title: Скачать презентацию или конспект Жизнь и творчество И.И. Левитана

extracted_text:
Виртуальный музей жизни и творчества  И.И.Левитана
 « Левитан  не  барбизонец, и  не  голландец,  и  не  импрессионист,  и  не  все  это  вместе  взятое.  Левитан – художник  русский…  потому  что  понимал  тайную  прелесть  русской  природы,  тайный  ее  смысл,  понимал  только  это,  зато  так  как  никто»
 Александр Бенуа
Зал  №  1.  Жизнь и творчество И.И.Левитана.И.И.Левитан. Фото. Вторая половина 1870 г.
 Исаак  Ильич  Левитан
родился  18  (30)  августа  1860
года  в  местечке  Кибарты
(ныне  этот  город находится  в
Литве)  близ  пограничного
пункта  Вержболово  в
интеллигентной  еврейской
семье.
Его  отец,  Илья  Абрамович,
служил  на  железной  дороге
переводчиком,  контролером,
кассиром.  Был  учителем
иностранных  языков.  В
последнем  качестве  он
переехал  в  Москву,  надеясь,
что  дети  (у  Исаака  был  брат
Адольф  и  две  сестры)
получат  там  достойное
образование…
Живописная мастерская МУЖВЗ. Студенты МУЖВЗ (Левитан – третий слева в верхнем ряду)
Годы  учения  И.И.Левитана  в  Училище  живописи  были  временем  высокого  подъема  и  расцвета  Училища. Из  его  стен  вышли  наиболее  последовательные  и  радикальные  художники. Соучениками  И.И.Левитана  были:  А.П.Рябушкин,  М.В.Нестеров,  А.Е.  Архипов,  С.В.Иванов,  Н.А.Касаткин – художники,  чьи  имена  вписаны  в  историю  русской  живописи.
А.К.Саврасов. Фото 1860 года.
Хотя уроки Саврасова были благотворны для многих, именно в Левитане он нашел наиболее родственную натуру, и не случайно говорили, что только ему А.К.Саврасов передал «тайну мотива».

В.Д.Поленов. Фото 1890 – х.
Привитая А.К.Саврасовым  любовь  к  природе  и  ее  наблюдению  могла  быть  только укреплена  В.Д.Поленовым,  который  появился  в  училище  с  осени  1882  года.  В.Д.Поленов  обогатил  понимание  колорита  в  живописи,  что  было  очень  важно  для  становления молодого  художника.
     В  государственном  историко – художественном   музее – заповеднике  В.Д.Поленова  есть  комната,  в  которой  экспонируются  произведения  И.И.Левитана. Среди  них  три  пейзажа  Ялты,  этюды  «Заросший  пруд»,  «Срубленный  лес»,  «Осенний  лес»,  «Венеция»,  «Васильсурск»,  «Въезд  в  деревню».

К.А.Коровин. Фото 1890 г.
 Константин  Коровин  рассказывал:  «Мы  работали  с  натуры  до  изнеможения.  Конечно,  сильно  голодали,  но  давать  уроки  купеческим  сынкам  и  дочкам  не  шли.  Особенно  страдал  Левитан.  Он  не был  приспособлен  по  своей застенчивой  натуре  бороться  с  бытом…  Мы  вдвоем,  как  говорится,  «пробивались»,  но  работали  и  работали.  Сила  молодости  брала  свое  и  мы не погибли.  Но  зато  практика  ежедневного  писания  с  натуры  углубляла  познание  «сути»  живописи,  вырабатывала  мастерство».

В Бабкине на Истре И.И.Левитан  по – настоящему сблизился с семейством  Чеховых. (На фото слева направо: А.П.Чехов, Н.П.Чехов, М.П.Чехова,  М.П.Чехов).
Исаак Ильич Левитан на охоте. Фото 1890 г.
А  вот  и  флигель Левитана
 Художник  милый  там  живет,
 Встает  он  очень,  очень  рано
 И  тот  час  чай  китайский  пьет
 Позвав  к  себе  собаку  Весту,
 Дает  ей  кринку  молока
 И  тут  же  не  вставая  с  места,
 Этюд  он  трогает  слегка…
   Наивные  и  дружеские  вирши  эти  написал  самый  скромный  из  рода  Чеховых  Михаил.

И.И.Левитан. Автопортрет. Акварель. 1880 – е годы.     Портрет А.П.Чехова работы И.И.Левитана. Этюд. 1885 – 1886 годы.
Поставленные  рядом  эти два облика  молодых  людей – писателя  и  художника – обнаруживают  какое – то  внутреннее  сродство,  сходство  душевной  глубины  и  мягкости:  в  них  есть  обаяние  юности  с  ее  поисками  и  большой  внутренней  душевной  работой.  Эти  два  портрета  дают  нам  в  совокупности  образ  «молодого  человека»  той  эпохи,  ее  человеческий  идеал.  Они позволяют  лучше  понять  ту  внутреннюю,  духовную  близость, которая  и  связала  навсегда  И.И.Левитана  и  А.П.Чехова  большой  человеческой  дружбой.
Музей И.И.Левитана в Плесе.
В  течение  четырех  лет И.И.Левитан  ездил  на  Волгу.  Приезжая  сюда  летом  с  С.П.Кувшинниковой  и  известным  художником пейзажистом  А.С.Степановым,  он  неистово  работал,  создав  в  общей  сложности  около  200  работ,  включая  23  живописных  полотна.  В  сущности,  именно  здесь  он  состоялся  как  самобытный  художник.
25  августа  1972  года  в  Плесе  был  открыт  дом – музей  И.И.Левитана.  Здесь  находятся  мемориальные  комнаты,  в  которых бережно  воссоздана  обстановка.  В  которой  жил  И.И.Левитан  и  его  спутники,  а  также  экспонируются  его  работы.
И.И.Левитан в мастерской
Счастье становилось на его сторону, ибо он был признанный мастер. Имел удобную, с верхним светом мастерскую, построенную одним из Морозовых для себя и уступленную Левитану. В этой мастерской были написаны почти все лучшие картины художника, потом составившие его славу
Исаак Ильич Левитан. 1890 – е годы.
Вторая половина 1890 – х  годов была временем  признания вклада  И.И.Левитана в  современную живопись.

Наряду с показом его  картин на всероссийской  арене, художник выступает  за рубежом.

 С  1898 года – он академик  живописи и преподаватель  Московского Училища  живописи, ваяния и  зодчества.
Портрет С.П.Кувшинниковой, написанный И.И.Левитаном в 1888  году.А.Н.Турчанинова. Фотография 1890 – х.
С.П.Кувшинникова, несомненно, сыграла существенную роль в  жизни И.И.Левитана. Способствовала общему развитию  молодого художника, ввела его в художественную среду.
 Значительное место в личной жизни И.И.Левитана  заняла  вслед  за С.П.Кувшинниковой и А.Н.Турчанинова, которая ухаживала за  художником в его последние дни.
Исаак Ильич Левитан. Фото. 1897 г.
И.И.Левитана не стало 22  июля 1900  года. Художник страдал  неизлечимой  болезнью сердца. В мае он простудился в Химках,  где на этюдах работали его ученики. В мастерской осталось около  сорока незавершенных им картин.

«…На прощанье скажу: больше любви, больше поклонения  природе и внимания, внимания без конца…»  И.И.Левитан.
Спасибо за внимание


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура и скульптура Пскова и Новгорода

extracted_text:
Архитектура и скульптура Пскова и Новгорода
Архитектура Новгорода
Строительство XIV—XV веков в Новгороде характеризуется широким размахом. Многочисленные храмы строятся боярами, посадниками, архиепископом, купцами, корпорациями уличан. Новгородские зодчие — выходцы из той же среды городского ремесла — вносят в это строительство живую творческую мысль и являются проводниками народных художественных взглядов в архитектуре. В то же время на ее развитие накладывают свой отпечаток консервативные идеологические тенденции господствующих феодальных верхов, особенно нарастающие в XV веке в связи с упорным сопротивлением новгородского боярства включению Новгорода в состав Русского централизованного  государства.
Архитектура Пскова
В обстановке оскудения и опустошения Русской земли большее, чем когда-либо, значение приобрело деревянное зодчество. Как от древнейшего времени, так  и  от  XIII—XIV   веков   памятников  деревянного  зодчества   не   сохранилось.
Церковь Успения на Волотове (1352) развивает принципы, заложенные в основе архитектурного образа церкви Николы на Липне. Здесь лопатки исчезают вовсе, и монолитный объем стройного четверика легко завершается трехлопастным покрытием, сочетающимся, однако, со старой системой сводов. Асимметрично расположенные притворы создают живописность композиции. Зодчий стремился придать внутреннему пространству храма еще большее единство и свободу, широко расставив столбы и округлив их западную пару.

Во второй половине XIV века складывается классический тип новгородского храма, представленный двумя боярскими постройками: церковью Федора Стратилата (1360) и Спаса на Ильине улице (построенной «боярином Василием Даниловичем со уличаны», 1374)

Крупнейшим памятником псковского зодчества был недошедший до нас Троицкий собор Пскова, созданный в 1365 —1367 годах «на старой основе» собора XII века. Есть основание полагать, что его автором был псковский зодчий Кирилл. Собор, известный нам по весьма точному рисунку конца XVII века, сохранял основные особенности композиции храма XII века — пониженный нартекс (западная часть шестистопного храма) и боковые притворы; композиция же верха была сильно переработана. Угловые своды в четверть окружности были опущены, так что центральные закомары фасадов поднялись кверху, разорвав сплошную кривую перекрытия. Постамент под барабаном, отражающий повышенные подпружные арки, был завершен восьмериком треугольных и полукруглых кокошников,  тоесть получил композицию «восьмерика на четверике», характерную для деревянного зодчества.


title: Скачать презентацию или конспект Храмы-памятники русской воинской славы

extracted_text:
Открытый урок по ОРКСЭХрамы-памятники русской воинской славы.Составила учитель ОРКСЭ :Алдина Светлана Владимировна МБОУ СОШ № 32
На Руси сохранилась традиция строить храмы в честь важнейших событий военной истории. Воинские мемориалы сохраняют идею национального достоинства и памяти.
Основными отличительными чертами русских храмов-памятников воинской славы были:
 победно-триумфальный характер архитектурной композиции,
 наличие мемориальных предметов, знамен.
   Начиная с храма Христа Спасителя при создании храмов воинской славы объявлялся всероссийский сбор средств.
Куликовская битва 1380 г.
Храм олицетворяет единство силы и духа русского народа в борьбе за свою независимость.
 Находится на легендарном Куликовом поле.
Храм Сергия Радонежского  (1913-1917 г. Архитектор А.В.Щусев)
ХVI век. Война с Казанским ханством.
1552год .Русские войска  под командованием Ивана Грозного штурмом берут Казань. В память об этой победе в Москве на Красной площади был возведен  Покровский собор , позднее названный храмом Василия Блаженного (зодчие Постник и Барма)
Полтавская битва  1709 г.
В   честь  этой   исторической победы над шведами и в память о погибших в Петербурге в 1761г. был построен Сампсоновский храм (архитектор Д. Трезини).
В 1852 г. В Полтаве  во исполнение завета Петра I также был возведен храм.
Отечественная война 1812 года.
   Храм Христа Спасителя (архитектор К. А . Тон) –мемориал Отечественной войны 1812 г., созданный на народные пожертвования.
   В храме был впервые создан своеобразный музей Отечественной войны, установлены мраморные доски с именами убитых и раненых, увековечены имена людей, пожертвовавших свои сбережения на дело победы.

Казанский собор
 (1801-1811 гг. Архитектор  А.Н. Воронихин).
    В 1813 году в соборе был погребен М.И. Кутузов, и здание стало своеобразным памятником побед русского оружия.  В 1837 г. Перед собором были поставлены  статуи Кутузова и Барклая де Толли (скульптор Б.И.Орловский).
Кронштадт – колыбель русского  флота
Собор является достойным памятником всем «чинам Морского ведомства России».
 В стенах храма – каменные плиты, повествующие о событиях военно-морской истории России.
Никольский Военно-морской собор в Кронштадте
 1901-1913 гг.
 (Архитектор В.А. Косяков)
МОРСКОЙ НИКОЛЬСКИЙ СОБОР

Кронштадт, город-крепость, заложенный в начале 17 века на острове Котлин посреди Финского залива, известен как колыбель морской славы России.
Островное положение и близость к Петербургу надолго определило судьбу Кронштадта, который с 1720-х годов служил базой Балтийского флота.
Морской  Никольский  собор
Главной достопримечательностью города по праву считается  Морской  Никольский  собор, строительство которого было завершено в 1913 году
Морской собор в городе-крепости Кронштадт (с тремя престолами — во имя свт. Николая Чудотворца, свв. апп. Петра и Павла и прп. Иоанна Рыльского) был заложен 1 (14) сентября 1902 года по указу императора Николая II в честь 200-летия Российского флота. Молебен на строительство храма совершил святой праведный Иоанн Кронштадтский.

Автор проекта профессор В.А. Косяков взял за образец собор святой Софии в Константинополе. В возведении собора участвовали командир Кронштадтского форта вице-адмирал Н.И. Казнаков, вице-адмирал С.О. Макаров и другие выдающиеся русские флотоводцы. Построенный на народные пожертвования и средства Морского ведомства, собор был освящен 10 (23) июня 1913 года в присутствии императорской семьи протопресвитером Георгием Шавельским в сослужении протоиерея Иоанна Морева и будущего священномученика протоиерея Алексия Ставровского.

Комитет выбрал для будущего храма подходящее место - Якорную площадь в Кронштадте, находящуюся в центре города близ Петровского адмиралтейства.

Одним из архитекторов, представивших проект, стал Василий Косяков – известный зодчий, строивший живописные церкви и часовни в Петербурге и Петергофе.

В его строительстве и освящении принимали участие лично Император Николай II, видные деятели Российского флота выдающийся флотоводец адмирал С.О. Макаров, адмиралы В.П. Верховский, А.К. Сидеснер, М.Г. Веселаго, вице-адмиралы князь П.П. Ухтомский, А.А. Бирилев, К.П. Никонов, морской министр И.К. Григорович и многие другие.

Когда 10 июня 1913 года состоялось торжественное освящение собора, с кораблей, находящихся на рейде, был произведён 31 залп, а Николай II с супругой и семьёй, высадил в сквере вокруг собора 32 молодых дубка.

Внешнее и внутреннее убранство храмаФасад Кронштадтского собора был облицован кирпичом и терракотой, украшен гранитом и майоликой, а иконы с изображениями Спаса Нерукотворного и сюжетами из жизни святителя Николая Чудотворца на фасадах, сделаны их разноцветной мозаики. Так как собор задумывался не только как храм, но и как памятник во славу павшим морякам, внутри на стенах можно было увидеть 130 мраморных досок, с высеченными на них золотыми буквами, где значились имена тысячи погибших моряков с 1695 по 1910 годы. Они напоминали прихожанам имена, звания, дату и обстоятельства гибели моряка.

14 октября 1929 года собор был закрыт и разорен. Алтарь Господень был осквернен, память павших воинов поругана, кресты и колокола сброшены. Во время Великой Отечественной войны храм подвергался обстрелам. В разные годы в храме размещались кинотеатр, клуб, концертный зал. Стараниями военных моряков и музейных работников удалось сохранить лишь малую часть великолепного внутреннего убранства, не подвергшуюся уничтожению.

В 2002 года приснопамятный Святейший Патриарх Алексий II благословил возрождение Морского собора в Кронштадте. В тот же год главный купол храма вновь был увенчан крестом.
2 ноября 2005 года, в день рождения святого праведного Иоанна Кронштадтского, в главном храме Военно-морского флота России была совершена первая с момента закрытия Божественная литургия.

29 апреля 2012 года в

соборе начались регулярные богослужения.

Петиция на строительство Морского Никольского Собора в Новороссийске

Уважаемые новороссийцы и гости города-героя!
В октябре 2014 года произошло знаменательное и историческое событие для юга России. Святейший Патриарх Московский и всея Руси Кирилл во время своего визита в Новороссийскую епархию вместе с членами Священного Синода совершил освящение закладного камня в основание Морского кафедрального собора в честь святителя Николая Чудотворца, который является покровителем всех моряков.
И сегодня благотворительными усилиями всех неравнодушных горожан, а также людей, которым небезразлична судьба героической Малой земли, начаты работы по строительству храма-памятника – Морского кафедрального собора в честь святителя Николая Чудотворца
 Морской собор навсегда увековечит в памяти потомков великий подвиг наших родственников и соотечественников, павших за освобождение города-героя.
Дорогие новороссийцы! Мы собираем подписи в поддержку строительства Морского кафедрального собора в городе-герое Новороссийске. Призываем неравнодушных откликнуться на это благое начинание и подписаться под этой петицией!
НАПРАВЛЕНО:
Президенту Российской Федерации Путину Владимиру Владимировичу
Святейшему патриарху Московскому и всея Руси Кириллу
Морскому собору на Малой земле быть!
Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Биография Шишкина

extracted_text:
Иван Иванович
ШИШКИН
...Шишкин остался единственным до сихпор как знаток и рисовальщик деревавообще, и хвойного леса в особенности.Когда Шишкина не будет, тогда толькопоймут, что преемник ему не скоросыщется.
И. Крамской

Портрет И. И. Шишкина, работа И. Крамского

Биография

Картинная галерея

Среди имен художников, сыгравших наиболее значительную роль в формировании и развитии русского пейзажа второй половины XIX века, одним из первых должно быть названо имя И. И. Шишкина. Выдающийся живописец, рисовальщик и гравер, он был непревзойденным знатоком родной природы и создай произведения, в которых правдиво, с высоким мастерством отразил ее характерные черты.Иван Иванович Шишкин родился 13(22) января 1832 года в уездном городе Вятской губернии Елабуге, в небогатой купеческой семье. Его отец, Иван Васильевич, выделялся в своем кругу образованностью и широтой интересов. В доме Шишкиных всегда были свежие журналы, и будущий художник много читал. Это благотворно повлияло на его общее развитие, а русскую природу онузнал и полюбил еще в ранней молодости, бродя по окружавшим Елабугу могучим лесам, любуясь из окон отчего дома широкими далями Закамья.

закончить
Первые уроки живописи Шишкин получил у приехавшего в Елабугу московского иконописца Ивана Осокина, а в 1850 году началось серьезное профессиональное образование в Московскомучилище живописи и ваяния, которое уже тогда становилось центром формирования русского реалистического искусства. Учитель Шишкина А. Н. Мокрицкий понял наклонности своего ученика и сумел развить их. Шишкин много работал на натуре и в годы учения создал, в частности, прекрасные этюды растений. К моменту окончания в 1856 году училища он был уже хорошо подготовленным пейзажистом. Однако, стремясь к дальнейшему совершенствованию, он сразу же отправился в Петербург и поступил в Академию художеств, где пейзажную школу много летвозглавлял выдающийся художник и педагог М. В. Воробьев. Но за год до приезда Шишкина в Петербург он умер. Профессором пейзажной живописи был назначен его малодаровитый сын Сократ. У такого преподавателя Шишкину по существу нечему было учиться, и своими дальнейшими успехами он был обязан

закончить
неустанной работе на натуре в окрестностях Петербурга и на острове Валаам. В 1860 году Шишкин окончил Академию.
Весной 1862 года художник отправился в Германию и Швейцарию, где жил и работал в течение трех лет. Здесь, помимо многочисленных рисунков и этюдов, им было написано несколько значительных картин, среди которых выделяются работы 1865 года “Тевтобургский лес” и “Вид в окрестностях Дюссельдорфа”, за которую он получил звание академика. На родину Шишкинвозвратился зрелым художником, не только овладевшим всеми тайнами мастерства, но и ясно осознающим задачи отечественного пейзажного искусства. Отныне все его произведения будут посвящены русской природе, а его эстетическим кредо станет безусловная правда ее изображения, основанная на глубоком знании и горячей любви к родной земле.
Летом 1866 года Шишкин работает в Подмосковье и создает первый вариант картины “Полдень. В окрестностях Москвы”, главной темой которой стали русские просторы.

закончить
На следующий год он проводит все лето и осень на Валааме вместе со своим юным другом, одним из самых выдающихся русских пейзажистов Ф. А. Васильевым. Хорошо знакомая по годам учебы в Академии природа теперь раскрывается перед ним как бы заново.В 1869 году художник снова обращается к сюжету, найденному три года назад, и пишет второй вариант картины “Полдень. В окрестностях Москвы” — пейзаж, не только полный воздуха
и света, но, главное, чисто русский по своей широкой  пространственности  и  песенному настрою.
1870-е годы — годы торжества передвижнического реализма — стали и временем блестящего расцвета творчества Шишкина, продолжавшегося уже до конца жизни художника. Он становится членом учредителем Товарищества передвижников и одним из самых активных участников передвижных выставок. В ближайшие два десятилетия, Шишкин создает немало выдающихся произведений, в которых предельная правдивость характерного облика русской природы сочетается с монументальностью, порой с

закончить
подлинной эпичностью образов.
В 1872 году на передвижной выставке в Москве экспонировалась его большая картина “Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии”. Воспроизведя с многочисленными подробностямиособенности “интерьера” хвойного леса, художник вместе с тем сумел передать его мощь и своеобразную торжественность. В том же году им было написано полотно “Лесная глушь”, за которое совет Академии присудил ему звание профессора. А в 1878 году на очередной передвижной  выставке появилось новое замечательное полотно Шишкина “Рожь”, где словно воплотилось представление о необъятной шири родной земли. Развивая мотив раннего “Полдня”, Шишкин поднял его теперь до значения эпической поэмы о России. Подобными поэмами стали и такие его картины, как “Среди долины ровныя...” (1883) и “Лесные дали” (1884). Сюжет первой из них навеян стихотворением А. Ф. Мерзлякова, ставшим народной песней. Но Шишкин трансформировал литературный образ, сообщил ему мажорное звучание. Величие векового дерева и

закончить
беспредельная ширь долины слиты в единый образ.В “Лесных далях” преобладает пространственность. Хвойные леса, увиденные с возвышенности, простираются вдаль подобно морю. Таким образом, в первых же своих наиболее значительных картинах Шишкин выступил как поэт природы эпического склада, и этот поэтический ключ остался преобладающим в творчестве художника.Но в его произведениях всегда присутствует ощущение реальной, живой природы, запечатленной во всей ее конкретности. Шишкин всю жизнь много работал на натуре, создавая замечательные этюды — своеобразные портреты природы. Совершенство композиционного и живописного решения приравнивает их к настоящим картинам. Таковы, например, “Сосны, освещенные солнцем”, “Дубы. Вечер” (обе 1886 г.) и тончайшая миниатюра “Травки” (1892). В 1890—1891 годах Шишкин снова обращается к литературным образам и создает картины по мотивам стихотворе-ний М. Ю. Лермонтова “На севере диком” и “Отчизна”,

закончить
являющиеся самостоятельными, глубоко поэтичными пейзажными образами.Сохраняя всегда ярко выраженную индивидуальность и оставаясь верным своему творческому методу, Шишкин не был безразличен к проблемам, выдвигаемым перед искусством временем.В его поздних работах появляется пленэрность, он все чаще стремится к передаче состояния природы. Теперь это уже не просто сосновый или дубовый лес, но “Утро в сосновом лесу” (1889), “Дождь в дубовом лесу” (1891), и зритель видит едва освещенные первыми розоватыми лучами верхушки сосен и медвежье семейство на краю глубокого оврага, еще сохраняющего ночную прохладу. А в старом дубовом лесу сетка дождя размыла очертания древесных крон и сделала осязаемым и зримым самый воздух.
Могучим заключительным аккордом творчества, подлинной поэмой о русском лесе стала последняя картина Шишкина “Корабельная роща” (1898). Природа предстает в ней и бесконечно величественной, и близкой человеку, доступной и доброй.

закончить
Громадность общего не заслонила множество малых проявлений жизни, и самое широкое обобщение не подавляет деталей. Это своеобразное творческое завещание, оставленное Шишкиным русским пейзажистам. 8 (20) марта 1898 года он скончался в своей мастерской за мольбертом, отдав любимому искусству всю свою жизнь до последнего мгновения.
“Ни об одном из наших современных художников, — писал в 1895 году Василий Иванович Немирович-Данченко в рецензии на альбом Шишкина “60 офортов”, — не хочется сказать так много и по душе, как об Ив. Ив. Шишкине, и едва ли кто-нибудь из его товарищей, обладающих равным талантом, представляет собой такой цельный и законченный образ, такую характерную фигуру, какою является этот истинный “поэт природы”.

закончить
Вид в окрестностях Петербурга, 1865 год

закончить
Тевтобургский лес, 1865 год

закончить

закончить
Полдень. В окрестностях Москвы,1869 год
Лесная глушь, 1872 год

закончить
Среди долины ровныя, 1883 год

закончить
На севере диком, 1891 год

закончить
Дубы., 1887 год

закончить
Утро в сосновом лесу. Фрагмент 1889 год

закончить
Рожь 1878 год

закончить
Корабельная роща. 1898 год

закончить
Лесные дали 1884 год

закончить


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура России 18-19 веков

extracted_text:
Архитектура Росси18-19 веков
Памятники архитектуры:
Выполнил ученик 6 «Б»
Феоктистов  Влад

    Архитектура- это искусство конструирования зданий и других построек.  Главная задача архитекторов- сделать здание прочным, красивым и подходящим для своего назначения
Самые древние постройки были очень простыми и делались из глины или соломы – это было достаточно, чтобы защитится от дождя, ветра и солнца.  Позже  люди изобрели новые способы строительства  зданий из камня. Они стоили церкви и крепости, замки. Современная архитектура. В наше время камень и кирпич всё ещё  используются для строительства, но  кроме них архитекторов для воплощения замыслов есть большой выбор новых современных строительный материалов.  Города нового мира, в котором  мы живём, построены из бетона, стекла и пластика. Многие изобретения, такие, как центральное  отопление, электрическое освещения и кондиционирование воздуха, также  очень  сильно повлияли  на архитектуру.  Изобретения лифта в  1854  году  позволило  архитекторам строить  здания  гораздо  выше,  чем  раньше.

                   До 18 века самыми красивыми и величественными сооружениями в России были соборы, храмы, царские палаты, то с началом нового века большое внимание уделяется внешнему виду жилых домов, набережных рек, торговых домов, театров, учебных заведений.

               Конечно, такие изменения в строительстве и архитектуре происходили в основном в столице и в крупных городах России. В те годы наше государство многому училось у других стран. В России жили и работали иностранцы, которые положительно влияли на развитее культуры русского государства. По их проектам строились прекрасные дворцы,  открывались театры, проводились праздники. Многие иностранцы любили Россию, как свою родину , и служили ей верой и правдой. Среди них особое место занимает Варфоломей Растрелли. Он родился и вырос в  Италии , но Россия стала его  второй родиной. Лучшие творения  этого  великого  архитектора- Зимний дворец  в Санкт -  Петербурге и дворце Петергофа.

Зимний  дворец.

Военная галерея 1812  года

малахитовый зал.

Здание Эрмитажа


title: Скачать презентацию или конспект Китайская живопись

extracted_text:
История китайской живописи
Презентацию подготовила
Ученица 9 «А» класса
Ильинской средней школы
Потапова Саша

      	 История возникновения китайской живописи насчитывает более шести тысячелетий и относится к тому периоду, когда предки современных китайцев украшали керамические изделия. В качестве орнамента они изображали людей, рыб, животных и растения.	О древних образцах китайской живописи мы можем узнать лишь из археологических раскопок. К изобразительному искусству более позднего времени относятся различные погребальные сосуды и изделия. Следующим этапом развития китайской живописи стали рисунки, выполненные на шелке и бумаге. До наших дней дошло несколько образцов таких рисунков.

     	Во времена династии Цинь и Хань развивается фресковая живопись. Ее применяли при захоронениях, а также в храмах и дворцах. С развитием буддизма в период с 3 по 6 век развивается храмовая живопись, например, изображения Будды в горных пещерах. Пожалуй, самыми известными пещерами до сих пор являются Дуньхуанские пещеры Могао (敦煌莫高窟). 	Одним из самых выдающихся художником эпохи Шести династий был Гу Кайчжи – 顾恺之 (344-406). Он писал светскую живопись. Две его известные картины «Фея реки Ло» и «Прославленные женщины древности» представляют собой длинные горизонтальные свитки, разделенные на несколько фрагментов.

         Предполагалось, что картину нужно было смотреть на ходу, то есть проходить от ее начала в конец и медленно рассматривать сюжет, изображенный на свитке. Гу Кайчжи также считается основоположником «гохуа» (дословно «национальная живопись»). Именно он выдвинул принцип «настроение через форму», смысл которого заключается в том, что хорошая картина – это та картина, которая передает «душу».А для того, чтобы точно передать «душу», надо очень четко нарисовать глаза.			                                       	Следующим важным этапом развития живописи в Китае в то время были эпохи Суй, Тан, Пяти династий и Сун.

           В это время происходить формирование основных школ живописи. Среди известных художников можно назвать Чжан Цзыцяня – 展子虔 (эпоха Суй), Ли Сысюнь (李思训)，У Даоцзы (吴道子). В эпоху Тан в отдельный жанр выделяется портрет. Известна картина Янь Либэня (7 в.) «Властелины древних династий», в которой он изобразил на длинном горизонтальном свитке 13 правителей, которые были во главе Китая с начала династии Хань и до конца 6 века. В это же время появляются изображения придворных сцен.
           В период пяти династий стоит отметить выдающегося художника пейзажной живописи – Фань Куаня 范宽. Кстати, его работы «Горы, покрытые снегом» и «Путешествующие вдоль горного потока» сохранились до наших дней.

       Известным художником эпохи Сун является Гу Хунчжун顾闳中.В эпоху династии Юань можно выделить художников Ван Мэна 王蒙, Хуан Гунвана黄公望 и Ни Цзана 倪瓒.В эпоху династий Мин и Цин появляется большое количество художественных школ и жанров.                        	Тематически китайскую живопись можно разделить на три вида: портреты, пейзажи и изображения цветов и птиц. Раньше всего появились портреты, но затем все большую популярность получили пейзажи (山水画).

           Древняя китайская живопись сильно отличалась от европейской живописи. В Европе широко использовались возможности цвета, теней, а в Китае живописцы создавали удивительные картины игрой линий. Главное, что отличает китайскую живопись от европейской – это стремление передать «дух картины», или, как говорят китайцы «с помощью формы выразить настроение».
            Из художников 19-20 века следует особо выделить Ци Байши (齐白石). Одна из самых известных его картин -"Креветки" , а также художника Сюй Бэйхуна徐悲鸿. Сюй Бэйхун творил по приципам Гу Кайчжи, поэтому люди считают, что лошади на его картине "奔马" выглядят более реалистично, чем настоящие лошади.

       Годы культурной революции нанесли живописи Китая непоправимый ущерб. Единственное, что разрешалось – это политический плакат, и то посвященный одной единственной теме – культурной революции.
         После культурной революции происходит возрождение китайской живописи.

Вывод: История китайской живописи возникла в глубокой древности и в качестве орнамента они изображали людей, рыб, животных и растения. Позже стали изображать рисунки, выполненные на шелке и бумаге. Потом развивается фресковая живопись, храмовая живопись. Затем начали строить школы живописи.

конец


title: Скачать презентацию или конспект Пейзаж

extracted_text:
Пейзаж- изображение природы
Природа- это книга мудрости. Прочитать эту книгу ,овладеть драгоценным богатством, заложенным в ней ,помогает пейзаж. Природа  учит и воспитывает нас непосредственно, ежедневно и глубоко.
Многообразие природы породило в изобразительном искусстве различные виды пейзажного жанра.
Городской пейзаж- включает в себя здания, улицы, проспекты, площади, набережные.
В парковом пейзаже изображаются уголки природы.
В сельском пейзаже художника привлекает поэзия деревенского быта естественная связь с окружающей природой.
Морской пейзаж -марина- рассказывает о красоте то спокойного, то бурного моря об изумрудных гребнях волн ,отороченных белоснежным кружевом пены.
Архитектурный пейзаж. Главное внимание художник обращает на изображение памятников архитектуры


title: Скачать презентацию или конспект Сергей Михайлович Эйзенштейн

extracted_text:
Сергей Михайлович
Эйзенштейн
Часовская Н.Б.
Учитель МБОУ СОШ №6
Г.Бугульма
Сергей Михайлович Эйзенштейн - режиссер, сценарист, теоретик киноискусства. Сергей Эйзенштейн родился 22 января (по старому стилю - 10 января) 1898 в зажиточной семье инженера, главного архитектора Риги. Его отец - Михаил Осипович - еврей, мать - Юлия Ивановна, урожденная Конецкая, - из семьи архангельских купцов
Это Сергей Эйзенштейн во время съемок фильма "Старое и новое".
Сергей Эйзенштейн(1898-1948) успел снять всего 7 картин
Киноработы Сергея Эйзенштейна: "Стачка" (1924; х/ф; в Париже фильм получил серебряную медаль), "Броненосец "Потемкин" (1925; х/ф; Американской киноакадемией признан лучшим фильмом 1926 года; в 1926 - "Супер гран-при" - высшая награда Парижской выставки искусств; в 1958 экспертным международным жюри была включена в десятку лучших картин мира всех времен и народов), "Октябрь" ("Десять дней, которые потрясли мир"; 1927; х/ф; из отснятых 49 тысяч метров пленки было отобрано 2 тысячи), "Старое и новое" ("Генеральная линия"; 1929; х/ф), "Землетрясение в Оахаке" (1931; документальный фильм о Мексике), "Да здравствует Мексика!" (1931; х/ф; окончательно смонтирован в 1979 Григорием Александровым; в 1979 - почетный Золотой приз Международного кинофестиваля в Москве; на фестивале Госфильмофонда "Белые столбы-1998" был показан альтернативный вариант фильма, смонтированного питерским режиссером и киноведом Олегом Коваловым из 75 тысяч метров кинопленки, отснятой Сергеем Эйзенштейном - "Мексиканская фантазия" - 10 часов показа), "Бежин луг" (1935-1937; х/ф; в момент съемок фильм был подвергнут резкой критике и снят с производства; восстановлен в 1971 по срезкам кадров Юткевичем и Клеманом), "Александр Невский" (1938; х/ф; 1941 - Государственная (Сталинская) премия СССР; в конце 1939, когда в Москву приехал министр иностранных дел фашистской Германии И. Риббентроп, фильм был снят с экранов), "Иван Грозный" (1944; х/ф, первая часть трилогии "Иван Грозный"; 26 января 1946 года удостоена Сталинской премии первой степени), "Боярский заговор" (1945, на экраны вышла в 1958; х/ф, вторая часть трилогии "Иван Грозный")
Сергей получил солидное и разностороннее домашнее образование, знал английский, немецкий и французский языки, был хорошо знаком с русской и мировой литературой, занимался фотографией, ставил любительские спектакли, увлекался рисованием. Отец хотел, чтобы сын продолжил его доходное и респектабельное дело. В 1915 окончил Рижское реальное училище, потом учился в Петроградском институте гражданских инженеров. Весной 1917 Сергей Эйзенштейн был призван на военную службу и зачислен в школу прапорщиков инженерных войск, а после ее расформирования, 18 марта 1918, вступил в ряды Красной Армии. В сентябре выехал с эшелоном на северо-восточный фронт. Эйзенштейн "прошел путь от телефониста до техника и поммладпрораба", был сапером, техником-строителем, одновременно участвовал в самодеятельности как художник, актер и режиссер.
В начале 1920-х два года был слушателем и режиссером-стажером Государственных высших режиссерских мастерских под руководством Мейерхольда. Свой первый спектакль в театре Эйзенштейн поставил по пьесе А.Н. Островского "На всякого мудреца довольно простоты", оставив от нее, по словам критиков, "одни обломки", сохранив лишь фамилии действующих лиц, несколько реплик и отдельные сюжетные ходы. С 1923 руководил театральными мастерскими Пролеткульта, где преподавал самые различные дисциплины от эстетики до акробатики.
В 1924 Сергей Эйзенштейн перешел работать в кино. В 1925, совместно со своими учениками Григорием Александровым, Максимом Штраухом, Иваном Пырьевым, выпустил первый фильм "Стачка". В том же году, за рекордно короткие сроки (съемки и монтаж заняли три месяца) был выпущен фильм "Броненосец "Потемкин". "Официальный просмотр состоялся в Большом театре в конце декабря 1925. Когда просмотр подходил к концу, Эйзенштейн вспомнил, что последний кусок не приклеен, только приложен и так и пошел в коробку. Чем больше гремел зал, тем больше волновался Эйзенштейн: вот сейчас будет обрыв, застучат люди ногами, сломается накал участия в картине. Но обрыва не произошло: несклеенный кусок прошел как склеенный. Случилось как будто чудо: то ли Сергей Михайлович неверно вспомнил, то ли разогрелась пленка, и прикипел кусочек ленты к другому куску. Все кончилось бурными овациями.
"Иван Грозный" (1944; х/ф, первая часть трилогии "Иван Грозный"; 26 января 1946 года удостоена Сталинской премии первой степени),
Броненосец "Потемкин" (1925; х/ф; Американской киноакадемией признан лучшим фильмом 1926 года; в 1926 - "Супер гран-при" - высшая награда Парижской выставки искусств; в 1958 экспертным международным жюри была включена в десятку лучших картин мира всех времен и народов),
«Алекса́ндр Не́вский» — советский исторический фильм о древнерусском князе, одержавшем победу в битве с рыцарями Тевтонского ордена на Чудском озере 5 апреля 1242 года. Относится к плеяде классических советских исторических фильмов 30-х годов и считается одной из лучших работ Сергея Эйзенштейна. Музыку к фильму написал знаменитый композитор Сергей Прокофьев.
Николай Черкасов в фильм Сергея Эйзенштейна "Александр Невский"
Александр Невский 2 (1938) . На западные рубежи Руси наступают войска Тевтонского Ордена. Они захватывают Псков, мучают и убивают местных жителей. Рыцари заранее делят ещё не завоеванные русские земли, присваивая себе титулы князей и надеясь на поддержку Папы Римского. Новгородский люд на вече решает собирать дружину и звать на командование ей опытного полководца князя Александра, прозванного Невским. Двое богатырей — Гаврила Алексич и Васька Буслаев (реальные личности) — сватаются к одной девице, и она решает, что выберет того, кто лучше покажет себя в битве. Войска сходятся к берегам замёрзшего Чудского озера. Перед боем один дружинник рассказывает князю басню о лисице, застрявшей в развилке дерева, куда её заманил заяц. Александр поступает похожим образом: строит свои войска клещами, в то время как «кабан» тевтонцев наступает прямо по центру. Русичи окружают врага, зажимают в «тиски» и разбивают его. Бросившиеся в бегство немцы тонут, проламывая тяжелыми доспехами лёд. Предводители агрессоров попадают в плен
Историко-революционный фильм, снят к 10-летию Октябрьской революции. События 1917 года, итогом которых стал залп крейсера "Аврора" и штурм Зимнего дворца, были восстановлены с максимальной точностью.
Эйзенштейн — Октябрь (1927)


title: Скачать презентацию или конспект Глобальные проблемы в современной культуре

extracted_text:
Глобальные проблемы в современной культуре

Глобальный социокультурный кризис
В ХХ в. перед человечеством встали глобальные проблемы, от решения которых стала зависеть судьба цивилизации.
Первоначально глобальный социокультурный кризис оценивался отрицательно - как разрушение материальной и духовной культуры. То, что судьбы человека и человечества составляют единое целое, показала уже Первая мировая война. В этот период возникает учение о ноосфере - вхождение в ноосферу как завершающее состояние эволюции биосферы, где человек представлен как крупнейшая геологическая сила, изменяющая лик Земли.
Социокультурный кризис
Социокультурный кризис нашего времени во многих своих чертах был осознан движением, объединяющим мировую научную, деловую, политическую элиту, - Римским клубом. В 1972 г. был представлен известный доклад Дж. Форрестера и Д. Медоуза «Пределы роста».
Был поставлен вопрос, может ли человек полагаться на стихийный эволюционный процесс развития общества или же мир, в котором мы существуем, нуждается в коренных изменениях? Возникла идея переноса акцента деятельности человека с количественных параметров на качественные.
Черты современного кризиса культуры
  В представленных Римским клубом исследованиях выделено несколько типологических черт современного кризиса культуры:
Ориентация на принцип количественного роста может привести к катастрофическим последствиям. Сейчас этот вид кризиса осознается более конкретно как ограниченность некоторых видов ресурсов, исчерпание ресурсов по регионам, экономических границ;
Возникновение опасных тенденций в использовании различных видов ресурсов. В результате их бесконтрольной переработки возникает непомерная нагрузка на экологическую сферу;
Черты, связанные с развитием самого общества - риск гигантских катастроф, поскольку современная промышленная и энергетическая инфраструктура уязвима для воздействия природных стихийных и социальных сил; несправедливое распределение отрицательных воздействий научно-технического прогресса на различные слои населения, страны и регионы мира. Страны, располагающие богатыми энергоресурсами, осуществляют их первичную обработку, что создает гигантскую нагрузку на экологию. Все это ведет к дестабилизации социального организма.  Выход может быть найден, прежде всего, на пути изменения социокультурных ориентаций, целей и идеалов современного человека.
Условия преодоления техногенности:
Осознанное изменение приоритетов в шкале культурных ценностей, создание нового отношения к природе, формирование экологической культуры;

Смена принципов измерений техники, ее критериев и оценок, включая и систему этих оценок наряду с технико-технологической оптимальностью и экономической эффективностью и социокультурное, собственно человеческое, измерение. Необходимы не фрагментарные критерии, а системные интегративные оценки. Однако сложность заключается в том, что такие оценки лежат в области междисциплинарных подходов.

Революционное изменение инженерного мышления: социокультурная парадигма инженерии ориентирует не на ближайшие технологические цели, а на дальние, исторически значимые для всего человечества последствия, повышает ответственность за выбор решений.
Суть и смысл дальнейшего развития техники состоит в выработке таких проектировочных стратегий и контролирующих систем, которые бы обеспечили человеческое выживание.
  Включение социокультурной парадигмы в инженерию позволяет преодолеть технократическую односторонность, организовывает инженерное мышление и инженерную деятельность вокруг человека как высшей ценности, а их человеческое измерение делает мерой профессионализма и компетентности, что и составляет одно из важнейших условий преодоления кризиса.
Понятие толерантности
«Помни, что ты только человек!» - эти слова заимствованы из триумфального ритуала римских полководцев. Их повторял триумфатору специально приставленный глашатай. Тогда они звучали как предостережение против установления тирании. Сегодня так можно сформулировать жизненный принцип любого человека, независимо от его социального статуса, места проживания, пола, нации и возраста. Это предостерегает нас от попыток применения насилия, давая понять, что никто не обладает абсолютной властью над другим, не имеет права порабощать другого, вторгаться в его мир и насильственно его изменять. Индивидуум не властен над мыслью, действием, жизнью себе подобного. Данная сентенция особенно актуальна для многонационального государства, каким является Россия.
Во многих культурах понятие «толерантность» является своеобразным синонимом «терпимости». Понятие толерантности, хотя и отождествляется большинством источников с понятием терпения, имеет более яркую активную направленность. Толерантность — не пассивное, неестественное покорение мнению, взглядам и действиям других; не покорное терпение, а активная нравственная позиция и психологическая готовность к терпимости во имя взаимопонимания между этническими, социальными группами, во имя позитивного взаимодействия с людьми иной культурной, национальной, религиозной или социальной среды.

Список литературы:
Мамонтов С. Основы культурологии. М., 1996
Маркова А.Н. Культурология. М., 2008
Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Рисуем трамвай

extracted_text:
Презентацию составила Шарапова В.М.
РИСУЕМ ТРАМВАЙ

   Кто далеко живет, Тот пешком не пойдет, Наш приятель тут как тут, Всех домчит он в пять минут, Эй, садись, не зевай,
     Отправляется…
ОТГАДАЙ ЗАГАДКУ
Ответ: трамвай

    Годом появления общественного пассажирского транспорта в Москве следует считать 1847 год. К этому времени город имел уже около 337 тыс. жителей и возникла потребность в организации общественного транспорта. В линейке помещалось 10-14 человек, имелось 4-5 скамеек. Они были шире обычных извозчичьих экипажей, имели крышу от дождя, везли их обычно 3-4 лошади.
ИЗ ИСТОРИИ
ИЗ ИСТОРИИ

    Создавались объективно-экономические предпосылки для перехода к качественно новому виду транспорта. Им стал электрический транспорт, получивший название "трамвай". К этому времени электрический трамвай действовал уже во многих городах мира.
ИЗ ИСТОРИИ

   В тогдашней России трамвай был пущен впервые в городе Киеве по инициативе инженера Струве А.Е. в 1892 году.
ЭТО ИНТЕРЕСНО!
    До 1917 года. Эпоха конки сменилась монополией трамвая.
    Небольшая коллекция изображений московского трамвая разных лет позволит Вам чуть-чуть лучше представить себе его историю. Да и не только трамвайную историю - ведь линии и вагоны существуют не сами по себе, а представляют собой часть города Москвы.
1917-1950 годы. Трамвай –
главный транспорт Москвы
1950-1970.годы Трамвай
развивается на окраинах.
1970-1990. Новых линий почти нет,
 но старые тоже почти не закрываются.
После 1990. Современность,
что тут ещё сказать...

Парижский трамвай в конце XIX века
   В начале XX века трамваи были неотъемлемой частью любого достаточно крупного американского
    (и европейского) города

ЭТО ИНТЕРЕСНО!
Всемирная история трамваев

Последние месяцы трамвая
в Глазго (фото июнь 1962).
Последним днём работы
трамвая в этом городе стало
1 сентября 1962 года
Мюнхен, старый трамвай (1979)
Футуристический трамвай
города Страсбурга
Мюнхен, новый трамвай (2005)
Двухэтажный трамвай
 в Лондоне
Новейшие трамваи

А вот так выглядит трамвай- ёлочная игрушка

РАССМОТРИТЕ ТРАМВАИ

Оборудование урока:

А ТЕПЕРЬ РИСУЕМ ТРАМВАЙ

ОСТАЛОСЬ РАСКРАСИТЬ

    Сделаем план картинки - разметим небо, фон, землю, разделив листок на пять горизонтальных произвольных полосок, заполним пространство посередине людьми, трамваем, машиной, деревом
Можно нарисовать
 целую картинку с трамваем

   Подберём цветовую гамму, можно любую, стараясь менять светлые и тёмные тона, и оставляя трамвай - как основной цветовой элемент

    Рисуем вид выбранного трамвая, здесь мы выбираем более старинный вариант,соответственно он будет угловатый и с множеством рам в окне

Рисуем другие элементы

Раскрашиваем рисунок

   Чем тщательнее мы будем раскрашивать и вырисовывать каждый элемент, тем более художественно будет выглядеть рисунок

   Последний - неожиданный штрих - украсим рисунок праздничными шарами,добавим красную полоску на трамвае и нарисуем отражения на мокром асфальте

Примерно так была нарисована  работа художником
                              Александром Аз


title: Скачать презентацию или конспект Жанры в изобразительном искусстве

extracted_text:
ЖАНРЫ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

«Картина не слово. Она дает одну минуту, и в этой минуте должно быть все…» Н.Н. Ге

Проникая в тайны окружающего мира, художник пристально всматривается в природу, в человека, в мир вещей. Искусство «заговорило» языком жанров.
ЖАНР (от фр. genre – род, вид)
   Понятие для различения форм и произведений внутри искусства.
ЖАНРЫ
Анималистический
Портрет
Пейзаж
Натюрморт
Сюжетно-тематическая картина
Анималистический ЖАНР
От фр. Animale – животное

Древнейший жанр изобразительного искусства

ПОРТРЕТ
Воссоздание облика человека. Передача      индивидуального сходства.

Портрет – история человека и эпохи

    Парадный    Интимный    Групповой
Натюрморт
  Изображение неодушевленных предметов (утварь, плоды, дичь, букеты и т.п)

Цветочный    Со снедью    Бытовой
Пейзаж
  Основной предмет изображения – природа.

Городской                           Сельский

  Индустриальный               Марина
Сюжетно-тематическая картина
   Изображение отношений человека и общества, повседневного  быта, семьи, истории человечества, сказок и легенд.

  Историческая                    Баталия

                         Бытовая

Сказочно-былинная

       ВИКТОРИНА
ЗАДАНИЕ:
  Выполните эскиз картины в любом из жанров


title: Скачать презентацию или конспект Андреян Дмитриевич Захаров

extracted_text:
Презентация на тему:Андреян Дмитриевич Захаров
Выполнил студент
1 курса, группы 1Г
факультета русской филологии
и национальной культуры
Першин Святослав
Андреян Дмитриевич Захаров - русский архитектор, представитель стиля ампир. Создатель комплекса зданий Адмиралтейства в Санкт-Петербурге.

Портрет работы С. С. Щукина.
Около 1804 года.
А. Д. Захаров родился 8(19) августа 1761 г. в семье мелкого служащего Адмиралтейств-коллегии. Был отдан отцом в художественное училище при петербургской Академии Художеств, где проучился до 1782 года. Его учителями были А. Ф. Кокоринов и И. Е. Старов. При окончании училища получил большую золотую медаль и право на пенсионерскую поездку за границу для продолжения образования. Продолжал учиться в Париже с 1782 года по 1786 год у Ж. Ф. Шальгрена.
В 1786 году Захаров вернулся в Петербург и начал работать преподавателем в Академии художеств, одновременно начав заниматься проектированием. Через некоторое время Захарова назначили архитектором всех недостроенных строений Академии художеств.
В конце 1799 года указом Павла I Захаров был назначен главным архитектором Гатчины, где проработал почти два года:
достроил Лютеранскую церковь Святого Петра,
возвел Горбатый мост.
Лютеранская церковь Святого Петра (1799 – 1800 гг.)
Горбатый мост. 1800.
Захаровым был выполнен ряд довольно значимых по объему и содержанию работ:
 Андреевский собор в Кронштадте (1805 – 1817),
 проект морского госпиталя для Херсона,
 проекты застройки Провиантского острова и Галерного порта.
 Проект Андреевского собора
     архитектора А.Д.Захарова. 1806 г.
     (Фото с сайта www.gorlib.ru)
Однако выдающееся значение творческой деятельности Захарова обусловлено прежде всего созданием нового Адмиралтейства.
Адмиралтейство. 1806 – 1823 гг.
Перед Захаровым стояла непростая задача - необходимость изменить облик здания, так чтобы оно гармонировало с находящимся поблизости Зимним дворцом и другими величественными архитектурными ансамблями, расположенными рядом с Адмиралтейством.
В 1806—1823 годах архитектор Захаров блестяще решил эту задачу. Идеей нового облика здания стала тема морской славы России, могущества русского флота.
Адмиралтейство в 1810-х (с литографии Барта)
Адмиралтейство А.Д. Захарова
Литература
Аркин, Д. Захаров и Воронин [Текст] : цикл лекций «Мастера русского зодчества» / Д. Аркин. – М.: Государственное издательство литературы по строительству и архитектуре, 1953. – С. 19 – 50.
Свободная Интернет-энциклопедия «Википедия» [Эл. ресурс]. – Режим доступа: http:/www.ru.wikipedia.org.
Сайт г. Кронштадта [Эл. ресурс]. – Режим доступа: http:/www.kronstadt.ru.


title: Скачать презентацию или конспект Народный художественный промысел

extracted_text:
Долгожданный дан звонок, Начинается урок!Тут затеи и загадки, Игры, шутки, всё для вас!Пожелаю вам удачи –За работу, в добрый час!
Народный художественный промысел - это одна из форм искусства, осуществляемая на основе коллективного развития традиций народного искусства в определенной местности из материалов, характерных для данной местности.
Матрёшки

Филимоновская игрушка

Дымковская игрушка

Хохлома

Гжельская роспись

Городецкая роспись

Цель урока: познакомиться с историей возникновения, цветовыми и композиционными особенностями народного промысла.

Недалеко от Москвы в очень живописном месте находится село Жостово.
Это село прославилось не только в нашей стране, но и за рубежом. А знаменито оно тем, что никто лучше местных умельцев не может рисовать цветы на железных подносах.

История жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостове, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных подносов,  лакированных изделий из папье-маше.

Технология  изготовления Жостовских подносов

1. Тонкий лист железа прессуют в нужной форме, для придания жесткости края подноса завальцовывают, выравнивают поверхность.

2. Лицевая поверхность подноса грунтуется и шпатлюется, а затем ошкуривается и покрывается лаком. В Жостове пишут на черном, красном, желтом и синем фоне, но самый распространенный, "классический" - это черный.

3. Подносы просушиваются в печах при температуре до 90 градусов. Покрытие производится трижды, после чего цветная поверхность подноса приобретает блеск.

4. Подготовленные подносы расписываются масляными красками, от руки, без трафаретов, причем мастер-живописец работает одновременно над несколькими подносами с одинаковым орнаментом.

Вначале художник делает подмалевок, затем накладывает тени, прописывает светлые места.
В центре располагают крупные цветы, написанные яркими красками.
Последний этап – украшение бортов подносов  легким, ажурным растительным орнаментом.

Композиция подносов:
 «букет в центре»,
«букет в раскидку»,
«букет с угла»,
 «венок» и «полувенок».

Элементы росписи – «травинки»,
«усики», «зигзаг», «цветок»,
«кайма», «пятилистик».


title: Скачать презентацию или конспект Хохломская посуда

extracted_text:
Хохломская роспись
Особенность хохломской росписи заключается в том, что поверхность деревянных вещей после огневой закалки приобретает неповторимый золотистый цвет. Мы познакомимся с технологией этого искусства, проникнем в тайны векового рукомесла.
pptcloud.ru
Хохлома
Хохломские изделия, сверкающие золотом и великолепием лаков, радующие красочной, поэтической росписью, пользуются популярностью во всем мире, они экспортируются в 25 странах, утверждая славу русского народного декоративного искусства за рубежом.
Хохлома
Творчески осваивая и пересматривая в духе времени замечательное художественное наследие росписи, мастера Хохломы используют различные приемы росписи изделий, виртуозно исполняют все виды письма - на золотом или цветном фоне.
Лебедь большой
Этот красивый нарядный лебедь станет украшением любого застолья - будь то солидный юбилей, шумная свадьба или просто встреча старых друзей. Поставьте его в центр стола, наполните напитком по Вашему вкусу - квасом, вином или медовухой, чем хотите. Развесьте по бокам ковшички. И черпайте из него, наслаждайтесь питием и общением.
Высота - 44 см
Лебедь малый
Младший брат Лебедя Большого, такой же красивый и величественный. Украсит собой день рождения, свадьбу или детский праздник. Он поплывет среди закусок, горячего и сладкого прямо в центр стола, неся Вам и Вашим гостям чудесные напитки (не забудьте предварительно их туда налиить). Снимайте с его крутых боков черпачки и наслаждайтесь! Если у Вас детский стол - налейте в Лебедя сок, квас, морс, сладкую воду. Или наполните его печеньем, конфетами. Вот увидите - праздник пройдет на славу. Лебедь постарается.
Высота - 18 см
Набор для вина с графином
Парадное большое блюдо в хохломском стиле превратилось в цветущий луг: плавно извивающийся, тонкий стебель заполняет своими побегами все дно предмета, а каждое его ответвление прорастает то пышными маками и тюльпанами, то спелыми гроздьями ягод.
Высота - 26 см
Набор для варенья
Хохломская травка превратилась в кудрявые веточки с фигурными листьями и гроздьями ягод, обрамляющих птиц. Черно-красная гамма дополнена зеленым и коричневым, и лишь сочетание черного фона с золотом картушей напоминает традиционную Хохлому.
Диаметр - 18 см
Набор для меда
Способность решать колористические задачи помогает художникам творить каждый раз по-иному. Роспись набора для меда в хохломском стиле, например, построена на контрасте черно-зеленого цвета с оранжево-золотистым, на темно-коричневом фоне: золотистые веточки и фантастические птицы словно освещены солнцем, а желтая травка перекликается с оперением птиц и золотом растений.
Диаметр - 15 см
Миска большая
Деревянная посуда с хохломской окраской легко выдерживает горячее, не боится, по словам мастеров, ни жары, ни стужи, хорошо моется, может долго служить. По наряду она соперничает с золотой, а по дешевизне была доступна всем. Диаметр - 21-23 см
Миска средняя
Человека, впервые увидевшего, как производится хохломская роспись, всегда поражает изумительная техника, уверенность руки, свобода и особая грациозность всех движений художника. Кисть то сильно нажимает на блестящую поверхность изделия, то лишь прикасается к ней, и линия выходит то сочной и широкой, то чуть видимой, тончайшей. Из-под кончика кисти, словно сами собой, появляются листочки и цветы, гибкие веточки и круглые ягодки. Безошибочность и четкость движений особенно видна в изображении травки, из которой составляются кустики: то высокие - древко, то развесистые, пушистые, а то соединенные в единый побег. Диаметр - 15,5-16,5 см
Миска малая
Семеновские художники стремятся сделать предмет как можно более нарядным, доходя в росписи в хохломском стиле до ювелирной изощренности и миниатюрности рисунка. Вместо характерных приемов семинцев, когда узор строится мазками кисти, здесь преобладает графическое начало, то есть линия, контур, штрих. Заполняя силуэт рисунка каким-либо цветом, художники добавляют к ним тени и блики, что делает узор более выразительным, живым и объемным. Семинскую скромную травку здесь сменили пышные садовые растения с экзотическими цветами, плодами, ягодами и фантастическими птицами, с тончайше выписанными деталями, которые эффектно выделяются на черном или киноварно-красном фоне. Диаметр - 12,5-13,5 см
Кружка малая
Жизнь деревянной чашки, самого старинного по форме изделия, начиналась у токаря. Чашка такой безукоризненной формы, с такими ровными стенками, что хочется погладить ее, подержать в руке, полюбоваться первозданной красотой естественного дерева. Закончив обработку одного кряжа, токарь вставляет другой, и работа продолжается. За день опытный мастер мог выточить до сотни чашек. А в Хохлому в эпоху расцвета точения посуды свозили до миллиона штук изделий ежегодно.
Кружка
Вот обеденная чашка в хохломском стиле. В украшении ее та же черно-красная травка и золотистый фон, но как по-новому выполнен орнамент! На дне мастер поместил розетку с золотыми листьями на черном фоне, а вокруг - гибкие стебли травки с ягодками и цветами, сквозь которые мерцает золотисто-солнечный фон.Высота - 11 см
Кружка Бочонок
Традиционный орнамент из вьющихся трав и цветов, празднично нарядный колорит росписи, построенный на сочетании огненно - алой киновару, черного цвета и сверкающего золота, придают хохломским изделиям подлинную драгоценность.Глядя на эту кружку, сразу оказываешься в сказках Пушкина - Я там был, мед - пиво пил! Вы переноситесь в атмосферу тех шумных русских застолий, где вино, медовуха, и пиво льются рекой. Высота - 13,5 см
Сахарница
Таким образом, в каждом из хохломских стилей росписей можно заметить общие черты: обязательное присутствие растений, символизировавших природу умение при ограниченной цветовой гамме создать впечатление многоцветья и любовь к контрастным сочетаниям. Эти общие черты, характерные еще для иконописного мастерства, связаны с древнерусской культурой.Диаметр - 12 см
Креманка
Старинное хохломское искусство переживает в настоящее время новый расцвет. Сверкающая золотом, пламенеющая киноварным узором посуда и мебель пользуются всемирной известностью. Произведения Хохломы украшают выставки прикладного искусства, направляются во все страны света. Они живут и в быту современных людей, привнося в дом радость и красоту.Высота - 15 см
Фужер
В росписях хохломской посуды нет жанровых сцен, свое искусство художники направили на исполнение растительного орнамента. Тонкие волнистые стебли с листьями, ягодками и цветами обегают стенки фужера, укладываются на его донышко, придавая предмету неповторимо нарядный облик. На одной чаше стебли и цветы вытягиваются вверх, на других завиваются или бегут по кругу, но никогда не повторяются.Высота - 16 см, диаметр - 6 см
Рюмка малая
Выбор элементов орнамента определялся назначением предмета: массовое изделие украшали быстрее и проще, праздничное - более затейливо и пышно. Однако и самым простым, лаконичным узором мастер умел придать вещи своеобразную красоту. Вот перед нами хохломская рюмка. Орнамент предельно строг, однако мастер сумел придать простой чашке суровую и строгую красоту. При такой росписи много места оставляли золотому цвету, который в сочетании с киноварной отделкой создавал большую красочную силу. Стиль этот родился в процессе массовой выделки изделий, при бесконечных повторах узора, когда нужно было в кратчайшие сроки окрасить большое количество посуды.Высота - 8 см
Тарелка - Панно
В тарелке все внимание художника направлено на внутреннюю поверхность. Пушистые кустики травки, как бы брошенные на блюдо, вьются по бокам, каждый в своем неповторимом движении. В пору своего расцвета, в XVIII- первой половине XIX века, посуда с хохломской окраской изготавливалась в миллионах штук, расходилась по всей стране, вывозилась в страны Запада и Востока.Диаметр - 22 см
Тарелка – Панно 2
Перед нами небольшое хохломское блюдо. На дне его на темном фоне свернулась в колечко золотая веточка, а вокруг свободно раскинулась черно-красная травка. Колышутся, как от ветра, ее волнистые стебельки, а сквозь ажурный рисунок мерцает золотистый блеск фона.Диаметр - 15 см
Набор для специй малый
Золотая хохлома - яркое, самобытное явление русского народного декоративного искусства. Этот традиционный художественный промысел имеет более чем трехсотлетнюю историю. Он возник в XVII столетии в Нижегородском Заволжье вблизи торгового села Хохлома, от которого и получил свое название. Лесной край издавна славился замечательными токарями и резчиками по дереву, а здешние мастера росписи изобрели оригинальный способ окраски деревянных изделий, имитирующий золочение. Диаметр - 12 см
Набор для специй большой
Посмотрите на эту хохломскую роспись. Умела художница выявить все возможности темного, как ночь, фона росписи: он у нее таинственно мерцал, придавая сказочность изображенным мотивам. Стелются по тулову небольшого поставца растения, красивые птицы разгуливают по саду, клюют золотые яблоки, а их желто-оранжевое оперение словно соткано из языков пламени. Мягко стелется зеленая травка, сверкают золотые листья. Всего из четырех красок - золотой, черной, зеленой и красно-оранжевой - создается богатство цвета, удивительная гармоничность сочетания. Диаметр - 19 см
Набор для вина
Еще больше новых элементов в мотив и колорит орнамента внес мастер при хохломской росписи набора для вина. Выполненная на темном фоне живопись ярко выявила как бы написанные с натуры растения. Здесь и древко с гибкими веточками, и укрывшиеся в зелени птицы, и свешивающиеся гроздья спелых ягод черной и красной смородины. Диаметр - 16 см
Фруктовница
Происхождение хохломских приемов окраски деревянной посуды в золотистый цвет без применения золота остается сегодня загадкой даже для специалистов. В своей основе такая окраска была известна еще иконописцам Древней Руси, которые дорогое золото умели заменить серебром: будучи затем покрыта олифой, посеребренная поверхность после прогрева в печи приобретала красивый золотистый блеск.Диаметр - 21 см
Салфетница
Живописцы Олонецкого монастыря постепенно создали свой, так называемый поморский стиль. Стиль этот и техника его украшений близки к бытовой росписи олонецкого типа: та же любовь к цветному фону, та же приверженность к цветочному орнаменту, к кудрявым завиткам из перистых листьев, к тонкой, извивающейся, стелющейся по поверхности травке. Киноварно-красные ягоды и плоды оттеняли черный контур растений, рельефно выступавших на солнечно-золотистом фоне... В нашем магазине вы найдете все виды холомских изделий.Высота - 15 см
Боченок
Перед нами хохломской бочонок - сосуд для хранения запасов. На золотистом фоне легкими движениями кисти нанесена травка, в соответствии с формой предмета она тянется вверх, ритмично чередуясь по цвету: черная - красная, черная - красная... В том же порядке следуют друг за другом листики-мазки, окаймляющие центральное поле росписи. Огненно-красная киноварь придает теплоту мягко светящемуся фону, а черный цвет подчеркивает его блеск.Диаметр - 12 см, высота - 15 см
Подсвечник большой
В Хохломе очень нарядно расписывали праздничную посуду: блюда, солоницы, кружки, поставцы и подсвечники, в том числе. В этой росписи как раз и достигла своего совершенства знаменитая хохломская травка, создававшая вместе с золотым цветом славу этим изделиям: распушился и разветвился каждый стебелек, расцвел цветочками, повисли на веточках красные ягодки. Высота - 18 см
Подсвечник малый
. Наиболее ранние хохломские изделия отличает не только простота узоров, но и умение сочетать их с формой предмета: ромб или розетка подчеркивали центр подсвечника, мазки вокруг края - пластичность его изгиба. Розетка порой напоминала завиток резьбы или же лучистое солнышко. Высота - 9 см
Солонка
Травкой в хохломской росписи называется исполненный гибкими подвижными мазками орнамент из волнистых тонких стебельков, объединенных в ритмический узор, похожий на колеблемые ветром травы. Прихотливо изгибаясь, эти травинки то растут мелкими кустиками, то, соединяясь с вертикальным стеблем, образуют древко - дерево жизни, древнейший элемент народного орнамента: по преданиям, именно от такого дерева началась на земле вся жизнь.Диаметр - 5,5 см
Кувшин
Современный хохломской орнамент разнообразен: это и традиционные типы - травка, древко, под листок, и новые узоры с ягодами смородины, малины или земляники, гроздьями рябины, порхающими птицами, и любимая в Семенове кудрина - орнамент из золотых завитков, образующих сказочные причудливые цветы и кудрявые листочки. Прихотливо изгибаясь, золотые ветки ложатся на красный фон чашек, братин, ковшей, подобно драгоценному ажурному кружеву.Высота - 21 см
Подсвечник высокий
Холомской мастер в своей работе умел добиться удивительного художественного совершенства. Цветовая гамма состоит из обычного для Хохломы сочетания золота с красным и черным цветом. Однако с каким пониманием декоративности решает мастер задачу убора подсвечника! Золотая окраска шейки и горла подчеркивает глубину фона, поэтому розетки и овальчики кажутся легкими и словно летят друг за другом, выявляя мягкую округлость формы. Предельно простым орнаментом и ограниченной цветовой гаммой художник придает сосуду величавую красоту. Высота - 28 см
Орешница
Гибкий тонкий стебелек с окружающими его кустиками травки присутствовал в росписи всей праздничной хохломской посуды, однако рисунок его точно никогда не повторялся. Исполненные легким мазком кисти травинки то соединялись в раскидистую веточку, то образовывали кустик или же свободно разбегались по деревянной поверхности изделия. Каждый элемент орнамента располагается в соответствии с формой сосуда. Высота - 28 см
Сахарница 2
. Как и когда сложился этот орнамент - еще один неизменный вопрос, интересующий исследователей искусства Хохломы. Ответить на него не просто, потому что изделия с хохломской росписью, изготовленные ранее 40-х годов прошлого века, не сохранились. Однако орнамент на изделиях второй половины столетия предстает в таком совершенном виде, что напрашивается вывод: история его уходит в глубь веков.Диаметр - 16 см
Сахарница с ложкой
Традиции хохломского орнамента сложились на основе древнерусской культуры, проникавшей в народное искусство с украшениями рукописных книг и икон. К искусству росписи по дереву ближе всего относится иконопись. Диаметр - 12 см
Горшочек для соли
Волнообразный побег из растений окаймляет борт хохломского горшочка. Традиционные цвета здесь дополнены коричневым, желтым и зеленым, что придает росписи большую нарядность и праздничность. Однотонная темно-зеленая роспись каймы удачно выделяет ярко-красные гроздья рябины на темном фоне.Диаметр - 8,5 см
Набор для икры
Удивительно хороша и оригинальна живопись небольших, стройных предметов холомского набора для вина. На округлое тулово ее словно брошен букет ландышей; тонкие стебельки цветов и зубчатые листики, распластавшись по поверхности изделия, охватили его кругом, оттеняя плавные линии формы. Диаметр - 23 см
Ваза
Порой стебельки закручиваются в спиральки и, окаймляя хохломскую вазочку, бегут по его окружности, чередуясь по цвету: черный - красный, красный - черный. Веточки, травинки, листочки то тянутся вверх, то завиваются в Кудрину, то изгибаются вместе с формой предмета.Высота - 17,5 см
Сухарница
Как и в других областях народного творчества, в создании хохломской окраски участвовало не одно поколение мастеров. Каждое из них вносило свою лепту в совершенствование этого неповторимого искусства. Вместе с тем среди народных умельцев не было равных: во все времена появлялись таланты, вносившие в общее творчество свои индивидуальные черты.Длина - 34 см
Ложка
Манера письма хохломских семеновских художников восхищает тонкостью, изяществом прорисовки орнаментальных форм. Узоры никогда не повторяются в точности, существуя во множестве вариантов, отражая неистощимую фантазию мастеров и индивидуальность каждого из них.
Половник
Отработанное временем мастерство было у ковшечника и ложкаря. Вырезая ковш, мастер в куске дерева заранее видел будущий образ изделия, и под его искусным резцом естественные изгибы и сучки становились то птицей с лебединой шеей, то горделиво выгнутой головой коня, а то вдруг закручивались петлей, напоминая неведомое существо, готовое то ли уплыть, то ли взлететь... У нас вы найдете любые виды деревянных изделий. Длина - 29 см
Бочонок               Кружка
Ковш Петухи              Коробка
Поставок
Розетка
Стакан для яйца         Набор


title: Скачать презентацию или конспект Российские актеры

extracted_text:
Безруков Сергей
Родился Сергей Безруков 18 октября 1973 года в городе Москва. Его отец, актер театра Сатиры, Виталий Безруков. В 1990 году Сергей заканчивает школу, и поступает в школу при МХАТ на факультет "актер театра и кино". Закончив МХАТ в 1994 году, выступает в театре Табакерка под руководством известного Олега Табакова. Сергей Безруков заслуженный артист России, удостоен государственной премии за роль Есенина в спектакле Жизнь моя, иль ты приснилась мне?". Сергей снимается в кино аж с 1994 года. Особую известность Безрукову принесла роль Саши Белого в сериале Бригада, который был снят в 2001 год. Женат на актрисе Ирине Безруковой.
Дмитрий Дюжев
Родился Дмитрий Дюжев 9 июля 1978 в Астрахане. Дюжев в 1995 году заканчивает школу одарённых детей и в этом же году поступает в ГИТИС на факультет режиссура. В 1999 году Дмитрий заканчивает вуз и вскоре становится артистом МТЮЗ. Первый дебют в кино – 2000 год, тогда он снялся в фильме 24 часа. Значительную популярность у всех зрителей получил после выхода фильма Бригада, в котором он сиграл роль Космоса. После сериала Бригада Дмитрия Дюжева все чаще стали приглашать сниматься в кино. Ему давали разные роли с которыми он блестяще справлялся, подчеркивая свой талант.
Владимир Вдовиченков
Родился Владимир Вдовиченков 13 августа 1971 года. Его родина Калининградская область, город Гусев. Владимир закончил Кронштадтскую мореходную школу и отслужил моряком на Балтийском море. После службы возратившись домой, он понял что должен сниматься в кино. И когда ему было 25 лет он уезжает в Москву поступать во ВГИК. Вдовиченков во время учебы снимается в рекламных роликах, музыкальных клипах и в маленьких эпизодах в фильмах. Первая и главная роль для артиста – роль Фила в сериала Бригада. Эта роль принесла актеру всеобщую известность.
Павел Майков
Родился Павел Майков 15 октября 1975 года. Павел Майков - праправнук поэта Аполлона Майкова. Закончив среднюю школу в 1992 году, Майков поступил в ГИТИС – это было в 1994 году на факультет "актер драматического театра". Закончив ГИТИС являлся актером театра Сфера. В Сфере он проработал с 1998 по 1999 год. Сейчас Майков работает в антрепризных спектаклях театра Квартет, а с 2008 года основав группу “7 процентов” занимается еще и музыкальной карьерой.


title: Скачать презентацию или конспект Северное Возрождение

extracted_text:
Северное Возрождение
Германия
А.Дюрер. Снятие с креста. Около 1500. Старая пинакотека. Мюнхен
А.Дюрер. Большой кусок дерна. Рисунок. 1503. Альбертина. Вена
А.Дюрер. Поклонение волхвов. 1504. Галерея Уффици. Флоренция
А.Дюрер. Адам и Ева. 1507. Прадо. Мадрид
А.Дюрер. Святая Анна, Дева Мария и Младенец. 1519. Метрополитен-музей. Нью-Йорк
Нидерланды
Питер Брейгель Старший (Мужицкий). Крестьянка. 1564. Старая пинакотека. Мюнхен
Питер Брейгель Старший (Мужицкий). Крестьянский танец. 1567. Музей истории искусств. Вена
Питер Брейгель Старший (Мужицкий). Возвращение стад. 1565. Музей истории искусств. Вена
Питер Брейгель Старший (Мужицкий). Сенокос. 1565. Народная галерея. Прага
Питер Брейгель Старший (Мужицкий). Жатва. 1565. Метрополитен-музей. Нью-Йорк
Питер Брейгель Старший (Мужицкий). Хмурый день. 1565. Музей истории искусств. Вена
Франция
Жюль Лебретон. Замок Фонтенбло. Объемный план
Жюль Лебретон. Замок Фонтенбло. 1528-1540. Общий вид
Жюль Лебретон. Овальный двор. 1528. Замок Фонтенбло.
Жюль Лебретон. Главный корпус парадного двора Белой лошади. 1528. Замок Фонтенбло.
Жюль Лебретон. Галерея Франциска I. 1535-1540. Замок Фонтенбло.
Жюль Лебретон. Двор Дианы. 1535-1540. Замок Фонтенбло.
Томазо Франсини. Фонтан Дианы. 1603. Двор Дианы. Фонтенбло.
Жюль Лебретон. Двор Источника. 1535-1540. Замок Фонтенбло.
Россо Фьорентино. Изгнание Невежества. Фреска. 1535-1540. Галерея Франциска I. Фонтенбло.
Россо Фьорентино. Аллегория правления Франциска I (фрагмент). Фреска. 1535-1540. Галерея Франциска I. Фонтенбло.
Россо Фьорентино. Смерть Адониса. Фреска. 1535-1540. Галерея Франциска I. Фонтенбло.


title: Скачать презентацию или конспект Природа в музыке и живописи

extracted_text:
  Природа в музыке
                              и живописи
Природа в музыке и живописи
    Здесь мало увидеть,
     Здесь нужно всмотреться,Чтоб ясной любовьюНаполнилось сердцеЗдесь мало услышать,Здесь вслушаться нужно,Чтоб в душу созвучьяНахлынули дружно
                           Н. Рыленков

Осень
Зима
И. Прянишников «Порожняки»

А.Саврасов «Зима»
В. Поленов «Ранний снег»
Б. Кустодиев «Масленица»
Лето
Весна
Петр Ильич Чайковский (1840–1893)

Выдающийся русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель.
Времена года
Содержание

1. «Январь. У камелька.»
2 «Февраль. Масленица»
3 «Март. Песня жаворонка»
4 «Апрель. Подснежник»
5 «Май. Белые ночи»
6 «Июнь. Баркарола»
7 «Июль. Песнь косаря»
8 «Август. Жатва»
9 «Сентябрь. Охота»
10 «Октябрь. Осенняя песнь»
11 «Ноябрь. На тройке»
12 «Декабрь. Святки»
Июль «Песня косаря»
Все рожь кругом,
 как степь, живая, Ни замков, ни морей, ни гор. Спасибо, сторона родная, За твой врачующий простор.
 (А. Некрасов)
«Осенняя песенка»
Унылая пора! Очей очарованье!Приятна мне твоя прощальная краса —Люблю я пышное природы увяданье,В багрец и в золото одетые леса,
(А. Пушкин)
Декабрь «Святки»

"Раз в крещенский вечерок
Девушки гадали:
За ворота башмачок,
Сняв с ноги, бросали»
В.А. Жуковский
Февраль «Масленица»
"Скоро масленицы бойкойЗакипит широкий пир.»
П.А. Вяземский
Март
   "Поле зыблется цветами,
    В небе льются света волны.Вешних жаворонков пеньяГолубые бездны полны"

(А. Н. Майков)


title: Скачать презентацию или конспект Искусство и дизайн в русском конструктивизме

extracted_text:
 Искусство и дизайн в русском конструктивизме
Выполнила студентка группы 8д00 Нефедова А.А.
Томск, 2013
Введение
КОНСТРУКТИВИЗМ — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — нач. 1930 годов.
ХАРАКТЕРИЗУЕТСЯ строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика.
Как же возникло это принципиально новое направление?
В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить… производству.
А в 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов — ОСА.
Развитие конструктивизма
Важной вехой в развитии конструктивизма стала деятельность талантливых архитекторов — братьев Леонида, Виктора и Александра Весниных.
Журнал — «Современная архитектура»(с 1926 года)
Сооружения
Одно из сооружений Ленинградского спорткомплекса «Динамо», (1925—1934), арх.О. Л. Лялин и Я. О. Свирский
Жилой дом, Ленинград, Невский пр.146, (1935), арх. И. А. Вакс
Сооружения
Харьковский Госпром
Дом правительства в Минске
Сооружения
Башня Татлина
Павильон первой всемирной выставки - Хрустальный Дворец
Башня Татлина
 КОНСТРУКТИВИЗМВ СОВЕТСКОМ ПЛАКАТЕ
Отечественный плакат в начале 1920-х годов стремительно обрел оригинальный облик, выделивший его среди плакатного искусства западноевропейских стран. Композиционные эксперименты с блоками текста, шрифтами, цветом, геометрическими фигурами и фотографическими изображениями подвели художников к созданию плаката новой «конструкции». Он не только информировал, просвещал и агитировал, но и «революционно перестраивал» сознание граждан художественными средствами, свободными от излишеств традиционной описательности и иллюстративности. Язык такого плаката был сродни языку архитектурных и книжных экспериментов, литературных и театральных новаций, кинематографического монтажа тех лет.
 КОНСТРУКТИВИЗМВ СОВЕТСКОМ ПЛАКАТЕ
Сооружения
Сооружения
Конструктивизм под запретом
В начале 1930-х годов в значительной степени изменилась политическая ситуация в стране, а, следовательно, и в искусстве. Новаторские и авангардные течения сначала подвергались резкой критике, а потом и вовсе оказались под запретом, как буржуазные. Как написал конструктивист М.Гинзбург, каждой эпохе соответствует свой стиль искусства.
Список использованной литературы
1. http://www.bibliotekar.ru/slovar-impr2/163.htm
2. http://magic-design.at.ua/publ/konstruktivizm/1-1-0-11
3.http://www.zdanija.ru/TermsK7/p2_articleid/1715
Спасибо за ваше внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Русские женщины в живописи

extracted_text:
 «Правдивы» ли русские художники в своих картинах?
(На примере женских образов)
			Выполнила:  	Иванова Ирина
					ученица 6 класса
					МОУ «СОШ №5»
					г. Калачинска
Цель:
Выяснить, насколько приближен художник к реальной действительности, изображая русских женщин на своих картинах.
Ход работы
Посетить музей, для того чтобы узнать историю женского русского народного костюма.
Сопоставить женские образы, изображенные на картинах русских художников, с исторической действительностью.
Сделать выводы.
Мои размышления
Посетив музей истории
	искусств, я узнала, что о древней русской одежде приходится судить по материалам археологии, фракам, миниатюрам, иконам, предметам прикладного искусства. Имеются упоминания об одежде в письменных источниках-летописях, так называемых Житиях, т.е. небольших жанровых сценах, изображающих отдельные моменты из жизни святых, а также разного рода актах.
Мои размышления
А из исторической литературы
я узнала, что основой женского русского
народного костюма X-XVI вв. является
рубаха, доходившая до ступней, а также
сарафан – безрукавная одежда, с проймами
для рук.
В XVIII в. дворянские жены и дочери
сменили старинный русский костюм на
французские и немецкие туалеты с глубоким
декольте. Только крестьянские женщины продолжали
носить традиционный русский костюм.

Ошибки художников
На картине А.Венецианова «Жатва», женщина изображена в красном сарафане, а у крестьян «красный» - «красивый», т.е. праздничный.
А.Венецианов. Жатва. Лето.
1827г.
Как вы думаете, пошла бы женщина в своем единственном праздничном костюме на поле?
Ошибки художников

И.П. Аргунов. Портрет неизвестной в русском костюме 1784г.

На картине художника И.П.Аргунова я заметила неточность: рубаха женщины с открытым верхом, а крестьянки носили закрытую нательную одежду. Хотя, с другой стороны, эта женщина может быть не из крестьянства.

Ошибки художников
 На картине Венецианова «Весна. На пашне» женщина одета в праздничный народный костюм – сарафан-летник и кокошник. Ее костюм не похож на подлинное одеяние крестьян. Это, скорее, одежда городской кормилицы.

А Венецианов. Весна. На пашне. 1827г.
Когда же художник прав?
Проанализировав эту картину, мы можем сказать, что на церемонии присутствуют только замужние женщины. На это указывают кокошники женщин и платки старух. Костюм невесты – сарафан, душегрея, повязка незамужней на голове, а поверх платок.
М. Шибанов. Брачный договор. 1777г.
Художник прав
Молодые незамужние женщины с лентой на голове в  ярком красном сарафане – праздничной  одежде. Женщины постарше – в головных уборах, сарафанах и душегреях, что соответствует историческим сведениям.

А.Корзухин
Девичник.  1889г.
Выводы
Если подходить с точки зрения истории русского народного костюма, то на картинах русских художников А.Венецианова, И.П.Аргунова есть неточности.
Но я думаю, что А.Венецианов, в фигурах крестьянок, видит символ  пробуждающейся природы, плодородия, символ жизни.


title: Скачать презентацию или конспект Древнерусское искусство 13 в.

extracted_text:
Древнерусское искусство XIII века
ДВУСТОРОННЯЯ ИКОНА БОГОМАТЕРЬ ЗНАМЕНИЕ Музей-квартира П.Д. Корина
Оборот иконы «Богоматерь Знамение»Мученица

Святитель Николай ЧудотворецИкона из Духова монастыря в НовгородеГРМ
Илья Пророк, с житиемИкона из погоста Выбуты близ ПсковаГТГ
Богоматерь ПечерскаяИкона из Свенского монастыря середина XIII в.ГТГ

БОГОМАТЕРЬ НА ПРЕСТОЛЕ («Толгская  большая»)ИКОНА ИЗ ТОЛГСКОГО МОНАСТЫРЯ БЛИЗ ЯРОСЛАВЛЯ ГТГ
Богоматерь Толгская(«Малая»)из Толгского монастыря в ЯрославлеЯрославский  музей
СОБОР  АРХАНГЕЛОВ МИХАИЛА И ГАВРИИЛАиз собора Михаило-Архангельского монастыряв Великом УстюгеГРМ
АРХАНГЕЛ  МИХАИЛ икона из церкви Архангела Михаила в ЯрославлеГТГ
СПАС НЕРУКОТВОРНЫЙ икона из Введенской церкви в РостовеГТГ
СВЯТИТЕЛЬ НИКОЛАЙ ЧУДОТВОРЕЦ 1294 г.Мастер Алекса ПетровНовгородский музей
ИОАНН ЛЕСТВИЧНИК, ГЕОРГИЙ И ВЛАСИЙ Конец XIII в. ГРМ
СПАС НА ПРЕСТОЛЕКонец XIII в.ГТГ
БОГОМАТЕРЬ МАКСИМОВСКАЯ1299 – 1305 гг.Владимиро-Суздальский музей
АРХИТЕКТУРА НОВГОРОДА КОНЦА XIII – XV ВЕКОВ
Церковь Успения на Волотовом поле1352 г.


title: Скачать презентацию или конспект Античная расписная керамика

extracted_text:
АНТИЧНАЯ РОСПИСНАЯ КЕРАМИКА
Маленькая страна, занимающая южную часть Балканского полуострова, страна высоких гор, зеленых долин, с трех сторон окруженная морем. В этой стране издревле жил высокоодаренный народ, создавший богатую и разностороннюю культуру.
ГРЕЦИЯ
Великолепные предметы искусства, созданные античными греками, до сих пор восхищают нас величием пропорций, красотой форм.
В  ПОДЛИННОЙ КУЛЬТУРЕ НИЧЕГО НЕ УМИРАЕТ…
Сегодня мы разобьем на уроке стихотворение  Валерия Брюсова на эпиграфы и узнаем  что  мы  можем перенять у этого народа. Познакомимся с греческой вазописью и попробуем повторить её мотивы в своих рисунках.
… Что ты хотя б на миг, Все тайны вечности постиг.
Яркий солнечный день. Гончарная мастерская. У одноэтажного каменного здания кипит работа. Во дворе в небольшом углублении в земле месят ногами глину рабы. Здесь и женщины и дети. Рядом в помещении с открытыми окнами работает мастер . Все идеально в его руках. Глина послушна и податлива. В соседнем помещении другие мастера совместно с художниками расписывают уже обожженные, желтовато-красные вазы. В окне видно, как рабы, покрывшись потом, занимаются обжигом.
И все начинается снова.
В Древней Греции наиболее интересным видом искусства было гончарное искусство и его декор. Главный материал – это глина, которого было в изобилии. Хорошего качества бурую и красную глину добывали в 12 км. от Афин со дна реки Кефис.
От грозных и огромных пифов До тонких, выточенных скифов, Амфоры, лекифы, фиалы, Арибалы  и самый малый Каликий,  все – живое чудо: В чертах разбитого сосуда,
Сосуды изготовляли на гончарном круге и использовали для различных хозяйственных нужд.
Они были большими и маленькими, изящными и  легкими.
Но самое главное очень разными по форме. И имели свое название.
   Что мы выяснили?
В чертах разбитого сосуда, Загадку смерти разреша, Таится некая душа!
Греческая керамика – настоящее воплощение той страсти к красоте, что была присуща древним грекам. Форма и роспись ваз, восхищают и  сегодня посетителей крупнейших музеев мира. В зависимости от времени создания, исторической культуры и стиля, древнегреческая вазопись подразделяется на несколько периодов.
В IX – VIII вв. до н. э.  В вазописи складывается геометрический стиль, единственным украшением которого был линейно-геометрический орнамент из узоров-знаков в виде квадратов, треугольников и окружностей.
ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ СТИЛЬ
И завершенность линий их Звучит, как полнопевный стих.
Появляется излюбленный греческий орнамент – меандр – узор в виде непрерывной изломанной под прямым углом линии. Есть предание, что давным-давно в Греции люди увидели с высокого холма русло реки. Оно извивалось, и было похоже на петлю. Так возник знаменитый греческий орнамент меандр, а затем и волнообразный орнамент. Геометрический орнамент располагался горизонтальными полосками.
В VII в. до н. э в Коринфе возникает особый стиль вазописи. Роспись заполняет весь сосуд, покрывая его ковром. Поверхность пухлого по форме кувшина - разделена на фризы - полосы с мерно выступающими на них животными. На вазах особенно часто изображаются пасущиеся или спокойно идущие друг за другом звери, птицы, порой реальные, но нередко и фантастические - сфинксы, сирены с красивыми динамичными линиями упругих контуров.
КОВРОВЫЙ  СТИЛЬ
Геометрические узоры уступают место растительным мотивам. Широко применяются пальметты, стилизованные цветы и бутоны лотоса, образуя пояса и кольца.
Во второй половине VI в. до н. э. первенство в керамике перешло к Афинам. Афинская керамика преобладала на античном рынке более 200 лет. Первым стилем афинской вазописи стал чернофигурный стиль. Это светлый (красный) фон и черные изображения.
ЧЕРНОФИГУРНЫЙ  СТИЛЬ
На сырой сосуд краской наносили рисунок. Линии, которые должны были остаться красными, процарапывали стилом. Затем сосуд закладывали в печь и в определенный момент закрывали в печи все отверстия, и сосуд становился черным. После этого температуру в печи понижали, отверстия открывали. Покрашенные места оставались черными, а неокрашенные – красными.
На чернофигурных сосудах расписывалась не вся поверхность, а лишь выделенные поля. Вся поверхность сосуда заливалась блестящим, зеркальным лаком.
Около 530 века до н. э. Афинские мастера создали более совершенный краснофигурный стиль росписи керамики, который постепенно стал вытеснять чернофигурную роспись. На черном фоне покрытого лаком сосуда эффектно выделялись неокрашенные светлые фигуры цвета глины. Детали уже не процарапывали,а прорисовывали тонкой черной линией. Эта техника позволяла более свободно изображать фигуры людей и животных.
КРАСНОФИГУРНЫЙ  СТИЛЬ
Что в древнегреческой  вазописи существовали разные стили росписи сосудов.
   Что мы узнали?
…И каждая ваза - с рисунком – рассказом.
СЮЖЕТЫ  ДРЕВНЕГРЕЧЕСКИХ  ВАЗ
   Что мы выяснили?
Что изображали древнегреческие художники на своих сосудах?
…Герой в колеснице летит на войну. Плывут аргонавты в чужую страну. Персей убивает Медузу Горгону. Афина Паллада диктует законы. Сражается с Гектором грозный Ахилл (и Гектор, как видно, лишается сил)… А вот Артемида, богиня охоты, из меткого лука стреляет в кого-то. А это на лире играет Орфей. А это вручают спортивный трофей. А вот – Одиссей, подающий советы. А это – кентавры… А это… А это…


title: Скачать презентацию или конспект Тобольск как культурный центр Западной Сибири

extracted_text:
Тобольск как культурный центр Западной Сибири.
Тобольск
ВXVI-XIX вв. считался столицей Сибири – огромной территорией от Урала до Тихого океана. Население 112,8 тыс. человек.
Основан в 1587 году. По преданию, Тобольск основан в праздник Св. Троицы. Первой городской постройкой стала Троицкая церковь.

Уже с 1590 года Тобольск становится центром русской колонизации Сибири – «столицей Сибири».
В 1810 году основана Тобольская мужская гимназия, ставшая одной из первых в России.
Тобольский драмтеатр
Известия о первых театральных постановках в городе датируются 1705 годом.
Построенное в 1899 году здание Тобольского драмтеатра считалось архитектурным шедевром как единственное деревянное здание театра в СССР.
Достопримечательности Тобольска
Знаменский монастырь – первый в Сибири православный монастырь
Тобольский государственный музей-заповедник
Тобольская резная кость
Образование и наука
Тобольская духовная семинария – крупнейший духовный образовательный центр от Урала до Дальнего Востока. Место массового паломничества православных.
Тобольский индустриальный институт Тюменского государственного нефтегазового университета. Основан в 1989 году.
Тобольский государственный педагогический институт им. Д.И. Менделеева.


title: Скачать презентацию или конспект Общее понятие о композиции

extracted_text:
Композиция и пространственное моделирование
© КАФЕДРА ГРАДОСТРОИТЕЛЬСТВА ИАиД_________________________________________________2014
ЛЕКЦИЯ 1.
ОБЩЕЕ ПОНЯТИЕ О КОМПОЗИЦИИ

СТРУКТУРА ЛЕКЦИИ

Определение
Основной закон композиции
Основные виды композиции
Основные свойства объемно-пространственных форм:
	- Геометрический вид формы;
	- Положение формы в пространстве;
	-Величина;
	- Массивность;
	- Фактура;
	- Светотень;
	- Цвет;
5.	Закономерности зрительного восприятия
	- Восприятие;
	- Приемы выявления композиции;
	- Закономерность восприятия

ОПРЕДЕЛЕНИЕ
КОМПОЗИЦИЯ

- Важнейший фактор художественной выразительности

Композиция — это построение целостного произведения, все элементы которого находятся во взаимном и гармоничном единстве.

Композиция – это целостная художественно выразительная система форм, отвечающая функциональным, конструктивным, социальным и психологическим требованиям.

Композиция — это творчество, созидание.

В центре внимания композиции факторы, связанные с природой человеческого зрения и психологией восприятия объектов.

ОСНОВНОЙ ЗАКОН КОМПОЗИЦИИ
ЕДИНСТВО И ЦЕЛОСТНОСТЬ – основа композиции

Целостность композиции и единство ее элементов проявляются в таком качестве как ГАРМОНИЯ.

Единство и целостность рассматриваются в качестве основного закона композиции.

Структурное единство формы проявляется в ее равновесии.

Геометрическая форма: простая (не расчлененная на отдельные элементы – шар, куб, конус и тд) и сложная.

При сложной геометрической форме путь к решению композиционного единства лежит через соподчинение, т.е. установление единства и целостности через нахождение связей  между главными и второстепенными частями и элементами.

Иерархия составляющих композиционных элементов – ведущих, подчиненных, сопутствующих, характеризующих динамическое равновесие

ОСНОВНЫЕ  ВИДЫ КОМПОЗИЦИИ
ОСНОВНЫЕ ВИДЫ КОМОЗИЦИИ:

ФРОНТАЛЬНАЯ КОМПОЗИЦИЯ, в которой элементы и части композиции располагаются по отношению к зрителям по двум фронтальным координатам, т. е. по ширине и высоте. Расположение по глубинной координате имеет подчиненное значение

ОБЪЕМНАЯ КОМПОЗИЦИЯ содержит элементы, развитые по всем трем координатам (ширине, высоте и глубине). Она рассчитана на восприятие со всех точек зрения. В такой композиции наиболее выражена трехмерность (объемность) как особое качество композиции

ГЛУБИННО-ПРОСТРАНСТВЕННАЯ КОМПОЗИЦИЯ, основным признаком является наличие пространства, протяженного по ширине и глубине, при преобладании глубинных координат, являющихся главным, определяющим элементом композиции

ОСНОВНЫЕ СВОЙСТВА ОБЪЕМНО-ПРОСТРАНСТВЕННЫХ ФОРМ
ОСНОВНЫЕ (СУБЬЕКТИВНЫЕ)
свойства объемно-пространственных форм:

Геометрический вид
Положение в пространстве
Величина
Масса

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ
свойства объемно-пространственных форм:

Фактура
Свет
цвет

ОСНОВНЫЕ СВОЙСТВА ОБЪЕМНО-ПРОСТРАНСТВЕННЫХ ФОРМ
ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ ВИД:  свойство формы, определяемое соотношением ее размеров по трем координатам пространства, а также характером (конфигурацией) поверхности формы.

Стереометрический характер очертания (конфигурация)поверхности формы:
1 группа – формы ,
образованные параллельно-перпендикулярными
плоскостями, куб и параллелепипед

2 группа - формы, образованные плоскостями и
имеющие неперпендикулярные грани,
пирамиды, призмы, многогранники

3 группа – тела вращения и формы, образованные
криволинейными поверхностями, - шар, цилиндр,
конус, формы с параболическими и
Гиперболическими поверхностями и т.д.

4 группа - бесчисленное количество сложных
стереометрических фигур, имеющих прямолинейные
и криволинейные поверхности

1
2
3
4
ОСНОВНЫЕ СВОЙСТВА ОБЪЕМНО-ПРОСТРАНСТВЕННЫХ ФОРМ

- В зависимости от преобладания одного из трех основных измерений выделяются три вида формы:

Объемная форма характеризуется относительным равенством величин
по трем координатам. Наиболее типичные объемные формы куб,
шар, где все три измерения равны

Плоскостная форма характеризуется развитостью по двум координатам
при подчинении (малой) третьей. Наиболее типичное и придельное состояние плоскостной формы – квадрат, где измерения по двум сторонам равны, а по третьей предельно мало

Линейная форма  характеризуется преобладанием одного измерения над другими предельно малыми по величине

ОСНОВНЫЕ СВОЙСТВА ОБЪЕМНО-ПРОСТРАНСТВЕННЫХ ФОРМ
ПОЛОЖЕНИЕ ФОРМЫ В ПРОСТРАНСТВЕ:  это свойство определяется по отношению: к осям координат, к зрителю, к другим формам.

По отношению доминирующей оси форма:
Вертикальной,
горизонтальной,
все остальные положения
будут промежуточными

По ориентации наибольшей поверхности:
Фронтальное
Профильное
Горизонтальное

По отношению к зрителю или другим формам:
Горизонтально – ближе-дальше, слева-справа
Вертикально – выше-ниже

По отношению между собой:
на некотором расстоянии;
примыкать друг к другу;
врезаться друг в друга

ОСНОВНЫЕ СВОЙСТВА ОБЪЕМНО-ПРОСТРАНСТВЕННЫХ ФОРМ
ВЕЛЕЧИНА:  свойство протяженности формы и ее элементов по трем координатам. На основе соотношений по высоте, ширине, глубине возникают пропорции как гармонические взаимоотношения друг с другом и целым. Величина формы оценивается по отношению к размерам человека или других форм или как соотношение величин элементов одной и той же формы

МАССИВНОСТЬ – свойство объемно пространственных форм имеет ряд особенностей:
с изменением формы по величине, при прочих равных условиях, изменяется масса

массивность формы изменяется в зависимости от степени объемности, плоскостности или линейности ее (от распределения массы по осям)

массивность зависит от плотности заполнения формы материалом

на массивность форм влияет материал, из которого она сделана, его цвет и фактура

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ СВОЙСТВА ОБЪЕМНО-ПРОСТРАНСТВЕННЫХ ФОРМ
ФАКТУРА:  свойство, характеризующее внешнее строение поверхности формы (шероховатая, гладкая и др.).  Является одним из средств художественной выразительности. Фактурность материала зависит от плотности и величины микроискажений поверхности.

СВЕТОТЕНЬ – Свет обеспечивает возможность восприятия зрителем объема, поверхности и пространства. Зависит от направления света и от силы источника света.

ЦВЕТ - свойство тел вызывать то или иное зрительное ощущение в соответствии со спектральным составом отражаемого или излучаемого ими света.
Цвет обладает такими основными характеристиками:
цветовой тон (различные оттенки цвета),
насыщенность и яркость (степень яркости цвета),
ряд цветов от хроматических до ахроматических,
светлота (отражающая способность цветовой поверхности).

ЗАКОНОМЕРНОСТИ ЗРИТЕЛЬНОГО ВОСПРИЯТИЯ
ЗАКОНОМЕРНОСТИ ВОСПРИЯТИЕ РАЗЛИЧНЫХ ГЕОМЕТРИЧЕСКИХ ФОРМ И ИХ ЭЛЕМЕНТОВ:

Стремление к симметрии

Стремление обнаружить систему,
свести наблюдаемую сложность к более простому порядку

Более простые формы воспринимаются легче

Предельное число одновременно
воспринимаемых человеком элементов около 7 ± 2

Разделения множества на упорядоченные группы

Местоположение объекта

Повторяемость

ЗАКЛЮЧЕНИЕ
В архитектурном и градостроительном проектировании разделяются три формы предмета:

функциональную, или утилитарную, определяемую назначением предмета или пространства;

Конструктивную, требующую знания физических, механических свойств материалов;

Эстетическую, отвечающую высокому художественному вкусу

Знание композиционных закономерностей рационализирует профессиональную деятельность градостроителя, повышая результативность.


title: Скачать презентацию или конспект Памятники истории и культуры Южного Урала

extracted_text:
Памятники истории и культуры Южного Урала
Д/З: Найти по 3 примера каждого типа памятников монументальной архитектуры (дополнительная оценка за презентацию)
Категории объектов культурного наследия:
Категории объектов культурного наследия:
Группы объектов культурного наследия:
Группы объектов культурного наследия:
Стоянка «Путиловская заимка» Пластовский район
Дом, в котором работал Блюхер
«Торговые ряды» в Троицке
«Тыл - фронту» в Магнитогорске
Памятник «1918 год. Красным партизанам на горе Извоз»
Памятный знак «Европа – Азия»
Памятники монументальной архитектуры:
Памятники монументальной архитектуры:
Памятник П.П. Аносову (Златоуст)
Колонна-памятник «Героям, павшим за революцию» (Касли)
«Тыл - фронту» в Магнитогорске
Памятник «Первым комсомольцам-строителям Магнитки»


title: Скачать презентацию или конспект Суд Соломона

extracted_text:
Ге «Суд царя Соломона».
Во времена учебы Николая Ге в Академии художеств многие студенты подражали Карлу Брюллову , и Николай тоже преклонялся перед его творчеством. Первые картины, созданные под влиянием любимого живописца, оказались великолепны. Не зря юношу в Академии называли самым «брюлловистым» из студентов. Ге подробно изучал творчество Брюллова и пользовался его рекомендациями.

 Полотно «Суд царя Соломона» написано в абсолютно брюлловском, ярком и красочном стиле. Классическая композиция, выразительные позы, характерные «говорящие» жесты – произведение выполнено по всем академическим канонам. Картина выполнена маслом.

В основу картины положена библейская притча:

 «Тогда пришли две женщины блудницы к царю и стали пред ним.
И сказала одна женщина: о, господин мой! я и эта женщина живем в одном доме; и я родила при ней в этом доме; на третий день после того, как я родила, родила и эта женщина; и были мы вместе, и в доме никого постороннего с нами не было; только мы две были в доме; и умер сын этой женщины ночью, ибо она заспала его; и встала она ночью, и взяла сына моего от меня, когда я, раба твоя, спала, и положила его к своей груди, а своего мертвого сына положила к моей груди; утром я встала, чтобы покормить сына моего, и вот, он был мертвый; а когда я всмотрелась в него утром, то это был не мой сын, которого я родила.

И сказала другая женщина: нет, мой сын живой, а твой сын мертвый. А та говорила ей: нет, твой сын мертвый, а мой живой. И говорили они так пред царем.
И сказал царь: эта говорит: мой сын живой, а твой сын мертвый; а та говорит: нет, твой сын мертвый, а мой сын живой.
И сказал царь: подайте мне меч. И принесли меч к царю.
И сказал царь: рассеките живое дитя надвое и отдайте половину одной и половину другой.
И отвечала та женщина, которой сын был живой, царю, ибо взволновалась вся внутренность ее от жалости к сыну своему: о, господин мой! отдайте ей этого ребенка живого и не умерщвляйте его. А другая говорила: пусть же не будет ни мне, ни тебе, рубите.
И отвечал царь и сказал: отдайте этой живое дитя, и не умерщвляйте его: она - его мать.
И услышал весь Израиль о суде, как рассудил царь; и стали бояться царя, ибо увидели, что мудрость Божия в нем, чтобы производить суд»

   Женщина с красной материей своим жестом будто говорит « Не убивай моего сына!». Другая же всем видом показывает равнодушие. Царь Соломон, в своём роскошном одеянии, внимательно смотрит на обеих женщин, держа в руке жезл власти. Около него стоит мужчина в доспехах, готовый исполнить любой указ царя.