древнем Риме
также о свойственном римлянам чувстве упорядоченности и постоянства, вдохновлявшем их на создание подобных сооружений
Но!
Эти качества вновь впечатляют нас в Колизее, огромном амфитеатре, построенном в центре Рима для боев гладиаторов .
Его сооружение было завершено в 80 г. н. э.
Это одно из самых массивных когда-либо созданных руками человека отдельно стоящих зданий; до того как Колизей был частично разрушен, он вмещал свыше 50 тысяч зрителей
Это настоящий шедевр инженерной мысли. Его бетонная плоть прорезана многокилометровыми сводчатыми коридорами и лестницами, облегчающими проход огромного количества людей к арене и от нее.
Его внешний декор — благородный и монументальный — повторяет скрытые под ним особенности конструкции.
Но как бы «одевает» их резным камнем и акцентирует находящиеся в замечательном равновесии вертикальные и горизонтальные элементы, представленные полуколоннами и антаблементами, содержащими бесконечные ряды арок.
Колонны всех трех классических ордеров размещены одни над другими в соответствии с присущим им «весом».
Возрастание легкости пропорций едва уловимо; все эти ордера в их римской
интерпретации смотрятся почти одинаково.
Колонны дорического ордера

колонны ионического ордера

Колонны коринфского ордера

Таким образом, арки, своды и бетон впервые в истории архитектуры позволили римлянам создать обширные внутренние пространства
Пантеон
(Начало II века н.э)
Из всех уцелевших до настоящего времени зданий это обладает лучше всего сохранившимся, а также наиболее впечатляющим интерьером
Снаружи здание выглядит как лишенный украшений барабан цилиндрической формы, над которым возвышается купол, покрытый неброской резьбой. Вход в храм выделен довольно глубоким портиком, обычным для римских храмов
Ничто во внешнем облике храма не предполагает даже в малейшей степени изящества и воздушной легкости интерьера; их не удается воссоздать средствами фотографии, и даже которую мы здесь приводим, не может в полной мере передать соответствующего впечатления.
Высота от пола до отверстия в своде в точности соответствует диаметру основания купола; таким образом, храм удивительно пропорционален.
Вес купола распределен по восьми составляющим монолит секциям стены
Между ними архитектор смело разместил прикрытие колоннами ниши — углубления в массивной бетонной стене; они не сквозные, но обеспечивают иллюзию открытого пространства позади опор, создавая впечатление, что стены не столь толсты, а купол гораздо легче, нежели в действительности.
Многоцветные мраморные панели отделки, а также каменные плиты пола по-прежнему находятся на своих местах, но купол первоначально был вызолочен, чтобы напоминать «золотой свод небес».
Базилика Константина
(начало IV века н.э.)
	У построенной в начале IV в. н. э. базилики Константина  были предшественники. Первые такие здания появились в Греции периода эллинизма. Это были предназначенные для различных целей общественные сооружения с довольно длинным прямоугольным залом внутри. При римском владычестве такие постройки стали типичными для каждого крупного города; они использовались преимущественно для проведения судебных заседаний — суды, отправлявшие правосудие от имени императора, должны были размещаться в достойном их помещении.
Здание, построенное Константином, отличается от других базилик, напоминая по форме главные помещения терм Каракаллы и Диоклетиана — так звали правивших ранее императоров, при которых они были возведены.
Только размеры базилики больше.
В верхней части центрального нефа находился ряд больших окон, так что несмотря на огромные размеры в базилике было достаточно света и воздуха.
 Искусство Рима представляет собой последний, завершающий этап в развитии античной художественной культуры. Для римлянина в большей степени, чем для грека, искусство являлось одним из средств разумной организации жизни; поэтому в Риме ведущее место заняли архитектура, инженерные поиски, отличающиеся интересом к конкретной личности.
 Реальный элемент преобладает в древнеримском искусстве над вымыслом, а повествовательное начало — над философским обобщением. Кроме того, в Риме совершилось чёткое разделение искусства на официальное и отвечающее запросам частного потребителя.

Официальное искусство играло важную роль в римской политике, будучи активной формой утверждения государственной идеологии в завоёванных областях.
 Распространяя свой стиль в провинциях империи и зависимых странах, римляне в то же время легко усваивали и претворяли художественные принципы других народов
 Нередко древнеримское искусство давало новые импульсы местному творчеству, в результате чего рождались синкретические художественные явления.
Список литературы
Соколов Г., Искусство Древнего Рима, М., 1971
Всеобщая история архитектуры, [2 изд.], т. 2, М., 1973
 Янсон Х., Основы истории искусств, [1 изд.], С-П.,1996


title: Скачать презентацию или конспект Девочка с персиками

extracted_text:
Описание картины
В.А.Серова «Девочка с персиками»

Презентация по истории. 10 класс.Пениной Е.
«Девочка с персиками»
В Абрамцеве В. Серов написал один из самых молодых портретов в русской живописи. Не только потому, что на ней изображена 12-летняя девочка и что молодым был писавший ее художник. Главное заключалось в том, что детское счастье Верочки Мамонтовой и ее безоблачность совпали со счастьем самого художника. Писал он ежедневно, около трех месяцев, но его "муки творчества" зрителю незаметны, так и кажется, что картина создана в едином порыве счастливого вдохновения.
Нет, наверное, сейчас человека, который бы не знал этого живописного произведения. Портрет В. Мамонтовой стал чем-то гораздо большим, чем просто этюд с натуры, недаром за ним прочно закрепилось название "Девочка с персиками".
    серебряный нож. За окном светлый-светлый летний день, в стекла тянутся ветки деревьев, а солнце, пробравшись сквозь их листву, освещает и тихую комнату, и девочку, и старинную мебель из красного дерева..."
"Все помнят, - пишет искусствовед В. Смирнова-Ракитина, - угол большой комнаты, залитой серебристым дневным светом: за столом сидит смуглая, черноволосая девочка в розовой кофточке с черным в белую горошину бантом. В руках у девочки персик, такой же смугло-розовый, как ее лицо. На ослепительно белой скатерти лежат вянущие листья клена,  персики  и
Портрет Верочки Мамонтовой чарует зрителя своей необыкновенной жизненностью и идеальностью художественного образа. Эта работа молодого художника поразила сразу многих современников свежестью светлого, сияющего колорита, тонкой передачей света и воздуха. Савва Иванович Мамонтов и все приезжавшие в Абрамцево только ахали перед картиной.
Все в этой картине естественно и непринужденно, каждая деталь связана одна с другой, а все вместе они создают цельное произведение. Прелесть девичьего лица, поэзия жизненного образа, светонасыщенная красочная живопись - все в этом произведении казалось новым. Недаром для наиболее проницательных критиков стало ясно, что в лице 22-летнего художника русская живопись приобрела мастера европейского масштаба.
В этой небольшой по размерам картине, сохранившей всю прелесть и свежесть этюда, органически соединились две тенденции, две силы, образовавшие единую форму живописного видения. Каждая деталь в "Девочке с персиками" на своем месте, написаны все стулья зимней столовой, подсвечники на окне, даже фигурка игрушечного солдатика в глубине комнаты,
на стене - фарфоровая тарелка, за окном сад в дни позднего лета. Ничего нельзя убрать или сдвинуть без того, чтобы не нарушить внутреннего равновесия всего полотна.
Все кажется таким простым и естественным, но сколько в этой простоте глубины и цельности! Как во всех этих, будто бы "случайностях", сквозит неповторимая радость жизни! С предельной выразительностью В. Серов передал свет, льющийся серебристым потоком из окна и наполняющий комнату. Свет этот сияет на стене и на фарфоровой тарелке, бликами отражается на спинках стульев, мягко ложится на скатерть, скользит по лицу и рукам девочки. А белый цвет скатерти, белый цвет стены, белый цвет тарелки вдруг оказываются совершенно различными, и также по-разному падают на них тени, зеленый отблеск листвы и розоватые рельефы кофточки.
Девочка сидит за столом и ничем не занята, словно действительно на миг присела, машинально взяла в руки персик и держит его, глядя на вас просто и откровенно. Но покой этот только минутный, и через него проглядывает страсть к резвому движению. Даже бант, как бабочка, кажется готов вот-вот улететь. И как бабочка выглядит сама девочка: вспорхнула в дом на миг, с солнцем и теплым ветром, присела на краешек стула, озарив комнату улыбкой, и сейчас же улетит обратно - на улицу, где вовсю сияет летний день.
Да и в самой комнате кажется все так и хочет нарушить тишину и успокоенность. "Побежал" в глубину стол, увлекая за собой взгляд зрителя. Льются звонкие лучи солнца, принося с собой аромат сада, открыта дверь в соседнее помещение...
Вот, казалось бы, и все, что изобразил на своей картине Валентин Серов. А вместе с тем это целый роман о людях, которым принадлежит дом, сад, все эти вещи; это история девочки, рассказ о ее характере, о ее переживаниях - чистых, ясных и юных. Внутренний мир героини интересовал художника не сложными противоречиями, не глубокими психологическими нюансами, а именно своей естественной простотой и целомудрием. В ее мягком, но умном и энергичном личике В. Серов предугадал прозрение в будущее. Может быть, сам того не сознавая, художник рассказал в этом полотне все, что он знал о Мамонтовых, показал все, что любил в них - в их семье и в их доме.
Картина "Девочка с персиками" долгое время находилась в Абрамцеве, в той же комнате, где и была написана. А потом ее передали в Третьяковскую галерею, в Абрамцеве же в настоящее время висит копия этого произведения.

Конец


title: Скачать презентацию или конспект Отношение к красоте природы в японской культуре

extracted_text:
Учитель МОУ СОШ№6 с Архангельского Максимова С.А.
Отношение
к красоте природы
в японской культуре
    Кон - ни - и - ва
Я
Я

 Зимой принято любоваться свежевыпавшим снегом
     Весной -цветением    сливы, азалий, вишни
Осенью – багряной листвой горных кленов и полной луной
   Вместо икон в каждом японском доме есть алтарь красоты- ниша, где стоит ваза с цветами, весит картина или каллиграфически написанное стихотворение.
   В Японии считают, что окружающие человека вещи должны вызывать потребность видеть и ощущать их, испытывать радость, находить в них эстетическое удовольствие. Каллиграфическое искусство связывает живопись и поэзию

   Гляжу – опавший лист
   Опять взлетел на ветку.
   То бабочка была.
                Кито
   Над ручьём весь день
   Ловит, ловит стрекоза
   собственную тень.
             Тие - ни
Бушует осенний вихрь!
Едва народившийся месяц
Вот – вот он сметёт с небес.
              Какэй
   Печальный аромат!
   Цветущей сливы ветка
   В морщинистой руке.
               Бусон
Идёшь по облакам,
И вдруг на горной тропке
Сквозь дождь – вишнёвый цвет.
                Кито

« Вода – это кровь гор, деревья и травы – их волосы, облака и туманы – их небесные одежды. Вода – это зеркало гор, в котором отражаются брови и глаза домов, их изгороди; вместе с тем вода – это душа рыбаков. Вот почему горы особенно прекрасны, когда они рядом с  водой. Они бывают приятнее и веселее, когда их  оживляют дома, изгороди. Таким образом сочетаются горы и воды».
      Отрывок из трактата Го СИ « О любви к лесам и источникам»
Творчество японского художника К. Хокусая
  Так способ создания из бумаги разнообразных поделок зародилось в Японии более тысячи лет тому назад и называется он – оригами.
       Знаменитые бумажные журавлики, выполненные способом оригами, стали символом движения  против атомной  войны. Этих журавликов делают дети всего земного шара и присылают японским сверстникам, выражая тем самым свою солидарность  в борьбе  за мир.
    В Японии также очень процветает такой вид искусства как составление ИКЭБАНА.
    Цель « икебана – выражать красоту предметов. Это и средство самовыражения. Даже используя одни и те же материалы, разные люди могут вложить в них разные настроения.
    Мастер изображения предлагает вам посмотреть и определить какое настроение выражено в этих икэбанах
    Изобразите природу через детали,   характерные для японских художни-ков (ветка дерева с птичкой, цветок с бабочкой, трава с кузнечиками, стрекозами, ветка цветущей вишни).
          са – ё – на – ра


title: Скачать презентацию или конспект Мюзикл

extracted_text:
Мюзикл

Учитель музыки, МХК  Остапцова Т.Н.  МАУ ШИЛИ, г. Калининград,  2011

Мюзикл

особый синтетический жанр
драма
музыка
вокал
хореография
пластика
сценические
искусства
От других разновидностей драматических произведений для музыкального театра (опера, оперетта, балет) мюзикл отличает в первую очередь синтетичность: ни вокальные, ни танцевальные номера, ни музыкальное сопровождение в мюзикле не являются самодостаточными — они лишь служат равноправными средствами передачи содержания.
Содержание (сюжет, образы действующих лиц, идейное содержание) играет в мюзикле большую роль, поэтому мюзикл, в отличие от оперы и оперетты, как правило, принято исполнять на языке, понятном зрителю.

Истоки жанра

Минстрел-шоу
Водевиль
Оперетта
Бурлеск
Рождение жанра
Официальной датой рождения нового жанра принято считать март 1943, когда на Бродвее состоялась премьера спектакля «Оклахома!».

Музыка Р. Роджерса
Так началась новая эра в истории сначала американского, а потом – и мирового театра, которую прославили такие композиторы, как Дж.Гершвин,
 Р.Роджерс,
Л.Бернстайн,
Э.Ллойд- Уэббер,
Дж.Герман и др.
Популярные мюзиклы
«Звуки музыки» 1965
Музыка Р.Роджерса

Популярные мюзиклы
«Кошки» 1981
Музыка Эндрю Ллойд-Уэббера

«Нотр-Дам де Пари»
Французско-канадский мюзикл по мотивам романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери».
Композитор  Риккардо Коччанте.
Мюзикл дебютировал в Париже
16 сентября 1998 года. Мюзикл попал в Книгу Рекордов Гиннеса, как имевший самый успешный первый год работы.
Афиша

Мюзикл в России
Мюзикл в России начался
с участия в кинофильмах
джаз-банды
Леонида Утесова.

«Веселые ребята»
«Волга-Волга»
«Цирк»
Музыка Исаака Дунаевского
Московский театр Ленком
Постановки Марка Захарова:
«Тиль» (композитор Г.Гладков),
 «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты»
 «Юнона и Авось» (композитор А.Рыбников).

Мюзикл
«Юнона и Авось»
Рок-опера
Алексея Рыбникова
на стихи поэта
Андрея Вознесенского.
Постановка танцев В. Васильева
1981 год

Спасибо за внимание!
Презентацию
 подготовила
Учитель музыки, МХК
Остапцова Т.Н.
МАУ ШИЛИ ,
г. Калининград,
 2011
Список интернет-источников:

http://ru.science.wikia.com/wiki/%D0%9C%D1%8E%D0%B7%D0%B8%D0%BA%D0%BB
 http://musicalworld.ws/musical.html
http://musicalworld.ws/musical.html
http://www.kuda-poiti.com/teatr/spektakl-yunona-i-avos-opisanie-otzyvy-recenzii.html

Учитель музыки, МХК  Остапцова Т.Н.  МАУ ШИЛИ, г. Калининград,  2011


title: Скачать презентацию или конспект Зоологический музей

extracted_text:
Зоологический музей
Урок-экскурсия.
Работа Абрамовой К. Ю.
Учителя биологии
ГОУ лицея №369
Красносельского района
г. Санкт-Петербурга
2011 г
        Зоологический музей Зоологического института Российской Академии Наук основан в 1832 г. на базе зоологических коллекций Натурального кабинета Кунсткамеры.
        История коллекций Зоологического музея восходит к истории первого отечественного музея – Кунсткамеры, основанного в 1714 году. Из Москвы были перевезены естественноисторические коллекции, приобретенные Петром I во время его путешествия в Голландию в 1698 году, хранившиеся при Аптекарском приказе. Первоначально они были размещены в Зеленой гостиной Летнего дворца. В 1716 году были приобретены коллекции А. Себы и Х. Готвальда, в 1717 году – Ф. Рюйша...
В Зоологическом музее хранится уникальный экспонат - чучело любимой лошади Петра I. Лошадь носила звучное имя Лизетта и была очень привязана к своему хозяину: когда, например, она хотела видеть царя, она находила его везде, несмотря на суматоху и сутолоку строящегося Петербурга. С поистине собачьей преданностью она следовала за Петром, а когда намеченные поездки отменялись, из глаз Лизетты текли крупные слезы обиды.
По преданию, Петр I даже позволял Лизетте присутствовать на царских обедах и балах, а придворные, хоть и находили присутствие лошади во дворце императорской причудой, все же пытались задобрить любимицу Петра, подкармливая с руки овсом и сахаром. Когда Лизетта умерла, Петр I запретил хоронить ее, а велел сделать чучело и изобразить его любимую лошадь такой, какой она была при жизни. Сначала чучело бережно хранилось в Кунсткамере, а затем стало одним из экспонатов Зоологического музея.
            Зоологический музей Зоологического института РАН - один из крупнейших зоологических музеев мира и нашей страны. В настоящее время музейная экспозиция занимает большую часть второго этажа обширного здания Зоологического института, а также хоры в первом зале. Здесь выставлено около 30 тыс. экземпляров животных изо всех районов Земного шара, а общая площадь экспозиции составляет 6 тыс. кв. м. Музей представляет собой выставочный отдел Института.

     Современный Зоологический институт РАН и его музей представляют собой одно из крупнейших в мире хранилищ животных. Научные фонды института насчитывают около 50 млн. ед. хранения.
   Разделение коллекций Музея, а потом и института на выставочные и фондовые было произведено уже более ста лет назад и сохраняется до сих пор.
       Первое время Музей занимал помещения в Музейном флигеле академии. Быстрый рост коллекций Музея потребовал нового просторного помещения. Оно было предоставлено в 1893 г.
        В этом здании у Дворцового моста Музей располагается до сих пор.
        Новые коллекции поступали в Музей постоянно. Пополнение шло за счет трех основных источников - экспедиций российских ученых, даров частных лиц со всех концов России и из-за рубежа и за счет покупок и обмена.
    При размещении экспозиции в новом здании большое внимание было уделено созданию так называемых биологических групп - витрин, где животные показывались в свойственной им природной обстановке.
       С самых первых дней существования Музея и до настоящего времени значительная часть поступающих материалов изготавливалась в виде чучел с целью их экспонирования в Музее. Искусство изготовления чучел, требующее от мастера, помимо знания технических приемов, художественного таланта, носит название таксидермии. Хорошо сделанное чучело должно выглядеть, как живое существо, для этого таксидермисту необходимо не только точно передать естественный облик животного, но и придать ему естественную, живую позу.
          Первые чучела, выставлявшиеся в коллекции Кунсткамеры, были изготовлены крайне примитивно. На грубую основу, сделанную из досок и обмазанную глиной, надевали обработанную шкуру животного и прибивали ее гвоздями. Процесс изготовления чучел крупных животных, таких как верблюды, яки, медведи, усовершенствовал приглашенный в музей в 1864 году скульптор-анималист К. Приходко. Чучела делали, надевая шкуру зверя на основу из металлической сетки с гипсовым покрытием.
         Впоследствии сыном мастера, С. К. Приходко, и его помощником М. А, Колиным таким способом было изготовлено всемирно известное чучело Березовского мамонта.
          В 20-х годах нашего века американский мастер К.Эккли разработал метод изготовления чучел, получивший название скульптурной таксидермии. С туши животного или с глиняной скульптуры, сделанной в натуральную величину, снимается гипсовый слепок. По этой форме из холста или картона изготавливаются части манекена чучела, после чего собранный манекен обшивается выделанной шкурой. В результате чучело получается легким, фигуре животного можно придать любую позу, а рельеф выступающих мышц обеспечивает полное сходство с живым объектом.
         Применение этого метода в Зоологическом музее связано с именем М.А.Заславского, работавшего здесь с 1946 по 1989 год. Им были созданы несколько диорам – крупных биологических групп, в которых за счет глубины и живописного фона создается впечатление пространства – «Гигантские скаты – манты», «Морские котики», «Птичий базар», «Высокогорья Тянь-Шаня».
         Среди других современных методов сохранения биологических объектов в музее иногда применялись методы парафинирования и сублимации.
          Первый состоит в том, что животное после обработки пропитывается парафином. Лучше всего подходит этот метод для изготовления некрупных животных с голой кожей, например, земноводных. Однако, он использовался и для других объектов – именно таким способом изготовлена знаменитая мумия Киргиляхского мамонтенка. Второй метод, сублимации, заключается в том, что замороженное в естественной позе животное высушивают в вакууме. При этом сохраняется натуральный вид и цвет объекта, однако методика имеет некоторые технические ограничения. Кроме того, оба эти метода дорогостоящи и требуют особых условий хранения экспонатов.
Музейная экспозиция
        В настоящее время музейная экспозиция занимает большую часть второго этажа обширного здания Зоологического института, а также хоры в первом зале. Число выставленных экспонатов превышает 30 000, а общая площадь экспозиции составляет 6 000 кв. м.
        Основной принцип построения экспозиции - демонстрация животных в соответствии с современной научно обоснованной системой. Дополнением к нему служит показ животных в естественной обстановке.
        Биологические группы и диорамы в разделе птиц и млекопитающих демонстрируют обитателей основных биогеографических зон Евразии, а в разделе беспозвоночных отражено разнообразие природных зон Мирового океана от тропических до приполярных областей.
        Одна из экспозиций музея посвящена недавнему геологическому прошлому Земли и демонстрирует ископаемых животных – мамонтов и мамонтовую фауну.

        Поднявшись по одной из двух широких лестниц из вестибюля в I зал музея, можно увидеть расположенные на стенах карты – историческую, отражающую маршруты и даты наиболее известных географических и зоологических открытий, и зоогеографическую, позволяющую оценить богатство и разнообразие животного мира отдельных континентов. Здесь же, по левой стороне зала, представлена занимающая целую стену. Для желающих ознакомиться с принципами, на которых построена эта схема, напротив развернута отдельная экспозиция об эволюционном учении Ч.Дарвина, где кратко затронуты основные аспекты современной эволюционной биологии – изменчивость, наследственность и некоторые другие. В числе прочих экспонатов здесь можно увидеть редкие породы домашних животных, а также единственное в мире чучело пингвина-альбиноса.
        Основная часть правой стороны II зала музея занята коллекцией беспозвоночных животных, начиная с одноклеточных и губок и заканчивая наиболее высокоорганизованными из них – иглокожими и моллюсками.
       Левая, целиком посвященная систематической части коллекций, начинается с экспозиции простейших хордовых животных – оболочников и бесчерепных, затем следуют систематические коллекции , амфибий, рептилий и птиц. Экспозиция, представляющая систематику млекопитающих, расположена по левой стороне III зала музея.
        Правая сторона обоих залов, за исключением коллекции беспозвоночных животных, представлена, в основном, витринами, показывающими животных в их естественной среде обитания – так называемыми биогруппами. Исключение составляют витрины и стенды III зала, посвященные истории фауны ледникового периода.


title: Скачать презентацию или конспект Ранний американский функционализм

extracted_text:
РАННИЙ АМЕРИКАНСКИЙФУНКЦИОНАЛИЗМ. ЧИКАГСКАЯ АРХИТЕКТУРНАЯ ШКОЛА

Развитие промышленности в Америке началось значительно позже европейской
Американские художники и архитекторы искали новые формы, созвучные времени и характеру индустриального производства
Таким образом, началось становление новой профессии -  дизайнера

Дизайнерский бум начался в США только в конце 20-х годов и достиг своего первого пика во время проведения Всемирной выставки в Нью-Йорке (1939-1940
Впервые американское бытовое оборудование было представлено на Всемирной промышленной выставке в Лондоне в 1851 году, где, наряду с другими изделиями, была показана школьная парта на чугунных опорах. В ней все было тщательно приспособлено к возрасту ученика, его анатомическому строению, характеру занятий.

В официальном французском отчете о выставке 1876 года отмечается, что в Америке создан новый стиль, который проявляется во всех формах прикладного искусства. На примере мебели его отличия в характерном использовании плоских поверхностей при меньшем количестве деталей
Чикагская архитектурная школа
Наиболее свободным от традиций европейской архитектуры было архитектурное направление, возникшее в конце  70 гг. в Чикаго и известное под названием Чикагской школы
Используя строительную технику, уже апробированную на промышленных пакгаузах, архитекторы чикагской школы попытались заменить несущие стены стальной конструкцией

В Чикагской школе были разработаны новые принципы постройки многоэтажных "конторских"' зданий с использованием легкого и прочного стального каркаса и больших остекленных плоскостей

Основатель Чикагской школы -  Уильям ле Барон Дженни (1832-1907)

Луис Салливен (1846-1924), архитектор, публицист, является одним из самых известных представителей Чикагской школы
Фрэнк Ллойд Райт и индустриальный дизайн
Автор  более сотни проектов жилых домов, ряда административных и общественных зданий, среди которых известный "Дом над водопадом" для Э.Кауфманна (1936) музей Гуггенхейма в Нью-Йорке (1943-59)
Отвергая ручное производство как слишком дорогостоящее, он утверждал, что дизайнеры должны создавать прототипы изделий массового машинного производства, предварительно изучив технологию современного производства и свойства материалов
Фрэнк Ллойд Райт - Дом над водопадом, 1935.

Фрэнк Ллойд Райт, Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.

ПЕРВЫЕ ИДЕИ ФУНКЦИОНАЛИЗМА В ЕВРОПЕ. ГЕРМАНСКИЙ  ВЕРКБУНД

В Германии были созданы первые бюро дизайнерского типа в крупнейших промышленных фирмах и межведомственные производственные союзы, объединившие художников, промышленников и экономистов.
Адольф Лоос - предтеча европейского функционализма
Лоос выступал за рациональное начало в архитектуре; все, что не несло функциональную роль, представлялось ему излишним. Его труды повлияли на мировоззрение четверки ведущих мастеров XX века – Гропиуса, Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ, Райта.
Ему принадлежит фраза “функция определяет форму”, которая стала впоследствии лозунгом модернистов.
Адольф Лоос. Жилые дома
Адольф Лоос, Haus Reitler
Кресла дизайна Адольфа Лооса
Адольф Лоос, Кафе-музей в Вене
Адольф Лоос, Дом Жозефины Бейкер. 1927
Адольф Лоос
Адольф Лоос, Дом Мюллера Чехия
Германский Веркбунд
В  1907 году в Мюнхене, в целях повышения качества промышленной продукции, в 1907 году при поддержке официальных кругов был создан Германский Веркбунд («производственный союз»), объединивший ряд художественно-промышленных мастерских, небольших производственных и торговых предприятий, художников и архитекторов

Важным отличием нового объединения была ориентация на современные условия промышленного производства.
 Веркбунд не только не был противником машин, но и искал реформы на пути к индустрии. Его целью, согласно устава, стало "индустриальное формообразование во взаимодействии с искусством, промышленностью и ремеслами"

Вместе с Мутезиусом учредителями Веркбунда были также художники и архитекторы - Анри ван де Вельде, Петер Беренс, Карл Остхаус, либеральный политик Фридрих Науман, руководитель дрезденских мастерских Карл Шмидт.
В 1908 г. Германский Веркбунд насчитывал 489 членов, в 1912-м - чуть менее тысячи, в начале 30-х - свыше 3 тысяч.

Петер Беренс и художественный стиль компании АЭГ
В 1907 г., по предложению главы всемирного электротехнического концерна АЭГ Эмиля Ратенау, Беренс занимает пост ее художественного директора.
С 1907 по 1914 гг. разрабатывает общий художественный стиль компании АЭГ. Он проектирует каталоги, прейскуранты, электроприборы, выставочные стенды, а также производственные здания и квартиры для рабочих
Дизайн чайников Петера Беренса


title: Скачать презентацию или конспект Окна сатиры Роста

extracted_text:
«Окна сатиры РОСТА»

Урок литературы 7класс
Учитель: Кузьменко Е.В.

«Окна сатиры РОСТА» – серия плакатов, созданная в 1919-1921 советскими поэтами и художниками, работавшими в системе Российского телеграфного агентства (РОСТА). «Окна РОСТА» – специфическая  форма массового агитационного искусства, возникшая в период Гражданской войны и интервенции 1918-1920.

Сатирические плакаты, выполненные в острой и доступной манере, снабжённые лаконичными стихотворными текстами, разоблачали противников молодой республики Советов. «Окна РОСТА» посвящались злободневным событиям, были иллюстрациями к телеграммам, передававшимся агентством в газеты.

За исключением первых, нарисованных от руки, плакаты выполнялись и размножались с использованием трафарета  до 150 и более экземпляров, а затем выставлялись в витринах в столице и других городах – обычно в пустующих гастрономических магазинах. В своих воспоминаниях
В.Б. Шкловский утверждал, что «Окна РОСТА» правильно существовали и кончились тогда, когда опять появились магазины».

«Окна сатиры» возникли осенью 1919, первый плакат с текстом Грамен и рисунками Черемных был выставлен в Москве в начале сентября, к 1920 году «Окна РОСТА» добрались до Баку, Саратова, Харькова, Одессы, Ростова-на-Дону, выходили они до 1921 года.

В «Окнах РОСТА» активно использовались традиции лубка и раёшника. Техника рисунка в «Окнах РОСТА» отличалась акцентированной простотой и лаконизмом используемых изобразительных средств (раскраска в 2-3 цвета, выразительность силуэтов).

Специфика их заключалась в немедленной реакции на самые злободневные вопросы и факты. Тексты „Окон РОСТА“ отличались простотой и точностью характеристик, идущих от традиций народных лубков и частушек. В этих текстах нашел свое яркое выражение талант Маяковского-публициста.

Плакаты РОСТА, как правило, многосюжетны. В них сложился и типизировался определенный дух персонажей, переходящих из плаката в плакат: рабочий, красноармеец, крестьянин, капиталист, поп.


title: Скачать презентацию или конспект Колизей

extracted_text:
Колизей
Предыстория
В 1 в. До н.э. полубезумный император Нерон приказал архитекторам Северу и Целеру построить для него дворец. «Золотой дом Нерона» занимал склоны 3 из 7 Римских холмов. Среди садов Нерон приказал поставить свою бронзовую статую в позе прославленного Колосса Родосского высотой с 12-ти этажный дом.
У ног гиганта Нерон приказал выкопать озеро и наполнить его солёной водой. Это было как бы море, возникшее по прихоти императора. Дом Нерона был отделан золотом, украшен драгоценными камнями и перламутром. Главная круглая столовая непрерывно вращалась наподобие Вселенной.Император Нерон и его Золотой Дом раздражали римлян.
Нерон
Золотой дом Нерона
На месте чего стоит Колизей?
Это сооружение должно было показать Риму, что новая династия Флавиев больше прежней заботится о своих гражданах. Постройке было дано название «Амфитеатр Флавия», но римляне зовут его Колизеем.
После свержения и самоубийства Нерона император Веспасиан Флавий разрушил дворец, расплавил статую, а на месте искусственного моря заложил гигантский амфитеатр на 60 тыс. человек.
Версии возникновения названия «Колизей»
Своё название Колизей получил от латинского слова «colossus», что означает «Великан».
На площадке перед амфитеатром стояла 30-ти метровая статуя Нерона (Колосс), возможно «Колизей» произошло от названия статуи.

Каналыи шлюзы
О том, что здесь было искусственное озеро, напоминает лишь система каналов и шлюзов, позволяющая заполнить аренуза несколько минут водой.
Открытие Колизея
Сын Веспасиана – Тит Флавий – устроил 100-дневные торжества по случаю открытия Колизея.
Во время стодневных игр сражались несколько тысяч гладиаторов, затравлено большое количества зверей. Публику обносили корзинами со съестным (птицей, печеньем, орехами, финиками, сливами). Разыгрывались  самые разнообразные подарки: от 10 головок салата до 10 фунтов золота.
Греческий   театр
Театры Греции и Рима
В Греции театры обычно строились на лоне природы – на склонах холмов, и предназначались они для постановки пьес, связанных с жизнью, с её буднями и проблемами.
В Риме театры отгораживались от города стенами. В них шли преимущественно комедии, но даже их часто не могла досмотреть до конца (больше привлекали римлян кровопролитные бои).
1000-летие Рима
При императоре Деции, в дни празднования тысячелетия Рима в Колизее было убито 32 слона, 60 львов, 40 диких лошадей и десятки других животных, лосей, зебр, тигров, жирафов, гиппопотамов. Там же происходили кровавые битвы около 2 тыс. гладиаторов, что являлось, вероятно, самым любимым зрелищем римлян.
Гладиаторские бои закончились в 404 году, а звериные битвы продолжались до 523 г.
Колизей после гладиаторских боёв
Неоднократно амфитеатр разрушался от землетрясений. В дальнейшем итальянские семьи Франджипане и Аннибальди превратили его в свою крепость. И лишь в VII веке Колизей стал собственностью Рима. В последующие годы Колизей стал приходить в упадок. Огромные глыбы травертина были снятыи вывезены для строительства Палаццо Канчеллерия, Палаццо Венеция и собора Святого Петра.
Размеры и автор
В плане амфитеатр имеет форму эллипса, длиной188 метров, шириной – 156и высотой – 57 метров. Строительство Колизея длилось 10 лет и пришлось на правление трёх императоровиз рода Флавиев: Веспасиана, Тита и Домициана. Имя архитектора неизвестно,но предполагают, что им был Рабирий, Явившимся впоследствии автором дворца Домициана.
Колизей снаружи
В плане амфитеатр имеет форму эллипса, длинной 188 метров, шириной – 156, и высотой 57 метров.
Ярусы Колизея
Снаружи Колизей целиком покрыт травертином и имеет4 яруса. Три из них представляют собой арочные пролёты с полуколоннами в канонической последовательности:на 1 ярусе дорические,на 2 – ионические,на 3 – коринфские.Четвёртый, достроенный несколько позже – это сплошная стена с коринфскими пилястрами и небольшими окнами.
Тент
На карнизе до сих пор сохранились отверстия, куда вставляли опоры для натяжного яркого тента, защищавшего зрителей от зноя.
Отверстия
В средние века Колизей стал чем-то вроде гигантской каменоломни. Были сняты блоки травертина. До сих пор видны отверстия от металлических скреп, соединявших блоки.
Места для зрителей
Амфитеатр вмещал около 50 – 70 тыс. зрителей, которые рассаживались на его ступенях в зависимости от классовой и социальной принадлежности
Существовало три разряда мест: «подиум», куда садились представители самого высокого сословия, и где находилась ложа императора; вторая категория мест «цивис», для граждан принадлежащихк среднему классу; третья «сумма», где размещался народ. Вероятно существовала и категория мест для женщин.
Внутри

Под Ареной
Была целая система галерейи подвалов, где располагались различные механизмы и содержались животные
На арене
На арене происходили бои гладиаторов, охота на животных, выступления фокусников, спортивные состязания, конные турниры и морские битвы
Игры проводились по случаю знаменательных дат, ежегодных праздников, и чрезвычайных событий. День рождения императора, победа над врагом, даже похороны – всё было поводом для проведения игр.
Колизей – это символ
В течение многих веков Колизей продолжал оставаться символом величия и мощи Рима.


title: Скачать презентацию или конспект Искусство Китая и Японии

extracted_text:
Тема: «Искусство Китая и Японии»
Выполнили: Ученицы 11 «Б» класса
МОУ СОШ №7
Ковалёва Кристина, Евдокова Дарья
Введение:
До Великих географических открытий отношение к восточным странам строилось по модели мифа или сказки, затем Восток обрел статус географической и культурной реальности. Он становился чуть более близким, но все еще чудесным, экзотическим, диковинным, а интерес к восточным странам носил характер модного увлечения.

Однако вскоре влечение к миру таинственного и причудливого, к его внешним формам, атрибутам и аксессуарам без каких-либо попыток близкого соприкосновения с ним сменяется интересом иного свойства. Запад обретает в лице Востока не просто объект, подлежащий перестройке и цивилизации на европейский лад, но своего антипода, яркую противоположность.
 Влияние восточной культуры на западную самими европейцами объясняется собственным влечением к архаике традиционных обществ, мистическому мировидению и духовности.
Культурное влияние прежде всего отражается в области искусства, то есть той сфере, которая способна легко совмещать опыты разных культур. Так, во второй половине девятнадцатого века в творчестве многих западно-европейских художников, в частности, импрессионистов, было заметно влияние японского искусства. Некоторые лишь использовали специфические «японские» мотивы, или новую для европейских художественных традиций технику
Искусство Китая и Японии

Япония расположена на островах Тихого океана, протянувшихся вдоль восточного побережья Азиатского материка с севера на юг.
Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера.
         Живопись  в Китае как вид искусства издревле пользуется большим уважением. Со времён средневековья дошли стихи, прославляющие живопись, трактаты о творческих путях живописцев, описание отдельных картин и своеобразные сводные истории живописи, сообщающие сведения о многочисленных художниках различных эпох. Однако в наши дни многие из тех художников, от которых не сохранилось вещественных доказательств их существования, отошли в область легенд, превратились в своего рода символы, связанные с определёнными художественными направлениями. Многие знаменитые картины погибли при пожарах, иные сохранились только в поздних копиях. И все же уцелевшие произведения дают возможность восстановить основной путь развития китайской живописи, выяснить изменения, которые совершались в ней на протяжении различных эпох, а сохранившиеся трактаты позволяют понять, какой эстетический смысл вкладывали сами художники в свои произведения.	Китайская живопись представляет собой объединение художественного искусства с поэтическим. На китайской картине не редко встретишь изображение пейзажа и иероглифические надписи, поясняющие суть картины. В китайском пейзаже можно увидеть  голые островерхие горы севера, меняя окраску от освещения дня
Архитектура        История развития китайского зодчества неразрывно связана с развитием всех видов искусства Китая и особенно живописи. И архитектура и живопись этой эпохи являлись как бы различными формами выражения общих идей и представлений о мире, сложившихся ещё в глубокой древности. Однако в архитектуре существовали ещё более давние правила и традиции, нежели в живописи. Основные из них сохранили своё значение на протяжении всего периода средневековья и образовали совершенно особый, непохожий на другие страны торжественный и вместе с тем необычайно декоративный художественный стиль, который отразил жизнерадостный и одновременно философский дух, свойственный в целом искусству Китая.
Заключение:
Традиционное искусство Японии и Китая очень самобытно и своеобычно, его философские принципы, равно как и эстетические предпочтения и вкусы самих японцев и китайцев, весьма отличных как от западных, так и от наших российских, а потому эта тема требует дальнейшего исследования.
Интерес к Востоку с новой силой возобновился в ХХ веке. Примером тому могут служить, например, исследования К.Г. Юнга, который приходит к выводу, что на фоне многочисленных коренных различий между культурами Запада и Востока попытка свести западную и восточную философии кажется абсолютно бесполезной и невозможной. Мы можем только подражать и имитировать Восточную традицию.
Стоит также отметить, что Восток не является чем-то цельным и монолитным. Восток многолик и во многом до сих пор остается недосягаем для западного понимания.
Спасибо за внимание! Мы готовы ответить на ваши вопросы.


title: Скачать презентацию или конспект Дом-музей М.Ю. Лермонтова в Пятигорске

extracted_text:
Приложение №2 к презентации для занятий по РСВ и ФП в 8 кл.
                                                                           по теме «М.Ю. Лермонтов»
Подготовила сурдопедагог:
                      Рассохина Елена Геннадьевна
Дом-музей
М.Ю.Лермонтова
в Пятигорске
Домик Лермонтова
Приёмная. Налево - буфет
Приёмная. Дорожные сундуки
Комната Столыпина-дяди Лермонтова
Комната Столыпина-
дяди Лермонтова
Стол, за которым работал Лермонтов
Лермонтовская половина дома
Стол и кресло Лермонтова
Сени
Экспозиция в доме Верзилиных
В этой комнате был вызван
на дуэль Лермонтов


title: Скачать презентацию или конспект Идеал красоты в разные исторические эпохи

extracted_text:
Идеал красоты в разные исторические эпохи
… что есть красота
И почему её обожествляют люди?
Сосуд она, в котором пустота,
Или огонь, мерцающий в сосуде?

			Н. Заболоцкий
Уже в древние времена люди кроме предметов быта лепили из глины человеческие фигурки. Возраст самой древней женской статуэтки,
известной человечеству – 80 тысяч лет. Первые предметы культуры изображали именно женщину – это последствия матриархата. Изображение женщины имело ярко выраженные половые признаки, и во многих случаях она была беременна.
Таким образом, идеал того времени был обусловлен социальным статусом женщины как матери рода.
Первобытность
«Виллендорфская Венера»
Древний мир (Египет)
Идеалом красоты Древнего Египта была стройная и
 грациозная женщина. Тонкие черты лица с полными губами и огромными миндалевидными глазами, форма которых подчеркивалась специальными контурами, контраст
тяжелых причесок с изящной вытянутой
 фигурой вызывали представление об
экзотическом растении на гибком
колышущемся стебле.
Самым красивым цветом глаз считался
зеленый, поэтому глаза обводили
 зеленой краской из углекислой меди
(позже ее заменили черной), их
 удлиняли к вискам, подрисовывали
толстые длинные брови.
Зеленой краской (из растертого малахита)
красили ногти и ступни ног.

Самая известная красавица Древнего Египта –
царица Нефертити, супруга
Фараона Эхнатона.
«Описывать бесцельно – смотреть.» 						Л.Борхардт
«прекрасная ликом»
«умиротворяющая
Солнце голосом
сладострастным»
Красота по - африкански
У многих африканских народов понятия о красоте не
меняются с течением времени.
Древний мир (Япония)
Красавицы Японии густо белили кожу,
замазывая все дефекты на лице и груди,
лоб по краю роста волос обводили тушью,
брови сбривали и вместо них рисовали
короткие толстые черные черточки.
Замужние женщины в феодальной Японии
покрывали зубы черным лаком.
 Идеальным считалось собирать волосы
в высокий тяжелый узел, который
 поддерживался длинной узорчатой
палочкой.. Для укрепления волос и
придания им блеска волосы смазывали
 специальными маслами и растительными
соками .  Мужчины рисовали или наклеивали
фальшивые усы и бакенбарды,
выбривали себе лоб и затылок,
 а на макушке собирали волосы в
красивый пучок,
который завязывали эффектными шнурами.

Античность
«Человек – есть мера всех вещей»
			Протагор
Греки считали величину, порядок и симметрию символом прекрасного.
Идеально красивым был человек, у которого все части тела и черты
 лица находились в гармоничном сочетании.
Прекрасным считалось лицо, которое можно было разделить на несколько равных частей (три или четыре). Типичная черта греческих изображений – это гармония пропорций, природная красота, молодость, частичная или полная оголенность тела . Таким образом, красота  в то время выражалась в красоте тела.
.
В Древней Греции идеалом красоты считалась
рослая (по тем понятиям) женщина с развернутыми
плечами, тонкой талией, широким тазом,
плоским животом и стройными ногами.
Идеал - статуя Венеры Милосской. Ее рост 164 см,
окружность груди 86 см, талии — 69 см,
бедер — 93 см.

И целомудренно и смело,
До чресл сияя наготой,
Цветет божественное тело
Неувядающей красой.

Под этой сенью прихотливой
Слегка приподнятых волос
Как много неги горделивой
В небесном лике разлилось!

Так, вся дыша пафосской страстью,
Вся млея пеною морской
И всепобедной вея властью
Ты смотришь в вечность пред собой.

	А.Фет. Венера Милосская
Красоту лица определяли так
 называемый греческий нос, невысокий лоб,
большие глаза, округлая линия бровей.
Волосы гречанки укладывали узлом или перевязывали на затылке лентой. Они
обесцвечивали их щелоком, а затем натирали
помадой из козьего жира и желтых цветов.
Знатные дамы в Греции любили 	косметику
пудру, помаду, румяна.
Сурьму применяли для украшения глаз, придания им блеска. Хной и басмой окрашивали ногти и волосы. Людей, умевших искусно украшать свое тело, называли <косметами>.

Архиепископ кентерберийский Ансельм публично провозгласил блондирование волос нечестивым занятием.
С упадком античной культуры эпоха воспевания
красоты сменилась
 культом аскетизма, отрешенности от радостей
 восприятия мира.
В средние века земная красота  считалась греховной, а
 наслаждение ею – недозволенным. Тело драпировали
 тяжелыми тканями, которые плотным мешком
 скрывали фигуру
(ширина одежды к росту составляет 1:3). Под
 чепчиком полностью прятали волосы, был предан
 забвению весь арсенал
 средств для улучшения внешности, которые были так
популярны в античные времена.

Средневековье
Идеал женщины в это время олицетворяла пресвятая деваМария – удлиненный овал лица, подчеркнуто высокий лоб, огромные глаза и маленький рот.

Важным поворотным моментом в восприятии красоты становится рубеж XII—XIII веков, когда культура  приобретает  более светский  характер. Накопление богатств и стремление к роскоши в рыцарской среде породили идеалы, весьма далекие от аскетизма и умерщвления плоти. В XIII веке расцветает поклонение «прекрасной даме». Трубадуры восхваляют королев рыцарских турниров, их тонкий гибкий стан, подобный виноградной лозе, светлые волосы, продолговатое лицо, прямой тонкий нос, пышные кудри, глаза ясные и веселые, кожу, подобную персику, губы алее, чем вишня или роза летней поры. Женщину сравнивают с розой — она нежна, хрупка, изящна. В моде высокие головные уборы, приталенные платья.
Эпоха Возрождения
В эпоху раннего Возрождения бледный цвет лица и длинные шелковистые пряди белокурых волос стали канонами красоты женщин Флоренции. Великие поэты Данте, Боккаччо, Петрарка и другие прославляли белоснежную кожу. Идеальными считались 			стройная «лебединая 			шея» и высокий 			чистый лоб. Чтобы 			следовать этой моде, 			для удлинения овала 			лица женщины 				выбривали спереди 			волосы и выщипывали 			брови, а для того 			чтобы шея казалась 			более длинной, брили 				затылки.
Симонетта Веспуччи –любимица Флоренции ,Медичи и Ботичелли.
Художник считал её идеалом красоты и изображал
 в образе Весны, Афродиты, Юдифи, Марии.
С.Ботичелли. Рождение Венеры
Высокое Возрождение приносит совсем иное понимание красоты. Вместо тонких, стройных подвижных фигур торжествуют пышные формы, могучие тела с широкими бедрами, с роскошной полнотой шеи и плеч.
В моду входит особый, так любимый венецианками золотисто-рыжий цвет волос, — цвет, который позже стали называть «цветом Тициана».
Высокое Возрождение
Загадка эпохи
«Джоконда» подобна древнему
загадочному сфинксу, который
таинственно улыбается из
рамы картины Леонардо да Винчи
и, кажется, предлагает
восхищенным столетиям
загадку, которую они ещё не
решили.
			Т.Готье
«Мадонеро», «Божественный Санцио»    			и его мадонны
17 век
Магистральной линией развития искусства становится
светское. Главенствуют 2 больших стиля искусства – барокко
и классицизм. Первый – изумление перед пышностью,
богатством, бесконечностью постигаемого мира. Второй-
равнение на античность, выработка новых норм и правил.
С человеческого тела было снято табу, наложенное церковью. Душа отходит на второй план, и перед нами во всем своем величии появляется Тело. Красота теперь неотъемлемо связана с телом. Люди вспомнили, что «когда-то они это уже видели», и искусство взяло своим основанием достижения Античности.
Это полный противоречий и борьбы переходный период,
завершивший историю европейского феодализма и
открывший новые капиталистические отношения.
Красота в понимании Рубенса и Рембрандта
Франция –законодательница мод
С середины 17 века законодателем европейской моды
становится Версаль. Жизнь при дворе –нескончаемое
театрализованное представление, актеры – король и
придворные.
Формируется новый облик придворного.
Розовощекие кокетливые мужчины,
утопающие в кружевах и бархате. Движения их легки и грациозны,
в моде женственность.
Женщины исполнены грации и элегантности.
	Корпус затянут в
		тончайший
		корсет,
		 пудреные		 			маленькие 					головки

	         уравнивают
 		возраст.
18 век. Рококо
Маркиза де Помпадур –
идеал и образец галантности
этого времени. Многие
модные штучки придумала
она. Например – мушки.
Идеал красоты: тонкие руки, маленькие ножки, нежное тело
Для еще лучшего вида была нужна пикантность. Красота тела уже не связана с наготой – обнаженными становятся лишь некоторые части тела, а одежда дамы активно подчеркивает их.
Не раз менялся идеал красоты в XIX веке. В самом
 его начале в моду входит одежда с сильно завышенной
талией (под грудью), сшитая из тонких,
полупрозрачных тканей, мягко обволакивающих
 фигуру. Затем, к 30—40-м годам талия
опускается на свое обычное место, туго
затягивается корсетом, а юбки становятся
пышными, широкими. В 80-е годы в моду
 входят турнюры — объемные драпировки и
банты сзади, к низу от талии. Силуэт фигуры в
профиль приобретает необычайно женственную
S-образную изогнутость. Но в целом мода XIX
 века
 тяготела к искусственности. Все естественное,
натуральное казалось грубым, примитивным.
Здоровый румянец и загар, крепкое, сильное
тело были признаками низкого происхождения.
 Идеалом красоты считались «осиные талии»,
бледные лица, изнеженность и утонченность.
19 век

Ампир
Однако в ХIX веке женщина впервые изображается с позиции человека. Художники, которые придерживались передовых демократических взглядов, начинают искать в женщине не просто телесную красоту, но и душу, ум. На лице, кроме утонченных черт, впервые появляются мысли. Теперь на картинах женщина из объекта удовольствия превращается в субъект человеческих отношений.
На протяжении прошлого века идеал красоты изменялся несколько раз, но причинами этих изменений были уже не революции в общественной жизни, а необходимостью капитала изготавливать все больше и больше товаров для тела. Целостного понятия идеала женской красоты уже не существует. Он постепенно исчезает, регрессирует, как исчезает и классическое его изображение. Последний такой «наиболее популярный» идеал – это эталон красоты, сформированный 25 лет назад владелицей одного модельного агентства в Нью-Йорке. Понятно, что здесь не идеализируют красоту и здоровье тела, а стремятся показать красоту одежды. Женщина должна быть похожа на манекен. Требования к телу следующие: минимум, метр семьдесят роста, маленькая грудь, шелковые волосы, нежные плечи, длинная шея, узкая талия, красивые руки, широко расставленные глаза, не очень большой рот и не очень узкие губы.
От чего же зависят представления о красоте?
От времени (эпохи).
От этнических, национальных традиций восприятия прекрасного.
От сословных или классовых представлений о красоте.
От личного отношения к модели автора-художника, который
       воплощает его в произведении искусства.
От всех нас – умеем ли мы понять, что перед нами именно
       Прекрасное.

Библиография:

Н.М. Аршавская, Л.С. Щербакова. Мода, вкус, красота
 Андрей Самарский.Эволюция идеала женской красоты
Эдуард Фукс. История нравов
Ресурсы интернет
Художественная энциклопедия зарубежного классического искусства на СD.
5555 шедевров мировой живописи.


title: Скачать презентацию или конспект Сверхъестественное

extracted_text:
Выполнил ученик 8 класса «В» Жиленков Павел
Сверхъестественное

Сэм Винчестер
Исполняет: Джаред Тристан Падалеки
Первое появление: 1.01. Пилот
Родился: 2 мая 1983 года
Место рождения: Лоуренс, штат Канзас
Родители: Джон Винчестер, Мэри Винчестер
Брат: Дин Винчестер
Рост: 6' 4" (1.93 м)
Глаза: щенячьи
Способности: ясновиденье, в меньшей степени - телекинез

Дин Винчестер
Исполняет: Дженсен Росс Эклз
Первое появление: 1.01. Пилот
Родился: 24 января 1979 года
Место рождения: Лоуренс, штат Канзас
Умер: в мае 2008 года
Воскрес: 18 сентября 2008 года
Родители: Джон Винчестер, Мэри Винчестер
Брат: Сэм Винчестер
Рост: 6' 1" (1.85 м)
Глаза: наглые, зеленые
Автомобиль: черная четырехдверная Chevrolet Impala 1967 года

Джон Винчестер
Родился в 1954 году. Исполняет: Джеффри Дин Морган
Первое появление: 1.01. Пилот
Родился: 1954
Умер: 2006
Рост: 6'2" (1м 88см)
Дети: Дин Винчестер, Сэм Винчестер
Жена: Мэри Винчестер

Мэри Винчестер
Родилась 2 ноября 1954 года Исполняет: Саманта Смит
Первое появление: 1.01. Пилот
Родилась: 2 ноября 1954 года
Дети: Дин Винчестер, Сэм Винчестер
Муж: Джон Винчестер
Умерла: 2 ноября 1983 года

Братья по оружию
Кастиэль
Бобби Сингер
Нечисть
Крюк
Сирена
Левиафан
Тульпа
Кицунэ
Оборотень
Оборотень
ДЕМОНЫ
Лилит
Руби
Мэк
Аластар
Кроули
Азазель
Ангелы
Иезекииль
Бальтазар
Метатрон
Наоми

Спасибо за Просмотр