title: Скачать презентацию или конспект Поль Гоген

extracted_text:
ПОЛЬ   Гоген
Prezentacii.com
ПОЛЬ Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года. Его отец, Кловис, был журналистом, одержимым радикальными республиканскими идеями. В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис умер от сердечного приступа.
Поль прожил в Перу  до семи лет. Воспоминания об этих годах всегда жили  его душе и позже вдохновили на полные опасностей скитания по свету.
В 1855 году Гогены вернулись во Францию и поселились в Орлеане. Вскоре Полю надоела серая провинциальная жизнь. При первой же возможности он нанялся на торговое судно и покинул родной дом. Это случилось в 1865 году. За несколько лет Гоген превратился в настоящего морского волка. Он побывал в Рио-де-Жанейро, Панаме, Океании. Позже будущий художник поступил на службу во французский военно-морской флот и продолжил свои путешествия, бороздя просторы от Средиземного моря до Полярного круга.
В 1871 году Гоген оставил флот. К тому времени мать Поля уже умерла, и его опекун, Гюс-тав Ароза, помог ему получить место в одной из самых солидных биржевых фирм Парижа. Труды на новой ниве были вполне успешны, поведение не вызывало никаких нареканий — казалось, что дальнейшая жизнь предопределена на много лет вперед.
Поль Гоген
В 1873 году Гоген женился. Его избранницей оказалась датчанка Мэтт-Софи Гад. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось. У него появился комфортабельный дом в пригороде Парижа, любимая жена родила ему пятерых детей. В свободное время Гоген, поощряемый опекуном, страстно предавался своему хобби. Этим хобби было рисование.

Писать красками он начал в 1870-х годах. Гюстав Ароза собирал картины, через него Гоген узнал некоторых членов кружка импрессионистов. Импрессионизм в те годы оставался самым авангардным течением в живописи. Гоген с энтузиазмом принял идеи своих новых знакомых и принялся воплощать их на своих полотнах. Этому способствовало и то, что он взял несколько уроков у Камиля Писсарро.
Поначалу Гоген очень скромно оценивал собственные возможности. Когда одну из его картин отобрали для показа в Салоне, он не сказал об этом даже жене. С течением времени имя Гогена все чаще звучало в артистических кругах, и художник стал задумываться над тем, чтобы полностью посвятить себя живописи. Биржевой кризис 1882 года, поставив под вопрос дальнейшее финансовое процветание Гогена, послужил неплохой мотивировкой окончательного выбора, сделанного в пользу искусства.
Две девушки с цветами манго
Юная девушка с веером
Впрочем, финансовый кризис отразился и на живописи. Картины перестали пользоваться спросом, и жизнь Гогена превратилась в борьбу за выживание. Стремясь сократить расходы, Гоген в 1884 году вместе с семьей переехал в Руан, а чуть позже — в Данию. Там художник торговал брезентовыми изделиями, а его жена давала уроки французского языка. Бизнес Гогена не задался, что (вкупе со всем остальным) привело к обострению его отношений с Мэтт. В июне 1885 года брак распался. Гоген вернулся в Париж со своим вторым сыном, Кловисом, а Мэтт с другими детьми осталась в Дании.Гоген продолжал биться в тисках бедности и дошел до того, что поступил кассиром на железнодорожную станцию. Но для его живописи именно это время стало переломным. В тоске по оригинальному стилю, художник изменил импрессионизму.Начало перемен связано с Бретанью.
Впервые Гоген приехал сюда в 1886 году. В конце XIX века Бретань была еще живописной окраиной. Здесь сохранились древние традиции, резко выделяющие эту французскую провинцию на фоне остальных районов страны. Бретонцы были кельтским народом с собственным языком, национальными костюмами и своими религиозными праздниками. Все это пробудило дремавшую в сердце художника любовь к экзотике. Ему снова захотелось странствовать.
Еще одно знакомство Гогена чуть не закончилось трагедией. В октябре 1888 года он согласился провести зиму в Арле, на юге Франции, вместе с Ван Гогом, который мечтал основать в Арле новую колонию художников. Он с нетерпением ждал Гогена, надеясь найти в нем единомышленника. Но для Гогена эта поездка была лишь счастливой возможностью, не заботясь о хлебе насущном, поработать в теплых краях — брат Ван Гога, Тео, обещал оплачивать все расходы.
Ситуация осложнилась из-за позиции, занятой Гогеном. В Бретани вокруг него сложился круг восторженных поклонников, и теперь он обращался с Ван Гогом, как с учеником. Уже спустя некоторое время оба художника напоминали «готовые извергнуться вулканы». 23 декабря Ван Гог набросился на своего гостя с ножом, а потом отрезал себе часть уха.
Гоген незамедлительно уехал в Париж.
Несколько лет Гоген провел в разъездах между Парижем и Бретанью, но его уже манили новые горизонты. В 1889 году он посетил Всемирную выставку в Париже, которая напомнила художнику о далеких странах. Его охватила страсть к перемене мест. Выбор пал на Таити, где Гоген намеревался «погрузиться в чистоту природы и не видеть никого, кроме туземцев». Чтобы оплатить путешествие, он устроил распродажу своих картин. Предприятие оказалось выгодным и принесло более 10 000 франков.
В июне 1891 он прибыл на Таити и сразу же испытал страшное разочарование. Столица острова, Папеэте, была цивилизована и утратила свою первобытность. Занесенные европейцами болезни буквально выкосили местное население, сократив его за сто лет в десять раз: с 70 до 7 тысяч. Остров вымирал, и вместе с ним умирали местные ремесла, искусство, обряды.
Гоген купил соломенную хижину в глухой деревушке и принялся за работу. Палитра художника расцвела яркими красками, повторяющими краски тропической зелени, моря, солнца, песка. На многих лучших работах Гогена, написанных в этот период, изображена 13-летняя Теху-ра, которую ее родители охотно отдали в жены Гогену. Но несмотря на идиллическое настроение полотен, жизнь по-прежнему не слишком улыбалась художнику. Деньги быстро кончались, и в целях экономии приходилось разводить краски пастой из корней хлебного дерева. Сильно пошатнулось и здоровье художника. Частые и беспорядочные связи с местными девушками привели к тому, что Гоген заболел сифилисом. В конце концов, он запросился обратно во Францию.
Возвращение было недолгим. Получив в 1895 году небольшое наследство, Гоген вновь уехал на Таити, где его продолжали преследовать нужда и болезни. Уставший, близкий к отчаянию, художник перебрался в 1901 году на Маркизовы острова.
Здесь 8 мая 1903 года он скончался от сердечного приступа.
Работы
Поля Гогена
«А ты ревнуешь?»
«Мужик с топором»
«Разговор на Таити»
«Дочка хозяина
«Таитянка с плодом манго»
«над пропастью»
«Собирание водорослей»
«Портрет Винсента ван Гога,
рисующего подсолнухи»
«Натюрморт с рыбами»
«Всадники на побережье»
«Натюрморт с подсоснухами »
«Заснеженный сад»
«Толстое дерево (Te burao)»
СПАСИБОза внимание!
Презентацию по МХК подготовила:

БАРСКАЯ     АННА
		уч-ца 11 «А» класса

Учитель:
       Смирнов Евгений Борисович
Prezentacii.com


Скачать презентацию или конспект Витраж


title: Скачать презентацию или конспект Бог огня Гефест

extracted_text:
   Бог огня Гефест
Постовалова Г.М., г.Ноябрьск
Гефест
    Гефест (Вулкан) – бог огненной стихии и кузнечного ремесла, олицетворяющий собой силу и творчество.
Гефест
Сын Зевса и Геры. Родился слабым и некрасивым.
Зевс, раздраженный уродством сына, приказал сбросить его с Олимпа.
Гера не могла ослушаться гневного мужа и выполнила его просьбу.
Несчастный ребенок упал в море, где две нереиды, Фетида и Эвринома, взяли его на воспитание в глубины  Океана.
Гефест. Месть за обиду
Несколько лет занимался Гефест изготовлением удивительных по красоте украшений для дочерей Океана.
Постигнул тайны кузнечного ремесла, овладел им в совершенстве. Решил отомстить  своим родителям за нанесенную некогда обиду.
Гефест выковал чудесный золотой трон  для матери и преподнес его в качестве подарка.
Месть за обиду
Села Гера на трон, но тут же обвили её сотни тонких, но крепких цепей. Как ни старались боги Олимпа освободить её, всё было тщетно. С просьбами и мольбами обратились они к Гефесту, но тот отказался помочь.
И тогда боги пошли на хитрость: прислали к Гефесту бога виноделия Диониса, чтобы тот напоил Гефеста вином. Хитрость удалась, и Гефест прибыл на Олимп.
В одно мгновение Гефест освободил Геру, а боги в благодарность предложили ему остаться на Олимпе.
Взамен Гефест взял с богов обещание: он получит в жены прекрасную Афродиту, богиню любви.
Супругов трудно было назвать счастливыми: ревность Гефеста, любовные увлечения Афродиты.
Гефест и Афродита
   Живет Гефест на Олимпе, во дворце находится его подземная кузница.
    С молотом и клещами в руках Гефест создает дивные изделия: эгиду и скипетр для Зевса, тирс для Диониса. Золотую колесницу для Гелиоса, волшебную стрелу для Аполлона, щит для Ахилла, корону для Ариадны, волшебный венец для сотворенной им же из земли прекрасной женщины Пандоры, колчан, лук и стрелы для богини охоты Артемиды.

Мастер кузнечного дела
Мастер кузнечного дела
    В кузнице Гефесту помогают сыновья Урана и Геи – одноглазые великаны- циклопы. Которые ловко  управляются у печи или держат в руках огромные молоты. Гефест трудится не покладая рук, не зная отдыха и покоя.
Циклоп
Д.Веласкес «Кузница Вулкана»
Л.Джордано «Кузница Вулкана»
Многие художники изображали
кузницу  Гефеста
2. Составьте план описания картины, используя материал на стр.47.
1.Прочитайте описание картины Веласкеса на стр. 47.
Задание
1. О чем рассказал художник  на картине?
2. Кто только что вошел в кузницу и о чем рассказали Гефесту?
3. Описание кузницы.
4. Описание действующих лиц: Аполлон, помощники Вулкана – ремесленники.
5. Краски, тона, игра света на картине. Сияние нимба Аполлона, солнечный свет. Ярко-красный свет огня.
6. Таинственность картины.
Проверьте себя.
    Составьте самостоятельно описание картины Л.Джордано «Кузница Вулкана», воспользуйтесь подсказкой – стр. 49 «Творческая мастерская», вопрос 1.

Задание
Насмешки богов над неуклюжим Гефестом.
Ссора с Зевсом: однажды Гефест заступился за мать Геру, Зевс наказал его за такую дерзость – схватил за ногу и бросил несчастного на землю. Целый день летел  Гефест в пространстве и упал без признаков жизни на остров Лемнос.
Жители острова сжалились над Гефестом и лечили его.
С той поры он остался хромым.
Гефест на Олимпе
Вулкан – бог разрушительного и очистительного пламени.
От него получил своё название вулкан.
Отсюда обычай сжигать в его честь оружие побежденного врага.
Вулкан способен защитить дома, города и людей от пожаров.
В Риме праздновались Вулканилии.
В отличие от греческого Гефеста, римский Вулкан не связан с кузнечным ремеслом, но в Риме ему приписывалась способность на 10 лет отсрочивать веления судьбы.

В римской мифологии
Вопросы и задания на стр. 49.
Творческая мастерская. Вопрос 2: составить рассказ о циклопах.
Домашнее задание
Данилова Г.И. Мировая художественная культура: Вечные образы искусства. Мифология. 5 кл.: учебник для общеобразовательных учреждений. – М.: Дрофа, 2008.

Ресурсы:


Скачать презентацию или конспект Искусство скифов


Скачать презентацию или конспект Художественная культура Древней Передней Азии


title: Скачать презентацию или конспект Древнерусская иконопись

extracted_text:
МОУ Ильинская СОШ. Учитель ИЗО,МХК  Лебедь С.Г.
Древнерусская иконопись
 Странные застывшие лица, вернее лики с выразительными глазами, смотрят на нас с икон , проникая прямо в душу. А знаете ли вы, что называется ИКОНОЙ?
    Икона – это картина, изображающая святых и эпизоды из Библии. “Икона” в переводе с греческого обозначает “образ”, “изображение”.
На Руси иконы так и называли - “образа”.

Иконы возникли еще до зарождения древнерусской культуры в Византии и получили широкое распространение во всех православных странах. Там храмы в основном строили из камня. Каменные стены штукатурили и украшали наравне с иконами, мозаиками и фресками (картинами, написанными по сырой штукатурке), скульптурными изображениями святых.

Русская православная церковь возражала против скульптур в храмах, т.к. боялась нового идолопоклонничества (ведь раньше славяне-язычники поклонялись идолам), поэтому иконопись нигде не достигла такого развития, как на Руси. Церкви у нас были в основном деревянными. Своим удобством размещения в храме, яркостью, прочностью красок иконы, написанные на досках, как нельзя лучше подходили для убранства русских деревянных церквей.
Властно приковывая к себе взоры молящихся, иконы превращали даже самую бедную церквушку в сказочную сокровищницу красоты и покоя. Когда перед иконой зажигали свечи, то яркие краски начинали сиять, переливаться. Это было очень красиво и так не похоже на всё остальное, окружавшее людей в их обычной непростой жизни, что им казалось: они чувствуют присутствие Бога.        Если присмотреться к иконам, то можно увидеть общее, что изображается без исключения на всех иконах, является символом иконы - это нимб, сияющий круг вокруг голов святых. Нимб символизирует святость. А основной символ христианства – крест, он напоминает о мученической смерти распятого Христа.
      В древности к иконе как к предмету поклонения относились с большим уважением. Икона считалась самым лучшим и ценным подарком.
В старину иконы были в каждом доме, на почётном месте - в красном углу - висели образа. Пред ними горела лампада. Иконы устанавливали у развилок дорог, у колодцев, вывешивали на воротах, при въезде в город. Над проездной аркой Спасской башни Московского Кремля до сих пор есть белокаменная ниша, где висела когда-то икона Спасителя, давшая башне название.
 Икона «Богоматерь Владимирская»Константинополь. 12 век
Икона "Богоматерь Владимирская", присланная в начале XII века на Русь из Константинополя, находилась сначала в Вышгородском женском монастыре близ Киева. В 1158 году князь Андрей Боголюбский, сын Юрия Долгорукого, взял икону с собой, отправляясь в Ростово-Суздальскую землю. В том же году был заложен Успенский собор во Владимире , в котором и была помещена икона. С XV века икона "Богоматерь Владимирская" находилась в Успенском соборе Московского Кремля, в местном ряду иконостаса, слева от царских врат.  Икона "Богоматерь Владимирская" принадлежит к числу наиболее древних и прославленных святынь русской Церкви.
Андрей Рублев (? – около 1430)
Иконописец.       Первое дошедшее до нас летописное свидетельство об Андрее Рублеве содержится в Троицкой летописи, согласно которой мастер расписывал Благовещенский собор Московского Кремля (1405) вместе с Феофаном Греком и Прохором с Городца. С именем Андрея Рублева исследователи также связывают миниатюры Евангелия Хитрово, фрески Успенского собора на Городке в Звенигороде (около 1400) и иконы  так называемого "Звенигородского чина" (начало XV века) –   "Спас", "Архангел Михаил", "Апостол Павел".         К бесспорным работам выдающегося иконописца относятся росписи Успенского собора во Владимире, созданные в 1408 году совместно с Даниилом Черным, и  "Троица" (1425–1427) - храмовая икона Троицкого собора Троице-Сергиева монастыря, выполненная по заказу Никона Радонежского.
Троица Ветхозаветная. Андрей Рублев.   1422-1427.
В последние годы  жизни Андрей Рублев был иноком Спасо-Андроникова монастыря в Москве, где расписывал Спасский собор. Похоронен на территории монастыря. Причислен Русской Православной Церковью к лику святых.       Искусство Андрея Рублева было тесно связано с формированием идейных и нравственных идеалов  его эпохи. Стремление к укреплению русской  государственности и национального самосознания были особенно актуальны после Куликовской битвы (1380). Призывы к миру, единству и всеобщему согласию, содержащиеся в учении преподобного Сергия Радонежского и его последователей, воплотились в иконописи Андрея Рублева. Отличительные черты его стиля – особая мягкость и плавность линий, тяготеющих к закругленности, что прослеживается и в композиционных построениях; светлый, лишенный резких контрастов колорит; удивительная  гармония и одухотворенность образов.
Спас.  Андрей Рублев. 1420-е гг.

Апостол Павел. Андрей Рублев.

Архангел Михаил.  Андрей Рублев. Первая четверть XV в.

Феофан Грек (? – после 1405)
  Иконописец.       Византийский художник, работавший на Руси в последней трети XIV – начале XV  века. Согласно "Посланию Епифания Премудрого Кириллу Тверскому" (1415), Феофан расписывал церкви в Константинополе, Халкидоне, Галате, Кафе, Великом и Нижнем Новгороде и Москве (всего более 40 храмов). Из бесспорных произведений Феофана до наших дней дошли только фрески церкви Спаса Преображения на Ильине улице в Новгороде (1378).       В Москве, по летописным свидетельствам, Феофан Грек вместе с Семеном Черным выполнял росписи церкви Рождества Богородицы с приделом воскрешения Лазаря (1395), вместе с учениками работал в Архангельском  соборе Московского Кремля (1399) и совместно с Андреем Рублевым и Прохором с Городца расписывал Благовещенский собор Московского Кремля (1405). С именем Феофана исследователи также связывают некоторые иконы из  деисусного чина  Благовещенского собора Московского Кремля и еще ряд памятников, в числе которых икона "Богоматерь Донская" (1380–1390-е).
Богоматерь Донская. Икона. Феофан Грек. ГТГ.
Преображение. Икона. Феофан Грек
Пантократор. Фреска. Феофан Грек
Успение. Феофан Грек (?). Конец XIV в. (Около 1392 г. ?).
Старец Макарий Египетский.Фреска. Феофан Грек
 Дионисий (?–1503)
Иконописец.       Наиболее ранней из известных работ Дионисия были росписи Рождественского собора Пафнутьево-Боровского монастыря, исполненные между 1467 и 1476 годами, совместно с монастырским старцем Митрофаном. Сведения об этом сохранились в летописях и в Житии преподобного Пафнутия Боровского - основателя монастыря. Сами росписи до нас не дошли, поскольку монастырский собор был разрушен и выстроен заново в конце XVI века.       В 1481 году Дионисий возглавил артель иконописцев, создавшую первоначальный иконостас Успенского собора Московского Кремля. Дляместного ряда этого иконостаса могли быть предназначены две житийные иконы с изображениями  московских святителей – митрополитов Петра и Алексия. В 1484 году вместе с сыновьями Феодосием и Владимиром начал расписывать Успенский собор Иосифо-Волоколамского монастыря по заказу основателя обители преподобного Иосифа Волоцкого.
Алексий Митрополит, с житием.  Дионисий. Начало XVI в
Петр Митрополит, с житием.  Дионисий. Начало XVI в
Дмитрий Прилуцкий, с житием.  Дионисий (?). Около 1503 г
Искусство Дионисия воплотило лучшие художественные достижения последней трети XV – начала XVI  века, отразившие духовные искания того времени. Ясность композиционного решения, удлиненные пропорции фигур, высветленный колорит с преобладанием чистых, звучных красок придают произведениям мастера особую одухотворенность.
Симон Ушаков   (1626–1686)
Иконописец.       "Жалованный иконописец" Оружейной палаты. Руководил иконописной мастерской (1664–1686), работал в Золотой и Серебряной палатах (1648–1664), создавал рисунки для церковной утвари, ювелирных украшений, шитья и т.п. Написал иконы для церкви Троицы в Никитниках, прихожанином которой он был, церкви Георгия Неокесарийского на Большой Полянке ("Богоматерь Елеуса Киккская", 1668) и многих других церквей.        Искусство Ушакова сохранило свое влияние на развитие русской иконописи вплоть до  XIX века. Оно явилось компромиссом между средневековой традицией и новыми тенденциями европейской живописи. Нововведения художника – "живоподобная" светотеневая моделировка ликов, стремление к передаче реального объема – нашли теоретическое обоснование в "Слове к  люботщательному иконного писания".        К наиболее известным работам Ушакова относится "Богоматерь Владимирская (Древо Московского государства – Похвала Богоматери Владимирской)" (1668).
Архангел Михаил, попирающий диавола. Икона С. Ушакова.1676. ГТГ
Тайная вечеря. Икона С. Ушакова.1685. Сергиево-Посадский музей-заповедник
Богоматерь Владимирская (Древо Московского государства. Похвала Богоматери Владимирской). Икона С. Ушакова. 1668. ГТГ
Троица. Икона С. Ушакова. 1671. ГРМ
Спас Нерукотворный. Икона С. Ушакова. 1678. ГТГ

1. Государственная Третьяковская галерея (ГТГ). Москва2. Виртуальный каталог икон . Москва3. Андрей Рублев . Москва
Интернет-ссылки
Prezentacii.com


Скачать презентацию или конспект Тициано Вечеллио


title: Скачать презентацию или конспект Иконография образа Пресвятой Богородицы

extracted_text:
Иконография образа Пресвятой Богородицы

ОСНОВНЫЕ ПОСТОЯННЫЕ ЭЛЕМЕНТЫ ИКОНОГРАФИИ БОЖИЕЙ МАТЕРИ
НИМБ – символ святости, наполненности светом Божественной славы
МАФОРИЙ пурпурного цвета – одежда Царицы Небесной
СИНИЙ ЦВЕТ туники Божией матери – символ принадлежности духовному миру и страдания Пресвятой Богородицы
ВОСЬМИКОНЕЧНЫЕ ЗВЁЗДЫ МАФОРИЯ – символ непорочности Приснодевы и Святой Троицы.
Основные постоянные элементы иконографии  Божией Матери

Надпись, указывающая на то, на иконе изображена Пресвятая Богородица

Изображение в полный рост в позе моления с воздетыми к небу руками, ладонями к зрителю

Богоматерь ( Оранта ). Мозаика.   11 век. Софийский собор. Киев.
ИКОНОГРАФИЧЕСКИЙ ТИП «ОРАНТА»(«Молящаяся»)
Иконографический тип «Оранта» -
разновидность  «Великая Панагия.»(«Всесвятая»)
(«Знамение»)

На уровне груди изображается Спаситель в круге – символе вечности.

Икона Пресвятой Богородицы «Знамение»

Иконографический тип «Одигитрия»( «Путеводительница»)

Богородица изображена с Иисусом на руках: одной рукой Она указывает на Сына
Иисус не склоняется к щеке Матери и не обнимает Её, а смотрит строго перед собой и правой рукой благословляет. В левой руке у Него свиток- знак Его Учения.
Иконографический тип «Елеуса» ( «Умиление»)

Изображение Божией Матери на иконе – поясное, а Младенца Христа – в полный рост.
Особенность икон типа «Умиление» - соприкосновение ликов  Богоматери и Богомладенца и соединении нимбов -  знак небесного и земного.
Иконографический тип «Умиление»
ИКОНОГРАФИЧЕСКИй ТИП «ПАНАХРАНТА»(Всемилостивая)

Божия Матерь изображается как Царица Небесная, восседающая на троне и держащая на коленях Божественного Сына.
Основной смысл – спасение через заступничество Царицы Небесной.
Иконографический тип «Агиосоритисса»(«Заступница)»

Богоматерь изображается в полный рост без Младенца, обращенная вправо, со свитком в руках

ПЕСНЬ Пресвятой Богородице
Богородице, Дево, радуйся
Благодатная Марие,
Господь с Тобою;
Благословенна Ты в женах
И благословен Плод чрева Твоего
Яко Спаса родила
Еси душ наших


Скачать презентацию или конспект Франц Йозеф Гайдн


Скачать презентацию или конспект Индия страна чудес


title: Скачать презентацию или конспект Шедевры архитектуры Индии

extracted_text:
ШЕДЕВРЫ АРХИТЕКТУРЫ ИНДИИ

Учитель ИЗО,МХК  Лебедь С.Г.
Стамбха Ашоки . III в. до н. э. Высота 9,8 м
В 321 г. до н. э. в Индии возникло первое централизованное государство — империя Маурьев. Во время правления царя Ашоки (268—232 гг. до н. э.) в качестве государственной религии был принят буддизм. Ашока демонстрировал свое обращение в буддизм энергичным распространением веры по всей Индии — от Бенгалии до Афганистана при помощи указов, высеченных на монументальных колоннах из камня. Колонны (стамбхи) символизируют ось Вселенной, которая соединяет Небо и Землю и олицетворяет Мировое Древо Жизни.
http://indiapicks.com
Львиная капитель стамбхи из Сарнатха . Середина III в. до н. э.
Стамбха, достигающая в высоту свыше 10 метров, представляет собой хорошо отполированный каменный столб. Венчает стамбху капитель со скульптурными изображениями животных, что означает царские подношения Будде. Самая знаменитая из них — Львиная капитель из Сарнатха. Согласно преданию, столб, несший эту капитель, был установлен в том месте, где Будда произнес свою первую проповедь. Изображение Львиной капители отпечатано на денежных знаках современной Индии.
http://newtown.k12.ct.us
Большая ступа в Санчи .
Во время правления царя Ашоки в архитектуре империи Маурьев получили распространение буддийские мемориальные и погребальные сооружения — ступы. В отличие от других буддийских построек, имевших внутренние помещения и вход, ступа была монолитной и цельной
en.wikipedia.org
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э. (ограда II в. до н. э., ворота I в. до н. э.)
en.wikipedia.org
Одна из самых древних сохранившихся ступ была сооружена в Санчи при Маурьях (ок. 250 г. до н. э.). Позднее она была перестроена и несколько увеличена в размерах. Полусферический купол ступы покоится на круглом основании с идущей по всему периметру террасой.
Терраса предназначалась для ритуального обряда поклонения, который состоял в том, что молящиеся обходили ступу кругом, по часовой стрелке. С южной стороны к террасе ведут две симметричные лестницы.
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э. (ограда II в. до н. э., ворота I в. до н. э.)
en.wikipedia.org
На вершине купола установлена колонна, как бы выходящая из сердцевины ступы. В этом исследователи усматривают продолжение культа колонн Ашоки. Центральный столб, символизирующий ось Вселенной, увенчан круглыми дисками и окружен оградой из квадратных столбов.
Зонты олицетворяют небесные уровни или ступени восхождения к нирване. Три зонтика символизируют три драгоценности: Будду, Закон и монашескую общину.
Ранние ступы служили местом захоронения реликвий самого Будды. Существует легенда о том, что Будду спросили, какой должна быть его гробница. Учитель расстелил на земле свой плащ и перевернул на него круглую чашу для сбора подаяний. Так ступа приобрела свою полусферическую форму. Полусфера, символ Неба и бесконечности, в буддизме означает нирвану Будды (то есть его окончательное освобождение от мира), а также и самого Будду.
archi.1001chudo.ru
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э.
По традиции ограда вокруг центрального шеста должна была скрывать его от молящихся во время ритуального обхода.
Резные ворота
www.buddhanet.net, www.shunya.net, fog.ccsf.cc.ca.us,
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э. (ограда II в. до н. э., ворота I в. до н. э.). Западные ворота
www.greatbuildings.com
Сама ступа также окружена массивной оградой. Четверо ворот (тораны) указывают на четыре стороны света и своими, покрытыми глубокой резьбой, балками и колоннами представляют главные стороны учения; они завораживают зрителя своими историями и картинами
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э. (ограда II в. до н. э., ворота I в. до н. э.). Восточные ворота. Фрагмент
www.greatbuildings.com
Рельефная резьба в Санчи ограничена колоннами и балками четырех ворот. Каждые ворота разделены на три части. В верхней секции, состоящей из трех архитравов, разворачивается повествование, которое оканчивается в волютах —словно каменные страницы иллюстрированных рукописей, некогда переносимых из деревни в деревню странствующими рассказчиками. Несмотря на тесно расположенные сюжеты, глубокая резьба выполнена настолько искусно, что истории можно рассмотреть даже снизу, с земли.

В отличие от Бхархута рельефная резьба в Санчи ограничена колоннами и балками четырех ворот. Каждые ворота разделены на три части. В верхней секции, состоящей из трех архитравов, разворачивается повествование, которое оканчивается в волютах —словно каменные страницы иллюстрированных рукописей, некогда переносимых из деревни в деревню странствующими рассказчиками. Несмотря на тесно расположенные сюжеты, глубокая резьба выполнена настолько искусно, что истории можно рассмотреть даже снизу, с земли. Пространство заполнено человеческими фигурами, фигурками животных (реальных и фантастических) и буддийскими символами, такими как ступа, лотос и дерево. Капители, которые соединены с балками и квадратными колоннами, окружены львами, слонами и карликами — их фигуры нарушают плоскостность ограды и создают динамический переход от вертикальных колонн к горизонтальным балкам. Визуальная связь с балками создается также с помощью кронштейнов в виде женских фигур. Это один из лучших примеров образа якшини в индийском искусстве. Обнаженный стан древесной богини изящно изгибается, руки тянутся к стволу мангового дерева и его пышной кроне. Движения женщины легки и грациозны, поза свободна и естественна. Эталоном красоты женщины и богини плодородия являются подчеркнуто округлые бедра и бюст. В целом форма и декоративная проработка фигур заимствованы из движений и позиций танца, который всегда был источником вдохновения для индийских художников. Квадратная нижняя часть ворот представляет собой колонны, обильно покрытые резьбой: сюжеты из джатак, фигуры воинов, элементы современной светской архитектуры. Наиболее часто встречающийся мотив — ограда ступы, такая же, как реальная каменная ограда, окружающая всю ступу, а также шпиль и зонтики на вершине купола. Такая «изгородь» ограничивает архитрав, проходит вдоль капителей, а также отделяет сцены друг от друга.
Пространство заполнено человеческими фигурами, фигурками животных (реальных и фантастических) и буддийскими символами, такими как ступа, лотос и дерево. Капители, которые соединены с балками и квадратными колоннами, окружены львами, слонами и карликами — их фигуры нарушают плоскостность ограды и создают динамический переход от вертикальных колонн к горизонтальным балкам. Визуальная связь с балками создается также с помощью кронштейнов в виде женских фигур.
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э. (ограда II в. до н. э., ворота I в. до н. э.).
archi.1001chudo.ru
Большая ступа в Санчи . III—II вв. до н. э. (ограда II в. до н. э., ворота I в. до н. э.). Якшиня с восточных ворот
www.greatbuildings.com
Это один из лучших примеров образа якшини в индийском искусстве. Обнаженный стан древесной богини изящно изгибается, руки тянутся к стволу мангового дерева и его пышной кроне. Движения женщины легки и грациозны, поза свободна и естественна. Эталоном красоты женщины и богини плодородия являются подчеркнуто округлые бедра и бюст. В целом форма и декоративная проработка фигур заимствованы из движений и позиций танца, который всегда был источником вдохновения для индийских художников.
Чайтья
Чайтья — один из типов индийской буддийской архитектуры, представляющий собой продолговатый зал с двумя рядами колонн и ступой, помещенной в закругленном конце зала напротив входа (полусферическое погребальное, а затем мемориальное сооружение).
Чайтья в Карли. Разрез.
www.artprojekt.ru
Чайтья в Карли . I в. до н. э.
В I в. до н. э. в культовой архитектуре Индии широко распространились пещерные храмы — чайтьи                  ( преимущественно в районах, где вздымающиеся горные плато резко обрываются, создавая ступенчатые стены из твердого камня протяженностью в несколько сотен километров). Примером такого рода сооружений является чайтья в Карли. Перед пещерой возвышались две колонны. Важнейшей деталью фасада чайтьи является огромное подковообразное окно, которое служит основным источником света в храме.
www.2india.ru
Внутреннее пространство отдаленно напоминает базилику: вырубленное в скале пространство разделенно на три “нефа”, отделенные друг от друга рядами колонн с горшковидными базами и сложными капителями (соединение мотивов колокола и цветка лотоса) со скульптурным завершением из группы мужских и женских фигур.
Чайтья в Карли . I в. до н. э. Интерьер
www.newtown.k12.ct.us
Рельеф чайтьи в Карли . I в. до н. э.
Наружный фасад чайтьи в Карли украшают скульптурные рельефы с мужскими и женскими фигурами. Возможно, здесь изображены дарители, на средства которых был построен храм. Пары, изображенные на фасаде чайтьи, олицетворяют и два идеала красоты, и два начала в природе — мужское и женское. Их соединение рождает все живое на земле.
www.columbia.edu
Пещеры Эллора
Комплекс пещерных храмов Эллоры расположен в индийском штате Махараштра, неподалеку от города Аурангобада, и состоит из 34 пещерных храмов, создававшихся на протяжении VIII-IX веков. Пещеры Эллоры вырезаны в базальтовых холмах.
www.tury.ru
Они представляют собой лушие образцы как индийской, так и мировой пещерно-храмовой архитектуры, включающие фасады сложной работы и изыскано украшенные внутренние интерьеры. Создание пещер датируется примерно с 6 по 9 столетья нашей эры.
Наиболее интересен среди прочих храмов Эллоры Храм Кайласанатха в пещере 16, который является колоссальным монолитом с витиеватым внешним видом, целиком вырезанный из целого холма. Он начал строится в период с 757 и 773 годы, на его строительство ушло 150 лет. Этот храм является одним из наиболее сложных произведений архитектуры в мире.

www.tury.ru
Храм Кайласанатха в Эллоре. Середина VIII в.
Изумляет в Кайласанатхе то, что в отличие от других храмов, которые обычно строились снизу вверх, скульпторы этого храма вырезали храм сверху и с боковых сторон.
Храм Кайласанатха в Эллоре. Середина VIII в.
При его строительстве было выдолблено 200 тысяч тонн горной породы. Храм посвящен богу Шиве. Прямоугольный двор храма, опоясанный изнутри рядами ниш со статуями божеств, включает выделенное шикхарой (пирамидальным завершением) главное святилище и многоколонный зал для молящихся.
www.tury.ru
Это самый крупный в мире монолитный комплекс, в его сооружении участвовало 7 тысяч человек. Храм Кайласанатха поистине грандиозен. Он занимает площадь в два раза превышающую площадь Парфенона в Афинах, по высоте превосходит его в полтора раза.
Нижняя часть храма высечена в виде цоколя восьмиметровой высоты. В его центре высятся монументальные изваяния слонов и львов высотой около трех метров, словно держащих на своих спинах тяжесть здания храма. Эта идея огромного сооружения, покоящегося на спинах слонов и львов, носит мифологический и символический характер - ведь мир, как известно из древних легенд, стоит на трех слонах. Только слонов в Кайласанатхе гораздо больше...
clubs.ya.ru
Храм Кайласанатха в Эллоре. Середина VIII в.
Рельеф из пещерного храма в Эллоре . VIII—X вв.
Храмовые комплексы Эллоры (VI—X вв.) известны стенными барельефными композициями с изображениями буддийских и брахманских богов и мифологических героев. По сравнению с каноническими фигурами Будды, для которых стали характерны застылость и сухость форм, изображения брахманских богов — пластически сочные, исполненные напряженной динамики.
www.shunya.net
Пещеры и храмы Эллоры внесены ЮНЕСКО в список памятников, являющихся всемирным достоянием (наследием) человеческой цивилизации.
Трехликий Шива Махадева из храма на о-ве Элефанта
Три лика Шивы символизируют его троякую сущность: Творец, Защитник и Разрушитель.
www.vedanta.it
Красный форт, или Лал Кила
Красный форт, или Лал Кила, является одним из самых великих и знаменитых памятников Индии. Находится он в столице Дели на берегу реки Ямуна. Построенный из красного камня, он поражает своей красотой, величием и неприступностью.
Красный форт, или Лал-Кила не мене прекрасен чем Тадж Махал и обязан своим именем красному песчанику, из которого выстроены его стены.
Фасад крепости Лал-Кила в Дели.
«Если и есть рай на свете, то он здесь, он — здесь» — говорится в надписи арки зала Кала-а-Мубрака. В этих словах персидского поэта Амира Хосрова выражен замысел архитекторов Шах-Джехана — построить цитадель по образу и подобию рая, описанного в Коране
ru.wikipedia.org/wiki/Лал-Кила
Форт обязан своим появлением великому Шах Джахану, который построил также знаменитый Тадж Махал. Строительство началось 16 апреля 1639 года и закончено было ровно через 9 лет 16 апреля 1648 года.
wordtravel.com.ua
Красный форт, или Лал Кила
Шах Джахан решил перенести столицу государства из Агры в Дели, и именно Красный форт стал его резиденцией в новой столице.
Шах-Джехан остался в истории как великий покровитель искусств и основатель династии.
В «Красном форте» времен Шаха-Джахана размещалось 3000 человек придворных. Сооружение было первой цитаделью эпохи Моголов, задуманной в форме неправильного восьмиугольника, что стало позднее особенностью архитектурного стиля времен этой династии.
ru.wikipedia.org/wiki/Лал-Кила
www.hot-putevki.ru/india
sightseen.turistua.com/ru/gallery
Красный форт, или Лал Кила
Строительным материалом были кирпичи, облицованные керамикой или красным мрамором.
Дворец ветров. Джайпур
Самая знаменитая достопримечательность Джайпура — дворец Хава-Махал или «Дворец Ветров». Это пятиэтажное здание с 590 окнами и балконами использовалось как гарем для жен и наложниц раджей Джайпура.
www.hot-putevki.ru/india
Интересен внутренний интерьер дворца, где практически каждая комната не превышает ширины окна.
Хава-Махал или Дворец Ветров. Джайпур.
Хава-Махал или Дворец Ветров стал символом Джайпура. Это здание, выполненное из розового камня и  украшенное колоннами и балконами, было построено в 1799 году. Хава Махал является частью городского дворцового комплекса
www.hot-putevki.ru/india
Дворец Махараджи. Джайпур
Городской Дворец, часть которого открыта для посещений в качестве музея, другую часть до сих пор занимает царская семья.
Prezentacii.com


Скачать презентацию или конспект Реализм как художественный стиль эпохи


Скачать презентацию или конспект Жизнь и творчество Бетховена


Скачать презентацию или конспект Архитектура от модерна до конструктивизма


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура Готика

extracted_text:
 Архитектура Готика______
МОУ Ильинская СОШ. Учитель ИЗО,МХК  Лебедь С.Г.
Го́тика — период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Готика зародилась в XII веке на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI века.

Го́тика
Происхождение термина
Слово происходит от итал. gotico — непривычный, варварский — (Goten — варвары; к историческим готам этот стиль отношения не имеет), и сначала использовалось в качестве бранного. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения (Ренессанса) искусство Средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению.
Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.
Готический собор – образ мира

Если символ романской архитектуры – замок и меч, то готика – это собор и крест.
« Собор - это не только красота, которой мы не можем не восхищаться. Даже если для вас это уже не наставление, коему надлежит следовать, то, во всяком случае – это книга, которую надо понять. Портал готического собора – это Библия.» Марсель Пруст
Поперечный разрез готического собора
первоначальная гармоничная уравновешенность горизонтальных и вертикальных членений к 14 в. все больше уступает место устремленности здания ввысь, стремительной динамике архитектурных форм и ритмов.
Схема кладки каркаса готического свода
Главным новшеством, введенным зодчими готического стиля, является каркасная система. Исторически этот конструктивный прием возник из усовершенствования романского крестового свода.
Оценив достоинства такого свода, готические зодчие проявили большую изобретательность в его разработке, а также использовали его конструктивные особенности в декоративных целях.
Интерьеры готических соборов не только грандиознее и динамичнее интерьеров романского стиля — они свидетельствуют об ином понимании пространства. В романских церквах четко разграничивались нартекс, продольный корпус, хор. В готических соборах границы между этими зонами теряют свою жесткую определенность.
Как во внутреннем, так и особенно во внешнем убранстве соборов значительное место принадлежало пластике. Сотни, тысячи, а иногда десятки тысяч скульптурных композиций, отдельных статуй и украшений на порталах, на карнизах, водостоках и на капителях непосредственно срастаются со структурой здания и обогащают его художественный образ.
Совершенство форм храма Божьего на земле должно было символизировать небесную гармонию. Работая на эту идею, готика изобрела конструкцию, преодолевшую весомую грубость камня. Камень как материал был доведен до предела нематериальности. Тяжелый и твердый, он превращался в изысканное кружево резьбы.
Скульптура
  Порталы и алтарные преграды готических соборов сплошь украшены статуями, скульптурными композициями, орнаментами, фантастическими фигурами зверей («химерами»). Застылость и замкнутость романских скульптур сменились подвижностью, ритмическим богатством пластики фигур, их обращенностью друг к другу и к зрителю.
Для него была выработана специальная иконография, цель которой представить христианскую концепцию мира.
Портал
Первостепенное значение придавалось декору главного – западного – портала собора.
На столбе, разделяющем двери центрального портала на две половины и поддерживающем архитрав, располагалась большая статуя Христа, Мадонны или святого. На цоколе портала часто изображали «месяцы», времена года и т. д. По сторонам, на откосах стен портала помещали монументальные фигуры апостолов, пророков, святых, ветхозаветных персонажей, ангелов.
Портал
Центральный портал западного фасада, как правило, посвящался Христу, иногда Мадонне; правый портал обычно — Мадонне, левый — святому, особенно чтимому в данной епархии.
Большие изменения претерпел и орнамент, укращающий капители. Геометрические формы орнамента капителей, восходящие к «варварской» плетенке, и античный по своему происхождению аканф почти полностью исчезают. Мастера готики смело обращаются к мотивам родной природы: капители готических столбов украшают сочно моделированные листья плюща, дуба, бука и ясеня.
art-otkrytie.narod.ru
Витражи
  Внутреннее пространство собора — с многочисленными архитектурными и скульптурными украшениями, светом, льющимся сквозь стекла витражей, — создает образ небесного мира.
Замена глухих стен огромными окнами привела к почти повсеместному исчезновению монументальных росписей, игравших столь крупную роль в романском искусстве 11 и 12 вв. Фреску заменил витраж — своеобразный вид живописи, в котором изображение составляется из кусков цветных расписанных стекол, соединенных между собой узкими свинцовыми полосами и охваченных железной арматурой. Витражи, помещенные в оконных проемах, наполняли внутреннее пространство собора светом, окрашенным в мягкие и звучные цвета, что создавало необычайный художественный эффект.
Собор Нотр-Дам в Реймсе,1211 - достр до XVв.,Франция, Реймс
Собор Нотр-Дам в Реймсе,1211 - достр до XVв.,Франция, Реймс
Собор настолько выше всего окружающего, что главная масса его рисуется на фоне проходящих мимо облаков и в такие минуты точно движется. Самый высокий собор во Франции - величественный памятник зрелой готики королевской власти и могущества. В Реймсе короновались французские короли.
Собор Нотр-Дам в Реймсе,1211 - достр до XVв.,Франция, Реймс

Витраж Роза над порталом собора
Собор в Шартре, Франция
Собор Нотр Дам в Шартре. Общий вид
Витраж Богоматерь с младенцем.
Собор в Шартре, Франция
Собор Нотр-Дам в Амьене,нач.XII-XIVвв.,Франция, Амьен
Это истинный шедевр готической архитектуры 13 века. Мог вместить всё население Амьена 10000 человек. За основу проекта был взят Шартрский собор. Строительство началось одновременно с Реймским собором.
Собор Нотр-Дам в Амьене,нач.XII-XIVвв.,Франция, Амьен
На фасаде выделяются 3 портала и галерея со скульптурами в нишах. Башни несимметричны: северная выше южной. На центральном портале сохранилась скульптура Христа, попирающего льва и химеру - символы смерти. Скульптурные украшения трех порталов посвящены трем темам: 1. Страшному суду; 2. Деве Марии; 3. св. Фирмину - 1-му епископу города. Стены храма лишены убрансва, их опоясывает только рельефная гирлянда.
Внутри храма находится колоннада высотой 18 м, что создает впечатление простора свободного пространства. Сохранились деревянные скамьи для молящихся, изготовленные в 16 в. Скамьи покрыты рельефами на темы Ветхого Завета, изображено 4500 фигур. Окна-розы выполнены в виде 8-липесткового цветка шиповника высотой - 12 м. Самая светлая частью собора -алтарь, освещенный высокими стрельчатыми окнами. Длина собора - 145 м, ширина - 59м.
Собор Нотр-Дам в Амьене,нач.XII-XIVвв.,Франция, Амьен
Миланский собор,1386 - XVв., достр. в XIXв.
Самый большой по площади(длина 158 м, ширина 93 м, вмещает до 40 тыс. человек)Самый большой по высоте центрального нефа (46,8 м)
Единственный мраморный готический собор в мире. Над его алтарем находится одна из ценнейших христианских реликвий: гвоздь от распятия Спасителя. Собор украшен 2245 статуями, среди которых 3-метровая статуя Мадонны из бронзы с позолотой — здесь верят в то, что Дева Мария избавила женщин города от бесплодия. По закону ни одно здание в Милане не должно заслонять ее скульптуру. Закон был нарушен при строительстве небоскреба «Пирелли» — и в 2002 году в башню врезался небольшой самолет.
Миланский собор,1386 - XVв., достр. в XIXв.
Собор Нотр-Дам в Париже,1163 - нач.XIV века
Шедевр ранней французской готики. Первый камень в основание нового здания заложил римский папа Александр III.
В храм ведут три входа-портала, обрамленных уходящими в глубину арками, над ними находятся ниши со статуями библейских царей и французских королей. Это было самое большое здание того времени - 5 нефная базилика вмещала 9000 человек. Красивейшая часть собора - западный фасад, где находится окно-роза, сделан в 1220 г. Высота собора 35 м, длина - 130 м.
Собор Нотр-Дам в Париже,1163 - нач.XIV века
Собор Нотр-Дам в Париже,1163 - нач.XIV века
Собор Святого Витта, 1344-1420. Чехия, Прага
Именно в расцвет готического искусства чешским королем становится германский император Карл IV (1347-1378). Он поощрял науки, искусство, основал Университет в столице Чехии городе Праге. При нем город фактически был отстроен заново. В то время в городе работал архитектор Пётр Парлеж (1330-1399), который принял участие в создании грандиозного собора Святого Вита (1344-1929) в Пражском Граде (Кремле).

Собор Святого Вита – выдающееся произведение не только чешской, но и западно-европейской архитектуры. Он является духовной, художественной и национально-исторической святыней Чехии: здесь погребены чешские короли, хранятся коронационные регалии чешского государства. Фасады собора украшает обильная каменная резьба. Над порталом южного фасада расположена мозаика «Страшный суд» - самая ранняя чешская мозаика из сохранившихся. Каменные фигуры химер украшают водостоки
Собор Святого Витта, 1344-1420. Чехия, Прага
Монастырь и собор Мон Сен Мишель,XIIIв.,Франция, остров Сен Мишель
Кёльнский собор. Германия, Кёльн
На протяжении шести веков жителей Кельна объединяла одна цель — построить Кельнский собор. В Кельне, одном из самых богатых и политически значимых городов тогдашней Германии, считали нужным, следуя примеру Франции, иметь свой кафедральный собор — и его масштабы должны были затмить все остальные храмы.
Кёльнский собор. Германия, Кёльн
Строительство длилось до 16 в. Здание представляет собой 5-нефную базилику, с планом в виде латинского креста, украшен множеством арок, ажурной резьбой, стрельчатыми окнами. Башни западного фасада, высотой 157 м., увенчаны ажурными шпилями из кованого железа. В годы   2-й мировой войны был поврежден бомбардировкой, однако уже в 1948 г. открыт сразу после завершения первоочередных ремонтных работ. Собор имеет в длину 144 м., в ширину - 54 м.

Самый большой колокол
Самый большой действующий колокол Западной Европы («Петер», 24 тонны, отлит в 1923 году)
Кроме гигантских колоколов собор отличается единством стиля, исключительным для больших готических соборов: ведь они строились веками. Но архитекторы Кельнского собора с истинно немецкой пунктуальностью придерживались первоначального плана. В соборе хранится одна из самых драгоценных реликвий христианства — рака святых волхвов. Мощи волхвов подарил кельнскому правителю Рональду фон Расселю император Фридрих I Барбаросса в благодарность за помощь при взятии Милана. Саркофаг для них из серебра, золота и драгоценных камней изготавливался в течение 10 лет.
Кёльнский собор. Германия, Кёльн
Легенда гласит…    Одна из версий создания Кельнского собора — храма культуры искусства и религии — такова: архитектор никак не мог придумать чертеж будущего собора. Однажды к нему явился дьявол и предложил обменять душу на этот чертеж. А все это должно было произойти после первых петухов. Архитектор был в безвыходном положении и согласился. Но это подслушала его жена и придумала, как уберечь душу своего мужа и заполучить чертеж здания. Она встала рано утром и прокукарекала вместо петуха, тем самым сумев сохранить душу мужа, а он, в свою очередь, получил заветный чертеж.
Сокровища искусства в Кельнском соборе
Церковь Девы Марии. Польша, Краков
Самый большой готический алтарь(высота 13 м, ширина 11 м)
Из-за позолоченного липового алтаря мастера Фейта Штоса чуть не перессорились лидеры Третьего рейха. Во время Второй мировой войны захватчики вывезли драгоценный алтарь из Кракова и спрятали, но в 1946 году главный польский памятник готического искусства был обнаружен и возвращен на место.
С церковью связано множество легенд.
По самой известной, сигнальщик, стоявший на башне, увидел приближающееся войско Батыя и затрубил, но тут в горло ему вонзилась татарская стрела. В память об этом каждый час с башни трубят на все четыре стороны сигнал тревоги, обрывающийся на высокой ноте. Этот звук стал в Польше сигналом точного времени.
Церковь Девы Марии. Польша, Краков
Глостерский собор. Великобритания, Глостер
Глостерский собор — первый дошедший до наших времен с веерным сводом. Он хорошо известен по фильмам о Гарри Поттере: именно этот собор обернулся на экране школой Хогвартс. Некоторые прихожане были крайне недовольны тем, что в храме станут снимать фильм о чародействе, но духовенство сочло, что большой беды не будет. Тем не менее 24 прочнейших витража XIX столетия в аркаде собора были расколочены неизвестными, очевидно, в знак протеста против съемок. Это самый большой ущерб, нанесенный зданию за все девять веков его истории. Уникальный витраж восточного фасада не пострадал.
Самый большой витраж (большое окно восточного фасада, по существу, заменяет наружную стену — высота 23,8 м, ширина 11,6 м)
Глостерский собор. Великобритания, Глостер

Самый длинный готический неф (169 м)
Винчестерский собор любопытен не только хорами и захоронениями саксонских королей, но и росписями современного русского иконописца Сергея Федорова. В России Федоров расписывал Свято-Данилов монастырь, а в Англии кроме Винчестерского еще Рочестерский собор и Вестминстерское аббатство. Все его работы абсолютно православные, что, мягко говоря, необычно для англиканских храмов. Прекрасный сад, разбитый вокруг собора, — дело рук отошедшего от дел британского разведчика Питера Смитерса (прототип Бонда). Главным увлечением шпиона оказалось садоводство, в котором он и стал изрядным авторитетом.
Винчестерский собор. Великобритания, Винчестер
Собор Санта-Мария. Испания, Севилья
Многие христианские храмы по плану крестообразны, но Севильский собор имеет прямоугольную форму, так как его строители использовали фундамент и разметку разрушенной мечети IX века. Этим влияние мавританской архитектуры не ограничивается: 114-метровая колокольня Хиральда есть не что иное, как минарет, построенный в 1196 году по приказу халифа Абу Юсуфа Якуба аль-Мансура. Подъем на него не имеет ступеней — вымощенная брусчаткой дорога проходит внутри башни. Сделано это для того, чтобы можно было прогарцевать наверх на лошади. В самом соборе кроме драгоценного алтаря, 3-метровой серебряной дарохранительницы, множества скульптур и гигантского органа, находятся картины Мурильо, Веласкеса, Сурбарана и Гойи.
Собор Санта-Мария. Испания, Севилья
Самый дорогой алтарь
Самое дорогое в мире алтарное украшение (1000 фигур, на изготовление потребовалось  3   тонны золота)
Ульмский собор. Германия, Ульм
Самый высокий
Самый большой по высоте шпиля(161 м)
Ульмский собор. Германия, Ульм
Культовые здания часто украшают изображениями птиц. Обычно в христианской традиции это или орлы, как знак всевидения Господа, или голуби, символизирующие Святой Дух. Только в Ульме можно увидеть готический собор, украшенный изваяниями воробьев. Эти безобидные птицы сменили хищников на крыше собора не по какой-то теологической причине — просто это своеобразный символ города. В башне, которую венчает самый высокий шпиль, 768 ступеней — оттуда открывается вид на Дунайскую равнину и предгорья Альп с высоты воробьиного полета. Кроме высоченного шпиля в соборе стоит рассмотреть изящные резные хоры из дуба: на них изображены не только библейские персонажи — мастер Йорг Сирлин-старший на одном конце хоров поместил себя и свою жену, а на другом свою хорошенькую любовницу.

smallbay.ru
dic.academic.ru

Википедиия
www.afisha.ru
www.maykapar.ru
www.bibliotekar.ru «Всеобщая история искусств»
images.yandex.ru
www.liveinternet.ru/community/biblioteka_kartinok_
http://gorod.tomsk.ru/index-1230183721.php
www.woman.ru
Prezentacii.com


Скачать презентацию или конспект Культура ее сущность. Искусство


Скачать презентацию или конспект Искусство 19 века


title: Скачать презентацию или конспект Искусство и духовная жизнь

extracted_text:
Искусство и духовная жизнь
Prezentacii.com
Искусство
Искусство – это форма человеческой деятельности, художественное творчество, проявляющееся в различных видах – живописи, архитектуре, скульптуре, литературе, музыке, танцах, театре, кино, дизайнерской деятельности.
Это особый способ познания  и отражения мира. С его помощью и с помощью науки, человек пытается осмыслить, отразить и преобразить мир.
Искусство изучает наука эстетика (от греч. asthetikos – чувственный, чувствующий) – исследует сущность и формы прекрасного в художественном творчестве, общие законы искусства, проявляющиеся по разному.

Особенности искусства
Особенности:
Для искусства характерно чувственное восприятие окружающего мира.
Искусство субъективно – лишь пропустив через себя окружающий мир, человек может претендовать на звание творца.
Образность искусства – именно создание художественного образа отличает искусство.
Для деятеля искусства средством познания мира является художественный образ – рожденное воображением художника индивидуальное восприятие действительности.
Создание произведения искусства и его восприятие индивидуально.Процессы творчества не зависят от опыта и материальных потребностей общества.
Виды: литература, живопись, скульптура, архитектура, музыка, театр, кино и т.д. Их различают по средствам  способам создания художественного образа. Виды объединяют в группы:
Пространственные – занимают какую-то часть пространства, не меняются во времени и находятся в движении (живопись, архитектура, скульптура)
Временные – меняются на протяжении времени, пока ими наслаждаются (литература, музыка, театр)
Речевые и изобразительные
Зрительные и слуховые
Синтетические искусства – стремятся объединить в себе достижения других видов.

Виды искусства
Направления искусства – романский, готический, барокко, классицизм, романтизм, реализм и т.д.
Существует смесь течений – модернизм, экспрессионизм, авангардизм, абстракционизм, сюрреализм, постмодернизм и т.п. различают их по приближенности образов, используемых ими для передачи собственного видения мира, к реальности.
модернизм
готика
Эстетическая культура
Искусство, будучи общедоступным, требует от человека определенного умения, мастерства восприятия прекрасного – эстетической культуры.
Понимание красоты и гармонии не дается с рождения, это необходимо воспитывать.
Тенденции духовной жизни современной России
На духовную жизнь России на протяжении веков оказывал воздействие многонациональный состав населения со своими историческими и религиозными традициями.
На современную духовную жизнь российского общества повлияли радикальные преобразования в российском обществе, которые привели к изменениям в экономическом, историческом, социальном и культурном плане.
Жесткий контроль за жизнью в Советском государстве создал ситуацию раздвоения культуры.
Перестройка и последующие реформы полностью изменили всю структуру духовной жизни России. Общество получило свободу самовыражения и в сфере культуры. Исчезли идеологические факторы, ограничивающие творчество.
Художник получил свободу самовыражения, а потребитель – свободу выбора.
Из подполья культура вышла на рынок и вынуждена была отвечать запросам публики и приносить прибыль – быть самоокупаемой. В этой ситуации российский рынок заняла продукция запада.
При первом экономическом кризисе государство ослабило поддержку сферы культуры; новые условия заставили поменять культурную инфраструктуру. Культурная жизнь сконцентрировалась в Москве и крупных городах.
В этот период многие обратились к религиозным верованиям.
Перемены  культурных ориентиров проходили болезненно, но ставили перед обществом задачи относительно духовно-нравственной атмосферы в стране.

Выход из проблемы нашли:
Необходима материальная поддержка инфраструктуры, налаженное управление, регулирование и финансирование.
Укрепление и обновление системы образования, восстановление средств и способов привлечения масс к культурным процессам.
Поддержка отечественного искусства, развитие научных исследований.
Воспитание толерантности вместе с поддержкой национальных традиций.
Саморазвитие.

Prezentacii.com


title: Скачать презентацию или конспект Жизнь и творчество Сальвадора Дали

extracted_text:
Жизнь и творчество Сальвадора Дали.

Учитель ИЗО,МХК. МАОУ Ильинской СОШ .Лебедь С.Г

“К шедеврам ведут три дороги”, - сказал Сальвадор Дали. - “Первое – классический рисунок, Второе – классический  рисунок, доведённый до бредовых Степеней совершенства, третье – классический рисунок, сверх насыщенный энергией”.

Жизнь и творчество Сальвадора Дали неразрывно связаны друг с другом. Многие события жизни художника находили отражение в его работах, а некоторые картины можно понять, только зная факты биографии.
ЭТО УДИВИТЕЛЬНО! СЮРРЕАЛИСТ И ГЕНЕТИКА
Спору нет, испанский сюрреалист Сальвадор Дали — личность неординарная, художник с мировой славой, но скандалист, экстра-специалист по эпатажу.
Но мало кому известно, что он проявлял повышенный интерес к научным достижениям своего времени и это привело его к отказу от мистических взглядов на суть жизни, в частности на ее происхождение.

Мимо внимания Сальвадора Дали не прошли самые первые сообщения о спиральной структуре и роли ДНК в эволюции жизни. Эта проблема интересовала его затем до конца жизни и даже отразилась в его творчестве — Дали создал несколько картин на генетическую тему, которые, увы, не были замечены искусствоведами. Дали создал свои полотна как раз в то время, когда кровожадные скептики набросились на авторов идеи тонких генетических структур. Своим всемирным авторитетом он поддержал тогда смелых новаторов-генетиков.

Примерно с 1926 года Дали писал в очень резкой, почти фотографической манере; одновременно он экспериментировал и с другими стилями. Работами этого периода Дали доказал, что он уверенно владеет живописной техникой старых мастеров. Это совершенство он позже использовал для того, чтобы представить как реальность самые фантастические сюжеты из своих иррациональных кошмаров и грез.
Андалузский пёс: фильм Сальвадора Дали и Луиса БунюэляГод выпуска: 1928. Продолжительность: 16 мин
Фильм представляет собой последовательность разноплановых, зачастую шокирующих, сюрреалистичных образов. В основе сценария фильма «Андалузский пес» лежат два сновидения его создателей Луиса Буньюэля и Сальвадора Дали. Сцена с облаком, рассекающим луну («Словно бритва режет женский глаз») приснилась режиссеру картины Луису Бунюэлю. Сцена с муравьями, ползающими по оторванной руке, — Сальвадору Дали.
Бунюэль невысоко оценивал попытки логических объяснений фильма. "Мне доводилось слышать или читать более или менее изобретательные толкования фильма "Андалузский пес", но все они одинаково далеки от истины. Вместе с Дали мы брали всё, что только приходило на ум, а затем безжалостно отбрасывали все то, что могло хоть что-нибудь значить" — говорил он в одном из своих интервью.
Встреча с Галой
Весной 1929 года Дали через своего торговца картинами Камилла Гоеманса познакомился с французским поэтом Полем Элюаром, пообещавшим летом навестить художника в Кадакесе.В этот период Дали со всей настойчивостью пытался вырваться из под влияния своего деспотичного отца и испытывал комплексы при общении с другими людьми. Состояние художника было близко к истерике.Его картины отражали ночные кошмары и были населены малопонятными образами. Когда Элюар приехал в Кадакес с женой Галой и дочерью Сесиль, Дали сразу почувствовал, что его тянет к этой женщине.
Его истерия усилилась настолько, что друзья начали беспокоиться о здоровье художника и просили Галу позаботиться о нем. Чтобы привлечь внимание женщины, Дали повел себя еще более эксцентрично. Он выбрил подмышки и выкрасил их голубым цветом, разрезал рубашку, вымазался козьим пометом с рыбьим клеем и украсил ухо красной геранью. А когда он увидел Галу, его начал сотрясать приступ безумного смеха.
Тогда женщина взяла художника за руку и попыталась успокоить, пообещав никогда его не оставлять. Вскоре стало ясно, что между Галой и Дали возникло сильное взаимное чувство. И когда Элюар хотел увезти жену назад в Париж, она решила остаться с Дали.
Сальвадор Дали и Гала (Елена Дьяконова)

После того, как в 1949 году Дали получил аудиенцию папы Пия XII, во время которой тот благословил первый вариант Мадонны Порт-Льигата, художник официально заявил о своей приверженности католицизму. Не только в живописи, но и в статьях, написанных после возвращения из Соединенных Штатов, Дали все активнее обращался к религиозным сюжетам.

Интерес Дали к естественным наукам возник еще в 1930-е годы. Уже тогда его занимали теория относительности Альберта Эйнштейна и вопросы о соотношении пространства и времени.Это нашло отражение в его творчестве (Постоянство памяти).
Бомбардировка Хиросимы заставила Дали обратиться к теории атома. Завороженный мыслью о том, что материя состоит из мельчайших элементарных частиц, он начал «дробить» формы своих изобразительных мотивов.

Естественнонаучные вопросы всегда занимали Дали. Запоем читая специальные журналы, художник постоянно черпал новейшую информацию. Уже в семидесятилетнем возрасте он пытался усвоить только что разработанную теорию катастроф.Во всех работах Дали, посвященных естественнонаучной тематике, обращает на себя внимание отсутствие каких бы то ни было эпатирующих элементов изображения. Причина этому — существование, по убеждению Дали, тесной связи между естественными науками и религией.
Выступления и статьи
Дали был не только художником, но и писателем. Его перу принадлежат, помимо двух дневников и многочисленных произведений псевдоавтобиографического характера, роман, несколько стихотворений, многочисленные эссе и манифесты об искусстве.Писательская деятельность имела для Дали ничуть не меньшее значение, чем живопись. И то, и другое были в его жизни связаны друг с другом самым тесным образом. Заметки, оставленные художником, — важный источник для истолкования его творчества.
Дали и фотография
Еще в молодые годы Дали, парадоксальный изобретатель и эстет, обратился к искусству фотографии. Снимки сохраняли воспоминания, стимулировали поиски тем, помогали в деле саморекламы. Фотографии служили прежде всего мифу о Дали, который он сам искусно и упрямо создавал и который он однажды охарактеризовал как «свое величайшее художественное произведение». Фотограф Марк Лакруа, друживший с живописцем, говорил, что в 1970-е годы художник начал «играть Дали» перед многочисленными камерами, как от него и ожидали.
Послевоенная слава 1958 – 1970
С возрастом Дали определил для себя границы живописи и попытался расширить их с помощью новой техники, сделав живопись более доступной оптическому восприятию. Обращение к современным естественным наукам воплотилось в символику, порой перегружающую его картины.

Ненасытную жажду рекламы художник все чаще утолял с помощью телевидения, которое в начале 1960-х годов окончательно превратилось в средство массовой информации. Теперь художник мог добиться внимания зрителей, не интересовавшихся искусством. Как и доклады, его многочисленные интервью и любые появления на телеэкране превращались в тщательно выверенные спектакли.Например в ходе интервью на «Би-би-си» художник так активно вмешивался в работу режиссера, что, несмотря на простые вопросы, получился экспериментальный сюрреалистический радиофильм.Наряду с Пикассо Дали был причислен к великим, живущим сегодня классикам. Но художник искал все новые и новые возможности саморекламы. Поэтому в 1960-е и 1970-е годы он интенсивно сотрудничал и с печатными средствами массовой информации, и с телевидением, всегда жаждущими сенсаций
Скандалы и катастрофы
Дали обожал провокации. Уже в годы учебы в Мадриде его эксцентричные выходки привлекали внимание. Вызывающая манера одеваться и шокирующее поведение вначале помогали студенту Дали преодолеть робость в общении.Художник Дали одним из первых использовал рекламу как средство самовыражения, а его скандальные выходки были способом напомнить о себе и своей работе. Во время «Большой выставки сюрреалистов» в Лондоне в 1936 году Дали выступил с докладом и вышел на сцену в водолазном костюме.Правда, в этом костюме он едва мог дышать, и скафандр мешал разбирать его слова. Отчаянная жестикуляция помогла присутствующим понять, что Дали плохо, и привратник с помощью отвертки вызволил художника.
Эксперименты последних лет 1971 - 1989
В 1970-е годы Дали писал относительно мало, зато интенсивно занимался созданием своего музея в родном городе Фигересе. Постоянное упоминание Дали в средствах массовой информации, большие ретроспективные выставки в лучших музеях мира сделали его широко известным и открыли для него новую, молодую публику. В это время он пытался разрабатывать трехмерное изображение, основываясь на призматических зеркальных системах, интересовался художественной голографией, техника которой была недавно изобретена. В 1982 году скончалась Гала.Несмотря на взаимное охлаждение в последние годы, Дали испытал шок от происшедшего и стал все более замыкаться в себе. Он перестал писать и часто бредил идеей бессмертия. 23 января 1989 года Дали умер в башне Галатеи, где жил в последние годы.
Праздник в Фигерасе (1916)
Натюрморт (1918)
Лодка (ок. 1918)
Портрет моего отца (1920-1921)
Кадакес, увиденный со спины (1921)
Портрет Люсии (1918)
Автопортрет в студии (1919)
Два цыганских мальчика (1920)
Археологический отголосок Анжелюса Милле (1935)
Пылающий жираф (Жираф в огне) (1936-1937)
Бродячие акробаты (1921)
Цирк (1921)
Подглядывающий (1921)
Автопортрет с рафаэлевой шеей (ок. 1920-1921)
Автопортрет (ок. 1921)
Кубистический автопортрет (1923)
Больной мальчик (Автопортрет в Кадакесе) (1923)
Натюрморт — Рыба (1922)
Молодые женщины (ок. 1923)
Венера и матрос (1925)
Венера и матрос (1925)
Женская фигура у окна (1925)
Размышление (1925)
Молодая женщина, увиденная со спины (1925)
Пьерро, играющий на гитаре (1925)
Женщина у окна в Фигерасе (ок. 1926)
Пенья-Сегатс (1926)
Корзинка с хлебом (1925)
Барселонская манекенщица (1927)
Кубистическая фигура (ок. 1927)
Натюрморт в лунном свете (1928)
Приспособление и рука (1927)
Симбиоз женщины и животного (1928)
Призрачная корова (1928)
Сюррелистическая композиция (1928)
Незримый человек (1929)
Сальвадор Дали умел сделать легенду из любого момента, чуть ли не из каждого часа своей жизни. Его контакт с индустрией моды дал немало интересных изобретений. Он придумал платья с фальшивыми накладными деталями, чтобы создать образ женщины, отвечающий эротическим представлениям мужчины; туфли на пружинках; искусственные ногти с маленькими зеркальцами, в которые можно смотреться; прозрачные манекены для витрин (в них наливали воду и выпускали рыбок для имитации кровообращения). Дали также оформлял своими рисунками обложки и страницы журналов для женщин — "Harper’s Bazaar" и "Vogue". В 1946 году обложку декабрьского номера "Vogue" украсила картина "Рождество", написанная в том же году, которая впоследствии дала идею для создания духов.
Дали — дизайнер

Духи и Сальвадор Дали
Сюрреалистическая одежда: Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали
В начале XX века сюрреалистические идеи витали в воздухе, проникая в умы неординарных личностей, подобно вирусу. Сальвадор Дали, самый известный из носителей этого вируса, никогда не отказывал себе в удовольствии сотрудничества с представителями других областей искусства, разделяющими его сюрреалистические взгляды на мир.
«Безумная» одежда Эльзы Скиапарелли
Знакомство Дали с Жаном Кокто и эпатажным дизайнером Эльзой Скиапарелли, которое произошло в 20-x годах прошлого века, было предрешено: Эльза не упускала случая шокировать публику, реализуя принципы сюрреализма в конструировании одежды, а Сальвадора и Жана очаровала идея создания арт-шедевров в платьях и костюмах.
Несколько эскизов Дали для шляпок Эльзы Скиапарелли (шляпа-котлета, шляпа-туфля и шляпа-чернильница):
Идея шляпы-обуви появилась у Дали еще в 1933 году, когда, фотографируя Гала, он положил ей на голову комнатную туфлю. В 1937 году задумка была реализована и пополнила шляпную коллекцию Скиапарелли. Шляпу-туфлю носили Гала и сама Эльза, а затем она досталась одной из лучших клиенток Скиапарелли, Дэйзи Феллоуз, которая в то время была редактором франко-американского журнала Harper's Bazaar.
«Телефон-омар» Сальвадора Дали
«Телефон-омар», также известный как «Телефон-афродизиак» (Aphrodisiac Telephone), родился в мозгу Сальвадора Дали в 1935 году. Выполняя заказ еженедельного нью-йоркского издания American Weekly, Дали нарисовал «телефон будущего» — аппарат, у которого вместо ручки… омар.
«Телефон-омар» Сальвадора Дали (сейчас находится в галерее Tate Modern)
«Диван-губы» Сальвадора Дали
Губы — один из любимых символов Дали, олицетворение сексуальности, тайны и соблазна. Десятилетия спустя, в 1974 году, Сальвадор Дали вернулся к идее создания дивана в форме губ и совместно с испанским дизайнером Оскаром Тускетс Бланкой создал кожаный ярко-красный диван, который стал центральным элементом комнаты Мэй Уэст в музее Фигераса.
Сатиново-алый диван, очертаниями повторяющий форму губ скандальной и необыкновенно сексуальной звезды Бродвея, актрисы Мэй Уэст, появился в 1937 году, в разгар творческого периода, который биографы Дали называют параноидально-критическим. Сам Дали считал Мэй Уэст эротическим памятником эпохи.
Ретроспективный бюст женщины
В 1933 году Дали создал мистический и немыслимый скульптурный коллаж из элементов совершенно различной природы, объектов своего фетиша и символов своего же страха — «Ретроспективный бюст женщины». Сочетание хлеба и кукурузных початков с нежным лицом женщины и ее волнующей грудью создают образ плодородия. Однако ползающие по лбу муравьи и форма багета (удлиненная, фаллическая) символизируют женщину, как объект потребления и представляют собой намек на тщательно скрываемую депрессию.
Пиджак-афродизиак
Что делает гения гением? Какая сила дарит ему вдохновение, поддерживает огонь в глазах и нашептывает сюжеты шедевров? Сальвадор Дали никогда не скрывал, что источники его вдохновения — это любовь, страсть и сексуальное желание. Для любви и страсти у него была обожаемая Гала, а для поддержания сексуального желания он сам себе придумывал афродизиаки. Один из них — жакет, обостряющий сексуальное восприятие.
Сегодня к ужину наденьте чувственный жакет!
К смокингу на тоненьких соломинках были подвешены 83 стаканчика с мятным ликером (странно, что испанец выбрал в качестве символа усиления влечения именно мяту: как известно, она успокаивает и немного притупляет мужскую силу).
Сюрреалистический «Кадиллак» — «Дождливое такси»
Впервые «Дождливое такси» появилось на сюрреалистической выставке в Париже, в 1938 году.
Дизайнерская мебель от Сальвадора Дали

Кресло и столик Leda
Лампы
Просвещённые удовольствия (1929)
Мрачная игра (1929)
Сон (1931)
Постоянство памяти (1931)
Сюрреалистическая композиция с незримыми персонажами (1931)
Растительное превращение (1931)
Рождение текучих желаний (1932)
Портрет Гала с двумя рёбрышками ягнёнка, балансирующими на её плече (1932)
Сюрреалистический предмет, способный измерить мгновенное воспоминание (1932)
Таинственные источники гармонии (1934)
Мягкие часы (1933)
Треугольный час (1933)
Ретроспективный бюст женщины (1933)
Призрак Вермера Делфтского, способный послужить и столом (1934)
Атавизм сумерек (1933-1934)
Сон, возлагающий руку на мужскую спину (1934)
Всадник по имени смерть (1935)
Женщина с головой из роз (1935)
Податливое сооружение с варёными бобами (Предчувствие гражданской войны) (1935)
Бюст Джеллы Ллойд (1934)
Лицо Мэй Уэст (сюрреалистическая комната) (1934-1935)
"Анжелюс" Гала (1936)
Венера Милосская с ящиками (1936)
Большой параноик (1936)
Осенний каннибализм (1936)
Антропоморфный шкафчик (1936)
Сон (1937)
Лебеди, отражённые в слонах (1937)
Превращение нарцисса (1936-1937)
Сотворение чудовищ (1937)
Загадка Гитлера (1937)
Испания (1938)
Явление лица и вазы с Фруктами на берегу моря (1938)
Беконечная загадка (1938)
Исчезающие образы (1938)
Невольничий рынок с явлением незримого бюста Вольтера (1938)
Вечерний паук...надежда (1940)
Философ, освещённый луной и ущербным солнцем (1939)
Эскиз декорации для балета "Лабиринт" (1941)
Леди Луис Маунтбеттен (1940)
Моя жена,обнажённая, смотрит на собственное тело, ставшее лесенкой, тремя позвонками колонны, небом и архитектурой (1945)
Портрет Пикассо (1947)
Расщепление атома (1947)
Мадонна Порт-Льигата (1950)
Христос святого Хуана де ля Крус (1951)
Гала, созерцающая Corpus hupercubus (1954)
Corpus hupercubus (1954)
Колосс Родосский (1954)
Тайная вечеря (1955)
Гвадалупская Богоматерь (1959)
Веласкес, пишущий портрет инфанты Маргариты в лучах и тени собственной славы (1958)
Портрет моего покойного брата (1963)
Дали, повернувшись спиною, пишет портрет Гала, повернувшейся спиною и увековеченной шестью виртуальными роговицами, временно отражёнными в шести зеркалах (1977)
Явление лица Афродиты Книдской на фоне пейзажа (1981)
Путь загадки (1981)
Pieta (1982)
Голова, подсказанная Микеланджело (1982)
Жемчужина (1981)
Мученик (1982)


title: Скачать презентацию или конспект Иероним Босх

extracted_text:
Иероним Босх"Почетный профессор кошмаров"

1450—1516
Prezentacii.com

Еру́н Анто́нисон ван А́кен Иеро́ним Босх
Нидерландский художник

 ЗАГАДОЧНЫЙ Мастер Северного Возрождения.

В родном городе Босха Хертогенбосе
( он выбрал в качестве псевдонима усеченное имя родного города)
 открыт центр творчества Босха, в котором представлены
 копии его произведений

Автобиографические данныеБосх - средневековый шизик-живописец, больная психика которого рисовала такое, от чего до сих пор у вполне здоровых людей срывает крышу.А.А.Яворивов
Художниками были Ян ван Акен (дед Босха) и четверо из его пяти сыновей, включая отца Иеронима Босха Антония;
Первые уроки живописного ремесла Иероним получил в семейной мастерской;
 В 1478 г. умер его отец и Босх унаследовал  его художественную мастерскую;
Около 1480 г. он женился на Алейт Гойартс ван ден Мервене;
В 1486 г. он  вступил в Братство Богоматери («Zoete Lieve Vrouw») — религиозное общество, возникшее в Хертогенбосе(353ч.)
В 1987 его пригласили украсить резной алтарь Богоматери, и он был награжден за то, что помог выбрать модель креста.
В конце жизни он выполнял заказы для бурдгунского двора, что говорит о его признании современниками.
Босх был знаменит и почитаем. После смерти художника испанский король Филипп II (1527-1598 гг.) собрал большую коллекцию его работ в своей резиденции-монастыре Эскориале.
Стилистически его творчество принято разделять на ранний (1475-80), средний (1480-1510) и поздний (с 1510) периоды.

В 1516 году ПОСЛЕДНЕЕ МГНОВЕНИЕ и ….
Крышка его гроба захлопнулась в родном  Хертогенбосе, когда ему было 66 лет. Молва приписывает ему слова, якобы сказанные за несколько мгновений до смерти: «Дайте свет».
Руководивший раскопками могилы Босха в 1977 году Ханс Гаальфе рассказал журналистам, что захоронение пустует. Исследования надгробия  привели к неожиданному результату: фрагмент камня, помещенный под микроскоп, начал слабо светиться, а температура его поверхности внезапно возросла на три с лишним градуса.
Церковь вмешалась в исследования и потребовала срочно прекратить надругательство: с тех пор могила Босха в соборе святого Иоанна неприкосновенна. На ней лишь выгравировано имя художника и годы его жизни: 1450-1516.
 А над могилой - фреска его руки: распятие, освещенное «странным зеленоватым светом».

Творчество
                Музеи
Прадо, Мадрид
Музей Ласаро Гальдиано, Мадрид
Монастырь Сан Лоренсо дель Эскориал
Лувр, Париж
Музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам
Музей изящных искусств, Гент
Королевский музей изящных искусств, Брюссель
Музей истории искусств, Вена
Академия изобразительных искусств, Вена
Альбертина, Вена
Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне
Берлинская картинная галерея, Берлин
Гравюрный кабинет, Берлин
Национальный музей древнего искусства, Лиссабон
Дворец дожей, Венеция
Национальная галерея искусства, Вашингтон

            О картинах
К сохранившемуся наследию Иеронима Босха относятся
      25 картин и 8 рисунков(новые данные около 35 произведений)
Картины — это триптихи, фрагменты триптихов и  самостоятельные картины.
Лишь 7 творений Босха подписаны.
История не сохранила оригинальных названий картин, которые дал своим творениям Босх.
Известные нам названия закрепились за картинами по каталогам.
Отдельные картины
«Семь смертных грехов и Четыре последние вещи»
«Брак в Кане»
«Фокусник»
«Извлечение камня глупости» («Операция глупости»)
«Увенчание терновым венцом»
 Фрагмент несохранившихся триптихов Босха
«Корабль дураков»
«Несение креста»
  Триптихи Босха
«Сад земных наслаждений»
«Воз сена»

Грехопадение

Воз сенамузей Эскориал, Мадрид
Воз сенамузей Прадо, Мадрид
Ад
Внешниестворки
Увенчание терновым венцом
C.Иоанн Креститель
в размышлении
         СИМВОЛЫ


Скачать презентацию или конспект Искусство доколумбовой Америки


title: Скачать презентацию или конспект Театр 17-18 веков

extracted_text:
ТЕАТР 17 – 18 ВЕКОВ
Учитель ИЗО,МХК. МОУ Ильинская СОШ .Лебедь С.Г
МЕЛЬПОМЕНА, МУЗА ТРАГЕДИИ
Главное назначение театра барокко - поразить воображение, удивить, ошеломить зрителей.
     Сложные, запутанные сюжеты авантюрного характера призваны были держать зрителя в постоянном напряжении. Излюбленным жанром барокко стала трагикомедия.
ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКИЙ ТЕАТР БАРОККО
ДЕКОРАЦИИ ТЕАТРА В XVII ВЕКЕ
ТЕАТРАЛЬНОЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЕСО СПЕЦЭФФЕКТАМИ
В 1635 г. он был назначен придворным драматургом и пользовался исключительным вниманием Филиппа IV. В 1651 г. принял духовный сан и вступил в члены религиозного братства, в 1653 г. получил место священника в Толедо, а в 1663 г. был назначен капелланом при особе короля; эту должность он занимал до самой смерти, в 1681 г. Духовный сан нисколько не мешал Кальдерону, как и Лопе де Вега; он писал для театра и даже присутствовал при представлении своих пьес; только с 1651 г. он писал не для народной сцены, а для придворных спектаклей и религиозных торжеств.
КАЛЬДЕРОН ДЕ ЛА БАРКА (1600- 1681)
Светские пьесы Кальдерона можно разделить на три класса: трагедии, драмы философского содержания и комедии. В основе трагедий Кальдерона лежат три чувства: честь, ревность и любовь, причем верховным чувством является первая.
знаменитый испанский драматург сумел выразить дух эпохи барокко
«ЗОЛОТОЙ ВЕК»ФРАНЦУЗСКОГО ТЕАТРА КЛАССИЦИЗМА
Основные принципы драматургии и театра классицизма:
Строгое следование лучшим античным традициям.
Соблюдение закона трех единств: места, времени и действия.
Верность природе, правдоподобие.
Постоянство характеристики героев.
Строгое деление на жанры.
Неожиданная поучительная развязка действия.

ФРАНЦУЗСКИЙ ТЕАТР(17-18 В.В.)
ПЬЕР КОРНЕЛЬ (1606-1684)
 В 1624 году Корнель становится юристом, но, чувствуя влечение к театру и поэзии, уезжает в Париж и уже в 1629 году ставит свою первую комедию, "Мелиту". В 1633 г. молодого драматурга представляют кардиналу Ришелье. Вместе с "Сидом", премьера которого состоялась в начале 1637 года, к Корнелю приходит слава. Людовик XIII жалует драматургу дворянство.
 В начале 1660-х годов Корнель возвращается на сцену, но его новые пьесы уже не вызывают прежнего восторга у публики, тем более, что его все больше и больше затмевает новый драматург, Расин. Старость поэта печальна. В 1674 году, один из его сыновей погибает на войне. К этим горестям присоединяются финансовые проблемы.
     В последние годы жизни великого драматурга удача снова улыбается ему: в октябре 1676 года, Людовик XIV приказывает поставить в Версале "Цинну", "Горация", "Помпея", "Эдипа", "Сертория" и "Родогуну". Корнель знаменит на всю Европу. Великий французский драматург умирает в Париже, в ночь с 30 сентября на 1 октября 1684 года.
ЖАН РАСИН (1639-1699)
     Французский драматург. В начале шестидесятых годов перед Расином открываются двери придворных салонов и начинающий драматург расширяет круг литературных знакомств. В то же время Расин приобретает покровительство Людовика XIV и его любовницы, госпожи де Монтеспан. Следующие два десятилетия становятся вершиной славы Расина.      Величайшими трагедиями Расина являются "Андромаха" (1667) и "Федра" (1677). Именно в них наиболее ярко проявляются новшества, привнесенные Расином в драматургию: изображение слепых страстей, неизменно приводящих к катастрофе, неукоснительное следование правилу трех единств, и др.
ЖАН-БАТИСТ МОЛЬЕР (1622-1673)
Жан-Батист Поклен родился в Париже; детство проводит в буржуазной среде, которая в будущем послужит фоном для многих его комедий. Его отец, королевский ковровщик, отдал сына в коллеж Клермон, где будущий драматург получил образование "порядочных людей": математика, физика, танцы, фехтование.
Чувствуя влечение к театру, молодой Поклен становится актером в 1643 г., берет псевдоним Мольер и организовывает труппу. Мольер играет модные трагедии, но успех еще не приходит к нему.
Первым большим успехом Мольера в Париже стала пьеса "Смешные жеманницы"
Следующие годы становятся для Мольера периодом создания самых знаменитых его пьес: "Тартюфф", "Дон Жуан" , "Мизантроп". Последние пьесы Мольера отвечают вкусам Людовика XIV: балетам, музыке, развлекательным спектаклям.
Во время представления в Пале-Рояле комедии "Мнимый больной", Мольер теряет сознание, а несколько часов спустя умирает.
БОМАРШЕ  ПЬЕР ОГЮСТЕН (1732 — 1799)
Уже в первых, так называемых, «мещанских драмах» — «Евгения» (1767), «Два друга» (1770), Бомарше правдиво рисует картины социального неравенства.
       «Мемуары» Бомарше (1773—1774) — четыре памфлета, в которых беспощадно разоблачены нравы современного ему судопроизводства.
Пьесой «Севильский цирюльник» открывается самый блестящий период в творчестве Бомарше. Он внёс живые черты современности в старые комедийные персонажи. В отличие от своего литературного прототипа, смышлёного и ловкого слуги, талантливый и энергичный, чувствительный и остроумный плебей Фигаро — не только «нерв интриги», но и её идейный центр. Фигаро противостоит бездарному графу Альмавиве.
В комедии потенциально уже содержался тот конфликт, который лег в основу 2-й части трилогии о Фигаро — комедии «Женитьба Фигаро» (постановка 1784). В ней и выразительно очерченные образы, и саркастический смех, и проявления чувствительности — всё проникнуто пафосом негодования, издёвки по адресу изживших себя аристократических привилегий. Живость характеров, стремительность действия, фейерверк острот, блестящий диалог — отличительные черты Бомарше-комедиографа.
В дальнейшем драматург отходит от того типа комедии, который принёс ему мировую славу. В 3-й части трилогии — «Виновная мать» ( 1792) остепенившийся, лишённый задора и блеска Фигаро озабочен лишь благополучным завершением семейных дел своего былого противника; остроумная комедия с чертами сатиры превратилась в мелодраму.
Картина Головина: Эскиз декорации к комедии Бомарше «Безумный день или Женитьба Фигаро»
БОМАРШЕ  ПЬЕР ОГЮСТЕН (1732 — 1799)
ФРАНЦУЗСКИЕ ТЕАТРАЛЬНЫЕ КОСТЮМЫ. 17-18 ВЕК.
ИСТОРИЯ РУССКОГО ДРАМАТИЧЕСКОГО ТЕАТРА
Комедийная хоромина — первое театральное здание в России, предназначенное для театральных представлений. Оно было построено в 1672 году в летней резиденции царя Алексея Михайловича в селе Преображенском близ Москвы (теперь это Москва).
Полковнику фон Стадену, уезжавшему за границу весной 1672 года, было поручено (среди прочих поручений) привезти для государя в службу всяких людей, „которые б умели всякие комедии строить“. Но полковнику это поручение выполнить не удалось, так как иностранные актеры, имеющие самое приблизительное представление о Московии, да к тому же изрядно напуганные различными разговорами, ехать в Россию отказались. Это обстоятельство, однако, не изменило намерение создать театр. Заняться организацией театра было поручено пастору из Немецкой слободы в Москве Иоганну Грегори.
КОМЕДИЙНАЯ ХОРОМИНА
По приказу царя Грегори должен был „учинити комедию“, а „на комедии действовать из Библии книгу „Есфирь“. В это время и был построен театр Комедийная хоромина. Труппу театра набрали из детей иноземцев, живших в Москве. Она состояла из шестидесяти четырех человек. Сам Грегори и переводчик посольского приказа Юрий Гивнер репетировали пьесу, написанную на библейский сюжет. Пьеса была первоначально написана по-немецки, а потом переведена на русский язык. Репетиции проводились на двух языках.
17 октября 1672 года состоялось первое представление придворного театра. Спектакль „Есфирь“, или „Артаксерксово действо“, имел большой успех. Зрители были поражены тем, как на сцене события прошлого оживают перед ними и переносятся во время настоящее. Спектакль длился десять часов подряд без антракта, что объяснялось огромным размером пьесы.
„Комедиальная храмина“ — театральное здание, выстроенное в Москве в 1702 году на Красной площади против Никольских ворот Кремля. Театральное помещение выстроено по приказу царя Петра I для публичного государственного театра. Новый театр значительно отличался от существовавшего во времена царя Алексея Михайловича. Он был общедоступным, то есть рассчитанным не на придворного, а на городского зрителя. Петр I придавал этому театру большое значение. Находясь в Архангельске, он не забывал следить за выполнением его указа о строительстве театра в Москве. Идея Петра I, конечно же, встречала сопротивление в среде поборников старого стиля жизни — им не нравилось и то, что театр расположили в самом центре древней русской столицы. (По первоначальному замыслу театр должен был располагаться внутри Кремля.) К концу 1702 года „Комедиальная храмина“ была готова.
Петр Великий ставил перед театром задачи воспитания общества в духе патриотическом, и он должен был прославлять российское государство и самого Петра, он должен был прославлять победы русского оружия и быть культурным и приличным развлечением. Открытие театра совпало со временем больших побед, одержанных русской армией над войсками Карла XII. Театр предполагалось открыть представлением „триумфальной комедии“, посвященным военным победам России в произошедшей войне.
КОМЕДИАЛЬНАЯ ХРАМИНА
Школьными“ назывались театры духовных учебных заведений. Первый, упоминающийся в литературных источниках, такой спектакль состоялся в Киево-Могилянской академии.
В основании школьного театра лежала школьная драма, сочиненная по определенным правилам пиитики. Она опиралась, прежде всего, на „правила“ христианского учения о мире и человеке, о добре и зле, на строгие церковные догматы и вечные библейские и евангельские „сюжеты“. Очень часто сами пьесы являлись практическим приложением к школьной пиитике: их писали преподаватели, ученые монахи для летних рекреаций (каникул).
МАЛОРУССКИЙ ШКОЛЬНЫЙ ТЕАТР
Университетский театр был создан при Московском университете в 1757 году с целью открыть учащимся „новое поприще к развитию и образованию их способностей в декламации и мимике“, а также сблизить университет с обществом. В театре играли студенты и воспитанники университетской гимназии.
Театром руководил известный русский драматург М. М. Херасков (1733–1807). Деятельность Университетского театра была связана с теми просветительскими традициями, которые утверждались М. В. Ломоносовым и его последователями. В спектаклях этого театра принимали участие Д. И. Фонвизин, Я. Булгаков, И. Ф. Богданович (автор знаменитой „Душеньки“), Е. Булатницкий, М Д. Чулков, В. А. Троепольский, ставшие впоследствии видными деятелями русской литературы, науки и искусства.
Сначала спектакли театра были закрытыми. Но вскоре представления начали давать на святках и во время масленицы в университетском помещении на Воскресенской площади. С 1759 года их показывали уже широкой публике, то есть они стали публичными.
УНИВЕРСИТЕТСКИЙ ТЕАТР
      В 40-ых годах 18 века, в Ярославле появилась первая труппа русских актеров, которую возглавлял  Федор Волков. В  1752 году, труппу пригласили играть в Петербург, а через четыре года труппа стала авангардом русского театра 18 века. Русский театр в Петербурге  располагался на Васильевском острове, в доме Головина. Директором театра был Сумароков. На сцене Петербургского тетра впервые были поставлены пьесы Фонвизина.

знаменитый писатель, драматург, создатель русской бытовой комедии, виднейший представитель русского Просвещения екатерининской эпохи.
Денис Иванович Фонвизин происходил из рыцарского рода, вышедшего из Ливонии при Иване Грозном, давшего России несколько поколений служилых дворян. Сын Ивана Андреевича Фонвизина, образ которого позже воплотил в своём любимом герое «Стародуме» в своём произведении «Недоросль». Творец «Недоросли» был не только крупным и талантливым драматургом XVIII века. Он — один из основоположников русской прозы, замечательный политический писатель, воистину великий русский просветитель, бесстрашно, в течение четверти века, воевавший с тиранией.
ДЕНИС ИВАНОВИЧ ФОНВИЗИН (1745 - 1792 )
 ВОЛКОВ ФЕДОР ГРИГОРЬЕВИЧ  (1729- 1763) положил начало формированию важнейших традиций русского национального театра.
«Сей муж был великого, обымчивого и проницательного разума, основательного и здравого рассуждения и редких дарований, украшенных многим учением и прилежным чтением наилучших книг».
 Н. И. Новиков
Ф. Г. Волков. Портрет работы А. П. Лосенко.
В 1754-56 учился в Сухопутном шляхетном кадетском корпусе. В 1740-х гг. организовал в Ярославле домашний, а с 1750 постоянный публичный театр, часть труппы которого, вызванная в 1752 указом империатрицы Елизаветы Петровны в СПб., составила основу первого русского профессионального публичного театра (Русский для представления трагедий и комедий театр). В СПб. выступал преим. в пьесах А. П. Сумарокова, занимая положение первого трагика. Мастерски выступал и в комедии. В его игре  современники отмечали "бешеный" темперамент, вдохновенную распевную манеру произнесения стихов. Природное дарование сочеталось с элементами эстетики классицизма. С 1761, после отставки Сумарокова, руководил рус. придворной труппой. Писал стихи, занимался живописью и скульптурой, играл на множестве музыкальных инструментах, знал иностранные языки. Участвовал в свержении Петра III, за что в 1762 возведен в дворянское достоинство. В связи с коронацией  Екатерины II в Москве (1763) подготовил 3-дневный уличный карнавал "Торжествующая Минерва", во время которого простудился и вскоре умер.
ВОЛКОВ ФЕДОР ГРИГОРЬЕВИЧ  (1729- 1763)
ТЕАТР ИМ. Ф.Г. ВОЛКОВА В ЯРОСЛАВЛЕ.
В 1751 году Ф. Г. Волков на свои средства и деньги, собранные дворянами-меценатами, строит для театра специальное здание на берегу Волги. Театр был доступен народу, он всегда был переполнен. С начала XIX века публичные спектакли становятся регулярными. В 1820 году ярославский архитектор П. Я. Паньков строит деревянное театральное здание (на том же месте, где ныне находится театр имени Ф. Г. Волкова). В 1842 году на месте обветшалого деревянного здания петербургский купец М. Я. Алексеев выстроил новый каменный, двухэтажный театр. В 1911 году на средства города было построено новое театральное здание, существующее и поныне.
 В русском театре 18 века, было популярным такое явление, как крепостные театры. Театры графа Шереметева в Останкино, князя Юсупова в Архангельском, которые славились вдохновенной игрой крепостных актеров. Часто крепостные актеры обладали большим талантом, но они были не свободны. Такие жизненные перипетии нередко оканчивались трагедией.
КРЕПОСТНЫЕ ТЕАТРЫ
В театральной жизни последней трети XVIII — начала XIX столетия особое и даже исключительное место занимали крепостные театры Шереметевых. Их было восемь: в подмосковной усадьбе Кусково располагалось три сцены — Старый, или Закрытый, театр, Новый театр, Воздушный театр (Воздушный театр назывался так потому, что находился в парке, на открытой природной площадке). Был у Шереметевых театр и в Москве на Никольской улице и Воздвиженке, и театр-дворец в Останкино, сохранившийся до наших дней.
Шереметевы — графов Шереметевых род богатый и знатный. Дворяне, принадлежавшие к той прослойке, что составляла всего 16 % дворянства, а владела 80 % всего крепостного крестьянства России. Театром начал увлекаться Петр Борисович Шереметев (1713–1788). Принадлежал он к придворной верхушке старого, елизаветинского дворянства. В 1750 году он начал грандиозное переустройство своей подмосковной усадьбы Кусково. Проектирование возложил на знаменитых архитекторов де Вальи, С. Чевакинского, В. Баженова.
ТЕАТРЫ ШЕРЕМЕТЕВЫХ
Шереметевские театры возникли одной только волей хозяина. Эти театры были независимы от публики и, уж конечно, не стремились улучшать нравы и моральные качества своих титулованных зрителей. Театр Шереметевых был культурным предприятием, изысканным развлечением. Интересно и другое обстоятельство: в отличие от крепостных театров, дающих спектакли в дни праздников, именин и прочих семейных событий их владельцев, спектакли у Шереметевых устраивались регулярно — два раза в неделю. Вход в театр был бесплатным. 116 пьес шло на шереметевской сцене. Из них 73 оперы, 25 комедий.
Лучшая актриса театра- крепостная графа Шереметева, Параша Жемчугова.

Праско́вья (Пара́ша) Ива́новна Ковалёва-Жемчуго́ва, графиня Шереме́тева— актриса и певица крепостного театра графов Шереметевых.
Согласно традиции, по которой актёрам шереметевского театра давали имена по названиям драгоценных камней, Прасковья Ковалёва получила псевдоним Жемчугова. Она обладала красивым лирико-драматическим сопрано, хорошо играла на клавесине и арфе, была выучена итальянскому и французскому языкам.
Павел I, пожаловав хозяину театра графу Николаю Петровичу Шереметеву звание обер-гофмаршала, потребовал его присутствия в Петербурге. Шереметев забирает с собой и лучшую часть своей труппы, в том числе и Жемчугову. В сыром климате Петербурга у неё обострился туберкулёз, пропал голос, и она вынуждена была оставить сцену.
В 1798 году Николай Шереметев даёт вольную всей семье Ковалёвых и Прасковье Ивановне, а 6 ноября 1801 года венчается с ней тайным браком. 3 февраля 1803 года она родила сына, Дмитрия но беременность и роды подорвали её здоровье — Прасковья Жемчугова умерла спустя три недели, 23 февраля 1803 года.

В память о жене Николай Петрович построил в Москве Странноприимный дом, где в наши дни размещается Институт скорой помощи имени Н. В. Склифосовского.
Наибольшее количество крепостных театров было в Москве и Подмосковье. Известны театры князя Н. Б. Юсупова в подмосковном селе Архангельское (сохранившийся доныне), С. Апраксина, А. Столыпина, А. Гагарина, П. Волконского, А. Нарышкина, Д. Голицына, И. Салтыкова и многих других. 52 театра было в Москве, 27 — в Петербурге, 52 — в других городах и усадьбах.


title: Скачать презентацию или конспект Кубизм

extracted_text:
Кубизм
Горич Ангелина
Prezentacii.com
Куби́зм (фр. Cubisme)
Модернистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» объекты на геометрические примитивы.
Возникновение кубизма
Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо (на рисунке) и Жоржа Брака.
Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами». На рисунке картина Брака «Лимоны».
Крупнейшие достижения
Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девицы»
работы таких художников, как
Хуан Грис
(слева направо: «Кружка пива и карты», «Портрет Пикассо», «Жалюзи»),
Фернан Леже
(слева направо: «Ныряльщики на жёлтом фоне», «Строители»),

скульптуры Александра Архипенко (на рисунке скульптура «Гондольер»)
и другие…
Кубизм развивался и за пределами Франции; особенно плодотворно — в Чехословакии (на рисунке картина Б.Кубишта «Пьеро»).
Кубизм в России
В России кубизм соединился с элементами итальянского футуризма (кубофутуризм). Яркий представитель – Л.Попова. На рисунке её картина «Портрет философа».


Скачать презентацию или конспект Сотворение мира согласно Библии