title: Скачать презентацию или конспект Культура и достопримечательности Греции

extracted_text:
Презентация на тему культура и достопримечательности Греция
Prezentacii.com
Гре́ция (самоназвание — Эллада, греч. Ελλάδα [eˈlaða]), официальное название — Гре́ческая Респу́блика (греч. Ελληνική Δημοκρατία [eliniˈci ðimokraˈtia]); историческое имя — др.-греч. Ἑλλάς [helːˈas]) — государство на юге Европы, расположено на Балканском полуострове и многочисленных островах. На севере граничит с Албанией, Республикой Македония и Болгарией, на северо-востоке — с Турцией. Омывается Эгейским на востоке, Ионическим на западе, на юге — Средиземным и Критским морями. В состав Греческой Республики входит автономная республика Афон, расположенная на одном из полуостровов Халкидики Айон-Орос.
Современная Греция — наследница культуры Древней Греции, считающаяся колыбелью западной цивилизации и родиной демократии[4] и западной философии[5], основных принципов физико-математических наук, театра[6] и современных Олимпийских игр. Греческий язык имеет самую длинную историю среди всех языков индоевропейской группы и насчитывает 34 века только письменного периода[7]. На основе греческого алфавита возникли латиница и кириллица. Богатое культурное наследие и географическое положение делают Грецию одной из самых посещаемых стран мира[8].
Страна названа по этнониму народа — греки. Столица государства — город Афины. Греция является членом ЕС с 1981 года, НАТО — с 1952 (в период с 1973 по 1981 год страна не состояла в организации).
История Греции, Древняя Греция
Александр МакедонскийГреция считается колыбелью западной цивилизации. В период около 3 тысяч лет до нашей эры на острове Крит возникла высокоразвитая минойская цивилизация, культура которой впоследствии распространилась и на материк. За ней последовала эпоха крито-микенской или эгейской цивилизации. Позже возникли греческие полисы, а также античные колонии Северного Причерноморья, Великой Греции и Малой Азии. Культурный уровень развития распространялся на весь средиземноморский регион, что нашло отражение в архитектуре, театре, науке и философии. Полисы Афины и Спарта сыграли ведущую роль в победе над Персией, однако позже сами были побеждены Фивами, а впоследствии и Македонским царством. Последнее под руководством Филиппа II Македонского и его сына Александра Великого достигло чрезвычайной мощи, которая была предвестницей начала эпохи эллинизма. Однако, Македония была уничтожена в 146 году до нашей эры и Эллада стала зависимой от Римской империи.
Дальнейшее взаимовлияние эллинской и римской культур формализуется в культуре Византийской империи. Она оставалась основным культурным центром на протяжении тысячи лет, до своего падения под натиском Османской империи 29 мая 1453 года. В начале османской эпохи представители греческой интеллигенции мигрировали в страны западной Европы, где сыграли важную роль в западноевропейском Возрождении. Во времена османского владычества существовала система османских миллетов, помогавшая православным грекам сохранять свои традиции на протяжении 4 веков и способствовавшая их сплочённости на основе религии, которая сыграла важную роль в формировании современной греческой идентичности.
Новогреческий период
Иоанн Каподистрия, первый президент ГрецииОсновная статья: История современной Греции
Свою независимость от Османской империи Греция получила в 1830 году, после национально-освободительной войны 1821—1829 годов. Первым президентом независимой Греции стал Иоанн Каподистрия. Однако, вскоре в Греции была установлена монархия и был приглашён на престол несовершеннолетний Оттон Баварский из династии Виттельсбахов. Восстание 3 сентября 1843 заставило короля Оттона предоставить Конституцию и основать представительское Национальное собрание. Но, в 1863 году Оттон был свергнут, а на греческий престол был приглашён датский принц Вильгельм, который стал Георгом I. В честь его коронации Великобритания подарила Греции Ионические острова. В 1877 году по инициативе Харилаоса Трикуписа, наиболее яркой фигуры греческой политики того времени, король был лишён права влиять на Национальное собрание путем выдвижения вотума недоверия премьер-министру страны.
В Гражданской войне 1946 года Коммунистическая партия Греции потерпела поражение. В 1949 году в Греции восстановлена монархия, которая была окончательно отменена 21 апреля 1967 года, после военного переворота «чёрных полковников», поддерживаемых Соединенными Штатами Америки. Режим полковников оказался абсолютно беспомощным, когда 20 июля 1974 года Турция напала на Кипр.
В 1980 году Греция повторно присоединилась к военному союзу НАТО (в 1974 году она вышла из него в знак протеста против оккупации северного Кипра). Членом Евросоюза Греция стала 1 января 1981 года. В Македонском вопросе Греция до сих пор остаётся непреклонной в своём решении не признавать Республику Македонию за попытку последней заявить свои права на историко-культурное наследие Македонии.
В декабре 2008 года в Афинах вспыхнули массовые беспорядки, которые быстро охватили и всколыхнули всю Европу. Причиной беспорядков было давно нарастающее недовольство экономическим положением, которое значительно осложнялось в связи с начавшимся в том же году Всемирным экономическим кризисом.

Географические данные
География Греции
Греция расположена в южной части Балканского полуострова и на прилегающих к нему и к побережью Малой Азии островах и занимает площадь 131 994 км². Граничит с Албанией, бывшей Югославской Македонией, Болгарией и Турцией. Омывается Средиземным морем, в том числе: Ионическим, Эгейским морями, а южное побережье Крита — Ливийским морем. В состав Греции входит около 2 тысяч островов, на которые приходится почти 20 % всей страны.
Территория Греции может быть разделена на три части:
материковая Греция, в состав которой входят Македония (Флорина, славянское название Лерин, Пелла Кавала, Кастория, Халкидики и др), Фракия (Родопи,Ксанти и Эврос), Эпир (Теспротия, ПревезаЯнина и др), Фессалия (Лариса, Магнисия и др) и Центральная Греция (Фтиотида, Фокида, Аттика и др). Также географически к этому региону можно отнести Ионические острова;
острова Эгейского моря, крупнейшими из которых являются Крит — крупнейший остров Греции и восьмой в Европе (8259 км²) и Эвбея — второй по величине, после Крита, остров Греции (3654 км²), соединённый с континентом мостом, переброшенным через пролив Эврип, а также Лесбос (1630 км²), расположенный у берегов Турции. Также здесь расположено множество групп небольших островов — Северные Спорады, Киклады, Додеканес.
 Рельеф
Гора Олимп.Греческий ландшафт — это чередование скалистых, обычно безлесных гор, густонаселённых долин, многочисленных островов, проливов и бухт. Живописные скалы, пляжи, экзотические гроты предоставляют огромные возможности для отдыха на море и горного туризма. Широкое распространение известняков, особенно в западной части страны, привело к формированию карстовых воронок, пещер, придающих ландшафту своеобразный дикий облик и привлекающих любителей испытать свои силы в спелеологии.
Климат
Климат Греции можно разделить на три типа: средиземноморский, альпийский и умеренный, каждый из которых влияет на строго определённую территорию. Горный хребет Пинд сильно влияет на климат материковой части страны: регионы, расположенные западнее склонов Пинда (Эпир) получают большее количество осадков, чем регионы, расположенные на восточной стороне хребта (Фессалия).
Типичный солнечный и тёплый средиземноморский климат. Остров Тира.Средиземноморский тип климата характеризуется мягкой влажной зимой и жарким сухим летом. В этом типе климата расположены Киклады, Додеканес, Крит, восточная часть Пелопоннеса и часть Центральной Греции. Температуры здесь не часто достигают рекордных значений, а зимой, даже на Кикладах и островах Додеканес, иногда может выпадать снег в течение зимних месяцев.
Альпийский тип климата более характерен для горных районов страны: Эпир, Центральная Греция, Западная Македония, часть Фессалии, а также номы Ахея, Аркадия и Лакония.
Восточную Македонию и Фракию можно отнести к регионам с умеренным типом климата, с относительно холодной и влажной зимой и жарким, сухим летом.
Афины расположены в переходной зоне, где соединяются два типа климата: средиземноморский и умеренный. В северной части Афин преобладает умеренный климат, в то время как в центральных и южных районах наблюдаются черты средиземноморского климата.
Полезные ископаемые Греции
Греция не обладает значительными запасами каких-либо полезных ископаемых. Наиболее распространённым и добываемым является — лигнит, или слабоуглифицированный бурый уголь. Он является главным топливным ресурсом Греции. В конце XX века в Эгейском море были обнаружены незначительные запасы нефти и газа. Ведется их разработка.
Относительно богата Греция рудными полезными ископаемыми. Среди них железные, марганцевые, никелевые, хромовые, медные и полиметаллические руды. В Аттике, у города Лаврион со времен Древних Афин ведется добыча серебра и свинца.
Во Фракии ведется добыча сульфидных и никелевых руд.
На острове Наксос расположено крупнейшее в мире месторождение наждака. На островах Санторини и Нисирос ведется массовая добыча пемзы. Так как это острова вулканического происхождения, здесь бывали частые извержения вулкана, что и привело к образованию этого материала.
На Кикладах добывают различные строительные материалы: мрамор, гранит, известняк и песчаник.
Значительны запасы бокситов, или алюминиевых руд. По оценкам геологов в недрах Греции залегает около 650 млн.т. этой ценной руды, что делает Грецию одним из крупнейших её добытчиков в Европе.
Демография
Население Греции, Народы Греции
Большинство населения Греции составляют греки (95 %), хотя эти данные оспариваются из-за разночтения данных по меньшинствам, особенно языковым. Есть мнение, что греческая статистика не ведёт учёт населения по национальности, но это ложное умозаключение. Основным официально признанным религиозным меньшинством современной Греции являются мусульмане Фракии и Додеканесских островов, включающие турок (1 % населения Греции), помаков (болгароязычные мусульмане, 0,3 %) и цыган-мусульман (0,1 %). Но здесь Греция следует букве Лозанских соглашений 1924 г. и требует того же от Турции, поскольку эта часть населения осталась в пределах Греции на тех же условиях, что должны были защищать греческое меньшинство Константинополя и островов Имврос и Тенедос. Но только греческая сторона следует соглашениям — греческого меньшинства в Константинополе практически уже нет.
Есть меньшинства, которые выделяются в основном учёными-этнографами на языковых основаниях, но тут есть своя специфика: албанцы (4 %; в том числе арнауты) — это двуязычное население с греческим самосознанием давшее стране десятки национальных героев в борьбе с турками и арнаутами мусульманами, «славяноязычные греки» или македонские славяне (1,2 %), которые в начале XX века называли себя болгарами и признавались таковыми, аромуны (1,1 %, включая мегленитов) — это двуязычная группа с греческим самосознанием, давшая стране национальных героев и добрую половину её меценатов, православные цыгане (ещё 0,8 %).
Официально признаются армяне, сербы (0,3 %), арабы (0,3 %), евреи (0,05 %) и др.

Культура
Культура Греции формировалась на протяжении многих тысяч лет, начиная со времён Минойской цивилизации, формирование шло во время Классической Греции и Греции времен римского господства. Османское иго также оказало влияние на культуру греков, главным образом затормозив[источник не указан 648 дней] активное развитие древней греческой культуры. Но даже во время Греческой революции создавались великие произведения литературы, музыки, живописи. Огромное влияние на всю культуру современной Греции оказало православное христианство. Некоторые исследователи, например, Роберт Каган, считают, что современная культура Греции гораздо больше связана с культурным наследием Византийской и Османской империй, нежели с культурой древней Эллады.[13]
Греческая музыка
Фольклорная музыка Греции во многом схожа с музыкой других балканских стран — Болгарии, Сербии, бывшей Югославской Македонии. В них прослеживаются схожие ритмы и эмоциональная окраска песен.
Ребетика — греческая городская песня. Сформировалась в начале XX века, когда после малоазиатской катастрофы в Грецию хлынуло множество обездоленных беженцев и музыка Ионии, то есть запада Малой Азии, слилась с трактирной музыкой припортового греческого люмпен-пролетариата. Стиль ребетика подвергался гонениям со стороны греческих властей, так что эта музыка вышла из «подполья» лишь в 1950-е годы при поддержке таких композиторов, как Манос Хадзидакис и Теодоракис, поддержавших ребетику как музыкальное течение, несущее элементы древней византийской музыки.
Современная популярная музыка испытывает большое влияние Запада. Но и в ней нередко прослеживаются традиционные для Греции мелодии и использование национальных инструментов таких как бузуки.
В 2005 году греческая певица Елена Папаризу с песней «Number One» выиграла конкурс Евровидение — впервые для Греции.
Современная Греция подарила миру немало композиторов, близких к направлению New Age. Среди них всемирно известные Вангелис и Янни и менее известные Крис Сфирис и Стаматис Спанудакис.
Среди молодёжи весьма популярен рок. Rotting Christ — греческая дарк/блэк/готик-метал-группа, созданная в Афинах в 1987 году, известна далеко за пределами страны. Второй культовой рок-группой из Греции стоит считать дум/дэт-команду Septic Flesh. Третьей по значимости рок-группой из Греции стоит считать Brutal Death группу Homo iratus.

Греческая кухня
Греческий салатГреческая кухня являет собой пример типичной средиземноморской или балканской кухни. Но во многом кухня греков отлична от кухонь её ближайших соседей — Болгарии, Албании и Италии. Прежде всего специями. Их греки добавляют в свою еду чаще других в Европе. Вместе с тем греческая кухня не является острой.
Другая отличительная особенность греческой кухни это обилие оливкового масла. Оно добавляется практически во все блюда и используется не только как ароматная приправа, но и во время термической обработки пищи. Ещё одним незаменимым компонентом является лимон.
Особая гордость греков — сыр. В Греции его производится не менее 50 сортов (в каждом регионе свой особенный рецепт). Греки потребляют сыра больше всех в мире — более 25 кг в год на человека. Самый популярный сорт носит название «Фета»: именно он используется в приготовлении знаменитого «греческого салата». В Греции этот салат называется «хориатики» (деревенский).
Не менее популярно в Греции мясо. Предпочтение отдается свинине, баранине и козлятине. Мусака — одно из самых известных блюд, приготовленное с добавлением как мяса, так и традиционных для Греции овощей. Пастицио — другое любимое греками блюдо. Популярна рыба, моллюски и другие морепродукты.
Использованные ресурсы
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9D%D0%BE%D0%B2%D1%8B%D0%B9_%D0%B3%D0%BE%D0%B4
http://images.yandex.ru/


title: Скачать презентацию или конспект Музыкальная культура барокко и классицизма

extracted_text:
Музыкальная культура барокко и классицизма
Лебедь С.Г.
Монтеверди Клаудио (1567 - 1643 )
Итальянский композитор, автор мадригалов, опер, церковных произведений, одна из ключевых фигур эпохи, когда на смену музыкальному стилю Ренессанса приходил новый стиль. С 1607 основное место в его творчестве заняла опера. Сохранились лишь первая — «Орфей» (1607, Мантуя) и 2 последние — «Возвращение Улисса на родину» (1640, Болонья), «Коронация Поппеи» (1642, Венеция). Монтеверде придал этому новому тогда жанру («сказка на музыке», «драма на музыке») подлинно драматическое значение, развив и углубив все его музыкально-выразительные средства. Монтеверди — создатель т. н. «взволнованного стиля» в музыке. Оказал большое влияние на современников (особенно композиторов венецианской школы).

Клаудио Монтеверди - один из самых больших реформаторов в истории музыкального искусства. Впервые музыка стала рисовать переживания человеческой души, оставив в прошлом гармонию и покой эпохи Возрождения. Цель искусства состояла теперь в том, чтобы взволновать слушателя, вызвать в нем сочувствие к переживаниям и судьбе героев. Свой музыкальный стиль Монтеверди назвал concitato, что в переводе означает «взволнованный». Главным выразительным средством тала мелодия, которая как в мадригале, отражала содержание текста и усиливала его воздействие.
Монтеверди Клаудио (1567 - 1643 )
Опера «Орфей», монолог Орфея из II действия. 1607
В опере «Орфей» главный герой – страдающий человек. Этот образ был наиболее близок наступившей эпохе барокко, эпохе больших трагедий и большого мужества. С предельным вниманием следит Монтеверди за всеми душевными движениями Орфея, за всеми перипетиями его несчастной судьбы. Монолог Орфея из II действия оперы звучит сразу же после известия о смерти Эвридики. Бурное отчаяние, гнев, безнадежность, чувство бессилия – все оттенки горя выразились в этой сцене, где композитор как живописец рисует каждый жест и вздох своего героя. Все, кто пережил боль утраты, могут узнать себя в этом масштабном портрете плачущего Орфея.
Антонио Вивальди (1678–1741) итальянский композитор, скрипач, педагог.
Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства 18 века, утвердивший новую (драматизированную, так называемую ломбардскую) манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо. Автор опер (около 40), кантат, симфоний; свыше 460 концертов, в том числе цикла из 4 скрипичных концертов «Времена года» — раннего образца программной симфонической музыки; церковных произведений и др.
Времен года. Лето 2ч.
"Времена года" - цикл, собранный по определенной программе. Каждый из концертов имеет поэтический текст - предисловие. Но у Вивальди программность в корне отличается от понимания её уже в XIX веке, в эпоху романтизма.           I концерт - ми мажор. "Весна" - 3 части: "Пришла весна", "Спящий пастух. Шепот волн. Лай собаки", "Пасторальный танец".           II концерт - соль минор. "Лето" - 3 части: "Томительная жажда" и "Птицы и ветер. Плач крестьянина", "Летняя страда", "Летняя гроза".          III концерт - фа мажор. "Осень" - 3 части: "Танец и песня крестьянина", "Спящие пьяные", "Охота".          IV концерт - фа минор. "Зима" - 3 части: "Сильный ветер - от холода бегут и топают ногами", "Дождь", "На льду".          Вивальди первым создал подобный музыкальный календарь, за ним последовали "Времена года" И. Гайдна, П. Чайковского, В. Гаврилина.
Антонио Вивальди (1678–1741)
Дмитрий Степанович Бортнянский(1751–1825)
концертная симфония СИ мажор
 Бортнянский - автор многочисленных духовных произведений. В своей духовной музыке он вышел за рамки традиционного православного хорового письма и проявил себя как мастер, владеющий приёмами европейской полифонии.        Среди светских произведений Бортнянского - оперы на французские либретто ("Сокол", "Сын-соперник"), кантаты, романсы на французские тексты, инструментальные произведения, по своей стилистике родственные итальянской и венской музыке.
Бах и Гендель - музыканты барокко
Иоганн Себастьян Бах  (1685-1750)
Иоганн Себастьян Бах - великий немецкий композитор XVIII века. Прошло уже более двухсот пятидесяти лет со дня смерти Баха, а интерес к его музыке всё возрастает. При жизни композитор не получил заслуженного признания.
Громадное творческое наследие Баха, охватывающее свыше 1000 произведений в разных жанрах, можно разделить на три сферы — вокально-драматическую, связанную главным образом с Лейпцигом, органную (веймарский период), инструментальную, идущую от светской традиции и относящуюся главным образом к кётенскому периоду.
Концерт для скрипки с оркестром ля минор, I, II части. 1719
 Шесть "Бранденбургских концертов" были написаны в Кетене (около 1721 года) для маркграфа Христиана Людвига Бранденбургского. Ноты концертов были найдены в архиве маркграфа уже после смерти Баха. На партитуре - учтивое посвящение на французском языке. Бах назвал свое произведение "Шесть концертов. С несколькими инструментами" (очевидно, подразумевались концертирующие). При жизни Баха концерты, вероятно, не исполнялись. Лишь позднее стало ясно, что Бах по-новому трактовал саму форму концерта, особенно оркестрового. С большой долей уверенности можно считать "Бранденбургские концерты" (особенно первый и третий) прямыми предшественниками классической симфонии XVIII века.           Первый концерт состоит из четырёх частей:           I часть - Аллегро. В динамическом открытии концерта Бах достигает мощной по тем временам оркестровой звучности. Многочисленные соло для отдельных инструментов (гобой, валторна) сопровождает игра оркестровыми тембрами.           II часть - Адажио. Дивная элегия, где дуэтом поют сначала скрипка с гобоем, затем виолончель и басовая виола.           III часть - Аллегро. Танцевальная музыка с четким ритмом и блестящей оркестровкой. Эта часть вполне могла бы стать финалом.           IV часть - Менуэт. Бах в завершении всего концерта даёт именно менуэт, причем менуэт настолько богатый и разнообразный, что он вполне достоин быть самостоятельной частью симфонического цикла. Тема менуэта все время возвращается, образуя что-то вроде рондо, и перемежаясь со струнным полонезом и двумя эпизодами для духовых инструментов.
Иоганн Себастьян Бах  (1685-1750)
Георг Фридрих Гендель (1685-1759) немецкий композитор
Осенью 1708 года Гендель впервые добивается публичного успеха как композитор.При посредстве герцога Фердинанда Тосканского он ставит свою первую итальянскую оперу "Родриго". Гендель пробыл в Неаполе около года. За это время он написал очаровательную серенаду "Ацис, Галатея и Полифем", еще несколько вещей в таком же духе, но меньших по размеру.
Главным сочинением Генделя в Неаполе была опера "Агриппина"
"Эсфирь" - героическая драма на библейский сюжет.
Оперы:"Отгона«, "Флавио", "Роделинда«, "Юлий Цезарь" и "Тамерлан".
В 1734 и 1735 годах в Лондоне был в моде французский балет. Гендель написал оперы-балеты во французском стиле: "Терпсихора", "Альцина", "Ариодант" и пастиччо "Орест".
Оратория «Мессия», хор «Аллилуйя». 1742
"Музыка на воде" предназначалась для исполнения во время плавания королевского кортежа по Темзе. Когда король во время праздников проплывал по реке, в сопровождающем его судне сидели музыканты и играли эту серенаду или, иначе, сюиту-дивертисмент. На воде звучание оркестра чуть расплывается, непривычно отражение звуков, и всё приобретает оттенок сказочности, волшебства. А если это происходит вечером, когда на реке зажигают огни, то картина становится просто фантастической.           "Музыка на воде" написана для струнных, духовых и чембало. Это двадцать пьес. Среди них есть танцевальные (менуэты, бурре, английский хорнпайп - очень популярный в то время быстрый танец), есть и чувствительные номера народного склада (адажио). Всему предшествует торжественная увертюра, а отдельные части обрамлены фанфарными перекличками. Очень характерна активная роль духовых инструментов: солируют флейта, гобой, фагот, валторна.           С 1740 года "Музыка на воде" широко вошла в программы садовых и парковых концертов, а затем стала исполняться и в концертных залах.
Георг Фридрих Гендель (1685-1759)
Композиторы Венской классической  школы
Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787)
Опера "Орфей и Эвридика" была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи. Её премьера в Вене 5 октября 1762 года положила начало оперной реформе. Глюк написал речитатив так, чтобы на первом месте был смысл слов, партия оркестра подчинялась общему настроению сцены, а поющие статичные фигуры начали, наконец, играть, проявили артистические качества, и пение объединилось бы с действием. Техника пения существенно упростилась, но зато стала естественнее и гораздо привлекательнее для слушателей. Увертюра в опере также способствовала введению в атмосферу и настроение последующего действия. К тому же Глюк превратил хор в непосредственную составную часть течения драмы. Чудесная неповторимость "Орфея и Эвридики" в её "итальянской" музыкальности. Драматургическая структура основывается здесь на законченных музыкальных номерах, которые, подобно ариям итальянской школы, пленяют своей мелодической красотой и завершённостью.

классицизм
"Танец блаженных теней" из оперы "Орфей и Эвридика". 1762
Вольфганг Амадей Моцарт  (1756-1791)
австрийский композитор. Среди величайших мастеров музыки Моцарт выделяется ранним расцветом мощного и всестороннего дарования, необычностью жизненной судьбы — от триумфов вундеркинда до тяжёлой борьбы за существование и признание в зрелом возрасте, беспримерной смелостью художника, который предпочёл необеспеченную жизнь независимого мастера унизительной службе, и, наконец, всеобъемлющим значением творчества, охватывающего почти все жанры музыки.
Моцарт — представитель венской классической школы , его творчество — музыкальная вершина 18 в., детище эпохи Просвещения.
"Маленькая ночная серенада". Часть 1. 1787
Творчество Моцарта
Для творчества Моцарта характерны жанровая многогранность, органическое сочетание австрийской народно-национальной основы музыки... Музыка Моцарта, как и Гайдна, своими корнями уходит в австрийскую народную песенность; но у Моцарта эти связи с народнопесенными истоками... Произведения Моцарта отличаются душевной чуткостью, поэтичностью, тонким изяществом, филигранной отточенностью... Моцарт -- один из величайших мелодистов... Для многих мелодий Моцарта характерны изысканные хроматизмы, задержания... Но в музыке Моцарта часто встречаются и мелодии мужественного характера, насыщенные большим драматическим пафосом... Чистая мелодия, шедшая от Моцарта через Шопена и Глинку, жива поныне и должна жить
Моцарт был в числе первых, кто создал в Австрии классические образцы камерной песни. Сохранилось много арий и вокальных ансамблей с оркестром (почти все на итальянском языке), шуточных вокальных канонов, 30 песен для голоса с фортепиано, в том числе «Фиалка» на слова И. В. Гёте (1785).
Подлинная слава пришла к Моцарту после его смерти. Имя Моцарта стало символом высшей музыкальной одарённости, творческой гениальности и единства красоты

Опера «Волшебная флейта»
классицизм
Людвиг ван Бетховен (1770-1827)
В фортепианных произведениях Бетховена, и, в первую очередь, в замечательном цикле из 32 сонат, заключено нечто основное, центральное для его творчества... В многочастной сонатной форме им написаны, кроме фортепианных, скрипичных и виолончельных сонат, все его симфонии, квартеты, трио, все его концерты, иначе говоря, почти все его лучшие произведения... Четыре части сонаты, эмоционально дополняя друг друга, всесторонне охватывают идею композиции... В творчестве Бетховена нас изумляет величественный и мудрый план... Приемы фортепианного стиля Бетховена полны безграничной инициативности... Бетховен никогда не оказывается в плену излишне камерной лиричности... Бетховен стремится к осуществлению величественных музыкальных замыслов, для которых ближе область симфонии...
немецкий композитор
Соната №14 «Лунная», часть первая
В расцвете творческих сил Бетховен проявлял колоссальную работоспособность. В 1801—12 появляются такие выдающиеся произведения, как соната до диез минор (т. н. «Лунная», 1801), юношески жизнерадостная 2-я симфония (1802), «Крейцерова соната» (1803), «Героическая» (3-я) симфония, сонаты «Аврора» и «Аппассионата» (1804), опера «Фиделио» (1805), 4-я симфония (1806), выражающая романтическое восприятие природы. В 1808 Бетховен заканчивает одно из наиболее популярных симфонических произведений — 5-ю симфонию и одновременно «Пасторальную» (6-ю) симфонию, в 1810 — музыку к трагедии И. В. Гёте «Эгмонт», в 1812 — 7-ю («апофеоз танца», по определению Р. Вагнера) и 8-ю («юмористическую», по выражению Р. Роллана) симфонии.
Людвиг ван Бетховен (1770-1827)
классицизм
Франц Йозеф Гайдн (1732-1809)
Гайдна справедливо считают отцом симфонии и квартета, великим основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного оркестра.
австрийский композитор. Один из представителей венской классической школы.
Гайдн написал 24 оперы, преимущественно в жанре итальянской оперы-буффа и оперы-сериа, 3 оратории, 14 месс и др. духовные произведения, 104 симфонии, увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и др. инструментов, 83 струнных квартета, 41 фортепьянных трио, 21 струнное трио, 126 трио для баритона (смычкового), альта, виолончели и др. ансамбли, 52 клавирные сонаты, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или виолончелью по желанию).
Симфония № 100, «Военная», I часть, вступление .Гайдн был создателем жанра классической симфонии, которая рассказывает о философских основах жизни. Каждое поколение вписывает новое содержание в рамки, предписанные Гайдном, но это содержание неизменно остается крайне значительным и касается самых основ бытия. Вступление к симфонии и во времена Гайдна, и позднее – это своего рода «микрофонная пауза» души, отражение внутреннего «я» современника, когда он как будто ни во что не погружен и ничем не занят. Вступление – своеобразная «сцена жизни», какой она предстает человеку-современнику, когда на этой «сцене» еще нет персонажей. Во вступлении звучит ведущая интонация, с которой человек обращается к миру и воспринимает его. Более двухсот лет прошло со времени создания «Военной» симфонии, и сегодня ее начало поражает размеренностью и покоем, разливающимся в неторопливой менуэтообразной теме. Жизнь для человека галантного века – это место общения, место встречи с людьми, поэтому в симфонических вступлениях Гайдна так часто слышится церемонная учтивость, видится вежливая заученность жестов, где поклоны чередуются с элегантными «променадами» – эта музыка не навязывает себя, а напротив, как бы прислушивается к происходящему…
Франц Йозеф Гайдн (1732-1809)
классицизм


Скачать презентацию или конспект Наши зимние забавы


Скачать презентацию или конспект Архитектура страны фараонов (Египетские пирамиды)


Скачать презентацию или конспект Образ красоты русского человека (женский образ). Красота – тоже оберег


Скачать презентацию или конспект Изобразительное искусство классицизма и рококо


title: Скачать презентацию или конспект Жизнь и творчество Высоцкого

extracted_text:
Жизнь и творчество
В.С. Высоцкого
Презентацию подготовила
Ученица 11 класса
Полухина Кристина

«Нельзя  сказать – иду в ногу  со  временем – это слишком  высоко. Просто беспокойство  времени,  его  парадоксы постоянно  живут  во  мне,  требуют  выражения…»
(В.Высоцкий.)
Родился Владимир Высоцкий  25 января
1938 года в Москве.
Раннее детство провёл в коммунальной квартире
на 1-й Мещанской улице:
«…На тридцать восемь комнаток всего одна уборная…» - напишет в 1975 г. Высоцкий о своём раннем детстве
Мать
 – Нина Максимовна,
переводчик с немецкого языка, начальник  бюро
 в НИИ ХИММАШ-а
Отец
– Семен Владимирович, военный связист, ветеран ВОв, полковник
Во время Великой Отечественной войны,
в 1941 - 43 гг., жил с матерью в эвакуации в селе Воронцовка, в 20 км от райцентра -города Бузулук, Чкаловской (ныне - Оренбургской) области.
В 1943 году возвратился в Москву, на 1-ю Мещанскую улицу, 126
(с 1957 года - проспект Мира).

В 1945 году пошёл в первый класс 273-й школы Ростокинского района Москвы.
После развода родителей в 1947 году переехал жить к отцу
и мачехе - Евгении Степановне Высоцкой - Лихалатовой.
В 1947-49 годах жил в Эберсвальде (Германия),
по месту службы отца,
где юный Володя научился играть на фортепиано
В октябре 1949 года он вернулся в Москву и пошёл в 5-й класс мужской средней школы № 186.
В это время семья Высоцких живёт в Большом Каретном переулке, 15. (В настоящее время на доме установлена мемориальная доска). Этот переулок увековечен в его песне: «Где твои семнадцать лет? На Большом Каретном!».
В 1955 году В. Высоцкий закончил среднюю школу
№ 186.
И в 1955 году по настоянию родственников, поступил на механический факультет Московского инженерно-строительного института им. Куйбышева, из которого ушёл после первого семестра.
Решение об уходе было принято в новогоднюю ночь с 1955 на 1956 год. Проведя праздничную ночь за выполнением чертежей, без которых его не допустили бы к сессии, Высоцкий вдруг встал и, взяв со стола банку с тушью (по другой версии - с остатками крепко заваренного кофе), стал поливать её содержимым свой чертёж. «Всё. Буду готовиться, есть ещё полгода, попробую вступить в театральный. А это - не моё…»
С 1956 по 1960 гг. Высоцкий - студент актёрского отделения Школы - студии МХАТ им. В. И. Немировича -Данченко.
Первой женой Высоцкого стала Изольда Константиновна Высоцкая (в девичестве - Павлова). Поженились они 25 апреля 1960 года, но фактически расстались за несколько лет  до официального развода.
1959 год - первая театральная работа (роль Порфирия Петровича в учебном спектакле «Преступление и наказание») и первой ролью в кино (фильм «Сверстницы», эпизодическая роль студента Пети).
1960 год  -  зачислен в труппу театра им. А.С. Пушкина.
С 1960 по 1964 гг. сыграл около 11-ти ролей, в основном, эпизодических, затем  перешел в Московский театр миниатюр
В 1961 году на съёмках кинофильма «713-й просит посадку» познакомился с Людмилой Абрамовой, ставшей его второй женой. (Официально брак зарегистрирован в 1965 году)
Развелись супруги 10 февраля 1970 года. У В. Высоцкого от второго брака осталось 2 сыновей: Аркадий (родился в 1962 г.) и Никита (родился в 1964 г.).
И третья жена Высоцкого - Марина Влади (Марина-Катрин Владимировна Полякова-Байдарова). Она появилась в жизни Владимира в 1967 году. Высоцкий был влюблен в Марину с момента просмотра кинофильма  «Колдунья». Через несколько лет после знакомства состоялась свадьба.
Марина с Владимиром  прожила 12 лет. Все эти годы она замедляла бешеный ритм жизни Высоцкого.

В 1964 году Высоцкий поступил на работу в Московский театр драмы и комедии на Таганке под руководством главного режиссера  Ю.П. Любимова, где проработал до конца жизни (по июль  1980 года)
Официальное начало поэтической деятельности сам Поэт
(да и многие исследователи) связывают с появлением песни "Татуировка", хотя известны записи (и сам Поэт не отрицал этого) песни "49 дней", датируемой раньше, 60-м годом. В дальнейшем песенное творчество стало наряду с актёрством главным делом жизни
Роли в  театре:
Галилео Галилей («Галилей» по Б.Брехту);
Хлопуша («Пугачев»  по С. Есенину);
Гамлет («Гамлет» по У. Шекспиру);
Лопахин («Вишневый сад» по А.П.Чехову.)
13 февраля 1978 года приказом № 103 Министерства культуры СССР, согласно записи в аттестационном удостоверении артиста № 17114, В. Высоцкому была присвоена высшая категория вокалиста-солиста эстрады, после чего Высоцкий уже был официально признан «певцом-профессионалом».
Фильмография Поэта насчитывает не более 30 фильмов.

До 1967 года роли были в основном эпизодическими.

На многие роли Высоцкого не утверждали, причём далеко не всегда по творческим причинам.
Фильмография
Также Владимир Семёнович писал и являлся соавтором нескольких киносценариев, один из них сценарий фильма «Зелёный фургон», который должен был стать его первой режиссёрской работой.
Во многих фильмах звучат песни В. Высоцкого.
Высоцкий дал более 1000 концертов в СССР и за рубежом.
 июля 1980 года
в 4 часа  утра сердце
Владимира Семёновича Высоцкого остановилось.
Похоронен Поэт
на Ваганьковском кладбище.
Автор памятника А.И. Рукавишников
Мемориальная доска на 15 доме в
Большом Каретном переулке
«Высоцкий  был  поэт -  со  своей  темой, своим голосом. В нем много  было… от  природы, от Бога, это разрывало его. Страдание  было  главным  в  его творчестве,  страдание  и  способ  его  выражения… Он был  очень одаренный человек.»
                                      Булат Окуджава.
1987 год  - Присуждена Государственная  премия СССР  (посмертно) за «Создание образа Г. Е. Жеглова в телефильме «Место встречи изменить нельзя» и авторское исполнение песен»
1982 г. – В издательстве «Современник» выходит книга стихов В.Высоцкого «Нерв»
1986 г.  -  Именем В. Высоцкого названа планета.
Спасибо за
внимание


Скачать презентацию или конспект Ампир


title: Скачать презентацию или конспект Европейская культура. Живопись XIX века

extracted_text:
Европейская культура.Живопись XIX века
Автор: Химич Ю. О.
Учитель истории ГОУ СОШ №8 «Музыка»
Содержание:
1. Направления в искусстве
2. Романтизм
3. Реализм
4. Импрессионизм
5. Заключение
6. Список литературы
Направления в искусстве. XIX век
Историю XIX в. открывает не календарный 1801 г., а 1789-й.

 Великая Французская революция (1789—1799 гг.), уничтожившая монархию и установившая республику, надолго определила пути развития европейской культуры.
Рис.1      «Взятие Бастилии 14 июля 1789» , Жан-Пьер Уэль
     В изобразительном искусстве XIX в. на первое место выдвигается живопись. В нем нашли отражение и классицизм, и романтизм с реализмом, и декаданс.
     В последней трети столетия на грани реализма и декаданса появляется новое направление - импрессионизм (от французского «импресион» - впечатление). Импрессионизм занял в истории искусства место, равное целым живописным эпохам, хотя само движение охватило лишь 12 лет и 8 выставок.
   «Девятнадцатый век будет отличаться от всех предшествовавших веков точным и пламенным изображением человеческого сердца».
Стендаль
Рис.2
 Э. Делакруа
«Свобода, ведущая народ», 1830
Романтизм
       Новое направление в европейской культуре — романтизм (франц. romantisme) — выражало взгляды молодого поколения рубежа XVIII— XIX вв., испытавшего разочарование в прописных истинах Просвещения.
       Мир романтиков таинствен, противоречив и безграничен; художник дол жен был воплотить его многообразие в своём творчестве. Основное в романтическом произведении — чувства и фантазия автора. Для художника романтика не было и не могло быть законов в искусстве: ведь всё, что он создавал, рождалось в глубине его души. Единственное правило, которое он чтил, — это верность себе, искренность художественного языка.
Рис.3 «Странник над морем тумана». Каспар Давид Фридрих, 1818.
     Характерные черты направления:
     - живой колорит;
     - более свободная композиция;                   - непосредственное изображение действительности;
     - идеализирование и поэтичность страны, служащие противовесом недостаткам цивилизации;
     - сюжет изображает страсти, чувства, действие;
     - изображаемое художником наполнено пафосом и возбуждением.
Рис.4  Франсиско Гойя «Шабаш ведьм». 1797—1798
     Нередко творения романтиков шокировали общество полным неприятием господствовавших вкусов, небрежностью, незавершённостью. Знаменитый французский живописец Эжен Делакруа, лидер романтизма, утверждал, что искусство «даёт только намёк, является лишь мостом между душою художника и душою зрителя».
Рис.5  Делакруа Э. «Резня на Хиосе»
Реализм
     Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлёри в 50-х гг. XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и символизму.
Рождение реализма чаще всего связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе (1819—1877), открывшего в 1855 г. в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма».
Рис.6  Курбе Г. «Веяльщицы», 1853
    Характерные черты направления:
- живопись изображает каждодневную реальную действительность;
- простая композиция, землистые цвета;
- в качестве сюжета служит страна, труд, простая жизнь;
     Распознаем критический реализм, романтический реализм.
Рис.7 Курбе Г. «Дробильщики камня»
Импрессионизм
     Импрессионизм (произошло от фр. impression - впечатление) - направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Название пейзажа Клода Моне «Впечатление. Восход солнца»и дало название творчеству этих художников.
    Импрессионисты предложили новое видение мира и новые принципы живописи. Они воспринимали окружающую действительность как бесконечную смену впечатлений. Картина становится как бы отдельным кадром, фрагментом подвижного мира. Появилась свежесть и непосредственность в изображении повседневной жизни современного города, его пейзажей, вида, быта и развлечений его жителей.
Важнейшим правилом импрессионистов стала работа на открытом воздухе - на пленэре, благодаря чему в своих пейзажах им удалось создать ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, передать движение воздуха.
Рис.8 Моне К. «Пейзаж в Монако»
Рис.9 Сезанн П. «Дома в Провансе», 1882
     Живопись мгновения, впечатление для глаз. Трепещущий от солнца и воздуха цвет. Импрессионисты ввели и новую живописную технику, отказались от смешанных цветов, начали писать чистыми яркими красками, густо нанося их отдельными мазками (при восприятии, оптически смешиваясь, для зрителя они давали нужный тон). Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.
Рис.10 Мане Э. «Белые пионы.» 1864
    Для культуры XIX в. характерны многостильность, борьба различных направлений, начало кризисных явлений. Принципиально меняется характер взаимодействия человека с окружающей действительностью: появляется созерцательное мироощущение, стремление к чувственному контакту с миром, причем в разных течениях это осуществляется по-разному. XIX в. являлся веком взлетов и упадка, веком противоречий, но он подготовил тот перелом в сознании и культуре человечества, который разделил традиции классической и современной эпох.
Список литературы:
Бродская Н. (2009),«Импрессионизм. Открытие света и цвета», изд-во Аврора
Березина В. Н., (1980), «Французская живопись XIX века в собрании Государственного Эрмитажа», изд-во Изобразительное искусство
Майорова Н., Скоков Г., (2009) «История мировой живописи. Французская живопись конца XVIII - начала XIX века», изд-во Белый город
http://ru.wikipedia.org/wiki/Романтизм
http://ru.wikipedia.org/wiki/Реализм(живопись)
Prezentacii.com


title: Скачать презентацию или конспект Памятники Ангарска

extracted_text:
Памятники Ангарска

Памятник покорителям космоса
     В Ангарске были два космонавта. Точнее, два памятника покорителям космоса. Во второй половине 50-х на комбинате-16 (сегодня АНХК) появился завод, который до перестройки производил топливо для космических ракет.Вот и считали ангарчане, что имеют непосредственное отношение к покорению космоса. Один памятник космонавтам стоял на привокзальной площади. Его еще не успели забыть. Второй был «прописан» на кольце трамвая №1, у Ангарского цементного завода. В начале 1990-х годов ночью он неожиданно исчез в неизвестном направлении. От вокзала памятник убрали во время реконструкции привокзальной площади – он не вписался в идею.

Памятники вождям В.И.Ленину и И.В.Сталину
      Кинотеатр «Победа» был открыт в 1951 году и был вторым кинотеатром в молодом городе. Здание построено по типовому проекту тех лет, но с соблюдением всех особенностей подобного очага культуры. Нарядный фасад с портиком, колонами, небольшим крылечком. Перед входом симметрично разбиты газоны с зелёной травой и кустарниками, по центру которых были расположены памятники вождям В.И.Ленину и И.В.Сталину. Налево от входа стоял памятник Ленину, направо – Сталину. Белого цвета, гипсовые, повыше человеческого роста на высоком железобетонном постаменте. В те годы это соответствовало духу времени и было оправдано, т.к. перед к/т «Победа» находилась самая первая площадь города, где проходили демонстрации трудовых коллективов в дни народных торжеств и праздников.До «хрущёвской оттепели» встречали они посетителей кинотеатра и гуляющих ангарчан. В 70-х годах прошлого века оба памятника снесли.
Памятник погибшим в годы Великой Отечественной войны
           В Ангарске отремонтировали единственный в городе памятник павшим в войне.Когда говорят об истории нашего города, то часто звучит такая фраза: «Ангарск возник посреди тайги и болотных топей». Однако это не совсем так – город был построен не в глухом безлюдном месте, а вблизи поселка Китой. После войны его население составляло свыше двух с половиной тысяч человек. Великая Отечественная обескровила селян: отсюда на фронт ушли сотни мужчин. 75 отцов, мужей, братьев, сыновей не вернулись домой, в том числе Герой Советского Союза Андрей Чумаков, который погиб в августе 1944 года и был похоронен в Литве. Их имена выбиты на монументе павшим воинам, который в поселке установили в 1975 году на 30-летие Победы. При советской власти памятник держали в порядке, но в последние годы он значительно обветшал. Реконструкцию не проводили 15 лет, но в нынешний юбилей Победы монумент не остался без внимания городской власти.

Памятник погибшим в годы Великой Отечественной войны
   Памятник погибшим в годы Великой Отечественной войны, п. Савватеевка
Памятник декабристам в Ангарске
      Установлен в 1965 гВ ХХ веке, в год 50-летия Советской власти, в октябре 1967 года в истоке улицы Московской состоялось открытие памятника революционерам, политкаторжанам, декабристам. Так, каждый по-своему, называют его ангарчане. Памятник один, а названий несколько, но все они отражают суть. Анатолий Кузьмич Асауленко, известный ангарский скульптор, автор этого монумента.Скромное железо – бетонное сооружение (мемориал), вытянувшееся почти параллельно улице Московской. На фронтальной плите высечены слова, написанные ангарским поэтом И.Ф.Новокрещённых: «Этапы кандального тракта, по которым прошли в былом веке лучшие сыны России». Далее фрагменты погостов, которыми была усыпана печально известная дорога. Затем слова поэта Некрасова: «Природа – мать. Когда б таких людей ты иногда не посылала миру, заглохла б нива жизни». И, наконец, в полный рост фигуры страдальцев – каторжан, закованные в кандалы. На памятник5е внизу надпись: «От комсомольцев и молодёжи Ангарска в 50 лет Советской власти».Действительно, чтобы появился этот памятник истории в нашем городе, молодёжь работали на субботниках, воскресниках в своё свободное время по 100 и более часов.Возможно, это единственный памятник на всём пути Московского тракта от Урала до Тихого океана.Сложно перечислить всех, кто прошёл, проехал, прошагал, закованным в кандалы, этой дорогой: Протопоп Аввакум, Н.Чернышевский, декабристы, марксисты, народовольцы, петрашевцы, большевики… Можно смело сказать, что отголоски всех важных событий в России (за Уралом) оседают, ассимилируются здесь в Сибири… А сибиряки чтят, и увековечивают страницы истории страны такими вот скромными по исполнению памятниками. Практически этот памятник – монумент в истоке улицы Московской исполняет функцию врат города Ангарска с запада, откуда когда-то и появлялись страдальцы на этой земле.
Памятник "Цветок" - местного значения.
      Союз нерушимый республик свободныхПересечение улиц Глинки и Московской возле Дворца творчества детей и молодежи. На улице Московской есть ещё один скромный монумент – сооружение в виде цветка. Его открытие состоялось в зимний день 30 декабря 1972 года. Ровно 50 лет тому назад в этот день было провозглашено образование СССР (Союза Советских Социалистических Республик).Памятник выполнен по эскизам ангарчан – архитекторов В.Афанасьева и В.Соколова. Распустившийся цветок, бутон которого составляют флаги союзных республик, отражает и многонациональность молодого города Ангарска. Разлёт лепестков в диаметре 10 метров, высота 12 метров. На круглом основании цветка слова: «Союз нерушимый республик свободных».Нерушимый Союз распался, но этот памятник на перекрёстке улиц Московской и Глинки – историческая веха в жизни города и страны.
Стелла – Ангарск город рожденный победой
        В ХХ веке, в 1975 году на перекрёстке Московского тракта и улицы Ленина по пути к железнодорожному вокзалу появилась стела «Ангарск – город, рождённый победой» - символ нашего города. Её автор – архитектор Крымский.  17-ти метровое сооружение хорошо просматривается при подъезде к городу со стороны ж.д.вокзала и Московского тракта.Ближе к вершине стелы прикреплены: щит и меч посередине его. Смысл можно истолковать словами великого воина земли русской Александра Невского: «Кто с мечом к нам придёт – от меча и погибнет». Или – после тяжёлой кровопролитной войны, как только победили врага, так стали строить город в тайге.На расстоянии 1,5 метров от земли стела опоясывается треугольной полосой, на всех сторонах которой начертаны слова «Ангарск – город, рождённый победой»; и расположен знак ордена Трудового Красного знамени.Строительство города и получение нефтепродуктов из Черемховского каменного угля предусматривалось ещё в довоенные годы. В мирные дни октября 1945 года в междуречье Ангары и Китоя появились первостроители. Логично, что Ангарск действительно - город – рождённый победой в Великой Отечественной Войне.
Площадь Ленина
      Памятник В.И. Ленину на центральной площади - памяник искусства регионального (местного) значения.Центральная площадь имени Ленина обрела завершённые черты, когда 22 апреля 1961 года состоялось открытие памятника вождю. Его авторы: академик В.И.Ингал, профессора И.А.Сыроежкин и М.П. Щеглов, архитекторы А.Тарантул, И.Давыдов.Фигура вождя отлита из бронзы, установлена на мраморном постаменте. Высота памятника 14 метров. Открытие памятника было приурочено к 91-й годовщине со дня рождения В.И.Ленина. Памятник – монумент из бронзы на вид громоздкий, величественный посвящён историческому лицу нашего государства. Об этом свидетельствуют его масштаб, актуальность, политические события страны в ХХ веке.Каждой весной вокруг памятника высаживаются цветы. Живой ковёр цветущих растений украшает облик центра города. Скамьи с коваными спинками, фонари вокруг памятника в стиле ретро в центре площади – любимое место ангарчан и гостей города.

Стелла в парке строителей
    18 января 1971 года. Указом Президиума Верховного Совета СССР за успехи, достигнутые трудящимися города в выполнении заданий пятилетнего плана по развитию промышленного производства, город Ангарск награжден орденом Трудового Красного Знамени.

Памятник волку в Ангарске
      В Ангарске 16 апреля 2007 года был установлен памятник волку из мультфильма “Жил был пес”. Двухтонную скульптуру сделали из стали и оснастили ее музыкальным механизмом — с его помощью волк поет и говорит.  Руководил проектом  скульптор Михаил Ивашко. Перед тем как утвердить макет композиции, он, по его словам, несколько раз пересмотрел мультфильм, и выбрал для отображения самый забавный момент. Заказчик скульптуры – ангарский предприниматель, владелец салона СПА. Памятник символизирует сытого, довольного жизнью гражданина. Репертуар песен волка пока неизвестен, зато известна цена песни: в купюроприемник надо будет опустить 10 рублей.
Памятник воину интернационалисту
         По замыслу проектировщиков монумент должен быть виден из далека, поэтому он установлен на возвышенности . Памятник  воздвигнут тем, кто отдал свою жизни, защищая Родину.Установка монумента стала возможной благодаря помощи жителей города Ангарска. Общая стоимость проекта – 10 миллионов рублей.На мемориальной доске 83 фамилии. Это ангарские милиционеры и военнослужащие, погибшие в Дагестане. Чечне и Афганистане. Фигуру солдата отлили из бронзы красноярские мастера.Одним из тех, кому доверили почётную миссию снять покров мемориала, был Роман Начевнов, в прошлом заместитель командира 24-го отряда спецназа ВВ МВД РФ. На постаменте высечены фамилии восьми его сослуживцев. Почти все они отдали жизни во время первой войны в Чечне. Тяжёлым выдался март 1996-го…На торжественное мероприятие пришло немало ангарчан, в том числе родственники и друзья погибших воинов, присутствовали милиционеры, военнослужащие, представители администрации. Память погибших почтили минутой молчания. После открытия парадным маршем прошли воины ангарского гарнизона и сотрудники УВД города.Создатели монумента уверены: сюда будут приходить не только по торжественным датам, чтобы почтить память погибших, но и в обычные дни. И провожать новобранцев в армию будут именно отсюда, чтобы героев знали и помнили.Дата открытия памятника – 7 декабря 2007г
         Адрес: 95 квартал, улица Горького.

“Книга желаний”
     В 2005 году в парке 10-летия Ангарска на Аллеи Любви установлена архитектурная композиция “Книга желаний”, отлитaя из чугуна весом 540 кг.Художник -  Михаил Ивашко. В Ангарске есть специальное место, где действительно можно загадать желание. Это - парк имени 10-летия Ангарска, Аллея Любви. Автор архитектурной композиции «Книга желаний» ангарский художник Михаил Ивашко. Нужно наклониться, приложить руку к странице развёрнутой массивной книги и задуматься. Что самое важное и необходимое в жизни должно случиться, чтобы человек был счастлив. «Книга» располагает к размышлению и стремлению сосредоточенно, своим трудом добиваться желаемого 3 октября 2005 года состоялось открытие композиции «Книга желаний». С тех пор многие убедились, что желания всё-таки иногда сбываются. И посещают заветное место с большим удовольствием.
Стелла
   Стелла возле старого Китойского моста.
Памятник Половинке Пролетария.
   Он чтим, всегда ухожен и любовно выкрашен серебрянкой.Гордая осанка, уверенное лицо и вальяжная поза Половинки Пролетария всегда вызывают у меня уважение и легкую непонятную зависть к романтике тех времен.
“Стая голубей”
       В апреле 2005 года к великому празднику Дня Победы напротив входа в музей Победы состоялось открытие монумента «Голуби мира», «17 голубей», «Стая голубей» - вот так называют ангарчане этот памятник. Его автор и дизайнер Сергей Назаров. Голуби – это удивительные птицы, символизирующие извечное стремление людей к миру и созиданию – основная идея памятника. В народе сложено много легенд, мифов о пернатых вестниках мира с далёких времён до наших дней.Ангарчане помнят о Великой Отечественной войне и чтят её ветеранов и тружеников тыла. Горожане и гости города приходят в музей Победы и всех встречают здесь застывшие в полёте мирные птицы.Памятник впечатляет размерами. Вес каждой птички – 250 килограмм, общий вес 8 тонн. Высота композиции 8 метров.Впервые художественное литьё было выполнено на Ангарском ремонтно-механическом заводе стараниями сварщика Владимира Копылова и сборщика Геннадия Новикова. На сооружение и установку монумента из городского бюджета затрачено 7 миллионов рублей.

 «Крылья»
      В ангарском сквере у памятника декабристам была установлена монументально-декоративная композиция «Крылья». Высота стелы около 6 метров, сделана из стали, весит 3 тонны. Сумма затрат на её создание составила 800 тысяч рублей.Автор и исполнитель Виктор СЛИВКА, член Союза кузнецов России, академик, член кузнечной академии России.Стела была заказана городской администрацией. Сливка предложил 12 вариантов проекта, комиссия выбрала «Крылья».В кузнечной мастерской над стелой работали четыре месяца. Мастер своими руками ковал солнце и листья. По словам кузнеца, этой композицией он выразил мысль о человеке, который, невзирая на жизненные трудности и невзгоды, может подняться в небо.В планах городской администрации благоустроить сквер и поставить там еще одну композицию с именами всех почетных горожан Ангарска.
Часовня в парке Победы

 “Сурок”
     В Ангарском сквере, что на пересечении улиц Ворошилова и Горького в 2005 году был установлен памятник “Сурку”. Более точное название "Сурка" - малая архитектурная форма. Дизайнером проекта является Екатерина Глазкова, создавшая силуэт, по которому в последствии проектировался "герой" Ангарска перестроечной поры на стыке веков. Далее был изготовлен макет из пенопласта, на основе которого на одном из ангарских заводов был выполнен оригинал.Симпатичный зверёк - монгольский сурок, из которого шили шапки многие ангарчане и так входили в век бизнеса, в 2005 году был «поселён» на видном месте. В красиво обустроенном сквере на перекрёстке улиц Горького и Ворошилова, рядом с пешеходной дорожкой , скамьями и берёзками «позирует» упитанный житель монгольских степей высотой один метр в русской залихватской шапке – ушанке. Многие трогают его за нос и загадывают желание. А вдруг исполнится?
«Дождливое такси»
        29 сентября 2006 года в городе состоялось открытие очередной малой формы. На сей раз - на автозаправке. Это такси, внутри которого идет дождь. Новая архитектурная композиция «Дождливое такси» - наверное, самая экстравагантная скульптура Ангарска - копирует шедевр Сальвадора Дали. Скульптура Дали - это воплощение перевёрнутой реальности: «Дождливое такси» среди палящего солнца. В основании архитектурной формы находится один из «кадиллаков» художника. Внутри машины капает дождь, но только тогда, когда желающий управлять стихией бросит монетку. Из «кадиллака» величественно возвышается мифологическая героиня Эсфирь. Литье обошлось в 180 тысяч. Все сделано молодыми специалистами, некоторые люди помогали безвозмездно. Машину старенькую купили за 40 тысяч рублей». Воплотил замысел ангарский художник Михаил Ивашко. Ангарский ответ очень похож на свой прототип, но все же имеет отличия. Вместо кадиллака - отечественная «Волга». Создатели композиции выбирали среди отечественных автомобилей. Как варианты были Чайка, ЗИС и даже Запорожец, но выбор пал на первую Волгу ГАЗ-21. Её отшлифовали, заменили радиаторную решетку, придали более округлые формы. Получилась машина в стиле ретро. Cама скульптура - не царица Эсфирь, а обычная российская модель родом из Ангарска.
Древо жизни
        открытие 31 октября 2005 годаКогда–то этот столб был признан аварийным. Его собирались сносить. Но у хорошего хозяина все идет в дело. Поэтому его укрепили, разукрасили, сделали ветки, а наверху прикрепили яблоко. Теперь ангарчане считают его своей достопримечательностью и называют не иначе как столб Любви, хотя настоящее название "Древо жизни".
       Название нового творения – «Дерево жизни» – подсказал случайный прохожий, который увидел еще только начавший преображаться столб. Увидев процесс работы, он поинтересовался, не дерево ли любви вскоре появится у поликлиники №1. И объект решено было назвать «Древом жизни».
       Столб украшен мозаикой из боя керамической плитки, олицетворяет райское Дерево жизни. Как любое дерево, столб начинается с корней, но основание столба украшено изображением моря, которое переходит в зелень, цветы, бабочки, солнце и венчается сооружение ночным звёздным небом и космосом. Центр этой своеобразной картины – ящерица, поднимающаяся к висящему на макушке дерева ярко–красному неоновому яблоку, которое светится и в ночи
        Как любое дерево, столб начинается с корней, но основание столба украшено изображением моря, которое переходит в зелень, цветы, бабочки, солнце и венчается сооружение ночным звёздным небом и космосом. Центр этой своеобразной картины – ящерица, поднимающаяся к висящему на макушке дерева ярко-красному неоновому яблоку, которое светится и в ночи. Диаметр плода 80 сантиметров, высота столба 10 метров, общая площадь мозаики – 15 квадратных метров.
“Бык”
   Статуя быка на въезд в Ангарск со стороны Саватеевки
ДОБРЫЙ ДОКТОР АЙБОЛИТ
   ДОБРЫЙ ДОКТОР АЙБОЛИТ город Ангарск
Памятник дворнику
   Установлен 15 июня 2005. Высота вместе с постаментом 2,5 м. Сделан из специального пенопласта, весит около 100 кг. Памятник хранят в офисе (чтобы не уничтожили) и выставляют по большим праздникам.
 “Столб желаний”
   Через дорогу от дома Сергея Зиннера есть священное место. Здесь ангарчанин установил коновязь, и теперь жители города могут повязать ленточку и загадать желани.
Памятника святым благоверным Петру и Февронии Муромским
    1 августа 2014 года в 12.00 на территории Свято-Троицкого кафедрального собора состоялось долгожданное торжественное открытие памятника святым благоверным Петру и Февронии Муромским. Непосредственная установка самого памятника состоялась накануне вечером. Скульптурная композиция была создана Константином Чернявским.


title: Скачать презентацию или конспект Кубофутуризм

extracted_text:
Кубофутуризм
Кубофутуризм — направление в искусстве 1910-х гг., наиболее характерное для русского художественного авангарда тех лет, стремившееся соединить принципы кубизма и футуризма.
     Кубофутуризм принято считать результатом взаимовлияния поэтов-футуристов и живописцев-кубистов. Действительно, литературный футуризм был тесно связан с авангардными художественными группировками 1910-х годов, такими, как «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Союз молодежи». Активное взаимодействие поэзии и живописи, безусловно, явилось одним из важнейших стимулов формирования кубофутуристической эстетики.
Первым совместным выступлением кубофутуристов в печати стал поэтический сборник «Садок судей». В числе авторов альманаха Д. и Н. Бурлюки, Каменский, Хлебников, Гуро, Ек. Низен и др.
    Идея исчерпанности культурной традиции прежних веков была исходным пунктом эстетической платформы кубофутуристов. Программным стал их манифест, носивший намеренно скандальное название «Пощечина общественному вкусу». В нем декларировался отказ от искусства прошлого, звучали призывы «сбросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч., и проч. с парохода современности».
    Публикация «Пощечины» была воспринята общественностью в основном отрицательно, как факт безнравственности и дурновкусия. Но кубофутуристы считали, что издание этой книги официально утвердило футуризм в России.

Впрочем, у набиравшего силу движения тут же появилась масса эпигонов и подражателей, пытающихся на волне модного литературного течения превратить свои опусы в ходовой товар, не чуждый этакого «модерна», и забывающих, что подражание полезно только для учебы.
И можно вполне согласиться с утверждением О. Рыковой о том, что «поэты-футуристы, несмотря на общность предъявленных манифестов, безусловно различались творческими исканиями и глубиной. Бездарности пользовались одним лишь эпатажем, а истинные поэты со временем „переросли“ существующее движение и остались в литературном процессе конкретными личностями — по-другому и быть не могло»?..

При всех кардинальных внешних различиях история кубофутуризма в России поразительно напоминает судьбу русского символизма. Такое же яростное непризнание на первых порах, тот же шум при рождении (у футуристов только значительно более сильный, перераставший в скандал). Вслед за этим быстрое признание передовых слоев литературной критики, триумф, огромные надежды. Внезапный срыв и падение в пропасть в тот момент, когда казалось, что перед ним открылись небывалые доселе в русской поэзии возможности и горизонты.
Исследуя футуризм на заре его зарождения, Николай Гумилев писал: «Мы присутствуем при новом вторжении варваров, сильных своею талантливостью и ужасных своею небрезгливостью. Только будущее покажет, „германцы“ ли это, или… гунны, от которых не останется и следа».
Спасибо за внимание!


Скачать презентацию или конспект Балет С.С. Прокофьева "Золушка"


Скачать презентацию или конспект Театр как вид искусства


Скачать презентацию или конспект История кинематографа


Скачать презентацию или конспект Природное и культурное наследие России


title: Скачать презентацию или конспект Тест по МХК "Художественная культура Древнего Востока"

extracted_text:
Художественная культура Древнего Востока
ТЕСТ по МХК 10 класс 1 четверть
а) кредо;
 б) канон;
в) лейтмотив;
г) идеал.

. Свод правил, сложившийся в процессе художественной практики?
а) Хеопс;
 б) Хефрен;
в) Микерин;
 г) Джосер

Имя фараона, при  котором началось строительство пирамид
а) Фивы;
 б) Гиза;
в) Александрия;
г) Мемфис;
. Где находится Большой Сфинкс
а) деревенский начальник;
б) сельский староста;
в) царевич Рахотеп;
 г) скульптурный портрет писца

Скульптура царского сановника Каи называется также… ?
Саркофаг – это
Мумия – это
Пирамида – это
Фараон – это
Канон – это

Дайте определения следующим понятиям
Кто изображён на снимке
БУДДА
ШИВА
ВИШНУ
Саванна
Джунгли
Тайга
 Густые, труднопроходимые леса по берегам Ганга.
Клан
Династия
Каста
 Группы людей с определёнными правами  и обязанностями в Древней Индии.
Ганг
Инд
Нил
Большая река, на берегах которой возникли древнейшие в Индии города.
Брахма
Будда
Шива
  Бог, согласно верованиям индийцев, создавший людей из разных частей своего тела.
Конфуций
Лао Цзы
Шахунди

Он создал  правила для всех духовных проявлений жизни, утвердил строгие законы в музыке, литературе и живописи.
550 км
650 км
750 км
Какова длина Великой Китайской стены
Взаимодействие музыки и театра
Взаимодействие мужского и женского начала
Взаимодействие добра и света

Что означает  знак  Инь-Янь?
Пагода
Башня
Крепость
Как называется это сооружение?
Что создавали на своей земле японцы?
Парк
Сад
Аллея
Служит оберегом
Выполняет роль брелока- подвески
Является украшением
Миниатюрная скульптура НЭЦКЭ  известна всему миру. Её главное назначение:


Скачать презентацию или конспект Музыка и природа


Скачать презентацию или конспект Сентиментализм и классицизм. Сравнительная характеристика


Скачать презентацию или конспект Афродита - Богиня любви и красоты


Скачать презентацию или конспект Шевченко - художник


Скачать презентацию или конспект Бальные танцы


title: Скачать презентацию или конспект Жанры в музыке

extracted_text:
Выполнил: ученик 8 класса Лагутов Дмитрий.
Презентация по музыке на тему: «Жанры в музыке»
Таблица жанров музыки
Понятие о классической музыке
Классической называется музыка прошлого, выдержавшая испытание временем и имеющая аудиторию в современном обществе. Уже сегодня в качестве классических воспринимаются не только вершины высокого музыкального искусства, но и лучшие образцы развлекательных жанров прошлого: например, вершины французской, венской и венгерской оперетты XIX — начала XX веков, вальсы Иоганна Штрауса и т. п.
Понятие о джазе
Джаз (англ. Jazz) — форма музыкального искусства, возникшая в конце XIX — начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей.
Джаз возник как соединение нескольких музыкальных культур и национальных традиций. Первоначально он прибыл из африканских земель. Для любой африканской музыки характерен очень сложный ритм, музыка всегда сопровождается танцами, которые представляют собой быстрые притопывания и прихлопывания . На этой основе в конце XIX века сложился ещё один музыкальный жанр рэгтайм. Впоследствии ритмы рэгтайма в сочетании с элементами блюза дали начало новому музыкальному направлению — джазу.
Понятие о рок-музыке
Рок-му́зыка (англ. Rock music) — обобщающее название ряда направлений популярной музыки. Слово «rock» — (в переводе с английского «качать, укачивать, качаться») — в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения. Рок-музыка имеет большое количество направлений: от достаточно «лёгких» жанров, таких как танцевальный рок-н-ролл, поп-рок, бритпоп, до брутальных и агрессивных жанров — дэт-метала и грайндкора. Истоки рок-музыки лежат в блюзе, из которого и вышли первые рок-жанры — рок-н-ролл и рокабилли. За время своего существования были попытки соединить рок-музыку практически со всеми возможными видами музыки. В 60-70-х годах появились практически все крупнейшие поджанры рок-музыки. В конце 70-х-начале 80-х появились такие жанры рок-музыки, как пост-панк, новая волна, альтернативный рок (хотя уже в конце 60-х годов появляются ранние представители этого направления), хардкор (крупный поджанр панк-рока), а позже и брутальные поджанры метала — дэт-метал, блэк-метал. В 90-х годах получили широкое развитие жанры гранж , брит-поп, альтернативный метал. Основные центры возникновения и развития рок-музыки — США и западная Европа (особенно Великобритания). Большинство текстов песен — на английском языке. Однако, хотя, как правило, и с некоторым запозданием, национальная рок-музыка появилась практически во всех странах.
Понятие об авторской песне
Авторская песня, или бардовская музыка — песенный жанр, возникший в середине XX века в разных странах. Его отличительными особенностями является совмещение в одном лице автора музыки, текста и исполнителя, гитарное сопровождение, приоритет значимости текста перед музыкой, ориентация на коллективное пение непрофессионалами. Предшественником авторской песни можно считать городской романс и песенные миниатюры А. Вертинского.
Поначалу основу жанра составляли студенческие и туристские песни, отличавшиеся от «официальных» (распространявшихся по государственным каналам) доминирующей личностной интонацией, живым, неформальным подходом к теме. Отдельные произведения жанра появились ещё в 1930-х (сочинённые П. Коганом и Г. Лепским романтические песни, самой известной из которых стала «Бригантина», а также ранние песни М. Анчарова). Чаще всего (хотя и не всегда) исполнители песен этого жанра являются одновременно авторами и стихов, и музыки — отсюда и название.
Понятие о музыке диско
Ди́ско (англ. Disco, букв. «дискотека») — один из основных жанров танцевальной музыки XX века, возникший в начале 1970-x годов. Диско почти одновременно разрабатывалось в США и Европе. Для американского диско характерно звучание, близкое к фанку и соулу. Европейское диско тесно переплеталось с традиционной эстрадой и общими тенденциями поп-музыки. В 70-х диско имел несколько подстилей, в том числе «диско-фьюжн», «мюнхенское звучание» и т. д., а после 1976 года, благодаря распространению электронных музыкальных инструментов, — такие подстили как EuroDisco, ItaloDisco и Space Disco.
Понятие о трансе
Транс (англ. trance) — это стиль электронной танцевальной музыки, который развился в 1990-е годы. Отличительными чертами стиля являются: темп от 128 до 145 ударов в минуту, наличие повторяющихся мелодий, фраз и музыкальных форм. Вероятно, стиль произошел от слияния техно, хауса, и эмбиента. Транс получил такое название из-за повторяющегося, плавно изменяющегося баса и ритмичных мелодий, которые погружают слушателя в трансоподобное состояние. Так как большей частью транс исполняется в клубах, его можно считать формой клубной музыки. Однако, транс слишком разносторонний, разнообразный стиль музыки. Он может быть также не электронным, то есть исполненным исключительно настоящими, реальными инструментами, в реальном времени.
Понятие о рэпе
Рэп (англ. rap, rapping) — ритмичный речитатив, обычно читающийся под музыку с тяжёлым битом. Исполнитель рэпа называется рэ́пером[1] (не путать с репе́ром), или более общим термином MC. Рэп — один из основных элементов стиля хип-хоп-музыки; часто используется как синоним понятия хип-хоп. Однако рэп используется не только в хип-хоп музыке, но и в других жанрах. Многие исполнители драм-н-бэйс используют рэп. В рок-музыке он встречается в таких жанрах, как рэпкор, ню-метал, альтернативный рок, альтернативный рэп и некоторые другие, например, новые направления хардкор-музыки. Поп-музыканты и исполнители современного RnB также нередко используют рэп в своих композициях.

Понятие об электронной музыке
Электро́нная му́зыка (от нем. Elektronische Musik, англ. Electronic music, в просторечии также «электроника») — широкий музыкальный жанр, обозначающий музыку, созданную с использованием электронных музыкальных инструментов и технологий (чаще всего при помощи специальных компьютерных программ). Электронная музыка как самостоятельный жанр утвердилась во второй половине XX века — начале XXI века. Электронная музыка оперирует звуками, которые образуются при использовании электронных технологий и электромеханических музыкальных инструментов. Электронная музыка прежде ассоциировалась только с западной академической музыкой, но это изменилось с появлением доступных по цене электронных синтезаторов в конце 60-х. Сегодня электронная музыка включает в себя большое количество различных стилей от экспериментальной академической музыки до популярной электронной танцевальной музыки.

Понятие о поп-музыке
Поп-му́зыка (англ. Pop-music от Popular music) — направление современной музыки, вид современной массовой культуры. Термин «поп-музыка» имеет двоякое значение. В широком значении, это любая массовая музыка (включая рок, электронику, джаз, блюз). В узком значении — отдельный жанр популярной музыки, а именно, легко запоминающаяся песня. Основные черты поп-музыки как массовой культуры — простота, мелодичность, вокал и ритм, с меньшим вниманием к инструментальной части. Основная и практически единственная форма композиции в поп-музыке — песня. Тексты поп-музыки обычно незамысловаты и посвящены личным чувствам. Поп-музыка включает в себя такие поджанры: как европоп, латина, диско, электропоп, танцевальная музыка и другие.


title: Скачать презентацию или конспект Дворцовая площадь в Санкт-Петербурге

extracted_text:
  Дворцовая площадь в     Санкт-Петербурге
Дворцовая площадь — главная площадь Санкт-Петербурга, архитектурный ансамбль, возникший во второй половине XVIII — первой половине  XIX века.

Её размеры составляют около 5 га (по другим сведениям — 8 га; для сравнения — Красная площадь в Москве имеет площадь 2,3 га). В составе исторической застройки центра Санкт-Петербурга площадь включена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
История
Основой застройки Дворцовой площади стал существующий Зимний дворец. В период с 1764 по 1775 годы в удалённых концах площади возникают здания Вольного экономического общества.
20 декабря 1778 года императрица велит преобразовать площадь «против императорского Зимнего дворца, между восточным углом Адмиралтейства и Миллионною улицею.
В 1779 году Академия художеств объявляет конкурс на застройку площади. По итогам конкурса предпочтение было отдано модели «с порталом дорического ордера и антаблементом ордера коринфского… по открытии записки, приобщённой при упомянутой модели», сочинителем её оказался архитектор Ю. М. Фельтен.
Предложение Фельтена фактически явилось типовым проектом по застройке площади, согласно плану реконструкции, разработанному Алексеем Квасовым ещё в 1765 году. Возведённые в 1779—1784 годах здания — «Глазовский дом», дом А. Д. Ланского, дом Я. А. Брюса — выстраивались по условной дуге.
В 1837—1843 годах с восточной стороны Дворцовой площади на месте Экзерциргауза (1797—1798, архитектор В. Бренна) по проекту архитектора А. П. Брюллова построено большое здание штаба Гвардейского корпуса. С юго-западной стороны до 1840-х годов на углу Дворцовой площади и Невского проспекта находилось здание Вольного экономического общества. С северо-западной стороны, между Адмиралтейством и Зимним дворцом до конца XIX века существовала Разводная площадь.
В ΧΙΧ—начале ΧΧ веков Дворцовая площадь была местом проведения военных смотров и парадов. Девятого января 1905 на Дворцовой площади была расстреляна царскими войсками мирная демонстрация рабочих. В память об этом событии Дворцовая набережная была переименована в Набережную 9-го января (до 1944). В ночь с 25 на 26 октября (7—8 ноября) 1917 на Дворцовой площади произошёл решающий бой Октябрьского вооружённого восстания в Петрограде.
Советское время
В советское время Дворцовая площадь была местом проведения демонстраций и парадов в дни революционных праздников. С октября 1918 года Дворцовая площадь официально называлась площадью Урицкого (в честь М. С. Урицкого, убитого в здании Главного штаба).
20 июля 1924 года на площади состоялось представление «живых шахмат» с участием бойцов Красной Армии (белые) и ВМФ (чёрные); играли шахматные мастера Илья Рабинович и Петр Романовский.
Современный период
На Дворцовой площади с 1990-х годов проводятся концерты, ежегодные спортивные и общественные мероприятия:
Парад, посвящённый дню города.
Ежегодные международные легкоатлетические пробеги, такие как Пробег Пушкин — Санкт-Петербург и марафон Белые ночи.
Неофициальный праздник любителей бардовской песни проходит ежегодно 1 сентября у стен Зимнего дворца.
Концерты музыкантов.
Схема площади
Ансамбль площади
Дворцовая площадь представляет единый архитектурный ансамбль. Северной границей является фасад Зимнего дворца, южная граница имеет полуциркульное очертание, образованное зданием Главного штаба, два трёхэтажных корпуса которого соединены триумфальной аркой, увенчанной колесницей победы. В центре установлена Александровская колонна. С восточной стороны площадь обрамляет здание Штаба гвардейского корпуса.
Александровская колонна
Воздвигнута в стиле ампир в 1834 году в центре Дворцовой площади французским архитектором Огюстом Монферраном по указу императора Николая I в память о победе его старшего брата Александра I над Наполеоном в Отечественной войне 1812 года. Памятник венчает фигура ангела работы Бориса Орловского.
Колонна — один из известнейших памятников Петербурга. Нередко её ошибочно называют Александрийский столп, по стихотворению А. С. Пушкина «Памятник»:
Зимний дворец
Нынешнее здание дворца построено в 1754—1762 годах по проекту архитектора итальянского происхождения Б. Ф. Растрелли в стиле пышного елизаветинского барокко. С 1732 года до 2 марта 1917 года на этом месте находилась официальная зимняя резиденция российских императоров. 29 декабря 1837 года в Зимнем дворце случился пожар. Потушить его не могли три дня, всё это время, вынесенное из дворца имущество, было сложено вокруг Александровской колонны.
В 1838—1839 годах дворец был восстановлен по проектам архитекторов под руководством В. П. Стасова, А. П. Брюллова и других. С июля по ноябрь 1917 года Зимний дворец служил местом заседания Временного правительства. В 1918 году часть, а в 1922 году всё здание передано Государственному Эрмитажу.
Современное здание в плане имеет форму квадрата с внутренним двором и развитыми угловыми ризалитами; фасады обращены к Неве, Адмиралтейству и Дворцовой площади. Парадность зданию придают пышная отделка фасадов и помещений. Главный фасад, обращённый к Дворцовой площади, прорезан трёхчастной аркой парадного проезда
В юго-восточной части второго этажа находился один из памятников рококо — Большая церковь Зимнего дворца (заложена ещё в 1763 году архитектором Растрелли).
Здание штаба Гвардейского корпуса
С востока ансамбль Дворцовой площади замыкает фасад здания бывшего Штаба гвардейских войск, построенного в позднем классическом стиле по проекту архитектора А. П. Брюллова в 1837—1843 годах. На этом месте с конца ΧVΙΙΙ века находилось здание Экзерциргауза, возведённое В. Бренной. Оно тянулось вдоль Миллионной улицы
Сейчас в здании Штаба Гвардейского корпуса находится штаб 6-й Ленинградской Краснознамённой армии военно-воздушных сил и противовоздушной обороны.
С юга площадь обрамляет здание Главного штаба, построенное в стиле ампир по проекту архитектора К. И. Росси в 1810—1829 годах. Здание состоит из трёх корпусов (два в восточной части и одно в западной), составляющих вместе дугу общей длиной 580 метров, соединённых триумфальной аркой, которая является композиционным центром и открывает парадный въезд на площадь со стороны Большой Морской улицы.
Здание Главного штаба
Венчает арку победная колесница Славы (архитекторы скульптур В. И. Демут-Малиновский и С. С. Пименов).
В зданиях, помимо Главного Штаба, располагались Военное министерство, Министерство иностранных дел и Министерство финансов (в восточном корпусе). После Октябрьской революции в здании располагался Наркомат Иностранных дел, а впоследствии отделение милиции. В настоящее время часть здания принадлежит Западному военному округу. В 1993 году восточное крыло здания Главного штаба передано Эрмитажу.
Спасибо за внимание!


Скачать презентацию или конспект Русские художники-портретисты


Скачать презентацию или конспект Выражение характера изображаемых животных


Скачать презентацию или конспект Зевс Олимпийский


title: Скачать презентацию или конспект Блудный сын

extracted_text:
БЛУДНЫЙ СЫН
В Эрмитаже есть такое полотно, приближаясь к которому, вспоминаешь библейское: «Сними обувь твою…»
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Первого блудного сына в мировой культурной традиции отыскать нелегко.
Говорят, что сам Иисус стал блудным Сыном и покинул Отца своего ради искупительной жертвы. Вряд ли можно сосчитать произведения изобразительного искусства, посвященные блудному сыну. Но Рембрандт стоит совершенно особняком в этом бесконечном ряду художников. Никто и никогда не смог приблизиться к его простоте и глубине, величию и вселенской мощи.
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Кто такой блудный сын?
 Многие художники писал картины на этот знаменитый сюжет.
Почему?
Все мы блудные дети, но не все вернемся в дом свой. Да и встретят ли нас так, как встретил отец своего блудного сына? «Брат твой был мертв и ожил, пропадал и нашелся…»
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Рембрандт
«Возвращение блудного сына»
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
 Рембрандт
"Автопортрет"
Темой для написания картины послужила известная евангельская притча, рассказывающая, как после долгих скитаний в неуютном мире блудный сын вернулся с несбывшимися надеждами к покинутому им отцу.
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Годы горя и одиночества, выплаканные глаза, немощь и дряхлость и – ни слова упрека. Глаза старика слепы, лицо мудреца, трагичное и просветленное, простое, земное лицо.
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Немощные руки старика, «осматривают сына». Бритый затылок блудного, жалкие лохмотья, грязные пятки и слетевшую грубую обувь. Все тонет в красном и золотистом, становясь симфонией великой любви, понимания и прощения.
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
«Возвращение блудного сына» Рембрандт с поразительным мастерством воссоздает целую гамму сложных и глубоких человеческих чувств, раскрывает красоту человеческого понимания, сострадания и прощения.
Рембрандт потерял сына и любимую женщину, но не утратил дара великой любви…
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
И цветы, и шмели,  и трава, и колосья,
И лазурь и полуденный зной…
Срок настанет-  Господь сына блудного спросит:
«Был ли счастлив ты в жизни земной?».

И забуду я все- вспомню только вот эти
Полевые пути меж колосьев и трав –
И от сладостных слез не успею ответить,
К милосердным колосьям припав.

Иван Бунин
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"
Д/З

1.Прочитать стихотворение
НИКОЛАЯ ГУМИЛЕВА
«БЛУДНЫЙ СЫН»
1912г.

2.Записать в тетрадь анализ стихотворения
Яшина Л.В. МОУ "СОШ № 52"


title: Скачать презентацию или конспект Современные мастера, прославившие Россию в XVIII-XXI веках

extracted_text:
Современные мастера, прославившие Россию в XVIII-XXI веках.
Московская фабрика О.Крумбеля по производству золотых и серебряных изделий была основана в 1859 году. На Всероссийской мануфактурной выставке 1865 года в Москве он демонстрировал коллекцию украшений; в 1873 году (Вена) и 1876 году (Филадельфия) его работы отметили за «истинность русского стиля». Он один из первых ввел механизацию в производство, снизил цены на драгоценные предметы, был награжден серебряной медалью «за тщательную работу и дешевые цены  золотых изделий».
Мастерская и магазин Ф.Фульда и его преемника-сына, основанные в 1823 году в Москве, славились украшениями из драгоценных камней и жемчуга; они участвовали на многих художественно-промышленных выставках.
Вот пример изделия его фабрики.

В.А.Адлер основал в 1856 году в Москве фабрику по производству ювелирных изделий. В 1870 году он успешно показал свою коллекцию украшений и был отмечен экспертами, а в 1876 году в Париже представил вещи дамского туалета из «золотой мозаики». За изобретение техники мозаичного золота Адлер был награжден медалью. Также он представлял коллекции дамских и мужских вещей, выдержанных в древнем стиле.
Жемчужные ожерелья были обязательными подарками членам императорской фамилии. Императрица Александра Федоровна в 1901 году приобрела у А.Д.Иванова 5 ниток жемчужного ожерелья для подарков дочерям на дни рождения и именины. А.Д.Иванов, купец 1-ой гильдии, имел магазин золотых и бриллиантовых вещей на Невском проспекте, в доме 32. Он считался первым ювелиром по богатству драгоценных камней и жемчуга и чаще других фирм продавал Кабинету Его Императорского Величества жемчужные ожерелья.
Ювелирная мастерская Ф.Х.Кехли в Петербурге (известна с последней трети 19 века до 1917 года) специализировалась на производстве украшений и небольших золотых изделий, отличавшихся чистотой работы и оригинальностью композиций. Ф.Кехли выполнил много подарочных вещей по заказам Кабинета Его Императорского Величества, был оценщиком Кабинета, работал вместе с сыном Теодором, который окончил Академию художеств в Петербурге. На Всемирной художественно-промышленной выставке в Париже в 1900 году Ф.Кехли, как и К.Фаберже, был удостоен чести быть членом жюри, и его работы показывались вне конкурса. В коллекции ГИМа есть брошь в виде соединенных вместе 2 подков из рубинов, сапфиров и бриллиантов.
Пример изделия его мастерской – запонки.

Петер Карл Фаберже родился 30 мая 1846 года в Санкт-Петербурге. Его отец был ювелиром. У мальчика рано проявились художественные способности и повышенный интерес к ювелирному искусству. Он обучался в престижнейшей немецкой гимназии Санкт-Петербурга, затем в коммерческом колледже в Париже. Несколько лет на практике изучал ювелирное дело в различных городах Европы. В 1872 году Карл стал во главе ювелирной мастерской своего отца.Первый успех пришел к Фаберже в 1882 году на Всероссийской промышленно-художественной выставке в столице России, где представленные Фаберже образцы современного ювелирного искусства в виде изящных дамских украшений принесли ему золотую медаль.Примерно в те же годы Карл начал поставлять свои изделия Кабинету Его Императорского Величества. Фаберже все чаще стал упоминаться в учетных книгах Двора. Ему удалось быстро завоевать расположение высших придворных чинов, оказывая бесплатные услуги по оценке, ремонту и реставрации ювелирных изделий в Эрмитаже. А свободный доступ к экспонатам музея позволил ювелиру внимательно изучить технические приемы старых мастеров и стилистические особенности изделий.Он удовлетворял запросы публики нескончаемым потоком полезных вещей – портсигаров, ламп, звонков, часов, – превосходивших друг друга своей изобретательностью, изысканностью, совершенством. Мгновенно узнаваемые, они были символом статуса их владельца.Знаменитая коллекция пасхальных яиц Фаберже была создана им по императорскому заказу и составляла в общей сложности 54 пасхальных яйца. Сегодня известно, что до нашего времени сохранились 45 пасхальных яиц; сохранилась фотография еще одного; еще 5 известны по описаниям. Сохранилось также одно из двух незавершенных пасхальных яиц, работы над которыми велись в 1917 году.После Октябрьской революции фирма и имущество семьи Фаберже было конфисковано и разграблено. В конце 1917 года Карл закрыл свой дом на Большой Морской улице, вверив его содержимое директору Эрмитажа. Сам ювелир перебрался за границу.Скончался Фаберже 24 сентября 1920 года в Лозанне и был кремирован.В 2004 году, благодаря покупке российского бизнесмена Виктора Вексельберга, пасхальные яйца Фаберже, приобретенная за 100 миллионов долларов, вернулась на Родину
 СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ!


Скачать презентацию или конспект Жанры китайской живописи


title: Скачать презентацию или конспект Изобразительное искусство начала ХХ века

extracted_text:
Изобразительное искусство начала ХХ века.
Выполнила:
Медведева Анастасия
11 «А» класс.
Содержание:
Развитие изобразительного искусства ХХ века.
Что такое «Модернизм».
Абстракционизм. Наиболее яркие представители.
Футуризм. Наиболее яркие предствители.
Русский импрессионизм. Наиболее яркие предстваители.
Авангард. Наиболее яркие представители.
Кубофутуризм. Казимир Малевич.
Развитие изобразительного искусства ХХ века.
20 век- век острых противоречий, глубоких социальных конфликтов и разочарований и вместе с тем надежд человечества, век настойчивых исканий новых, более совершенных путей развития общества. Он принес с собой глубокие изменения во всех сферах деятельности человека, в том числе и искусстве.
Наука пересмотрела большую часть «непреходящих истин» Нового времени, а также изменила отношение к гуманистическим ценностям эпох Возрождения и Просвещения. Каждый стал искать свой выход: одни в продолжении культурной традиции прошлого, другие– в обретении утраченных связей с природой, в научно-технической революции, в нигилистическом самоутверждении.

Поиски новых путей, экспериментирование и революционное преобразование, многоликость, разнообразие и контрастность творческих исканий – отличительные особенности искусства 20-21 веков.
Совокупность художественных направлений в конце ХIХ- начале ХХ века принято называть модернизмом.

Модернизм- в искусстве совокупное наименование художественных тенденций, где возобладало уже не столько следование духу природы и традиции, сколько свободный взгляд мастера, вольного изменять видимый мир по своему усмотрению, следуя личному впечатлению, внутренней идее или мистической грезе (веяния эти во многом продолжили линию романтизма). Наиболее значительными, часто активно взаимодействующими, его направлениями были импрессионизм, символизм и модерн. В советской критике понятие «модернизма» применялось ко всем течениям искусства 20 века, которые не соответствовали канонам социалистического реализма. Самыми основными из них были, пожалуй, абстракционизм, футуризм, кубизм, экспрессионизм, супрематизм, авангард и кубофутуризм.

Абстракционизм
Художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.
Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1909 году. В настоящее время она находится в Национальном музее Грузии.
Василий Кандинский
«Москва»
«Казаки» (фрагмент Композиции IV)
Наталия Гончарова
Наталия Сергеевна Гончарова (1881–1962) вошла в русское искусство как «амазонка авангарда», новатор живописи, блестящий декоратор, живописец, график, театральный художник. В цепи самостоятельных творческих экспериментов Гончарова развивала идеи примитивистской живописи (неопримитивизма), включала в свои работы преобразованные элементы иконописи и лубка.
Автопортрет
Цветы
Михаил Ларионов

 Автопортрет в тюрбане
Прачки
Футуризм
Главные художественные принципы футуризма — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности.

Русский футуризм весьма отличался от своего западного варианта, уноследовав лишь заглавный пафос строителей «искусства будущего», противопоставляющих его искуству и культуре прошлого . Существовал в рамках модернистского направления в русском искусстве. Футуристами называли себя члены петербургского «Союза молодежи» В.Е. Татлин, П.Н. Филонов, М.З. Шагал и другие.
Владимир Татлин
«Матрос» (Автопортрет)
«Портрет художника»
Марк Шагал
«Скрипач»
«Автопортрет с семью пальцами»
Русский импрессионизм
 — условное название произведений русских живописцев конца XIX — начала XX в., в которых сказалось воздействие творчества французских импрессионистов.
Импрессионизм русской школы имеет ярко выраженную национальную специфику и во многом не совпадает с хрестоматийными представлениями об импрессионизме классическом, рожденном во Франции XIX века. В живописи «русских импрессионистов» доминируют предметность, материальность.
Характерные черты: «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают тот «трепет жизни», который был столь значим для русских художников, отсутствие динамизации, которая была характерна для Франции, большая нагруженность смыслом, тяготение к смыслу и значению художественного образа, большая материальность и предметность живописи.
Константин Коровин
«Базар» Картина после реставрации.
«Кафе де ла Пэ»
Ярчайший представитель русского импрессионизма. Его картины появились тогда, когда понятие красоты в русской живописи было наглухо и безоговорочно забыто. Именно поэтому многим творчество Коровина казалось тогда чересчур буйным и несерьезным,  но истинные знатоки живописи понимали, что являются свидетелем рождения большого мастера, большого колориста и поэта в живописи.
Игорь Грабарь
«Февральская лазурь»
«Мартовский снег»
Авангард
Русский авангард 1910-х годов представляет довольно сложную картину. Он характерен стремительной сменой стилей и направлений, изобилием групп и объединений художников, каждое из которых провозглашало свою концепцию творчества.
 Ситуация, которая сложилась в русской живописи во многом была обусловлена предреволюционной атмосферой в стране. Она усугубила многие из тех противоречий, которые были присущи всему европейскому искусству в целом, т.к. русские художники учились на европейских образцах, были хорошо знакомы с различными школами и живописными течениями. Своеобразный русский «взрыв» в художественной жизни сыграл таким образом историческую роль. К 1913 году именно русское искусство вышло к новым рубежам и горизонтам. Появилось совершенно новое явление беспредметности — черта, за которую не решились перейти французские кубисты. Один за другим переходят эту черту: Кандинский В.В., Ларионов М.Ф., Малевич К.С., Филонов П.Н.
Свои силы испытали: Альтман Н.И., Глебова Т., Кончаловский П.П., Куприн А., Лентулов А.В., Машков И.И., Пуни И.А., Родченко А.М., Розанова О.В., Фальк Р.Р., Экстер А.А.

Павел Филонов
«Ударники»
- русский, советский художник(художник−исследователь, как он официально именовал себя сам), один из лидеров русского авангарда; основатель, теоретик, практик и учитель аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.
Александра Экстер
«Конструктивный натюрморт»
русско-французская художница-авангардистка, график, художница театра и кино, дизайнер. Представительница русского авангарда. Была одним из основоположников стиля «арт-деко».
Эскиз костюма к драме И. Ф.            Анненского «Фамира Кифаред»
Кубофутуризм
Локальное направление в русском авангарде (в живописи и в поэзии) начала XX в. В изобразительном искусстве кубофутуризм возник на основе переосмысления живописных находок , кубизма, футуризма, русского неопримитивизма. Основные работы были созданы в период 1911-1915гг. Наиболее характерные картины кубофутуризма вышли из-под кисти
К. Малевича.
Первые кубофутуристические работы Малевича экспонировались на знаменитой выставке 1913г. «Мишень».
 Уже в первых подобных работах Малевича заметна тенденция к переходу от природного ритма к чисто механическим ритмам машинного мира («Плотник», 1912, «Точильщик», 1912, «Портрет Клюна», 1913)
Казимир Малевич
«Плотник»
«Точильщик»
Казимир Малевич

«Девушка с гребнем в волосах»
«Автопортрет»
Источники:
http://20century-art.ru/modernizm/
http://20century-art.ru/modernizm/abstrakcionizm.html
https://ru.wikipedia.org/wiki
http://www.lookatme.ru/flow/posts/art-radar/64017-samyie-dorogie-kartinyi-russkih-hudozhnikov
http://skillsup.ru/blog/review/osnovnyie-napravleniya-izobrazitelnogo-iskusstva-xx-veka.html
http://www.izostili.ru/
http://kkorovin.ru/


Скачать презентацию или конспект Музыкальные эпохи


title: Скачать презентацию или конспект Сергей Васильевич Рахманинов

extracted_text:
Рахманинов Сергей Васильевич.
Автор: Каланда Сергей
9а класс
МБОУ СОШ № 10 г.Новоалтайска
________________________________________
Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года.Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. Семейное предание ведёт происхождение рода Рахманиновых от «внука молдавского господаря Стефана Великого» Василия, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урождённая Бутакова) ― дочь директора Аракчеевского кадетского корпуса генерала П. И. Бутакова.
Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская. При её поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демянского[4][5]. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву, и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.
Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.
В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А. С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.
Рахманинов рано приобрёл известность как композитор, пианист и дирижёр. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижёр — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А. В. Оссовского, определённую роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций[6]. Это событие послужило причиной серьёзной нервной болезни. В течение 1897—1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.
1 ноября 1918 года вместе с семьёй отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926—1927 гг. появляются новые произведения: Четвёртый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918—1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.
Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижёром. В 1941 году закончил своё последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу». Известно, что на деньги композитора был построен для нужд армии боевой самолёт.
Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (меланома). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращённую лишь незадолго до смерти. По некоторым данным, Рахманинов ходил в советское посольство, хотел поехать на родину незадолго до смерти.
Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США, не дожив три дня до своего 70-го дня рождения. Похоронен на кладбище Kensico Cemetery.
Источники информацииwikipedia.org


Скачать презентацию или конспект Стилевое многообразие искусства


Скачать презентацию или конспект Красота природы в поэзии, музыке и живописи


Скачать презентацию или конспект Русский футуризм


Скачать презентацию или конспект Как менялась этика на протяжении веков