title: Скачать презентацию или конспект Музыкальный театр

extracted_text:
музыкальный театр

Мюзикл - (от англ. musical comedy – музыкальная комедия)  –  развлекательное  представление, в  котором  соединяются  различные  жанры  искусства – эстрадная и бытовая музыка,  хореография и  современный танец,  драма  и  изобразительное искусство.

                                  I куплет
Ночью на пустынной аллее вслед за вспышкою света
Будет тьмы полоса. Так и в жизни….
Я помню все, ведь прошлого вновь
Оживают голоса.
                                           II куплет
Счастье, что дано лишь однажды,
В суете мы теряем, выпиваем до дна….
Но не жаль мне сейчас того,
Что прожита жизнь, что знала я одна.
                                           III куплет
Утро. Пусть найдет меня утро.
Без единого вздоха, без биенья в груди.
Жаль, что поздно, но все же знаю –
Счастлива я. Все мученья позади.

    Напевание;
    Восклицание;
    Вскрик;
    Пение шепотом;
    Танцующий хор.

 Ритмичность;
 Темы джаза;
 Темы рок – музыки;
 Электронные музыкальные инструменты.


title: Скачать презентацию или конспект Архитектурный облик Древней Руси 9-12 вв.

extracted_text:
Архитектурный облик Древней Руси IX-XII века

«Музыка, застывшая в камне»
БАЗИЛИКА (от греч. basilike — царский дом), вытянутое, прямоугольное в плане здание, разделенное внутри продольными рядами колонн или столбов на 3 или 5 продольных прохода – «нефа» ( от греч. «несус» - «корабль»).
Базилика
План базилики
1-вход
2-Неф
3-место для хора
4-вход на хоры
5-алтарь
6-алтарь под балдахином
7-апсида

Устройство крестово-купольного храма
Основание храма
Купол храма (количество глав)
Световой барабан
Апсида
Закомара
Первые православные храмы.Десятинная церковь.
Спасо-Преображенский собор в Чернигове
Собор Святой Софии в Киеве
«Он, словно шлем, надвинул главы
И стены выставил, как щит.
Он весь – тугая соразмерность,
Соотношение высот,
Ассиметрия, тяжесть, верность
И сводов медленный полёт.
В. А. Рождественский («Новгородская София»)
София Новгородская и София Полоцкая
Георгиевский собор, церковь Успения на Торгу(1135г.),
Церковь Покрова на Нерли(1165г.), Дмитриевский собор во Владимире XII В.
Мы сами обретаем вечность пред этой дивной красотой!


title: Скачать презентацию или конспект Культура Латвии

extracted_text:
Культурное наследие Латвии
pptcloud.ru
Общие сведенИя
Латвия – это страна с древней историей и традициями. Здесь имеются исторические объекты, которые заинтересуют любого. Если вы хотите наслаждаться природой – здесь есть и спокойный Рижский залив, и открытое Балтийское море, и природные парки, и быстрые реки, и озера, на берегах которых сохранились обширные леса. Для тех кто  увлекатся историей, представляют интерес средневековые замки и древнелатышская культура.
В Латвии есть красивые церкви – и старинные, и современные. И, конечно, отправляясь в Латвию, не забудьте поинтересоваться мероприятиями, которые запланированы на это время! Вы сможете насладиться как традиционными латышскими праздниками, так и самыми разнообразными культурными и развлекательными мероприятиями, которые продолжаются круглый год.
Культура и традиции Латвии
Латвийская культура развивалась под воздействием фольклора и привязанности местных жителей к своей земле. Христианские ритуалы очень часто обогащаются древними языческими традициями.

Так, в прикладном искусстве четко прослеживаются элементы языческих геометрических символов. Одной же из самых ярких традиций является проведение праздников пения с хоровым исполнением народных песен.
Самый популярный и широко отмечаемый праздник Латвии — Янов день — 23 июня. Если Вы — любитель пива и попадете в Латвию в Янов день, то полюбите Латвию, как пиво.
Культурное наследие Латвии
Крупнейшая и наиболее непосредственно воспринимаемая часть исторического наследия с наибольшим потенциалом – это памятники культуры, культурно-исторические ландшафты и отдельные территории, а также отдельные могилы, группы зданий, отдельные здания и строения, произведения искусства, обстановка и предметы, имеющие историческую, научную, художественную или другую культурную ценность, сохранение которых отвечает интересам Латвийского государства, народа и международным интересам.
Культурное наследие Латвии
Культурное наследие Латвии состоит из 3364 памятников архитектуры, 2495 археологических памятников, 2414 памятников искусства, 44 территориальных и градостроительных памятников, а также 111 исторических памятников.
Они образуют совокупность латвийского наследия архитектуры, археологии (в том числе подводной), монументального, сакрального и прикладного искусства, науки и техники.
Список памятников культуры государственного значения в Латвии включает в себя 1248 памятников архитектуры, 1481 археологический памятник, 2243 памятника искусства, 39 территориальных и градостроительных памятников и 109 исторических памятников.
Юнеско
В следующие 2 или 3 года Латвия рассчитывает пополнить список Всемирного наследия ЮНЕСКО своими архитектурно-историческими памятниками.
Пока в престижном списке присутствуют два латвийских объекта. Это Вецрига (Старая Рига), знаменитая своими соборами и историческими зданиями,
и
Геодезическая дуга Струве, которая проходит через Латвию и еще девять государств. Дуга Струве - это сеть из 265 пунктов, представлявших собой заложенные в землю каменные кубы размером 2х2 метра, протяженностью более 2820 км. Создавалась она с целью определения параметров Земли, ее формы и размера.
Юнеско
Главная цель списка Всемирного наследия — сделать известными и защитить объекты, которые являются уникальными в своём роде. Для этого и из-за стремления к объективности были составлены оценочные критерии.

Архитектурные памятники латвии
Латвия имеет богатую событиями и именами историю. И исторические процессы, которые происходили на ее территории, не могли не оставить своего следа на этой земле. Чтоб почувствовать на себе веянья истории, ощутить атмосферу Латвии Мы предлагаем вашему вниманию следующие исторические постройки,  а именно:

Архитектурные памятники латвии
Сигулда
Первые обитатели Сигулды появились в низовьях реки Гауя в XI столетии. Замки, построенные ливами, помогали им сопротивляться немецким крестоносцам, войскам Ивана Грозного во время Ливонской войны. В 16 веке Видземе вошел в состав Польши и Сигулда в эти годы стала важным административным центром. На рубеже XIX -XX столетий Сигулда превратилась в самое популярное место летнего отдыха в России.

Архитектурные памятники латвии
Цесис
Живописный средневековый город Цесис дважды был столицей: в XIII веке — столицей Ливонии, когда стал местом резиденции магистра Ливонского ордена, и в 1919 году непродолжительное время — столицей независимой Латвии.
Маленький город до сих пор хранит древний дух и культурные традиции. Здесь сохранились руины древнего Ливонского замка.

Архитектурные памятники латвии
Даугавпилс
Город основан в 1275 на реке Даугава Ливонским орденом как крепость Динабург.
В 1656 — 67 назывался Борисоглебов, в 1893 — 1917 Двинск, с 1917 года — Даугавпилс. Крепость в Даугавпилсе — одна из немногих сохранившихся русских крепостей. Сейчас Даугавпилс — второй по величине после Риги город в Латвии. Его населяет 117 тыс. человек, по преимуществу русские. Нынешний центр города и сеть его улиц сформировались в начале XIX века и были утверждены в 1826 г. царским планом застройки.

Архитектурные памятники латвии
Бауска
Город Бауска — самый большой город на границе Латвии с Литвой. Город расположен на слиянии рек Муса и Мемеле при впадении их в реку Лиепая. Он основан в XV веке и получил статус города в 1584 году.
Выдающаяся достопримечательность Бауски — Бауский замок, который окружен крепостью, построенной Ливонским орденом в середине XV века.
Архитектурные памятники латвии
Церковь святого Петра

Турайда
Архитектурные памятники латвии
Домский собор

Пороховая башня
Спасибо всем за внимание


title: Скачать презентацию или конспект Болеро

extracted_text:
“О, болеро,
священный танец боя!”
1урок. 2четверть.
Целостность образа поэзии и жизни.
М. Равель. Болеро. Образ народного танца.
«Болеро – испанский народный танец, зародившийся в Испании в конце XVIII столетия.
Танцуется такое болеро под аккомпанемент гитары и барабана, а сами танцующие отбивают на кастаньетах дополнительно сложные ритмические фигуры, сплетающиеся в необычайно прихотливый узор.
Из энциклопедии Искусства
Удивительная динамическая сила, стремительный порыв его музыки показывает, что Равель был совершенным мастером своего искусства.
Эмиль Ветермоз
Жозеф Морис Равель (Ravel)
(1875-1937)
Равель Морис Жозеф родился 7 марта 1875 года в небольшом французском городке Сибурне, недалеко от испанской границы. Нет ничего удивительного в испанских привязанностях французского композитора. Ведь его мать Мария Делург была испанкой.
Русские связи Равеля дали внешний толчок к написанию «Болеро», так как долгие годы Равель был связан с деятелями русской культуры, особенно с композиторами, покорившими Париж в начале 90-х годов.
Это, прежде всего,  знаменитый русский театральный деятель Сергей Павлович Дягилев с его «Русским балетом» и «Русскими сезонами» в Париже.
«Болеро» Мориса Равеля – это симфонический шлягер ХХ века. «Болеро» появилось в 1928 году. На написание «Болеро» Равеля подвигнула Ида Рубинштейн - известная русская балерина, ученица Михаила Фокина, знаменитого русского балетмейстера-новатора.
Её портрет, написанный Валентином Серовым, украшает коллекцию живописи Русского музея.

По замыслу композитора действие должно было проходить на открытом воздухе: на фоне стены… заводского корпуса! (композитор всегда питал пристрастие к индустриальному пейзажу).
Завод, рисовавшийся Равелю в «Болеро», существовал в действительности и находился неподалёку от того места, где композитор приобрёл небольшой дом под Парижем. Гуляя здесь с друзьями, Равель часто говорил, указывая на этот завод: «Завод из “Болеро”».
«Болеро» - настоящий композиторский фокус Равеля: из обворожительной темы  вырастает образ грандиозный по своим масштабам танец, в котором ощутима  «высвободившаяся энергия и воля огромной массы людей».
Не случайно эта музыка приобрела национально-патриотическое звучание и стала своего рода  «испанской марсельезой» в период гражданской войны в Испании 1936 года.
«Болеро» имело оглушительный успех в Европе. Тему «Болеро» напевали всюду – в коридорах отелей, в метро, на улице. Поистине это тема века. Её способен был напеть каждый любитель музыки.

В равелевском «Болеро» есть и нечто воинственное – в звучании малых барабанов. Барабаны – глашатаи войны.
Но жив народ, и песнь его жива,
Танцуй, Равель, свой исполинский танец.
Танцуй, Равель! Не унывай, испанец!
Вращай, История, литые жернова,
Будь мельничихой в грозный час прибоя!
О, болеро, священный танец боя!
Н. Заболоцкий
Вопросы для контрольного слушания

Что главное в музыке этого произведения?
Какой характер? Меняется он или нет?
Сколько тем в произведении?
Какие из средств музыкальной выразительности остаются неизменными, а какие меняются? (интонация, темп, тембр, динамика, лад, регистр, ритм, построение).
Болеро Равеля – сочетание навсегда. Музыкальный памятник странному времени между двумя войнами. Нескончаемо текучая фраза, которая никогда не должна кончиться.
Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Вековой юбилей музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

extracted_text:
Родился 26 мая (6 июня н.с.) в Москве, в Немецкой слободе. Отец, Сергей Львович, принадлежал к старинному дворянскому роду; мать, Надежда Осиповна, урожденная Ганнибал, была внучкой Абрама Петровича Ганнибала — "арапа Петра Великого".
ПУШКИН Александр Сергеевич (1799 — 1837), поэт, прозаик, драматург, публицист, критик, основоположник новой русской литературы, создатель русского литературного языка.
Именем А.С. Пушкина названы:
Города: Пушкин, Пушкинские горы (Пушкиногорский район Псковской области)
ВУЗы: Государственный институт русского языка им. А.С. Пушкина, Ленинградский государственный областной университет (Пушкин),
Театры: Московский драматический театр им. А.С. Пушкина, Российский государственный академический театр драмы им. А.С. Пушкина (Александринка) (Санкт-Петербург), Красноярский драматический театр им. А.С. Пушкина, Государственный Ордена Знак Почета Академический Русский драматический театр им. А.С. Пушкина (Якутск), Магнитогорский драматический театр им. А.С. Пушкина, Нижегородский государственный академический театр оперы и балета им. А.С. Пушкина, Псковский академический театр драмы им. А.С. Пушкина
Библиотеки: Томская областная универсальная научная библиотека им. А.С. Пушкина, Национальная библиотека им. А.С.Пушкина (Саранск), Омская государственная областная научная библиотека им. А.С. Пушкина
Исследовательские институты: Пушкинский дом, Пушкинский институт
гора пик Пушкина на Кавказе (высота 5033.6 м, Главный Кавказский хребет, граница между Россией и Грузией)1

Музеи

Государственный музей изобразительныйх искусств им. А.С. Пушкина
Всероссийский музей-квартира А.С.Пушкина (Санкт-Петербург, набережная Мойки, 12)
Мемориальный музей-лицей (Пушкин)
Государственный мемориальный историко-литературный и природно-ландшафтный музей-заповедник А.С.Пушкина "Михайловское" (Музеи-усадьбы — "Михайловское", "Тригорское", "Петровское"; мельница в деревне Бугрово; Свято-Успенский Святогорский монастырь; городища — "Воронич", "Савкина горка") 39
Государственный музей-заповедник "Болдино"
Мемориальная квартира А.С. Пушкина на Арбате (Москва)
Музей А.С. Пушкина (Бернов, Тверская область)
Дом-музей А.С. Пушкина (Кишинев, Молдова)
Государственный историко-литературный музей-заповедник А.С. Пушкина
Музей А.С. Пушкина (Киев, Украина)
Литературно-мемориальный музей А.С. Пушкина (Одесса, Украина)
Республиканский музей А.С. Пушкина (Гурзуф, Крым, Украина)
Музей А.С. Пушкина (Бродзаны, Словакия)
Музей А.С. Пушкина (Нью-Йорк, США)
Литературный музей А.С. Пушкина (Вильнюс, Литва)
Музей А.С. Пушкина (Париж, Франция)

Государственный Музей Изобразительных Искусств имени А.С.Пушкина
Музей изящных искусств в Москве первоначально был назван в честь императора Александра III, отца царствовавшего в те времена Николая II. Его открытие в 1912 году стало знаменательным событием в культурной жизни царской России. Архитектор Роман Клейн спроектировал здание музея в виде античного храма, - строительство началось еще в 1898 году и велось на общественные средства.Создатель музея, профессор московского университета И. Цветаев, целью своего многолетнего упорного труда ставил организацию при университете своеобразного учебного центра, который даст возможность студентам изучать макеты и копии всемирно известных шедевров. Однако очень скоро университетское собрание пополнилось подлинниками: богатой коллекцией древнеегипетского искусства востоковеда В. Голенищева и картинами итальянских живописцев XII-XIV в.в., подаренных русским дипломатом М. Щекиным.Уже в 20-е годы музей становится собранием уникальных произведений. В него вошли экспонаты из крупнейшей коллекции графа и дипломата Н. Румянцева и другие конфискованные сокровища: полотна немецких, нидерландских, испанских, фламандских, итальянских, французских мастеров. Окончательное формирование картинной галереи произошло благодаря поступлениям из Государственного Эрмитажа. Это были работыкрупнейших европейских живописцев - Боттичелли, Рубенса, Рембрандта, Ван Дейка, Пуссена, Каналетто, Мурильо.В 1937 году, юбилейном году Пушкина, музею изящных искусств было присвоено имя поэта, а в 1948 Пушкинский музей получил от Музея нового западного искусства великолепную коллекцию импрессионистов и постимпрессионистов. Это были работы из собраний купцов И. Морозова и С.Щукина. В коллекцию вошли работы Э. Мане, Ренуара, К. Моне, Писсарро, Дега, Сислея, Матисса, Ван Гога, Сезанна, Гогена, Пикассо, Руо, Марке и других.В музее также собраны бесценные подлинные образцы прикладного искусства и западноевропейской скульптуры.

     С Пушкинским музеем связаны многие исторические события в жизни российской культуры, вехи.
     К 100-летию ГМИИ им. А.С. Пушкина на Первом канале появится новый документальный фильм "Глаз Божий". Картину в своей неповторимой манере, которой стремится подражать чуть ли не каждый третий ведущий на отечественном ТВ, снял Леонид Парфенов. Кроме студии "Намедни" в ее создании принял участие Фонд Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, а также Дмитрий Рыболовлев. Снимались в фильме Олег Табаков, Владимир Этуш, Игорь Кваша, Владимир Познер, Петр Налич, Владимир Зайцев, Сергей Васильев, Евгений Миронов, Михаил Ефремов и другие.
Большую часть первого этажа занимают подлинные произведения. Здесь находятся залы Древнего Египта, древних цивилизаций, античных подлинников, коллекция европейской живописи XIII–XVII веков, а также два зала слепков — Греческий и Итальянский дворики.
I этаж

В зале искусства Древнего Египта экспонируется около 800 экспонатов, представляющих все периоды истории развития страны фараонов, начиная с IV тысячелетия до н.э. до IV века до н.э. Это деревянные и каменные саркофаги, статуи, рельефы, предметы быта и погребального культа, мумии людей и животных, папирусы, сосуды и украшения, статуэтки божеств и амулеты. Сам зал оформлен архитектурными элементами, характерными для древнеегипетского храма: потолок расписан, ложные балки поддерживаются изящными колоннами в форме связки папируса. Это придает залу особую атмосферу и сразу настраивает входящего на общение с древнеегипетским искусством.
Наиболее древние экспонаты египетской коллекции ГМИИ – это каменные орудия труда (ок. VI – V тыс. до н.э.), а также шиферные палетки и глиняные расписные сосуды культур Нагада I – III (IV тыс. до н.э.). Наряду с богатым и разнообразным массовым материалом – жертвенными дарами, происходящими из гробниц и предназначенными для благополучной жизни после смерти – в коллекции ГМИИ представлены выдающиеся произведения древнеегипетского искусства (верхняя часть статуи царя Среднего царства Аменемхета III, статуэтки жреца Аменхотепа и жрицы Раннаи, косметическая ложечка Нового царства и другие).

С момента открытия Музея в1912 году зал был предназначен для показа произведений искусства древних народов Передней Азии.
В оформлении зала использованы мотивы росписей дворцов ассирийских царей.
Зал был построен по проекту С.А. Протопопова в честь Великой княгини Елизаветы Федоровны на средства А.Г. Подгорецкой. Первоначально зал назывался Азиатский (Вавилоно–Ассирийский).

Коллекция из 259 предметов, часто называемая «Золото Трои» или «Сокровище Приама», хранится в ГМИИ им. А.С. Пушкина с 1945 года. Ее составляют предметы, происходящие из кладов, обнаруженных Генрихом Шлиманом во время раскопок Трои в 1872–1890 гг. Это различные украшения, сосуды, антропоморфные фигурки, топоры-молотки, изделия из горного хрусталя и т.д. Из семнадцати кладов, с 1881 года хранившихся в Берлине, в Москву попали предметы из 13 – те, что в 1939 году были отнесены немецкими специалистами к категории «невосполнимых» – преимущественно изделия из драгоценных металлов и камня. Другие вещи из тех же кладов, главным образом изготовленные из бронзы и глины, находятся в Государственном Эрмитаже.
В зале экспонируются изделия из кладов А, B, D, E, F, Ha, Hb, J, K, L, N, O, R, а также отдельные находки.

Коллекция античных памятников Музея относится к числу наиболее значительных в его собрании, охватывая период с конца III тысячелетия до н.э. по начало IV века. В четырех разделах новой экспозиции представлены самые интересные и характерные памятники основных художественных регионов и центров античного Средиземноморья.
Первый раздел – искусство древнего Кипра, острова, лежащего на пересечении морских и торговых путей Восточного Средиземноморья. В его памятниках нашли отражение традиции и черты самых разных культур.
Второй раздел посвящен искусству Древней Греции. Особенно разнообразна коллекция расписной керамики, начиная с самых ранних образцов – микенских сосудов XIV–XIII вв. до н.э. со скромным декором, в котором преобладают линеарные мотивы, и до краснофигурных ваз Аттики и Южной Италии IV в. до н.э., украшенных сложными многофигурными композициями, часто на мифологические сюжеты.
Третий раздел экспозиции знакомит с искусством Древней Италии, в начале I тысячелетия до н.э. заселенной многочисленными народами – латинами, умбрами, осками, певцетами и другими.
Четвертый, заключительный раздел экспозиции посвящен искусству Древнего Рима. Впервые большое место отведено предметам декоративно-прикладного искусства – сосудам из стекла и керамики, мозаикам и фрагментам фресковых росписей, декоративный рельефу и бронзовой утвари, всему тому, что наполняло и украшало повседневный быт римлян.

Зал посвящен археологическим исследованиям ГМИИ им. А.С. Пушкина.
Систематические научные раскопки ПАНТИКАПЕЯ были начаты лишь в 1945 году совместной Боспорской экспедицией ГМИИ им. А.С. Пушкина и Институтом истории материальной культуры АН СССР (Институт археологии РАН), созданной по инициативе проф. В.Д. Блаватского. С 1959 по 1976 гг. экспедицию возглавляла заведующая Отделом археологии ГМИИ им. А.С.Пушкина И.Д. Марченко, с 1977 г. по настоящее время ею руководит заведующий Отделом искусства и археологии Древнего мира Музея В.П. Толстиков. Раскопки позволили не только сформировать уникальный раздел коллекции Музея, значительная часть которого представлена в новой экспозиции, но и обогатили науку ценнейшими материалами по истории и архитектуре столицы Боспора. Открыта и воссоздана система застройки значительной части акрополя Пантикапея, о котором сообщает древний географ Страбон. Другой античный автор Диодор Сицилийский свидетельствует, что на акрополе находилась резиденция Спартокидов – басилея. Но этими данными, по существу, ограничиваются сведения об акрополе столицы Боспора. Поэтому особую важность приобретают результаты раскопок Боспорской экспедиции, позволившие впервые наметить этапы формирования центра столицы Боспора.

В этом зале представлены экспонаты Греко-римского периода истории Египта (IV в. до н.э.– IV в. н.э.) и небольшая часть коллекции коптских тканей (IV–VIII вв. н.э.).
Экспонаты, относящиеся к Греко-римскому периоду являются красноречивыми свидетельствами проникновения в памятники древних египтян новых пластических решений. Это касается, в частности, расписных гипсовых масок I–II вв., которые, сохранив свое первоначальное назначение – идентифицировать в загробном мире неповторимую индивидуальность умершего, - по точности и реалистичности исполнения сравнимы с древнеримским скульптурным портретом. Эти маски клали на лицо мумии поверх пелены таким образом, что голова оказывалась приподнятой. Тем самым подчеркивалась идея возрождения умершего. Глаза по египетскому обычаю нередко инкрустированы стекловидной пастой, а прически соответствуют римской моде эпохи императоров.
Среди памятников римского времени очень важны т.н. фаюмские портреты – написанные темперой или восковыми красками на тонких кипарисовых пластинах и крепившиеся к мумии льняными бинтами поверх пелены, выполняя роль маски мумии. Группа таких масок впервые была обнаружена в Фаюмском оазисе, давшем название всем аналогичным артефактам. Коллекция фаюмских портретов ГМИИ, насчитывающая 22 экземпляра (в зале выставлено 16), принадлежит к числу наилучших собраний этого рода и дает представление о фаюмском портрете на протяжении его развития с к. I в. по IV в., от позднеантичного иллюзионизма до раннехристианской условности. Большинство экспонируемых портретов отличаются искусной манерой письма, ярким и сложным колоритом, выразительностью и достоверностью портретных образов.
В зале экспонируются три погребальные пелены римского времени. Такие пелены, в которые заворачивали умерших, были фактически заменой саркофага, т.к. на них, как правило, изображался сам покойный с избранными богами (например, Осирисом и Анубисом), а также писались магические тексты для благополучной загробной жизни.
Наглядное представление о мумификации данного периода дает мумия женщины с позолоченной маской и очень декоративно выполненной укладкой бинтов в виде ромбовидных кассет, украшенных бронзовыми бляшками.
В зале представлены образцы т.н. коптских тканей – тканых изделий, найденных в греко-римских и христианских погребениях IV – VIII вв. Это предметы одежды, церковного и домашнего обихода: туники, шали, завесы, покрывала, скатерти и др. Они украшались декоративными вставками, как правило, выполненными шерстяными нитями по льняной или шерстяной основе. Мотивы весьма разнообразны: это геометрические и растительные орнаменты, изображения животных, птиц, охоты, мифологических персонажей, библейские сцены. Ткани можно разделить на две группы: двухцветные, или пурпурные, и полихромные, отличающиеся ярким насыщенным колоритом. Изображения на тканях наделялись благопожелательной и охранительной символикой.

Экспонаты этого зала дают возможность проследить переход от средневековой культуры к искусству европейского Возрождения и познакомиться с подлинными произведениями художников Византии и живописных школ Италии XIII– XVI веков.

В зале представлены подлинные произведения немецких и нидерландских художников XV–XVI веков.

В зале представлены образцы фламандской живописи XVII века.

Величайшей фигурой европейского искусства XVII века был Рембрандт Харменс ван Рейн. В облике Рембрандта, в его искусстве поражают не только редкая многогранность таланта (он писал живописные произведения, сюжетные картины, пейзажи, натюрморты, был выдающимся офортистом и рисовальщиком), но и величие человека, пронесшего через всю свою жизнь верность гуманизму и демократическим идеалам.
В музее хранятся рисунки, офорты и шесть живописных произведений великого мастера, представленные в экспозиции. Они дают возможность проследить основные этапы творчества художника от написанной в двадцать лет картины «Изгнание торгующих из храма» (1626) до шедевров зрелого мастера – исполненных высокой человечности и мудрого знания жизни психологических портретов и сюжетных композиций.
У Рембрандта было много учеников, его искусство оказало значительное влияние на других голландских живописцев. В мастерской Рембрандта изучали искусство других мастеров, но мало копировали, и много работали с натуры. Творческий процесс объединял учителя и учеников. Последние были людьми разного склада и одаренности. Одни, как Гербранд Экхаут, старательно следовали за изменением стиля Рембрандта; другие, как Карел Фабрициус, усвоив уроки учителя, развили его традиции; третьи, как Фердинанд Бол, восприняв некоторые особенности манеры мастера, в угоду партицианским кругам Амстердама отрекались от его заветов и обращались к академической живописи.

Семнадцатое столетие было в Европе «золотым веком живописи». В Италии, Голландии, Фландрии, Испании и во Франции сложились значительные художественные школы. Среди них искусство Голландии занимает особое место. Семь северных нидерландских провинций, объединившись вокруг самой крупной из них, Голландии, одержали победу над испанцами. Исторические судьбы этих земель определились после заключения Утрехтской унии в 1579 году, которая отдала законодательную власть Генеральным штатам, объявила веротерпимость, предоставила особые политические и экономические условия богатым провинциям Голландии и Зеландии. Этим были заложены основы будущей республики, которая получила государственный статус в 1609 году после заключения перемирия с Испанией.
Соединенные провинции стали первым в мире буржуазным государством, власть штатгальтера носила здесь номинальный характер, представители дома Оранских были в первую очередь полководцами. Их двор в Гааге не отличался особой пышностью и не оказывал заметного влияния на развитие культуры в стране. Правило в Голландии бюргерство – предприимчивое, расчетливое, практичное. Оно вкладывало капиталы в торговлю и судостроение, пролагало пути в далекие страны Азии и Америки и основывало там колонии. «Эта горсточка людей, – писал глава королевского совета Франции кардинал Ришелье, – владеющих клочком земли, состоящим из вод и выпасов, снабжает европейские народы большей частью нужных им товаров».

Греческий дворик – один из самых больших и красивых залов музея, где экспонированы слепки с сохранившихся статуй и рельефов Парфенона (447–432 гг. до н.э.), портик храма Эрехтейон в натуральную величину, портик храма Гефеста на Афинской агоре – торговой площади, а также макет Афинского Акрополя.

Архитектура зала воспроизводит в свободной манере внутренний дворик флорентийского палаццо Барджелло, (в настоящее время в нем располагается городской музей скульптуры Флоренции).
Дворец, построенный между 1260–1320 гг., некоторое время служил резиденцией правителя города – подесты, почему имеет и другое название: Палаццо дель Подеста. Внушительные по размерам, подобные дворцы своими масштабами и украшенностью спорили с церковными постройками, утверждая престиж, богатство и могущество нового городского патрициата.
Дворец был воздвигнут на рубеже Средних веков и эпохи Возрождения. Об искусстве этих двух этапов развития европейской культуры дают представление экспонаты зала – скульптурные работы ваятелей Германии, Франции и Италии, воспроизведенные в слепках. Воспроизведения шедевров европейской скульптуры выразительно иллюстрируют смену стилей и направлений в искусстве XIII–XVI веков.
Первоначально создатели музея назвали этот зал «Христианским двориком», так как представленные в нем экспонаты восходят к художественной традиции, сложившейся на основе религиозно-философского мировоззрения христианства. Позднее появилось название «Итальянский дворик».
Центральное место в Итальянском дворике занимают слепки с двух конных монументов, сооруженных в XV веке кондотьерам Гаттамелате и Коллеони по решению Сената Венецианской республики в Падуе и Венеции, и выполненных крупнейшими скульпторами Раннего Возрождения – Донателло и Верроккио, а также статуя Давида Микеланджело – шедевр Высокого Возрождения.
Экспозиция Итальянского дворика служит своеобразным введением к разделу скульптуры итальянского Возрождения в коллекции слепков Музея.

Временем наивысшего расцвета искусства и культуры Древней Греции стал V век до н. э., эпоха искусства греческой классики. Ей посвящен зал, получивший название Олимпийского. В гипсовых слепках здесь представлены наиболее известные произведения этого периода. Рубежом, условно отделившим классику от архаики, стали греко-персидские войны (500– 449 гг. до н. э.).
     На втором этаже размещены разделы искусства Древней Греции, Древнего Рима, Средних веков и итальянского Возрождения, представленные слепками. Живописные залы знакомят с искусством Италии, Испании и Франции XVII — начала XIX века. На втором этаже расположены также выставочные залы.
II этаж

Выставленные в зале экспонаты знакомят в слепках и воспроизведениях с искусством III—II тысячелетия до н. э. (так называемой эпохи бронзы), существовавшим на территории Греции, островов Эгейского моря и побережья Малой Азии, а также искусством эпохи геометрики (IX – VIII вв. до н.э.) и архаики (VII – VI в. до н.э.).

Эпохой барокко называют в искусстве Италии XVII столетие. Этот стиль, ставший одним из доминирующих в европейской живописи, характеризуется чувственной полнокровностью мировосприятия, динамизмом художественных решений. С особой полнотой он раскрылся в масштабных градостроительных, архитектурных и живописных ансамблях. Многоликость итальянского искусства определяется разнообразием местных художественных традиций, но, как и в эпоху Ренессанса, в центре внимания художников остается образ человека.

В зале представлено искусство Италии XVII века, периода сложного и многообразного в своих проявлениях, отмеченного новыми художественными открытиями.

Колоннада музея - один из трех выставочных залов второго этажа, соединяет между собой «Белый зал» и 20-й, одновременно разделяя экспозицию на «левое» и «правое» крыло. На колоннаде размещаются экспозиции временных выставок музея.

Один из трех выставочных залов второго этажа, является «мостиком» для перехода из левого крыла колоннады в правое для осмотра экспозиции временных выставок музея, расположен напротив «Белого зала».

Ведущим стилем во французском искусстве XVII столетия был классицизм (от латинского слова «classicus» — образцовый). Его важной чертой являлось возвращение к образам и формам античной классики и искусства эпохи Возрождения. Родоначальник живописи этого направления — выдающийся мастер XVII века Никола Пуссен. Его произведения отличаются спокойной, уравновешенной композицией, четким построением пространства, ясным контуром и пластичностью форм. Пять картин мастера, экспонируемые в этом зале, дают возможность проследить эволюцию творчества Пуссена и демонстрируют различные грани его таланта. Уникальное место в истории французской живописи занимает одна из самых ранних работ художника — «Битва израильтян с амореями» (около 1624-1625), созданная вскоре после приезда Пуссена в Рим. В ней заметно влияние искусства второй школы Фонтенбло и гравюр с работ Рафаэля и его школы. Картина «Ринальдо и Армида» с ее сочным и горячим колоритом отражает увлечение живописью Тициана. В своих работах конца 1620-х — начала 1630-х годов художник использует золотистую венецианскую гамму, в основе цветового строя лежат два теплых (красный и оранжево-желтый) и один холодный (синий) тон. Полотну свойственна особая лирическая эмоциональность и ощущение гармонии человека и природы. «Великодушие Сципиона» (1640) — произведение уже зрелого мастера, в котором проявляются основные черты классицизма Пуссена. Художник работает с чистыми локальными цветами, подчеркивающими отдельные формы. Образцом позднего периода творчества Пуссена является картина «Пейзаж с Геркулесом и Какусом», дающая обобщенный, эпически величавый образ природы.

Стиль рококо появляется в начале XVIII века, расцвета достигает в эпоху Регенства (1715-1723) и во времена правления Людовика XV (1723-1774). Само название этого стиля происходит от французского слова «rocaille» — орнамент из раковин, который был излюбленным мотивом декоративного искусства того времени.

Экспозицию открывают произведения Жана-Батиста Симеона Шардена, Жана-Батиста Греза, Клода Жозефа Верне — художников, которых основоположник художественной критики Дени Дидро описывал в своих «Салонах». Творчество Шардена отличается интимностью, изысканной условности аристократического искусства рококо он противопоставляет правдивое и непосредственное отражение действительности («Натюрморт с атрибутами искусств»). Живописную манеру Шардена характеризует исключительная тонкость письма, благодаря которой изображенные предметы начинают жить собственной жизнью. Жанровыми работами «Приготовление обеда (Счастливое семейство)» и «Шарманщица» представлено искусство такого блестящего мастера, как Жан Оноре Фрагонар. Сильное влияние на его творчество оказали работы Рубенса, Рембрандта, Хальса. Подобно им Фрагонар особое внимание уделял живописной технике. Его картины написаны с виртуозной легкостью в эскизно-свободной манере, придающей им особую живость. В пейзаж и портрет также проникают реалистические черты. Прославленным мастером пейзажного жанра был Верне. Как и многие современники, художник долгое время жил в Италии, где и была создана картина «Парк виллы Памфили». Большой выразительностью внутренней характеристики отличается «Портрет графа А.П. Шувалова» кисти Греза. Сентиментальность, присущая живописи художника, становится откликом на идеи Жана-Жака Руссо, призывая восхищаться чувствительными сердцами и добродетелями простых поселян («Первая борозда»).

Искусство поздней классики
Период 410–323 годов до н. э. вошел в историю древнегреческого искусства как период поздней классики, представленной в зале на примере слепков с оригиналов и более поздних римских копий произведений наиболее крупных скульпторов эпохи – Скопаса, Праксителя, Лисиппа и Леохара.
Скопас, выходец с острова Парос, работал в 380–330 гг. до н.э. Прославленная уже в древности «Неистовая менада» Скопаса дошла в уменьшенной и сильно поврежденной римской копии, сохранившей все пластическое богатство исступленного движения вакханки, совершающей жертвоприношение.

История Древнеримского государства охватывает период в двенадцать столетий, от легендарного основания Рима в 754/53 году до н. э. до падения Западной Римской империи в 476 году нашего летоисчисления. Древний Рим оставил последующим поколениям богатое культурное наследие
Этот раздел экспозиции знакомит зрителя с древнеримским искусством в слепках, бронзовых отливках, гальванопластических копиях и реконструкциях. Представление о характерных чертах древнеримского зодчества может дать оформление самого зала. Прототипом его послужили «Золотой дом» Нерона I века н. э. и термы Диоклетиана рубежа III и IV веков. Здесь использованы типичные для римской архитектуры сводчатые конструкции, гладкоствольные колонны с пышными коринфскими капителями, которые поддерживают раскреповки – выступы антаблемента, богато украшенного рельефами и росписями потолка.

В зале представлены слепки и копии с выдающихся произведений раннехристианского, византийского и западноевропейского искусства средних веков. Средневековым в истории западноевропейской культуры принято считать период с V по XV век, от падения Западной Римской империи в 476 году до начала эпохи Возрождения. Средневековье создало культуру, отличную от античности. Эта эпоха была временем господства в Европе монотеистической христианской религии, отличавшейся стремлением к системности и развитым богословием. В рамках господствующего религиозного мировоззрения средневековое искусство отразило новое положение человека в мире, рожденное феодальным обществом, утверждало новые духовные и моральные ценности, на их основе создало свою эстетику.

В зале экспонируются слепки с произведений мастеров, работавших в северной части Европы на рубеже двух эпох – Средних веков и Возрождения. Всевластию Церкви европейские гуманисты противопоставляли земные ценности. В Европе формировалось протестантское движение, которое приобрело в Германии форму Реформации (1517–1550). Среди тех, кто пролагал новые пути в немецкой скульптуре этого времени, были Эразм Грассер и крупнейший немецкий скульптор Тильман Рименшнейдер, современник Реформации и участник Крестьянской войны

Экспозиция этого зала восходит к первоначальному замыслу музея и посвящена истории итальянской скульптуры XV века. Декоративное оформление зала по своему стилю и тематике связано историей Раннего Возрождения. На сводах помещены декоративные панно с видами прославленных городов Италии – Флоренции, Венеции, Сиены, Орвьето, написанные по заказу музея к моменту его открытия молодыми русскими художниками, работавшими в Италии: А. И. Алексеевым, С. Н. Южаниным, К. П. Степановым под руководством П.В. Жуковского. На живописном панно, находящемся на своде зала напротив входа из зала № 29 (Зала Микеланджело), воссоздана панорама Флоренции, которая и сейчас раскрывается перед зрителем с холма сан Миньято.

Творчество величайшего итальянского художника XVI века Микеланджело Буонаротти (1475–1564) принадлежит Высокому и Позднему Возрождению – эпохе кульминации развития ренессансного стиля и его завершения, конца гуманистической культуры.
Микеланджело Буонаротти родился в 1475 году в знатной семье. Его отец был подестой (главой судебной власти) небольшого города Капрезе неподалеку от Флоренции. Преодолев сопротивление семьи, считавшей занятие искусством грубым ремеслом, недостойным дворянина, в юные годы ученичества во Флоренции он был взят ко двору Лоренцо Медичи и оказался в среде духовной элиты того времени Профессиональные навыки Микеланджело приобрел под руководством знаменитого скульптора Бертольдо ди Джованни, одновременно изучая лучшие образцы итальянской скульптуры и подлинные произведения античной пластики из коллекций семьи Медичи.
Творчество Микеланджело может быть названо одной из вершин европейского искусства эпохи Возрождения. Искусство великого флорентинца представлено в музее слепками с наиболее значительных созданий скульптора, позволяющих проследить его творческий путь: римская «Пьета», фигуры для гробницы папы Юлия II, ансамбль гробницы Медичи, «Положение во гроб».

Торжественный и строгий «Белый зал» музея - один из трех выставочных залов второго этажа. В нем проходят концерты классической музыки в рамках знаменитых «Декабрьских вечеров», проводятся открытие выставок, презентации и мероприятия музея. С него, чаще всего, начинается осмотр экспозиций временных выставок, которые занимают этот зал, колоннаду и завершающий ее 20-й зал.
Список используемых источников
https://www.google.ru/search?q=%D0%BC%D1%83%D0%B7%D0%B5%D0%B9+%D0%B8%D0%BC%D0%B5%D0%BD%D0%B8+%D0%90.%D0%A1.+%D0%9F%D1%83%D1%88%D0%BA%D0%B8%D0%BD%D0%B0&um=1&hl=ru&newwindow=1&client=firefox&sa=N&rls=org.mozilla:ru:official&tbm=isch&sout=0&biw=1138&bih=519&sei=TqzgT9qDFomHmQX4m4WiDQ   музей имени Пушкина (картинки)
http://pushkin.niv.ru/pushkin/bio/biografiya.htm  биография А.С. Пушкина
http://zsj.ru/tema-muzey-iskusstv-imeni-pushkina- 9.html
http://www.vokrugsveta.ru/encyclopedia/index.php?title=%D0%9F%D1%83%D1%88%D0%BA%D0%B8%D0%BD%2C_%D0%90%D0%BB%D0%B5%D0%BA%D1%81%D0%B0%D0%BD%D0%B4%D1%80_%D0%A1%D0%B5%D1%80%D0%B3%D0%B5%D0%B5%D0%B2%D0%B8%D1%87  -энциклопедия
http://pushkin.niv.ru/  -картина Пушкина
http://www.wisdoms.ru/pavt/p193.html  -афоризмы, высказывания А.С. Пушкина
http://aphorism-citation.ru/index/0-119  - цитаты, высказывания Пушкина
http://www.arts-museum.ru/poster/exhibitions/  -ГМИИ имени Пушкина
http://www.arts-museum.ru/ - Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
http://efirtv.com/otectv/22-glaz-bozhiy.html - сведение о документальном фильме  «Глаз Божий»
http://muzofon.com/search/%D0%BA%D0%BB%D0%B0%D1%81%D1%81%D0%B8%D1%87%D0%B5%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D0%BC%D1%83%D0%B7%D1%8B%D0%BA%D0%B0/0/ -классическая мелодия к презентации.


title: Скачать презентацию или конспект Застывшая красота: архитектура

extracted_text:
Застывшая красота

Спиридонов
Символами красоты являются имногие многие
памятники  архитектуры.
Двигаясь вокруг  архитектурного  сооружения
и внутри  его,  сопоставляя  внешний  вид и  характер  интерьера,  человек  глубже воспринимает  его  жизненное  и  духовное
предназначение.
Над  зеркалом  спокойной  глади
реки  Нерли  стоит  белокаменный храм,  словно  любуясь  своим
отражением  в  воде.
Поэмой,  запечатленной в  камне,
называют  церковь  Покрова
на Нерли  (1165  г.) —
наиболее  совершенное
творение  владимирских  зодчих.

Посвящен  этот  храм  религиозному
празднику  Покрова  Богородицы.
С достоинством  встречал  он
иноземцев у  ворот  Владимирской
земли,  говоря языком  камня  о  ее
силе  и  красоте.
Церковь  Покрова
на Нерли
(1165  г.)

Глубокая  печаль  русского  князя Андрея  Боголюбского  по  погибшему сыну  воплотилась  в  светлом
образе этого  храма.
Его  созерцание  вызывает у  нас
чувство  тихой  грусти  и  умиротворения.
Церковь Покрова на Нерли –
шедевр древнерусской архитектуры.

Церковь  Вознесения
в  Коломенском  (XVI  в.)  —один  из  немногих
сохранившихся  памятников
эпохи  Ивана  Грозного
в Москве, один из первых каменных шатровых  храмов
в России. Коломенское  было  символом  Елеонской  горы,
на  которой  совершилось Вознесение  Господне.
Церковь  Вознесения
в  Коломенском
 (XVI  в.)
Реймсский собор
(Франции,  XIII  в.)
Не  менее  глубокое  впечатление  оставляет
образ  Реймсского  собора  во Франции  —архитектурного  памятника  XIII  в.
Легкая  ажурная  громада  собора,  его  строгая композиция,  величественный  интерьер,
слияние  архитектурных  форм  в  едином
движении ввысь порождают ощущение бесконечного  развития.
Синтез  зодчества  и  ваяния воспринимается
как праздничная симфония  стрельчатых  арок,
колонн и  цветущего,  сказочно  великолепного скульптурного убранства.
В нем ощутимо  живое  биение  творческой
мысли.
Шедевром зрелой готики и настоящей «Академией искусств» для средневековых мастеров стал собор
в Реймсе.
Этот город в сердце Шампани издавна служил местом коронации французских королей, а с 1179 года этот обряд совершался там постоянно.
Первым королем, короновавшимся в Реймсе, стал вождь франков Хлодвиг. Это произошло в 481 году.
Предание рассказывает, что накануне коронации случилось чудо: посланный
с неба голубь принес в клюве фиал, полный елея, необходимого для помазания короля на царство.
Собор был построен около 817 года. Несколько раз перестраивавшийся собор погиб в пожаре в ночь на 6 мая 1210 года.
Строительство нового здания началось уже в следующем, 1211 году, и продолжалось до 1481 года.
Средства на строительство поступали от духовенства и частных лиц.
Кельнский собор
(Германия, ХIII в.)
Церковь Святых Петра и Марии, известная во всем мире как Кёльнский собор – памятник христианства, готической архитектуры, памятник вере и настойчивости людей города, в котором он стоит.
Собор – часть всемирного культурного наследия, один из самых известных архитектурных памятников в Германии, и самый известный символ Кельна.
Древняя легенда гласит, что город Кёльн простоит столько, сколько будет строиться Кёльнский собор. Неизвестно, так это или нет, так как строительство собора, начавшееся в 1248 году, продолжается и по сей день. И хотя официальная дата окончания многовековой стройки – 1880 год, до сих пор проводятся работы по отделке и реставрации собора.


title: Скачать презентацию или конспект Культура Древнего Египта

extracted_text:
Культура Древнего Египта
Культура Древнего Египта

     Культура - это все то, что создано
                         человеческим трудом.
Культура Древнего Египта

искусство      религия        наука

Пирамида Джоссера в Саккаре
Пирамиды в Гизе
Внешний вид египетского храма
Храм Рамзеса II в Абу-Симбеле
Культура Древнего Египта

искусство        религия          наука

архитектура
(храмы, пирамиды)

Большой сфинкс
Статуи  Мемфисской семьи
Культура Древнего Египта

искусство      религия        наука

     архитектура

скульптура

Культура Древнего Египта

искусство      религия        наука

     архитектура

                                          живопись
скульптура

Анубис – бог мертвых          Себек – бог воды
Культура Древнего Египта

искусство      религия        наука
                         культ животных
     архитектура               и    умерших

                                          живопись
скульптура

Культура Древнего Египта

искусство      религия        наука
                         культ животных  мифы
     архитектура           и умерших

                                          живопись
скульптура

Культура Древнего Египта
     искусство              религия                   наука
                         культ животных  мифы
       архитектура         и умерших              медицина

живопись скульптура              астрономия математика

Подчеркните слова, характеризующие египетский стиль в искусстве

    Легкость, изящество, грандиозность, ажурность, соразмерность человеку, огромные размеры, устойчивость, связь с природой, небольшие размеры, связь с культом умерших.
Особенности культуры Древнего Египта
1.Искусство, религия, наука тесно связаны между собой и с практической деятельностью людей.
2.Искусство древних египтян основано на религии и мифологии.
3.Особенности культуры определяются  географическим положением и природными условиями жизни египтян.


title: Скачать презентацию или конспект Государственный Эрмитаж

extracted_text:
Финансы и КредитГосударственный Эрмитаж
Вступление
Мы посетили Эрмитаж, самый большой музей в России и второй (после Лувра) – в мире!

В музее собрана великолепная коллекция из 2 970 214 экспонатов, в т.ч.:

Живопись – 16 851
Графика – 622 172
Скульптура – 12 623
Прикладное искусство – 301 512
Археология– 738 389
Нумизматика – 1 132 627
Другое – 146 040

2
Предыстория
Оплаченный долг
В 1764 году Екатерина II приобрела коллекцию из 225 картин у берлинского купца, И.Э.  Готцовского в счёт оплаты его долга перед российской казной.

Иоганн Эрнст Готцовский был одним из комиссионеров прусского короля, Фридриха II…

4
Екатерина Великая
Поражение Пруссии
Фридрих II попросил купца приобрести ему несколько картин старых мастеров для своей коллекции.

Однако, Семилетняя Война, повлекшая за собой поражение Пруссии, вынудила монарха отказаться от дорогостоящей покупки.

Это поставило купца, имевшего финансовые обязательства перед Россией, в затруднительное положение…

5
Фридрих Проигравший
Становление Эрмитажа
… Тогда он предложил России приобрести картины в качестве оплаты своего долга.

Екатерина II оценила возможность нанести удар по самолюбию Фридриха и приобрела коллекцию для Эрмитажа.

Таким образом, 1764 год стал годом становления музея.

6
Иоганн Хитрый
Картины по тематике «Финансы и Кредит»
Картины из коллекции, изначально предназначавшейся для Фридриха II, имеют косвенное отношение к теме «Финансы и Кредит»…

Также мы нашли в Эрмитаже 7 картин, которые относятся к ней по сюжетному содержанию:

Антропов А.П. «Портрет Екатерины II»
Кальф, Виллем «Десерт»
Рембрандт ван Рейн «Возвращение блудного сына»
Стен, Ян «Больная и врач»
Стен, Ян «Брачный контракт»
Стен, Ян «Гуляки»
Хох, Питер де «Хозяйка и служанка»

7
Антропов, Алексей Петрович «Портрет Екатерины II»
Портреты Антропова отличаются строгостью и лаконичностью. Тщательно выписанные детали в картинах, реалистическое восприятие натуры, тонкая наблюдательность и достоверная передача характеров.

8
Кальф, Виллем«Десерт»
Виллем Кальф стал создателем блестящего и изысканного типа натюрморта – «десерта», где великолепные плоды, разбросанные на мраморных столах, в окружении роскошных предметов и интерьеров образуют прекрасные композиции.

9
Рембрандт, ван Рейн«Возвращение блудного сына»
Рембрандт – уникальный мастер живописи и величайший художник XVII века.

Сюжет этой картины основан на известной притче о блудном сыне, который беспутно растратил свою часть имущества и с покаянием вернулся к отцу.

10
Стен, Ян«Больная и врач»
Ян Стен – один из самых жизнерадостных и ироничных мастеров бытового жанра в голландской живописи XVII века.

Один из любимых сюжетов художника – визит доктора к молодой даме, страдающей «сердечной слабостью»

11
Стен, Ян«Брачный контракт»
12
Ян Стен«Гуляки»
На этой картине художник предположительно изобразил самого себя и свою жену Маргарет.

Занятия живописью не обеспечивали художника, отягощенного большой семьёй, и ему приходилось содержать трактир.

13
Хоох, Питер де«Хозяйка и служанка во внутреннем дворике»
Любимые герои полотен художника – женщины (хозяйки, матери, служанки), погруженные в повседневные хлопоты.

Молодая служанка показывает своей хозяйке рыбу, купленную на рынке.

14
Спасибо за внимание!
Эту презентацию подготовили:

Ушакова Мария,
Шмелёва Валерия

ВШЭМ, IV курс
гр. 2/5591


title: Скачать презентацию или конспект Самые не обычные и красивые мосты всего мира

extracted_text:
Самые не обычные и красивые мосты всего мира

Легкий, практически невесомый мост парит над прудом, подвешенный на трех огромных белых воздушных шарах в английском Таттон-парке. Композиция называется «Мост обезьян». Автор моста французский художник Оливье Гроссетете. К сожалению, людям пробежаться по такой переправе нельзя, это всего лишь сказочная арт-инсталляция.
Автоматически подъемный мост Slauerhoff расположен в городке Леуварден. Его размеры 15мх15м. Нижняя часть моста окрашена в цвета герба и флага Леувардена. Мост назван в честь писателя и поэта J. Slauerhoff’а.
Магдебургский мост-акведук в Германии соединяет два важных канала и является самым большим водным мостом в Европе. Длина моста составляет 918 метров, и по нему не только ходят люди, но и плывут суда.
Мост Тысячелетия (Gateshead Millennium Bridge) находится в Северной Англии и имеет форму двух дуг, одна из которых лежит между берегами, а вторая поднята. Для прохождения судов обе дуги поднимаются, образуя арку высотой 25 метров.
Красивый и футуристичный Виадук Мийо (Millau Viaduct) расположен во Франции. На момент строительства Виадук Мийо был самым высоким транспортным мостом в мире, одна из его опор имеет высоту 341 метр — немного выше, чем Эйфелева башня, и всего на 40 метров ниже, чем Эмпайр-стейт-билдинг в Нью-Йорке. Общая длина моста составляет 2 460 м. Проезжая по этому архитектурному чуду, кажется, будто взлетаешь.
Moses Bridge — «Мост Моисея» построили в Нидерландах при реконструкции форта XVII века. Назван он по имени пророка Моисея, перед которым расступились воды Красного моря, пропуская евреев, бежавших из Египта. Как и в библейском повествовании, воды пропускают группы туристов, с той разницей, что проход не исчезает.
Эресунн мост (Oresun, Öresundsbron), соединяющие столицу Дании Копенгаген и шведский город Мальмё, необычен своими размерами и функциональностью. Во-первых это мост + подводный тоннель, через который проходит автомагистраль и 2-х колейная железная дорога. Во-вторых, новый мост совершенно не мешает судоходству. Мост Эресунн – самая длинная совмещенная дорога и железнодорожный мост в Европе. До его строительства жители Дании и Швеции ездили из страны в страну исключительно на паромах. Дополнительный бонус от строительства этого необычного моста отметили европейские экологи, – фундамент опор очень понравился местным моллюскам, популяция которых в последние годы в Эресуннском проливе сокращалась.
Необычный мост, который сяжет Гонконг с материковым Китаем, будет создан специально, чтобы облегчить жизнь автомобилистам. Ведь при переезде границы между этими странами меняется и система движения с левостороннего на правосторонее. Чтобы избежать столпотворения при смене автопотоков, мост имеет необычный вид “восьмерки”… У нас бы ограничились перекрестком со светофором.
Мост Навахо, в Аризоне, США, длиной в 254 м пересекает реку Колорадо и Большого Каньона. Этот своеобразный и необычный мост был завершен еще в 1929 году, однако из-за интенсивного движения в 1995 году мост был обновлен и усилен новыми стальными арками.
Красный мост “Золотые Ворота” в Сан-Франциско один из законодателей моды в современном мостостроении, был построен в 1937 году. Мост “Золотые Ворота”, состоящий из 3-х пролетов был спроектирован для движения шести потоков автомобилей и с поправкой на активное судоходство в бухте Сан-Франциско, его общая длина составляет 2730 метров. Общая высота моста над водой – 225 метров.
Этот потрясающий мост открылся сравнительно недавно. Торжественное перерезание ленты состоялось в 2008 году. За четыре года своего существования мост стал одной из самых узнаваемых и необычных достопримечательностью города Сан-Паулу в Бразилии. Оригинальная форма опоры мосты сделана в виде огромной буквы «Х». Выглядит мост очень стильно и современно. “Октавио” является единственным в мире вантовым мостом и одновременно сложной дорожной развязкой с двумя пересекающимися дорожными эстакадами.
Великобритании. Построенный между 1897 и 1901 годами, он был одним из самых больших архитектурных сооружений такого типа своего времени (21 арка, максимальная высота - 30 метров).


title: Скачать презентацию или конспект Художественно-эстетическое развитие

extracted_text:
Тема кейса: Художественно-эстетическое развитие.
Выполнила:  Емельянова Юлия Владимировна.
МБДОУ Детский сад № 22.
 Это процесс целенаправленного воздействия.
Это формирования способности воспринимать и видеть красоту в искусстве и жизни, оценивать ее.
Это задача эстетического воспитания –формирование эстетических вкусов и идеалов личности .
Развитие способности к самостоятельному творчеству и созданию прекрасного.

Основные положения о понятии «Художественно эстетическое развитие.»
Ребенок овладевает основными культурными способностями деятельности, проявляет инициативу и  самостоятельность в разных видах деятельности- игре , общении, познавательно- исследовательской деятельности, конструировании.
Ребенок обладает развитым воображением, которое реализуется в разных видах деятельности.

Целевые ориентиры на этапе завершения дошкольного образования:

Успешность художественно- эстетической деятельности определяется увлеченностью и способностью детей свободно использовать приобретенные знания , умения и навыки в самом процессе  деятельности  и находить оригинальные решения поставленных задач . У детей постоянно развивается творческое гибкое мышление , фантазия и воображение. Творческий поиск в конкретном виде деятельности проводит к положительным результатам.

В процессе художественной деятельности ребенок получает широкие возможности для самовыражения, раскрытия и совершенствования творческих способностей .
Специфической особенностью художественной- эстетической деятельности является то, что она обращена ко всей личности человека.

 Актуальным направлением модернизации системы образования является  художественно-эстетическое воспитание, как одно из основных средств духовно-нравственного , культурного развития личности.
Художественно -эстетическая деятельность- деятельность специфическая для детей, в которой ребенок наиболее полно может раскрыть, себя свои возможности , ощутить продукт своей деятельности ( рисунки, поделки), одним словом реализовать себя как творческая личность.

В «Концепции дошкольного воспитания» отмечается ,что «искусство является уникальным средством формирования важнейших сторон психической жизни- эмоциональной сферы , образного мышления , художественных и творческих способностей».

Приобщать детей к восприятию искусства , развивать интерес к нему;
Познакомить детей с профессиями артиста , художника, композитора;
Познакомить с архитектурой ;
Закреплять знания о книге , книжной иллюстрации;
Продолжать развивать интерес к изобразительной деятельности ;
Обогащать представления детей об искусстве
Продолжать развивать интерес к лепке;
Воспитывать интерес к аппликации.
Узнавать песни по мелодии, выполнять танцевальные движения ,играть на музыкальных инструментах.

Задачи обучения в средней группе:
Создание условий для художественно-эстетического воспитания. Создание условий для художественно-эстетического воспитания. Кадровое обеспечение. Эффективной работе учреждения в художественно-эстетическом развитии детей способствует профессиональный педагогический коллектив.
Работа по совершенствованию педагогического мастерства осуществляется в нескольких направлениях: повышение квалификации педагогов по художественно-эстетическому развитию в рамках дошкольного учреждения через педагогические советы, семинары - практикумы, консультации, открытые занятия, смотры - конкурсы.
Бочкарева, И.Л. Изобразительное искусство как средство Художественного воспитания личности. Проблема человека в свете современных социально-философских наук (Выпуск 3) [Электронный ресурс] – Режим доступа: http://www.egpu.ru . Бочкарева, И.Л. Изобразительное искусство как средство Художественного воспитания личности. Проблема человека в свете современных социально-философских наук (Выпуск 3) [Электронный ресурс] – Режим доступа: http://www.egpu.ru Закон об образовании в Российской Федерации. Зацепина, М.Б. Культура досуга в семье [Электронный ресурс] – Режим доступа: http://sdo-journal.ru Козлова С., Куликова Т. Дошкольная педагогика. - М. – Академия, 2001. Концепция дошкольного воспитания. Типовое положение о дошкольном образовательном учреждении. ФГОС. – М.- Центр педагогического образования 2014. Шакурова, М.В. Социокультурное пространство как условие становления социокультурной идентичности личности [Электронный ресурс] – Режим доступа: http://www.e-culture.ru

Список литературы.


title: Скачать презентацию или конспект Сталинские высотки

extracted_text:
Сталинские высотки
Легендарные высотки Москвы
Сталинские высотки
Панорама высоток Москвы:
1 — Здание МГУ,
2 — Гостиница «Украина»,
3 — Жилое здание на Кудринской площади,
4 — Здание МИД,
 5 — Дворец Советов (не построен),
6 — Административное здание в Зарядье (Восьмая высотка — не построена, вместо неё «выросла» гостиница «Россия»),
7 — Гостиница «Ленинградская»,
8 — Административно-жилое здание на площади Красных Ворот,
9 — Жилое здание на Котельнической набережной
Сталинские высотки
Главное здание МГУ
 Выстроено в 1949—1953 годы (архитекторы Л. В. Руднев, С. Е. Чернышёв, П. В. Абросимов, А. Ф. Хряков, В. Н. Насонов)
Сталинские высотки


title: Скачать презентацию или конспект Ворота - одна из главных символических форм города

extracted_text:
Ворота - одна из главных символических форм города

Цели урока
Сформировать умение читать в памятниках архитектуры, монументальных видах искусства идею, замысел, обобщенный до символа
Понимать особенности выразительных средств архитектуры
Сформировать навыки работы над архитектурным объемом в смешанной технике

С незапамятных времён город является постоянно действующей выставкой, неприрывно развивающимся художественным музеем. Веками украшение фасадов общественных зданий произведениями живописи, мозаики, скульптуры, украшение площадей фонтанами с их монументальными и памятными знаками сливалось в сознании          с образом города.

 В историю ушел важный символический элемент города- ворота.
 Еще сейчас можно услышать словосочетание «ворота города».
 На самом деле это образное выражение означает лишь отметку      на дороге с названием населённого пункта.

Город- это единый организм природы, архитектуры и людей. И хотя ворота в древних городах и городах средневековья использовались как часть оборонительного сооружения, они имеют символический смысл.

Вавилон
Вавилон в переводе с семитского языка означает «врата бога».
 И действительно, этот город был образцом городского центра того времени - административного, ремесленного и культурного.
Город сосредоточил в себе все современные достижения того времени в области изобразительного искусства, архитектуры и техники.

Вавилон
Город раскинулся на обоих берегах Евфрата, через который был перекинут один из самых древних в мире каменных мостов на семи скульптурных быках.

Ворота богини Иштар
Город был опоясан двойным кольцом крепостных стен с восемью воротами. Наиболее важными из них были ворота богини Иштар (выс. 12 м), напоминавшие по форме триумфальную арку.

Крепость Дербент
В 5 веке, дабы обезопасить границы от набегов хазар, между кавказскими горами и Каспийским морем была построена крепость Дербент
 (в переводе с персидского - «запертые ворота»).

Крепость Дербент
Город защищала гигантская стена толщиной несколько метров.

Въезд в город фланкировали оборонительные башни.
Ворота выглядели строго и неприступно, символизируя характер военного города.

Один из типовых зданий, характерных для архитектуры Китая,- так называемые «ворота почета».

Над воротами въезда в город, над входами на храмовый, монастырский или дворцовый участок сооружалась декоративная надстройка в виде крыши или даже целого павильона,        что должно было подчеркнуть символическое значение ворот. «Ворота почета» играли роль архитектурных монументов.
 Ансамбль Третьяковского проезда

Каждый пролёт увенчивался крышей; сооружение богато украшалось скульптурой, резьбой и раскраской.

Буддийский культ содержит в качестве одного элементов храмовых комплексов «ворота очищения», имеющие важное символическое значение для отправителей этого культа.

Старая Хива. Ворота Палван-Дарваза. XIX в.
81 г. н. э. Триумфальная арка Тита в Риме
Своеобразными воротами являлись триумфальные арки         в Древнем Риме. Победоносный император и полководец торжественно въезжал    в эту арку, которая являлась символом высших почестей, власти и могущества победителя.

 Арки были одно- трёх- и пяти пролетными. Их богато украшали барельефами и прославляющими императора строками.

Триумфальная арка Константина в Риме.
Какое символическое значение имеют ворота?
Символ военного города (ворота- крепость)
Символ архитектурных монументов       (ворота почета)
Символ культа (ворота очищения)
Символ почестей, власти и могущества (триумфальные арки)
«Врата бога»

Конечно для современного города ворота, возможно, и не обязательны, и всё же город должен с чего-то начинаться.
Городские ворота "Вирувярав". XIII-XVIII вв.
Таллин

В сегодняшней архитектуре воротам тоже нужно отвести достойное место, вернуть им символическое значение. Уместны они у входа в парк, в мемориальный комплекс и другие архитектурные ансамбли.

Практическая работа
Сконструируйте вход в… :
«Парк развлечений»
«Зоопарк»
«Парк памяти павших»
«Парк дружбы» и т.п.
(по выбору)


title: Скачать презентацию или конспект Михаил Александрович Врубель

extracted_text:
Врубель Михаил Александрович
ЖИЗНЬ И  ТВОРЧЕСТВО ВЕЛИКОГО РУССКОГО ХУДОЖНИКА.
            АВТОР:  АВСЕТОВ  АСЛАН
pptcloud.ru
Врубель Михаил Александрович
Михаи́л Алекса́ндрович Вру́бель (польск. Wróbel; 5 (17) марта 1856, Омск — 1 (14) апреля 1910, Санкт-Петербург) — русский художник рубежа XIX—XX веков, мастер универсальных возможностей, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Он был известен как автор живописных полотен, декоративных панно, фресок, книжных иллюстраций.
Был женат на известной певице Н. И. Забеле, портреты которой неоднократно писал.
Автор: Авсетов Аслан                                                                                Материалы: wikipedia.org
Биография
Детство
Михаил Александрович Врубель родился 5 (17) марта 1856 года в Омске, в семье строевого офицера, участника Крымской кампании, который впоследствии стал военным юристом. Предки со стороны его отца были выходцами из прусской Польши («wróbel» по-польски — воробей). Матерью художника была датчанка.
По службе его отец должен был часто переезжать — Омск, Астрахань, Петербург, Одесса. В учебных заведениях этих городов он проявлял разнообразные склонности к наукам:
…в гимназические годы в Петербурге (Пятая гимназия у Аларчина моста) и в Одессе (Ришельевская) отвлекают брата значительно от любимого искусства; он увлекается в первой естествоведением (причём, между прочим, формует из мела целую систему кристаллов), а во второй — историей, по которой пишет, сверх нормы, большие сочинения на темы из античной жизни и средневековья
— Из воспоминаний А. А. Врубель, сестры художника
С начала января 1864 года по апрель 1867 года семья Врубелей жила в Саратове, где отец Михаила был командиром Саратовского губернского батальона. В эти годы юный Михаил Врубель занимался у известного в Саратове художника, выпускника Академии художеств А. С. Година. Предметы гимназического курса ему преподавал Н. А. Песков, исключённый из Казанского университета «за участие в студенческих беспорядках». В мае 1867 года семья Врубеля вновь переезжает в Петербург.
В 1874 году окончил Ришельевскую классическую гимназию в Одессе.
Фреска «Богоматерь»
в Кирилловской церкви
Биография
Отец желал для Михаила надёжного и обеспеченного будущего, успешной карьеры, и потому после гимназии 18-летний Михаил поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Он был совершенно равнодушен к юридическим наукам. Все его интересы были за университетскими стенами. Он всерьёз увлекался философией Канта, влюблялся в оперных актрис, спорил об искусстве, всегда оставаясь при этом сторонником так называемого «чистого искусства», и много рисовал. Он посещал в Академии художеств вечерний класс П. П. Чистякова, который учил Василия Поленова и Валентина Серова, Репина и Сурикова, и Виктора Васнецова. От университетских лет сохранились его иллюстрации к Тургеневу и Толстому, и среди них — знаменитая сцена свидания Карениной с сыном — изящная и красивая, но в которой Анна получилась больше похожей на роковую и демоническую женщину, чем на простую и милую Анну Льва Толстого.
В 1879 году в возрасте 23 лет Михаил окончил университет с золотой медалью. После этого отбыл воинскую повинность, получив чин бомбардира запаса. Недолго работал в главном военно-судном управлении.
Университет
Демон сидящий
Императорская Академия художеств
Биография
Осенью 1880 года Михаил был зачислен вольнослушателем в Императорскую Академию художеств, где занимался опять же в классе Павла Чистякова. Он сразу начал выделяться среди прочих студентов необычностью стиля и оригинальным взглядом на классические сюжеты (импрессионизм) — достаточно посмотреть на его первые акварели — «Введение во храм» и «Пирующие римляне». Из рассеянного и легкомысленного студента он превратился в фанатика своей работы. «Надо работать и работать», — с какой-то незнакомой прежде педантичностью обращался он к сестре. Познакомился и сблизился с Валентином Серовым. Наравне с Серовым, Врубель был одним из самых преданных и одним из самых отличаемых учеников Чистякова, который надолго стал его кумиром. Именно от него он унаследовал любовь к натуре, к рисунку, к обнажению формы и к классике.
Императорская Академия художеств
Портрет артисток Татьяны Любатович в роли Гензеля и Надежды Забелы
В 1884 году профессор А. В. Прахов по рекомендации Павла Чистякова пригласил Врубеля в Киев для работы над реставрацией Кирилловской церкви XII века. Для мраморного иконостаса храма Врубель написал иконы «Афанасий», «Богоматерь», «Христос» и «Кирилл». Кроме того он создал стенные росписи. Также реставрировал росписи в куполе собора Св. Софии.
Были выполнены эскизы для Владимирского собора, однако Врубель так и не приступил к росписи (ранее он выполнил для собора лишь некоторые орнаменты). Работы в Киеве с перерывами продолжались до 1889 года.
В 1886 году состоялось знакомство с Константином Коровиным. В том же году во время очередного приезда в Киев Врубель написал картину «Девочка на фоне персидского ковра» (КМРИ). На портрете изображена дочь владельца ссудной кассы в Киеве.
С сентября 1889 года жил в Москве, поселившись у Коровина. Работает в мастерской в доме Черненкона Долгоруковской улице вместе с Серовым и Коровиным. Осенью Врубель познакомился с предпринимателем и известным меценатом Саввой Мамонтовым. С декабря переехал жить в его дом на Садовой-Спасской улице.

Биография
Самостоятельная работа
Царевна-Лебедь(1900, ГТГ)
Абрамцевский период (1890—1893)
Врубель выступал в роли архитектора и мастера прикладного искусства — создал проект фасада дома С. И. Мамонтова на Садово-Спасской улице в Москве (1891), а для ворот дома Мамонтова в Москве — декоративную скульптуру «Маска льва».
Биография
В 1894 году получил заказ на оформление особняка Саввы Морозова. В оформлении особняков С. Т. Морозова на Спиридоновке и А. В. Морозова в Подсосенском переулке Врубель работал вместе с самым значительным архитектором московского модерна Фёдором Шехтелем.
В 1895 году стал членом Московского товарищества художников и участвовал в 3-й выставке объединения.

Участвовал в оформлении спектаклей Русской частной оперы Саввы Мамонтова, а в конце декабря 1895 вместе с труппой уехал на гастроли в Санкт-Петербург. Там в Панаевском театре на Адмиралтейской набережной на репетиции оперного спектакля Э. Гумпердинка «Гензель и Гретель» Михаил познакомился с певицей Надеждой Забелой, своей будущей женой.
Женитьба, дальнейшая работа (1894—1901)
Особняк Морозова на Спиридоновке
28 июля 1896 года в Женеве Михаил Врубель и Надежда Забела обвенчались. После этого молодожёны уехали в Люцерн,  где Врубель продолжил работу над панно для готического кабинета А. В. Морозова.
С февраля по апрель 1898 года участвовал вместе с женой в гастролях Русской частной оперы С. И. Мамонтова в Санкт-Петербурге. Сблизился с композитором Н. А. Римским-Корсаковым. Тогда же Врубель познакомился с группой художников будущего объединения «Мир искусства». Его пригласили участвовать в выставке «Русские и финляндские художники», которая состоялась в начале года в музее центрального училища технического рисования барона А. Л. Штиглица.
1 сентября 1901 года у Михаила и Надежды родился сын. Его назвали Саввой, в честь мецената Саввы Мамонтова, так помогавшего художнику. В это время Врубель начал писать второй вариант картины «Сирень» (не окончена, ГТГ) и картину «Пасхальные годы», которую он сам же уничтожил.

Биография
В начале 1902 года у художника появились признаки психического, или как говорили в то время, душевного расстройства.
11 марта знаменитый психиатр Владимир Бехтерев поставил диагноз, сказав, что болезнь неизлечима. Жена увезла Врубеля на дачу в Рязанскую губернию.
С апреля до конца августа он лечился в Москве в клинике Ф. А. Свавей-Могилевича, а с 6 сентября по 18 февраля 1903 года — в клинике В. П. Сербского при Московском университете.
9 июля 1904 году Врубеля доставили в клинику Ф. А. Усольцева в Петровском парке. Он был в столь буйном состоянии, что его с трудом могли удержать четверо санитаров. В клинике он провёл два месяца. Фёдор Арсеньевич так писал о Врубеле в своих воспоминаниях:
«Я видел его на крайних ступенях возбуждения и спутанности, болезненного подъёма чувства и мысли, головокружительной быстроты идей, когда телесные средства не поспевали за их несущимся вихрем. И он всё-таки творил. Он покрывал стены своего домика фантастическими и, казалось, нелепыми линиями и красками. Он лепил из глины и всего, что попадало под руку, чудовищно-нелепые фигуры. Но стоило прислушаться к его речам, вникнуть в них, — и нелепость, казалось, исчезала. Были понятны эти обрывки, не поспевавшие за своим неудержимо несущимся, но ярким образом».
В 1905 году болезнь обострилась. В марте Врубель перешёл на лечение в клинику Ф. А. Усольцева. При этом продолжал работать над картинами «Азраил» и «Видение пророка Иезекииля» (ГРМ), «После концерта» (ГТГ), графическим автопортретом (ГТГ).
Годы болезни (1902—1910)
Гамлет и Офелия(1884, Русский музей)
В ноябре 1905 года Врубель был удостоен звания академика. В декабре у него резко ухудшается зрение. Последняя картина, которую он смог написать — портрет поэта В. Я. Брюсова (ГТГ). В конце февраля 1906 года художник полностью потерял зрение. После этого 6 марта из клиники Усольцева Врубеля перевели в Санкт-Петербург в клинику Конасевича и Оршанского.
В 1906 году Михаила Врубеля перевезли в клинику доктора Бари на Васильевском острове, где он провёл последние годы жизни.
В том же году С. П. Дягилев устроил ретроспективу произведений художника на выставках «Мира искусства» в Санкт-Петербурге и русского искусства на Осеннем салоне в Париже, где произведениями Врубеля восхищался Пабло Пикассо.
Лето 1908 года провёл на даче под наблюдением доктора Морозова. Сестра читала ему, жена пела.
1 (14) апреля 1910 года в клинике доктора Бари Врубель скончался.
3 апреля состоялись похороны на кладбище Новодевичьего монастыря в Санкт-Петербурге. Вдохновенную речь на похоронах произнёс Александр Блок, назвав художника «вестником иных миров». А. Блок над могилой Врубеля сказал: «Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим».
Биография
Жена художника, (1898)
В Москве в Училище живописи, ваяния и зодчества в тот день была совершена панихида по скончавшемуся художнику. На заупокойном богослужении присутствовали: директор училища князь А. Е. Львов, профессор живописи В. М. Васнецов, художники К. Н. Горский, А. Е. Архипов, А. М. Васнецов, Л. О. Пастернак, С. В. Иванов, С. М. Волнухин, А. С. Степанов и учащиеся.
В 1913 году рядом похоронили его жену, Н. И. Забелу-Врубель.
В 1935—1936 годах предполагался перенос могилы Врубеля в музейный некрополь Александро-Невской лавры, однако этот план не был осуществлён. Примерно в 2000 году фотограф Валерий Плотников нашёл заброшенную могилу Михаила Врубеля и стал ухаживать за ней, привёл в порядок.
Дама в лиловом. Портрет Н. И. Забелы Врубель (1900-е, Русский музей)
Утро (1897)
Биография
Врубель во многом был новатором для своего времени . Художник рвёт с академическими принципами изобразительного искусства XIX века: непременное изображение движения и присутствие интриги. Теперь молчание и тайна — полноправные персонажи в изобразительном искусстве. Врубель доказывает это в своём творчестве такими шедеврами, как «Гамлет и Офелия» (1883), «Демон сидящий» (1890). Любовь и смерть — любимые темы Врубеля, которые открываются зрителю под разными символами. Так, в картине «Девочка на фоне персидского ковра» (1886) мы видим некую переизбыточность роскоши, которая и является аллегорией тленности, печали и неизбежности конца. Идея смерти замечена и в «Гадалке» (1895). Русская тема у Врубеля нашла ёмкое отображение в таких работах, как «Богатырь» (1898), «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890), «Микула Селянинович» (1895—1896) и хрестоматийной «Царевна-Лебедь» (1900).
Темы
Летящий демон(1899, Русский музей)
В 1920—1930-хх годах в Омске работало Художественно-промышленное училище (позднее техникум) имени М. А. Врубеля.
Музей изобразительных искусств им. М. А. Врубеля расположен в городе Омске по адресу ул. Ленина, дом 3А.
В Омске на левом берегу Оми есть сквер Врубеля.
Памятник в Омске возле Музея изобразительных искусств.
В Киеве на доме по улице Десятинной, 14 есть мемориальная доска в честь М. А. Врубеля (скульптор И. Кавалеридзе, 1962). В городе имеется Врубелевский спуск неподалеку от Кирилловской церкви.
В Москве, в посёлке Сокол, имеется улица Врубеля.
В Воронеже есть улица Врубеля.
В Москве имеется детская художественная школа им. М. А. Врубеля
Память о Врубеле
Музей изобразительных искусств им. Врубеля. Врубелевский корпус. Омск
              ИСТОЧНИКИ
ВИКЕПЕДИЯ. http://ru.wikipedia.org/wiki/


title: Скачать презентацию или конспект Мегалитическая архитектура.

extracted_text:
М Х К Занятие 3.8 класс.
Вопросы для беседы
 Расскажите о первых художниках Земли.

 Где, когда и кем  были обнаружены
    наскальные рисунки?

3. Что и чем были нарисованы  первые
     наскальные рисунки?

4. В каких странах мира обнаружены
    наскальные рисунки?
Мегалитическая
 архитектура
С чего началась история архитектуры
 Переход к земледелию и скотоводству постепенно изменил образ  жизни людей, у них появилась потребность в сооружении простей-ших жилищ в виде округлых шалашей из жердей или костей убито-го мамонта, покрытых шкурами.     Поселения охотников со временем превратились в деревни зем-ледельцев. Из деревень в эпоху неолита вырастают первые города.
Первые сооружения архитектуры
Мегалиты (греч. «мегос» - большой и «литое» - камень) - носили  культовый  характер. Они представляли собой грубо обработанные или  вовсе  не обработанные  большие  каменные  глыбы, располо-женные в определенном порядке.
Различали
три  вида
мегалитов:
Наиболее простые из мегалитических сооружений - менгиры - это продолговатые камни-столбы или плиты разной высоты (от 1 до 20м). Они устанавливались вертикально в несколько рядов, иногда  свер-ху одной плиты  горизонтально клали другую. Менгиры  использо-вались для совершения ритуальных обрядов на месте памяти пред-ков. Не случайно ряды этих столбов напоминают погребальное ше-ствие. Менгиры разбросаны на огромном пространстве нашей пла-неты. Их можно увидеть в Англии и Франции, Испании и Греции, Азии, Африке и на Кавказе.
Менгиры. Неолит.
 Бретань, Франции
Большой сломанный менгир,
провинция Бретань, Франция.
Имел некогда высоту
около 20 метров
Радстонский монолит,
самый высокий менгир
в  Великобритании,
вес около 40 тонн.
Менгиры  Гамбии
   Аллея менгиров
          в  Карнаке
(Бретань, Франция)
Дольмен. Неолит. Корсика, Франция
 Более сложные сооружения - дольмены. Они представляют собой четыре  вертикальных  каменных  блока,  как  крышей  перекрытых широкой  каменной  плитой. Внутреннее  пространство  дольменов служило  местом  пребывания  души умершего  предка. Для «обще-ния» ее с окружающим миром в стенах делали небольшие  круглые  отверстия.  Средние  размеры  дольменов - 2 х 3 м, их  высота - 2 м. Но сохранились их грандиозные  сооружения, например,  на севере Африки  (длиной до15 м, шириной около 5 м и высотой до 3 м). Там  нахо-дится около 3 тыс. дольменов, вес  некоторых  каменных  плит дос-тигает 40 т.
Ирландия
Россия
Бельгия
Франция
Кромлех. Стоунхендж. II тыс. до н. э. Солсбери, Великобритания
Кромлехи  - каменные  плиты или столбы, образующие в пла-не одну или  несколько концен-трических  окружностей до 100 м в диаметре. По кругу они пе-рекрыты могучими каменными    блоками,  плотно пригнанными  к  столбам при помощи  выруб-ленных  шипов и гнезд.
Самый  известный  кромлех - Стоунхендж (Великобритания), воз-веденный на рубеже каменного и бронзового вв., в 1900-1600 до н. э. Огромные каменные глыбы доставлялись издалека, а их подъем на 8-ми метровую высоту осуществлялся с помощью  насыпей, следы которых сохранились до нашего времени. До сих пор это величест-венное сооружение продолжает будоражить мысль ученых, которые считают  его  одним из удивительных достижений  науки и техники древнего мира. Оно действительно уникально  и не имеет аналогов.
Возможно, Стоунхендж, выполняя  роль  храма Солнца, был мес-том  ритуальных  церемоний и  погребений, а  также служил устра-шающим  символом  власти  жрецов. Не исключается и другая вер-сия, согласно которой Стоунхендж выполнял роль астрономической обсерватории, позволяющей с большой точностью вести календар-ный счет дням, отмечать начало времени года, предсказывать  нас-тупление солнечных и лунных затмений.
Тест № 2
1. Определите последовательность веков в истории человече-ства и его культуры
      а) бронзовый век;
      б) каменный век;
      в) железный век.
2. Определите последовательность этапов развития в камен-ном веке
      а) неолит;
      б) мезолит;
      в) палеолит.
3. Когда и где были обнаружены первые наскальные рисунки
      а) в 1875 году в Испании;
      б) около 15000 – 10000 тыс. лет до н.э. во Франции;
      в) около 12000 тыс. лет до н. э. в Италии.

4. Кого и что изображали первые художники на своих   рисунках
      а) животных;
      б) рыб и птиц;
      в) растения.
5. За счет чего создавался объем в наскальных рисунках
      а) штриховки;
      б) различных оттенков красок;
      в) объектов в натуральную величину.
6. На каком этапе каменного века появились древние
    сооружения
      а) неолит;
      б) мезолит;
      в) палеолит.
7. Из чего были построены древние сооружения
      а) кирпича;
      б) дерева;
      в) камня.

8. Какие древние сооружение представляли собой вертикаль-
    но установленные камни разной высоты
      а) дольмены;
      б) менгиры;
      в) кромлехи.
9. Какие древние сооружение представляли собой каменные
    плиты или столбы,  образующие в плане одну или несколь-
    ко концентрических окружностей до 100 м в диаметре
      а) дольмены;
      б) менгиры;
      в) кромлехи.
10. Какие древние сооружение представляли собой четыре вертикальных каменных блока, как  крышей перекрытые широкой каменной плитой
      а) дольмены;
      б) менгиры;
      в) кромлехи.

11. Какие древние сооружение использовались для совершения ритуальных обрядов на месте памяти предков
      а) дольмены;
      б) менгиры;
      в) кромлехи.
12. Какие древние сооружение служили местом пребывания души умершего предка
      а) дольмены;
      б) менгиры;
      в) кромлехи.
13. Какие древние сооружение служили местом ритуальных церемоний и погребений,  а также возможно  астрономи-ческой обсерваторией
      а) дольмены;
      б) менгиры;
      в) кромлехи.
Критерии  выставления  оценокза  выполнения  теста  №2
«5» - за  13 - 12 правильных ответов;

«4» - за  11 - 9 правильных ответов;

«3» - за  8 - 5 правильных ответов;

«2» - за  4 - 0 правильных ответов.
     Бланк ответов к тесту № 2.

Темы  рефератов,  докладов и  сообщений
«Изобразительное искусство первобытного
        человека»;
«Крупнейшие центры первобытной культуры»;
«История возникновения архитектуры»;
«Как родилось искусство?»;
«Первые художники Земли»;
«Из глубины веков (история пиктографии)»;
«Музыкальное и театральное искусство
        первобытного человека».


title: Скачать презентацию или конспект Барокко

extracted_text:
характерные черты архитектуры
БАРОККО
Работу  выполнил
 ученик  11 класса
МОУСОШ д.Чекашево
Вятскополянского района
Кировской области
 Иванов  Сергей  Петрович
М.В.Алпатов
Лоренцо Бернини
итальянское барокко
Франческо Борромини
Церковь Сант Аньезе
П.П.Муратов
собор Святого Петра


title: Скачать презентацию или конспект Джорджо Вазари

extracted_text:
Джорджо Вазари
Выполнил(а): Power-P.ru
Биография
Джо́рджо Ваза́ри( 30 июля 1511, Ареццо — 27 июня 1574, Флоренция) -итальянский живописец, архитектор и писатель.

Первым учителем Вазари, когда ему ещё не было двенадцати лет, стал французский художник Гильом де Марсилья, расписывавший витражи церкви в Ареццо.

Когда Карл V (1531) восстановил власть Медичи во Флоренции, Вазари вернулся туда к герцогу Александру, большому почитателю живописи. Во дворце герцога Вазари написал несколько картин и портрет Александра, а также преподавал архитектуру и декор.
Вазари-живописец
Живопись Вазари представляет собой яркий образец тосканского маньеризма. Первая дошедшая до нас картина Вазари — «Погребение Иисуса» (1532, дом-музей Вазари в Ареццо). Вазари работал чрезвычайно быстро, хотя и пользовался помощью многих молодых художников, имена которых тоже сохранились. В собственном жизнеописании он описывал все свои работы в самых мелких подробностях. Несмотря на то, что Вазари был хорошим художником, в его фигурах встречаются неправильности. Его картины написаны в холодной цветовой гамме.
Вазари-архитектор
здание Уффици во Флоренции
Успех Вазари в архитектуре был переменчив. Вазари был талантлив в декоре, но мирился с неудачами в монументальной архитектуре. Он неудачно перестроил несколько зданий, не сумев сохранить единство архитектурного образа. Построенные Вазари новые здания отличаются своеобразной красотой и оригинальностью. Здание для папы Юлия III в Риме и здание Уффици во Флоренции, начатое Вазари, свидетельствуют в пользу его архитектурного таланта. Ему же принадлежит комплекс зданий, составляющих Дворец рыцарей св. Стефана в Пизе и многое другое.


title: Скачать презентацию или конспект Московский международный кинофестиваль

extracted_text:
Московский международный
кинофестиваль
Московский международный кинофестив́ль — кинофестиваль, проводимый сначала в СССР, затем в Российской Федерации, в городе Москва. Проходит в конце июня, длится десять дней. Второй старейший киносмотр мира (после Венецианского кинофестиваля).
Предыстория
Впервые Московский кинофестиваль состоялся в 1935 году. Он назывался «Советский кинофестиваль в Москве». Картины прислали из девятнадцати стран.
В конкурсе участвовали фильмы режиссёров-классиков: «Хлеб наш насущный» Видора, «Клеопатра» де Милля, «Маленькие женщины» Кьюкора, «Частная жизнь Генриха VIII» Корды.

Конкурсную программу Фестиваля открывал фильм «Чапаев». Киностудии «Ленфильм» был присужден Первый приз за программу фильмов «Чапаев», «Юность Максима», «Крестьяне». Премий фестиваля удостоились также француз Рене Клер за ленту «Последний миллиардер», а также мультипликация Уолта Диснея. Также приза удостоилась картина Александра Птушко «Новый Гулливер», которая была высоко оценена Чарли Чаплиным.
Фильм Чапаев,1934
Возобновлён в 1959 году по инициативе Е. А. Фурцевой, стал проводиться каждые два года.

Начиная с 1997 года фестиваль стал проводиться ежегодно.

Главный приз Московского Международного кинофестиваля (учреждён в 1989 году) — «Золотой Святой Георгий».
Е.А.Фурцева- советский государственный и партийный деятель


title: Скачать презентацию или конспект Русь в XI – XII веках

extracted_text:
Русь в XI – XII веках.
5. Культура Руси X – начала XIII века.
Особенности культуры Древней Руси
Культура – совокупность материальных и духовных ценностей, которые постоянно создаются и накапливаются человечеством.
Назовите особенности формирования древнерусской культуры.
Какое влияние на древнерусскую культуру оказала культура Византии? Что это - копирование или самобытность?
Что историки называют феноменом русской культуры?
Зарождение письменности – братья Кирилл и Мефодий (IX век) – кириллица.
Грамотность распространилась довольно широко, о чем свидетельствуют:
1) рукописи на пергаменте (Остромирово Евангелие, Изборники 1073 и 1076 годов);
Письменность
2) граффити (надпись Владимира Мономаха на стене Софийского собора в Киеве);
3) эпиграфика (надпись на Тмутараканском камне);
4) берестяные грамоты (обиходные записи, выцарапанные так называемыми "писалами" на кусках бересты);
Письменность
Первая книга на Руси – Остромирово Евангелие (изготовлено по заказу новгородского посадника Остромира во времена Ярослава Мудрого).
Письменность
Первая летопись – конец X века, вторая – при Ярославе Мудром (XI век).
"Повесть временных лет" – первое десятилетие XII века – монах Нестор Киево-Печерского монастыря.
Летопись
1) Устное народное творчество – былины:
- киевского цикла (о богатырях Илье Муромце, Алеше Поповиче, Добрыне Никитиче, князе Владимире),
- новгородского цикла (купец Садко).
2) Проповеди и поучения.
Первое литературное произведение - "Слово о законе и благодати" митрополита Илариона.
"Поучение" Владимира Мономаха.
Литература
3) Жития святых (агиография) – "Чтение о житии и погублении Бориса и Глеба" (Нестор).
4) Героический эпос – "Слово о полку Игореве", написано в Киеве по случаю нападения половецкого хана Кончака (1185).
Литература
5) Публицистика – "Слово" и "Моление" Даниила Заточника (XII - начало XIII).
"Слово Даниила Заточника", в форме афоризмов характеризует разные стороны русской жизни конца XII века. "Моление" – о необходимости сильной княжеской власти.
Литература
Типичный русский храм был крестово-купольным (влияние Византии).
Зодчество Древней Руси

купол
барабан
закомара

апсида

алтарь
Зодчество Древней Руси

?
?
?
?
?
?
?
Зодчество Древней Руси
Первая каменная церковь – Десятинная церковь в Киеве (конец Х века)
Примеры зодчества:
- 1037 – Софийский собор в Киеве,
- Золотые ворота в Киеве,
- Софийский собор в Новгороде

Софийский собор в Киеве. XI век
Софийский собор в Новгороде. XI век
Золотые ворота в Киеве. XI век
Зодчество Древней Руси
XII век – развитие зодчества Северо-Восточной Руси:
- церковь Покрова на Нерли,
- Дмитровский собор,
- Успенский собор
Дмитровский собор во Владимире. XII век
Успенский собор во Владимире. XII век
Боголюбово. XII век
Мозаика – изображение, выполненное из цветных камней (например, Богоматерь Оранта, то есть Молящаяся в Софийском соборе в Киеве).
Изобразительное искусство
Фреска – живопись водяными красками по сырой штукатурке (фрески Софийского собора в Киеве).
Изобразительное искусство
Иконопись – произведение станковой живописи, имеющее культовое назначение (Ангел Златые власы).
Икона "Богоматерь Владимирская" (начало XII века).
Изобразительное искусство
зернь – украшение ювелирных изделий зернышками из металла
гравировка – украшение ювелирных изделий рисунком, вырезанным на металле
филигрань – ювелирное изделие в виде узорчатой сетки из тонкой крученой проволоки
Ремесленное искусство
Ремесленное искусство


title: Скачать презентацию или конспект Богиня цветов - Флора

extracted_text:
Богиня цветов - Флора
    -  богиня цветов, расцвета, весны и полевых плодов.
Флора
     Флора (Flora от floris - цветок) – великая богиня растительности, садов и всякого цветения. Ее даже называли «матерью цветов».
Флора с греч. Хлорида.

В Италии отмечался праздник Флоралии
 (с 28 апреля по 3 мая)
Пока богиня не приняла власть
над землей, земля была одноцветны и пуста. Но Флора бросила в почву первые семена, и земля покрылась ярким нарядом.

    Флоре подчинены хлебные поля и виноградники, оливковые рощи, медоносные долины и пасеки, плодовые сады и цветущие луга.

     Власть Флоры распространялась и на мир людей, и она стала покровительницей юношества и девичества, в которых цветут ее юные силы. Флора владела и особым цветком, чье прикосновение обеспечивало рождение нового растения, детеныша животного или же ребенка. Или же божества.
      Помимо всего прочего, Флора также является покровительницей и богиней весны, наравне с другой великой римской богиней – Венерой. В целом власть Флоры ограничивается полями, садами и лугами. Она не распространяется на леса.
    Всем известный итальянский город Флоренция назван именно в честь богини плодородия и цветения.

Образ Флоры
в произведениях
искусства
Тициан. Флора . Около 1515
Галерея Уффици,
Флоренция
     Художник изобразил прекрасную и полную жизни золотоволосую венецианку в образе Флоры — богини цветов и весны. Девушка полуобнажена, ее роскошное платье, ниспадающее с плеча, написано в красочной праздничной гамме. Очаровательная юная богиня является одновременно символом чувственности и целомудрия.

Рембрандт. Флора. 1634г.Эрмитаж, Санкт-Петербург

             Свою жену Саскию ван Эйленбурх Рембрандт изобразил  в виде Флоры, античной богини весны и цветов. Особое очарование придает образу контраст неуверенности и робости, с которой позирует юная модель, и великолепия богато расшитых одежд и аксессуаров.
Рембрандт Харменс
ван Рейн 1606 - 1669
Н.Пуссен. Царство Флоры. 1631г. Картинная галерея, Дрезден
Н.Пуссен. Царство Флоры. 1631г. Картинная галерея, Дрезден
«Флора». Картина  Луизы Виже- Лебрён
Весна. Художник Сандро Боттичелли
Зефир, Хлоя и Флора. Фрагмент картины С. Боттичелли «Весна»

Композиция  картины представляет собой группу античных мифологических персонажей, состоящую из девяти фигур расположившуюся на цветущей лужайке под кронами апельсиновых деревьев. Число девять, одно из древнейших магических чисел, связанных не только с мифологической моделью мира, но и с идеей рождения.
Флора – богиня всего самого прекрасного, что есть в природе: цветения цветов, садов, колосьев. Сама она изображалась художниками и скульпторами в виде грациозной красавицы, естественной, как все, что она собой олицетворяет: венок из цветов и колосьев путается в ее длинных волнистых волосах; великолепная фигура лишь немного скрыта под полупрозрачной одеждой; на ярком лице – задорная призывная улыбка.

Триумф ФлорыНикола Пуссен

Флора, Флора, великая богиня Флора,
С твоим появлением распускаются цветы,
С твоим появлением расцветают сады,
Тебе обязаны мы рождением на свет.
Славься Флора, богиня весны!
В честь тебя мы поем эту песню.
Славься Флора, великая хранительница садов!
Благослови нас, твоих почитателей.
Славься великая богиня днем и ночью.
Славься, наша покровительница.
Славься, славься, Флора!
Гимн Флоре
Викторина

Люблю грозу в начале мая,
Когда весенний, первый гром,
Как бы резвяся и играя,
Грохочет в небе голубом…

«Чьи это строки?»
Ф. Тютчев. «Весенняя гроза»

Колокольчики мои,
Цветики степные!
Что глядите на меня,
Темно-голубые?
И о чем звените вы
В день веселый мая,
Средь некошеной травы,
Головой качая?

«Чьи это строки?»
А.Толстой

Сыплет черемуха снегом,
Зелень в цвету и росе.
В поле, склоняясь к побегам,
Ходят грачи в полосе.

«Чьи это строки?»
С.Есенин

Черемуха душистая
С весною расцвела
И ветки золотистые,
Что кудри, завила.

«Чьи это строки?»
С.Есенин

Ох, лето красное! Любил бы я тебя,
Когда б не зной, да пыль, да комары, да мухи.

«Чьи это строки?»
А.С.Пушкин

Октябрь уж наступил – уж роща отряхает
Последние листы с нагих своих ветвей;
Дохнул осенний хлад, дорога промерзает,
Журча еще бежит за мельницу ручей.

«Чьи это строки?»
А.С.Пушкин

    Латинское название этого цветка – «галантус» – происходит от слов «гала» – молоко и «актус» – цветок, то есть молочно-белый цветок. Символ этого цветка – надежда.

«Легенды о цветах»
Подснежник

    В Англии этот цветок воспет поэтами. Его родина – Персия, оттуда он перекочевал в Европу в 19 веке. В Голландии существует культ этого цветка.

«Легенды о цветах»
Тюльпан

   Её родина – Персия. Существует легенда: однажды в апреле богиня цветов Флора спустилась на Землю. Перемешав все краски радуги, она начала осыпать ими луга и поля. Дойдя до северных уголков Земли, богиня обнаружила, что все краски истрачены, осталась только лиловая. Тогда Флора брызнула лиловую краску на кусты и выросла роскошная…

«Легенды о цветах»
Сирень

 Какой цветок всю жизнь любуется собой: глядит на себя и не может наглядеться?

«Легенды о цветах»
Нарцисс

      Она присутствует в гербе города
   Родоса. Кто она – царица цветов?

«Легенды о цветах»
Роза
               Как-то богиня растений Флора решила отправиться в путешествие. Раздумывая, кого из представителей цветов оставить своим заместителем, пригласила их всех на совет. Все цветы собрались, не хватало одной лишь розы.

Сказка о пионе

    Появление  розы повергло присутствующие цветы в восторг! Единогласное предпочтение -остаться вместо Флоры - было отдано великолепной розе. Один пион напыжился и надулся, стараясь превзойти розу красотой и величиной, чтобы обратить на себя внимание остальных. Но остался не замечен - цветы выбирали розу. Обиженный пион , ещё больше раздуваясь и наливаясь краской, стал возражать.
Сказка о пионе
     Флора, не видевшая прежде пион таким гордым и надутым, укорила его за чванство, пытаясь вразумить, что ни одна пчела не достанет с его венчика мёда. Пион не внял доводам, и продолжал демонстративно обижаться, пока не превзошёл пышностью розу. Тогда рассерженная Флора велела оставаться ему таким навсегда. С тех пор пион получил репутацию не самого красивого, но самого дерзкого цветка.

Сказка о пионе

    Где родилось искусство
составления букетов?

«Легенды о цветах»
Япония

Какой цветок считается символом солнца и символом Японии?

«Легенды о цветах»
Хризантема