title: Скачать презентацию или конспект Чарли Чаплин

extracted_text:
Чарли Чаплин
Ранние годы в Англии           (1889—1909)
Чарли Чаплин родился 16 апреля 1889 года в Лондоне, в семье артистов мюзик-холла. Его родители — Чарльз Спенсер Чаплин-старший и Ханна Чаплин (на сцене Лили Герли) — были эстрадными актерами. Мать выступала с песнями и танцами в различных театрах, в том числе в антрепризе известных композиторов, авторов популярных оперетт — Джильберта и Салливена. Незадолго до свадьбы с Чаплином, Ханна родила Сидни Хилла, сводного брата Чарли, от некоего еврея по фамилии Хоукс. Позже Сидни была дана фамилия Чаплин, как у матери после замужества, брата и отчима. Чарли впервые выступил на сцене в 1894 году, в возрасте пяти лет, заменив в программе мюзик-холла свою мать, из-за проблем сгортанью, и позже она и вовсе потеряла голос, необходимый для певческой работы. Маленький Чарли сорвал овации зрителей, ставших бросать на сцену монетки и купюры. Он ещё сильнее покорил публику, став с детской непосредственностью собирать эти деньги прямо во время выступления, после чего вернулся на сцену и закончил песню из репертуара матери. На сцене Ханна больше не появлялась.

В конце 1898 года Чаплин поступил в детскую танцевальную группу «Восемь ланкаширских парней»[13]. Интересно, что поздне́е критики называли фильмы Чаплина «фильм-балет». На рождество 1900 года «Ланкаширские парни» участвовали в пантомиме «Золушка»; Чаплин в костюме кошки впервые получил возможность рассмешить зрителей. Весной 1901 года Чаплин уходит из «Ланкаширских парней». Чарли редко посещал школу, работал продавцом газет, помощником врача, в типографии и т. д., но нигде подолгу не задерживался из-за малого возраста. В 1903 году он (в возрасте 14 лет) получил постоянную работу в театре и роль посыльного Билли в пьесе «Шерлок Холмс». В это время Чаплин был практически неграмотным. Когда ему вручили текст роли, он боялся, что его попросят прочитать вслух несколько абзацев. Роль ему помог выучить брат Сидни. В течение нескольких лет Чарли также играет в варьете. С 16 лет регулярно играл на скрипке по 4—16 часов в день, брал уроки у театрального дирижёра, или его знакомых.
21 февраля 1908 года получает место актёра в театральном предприятии Фреда Карно, которое поставляло готовые скетчи и пантомимы для целого ряда мюзик-холлов, и вскоре становится одним из ключевых актёров в ряде постановок (некоторые из них он позже адаптировал для экрана).

Первые годы в США (1910—1913)
Чаплин с труппой Карно был на гастролях в США с сентября 1910 года по июнь 1912 года. В 1912 году он на пять месяцев возвращается в Англию, а 2 октября вновь вместе с труппой Карно он приехал в США, и на сей раз принял решение остаться в этой стране. Чаплин делил одну комнату с Артуром Стенли Джефферсоном, который позже прославится под псевдонимом Стэн Лорел. Во время одного из выступлений Чаплина заметил кинопродюсер Мак Сеннет. Игра Чарли понравилась Маку, и он пригласил артиста на работу в свою студию «Кистоун» (en:Keystone Studios). 23 сентября 1913 года Чаплин заключил контракт с «Кистоун» с жалованием в 150 долларов в неделю. Первоначально молодому актёру было трудно приспособиться к новым для него требованиям кинематографа. После первого фильма Сеннетт даже признавался, что решение взять в команду Чаплина было ошибочным
Деятельность (1919—1939)
Со временем Чаплин решил обрести творческую самостоятельность и в 1919 году основал студию «Юнайтед Артистс» совместно с Мэри Пикфорд, Дугласом Фэрбэнксом иДэвидом У. Гриффитом.
В 1921 году Чаплин совершил путешествие в Европу на лайнере «Олимпик», брате «Титаника»[20]. В Лондоне и Париже при его появлении собираются огромные толпы. За три первых дня в Лондоне Чаплин получил 73 000 писем. В Берлине его никто не знал, в послевоенной Германии фильмы Чаплина не показывались. Второй визит в Европу Чаплин совершил в 1931 году — во время премьеры фильма «Огни большого города». В третий раз Чаплин побывал в Европе в 1936 году во время показа фильма «Новые времена». До 1922 года Чаплин не имел собственного дома — жил в арендованных домах, гостиницах и клубе. В 1922 г. Чаплин построил свой дом в Беверли-Хиллс. В доме, кроме 40 комнат, были кинозал и орга́н.

Начало гонений в США
В 1952 году Чаплин создаёт фильм «Огни рампы» — рассказ о судьбе творческого человека и о творчестве вообще. 17 сентября 1952 года Чаплин отправился в Лондон на мировую премьеру «Огней рампы», и глава ФБР Эдгар Гувер добился от иммиграционных властей запрета на обратный въезд актёра в страну. Чаплин поселился вШвейцарии, в городке Веве.
Последние работы
В Швейцарии Чаплин пишет музыку к своим старым немым фильмам, озвучивает фильм «Золотая лихорадка».
Актёр был награждён советской Международной премией Мира в 1954 году.
В своём фильме «Король в Нью-Йорке» (1957) Чаплин всё ещё сам играет главную роль.
В 1964 году Чаплин издал свои мемуары, которые легли в основу биографического художественного фильма «Чаплин» (1992).
Последний фильм «Графиня из Гонконга» Чаплин ставит по своему сценарию в 1967 году; главные роли в фильме исполнили Софи Лорен и Марлон Брандо.

Последователи
Несмотря на то, что немое кино уступило место звуковому, актёрская и режиссёрская техника Чаплина оказала значительное влияние на многих комических актёров. Наиболее заметно это влияние прослеживается в творчестве французского актёра и режиссёра Жака Тати, который снимал звуковые фильмы, широко и с большим успехом используя приёмы немого кино (например, «Каникулы господина Юло»). Образ Чарли чётко прослеживается в творчестве советского клоуна Карандаша. Своеобразным последователем Чаплина можно также считать гонконгского актёра и мастера боевых искусств Джеки Чана, который использует отточенную трюковую технику для создания целых каскадов комедийных ситуациях

Отношения с женщинами
Хетти Келли
Хетти Келли — танцовщица, первая любовь Чаплина. Они познакомились в Лондоне, когда Чаплину было 19 лет, а Хетти 14. После пяти свиданий они расстались. Позднее Хетти Келли вышла замуж, а Чаплин несколько раз встречался с её братом. Хетти Келли умерла в 1918 году во время пандемии «испанки». Чаплин узнал об этом только в1921 году.
Эдна Пёрвиэнс
Эдна Пёрвиэнс и Чаплин познакомились в 1915 году в Лос-Анджелесе во время съёмок второго фильма Чаплина для студии Эссеней. Эдна Пёрвиэнс поддерживала романтические отношения с Чаплином во время их совместной работы в студиях Essanay и Mutual Films в 1916—1918 годах. В 1918 году Эдна начала встречаться с актёром Томми Мейганом из компании «Парамаунт». Эдна оставалась главной актрисой в фильмах Чаплина до 1923 года. Чаплин еженедельно платил ей зарплату до самой её смерти в 1958 году.
Милдред Харрис
Милдред Харрис (1901—1944) — первая жена Чаплина. Свадьба состоялась 23 октября 1918 года. Чаплину было 29 лет, Харрис — 16. Чаплин женился на Харрис из-за её беременности. Позднее беременность оказалось ложной. 7 июля 1919 года у них родился сын — Норман Спенсер Чаплин. Ребёнок прожил всего три дня. В 1920 году во время монтажа фильма «Малыш» началась процедура развода. Адвокаты Харрис пытались арестовать фильм. Чаплин был вынужден вывезти около 140 000 метров плёнки (более 2 000 дублей) в другой штат. Фильм монтировался в гостиничном номере в Солт-Лейк-Сити. Развод сопровождался взаимными обвинениями. Позднее Чаплин в автобиографии написал об этом браке:
Милдред была не злой, но она была безнадёжно зоологична. Я никогда не мог добраться до её души — она была у неё забита каким-то розовым тряпьём и всякой чепухой.

Лита Грей
Лита Грей (1908—1995) — вторая жена Чаплина. Свадьба состоялась 26 ноября 1924 года, на тот момент Лите было всего 16 лет. В связи с этим, чтобы избежать проблем с законодательством Соединённых Штатов Америки, Чаплин женился на Лите Грей за пределами США — в Мексике. Снималась в фильмах «Золотая лихорадка», «Праздный класс», «Малыш». У них было двое сыновей: Чарльз Чаплин (младший) (1925—1968) и Сидни Эрл Чаплин (1926—2009). Развелись в 1928 году во время съёмок фильма «Цирк». Чаплин выплатил Лите 825 000$ (по другим данным — 700 000$) — рекордную для того времени сумму, что стало причиной расследования налоговых органов. Биограф Чаплина Джойс Милтон писал, что отношения Чаплина и Литы Грей стали основой романа Набокова «Лолита».
Полетт Годдар
Актриса Полетт Годдар (Paulette Goddard, 1910—1990) и Чаплин были в близких отношениях с 1932 по 1940 годы. Бо́льшую часть этого времени Полетт прожила в доме Чаплина. Снималась в главных ролях в фильмах «Новые времена» и «Великий диктатор». После разрыва отношений в 1940 г. они заявили, что тайно сочетались браком в1936 г. В конце жизни Полетт также переехала в Швейцарию. Её супругом стал писатель Эрих Мария Ремарк.
Уна О’Нил
Уна О’Нил (13 мая 1926 — 27 сентября 1991) — дочь Юджина О’Нила. Четвёртая жена Чаплина, была на 37 лет его младше. Познакомились, когда Чаплин искал актрису для экранизации пьесы «Призрак и действительность». Фильм не был снят. Уна заявила, что не желает карьеры актрисы, а хочет посвятить себя семье. Свадьба состоялась 16 июня 1943 года во время процесса о признании отцовства ребёнка Джоан Берри. После брака с Чаплином отец Уны прекратил с ней всякие контакты. В 1952 году Чаплин перед отъездом из США выдал Уне доверенность на распоряжение своим банковским счётом. После того, как Чаплину закрыли въезд в США, Уна вывезла имущество Чаплина из США. Позднее она отказалась от гражданства США. О’Нил и Чаплин имели троих сыновей (Кристофер, Юджин и Майкл) и пятерых дочерей (Джеральдина, Джозефина, Джоана, Виктория, Анна-Эмиль). Последнего ребенка Уна родила, когда великому комику было 72 года.
Интересные факты
Чаплин на четыре дня старше Гитлера, спародированного им в «Великом диктаторе».
У Чаплина были голубые глаза.
Чаплин был левшой, и даже на скрипке играл с левой руки.
Первым автомобилем Чаплина был роскошный скоростной Locomobile стоимостью 4900 $ производства компании Locomobile.
Любимым видом спорта Чаплина был бокс. С Вирджинией Черрилл (исполнительницей главной роли в фильме «Огни большого города») Чаплин познакомился на стадионево время боксёрского боя. А в фильме «Чемпион» Чаплин исполняет роль боксёра.
Любимым танцем Чаплина было танго. В фильме «Огни большого города» он «совместил» бой на ринге с танго.

Чаплин на своих фильмах заработал около 10,5 млн долларов.
Чаплин продал все свои акции в 1928 году, основываясь на данных о безработице — до наступления Великой депрессии.
Во время съёмок фильмов Чаплина произошёл всего один несчастный случай. Травму получил сам Чаплин на съёмках фильма «Тихая улица».
Чаплин однажды инкогнито принимал участие в конкурсе двойников Бродяги. По одной версии он занял в конкурсе второе место, по другой версии — третье, по третьей версии — пятое.
Любимым комиком Чаплина в последние годы его жизни был британец Бенни Хилл. Когда Хилл в 1991 году посетил семью Чаплина, ему показали большую коллекцию видео с шоу Бенни Хилла, собранную Чаплином.
В 20-х годах персонаж Чаплина («маленький человек») был известен в Европе под именем «Шарло».
В дореволюционной России фильмы Чаплина не пользовались значительным успехом. Характерно высказывание о них, опубликованное в журнале «Проектор»: «…Чаплин далеко не комический актёр. Он просто клоун, просто тот, кто получает пощёчины». <…> У нас в России Чаплин не может иметь такого успеха: он слишком груб, слишком примитивен, слишком мало изящен. <…> Такие комики, как Макс Линдер, Пренс, Паташон, даже Андре Дид, нам несравненно ближе и понятней"

«Реабилитация» и смерть
В 1972 году Чаплин во второй раз получил почётного «Оскара». Для этого он приехал на короткое время в США — ему выдали лишь ограниченную визу. 4 марта 1975 годаЧаплин был посвящён в рыцари королевой Елизаветой II.
Артист скончался во сне 25 декабря 1977 года в своём доме в Веве и похоронен на местном кладбище. В память о Чарли Чаплине на берегу Женевского озера установлен памятник. 1 марта 1978 года гроб с телом Чаплина был выкопан и похищен с целью получения выкупа[21]. Полиция арестовала преступников, и тело актёра было перезахоронено 17 мая1978 года под 6 футами (1,8 м) бетона, чтобы в будущем предотвратить подобные попытки.
Чаплин был женат четыре раза, у него было 12 детей. Некоторые из них также пробовали себя в качестве актёров, в частности широкую известность как актриса получилаДжералдина Чаплин.
Презентацию подготовила
Ученица 11 класса
Советова Ольга
Спасибо за внимание!


Скачать презентацию или конспект Франц Йозеф Гайдн. Биография


title: Скачать презентацию или конспект Узоры  и  орнаменты  на  посуде

extracted_text:
Узоры  и  орнаменты  на  посуде
Посуда — обобщённое название предметов быта, используемых для приготовления, приёма и хранения пищи.
Посуду всегда украшали различными орнаментами и узорами.
Слово «посуда» произошло от древнерусского «судъ», обозначающего сосуд, посуда.
Гжель является народным керамическим промыслом. Всем знаком знаменитый сине-белый узор, запечатленный на необыкновенной фарфоровой посуде.

Существуют  разные  способы  украшения   посуды
Хохлома – это уникальное искусство росписи деревянных изделий красками. Необыкновенную красоту детской мебели, декоративным блюдам придает специальная технология покрытия лаком
В  наше  время   существует  много  различных   украшений   на  посуде
В нашей семье много красивой посуды


Скачать презентацию или конспект Экспрессионизм


Скачать презентацию или конспект Упражнения для закрепляющих уроков по черчению


Скачать презентацию или конспект Эйфелева башня


title: Скачать презентацию или конспект Царство балета

extracted_text:
Царство балета
Музыка 4 кл
Разработка учителя высшей категории
Карплюк Татьяны Викторовны
спецшкола №16 г.Симферополь
Прочитайте стихотворение. О каком танце идёт речь?
Пускай твердят кому не лень,Что я, мол, косолапый.Да, я медведь, а не олень.Похож на маму с папой.Я косолапый, спору нет,Но я не огорчаюсьИ, например, идти в балетСовсем не собираюсь.По сцене надо там скакать,Стоять на лапах прямо,Там надо на руках держатьТаких, как наша мама.Разок подпрыгнуть упросить,Пожалуй маму можно,Но на руках её носить...Поверьте, это сложно.Ещё. Там надо выступать И в снежную погоду,А также не дают лизатьТам сколько хочешь мёду.Для огорченья нет причин,И мама говорила,Что я на свете лучший сын,А также самый милый.       Вот!
Кто изображен на картинке ?
Что ты знаешь о балете?
Кто создаёт балет?
Какую роль в балете играют либретто, костюмы, декорации?
Балет  ( с фр. –танец) – вид театрального искусства , где содержание, мысли и чувства действующих лиц передаются при помощи музыки и хореографии.
Кто исполняет “Увертюру”?
Кто управляет симфоническим оркестром?
Вспомните кто автор музыки и в каком балете она звучит?
Чайковский
Гофман
Кто ставит танцы?
Кто ставит балет?
Танец Клары и Щелкунчика
Мышиный король наступает
Вальс цветов
Русский танец трепак
Танец феи Драже

Испанский танец
Финальный вальс
Проверим себя
Как называется
волшебное царство
музыки, пластики
танца и мимики?
Что это?
Что это?
Найдите на картинках:
вариации
па-де-де
па-де-труа
па-де-катр
кордебалет
Разработка Карплюк Т.В.

В каких музыкальных жанрах литература живёт без слов, как таинственная невидимка?
Литературная основа большого музыкального сочинения называется ?
Музыкальное вступление перед представлением               это ?
Романс
Опера
Балет
Песня
Поэма
Либретто
Рассказ
Акт
Антракт
Увертюра

Ресурсы
Лобова О.В. Музыка. Учебник для 4 кл. – К.:Школяр, 2004.
Чайковский П.И. Фрагменты из балета «Щелкунчик».
http://images.yandex.ua/ - картинки


title: Скачать презентацию или конспект Театр и музыка античности

extracted_text:
Театр и музыка Античности
10 класс
Ценностью художественной культуры Древней Греции является создание театрального искусства.
Истоки театрального искусства восходят к Великому Дионисию и его свите.
Дионис – бог виноделия и веселья. В честь бога Диониса любили устраивать праздники, торжественные шумные процессии и шествия.
В свите Диониса участвовали менады – нимфы, воспевающие юного бога. Они предавались дикой и неистовой пляске под громкие звуки тамбуринов и флейт до тех пор, пока не падали в траву в полном изнеможении, после чего засыпали.
Караваджо. Вакх. итал
В марте, когда все растения цвели, отмечался этот праздник.
Жрец, восседавший в ладье на колёсах, изображал Диониса.
Многочисленная свита сатиров в козлиных шкурах сопровождали шествие дифирамбами (Хоровая обрядовая песня).
Строгие судьи решали, какой из хоров пел лучше, и присуждали победителям треножник.
На празднике присутствовала маска Диониса, ставшая символом театрального искусства.
Актёры, занятые в театральном представлении, надевали маски: весёлые и грустные, трагические или комические.
Дата рождения греческого театра 534 г.до н.э.
1. Эсхил – отец греческой трагедии
В период зарождения театрального искусства популярны были трагедии.
Содержание: драматический конфликт, мифологические сюжеты  жизни богов, которые вершили судьбы людей.
Преобладали песни хора.
Все роли исполнялись одним актёром. Но потом Эсхил, чтобы держать зрителей в напряжении, вводит второго, а затем и третьего актёра.
Произведения: (90 пьес) – «Персы», «Прикованный Прометей» и др.
2. Софокл
Многое изменил в трагедиях Эсхила: ввёл исполнителей до 15 человек, сократил объём партий хора.
Изобрёл театральные декорации.
Показывает людей не такими, какими они есть на самом деле, а какими они должны быть.
Герои Софокла – сильные, чаще смотрят на землю, а не на небо.
Произведения: (123) – «Антигона», «Царь Эдип»  и др.
3. Еврипид – «философ на сцене».
Содержание: мифологические сюжеты.
Свёл на нет значение хора, песни хора служили лишь фоном для сцен.
Хор выступал в роли музыкального антракта.
Еврипид уделяет больше внимания характерам действующих лиц, психологические переживания, душевный надлом.
Включает бытовые и любовные эпизоды.
Изображал людей такими какие есть в действительности.
Произведения: (90) – «Медея», «Гекуба» и др.

4. Аристофан – учитель афинского общества.
Творчество Аристофана посвящено комедии.
Сатирический, обличающий смех обращал людей к доброте, любви, взаимопониманию.
Ввёл костюмы.
Произведения:»Всадники», «Облака», «Осы» и др.

Театральное и цирковое искусство Древнего Рима.

Римская империя жила шумно и беспокойно, требовала «хлеба и зрелищ»:
Состязания гладиаторов, укрощение диких зверей, комедии, пантомимы, цирковые зрелища
В Риме профессия актёра не ценилась. Почему?
Чтение
с. 113
аб 2 снизу
Музыкальное искусство Античности.
Рождению музыки мы обязаны Древней Греции.
Благодаря грекам стали известны такие понятия: мелодия, гармония, ритм, хор, оркестр, рапсодия, симфония.
Музыка сопровождала греков на шествиях, во время Олимпийских игр, поэтических турниров, театральных представлений.
Велика роль музыки в происхождении музыкальных инструментов.
Двойной авлос
Лира
Римская музыка была связана с лирикой.
Кифара
Букцина
Домашнее задание:
С. 110-116 чтение
Самостоятельная работа по греческим драматургам.
Запишите из словаря понятия: мелодия, гармония.

Мелодия (от др.-греч. μέλος — пение, mélodie — франц., нем., melodia — итал.) — певучее последование звуков, принадлежащих к какой-нибудь гамме или ладу.
Гармо́ния (др.-греч. ἁρμονία — связь, порядок; строй, лад; слаженность, соразмерность, стройность) — комплекс понятий теории музыки. Гармоничной называется (в том числе и в обиходной речи) приятная для слуха и логически постигаемая разумом слаженность звуков (музыкально-эстетическое понятие).


Скачать презентацию или конспект Язык натюрморта


Скачать презентацию или конспект Б.М. Кустодиев


title: Скачать презентацию или конспект Царь Соломон

extracted_text:
Соломон
Соломон

   «И сел Соломон на престоле Давида, отца своего, и царствование его было очень твердо»
 (3 Цар. 2:12).
Соломон — третий еврейский царь, легендарный правитель объединённого Израильского царства в период его наивысшего расцвета.
Сын царя Давида и Вирсавии.
Считается автором «Книги Екклесиаста», книги «Песнь песней Соломона», «Книги Притчей Соломоновых», а также некоторых псалмов.
Во время правления Соломона в Иерусалиме был построен Иерусалимский Храм — главная святыня иудаизма.

    Однажды Соломон так горячо молился на ночь, что во сне ему явился Бог. Он спросил Соломона, чего больше всего хотел бы тот в своей жизни. Соломон ответил, что больше всего он хотел бы мудрости, чтобы правильно и достойно управлять своим народом. Просьба так понравилась Богу, что он наделил царя израильского необыкновенной мудростью.
    Доказательством этому послужило происшествие, случившееся уже на следующий день.

Женщины просили Соломона решить вопрос, чьим же сыном является ребенок.
   «И сказала одна женщина: о, господин мой! Я и эта женщина живем в одном доме; и я родила при ней в этом доме.
    …Родила и эта женщина; и были мы вместе, и в доме никого постороннего с нами не было…

       И умер сын этой     женщины ночью…
    И встала она ночью, и взяла сына моего от меня,
 когда я спала, и положила его к своей груди,
а своего мертвого сына положила к моей…»
(3 Цар.3: 17-20).

    Соломон переиначил предложенную загадку: не чей сын, а кто мать?
    И приказал стражнику разрубить младенца пополам.

 «И отвечала та женщина, которой сын был живой:
   о, господин мой!
   Отдайте ей этого ребенка живого и не умерщвляйте его.
   А другая женщина говорила:
   пусть же не будет ни мне,
  ни тебе, рубите.»
(3 Цар. 3 : 26,27).
«И отвечал царь: отдайте этой живое дитя и не умерщвляйте его: она его мать» (3 Цар. 3:26,27).

    Двор царя Соломона поражал невиданной пышностью. Не было царя богаче Соломона.
    И он решил осуществить мечту своего отца Давида – построить храм, достойный могущественного царя.

Построение храма заняло семь с половиной лет.

Единственная стена, уцелевшая после разрушения дворца, обращена евреями в «Стену Плача».

Соломону ставится в особую заслугу то, что во сне он просил только о даровании ему мудрости.
Соломон считался олицетворением мудрости, так что сложилась поговорка: «Видящий Соломона во сне может надеяться стать мудрым» .
Он понимал язык зверей и птиц. Творя суд, он не нуждался в допросе свидетелей, так как уже при одном взгляде на тяжущихся узнавал, кто из них прав и кто виноват.

  Царица Савская     Со всех концов земли стекались в Иерусалим люди, чтобы воочию увидеть мудрость царя.
Пришла к Соломону и царица Савская, желавшая испытать его загадками.
Но разгадал все загадки Соломон, и тогда одарила Савская царица его неслыханным богатством: "И подарила она царю сто двадцать талантов золота и великое множество благовоний, и драгоценные камни; никогда еще не приходило такого множества благовоний, какое подарила царица Савская царю Соломону» (3 Цар. 10: 10).

Впрочем, существует на сей сюжет и более легкомысленная легенда. Царица Савская слыла умницей и красавицей, но была у нее одна тайна - ее исключительно волосатые ноги. И потому она всегда носила платье до пят.     Однако Соломон легко разгадал эту загадку. Он устроил пир в зале с зеркальным полом. Посрамленная, царица в спешке бежала из Иерусалима, оставив Соломону все свои сокровища.

По легенде, при Соломоне знак его отца Давида стал государственной печатью. В исламе шестиконечная звезда носит название звезды Соломона.
«Тысяча и одна ночь».
Сказки и рассказы.
Описывает джина, который разгневал Царя Соломона и был наказан, будучи запертым в бутылку и брошенным в море. Так как бутылка была опечатана печатью Соломона, джин был бессилен освободиться, пока не наткнулся много веков спустя на рыбака, который открыл бутылку.

Царю Соломону в юности было подарено кольцо со словами, что когда ему будет очень трудно ли, грустно ли, страшно ли - пусть вспомнит о кольце и подержит его в руках. Богатства Соломона были не меряны, еще одно кольцо - сильно ли увеличит их?

Как-то раз в царстве Соломона случился неурожай. Возник мор и голод: умирали не только дети и женщины, истощены были даже воины. Царь открыл все свои закрома. Он послал купцов продавать ценности из своей сокровищницы, чтобы купить хлеб и накормить людей. Соломон был в смятении - и вдруг он вспомнил о кольце. Царь достал кольцо, подержал в руках... Ничего не произошло.
Вдруг он заметил, что на кольце есть надпись. Что это? Древние знаки.... Соломон знал этот забытый язык. "ВСЕ ПРОХОДИТ“, - прочел он.

Прошло много лет... Царь Соломон стал известен как мудрый правитель. Он женился и жил счастливо. Жена стала самым чутким и близким его помощником и советчиком. И вдруг она умерла.
Горе и тоска охватили царя. Не веселили его ни танцовщицы и певуньи, ни состязания борцов... Печаль и одиночество. Приближающаяся старость. Как с этим жить?
 Он взял кольцо: "Все проходит"?
Тоска сдавила его сердце. Царь не хотел мириться с этими словами: с досады бросил кольцо, оно покатилось - и на внутренней поверхности что-то мелькнуло.
Царь поднял кольцо, подержал в руках. Почему-то раньше он не видел такой надписи: "ПРОЙДЕТ И ЭТО".

Прошло еще много лет.
Соломон превратился в древнего старца. Царь понимал, что дни его сочтены и пока есть еще какие-то силы нужно отдать последние распоряжения, успеть со всеми попрощаться, благословить приемников и детей.
«Все проходит", "Пройдет и это", - вспомнил он, усмехнулся: вот и все прошло.
Теперь царь не расставался с кольцом. Оно уже истерлось, пропали прежние надписи. Слабеющими глазами он заметил: на ребре кольца что-то проступило.
Что это, снова какие-то буквы?
Царь подставил ребро кольца заходящим лучам солнца - блеснули буквы на грани:
"НИЧТО НЕ ПРОХОДИТ" - прочел Соломон...

Когда страстей ты пламенем объят,Печалью или радостью большой,Когда глаза о гневе говорят,Никак не совладать тебе с душой,Когда мечта вдруг оборвёт полёт,Фортуна отвернёт своё лицо, –Ты вспомни Соломоново кольцоИ надпись мудрую, что всё пройдёт.Когда ещё трудней наступит миг,И на тебя обрушится всё сразу,И ты сдержать не сможешь гневный крик,Послав к чертям само кольцо и фразу,Когда совсем затянет небосводТак, что в душе ни одного просвета, –Перевернув кольцо наоборот, Прочти на нём слова: «Пройдёт и это!»
Пройдет и это…

От множества мечтаний много тщетных слов.

Дающий нищему не обеднеет.

Мудрые молчат, поэтому глупые могут сойти за мудрых, если будут молчать.

Иной сыплет щедро, и ему еще прибавляется; а другой сверх меры бережлив, и однако же беднеет.

Три вещи непостижимы для меня, и четырех я не понимаю: пути орла на небе, пути змея на скале, пути корабля среди моря и пути мужчины к сердцу женщины.

Венец стариков - сыновья сыновей.
Афоризмы и высказывания царя Соломона

Богатство от суетности истощается, а собирающий трудами умножает его. БОГАТСТВО

Благоразумный видит беду, и укрывается; а неопытные идут вперед и наказываются. ЖИТЕЙСКАЯ МУДРОСТЬ

Кто радуется несчастью, тот не останется ненаказанным. ПОРОКИ

Лучше жить в углу на кровле, нежели со сварливою женою в пространном доме. СЕМЬЯ

Широкой известностью пользуются притчи Соломона, вошедшие в качестве одной из книг в Библию.
   «Человек богатый – мудрец в глазах своих, но умный бедняк обличит его»
    (Притч. 28:11).

   «Как нехорошо есть много меду, так домогаться славы не есть слава»
   (Притч. 25:27).

«Песнь Песней»
    «Песнь Песней» – шедевр мировой литературы, в ней Соломон рассказал о любви прекрасной Суламифи и ее возлюбленного.

А в Библии красный кленовый лист
Заложен на Песне Песней,-
писала Анна Ахматова.

Образ в искусстве
Образ царя Соломона вдохновил многих поэтов и художников:
так, немецкий поэт XVIII в. Ф.-Г. Клопшток посвятил ему трагедию в стихах,
художник Рубенс написал
картину
«Суд Соломона»,

Гендель посвятил ему ораторию,
а Гуно — оперу.

«Что было, то и теперь есть, и что будет, то уже было…»                                                     (Еккл. 3:15).

    Все в мире идет по заведенному кругу и возвращается на круги своя. Счастлив лишь тот, кто видит в этом извечном круговращении хоть какое-то добро.
    Мудрец знает, горестно заключил Соломон, что все на свете есть суета сует.
Умер Соломон после сорокалетнего царствования в возрасте шестидесяти лет и был погребен в Иерусалиме.

Презентация подготовлена
учителем ИЗО и МХК

Путиловой
Еленой Леонидовной

моу сош № 25
г. Нижний Тагил


title: Скачать презентацию или конспект Голландские живописцы

extracted_text:
Голландские живописцы
Урок МХК в 11 классе
Заполните таблицу:
Домашнее задание:
1.Сообщение о творчестве Рембранта ван Рейна.
2.Характеристика манеры и новаторства художника.


Скачать презентацию или конспект Художественная культура Античности


Скачать презентацию или конспект Что значит песня для солдата?


Скачать презентацию или конспект Чудеса архитектуры


Скачать презентацию или конспект Страна восходящего солнца Художественная культура Японии


Скачать презентацию или конспект Художественная культура эпохи Просвещения


Скачать презентацию или конспект Портрет


Скачать презентацию или конспект Русская архитектура в 17 веке


title: Скачать презентацию или конспект Ступы. Древнейшие храмы мира

extracted_text:
Ступы.Древнейшие храмы мира.
МХК 8 класс
Автор учитель МОУ «СОШ № 20 с УИОП» г.Ухта РК
Страхова Нина Павлиновна
План :
1.Что такое «ступа»? Предназначение.
2.Истрия создания и принципы архитектурного убранства.
3.Виды и разновидности ступ.
Ступа .
Сту́па (санскрит.. स्तूप, stūpa I, «макушка, куча земли, камней, земляной холм»],,  — буддийское архитектурно-скульптурное монолитное монументальное и культовое сооружение, имеющее полусферические очертания. Первоначально ступа представляла собой реликварий, а затем стала памятником, возводившимся в честь какого-то события в буддизме. Исторически восходит к могильным курганам, сооружавшимся для погребения царей или вождей.
Предназначение .
Первые ступы появились в Индии ещё в добуддийские времена и изначально выполняли функцию памятников на могилах правителей античной Индии. Само санскритское  слово «ступа» означает «узел из волос» или «макушка», верхняя часть головы, а также «куча камней и земли».  Традиция кремировать тела после смерти привела к тому, что захоронений в обычном понимании не было, было возможным лишь сохранить пепел или несгоревшие останки. В ступы помещалось то, что осталось после кремации. Так, постепенно, ступы превратились в реликварии, содержащие в себе останки выдающихся в духовном плане личностей
Ступа лотоса.
В разных странах ступы принимают различные формы.
КИТАЙ
Монголия
Формы ступ.
Уже наиболее ранние ступы 3—2 вв. до н. э. имели каноническую 3-частную структуру: ступенчатое основание, массивный основной объём, венчающую часть в виде многоярусного зонта. Встречаются ступы полусферические (Индия, Шри-Ланка),
квадратные ступенчатые (Шри-Ланка, Таиланд),
башнеобразные (Вьетнам, Китай), колоколообразные (Мьянма, Таиланд,
бутылеобразные (Монголия, Китай). Обычная техника сооружения ступы, — облицовка камнем, оштукатуренным кирпичом с заполнением грунтом, щебёнкой и т. п.; в декоре, ступы часто применяются раскраска и позолота.
В ступах тибетского типа на вершину ступы устанавливают соёмбо— символ огня, солнца и луны.

Разновидности ступ:
В процессе создания ступ, связанных с разными этапами жизни Будды , в традиции тибетского и индийского буддизма сложилось восемь типов, отличающихся друг от друга определенными архитектурными деталями. У всех восьми ступ нижняя часть, включая «Львиный трон», и верхняя часть, от «Тре» и 13 колец, одинаковы. Средняя часть может иметь различные формы. Для строительства каждой ступы существуют особые каноны. Названия и символика Восьми классических форм тибетских ступ связаны с жизнью Будды
      Ступа Лотоса, Лумбини
1) Ступа лотоса. Первая ступа данного вида построена ещё при жизни Будды и стояла в Лумбини. Главная часть имеет форму лотоса и символизирует рождение Будды.

Ступа лотоса
Ступа Просветления
2) Ступа Просветления или ступа победы над всеми препятствиями. Впервые построена Дхарма-королём Бимбисарой в Бодхгайе после Просветления Будды. Важнейшая форма из всех восьми. Символизирует цель буддийского пути — полное Просветление. Это означает освобождение от всех мешающих чувств, как и от тенденции их иметь и раскрытие всех способностей ума, особенно совершенной мудрости Будды. Она является одновременно символом преодоления всех препятствий, всех завес.
Ступа мудрости
3) Ступа мудрости, или также ступа 16 ворот. Она была построена в связи с первыми поучениями Будды, которые он дал в Сарнатхе (Варанаси) — о «Четырёх благородных истинах».

Ступа чудес.
4) Ступа чудес. Будда переубедил последователей неправильных взглядов с помощью чудес. Эта форма была построена человеком по имени Лисаби в Шравасти.
Ступа схождения с небес Тушита.
5) Ступа схождения с небес Тушита. Будда дал поучения своей матери в мире богов на небесах Тушита. Схождение из этого мира символизируется многими ступенями этой ступы, которая возникла в Шанкасе.
Ступа приммирения.
6) Ступа примирения, или ступа единства. Девадатта, двоюродный брат Будды, создавал трудности внутри сообщества практикующих. В связи с примирением была сооружена эта ступа в Раджгире.
Ступа совершенной победы.
7) Ступа совершенной победы. Незадолго до своей смерти Будда продлил свою жизнь по просьбе учеников на 3 месяца. Это произошло в Вайшали.
Ступа паринирваны.
8) Ступа паринирваны. Эта форма символизирует вхождение в паринирвану в Кушинагаре. Главная часть имеет форму колокола, и это символ совершенной мудрости Будды.
У всех восьми ступ нижняя часть до львиного трона и верхняя часть после колец одинаковы. Середина имеет разные формы. В случае ступы лотоса, например, она состоит из лотосов.

Виды ступ:
Ступа
мемориальные (уддешика)
реликварные
Реликварные ступы бывают двух видов:
шарирака — ступы, построенные над телесными останками,
парибходжика — те, где реликвиями служат предметы, которыми просветленные пользовались при жизни

Ступа в Санчи
Что мы узнали (термины)?
1.ступа-
2.реликварий-
3.шарирака-
4.парибходжика-
5.субурган –
6.торана-
Домашнее задание:
1.Жизнь и превращение Гаутамы.
2.Основы буддизма.


Скачать презентацию или конспект Эгейское искусство


Скачать презентацию или конспект Шатровое зодчество


title: Скачать презентацию или конспект Театр ацтеков, майя и инков

extracted_text:
Театр ацтеков, майя и инков.
Урок МХК 9 класс.
Автор учитель МХК  МОУ «СОШ № 20 с УИОП» г.Ухта РК Страхова Нина Павлиновна.
Художественная культура народов доколумбовой Америки
Таблица для работы на уроке.
Ацтеки.Тенотчетлан.
Теночтитлан – это город-государство древних ацтеков, найденный на территории современного Мехико. Теночтитлан был основан примерно в 1325 году прямо посреди озера Тескоко, но просуществовал менее 200 лет и был разрушен Эрнаном Кортесе и его испанскими конкистадорами, которых поразило богатство и великолепие Теночтитлана. В центре города стояло два главных 30-метровых храма в виде пирамид, где ацтеки совершали жертвоприношения: еще у живого человека обсидиановым ножом вырезали сердце и клали его на алтарь. Правители ацтеков жили в громадных дворцах, окруженных шикарными садами возле храмов. Что интересно, в городе имелась сеть акведуков для снабжения питьевой водой. Испанцы атаковали город несколько раз и после 70-днейвной осады ацтеки были перебиты, их император Монтесума II был убит, а город почти полностью разрушили, построив со временем на его месте Мехико – владения испанской короны.
Ацтеки.
Город Теночтитлан был основан в 1325 году ацтеками на острове посреди озера с болотистыми берегами в долине Мехико. Ацтеки пришли в долину с севера под предводительством их вождя Теноча. По легенде, бог солнца Уитцилопочтли велел им обосноваться там, где они встретят особый знак: держащего змею орла на кактусе. Не прошло и сотни лет с той поры как был основан город, как Теночтитлан превратился в огромный мегаполис со 150-200 тысячным населением. С берегами его связывали 3 широкие дороги-дамбы: на север, на юг и на запад. Передвигаться внутри города нередко приходилось по воде. Посреди города находился гигантских размеров ритуальный центр со множеством храмов и алтарей, где надо всеми возвышался 45-метровый Великий храм.
Ацтеки. Великий храм.
Ацтеки.Великий храм.
Великий храм был построен в виде пирамиды, его фасад был обращён на запад. Широкая двойная лестница вела на самую вершину пирамиды, где стояли два храма поменьше. Это были храмы двух самых почитаемых ацтеками богов: Уитцилопочтли - бога солнца и войны и Тлалока - бога дождя и воды. Впоследствии каменные блоки храма использовались испанцами для строительства католического Собора - самого крупного на территории американского материка (строительство Собора шло три столетия). При раскопках было найдено множество каменных статуй и масок Тлалока, но ни одного изображения Уитцилопочтли. Из испанских хроник известно, что его изображения делались обычно из особого рода теста и семян, которые давным-давно разложились.
Игры и развлечения

Самым важным спортом в Мексике была игра в мяч, которой ацтеки, видевшие волю богов буквально во всем, придали религиозное значение. Для игры использовался корт в форме буквы «I» с увеличенными поперечинами. Центральная секция составляла в длину около 60 метров, в ширину – до 9 и была окружена стенами свыше 4 метров, сложенными из камня и оштукатуренными. Из центра каждой боковой стены выступало под прямыми углами над главной частью корта на высоте около 3 метров над землей каменное кольцо – с отверстием, достаточно большим, чтобы в него проходил каучуковый мяч диаметром 15 сантиметров. Корт, по описанию в Кодексе Мендосы, делился на четыре части, окрашенные в разные цвета.
Игры и развлечения.
Более привычно для нас разделение корта для этой игры на две половины – линией, проведенной от одного кольца до другого. Игроки должны были перекидывать мяч через эту линию, очки давались каждый раз, когда команде удавалось направить мяч в поперечную секцию половины противника. Для ударов по мячу разрешалось использовать только колени и локти, а так как мяч делался из твердого каучука, от его попаданий защищались кожаными поясами, набитыми хлопком. На руки и колени надевали что-то вроде щитков, так как часто вынуждены были бросаться на землю навстречу мячу. Несмотря на все эти предосторожности, игроки нередко умирали от изнеможения или получали такие сильные ушибы, что доктора вынуждены были пускать им кровь.
Игры и развлечения.
Если игроку удавалось забросить мяч в одно из колец, его команде присуждалась победа. В качестве награды победители имели право отнять одежду и прочее имущество зрителей. Это было сделать не так-то легко, поскольку зрители старались поспешно пробраться к выходу, в то время как игроки и их болельщики пытались схватить как можно больше жертв.
Церемонии ацтеков были связаны с богами и войнами.
Игры и развлечения.
На символическом уровне игровая площадка представляла Вселенную, мяч выступал в роли Солнца, Луны или одной из планет. Сама игра посвящалась богам и была частью религиозных церемоний. Площадки обычно строились рядом с наиболее важными храмами. В Теночтитлане в храмовом комплексе располагались две игровые площадки, посвященные Солнцу и Луне.
Игра также использовалась в качестве испытания прорицаний. Так, Тескоко поставил в заклад свое царство против трех индюков в матче с Монтесумой, чтобы определить, говорили ли тескоканские астрологи правду, когда предсказали, что вскоре Мексикой будут править чужаки. В двух первых играх победу одержал Монтесума, но Нецауальпилли выиграл следующие три и вышел победителем. Ацтекский правитель, как нетрудно предположить, покинул площадку весьма озабоченным, и прошло не так уж много времени до того дня, когда предсказание сбылось.

Музыка и танцы.
Ацтекский оркестр состоял всего из нескольких инструментов, способных выводить мелодию, но имел серьезные ударные инструменты. Таким образом, музыка скорее тяготела к ритмичности, чем к мелодичности, большую роль играли барабаны и трещотки.
Главную партию исполнял уэуэтлъ, вертикальный барабан, сделанный из полой колоды высотой порядка метра и 30 сантиметров в диаметре. Верхняя часть барабана была покрыта шкурой или змеиной кожей. На боках вырезаны барельефы. Эти вертикальные барабаны можно было настраивать – тон повышался путем нагревания инструмента возле жаровни. Обычно в уэуэтль били руками. Диас отмечал, что барабаны в храмах издавали «печальный звук», который был слышен за 6 миль.
Меньшие по размеру уэуэтли вешались на шею или зажимались под мышкой.
Более высокие звуки издавал тепонастли – деревянный гонг в форме горизонтального цилиндра. В него били палочками с каучуковыми наконечниками. Ацтекские гонги часто делались в форме животных или человека, а в стране миштеков их украшали резными мифологическими или религиозными сценками.

Музыка и танцы.
Музыка и танцы.
Другой тип барабана – трещоточный, шумовой – изготавливался из панциря морской или пресноводной черепахи. Были и трещотки причудливых форм из глины или дерева. К ударным инструментам также относились высушенные тыквы, наполненные семенами или галькой, при тряске они издавали шелестящий звук. Самый большой инструмент из рода трещоток был увешан колокольчиками и деревянными дисками, которые бились друг о друга, когда одним концом инструмент ударялся о землю. Еще один ритмический инструмент – «терка» из зазубренной кости, по которой водили палочкой или краем раковины. Да еще танцоры, чтобы усилить ритмический эффект, прикрепляли к одежде медные колокольчики и брали связки бренчащих предметов – раковин, косточек, высушенных орехов.
Струнные инструменты были ацтекам неизвестны, и мелодическую линию вели флейты. Их делали из глины (реже из бамбука или кости), они были 6—8 дюймов длиной и могли издавать только определенное количество нот. Обычно нот было пять, что позволяет предположить, что ацтеки использовали октаву из пяти нот, но они также использовали сдвоенные и строенные флейты, имевшие в целом до шестнадцати клапанов.

Музыка и танцы.
Артисты, развлекающие знать. В представлении участвуют музыканты, жонглер, горбуны и карлик.
Майя.Паленки.
Цивилизация майя просуществовала на Земле почти тысячу лет. Это были самые развитые люди в Америке, с которым столкнулись испанцы в ходе завоевания новых земель. Архитектурный комплекс Паленке (Мексика) – один из самых блестящих городов майя, история его насчитывает 9 веков – с конца 1 тысячелетия до н. э. до конца I тысячелетия н. э. Раньше это была столица Баакульского царства. В Паленке сохранились остатки дворца, несколько зданий и храмов и пирамида, похожая на гробницы фараонов в Египте. Сначала, археологи, ведущие раскопки в Паленке обнаружили в полу одного из храмов необычную плиту и через 4 года работы раскопали тоннель с лестницей, ведущей вниз, и нашли треугольный камень весом более тонны. За этой «дверью» обнаружился каменный саркофаг, внутри которого лежал скелет, чье лицо прикрывала почти невредимая маска из мозаики, инкрустированная нефритом, обсидианом и перламутром. Ученые считают, что Паленке погиб в результате нашествия племен с побережья Мексиканского залива в IX в.
Театр майя.
Археологи из мексиканского Национального института антропологии и истории обнаружили остатки театра майя, построенного для местной элиты около 1,2 тыс. лет назад. Руины сооружения обнаружили в местечке План де Аюта в штате Чьяпас.
Археолог Луис Альберто Мартос предполагает, что сооружение вмещало 120 человек и предназначался для элиты древнего города майя. Театр был создан по указанию правящей элиты города. На его сцене представлялись произведения, прославляющие правителей, а на представления приглашались только выдающиеся деятели племени.

Театр майя.
Театр майя.
Это был уникальный театр, находившийся в пределах дворцового комплекса, что делает его отличным от других уже изученных, которые, как правило, располагались в местах, предназначенных для толпы. Он был окружен несколькими постройками, возведенными ранее в 250-550 гг. н.э. Фасад одного из этих сооружений был разрушен для создания сцены и улучшения акустики.
Возле развалин театра археологи обнаружили изваяния, созданные древними скульптурами в честь богов кукурузы, которая была главным продуктом питания для народа майя. Там также найдены статуи в честь правителей Солнца и летучих мышей.

Театр майя.
Театр майя.
Ранее развалины театров были обнаружены на территории археологического центра Тикаль (Гватемала), созданного в древности народом майя, а также в ряде районов Мексики. Археологическая зона Окосинго расположена в128 км от древнего города Паленке, где ранее археологи сделали ряд важных открытий. По мнению исследователей, обнаруженные там находки существенно расширяют знания о культуре цивилизации майя.
Театр майя.
Театр майя.
Как считают археологи, город Аютла был создан народом майя в 150 году до н.э. и существовал до 12 века н.э. Он был покинут жителями по причинам, которые пока точно не установили исследователи.
Археологи INAH предположили, что в 800-850 г. н.э. в городе была узаконена новая правящая династия местной элитой посредством политического театра.

Театр майя.
По мнению экспертов, театр использовался правящей группой для легитимизации власти через представление произведений политического характера. Правители публично осуществляли свою власть, используя театр при ведении переговоров или при посольских приемах. Затем возникли конфликты из-за борьбы за власть, была не удавшаяся попытка установить новую династию, и город был заброшен между 1000 и 1100 гг. н.э.
Инки .Мачу –Пикчу.
Загадочный город инков Мачу-Пикчу (в пер. с инкского «старая гора») находится в горах, на высоте более 2 тыс. м над долиной реки Урубамбы (Перу). Этот город был построен приблизительно в 1440 г. правителем инков – Пачакутеком. Город был задуман, как священный приют и в 1532 году, когда в империю инков вторглись испанские конкистадоры, все жители города таинственным образом исчезли. 400 лет здесь никто не жил. Конкистадоры так и не дошли до Мачу-Пикчу и не успели его разрушить. Но до сих пор его жители, его точное предназначение, культура и образ жизни инков для ученых – большая загадка. Мачу-Пикчу расположен достаточно далеко от центра древнего государства инков, быть может, только благодаря этому он дожил до наших дней, несмотря на вторжение европейцев.
Театр инков.
В силу исторических обстоятельств сохранилось достаточно мало образцов литературного творчества традиционных культур Америки. Поэтому те редкие тексты, которые существуют, не могут заполнить лакуны в нашем знании литературных и - тем более - театральных традиций доколумбовой Америки.То же, что сохранила история, с недавнего времени доступно на русском языке.Из драм древних инков две ("Апу-Ольянтай" - наиболее известное произведение, "Уткха-Павкар") сохранились полностью и одна ("Суримана") - в виде одного фрагмента-диалога. Поэтические произведения инков создавалась певцами-амаута, которые на основе танцевальной пантомимы и мифолого-исторических сказаний создали и театр. В описаниях хронистов содержатся сведения о постановках различных пьес, которые игрались по несколько в день. Драмы представлялись на площадке округлой формы, сзади отгороженной искусственным лесом. Актёры находились в середине этой площадки (малки).Драмы инков сохранились на языке кечуа (называемом также "руна-сими", т.е. язык человека), который очень труден для перевода
Театр инков.
Театр инков.
Жанры инкской драматругии – уанка (драмы, изображающая исторические события, подвиги полководцев, вождей, правителей) и аранвай (изображающая частную и зачастую вполне бытовую жизнь). Финал не обязательно был светлым (как в "Апу-Ольянтай", "Уткха-Павкар"), допускались и трагические ("Суримана"). Соединение трагизма с комизмом в текстах - нередкое явление (среди персонажей пьес были шуты-каничу).Драмы ставились с музыкой: в текстах видны т.н. арави (песни, 3 - в "Ольянтае", 1 – в "Уткха-Павкаре"), в которых мы видим метафорическое дублирование сюжета.Интересно, что у инков мы видим запрет на представление лиц, продолжающих своё существование, п.ч. это либо влечёт живого в мир усопших, либо создаёт ситуацию раздвоения личности (учёные расходятся в интерпретациях).
Маски инков.
В древней Мексике богов часто изображали в виде масок. Эта деревянная маска бога дождя Тлалока богато украшена мозаикой из бирюзы и другими (цветными камнями. Этого бога можно узнать по совоебразным глазам.Во время ритуальных процессий маски надевали жрецы, таким образом они хотели соединиться с божествами, маски которых надевали. Носитель маски j на время перевоплощался в образ и становился чело-векобогом. Чтобы подчеркнуть свою власть, цари и князья велели класть к себе в могилу такие маски. ; Для многих племен искусство маски было и есть магическим средством, с помощью которого можно приблизиться к отдаленным богам и слиться с их силой.
Маски инков.
Таблица для работы на уроке.
Домашнее задание :
1.Достопримечательности Вашингтона.
2.История появления города.
3.Герб Вашингтона.


Скачать презентацию или конспект Художники русского портретного искусства


title: Скачать презентацию или конспект Музыка импрессионизма

extracted_text:
О каком направлении в живописи вы вспомнили, глядя на
эти репродукции?
Импрессионизм
Вспомните что такое импрессионизм?
Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.
Музыка импрессионизма
Урок МХК в 11 классе.
Автор учитель МХК МОУ «СОШ № 20» г.Ухта РК СТРАХОВА Нина Павлиновна
Речь пойдёт о французских композиторах- Клоде ДЕБЮССИ и Морисе РАВЕЛЕ
Клод Ашиль ДЕБЮССИ (1862-1918 г.г.)
Сочинял в стиле, который часто называют импрессионизмом, термином, который он никогда не любил. Дебюсси был не только одним из самых значительных французских композиторов, но также одной из самых значительных фигур в музыке на рубеже XIX и XX веков; его музыка представляет собой переходную форму от поздней романтической музыки к модернизму в музыке XX столетия. Скончался от рака толстой кишки.
Дебюсси — французский композитор, пианист, дирижёр, музыкальный критик. Окончил Парижскую консерваторию (1884), получил Римскую премию. Как домашний пианист русской меценатки Н. Ф. фон Мекк - сопровождал её в путешествиях по Европе, в 1881 и 1882 посетил Россию. Выступал как дирижёр (в 1913 в Москве и Петербурге) и пианист с исполнением преимущественно собственных произведений, а также как музыкальный критик (с 1901).
Родился в небогатой буржуазной семье без музыкальных традиций. Рано проявив музыкальные способности, в 1872 поступил в Парижскую консерваторию, где проучился до 1884; его педагогами были А. Лавиньяк (сольфеджио), Э. Гиро (композиция), А. Мармонтель (фортепиано). В летние месяцы 1880—82 годов Дебюсси работал домашним пианистом Н. Ф. фон Мекк (см. МЕКК Карл Федорович фон)(покровительницы П. И. Чайковского) и учителем музыки ее детей; вместе с семьей фон Мекк путешествовал по Европе и провел некоторое время в России, где проникся симпатией к музыке композиторов «Могучей кучки» (но не Чайковского).
В некоторых произведениях — “Бергамасская сюита” для фортепиано (1890), музыка к мистерии Г. Д'Аннунцио “Мученичество св. Себастьяна” (1911), балет “Игры” (1912) и др. — проявляются черты, присущие впоследствии неоклассицизму, они демонстрируют дальнейшие поиски Дебюсси в области тембровых красок, колористических сопоставлений. Д. создал новый пианистический стиль (этюды, прелюдии). Его 24 прелюдии для фортепиано (1-я тетрадь — 1910, 2-я — 1913), снабжённые поэтическими названиями (“Дельфийские танцовщицы”, “Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе”, “Девушка с волосами цвета льна” и др.), создают образы мягких, порой нереальных пейзажей, имитируют пластику танцевальных движений, навевают поэтические видения, жанровые картины. Творчество Дебюсси, одного из крупнейших мастеров 20 в., оказало существенное влияние на композиторов многих стран.
Клод Ашиль ДЕБЮССИ
Мне кажется, что в нашей печальной классной комнате, где учитель строг, “русские” открыли окно, выходящее на простор полей. Дебюсси Ашиль-Клод
 Сочинениям присущи поэтичность, изящество и прихотливость мелодии, колористичность гармонии, изысканность, зыбкость музыкальных образов.
Основные произведения
Основа творчества — программная инструментальная музыка: «Прелюдия к “Послеполуденному отдыху фавна”» (1894; по эклоге С. Малларме), триптих «Ноктюрны» (1899), «Море» (3 симфонических эскиза, 1905), «Образы» (1912) для оркестра. Опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), балеты (в том числе «Игры», 1913), фортепианные произведения: «Бергамасская сюита» (1890), «Эстампы» (1903), «Образы» (1-я серия — 1905, 2-я — 1907), 24 прелюдии (1-я тетрадь — 1910, 2-я — 1913) и др.
Композитор призывал «искать дисциплины в свободе», а не в академических правилах и устоявшихся формальных схемах. Первым произведением, в котором его эстетические идеалы воплотились в полной мере, стал оркестровый «Прелюд к «Послеполуденному отдыху фавна» (1894), созданный под впечатлением поэтичной эклоги Малларме. Изысканность оркестровки и естественная пластика развертывания тем, достигнутые в этой небольшой по объему пьесе, беспрецедентны для европейской музыки.

Последнее десятилетие в жизни Дебюсси отличается непрекращающейся творческой и исполнительской деятельностью вплоть до начала Первой мировой войны. Концертные поездки в качестве дирижера в Австро-Венгрию принесли композитору известность за рубежом. Особенно тепло он был принят в России в 1913 году. Концерты в Петербурге и Москве прошли с большим успехом. Личное общение Дебюсси со многими русскими музыкантами еще больше усилило его привязанность к русской музыкальной культуре. Достойным завершением всего творческого пути Дебюсси следует считать две тетради его прелюдий для фортепиано.
Клод Ашиль ДЕБЮССИ
Здесь сконцентрировались самые характерные и типичные стороны художественного мировоззрения, творческого метода и стиля композитора. Цикл завершил, по существу, развитие этого жанра в западноевропейской музыке, наиболее значительными явлениями которого являлись до сих пор прелюдии Баха и Шопена.
У Дебюсси этот жанр подводит итог его творческому пути и является своего рода энциклопедией всего самого характерного и типического в области музыкального содержания, круга поэтических образов и стиля композитора.
До последних дней жизни - он умер 26 марта 1918 года во время бомбардировки Парижа немцами, - несмотря на тяжелую болезнь, Дебюсси не прекращал своих творческих поисков.

Морис РАВЕЛЬ (1875-1937 г.г.)
французский композитор. Музыкальное образование получил в Парижской консерватории, где по композиции был учеником Г. Форе. Еще в период обучения Равель создал ярко-талантливые произведения ("Игра воды" для фортепиано, струнный квартет). Однако Равель потерпел неудачу в соискании высшей награды - Большой римской премии. В 1904 году его даже не допустили к конкурсу, что вызвало много толков в музыкальном мире Парижа. Но, начиная с первого исполнения "Испанской рапсодии" для оркестра (1907), Равель быстро выдвигается в первый ряд французских композиторов новой школы, корифеем которой являлся Клод Дебюсси.
Морис РАВЕЛЬ
Постановка труппой Дягилева балета Равеля "Дафнис и Хлоя" на либретто М. М. Фокина (1912, Париж) закрепила известность композитора. В годы Первой мировой войны Равель добился зачисления в действующую армию, выполнял на фронте обязанности шофера грузовой машины. Эти годы сблизили Равеля с простыми людьми Франции. Памяти погибших на войне друзей посвящена фортепианная сюита "Гробница Куперена" (1914-1917). В законченном в начале войны фортепианном трио Равель обращается к интонациям и ритмам народной музыки басков (со стороны матери Равель - испано-баскского происхождения, и эти народные элементы в музыке были ему столь же близки, как и французские).
Его творческие  открытия в области музыкального языка (гармонии, ритма, оркестровки) способствовали развитию новых стилистических течений в музыке 20 века.
Опера «Испанский час» (1907), опера-балет «Дитя и волшебство» (1925); балет «Дафнис и Хлоя» (1912); «Испанская рапсодия» (1907), «Болеро» (1928) для оркестра, концертная фантазия «Цыганка» для скрипки с фортепиано (1924), фортепьянные пьесы, в т. ч. «Игра воды» (1901), цикл «Отражения» (1905). Оркестровал «Картинки с выставки» Модеста Мусоргского.
Морис РАВЕЛЬ
После смерти Дебюсси в 1918 году Равель был признан его преемником и главой французской музыки. В 1920-е годы он создает новые сочинения, из которых мировую известность приобрели опера-балет "Дитя и волшебство" (соч. и пост. 1925, Монте-Карло), хореографическая поэма для оркестра "Вальс" (пост. 1920), рапсодия для скрипки с оркестром "Цыганка" (1924) и, особенно, построенная на одной теме хореографическая поэма "Болеро" (1928); исключительной популярностью пользуется и оркестровая обработка Равеля "Картинок с выставки" Мусоргского (1922), выполненная с безупречным мастерством и большой любовью к творчеству замечательного русского композитора. Последними крупными достижениями Равеля были его два фортепианных концерта (1931; второй из них написан для одной левой руки по заказу пианиста П. Виттгенштейна, потерявшего правую руку на войне).
Морис РАВЕЛЬ
Художник объективного склада, не предрасположенный к открытой эмоциональной выразительности, Морис часто черпал свое вдохновение в сферах, удаленных во времени или в пространстве.

Морис РАВЕЛЬ
Давление исторического прошлого музыки особенно интенсивно ощущается в хореографической поэме «Вальс» — апофеозе венского вальса 19 века, который под конец перерождается в своего рода пляску смерти. Задуманный еще до войны, «Вальс» был создан в 1920 году и прозвучал как трагический реквием по веселой и беззаботной довоенной эпохе.
Морис РАВЕЛЬ
В своем позднем творчестве Равель охотно пользовался элементами политональности и мелодиями и ритмами современной ему развлекательной музыки (блюз в Сонате для скрипки и фортепиано, фокстрот в опере «Дитя и волшебство», джазовые мотивы в Концерте для левой руки).
Морис РАВЕЛЬ
Виртуозное и универсальное оркестровое мастерство Равеля проявилось не только в его партитурах, изначально предназначенных для оркестра (непревзойденные в своем роде образцы — 2-я сюита из балета «Дафнис и Хлоя» и «Болеро», принадлежащие к популярнейшим и самым эффектным пьесам мирового симфонического репертуара , но и в транскрипциях собственных фортепианных пьес и в знаменитой, осуществленной по заказу дирижера и контрабасиста С. А. Кусевицкого инструментовке «Картинок с выставки» Мусоргского (1922). Творческая деятельность композитора прервалась в 1933 году из-за тяжелой болезни (опухоль мозга).
Морис РАВЕЛЬ
 Творческая деятельность композитора прервалась в 1933 году из-за тяжелой болезни (опухоль мозга).
Морис Равель скончался 28 декабря1937 года, в Париже.

Домашнее задание
1.Закончить оформление таблицы в тетради.
2.Записать термины в тетрадь.


title: Скачать презентацию или конспект Живопись и мифы

extracted_text:
Подготовила учитель Крамаренко Н.В.
ЖИВОПИСЬ И МИФЫ
        Достижения древних греков удивительны во всех областях, и на них основана вся европейская цивилизация. Античность сопровождает европейское человечество на всем его пути. «Мы видим глазами греков и говорим их оборотами речи», – сказал Якоб Буркхардт.
      Одним из самых ранних и существеннейших элементов античной культуры является миф. Миф (от греч. muthos - слово, сказание) - это повествование о происхождении мира, богов, героев, различных народов, событиях естественной и общественной истории, которые возникли в глубокой древности и в устной форме передавались из поколения в поколение.
Что такое миф?
   Греческие мифы глубоко проникли в образ мыслей современного человека, и мы порой не замечаем, как говорим о паническом страхе, об олимпийском спокойствии, бесстрашного человека сравниваем с Гераклом, а решительную женщину – с амазонкой. А выражения троянский конь, яблоко раздора, нить Ариадны и многие другие  понятны практически всем.
   Мифы веками накапливали опыт народов, их представления о добре и зле, о достойном и недостойном поведении. Передаваясь из поколения в поколение, они учили людей тому, как следует жить.
    В современной жизни мы очень часто сталкиваемся с названиями  и именами  из древнегреческой мифологии. Мифы Древней Греции много веков вдохновляют поэтов, художников, скульпторов и композиторов всего мира, а значит без знания сюжетов невозможно понять многие произведения искусства.

Клод Лоррен.  Пейзаж с Аполлоном и Меркурием. Размеры: 55 x 45 смМатериал, техника: Холст, маслоДата создания: Около 1645Месторасположение: Франция и Италия, Рим, Галерея Дориа Памфили
Информация о художнике.
Имя при рождении:		Клод Желле
Дата рождения:	           		1600 год
Место рождения:	           		Шамань, Лотарингия
Дата смерти:	          		 23 ноября 1682
Место смерти:	           		Рим, Италия
Гражданство:	          		Франция
Жанр:	                      		художник-пейзажист
Художественное направление : 	Классицизм
    Клод Лорен родился в 1600 году в крестьянской семье. Рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 гг. он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию. Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки. Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись.
    Миф повествует, что в наказание за убийство киклопов, ковавших отцу Аполлона Зевсу молнии, Зевс сделал своего сына пастухом. Аполлон должен был пасти стадо царя Адмета, но небрежно отнесся к порученному делу, и ловкий Меркурий (Гермес) украл у него стадо. Впрочем, Зевс приказал Меркурию вернуть похищенных коров, после чего позволил Аполлону вновь занять свое место среди богов.
Миф.
        Композиция картины построена так, что увлекает взгляд зрителя вглубь картины. Для этого изогнутая линия берега уходит вдаль. На заднем плане в предрассветной дымке виден красивый идиллический пейзаж с римским акведуком. Колорит картины типичен для позднего Лоррена и заключается в преобладании холодных тонов. Расположение с обеих сторон картины на переднем плане деревьев создают эффект некоторой театральности происходящего, герои мифа предстают как действующие лица спектакля, где главное действующее лицо – природа, во всем ее великолепии. На эту мысль нас наводит масштаб изображенных фигур и ракурс их постановки (в пол оборота к зрителю).
Анализ картины.
    Согласно записи, сделанной Лорреном в его "Книге истины", эта картина была написана для "Франческа Аберини". По всей видимости, это описка, и работу заказал художнику либо аристократ Франческа Алъберини, либо богатый римлянин Франческа Арберини. "Пейзаж с Аполлоном и Меркурием" с 1750 года хранится в Хоулкхэм Холле. Именно тогда ее купил владелец Хоулкхэм Холла Томас Коук, первый граф Лейстер.
История создания картины.
Уильям Этти «Геро и Леандр»1828-1829. Частная коллекция.
     Этти Уильям (William Etty) (1787-1849), английский живописец периода романтизма, яркий представитель натурализма и исполнения обнаженной натуры Уильям Этти занимает достойное место среди английских художников. В чувстве и навыке колориста художнику не было равных в Англии в первой половине 19 века.
         Родился в Йорке 10 марта 1787 года. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.
          Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди, помогли становлению Уильяма Этти, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и прочие иллюстрации; все это было первой художественной школой Уильяма Этти. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 году студентом академической школы в Сомерсет Хаус. Этти был одержим изображением обнаженной натуры, которую он штудировал и писал на протяжении всей своей творческой жизни. Его полотна часто вызывают в памяти чувственные модели и насыщенный колорит произведений Тициана и Питера Пауля Рубенса. Этти часто обращался за вдохновением к классической мифологии и аллегорическим сюжетам. Его работами восхищались Эжен Делакруа и другие живописцы-романтики.
Информация о художнике.
        Леандр — юноша из Абидоса в Троаде, который полюбил Геро, жрицу Афродиты, жившую в Сесте, расположенном на другом берегу пролива Геллеспонт. Каждую ночь Геро ждала, когда он переплывет пролив и, чтобы ему было светлее, зажигала огонь на башне. Леандр плыл на маяк и добирался до берега. Однажды огонь погас и Леандр не смог доплыть. Утром его тело прибило к ногам Геро. Увидев его, Геро в отчаянии бросилась в море с башни. «Башню Геро» позднее показывали в Сесте.
Сюжет мифа.
      Герои показаны в момент последнего трагического объятия, когда жизнь уже покинула их. На фоне темного моря и грозовых облаков выделяются обнаженные тела, написанные светящимися чувственными тонами. Черные волосы и одеяние Геро как бы сливаются с ночной тенью. Несмотря на трагичность сюжета композиция картины скорее как динамичная, об этом свидетельствует диагональное расположение фигур на первом плане, линия набегающих волн и взбудораженное небо. Сочетание в колорите картины  красно- коричневых, светлых, темно-синих и черных тонов, усиливает трагическое ощущение произошедшего.
Анализ картины.
Валентин Серов. Похищение Европы. 1910. Холст, масло.71 х 98. Третьяковская Галерея, Москва, Россия.
     Валентин Александрович Серов, 1865-1911 гг. русский художник (живописец и график), представитель русского импрессионизма и модерна. Родился в Петербурге 7 (19) января 1865 г. в семье композитора А.Н. Серова и пианистки В.С. Серовой (урожденной Бергман). В 1874-1875 - 1878-1882 брал частные уроки у И.Е. Репина, оказавшего на него особое влияние; посещал также занятия в петербургской Академии художеств (1880-1885). Серов чутко усвоил и опыт современного ему зарубежного искусства, и уроки мастеров Возрождения и барокко (в частности, Д. Веласкеса). Жил в Петербурге и Москве. Много путешествовал по России и Западной Европе, в 1907 г. посетил Грецию. Наезжал в Абрамцево. Был членом «Товарищества передвижников» и объединения «Мир искусства».
Информация о художнике.
     Европа была дочерью финикийского царя Агенора. Влюбившийся в нее Зевс явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами (обрывок гирлянды можно видеть и в серовской картине). Наконец, Европа решилась сесть на спину быка-Зевса - тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса и впоследствии родила ему трех сыновей-героев.
Миф.
   «Полотно "Похищение Европы" решено декоративно; оно написано большими цветовыми плоскостями, которые ритмически согласованы живой, гибкой линией, приводящей к гармонии объем и плоскость. Серов делает высокую линию горизонта, что позволяет ему трактовать пространство как плоскость. Безбрежное море написано условно, и в то же время мастер добивается ощущения толщи бесконечной глубины воды, которую разрезает по диагонали полотна мощная фигура быка - Зевса. По контрасту с Зевсом фигурка Европы кажется маленькой и беспомощной, она словно робко покорилась судьбе. Ее лицо напоминает лицо коры времен греческой архаики; оно словно маска с невидящим взглядом. В тоже время фигура Европы дана в сложном ракурсе и живом, выразительном движении, словно все ее силы направлены на то, чтобы удержаться на спине быка.»
 «Неожиданно живой и осмысленный взгляд быка-Зевса подчеркивает застылость неподвижного лица-лика Европы - маски архаической коры, своего рода символа всего греческого искусства. Одно из значений, имени "Европа" - "широкоглазая", что удивительно созвучно тому изображению лица Европы, которое дает Серов».
  «Серов первый из художников, изображавших миф о похищении Европы, отступил от первоисточника, рассказывающего о белом быке с золотыми рогами - коричневый бык напоминает о росписях краснофигурных ваз».
Анализ картины.
Питер Брейгель. Пейзаж с падением Икара.1555-58, холст, масло, 74 x 112 см. Музей изящных искусств (Musйes Royaux des Beaux-Arts), Брюссель
     Питер Брейгель Старший (1525—1569)- фламандский живописец и график, самый известный и значительный из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким. Из всех сохранившихся картин Брейгеля около трети находятся в Музее истории искусства в Вене. В музеях России произведения Брейгеля отсутствуют. Некоторые известные картины: «Самоубийство Саула», «Обращение Савла», Вена  «Перепись в Вифлееме», «Избиение младенцев», «Морской бой в гавани Неаполя», «Падение Икара».
Информация о художнике.
     Согласно древней легенде, строитель Дедал появился на острове Крит после того, как у себя на родине, в Аттике, убил своего племянника, которому завидовал. Последний был очень талантлив и сумел создать нужные человечеству инструменты: пилу, циркуль, гончарный круг. На Крите Дедал построил для царя Миноса огромный дворец с подземными лабиринтами. В лабиринте жило страшное чудовище - Минотавр. Жители Афин вынуждены были платить Миносу дань - посылать для прожорливого Минотавра юношей и девушек. Это длилось до тех пор, пока Тезей, попавший в лабиринт, не убил Минотавра. Благодаря Дедалу герой бежал с Крита. Разгневанный Минос повелел заточить Дедала, но тот сделал для себя и своего сына Икара крылья из перьев птиц. С помощью крыльев отец и сын покинули остров. Дедал предупреждал сына, чтобы он не взлетал слишком высоко, но Икар не послушался отца и взмыл вверх, к самому солнцу. От жара солнечных лучей воск, скреплявший перья, растаял, и юноша, лишенный крыльев, упал в море и утонул.
Миф.
   «При первом взгляде на картину у зрителя возникает вопрос: «Почему она так называется». Ведь перед зрителем разворачиваются картины мирной трудовой жизни: вот пахарь идет бороздой, следом за своей лошадкой, чуть в стороне от него пастухи среди овечьего стада обсуждают какие-то свои заботы, над морской гладью развеваются паруса поглощены работой и красотой окружающей их природы, перед лицом которой гибель отдельного человека - лишь незначительный эпизод. Смерть отважного юноши не может остановить движения жизни».
          В XVI веке легенду о Икаре воспринимали как суровое предупреждение гордецам и недальновидным выскочкам, пренебрегающим своим предназначением. Конечно, Брейгель знал и античный источник сказания - "Метаморфозы" древнеримского поэта Овидия, где о пролетающих по небу Дедале и Икаре говорится следующее: Каждый, увидевший их, рыбак ли с дрожащей удою, Или с дубиной пастух, иль пахарь, на плуг приналегший, - Все столбенели и их, проносящихся вольно по небу, За неземных принимали богов.             Художник ввел в свою картину фигуры пастуха, пахаря и рыболова, но придал этим образам совсем иной смысл. Они Икара не видят или не хотят видеть: например, рыбак невозмутимо продолжает удить, хотя юноша и упал в воду прямо у него на глазах. А пастух смотрит в небо, хотя его овцы на краю обрыва, и пахарь, и рыболов – все они заняты своим делом. "Ни один плуг не остановится, когда кто-то умирает" - так говорит нидерландская пословица.
           Картина полна покоя и умиротворения.  Известный греческий миф Брейгель трактует весьма неожиданно. Человеческая нога, исчезающая в море, - вот и все, что осталось от бесстрашного героя. Смерти Икара не заметил никто: ни пастух, ни крестьянин на поле, ни рыбак на берегу. Автор картины сделал всё возможное, чтобы зрители в последнюю очередь увидели так называемое падение Икара. Две яркие точки притягивают наш взгляд- это рубаха крестьянина и жёлтое солнце над водной гладью. После этого мы начинаем обращать внимание на мелкие светлые детали - белых овец, белые горы, корабль с белыми парусами, и… барахтающегося человечка рядом с этим кораблём. Главный герой картины – солнце, а человек –песчинка, промелькнувшая в его лучах.
Анализ картины.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры.1484-1486. Холст, темпера. 278,5 х 172,5. Уффици, Флоренция
фрагменты
      Са́ндро Боттиче́лли- Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую .

Информация о художнике.
      Существуют разные сказания о происхождении Афродиты.
     Классическая Афродита возникла обнаженной из воздушной морской раковины вблизи Кипра — отсюда прозвище «Киприда» — и на раковине добралась до берега. Оры в золотых диадемах увенчали её золотым венцом, украсили золотым ожерельем и серьгами, а боги дивились её прелести и возгорались желанием взять её в жены.

Миф.
    В «Рождении Венеры» Сандро Боттичелли изобразил образ Афродиты Урании - небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери. На картине запечатлено не само рождение, а  последовавший за тем момент, когда гонимая дыханием гениев воздуха, Венера достигает берега. Кроме Венеры на картине изображена нимфа Ора, являющаяся воплощением природы, она готова прикрыть Венеру плащом. Ора - одна из трех Гор, нимф времен года. Эта Гора, судя по покрывающим ее одежду цветам, покровительствует весне, тому времени года, когда могущество Венеры достигает вершины. Возможно, на эту картину художника вдохновил один из гомеровских гимнов, в котором описывается, как Зефир, бог западного ветра, принес на остров Кипр Венеру, где ее приняли Горы.
   В позе Венеры можно отметить влияние классической греческой скульптуры (поза, опора фигуры на одну ногу, жест рукой). Судя по всему,  пропорции тела основаны на каноне гармонии и красоты, разработанном ещё Поликлетом и Праксителем.
Композиция картины благодаря фронтальному изображению Венеры в центре, симметрично расположенным фигурам справа и слева можно определить как статичную. Такая композиция делает картину спокойной и величественной. А линии покрывала Оры и накидки Зефира, линии их тел, волос Венеры, падающие цветы и ритм волн, наполняют картину внутренним движением, движением воздуха. Колорит картины можно определить как мягкий, ласковый, даже для плаща Оры художником выбран приглушенный красный тон, позволяющий поставить акцент, но не вызывающий раздражения.
    «Среди новшеств Боттичелли важным было использование холста, а не доски, для произведения столь крупного размера. Он добавлял минимальное количество жира к пигментам, благодаря чему холст в течение долгого времени оставался прочным и эластичным, а краска не трескалась. Было также установлено, что Боттичелли нанёс на картину защитный слой из яичного желтка, благодаря чему «Рождение Венеры» хорошо сохранилось».

Анализ картины.
Уильям Уотерхаус. Пандора, открывающая ларец. 1896 год. Находится в частной коллекции
    Джон Уильям Уотерхаус (John William Waterhouse), английский художник.
Джон Уильям Уотерхаус родился в 1849 в Риме, в семье художника. В 1850-х семья вернулась в Англию. Перед поступлением в Королевскию академическую школу в 1870 Уотерхаус помогал отцу в его студии.
    Довольно часто его относят к прерафаэлитам, хотя он формально не принадлежал к данному течению. Уотерхаус поддерживал идею прерафаэлитов в заимствовании сюжетов из поэзии и мифологии. Он с особой точностью передавал драматизм момента, а также демонстрировал блестящее владение композицией и живописной техникой. Своей популярностью художник обязан очарованию и шарму его задумчивых моделей.
    Работы Уотерхауса хвалились критиками, его репутация была высока, и ему подражали молодые художники. За свою жизнь он написал примерно 200 полотен на мифологические, исторические и литературные темы.
Он относится к тем немногочисленным художникам, которые при жизни приобрели известность и могли жить в достатке благодаря своим работам.
Информация о художнике.
     Пандора - греч. "всем одаренная". Пандора была первой женщиной, созданной по воле Зевса Гефестом в наказание за то, что Прометей похитил с неба огонь для людей. Пандора должна была стать орудием отмщения. Гефест вылепил Пандору из земли и воды, дал своему творению облик, подобный богине, человеческий голос и прелесть. Афродита одарила Пандору красотой, Гермес - коварством, хитростью, лживостью и красноречием. Афина соткала для Пандоры прекрасные одежды. Одарили Пандору и другие боги.
     Зевс отдал Пандору замуж за брата Прометея - Эпиметея, которому она родила дочь Пирру. Эпитемий, несмотря на предостережения Прометея, принял в дар от Зевса ящик, в котором были заключены все людские пороки, несчастья, болезни. Терзаемая любопытством, Пандора открыла его и выпустила на волю бедствия, от которых с тех пор страдает человечество. На дне осталась только надежда, так как Пандора успела захлопнуть крышку.
Иносказательно ящик Пандоры - вместилище бед; дар, чреватый бедами.
 Миф.
     На первом плане картины изображена девушка необыкновенной красоты. Ее полуобнаженная фигура расположена по центру картины, в статичной позе, что в совокупности с отсутствием диагональных линий и преобладанием линий вертикальных и горизонтальных создает статичную композицию, которая необходима здесь для создания настроения безъисходности и необратимости происшедшего – беды вылетели, и обратного пути нет.
    Для усиления трагичности происходящего художником использован специфический колорит, (оттенки серого, коричневого, болотного) на фоне которого обнаженное тело Пандоры привлекает внимание и кажется трогательно незащищенным на фоне изломанных линий мрачного леса, на заднем плане. Мерцающие вдали четыре блика создают мистическое напряжение еще и тем, что дают простор для фантазии, это могут быть окна, а могут быть глаза чудовищ – лес вполне позволяет такое предположение.
    Сама Пандора являясь, несомненно, сюжетно-композиционным центром, выделенным цветом, освещенностью, укрупнением изображения, изображена художником несколько отличной от мифа, ее поза говорит о том, что она сама удивлена происходящим и сделала это не по злому умыслу, ее лицо не может принадлежать женщине, которую Гермес наделил коварством, хитростью, лживостью.
     Ларец, изображенный рядом с Пандорой, необыкновенно красив, исполненный в золоте он привлек бы внимание и не такой слабой (такое впечатление производит ее облик) женщины как Пандора. Кстати,  его расположение в левой части картины,  полностью соответствует особенностям нашего зрения – мы рассматриваем картину слева направо и он попадает в поле нашего зрения едва ли не раньше Пандоры.
     Еще один элемент, изображенный на картине, требует осмысления – источник, который начинается где-то и протекает, занимая приблизительно половину пространства, справа от Пандоры. Только он движется на картине, по-видимому, символизируя быстротечность жизни, несмотря на которую, совершенный Пандорой замысел Зевса вечен.
Анализ картины.


Скачать презентацию или конспект Формирование этносов как главных носителей культуры


title: Скачать презентацию или конспект Скрипка и виолончель

extracted_text:
Музыкальные инструменты
Скрипка и виолончель
Виолончель
Скрипка
Альт и скрипка альт
Контрабас
Квартет из басни И.А.Крылова
Струнный квартет
Струнный квартет
Ноктюрн
НОКТЮ́РН — мечтательная, певучая пьеса, как бы навеянная образами ночи (французское nocturne — ночной). Ноктюрны пишутся для фортепиано (Д. Филд, Ф. Шопен, П. И. Чайковский, А. Н. Скрябин), для других инструментов или ансамблей (Ноктюрн из 2-го струнного квартета А. П. Бородина), для оркестров. (“Ноктюрны” К. Дебюсси).
Интернет-ресурсы:
http://www.photosight.ru/photos/17019/  виолончель
http://www.ros-tov.ru/news/detail.php?ID=10909 скрипка
http://abook-club.ru/index.php/t20748-3600.html альт и скрипка альт
http://www.classic-music.ru/kontrabass.html контрабас
http://blogs.privet.ru/community/retro./83787146 квартет Крылова
 http://spbartist.ru/primavera/ струнный квартет
http://usany.ru/artist.php?artist=Borodin%20Quartet струнный квартет
http://yandex.ru/images/search фон
http://slovari.yandex.ru


title: Скачать презентацию или конспект Египетский ордер. Колонны Египта

extracted_text:
Египетский ордер. колонны Египта.
Урок МХК 10 класс.
Автор учитель истории и МХК МОУ «СОШ № 20 с УИОП» г.Ухты РК Страхова Нина Павлиновна
Все типы колонн этого ордера создавались по единому принципу, являя собой стилизованное отображение в камне растений, чаще всего лотоса, пальмы или папируса, занимавших особое значение в культуре Древнего Египта. Исходя из этого принципа ствол колонны был круглым в сечении или состоял из стилизованного «пучка стеблей» - с полукруглыми в сечении выпуклостями, соответственно круглому стеблю камыша или лотоса, а иногда в виде заостренных ребер, как у стебля папируса. Ствол зачастую украшался горизонтальными полосами с орнаментом или выпуклыми «жгутами», которые будто удерживали вместе «пучки стеблей». Для египетской архитектуры была характерна своеобразная форма капителей, изображавших закрытого бутона или раскрывшейся чашечки цветка папируса, лотоса или листья пальмы. В отдельных случаях на капители высекали изображение головы богини плодородия Хатор.
Творческая работа «Египетская колонна.»
Типы египетских колонн.
На протяжении истории развития рахитектуры Древнего Египта наиболее значительные изменения коснулись формы опор — столбов и колонн. На ранних этапах чаще использовали опоры геометрически правильной формы. Более сложные колонны, с использованием растительных форм, начали возводить в период Нового царства.
Древнеегипетский ордер с опорами в виде геометрически правильных форм - массивные столбы квадратного сечения, без капителей, без мелких деталей, иногда покрытые рельефами, порой перед столбами помещали скульптуры.

Типы и виды колонн
1.лотосная
2.папирусная
3.лотосная
4.пальмовая
5.хаторская
Оформление колонн
Позднее, в период Среднего царства наблюдается тенденция к преодолению массивности опор, придание им более стройной и пластичной формы. Широко распространились колонны в форме 8- или 16-гранного цилиндра или с вырезанными желобами — каннелюрами. Также в древнеегиптских постройках были обнаружены колонны, ствол которых равномерно утоньшался от основания кверху. Высота колонн обычно в 5—5,5 раза превышает диаметр колонны в основании. Часто колонны имели капитель в виде квадратной плиты — абаки.
Части колонн
Орнамент
Цветовое решение
Цветовое решение
Цветовое решение
Сохраняя геометрическую регулярнось форм, египетский ордер отличается строгостью и конструктивной логичностью, его также называют протодорическим, так как позже в Древней Греции получил распространение дорический ордер, своими формами несколько напоминавший египетский.
В храмовых сооружениях, начиная с периода Нового царства, ордер геометрически правильных форм вытеснился ордером, отображавшем в камне растительных форм, что во многом шло вразрез с конструктивной логикой стоечно-балочной системы, в отличие от более ранних видов ордера.

Египетский ордер
Творческое задание
1.Выбрать тип колонны
2.Оформить её в орнаментальном плане, соблюдая каноны живописи.
3.Защитить свой творческий проект.


Скачать презентацию или конспект Освещение. Свет и тень


Скачать презентацию или конспект Культура народов Мезоамерики


Скачать презентацию или конспект Творчество Рембрандта


Скачать презентацию или конспект Музыкальная драматургия - развитие музыки


title: Скачать презентацию или конспект Тест по культуре Мезоамерики

extracted_text:
Тест по культуре мезоамерики
9 класс МХК автор Страхова Нина Павлиновна учитель МХК МОУ «СОШ № 20 с УИОП» г.Ухта РК.
1.Как называлась письменность ацтеков?
2.Назовите цивиллизацию,которая оставила такое каменное «наследие»?
3.Название пирамиды и кому она принадлежала?
4.Самый воинственный народ Мезоамерики?
5.Этот народ составил самый оригинальный календарь.
6.Назовите два вида воинов народа ацтеков?
7.По этой дороге майя шли приговорённые к смерти.как она называлась?
8.Самый знаменитый город, найденный в Андах.Как он называется и кто там жил?
9.Пирамида Тикаль. Какому народу она принадлежала?
10.Эти скульптуры посвящены одному из главных божеств майя. Как его звали?
11.Скульптура в Чичен Ице. Как звали бога?
12.Доинская цивиллизация. Пустыня Наско. Что это за знак?
13.Назовите главные виды искуства народов мезоамерики?
14.Назовите музыкальные инструменты народов мезоамерики?
15.Как называлась игоа и каковы её правила?
16.Кто из народов Мезоамерики считал золото символом Солнца?
17.С какой целью строилось данное сооружение?
18.Назовите столицу ацтеков?
19.Пирамида в Паленке. Какие функции она выполняла?
20.Чья цивилизация Мезоамерики оставила такое наследство?
21.Как назывался камень,который майя считали священным?
22.Вид искусства.
23.Из какого материала майя изготавливали ножи?
24.Какой высшей почести могли удостоится пленники?
25.Назовите главного бога инков.
Ответы на вопросы.
1.Кодексы.
2.Ольмеки.
3.Пирамида Солнца. Майя.
4.Инки.
5.Ацтеки.
6.Воин –Ягуар и Воин-Орёл.
7.Дорога мёртвых.
8.Мачу Пикчу.
9.Майя.
10.Пернатый змей.
11.Кукулькан.
12.Орёл.
13.Скульптура, архитектура, резьба по драгоценным камням и металлам.
14.Барабаны,флейты.
15.Игра в мяч.
16.Инки.
Ответы на вопросы.
16.Инки.
17.Стадион для игры в мяч.
18.Теночтитлан.
19.Храм,обсерватория и захоронение главного Паленке.
20.Майя.
21.Нефрит.
22.Скульптура.
23.Обсидиант.
24.Жертвоприношение богу.
25.Большой инка.


title: Скачать презентацию или конспект Искусство средневекового витража

extracted_text:
Искусство средневекового витража
Урок МХК в 10 классе
Автор учитель МОУ СОШ № 20 г.Ухта РК СТРАХОВА Нина Павлиновна
Итак, какой вид искусства был представлен?
витраж
Витраж (от лат. vitrum и фр. vitre – стекло) – уникальный по силе своего художественного воздействия на зрителя и многообразию эффектов вид художественного и декоративного творчества.
План урока
1.История витража.
2.Искусство создания витража.
3.Практическое занятие: изготовление витража.
История витража
История возникновения витража теряется в седой древности. Археологические изыскания свидетельствуют, что попытки изготовления витражного стекла предпринимались в древнем Вавилоне, Египте, Греции и Риме.
История витража
На территории древнего Карфагена найдены стеклянные обломки, указывающие на то, что свои первые шаги искусство витража осуществляло там более пяти тысяч лет назад. Эллинистическому миру рубежа старой и новой эры история возникновения витража была обязана техникой цветного катанного стекла наподобие миллефиоре флорентийского Возрождения.
История витража
Примерно в I в. До Р.Х. в Сирии возникла стеклодувная техника, которая произвела переворот в стекольном производстве. Стеклодувная трубка позволила изготовить полый стеклянный шар (банку), который затем можно было проколоть и получить относительно ровную пластину. Подобной техникой изготовления листового стекла пользовалось еще искусство витража в средневековье и в эпоху Ренессанса.
История витража
История появления витража в том смысле, который мы придаем этому слову сегодня, связана, прежде всего, с распространением христианства. Считается, что впервые полноценные витражные окна были созданы в Византии при строительстве храма св. Софии Константинопольской в VI веке. По свидетельству современников, витражное искусство той эпохи ограничивалось использованием кусочков стекла различной формы и диаметра, вмазанных в прорези на доске, которой застраивался оконный проем.
В Европе того времени, еще не знавшей стекла, использовались тонкие пластины камня – алебастра, или селенита. Однако именно в европейском храмовом зодчестве в XI веке раннее искусство витража достигло небывалых дотоле высот. Началом следующего века датируется и первый трактат по витражному искусству.
Описанная в 1100 году германским монахом Феофилом технология создания витражей до сих пор применяется в витражном искусстве как классическая. Классический витраж формировался из сотен кусочков цветного стекла, соединенных между собой н – образными свинцовыми переплетами, которые затем спаивались по стыкам. Способ получения стекла разных цветов посредством добавления в расплавленную стеклянную массу красочных пигментов пришел в Европу с Востока. Для проработки мелких деталей например, лиц при создании фигуративных композиций использовали особый глазирующий состав на основе стеклянного порошка – гризайль. Расписанная гризайлью витражная пластина подвергалась обжигу, в результате которого глазурь прочно вплавлялась в стекло.
История витража
История витража
Развитие витражного искусства в храмовом зодчестве раннего средневековья неотделимо от общей концепции христианского богослужения, от смысла литургического действа. Храм – это место, где земное и небесное сливаются в неразрывном метафизическом единстве. Витражи, наполняющие его таинственным мерцанием, бросающие повсюду цветные блики – символизируют сияние горнего мира, божественный свет. В сумраке романских базилик свечение витражных панно должно было вызывать чувство чего-то трансцендентного, космического, повергать набожных прихожан в священный трепет…
История витража
Одним из наиболее древних образцов витражного искусства раннего средневековья является голова Христа из Эльзаса. Значительнейшими памятниками истории витражного искусства той эпохи – французские соборы в Шартре и Пуатье
История витража
В конце XII столетия на смену романскому – византийскому стилю в Европу приходит свой собственный, готический стиль, начало которому было положено аббатом Сугерием, руководившим в 1144 году возведением апсиды королевской церкви аббатства Сен-Дени. Новые архитектурные принципы готического храмового зодчества позволили максимально расширить пространство, занятое окнами, а, следовательно, витражами. Готическое искусство витража средних веков в сравнении с романским становится более монументальным. Совершенствуются технологии производства, появляются ранее неизвестные архитектурные элементы, успешно декорируемые витражами – например, круглые готические окна-розетки. Искусство витража средних веков ярко расцветает во Франции, Англии и других странах. Наряду с традиционными иконописными темами и сценами Священной истории, готическое витражное искусство обращается к сюжетам истории светской: деяниям королей, и пр.
История витража
Значительнейшими памятниками искусства витража средних веков являются Нотр-Дамм в Париже и Кентерберри, соборы в Бурже, Шартре, Сансе, Амьенне, и пр. Светская история витражного искусства этого периода ознаменована появлением французского лучистого стиля – орнаментальной росписи гризайлью по белому стеклу.
История витража
В эпоху Возрождения страной, где история развития витража достигла наивысшего расцвета, стала Италия. История возникновения витража принципиально нового типа в Италии XIV-XV веков связана, во-первых, с новыми реалистическими приемами изобразительного искусства, основанными на применении перспективы и светотеневой моделировки, а во-вторых, с новыми техниками производства витражного стекла. Теоретически обоснованные Джотто, Ботиччелли, Микеланджело и другими художниками принципы возрожденной иллюзионистической живописи античности открыли витражному искусству новые изобразительные средства.
История витража
Использование серебряной протравы и прочих химических веществ усовершенствовало технологию производства витражного стекла, позволив не добавлять красочный пигмент в расплавленную массу, а надежно окрашивать уже готовые пластины белого стекла в оттенки желтого или красного цвета. Эти, и им подобные новшества технологии дали художникам возможность сделать витраж более изобразительным, картинным, за счет уменьшения количества свинцовых переплетов между стеклянными пластинками.
История витража
Также, в эпоху возрождения в изготовлении витражей стала применяться пескоструйная техника, позволившая добиться различных фактур поверхности стекла. История витража XV-XVI веков отмечена огромным разнообразием техник, изобразительных средств, приемов. Придя из Италии, витраж ренессансного типа вскоре распространился по всей Европе. Крупнейшие стеклодельческие центры возникли в Англии, Нидерландах, Бельгии и пр
История витража
Такие витражные мастера как голландцы Дирк и Вутер Крабеты дополнили широкую свободную манеру южного итальянского Ренессанса северной сдержанностью и декоративностью. Замечательными памятниками витражного искусства Возрождения являются Миланский и Брюссельский соборы, собор св. Этьена в Бове, церковь св. Иоанна в Гоуда и другие.
История витража
XVI-XVII века – эпоха, когда история развития витража начинает клониться к упадку. Техника набора из кусочков цветного стекла постепенно полностью вытесняется росписью, в том числе и непрозрачными эмалями. Утрачиваются секреты старых мастеров, приходят в запустение крупнейшие стеклодельческие центры в большинстве стран западной Европы; витражное искусство переживает полный упадок, длившийся вплоть до начала XIX века.
Искусство создания витража
Что необходимо мастеру для создания витража?
1.рисунок,который прорисовывали чёрной краской по контурам разреза;
2.маленькие кусачки, чтобы «откусывать» кусочки стекла;
3.свинцовая проволока для крепления кусочков разноцветного стекла.
Искусство создания витража
Инструменты современного витражиста
Создаём витраж
Создаём витраж
Создаём витраж
Витражи….


Скачать презентацию или конспект Лебединое озеро


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура барокко

extracted_text:
Архитектура барокко

Барокко в архитектуре
Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф.Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм.
Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах,волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры.
Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме.
Характерные детали барокко — теламон (атлант),кариатида, маскарон.

Волюта (итал. voluta — завиток, спираль), архитектурный мотив в форме спиралевидного завитка с кружком («глазком») в центре, составная часть ионической капители, входит также в композицию коринфской и композитной капителей.
 Форму волюты иногда имеют архитектурные детали, служащие для связи частей здания, а также консоли карнизов, обрамления порталов, дверей, окон (главным образом в архитектуре позднего ренессанса и барокко).

Преобладающиеи модные цвета:
приглушенные пастельные тона; красный, розовый, белый, голубой с желтым акцентом.
Линии:
     причудливый выпукло - вогнутый асимметричный рисунок; в формах полуокружность, прямоугольник, овал; вертикальные линии колонн; выраженное горизонтальное членение.
     Форма:
     сводчатая, куполообразная и прямоугольная; башни, балконы, эркеры.
     Характерные элементы интерьера:
     стремление к величию и пышности; массивные парадные лестницы; колонны, пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной орнамент; взаимосвязь элементов оформления.
     Конструкции:
     контрастные, напряженные, динамичные; вычурные по фасаду и вместе с тем массивные и устойчивые.
    Окна:
    полуциркульные и прямоугольные; с растительным декором по периметру.
    Двери:
    арочные проемы с колоннами; растительный декор

Благодаря причудливой пластике фасадов, сложным криволинейным планам и очертаниям дворцы и церкви барокко приобретают живописность и динамичность. Они как бы вливаются в окружающее пространство.
Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия).

Версаль
Петергоф  (Россия)

Ансамбль Смольного отражает два стиля русской архитектуры – барокко и классицизм. Первый женский монастырь Петербурга – Воскресенский Новодевичий монастырь построен на месте бывшего Смоляного двора. Отсюда произошло название – Смольный. Автором проекта был гениальный архитектор Ф.Б. Растрелли.

Церковь Свв. Петра и Павла - блестящий образец барокко начала XVII века. Архитектор Джованни Тревано разработал нарядный трехъярусный фасад, с пилястрами, волютами, нишами, и просторный интерьер. В средокрестье, где неф пересекается с трансептом, поставлен мощный купол в форме эллипса. Вдоль стен единственного нефа встроены сообщающиеся между собой капеллы, образующиеся подобие боковых нефов.
Лоренцо Бернини
    Великим творцом эпохи Барокко был Лоренцо Бернини (1598-1680), в равной степени проявивший себя и в архитектуре и в скульптуре.
    Родился он в Неаполе в семье художника и скульптора.
    В 25 лет он был уже знаменит и с этого времени работал главным образом в Риме.
Одну из лучших своих композиций "Экстаз Святой Терезы" (1645 —1652гг.) Бернини создал, будучи уже зрелым мастером.
В ней автор изобразил мистическое видение Святой Терезы Авильской, в котором к ней является ангел с огненной стрелой в руке, которой он пронзает сердце Терезы великой любовью к Богу.
Беломраморная скульптура находится в окружении колоннады из цветного мрамора, а фоном стали позолоченные лучи, символизирующие Божественный свет.
.
    Св. Тереза погружена в состояние духовного озарения, внешне похожее на смерть: голова запрокинута, глаза закрыты. Её фигура почти не угадывается за крупными, выразительно вылепленными складками одежды; кажется, что в их волнах рождается новое тело и новая душа, а за внешней мертвенной неподвижностью скрывается гигантское движение духа
Фонтан четырёх рек
(Нил, Дунай, Ганг,
Рио-де-ла-Плата)
на площади Навома.
Площадь перед собором
Святого Петра. Рим.
Фонтан «Тритон»
на площади
Барберини. Рим
Растрелли, Бартоломео Франческо
Варфоломе́й Варфоломе́евич
Знаменитый русский архитектор, итальянского происхождения. аиболее яркий представитель русского барокко. Ф. Б. Растрелли соединил элементы европейского барокко с русскими архитектурными традициями, почерпнутыми им прежде всего из нарышкинского стиля, такими как колокольни, крыши, цветовое решение.
Зимний дворец.Эрмитаж.
Главная резиденция
Русских императоров.