extracted_text:
МУЗЕИ  МИРАавтор:Никитина Татьяна Геннадьевна, учитель химии и биологии МКОУ «СОШ им.П.П.Грицая ст.Солдатской» Прохладненского района КБР
1
Цели:
Подготовить учащихся к восприятию музея, музейной экспозиции, экспонатов
Пробудить интерес к музею как культурно-историческому центру;
Провести заочное путешествие в мир музеев;
Прикоснуться к прекрасному.

2
ИСТОРИЯ МУЗЕЕВ
В переводе с древнегреческого музей означает «храм муз». В честь девяти муз, прекрасных спутниц бога Аполлона, древние греки создавали «музеоны», в которых выставлялись прекрасные статуи, изящные произведения изобразительного и ювелирного искусства.
В музеях проводили диспуты учёные, состязались философы, поэты, певцы, музыканты
3

СОВРЕМЕННЫЕ МУЗЕИ
В наше время музеи – это культурно-
историческе центры, в которых собрано
всё ценное, что создано человечеством за
его многовековую историю: рукописи,
письма, дневники, награды, предметы
быта выдающихся людей, изделия
талантливых мастеров (украшения,
посуда, игрушки, музыкальные
инструменты, одежда)…
4
План путешествия:
Музей футбола (Престон, Англия)
Музей воды (Санкт-Петербург, Россия)
Музей Истории Шоколада и КАкао (Москва, Россия)
Музей восковых фигур мадам Тюссо (Лондон, Англия)
Музей Сальвадора Дали (Фигуэрас, Испания)
5
Национальный музей футбола (Престон, Англия)

6
Фотогалерея
7
Футболка сборной
Англии
Экипировка вратаря
8
Ошейник собаки по кличке Пиклз.
В 1966 году Кубок Мира был выставлен в Вестминстерском холле на всеобщее обозрение. Откуда его украли за четыре месяца до начала чемпионата. Неделю спустя некто Дэвид Корбетт выгуливал свою собаку Пиклз, которая нашла какой–то газетный сверток. Корбетт развернул сверток и увидел Кубок. Когда сборная Англии выиграла Кубок, собаку пригласили на официальный банкет, и позволили облизать Кубок Мира.
9
Мячи, которыми игрался финал первого Кубка Мира по футболу в 1930.
Команды не могли придти к соглашению, каким мячом играть. Аргентина хотела играть своим (слева), Уругвай — своим (справа). В итоге ФИФА приняла решение — первый тайм играть аргентинским мячом, второй — уругвайским. После первого тайма Уругвай проигрывал 2:1, но после того как они заиграли своим мячом, выиграли 4:2 и стали первыми чемпионами мира!
10
Британский музей футбола
Статуя и фонтан перед входом повторяют фотографию легендарного Тома Финни 1956 года, на залитом дождем Стэмфорд Бридже:
11
Музей воды (Санкт-Петербург)
Музей воды — один из самых молодых музеев Северной столицы.
12
Его экспонаты, макеты, инсталляции, мультимедийные экспозиции рассказывают об истории, современном состоянии и перспективах водоснабжения и водоотведения города, использовании воды в быту, состоянии водных ресурсов.
13
В музее посетители узнают много нового
о самом таинственном веществе в природе —
Воде, в которой зародилась жизнь
и без которой она невозможна.
14
Мультимедийный комплекс оживает, подсвечивается и переливается огнями во время просмотра фильма. На полу широкой лентой течёт Нева, видно, как в неё справа и слева впадают реки, как расположился по её берегам город и как перегораживает залив дамба.
15
Музей Истории Шоколада и КАкао (Москва)
         Музей Истории Шоколада и КАкао создан на базе трёх ведомственных музеев московских кондитерских фабрик "Красный Октябрь", "Кондитерский концерн Бабаевский"
и "Рот Фронт"
Фабрики производят конфеты, вафли, карамель, и, конечно, шоколад как самый первый и известный десерт в мире, который стал главным героем нового музея.
16
     Музей Истории Шоколада и Какао расскажет, объяснит и покажет, насколько интересной, непростой и захватывающей является шоколадная жизнь.
17
18
19
20
А на самой фабрике гости музея смогут понаблюдать за тем, как шоколадная масса превращается в шоколад и конфеты. Эта часть путешествия одна из самых приятных, ведь его участникам позволяют пробовать все сладости! Побывав однажды в гостях у "МИШКи", обязательно захочется вернуться сюда снова.
21
Музей восковых фигур мадам Тюссо
Музей мадам Тюссо (фр. Madame Tussauds) — музей восковых фигур в лондонском районе Мэрилебон, имеющий филиалы в 10 городах (в 2010 году) Амстердаме, Лас-Вегасе, Копенгагене, Нью-Йорке, Лос Анджелесе, Гонконге, Шанхае, Вашингтоне, Вене и Берлине.
Он был учреждён скульптором Марией Тюссо.
22
Снимают мерки
Дом-музей М.Твена
23
Восковые фигуры знаменитых людей
24
25
Восковые фигуры знаменитых людей
26
Музей СальвадораДАЛИ (Фигуэрас, Испания)

27
ДАЛИ (DALI) Сальвадор (Сальвадор Фелипе Хасинто Дали-и-Доменеч)
   Родился 11 мая 1904 в семье нотариуса, в Фигуэрасе, умер- в Каталонияи- 23 января 1989, испанский художник, поэт, теоретик искусства.

28

Дали и Гала
29
Bodyart

The Amazing Art of
Salvatore Dali
30
31
32
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
49
50
51
52
53
54
Click mouse to end show
55
Выводы:
Музеи – это культурно-исторические центры, в которых собрано всё ценное, что создано человечеством за его многовековую историю.
Посещая музеи, мы становимся духовно богаче, ощущаем гордость за нашу общую историю.
56
РЕСУРСЫ:
Гребенкина Л.К. и др. Сценарии классных часов (часть 2-я). – М., Центр «Педагогический поиск», 2002
Кончин Е.В. Как рождается музей. – М., 1988
Сто великих музеев мира. – М., 1999
http://interest-planet.ru/blog/Europe/846.html
http://images.yandex.ru/yandsearch
http://lifeglobe.net/blogs/details
http://ru.wikipedia.org/wiki/Музей_мадам_Тюссо
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D2%E5%E0%F2%F0-%EC%F3%E7%E5%E9_%C4%E0%EB%E8
http://www.bsiuk.co.uk/rus/individual_museum.htm
http://www.uniconf.ru/museum/museum.html
Другие ресурсы интернета

57


title: Скачать презентацию или конспект Библейские сюжеты в творчестве русских художников

extracted_text:
Библейские сюжеты в  творчестве русских художников
  Выполнила учитель МХК МКОУ
  «Большедолженковская СОШ»
Оленченкова Тамара Алексеевна
Cодержание
От автора
В.Боровиковский  «Рождество Христово»
Ф.Москвитин  «Поклонение волхвов»
В.Шебуев  «Симеон Богоприимец»
А.Егоров  «Отдых на пути в Египет»
И.Крамской  «Христос в пустыне»
А.Иванов  «Явление Христа народу»
Г.Семирадский  «Христос и самарянка»
В. Поленов  «На Тивериадском озере»
Г.Семирадский  «Грешница»
И.Репин  «Воскрешение дочери Иаира»
Г.Семирадский  «Христос у Марфы и Марии»
В.Шебуев  «Тайная вечеря»

Н.Ге  «Выход Христа с учениками  в Гефсиманский сад»
Н.Ге  «В Гефсиманском саду»
Ф.Бруни  «Моление о чаше»
Н.Ге  «Иуда» (Совесть)
Н.Ге  «Суд Синедриона. «Повинен смерти»
И.Крамской  «Хохот» (Радуйся, царю иудейский)
Н.Ге  «Что есть истина?» (Христос и Пилат)
И.Глазунов   «Распни его!»
Н.Ге  «Голгофа»
К.Брюллов  «Распятие»
К.Брюллов  «Христос во гробе»
Н.Ге  «Вестники Воскресения»
А.Иванов «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине»
А.Егоров  «Сошествие Св. Духа на апостолов»
Заключение
От автора
   Целый ряд выдающихся русских художников обращались  в своём творчестве к евангельским сюжетам. Благодаря их работам мы можем проследить земную жизнь, общественное служение, крестную смерть и чудесное воскресение пришедшего в мир Спасителя.
В.Боровиковский  Рождество Христово
Ф.Москвитин  Поклонение волхвов
В.Шебуев  Симеон Богоприимец
А.Егоров  Отдых на пути в Египет
И.Крамской  Христос в пустыне
А.Иванов  Явление Христа народу
Г.Семирадский  Христос и самарянка
В.Поленов   На Тивериадском озере
Г.Семирадский   Грешница
И.Репин   Воскрешение дочери Иаира
Г.Семирадский  Христос у Марфы и Марии

В.ШебуевТайная вечеря
Н.Ге   Выход Христа с учениками  в Гефсиманский сад
Н.Ге   В Гефсиманском саду

Ф.Бруни  Моление о чаше
Н.Ге  Иуда (Совесть)
Н.Ге   Суд Синедриона. «Повинен смерти»
И.Крамской   Хохот (Радуйся, царю иудейский)
Н.Ге   Что есть истина?  Христос и Пилат
И.Глазунов   Распни его!
Н.Ге  Голгофа
  К. Брюллов   Распятие
К.Брюллов   Христос во гробе

Н.Ге   Вестники Воскресения

А.Иванов   Явление воскресшего Христа Марии Магдалине
А.Егоров    Сошествие Св. Духа      на апостолов
Заключение
   Человек, никогда не державший в руках Евангелие, может узнать о его содержании, познакомившись с картинами выдающихся русских художников.


title: Скачать презентацию или конспект Зимние мотивы в поэзии, музыке и живописи

extracted_text:
Интегрированный урок литературы,  изо и музыки в 5 классе.
«Зимние мотивы в поэзии, музыке и живописи»

Итальянский композитор, скрипач, педагог, дирижёр. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века.
Первые уроки игры на скрипки получил от своего отца-скрипача.
Антонио Лучо Вивальди(1678-1741)

А. Вивальди из цикла «Четыре времени года» - «Зима»
Поэты
Музыканты
Художники
Работа на уроке трех экспертных групп.
К.Ф. Юон «Зима. Полдень»
А. С. Пушкин  (1799 – 1837)
Русский поэт, драматург и прозаик
Л. Каменев «Зимняя дорога»
В.Г. Цыплаков «Мороз и солнце»
Борис Валентинович Щербаков(1916-1995)
российский художник, член-корреспондент Академии художеств СССР (1973), член-корреспондент Российской Академии художеств (1992).
Б.В. Щербаков «Зимнее утро»
 Русский композитор, дирижёр, педагог.

Основные произведения:
Симфонии
Оперы
Балеты
Сюиты
Концерты
Камерная музыка
Петр Ильич Чайковский (1840-1893)
Александр Ямполь «Зимнее утро»
Выдающийся советский и российский композитор, пианист.
Свиридов  Георгий Васильевич(1915-1998)
Сергей Александрович Есенин (1895 – 1925)

русский поэт представитель новокрестьянской поэзии и имажинизма
Иван Иванович Шишкин (1832—1898)
русский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравер-аквафортист
И.И. Шишкин «Зима»
Домашнее задание:
Выучить стихотворение о зиме (на выбор):
И.З. Суриков «Зима»
Ф.И.  Тютчев «Чародейкою Зимою…»
И.С. Никитин «Встреча зимы»

Проанализировать выбранное вами стихотворение с точки зрения средств музыкальной выразительности (темп, лад, регистр, мелодия, тембр и т.д.)
Домашнее задание:
Спасибо за урок!


title: Скачать презентацию или конспект Триумф Диониса

extracted_text:
Проверка знаний
1  Почему над Большим театром в Москве и театром драмы имени Пушкина в Санкт-Петербурге мчатся квадриги с бронзовым Аполлоном?
3  Почему портик Государственного Эрмитажа поддерживают могучие  атланты?
4  Почему мы говорим: «Фортуна от тебя отвернулась» или «Провалиться в тартарары»?
1. Аполлон-покровитель искусства
2. Атланты- титаны, держащие на своих плечах небесный
    свод
3. Фортуна- римская богиня счастья и удачи или
  Тартар- нижняя часть преисподней,ада

Расскажите миф
Опишите скульптуру
Что вам известно о богах и героях?
4
5
6
2
3
1
ТРИУМФ ДИОНИСА
Ответьте на вопросы

Кто был отцом Диониса?
Кем была его мать? Ее имя?
Кто такая Гера?
Что означает слово Стикс?
Кто такой Гермес?
Кто такая Ино?
Пракситель.
Гермес с младенцем Дионисом.
Середина 4 в. до н.э.
Стр. 64

Эксекий.
Дионис, плывущий по морю.
Около 535 до н.э. Пинакотека,
Мюнхен.
Стр. 65
Скопас.
Менада.
Пракситель.
Отдыхающий Сатир.
Около 340-330 гг. до н.э.
 Капитолийские музеи, Рим.

§ 7,
вопросы в тексте параграфа


title: Скачать презентацию или конспект Музеи Китая

extracted_text:
Музеи Китая
Одной из важнейших черт китайской культуры является любовь к историческому прошлому, своему наследию. Тяга к коллекционированию памятников старины проявлялась уже на ранних этапах истории страны. Однако вплоть до образования Китайской Народной Республики ценнейшие произведения живописи и прикладного искусства не предназначались для всеобщего обозрения. Они скапливались во дворцах императоров и богатых ценителей искусства.
До середины XX столетия музейное дело в Китае было развито крайне слабо. В начале века существовало лишь несколько музеев, сложившихся на базе средневековых собраний живописи и разнообразных редкостей. Но и они были плохо оборудованы и не располагали условиями, необходимыми для хранения экспонатов. Только после 1949 г. началось расширение и строительство новых музеев, отвечающих современным научным требованиям.
 На протяжении второй половины XX столетия были восстановлены и отреставрированы ценнейшие памятники зодчества и паркового искусства. Непрерывно ведущиеся археологические раскопки внесли много нового в изучение китайской истории и культуры. По всей стране открылись разнообразные музеи – исторические, художественные, мемориальные, дворцовые.
Национальный музей Китая
28 февраля 2003 года был официально открыт Национальный музей Китая, созданный на базе бывшего Китайского исторического музея и Китайского революционного музея.
Он является крупномасштабным музеем комплексного характера, и его миссия состоит в том, чтобы сохранять, передавать и популяризировать знания об искусствах и истории Китая и великом историческом процессе китайской цивилизации.
Национальный музей Китая осуществляет разные функции, такие как сбор, хранение, исследование и демонстрация исторических и культурных ценностей. Он систематически собирает ценные исторические памятники древности и современности. К настоящему моменту в нем насчитывается 610 тысяч ценных культурных и исторических памятников.
Музей Гугун
Музей Гугун расположен в самом центре Пекина. Он был основан 10 октября 1925 года и является крупнейшим в Китае комплексным музеем.
Музей был создан на основе императорского дворца и его коллекций двух династий Китая: Мин и Цин. Он является комплексным музеем государственного уровня. Ныне в нем насчитывается около миллиона исторических и культурных памятников, многие из них относятся к категории художественных ценностей разных времен
 Выставки в музее делятся на две категории: первая категория выставок – «дворцовый облик», вторая – «выставка художественных предметов разных времен»
Музей «Шоуду»
Музей «Шоуду» был официально открыт 18 мая 2006 года. Он является большим современным музеем, характеризующимся великолепным сооружением, богатыми коллекциями, передовыми технологиями и совершенной функцией. Он входит в число передовых музеев Китая и мира.
Выставки основаны на раскопках, произведенных в Пекине и в его окрестностях и заимствуют последние результаты исследований по истории Пекина, археологии и соответствующим научным предметам. Учитывается успешный опыт, наработанный зарубежными и отечественными музеями. В этой связи выставки в этом музее обладают яркой пекинской спецификой и современным колоритом.
Основные выставочные павильоны: «Древняя столица Пекин: история и культура», «Древняя столица: градостроительство», «История Столицы: демонстрация народных нравов Пекина». Первые два павильона считаются ядром коллекции музея «Шоуду» и демонстрируют великолепную и богатую пекинскую культуру и историю древней столицы.
Китайский физкультурный музей
Китайский физкультурный музей является первым в Китае специализированным музеем, занимающимся коллекционированием, демонстрацией и исследованием физкультурных исторических и культурных материалов. Он был создан и открыт для публики с 22 сентября 1990 года.
 В музее расположены четыре больших центральных холла и четыре выставочных павильона, где выставлены коллекции по темам «Древнекитайская физкультура», «Современная китайская физкультура», «Физкультурные достижения Нового Китая» и «За славу на Олимпийских играх».
Древнекитайская физкультура является жемчужиной сокровищ Китая. В этом павильоне представлены предметы, живописные работы, фрагменты и снимки, которые изображают или отражают древнекитайские виды спорта, как ушу, стрельба, древнекитайская борьба, древнекитайский футбол Цуцзюй, шахматы, цигун и др.
Музей оперы Китая
 Музей оперы в Пекине расположен на территории Дворца Хугуанхуйгуань Хуфанцяо района Сюаньу Пекина. Он был открыт для публики 6 сентября 1997 года. Это сотый музей, который был открыт для публики в Пекине.
Дворец Хугуанхуйгуань был создан в 1807 году. Он обладает богатой историей. Здесь часто проходили представления Пекинской оперы. В этой связи он считается колыбелью гуманитарного искусства. Поэтому он был очень популярным местом для любителей оперного искусства.
Основная выставка музея – «Общий обзор оперного искусства Пекина». Подробные и ценные произведения литературы, культурные и исторические ценности, снимки и аудиоматериалы демонстрируют историю развития оперного искусства, прежде всего, Пекинской оперы, в столице Китая.
Музей Яньхуан
Музей Яньхуан был построен и открыт для публики 28 сентября 1991 года. Он является первым крупным музеем, созданным на частные средства, спонсированные известным художником Хуаном Чжоу, при помощи государства.
Цель музея – сбор и демонстрация самых выдающихся культурных и художественных изделий китайской нации и предоставление места для осуществления обменов по вопросам искусства для китайских и зарубежных художников и коллекционеров.
В музее функционируют выставочные залы, мультифункциональный зал, административный зал, хранилище работ, кабинет для обработки, съемочный кабинет, галерея и т. п. В данном музее главным образом собраны произведения китайской живописи, каллиграфические работы древнекитайских мастеров, исторические ценности. В последние годы в коллекцию были включены сотни окрашенных керамических статуй и народные художественные изделия.


title: Скачать презентацию или конспект Искусство в памятниках архитектуры

extracted_text:
Презентацию подготовил:
Ученик 9 класса {a}
Шинкарёв даниил.
Искусство в памятниках архитектуры.
Памятники архитектуры – не просто здания, а хранители наследия предков. Они составляют часть культурного достояния страны, народа, человечества.
 Памятники архитектуры
Архитектор - квалифицированный специалист, который на профессиональной основе осуществляет архитектурное проектирование ,включая проектирование зданий.Зодчий – в переводе с греческого «главный строитель», т.е. автор проекта.
Фасад – это передняя часть зданий.
      Дом купца Дунаева.
     Отличительная особенность дома Дунаева среди деревянных построек Кургана начала ХХ века - его фасадный декор. Именно он придает легкость и нарядность композиции всего дома. Ощущение легкости композиции достигается целой системой мелких декоративных деталей, тонко прорисованных и точно выполненных, связанных между собой по пропорциям и масштабу. План дома составлен городским архитектором Н.А. Юшковым. Дом строили и отделывали местные мастера.
Ме́дный вса́дник — памятник Петру I на Сенатской площади в Санкт-Петербурге.
 Его открытие состоялось 7 августа 1782 года.
Своё название памятник получил благодаря одноимённой поэме А. С. Пушкина.
На самом деле этот памятник изготовлен из бронзы.
Модель конной статуи Петра выполнена скульптором Этьеном Фальконе в 1768—1770. Голову статуи лепила   его ученица  Мари Анн Колло. Змею вылепил Фёдор Гордеев. Отливка статуи осуществлялась под руководством литейных дел мастера Екимова Василия Петровича и была закончена в 1778 году. Архитектурно-планировочные решения и общее руководство осуществлял Юрий Фельтен.
Покровский собор или храм Василия Блаженного.
Покровский собор - православный храм на Красной площади в Москве, широко известный памятник русской архитектуры. До XVII века назывался Троицким, так как первоначальный деревянный храм был посвящён Святой Троице.

 К собору в 1931 году передвинули бронзовый памятник Кузьме Минину и Дмитрию Пожарскому, который стоит на Красной площади с 1818 года.
В настоящее время Покровский собор — филиал Государственного исторического музея. Входит в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО в России.
бронзовый памятник Кузьме Минину           и Дмитрию Пожарскому.
Автор памятника Минину и Пожарcкому И. П. Мартоc.
 Памятник Минину и Пожарcкому был первым памятником в Моcкве, поставленным не в чеcть гоcударя, а в чеcть народных героев.
Cредства на памятник были cобраны по вcенародной подпиcке.
Мартоc работал над памятником c 1804 по 1817 годы.
 Это лучшее творение И. П. Мартоcа, cумевшего воплотить в нем выcокие идеалы гражданcкой доблести и патриотизма.
Дом Пашкова.
Пашко́в дом или Дом Пашко́ва — одно из самых знаменитых классицистических зданий Москвы, ныне принадлежащее Российской государственной библиотеке.
Спроектировано Василием Баженовым.
У дома Пашкова два главных фасада — один смотрит на проезжую часть и имеет дворцовый, торжественный характер, другой — ориентирован во двор и имеет более уютный, усадебный вид.
Главные, наиболее парадные помещения дворца были расположены в его центральном корпусе, вход в который был устроен по оси здания, со стороны парадного двора. Главный вестибюль был расположен также по оси главного здания, там где теперь главная лестница. Справа от вестибюля, в стороне от центральной оси, шла парадная лестница во второй этаж, приводившая в аванзал и в главный зал. Боковые флигели были отведены под жилые и служебные помещения.
Московский государственный университет.
Моско́вский госуда́рственный университе́т и́мени М. В. Ломоно́сова — один из старейших и крупнейших классических университетов России, один из центров отечественной науки и культуры.
Создание университета было предложено И. И. Шуваловым и М. В. Ломоносовым. Первоначально открытие университета планировалось на 1754 год, однако, из-за подготовительных работ, связанных с ремонтом здания, открытие состоялось только в 1755 году. Указ о создании университета был подписан императрицей Елизаветой Петровной 24 января  1755 года.
C 1940 года МГУ носит имя Михаила Ломоносова.
МГУ включает в себя 15 научно-исследовательских институтов, 43 факультета, более 300 кафедр и 6 филиалов.
Университет имеет в своём распоряжении более 600 зданий и сооружений, включая Главное здание на Воробьёвых горах. Их общая площадь около 1 млн м².
Памятник Ломоносову.
Памятник М. В. Ломоносову на Воробьёвых горах Москвы установлен рядом со зданием Московского университета на площади Ломоносова.
Памятник перед клубной частью Главного здания МГУ был установлен в 1953 г. через 13 лет после того, как Университету было присвоено имя М. В. Ломоносова. Памятник был возведён в центре площади между зданиями Химического и Физического факультетов МГУ.
Авторами памятника выступили скульптор Н. В. Томский и архитектор Л. В. Руднев.
Спасибо за просмотр!


title: Скачать презентацию или конспект Колокола

extracted_text:
КОЛОКОЛА...
КОЛОКОЛА...
КОЛОКОЛА...
П
Л
А
Н
Колокол – один из символов Руси, её силы, веры в будущее и памяти о прошлом

Чистый месяц в росе плыл,
Белый, стольный град Владимир
Звон неведомый, родимый
Над землёю рассыпал,
Перворожден и силен,
Плыл он, ритмом покоряя,
Плыл, как будто укоряя,
Из Владимирских времен.
И внимал, я – внук славян –
Чуду с гордостью и грустью,
Благосвет летел над Русью,
Новый день благословлял.
                              А.Пономарев

     По одной из наиболее распространенных гипотез русское слово «колокол» произошло от немецкого Glocke – звонок, колокол . Некоторые ученые полагают, что первоисточник – это русское слово «коло» - круг, окружность
Колокол – это «самозвучащий музыкальный инструмент»

Колокол – это «Опрокинутая чаша с малиновым звоном»

Колокол – это один из древнейших символов православной Руси, а ныне ещё и примета её возрождения

Колокол – это металлическая чаша, перевернутая вверх дном, внутри которой по центру дна подвешен металлический «язык»; при их взаимном перемещении происходит удар о стенку чаши, и та издает звук

Что такое колокол?

Родословная колоколов
В эпоху Чжоу (XII-III вв. до н.э.) их вешали как амулеты на шею лошади или на пояс, чтобы отпугивать злых духов.
Для военных колокольный звон служил сигналом тревоги, в храмах он сопровождал жертвоприношения.
Среди археологических находок VI-V вв. до н.э. встречается множество бронзовых колокольчиков – древнееврейских и древнегреческих, скифских и этрусских…
В античном мире они выполняли сигнальные функции.
В Древнем Риме звон колоколов оповещал об открытии рынков и бань, о казнях…
 Колокола в России появились примерно тысячу лет назад. Они пришли к нам из Византии вместе с христианством.
 В Москве до революции 1917 года насчитывалось примерно 4000 храмов, на каждом из них было по 5-10 колоколов.
● Колокола были большие и малые.
● Колоколам часто давали имена:      Медведь, Реут, Сысой и др.
● Масса некоторых больших колоколов такова: Лебедя (сделанного в 1550 г.) – 2200 пудов; Большого Успенского (1654 г.) – 8000 пудов
Родословная колоколов
"Царь колокол" – самый большой колокол в мире. Он не имеет себе равного не только по размеру и весу, но и по художественному литью. Отлит российскими мастерами Иваном и Михаилом Маториными в 1733-1735 гг.

После отливки колокол вышел в 12327 пудов (ок. 200 т.).
В 1737 году в Кремле случился сильный пожар, и гигантский колокол упал в литейную яму, из которой был вынут более века спустя. При падении у него отшибло кусок весом в 700 пудов (ок. 11,5 т).
В 1836 году Царь-колокол был поднят из литейной ямы и установлен на гранитном постаменте. При установке Царь-колокола на гранитном пьедестале была выбита следующая надпись: «Колокол сей вылит в 1733 году повелением императрицы Анны Иоанновны, пребывал в земле сто и три года и волею благочестивейшего государя императора Николая I поставлен лета 1836 года, августа в 4-й день».

Есть и другие виды колебаний колокола.
Мысленно превратим колокол в круглую плоскую металлическую пластину. Закрепив ее в центре, насыпем тонкий ровный слой песка и приведем в колебательное движение, проводя по краю пластины смычком. На поверхности пластины образуются песчаные узоры – фигуры Хладни
Причина их образования – собственные колебания пластины: колеблющиеся секторы пластины, вспучиваясь, стряхивают с себя песок, и он собирается вдоль линий покоя. Хладниевые фигуры свидетельствуют о том, что пластина разделена не только меридианами, но и параллелями покоя. Каждому сочетанию меридианов и параллелей покоя соответствует своя частота колебаний: более высоким частотам  соответствует более дробная сетка линий покоя.

ЗВУКИ         КОЛОКОЛА

На протяжении многих веков литейщики колоколов искали решение вопросов, какими должны быть пропорции между размерами и массой, толщиной стенок в разных сечениях, какой быть форме колокола, чтобы получить гармоническое звучание, т.е. такое при котором добавочные тоны (обертоны) гармонично сочетались с основным, создавая единое прекрасное целое.
В XVIII в удалось найти такую форму колокола, при которой он звучал особенно гармонично.
Было значительно расширено основание и
наращена нижняя часть, ей придан вид
заостренной массивной «губы». Диаметр
нижней части равнялся высоте колокола, а
диаметр верхней части – половине диаметра
нижней. При такой форме колокол может
давать, совмещая, три гармонических тона,
но при этом сила трезвучия поглощает
добавочные тона

ЗВУКИ         КОЛОКОЛА
"ЯЗЫК"         КОЛОКОЛА

«Язык» изготавливают из железа. Масса его обычно составляет 1/25 от массы колокола.
Форма может быть различной: она зависит от способа возбуждения звука – раскачивают ли «язык» или раскачивают колокол

Ученые обнаружили, что уникальная спиралевидная траектория звука, получающаяся при ударе в колокол, оказывается губительной для многих болезнетворных микробов. За счет специфического распределения мощности звуковой волны структуры микробных клеток приходят в резонанс и разрушаются.
Звук, издаваемый колоколом, соответствует звукам мантр (особым звуковым вибрациям). Таким образом, звучащие колокола входят в резонанс с энергосистемой человека. При этом происходит активизация работы чакр, усиливаются токи энергий. Увеличивается общий энергопотенциал человека. Происходит гармонизация всех органов и систем человека, как на уровне физического тела, так и на тонких планах.
Колокола — это мощные гармонизаторы пространства, которые помогают человеку входить в резонанс с гармонией Вселенной, обретать физическое, энергетическое, психическое и духовное здоровье.

Считается, что колокол - существо одушевленное. Многие предания утверждают, что церковные колокола живут и мыслят. В присутствии святого или когда неподалеку совершается преступление, они звонят сами собой.
Во времена парусного мореплавания корабельный колокол считался в каком-то смысле воплощением души судна. Моряки верили, что он звонит сам собой в тот момент, когда тонет потерпевший крушение корабль.
Обычные колокольчики, как и церковные колокола, также окружены суевериями. Зазвенев сами по себе, они предвещают несчастье, а если два колокольчика в доме зазвонят одновременно - это к разлуке.
Увидеть во сне колокол означает силу и могущество, увидеть его без языка означает бессилие и слабость. Просто слышать во сне звон колоколов - предстоят пустые и ложные слухи, ссора, раздор. Звонить в колокола, значит, иметь с кем-то в ближайшем будущем словесную перебранку или судебную тяжбу...
Некоторые из легенд:
1. Колокол – вещун
2. Сказ о влюбленном колоколе
3. Предания о затонувших колоколах
4. Легенда о глухом колоколе

    Колокола “работают” как генераторы энергии в ультразвуковом диапазоне, тем самым и разрушая болезнетворную среду.

    Звуки колокола возбуждают  микролептоны – сверхлегкие частицы, окружающие любой организм. Возникающие при этом микроэлектронные поля удаляют вредные для здоровья изотопы, оказывая на организм человека терапевтическое действие.

    Колокола и звоны являются большой ценностью культурного наследия русского народа. Изучение их многочисленных и разнообразных функций в русской культуре позволит нам более глубоко понять корни национальной самобытности.
Выводы
Ссылки
На литературу:
Волков В.А. Поурочные разработки по физике.- Москва: «ВАКО», 2006
Задубовская Елена. Лечение колокольным звоном.- Санкт-Петербург: Лениздат, 2006
Колокола. История и современность. – Москва, 1985
 Интернет сайты:
http://deja-vu4.narod.ru/Bell
html#davidov#davidov
http://deja-vu4.narod.ru/Bell
html#lohanski#lohanski
http://deja-vu4.narod.ru/Bell
html#blagoveshenska#blagoveshenska
http://shkolazhizni.ru/archive/0/n-8458/
http://doroga-istin.ru/index.php?topic=320.0
http://anomaliy.ru/article/2722/283


title: Скачать презентацию или конспект Красота родной природы пейзаж в графике

extracted_text:
Красота родной природы
 пейзаж в графике

Исаак Левитан. Тихая обитель. 1890
          План
Пейзаж как жанр ИЗО.
Графика, основные выразительные средства графики.
Техника уголь, мел.
А. Саврасов как мастер графического рисунка.
Творческая работа – выполнение пейзажа согласно заданию.
Пейзаж (с фр. Pays-страна, местность), жанр ИЗО, в котором предметом изображения является природа.Пейзажи различают :
По временам года.
По сюжету:
сельский,
городской (ведута),
парковый,
лесной,
марина.
По настроению.
И. Левитан. Весна в деревне.
Пейзаж в графике – Китай, VII век.«шань –шуй» - «горы – воды»
Ван Вэй.
Просвет после снегопада
в горах у реки.
 VII век.
Свиток на шёлке. Фрагмент.

Графика (с греч. grapho – «пишу») – вид ИЗО, существует с начала xx века.Изображение (рисунок) с помощью линий на какой – либо плоскости.Классическая графика – чёрно – белый рисунок (существует как самостоятельный вид с XVI века), где белый – бумага, изображает пространство и свет, а чёрный – любой красящий материал.Выразительные средства графики:линияпятнотон
Приёмы работы:
 штриховка,
 тушёвка,
 растушёвка.
Работы Алексея Саврасова
Деревья. 1850
Лес. 1877
Начало весны. 1876


title: Скачать презентацию или конспект Искусство домонгольской Руси

extracted_text:
Искусство домонгольской Руси

Золотые ворота. Киев.
11 век.
София Киевская. После 1037.
София Киевская. Первоначальный вид. Реконструкция

Богоматерь Оранта. Мозаика апсиды Софийского собора . Киев.
София Новгородская. Середина 11 века.
Золотые ворота. Владимир. 1164 (Андрей Боголюб
ский)
Успенский Собор. Владимир. 12 век.
Дмитриевский собор. Владимир. 1194-97
Каменная резьба. Дмитриевский собор
Покрова на Нерли. 1165 г.
Спас на Нередице. Новгород.
Уличанский храм Новгород
Икона Богоматерь Владимирская


title: Скачать презентацию или конспект Мы рисуем море

extracted_text:
"МЫ
          РИСУЕМ
                            МОРЕ"
Подготовила: преподаватель МОУ ДОД «Детская школа искусств»
 пгт. Ленинское
Носкова Ольга Сергеевна

И.И.Шишкин «ЗИМА»
лесной пейзаж

«Гора пяти сокровищ»
горный пейзаж

морской пейзаж
"МАРИНА"
Айвазовский Иван Константинович 1817 – 1900 гг. известный русский маринист

«ДЕВЯТЫЙ ВАЛ»

«СРЕДИ ВОЛН»
«Море. Лунная ночь»
«Неаполитанский залив»
«Закат на море»
«Среди волн»


title: Скачать презентацию или конспект Чардаш

extracted_text:
 Чардаш
Проект сделал:
Попов Митя
Что такое чардаш?
ЧА́РДА́Ш — венгерский народный танец (название происходит от венгерского слова csárdá — трактир). Чардаш состоит из 2-х частей: медленной, патетической и быстрой, стремительной; размер 2/4, характерны резкие синкопы. Чардаш часто встречается в музыкальной литературе (напр., в балете «Лебединое озеро» П. И. Чайковского); элементами чардаша (венгерские мелодические обороты, острые синкопы и др.) насыщены многие произведения: «Венгерские рапсодии» Ф. Листа, «Венгерские танцы» И. Брамса
Откуда появился чардаш?
О происхождении танца существуют различные мнения. По одному мнению, его происхождение может быть связано с венгерским музыкальным стилем вербункошем (от нем. Werbung — вербовка), распространённом в венгерской армии в XVIII веке. По мнению других, чардаш появился из танца гайдуков.

Кто танцует чардаш?
Чардаш танцуют мужчины и женщины. Женщины облачены в традиционные широкие юбки, обычно ярко красного цвета, которые во время кружения приобретают характерную форму.

Спасибо за внимание!!!

К тематике чардаша обращались в своём творчестве такие классические композиторы как Ференц Лист, Витторио Монти, Иоганнес Брамс, Иоганн Штраус, Пётр Ильич Чайковский и другие.

Отличительным признаком чардаша является значительная вариация его темпа. Танец, начинаясь с медленного лиричного вступления танца по кругу (лашшу), завершается в крайне быстром, стремительном ритме парного танца (фриш). Существуют также и другие вариации темпа: csárdás, sűrű csárdás и szökős csárdás. Музыкальный размер 2/4 или 4/4.
Картинки.


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура XX века в европейской живописи

extracted_text:
Архитектура XX века в
 Европейской живописи
К живописи XX века принято относить  стили:
Метафизическая живопись
Абстракционизм
Кубизм
Сюрреализм
Модерн (Модернизм)
Метафизическая живопись
Родоначальником метафизической живописи является Джорджо де Кирико, который еще в период своего пребывания в Париже в 1913-1914 г. создавал пустынные городские пейзажи, предвосхищавшие будущую эстетику метафизизма; его серия «Площади Италии» придавала фантастическое измерение условной итальянской классической архитектуре, воссозданной им на картинах. В 1915 году Италия вступила в первую мировую войну, художник вынужден был вернуться в Феррару, где ожидал мобилизации. Формирование группы художников, исповедовавших эстетику метафизизма, произошло в 1916 году, когда в госпитале в Ферраре сошлись судьбы Джорджо Де Кирико, порвавшего с футуризмом Карло Карра, Филиппо де Писиса и младшего брата Де Кирико, Андреа, который взял себе псевдоним Альберто Савинио. В 1920х годах к ним ненадолго присоединился Джорджо Моранди.
В метафизической живописи метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект. Метафизическое движение родилось на основе этого нового подхода к живописи, и в 1916-1922 годах объединило художников и писателей. Метафизическая живопись опиралась на образы предшествующего искусства, и включала в себя различные культурные элементы прошлого. Художники стремились найти метафизическую грань между миром живого и неживого, поэтому в их картинах живое похоже на неодушевленное, а неодушевленные предметы живут своей тайной жизнью.
Абстракционизм
Абстракционизм (лат. «abstractio»-удаление,отвлесение)— направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции), Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, основавшие в 1910—1912 гг. «лучизм», и, считавший себя основоположником нового типа творчества супрематизма, Казимир Малевич, создатель знаменитого «Чёрного квадрата».
Кубизм
Кубизм (фр. Cubisme)— авангардистское направление в живописи 20 века, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques).
Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо, работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан, скульптуры Александра Архипенко и др.
Сюрреализм
  Сюрреали́зм (фр. surréalisme — сверхреализм)-новое направление в живописи, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.
Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.
Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт
Модерн (Модернизм)
Моде́рн (от фр. moderne — современный) или ар-нуво (фр. art nouveau, буквально "новое искусство")- художественное направление в искусстве, больше популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В живописи в этом направлении работали М. А. Врубель, А. Н. Бенуа, Альфонс Муха, Станислав Выспяньский.


title: Скачать презентацию или конспект Кустодиев Борис Михайлович

extracted_text:
БОРИСМИХАЙЛОВИЧКУСТОДИЕВ(1878-1927)
Автопортрет на охоте

К
Купчиха за чаем
Ярмарка
Зима. Масленичное гулянье

Голубой домик
Купчиха с покупками

Встреча(Пасхальный день)
Карусель
Девушка на Волге
Купец
Купчихи
Ярмарка в деревне
Крестный ход


title: Скачать презентацию или конспект Памятники русского зодчества

extracted_text:
Памятники русского зодчества
МАОУ Краснопутьская СОШ
 городской округ Домодедово Московской области
Учитель –
Баталенко
Наталья
Николаевна
Храм Покрова на Нерли

«Церковь Покрова на Нерли близ Владимира является не только самым совершенным храмом, созданным на Руси, но и одним из величайших памятников мирового искусства».

Игорь Грабарь
	Храм Покрова на Нерли  был построен на расстоянии версты от Боголюбовского замка, при слиянии двух рек – Нерли и Клязьмы. Устье Нерли – это своеобразные речные ворота Владимирской земли на оживленном торговом пути Нерль-Клязьма-Ока-Волга.
	Церковь Покрова возвышается над берегом старицы Клязьмы на округлом, поросшем травой и деревьями холме. Она будто вырастает из этого холма, и невольно восхищаешься, как удачно выбрано место для постройки храма. Но это только на первый взгляд кажется, что все так просто. На самом деле, храм хранит множество секретов, и строительных и исторических.

	В литературе принята датировка храма по Н. Н. Воронину (советский археолог, один из крупнейших специалистов по древнерусской архитектуре)
 — 1165 год, основанная на сообщении Жития Андрея Боголюбского о том, что церковь Покрова была построена в память о погибшем сыне великого князя — Изяславе Андреевиче.
	Церковь освящена в честь праздника Покрова Богородицы, установленного на Руси в середине XII века по инициативе Андрея Боголюбского. Вероятно, это первая церковь Покрова на Руси.
Западный фасад храма
 	Боголюбов монастырь вместе с Покровским были закрыты в 1923 году, а еще ранее, с 1919 года древние белокаменные памятники, в том числе церковь Покрова, приняты под охрану Владимирской губернской коллегии по делам музеев.
	В начале 1990-х годов храм по настоянию Церкви был передан вновь открытому Боголюбову монастырю, а затем местному приходу Иоакима и Анны, с подчинением архиерею.
	В конце 1992 года широко известный памятник был внесен в Список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Использованные ресурсы:http://www.pravmir.ru/http://ru.wikipedia.org/


title: Скачать презентацию или конспект Золотое сечение в архитектуре и искусстве

extracted_text:
ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ
 В АРХИТЕКТУРЕ
И ИСКУССТВЕ.
АВТОР МАЛЕВАННАЯ Т.Ю

«КРАСОТА ДОЛЖНА ОТВЕЧАТЬ СТРОГОМУ ЧИСЛУ»       Б.ПАСКАЛЬ.

На протяжении многих веков для построения гармонических композиций художники пользовались понятием золотое сечение.
ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ В АРХИТЕКТУРЕ

Скульптурные сооружения, памятники воздвигаются, чтобы увековечить знаменательные события, сохранить в памяти потомков имена прославленных людей, их подвиги и деяния. Известно, что еще в древности основу скульптуры составляла теория пропорций. Отношения частей человеческого тела связывались с формулой золотого сечения. Пропорции “золотого сечения” создают впечатление гармонии красоты, поэтому скульпторы использовали их в своих произведениях.
ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ В ЖИВОПИСИ
В эпоху Возрождения золотое сечение было очень популярно среди художников.
Например, в большинстве живописных пейзажей линия горизонта делит полотно по высоте в отношении, близком к коэффициенту золотого сечения.
А, выбирая размеры самой картины, старались, чтобы ее стороны находились в золотом отношении.

Холст, на котором написана "Тайная вечеря" Сальвадора Дали имеет форму золотого прямоугольника. Золотые прямоугольники меньших размеров использованы художником при размещении фигур двенадцати апостолов.

Золотой прямоугольник обладает многими интересными свойствами. Если от него отрезать квадрат, то получится снова золотой прямоугольник. И так можно продолжать до бесконечности. Если соединить вершины квадратов плавной линией, то получим кривую, называемую ЗОЛОТОЙ СПИРАЛЬЮ.

       Если золотой прямоугольник использовался художниками для создания у зрителя ощущения уравновешенности, покоя, то золотая спираль применялась для выражения тревожных, бурно развивающихся событий. Эскиз гравюры "Избиение младенцев", выполненный Рафаэлем, отличается динамизмом и драматизмом сюжета.  На рисунке проведена золотая спираль, по которой располагаются основные фигуры экспозиции.
По золотой спирали закручены и многие галактики, в частности, Галактика Солнечной Системы.Золотое сечение, золотой прямоугольник и золотая спираль являются математическими символами идеального соотношения формы и роста. Великий немецкий поэт Гете считал их математическим символом жизни и духовного развития.


title: Скачать презентацию или конспект Сады Боболи во Флоренции

extracted_text:
Сады Боболи во Флоренции.
Автор: Суркова С. В.                                                                   Факультет экологии                                                                       и ландшафтной                                                                        архитектуры.                                                                                2 группа 2 курс

I. История создания.
  Впервые упоминания о садах Боболи можно встретить в архивных хрониках, относящихся к концу 16 века.

  Именно тогда герцог Козимо І Медичи обзавелся новой недвижимостью, Дворцом Питти.

  При осмотре приобретения было обнаружено, что за дворцом начинается большой холм с незастроенной территорией. А с вершины холма открывался отличный панорамный вид.
  Тогда жене герцога, Элеоноре Толедской, пришла в голову идея создать на холме величественный парк, который бы подчеркнул влиятельность и богатство семьи Медичи.
Казимо I Медичи.
Элеонора Толедская                                     Медичи.
Дворец Питти.
  Для создания садово-паркового шедевра был приглашен Никколо Триболо. Однако при жизни знаменитый скульптор не успел закончить свое грандиозное творение.

  Его работа была продолжена Бартоломео Амманати.

  В создании отдельных частей парка также принимали участие Джорджо Вазари,             Джулио Париджи,        Альфонсо Париджи и Бернардо Буоналети.
Никколо Триболо.
  Медичи постоянно расширяли и обогащали территорию сада. Его ценность и уникальность были сильно увеличены, когда среди зеленых лугов, извилистых аллей и небольших рощиц появились необыкновенные декоративные комплексы. Таким образом, постепенно сформировался музей под открытым небом.
  Во все времена сад Боболи служил местом проведения самых различных мероприятий. Во времена Медичи здесь постоянно проходили как пышные приемы, так и театрализованные представления. Именно в этом парке впервые было представлено публике оперное творчество. В последствии послушать оперные выступления приезжали представители всех знатных родов Тосканы.
Джон Уильям Уотерхаус «Зачарованный сад».

II. Сады сегодня.
  Сады Боболи неоднократно подвергались реконструкции, и каждый следующий хозяин привносил в образ парка что-то новое, подстраивая его под свой вкус. Свою нынешнюю площадь (4,5 га) парк занял уже в 17 веке. Для широкого круга посетителей его ворота были открыты в 1766 году.
 Сегодня Сады Боболи – это Музей садово-паркового искусства под открытым небом. В экспозиции музея посетителям представлены образцы садовой скульптуры, начиная со времен античности и до 17 века. Это один из самых элегантных итальянских садов в итальянском стиле.
III. Планировка садов.
1.Здание виллы.
2. Двор Аманати.
3. Амфитеатр.
Грот Буоналенти.
6. Бассейн с фонтаном.
Кофейный домик.
Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Предметы быта

extracted_text:
Раздел
"Предметы быта"
В данном разделе представлены предметы быта 19-20 в.в. В музее собраны коллекции самоваров, утюгов. Представлены орудия труда применяемые в сельском хозяйстве и в домашнем быту. Следует отметить, все орудия труда находятся в рабочем состоянии.
Особое место занимает ткацкий станок «Красна» на котором в прошлые века ткали холсты из которых шили рубашки, платья, дорожки. Ткацкий станок находится в рабочем состоянии до сих пор.
А также имеют : коллекция прялок (ножные и ручные), вышивка, лапти – это все те ремесла, которыми занимались  жители обеспечивая свое существование.
Чуковым Николай Ивановичем была собрана богатейшая коллекция икон, которые подарили в музей местные жители. На данный момент осталась только небольшая часть, остальная была расхищена в конце 80-х г.


title: Скачать презентацию или конспект Шишкин Иван Иванович

extracted_text:
Иван  Иванович Шишкин
     Художник – пейзажист:
    путешественник и странник
    ИВАН  ИВАНОВИЧ
          ШИШКИН

  Русский  художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравёр. Академик, профессор, учредитель товарищества передвижных художественных выставок.
      Слышим имя «Шишкина» – и тотчас перед глазами встаёт лесная чаща, утренний туман, могучие стволы и расписные ветви сосен, сломанное бурей старое дерево, медведица с медвежатами…
             Сосновый лес
       Дремучие леса обступили небольшой городок Елабуга, где родился и вырос художник. Говорят, что где-то в глубине лесной чащи спрятаны разбойниками сказочные богатства и клады. Разбойников Шишкин не боялся. Мальчиком он целыми днями бродил один по лесу. Деревья стали его друзьями.
              Автопортрет
       Отец Ивана был небогатым купцом и мечтал пробудить у сына интерес к торговле, но юноша пристрастился к рисованию и в 1852 году отправился учиться в Москву в Училище живописи, ваяния и зодчества.
      1856-1860 годы - учёба в Петербургской Академии художеств. Успехи молодого художника - золотая и серебряные медали.
      1860, 1862 годы – премируется поездками за границу -  Берлин, Дрезден, Прага, Цюрих…Этюдные зарисовки после приезда на родину воплощаются в картины.
      1865 год – Иван Шишкин получает звание академика.
      1870 год – Шишкин один из учредителей движения художников-передвижников.

«Рубка леса»
    С этой картины началась эпопея русского леса, русской природы.
                                     «Сосновый бор» 1872 год

«Утро в сосновом лесу» (1889)
«Сосны, освещенные солнцем» (1886)  - один из наиболее поэтических пейзажей художника. Он напоен душистым запахом нагретых солнцем сосен, ароматом трав и цветов, какой-то ликующей радостью яркого летнего дня. В этом полотне привлекает не столько линейная композиция, сколько гармония светотени и цвета.
Михаил Лермонтов«На севере диком стоит одиноко...»

«На севере диком…» 1891 год
На севере диком стоит одиноко
На голой вершине сосна
И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим
Одета, как ризой она.

И снится ей всё, что в пустыне далёкой,
В том крае, где солнца восход,
Одна и грустна на утёсе горючем
Прекрасная пальма растёт.

«Первый снег» (1875)
«Зима» (1890)
«Рожь» (1878)
«Ручей на лесном склоне»
     Бежит ручей, живой ручейИ воды чистые несёт.Ты подойди, воды испейИ сразу в жизни повезёт.Несёт ручей поток любви,Он всех напоит добротой.Живой ручей, к нему спеши,Поможет жизни стать иной.Усталый путник подойди,Воды напейся ключевой,Здоровье, силы обнови,Той родниковою водой.
                         «Корабельная роща» 1898 год
      Заключительный этап в творчестве художника.
Иван Шишкин непревзойдённый мастер гравюры и офорта.
      Автопортрет. Офорт
Автопортрет. Гравюра
   На родине художника в городе Елабуга создан Елабужский государственный историко-архитектурный и художественный
музей-заповедник.

Мастерская Ивана Шишкина
Жилая комната Ивана Шишкина
    Единственный в мире памятник в полный рост русскому живописцу И.И. Шишкину был установлен в Елабуге в 1991 году.
Могила И.И.Шишкина
      Иван Иванович Шишкин умер 21(8) марта 1898 года.
Смерть застала его за мольбертом с кистью в руках. «Он упал, как могучий дуб, пораженный молнией», — писал один из критиков, пользуясь любимым образом живописца.
     Художник был похоронен в Петербурге. Вначале на Смоленском кладбище, а затем в 30–е годы XX века его прах перенесли в Некрополь Александро–Невской лавры.


title: Скачать презентацию или конспект Иконография Николая Чудотворца

extracted_text:
Николай Чудотворец, 17 в.
Худ. центр или школа: Палех
ИКОНОГРАФИЯ

СВЯТИТЕЛЯ НИКОЛАЯ ЧУДОТВОРЦА
Святитель Никола, первая четверть 15 в.
Худ. центр или школа: Тверь
Святитель Николай Чудотворец (Никола Угодник) – один из самых почитаемых на Руси святых. Среди всех святых христианского мира святитель Николай имеет самую развитую иконографию: большое число разнообразных типов изображений святого было создано на протяжении десяти столетий, как в Византии, так и в России.
Святой Николай, 11 век, собор святой Софии в Киеве, фреска средокрестия
Самое раннее изображение святителя на Руси – в росписях Святой Софии в Киеве (середина XI в.).
Первые иконы Николая Чудотворца на Руси появились в XII веке. Многие из них были привезены из Византии.
История иконографии Николая Чудотворца
Наиболее ранние изображения святителя на Руси появляются в новгородских землях, затем в Москве, необычайно широко он почитался на Русском Севере.
Никола, конец 13 в., Новгород
Святитель Никола, 12 в., из Никольского собора на Ярославовом дворище в Новгороде.
Древнейшая из сохранившихся до наших дней — чудотворная икона Николы Дворищского. Отличительный признак этой иконы — ее круглая форма. Лик поновлен в 16 в.
ТИПЫ ИКОН СВЯТИТЕЛЯ НИКОЛАЯ ЧУДОТВОРЦА:

 Поясные изображения
 Ростовые изображения
 Оплечные изображения
 Житийные образы
 Деисусные изображения
 Другие изображения
Житийные образы (основные группы сюжетов):

 рождение и обучение грамоте

 поставление в священники

 помощь в бедах (чудеса)

 перенос мощей в г. Бари
Появление каждой новой иконы было связано с конкретными случаями благодатной помощи Великого Чудотворца. По местам прославления икон или чудесам от них образы Николы получали различные названия - «Никола Липенский», «Никола Зарайский», «Никола Можайский», «Никола Бабаевский» и др.
Списки и копии с них распространялись по всей русской земле в большом количестве, и таким образом, сформировались устойчивые изводы иконографии Николая Чудотворца.
Икона святителя Николая Чудотворца, 14 в.
ОБЩИЕ ОСОБЕННОСТИ ИКОНОГРАФИИ НИКОЛАЯ ЧУДОТВОРЦА
Нимб – символ святости
Вокруг головы Николы Чудотворца изображается круглый нимб, знак просветления лика святого. По православным иконографическим канонам на поле нимба святых не должно быть ни надписей, ни украшений.

Никола Липенский
Петров Александр (Алекса)

Новгород, 1294 г.
Икона написана для монастырской церкви Николы на Липне под Новгородом, где являлась храмовым образом.
Однако, на иконах с изображением Николая Чудотворца встречаются нимбы, поле которых украшено стилизованным растительным орнаментом.
Епископ Мир Ликийских, конец 12 – начало 13 века (фрагмент). Из Свято-Духова монастыря в Новгороде.
Лик  святителя Николая Чудотворца
В житие святителя Николая говорится, что по древнему преданию, епископ имел ангельский лик, исполненный святости и благодати. От него исходило некое пресветлое сияние, как от лица пророка Божьего Моисея. Этими преданиями, в основном, и руководствовались иконописцы.
Лик святителя с высоким челом, обрамленным негустыми седыми волосами, небольшой округлой слегка вьющейся бородой, удлиненным, правильной формы носом и выразительными глазами отличается благородной красотой.
Это человек огромного духовного опыта, надежный, верный пастырь, который «путь показал человекам правый и спасительный».

Никола с Ильей Пророком и Георгием, Новгород, конец 15 - начало 16 века (фрагмент).
Облик Николы был настолько характерен и хорошо известен, что в иконописных подлинниках (руководствах по иконописи) при описании разных святых указано: «власы и брада, аки Николина», «сед, аки Никола», или просто «аки Никола».
Иконные изображения святителя Николая, как и его жития, появились вскоре после кончины этого святого, жившего в первой половине IV века. Не исключено, что ранние иконы святого сохраняли его портретные черты.
Николай Чудотворец, Византия, Константинополь, конец 10 – начало 11 в.
Мозаика Святителя Николая в Киевском Софийском соборе, 11 в.
Святитель Николай византийского круга более суров, славянский же Николай одновременно строг и милостив.
Николай Чудотворец в деисусном чине, первая четверть 16 в.
Священные одежды Николая Чудотворца
Омофор
Поручи
Фелонь
Хитон
Епитрахиль
Палица
Древняя фелонь имела форму одежды с прорезью для головы, без рукавов, длинной до пят, плотно и высоко прилегающая к шее.
Сверху фелони, на плечах, спускаясь по левой стороне груди, лежит омофор. Это длинная, широкая полоса из ткани, украшенная крестами; у архиерея она лежит на плечах, одним концом опускаясь на грудь, другим — на спину.
Омофор архиереи носят как символ заблудившейся и найденной пастырем овцы, которую взял на Свои плечи Спаситель.

Никола Зарайский, новгородская провинция, 15 в.
Поручи символизируют силу, которой Христос победил врагов Своих, и одновременно Его узы.
Палица — одна из принадлежностей архиерейского облачения. Это четырехугольный плат в виде ромба на ленте, за один угол привешиваемый через плечо к правому бедру. Палица изображает духовный меч.
Епитрахиль одевается на шею, представляет собой как бы двойную ленту — широкую на груди и узкую на шее. Епитрахиль означает сходящую свыше благодать Святого Духа.
Другой вариант иконографии святителя Николая – в крестчатой фелони, богослужебном одеянии митрополитов и патриархов, хотя святитель не был ни тем, ни другим. Такие одежды более распространены в ростовых изображениях, но встречаются и в поясных образах.
Святитель Николай Чудотворец , конец 14 в.
Изображения Иисуса Христа и Богоматери на иконах святителя Николая Чудотворца
По обе стороны нимба святителя даны небольшие фигуры Христа и Богородицы, протягивающих ему Евангелие и омофор — знаки епископского сана.
Такие изображения известны в русской иконописи с конца XIII в. Этот сюжет объясняется преданием из жития святого о чуде на Никейском соборе 325 г.
Никола в рост с житием в 14 клеймах, 16 в. (фрагмент)
Наиболее были распространены поясные изображения Христа и Богоматери, помещенные прямо на фоне или заключенные в медальоны.
Никола Зарайский с житием, 17 в. (фрагмент)
Постепенно на смену поясным изображениям приходят другие, более свободные и разнообразные способы их размещения. Например, помещение в облачные сегменты.
Святитель Николай Чудотворец, церковь св. Георгия, Старая Ладога, последняя четверть 12 в.
ТИПЫ ИКОН СВЯТИТЕЛЯ НИКОЛАЯ ЧУДОТВОРЦА
Поясные  изображения святителя Николая Чудотворца
Древнейшим и наиболее распространенным типом икон святого Николая являются его поясные образы, которые складываются в византийском и русском искусстве в ХI—ХIII вв.
Десница (правая рука) святителя поднята в жесте благословения, обращенного к этому миру.
РАЗЛИЧНЫЕ СПОСОБЫ СЛОЖЕНИЯ ПАЛЬЦЕВ БЛАГОСЛОВЛЯЮЩЕЙ ДЕСНИЦЫ
Николай Чудотворец с житием, 1685 г. (деталь иконы)
Епископ мир Ликийских, конец 12 – начало 13 в. (деталь иконы)
Когда большой палец соединен с безымянным и мизинцем, а указательный и средний сомкнуты и подняты вверх, такой способ называют древним  перстосложением.
Если большой и безымянный пальцы образуют кольцо, а остальные несомкнутыми подняты вверх, причем указательный и средний слегка перекрещиваются, это — именословное перстосложение.
Святитель Николай Мирликийский, Москва, 1677 г., (Федор Зубов)
Круг (кольцо) в именословном перстосложении обозначает вечность, а вытянутые три пальца — символическое изображение имени Иисуса Христа в греческом начертании.
Именнословное перстосложение особенно широкое распространение получает в связи с реформами патриарха Никона, активного проводника «правильного» сложения трех перстов, взамен «неправильного» двуперстия.
Епископ мир Ликийских, конец 12 – начало 13 в.
В левой руке, прикрытой омофором, перед грудью, святитель Николай держит Евангелие — знак принесенного людям учения Христа. Традиционными являются изображения святителя Николая с закрытым Евангелием к руках.
Никола с Христом и Богоматерью, 16 в.
К менее распространенным типам относятся иконы святителя с раскрытым Евангелием, хотя такие образы в русской иконописи известны с XIII века. На страницах книги помещается начало текста службы святителю Николаю.
Еще более редким является изображение руки, которой святитель поддерживает книгу, не прикрытой омофором либо платом.
Никола Зарайский и апостол Филипп, Новгород, первая половина 14 в.
Ростовые  изображения святителя Николая Чудотворца
Другим древнейшим типом являются ростовые изображения святителя.
В русской иконописи получает распространение особое изображение святого Николая с разведенными в стороны руками, в позе, напоминающей оранта. В русском искусстве он появляется в XIII в., а распространяется в XIV в., особенно в житийных иконах. Полагают, что этот иконографический тип восходит к древней (не сохранившейся) иконе св. Николая, привезенной из Корсуни в 1225 г. в город Зарайск. Он получает название Зарайского.
Николай Чудотворец (Никола Зарайский), вторая половина 15 в.
На иконах Никола Зарайский представлен в полный рост, строго фронтально, правая рука поднята в благословляющем двуперстно жесте, в левой руке он держит закрытое Евангелие на уровне плеча, в некоторых случаях и выше, как бы благословляя двумя руками.
На Руси такие образы считались наделенными особой охранительной силой.
Никола Можайский, 17 в., Палехские письма
Вариантом иконографического типа Зарайского в XIV веке становится Никола Можайский (в народе часто называемый — «Никола с мечем и градом»).
Монументальная, прямостоящая фигура святого дана в полный рост, с отведенными в сторону руками. В правой руке он держит поднятый обнаженный меч, в левой — храм (иногда крепость, монастырь).
Никола Можайский, центральная Россия,  вторая половина 17 в.
Наибольшее распространение образы св. Николы Можайского получают в XVI—XVII вв., причем как в скульптуре, так и в иконописи. Иконописные изображения Можайского чудотворца отличаются наличием или отсутствием изображения Никейского чуда, подножия, плата. Еще одной особенностью икон данной иконографии является помещение арки, часто килевидной формы, над фигурой святителя.
Николай Чудотворец, 16 в., Москва
Оплечные  изображения Николая Чудотворца
Оплечные образы святого Николая известны начиная с XV в.
Святитель Николай изображен на них так, что виден только белый омофор с темными крестами и небольшой треугольный фрагмент ворота, украшенный драгоценными камнями.
Лик крупный с высоким и широким лбом, выразительными глазами, тонким длинным носом и небольшим ртом.
Святитель Николай Чудотворец (оглавный), середина 16 в.
Святитель Николай Чудотворец, вторая четверть 16 в.
Никола поясной с житием в 12 клеймах, Новгород, первая половина 14 в.
Житийные  изображения Николая Чудотворца
Житийные образы св. Николая составляют мощный пласт древнерусского иконописного наследия. Мирликийский чудотворец, прославленный многими деяниями при жизни и после смерти, имеет наиболее развитый и распространенный житийный цикл. Житийные образы святого Николая известны на Руси с ХIII—ХIV вв.
Сам житийный цикл святителя Николая складывается еще в ХI-ХII веках.
Николай Чудотворец
(Никола Великорецкий), Москва, около 1556 г.
Расположение клейм:1    2    34          56    7    8
1. Родители Николы приводят его учиться2. Явление Николы царю Константину3. Спасение Димитрия4. Никола служит Божественную литургию5. Спасение корабля во время бури6. Никола спасает трех осужденных от меча7. Спасение Василия от Сарацин8. Преставление Николы
Святитель Николай Чудотворец в житии (Никола Зарайский), конец 16 - начало 17 в., 84 клеймы.
Количество житийных клейм в иконах Николая Угодника иногда превышало 20.
Святитель Николай Чудотворец, перв. половина 16 в.
Николай Чудотворец, первая половина 17 в.
Деисусные  изображения святителя Николая Чудотворца
Согласно иконографической традиции в Деисусе Николай Чудотворец изображен в трехчетвертном повороте.
Святитель поддерживает левой покровенной рукой Евангелие, правая рука святого обращена с молитвенным жестом к центральному образу чина – Иисусу Христу. Облачен  Николай в святительские одежды - крестчатую фелонь.
Никола, Власий, Флор, Лавр, Илья Пророк и Параскева Пятница. Первая половина 15 в. Новгород.
Прочие  изображения Николая Чудотворца
Среди множества икон святителя Николая имеются и другие иконографические типы, в том числе изображения Николая Чудотворца среди избранных святых, в различных сюжетных композициях.
Николай Чудотворец, Иоанн Милостивый, Василий Исповедник , конец 15 – начало 16 в.
Рождество Николы Чудотворца

Бороздин Семен (Семейка)
Строгановская школа, 17 в.
Явление Богоматери пономарю Юрышу, 17 в.
Никола, конец 14 — начало 15 вв. Новгородская школа.
Фигура поясная, по сторонам головы — поясные Спас и Богоматерь. Вохрение по оливковому санкирю розовыми и белыми мазками по форме. Фон золотой. Икона записана в XVIII веке. Сделано пробное раскрытие на лицах Николы и Богоматери, на одеждах и фоне.
Доска липовая, шпонки набивные, новые. Паволока, левкас, яичная темпера. 126×87.

Из церкви Успения на Апухтинке в Москве.
ИСПОЛЬЗОВАННАЯ ЛИТЕРАТУРА:
Некоторые иконографические типы святителя Николая Чудотворца Мирликийского в русской иконописи XVI—XIX вв.
(по произведениям иконописной коллекции ЦАК МДА) Т. Н. Нечаева. http://nesusvet.narod.ru/ico/books/nechaeva.htm
Иконография Святителя Николая. Н. Квливидзе.  http://halkidon2006.narod.ru/icons/720_kvlividze_ikonografia.htm
Иллюстрированный словарь по иконописи
http://nesusvet.narod.ru/ico/gloss/g_index.htm
Презентацию выполнила
Постникова Ирина Павловна
2 курс, искусствоведение


title: Скачать презентацию или конспект Мона Лиза

extracted_text:
Беседа по картине. Автор: Хайридинова Камиля КСОШ №2
Леонардо да ВинчиМона Лиза (Джоконда)
«Мо́на Ли́за» («Джоко́нда»; ) полное название — Портре́т госпожи́ Ли́зы Джоко́ндо,  — картина Леонардо да Винчи, находящаяся в Лувре (Париж, Франция), одно из самых известных произведений живописи в мире, которое, как считается, является портретом Лизы Герардини, супруги торговца шёлком из Флоренции Франческо дель Джокондо, написанным около 1503—1505 года.
Еще первые итальянские биографы Леонардо да Винчи писали о месте, которое занимала эта картина в творчестве художника. От работы над «Моной Лизой» Леонардо не уклонялся — как это было с многими другими заказами, а, наоборот, отдавался ей с какой-то страстью. Он потратил на него значительное время и, покидая Италию в зрелом возрасте, увёз с собой во Францию в числе некоторых других избранных картин. Да Винчи испытывал особенную привязанность к этому портрету, а также много размышлял во время процесса его создания.
История картины
Возможно, этот рисунок из коллекции Хайд в Нью-Йорке сделан рукой Леонардо да Винчи и является предварительным эскизом портрета Моны Лизы. В этом случае любопытно, что сначала он намеревался вложить ей в руки пышную ветвь.
«Студия Леонардо да Винчи» на гравюре 1845 года: Джоконду развлекают шуты и музыканты
На картине прямоугольного формата изображена женщина в тёмной одежде, обернувшаяся вполоборота. Она сидит в кресле, сложив руки вместе, оперев одну руку на его подлокотник, а другую положив сверху, повернувшись в кресле почти лицом к зрителю. Разделенные пробором, гладко и плоско лежащие волосы, видные сквозь накинутую на них прозрачную вуаль (по некоторым предположениям — атрибут вдовства), падают на плечи двумя негустыми, слегка волнистыми прядями. Зеленое платье в тонких сборках, с желтыми рукавами в складках, вырезано на белой невысокой груди. Голова слегка повернута.
Лоджия выходит на пустынную дикую местность с извилистыми потоками и озером, окруженным снежными горами, которая простирается к высоко поднятой линии горизонта позади фигуры. «Мона Лиза представлена сидящей в кресле на фоне пейзажа, и уже само сопоставление ее сильно приближенной к зрителю фигуры с видимым издалека, как бы огромной горы, ландшафтом сообщает образу необыкновенное величие.

Описание картины
Мона Лиза
Портрет Джоконды является одним из самых лучших образцов портретного жанра итальянского Высокого Ренессанса.
Борис Виппер пишет, что, несмотря на следы кватроченто, «своей одеждой с небольшим вырезом на груди и с рукавами в свободных складках, точно так же как прямой позой, легким поворотом тела и мягким жестом рук Мона Лиза всецело принадлежит эпохе классического стиля». Михаил Алпатов указывает, что «Джоконда превосходно вписана в строго пропорциональный прямоугольник, полу фигура ее образует нечто целое, сложенные руки придают ее образу завершенность. Впрочем, как ни смягчены все контуры, волнистая прядь волос Джоконды созвучна прозрачной вуали, а брошенная через плечо свесившаяся ткань находит себе отзвук в плавных извивах далекой дороги. Во всем этом Леонардо проявляет свое умение творить согласно законам ритма и гармонии».

Композиция
Ко времени создания «Моны Лизы» мастерство Леонардо «уже вступило в фазу такой зрелости, когда поставлены и решены все формальные задачи композиционного и иного характера, когда Леонардо начинало казаться, что только последние, самые трудные задачи художественной техники заслуживают того, чтобы ими заняться. Он хотел при помощи приемов, уже выработанных и испробованных им раньше, особенно при помощи своего знаменитого sfumato создать живое лицо живого человека и так воспроизвести черты и выражение этого лица, чтобы ими был раскрыт до конца внутренний мир человека».
Именно sfumato создает влажный взгляд Джоконды, легкую, как ветер, её улыбку, ни с чем не сравнимую ласкающую мягкость прикосновения рук». S fumato — это едва уловимая дымка, окутывающая лицо и фигуру, смягчающая контуры и тени. Леонардо рекомендовал для этой цели помещать между источником света и телами, как он выражается, «некий род тумана».
Хотя глаза Джоконды внимательно и спокойно смотрят на зрителя, благодаря затененности ее глазных впадин можно подумать, будто они чуть хмурятся; губы ее сжаты, но около их уголков намечаются едва уловимые тени, которые заставляют поверить, что каждую минуту они разомкнутся, улыбнутся, заговорят. Самый контраст между пристальным взглядом и полуулыбкой на устах дает понятие о противоречивости ее переживаний.

Техника живописи
Искусствоведы подчеркивают органичность, с которой художник соединил портретную характеристику личности с пейзажем, полным особенного настроения, и насколько сильно это увеличило достоинства портрета.
Исследователь ренессансного искусства Виктор Гращенков пишет о том, что Леонардо, в том числе благодаря пейзажу, удалось создать не портрет конкретной личности, а универсальный образ: «В этой загадочной картине он создал нечто большее, чем портретное изображение никому не ведомой флорентинки Моны Лизы, третьей жены Франческо  дель  Джокондо. Внешний облик и душевный строй конкретной личности переданы им с небывалой синтетичностью. Этому имперсональному психологизму отвечает космическая отвлеченность пейзажа, почти полностью лишенного каких-либо признаков человеческого присутствия. В дымчатой светотени не только смягчаются все очертания фигуры и пейзажа и все цветовые тона.
„Джоконда“ — не портрет. Это — зримый символ самой жизни человека и природы, соединенных в одно целое и представленных отвлеченно от своей индивидуально-конкретной формы.
«Мона Лиза» выдержана в золотисто-коричневых и рыжеватых тонах первого плана и изумрудно-зеленых тонах дали. «Прозрачные, как стекло, краски образуют сплав, словно созданный не рукой человека, но той внутренней силой материи, которая из раствора рождает совершенные по форме кристаллы».

Пейзаж
Фрагмент пейзажа
Несмотря на то, что «Мона  Лиза» была высоко оценена современниками художника, в дальнейшем её репутация потускнела. О картине не вспоминали особенно до середины XIX века, когда художники, близкие к символистскому движению, начали восхвалять её, ассоциируя со своими идеями относительно женской загадочности. Критик Уолтер Патер в своем эссе 1867 года о да Винчи выразил свое мнение, описав фигуру на картине, как своего рода мифическое воплощение вечной женственности, которое «старше скал, меж которых оно сидит» и которое «умирало множество раз и изучило тайны загробного мира».
Дальнейший взлет славы картины связан с её таинственным исчезновением в начале XX века и счастливым возвращением в музей несколько лет спустя, благодаря чему она не сходила со страниц газет.
«Мона Лиза» на сегодняшний день является одной из самых знаменитых картин западноевропейского искусства. Её громкая репутация связана не только с её высокими художественными достоинствами, но и с атмосферой загадочности, окружающей это произведение.

Репутация картины
Согласно одной из выдвигавшихся версий, «Мона Лиза» — автопортрет художника
«Мона Лиза» за пуленепробиваемым стеклом в Лувре и толпящиеся рядом посетители музея
Исходящее от „Моны Лизы“ ощущение силы — это органическое сочетание внутренней собранности и чувства личной свободы, духовная гармония человека, опирающегося на его сознание собственной значительности. И сама улыбка ее отнюдь не выражает превосходства или пренебрежения; она воспринимается как результат спокойной уверенности в себе и полноты самообладания».
Отсутствие бровей и выбритый лоб, быть может, невольно усиливает странную загадочность в выражении её лица.. В улыбку „Джоконды“ вкладывали самые хитроумные и самые противоположные интерпретации. В ней хотели читать гордость и нежность, чувственность и кокетство, жестокость и скромность.
Чудо Моны Лизы заключается именно в том, что она мыслит; что, находясь перед пожелтевшей, потрескавшейся доской, мы непреоборимо ощущаем присутствие существа, наделенного разумом, существа, с которым можно говорить и от которого можно ждать ответа».
Леонардо в лице Моны Лизы удалось воспроизвести двоякий смысл её улыбки, обещание безграничной нежности и зловещей угрозы.

Улыбка Джоконды
Улыбка Джоконды
Мона Лиза  долго была бы известна только тонким знатокам изобразительного искусства, если бы не её исключительная история, которая обеспечила ей всемирную известность.
21 августа 1911 года картина была похищена работником Лувра, итальянским мастером по зеркалам Винченцо  Перуджей . Цель этого похищения не выяснена однозначно. Возможно, Перуджа хотел возвратить «Джоконду» на историческую родину, считая, что французы «похитили» её и забывая, что Леонардо сам привез картину во Францию. Поиски полиции были безуспешными. Поэт Гийом  Аполлинер был арестован по подозрению в совершении преступления и позже освобожден. Пабло Пикассо также находился под подозрением. Картину нашли только спустя два года в Италии. Причём виной тому был сам вор, отозвавшийся на объявление в газете и предложивший продать «Джоконду» директору галереи Уффици. Предполагается, что он собирался сделать копии и выдавать за оригинал. Перуджу, с одной стороны, хвалили за итальянский патриотизм, с другой — дали ему небольшой срок в тюрьме.
В конце концов, 4 января 1914 года картина (после выставок по итальянским городам) вернулась в Париж.
Кража «Моны Лизы»
1911 год. Пустая стена, где висела «Мона  Лиза»
Современное состояние картины
«Мона Лиза» очень потемнела, что считается результатом свойственного её автору тяготения к экспериментам к краскам, из-за которого фреска «Тайная вечеря» вообще практически погибла.
Современное состояние картины достаточно плохое, из-за чего сотрудники Лувра объявили, что больше не будут отдавать её на выставки: «На картине образовались трещины, а одна из них останавливается в считанных миллиметрах над головой Моны Лизы».

http://www.abc-people.com/data/leonardov/002pic.htm
http://worldleonard.h1.ru/doc/leonardo/madonna.htm
http://www.museum.ru/N26824
http://www.rian.ru/society/20060414/46385180.html

WEB -ссылки


title: Скачать презентацию или конспект Выставка картин общества художников "Бубновый валет"

extracted_text:
БУБНОВЫЙ ВАЛЕТ
РУССКИЙ АВАНГАРД
В феврале — мае 2005 года в Государственной Третьяковской галерее прошла выставка «Бубновый валет». Она стала заключительным этапом масштабного проекта, осуществленного фондом культуры «Екатерина» совместно с Государственным Русским музеем, Третьяковской галереей и Музейно-выставочным объединением «РОСИЗО» при участии 18 региональных музеев и частных собраний. Выставка стартовала в Монако в феврале 2004 года под названием «Русские художники группы “Бубновый валет”: между Сезанном и авангардом», затем в измененном составе экспонировалась в Русском музее как «“Бубновый валет” в русском авангарде». Московская версия включала 140 произведений живописи с конца 1900-х до начала 1920-х годов.
Успех выставки превзошел ожидания устроителей. Здесь сыграли свою роль и московские корни бубнововалетцев, и высочайший уровень отобранных работ, и тот факт, что последняя ретроспектива объединения была показана в Москве в 1927 году.

БУБНОВЫЙ ВАЛЕТ, группа русских живописцев-авангардистов, оформившаяся в 1910–1912 на базе одноименной московской выставки 1910; на следующий год преобразовалась в общество с собственным уставом. Первоначальный его состав был достаточно пестр, объединяющим началом служили общая воля к «новому искусству» и неприязнь к консервативным традициям академизма и передвижничества (впрочем, модерн и символизм тоже вызывали у «валетов» реакцию отторжения).
Бубновый валет. Обложка каталога выставки картин общества художников
Программа группы уточнилась во время ее раннего раскола, когда радикально настроенные художники во главе с М.Ф.Ларионовым (которому «Бубновый валет» обязан своим эпатажным названием) отделились, устроив самостоятельную выставку «Ослиный хвост» (1912). Более умеренные авангардисты составили прочное ядро объединения.
Главным руслом поисков «умеренных» стал «русский сезаннизм» (с Полем Сезанном как верховным вдохновителем) и ранний, «аналитический» кубизм, сохраняющий предметную натурность изображения.
 Наиболее характерные из «бубнововалетцев» (П.П.Кончаловский, А.В.Куприн, А.В.Лентулов, И.И.Машков, А.А.Осмеркин, В.В.Рождественский, Р.Р.Фальк) стремились выявить первозданную «вещность» мира, подчеркивая пластические, фактурные свойства цвета, момент красочной лепки форм.
А. Лентулов. Автопортрет 1915
Отсюда – своеобразная «натюрмортность» их искусства, даже если речь и не шла о натюрмортах как таковых. Материальная и как бы «плотская» стихия их произведений иной раз не исключала, впрочем (в особенности у Фалька), и острого психологизма.
В. Татлин. Матрос. 1911
Если в 1910-е годы мастера этого круга пребывали в живом диалоге с другими авангардными течениями (как это было, в частности, в случае с футуризмом Лентулова), то позднее они, следуя общей тенденции, приняли программу «тематической картины» в духе соцреализма. Параллельно сохранялся, однако, и их действенный неофициально-«подпольный» творческий потенциал.
И. Машков Дама в шляпе 1909
"Бубновый валет" в истории русского изобразительного искусства ассоциируется, прежде всего, с брутальными натюрмортами, пейзажами и портретами Петра Кончаловского, Ильи Машкова, Аристарха Лентулова, Александра Куприна. Действительно, эти и некоторые другие мастера определили стилистику и дух искусства "бубнововалетовцев". Однако впервые название "Бубновый валет" было придумано Михаилом Ларионовым для одноименной выставки, открывшейся в Москве в декабре 1910 г. Тогда молодые авангардисты противопоставляли свое творчество художникам-символистам, входившим в такие объединения, как, например, "Голубая роза".
Обращаясь за вдохновением к народным истокам, художники объединения "Бубновый валет" вводили в искусство элементы пародии, шутки, гротеска, очищая его от меланхолии и утонченности, свойственных символизму.
"Бубновый валет" — это не только одна из карт в карточной колоде. На тюремном жаргоне "бубновый валет" означает "плут", "обманщик". Такая метафора задала тон первой выставке, среди участников которой были художники разных творческих индивидуальностей. Помимо легендарного эпатажа, живопись "Бубнового валета" в первую очередь — красивая, темпераментная, богатая по цвету и сложная по фактуре, очень "московская" по своей природе, отмеченная тем, что критик Я.Тугендхольд назвал "здоровой влюбленностью в яркую плоть и кровь вещей".
И. Машков Автопортрет и портрет Петра Кончаловского. 1910
До 1916 г. в выставках "Бубнового валета" участвовали главным образом "коренные" бубнововалетовцы, но в 1916 г. ситуация резко изменилась в связи с активным внедрением в экспозицию "Бубнового валета" супрематических работ Малевича и его единомышленников.
В 1917 году объединение перестало существовать. Но привязанность мастеров "Бубнового валета" к фигуративной живописи сочного и мажорного характера надолго еще оставалась приметой их творчества, сформированной в пору расцвета деятельности объединения.
П. КончаловскийНаташа на стуле (портрет Н.П.Кончаловской в детстве). 1910
В. Рождественский Натюрморт «Трактирная посуда». 1909
Формально группа распалась в 1917, но в 1925 его «коренные» члены создали объединение «Московские живописцы» (с 1928 – «Общество русских художников»), тем самым закрепив привычку считать фактурную, сочную живописность «сугубо московской» эстетической традицией.
А. Лентулов Василий Блаженный. 1913
Р. Фальк Старая Руза. 1913.
А. Экстер Натюрморт с яйцами. 1914.
И. Машков Автопортрет. 1911


title: Скачать презентацию или конспект «Узоры России. Лоскутное одеяло Сочи-2014»

extracted_text:
Узоры России. Лоскутное одеяло Сочи-2014
Для сочинской Олимпиады разработан визуальный образ лоскутного одеяла, вместившего в себя узнаваемый российский рукодельный промысел.
Мастера из всех регионов России предлагали свои яркие изделия,
выполненные в технике «пэчворк».
Презентация оргкомитетом визуального образа олимпийского Сочи.
По задумке создателей, объединение многообразия промыслов в одном орнаменте ассоциируется с национальными чертами характера россиянина (доброта, тепло, душевность).
Вологодское кружево
Белоснежные кружевные узоры называют застывшими красками русской зимы. Родиной их является город Вологда в России (Северо-Западный округ) . Они стали популярны в Европе еще в конце 18 века. В основе рисунка - разнообразные «снежинки» и «паучки» на сквозных фонах. В растительных узорах преобладают мотивы из гибких ветвей с петлеобразными листьями, трилистниками, круглыми или вытянутыми лепестковыми и лапчатыми цветами, веерообразными мотивами, подковообразными фигурами.
Хохлома
Старинный народный промысел, появившийся в 17 веке в Нижегородской губернии Приволжской России.  На лоскутном олимпийском одеяле будет легко различить сочные красные ягоды земляники и рябины. В конце 19 века декоративную роспись по золотистому фону узнали и оценили в Европе. Удивительно, что при выполнении росписи на дерево наносят серебристый оловянный порошок. После того, как изделие покроют специальным составом и 3-4 раза обработают в печи, тогда и появляется этот восхитительный медово-золотой цвет хохломской посуды.
Уфтюжская роспись

Район реки Верхней Уфтюги Архангельской области Северо-Западного округа является настоящим музеем народного искусства. Здесь мастерили небольшие берестяные короба с крышкой. Для уфтюжской живописи характерно то, что большая часть поверхности остается не покрытой орнаментом. Композиция всегда одна и та же: гибкая веточка, несущая легкий цветок, раскинувшиеся «ресничками» листья, ягоды, птицы.
Кубачинские узоры
Художественной обработкой металла на Кавказе начали заниматься еще в глубокой древности. Кубачинцы (один из коренных народов Дагестана из аула Кубачи) Северо-Кавказского округа изготовляли не только холодное оружие, но и серебряную посуду и украшения. Основа кубачинских узоров – стилизованные растительные мотивы (веточки, листочки, цветы).
Якутские узоры
Этот древнейший национальный промысел возник в Якутии (Дальневосточный округ).
Самый популярный мотив в якутском орнаменте – лира. Это стилизованная конская морда. Лира с ответвлениями наверху означает крупный рогатый скот, а если много веточек- это олень. Очень важное значение имеют сочетания цветов. Черно-белый узор символизирует жизнь – смена дня и ночи, радости и горя. Зеленый – цвет роста, природы. Синий – цвет снега и воздуха.

Гжель
В 60-ти километрах от Москвы (Центральный округ) раскинулся так называемый «Гжельский куст» - 27 деревень, где с середины 17 века добывают глину для фаянса и фарфора. Гжельскую посуду расписывают вручную оксидом кобальта, мастер быстрыми мазками наносит на изделие геометрические или растительные узоры, который после обжига в печи приобретает насыщенный синий цвет.
Северодвинская роспись
Северодвинская живопись, возникшая на берегах Северной Двины Архангельской области (Северо-Западный округ), отличается преобладанием красного цвета и сложными флористическими узорами (листья и цветы переплетаются, создавая ковер), включая изображение сказочных птиц и животных.

Жостовская роспись
Жостовская фабрика стала известна на весь мир благодаря расписным подносам. Почти два века мастера в деревне Жостово в Подмосковье (Центральный округ) вручную выводят яркими красками на черном фоне крупные цветы. На жостовских подносах используется интересный оптический эффект – по краям рисуют мелкие цветы, которые сливаются с темным фоном. Поэтому кажется, что основной узор словно выступает из глубины.
Трехгранновыемчатая (клиновидная)  резьба
Это национальный вид искусства у многих народов России. Этим способом украшения широко пользовались при изготовлении прялок (самые известные – тарногские прялки, район Тарнога, Вологодская область, Северо-Западный округ). Главным узором был резной геометрический орнамент: розетки означают символ солнца, а теснящиеся пересеченные квадраты – образ возделанной земли.
Мезенская роспись
Тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин* сложившийся к началу 19 в. в низовьях реки Мезень (Северо-Западный округ).
Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный  и красный. Основные мотивы геометрического орнамента-диски, ромбы, кресты (схематичные изображения коней и оленей).

*Братина-сосуд, предназначенный, для братского, товарищеского питья.
Палехская миниатюра
Палехская миниатюра - вид русской народной миниатюрной живописи темперными* красками на лаковых изделиях из папье-маше. Возникла в 1923 в поселке Палех Ивановской области (Центральный округ) на основе местного иконописного промысла. Мастера расписывают шкатулки, ларцы, брошки, панно, заколки для галстука, игольницы. Типичные сюжеты палехской миниатюры позаимствованы из повседневной жизни, литературных произведений классиков, сказок, былин и песен. Работы обычно выполняются на черном фоне и расписываются золотом.

*Темперные краски - это краски, которые растирают на яичном желтке или клеевом растворе.

Ракульская роспись
Центр народной росписи на реке Ракулке, приток Северной Двины (Северо-Западный округ) открыла экспедиция Загорского музея-заповедника в середине прошлого века. Ракульская роспись имеет определенную живописно-графическую стилистику. Рисунок имел трехъярусную композицию: пышная извивающаяся ветвь наверху, изображение птицы в середине и цветок тюльпана на ножке. Основные цвета росписи- желтый, золотистый (охра), красно-коричневый, зеленый, белый и черный. Особое значение придавалось желтым и золотистым цветам, потому что это - цвета солнца.
Кубанские  узоры
Вышивка – основной вид народного изобразительного искусства славянского населения Кубани (Южный округ).  Традиции южнорусской культуры нашли яркое отражение в праздничном кубанском женском костюме. Рукава, ворот, манжеты и нижнюю часть подола традиционно вышивали мережками, крестом и гладью. Вышитые узоры – цветы, животные – не только украшали одежду, но и служили оберегами от злых сил. В традиционной кубанской вышивке был белый фон - цвет, на котором зарождалась жизнь, красный - цвет любви, жизни и черный - цвет плодородного кубанского чернозема, богатства Кубани. В вышивке был и геометрический, и растительный, и животный орнамент.
Павлопосадские платки
В небольшом подмосковном городе Павловский Посад (Центральный округ) еще в 18 веке местные мастерицы делали платки с орнаментом из золотой нити. Рисунок набивался на шерстяную ткань с помощью резных деревянных досок. Сейчас, конечно, используют специальные шаблоны, что существенно упрощает процесс изготовления. В узоре преобладают пышные цветы и гирлянды. Предпочтение - садовым цветам, прежде всего, розам и георгинам на чёрном или красном фоне.
Русский ситец
Славянские племена с X века занимались разведением льна, ткачеством холстов и полотен. Особое распространение этот промысел получил в городах Центрального округа: Костроме, Твери, Иваново. Темой узора для будущей ткани часто становились окружающие предметы: «елочки», «горох», «цветы», «рубчики», «клетка». Из ткани шили легкую одежду и постельное бельё. Из кусочков этой же ткани обычно шьется лоскутное одеяло.
Искусство народов Приволжского округа
В татарском орнаменте преобладают цветочно-растительные мотивы: трилистник (цветок, стебель, лист), тюльпан, гвоздика, лотос, восточные огурцы.
В узорных тканях, в некоторых видах ювелирной техники, наоборот, преобладающее место занимают геометрические узоры, встречаются  очень стильные рисунки животных и птиц.
Наиболее распространенные цвета татарского орнамента: синий, голубой, зеленый, иногда красный и их оттенки.
 Татарское народное искусство тесно связано с бытом: украшения жилища, одежды, предметов.

Искусство народов Приволжского округа
Мордовский орнамент восходит к культуре древних племён мордвы. Наиболее разнообразны его формы в народном искусстве 18—19 вв. Богатством орнаментных форм отличается вышивка. Преобладает геометрический орнамент в кайме одежды, элементах раскроя. Основой орнамента являются точки, ромбы, треугольники, квадраты, кресты, зигзаги, гребёнки, решётки, 8-конечные звёзды, крючки; прослеживается симметричное построение узора. В зависимости от техники исполнения орнамент может быть прямолинейным либо приобретает округлость линий. Выделяется орнамент в один цвет (красный или чёрный) и в 2 основных цвета (красный и чёрный) с дополнением зелёного, оранжевого.
Искусство народов Сибирского округа
Орнамент эвенков представляет пеструю картину. Эвенкийские женщины владели несколькими способами орнаментации предметов. Это и вышивание бисером, меховая аппликация, вышивание подшейным волосом оленя, раскрашивание. Но основным материалом для орнаментации одежды, обуви, предметов быта, упряжи был мех.
Орнамент эвенков несложен благодаря тому, что он преимущественно состоит из геометрических узоров, бордюрных мотивов из кругов, полукругов, треугольников, углов, зигзагов, ромбов, квадратов, крестообразных и вильчатых узоров. Орнамент в одежде внушает владельцу данной вещи чувство уверенности и неуязвимости, силу и мужество.
Искусство народов Сибирского округа
Орнамент по-бурятски слово звучит "угалза", что означает узор. Все многообразие орнаментов разделяется на пять основных групп: геометрические (ломаные, прямые, зигзаги, круги, ромбы, звезды); зооморфные  (анималистические); растительные (листья, цветы, плоды, лотос); природные, или космогонические (солнце, луна, вода, огонь.); культовые.  Орнаментом украшаются вещи из жестких и мягких материалов, деревянные части юрты, мебель, войлочные ковры, вышивки, одежда, посуда, упряжи, музыкальные инструменты.
Искусство народов Уральского округа
В основе орнаментов ханты и манси находятся два основных понятия: «след» и «изображение». «След» задает бордюрную организацию орнамента. Можно встретить гирлянды из высушенных «лапок», «ступней», «коготков» различных зверьков. Другая идея непрерывных бордюров – это «голова». Орнамент можно встретить в изделиях из меха, кожи, бересты, бисера, ткани, дерева, кости и металла. Орнаментом и сегодня украшают ханты и манси свою одежду, обувь, платки, пояса, сумки и другие предметы быта.

ИЗОБРАЖЕНИЕ «ЛЯГУШКА»
Искусство народов Уральского округа
У ненцев  в орнаменте характерна равнозначность фона и узора. В узоре сочетаются геометрические фигуры: квадрат, треугольник, ромбы различной величины и полос разной ширины. Вместе с тем такой узор всегда вписан в строгую геометрическую рамку.
У ненцев каждый цвет является символом. Белый цвет обозначает добро, благополучие, чистоту, он отождествляется с Верхним миром. Черный ассоциируется с болезнью, смертью, Нижним миром. Зеленый – цвет травы, весны и лета. Красный – цвет огня и тепла или крови – цвет зарождения жизни.

Олимпийский узор
Узор олимпийской одежды Сборной России – «перо жар-птицы» был впервые представлен в коллекции Пекин-2008. Перо жар-птицы стало олимпийским узором не случайно. Эта птица - из волшебного образа русских сказок, воплощающая мечту об удаче и благополучии. Этот узор стал поистине олицетворением восприятия Олимпийских одежд сборной России как у нас в стране, так и во всем мире.
Олимпийский факел – стилизованное изображение пера жар-птицы.
Национальные орнаменты России соединились в один узор в одежде  Олимпийской коллекции.
С помощью гравировки на медали нанесено фирменное "лоскутное одеяло» — образ Игр 2014 года — символизирующее многообразие культурных традиций российских народов.
ПАРАЛИМПИЙСКАЯ МЕДАЛЬ
ОЛИМПИЙСКИЕ МЕДАЛИ
ПИКТОГРАММЫ ВИДОВ СПОРТА СОЧИ - 2014
СПАСИБО
ЗА
ВНИМАНИЕ !


title: Скачать презентацию или конспект Театр и скульптура Петровского времени

extracted_text:
Театр и скульптура  Петровского времени.
Петровская эпоха, вызвавшая плодотворное оживление во всех областях культурной жизни при Петре  Ι привела к развитию первого в России публичного и всем доступного театра. Театр, по мысли Петра, должен был играть роль своеобразной трибуны передовых идей эпохи. ТеатрПервый публичный театр возник в Москве по инициативе Петра. Организация этого театра — одна из интереснейших страниц в истории европеизации Московской Руси, в истории того культурного преобразования, над которым немало потрудились и сам Петр и передовые люди его эпохи.
Театральные зрелища к этому времени не были диковинкой в России. В 1672 г. при дворе царя Алексея Михайловича существовал театр, в котором под руководством пастора Грегори ставились пьесы преимущественно религиозного содержания. Театр был придворным; на представлениях бывал ограниченный круг людей.
Петру, оценившему театр как средство пропаганды и воспитание зрителей пришлось заново воплощать идеи театра и делать его более распространенным.
Вернувшись из заграничного путешествия, Петр задался целью устроить, между прочим, и театр по образцу виденных им за границей. Организация театра была поручена Посольскому приказу. Так как в Москве никто не брался за это новое и трудное дело, так как не нашлось на этот раз и в Немецкой слободе человека, который знал бы театральное дело, — было решено выписать актеров и опытного «комедиантского правителя» из-за границы. Царь торопил подьячих Посольского приказа, требуя немедленного осуществления задуманного им проекта. Подьячие оказались в довольно затруднительном положении, так как не знали, где искать «комедиантов» и как вообще приступить к этому делу. Выручил их некто Ян Сплавский, иностранец, выходец из Венгрии, служащий Посольского приказа.

В июне месяце 1701 г. Ян Сплавский был отправлен в Данциг, где у него, по-видимому, были какие-то связи. Прибыв в Данциг, Сплавский заключил договор с руководителем одной из немецких странствующих трупп — Иоганном Христианом Кунстом 12 апреля 1702 г.

Первый  русский публичный театр просуществовал недолго. В конце 1703 г. Иоганн Кунст  умер, и его труппа была отпущена на родину. В марте 1704 г. во главе театра на Красной площади становится некто Отто Фирст, по специальности не актер, а золотых дел мастер. Новый директор театра с возложенными на него обязанностями не справился и вскоре развалил все дело. В одном из официальных документов 1705 г. читаем, что в этом году было собрано денег «самое малое число», так как «комедии было во весь год только 12». Далее так продолжаться не могло, и в 1706 г. театр на Красной площади был упразднен.
Скульптура в средние века не была широко распространена в России. Каменные барельефы древнего Владимира, народная резьба по дереву, глиняная игрушка – вот,  пожалуй,  и все, что можно отнести к скульптуре в допетровское время. Знакомство русских с западной скульптурой произошло задолго до Петра I. Первое   “узаконенное” появление  трехмерной скульптуры в России относится к 1695 году. Тогда в Москве была сооружена Триумфальная арка в честь взятия Азова. Арку венчали вырезанные из дерева фигуры Марса и Геракла.
Даже в новое время скульптура непросто приживалась на русской почве – публика не готова была ее воспринять.
Скульптура.
При Петре I статуи стали появляться во дворцах, парках, храмах, на триумфальных арках. Одним из наиболее интересных примеров является Петропавловский собор.

 Скульптура ангела украшает шпиль  Петропавловского собора

Летний сад создавался в соответствии с указаниями и вкусами Петра I, который желал иметь резиденцию "лучше, чем у французского короля в Версале". Европейская мода того времени требовала, чтобы сады украшались декоративными скульптурами. Статуи устанавливались вдоль аллей и на площадках, они украшали фонтаны, галереи, садовые павильоны.

Наше представление о Великом Петре сложилось во многом благодаря скульптурам Растрелли. Его, как и многих работавших в России иностранцев, занимала необыкновенная личность русского царя – преобразователя. В 1719 г. скульптор снял с лица Петра гипсовую маску, которая послужила образцом для работ не только самого Растрелли, но и для головы знаменитого “Медного всадника” Фальконе. Незадолго до смерти Петра мастер выполнил бронзовый бюст царя.
В условном одеянии, на вздыбленной лошади, Пётр изображается Фальконе как законодатель и цивилизатор. Вот что писал по этому поводу сам Фальконе: «Монумент мой будет прост… Я ограничусь только статуей этого героя, которого я не трактую ни как великого полководца, ни как победителя, хотя он, конечно, был и тем и другим. Гораздо выше личность созидателя -законодателя…»
Скульптор и созданная им статуя стали символами Петровских преобразований. На личном штандарте царе был изображен ваятель, Благодаря Петру I в XVIII  конце  века в русских городах получили распространение скульптурные монументы, без которых сегодня мы не мыслим архитектуры наших городов.


title: Скачать презентацию или конспект Сады Востока

extracted_text:
Сады Востока
Персия (Ирак)
Природные условия и растительность:

Страна не богата растительностью;
Резко континентальный климат;
Преобладали небольшие оазисы среди сухих степей и пустынных нагорий (платан, кипарис, дуб, фруктовые деревья);
Персия — родина сирени, лилии, тюльпана, нарцисса.
Сады и парки Персии:
1) аллеи;
2) сады при виллах (для охоты);
3) дворцово-парковые комплексы.

Вилла Эшреф
Садово-парковое искусство Персии имело характерные особенности:
появились обширные парки — «парадизы»;

использовался рельеф местности (террасы, каналы и бассейны);

применялся богатый ассортимент растительности, экзотических и фруктовых деревьев, а также огромного количества цветов;

включались павильоны и гроты в общую композицию.

Индия
Природные условия:

Жаркий муссонный климат;
Разнообразная растительность (тростник, бамбук, пальмы, темный кипарис, ива, тополь, платан)

Характерная особенность:
Плавучие сады;
Террасирование
В садово-парковом искусстве Индии выделялись следующие типы сада:
лекарственные сады;
сады при дворцах и виллах;
сады при гробницах;
сады Мохаллы;
общественные сады (на окраинах, на побережье, в комплексах общественных зданий).

Удайпур (1571)
мавзолей Тадж-Махал (1630-1652 гг.)
Генеральный план комплекса Тадж-Махал
городской ансамбль Фатехпур (Сикры)
А - цитадель с двором;
Б - мечеть;
В - караван-сарай;
Г - монетный двор
Дворец
1 - покои императора Акбара;
2 - дворы и заллы приемов;
3 - бассейн;
4 - гарем;
5 - сад "Мириам";
6 - дом первого министра;
7 - стойла
лошадей и верблюдов

Ландшафтное строительство Индии имело свои характерные черты:
строгая геометричность в композиции садов с широким использованием воды;
планировка садов схожа с персидскими садами;
сады на воде как специфическая особенность Индии;
дизайн, основанный на геометрических формах, который может делиться па части, но сохраняющий свое единство и первоначальные качества, что вполне относится и к планировке садов;
единство внутреннего и внешнего, дома и сада.