title: Скачать презентацию или конспект Театральные костюмы, маски, грим

extracted_text:
ТЕАТРАЛЬНЫЕ КОСТЮМЫ,
ГРИМ,
МАСКИ
                            Батурина Любовь Леонидовна
Театральный костюм

КОСТЮМ ТЕАТРАЛЬНЫЙ-
элемент оформления спектакля.
В истории театра известны три основные типа театрального костюма:
персонажный,
игровой и одежда действующего лица.
Эти три основные типа костюма существуют на всех стадиях сценического искусства – от ритуально обрядового и фольклорного предтеатра до современной художественной практики.
ПЕРСОНАЖНЫЙ КОСТЮМ
- это изобразительно-пластическая композиция на фигуре исполнителя, приводимая им в движение и озвучиваемая.
 Колоколообразный силуэт индийского костюма являлся парафразой башенно-шатрового храма Нагара-шакхара и священной горы Мену (центра и оси мира в индуистской мифологии).
Китайский – своей формой, конструкцией, орнаментикой и цветом выражает древнюю космологическую символику естественного чередования Света и Тьмы, слияния Неба и Земли в акте сотворения мира.
Шаманский костюм народов Севера, воплощает образы фантастической птицы, связанной с «верхним миром», и зверя (жителя «нижнего мира»).
Южнорусский – своего рода модель Вселенной.
ИГРОВОЙ КОСТЮМ
это средство преображения облика актера и один из элементов его игры.
В обрядовых и фольклорных действах преображение чаще всего носило гротесково-пародийный характер, когда мужчины рядились в женщин, женщины в мужчин, юноши в стариков, красавицы в ведьм, или когда изображали разных животных.
ОДЕЖДА ДЕЙСТВУЮЩЕГО ЛИЦА
есть воплощение на сцене того натурализма и психологического реализма. Костюм является одеждой адекватной характеру действующего лица, выражает не только его общественный статус, но и его душевное состояние.
Грим

Грим - от французского grime, буквально — забавный старикан, от староитальянского grimo — морщинистый  -  искусство изменения внешности актёра, преимущественно его лица, с помощью гримировальных красок, пластических и волосяных наклеек, парика, причёски и др.

История грима восходит к народным обрядам и играм, требовавшим от участников внешнего преображения. Традиционный грим связан с древнейшими военными ритуальными обрядами Народные актёры средневековья (скоморохи,   жонглёры) раскрашивали лица сажей, красящим соком растений.
Существует несколько видов грима.
Живописный грим-это  использование только красок для создания объёма.

Объёмный грим предполагает использование налепок, наклеек и подтяжек, а также  накладных усов и бороды.
Пластический грим предполагает наклеивание на кожу эластичных накладок из латекса или силикона.

МАСКИ
Маска – это специальная накладка на лицо (иногда с изображением человеческого лица, звериной морды и т. п.) с вырезами для глаз, а также человек с такой накладкой.
КАРНАВАЛЬНЫЕ
Условный язык масок почти забыт, как и их история. До наших дней дошли лишь ритуальные маски разных племен, маски танца и маски карнавалов. Карнавальные маски за свою тысячелетнюю историю не раз меняли форму и размеры.
РИТУАЛЬНЫЕ
На ритуальных празднествах перед зрителями в масках и костюмах изображались самые разнообразные благожелательные и вредоносные духи. Плясать в облике духа — лучший способ подчинить духа своему влиянию.
КОМИЧЕСКИЕ И ТРАГИЧЕСКИЕ
Изначально маска служила элементом костюма участников праздников.
В эпоху античности она олицетворяла трагические и комические типы персонажей.По сути своей маска выражает только одну эмоцию - это либо ужас перед лицом судьбы, либо открытая веселость духа, который высмеивает эту судьбу...
В Древней Руси маска была принадлежностью скоморохов и бродячих артистов.
источники
В.И.Березкин. Искусство сценографии мирового театра. Вторая половина ХХ века. М., 2001
http://images.yandex.ru/
http://encyclopaedia.biga.ru/
http://maskball.ru/
http://www.glossary.ru/
http://forum.numi.ru/
http://ru.wikipedia.org/


title: Скачать презентацию или конспект Изобразительное искусство народов мира

extracted_text:
Изобразительное

искусство

народов мира
Виды древнерусского искусства
Византийская
мозаика
Скульптура
Тропической и
Южной Африки
Древнерусская
иконопись
Искусство книжной
миниатюры
Востока
Византийская
мозаика
Скульптуры
 Тропической и Южной Африки
Искусство книжной
миниатюры Востока
Древнерусская  иконопись
Древнерусская

иконопись
Икона (эйкон гр.) – образ, изображение
Основа древнерусской иконописи – принцип обратной перспективы
Процесс создания иконы:
1.Основа – доска («цка» - липа, сосна, ель, лиственница)
2.Ковчег – небольшая выемка (изображение)
3.Поля (писались тексты)
4.Паволока – холщовая ткань
5.Левкас – специальный раствор из мыла и
    рыбьего клея
6.Рисунок через кальку
7.Припорох (угольный порошок)
8.Золочение (сусальное золото)
9.Работа с красками (растирали с яичным желтком)
10.Изображение
11.Покрытие олифой
12.Работа резчиков и ювелиров
Христианские иконы народов мира
Наши
иконы
Икона
Божьей
Матери
Икона Казанской Божьей
матери
Икона Святого Николая Чудотворца
Икона Святой Троицы Андрей Рублёв
Чудотворная Албазинская икона Божией Матери
(главная икона Амурской области)
Евангелист  Лука
Древнерусские иконописцы
Андрей Рублев (годы жизни: конец 1370х-1428)
Икона прп. Дионисия из Кирилло-Белозерского монастыря (конец XVIIв.)
Дионисий


title: Скачать презентацию или конспект Культура руси 13-15 веков

extracted_text:
Культура руси 13-15 веков
Особенности культуры 13-15 веков:
Нестяжательство и иосифлянство в церкви (течения)
14 век – Феофан Грек
14-15 вв – Андрей Рублев
15-16 вв – Дионисий
15 век – «хождение за три моря» Афанасий Никитин

Троице-сергиев монастырь (лавра)
14 век
Сергий
Радонежский
Моск область
Церковь спаса на ильине улице
Новгород
14 век

Церковь спаса
преображения
Рождественский собор ферапонтова монастыря
14 век
Вологодская обл
Успенский собор в звенигороде
1400 год

Церковь василия на горке
1410 год
Псков
Успенский собор московского кремля
15 век
Москва,Кремль
Иван 3
Аристотель Фиораванти
Благовещенский собор московского кремля
15 век
Кремль
Иван 3
Грановитая палата
15 век
Москва
Пьетро,
Солари,
Фрязин
Тайницкая башня московского кремля
15 век

Первая башня московского
кремля
Спасская башня московского кремля
15 век
Иван 3
Москва
Солари
Культура руси 16 века
Особенности культуры 16 века:
16 век- Сильвестр «домострой»
1564 Иван Федоров «апостол»
Шатровый архитектурный стиль
Архангельский собор московского кремля
Начало 16 века
Москва
Алевиз Новый
Церковь вознесения в коломенском
Василий 3
1530-е
Петр Фрязин
Москва
В честь
Рождения
Ивана Грозного
Храм василия блаженного
Покровский собор

Иван Грозный
Барма и Постник
В честь взятия
Казани
Колокольня ивана великого
Бон Фрязин
1505-1508
Москва
Царь-пушка
1586
Москва
Расцвет
Литейного
дела


title: Скачать презентацию или конспект Музеи мира

extracted_text:
Музеи мира

Музей –
в переводе с греческого «museion»,
с латинского «museum» -
 храм муз.

          Музей – научно – исследовательское, научно-просветительское учреждение, которое комплектует, хранит, изучает, выставляет, популяризирует произведения искусства, предметы истории, науки, быта, промышленности и сельского хозяйства, материалы из жизни и деятельности великих людей. Недаром  на древнем вьетнамском языке музеи называли «бао та», что означало «хранилище реликвий»…
Музей – грандиозная памятная книга человечества.А.В. Луначарский
           Мы ходим по залам музеев, восхищаясь бессмертными творениями великих мастеров искусства и с любопытством рассматривая предметы старого быта. Но, восторгаясь богатством музейных экспонатов, мы редко думаем о тех людях, которые собрали воедино и сохранили то, что теперь составляет национальную гордость страны. Имена многих из них давно забыты или затерялись в грудах архивных бумаг, но продолжает жить их дело, растет племя коллекционеров, благодаря знаниям, любви к искусству и энергии которых сохранены многие памятники культуры и науки. Многие великие и знаменитые люди далекого прошлого были страстными коллекционерами. На основе их коллекций и были созданы всемирно известные музеи, об истории создания которых мы и хотим рассказать в нашем цикле.

                                Глава I
                   Франция

                 Лувр – приют для королей,
                            дворец для нищих…
Дайте мне музей, и я заполню его.Пабло Пикассо
     Лувр один из самых известных и наиболее посещаемых художественных музеев в мире.  Коллекция Лувра содержит почти 35 000 экспонатов, которые выставляются на 60 000 квадратных метрах (650 000 кв. футов).

      Это колоссальный замковый комплекс на строительство и планировку которого ушло ~ 800 лет.

     Свое название Лувр получил благодаря огромному количеству волков некогда водившихся здесь: Лувения - «волчье место».

    Король Филипп II Август (1180–1223гг.), приказал построить крепость, защищавшую подступы к острову Ситэ, где тогда находился центр Парижа.

     Карл V (1364–1380) сделал Лувр своей резиденцией, в связи с чем архитектору Р. до Тамплю было поручено переделать и расширить замок.

  При ФранцискеI, с 1527, начала осуществляться радикальная перестройка здания внутри и снаружи. Средневековые башни были снесены, а замок приобрел вид ренессансного дворца. Главные работы были осуществлены по проекту и под руководством П. Ляско.

Филипп II Август
Карл V
Франциск  I
     В 1563 вдова Генриха II, Екатерина Медичи, поручила Филиппу Делорму возведение нового дворца. Он стал называться Тюильри, так как находился на месте бывшего черепичного завода (tuilerie). В 1871 году дворец Тюильри сгорел и больше не восстанавливался.

     При Генрихе IV (1589–1610) был составлен генеральный план, в результате осуществления которого общая площадь Лувра увеличилась в 4 раза. Между Лувром и Тюильри в 1608 вдоль берега Сены была возведена галерея (длина 420 м), получившая название Большой галереи. Она стала основой будущего музея, так как предполагалось, что здесь будут размещаться королевские коллекции.

Катерина Медичи
Генрих IV

     Во второй половине 17 в. в Лувре были предприняты широкомасштабные работы с целью приблизить облик дворца к архитектуре эпохи барокко. В Париж из Рима был для этого приглашен один из главных создателей этого стиля Л.Бернини. Однако проект, предложенный им, сочли слишком помпезным. Работа была поручена французским архитекторам. К.Перро построил знаменитую восточную колоннаду в стиле классицизм. П.Лескоо (1612–1670) создал ряд интерьеров, в т.ч. зал Августа, предназначенный для размещения королевских коллекций античных статуй, оружия, медалей. После пожара в 1661 Леско заново воссоздал галерею Аполлона, отделку и роспись которой осуществил Ш. Лебрен. По его рисункам были исполнены живописные панно для плафонов, облицовка стен, рельефы, даже замки и ручки – все, вплоть до малейших деталей.

Шарль  Лебрен
Джованни Бернини

     С 1674 Людовик XIV принял решение сделать своей резиденцией Версаль. Работы в Лувре были приостановлены, многие помещения так и остались недостроенными в течение длительного времени.

     После бурных лет Революции, работы по строительству Лувра были возобновлены Наполеоном Бонапартом. И приобрели грандиозный размах. Крупнейшие архитекторы этой эпохи Ш.Персье и П.Фонтен значительно расширили площадь Лувра за счет новых пристроек. В это время была возведена еще одна галерея, параллельная Большой галерее.
    И только в 1871 году замок приобрел современный вид.
Наполеон Бонапарт
Людовик XIV
      Идея превращения Лувра в общедоступный музей наук и искусств, была выдвинута французскими просветителями в середине 18 в. Художник Гюбер Робер предложил проект перестройки Большой галереи с целью создания в ней верхнего освещения через застекленный потолок (проект был осуществлен в начале 19 в.)

      В 1793 часть залов Лувра была преобразована, и музей был открыт для публики. Ядром собрания картин, известного сегодня на весь мир, стала коллекция Франциска I, начатая им в XVI веке.
Франциск I
   С тех пор как Лувр перестал служить одной из резиденций властей Франции, бывшие административные помещения стали постепенно освобождаться и передаваться музею. Этот процесс затянулся на долгие годы. Только в 1960–1980-е последние административные учреждения покинули Лувр. К 1980-м в распоряжение музея перешел весь комплекс зданий, включая северное крыло, где до недавнего времени располагалось министерство финансов.
     Новый этап строительных работ наступил в 1980-е, когда началось осуществление проекта «Большого Лувра», предпринятого по инициативе президента Ф.Миттерана: перепланировка центра Лувра и устройство нового входа в музей. Проект разработал архитектор Йо Минг Пей.
     Он создал большую стеклянную пирамиду, поднявшуюся в центре Двора Наполеона, а вокруг нее три пирамиды поменьше. Рецепт стекла для пирамид был специально разработан в соответствии с новейшими технологиями так, что эта конструкция излучает свет. Между пирамидами расположился треугольный бассейн из темного камня, едва возвышающийся над уровнем земли. Завершается композиция, которую архитектор назвал «ландшафтом», фонтаном.
Франсуа  Миттеран
Йо Минг Пей

     Коллекции Лувра хранят шедевры искусства разных цивилизаций, культур и эпох. В музее около 300 000 экспонатов, из которых только 35 000 выставляются в залах. Многие экспонаты содержатся в хранилищах, поскольку не могут быть показаны посетителям более трёх месяцев подряд из соображений сохранности.
      Как и в большинстве музеев мира, луврская экспозиция строится по хронологическому принципу и национальным школам. Однако эти правила соблюдаются далеко не всегда. Иногда отступления диктуются характером помещения, необходимостью отдельного показа работ большого и малого размера, но бывают случаи, когда в таком разделении нет, казалось бы, никаких оснований.
      В Лувре шесть отделов: живописи и рисунка, египетских древностей, Древнего Востока, Греции и Рима, скульптуры (от средних веков до XIX века) и прикладного искусства. Коллекции расположены в первом, втором и частично третьем этажах вокруг Квадратного двора и в галереях и кабинетах вдоль Сены. Скульптура находится преимущественно в первом этаже, живопись и прикладное искусство - во втором и третьем.

Сокровища Лувра
Зал, посвященный убранству храма. Колосс Сети II из Карнака, голова
колосса Аменхотепа III из Ком эль-Хеттан

Ж. Л. Давид
 «Клятва горациев»
1784г.

Рельеф из гробницы Сети I с изображением царя перед богиней Хатхор. XIX династия


title: Скачать презентацию или конспект Неоклассицизм

extracted_text:
Презентацию подготовила
Учитель  ИЗО,МХК,технологии
ГБОУ СОШ № 800
Купцова Ольга Анатольевна
Г. Москва

Презентация по МХК на тему «Неоклассицизм»
       Неоклассици́зм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и первой четверти XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко). В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII — первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода.
Понятие
         Возникновение неоклассицизма (как программного обращения к искусству прошлого) обусловлено стремлением противопоставить некие "вечные" эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Идейному и формальному строю течений, основанных на поисках непосредственного соответствия художественных произведений действительности, в неоклассицизме противостоят идеальность и величавость форм и образов, "очищенных" от конкретно-исторического содержания.
Возникновение
       В архитектуре выделяются 3 периода наиболее широкого распространения неоклассических течений, связанных 6ольшей частью с традициями классицизма:

 первый, начавшийся около 1910 г. и в ряде стран продолжавшийся до середины 20-х гг.;

второй, захвативший в основном 30-е гг.;

 третий, начавшийся в конце 50-х гг.
Периоды
             В первый период логика организации классической формы и её лаконизм были выдвинуты как антитеза стилистическому произволу и избыточной декоративности архитектуры эклектизма и стиля "модерн". В ряде стран неоклассицизм этого периода использовал новые конструктивные приёмы, выработанные "модерном", и содержал в себе определенные рационалистические тенденции (творчество О. Перре и Т. Гарнье во Франции, П. Беренса в Германии, А. Лоза и О. Вагнера в Австрии, Г. Асплунда в Швеции и др.). В русской архитектуре 1910-х гг. преобладающим было стремление утвердить основные принципы архитектурной классики (И. А. Фомин, И. В. Жолтовский, В. А. Щуко и др.), хотя в те же годы к стилизации классических мотивов обратились и представители русского "модерна" (Ф. О. Шехтель, Ф. И. Лидваль, С. У. Соловьёв и др.). В США, Франции и Великобритании неоклассицизм 1910-30-х гг., развивался преимущественно в официальной архитектуре и отличался парадной представительностью и подчёркнутой монументальностью. Принципы неоклассицизма оказали также известное влияние на развитие советской архитектуры второй половины 30-х - начала 50-х гг., а также архитектуры стран Скандинавии, Польши, Чехословакии, Болгарии, Венгрии, где они нередко сочетались с обращением к мотивам национального зодчества.
Первый период
           В 1930-е гг. средства неоклассицизма, в их гипертрофированно монументальных, подчёркнуто огрублённых формах, широко использовались в архитектуре Италии (М. Пьячентини и др.) и Германии (П. Л. Трост и ряд других) для создания сооружений, служивших целям пропаганды фашистской идеологии. С конца 50-х гг. неоклассицизм развивался преимущественно в архитектуре США; среди наиболее значительных сооружений этого направления в официальном и коммерческом строительстве - Линкольн-сентер в Нью-Йорке (1960-е гг., архитекторы Ф. Джонсон, У. Харрисон, М. Абрамовиц, Э. Сааринен), здания которого образуют строгое и симметричное обрамление прямоугольной площади.
Второй период-30-е года
        С конца 50-х гг. неоклассицизм развивался преимущественно в архитектуре США; среди наиболее значительных сооружений этого направления в официальном и коммерческом строительстве — Линкольн-центр в Нью-Йорке (1960-е гг., арх. Ф. Джонсон, У. Харрисон, М. Абрамовиц, Э. Сааринен), здания которого образуют строгое и симметричное обрамление прямоугольной площади.
Третий период-50-е года
                 В изобразительном искусстве термин "неоклассицизм" охватывает более широкий круг разнообразных художественных течений. Некоторые предвосхищающие неоклассицизм моменты ощутимы уже в творчестве прерафаэлитов (с середины XIX в.), но впервые как относительно целостное явление он проявился в теоретических суждениях и практике представителей немецкого неоидеализма (с 1870-х гг.), усмотревших в монументальности и пластической чёткости классического искусства средство для преодоления "хаоса" действительности. Для неоклассицизма конца XIX - начала XX вв., распространившегося в качестве одного из вариантов реакции на импрессионизм, характерно сочетание определенных позднеакадемических тенденций с программным следованием принципам античного искусства (как правило, периода архаики), реже - искусства эпохи Раннего Возрождения и классицизма; примечательно для этого периода также тесное соприкосновение неоклассицизма со стилистикой "модерна". Термин "неоклассицизм" в различной степени приложим к творчеству (или отдельным его сторонам) таких мастеров конца XIX - первой половины XX вв., как скульпторы А. Майоль и Э. А. Бурдель во Франции, А. Г. Вигеланн в Норвегии, К. Миллес в Швеции, И. Мештрович в Югославии, Конёнков С. Т., А. Т. Матвеев, С. Д. Меркуров в России, живописцы Ф. Ходлер в Швейцарии, П. Пюви де Шаванн и М. Дени во Франции, Л. С. Бакст, З. Е. Серебрякова, А. Е. Яковлев в России. Причастность к неоклассицизму обнаруживают и некоторые течения в изобразительном искусстве 20-30-х гг., возникшие как реакция на экспрессионизм, футуризм, кубизм: "новая вещественность" в Германии и регионализм в США, метафизическая живопись в Италии, "неоэнгризм" П. Пикассо во Франции, отличавшийся от перечисленных течений своей гуманистически-идиллической тональностью. Так же, как и в архитектуре, арсенал художественных средств неоклассицизма использовался официальным искусством фашистских режимов для создания ложномонументальных напыщенно- патетических образов, воплощавших культ силы и "сверхчеловека" (живописцы А. Фуни, М. Сирони и др. в Италии, скульптор А. Брекер и др. в Германии).
            Неоклассицизм        в          изобразительном       искусстве

          Неоклассицизм предвосхищался уже в творчестве прерафаэлитов с середины XIX века, однако он окончательно сложился к концу 1870-х гг. в Германии. «Неоидеалисты» (А. Фейербах, Х. фон Маре и др.) стремились возродить монументальность и пластичную чёткость классического искусства. Большое распространение неоклассицизм получил в конце XIX — начале XX веков, явившись одной из разновидностей реакции на импрессионизм. Он сочетал в общем русле определённые позднеакадемические тенденции, в той или иной степени программное следование принципам античного искусства (в основном периода архаики), реже — искусства Возрождения (в основном Раннего) и классицизма, наконец, соприкосновение (порой очень близкое) со стилистикой модерна.

        Неоклассицизм (или его элементы) в той или иной мере присутствует в творчестве таких мастеров конца 19 — 1-й половины 20 вв., как скульпторы А. Майоль, Э. А. Бурдель, Г. Вигеланд, И. Мештрович, С. Т. Конёнков, С. Д. Меркуров, живописцы Ф. Ходлер, П. Пюви де Шаванн, М. Дени, Л. С. Бакст, В. А. Серов, А. Е. Яковлев, К. С. Петров-Водкин. Причастность к неоклассицизму обнаруживают и течения в изобразительном искусстве 20—30-х годов, возникшие как реакция на новые течения (экспрессионизм, футуризм, кубизм и др.)
Неоклассицизм в изобразительном искусстве
   Картины:
А. Фейербах. "Медея". 1870. Новая пинакотека. Мюнхен.
С. У. Соловьев. Здание Высших женских курсов на Малой Пироговской улице в Москве. 1913.

   Путаница в терминах. Классицизм и неоклассицизм
              Путаница возникла из-за того, что во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). Под неоклассицизмом же понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI) - то, что в России (как и в Германии) традиционно называют классицизмом, период (1762—1840). Неоклассицизмом же в России и Германии называют ретроспективный стиль начала XX века, «отличавшийся от „старого доброго“ русского классицизма и материалами (не белые оштукатуренные колонны, а естественный камень), и подчёркнуто выразительной прорисовкой классических форм и деталей, а иногда сокращением деталей и смешением классических и ренессансных мотивов».

    Аналоги неоклассицизма в зарубежной практике — американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).
Неоклассицизм в архитектуре
             Неоклассицизм ― направление в академической музыке XX века, представители которого стремились к возрождению стилистических черт музыки раннеклассического и доклассического периода. Наибольшего развития до
Неоклассика XX века

         Как реакция и прямое возражение на музыкальный стиль импрессионизма, неоклассицизм впервые получил своё законченное воплощение в 1910-е годы в фортепианных и вокально-симфонических произведениях Эрика Сати и Макса Регера.
        В 1920-е годы неоклассицизм получил своё мощное развитие прежде всего в творчестве  Игоря Стравинского,  Альбера Русселя и Отторино Респиги, а также молодых последователей Сати, представителей французской «шестёрки» (Дариус Мийо, Артюр Онеггер, Франсис Пуленк и других) и некоторых других композиторов. В Германии это направление возглавил Пауль Хиндемит.
Неоклассицизм в музыке
Игорь Стравинский
Неоклассика XXI века

        В XXI веке термин «неоклассика» часто используют как вариант названия стиля Classical Crossover — своеобразного синтеза, гармоничного сочетания элементов классической музыки и поп-, рок-, или электронной музыки. Некоторые представители этого стиля — группа Elend, Ludovico Einaudi и Secret Garden.

       В XX в. движения, идентифицировавшие себя с неоклассицизмом, выступили в украинской (украинские неоклассики) и русской (русские неоклассики) литературе, прежде всего в поэзии. Если на Украине неоклассики (Николай Зеров, Максим Рыльский и другие) стали одним из центральных движений т. н. расстрелянного возрождения, то русские поэты позднего Серебряного века (1918—1920-е), назвавшиеся этим именем, не имели в своих рядах крупных творческих индивидуальностей.
Неоклассицизм в литературе

               Неоклассика ставила широкомасштабную задачу: возродить и утвердить ансамблевую и стилевую целостность столицы, продолжить её развитие на уровне новейших достижений, но согласно заветам старины. Это содействовало подъему градостроительных идей, носивших преимущественно историческую окраску. В таком характере были выдержаны грандиозный план жилого района «Новый Петербург» на острове Голодай (И. А. Фомин, Ф. И. Лидваль) и конкурсные проекты монументального ансамбля общественных зданий на Тучковом буяне (И. А. Фомин, О. Р. Мунц, М. Х. Дубинский, С. С. Серафимов). «Проект преобразования С.-Петербурга» Ф. Е. Енакиева и Л. Н. Бенуа, сравнимый с генеральным планом, предусматривал всестороннюю реконструкцию города и его инфраструктуры с прокладкой новых улиц и транспортных артерий. Осуществлению этих предложений помешала Первая мировая война.

              В начале XX века были почти полностью заново застроены вся Петроградская сторона, многие кварталы на Васильевском острове и в левобережных районах. Образцовой улицей этого времени стал Каменноостровский проспект — «экспозиция» лучших произведений модерна и неоклассицизма. На Невском проспекте и в прилегающих кварталах окончательно сформировался район «Петербургского сити». Город обретал новые черты столичной импозантности и европейского лоска. Но революционные потрясения трагически разломили его судьбу.

           Неоклассицизм — по сути дела, первое в истории Петербургской архитектуры крупное стилевое направление, основное на собственном наследии — перешагнул через рубеж 1917 г. и продолжал развиваться в совершенно иных условиях вплоть до середины 1920-х гг., когда ненадолго уступил место конструктивизму. Уроки неоклассики начала столетия оказались чрезвычайно плодотворными и перспективными не только для советской традиционалистской архитектуры 1930—1950-х гг.; они вновь обрели актуальность в настоящее время.
Цели и задачи неоклассицизма
Здание управления Свердловской железной дороги (1925—1928) — редкий пример неоклассицизма 1920-х годов


title: Скачать презентацию или конспект Пабло Пикассо

extracted_text:
Пабло     Пикассо
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.
Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст. Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию "Сан Фернандо", считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.
Коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо. Самые известные из них: "Первое причастие" (1896) - большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матери" (1896). Уже будучи взрослым и посетив как-то выставку детских рисунков, Пикассо сказал: "В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они".
Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж - признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими. Он вновь посещал в Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.
"Голубой" период (1901-1904)
К "голубому" периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. Наиболее известные работы этого периода: "Жизнь" (1903), "Завтрак слепого" (1903), "Скудная трапеза" (1904), "Любительница абсента" (1901), "Свидание" (1902), "Мать и дитя" (1903), "Нищий старик с мальчиком" (1903, "Гладильщица" (1904), "Двое" (1904).
 "Розовый" период (1904 - 1906)
Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо.
В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники... Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь.
Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины - "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие.
"Африканский" период (1907 - 1909)
В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре.
Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего именно эти "африканские влияния" и определили окончательный вариант портрета .
В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. "Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином", - говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
 Кубизм (1909 - 1917)
В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте.
"Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), "Портрет Канвейлера" (1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11. Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимый художников - Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок... Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе.
Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве - "Обнажённая, Я люблю Еву" (1912). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.
 Неоклассицизм (1918 - 1925)
Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц Дягилевской труппы - Ольгу Хохлову. Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.
В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица. Самая выразительная картина этих лет - "Портрет Ольги в кресле" (1917). Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: "Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано". Другие картины "реалистического" периода: "Купальщицы" (1918), "Женщины, бегущие по пляжу" (1922), "Детский портрет Поля Пикассо" (1923).
Сюрреализм (1925 - 1936)
"Красота будет конвульсивной, или ее не будет" - сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.
В 1925 году Пикассо написал картину "Танец". Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.
Работы этого периода: "Купальщица, открывающая кабинку" (1928), "Фигуры на пляже" (1931), "Женщина с цветком" (1932) и др.
В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер. Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например "Зеркало" (1932, частное собрание), "Девушка перед зеркалом", (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура "Женщина с вазой" (теперь эта скульптура стоит на могиле художника)). В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с обеими женщинами, хотя официально не был разведен с Ольгой Хохловой вплоть до ее смерти в 1955 году.
В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: "Лежащая женщина" (1932), "Мужчина с букетом" (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к "Метаморфозам" Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.
Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937-1945)
Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем ("Минотавромахия", 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр - это разрушительные силы, война и смерть.
Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо "Герника" (1937). Герника - это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.
Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали?". "Нет" - ответил художник - "это сделали вы".
В этот же период создана и серия монстров "Мечты и ложь генерала Франко" (1937) (в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко) и еще ряд картин на сходные темы: "Ночная рыбалка на Антибах" (1939), "Плачущая женщина" (1937) (последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над "Герникой").
В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления (в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию). В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: "Натюрморт с бычьим черепом" (1942), "Утренняя серенада" (1942, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж), "Бойня" (1944-1945, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и скульптуру "Человек с агнцем" (1944), которая была установлена впоследствии перед старинным романским собором на торговой площади города Валлорис на юге Франции.
Послевоенный период (1945 - 1960e)
Уже в мирное время, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе - курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. Панно в первом зале называется "Радость бытия" и вся серия выдержана в том же духе гармонии с природой и бытием - изображения фавнов, обнаженных девушек, кентавров, сказочных существ…
В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени - например, в серии рисунков тушью, изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой).
В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет все это "Храмом мира". В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Он создает своих излюбленных персонажей - кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. До сих пор в этом городке на юге Франции сохранились так называемые "керамические мастерские", которые продолжают держать марку "Пикассо" и тиражировать изделия, придуманные художником. В 1958 году уже признанный и прославленный художник создает для здания ЮНЕСКО в Париже монументальную композицию "Падение Икара". В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах.
Последние годы (конец 60-х - 1973)
В 1960-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров - Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Художественный музей, Базель), "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955), "Менины. По Веласкесу" (1957), "Завтрак на траве. По Мане" (1960).
Также в позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника - уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.

Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. А на мировых аукционах до сих пор отыскиваются и выставляются на продажу все новые и новые, пока еще малоизвестные работы прославленного мастера из его огромного наследия.


title: Скачать презентацию или конспект Семь чудес света

extracted_text:
«Семь чудес света»Урок-экскурсия по истории Древнего мирав 5 классе
        Этот урок является заключительным (№68) по истории Древнего мира в 5 классе. Как показывает опыт, такой урок позволяет учащимся развивать творческий потенциал. Класс заранее делится на семь небольших групп. Каждая группа заранее знакомится с литературой, выбирает для рассказа историю одного из чудес света. На урок учащиеся приносят макет, рисунок или слайд, показывают его классу и рассказывают о нем.
Цели и задачи урока
Ознакомить учащихся с историей семи чудес света.
Продолжить формирование умений работать самостоятельно с дополнительными источниками информации, анализировать её.
Продолжить развитие творческих способностей учащихся.
План урока
Египетские пирамиды
Самым большим чудом Египта были пирамиды – эти удивительные искусственные горы – гробницы древних египетских царей. Самая высокая пирамида построена фараоном Хуфу (Хеопса). Её высота достигала 147 метров. До конца 19 века пирамида Хуфу являлась самым высоким сооружением на земле, её строительство длилось 20 лет.
Галикарнасский мавзолей
Галикарнас – столица небольшого Карийского царства был одним из богатейших и красивейших греческих городов на побережье Малой Азии. Здесь находилась гробница царя Мавсола, умершего около 353 года до н.э. Полностью усыпальница была закончена только при внуке царя и простояла 1800 лет.
Александрийский маяк
Учёные Александрии сделали много открытий и изобретений, одним из которых был Александрийский маяк. Он был построен на острове Фарос. Это была трехэтажная башня высотой 120 метров, на вершине которой стояла семиметровая статуя бога морей Посейдона.
Висячие сады Вавилона
Богатство и роскошь древнего Вавилона привлекали массу путешественников, своими глазами желавших увидеть удивительные висячие сады, разбитые во дворце царя Навуходоносора. Эти знаменитые сады, причисленные к семи чудесам свете, размещались на широкой башне и были построены для мидийской царевны Амитис (жены царя).
Храм Артемиды Эфесской
Святилище Артемиды – Артемисион – было главной достопримечательностью древнего Эфеса, богатейшего торгового центра Древней Греции. Своё богатство жители города решили прославить, построив храм, превосходящий по красоте всей известные ранее. Его строительство длилось 120 лет.
Статуя Зевса Олимпийского
Главной святыней Олимпии был прославленный храм Зевса, длина которого была более 64 метров. В глубине храма высилась огромная статуя, созданная известным греческим скульптором Фидием, высотой 17 метров.
Колосс Родосский
Гигантскую бронзовую статую бога солнца Гелиоса – покровителя острова Родос – жители решили воздвигнуть в память об одержанной победе над врагами. Работа над 35 - метровой статуей продолжалась 12 лет. В 220 году до н.э. статуя была разрушена землетрясением. Она простояла всего 56 лет.
Итоги урока
На уроке-экскурсии ребята познакомились с чудесами архитектуры Древнего мира. До наших дней сохранилось одно из семи чудес света – Египетские пирамиды, остальные были разрушены временем, природой или человеком.
    Несмотря на это, сегодня мы знаем, как выглядели эти памятники архитектуры, где находились и кем были построены. На уроке дети работали с найденным материалом и иллюстрациями. Ребята проявили большую активность и самостоятельность в подготовке к уроку, и интерес к дальнейшему изучению истории.

Источники информации
Энциклопедический словарь юного историка. М., 1994.
Я познаю мир. История. М., 1996.
Нейхардт А.А. Семь чудес Древнего мира. М., 1966.
Иллюстративный материал из сети Интернет.


title: Скачать презентацию или конспект Культура Древней Греции

extracted_text:
 КУЛЬТУРА
ДРЕВНЕЙ
ГРЕЦИИ

Театр
Древней
Греции

 Зарождение театра связано с празднествами в честь бога Диониса – покровителя виноделов.
1.Возникновение театра
Что означает греческое слово «театр»?
Слово театр означает «место для зрелища» или само «зрелище».
Театр в Дельфах, IV в. до н. э.
Современный вид
Древние театры вмещали несколько тысяч зрителей.
Театральное здание, обычно располагалось на естественных холмах
(*Театр Диониса в Афинах расположился на холме Акрополя).
2. Устройство театра
Самый древний театр в Греции. В те времена в него вмещалось почти все население Афин - 17 тыс. зрителей.

Театр Диониса
Здание театра состояло из 3 частей:
 а) театрон (от глагола «смотрю») -места для зрителей;
б) орхестра (от глагола «пляшу»)- круглая площадка, где разворачивалось действие.
в) скена (е) (от греч. «палатка»), постройка, примыкающая к орхестре, на ней размещались декорации
Театрон
Планировка греческого театра обеспечивала хорошую слышимость. Если бросить монету в центре орхестры, звон её будет слышен на самых задних скамьях.

Занавеса в древнегреческом театре не было.
В Древней Греции было два главных вида представлений – трагедия и комедия.
Комедия –весёлое, насмешливое представление, в котором выставлялись в смешном виде и критиковались какие-либо человеческие поступки, пороки.
Трагедия – пьеса серьёзного содержания, заканчивающаяся,
как правило, гибелью главного героя.
Драматические представления проходили как состязания драматургов, хорегов, актеров.
Состязания продолжались три дня.
Драматические представления в Афинах начинались на рассвете и шли до самого вечера.
3. Организация представлений

В театре бывали не только мужчины, но и женщины, дети. Даже слугам — домашним рабам — разрешалось посещение театра.
За вход взималась небольшая плата для покрытия расходов на содержание театральной постройки.
Неимущим гражданам выдавались для посещения театра особые «зрелищные деньги» - теорикон.

Актерами были только мужчины
Число актёров не превышало трёх, так что одному и тому же актёру приходилось играть иногда несколько ролей.
Дикции, голосу придавалось большое значение. Различали 34 манеры актерского произношения.
4. Актеры античного театра
Театральные маски и костюмы

Маска отвечала задаче греческого театра создавать крупные обобщенные образы.
Необходимость в маске вызывалась и тем, что женские роли исполняли мужчины.
Без маски лица актеров были бы плохо видны зрителям дальних рядов.

Маски делались из дерева или полотна
Маска закрывала не только лицо, но и всю голову
Маска менялась актером в течение спектакля несколько раз, если этого требовало душевное состояние персонажа.

Общей чертой костюмов была яркость и пестрота.
Верхняя сценическая одежда - хитон, на хитон набрасывали плащ (гиматион или хламида).
На ногах - обувь, увеличивающая рост –– котурны.
КОСТЮМ
Античный хор
Участники хора назывались хоревтами, предводитель хора — корифеем.
Хор помогал зрителю следить за сюжетом и давал оценки поступкам героев.

Знаменитые греческие драматурги
ЕВРИПИД

Из 92 пьес, приписывавшихся Еврипиду, до нас дошло 18 трагедий («Ипполит»,«Алкеста», «Медея» и др.)

СОФОКЛ

написал 125 драм, из которых сохранились семь трагедий: «Антигона», «Аякс», «Эдип-царь», «Электра» и др.

ЭСХИЛ

автор более 70 произведений, из которых до нас дошли только семь («Персы», «Умоляющие», «Прикованный Прометей», «Эвмениды» и др.)

«Как наставники учат мальчишек уму, так людей уже взрослых – поэты».

Аристофан,
древнегреческий драматург
Почему греки называли театр
«школой для взрослых»?
Актеры
 Древнегреческий рельеф
Домашнее задание
Составить театральный словарик (8-10 слов)

* Комедия –весёлое, насмешливое представление, в котором выставлялись на смех и критиковались какие-либо человеческие поступки, пороки.


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура Западной Европы

extracted_text:
Классицизм в архитектуре Западной Европы.
Тема:
План:
1.Проверка домашнего задания.
2.Классизм, как стиль в Мировой культуре.
3.«Сказочный сон» Версаля
Архитектурные творения Кристофера Рена.(профильный раздел, для профильного класса или как дополнительный материал)
Задание на урок!!!
 Докажите, что классицизм, это отдельный стиль, отличный и от барокко и от стиля эпохи Возрождения?
2.Классицизм, как стиль в Мировой культуре.
Классици́зм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв.
В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций).
Классицизм
Барокко

Образцовый.
Неправильный
Рационализм
Строгие каноны.
Царство вечного Разума.
Воспитательная функция искусства.
Обращение к античности.
Криволинейные формы
Изобилие скульптур
Многоярусные формы
Бессмысленные архитектурные вставки

Главные различия стилей сменивших друг друга.

Главным в классицизме было подчинение строгому геометрическому плану, простота и благородство отделки, практичность и целесообразность, создаваемого объекта!
Ярче всего это было показано при строительстве Версаля, дома блистательного короля-Солнца Людовика XIV
3. «Сказочный сон» Версаля.
Версаль, в живописи А.Бенуа.
«Прогулка короля.»
Версаль в истории.
Клятва в зале для игры в мяч.1793 г.
4.Архитектурные творения Кристофера Рена.
Сэр Кри́стофер Рен  20 октября 1632 — 25 февраля 1723) — английский математик и архитектор. В 1673 г. на математика, уже ставшего тогда известным архитектором, было возложено другое важное предприятие — сооружение в Лондоне нового собора Святого Павла. Колоссальный храм, заложенный в 1675 г. и законченный в 1710 г., — главное произведение Рена, увековечившее его имя. По своим размерам, смелой конструкции громадного купола и вообще стилю он близок к римскому собору св. Петра, но отличается от него тем, что, по образцу английских церквей, имеет более длинный продольный неф и обширный трёхнефный хор. Величественный интерьер собора Рен хотел украсить множеством статуй, но не получил возможности исполнить свое предположение, и только впоследствии, уже после его смерти, храм принял изнутри современный облик.
Госпиталь в Гринвиче. Кристофер Рен.
Задание на урок!!!
  Докажите, что классицизм, это отдельный стиль, отличный и от барокко и от стиля эпохи Возрождения?

      Опорный конспект:
Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов. Пресыщение «взбитыми сливками» позднего барокко и рококо стало накапливаться и у интеллектуалов континентальной Европы.  Для решения крупных градостроительных задач эта эстетика была малоприменима. Зато подходил классицизм.


title: Скачать презентацию или конспект Человек на фотографии

extracted_text:
Человек на фотографии
Специфика художественной
 образности фотопортрета
Учитель изобразительного искусства
МБОУ СОШ №5 г. Красноярск.
Ёжкина Татьяна Фёдоровна.
К уроку ИЗО в 9 классе
Фотоизображение - образное обобщение или лицо отдельного человека в кадре?
Сравнительный анализ изображения в живописи и на фотографии
Типичное  и случайное при передачи характера человека в фотопортрете

Автопортрет – портрет без прикрас
Автопортрет, портрет художника, выполненный им самим (большей частью при помощи одного или нескольких зеркал). В А. художник непосредственно выражает своё самосознание, оценку собственной личности, свои творческие принципы…
Постановочный портрет
Состояние и мгновение
Репортажный портрет
Состояние и мгновение
Грамота портретной съёмки
Определение точки и места съёмки;
Постановка света;
Выбор эмоционально-психологического состояния;
Выбор позы и фона для портретируемого

Задания:
Поиск и подбор  в «Мой фотоальбом» постановочных или оперативно-документальных фотопортретов, анализ их образно-художественной специфики;
Фотосъёмка модели с различно-поставленным светом и в различных ракурсах; приобретение навыков работы с моделью по выработке у неё  естественного состояния во время съёмки;
Оперативная видео – (или фото-) съёмка человека в момент какого-либо действия; развитие навыков оперативного выбора момента съёмки и фиксации эмоционально-психологического состояния портретируемого.


title: Скачать презентацию или конспект Искусство Северного Возрождения

extracted_text:
 Искусство Северного Возрождения

Теория и история зарубежного искусства
Для студентов специальности  020600  «Культурология»
кафедра культурологии ИСМД
Гильмулина Елена Анатольевна, доцент, кандидат искусствоведения, заслуженный работник культуры РБ

Требования к знаниям, умениям и навыкам
2

   В результате  студент должен:
знать теоретические основы искусства, основные этапы   искусства Северного Возрождения,
уметь различать и идентифицировать жанровую принадлежность произведений зарубежного искусства различных видов и форм,
владеть навыками искусствоведческого анализа произведений  искусства.

 План лекции
Искусство Северного Возрождения
3

Принципиальные отличия базового культурного наследия  Нидерландов, Франции, Германии от итальянского ренессансного искусства.
2.Особенности мировоззрения и характерные черты искусства Возрождения в Германии.
3.Нидерландская живопись XV-XVI вв. и тенденции голландской живописи.
4.Французское ренессансное искусство.

Ключевые понятия

4

Натурализм
Северное Возрождение
Северное Возрождение – период в культурном развитии стран, расположенных к северу от Альп – Нидерландов, Германии, Франции первой трети XV-XVI вв.
Характеризуется сложным сочетанием мистического мироощущения и гуманистического мышления.
Характерное для всей ренессансной культуры стремление распространить идею Божественной гармонии и благодати на весь материальный мир претворилось в творчестве северян по-иному, чем в Италии.
Отличительные черты Северного Возрождения
Античность или христианство.
Тема божественности в отображении окружающего мира.
Творение бога и человека как  предмет внимания художников Северного Возрождения.
Влияние готики на искусство Северного Возрождения.

Отличительные черты Северного Возрождения
Познание мира человеческой личности художниками Северного Возрождения проходило через развитие традиций национального готического искусства, у итальянских мастеров через отрицание идеалов средневековья.
Итальянские художники наделяли образы идеальной гармонией, северяне копировали мельчайшие детали, их творения поражали своим натурализмом.

Ренессанс в Нидерландах
Специфика художественного стиля в Нидерландах в XV в. – бургундская или франко-фламандская школа.
Влияние франко-фламандской миниатюры на формирование стилистических признаков нидерландской живописи XV в.
Миниатюры «Роскошного Часослова герцога Беррийского» братьев Лимбургов.
ЯН ВАН ЭЙК     (ок.1390-1441)
Великий мастер нидерландской живописи. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в Нидерландах.
Два основных жанра в творчестве художника – сюжетная религиозная картина и станковый живописный портрет.
Программное произведение нидерландского Возрождения – Гентский алтарь.

Рогир ван дер Вейден (1399-1464)
Ученик Р.Кампена и Я. Ван Эйка.
Отличительные особенности алтарных композиций мастера – высокая одухотворенность образов и условный плоскостной фон.
Картина «Снятие с креста» - отражение собственного экспрессивного стиля.
Иероним Босх (ок. 1460-1516)
Основоположник жанровой живописи.
Болезненный демонизм тем произведений мастера.
Сюжетная основа картин – демонстрация отрицательных явлений жизни. Изображение земного существования людей как всецело греховного.
«Сад любострастия», «Воз сена», «Страшный суд» - монументальные триптихи, где создан образ вселенной с действующими в ней демоническими силами.

ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ (Мужицкий). 1525-1569
Нидерландский живописец и рисовальщик.
 Глава демократического направления в нидерландском искусстве ХVI века.
Тематика его картин – жизненный уклад и обычаи нидерландского народа в сер. XVI в.

Возрождение в Германии
Стилистическая неоднородность изобразительного искусства.
Сосуществование натурализма и изощренного спиритуализма.
   Становление культуры Возрождения в Германии значительно отставало по сравнению с Италией и Нидерландами.
   Это объясняется особенностями исторического развития страны.

Альбрехт Дюрер (1471-1528)
Рисовальщик, гравер, теоретик искусства, основоположник искусства немецкого Возрождения.
Великий гравер, живописец и рисовальщик сумел в своем творчестве очень тонко передать дух эпохи с ее настроениями  хилиазма (вера в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствием конца света и вместе с тем появлением нового гуманистического мышления.

Альбрехт Дюрер
   При этом Дюрер с наибольшей полнотой выразил в своем творчестве особенности именно немецкого Возрождения.
   Рациональное и классическое неотделимо в его творчестве от готической экспрессивности, тяга к знаниям соединяется с глубокой, страстной религиозностью.

Альбрехт Дюрер
    Выбор тематики и особенности стиля Дюрера, как и всех немецких художников, обусловлены его глубокой религиозностью. Накаленная религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость- все это воплотилось  в величайшем творении Дюрера – Графическом цикле «Апокалипсис».

Гравюры
    Однако вершиной творчества Дюрера стали три знаменитые гравюры: « Смерть и всадник », « Святой Иероним », « Меланхолия », в которых ярче всего была выражена стойкость духа людей того времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные размышления о конечном результате борьбы.
    В этих гравюрах сосуществуют рационализм и мистика, вера в мощь человеческого гения и осознание его ограниченности.
    Не связанные сюжетно, эти гравюры составили единую образную цепь, в основу которой была положена вера.

Маттиас Грюневальд (1480-1528)

Непревзойденный колорист.
«Изенгеймский алтарь» церкви св. Антония.
Мистический характер искусства художника.

Ганс Гольбейн Младший (1497/98 -1543)
Иллюстрирование книг. Знакомство с Эразмом Роттердамским.
Цикл гравюр на дереве – серия «Пляски смерти»
Жанр портрета – «Портрет Бонифация Амербаха», «Портрет французских послов»
Французское  ренессансное искусство
Жан Фуке (1420-1477/81) – один из самых крупных художников XV в.
Миниатюры – значительная часть художественного наследия Фуке.
Иллюстрации «Часослова» Этьена Шевалье, «Жизнь знаменитых мужчин и женщин» Боккаччо, «Иудейские древности» Иосифа Флавия и «Большие французские хроники».
Французское  ренессансное искусство
Особенность французского гуманизма – связь с придворной средой.
Сенсуализм – восприятие через ощущение.
Школа Фонтебло.
Строительство замков в первой половине XVI в. Замки Блуа, Шамбор, Шеверни, Амбуаз, Шенонсо, Фонтебло.

Искусство французского Возрождения
Возрождение средневековой традиции и драматизм французского Возрождения.
Готическое направление в искусстве французского Возрождения во второй половине XVI в.
Творчество величайшего скульптора XVI в. Жермена Пилона (1535-1605) –

Вопросы для самопроверки

35

Чем отличается культура Северного Возрождения от итальянского Ренессанса
Почему Ян ван Эйку принадлежит пальма первенства в живописи нидерландского Ренессанса?
Почему творчество Иеронима Босха стоит особняком в нидерландской живописи
Назовите основные этапы творчества Питера Брейгеля Старшего
Расскажите о творчестве Альбрехта Дюрера
Назовите отличительные черты французского Ренессанса
Назовите основные направления школы Фонтебло
В чем состоят стилевые особенности школы Фонтебло в живописи и скульптуре
Расскажите о возрождении средневековой традиции в творчестве Ж. Пилона

Рекомендуемая литература

36

Дикарев А. С. Старонидерландские шпалеры в Эрмитаже. Фламандский Ренессанс 1498-1518 - СПб. : [б. и.], 2006. - 79 с.
Мандер Карел ван. Книга о художниках; пер. с гол. В.М. Минорского под ред. Г.И. Федоровой]. - СПб. : Азбука-классика, 2007. - 544 с.
Садохин А. П. Мировая культура и искусство: учебное пособие для студ. вузов - М. : БММ, 2007. - 448 с.
Шестаков В. П. Философия и культура эпохи Возрождения. Рассвет Европы - СПб. : Нестор-История, 2007. - 272 с.

37
Использование материалов презентации

Использование данной презентации, может осуществляться только при условии соблюдения требований законов  РФ об авторском праве и интеллектуальной собственности, а также с учетом требований настоящего Заявления.

Презентация является собственностью авторов. Разрешается распечатывать копию любой части презентации для личного некоммерческого использования, однако не допускается распечатывать какую-либо часть презентации с любой иной целью или по каким-либо причинам вносить изменения в любую часть презентации. Использование любой части презентации в другом произведении, как в печатной, электронной, так и иной форме, а также использование любой части презентации в другой презентации посредством ссылки или иным образом допускается только после получения письменного согласия авторов.


title: Скачать презентацию или конспект Герои мультфильмов и сказок

extracted_text:
проект
Рыбиной  Эльвиры

Я хочу вам рассказать о отечественных и современных героев из мультфильмов и сказок!
Времена Ежика в тумане и Винни-Пуха с Пятачком безвозвратно ушли
про трогательного робота Валли, кунг-фу Панду и злобного пришельца Стича. Родители также с удовольствием следят за приключениями колоритных героев.
Теперь, мы дети заворожено смотрим мультфильмы
Добрые иллюстрации Колемана и Кинкейда диснеевских мультфильмов. Миры, в которых жили забавный Вини Пух, Питер Пэн, маленькая Русалочка, Красавица и Чудовище…

В основу любого мультфильма ложиться сказка. Ведь сказка - это то, что формирует в детском сознании модель окружающего мира, образы мамы и папы, друга и врага, добра и зла, всего того, на что мы будем ориентироваться всю жизнь, как на духовный компас.
Взрослому человеку, воспитывавшемуся еще при советском строе, хорошо знаком советский мультфильм, понятен его положительный и добрый смысл. В каждом мультфильме добро побеждает зло. Поется песня о дружбе. Лесные звери - милые и добрые. Нет крови, убийств и насилия.
Все это и многое другое служит несомненно плюсом в детстве наших родителей и в нашей жизни. Сегодня мы  насытились западным кино и отлично представляем, что такое триллер или боевик.
 Западные мультипликационные фильмы давно перебрались на Российское телевидение и надежно заняли там свое место. Мы вынуждены смотреть, а вместе с тем и воспитываться на механических монстрах, вампирах, кровожадных чудовищах, всемогущих роботах, колдунах и злых волшебниках
 Почти во всех мультфильмах в сюжете присутствует конфликт, драка, сражение, перестрелка, убийство, т.е. элементы агрессивного поведения и насилия. И почти все дети буквально взяты в плен мультипликацией, причем зачастую даже отказываются от игры - лишь бы сидеть перед телевизором.
Вы, например, можете представить себе Настеньку из «Аленького цветочка» с выражением злобы или ярости на лице? Может ли она вообще скалить зубы, просто быть агрессивной? А вот цыганка из «Нотр - Дам» вполне. И многие другие тоже. Можно ли себе представить царевну-лягушку, которая дерется, как мужчина? А вот Жасмин в «Аладдине» или тролли в «Шреке» делают это не просто привычно, но жестоко и со вкусом. Они делают это весело и заразительно, а ведь сегодня это одни из самых популярных у детей мультиков.
Вы, например, можете представить себе Настеньку из «Аленького цветочка» с выражением злобы или ярости на лице?
Настенька из «Аленького цветочка»

цыганка из «Нотр-Дама»

Можно ли себе представить царевну-лягушку, которая дерется, как мужчина?
Фиона в «Шреке»

царевна-лягушка

 В народных былинах о женщинах сказано крайне мало. В основном это верная подруга, которая готова вечно любить и ждать. В мультфильмах женщины ведут себя не в пример детям. Забава, которую просватали за нелюбимого, начинает просчитывать, а может, нелюбимый не так уж и плох, коль у него денег-то много. Вообще тема денег, продажности, обмана занимает в мультфильмах одно из ключевых мест. Деньги любят все: и Баба-яга, и Змей Горыныч, и богатырский конь, и даже светлейший князь Владимир.

Добрые сказки:
1."Илья Муромец" (СССР) (1956) (Александр Птушко). 2. "Василиса прекрасная" (СССР) (Александр Роу). 3. "Морозко" (СССР) (1964) (Александр Роу). 4. "Марья-искусница" (СССР) (1959) (Александр Роу). 5. "Варвара-краса, длинная коса" (СССР) (1969) (Александр Роу). 6. "Сестрица Аленушка и братец Иванушка" (СССР) (1953) (О. Ходатаева). 7. "Аленький цветочек" (СССР) (1977) (Ирина Поволоцкая). 8. "Кощей Бессмертный" (СССР) (1944) (Александр Роу). 9. "Снегурочка" (СССР) (1968) (Павел Кадочников). 10. "Садко" (СССР) (1952) (Александр Птушко). 11. "Конек-Горбунок" (СССР) (1941) (Александр Роу).
ЗОЛУШКА
       ЗОЛУШКА 1950 год

2007 год

История о Золушке, несчастной девушке, которую притесняли родственники и которая стойко все сносила по своей доброте, известна абсолютно всем. Это очень старая сказка, повторяющаяся в большинстве культур: еще в десятом столетии эту историю рассказывали в Китае. Наиболее известны варианты Шарля Перро и братьев Гримм. При этом редакция француза - добрая, там даже злые сестры выходят замуж за вельмож, а вот версия немецких братьев мрачновата и кровожадна. У Гримм одна из сестер, чтобы надеть туфельку, отрезает себе палец и потом хлюпает окровавленной туфлей, а вторая отрезает пятку. Вдобавок, во время свадьбы голуби выклевывают сестрам глаза.
Скорее всего, именно из-за того, что сказка настолько знаменита, Уолт Дисней выбрал именно ее (конечно, не кровавый вариант братьев Гримм) для первого послевоенного полнометражного анимационного фильма — во время Второй мировой их не выпускали (последним был «Бэмби»), и на студии Диснея делали рекламные ролики и учебные фильмы.
Золушка (Дисней)Золушка 2: Мечты сбываютсяЗолушка 3 : Злые Чары
 Золушка (Дисней)Золушка 2: Мечты сбываютсяЗолушка 3 : Злые Чары
ЗОЛУШКА ДЕЛИТЬСЯ НА 3 ЧАСТИ
В свою версию Дисней добавил юмора, например толстенький король, вертящий свой монокль на манер йо-йо и засыпающий во время чтений королевского приказа о примерке туфельки всеми девицами королевства. Еще Дисней Добавил шесть песен, связанных с сюжетом, и мышей.

Так, фильм начинается с того, что Золушку будят птички, она просыпается и поет. Послушать вылезают мыши, все, как на подбор, в рубахах, тапочках и колпаках, да еще и говорят с девушкой человеческим голосом. Затем Золушка спасает мышонка из ловушки и напяливает на него рубашку собственного пошива («он совсем голый!»).
Потом Золушка уходит по делам, а мыши знакомят новичка с окрестностями и котом Люцифером, толстым и подлым. И занимает эта мышиная возня минут пятнадцать. Дальше мыши перешивают Золушке платье, причем воруют для этого у сестер бусы и бант, и, конечно, опять борьба с котом. Это тоже отъедает заметное время, как и беготня с ключом от каморки, где злая мачеха заперла Золушку, чтобы она не могла примерить туфельку.
Так что может показаться, что один полнометражный фильм вполне можно было поделить на два короткометражных: о мышах и, собственно, о самой Золушке. Именно такую версию, то есть без говорящих грызунов, еще в 1922 году создал сам Уолт Дисней.
В целом, даже с мышиными историями, «Золушка» осталась именно той сказкой, которой она и должна быть - милой, доброй и живой. Сказка учит добру и терпению, только, конечно, не стоит ожидать, что если будешь доброй и будешь терпеливо все выносить и шить мышам колпаки, то в один прекрасный день появиться пухлая фея, поколдует немного, и принц на белом коне обязательно прискачет.
 Старые герои мультфильмов в       современном стиле.
Весь прикол этой коллекции заключается в том что герои советских мультфильмов оказываются в той или иной сцене знаменитых зарубежных фильмов.
Будь добрым героем!
Вывод: почти все современные мультфильмы ужасны и кровожадны.
Но в отечественных мультфильмах всегда добро побеждает зло, а герои добрые и ласковые.
Кроме тех которые отражают зло.


title: Скачать презентацию или конспект Загадки Древнего Египта

extracted_text:
Урок истории в 5 классе
Загадки Древнего Египта

Проверьте, знаете ли вы…
Папирус
Фараон
Вельможа
Храм
Жрец
Сфинкс
Иероглиф
Скульптор
Астрономия
Пирамиды

Самым большим чудом Египта, были пирамиды - эти удивительные искусственные горы - гробницы древних египетских царей.

Они располагаются на западе, имеют правильную форму и тянутся на десятки километров - от современного города Каира до Фаюмского оазиса, на левом- западном берегу Нила (запад-царство мертвых).
Три великих пирамиды.

Самая большая пирамида – фараону Хуфу (Хеопса)
Пирамида Хуфу была построена в 27 в. до н. э. Высота её достигала 147 м (сейчас из-за обвала вершины её высота равна 137 м), а каждая из сторон по длине составляет 233 м.
Для того чтобы обойти пирамиду  кругом, нужно пройти около километра.
Её создатель — племянник фараона по имени Хемиун.
Пирамида Хуфу была сложена из 2'300'000 огромных глыб известняка, гладко отшлифованных, каждая из этих глыб весила больше двух тонн.
Пирамида Хуфу.
Как строили пирамиду
По обозначенным на известняковой скале границам каменного блока рабочие выдалбливали в камне глубокие борозды.
Выдолбив углубления в борозде, рабочие забивали в них клинья из сухого дерева и поливали их водой.
Мокрое дерево начинало разбухать, трещина увеличивалась, и глыба откалывалась от скалы.
Отколотый камень вытаскивали из шахт каменоломен с помощью толстых канатов, сплетенных из папируса
Известняковые глыбы затем отесывались специалистами-каменотесами.

Строительство пирамиды
Как строили пирамиду

Блоки на ладьях перевозили на другой берег Нила. К месту постройки их подвозили, погрузив на специальные деревянные салазки.
 После каменотесов лицевую сторону облицовочного камня обрабатывали шлифовальщики. Они работали с помощью шлифовального камня, воды и песка.
В результате длительной обработки поверхность плиты становилась гладкой и блестящей. После этого камни считались готовыми для постройки.

Рабы на постройке пирамиды
Как строили пирамиду
Пирамида вблизи
Когда кладка пирамиды была закончена, её ступени, закладывались облицовочными блоками.
Их привозили из каменоломен, находившихся в Верхнем Египте, возле Асвана.
По уступам пирамиды облицовочные блоки поднимали наверх и укладывали их сверху вниз. Затем их полировали.
И это в течение долгих 20 лет.

Гробница Тутанхамона
Гробница Тутанхамона была открыта в 1923 году.
В центральном помещение находился саркофаг молодого царя, умершего, когда ему было всего 18 лет. Он занимал почти всю комнату.
Первый футляр был снят. Под ним оказался второй. Простенки между первым и вторым саркофагами были также заполнены вещами.
Третий гроб был сделан из дорогого резного позолоченного дуба. Когда сняли и его, то под ним оказался саркофаг из розового гранита.
Последний футляр, в котором лежала мумия фараона Тутанхамона, завернутая в 16 полотняных пелён, был сделан из чистого золота.

 Саркофаг
     Тутанхамона
Гробница Тутанхамона
На лице мумии была золотая маска-портрет молодого фараона. На мумии нашли огромное количество золотых украшений - ожерелий и браслетов. На ногах были надеты золотые кованые сандалии, пальцы рук и ног заключены в золотые футляры.
У входа стояли статуи самого фараона, охраняющие двери, которые вели в центральное помещение.
Внутри погребальной камеры была надпись: «Смерть раскроет свои крылья над каждым, кто нарушит покои фараона».

Статуя
Тутанхамона
Браслеты
Золотые подвески фараона
Большой Сфинкс
Рядом с пирамидами находится  Большой сфинкс - вырубленное из скалы изображение льва с человеческим лицом.
Длина сфинкса - 57, а высота 20 метров.
Арабы называли его “Отцом Ужаса”.
Сфинкс, как и пирамиды, стал символом египетской культуры.
Большой сфинкс
Храмы-жилища богов.
 Храм, состоял из многих сооружений.
Его ворота были обрамлены высокими
выступающими стенами, покрытыми
каменными рельефами с
изображениями
богов и фараонов.
                              Внутри храма находились  просторные дворы со статуями богов, с высокими сужающимися кверху каменными
столбами - обелисками.

                   На обелисках скульпторы
высекали надписи,
прославлявшие богов и фараонов.

Храмовый комплекс. Луксор
Обелиск
Храмы-жилища богов.
 Подход к некоторым храмам украшали аллеи сфинксов.
Каменные колонны изображали стволы пальм или связки папируса.
Аллея храма в Карнасе
Храмы-жилища богов.
Самым таинственным помещением храма был алтарь он находился в центре зала.
Здесь помещали статую божества.
В алтарь могли входить только жрецы и жрицы. Молящиеся находились на площади перед храмом.
Здесь стоит статуя бога, которому посвящен храм.
Рядом с залом располагается священная комната, где хранится священная ладья.

Египетский храм в разрезе.

Изобразительное искусство Древнего Египта
Египтяне широко применяли живописные изображения для украшения храмов, дворцов, свитков папируса.
В росписях стен появляются на ряду с религиозными сюжетами, сцены обычной жизни - охота, развлечения. Они помогают узнать быт египтян.
«Охота на Ниле»- фрагмент
стенной росписи из гробницы
в Фивах
Изобразительное искусство Древнего Египта.
В Древнем Египте высочайшего расцвета достигла скульптура.
Самым знаменитым творением стало изображение Нефертити -жены Эхнатона.
Скульптура выполнена из золотистого песчаника и искусно раскрашена.
Нефертити стала символом женской красоты
Нефертити
Строение пирамид
Вход в пирамиду всегда находился на северной её грани, на высоте около 14 м от земли.
Внутри пирамиды было несколько камер, из которых только две были погребальными. Одна, нижняя, как предполагают учёные, предназначалась для супруги царя. Вторая, несколько больших размеров (10.6 Х 5.7 м), находившаяся на высоте 42.5 м от основания пирамиды, служила усыпальницей самого фараона. В ней стоял саркофаг из красного полированного гранита.
Над погребальной камерой царя одна над другой расположены пять глухих камер, предназначенных для распределения давления над камерой. В толще пирамиды проложено  две вентиляционные щели идущие  из камеры самого Хеопса.

Вход

Усыпальня
фараона

Усыпальня
Супруги
царя

Вентиляционная
щель
Кроссворд по теме: «Культура Древнего Египта»
По горизонтали:
1. Гробница какого фараона оказалась не разграбленной.
2. Существо с телом льва и головой человека, «охранявшее» гробницы фараонов.
3.Жилище богов.
По вертикали:
4.Высушенное тело, обмотанное бинтами.
5. Гроб куда клали умерших фараонов Египта
6. Египетский фараон, которому была построена самая высокая пирамида.


title: Скачать презентацию или конспект Единство и многообразие культуры

extracted_text:
ЕДИНСТВО И МНОГООБРАЗИЕ КУЛЬТУРЫ
Для справки….
Библейская легенда о строительстве Вавилонской башни рассказывает нам о «золотом веке» человечества, когда «на всей земле был один язык и одно наречие». И в этом единообразии была великая сила, которую люди однажды решили использовать для создания башни до небес…
На уроке…
Единство мировой культуры
Мировое Древо как отражение единства мира
Многообразие и национальная самобытность культуры
Единство мировой культуры
Человечество – смешанный лес…
(Слуцкий Борис)
Культура едина, в ней слиты историческое и современное, традиционное и нетрадиционное.
Человечество не может жить без культурных связей. В противном случае оно обречено на духовное одиночество.
В чем же главная причина единого пространства мировой культуры? Она – в Человеке, в его природной сущности быть творцом и созидателем.
Единство мировой культуры проявляется в том, что ее идеи универсальны.
Универсальность идей мировой культуры.
Добро и зло
Универсальность идей мировой культуры.
Жизнь и смерть
Универсальность идей мировой культуры.
Любви и ненависти
Постижение Основных понятий через шедевры МХК помогает людям лучше понять и познать самих себя, свое прошлое и настоящее, заглянуть в будущее, определить жизненные ориентиры и духовные ценности
Мировое Древо как отражение единства мира
	Человек с древности пытался объяснить причины возникновения жизни на Земле.

Человека интересовали устройство Вселенной (макрокосм) и его место в общей картине мироздания (микрокосм)
макрокосм
микрокосм

На языке искусства с глубокой древности отражались художественные представления человека о строении мира
Ключевой образ: Мировое Древо
Мировое Древо как универсальная концепция многих народов о строении Вселенной
Основная концепция
 идея гармоничного единства мира, а само древо, являясь его «осью», воплощает стержневое начало его строения

Крона, ветви
ствол
корни
Верхняя часть ассоциируется с небесным царством
Земное царство
Подземное царство
В скандинавской мифологии Мировое дерево изображалось в виде Ясеня

В славянской мифологии Мировое дерево изображалось в виде Дуба - Родового ДреваРод наш уподоблен Древу
Многообразие и национальная самобытность культуры
Многообразие культур проявляется в природной сущности человека творить что-то свое, непохожее и оригинальное. Однообразие всегда было чуждо ему.
Гегель Г.В. (немецкий философ 1770-1831): «Когда люди мыслят одинаково, значит не мыслит никто»
Национальная самобытность культур проявляется:
Равноправие культур (неповторимость и уникальность)
Оригинальное и своеобразное отражение природных условий жизни, нравы, обычаи, традиции разных народов

Домашнее задание
Прочитать с. 17-26 учебника
Найти в дополнительных источниках (справочники, энциклопедии, ресурсы интернета) различные представления разных народов о создании мира (Мировое Древо) – не менее 5; записать в тетради его структуру и участников (каждой структуры) + рисунок этого Мирового Древа.


title: Скачать презентацию или конспект Эпоха Возрождения в Западной Европе

extracted_text:
«3, 16, 9, 18, 16, 8, 5, 6, 15, 10, 6»
«Возрождение »
Тема: Развитие культуры Возрождения в конце XV в. – I половине XVII в. в Западной Европе
Вторая половина XV века  - новый подъем в культурной жизни Западной Европы.
Зарождалась новая, буржуазная культура, названная культурой Возрождения.
Италия
Центр культуры Возрождения
Таблица
Флоренция
главный культурный центр Италии.
Находилась на торговом пути, идущем от Рима к Альпам.
Данте Алигьери
1265-1321 гг.
Первая страница
«Божественной комедии»
Данте Алигьери
ЕЁ ГЛАЗА РАСПРОСТРАНЯЮТ СВЕТ... Ее глаза распространяют свет Живого благородства, и повсюду Что ни возьми — при них подобно чуду, Которому других названий нет.
Джотто ди Бондоне
1266/1267 – 1337 гг.
«Поцелуй Иуды»
Донателло
(1386-1466 гг.)
Статуя апостола Марка
«Юдифь и Олоферн»
Математическая минутка
Сколько лет прожил:
 Д.Алигьери?

1265-1321 гг.
Д.ди Бондоне?
Донателло?
1266/1267-1337 гг.
1386-1466 гг.
Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи
Годы жизни
Род деятельности
Человек, по мнению Леонардо да Винчи
Знаменитый труд

Мона Лиза
Джоконда
Микеланджело Буонаротти
1475-1564 гг.
«Страшный суд»
фреска на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане
Рафаэль Санти
1483-1520 гг.
«Сикстинская мадонна»
Диаграмма Венна
1 р. – Леонардо да Винчи и Микеланджело
2 р. - Леонардо да Винчи и Рафаэль
3 р. - Микеланджело и Рафаэль

Общее
Соотнесите правильно
Правильные ответы
Возрождение
2 прилагательных
3 глагола
1 предложение со словом «Возрождение»
Ассоциация или синоним
Домашнее задание
параграф 47
Составить кластер «Эпоха Возрождения»
Использованные источники:
http://unescotravel.ru/wp-content/uploads/2011/08/florence1.jpg
http://www.italiavero.com/italyanskaya-epoxa-vozrozhdeniya/
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/83/Dante_Titelseite.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%B0%D0%BD%D1%82%D0%B5_%D0%90%D0%BB%D0%B8%D0%B3%D1%8C%D0%B5%D1%80%D0%B8
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Giotto.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%B6%D0%BE%D1%82%D1%82%D0%BE_%D0%B4%D0%B8_%D0%91%D0%BE%D0%BD%D0%B4%D0%BE%D0%BD%D0%B5#.D0.9E.D1.81.D0.BD.D0.BE.D0.B2.D0.BD.D1.8B.D0.B5_.D1.80.D0.B0.D0.B1.D0.BE.D1.82.D1.8B
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%BE%D0%BD%D0%B0%D1%82%D0%B5%D0%BB%D0%BB%D0%BE
http://unescotravel.ru/wp-content/uploads/2011/08/30.jpg
http://img0.liveinternet.ru/images/attach/c/1/59/293/59293412_donatello.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Leonardo_self.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Mona_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Michelangelo_portrait.JPG
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Jugement_dernier.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Sanzio_00.jpg
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Raffael6.jpg


title: Скачать презентацию или конспект Мона Лиза

extracted_text:
Подготовила
Ученица 11 класса Б
Антонова Настасья
Леонардо да ВинчиМона Лиза (Джоконда)
История картины
Мона Лиза» («Джоконда») полное название — Портрет госпожи Лизы Джокондо,  — картина Леонардо да Винчи

«Студия Леонардо да Винчи» на гравюре 1845 года: Джоконду развлекают шуты и музыканты
Описание картины
На картине прямоугольного формата изображена женщина в тёмной одежде, обернувшаяся вполоборота. Она сидит в кресле, сложив руки вместе, оперев одну руку на его подлокотник, а другую положив сверху, повернувшись в кресле почти лицом к зрителю.
Портрет Джоконды является одним из самых лучших образцов портретного жанра итальянского Высокого Ренессанса.

Композиция
Техника живописи
«Мона Лиза» выдержана в золотисто-коричневых и рыжеватых тонах первого плана и изумрудно-зеленых тонах дали. «Прозрачные, как стекло, краски образуют сплав, словно созданный не рукой человека, но той внутренней силой материи, которая из раствора рождает совершенные по форме кристаллы».

Пейзаж
Репутация картины
Согласно одной из выдвигавшихся версий, «Мона Лиза» — автопортрет художника
«Мона Лиза» за пуленепробиваемым стеклом в Лувре

Улыбка Джоконды
В Королевском замке Амбуаз (Франция) Леонардо да Винчи завершил знаменитую "Джоконду" - "Мона Лизу". Принято считать, что Леонардо похоронен в капелле святого Губерта замка Амбуаз.
Интересные факты
В глазах Моны Лизы спрятаны крошечные цифры и буквы, которые невозможно заметить невооруженным глазом. Возможно, это инициалы Леонардо да Винчи и год создания картины.
"Мона Лиза" считается самой загадочной картиной, создававшейся когда-либо. Эксперты-искусствоведы до сих пор разгадывают ее тайны. В то же время, "Мона Лиза" - одна из самых разочаровывающих в Париже достопримечательностей. Дело в том, что к ней ежедневно выстраиваются огромные очереди. Мона Лиза защищена пуленепробиваемым стеклом.
21 августа 1911 года произошло громкое хищение "Моны Лизы". Она была похищена работником Лувра Винченцо Перуджей. Есть предположение, что Перуджа хотел возвратить картину на историческую родину. Первые попытки найти картину ни к чему не привели. Была уволена администрация музея. В рамках этого дела был арестован поэт Гийом Аполлинер, позже освобождён. Под подозрением также находился Пабло Пикассо. Картина нашлась два года спустя в Италии. 4 января 1914 года картина (после выставок по итальянским городам) вернулась в Париж. После этих событий картина набрала небывалую популярность.
В кафе DIDU находится большая пластилиновая Мона Лиза. Ее лепили в течение месяца обычные посетители кафе. Процессом руководил художник Никас Сафронов. Джоконда, которую лепили 1700 москвичей и гостей города, попала в Книгу рекордов Гиннеса. Она стала самой большой пластилиновой репродукцией Мона Лизы, слепленной людьми.
Во время Второй мировой войны многие произведения из коллекции Лувра были спрятаны в замке Шамбор. Среди них была и Мона Лиза. На снимках - экстренная подготовка к отправке картины перед приходом фашистов в Париж. Место, где спрятана Мона Лиза, держалось в строжайшем секрете. Картины прятали не зря: позже окажется, что Гитлер планировал создать "самый большой в мире музей" в Линце. И организовал для этого целую кампанию под руководством немецкого знатока искусства Ганса Поссе.

По сюжету фильма "Жизнь после людей" (Life After People) производства History Channel, через 100 лет без людей "Мону Лизу" съедают жуки.
Улыбается ли Мона Лиза? Ответ на этот вопрос исследователи ищут до сих пор. Многие склоняются к версии, что улыбка - всего лишь оптический обман. Если посмотреть в глаза Моны Лизы, из-за теней создается впечатление улыбки. Но стоит опустить глаза ниже, и улыбка исчезает. Леонардо да Винчи смог добиться невероятного эффекта «мерцающей" улыбки.»
         Почти 500 лет ее улыбка сводит людей с ума. Многие часами сидят напротив портрета загадочной женщины, запечатленной кистью великого Леонардо Да Винчи, и не могут оторвать глаз от ее лица. Некоторые из них даже впадают в истерику,  начиная плакать или смеяться, а некоторые вдруг отожествляют ее с реально существующей женщиной и принимаются сочинять ей страстные письма с признанием в любви. Чего только не натерпелась Джоконда от своих почитателей….
        Не выдержав впечатлений от завораживающей (таинственной) улыбки Джоконды, трое ее поклонников покончили жизнь самоубийством, причем один из низ застрелился прямо напротив картины. Некий боливийский турист, задетый этим изображением за живое, с латинской непосредственностью закидал картину камнями, другой «антипоклонник» облил портрет соляной кислотой.

У Моны Лизы нет бровей. Исследователи доказали, что когда-то они были, но исчезли. Возможно, это произошло еще при дворе короля из-за многочисленных чисток. Интересно, что в средневековье было модно выщипывать брови полностью.

Как известно, картина бесценна. Единственная ценна, которую можно назвать, так это сумма страховки этой картины. Страховка составит 3 миллиарда долларов


title: Скачать презентацию или конспект Ампир

extracted_text:
А м п и р

Ампир –
(от французского empire - империя)
стиль в архитектуре
 и искусстве трёх первых десятилетий XIX века, завершающий эволюцию классицизма.
Ампир зародился в интерьере, архитектуре и искусстве в начале XIX века, во времена империи Наполеона. Из Франции стиль ампир быстро распространился по всей Европе – знатные и состоятельные персоны не хотели отставать от парижской моды ни в чем.

Парадный, торжественный, монументальный стиль,
 подражающий шику и роскоши Римской империи.
Прежде всего, это подражание отразилось в меблировке комнат на античный лад.
Ампир отличается большей статичностью, пышностью, блеском и помпезностью.
Роскошь в стиле ампир всегда выступает на первый план, порой даже в ущерб удобству.
.
Стиль ампир в архитектуре подразумевает широкие прямоугольные окна, пропускающие много света. Иллюзию дополнительного освещения в стиле ампир создают зеркала в тонких, почти незаметных рамах.

Характерные черты ампира
Использование ордерной системы
Колонна со всеми ее деталями, а также части,
 расположенные над и под колонной,
составляют единое целое
и ее возведение подчиняется определенному правилу, порядку.
Порядок назван латинским словом "ОРДО".
Отсюда и название "ОРДЕРНАЯ СИСТЕМА", архитектурный ордер.
Наличие портиков, колоннад, лоджий, галерей
Строгая симметрия планов и композиций
Декор с изображением воинских атрибутов
Монументальная архитектура Арки
Московские   Триумфальные ворота
Нарвские ворота
Синтез архитектуры и
монументальной скульптуры
http://www.fotokritik.ru/photos/big/2007/04/02/238626.jpg
Ансамблевость
В окраске зданий - нейтральные цвета, свойственные, впрочем, и классицизму: серый, розовый, охристый.
Русский ампир - стиль в архитектуре, завершающий эволюцию русского классицизма.


title: Скачать презентацию или конспект Страна восходящего солнца

extracted_text:
Страна восходящего солнца
Что вы знаете о Японии?
Японию называют страной восходящего солнца. До сих пор стоят
древние тысячелетние храмы, мавзолеи, города и парки с
поэтическими названиями:
«Свет Солнца», «Ворота солнечного света», «Застывшая симфония».
Японский народ чутко и глубоко любит природу. Он воспел в своих сказках и поэзии цветение слив и вишен, красную листву клёнов и первый снег.
Японцы умеют любоваться луной, водопадами, каждой
маленькой травинкой. Они поклоняются красоте.

Знаете ли вы:
Как называют Японию?
Что воспевает японский народ в своих сказках и поэзии?
Какие виды японского искусства вы знаете?
Как называются японские трёхстишья?
Как называется традиционная японская одежда?
1 группа

Как выглядел древний японский дом?
2 группа

Чем отличается изображение пейзажа в
японском искусстве?
3 группа

Поэзия Древней Японии.
4 группа

Образ человека в японской культуре.
Разделимся на группы
Удачи вам
в ваших исследованиях!


title: Скачать презентацию или конспект Балет "Ромео и Джульетта"

extracted_text:
Ромео и Джульетта.Балет.
«Ромео и Джульетта»  — балет в 3 актах 13 картинах с прологом и эпилогом Сергея Прокофьева. Либретто Адриана Пиотровского, Сергея Прокофьева и Сергея Радлова по одноимённой трагедии Уильяма Шекспира. Премьера балета состоялась в 1938 г. в Брно (Чехословакия). Широкую известность, однако, получила редакция балета, которая была представлена в Кировском театре в Ленинграде в 1940 г. «Ромео и Джульетта» Прокофьева — один из самых популярных балетов двадцатого столетия.

Действующие лица
Эскал, герцог Вероны.
Парис, молодой дворянин, жених Джульетты.
Капулетти:Капулетти, Жена Капулетти , Джульетта, их дочь.
Тибальд, племянник Капулетти, Кормилица Джульетты.
Самсонэ, Грегорио, Пьетро — слуги Капулетти, Подруги Джульетты, Паж Париса.
 Монтекки: Монтекки Ромео, их сын.Меркуцио и Бенволио, друзья Ромео. Лоренцо, монах.Абрамио, Балтазар — слуги Монтекки. Паж Ромео. Служанки. Розалина [уточнить]Хозяин кабачка. Нищие. Трубадур. Шут.Юноша в бою. Торговец зеленью. Горожане.

История создания
Замысел балета по трагедии Шекспира (1564—1616) «Ромео и Джульетта» о трагической гибели влюбленных, принадлежащих к враждующим знатным родам, написанной в 1595 году и вдохновившей многих музыкантов от Берлиоза и Гуно до Чайковского, возник у Прокофьева вскоре после возвращения композитора из-за границы в 1933 году. Тему подсказал известный шекспировед, в то время — художественный руководитель Ленинградского театра оперы и балета имени Кирова (Мариинского) С. Э. Радлов (1892—1958). Композитор вдохновился предложенным сюжетом и стал работать над музыкой, одновременно создавая либретто совместно с Радловым и видным ленинградским критиком, театроведом и драматургом А. Пиотровским (1898—1938?). В 1936 году балет был представлен в Большой театр, с которым у авторов был договор. В первоначальном варианте сценария предусматривался счастливый конец. Музыка балета, показанная руководству театра, в целом, понравилась, но коренное изменение смысла трагедии Шекспира привело к ожесточенным спорам. Полемика вызвала у авторов балета желание пересмотреть свою концепцию. В конечном счете они согласились с упреками в вольном обращении с первоисточником и сочинили трагический финал.
 Однако представленный в этом виде балет дирекцию не устроил. Музыку сочли «нетанцевальной», договор расторгли. Возможно, в этом решении сыграла роль сложившаяся политическая обстановка: совсем недавно в центральном партийном органе, газете «Правда», были опубликованы статьи, шельмующие оперу «Леди Макбет Мценского уезда» и балет «Светлый ручей» Шостаковича. Разворачивалась борьба с крупнейшими музыкантами страны. Дирекция, по-видимому, решила не рисковать.
Премьера «Ромео и Джульетты» была осуществлена 30 декабря 1938 года в чешском городе Брно в хореографии И. Псоты (1908—1952), артиста балета, педагога и хореографа, родившегося в Киеве. Серьезной преградой для постановки спектакля на отечественной сцене стало и то обстоятельство, что один из авторов либретто, Адриан Пиотровский, к этому времени был репрессирован. Его имя убрали из всех документов, касающихся балета. Соавтором либреттистов стал балетмейстер Л. Лавровский (настоящая фамилия Иванов, 1905—1967), окончивший в 1922 году Петроградское хореографическое училище и сначала танцевавший на сцене ГАТОБа (Мариинского театра), а с 1928 года увлекшийся постановкой балетов. В его творческом портфеле были уже «Времена года» на музыку Чайковского (1928), «Фадетта» (1934), «Катерина» на музыку А. Рубинштейна и А. Адана (1935), «Кавказский пленник» Асафьева (1938). Балет «Ромео и Джульетта» стал вершиной его творчества. Однако премьере, состоявшейся 11 января 1940 года, предшествовали сложности.
Артисты подвергли балет настоящей обструкции. По театру ходил злой парафраз из Шекспира: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете». Многочисленные трения возникли и между композитором и хореографом, имевшим свою точку зрения на спектакль и исходившим, в основном, не из музыки Прокофьева, а из трагедии Шекспира. Лавровский требовал от Прокофьева изменений и дополнений, композитор же, не привыкший к чужому диктату, стоял на том, что балет написан в 1936 году, и возвращаться к нему он не намерен. Однако вскоре ему пришлось уступить, так как Лавровский сумел доказать свою правоту. Был написан ряд новых танцев и драматически эпизодов, в результате родился спектакль, существенно отличавшийся от брненского не только хореографией, но и музыкой.
Фактически Лавровский поставил «Ромео и Джульетту» в полном соответствии с музыкой. Танец ярко раскрыл душевный мир Джульетты, прошедшей путь от беззаботной и наивной девочки до смелой, страстной женщины, готовой на все ради любимого. В танце даются и характеристики второстепенных персонажей, таких как светлый, словно искрящийся Меркуцио и мрачный, жестокий Тибальд. «Это <...> «речитативный» балет <...> Такой речитатив имеет собирательный эффект, — писала иностранная критика. — Танец стал слитным, непрерывно льющимся, а не акцентируемым <...> Мелкие блестящие нежные движения уступили место колоссальной элевации <---> Хореограф <...> сумел избежать «подводных камней» пьесы без слов. Это <...> истинный перевод на язык движений».
Этот вариант балета и стал всемирно известным.. Музыка, к которой артисты балета постепенно привыкли, раскрылась перед ними во всей красоте. Балет по праву вошел в классику этого жанра. По клавиру балет состоит из 4-х актов, 9-и картин, однако при постановках 2-ю картину, как правило, делят на четыре, а последний акт, состоящий всего из одной краткой картины, присоединяют к 3-му в качестве эпилога, в результате чего в балете оказывается 3 акта, 13 картин с эпилогом.
 Музыка
Лучшее определение «Ромео и Джульетты» дал музыковед Г. Орджоникидзе: «Ромео и Джульетта» Прокофьева — произведение реформаторское. Его можно назвать симфонией-балетом, ибо хотя в нем и нет формообразующих элементов сонатного цикла в их, так сказать, «чистом виде», весь он пронизан чисто симфоническим дыханием... В каждом такте музыки ощущается трепетное дыхание главной драматургической идеи. При всей щедрости изобразительного начала оно нигде не принимает самодовлеющего характера, насыщаясь активно драматическим содержанием.
Самые экспрессивные средства, крайности музыкального языка применены здесь своевременно и внутренне оправданы... Балет Прокофьева отличается глубоким своеобразием музыки. Оно проявляется прежде всего в характерной для балетного стиля Прокофьева индивидуальности танцевального начала. Для классического балета этот принцип не типичен, и обычно он проявляется лишь в моментах душевного подъема — в лирических адажио. Прокофьев же названную драматургическую роль адажио распространяет на всю лирическую драму». Отдельные, самые яркие номера балета очень часто звучат на концертной эстраде как в составе симфонических сюит, так и в фортепианном переложении. Это «Джульетта-девочка», «Монтекки и Капулетти», «Ромео и Джульетта перед разлукой», «Танец антильских девушек» и др.

СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ!!!
АВТОРЫ ПРОЕКТА: Каминская Яна и Титова Лиза.