title: Скачать презентацию или конспект Антонио Вивальди

extracted_text:
Антонио Вивальди
Автор презентацииученик 10 класса
Большаков Анатолий
МБОУ Ильинская СОШ, 2012 г.
Prezentacii.com
Биография
Музыка
Сочинения
Вивальди в искусстве

Биография
Антонио Вивальди родился 4 марта 1678 года в Венеции, являвшейся в ту пору столицей Венецианской республики. До середины XX века исследователями биографии Вивальди предполагались различные даты рождения композитора, встречались утверждения, что он родился в 1675 году, приводились и иные даты. Обнаруженные в январе 1963 года английским ученым Эриком Полом  записи церковного прихода Святого Иоанна в Брагоре (предместье Венеции) позволили окончательно установить дату рождения композитора. Согласно этим записям, Антонио Вивальди родился 4 марта 1678 года и в тот же день был крещён в этом соборе. Крещение было срочно произведено акушеркой, так как мальчик родился хилым и был под угрозой смерти.
Биография
Далёкие предки Антонио были уважаемыми людьми в Брешии, где в 1655 году родился и отец композитора, Джованни Баттиста. В десять лет Джованни переехал с матерью в Венецию, где обучался парикмахерскому ремеслу. В то время в итальянских цирюльнях для занятия свободного времени клиентов, как правило, держали различные музыкальные инструменты. Джованни время от времени музицировал на скрипке и впоследствии полностью посвятил себя музыке. В 1677 году Джованни женится на Камилле Каликкьо и годом позже у них рождается сын — Антонио. Согласно церковным записям, у Антонио было три сестры — Маргарита Габриэла, Чечилия Мария и Дзанетта Анна, и два брата — Бонавентура Томассо и Франческо Гаэтано, которые продолжили дело отца и стали впоследствии цирюльниками.
Биография
В 1685 году имя Джованни Баттисты значилось в списке создателей музыкального сообщества «Sovvegno dei musicisti de Santa Secilia», директором которого был известный композитор, автор ряда опер Джованни Легренци. Впоследствии Джованни стал главным скрипачом в капелле собора Святого Марка. Примечательно, что в те годы его полное имя значилось, как Джованни Баттиста Росси. За непривычный для венецианцев рыжий цвет волос, который Антонио унаследовал от отца, его впоследствии называли «рыжим священником» (итал. il prette rosso). О юношеских годах композитора и его музыкальном образовании имеется мало сведений. Скорее всего, именно отец и стал первым музыкальным наставником Антонио, научив его игре на скрипке. С десяти лет Антонио стал играть на скрипке, в 1689—1692 годах замещал отца в капелле собора Святого Марка ввиду его частых отлучек из Венеции.
Биография
Согласно некоторым источникам, Антонио обучался теории музыки и композиции у Джованни Легренци, но учитывая, что Легренци умер в 1690 году, многими исследователями факт наставничества Легренци над юным Антонио ставится под сомнение. Виртуозная игра на скрипке и отголоски в ранних произведениях Антонио музыкального стиля известного римского скрипача Арканджело Корелли стали причиной предположений, что, возможно, Антонио обучался игре на скрипке у этого мастера. Однако на сегодняшний день нет явных свидетельств, подтверждающих это, и временная хронология дат церковной службы Антонио не совпадает с датой предполагаемого его обучения в 1703 году в Риме.
Биография
Служба отца в церковном соборе и контакты с духовенством повлияли на выбор дальнейшей карьеры юного Антонио. Он принял решение стать священнослужителем, и это вполне объяснимо, так как в Италии тех времён являлось привычным делом совмещение духовной и музыкальной карьер. 18 сентября 1693 года Антонио был пострижен в монахи, 18 сентября 1700 года был возведён в сан дьякона. 23 марта 1703 года Вивальди рукоположен в сан священника. На следующий день отслужил первую самостоятельную мессу в церкви Сан-Джованни ин Олео. 1 сентября 1703 года поступил на службу преподавателем по классу скрипки (maestro di violino) в консерваторию церковного приюта «Пиета», которая славилась, как одна из лучших музыкальных школ для девочек.
Биография
Позднее стал дирижёром оркестра и руководителем концертов (maestro de concerti), в обязанности Вивальди входило сочинение музыки для многочисленных светских и духовных концертов этой консерватории. Профессию музыканта он совмещал с духовным саном аббата-минорита, но затем был отрешён от сана священнослужителя за «недозволенное» поведение во время церковной службы. В 1703 году Вивальди получил заказ от графини Лукреции Тревизан отслужить 90 обетных заутреней в церкви Святого Иоанна. 17 августа 1704 получил дополнительное вознаграждение за преподавание игры на viola d’amore. Отслужив половину обетных заутреней, Вивальди отказался по состоянию здоровья от заказа Лукреции Тревизан.
Биография
В 1711 году были опубликованы 12 концертов «L’estro armonico» («Гармоническое вдохновение»). В этом же году он получил твердый годовой оклад и стал главным руководителем концертов воспитанниц, с 1713 года директором женской консерватории «Пиета» («Ospedale della Pietа»). В эти годы юный Вивальди усиленно трудится, совмещая преподавательскую и композиторскую деятельность. Его имя становится известным в родной Венеции, а учитывая то, что Венеция была в ту пору центром международного туризма и посещалась большим количеством путешественников, популярность Вивальди распространяется за пределы Венеции. Так, в 1709 году во время представления оратории в «Пиете» Вивальди был представлен датскому королю Фредерику IV, которому впоследствии посвятил 12 скрипичных сонат. В 1712 году, во время пребывания в Венеции, произошла встреча немецкого композитора, капельмейстера из Бреслау Готтфрида Штольцля (Gottfried Heinrich Stölzel) с Антонио. Таким образом, Штольцль был первым немецким музыкантом, лично контактировавшим с Вивальди.
Биография
В 1713 году Вивальди написал своё первое произведение, трехактную оперу «Ottone in villa» («Оттон на вилле»), премьера постановки которой произошла 17 мая того же года на сцене венецианского Театро делле Грацие (Teatro delle Grazie)[6][7]. Эта опера представляет собой характерный образец оперы-сериа с её растянутостью действия и запутанной сюжетной интригой. Написанная на либретто Доменико Лалли, с которым Вивальди впоследствии неоднократно сотрудничал, она воссоздает один из эпизодов римской истории. По-видимому, постановка имела значительный успех, так как привлекла внимание венецианских импресарио. Вскоре Вивальди получил заказ (scrittura) на новую оперу от Модотто, владельца театра Сан-Анджело, с которым он поддерживал контакт вплоть до своей последней оперы «Фераспе» (1739)[8]. Год спустя, в 1714 году, он написал свою вторую оперу «Orlando finto pazzo» («Роланд, мнимый безумец»), написанную на либретто Грацио Браччьоли, представляющюю собой свободную переработку известной поэмы «Неистовый Роланд» итальянского поэта Людовико Ариосто.
Биография
Вскоре композитор написал две оратории на латинские тексты, «Моисей, бог фараонов» в 1714 году и «Юдифь торжествующая» в 1716 году. Партитура его первой оратории «Моисей, бог фараонов» была впоследствии утеряна. В римской консерватории Святой Сессилии сохранился только текст оратории с указанием имен исполнителей, из которого видно, что все партии, включая мужские персонажи, исполнялись девушками — воспитанницами. Оратория «Юдифь торжествующая», отличающаяся свежестью мелодического вдохновения и тонкостью оркестрового колорита, относилась к лучшим созданиям Вивальди. С широким признанием таланта комозитора и педагога увеличивалось и количество учеников Вивальди, однако ни новые ученики, ни обилие композиторской работы в консерватории «Пиета» не могли отвлечь Вивальди от интенсивной работы в театре.
Биография
 В 1715 году он получил заказ от театра Сан-Анджело — 12 главных арий в опере «Nerone fatto Cesare» («Нерон, ставший Цезарем»). В 1716 году Вивальди по заказу театра Сан-Анджело написал ещё одну оперу «L’incoronazione di Dario» («Коронация Дария»). В этом же году им была написана опера «La costanza trionfante degl’amori e de gl’odii» («Постоянство, торжествующее над любовью и ненавистью») для второго по значимости венецианского театра Сан-Мозе, с которым композитор был также тесно связан в последующие годы. Премьеры этих опер состоялись на карнавале 1716 года.[9] О том, что Вивальди становится знаменитым не только в Венеции, но и за её пределами, свидетельствует и то, что в 1718 году его опера «Scanderbegh» («Скандербег») ставится на сцене флорентийского театра.
В целом, период с 1713 по 1718 год считается многими исследователями самым продуктивным этапом в творчестве композитора: за эти пять лет он написал в общей сложности восемь опер.
Биография
 О периоде жизни композитора с 1719 по 1722 год мало что известно. Судя по письму композитора от 1737 года и его аннотациям к операм, становится ясным, что Вивальди провёл эти годы в городе Мантуя и частично в Германии. На титульном листе либретто к опере «La Verita in Cimento» он называет себя Maestro di Capella di Camera il Principe Filippo Langravio d’Assia Darmstadt из чего следует вывод, что с 1720 года, предположительно по 1723 год, Вивальди служил у маркграфа Филиппа Гессен-Дармштадтского, возглавлявшего в то время войска австрийского императора Карла VI в Мантуе и Неаполе. В Мантуе Вивальди познакомился с оперной певицей Анной Жиро (Anna Giraud), дочерью французского парикмахера.
Биография
Это знакомство оказало большое влияние на последующую судьбу Вивальди. В своих посланиях к драматургу Карло Гольдони Вивальди представляет ему Анну Жиро как свою «прилежную ученицу». По мнению исследователей, именно Вивальди принадлежит большая заслуга в становлении Анны Жиро как оперной певицы. Это вполне вероятно, так как итальянские оперные композиторы обычно в совершенстве знали секреты вокальной техники. Современники отзывались об Анне как об искусной и одухотворенной певицей с приятным, хотя и скромным по диапазону голосом. Карло Гольдони писал, что «она была некрасива, но очень изящна, имела тонкую талию, красивые глаза, прекрасные волосы, прелестный ротик. У неё был небольшой голосок, но несомненное актерское дарование». Постоянной спутницей Вивальди стала также сестра Анны Жиро, Паолина, которая стала своего рода медицинской сестрой композитора и приняла на себя заботы о здоровье композитора, болевшего бронхиальной астмой.
Биография
 После трехгодичной службы в Мантуе Вивальди вместе с Анной и Паолиной возвратился в Венецию, где Анну острые на язык венецианцы называли «подругой рыжего священника». В Венеции, обе они постоянно жили в доме Вивальди и сопровождали его в многочисленных путешествиях, связанных в то время с опасностями и лишениями. Эти слишком тесные для духовного лица взаимоотношения с сестрами Жиро неоднократно вызывали нарекания со стороны церковников. Этому способствовало и появление огромного количества народных слухов и домыслов вокруг персоны Вивальди. Так, по одному из слухов Вивальди был евнухом. Нарушение норм поведения священника привело к тяжелым для Вивальди последствиям и обострению его отношений с церковной знатью Папской области. Известно, что в 1738 году кардинал-архиепископ города Феррары запретил Вивальди въехать в город и отслужить мессу ввиду грехопадения композитора. Несмотря на все это, он всегда с большой душевной твердостью отстаивал честь и человеческое достоинство спутниц своей жизни, неизменно отзываясь о них с глубоким уважением.
Биография
После трехгодичной службы в Мантуе Вивальди возвратился в Венецию. В 1723 году состоялась его первая поездка в Рим и постановка новой оперы «Ercole sul Termodonte» («Геркулес на Термодонте»). Эта опера произвела большее впечатление на римлян. Известный флейтист, композитор и музыкальный теоретик Иоганн Иохим Кванц, прибывший в Рим через полгода после премьеры оперы, заметил, что «публике так понравился „ломбардский стиль“ Вивальди, что с тех пор не хотела слушать другой музыки». В феврале 1724 года Вивальди вновь посетил Рим для участия в премьере оперы «Giustino» («Джустино»). Третья опера, «La virtù trionfante dell’amore, e dell’odio, overo Il Tirane» («Добродетель, торжествующая над любовью и ненавистью»), написанная в 1724 году и представленная в том же году на римском карнавале, завершила триумфальный успех произведений композитора в Риме, выступление в котором считалось серьезным испытанием для любого композитора.
Биография
 Хотя многие исследователи считают, что Вивальди был принят папой Бенедиктом XIII, по мнению немецкого исследователя Карла Хеллера (Karl Heller) это могла быть и аудиенция у его предшественника, Иннокентия XIII. Если предполагать что Вивальди был принят Бенедиктом XIII, то это означает, что он пробыл в Риме дольше, чем во время своего первого визита, так как Бенедикт XIII был избран папой лишь 29 мая 1724 года. В 1725 году в Амстердаме был издан цикл из 12 концертов «Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione» («Искус гармонии и инвенции» или «Спор Гармонии с Изобретением»), написанный им приблизительно в 1720 году. Всемирно известные, в России неточно именуемые «Времена года», четыре первые концерта этого цикла уже тогда произвели неизгладимое впечатление на слушателей своей неистовой страстностью и новаторством.
Биография
 Правильное название — «Четыре времени года» (Le quattro stagione), что прямо отсылает к многозначной символике цикла. Работавший в то время во французском посольстве в Венеции Жан-Жак Руссо высоко ценил музыку Вивальди и любил сам исполнять кое-что из этого цикла на любимой им флейте. Также широко известны концерты Вивальди — «La notte» (ночь), «Il cardellino» (щеглёнок), для флейты с оркестром, концерт для двух мандолин, отличающиеся художественной изобразительностью и гармонической щедростью, свойственной его произведениям, а также духовные сочинения: «Gloria», «Magnificat», «Stabat Mater», «Dixit Dominus».
В 1735 году вновь недолго был капельмейстером.
Биография
В середине мая 1740 года музыкант окончательно оставляет Венецию. Он прибыл в Вену в неудачное время: только что скончался император Карл VI, и началась война за австрийское наследство. Вене было не до Вивальди. Всеми забытый, больной и без средств к существованию он скончался в Вене 28 июля 1741 года. Квартальный врач зафиксировал смерть «преподобного дона Антонио Вивальди от внутреннего воспаления». Похоронен на кладбище для бедняков за скромную плату 19 флоринов 45 крейцеров. Месяц спустя сёстры Маргарита и Дзанетта получили извещение о кончине Антонио. 26 августа судебный пристав описал его имущество в счёт погашения долгов.
Главная
Музыка
Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста.
Музыка
Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Все свои оперы Вивальди написал на сюжеты одного и того же драматурга — Карло Гольдони. Хотя обласканный им Гольдони после смерти рыжего священника высказался о нём в мемуарах как о довольно посредственном композиторе. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Инструментальные концерты Вивальди являлись этапом на пути формирования классической симфонии.
Музыка
 Современники нередко критиковали его за чрезмерное увлечение оперной сценой и проявленные при этом поспешность и неразборчивость. Любопытно, что после постановки его оперы «Неистовый Роланд», друзья звали Вивальди, не иначе как Дирус (лат. Неистовый). Оперное наследие композитора в настоящее время ещё не стало достоянием мировой оперной сцены. Его авторство приписывается примерно 94 операм, хотя из них точно определены лишь около 40. Лишь в 1990-е годы в Сан-Франциско успешно поставлен «Неистовый Роланд».
Музыка
 Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже.
Музыка
Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта».
 Значительный вклад в изучение творчества Вивальди внесли французский музыковед Марк Пеншерль (Mark Pincherle) и немецкий музыковед Вальтер Кольнедер (Walter Kolneder).
Главная
Сочинения
Антонио Вивальди является автором 90 опер[5], в том числе «Роланд Неистовый» (Orlando furioso), «Нерон, ставший Цезарем» (Nerone fatto Cesare, 1715, там же), «Коронация Дария» (L’incoronazione di Dario, 1716, там же), «Обман, торжествующий в любви» (L’inganno trionfante in amore, 1725, там же), «Фарначе» (1727, там же, позднее также под названием «Фарначе, правитель Понта»), «Кунегонда» (1727, там же), «Олимпиада» (1734, там же), «Гризельда» (1735, театр «Сан-Самуэле», Венеция), «Аристид» (1735, там же), «Оракул в Мессении» (1738, театр «Сант-Анджело», Венеция), «Ферасп» (1739, там же); оратории — «Моисей, бог фараона» (Moyses Deus Pharaonis, 1714), «Торжествующая Юдифь» (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), «Поклонение волхвов» (L’Adorazione delli tre Re Magi, 1722) и др.
Сочинения
Автор более 500-а концертов, в их числе:
44 концерта для струнного оркестра и бассо континуо;
49 кончерти гросси;
352 концертов для одного инструмента с сопровождением струнного оркестра и/или бассо континуо (253 для скрипки, 26 для виолончели, 6 для виоль д’амур, 13 для поперечной, 3 для продольной флейт, 12 для гобоя, 38 для фагота, 1 для мандолины);
38 концертов для 2 инструментов с сопровождением струнного оркестра и/или бассо континуо (25 для скрипки, 2 для виолончели, 3 для скрипки и виолончели, 2 для валторн, 1 для мандолин);
32 концерта для 3 и более инструментов с сопровождением струнного оркестра и/или бассо континуо.
Сочинения
Автор свыше 100-а сонат для различных инструментов с сопровождением бассо континуо; светских кантат, серенад, симфоний, Stabat Mater и других церковных произведений.
Одно из самых известных произведений — первые 4 концерта из 8-го опуса, цикла из 12 скрипичных концертов — «Четыре времени года» — ранний образец программной симфонической музыки. Вивальди внёс существенный вклад в развитие инструментовки, он первым применил гобои, валторны, фаготы и другие инструменты как самостоятельные, а не дублирующие.
Главная
Вивальди в искусстве
Сохранилось несколько произведений искусства, на которых изображен Вивальди. Так, в 1723 и 1725 годах портреты композитора были написаны французским художником Франсуа Морелон дё ля Кавэ, однако наиболее известный цветной портрет, это лишь предполагаемый портрет Вивальди, так как подписи его фамилии на нём нет, а предположение что на нём изображён величайший композитор сделано лишь из соображений того, что портрет обнаружен в Венеции и изображает скрипача (а Вивальди был скрипачом-виртуозом), однако внешнее несходство этого портрета с остальными и отсутствие на нём инициалом композитора, дают основания сомневаться в том, что цветной портрет действительно изображает Вивальди. Одна из картин хранится в Международном музее музыки (Museo internazionale e biblioteca della musica) в Болонье. В 1723 году итальянским художником Пьер Леоне Гецци была нарисована карикатура на композитора — «Рыжий священник».
Главная


Скачать презентацию или конспект Керамика Древней Греции


Скачать презентацию или конспект Библия


Скачать презентацию или конспект Графика как вид изобразительного искусства


Скачать презентацию или конспект Культура Древнего Востока


Скачать презентацию или конспект Михаил Иванович Глинка


Скачать презентацию или конспект Изображение фигуры человека в истории искусства


title: Скачать презентацию или конспект Реалистическая живопись Голландии

extracted_text:
Реалистическая
 живопись Голландии
Prezentacii.com

План урока:
Реализм в живописи
Рембрандт ван Рейн – судьба художника, основные вехи его творческой биографии
Своеобразие художественной манеры, богатство и разнообразие тематики произведений

РЕАЛИЗМ
Направление в искусстве, художники которого сознательно и последовательно, объективно и правдиво изображают действительность
                      Принципы         реалистической живописи             (сформулированы Рембрандтом)
«Учись прежде всего следовать богатой природе и отображать то, что найдешь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди – все служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас».
В XVII в. В Голландии популярными
становятся жанры портрета и натюр-
морта, бытовая и пейзажная живопись
Художники:
Франс Хальс
Вермер Делфтский
Якоб Рейсдал
Адриан ван Остаде
Герард Терборх
Ян Стен
Хальс “Групповой портрет офицеров стрелковой роты святого Георгия”
Здесь зародился жанр живописи – групповой портрет
Хальс
Герард Терборх.
Бокал лимонада
1660 г.
Виллем Хеда
Ветчина и серебряная посуда  1649 г.
       Рембрандт ван Рейн               (1606 – 1669)
Родился в Лейдене, в семье мельника
В 1631 г. переезжает в Амстердам, там завоевывает известность
В портретах появляется непосредст-венная жизненная правдивость – как следствие этого потеря заказов, непонимание
В 1642 г. - личное горе (смерть жены)
В 1669 г. – умирает нищим, похоронен на кладбище для бедняков на общественные средства
Характерные черты письма:
Искусство светотени (главные смысловые акценты в картине)
Эффект горящих и тлеющих тонов
Тематика бесконечно разнообразна (попытки передать духовную эволюцию человека, трагический путь познания жизни) мифологические и библейские темы
Мастер автопортрета (около 100)
Офорты

Основные произведения:
«Урок анатомии» 1632г.
«Автопортрет с Саскией на коленях» 1634г.
«Ночной дозор» 1642г.
«Святое семейство» 1645г.
«Портрет старушки» 1654г.
«Групповой портрет синдиков суконного цеха» 1662г.
«Возвращение блудного сына» 1668г.
Всего – около 800 картин, 300 офортов, 2000 рисунков

Автопортрет с Саскией на коленях
1635 - 1636 г.
Автопортрет
Даная
Ночной дозор
Возвращение блудного сына
Флора
Портрет
Яна Сикса
Домашнее задание
Проанализировать «Автопортрет с Саскией на коленях» по рекомендациям со стр. 394
Урок МХК в 11 классе
по программе Г.И. Даниловой
учитель МХК и музыки
МКОУ СОШ п. Октябрьский
Зуевского р-на Кировской обл.
Беспечальных Анастасия Владимировна
Prezentacii.com


title: Скачать презентацию или конспект Бартоломео Расстрелли

extracted_text:
Растрелли Бартоломео Карло
Презентацию подготовила ученица 10 класса Цыганкова Екатерина.
Prezentacii.com
   Растрелли Бартоломео Карло родился в 1675 году во Флоренции в семье состоятельного дворянина Франческо Растрелли. Заметив художественные наклонности сына, отец, отдал его в скульптурную мастерскую, где Растрелли прошел отличную выучку. Он хорошо рисовал, умел работать в бронзе, постиг художественное литье и ювелирное дело, получил навыки архитектурного проектирования, познакомился со строительной техникой и гидравликой, освоил искусство театрального живописца. Но применить свои способности на родине он не смог: некогда процветавшая Флоренция переживала тяжелый экономический и политический кризис.
Не нашлось заказов и при папском Дворе в Риме. Растрелли возвращается во Флоренцию, вскоре женится на испанской дворянке, вместе с ней едет в Париж. Там в 1700 году у них родился сын - Франческо Бартоломео Растрелли, будущий знаменитый архитектор. В 1707 году за надгробие маркизу де Помпону, министру Людовика XIV, которое понравилось вдове и многим влиятельным лицам, Растрелли получил графский титул.
Памятник Растрелли.
    Царствование Людовика близилось к концу, и многие мастера не имели заказов. Петр 1, заинтересованный в привлечении в Россию художников, и понимая создавшуюся обстановку, писал русскому резиденту во Франции Н. Зотову, чтобы тот не упустил "потребных и добрых" мастеров.
    В апреле 1715 года Зотов начинает вести переговоры со многими мастерами, в том числе и с Растрелли. С 1 мая 1715 года скульптор уже был принят по договору "с сыном своим и учеником работать в службе царского величества три года во всех художествах и ремеслах, которые он сам умеет".
    В его обязанности входило проектирование дворцов, садов, каскадов и фонтанов, исполнение статуй из мрамора, порфира и других твердых пород, отливка скульптуры из меди, свинца и железа, изготовление портретов из воска и гипса, а также штемпелей для чеканки медалей и монет, создание декораций и машин для театральных представлений. Специальным пунктом договора предусматривалось, что Растрелли обязуется готовить учеников.
    24 марта 1716 года сорокалетний Растрелли прибыл в Петербург и вскоре занял ведущее положение среди скульпторов России. По договору он ехал за границу на три года, но остался здесь навсегда.
    Вначале Растрелли работал преимущественно как архитектор. Он участвовал в планировке Васильевского острова и в строительстве дворца в Стрельне, представил на конкурс проект здания сената, делал модели гидравлических машин для фонтанов, преподавал в рисовальном отделении Академии наук, исполнял эскизы маскарадных костюмов, а также занимался скульптурой. Но вскоре французский архитектор Ж.Б. Леблон, приехавший почти одновременно с Растрелли и соперничавший с ним, оттеснил Растрелли как архитектора. Поэтому разносторонне одаренный Растрелли смог проявить свой талант только в области скульптуры и прежде всего показал себя как изумительный портретист. Он сумел соединить в скульптурных портретах пышную барочную парадность, так хорошо соответствовавшую победоносному духу петровского царствования с вдумчивым проникновением в человеческую душу, что также отвечало задачам эпохи.
Дворец в Стрельне
Работая над портретами, Растрелли внимательно изучает натуру, стремится передать наиболее характерные индивидуальные черты. Первой значительной портретной работой является бюст А. Д. Меншикова выполненный в конце 1716 года. Годом позже появилась эта работа в бронзе, а в конце 1840-х годов скульптор Витали повторил портрет в мраморе (ГРМ).
бюст А. Д. Меншикова
Многократно обращался Растрелли к образу Петра I. Еще при жизни царя, в 1719 году, он снял с него маску (ГЭ), творчески интерпретировал ее и создал абсолютно достоверный портрет. Тогда же был сделан восковой бюст Петра в латах. После смерти Петра I по заказу Екатерины I Растрелли выполнил "Восковую персону" (ГЭ) - раскрашенную фигуру в натуральную величину, облаченную в одежды Петра. Две последние работы интересны как своего рода "документы".
маска Петра I
«Восковая персона» Петра I
Подлинной удачей Растрелли является бронзовый бюст Петра I (1723-1729, ГЭ; вариант - ГРМ): образ, исполненный неукротимой энергии, правдивый и живой, очень динамичный по форме. Б. К. Растрелли выполнил еще два бюста Петра: один в дереве - для военного корабля, другой - из позолоченного свинца (Копенгагенский музей).
Портретные бюсты Растрелли - скорее монументальные, а не станковые произведения. В них переданы не только индивидуальные черты отдельных лиц, но. и характер целой эпохи.
бюст Петра I
Много лет работал Растрелли над конным монументом Петра. Еще в 1720 году по заказу царя он сделал небольшую модель будущего памятника. В 1724 году модель появилась в окончательном виде. Но только через двадцать лет, уже после смерти скульптора, при участии его сына, архитектора Ф. Б.Растрелли, статую отлили в бронзе. Памятник был установлен Павлом 1 лишь в 1800 году перед Михайловским замком. Там он стоит и поныне с надписью Прадеду - правнук". Это - первый конный памятник в русском искусстве, хоть установлен он и позже знаменитого "Медного всадника".
модель будущего памятника
памятник Петра I
   В 1741 году скульптор закончил работу над статуей "Анна Иоанновна с арапчонком" (ГРМ), в которой органично соединились портретная характеристика и монументальное обобщение. Если в образе Петра и его сподвижников - порыв и горение, то в названном произведении - олицетворение одного из самых мрачных периодов истории России.
"Анна Иоанновна с арапчонком"
   Портретные работы - не единственное, что оставил Растрелли. Он много работал как мастер декоративной скульптуры в Стрельне, Летнем саду и особенно в Петергофе. Творчество Растрелли заметно сказалось и на развитии медальерного искусства России. Значительный интерес представляет участие Растрелли в работе над проектом Триумфального столпа, идею которого выдвинул Петр в подражание римской Колонне Траяна. По мысли Петра "столп в память Северной войны" должен был увековечить военные подвиги русской армии, приведшие к образованию могучей Российской империи. Но после смерти Петра колонну стали называть "Столп памяти Петра I и Северной войны".
    Грандиозную колонну, опоясанную барельефами на темы событий Северной войны, должна была венчать статуя Петра I. Однако Триумфальный столп так и не поставили ни при Петре I, ни при его преемниках. Не была даже закончена модель статуи. Только в 1938 году модель столпа реконструировали, и теперь она находится в Эрмитаже. Растрелли принадлежит архитектурное решение колонны. Возможно, что он начал выполнять модель и часть барельефов. Но после смерти Петра Екатерина I передала эту работу Андрею Нартову - талантливому резчику и токарному мастеру. Исследователям трудно определить, какая часть работы выполнена Растрелли, а какая Нартовым. Тем не менее, решение этого своеобразного памятника характерно для творчества Растрелли.
  Согласно договору, Растрелли должен был обучать одаренных людей "художествам и ремеслам". Он пытался организовать профессиональную школу скульпторов, но не оказалось условий для систематических занятий. Все же известно, что у скульптора было много учеников и некоторые из них стали его помощниками. Растрелли умер 18 ноября 1744 года.


title: Скачать презентацию или конспект Живопись романтизма

extracted_text:
Живопись романтизмаЭжен ДелакруаФрансиско Гойя

Урок МХК в 11 классе
подготовила учитель Мишкина И.В.
Prezentacii.com
Принципы романтизма
1. Неприятие реальной жизни.
2. Исключительность романтического героя (внутренняя раздвоенность, одиночество, поиски идеала, жизнь в сфере эмоций).
3. Культ прошлого: идеализация Античности и Средневековья, интерес к фольклору.
Представители направления
 Э.Делакруа (Франция)
 Ф.Гойя (Испания)
 К.Фридрих (Германия)
 С.Щедрин
 О. Кипренский
 И. Айвазовский

Россия
Эжен Делакруа
1798 Родился в Париже в семье чиновника Шарля Делакруа.
1815 Принимает решение стать художником. Поступает учеником в мастерскую , затем в Школу изящных искусств.
1822 Выставляет в Салоне полотно «Ладья Данте».

1824 Картина Делакруа «Резня на Хиосе» становится одной из сенсаций Салона.
1830 Июльское восстание в Париже. Пишет свое знаменитое полотно «Свобода, ведущая народ».
1855 Награжден орденом Почетного легиона. В рамках Всемирной выставки в Париже проходит персональная выставка.
1863 Завершает продолжавшуюся много лет работу над фресками для церкви Сен-Сюльпис.
1863 13 августа умирает в своем парижском доме.

«Резня на Хиосе» -«жуткий гимн року и страданию» (Бодлер)
«Свобода, ведущая народ»
Франсиско Гойя
	Единственное полотно Гойи в российских музеях — портрет актрисы Антонии Сарате, преподнесённый Эрмитажу в 1972 году американским миллионером.
«Расстрел повстанцев  в ночь на 3 мая 1808 года»
«Семья Карла IV»
Prezentacii.com


title: Скачать презентацию или конспект Храмы Кубани

extracted_text:
«Храмы Кубани»
Учитель МОУ СОШ № 10
ст. Новомышастовской
С. С. Малютина
Prezentacii.com
«Бог небесный воздвигнет царство, которое вовеки не разрушится…»из пророчества святого Даниила
Церковь во имя Покрова Богородицы
Храм святого Александра Невского
Михайло – Афонская пустынь
Церковь святого Ильи Пророка
Свято – Троицкий собор
Свято – Георгиевский храм
Свято Екатерининский собор
Храм Рождества Христова
Храм Хаджох
Храм святого Архангела Гавриила


Скачать презентацию или конспект Константин Бальмонт


title: Скачать презентацию или конспект Абстрактное искусство

extracted_text:
Абстрактное искусство
Издавна человечество пыталось отобразить красоту и великолепие окружающего мира.
Каждое направление в искусстве стремится достичь определенных целей, связанных с мировосприятием живущих людей в той или иной эпохе.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Однако есть такие стили в живописи и скульптуре, которые стремятся передать не конкретный образ, а что-то бесформенное. Цель этого искусства – развитие воображения. Каждый, кто созерцает подобное творчество, ищет в нем что-то понятное для себя.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Абстракционизм появился на рубеже XIX – XX в.в, поскольку именно в это время происходило брожение умов. Потребовалось создать нетрадиционный изобразительный язык, который был бы полон глубокого смысла. Однако тот, кто созерцал произведения данного искусства, должен был уметь мыслить абстракциями. В противном случае изображаемое казалось просто набором каких-то элементов и не более того.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Термин «абстракционизм» основан от слова «abstractio», что в переводе означает удаление, отвлечение.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Основоположники абстракционизма — русские художники Василий Кандинский и Казимир Малевич, голландец Пит Мондриан.
Василий Кандинский
Казимир Малевич
Пит Мондриан
Васильченкова Ирина Анатольевна
В.В.Кандинский стоял у истоков возникновения направления абстракционизма в изобразительном искусстве. Довольно рано великий художник стал рисовать. При этом в его картинах часто встречались нетрадиционные сочетания цветов, которые Кандинский объяснял тем, что, по его мнению, каждый цвет живет отдельной, таинственной жизнью.
Василий Васильевич Кандинский (1866-1944)
Васильченкова Ирина Анатольевна
Обучаясь мастерству художника, он часто изображал на своих картинах сюжеты, которые ничего общего не имели с реальностью. Хотя реализм как направление в искусстве В.В. Кандинский изучил, он не следовал его правилам в своем творчестве. Кандинский стремился к картинам, которые состояли из линий, фигур, ярких цветов, свободных объектов.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Произведения Кандинского – это чистый абстракционизм. Созерцая его картины, приходится домысливать изображенное. Что хотел отобразить в своих картинах Кандинский для многих остается загадкой до сих пор. Хотя сейчас идея создания подобных картин не нова. Однако в те времена он был первым рьяным абстракционистом, который использовал в своих произведениях подобное сочетания разнообразных форм и цветов.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Казимир Северинович Малевич (1878-1935)
Основоположником одного из видов абстрактного искусства, такого как супрематизм, считают К.С.Малевича. Его «Черный квадрат» стал первым произведением, созданным в такой манере.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Рассказывают, что Малевич, написав "Черный квадрат", долгое время говорил всем, что не может ни есть, ни спать. И сам не понимает, что такое сделал. И действительно, эта картина - результат, видимо, какой-то сложной работы. Когда мы смотрим на черный квадрат, то под трещинами видим нижние красочные слои - розовый, зеленый, по-видимому, была некая цветовая композиция, признанная в какой-то момент несостоявшейся и записанная черным квадратом.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Известный живописец любил изображать четкие геометрические формы в разном пространственном расположении. Линии и квадраты, овалы и круги разнообразных цветов – особенности шедевров, созданных Малевичем. Кстати, в наше время его произведения достаточно высоко ценятся. Практически все картины Малевича в настоящий момент являются чьей-то собственностью и являются главным наследством той или иной семьи.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Как и Кандинский и Малевич, Пит Мондриан является художником, который работал в стиле крайнего модернизма – абстракционизма. Его картины представляют собой сочетания линий и прямоугольников. Именно произведения Мондриана являются примером самой бескомпромиссной и строгой геометрической абстракции в живописи ХХ века.
Пит Мондриан (1872-1944)
Васильченкова Ирина Анатольевна
Изначально Мондриан писал в реалистическом стиле. А после того, как в 1911 году познакомился с кубистами, его предпочтения в живописи стали меняться. Мондриан считал, что искусство не должно подвергаться определению. Истинная действительность нашей жизни может быть выражена именно так, как это делал живописец-абстракционист Пит Мондриан.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Абстрактный экспрессионизм
Васильченкова Ирина Анатольевна
Абстракционизм не остановился в своем развитии. В 40-50 годах ХХ века в США возникло новое направление в абстрактной живописи – абстрактный экспрессионизм. Главный принцип данного направления заключался в полном отказе от задуманного замысла и построений формы. Художник свободно импровизировал на холсте.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Искусство действия – вот еще какая характеристика была у данного направления. Именно в такой технике живописи работали художники Джексон Поллок, Марк Ротко, Жорж Матье и другие.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Самым известным живописцем того времени и ярым приверженцем абстрактного экспрессионизма, считается Джексон Поллок (1912-1956). На протяжении всей творческой жизни он пытался выработать свою индивидуальную манеру абстрактной живописи, в чем и преуспел. Поллок стал использовать дерзкие и революционные методы.
Васильченкова Ирина Анатольевна
Вместо того, чтобы писать кистью, он просто расплескивал краску на холсте а потом ударом веревки наносил удары по нему. В результате получалась паутина линий, которая в скором времени принесла ему славу оригинального живописца
Васильченкова Ирина Анатольевна
Абстракционизм построен на образном понимании живописи или скульптуры. Однако если проанализировать творчество художников и скульпторов, которые работали в данном направлении, то можно увидеть четкость линий и форм. Почему же тогда при слове «абстракционизм» мы ожидаем увидеть что-то расплывчатое и непонятное?
Абстракционизм или четкость мировоззрения
Васильченкова Ирина Анатольевна
Тот же «Черный квадрат» Малевича представляет всего лишь прямоугольник черного цвета. Однако каждый из нас видит в нем то, что хочет увидеть. Для кого-то это пространство темной души, для кого-то – просто черное пятно. В зависимости от того, что каждый из нас видит в данном произведении, этот шедевр приобретает ценность согласно нашим впечатлениям от увиденного. Поэтому-то многие плоды труда абстракционистов представляют собой наследие всего человечества в целом.
Васильченкова Ирина Анатольевна
 http://anysite.ru
http://detirisuyut.ru - Наскальные рисунки, абстрактные рисунки
http://images.yandex.ru – абстрактная живопись
Васильченкова Ирина Анатольевна
Интернет ресурсы:


title: Скачать презентацию или конспект Саграда Фамилия

extracted_text:
Саграда Фамилия
Презентацию подготовила
Ученица 11 «А» класса ИСОШ
Барашкова Анастасия
Prezentacii.com
Церковь Святого Семейства (полное название: Искупительный храм Святого Семейства, кат. Temple Expiatori de la Sagrada Família), иногда по-русски неточно называется собором Святого Семейства — церковь в Барселоне, в районе Эшампле, строящаяся на частные пожертвования начиная с 1882 г., знаменитый проект Антонио Гауди.
Первый проект был разработан архитектором Франсиско дель Вильяр (кат. Francisco de Paula del Villar y Lozano), на место которого в конце 1883 года был приглашён А. Гауди, значительно изменивший первоначальный проект. По решению инициаторов строительства храма финансирование работ должно выполняться исключительно за счёт пожертвований прихожан, что является одной из причин столь длительного строительства.
7 ноября 2010 года собор был освящён папой Бенедиктом XVI и был официально объявлен готовым к ежедневным богослужениям.

Церковно-приходская школа возле церкви
В 1909—1910 годах на месте будущего главного фасада было построено здание временной церковно-приходской школы. Она была создана Гауди для детей прихожан строящейся церкви и, как временное сооружение, не имела несущих стен. Несмотря на свой эфемерный характер, эта школа обладает уникальной конструкцией. Прочность здания достигается за счёт использования криволинейных перегородок и кровли, а разделение классных комнат не несущими веса перегородками позволяет без труда изменять планировку внутреннего пространства.
В 1911 году А. Гауди создал проект второго фасада — фасада Страстей, хотя окончательное архитектурное решение нефов и сводов появилось только в 1923 году, а строительство этого фасада было начато уже после смерти Гауди. Создание набросков третьего фасада — фасада Славы — также датируется началом 10-х годов XX столетия. К сожалению, от этой работы до нас дошли только структурно-объёмные анализы и наброски символико-иконографического характера. В проект нефов и перекрытий фасада вошли изыскания, реализованные в крипте колонии Гуэля, и конечный результат, по замыслу архитектора, должен выглядеть как «лес древовидных колонн», залитый светом, проникающим через разновысокие витражи.
30 ноября 1925 года была закончена 100-метровая колокольня фасада Рождества, посвящённая Св. Варнаве. Она оказалась единственной колокольней, достроенной при жизни архитектора, отдавшего строительству Храма более сорока лет своей жизни.
ИСТОРИЯ СТРОИТЕЛЬСТВА

Содержание
Идея создания искупительного храма, посвящённого Святому Семейству, возникла в 1874 году и, благодаря щедрым пожертвованиям, в 1881 году в районе Эшампле был приобретён земельный надел, располагавшийся в то время в нескольких километрах от города. Первый камень в фундаменте нового храма был заложен 19 марта 1882 года, и этот день считается датой начала строительства. Согласно первоначальному проекту архитектора дель Вильяра, предполагалось создание неоготической базилики в форме латинского креста, образованного пятью продольными и тремя поперечными нефами. Была спроектирована огромная апсида, состоящая из семи часовен и обходной галереи за хорами, а окружающий здание клуатр был предназначен для соединения трёх монументальных фасадов церкви. Однако вскоре после начала строительства, в конце 1882 года, дель Вильяр покинул проект из-за разногласий с заказчиками и вместо него руководство работами было поручено А. Гауди.
В 1883—1889 годах Гауди завершил крипту, начатую его предшественником. Над созданным ранее строением дель Вильяра был возведён более высокий свод, позволивший открыть окна наружу. Свод украшен удивительно красивым замковым камнем с рельефом на тему Благовещения, а сама крипта окружена неглубоким рвом, охраняющим стены от сырости и улучшающим доступ дневного света.
Уже была начата постройка неоготической апсиды, когда, получив необычайно большое анонимное пожертвование, Гауди решил серьёзно переделать исходный проект, сохранив от него только планировку в виде латинского креста и абсолютно изменив форму и структуру здания. В соответствии с проектом Гауди, сооружение должно было быть увенчано множеством устремлённых ввысь монументальных башен, а все элементы декорации получить глубокое символическое значение, связанное с Евангелием или церковными обрядами.
В 1892 году архитектор начал работу над фасадом Рождества. Он начал именно с этого фасада, поскольку опасался отпугнуть жителей города реализацией замысла фасада Страстей, откровенно и жёстко рассказывающего о распятии Христа. В 1895 году были завершены работы над неоготической апсидой. Одной из её особенностей являются декоративные навершия башенок и желоба водосточных труб, навеянные местной флорой и фауной, ящерками и улитками, которых можно было в изобилии встретить в окрестностях. Примерно в это же время была построена часть клуатра, соответствующая порталу Св. Девы Розария, украшенная богатым орнаментом, исполненным символизма. Сам портал Св. Девы Розария был завершён в 1899 году.

1882—1926 годы

Содержание
после 1926 года

Окончательный вид церкви Святого Семейства (проект)
После смерти Гауди руководство работами принял на себя его ближайший соратник Доменек Сугранес (кат. Domènec Sugrañes i Gras), работавший с Гауди с 1902 года и помогавший при строительстве Храма Святого семейства и многих других известных сооружений (например, дома Бальо и дома Мила). До своей смерти в 1938 году Д. Сугранес успел закончить постройку трёх оставшихся колоколен фасада Рождества (1927—1930 гг.), завершил работы над керамическим кипарисом, венчающим центральный вход фасада, а также провёл ряд исследований жёсткости конструкций. Начавшаяся в Испании Гражданская война помешала продолжить строительство. В довершение несчастий, во время пожара 1936 года были уничтожены многие чертежи и макеты, хранившиеся в мастерской Гауди. К счастью, часть из них позднее удалось восстановить. Строительство фасада Рождества были продолжено только в 1952 году. В этот год была завершена лестница и впервые выполнена подсветка фасада, ставшая с 1964 года постоянной.

Содержание
   Далее
В 1954 году было начато возведение фасада Страстей. В основу работ были положены разработки и изыскания, выполненные Гауди в период с 1892 по 61917 годы. После завершения крипты в 1961 году в ней был открыт музей, посвящённый историческим, техническим, художественным и символическим аспектам проекта. В 1977 году были воздвигнуты четыре башни фасада Страстей, а в 1986 году начаты работы над скульптурами для украшения этого фасада, законченные в начале XXI века. Примерно в это же время были установлены витражи, посвящённые Воскресению Иисуса Христа, и бронзовая скульптура Вознесения Господня.
В 1978—2000 годах были возведены главный неф и трансепты, а также их своды и фасады. В первом десятилетии XXI века были закончены своды галереи и к 2010 году должны появиться средокрестие и апсида. На них будут воздвигнуты две башни: 170-метровая башня центрального фонаря, увенчанная крестом, и башня апсиды, посвящённая Деве Марии. По плану эта часть сооружения должна содержать ещё четыре башни в честь Евангелистов. Предполагаемое окончание всех строительных работ — первая треть XXI века, когда должно быть завершено и создание фасада Славы, начатое в 2000 году.

Содержание

Назад
Архитектура Храма
Наружное устройство

   Далее
Сооружение будет увенчано восемнадцатью башнями. Двенадцать из них, по четыре на каждом фасаде (на иллюстрации все башни показаны белыми кружками), высотой от 98 до 112 метров, будут посвящены двенадцати апостолам. Четыре 120-метровых башни над средокрестием в честь Евангелистов окружат центральную 170-метровую башню Иисуса, а чуть меньшая по размерам колокольня Девы Марии будет расположена над апсидой. В соответствии с проектом, башни евангелистов будут украшены скульптурами их традиционных символов: тельца (Лука), ангела (Матфей), орла (Иоанн) и льва (Марк). Центральный шпиль Иисуса Христа будет увенчан гигантским крестом. Высота Храма, по замыслу Гауди, не случайна: его творение не должно превосходить творение Божье — гору Монжуик. Остальные башни будут украшены снопами пшеницы и гроздями винограда, символизирующими Святое Причастие.
Фасад Рождества, большая часть которого создана при жизни Гауди, образован тремя порталами, прославляющими христианские добродетели — Веру, Надежду и Милосердие. Порталы украшены выполненными в реалистичной манере скульптурами, посвящёнными земной жизни Христа. Так, над левым порталом Надежды представлены сцены обручения Марии и Иосифа, бегства в Египет и избиения младенцев, а его навершие символически изображает гору Монсеррат с надписью «Спаси нас». Правый портал Веры содержит скульптурные картины «Встреча Елизаветы с Богоматерью», «Иисус и фарисеи», «Введение во храм» и «Иисус, работающий в мастерской плотника». Над центральным порталом, под рождественской звездой, помещены скульптурные группы «Рождение Иисуса» и «Поклонение пастухов и волхвов», а над ними — фигуры трубящих ангелов, возвещающих рождение Христа, сцены Благовещения и Венчания Святой Девы и др. Высоко над порталом возносится символизирующее церковь и её паству увенчанное крестом кипарисовое дерево в окружении птиц.

   Далее

Назад
Веретенообразная форма башен-колоколен, напоминающая песчаные замки, определяется структурой находящихся внутри винтовых лестниц. Каждая башня посвящена своему апостолу, статуи которых помещены в точках изменения формы башен от квадратного к круглому сечению. В верхней части башен Гауди предполагал поместить трубчатые колокола, звон которых будет сочетаться со звучанием пяти органов и голосами 1500 певчих, расположенных, по задумке архитектора, по обе стороны от продольных нефов и на внутренней стороне фасада Славы. На каждой колокольне сверху вниз расположен девиз «Слава всевышнему» («Hosanna Excelsis»), над которым возвышаются полихромные шпили, украшенные стилизованным изображением символов епископского сана — Кольца, Митры, Жезла и Креста.
В декоре широко использованы тексты литургии, главные врата фасада Страстей украшены цитатами из Библии на нескольких языках, включая каталанский. Фасад Славы предполагается украсить словами Апостольского Символа Веры.

Содержание

Назад
Внутреннее устройство
Понимая, что при его жизни работа над Храмом не будет завершена, Гауди спланировал многие внутренние детали. Желание избежать прямых линий вместе со стремлением упростить конструкцию привели к появлению принципиального решения об использовании геометрических фигур с линейчатой поверхностью, таких как гиперболоид, гиперболический параболоид, геликоид и коноид. Все эти поверхности могут быть получены движением прямой, поэтому и их пересечение является прямой линией, что значительно облегчает сочленение различных деталей конструкции. В оформлении использована ещё одна геометрическая фигура — эллипсоид.

   Далее

Интерьер Храма Святого Семейства

   Далее

Назад
Геометрические формы появились в проекте примерно после 1914 года. Более ранние эксперименты мастера с формой колонн и других деталей интерьера ещё не содержат вышеупомянутых строгих геометрических поверхностей, но указывают на стремление архитектора найти определённые, одному ему известные пространственные решения. Так, при оформлении внутренней части фасада Рождества Гауди использовал колонны круглого сечения с геликоидальным или двойным геликоидальным рисунком в верхней части ствола, а в портале Розария применяются витые колонны с каннелюрами, закрученными в форме одного или нескольких геликоидов.

   Далее

Назад
Всё в интерьере подчинено строгим геометрическим законам. Круглые и эллиптические окна и витражи, гиперболические своды, геликоидальные лестницы, многочисленные звёзды, возникающие в местах пересечения различных линейчатых поверхностей и украшающие колонны эллипсоиды — вот неполный перечень геометрических деталей декорации Храма.
Главным несущим элементом в конструкции основного объёма церкви являются колонны, распределяющие вес башен и сводов. В зависимости от величины нагрузки колонны различаются толщиной сечения и высотой. Сечения базы колонн имеют форму звёзд с разным числом вершин (от 4 до 12, что определяется приходящейся на колонну нагрузкой) с небольшим параболическим скруглением лучей на внутреннем и внешнем диаметрах. С высотой форма сечения колонн постепенно превращается из звезды в круг, что происходит за счёт увеличения числа жёлобов, достигаемого одновременным поворотом влево и вправо исходного шаблона-звезды. По мере приближения к сводам, колонны разветвляются, создавая невиданную доселе конструкцию в виде леса. Это необычное архитектурное решение изначально было продиктовано конструкционной необходимостью: поиском центра тяжести опирающейся на колонну части свода.

   Далее

Назад
Изображения элементов интерьера

Винтовая лестница внутри колокольни

Колонны центрального нефа

Внутренняя часть портала Розария

Окна храма

Витражи храма
"Звёзды" в интерьере

Содержание
Необычный внешний вид храма сделал его одной из главных достопримечательностей Барселоны. По сведениям газеты El Periódico de Catalunya, в 2006 г. строительство посетило 2,26 миллиона человек, что ставит объект в один ряд по популярности с музеем Прадо и дворцом Альгамбра.
Начатое и продолжающееся исключительно на частные пожертвования строительство ведётся на участке, не принадлежащем Церкви, и не курируется епископатом. Вследствие этого наблюдаемое иногда в русскоязычных текстах и устной практике именование церкви Саграда Фамилия собором является ошибочным. Следует помнить, что главным епархиальным храмом Барселоны остаётся кафедральный собор Св. Евлалии («Ла Сеу») в Старом городе, а не церковь Саграда Фамилия.
В 2008 году группа из более чем 400 деятелей культуры Испании призвала остановить работы по строительству храма. По их мнению, творение великого архитектора стало жертвой небрежной, неумелой реставрации в угоду туристической индустрии.
Скорому окончанию строительства препятствует сложность изготовления каменных блоков, формирующих эксцентричные формы сооружения. Согласно компьютерной модели, каждый из них требует индивидуальной обработки и подгонки.
Согласно данным правительства Испании полностью достроить собор удастся не ранее 2026 года.
7 Ноября 2010 года, Папа Римский Бенедикт XVI освятил собор Саграда Фамилия, так как он признан годным для совершения церковных служб.

Интересные факты

Содержание

Весь Гауди. Издательство Editorial Escudo de Oro, S.A. Barcelona ISBN 84-378-2269-6
Источники

Содержание
Бенедикт XVI освятил собор Саграда Фамилия
Испанская интеллигенция потребовала оставить церковь Саграда Фамилия недостроенной
Примечания

Содержание
Официальный сайт церкви Святого Семейства  (англ.) (исп.)
Церковь Святого Семейства на Google Maps
Статьи по истории строительства и архитектуре Саграда Фамилия на русском сайте о Гауди
Ссылки

Конец
Спасибо за внимание!


Скачать презентацию или конспект Художественная культура Древнего Египта


Скачать презентацию или конспект Архитектура как вид искусства


Скачать презентацию или конспект Православные праздники на Руси


Скачать презентацию или конспект Классицизм в архитектуре Западной Европы


Скачать презентацию или конспект Агния Львовна Барто


title: Скачать презентацию или конспект Культура эллинизма

extracted_text:
Культура
эллинизма

Prezentacii.com
В этом греческом зале происходят удивительные истории: порой, статуи «оживают» и ведут беседы.

Определи:
 кто эти собеседники,
в каком веке они жили?
?
?
Интересно, о чем они говорят?

V в. до н. э.
IV в. до н. э.
В мое время греческая культура достигла высшего расцвета! Недаром ее называют «классической»!
Самой блистательной была культура эпохи, последовавшей за моими завоеваниями. Греческую культуру наследовали покоренные народы!
А что думаешь об этом споре ты?

культура классической
Греции

культура  эллинизма
культура классической
Греции

культура  эллинизма
V в. до н. э.
IV в. до н. э.
Ты можешь согласиться
 с Периклом.
Ты можешь согласиться с Александром.
У тебя может  сложиться иное мнение.

Архитектура
эллинизма

Мавзолей -
величественная
 гробница.

?
Парфенон
Афины
Мавзолей
 в г. Галикарнас

Персия. IV в. до н. э.

Галикарнасский
мавзолей
Сравним мавзолей с  храмом классической  Греции!
Ты узнал его?

V в. до н.э.
IV в.  до н. э.
Парфенон. V в. до н. э.
Мавзолей
На колеснице царь Мавсол
с женой
План сравнения зданий:
 основание здания
 его основная часть
 завершение сооружения
 его украшения

Парфенон
Мавзолей
 Прямоугольное основание зданий
 Колонны по всему периметру здания
 Здания украшены скульптурой
 Мавзолей – гробница
 Здание имеет несколько ярусов, устремлено вверх
 Завершено ступенчатой пирамидой
 Нет фронтона
Общие черты
Отличия Мавзолея от Парфенона

Мавзолей в Галикарнасе
 Храм Мардука
Вавилон
Семь чудес света

Парфенон
Афины
Греческая архитектура
Архитектура Востока
+

Архитектура эллинизма
А люди
оценили
этот
памятник!
Семь чудес света
Фаросский маяк
На основе данных источников
расскажи о Фаросском маяке.
Какие еще сведения о маяке ты бы хотел получить?

Башню на Фаросе, грекам спасенье, Сострат,
Зодчий из Книда, воздвиг…
И высоко, рассекая эфир, поднимается башня,
Всюду за множество верст видная путнику днем,
 Ночью же издали видят плывущие морем все время
Свет от большого огня в самом верху маяка...
Греческий поэт Посидип
Фаросский
маяк

Семь чудес света
Фаросский маяк
Как различались по архитектурной форме эти две постройки?
Какой разный смысл вкладывали люди в представление «о чудесах  света», восхищаясь храмом Артемиды в Эфесе и Фаросским маяком?
Семь чудес света
Храм Артемиды в Эфесе

 Храм Артемиды восхищал
величием и красотой убранства!
Маяк поражал современников техническими изобретениями!
  Пергамский акрополь и алтарь Зевса II века до н. э.

Алтарь – место для
 жертвоприношений.
Пергамский
алтарь
Памятники архитектуры эллинизма огромны по своим размерам, разнообразны по планировке.

Алтарь Зевса в Пергаме
 II в. до н. э.
Храм Ники в Акрополе
 V в. до н. э.

Наши здания были изящны и соразмерны по величине
 человеку!
Величие зданий – это величие построивших его людей и его страны!

Храм Зевса в Афинах
VI в. до н. э. –  II в. н. э.
Что нового появилось
в убранстве колонн?
Колонны Парфенона и храма Ники в афинском Акрополе
Почему такое убранство более соответствовало чертам новой архитектуры?

Коринфский стиль
В период эллинизма отказываются от строгого  классического стиля, это архитектура нарядных, пышных украшений, свойственных Востоку.

Классическая архитектура
Классическая архитектура
Эллинистическая  архитектура

Кто прав в этом споре?
Архитекторы какого периода тебе больше нравятся?

Скульптура
эллинизма

Скульптура архитектурных
 сооружений
Фриз Пергамского алтаря Битва с титанами. II в. до н. э.

  …эти то грозные, живые, мертвые, торжествующие, гибнущие фигуры, эти извивы чешуйчатых змеиных колец, эти красивейшие человеческие тела во всех положениях, смелых до невероятности, стройных до музыки,— все эти разнообразнейшие выражения лиц,  это торжество злобы, и отчаяние, и веселость, божественность, и божественная жестокость —   это мир, целый мир, перед откровеньем которого невольный холод восторга и страстного благоговения пробегает по всем жилам...
                                   И.С. Тургенев

Сравни два фриза. Что общего, в чем их различия?
Фриз Пергамского алтаря Битва с титанами. II в. до н. э.

Как ты представляешь себе отсутствующие части фигуры Ники? Попробуй воссоздать образ богини.

Ника Самофракийская
III–II в. до н. э.

Что хотели выразить своими произведениями скульпторы? Опиши скульптуры.
Ника

    Не пишут душу, коль прекрасно тело, Душа сама светится изнутри. И чтоб представить Ники взгляд Победный, не нужно даже видеть головы:
       Хитона складки обвивают бедра, Уверен шаг, орлиный – крыльев взлет... Она – как символ своего народа, Вся суть – в крови, что в эллинах течет!

      Та кровь в ногах ее, в плечах играет И полнит тело (словно амфору вином), Собой восторг победы воплощает,
      Взмахнув своим божественным крылом.

 Лика. Израиль.
Почему эту несохранившуюся скульптуру считают шедевром мирового искусства?

Что общего в тематике этих скульптур?
В чем различие в мыслях о человеке этих авторов?

Демосфен
    Объясни, в чем проявилось мастерство скульптора в  создании многофигурных скульптур? Какие идеи и чувства они выражали?
Скульпторы Агесандр, Полидор,
Афинадор. Лаокоон. I в. до н. э.

Лаокоон
Скульптор Харес, ученик Лисиппа
 Бог солнца Гелиос
«Колосс Родосский»
Реконструкция
Семь чудес света

Колосс
 Родосский
Зевс Олимпийский
Фараон
Рамзес
Почему рядом с Колоссом даны эти два изображения?

 Лаокоон с сыновьями
 Скульптор Агесандр и др. 40 г. до н. э.
Аполлон Бельведерский
Скульптор Леохар
IV в. до н. э.
Римская копия
Ника Самофракийская
III–II в. до н. э.
Афродита
 Милосская
Скульптор
Агесандр
 II в. до н. э.
Статуя
Демосфена
Скульптор
 Полиевкт
I в. до н. э.
Колосс Родосский
Скульптор Харес

Если бы тебе предложили в списке семи чудес света заменить Колосс Родосский другой эллинистической скульптурой, что бы ты выбрал?
культура классической
Греции

культура эллинизма
V в. до н. э.
IV в. до н. э.

В мое время греческая культура достигла высшего расцвета! Недаром ее называют «классической»!
Самой блистательной была культура эпохи, последовавшей за моими завоеваниями. Греческую культуру наследовали покоренные народы!
  Что думаешь об этом споре ты?
Эллинистическая культура
развивалась на основе классического наследия Древней Греции
вобрала в себя традиции архитектуры и скульптуры эллинов, а также достижения других народов, вошедших в державу Александра Македонского
в это время были созданы многочисленные памятники культуры, поражавшие размерами, многообразием архитектурных форм и видов скульптур
Но это было «пышное» увядание культуры Древней Эллады, которая основывалась на  прославлении Человека.

Можно ли считать, что в эллинистический период Аттика перестала играть роль центра греческой культуры?
Какие из семи чудес света не указаны на карте?

Семь чудес света
Конец
Галикарнасский мавзолей
В городе Галикарнас (Малая Азия) в 350 г. до н. э. по велению царя Мавсола была построена величественная гробница – памятник могуществу царя. Завершала строительство гробницы уже после смерти жена царя Артемисия.
Авторами гробницы принято считать архитекторов   Пифия и Сатира  и  скульпторов Бриаксиса, Леохара, Скопаса, Праксителя.
Архитектура гробницы сочетает греческие и восточные мотивы:  состоит из пирамиды и ионического храма. В массивном каменном основании – усыпальнице хранился в золотых урнах пепел царственной четы. Это помещение сторожил ряд каменных львов. Над основанием  возвышался храм, окруженный ионическими   колоннами и статуями. Вершину здания –
 ступенчатую пирамиду на высоте 43 метров над  землей венчало скульптурное изображение колесницы, запряженной лошадьми. На ней  стояли статуи царя и царицы.
Храм казался столь прекрасным, что его отнесли к одному из семи чудес света. С тех пор грандиозные усыпальницы людей стали называть мавзолеями. Спустя восемнадцать столетий  землетрясение разрушило мавзолей до основания. Был создан трактат о мавзолее, но он не дошел до нас.

Галикарнасский мавзолей
IV в. до н. э.
Рисунок-реконструкция

Семь чудес света
Фаросский маяк
Фаросский маяк
Архитектор Сострат Книдский
 III век до н. э.
Рисунок-реконструкция
Семь чудес света
Фаросский маяк  был создан в III веке до н. э. архитектором Состратом Книдским. Он свое творение «посвятил богам-спасителям ради мореходов».  Днем путь кораблям указывал столб дыма на вершине сооружения. Ночью на маяке загорался огонь. Для его поддержания были устроены подъемные механизмы. Система металлических зеркал усиливала свет маяка и позволяла вести наблюдения за пространством моря.
 Четыре грани нижнего этажа строго смотрели на север, восток, запад и юг.  Восемь граней второго яруса  были ориентированы по направлению восьми главных  ветров. Путешественники, видевшие маяк, писали о хитроумно устроенных статуях: одна из них  всегда указывала рукой на солнце на всем его пути и  опускала руку вниз, когда оно заходило, другая  отбивала каждый час днем и ночью, по третьей  можно было узнать направление ветра.
  Завершал маяк поддерживаемый колоннами купол с семиметровой статуей Посейдона.

Большой алтарь Зевса в Пергаме
Прославленным образцом эллинистической архитектуры и скульптуры является алтарь, построенный в честь верховного греческого
бога Зевса в 180 г. до н.  э. на акрополе в Пергаме. В классический период алтари, как правило, были достаточно скромными по своим размерам. Пергамский алтарь поражает своими размерами и пышным убранством.
 Внизу алтарь был богато украшен скульптурным рельефом на  мифологические сюжеты, его длина составляла 120 м.
   Необычное для классического памятника  расположение рельефа не над  колоннадой, а под нею давало возможность человеку рассмотреть скульптуру, глубже  ощутить те трагические мысли и чувства, которые передавали создатели алтаря.
Большой алтарь
 Зевса в Пергаме
 II век до н. э.
 Реконструкция
Берлин
 Современная
 фотография

Ника Самофракийская
Скульптура была найдена на Самофракийском острове во Фракийском море (отсюда ее название).
Сохранились монеты с изображением Ники. По ним установили, что изваяние богини помещалось на постаменте,  уподобленном носу военного корабля. В правой руке Ники была зажата труба, звуками которой она возвещала победу.
Порывистость стремительного широкого шага Ники
передает радостное чувство победы. Могучие тяжелые крылья, распахнутые за ее спиной, будто держат огромную статую в воздухе, создавая почти реальное ощущение полета.
Мастер дает почувствовать дующий навстречу Нике шквальный морской ветер, сильные порывы которого волнуют складки одежды богини и  заставляют вихриться край ее плаща.
Статуя Ники Самофракийской – признанный шедевр мировой художественной культуры.
Попытка восстановить недостающие части скульптуры закончилась неудачей.
Ника Самофракийская. III–II в. до н. э.

 Афродита Милосская

Скульптура Афродиты (Венеры) создана ваятелем Агесандром (Александром), творившим во        II в. до н. э. в Малой Азии. Статуя найдена на острове Милос (в Эгейском море) в XIX веке,  откуда и пошло ее название. Искусствовед  Л. Любимов отмечает, что в этой статуе нет ничего оригинального, чего бы уже не создавали скульпторы предшествующих эпох. Но при этом «в ней все так стройно и гармонично… царственно величаво, так чист весь ее облик... что резец ваятеля самой великой эпохи греческого искусства не мог бы высечь ничего более совершенного!»
 Не только физическая природа человека прекрасна, утверждает мастер Афродиты Милосской, но и его духовное совершенство.
Афродита Милосская
Скульптор Агесандр
 II в. до н. э.

Лаокоон с сыновьями

Скульптурная группа Лаокоона с сыновьями была найдена в XVI в. Некогда она  украшала дворец императора Тита. Теперь хранится в музее Ватикана .
Ее авторы – родосские скульпторы Агесандр, Афинодор, Полидор около 40 г. до н. э. создали свое творение на легендарный сюжет.
  Во время осады Трои  жрец Лаокоон предупреждал  своих  сограждан о хитрости ахейцев, собиравшихся ввести в город троянского коня. За это он навлек гнев Афины, пославшей на него и сыновей огромных ядовитых змей.
Мастерство скульпторов  проявилось в создании  многофигурной композиции,  в таком расположении  скульптур,  когда с любой точки обзора они просматриваются,   производя сильное впечатление.
 Лаокоон погибает в мучительной  безнадежной борьбе, один из его сыновей, еще живой, борется,  снимая с  ноги кольца змей.
Другой, полузадушенный, теряет последние силы. Змеи соединяют цельную трехчастную группу: как канатами, скульптор змеями связывает воедино статуи борющихся.
Эта работа вобрала в себя характерные черты искусства скульптуры:     передачу трагических моментов жизни,   сильных эмоций, сложных движений.
Лаокоон с сыновьями
Скульпторы Агесандр, Полидор, Афинодор
 40 г. до н. э.

Аполлон Бельведерский
Аполлон Бельведерский
Скульптор Леохар
IV в. до н. э.
Римская копия
Эта копия статуи Леохара хранилась в Бельведере Ватикана. Отсюда и произошло ее название. Хранитель античной коллекции в Ватикане ученый Винкельман писал об этом произведении:  «Статуя Аполлона – есть высший идеал искусства между всеми произведениями, сохранившимися нам от древности».  Современные искусствоведы, которые шире и глубже изучают античность,  не столь высоко оценивают художественное значение этой скульптуры. Они считают, что она  только «отсвет великого искусства Греции». При всей внешней привлекательности образа Аполлона в этом произведении нет глубины передачи образа, свойственной подлинно великим произведениям эллинов.

Легенды о Колоссе
Вокруг лежавшего на земле после землетрясения  Колосса  возникли легенды. В рассказах тех, кто его видел, он представлялся  гораздо большим, чем был на самом деле. В I в. н. э. Плиний Старший, римский ученый, увидев статую,  написал, что  лишь немногие люди могли обхватить руками большой палец Колосса. Римляне писали, что он стоял у входа в гавань и был так огромен, что между его ног проходили корабли.
Однако современные ученые опровергают эту легенду. Они считают, что Колосс все-таки был гораздо меньше ширины гавани Родоса. Статуя стояла в центре города и смотрела на гавань и море.
 Бог Солнца  пролежал на берегу бухты тысячу лет. Но в 977 г. арабский наместник продал Колосс какому-то купцу. Тот разрезал Колосса на части, и 900 верблюдов увезли бронзовые листы на переплавку.

Колосс Родосский
Одна из версий-
 реконструкций.

Демосфен
Автор скульптурного портрета  общественного деятеля и оратора  Демосфена – Полиевкт. В этой его работе    ярко проявляется растущий интерес скульпторов к внутреннему миру человека,  к правдивой передаче натуры, а не идеальных образов людей.
   При этом скульптор стремится к изображению не общего духовного состояния, а конкретного переживания своего героя. Мастер представил Демосфена не в момент торжества, а после того, как  оратор изведал горечь поражения.
  Скульптор воплотил печаль и горькое чувство упрека в выражении лица,  в жестах рук.

Статуя Демосфена
Скульптор Полиевкт
I в. до н. э.

Создание пышного коринфского ордера,
 согласно преданию, произошло так: скульптор Каллимах, проходя мимо гробницы, обратил внимание на  соломенную корзинку, поставленную на
растущий аканф, и на нежность
обвивших ее молодых листьев.
Восхищенный, он сделал для коринфян несколько колонн по этому образцу. Так сложился коринфский стиль (ордер).
Он отличается высокой колонной с базой и стволом, прорезанным желобками (каннелюрами), и  пышной капителью, состоящей из рядов листьев аканфа и  небольших  завитков – волют.

Коринфский ордер (легенда)


title: Скачать презентацию или конспект История возникновения православного храма

extracted_text:
Презентация к уроку по мировой художественной культуре.
История возникновения православного храма.
Prezentacii.com
БАЗИЛИКАЛЬНЫЕ ХРАМЫ
СОЗДАВАЛИСЬ НА ОСНОВЕ СТАРЫХ РИМСКИХ БАЗИЛИК. ОНИ ИМЕЛИ ТРИ ИЛИ ПЯТЬ ПРОДОЛЬНЫХ НЕФА, ОТДЕЛЕННЫХ ДРУГ ОТ ДРУГА КОЛОННАМИ. ВХОД РАСПОЛАГАЛСЯ  С ЗАПАДНОЙ СТОРОНЫ, ГЛАВНАЯ ЧАСТЬ – АПСИДА – С ВОСТОЧНОЙ.

Базилика Сант-Аполлинаре Нуово.
Около 490 г. Равенна.
Центральный неф хорошо освещен окнами в верхней части стены. Стройные ряды колонн как бы ведут посетителя в глубину пространства к апсиде.

Церковь Сан-Витале в Равенне.
546 – 548 гг.
В ПЛАНЕ – ВОСЬМИУГОЛЬНИК, В ЦЕНТРЕ КОТОРОГО НА ВОСЬМИ СТОЛБАХ ПОКОИТСЯ КУПОЛ.
ТЯЖЕСТЬ КУПОЛА ЛОЖИТЬСЯ НА СТЕНЫ, УКРЕПЛЕННЫЕ
ОБВОДНОЙ ГАЛЕРЕЕЙ.
ЦЕНТРАЛЬНО-КУПОЛЬНЫЙ ХРАМ
Храм Святой Софии532-537 гг. Архитекторы Анфимий и Исидор.
В храме Святой Софии выражены две идеи. Первая- могущество христианства, воплощенная в  огромном, непринужденно разворачивающемся пространстве, контрасте светлых и темных мест. Вторая -   зависимость церкви от государства -проступает в декоре храма, схожем с парадными залами императорского дворца.

Тип храма-  купольная базилика.
Наиболее вместительный и приспособленный к церковной обрядовости. В плане близкая к квадрату.      В середине главный неф перекрыт куполом (31,5 м), каркас его состоит из 40 арок. Сферические паруса передают распор купола к квадрату на подпружные арки и 4 столба, укрепленные снаружи контрфорсами.
.В таком храме купол помещается на цилиндрический барабан, который в центре здания опирается на четыре столба и на четыре крестообразно расходящихся цилиндрических свода.
В плане внутреннее пространство делится столбами на  три нефа. Ячейки в подкупольном пространстве составляют архитектурный крест.
С 9 века в византийской архитектуре появляется новый тип –
крестово-купольный храм,
получивший дальнейшее развитие в архитектуре Древней Руси.

Эта устойчивая система взаимосвязанных пространств, ячеек обусловливает стройную композицию К.-к. х. Главную роль в ней играет центральный купол, высоко поднятый на барабане. Ярусом ниже располагаются сводчатые рукава креста, ещё ниже — угловые помещения.
Увеличение крестово-купольных храмов в длину происходит за счет прибавления с западной стороны пары столбов. В больших городских соборах увеличивают и число нефов. Именно по такой схеме строится при Ярославе Мудром самый древний из дошедших до нас соборов – собор Святой Софии в Киеве.
Софийский собор.
 Киев. х1 век.
реконструкция
Современный вид
Презентация по теме «История возникновения православного храма».
Автор: Лучщева Т.А.
Учитель мировой художественной культуры,
Г. Санкт-Петербург.


title: Скачать презентацию или конспект Золотой век Возрождения

extracted_text:
Золотой век Возрождения
Prezentacii.com
Мир Леонардо да Винчи
Основоположником искусства Высокого Возрождения считают Леонардо да Винчи.  Он родился в 1452 г. в семье флорентийского нотариуса Пьетро да Винчи.
Леонардо да Винчи.

Уже в детстве его отличала исключительная любознательность: он увлекался геологией и ботаникой, наблюдал за игрой солнечного света и тени, за полетом птиц, движением воды. Он усердно изучал латинский язык, открывающий ему путь к постижению различных наук. В ранней юности он получил основательную математическую подготовку и проявил особый интерес к изобретательству. Леонардо занимался также поэзией, пением и музыкой, играл на скрипке и на арфе, был искусным собеседником. Кроме наук и искусств, в молодости он много занимался физическими упражнениями, превосходно ездил верхом, плавал и сражался на шпагах.
        Рано проявившаяся художественная одаренность юноши побудила его отца Пьетро да Винчи отдать его в обучение к одному из самых знаменитых художников Италии – Андреа Верроккьо. Именно здесь раскрылся многогранный талант Леонардо. Его первые творческие работы свидетельствовали об огромном даровании.
        Легендарная слава Леонардо прожила столетия и до сих пор не только не померкла, но разгорается все ярче: открытия современной науки снова и снова подогревают интерес к его инженерным и научно-фантастическим рисункам, к его зашифрованным записям. А живопись Леонардо да Винчи, в которой, как и во всех его трудах, есть что-то недосказанное и тем более волнующее воображение, снова и снова ставит перед ним самую великую загадку – о внутренних силах, таящихся в человеке.

Художник обращался к образам своих современниц. «Дама с горностаем»,
«Портрет Джинервы Бенчи» - это возвышенно поэтические образы эпохи Возрождения.

Леонардо да Винчи. Портрет Джинервы Бенчи. 1474 г. Национальная галерея, Вашингтон.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем.

Среди шедевров Леонардо – «Джоконда», самое загадочное произведение художника. Четыре года он работал над портретом Моны Лизы – молодой жены богатого и известного флорентийца. Это не просто портрет, а «песнь торжествующей любви» самого художника. В портрете художнику удалось создать глубоко обобщенный, идеально возвышенный образ человека эпохи, лицо, озаренное чувством собственного достоинства и внутренней духовной силы, богатством и сложностью интеллекта.
  Почему вот уже пять столетий она приковывает внимание зрителей? Исследователи утверждают, что главный секрет таится в загадочной улыбке Джоконды. Вглядываясь в нее, мы невольно ловим себя на мысли, что вступаем в незримый диалог с этой женщиной. Джоконда меняется буквально на наших глазах: сначала она поражает нас своей задумчивостью, затем на смену легкой иронии приходит участие.

Леонардо да Винчи. Джоконда. 1503 г. Лувр, Париж.

С мечтательной, загадочной улыбкой,
Позирует она… Задумчив и велик,
Воспроизводит он своею кистью гибкой
Ее роскошный стан и несравненный лик…
Но вдруг кладет он кисть.
Торжественно и важно он говорит:
«…Века веков тебя не переменят.
Всегда бела, румяна и нежна…
Пусть зимы лютые ряд зим суровых сменят:
В твоей улыбке – вечная весна!
О смерть, приди! Я жду тебя спокойно.
Весь мир свой внутренний
Я в этот образ влил;
Я подвиг совершил вполне ее достойный,
Я обессмертил ту, кого, как жизнь любил».
                          Долльфюс.
Леонардо да Винчи. Джоконда. Фрагмент. 1503 г. Лувр, Париж.

Мир «Мадонны в гроте» полон глубокого, таинственного очарования, свойственного только кисти Леонардо. Есть какая-то неуловимость во внутренней концепции картины, и она ощущается тем острее, что исполнение с начала до конца рационалистично. Леонардо да Винчи был художником менее всего интуитивным, все, что он делал, он делал сознательно, с полным участием интеллекта. Но он едва ли не с умыслом набрасывал покров таинственности на содержание своих картин, как бы намекая на бездонность, неисчерпаемость того, что заложено в природе и человеке.

Леонардо да Винчи. Мадонна в гроте. 1483 – 1494 гг. Париж. Лувр.

Воплощением женского идеала становится Мадонна с младенцем Иисусом Христом – возвышенный символ материнства и жертвенной любви к людям. Лучшие произведения Леонардо да Винчи на этот сюжет – «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа» («Мадонна с цветком») – жемчужины коллекции Эрмитажа.

Леонардо да Винчи. Мадонна Литта. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

Леонардо да Винчи. Мадонна Бенуа. (Мадонна с цветком). Санкт-Петербург. Эрмитаж.

Леонардо да Винчи. Тайна вечеря. Монастырь Санта Мария делле Грацие в Милане. 1495-1497 гг.
Христос только что произнес: «Один из вас предаст меня». Эти страшные, но спокойно сказанные слова потрясли апостолов: у каждого вырывается непроизвольное движение, жест. Двенадцать человек, двенадцать характеров, двенадцать различных реакций. Каждый ищет сочувствия и отклика у соседа – этим оправдана разбивка на четыре группы по трое в каждой. Только Иуда психологически изолирован, он только формально в группе.

В жесте Христа – стоическое спокойствие и горечь: руки брошены на стол широким движением, одна – ладонью кверху.
Леонардо да Винчи. Тайна вечеря. Фрагмент.

С автопортрета, выполненного художником в преклонном возрасте, на нас пристально смотрит человек, умудренный жизненным опытом. Лицо старца изборождено морщинами, густые брови нависли над глазами, пышная борода растрепана. Плотно сжатые уголки губ запечатлели скорбную усмешку. Грустный проницательный взгляд выражает не только прежнюю силу и мощь, но и затаенную печаль. Да, это взгляд мудреца, сумевшего глубже других исследовать тайны человеческой души, познать законы мира и выразить их возвышенным языком искусства.
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1514 г. Национальная библиотека. Турин.

Бунтующий гений Микеланджело
Непримиримый и гордый, бунтующий и суровый, Микеланджело перенес все муки творческого человека эпохи Высокого Возрождения. Борьба, страдание, протест, неудовлетворенность жизнью, разлад с идеалом, поиски смысла бытия – вот что наполняло жизнь выдающегося мастера. Он пережил Леонардо да Винчи и Рафаэля на сорок пять лет. Стал свидетелем того как попираются идеалы гуманизма.

      Отрадно спать, отрадней камнем быть,
       О, в этот век, преступный и постыдный,
       Не жить, не чувствовать – удел завидный.
       Прошу, молчи, не смей меня будить.
               Микеланджело.
               перевод Ф.И.Тютчева

Микеланджело был ваятель, архитектор, живописец и поэт. Но более всего и во всем – ваятель. Скульптуру он ставил выше всех других искусств и был этом, как и в другом, антагонистом Леонардо, считавшим  царицей искусств и наук живопись.
      Любимые герои Микеланджело - библейский пророк Моисей и царь Давид, кроткая и смиренная Мария, оплакивающая сына Христа, - обозначили важнейшие вехи творческого пути художника. Скульптура «Моисей» утверждает физическую и духовную красоту человека и его безграничные возможности.

   Микеланджело. Моисей. Рим. 1515-1516 гг.

Одна из ранних работ Микеланджело – статуя Давида, высотой около пяти метров, поставленная на площади Синьории, возле Палаццо Веккьо, где находился правительственный центр Флоренции. Флорентийская республика изгнавшая внутренних тиранов, была исполнена решимости сопротивляться врагам, грозившим ей изнутри и извне. Хотели верить, что маленькая Флоренция может победить, как некогда юный мирный пастух Давид победил великана Голиафа. Микеланджело изваял из единой мраморной глыбы прекрасного в своем сдержанном гневе молодого гиганта.

 Микеланджело. Давид.1501-1504 гг.

В 23 года Микеланджело создал удивительное произведение, которое принесло ему известность и славу. Тысячи паломников и жителей Рима ежедневно толкались у статуи «Пьета» в соборе Святого Петра. во всем Риме только и было разговоров, что только об этом произведении и его великом творце.

Микеланджело. Пьета.         Рим.Собор Святого Петра.
1498-1501 гг.

В 1520 г. Микеланджело получил заказ на выполнение внутреннего убранства погребальной капеллы герцогов Медичи во флорентийской церкви Сан-Лоренцо. Скульптор создал единый ансамбль, обладающий необычайной силой эмоционального воздействия на зрителей. Образы времени суток стали для Микеланджело отражением глубоких философских размышлений о смысле жизни и смерти.

 Мы погоняем ночь, как скакуна,
 И тщимся днем вкусить отдохновенье,
 Надежда на покой обречена –
 Его сулит нам только сноведенье.
 А жизнь из разных нитей сплетена;
Добро и зло – друг в друге отраженье.
                       Микеланджело.
      Перевод Е. Солоновича.
Микеланджело Буонарроти. Гробница Медичи. Утро и Вечер. Флоренция.

Мировую известность художнику принесли росписи свода Сикстинской капеллы в Риме. Микеланджело долго не соглашался, считая себя прежде всего скульптором, а не живописцем. Но Папа Римский Юлий II настаивал, и великому мастеру пришлось уступить. Ему предстояло расписать площадь в 600 (!) кв.м. Отказавшись от помощи учеников, Микеланджело все делал сам. Работа требовала от художника большого напряжения физических и духовных сил.
Микеланджело. Страшный суд. Фреска. 1536-1541 гг. Сикстинская капелла. Ватикан.

Микеланджело. Страшный суд. Фреска. 1536-1541 гг. Сикстинская капелла. Ватикан.
Это был невыносимо тяжелый, поистине титанический труд художника. В одном из своих стихотворений Микеланджело так писал об этом:

 От напряженья вылез зоб на шее,
  Живот подполз вплотную к подбородку,
  Задралась к небу борода. Затылок
  Прилип к спине, а на лицо от кисти
  За каплей капля краски сверху льются
  И в пеструю его палитру превращают.

     В 1536-1541 гг. Микеланджело продолжил работу в Сикстинской капелле, украсив ее алтарную стену фреской «Страшный суд», ставшей апофеозом страдания и гнева.

По замыслу автора свод должны были украсить эпизоды сотворения мира и человека от первых дней творения до грехопадения.
Микеланджело. Страшный суд. Фреска. Фрагмент.1536-1541 гг. Сикстинская капелла. Ватикан.

В центре композиции он изобразил мощную фигуру Христа, карающего людей за совершенные грехи. Поднятой правой рукой он обрушивает вниз фигуры грешников, пытающихся подняться вверх. Левой – притягивает к себе избранных, стоящих справа от него. Ужас всемирной катастрофы и возмездия за грехи человеческие художественно представлен в сложных сплетениях тел, разнообразии поз и ракурсов, усилен богатством колорита, контрастами света и тени.

 Микеланджело. Страшный суд. Фреска. Фрагмент. Ватикан. Рим.

Потрясенные зрители испытывали смятение и ужас, им мерещились крики и стоны несчастных, напрасно молящих о помощи. Внизу картины они видели лодку Харона – перевозчика душ грешников. Его глаза, как раскаленные угли, горят адским пламенем. Ударом весла он безжалостно подгоняет тех, кто упирается или замешкался в растерянности.  Как все это было созвучно строкам из «Божественной комедии» Данте!

Микеланджело. Страшный суд. Фреска. Фрагмент. Ватикан. Рим.
А бес Харон сзывает стаю грешных,
Вращая взор, как уголья в золе,
И гонит их, и бьет веслом неспешных…
       Перевод М.Лозинского.

Микеланджело. Сотворение Адама. Фреска. Фрагмент. Ватикан. Рим.

Микеланджело. Сикстинская капелла. Дельфийская сивилла. Фреска. Ватикан. Рим.

Микеланджело. Сикстинская капелла. Кумская сивилла. Ватикан. Рим.

Микеланджело. Сикстинская капелла. Эритрейская сивилла. Ватикан. Рим.

Микеланджело. Сикстинская капелла. Сивиллы. Ватикан. Рим.

Собор Святого Петра. Ватикан. Рим. Общий вид.

Собор Святого Петра. Ватикан. Рим.

Долгий и трудный путь на земле Микеланджело закончил созданием вознесшегося к небесам купола собора Святого Петра в Риме. В городе, некогда поразившим его творческое вдохновение, ему суждено будет оставить вечную память о себе. При жизни мастера были завершены алтарные стены и пилоны, начал возводиться купол. Микеланджело не суждено было увидеть свою работу завершенной, но замысел архитектора был воплощен по его проектам и чертежам уже после смерти.
       Умирая, Микеланджело оставил краткое завещание: «Я отдаю душу богу, тело земле, имущество родным». В своей жизни он сделал гораздо больше: он подарил человечеству свои бессмертные творения, снискав в веках славу гения.
Микеланджело. Купол собора Святого Петра. 1546-1564 гг. Рим. Ватикан

Микеланджело. Купол собора Святого Петра. Ватикан. Рим. 1546-1564 гг.

Рафаэль – «первый среди великих»
Более пяти столетий имя Рафаэля (1483-1520) окружено ореолом поклонения и восхищения. Свои творческие искания он воплотил в совершенных образах Мадонны, в монументальных фресках, алтарных картинах и реалистических портретах. Рафаэль умер в самом зените славы, в полном расцвете сил, но за свою недолгую жизнь он создал множество шедевров, составивших гордость мировой культуры.
       Рафаэля справедливо считают певцом женской красоты. Он говорил:
    «Чтобы написать красавицу, мне надо видеть многих красавиц. Но ввиду недостатка… в красивых женщинах, я пользуюсь некоторой идеей, которая приходит мне на ум».

 Рафаэль Санти. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Им написано более 20 Мадонн, среди которых достойное место занимает ранняя работа – «мадонна Конестабиле». На фоне пейзажа изображена молодая женщина с ребенком на руках. Задумчивое, немного грустное лицо обращено к книге Священного Писания, а шаловливый ребенок пытается перевернуть страницы книги. Молодая мать и ее дитя удивительно трогательны и простодушны. Рафаэль мастерски вписывает фигуры Марии и малыша в очень сложную для живописцев форму тондо (итал. «круг»). При этом он не нарушает законов перспективной живописи.
Рафаэль Санти. Мадонна Конестабиле. 1502-1503 гг. Эрмитаж. Санкт-Петербург.

     Рафаэль Санти. Обручение Марии. 1504 г. Галерея Брера. Милан.
     Истинную известность и славу Рафаэлю принесла картина «Обручение         Марии».

С вдохновением и любовью Рафаэль пишет свою непревзойденную «Сикстинскую мадонну», давно уже вошедшую в наше сознание как символ жертвенной любви во имя спасения человечества. Если бы Рафаэль никогда ничего не написал, кроме этой кроткой, босой, круглолицей женщины, этой небесной странницы, закутанной в простой плащ и держащей в руках необыкновенного ребенка, он и тогда был бы величайшим художником.
     Композиция поражает величавой монументальностью и гениальной простотой. Мария медленно сходит на землю… Она только что сделала шаг навстречу людям.

Рафаэль Санти. Сикстинская мадонна. 1515-1519 гг. Картинная галерея, Дрезден.

Взгляд Марии лучистый, глаза широко и доверчиво открыты. Они светятся нежностью и добротой. Мадонна держит на руках младенца – самое дорогое, что есть у нее в этом мире. Она несет его  людям, прекрасно понимая, какая трагическая судьба уготована ему.

 Она идет хвалам внимая,
 Благим покрытая смиреньем,
 Как бы небесное виденье
 Собою на земле являя…
                                  В.А.Жуковский.

Рафаэль Санти. Сикстинская мадонна. 1515-1519 гг. Картинная галерея, Дрезден.

Фреска Рафаэля «Афинская школа» - подлинный гимн человеческому знанию. В центре ее великие греческие философы Платон и Аристотель. Один указывает на небо, другой – на землю. Неподалеку Сократ со своими учениками, одинокий, глубоко задумавшийся Гераклит. Здесь же математики Пифагор и Евклид, астрономы Птолемей и Зороастр. В небрежной одежде и позе лежит на ступенях лестницы Диоген, учивший довольствоваться в жизни лишь самым необходимым. Многочисленные слушатели и ученики окружают беседующих или размышляющих мудрецов, исполненных сдержанного достоинства и уважения друг к другу. Каждый неуклонно верит в действенность человеческой мысли и знаний. Глядя на них, вспоминаются строки из «Божественной комедии» Данте:
                          Вы созданы не для животной доли,
                          Но к доблести и знанью рождены…
        Грандиозная композиция, в которой представлено более 50 фигур, не кажется перегруженной. Напротив, она создает удивительное впечатление простора и свободы, безупречной легкости в изображении каждой из многочисленных групп.

Рафаэль Санти. Афинская школа. Фреска.
1509-1511 гг. Рим, Ватикан.

В «Афинской школе» Рафаэль придает некоторым героям черты известных современников: Платону – Леонардо да Винчи, Гераклиту – Микеланджело. Здесь же он запечатлел и самого себя, блестяще продемонстрировав блестящее мастерство портретиста.
Рафаэль Санти. Афинская школа. Фреска.
1509-1511 гг. Рим, Ватикан.

Вглядимся в строгие портреты современников Рафаэля. За внешней простотой а них легко угадывается богатство внутреннего мира. В основе каждого произведения лежит глубокое и пристальное изучение природы человека, внимание к его психологической характеристике. Портретное сходство с оригиналом также становится неотъемлемым условием творчества художника.

 Рафаэль Санти. Женщина под покрывалом.(«Донна Велата»). 1516 г. Галерея Питти. Флоренция.

Не идеализируя и ничуть не приукрашивая, Рафаэль изображает известного мецената Анджело Дони, придавая ему черты, обобщенного образа эпохи Возрождения. Перед нами человек, полный жизненной энергии, спокойной собранности и силы воли. Контрастность внешнего облика портретируемого усилена строгим черным костюмом с широкими красными рукавами и белым воротничком. Массивные перстни украшают пухлые, немного женственные руки. Фигура Анджело дана на фоне обобщенного пейзажа, усиливающего эмоциональное воздействие произведения на зрителя.

Рафаэль Санти. Портрет Анджело Дони. 1506 г. Галерея Питти. Флоренция.

Рафаэль Санти. Портрет графа Бальдассаре Кастильоне. 1514-1516 гг. Лувр. Париж.

Рафаэль Санти. Портрет дамы с единорогом.1510 г. Галерея Боргезе. Рим.

Рафаэло Санти. «Маленькая мадонна Каупера». 1505 г.

В 1520 году Рафаэль умер.  Художник, оплакиваемый всем Римом, был с почестями похоронен в Пантеоне, «храме всех богов». Один из его современников пророчески писал в те дни:
     «Окончилась его первая жизнь; его вторая жизнь, в его посмертной славе, будет продолжаться вечно в его произведениях…»

Вопросы и задания:
 В чем секрет неувядающей славы произведений Леонардо да Винчи? Что особенно привлекает вас в творчестве художника?

 Почему Микеланджело называют одним из самых трагических художников своего времени? Что из его произведений особенно понравилось вам?

3. Почему Рафаэля называют певцом женской красоты? Что из его произведений особенно понравилось вам?

        Напишите сообщения на темы: «Загадки «Джоконды»; «Микеланджело – архитектор и скульптор»; «Портреты Рафаэля».
Prezentacii.com


Скачать презентацию или конспект Булгаков Михаил


title: Скачать презентацию или конспект Пантеон греческих Богов

extracted_text:
Пантеон греческих Богов

История возникновения  греческих богов
Самой почитаемой в древности была Гея-Земля, богиня плодородия, источник всего живого. Младшим из детей Гея и Урана был Крон. Он помог матери освободиться от Урана, который стольких детей своих низверг обратно в ее чрево. Крон получил от матери адамантовый (прочный металл тверже алмаза, стали) серп и изувечил отца своего, лишив его детородных органов. И взял власть в свои руки. Затем выпустил он из Тартара братьев своих: Сторуких и Циклопов. Но и Крон ужаснулся их силе и виду и вновь низверг их в Тартар. Женой Крона стала сестра его Рея. Родила она ему детей: Гестею, Деметру, Геру, Аида и Посейдона. Но предсказано было Крону, что постигнет его участь отца и свергнут он будет одним из своих детей. И каждый раз, как рождалось дитя, Крон безжалостно проглатывал его. И вот решила Рея обмануть мужа и сохранить ребенка. Укрылась она на о. Крите и в тайне родила там Зевса. (На о. Крит сохранилась пещера, в которой, по преданию, родился Зевс.) А Крону дала проглотить  камень в пеленках. Когда вырос и возмужал Зевс задумал он завладеть миром. Опоил он отца своего Крона зельем волшебным и извергнул тот из уст всех детей своих, проглоченных ранее. Затем освободил Зевс из Тартара Циклопов и Сторуких и объявил войну отцу Крону и его братьям - Титанам. Это и послужило развитию, Олимпийского пантеона….

Крон Крон, Кро́нос— в древнегреческой мифологии — титан, младший сын бога Урана (неба) и богини Геи (земли). Первоначально — бог земледелия, позднее,  стал богом, персонифицирующим время, Хроносом
Зевс — верховный бог, царь богов и людей.Зевс —  бог неба, грома и молний, ведающий всем миром. Главный из богов-олимпийцев, третий сын титана Кроноса и Реи.

Аид – бог – владыка царства мертвых.Аиду досталось в  удел подземное царство и власть над тенями умерших. Аид считался божеством подземных богатств и плодородия, дарующих урожай из недр земли.

Посейдон
 Бог морей был равен по красоте самому Зевсу.
   По морю он передвигался на колеснице, в которую были впряжены дивные кони.
При помощи волшебного трезубца Посейдон управлял морской пучиной: если на море был шторм, то стоило ему протянуть перед собой трезубец, как взбесившееся море успокаивалось.

Антей Антей - греческий бог, сын бога морей Посейдона и богини земли Геи.Он прославился своей неуязвимостью, которую имел, только при соприкосновении с матерью-землей. Мог  он любого победить. Даже если он уставал, то ему было достаточно прикоснуться к земле, как он тут же наполнялся силами и энергией.

Аполло́н   Аполло́н -— охранитель стад, света (солнечный свет символизировался его золотыми стрелами), наук и искусств, бог-врачеватель, предводитель и покровитель муз, предсказатель будущего, дорог, путников и мореходов, также Аполлон очищал людей, совершавших убийство. Олицетворял Солнце

Арес Арес, в древнегреческой мифологии бог войны. Арес, отличаясь вероломством и хитростью, предпочитал войну коварную, войну ради самой войны.

Аскле́пий  Аскле́пий — в древнегреческой мифологии  — бог медицины и врачевания. Изначально был рождён смертным, но за высочайшее врачебное искусство получил бессмертие.

Афродита
Афродита в греческой мифологии богиня красоты и любви, пронизывающей весь мир.
 По одной из версий, богиня родилась из крови Урана, оскопленного титаном Кроносом: кровь попала в море, образовав пену Афродита являлась не только покровительницей любви, но и богиней плодородия, вечной весны и жизни.
Согласно легенде, она обычно появлялась в окружении своих обычных спутниц - нимф, ор и харит.
 В мифах Афродита выступала богиней браков и родов.

Герме́с Герме́с— бог торговли, прибыли, разумности, ловкости, плутовства, обмана, воровства и красноречия, дающий богатство и доход в торговле, бог гимнастики. Покровитель глашатаев, послов, пастухов и путников; покровитель магии и астрологии. Посланник богов и проводник душ умерших в подземное царство Аида. Изобрёл меры, числа, азбуку и обучил людей.

Гефест  Гефест — сын Зевса и Геры, бог огня и кузнечного дела. Считался покровителем ремесленников.  Гефе́ст — в греческой мифологии бог огня, покровитель кузнечного ремесла и сам искусный кузнец.

Фемида
 Фемида – одна из самых культовых в древней Греции богинь. Об этом может говорить тот факт, что ее алтарь часто располагался рядом с алтарем Зевса, справа. Не одно, решения Зевса, не было принято без её участия.

 Плутон  Плутон — бог подземного царства, нередко отождествлявшийся с Аидом, но в отличие от него, владевший не душами умерших, а богатствами подземного мира.

Эро́т Эро́т— в древнегреческой мифологии  — бог любви, безотлучный спутник и помощник Афродиты, олицетворение любовного влечения, обеспечивающего продолжение жизни на земле.


Скачать презентацию или конспект Преобразующая сила музыки


title: Скачать презентацию или конспект Искусство первой половины XX века. Неоромантизм. Символизм

extracted_text:
Искусство первой половины XX века
Неоромантизм. Символизм

Неоромантизм-
направление, которое стремилось к синтезу и осмыслению прошлого европейской и мировой культуры.
Представители символизма
 Г. Климт
(Австрия)

Ш. Бодлер, поэт
О. Бердслей (Англия)
Импрессионизм
- (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века, представители которого стремились наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.
К. Моне «Леди в саду»
О. Ренуар «Две сестры»
Постимпрессионизм
 — направление в изобразительном искусстве . Возникло в 80-х годах XIX века. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации.
П. Гоген
В. Ван Гог
Кубизм
— направление в искусстве, основанное в первой четверти XX века в живописи, представители которого изображают предметный мир в виде комбинаций правильных геометрических объёмов: куба, кубошара, кубоцилиндра и т.д.
П. Пикассо
Ж. Брак

Фовизм
(от фр. fauve — дикий) — направление в искусстве, сформированное как течение в живописи французского постимпрессионизма. Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.
Матисс, «Танец»
Экспрессионизм
(от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.
А. Маке
«Русский балет»
Супрематизм
(от лат. supremus — высший, высочайший) — направление в искусстве, метод выражения структуры мироздания в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника.
Черный Супрематический Квадрат. 1915
К. Малевич
Сюрреализм
 (фр. surréalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.
Ж. Миро
С. Дали

Искусство стран латинской америки
Диего Ривер
«Великая Тройка»
Ороско
Сикейрос
Спасибо за внимание!
Презентацию подготовила Евсюкова  Дарья