title: Скачать презентацию или конспект Карл Брюллов

extracted_text:
Карл ПавловичБрюллов
(12 декабря 1799 - 1 июня 1852)
pptcloud.ru
   Карл Па́влович Брюлло́в - великий русский художник, живописец, акварелист, рисовальщик, представитель академизма, Член Миланской и Пармской академий, Академии Святого Луки в Риме, профессор Петербургской и Флорентийской академий художеств, почетный вольный сообщник Парижской академии искусств.
   Творчество Брюллова внесло в живопись русского классицизма струю романтизма, жизненности. Произведения Брюллова отмечены утверждением чувственно-пластической красоты человека ("Вирсавия", 1832), драматической напряженностью образов ("Последний день Помпеи", 1830-33), реалистическими тенденциями, тонким психологизмом (автопортрет, 1848). Блестящий мастер парадного портрета ("Всадница", 1832).
Карл Брюллов написал 168 картин. Вот некоторые из них:
Последний день Помпеи (1833)
Всадница (1832)
Вирсавия (1832)
Нарцисс, смотрящий в воду (1819)
Итальянский полдень (1827)
Вечерня (1825)
Прогулка (1849)
Гибель Инессы де Кастро (1834)
 К. Брюллов – замечательный живописец 19 века. Психологическую тенденцию брюлловских портретов можно проследить у всех русских мастеров этого жанра: от Крамского и Перова до Серова и Врубеля.

       Спасибо за внимание!

    Выполнила ученица 11 класса Парчук Екатерина.


title: Скачать презентацию или конспект Художественное познание

extracted_text:
Художественное     познание.

Посредством создания произведений искусства происходит реализация такого вида познавательной деятельности людей, как художественное познание.
Иску́сство — образное осмысление действительности; процесс или итог выражения  внутреннего или внешнего (по отношению к творцу) мира в художественном образе; творчество, направленное таким образом, что оно отражает интересующее не только самого автора, но и других людей.

Искусством принято называть специфическую форму человеческой деятельности, которая представляет собой отражение окружающей действительности в художественных образах.
«Покорение Сибири Ермаком», Суриков.

Специфика искусства как формы художественного познания:
искусство является образным и наглядным;
для искусства характерны специфические способы воспроизведения окружающей действительности, а также средства создания художественных образов.
В литературе -  слово,
в живописи – цвет,
в музыке – звук. В процессе
познания мира с помощью
искусства, большую роль
играют воображение и
фантазия познающего субъекта.

Эмоции, чувства сопутствуют созданию образа дважды: в первый раз — когда побуждаемый ими человек запоминает образ, второй — когда фиксирует его. Невозможно запечатлеть образ, не испытывая к нему определенных чувств.Воображение – главная составляющая творческого процесса где фантазия связана с реальностью как источника замыслов.

Грани художественного образа могут быть различными, в зависимости от цели автора, а также от понимания и проникновения в образ зрителя. Их невозможно выстроить в определенной последовательности, каждая из них имеет право на существование, как имеют право быть разные люди, с многообразными характерами и интересами.
             Сюрреалистичные образы
        Фантазийный мир и его герои

Существует множество видов искусства – форм художественной деятельности, различающихся способом воплощения художественных образов. К основным видам относятся литература, театр, графика, живопись, скульптура, хореография, музыка, архитектура, декоративно-прикладное искусство, цирк, художественная фотография, кино.

И так, художественное познание – способствует получению нового знания об окружающем мире посредством художественных образов.


title: Скачать презентацию или конспект Терракотовая армия Цинь Шихуанди

extracted_text:
Работу выполнила: Полина Горбачёва  5 а класс                             город Череповец
Терракотовая армия Цинь Шихуанди
1. Я хочу рассказать о терракотовой армии императора Цинь Шихуанди.
2. Я захотела выполнить именно эту работу потому что  захотела узнать что это такое Вечная армия.

Цели работы
ГРАНДИОЗНАЯ НАХОДКА.
терракотовые солдаты впервые были обнаружены в 1974 году около древней столицы китая - города сиан. это была одна из самых сенсационных археологических находок xx века. терракотовая армия – это часть грандиозного погребального комплекса императора цинь шихуанди. он владычествовал в китае с 221 по 210 год до нашей эры, наводя страх и трепет на своих подданных. жестокого правителя, безжалостного завоевателя соседних государств боялись все, а он боялся лишь одного – смерти. он умер в возрасте 49 лет.
По древней китайской традиции, вместе с правителем должны были похоронить четыре тысячи молодых воинов, но советники сумели его разубедить. Чтобы охранять покой императора в загробной жизни, было решено изготовить из глины точную копию армии непобедимого Циня. В многометровых траншеях, предположительно, находится около восьми тысяч фигур воинов и лошадей.

.

В настоящее время исследования памятника   продолжаются. Археологами уже расчищено около двух тысяч фигур, более тысячи из них   отреставрированы.

Рождение терракотовой армии.
Все стрелки, всадники и пехотинцы обращены на восток: именно там находились царства, разгромленные великим Цинь Шихуанди. Статуи воинов выполнены в полный рост – от 1,7 до 2 м. Невозможно найти двух одинаковых лиц. Воины отличаются внешностью, позами, облачением. Удивляет точность и скрупулезность, с которыми выполнены фигуры. Лица, причёски, оружие, доспехи, шнуровки на одежде и стежки на матерчатой обуви проработаны с невероятной тщательностью. Среди воинов выделяются офицеры высшего, среднего, низшего ранга.
ЗАЧЕМ НУЖНА БЫЛА ЭТО АРМИЯ.
ЗАЧЕМ НУЖНА БЫЛА ЭТО АРМИЯ ВОТ ЭТИМ ВОПРОСОМ Я ЗАДАВАЛАСЬ ПРИ ВЫПОЛНЕНИИ РАБОТЫ???!!!
Буквально сразу после того, как терракотовая армия была обнаружена, появился вопрос, зачем она понадобилась в оформлении гробницы Цинь Шихуанди. Очевидно, что такой немаловажный штрих к погребальному обряду не мог не быть одобрен самим императором ещё до своей смерти. И здесь возникают два основных варианта – демонстрация собственного могущества и особое назначение войска в загробной жизни. Версию о том, что император создание грандиозной гробницы и терракотовой армии хотел просто продемонстрировать своё всесилие, долгое время была, так сказать, на обочине. Однако она не лишена оснований – хорошо известно из источников, что Цинь Шихуанди не упускал случая показать, что он практически бог и если он чего-то хочет, то он это получает. К тому же он полагал, что основанная им династия Цинь будет править Китаем практически вечно, 10 тысяч поколений: следовательно, основатель такой могучей династии должен быть достойно прославлен.
Но основной всё же считается версия, что несколько тысяч терракотовых воинов, да ещё и обладающих совершенно оригинальными чертами, «срисованными» с живых людей, должны были быть помощниками императора в загробной жизни.
Вероятно, он собирался воевать и после смерти – то ли отстаивать созданное им в многочисленных воинах царство, то ли хотел завоевать ещё что-то. Однако в последнее время появилась альтернативная трактовка: облачённые в доспехи фигуры были не воинами, а чиновниками, слугами и телохранителями, которые должны были прислуживать императору в загробном царстве. Аргументов в данном случае является соображение, что люди низкого происхождения, то есть простые солдаты, не могли находиться вблизи императора даже в загробном мире, так что в его терракотовой армии должны быть люди высокого положения. Правда, противники новой теории задаются вопросом, зачем тогда нужно было облачать фигуры в доспехи, если и так было найдено около сотни фигур, представлявших собой слуг Цинь Шихуанди.

Выводы
В своей презентации я рассказала о величайшем археологическом открытии XX века – терракотовой армии китайского императора Цинь Шихуанди.


title: Скачать презентацию или конспект Ордерная система храмов

extracted_text:
Ордерная система храмов
Архитектура Древней Греции

Изобразительное искусттво
Учитель: Л.В. Кукарева
Она не спрятана в музеях
С рождения обнажена,
Ее, любуясь, лицезреют,
Дань гению отдав сполна.

Когда стройна и величава,
Когда до мелочи проста,
Но как бы мода не кричала,
Гармонии она  верна.

Бегут года почти незримо,
Искусство это не молчит.
Минувших лет неколебимо
Она историю хранит.

Греческие ордера: А – дорический, Б – ионический, В – коринфский. Цифрами показаны части ордера: 1 – карниз, 2 – фриз, 3 – архитрав ( карниз, фриз и архитрав вместе образуют антаблемент), 4 – капитель, 5 – ствол колонны, 6 – база.
План греческого храма. Периптер.

Храм Зевса Олимпийского в Афинах
Проанализируй стихотворение
Для этого выпиши незнакомые слова и проведи словарную работу.
Ответь на вопросы:
Соразмерность с чем искали греки?
Имела ли колонна дорического ордера капитель?
Напиши, какие еще элементы, составляющие греческий ордер, не названы?
Листья какого растения украшают коринфскую капитель?
Какие арки имеет в виду автор, упоминая в стихотворении зодчих Древнего Рима и Ампира?
Что еще служило древним грекам вместо колонн?

Античный ордер
Во всем искали греки
Соразмерность.
Античный храм
Не смотрит свысока.
Он зодчим ордер дал,
Его на верность
Проверили. Ответ был:
«На века!»

Когда пришел период
Архаический,
Создали греки ордер свой
Дорический.
Колонны вырастают
Прямо с постамента.
Стволы их с каннелюрами -
Деревья–монументы.
В суровый дух дорийцев
Легко поверить,
Хоть раз, увидев храм,
Богини Геры.

А Эллина потомки -
Ионийцы
Продолжили строительства
Страницы.
Стал храм у них нарядней,
Встрепенулся,
Изящно над Акрополем
Взметнулся.
На базу встав,
Колонны приподнялись,
Сложнее капителями
Макушки увенчались.
Два завитка – волюты -
так знакомы.
Узнаешь их легко
И в современном доме.

Коринфцы  - те же греки,
На месте не стояли.
Еще сложнее ордер
Потомкам передали.
Его колонна -
Столь изящная натура.
Во всю длину ее
Все те же каннелюры.
От капители глаз
Не отвести,
Переплелись в ней листья,
Красуясь с высоты.
И Древний Рим,
И зодчие Ампира,
Что арки подарили миру,
В колонне сей увидят
Триумфальность.
И так из века в век
Не меркнет гениальность.
Л. Кукарева

Стиль – это совокупность устойчивых художественных форм.
Стиль – это производная эпохи.
Сколько эпох – столько и стилей.

ОРДЕР - определенная художественная система стоечно-балочной конструкции, разработанная в Древней Греции и перешедшая в архитектуру других стран.
Ордером (лат. ordin -строй, порядок) римляне назвали воспринятую у греков систему правил сочетания формы и размеров архитектурных элементов. Эту систему в течение нескольких столетий совершенствовалась поколениями греческих архитекторов.

Эрехтейон. Храм, посвященный Афине и Посейдону

Эрехтейон. Кариатиды.

Храм Зевса Олимпийского в Афинах

Золотое сечение
Золотое сечение – это такое пропорциональное деление отрезка на неравные части, при котором весь отрезок так относится к большей части, как сама большая часть относится к меньшей; или другими словами, меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему
a : b = b : c или с : b = b : а.

Определение «золотого сечения» отрезка

Целое так относится к большему,
Как большее к меньшему.
И это известное всем отношение
В искусстве зовут…
«Золотым сечением»

АБАКА - верхняя часть капители в виде плиты
КАПИТЕЛЬ -вкрхняя. завершающая часть колонны, пилона или пилястры.
КАННЕЛЮРЫ -вертикальные желобки на стволах колонн, пилонов или пилястр.
ОРДЕР- в классической архитектуре определенная система соотношения частей сооружения, несущих и несомых элементов, главных деталей колонн.
ДОРИЧЕСКИЙ ОРДЕР - первый античный архитектурный ордер, отличающийся монументальностью пропорций; в этом ордере ствол колонн покрыт каннелюрами, капитель состоит из эхина и абаки.
ЭХИН - нижняя часть дорической капители, напоминающая плоскую круглую подушку.
ИОНИЧЕСКИЙ ОРДЕР - второй античный архитектурный ордер, отличающийся легкостью пропорций; каннелированный ствол колонн более утончен, чем у дорической колонны, капитель декорирована волютами.
ВОЛЮТА - архитектурно-декоративная деталь в виде спирального завитка
КОРИНФСКИЙ ОРДЕР - третий античный архитектурный ордер, отличающийся изысканностью пропорций; свол колонн подчеркнуто утончен, капитель декорирована волютами и акантовыми листьями.
ТОСКАНСКИЙ ОРДЕР - римский вариант дорического ордера; в этом ордере ствол колонны не имеет каннелюр, опирается в отличии от дорического на базу.
ПИЛОН - массивный столп, прямоугольный или круглый в плане, поддерживающий свод
ПИЛЯСТРА - плоский, прямоугольный в плане выступ стены, имеющий пободно колонне базу, ствол и капитель; служит для членения плоскости стен.

БАЗА - подножие колонны, пилястры, пилона
ПРОЛЕТ - промежуток между опорами, колоннами, пилястрами.

Портик
(от лат. porticus), выступающая вперёд часть здания, открытая на одну или три стороны и образуемая колоннами или арками, несущими перекрытие; чаще всего оформляет главный вход и завершается фронтоном или аттиком.

«Постамент со всех сторон поднимается тремя уступами. Их не надо понимать как ступени, недаром они слишком велики для человеческого шага: подобно постаменту статуи, они поднимают храм над Землей, изолируют его от окружающего. Непосредственно из постамента вырастают колонны. Они так массивны и могучи, так тесно поставлены, что кажутся не просторной сквозной галереей, а сплошной непроницаемой стеной. Их задача – нести, поддерживать огромную тяжесть, нависшую над их головами. Это тяжелое покрытие так оформлено, что производит впечатление не горизонтальной каменной полосы, обегающей кругом храма, а опять-таки сплошной каменной массы, лежащей параллельно постаменту. Чтобы крепче противодействовать давлению тяжести, на вершину колонн положены квадратные плиты. Но давление так мощно, столкновение силы и тяжести так резко, что вершина колонны сплющивается в круглую подушку и тело колонны разбухает от напряжения. И все-таки колонны, как воплощение живой силы, оказываются победителями в этой борьбе с косной массой. Они не только сдерживают тяжесть, но и своим контрнатиском раздробляют ее единство, продолжая свой упор в вертикальных линиях триглифов и поднимая крышу треугольников фронтона. В результате устанавливается полное равновесие  направлений; чувством глубокой уверенности, непоколебимой твердости веет от дорического храма. Простые, сильные и скупые в своих чувствах люди были создателями дорийского ордера».
Б.Р.Виппер «Искусство Древней Греции»


title: Скачать презентацию или конспект Футуризм

extracted_text:
Футуризм

Определить характерные для футуризма:
модель мира;
концепцию человека;
концепцию творчества.

Ваша сегодняшняя задача:
Каковы причины появления футуризма?
Как определяются принципы футуризма в философии?
Каковы принципы футуризма в живописи?
Чем футуризм отличается от символизма и акмеизма?
 футуризм -
от futurum - будущее
Футуристы -
«будетляне»

из истории возникновения

20 февраля 1909 г. в  «Манифесте о футуризме» Филиппо Маринетти впервые ввел термин футуризм применительно к итальянской литературе.
Время рождения футуризма – 1910 год, когда вышел первый футуристический сборник «Садок судей», его авторами были Д.Бурлюк, В.Хлебников и В.Каменский.
Философские предпосылки:
А.Бергсон, А. Шопенгауэр, Ф.Ницше
Интуитивизм
Нигилизм
Критика традиционной культуры
Идеал сверхчеловека
Эстетическая предпосылка – Символизм.
В центре мира человек
Игра со словом
Отказ от недосказанности, туманности, мистицизма
Воспевание пользы
«Искусство для масс»
Антиэстетизм

общее
различие
Футуризм

Кубофутуризм
Эгофутуризм
В.Маяковский
А.Крученых
И.Северянин
И.Игнатьев

объединение "Центрифуга"
Б.Пастернак
Н.Асеев
Владимир Маяковский
Право творца созидать свой мир,
соединяя несоединимое, видеть реальность
 чрез призму собственной души
 утверждал Владимир Маяковский в стихотворении
«А вы могли бы?»
Я сразу смазал карту будня,
Плеснувши краску из стакана;
Я показал на блюде студня
Косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
Прочёл я зовы новых губ.
А вы
Ноктюрн сыграть
Могли бы
На флейте водосточных труб?
Первая декларация футуристов «Пощечина общественному вкусу»:
«Только мы- лицо нашего времени…
Прошлое тесно. Академия и Пушкин непонятнее иероглифов…
Бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. с парохода современности…»
*Что выражается с помощью этих тезисов?

Каждое из трех модернистских течений начала ХХ века (вспомните какие) в сознании читателей устойчиво связывалось с определенным видом искусства.
 Как вы полагаете с каким и почему?
Проверьте себя:
¶ Символизм – музыка
□ Акмеизм – скульптура
ﻼ Футуризм - живопись
Футуризм был тесно связан с авангардными группировками художников 1910-х годов:

«Бубновый валет»
«Ослиный хвост»
«Союз молодежи»
Футуризм в живописи
Какие принципы живописи выражены в следующем утверждении?

«Авангард можно рассматривать как реакцию на возникновение новой техники… побудило их к попытке сконструировать произведение искусства как своего рода «эстетическую машину»… как обнаружение собственной конструкции».
Н.И. Альтман
Портрет поэтессы Анны Андреевны Ахматовой.
Характер поэтессы передается с помощью четких, строгих линий, некую мягкость ее облику придают только струящиеся линии одежды и шали.
Бобэоби пелись губы,
Вээоми пелись взоры,
Пиээо пелись брови,
Лиэээй – пелся облик,
Гзи-гзи-гзэо пелась цепь.
Так на холсте каких-то соответствий
Вне протяжения жило Лицо.
				В.Хлебников

Предположите, каким может быть название картины Василия Кандинского
и прокомментируйте свое предположение
Линии, контуры, светотень, цвет – что,
по-вашему, прежде всего позволяет
Кандинскому создавать свой художественный мир?
Картины «Композиция №7», «Синий гребень», «Москва. Красная площадь».
В картинах Кандинского главное – цвет,взаимоотношение красок.
 Ожившая в красках музыка
 создает особый мир ритмов, цветовых пятен и энергетических сочетаний.
Пятна и линии действуют, как живые существа. Мир красок становится проявлением постоянно
 враждующих друг с другом начал,
 однако из этого противостояния,
трагического сплетения
рождается своеобразная гармония.
Как соотносятся
с картинами В. Кандинского
строки В. Маяковского:
Ненавижу
всяческую мертвечину!
Обожаю
всяческую жизнь!
В картине  Кандинского «Девушки в поле» человек воспринимается как центр мироздания, стабильность и устойчивость.
Фигура человека в соответствии с принципами футуризма состоит из геометрических фигур.
«Квадрат Малевича –
 изображение мира
 как бестелесной и
внеличной энергии.
Это некое
первоначало
 и первооснова,
 канон
 нового искусства»
Живопись М.Шагала повествовательна. В ее основе лежит бытовой жанр, повседневно-бытовое и эмоционально-психологическое измерение жизни.
Вспомните!
Так видели мир художники- символисты. Есть ли в этом взгляде на мир что-то общее?
Приближается к конструктивизму творчество Татлина. «Портрет художника» - намеренно примитивное, по-детски наивное изображение человека-творца мироздания.
Татлин. Башня Эго Интернационала.
Назовите основные черты футуризма в живописи:
цели искусства авангарда,
образы,
 восприятие мира,
отношение к средствам изобразительности
Проверьте себя:
вера в преобразующую силу искусства;
отвлеченные, абстрактные фигуры, образ художника-творца;
мир, базируется на новой системе ценностей урбанистической цивилизации;
обновление поэтических средств.

На примере стихотворения В.Хлебникова сформулируйте основные принципы футуризма по тем же аспектам, которые применялись по отношению к изобразительному творчеству:
образы
восприятие мира
отношение к средствам изобразительности
В.Каменский. «Декрет о заборной литературе»
Давайте все пустые заборы –
Крыши – фасады – тротуары –
Распишем во славу Вольности,
Как мировые соборы
Творились под гениальные удары
Чудес от Искусства молодости,
Расцветайте была – ни – была
Во все весенние колокола…
Какая основная цель искусства провозглашается в этом стихотворении?
Сформулируйте основные
особенности футуризма
как направления в
литературе.


title: Скачать презентацию или конспект Первая половина 19 века

extracted_text:
Художественная культура первой половины 19 века
Работу выполнила
Ученица 10 класса
МБУ ОО СОШ №15
Васильева Валерия

Николай Михайлович
Карамзин
Связь литературы
 и истории
Повесть «Марфа Посадница, или Покорение Новгорода»,
«История государства Российского»
Основная его идея:
«Сопоставление республиканскую
и самодержавную власти.
Свой выбор отдаёт в
 пользу самодержавия.
Романтизм
К.Ф.Рылеев
Василий Андреевич
Жуковский
Одоевский А.И. и В.К.Кюхельбекер
Реализм
Родоначальники
 реализма в
 русской литера
 туре.
А.С.Пушкин
М.Ю Лермонтов
«Борис Годунов», «Капитанская
 дочка», «Дубровский», «Медный
 всадник».
 «Герой нашего времени»
Критический реализм
Николай Васильевич
Гоголь-основатель
«натуральной школы»
Его произведения:
«Шинель», «Ревизор»,
 «Мертвые души»
Александр Николаевич
Островский
В своих пьесах раскрыл
 реалистичный мир рус-
ского  купечества.

1849 год драма «Свои
 люди сочтемся»
Тема крепостная
деревня
Иван Сергеевич
Тургенев
 «Записки охотника»
 1847-1852гг.
Театр
Большой театр (О.И Бове)
Александринский театр
Михаил Семенович
Щепкин.
АРХИТЕКТУРА
Архитектурный стиль –АМПИР- монументальность форм, богатство украшений и строгости линий.
Петербург
Казанский собор (1801-1811гг)
Андрей Никифорович Воронихин.
Карл Иванович Росси  Здание Сената и Синода.
Дворцовая площадь с зданием Главного штаба
 и аркой.
Андреян Дмитриевич Захаров. Адмиралтейство
Москва
О.И Бове Триумфальные ворота.
Константин Андреевич Тон. Храм Христа Спасителя
Вывод
Первая половина XIXвека вошла в
 историю как начало «золотого века»
 русской художественной культуры.
Её отличали: стремительная смена
 художественных стилей и направлений
 взаимообогащение и тесная взаимосвязь
 литературы и других областей искусства,
 усиление общественного звучания
 создаваемых произведений, органическое
 единство и взаимодополнение  лучших
 образцов западно-европейской и русской
 народной культуры.


title: Скачать презентацию или конспект Развития русской иконописи от Богоматери Владимирской до парсуны

extracted_text:
РАЗВИТИЕ РУССКОЙ ИКОНОПИСИ
от Богоматери Владимирской до парсуны
Фресково-мозаичная живопись
Фреска –
			живопись по сырой штукатурке 		водяными красками

Мозаика –
			изображение выложенное из 			цветных камней, стекла, смальты
Софийский собор в Киеве
Фрески – 3000 м2
Мозаики- 260 м2
Богоматерь Оранта

Христос-Пантократор

Священномученник Ермил
ИКОНА
	(от греч. eikon — изображение, образ), сакральное изображение Иисуса Христа, Богоматери, святых или ангелов, а также событий Священной истории.

Спас Нерукотворный
Ангел Златые Власы
О, как могуч разлив славянских рек,
Как широко глаза Руси открыты!
И Феофан изограф, мудрый Грек
Не зря сменил оливы на ракиты.
	Под небом Византии золотым
	Он всюду видел ржавчину корысти,
	А у Руси простор необозрим –
	Пиши, в лазури омывая кисти.
Как в мастерскую он во храм входил
Мыслитель смелый, а не раб убогий,
Подвижников своих он наделил
Земною, человеческой тревогой

И с ним в веках поспорить будет рад
Андрей Рублев – достойный русский брат!

Н. Рыленков
Церковь Спаса Преображения на Ильине улице
«Троица»
Столпники
Макарий Египетский
Спас Вседержитель
Авель
Успение
Николай Чудотворец
Богоматерь Донская
Владимирская школа живописи
Дмитрий Солунский
Дмитриевский собор
Московская школа живописи

Иконы Звенигородского деисусного чина

Троица

«пресловущий паче всех»Дионисий

Темы сообщений
Архитектура Великого Новгорода
Архитектура Владимиро-Суздальского княжества
Архитектура Московского княжества.
«Троица» А. Рублева – шедевр средневековой живописи
Фрески Ферапонтова монастыря


title: Скачать презентацию или конспект Колокольня Ивана Великого

extracted_text:
Колокольня Ивана Великого (колокола и храмосданная надпись)
1. Новгородский
1
2
3
Схема расположения колоколов

2. Лебедь
3. Медведь

Колокола «Новгородский», «Лебедь» и «Медведь»

Храмосданная надпись

Виды колокольни и храмосданнаянадпись

ИЗВОЛЕНИЕМ СВЯТОЙ ТРОИЦЫ, ПОВЕЛЕНИЕМ ВЕЛИКОГО ГОСУДАРЯ, ЦАРЯ И ВЕЛИКОГО КНЯЗЯ БОРИСА ФЕДОРОВИЧА, ВСЕЯ РУСИ САМОДЕРЖЦА, И СЫНА ЕГО БЛАГОВЕРНОГО ВЕЛИКОГО ГОСУДАРЯ, ЦАРЕВИЧА И ВЕЛИКОГО КНЯЗЯ ФЕДОРА БОРИСОВИЧА ВСЕЯ РУСИ, ХРАМ СОВЕРШЕН И ПОЗЛАЩЕН ВО ВТОРОЕ ЛЕТО ГОСУДАРСТВА ИХ 108 [1600].


title: Скачать презентацию или конспект Проверочная работа: Древние корни народного искусства

extracted_text:
Проверочный  тест  по  теме    1  четверти

« Древние  корни  народного  искусства ».
1. Найди  предметы  декоративно – прикладного  искусства.
А)
Б)
В)
Г)

2.  Назови  традиционное  русское  жилище:
А)  дом          В)  хоромы
Б)  терем       Г) изба

3.  Укажи  следующие  компоненты  избы:
А) тесовая  кровля

Б) слуховое  окно

В) красное  окно

Г) причелина

4.  Что  такое  ПРЯЛКА ?
А) орудие  для  ручного  прядения

Б) станок  для  ткачества

В) инструмент  для  ручной  вышивки
Г) приспособление  для  вязания

5.  Под  какой  буквой  ты  видишь  изображение  прялки ?
А)
Б)
В)
Г)

6. Что  такое  ОРНАМЕНТ ?
А) цветочный  узор ;
Б)  узор  на  поверхности  пред-
                                  метов ;
В) украшение  на  одежде ;
Г)  красивый  узор .

7. Что  такое  ИНТЕРЬЕР ?
А)  вид  здания  снаружи ;

Б)  внутренний  облик  здания ;

В)  вид  здания  изнутри ;

Г)  расположение  мебели  в  комнате.

8.  Из  чего  состоит  интерьер  избы  на  этой  картинке ?

Как  называется  эта  часть  избы ?
Из  чего  состоит  его  интерьер ?

10.  Что  такое  ДИЗАЙН ?
А) умение  составлять  букеты ;

Б)  украшение  помещений ;

В)  создание  нужных  и  красивых  предметов ;

Г)  проектирование  красивых  зданий.

Придумай  свой  дизайн  ученической  парты  и  стула.
Работа  проводится  в  альбоме.

Приступаем  к  работе.
Желаю  успехов.


title: Скачать презентацию или конспект Основные понятия веб-дизайна

extracted_text:
Основные понятия веб-дизайна
Общие понятия:
Веб-страница – электронный документ, выполненный с помощью языка html, читаемый браузером.
Веб-ресурс – любой цифровой ресурс, размещенный в сети
Сайт – упорядоченный набор веб-страниц, выполненных в едином стиле и взаимосвязанных общей двухуровневой навигацией.
Портал – это открытое хранилище веб-ресурсов, снабженное системой поиска  навигации.
Социальная сеть – это открытый конструктор веб-ресурсов, предназначенный для всех видов коммуникации.

Общие понятия:
Виды сайтов
Информационные
Корпоративные
Образовательные
Развлекательные
Жизненный цикл веб-ресурса
Проектирование
Реализация
Наполнение контентом
Раскручивание
Эксплуатация
Вывод из эксплуатации
Стадия проектирования
Определение целевой аудитории
Обоснование целей и задач
Разработка логической схемы
Определения хостинга и средств разработки
Разработка физической структуры
Разработка системы навигации
Разработка дизайна
Описание технического задания


title: Скачать презентацию или конспект Постмодернизм

extracted_text:
ПОСТМОДЕРНІЗМ
Постмодернізм – «синтез повернення
 до минулого і руху вперед»
Н. Маньковська
“Постмодернізм – не фіксоване
хронологічне явище, а якийсь
духовний стан… “  (Умберто Еко)

Дмитро Затонський вважає, що
постмодернізм – тимчасовий стан культури, який періодично виникав в історії, коли руйнувалася чергова утопія про “створення раю на землі” і наставав період “тверезого розчарування”.
“Сучасний постмодернізм навколо нас можна розглядати як обіцянку повернення та нового відкриття, тріумфальну повторну появу високого  модернізму з його усією колишнью могутністю та життєвою свіжістю”.  (Ф.Джеймсон)
        постмодернізм
( лат. post – префікс, що означає наступність, фр. moderne – cучасний, найновіший)  - загальна назва окреслених останніми десятиліттями тенденцій у мистецтві, що виникли після модернізму і авангардизму.

Постмодернізм – це явище, що означає певний “стан душі“ й характеризується критично-іронічним поглядом на життя.
Постмодернізм у літературі

	Розвиток постмодернізму у літературі починається із 60-х років XXст. Література побудована на грі, може використовувати будь-яку традицію, усе змішано, немає забороненого.
Вперше термін «постмодернізм» згадується у 1917 році в роботі німецького філософа Рудольфа Панвінца «Криза європейської культури», але поширився він лише наприкінці 1960-х років спершу для означення стильових тенденцій в архітектурі, спрямованих проти безликої стандартизації, а пізніше – у літературі, малярстві та музиці.
Найвизначніші події
Космос
Екологічна
 криза
Ядерні
катастрофи
Крах
соціалістичної
системи
Зміна
кордонів
Пошук нових
засад
співіснування
Головні питання перед людиною
Що буде з людиною?
Як відновити моральні цінності?
Головні тривоги
Цивілізація поглинає особисті інтереси
Негативний
моральний
стан людини
Загальна відчуженість
Знеособлення людини в умовах урбанізації

    на думку американського критика і дослідника Дж.Барта, не наслідує і не відмовляєтьсявід своїх батьків-модерністів XXст. , а ідеальний постмодерністський роман мусить піднятися над сутичкою між реалізмом і ірреалізмом, формалізмом і “змістовністю”, літературою чистою та заангажованою, елітарною і масовою.
Ідеальний письменник – постмодерніст,
Скриптор – той, хто пише. Протилежний категорії “автор”.
Вважається, що автор епохи постмодернізму просто неспроможний створити щось нове. Художній текст літератури постмодернізму вирізняється яскраво вираженою інтертекстуальністю та іронічним пафосом.
Думка філософа
 Бодрійяра про те,
що реальність
 “агонізує”,
стала крилатою
серед постмодерністів

Герой літератури постмодернізму
Людина, що загубилася у повсякденні,
втратила зв’язок із всесвітом,
гостро переживає власну відчуженість
і втрату духовних орієнтирів.
Вона не знає, куди йти,
в що вірити, про що думати, що відчувати

Характерні ознаки:
поєднання комічного
і фантастичного;
гротеск;
художнє передбачення

Сюжет постмодерністських творів
як правило, розпадається
 на велику кількість мікросюжетів, відступів, коментарів.
Текст є колажем думок, почуттів, ситуацій
Мета
Показати роздрібненість дійсності
 і висловити надію,
що людина зможе її подолати
і стати об’єднуючою силою
Порівняльна таблиця “модернізм – постмодернізм” (за Брайніним-Пассеком)
Домінанта постмодернізму – пріорітет унікального над універсальним, особистості над системою, людини над державою.
Не віддаючи перевагу жодним традиційним культурним моделям, постмодернізм здатний черпати з будь-яких духовних надбань.
На відміну від модернізму (мистецтва відчуженого індивідуума) постмодернізм -  мистецтво трагікомічне або фарсове, самоіронічне і самопародійне.
Найхарактерніші ознаки постмодернізму – органічне злиття трагедії і фарсу у трагікомічному, іронія і самоіронія, пародія і самопародія.
Поширені образи - метафори – карнавал, лабіринт, бібліотека, божевілля.
“Іронія, метамовна гра, переказ у квадраті”,- так визначає постмодернізм Умберто Еко.
Постмодернізм заявляє про тимчасовість і нетривалість існування будь-яких ідей, істин, способів пояснення світу, про ілюзорність існування самої людини; він розвінчує будь-які міфи щодо світобудови і виступає проти будь-якого насильства над людиною ( духовного, фізичного), прагне до розмивання кордонів між елітарним і масовим.
Він не ставить перед собою ніякої мети, нічого не стверджує, нічого не відкидає, переглядає звичні норми.
Хаосмос – нестабільність, невизначеність. Поняття постмодерністської філософії , яке фіксує особливий стан середовища, що не ідентифікується однозначно ні в системі опозицій хаос – космос, ні в системі відліку сенс – нонсенс, але характеризується іманентним і безмежним потенціалом упорядкування – за відсутності оприявленого порядку. Це своєрідна модель світу, що накладається як матриця на будь – який рівень життя сучасного суспільства: соціум, економіку, політику, культуру, літературу: світ як тотожність хаосу, осмосу, та космосу; світ як множинне, рухливе, нелінійне, неієрархічне, безкінечне, неструктуроване, несистемне явище, в якому немає єдиної істини:  все є відносне.
Основні риси постмодерністської літератури
МАРГІНАЛІЗМ
РИЗОМАТИЗМ
ІРОНІЧНІСТЬ
ПАРОДІЙНІСТЬ
ІНТЕРТЕКСТУАЛЬНІСТЬ
ГІПЕРРЕАЛЬНІСТЬ
СУПЕРЕЧЛИВІСТЬ
ПАРАДОКСАЛЬНІСТЬ
ГРА БЕЗ ПРАВИЛ
ІНТЕЛЕКТУАЛІЗМ
ЦИТАТА
Маргіналізм – свідома установка на периферійність щодо суспільства та його соціальних і етичних цінностей: справжній митець – маргінал (відокремлена від суспільства особистість, що є носієм такої системи цінностей та поглядів на світ, які виступають у протиріччя із загальноприйнятими).
Емблемою постмодернізму є ризома – постійно безмежна, неієрархічна хаотична мережа, вільна циркуляція станів. Твір, побудований за моделлю ризоми – відкритий, динамічний, кожна ідея або тема поєднується з іншою; в ньому немає центру або периферії, початку або кінця – це “хаос із клубнів і вузлів”.
Іронічність – розвінчування застарілих ідеалів цінностей. Іронія та пародія перетворються на самопародію, завдяки чому  письменник-постмодерніст бачить феноменальний світ безглуздим і позбавленим будь-яких засад.
Інтертекстуальність - за словником літературознавчих термінів інтертекстуальність полягає у відтворенні в літературному творі конкретних літературних явищ інших творів, більш ранніх, через цитування, алюзії (натяки), ремінісценції, пародіювання.

За словником літературознавчих термінів інтертекстуальність полягає у відтворенні в літературному творі конкретних літературних явищ інших творів, більш ранніх, через цитування, алюзії (натяки), ремінісценції, пародіювання.
У постмодерністському творі події відбуваються в гіперреальному світі, який створюється за допомогою симулякрів.
Симулякр – (від лат. Simylakrum) – зображення, подібність, видимість. Симулякр – це «псевдоріч», що замінює реальність шляхом симуляції, видає відсутність за присутність, стирає відмінність між реальним та уявним.
Під дією симуляції відбувається заміна реального  знаками реального, в результаті чого і виникає гіперреальність.
Постмодерністський твір навмисне двозначний, він зіставляє між собою різні ідеї, не надаючи переваги жодній.
Суперечливість
ІНТЕЛЕКТУАЛІЗМ
Умовна назва течії, роду, жанру, пов’язаної з перевагою
 інтелектуально-розумових елементів над емоційними
Проявляється в посиленні уваги
до філософських проблем
(людина і світ, природа і цивілізація,
техніка і культура, прогрес і мораль), здатності героїв до самоаналізу, процесу мислення, тяжіння до розумових абстракцій
ЖАНРИ
притча,
філософський роман,
драма ідей,
філософська лірика

Гра без правил
У літературному творі
автор грає з оповідачем
і самим текстом,
оповідач з читачем,
читач з автором і
текстом.

                        Р.Інглиш
Одним із головних принципів постмодернізму  є цитата, а для представників цього напряму характерним є цитатне мислення. Американський дослідник Б. Морріссент назвав постмодерністську прозу «цитатною літературою». Деякі твори постмодернізму перетворюються на книги-цитати. Так, роман французького  письменника Жако Ріве «Панночки з А…» являє собою збірку 750 цитат з 408 авторів.
Цитата
Характерні мотиви постмодерністських романів:
мотив утраченого і знову виявленого після тривалого часу рукопису;
існування в старому замку, вежі або монастирі певної умовної бібліотеки, яка зберігає таємницю давнього знання про природу людського буття;
мотив сну, суміш реального та ірреального;
псевдофактографічність;
введення словника імен з поясненнями про згаданих у тексті історичних і міфологічних героїв надає твору риси псевдодокументалізму, що дозволяє  “пограти з читачем”.
Пастіш
	(від італ. pasbiccio  - опера, складена з уривків інших опер, суміш, попурі, стилізація). Це специфічні варіанти пародії. Від пародії пастіш відрізняється тим, що нема що пародіювати, немає серйозного об’єкта, який можна піддати висміюванню. О.М. Фройденберг писала, що пародіюватися може тільки те, що «живе і святе». За доби постмодернізму ніщо не «живе», а тим більше не «святе». Пастіш розуміють як само пародіювання. Дуже часто зустрічається пастіш у ліриці Й. Бродського.

Колаж
	Мистецтво постмодернізму є фрагментарним, дискретним, еклектичним. Звідси така його ознака як колаж. У постмодерністському колажі різні фрагменти зібраних предметів залишаються незмінними, не об’єднаними в єдине ціле, кожен з них зберігає свою відокремленість.

Представники
Дж.Апдайк, У.Еко, А.Бітов, В.Медведь, Ю.Андрухович,  Є.Пашковський, І.Кальвіно, Х.Борхес, М.Павич, А.Пінчон, П.Зюскінд, М.Кундера, Дж.Барт, Джон Фаулз, К. Рансмайр, Хуліо Картасар, П.Коельо
Борхес
Рансмайр
Зюскінд
Коельо
У. Еко
Відомі твори
Крістоф Рансмайр “Останній світ”
Милорад Павич “Хазарський словник”
Умберто Еко “Імя троянди”
Патрік Зюскінд “Парфюмер”
Постмодернізм в архітектурі
Характерні риси:
	Використовується сплав різних стилів минулого, наприклад, класичний і барокко, часто застосовуючи їх з іронічним ефектом. Специфіка стилю - гіпербола як інструмент створення яскравого театрального образа середовища. Ідучи від Модернізму, Постмодернізм прагнуть привнести невизначеність і контраст у порядок і простоту сучасних стилів. Задум часто з'єднує колір з історичним еталоном.
Характерні кольори: бежева гама, сріблистий, "металлік", перламутровий, флуоресцентний.
Характерні елементи інтер'єра: великі, просторі зали; легкі, оригінальні конструкції; контрастні текстурні і фактурні сполучення. Застосування штучної шкіри, нікельованих і хромованих матеріалів.
Постмодернізм в архітектурі
Архітектура
Танцюючий будинок
Музей Гуггенгайма в  Більбао
В архітектурі стиль спрямований проти безликої стандартизації та програмового техніцизму
Постмодернізм в живописі
Частіш за все художник‚ бездоганно володіючи академічною технікою‚ втягує глядача до вигадливої гри.
Інші художники-постмодерністи прагнули відродити не зовнішні прикмети класичного мистецтва‚ а його якісну природу — цілісність світовідчуття‚ звертання до вічності‚ життєву силу.
                              Е.Уорхолл

Дэвид Салле.Ангелы под дождем. 1998, масло и акрил по холсту
Clemente, Francesco. Atlas. Watercolor on Arches paper. 1982.
Ляшко Е. В. «Мотыльки»
Живопис постмодернізма
    Ларионова Ольга
«Солнечная девушка»
Поп - арт
Пітер  Блек,   Джо Тілсон  і   Річард Сміт – виконали перші роботи в стилі арту
Карта 1961року
Джаспер  Джонс
Зебра 1983р.
Енді Уорхол
Оп – арт (оптичне мистецтво) – художня течія другої половини ХХ століття, використовується різними оптичними іллюзіями, заснованих на особливостях сприйняття плоских і просторових фігур
Постмодернізм в кінематографі
	Кіно постмодернізму — не насамперед твір стилізаторський і пародійний, з безліччю цитат та асоціативних рядів, з підкресленою байдужістю до будь-якої ієрархії значень і цінностей. Історія постмодернізму в кіно ведеться з 70-х років XX ст., з тогочасної творчості Дж. Лукаса та С. Спілберга. Інколи навіть точно називають дату виходу на екрани славнозвісних "Зоряних війн" Джорджу Лукаса як дату появи першого зразка постмодерністичного фільму


title: Скачать презентацию или конспект Что такое карнавал

extracted_text:
      Без этого неповторимого праздника, наполненного бурным весельем, песнями, плясками, невозможно представить себе ни одну страну мира. А в некоторых странах карнавал приобрел такую известность и популярность, что гости из других государств ежегодно съезжаются, чтобы принять в нем участие
Да, карнавал сегодня в моде. Неслучайно тысячи туристов в определенные дни года устремляются в Венецию, Рио-де-Жанейро, Канны, Кельн..
Взрослые и дети обожают наряжаться, переодеваться. Это позволяет вообразить себя необыкновенным сказочным героем и немного помечтать.
Что ж, давайте обратимся к истории и посмотрим, как рождался карнавал. У истоков этого празднества стоят античные сатурналии.
Городские праздники Средневековья, с их яркими зрелищами, развлечениями и маскарадами, восходили еще к языческим культам и обрядам. Так, новогодний римский языческий праздник календ, которому церковь противопоставила свой рождественский цикл, в Византии отмечался вплоть до XIII в.
Существует множество версий того, когда именно прошел первый карнавал. Первое упоминание о нем относится к XI в
Во Франции карнавал проводился в новогодние праздники.
Участники карнавала наряжались в старинные платья, одежду шутов и скоморохов и: весело шествовали по улицам под аккомпанемент музыки, крик, шум, пение.
Великолепные спектакли, устраиваемые бродячими театрами, причем совершенно бесплатно, фарсы, комедии и водевили, шуточные хоругви, с которыми ряженые выходили на улицу, прельщали взоры приезжих.
Не остановить веселый дух карнавала! Несмотря на то, что практически 200 лет этот праздник не проводился, он не утратил своей силы.
 Бразильский карнавал в последние десятилетия приобрел не меньший размах, чем Венецианский.

Каждая страна славится своим карнавалом, ведь правила его проведения диктуются особенностями этой страны.
Спасибо за внимание !!!


title: Скачать презентацию или конспект Акрополь

extracted_text:
Акрополь
Древнегреческая архитектура
Учитель ИЗО МБОУ Богдановской СОШ
Синебрюхова Т.В.
pptcloud.ru
Три основных древнегреческих архитектурных ордера: 1  Дорический2 Ионический3 Коринфский
Детали архитектурных ордеров:
1. Акротерий
2. Сима (откос)
3. Водослив (львиная голова)
4. Корона
5. Мутул
6. Виа
7. Триглиф
8. Метопа
9. Фриз
10. Регута
11. Архитрав
12. Абака
13. Капитель
14. Ствол
15. База
16. Волюта (завиток у ионической капители)
17. Антаблемент
18. Стилобат
19. Надрез

Акрополь по-гречески означает «Верхний город». В древние времена Акрополь в Греции служил для того же, что и кремль на Руси: в огражденном месте находились главные святыни и драгоценности, казна государства, Здесь же располагались те, кто правил городом.
Акрополь состоял из нескольких великолепных строений. Он был поставлен на возвышении, как будто специально созданном природой – крутом холме с плоской вершиной.
Реконструкция афинского Акрополя
Горожане, поднимающиеся сюда в дни больших праздников, сначала проходили через Пропилеи. Это здание с колоннами служило парадными воротами. В боковых пристройках находились духовные сокровища Афин: старинная библиотека и картинная галерея. Тут же был устроен маленький но очень красивый храм богини Победы – Ники.
Пройдя через ворота, афиняне выходили на большую площадь, посреди которой стояла бронзовая статуя почетной горожанки, богини Справедливости – Афины.
Ей же был посвящен и главный храм Акрополя – Парфенон, жемчужина мировой архитектуры.. Он как бы парил в воздухе над Акрополем так же, как Акрополь возвышался над столицей Греции.
Абака. Угол храма Афины.
Рельеф с войнами
В. Поленов. «Парфенон. Храм Афины Парфенос»
Перикл – знаменитый правитель Афин, при котором был построен этот греческий кремль, очень хорошо сказал о Парфеноне: «Мы любим мудрость без изнеженности и красоту без прихотливости». И, действительно, священный дом Девы Воительницы отличается не украшениями, а своей строгостью и величием.
Последним шедевром Акрополя был храм Посейдона и Афины -  Эрехтейон.
Вместе с остальными строениями он составлял законченную композицию на высоком холме, которую по праву следует называть девятым чудом света.

Афинский Акрополь и сегодня, как встарь, поражает нас своей удивительной гармонией и красотой.


title: Скачать презентацию или конспект Высокое Возрождение

extracted_text:
« Я ставлю тебя в центре мира…»
 Высокое Возрождение
Высокое Возрождение( конец XV- начало XVIв.в.)

-Человек стал думать не только о божественном,
 не только о загробном мире-
Его мысли обратились и к земной, мирской жизни.
(Светский , человеческий взгляд на окружающий мир
«гуманистический взгляд»)

-Время- ценность человеческой деятельности, где есть
 стремления к понятию и изменению  окружающего мира

-Образованность –высший критерий оценки человека.
Эразм Роттердамский

Томас Мор

Франсуа Рабле

Уильям Шекспир

Мигель Сервантес

Леонардо да Винчи

Микеланджело Буонарроти

Рафаэль Санти

Питер Брейгель ( Старший)


title: Скачать презентацию или конспект Дега художник импрессионист

extracted_text:
Эдгар Дега
(1834-1917)
Автопортрет
Танцкласс
Танцкласс
Урок танцев
Танцовщицы на репетиции
Танцовщицы в розовом
Звезда
Звезда
Мисс Лала в цирке Фернандо
Маленькая танцовщица 14 лет
Семья Белелли
Принятие ванны
Вытирающаяся женщина
В кафе
Женщины за глажкой
Мадам Рене Дега
Забег
Пляж
4 срезанных подсолнуха


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура Древнего Новгорода

extracted_text:
Татаро-монголы
Половцы
Крестоносцы
Б.А.Рыбаков
Киевская Русь оказалась «матерью,
вырастившей многих сыновей,
составивших новое поколение»
Новгородский Кремль
Владимирская
Дворцовая
Митрополичья
Княжая
Кокуй
Покровская
Фёдоровская
Спасская
Златоустовская
Борисоглебская
церковь
Садко Сатиныч
Ярославово дворище
Никольский собор
Церковь Параскевы Пятницы
Пристань на Волхов реке.
Новгородские
Берестяные
грамоты
Храмы
Великого
 Новгорода
И.Э.Грабарь
София Новгородская
Владимир Ярославович
Антониев монастырь
Церковь
Сретения
Собор Рождества Богородицы
Юрьев монастырь
Георгиевский собор
Церковь Спаса на Нередице
Церковь
Спаса-
Преображения
на Ковалеве
Церковь Успения на Болотове
Церковь
Фёдора
Стратилата
на Ручью
Церковь Спаса-Преображения на Ильине улице
Фреска в Юрьевом монастыре


title: Скачать презентацию или конспект Андрей Рублёв. Биография в контексте эпохи

extracted_text:
Андрей Рублев
Биография в контексте эпохи

Андрей Рублев - имя, ставшее символом Святой Руси, символом непостижимого древнерусского искусства, символом великого русского человека, каким он может и должен быть.
Образы Рублева навевают нам воспоминания об утерянной райской жизни, об утерянном покое, счастье и гармонии со вселенной.
Непостижимая для современного человека чистота, мудрость и одухотворенность сквозят во всех его немногочисленных работах, дошедших до наших дней.
В творчестве Рублева, равно как и в творчестве Пушкина, отчетливее всего выразились мечты русского народа о самом хорошем человеке, об идеальной человеческой красоте.
Эпоха Рублева была эпохой возрождения веры в человека, в его нравственные силы, в его способность к самопожертвованию во имя высоких идеалов.

Не известно в точности, когда родился Андрей Рублев, к какому сословию принадлежал, кто был его учителем в живописи.
 Большинство исследователей считают условно 1360 год датой рождения художника.
Самые ранние сведения о художнике восходят к московской «Троицкой летописи». Среди событий 1405 года сообщается, что «тое же весны почаша подписывати церковь каменную святое благовещенье на князя великого дворе, а мастеры бяху Феофан иконник гречин, да Прохор старец с Городца, да чернец Андрей Рублев». Упоминание имени мастера последним, согласно тогдашней традиции, означало, что он является младшим в артели. Но вместе с тем участие в почетном заказе по украшению домовой церкви Василия Дмитриевича, старшего сына Дмитрия Донского, наряду со знаменитым тогда на Руси Феофаном Греком характеризует Андрея Рублева как уже достаточно признанного, авторитетного мастера.

Художественная среда, стоящая на высоком уровне
Создание А. Рублевым высокого стиля
Творчески претворив богатство этой многообразной художественной культуры, он обрел свои собственный изобразительный язык, родной и понятный всем его окружающим.
Он сумел в своем творчестве отразить лучшие чаяния и устремления русского народа в решительный момент его борьбы за свое национальное бытие.
Битва на Куликовом поле
Победа оставила глубокий след в народном сознании.
«Задонщина»:
«Князи и бояря и удалые люди, оставимте вся домы своя и богатество, жены и дети, и скот, честь и славу мира сего получити, главы своя положити за землю за Русскую и за веру христианскую»
Московский князь Василий Дмитриевич, представитель ветви владимирских князей, потомков Мономахов, предпринимал обновление Успенского собора в начале XV века как некий закономерный и необходимый акт, связанный с возрождением после победы на Куликовом поле духовной и культурной традиции Руси эпохи национальной независимости.

Конец XIV и начало XV в. были порой, когда самосознание народа углублялось, его характер воспитывался историческими условиями в согласии с идеями единения Русской земли.
Андрей Рублев и мастера его круга сказали новое слово в этот важный исторический момент, и то, что они сказали о человеке своего времени, выношено было в глубинах народного сознания, было призвано к жизни и вознесено в степень идеала.
Фреска «Страшный суд»
Фрески Успенского собора во Владимире 1408 г. К сожалению, о росписях Андрея Рублева, Даниила Черного мы можем судить лишь по отдельным сценам «Страшного суда» в среднем и южном нефах, нескольким фигурам на столбах и незначительным фрагментам евангельских сюжетов.
 Возмездию за грехи они отвели лишь незначительное место, судя по позднейшей записи, оно изображалось только символически. «Страшный суд» для них - начало «царства праведных». С ним связывалось глубоко народное представление о восстановлении правды и справедливости, попираемых на земле.

Образ Спаса Рублёва
В образе Спаса Рублева (свод среднего нефа), «грядущего судить живых и мертвых», нет и тени устрашающей грозности.
Он воплощение торжества, гуманности и творческого подъема.
Касаясь ногой предела круга, он как бы готов выступить из него, отчего композиция, полная монументальной ясности и завершенности, приобретает жизнь и движение. Он весь воплощение поэтического образа света.

Четыре царства
Крылатая пантера – «Царство Македонское»
Крылатый лев – «Римское царство»
Медведь – «Царство Вавилонское»
«Чудовищный зверь»: рога и человеческое лицо, на хвосте – Змеиная голова – «Царство Антихристово»

Упоминания
Летописная запись под 1547 г. о пожаре в Москве, во время которого в Благовещенском соборе загорелся «деисус Андреева письма Рублева»
Постановление Стоглавого собора 1551 г.
Запись в Степенной книге о росписи Успенского собора во Владимире
«Сказание о святых иконописцах»

Не выходя из своей роли художника, ограничиваясь изображением того, чего все искали, он внушал людям веру в возможность осуществления на земле и мира, и согласия, и любви. Заметьте, это происходило в те годы, когда страну раздирали братоубийственные распри, в мире было много жестокого, неразумного, царили произвол, недоверие. Что же могло поддерживать вдохновение в поэте того сурового времени? Источники молчат об этом. Можно полагать, прежде всего родная страна, «светло светлая и красно украшенная Русская земля», лучшие из числа его современников, с которыми его свела судьба, его глубокая преданность тому, во что он свято верил, наконец, редкая способность гения мимолетному видению красоты найти вечные формы выражения в своих творениях.
     Рублева нельзя назвать гуманистом в точном смысле этого слова. Нет необходимости прибегать к натяжкам для того, чтобы сделать его более близким нашей современности. Человек у Рублева не приобрел еще полной самостоятельности, как у мастеров итальянского Возрождения. Он представляет себе человека существом, зависящим от высших сил. В этом русский мастер ближе к пониманию древних греков, современников Софокла. И все же искусство Рублева в основе своей глубоко человечно, отзывчиво ко всему человеческому.

Рублев не создавал в собственном смысле портретов своих современников, как его итальянские и нидерландские современники. Но можно утверждать, что образы Рублева как бы составляют один, обобщенный коллективный портрет русских людей его времени, и в этом отношении нельзя не восхищаться редкой чуткостью художника, правдивостью его свидетельств. Чтобы ближе подойти к его пониманию, следует сказать, что его особенно занимал собирательный образ человека, достойного райского блаженства. Вот почему Рублев так полно проявил себя в изображении ангелов, существ окрыленных, легко ступающих по земле. Ангелы Рублева не такие торжественные и воинственные, как в более раннем искусстве, но и не такие миловидные, пригожие, как в живописи Возрождения. Рублев не нарушает черты, которая отделяет их от каждодневности.

В эпоху великого русского живописца Андрея Рублева, на рубеже XIV—XV веков, Московское государство переживало годы подъема, что выражалось не только в его общественно-политическом могуществе, но и в культурном росте.
В Москве уже существовали свои очаги просвещения, богатейшие книгохранилища, были писатели, зодчие, живописцы, мастера прикладного искусства. Строились и украшались живописью великолепные соборы Московского Кремля — Успенский, Благовещенский, Архангельский. Привозили из Византии и городов Руси многочисленные станковые произведения (иконы). Созывались в Москву для работы русские художники и приглашались греческие.

Жизнь на Руси после первой победы над татарами (1380) была неспокойной: все еще продолжались татарские набеги. Андрею Рублеву пришлось пережить нашествие Едигея в 1407 году. Летописи того времени отметили страшную болезнь — моровую язву, дважды потрясшую Московское государство. Но русских людей поддерживала надежда на скорый успех в борьбе с татарами и начавшееся объединение разрозненных княжеств во главе с Москвой, в связи с чем на Руси зародилось ожидание предстоящего обновления жизни. Это была эпоха начавшегося расцвета искусства.

Андрей Рублев был человеком Святой Руси, своего государства и выражал чувства и мысли своих современников. Он говорил языком родного искусства, основываясь на традициях московской живописи, получившей в его произведениях блестящее развитие. В его замечательных творениях, проникнутых гуманизмом, звучала сама жизнь.

Год смерти — 1430-й — предположительно определили по надписи на надгробной плите. Первоначальная плита не сохранилась, и до нас дошли лишь копии с нее. В надписи на ней сказано, что инок Андрей скончался в 1430 году в ночь на память Игнатия Богоносца, то есть, очевидно, 11 февраля (29 января по новому стилю).


title: Скачать презентацию или конспект Диего Родригес де Сильва Веласкес

extracted_text:
Диего Родригес де Сильва Веласкес
Жизнь и Творчество
	Творчество Мастера
Человеческие судьбы складываются по-разному. Одни люди всю жизнь вращаются в бурном круговороте страстей и событий, в котором счастье сменяется несчастьем, а следом за поражением приходит внезапная удача. Другие идут по дороге жизни ровной походкой, словно происходящее вокруг бурление вовсе не задевает их. Жизненный путь этого художника можно образно сравнить с пологой лестницей, ведущей к вершине. Спокойно, размеренно и методично живописец поднимался по ней в самый зенит своего мастерства, славы и придворной карьеры, достигнув которого, он ушел из жизни, оставив современникам и потомкам неоценимый дар – творческое наследие, отражающее через изображенный на полотнах внешний мир его собственную душу
Христос в доме Марфы и Марии. 1618Лондонская Национальная Галерея.В картине Христос в доме Марфы и Марии, написанной в 1618 году, художник низводит толкование евангельского сюжета до простой житейской сцены. На первом плане старая и молодая кухарки готовят немудреный ужин. Младшая женщина что-то перетирает в медной ступе, а старшая указывает цветущей, но сердитой девушке на то событие, что изображено на заднем плане. Но прежде чем последовать за ее взглядом, зритель видит прекрасный натюрморт: четыре рыбины на облупленной керамической тарелке, рядом – кувшинчик то ли с маслом, то ли с уксусом, тут же тарелка с яйцами и головки чеснока на столе. Только в висящем на стене зеркале (а возможно, это картина) мы видим сидящего в кресле Христа, опустившуюся у его ног на колени Марию и стоящую рядом Марфу.
Поклонение волхвов. 1619Несмотря на общий темный тон, картину отличают от коричнево-серой гаммы бодегоносов поиски ярких и разнообразных цветов. У Марии розовая с серебристыми оттенками кофта и зеленовато-синяя юбка; у Иисуса -темно- голубая лента и желтое одеяльце; у африканца -алый плащ; у коленопреклоненного волхва плащ табачно-желтого цвета надет поверх голубой одежды. Кое-где на цветных тканях тени положены обычной тяжелой темно-серой краской, но желтое одеяло и особенно розовая одеждаМарии написаны совершенно иначе. В ней нет совсем черноты; на гребнях складки светло-розовые, серебристые, в углублениях красные, темно-алые.
Чудо в Эммаусе. 1620На сельской дороге к двум путешествующим ученикам Христа присоединилсянеизвестный человек. Достигнув города Эммауса, цели своего путешествия, путники сели за трапезу. И в тот момент, когда незнакомец своеобразным жестом преломил хлеб, изумленные ученики узнали в нем своего учителя. Величаво откинувшись в кресле, гордо возвышается Христос над всемокружающим. От его большой, уверенно сидящей фигуры веет непоколебимой силой. Сияние, от него исходящее, художник трактует, как свет из невидимого источника, заслоненного от зрителя телом Христа. На фоне бесплотной стены, которая словно растворяется в ярком освещении, особенно чувствуешь выразительную мощь его силуэта. Христос требует не сострадания, а преклонения. Ученики поражены и подавлены его могуществом. Один из них, вскинув руки, испуганно съежившись, отпрянул назад. Темнота, царящая вокруг, словно таит в себе что-то непонятное, почти зловещее.
Продавец воды в Севилье. 1623Размер картины 107 x 81 см, холст, масло. Картина художника Веласкеса из цикла бодегонес имеет также и другое название «Продавец воды из Севильи». Водопричастники (водоносы) — так в насмешку прозваны были еретики гностико-аскетической секты энкратитов (воздерженцев), или апотактиков (отверженцев), Прозвание это они получили потому, что не вкушали ничего подкрепляющего тело, ни мяса, ни вина, и даже в евхаристии употребляли воду вместо вина. Этого обычая придерживались не только одни энкратиты, а также многие другие аналогичные гностики и аскеты; поэтому и прозвание водопричастники (водоносы) получило более широкое применение. На этой картине возможно изображен именно такой «водонос». Ранние работы Веласкеса представляли собой жанровые сцены из народного быта. Картина, «Продавец воды» (ок. 1620 г.), привлекает ощущением значительности изображенного при подчеркнутой простоте и обыденности сюжетов. Правда, лица персонажей выражают весьма несложные чувства, действия мало, движения скованы.
Филипп IV. 1624-26В Мадриде Веласкес сумел привлечь к своей персоне внимание ряда вельмож, выразивших восхищение его художественным гением. Слухи о молодом мастере достигли двора, и уже в следующем, 1623-м, году первый министр герцог де Оливарес (тоже выходец из Севильи) пригласил Веласкеса в Мадрид писать портрет короля. Эта не дошедшая до нас работа произвела столь приятное впечатление на венценосного заказчика, что тот немедленно предложил Веласкесу должность придворного художника. Тот без раздумий принял это предложение.Между королем и Веласкесом сложились вполне дружеские отношения, что было не слишком характерно для порядков, царивших при испанском дворе. Король, правивший величайшей в мире империей, считался не человеком, но божеством, а художник не мог рассчитывать даже на дворянские привилегии, поскольку зарабатывал на жизнь собственным трудом. Между тем, Филипп, преданный поклонник искусства, распорядился, чтобы впредь портреты короля писал только Веласкес. Пачеко отмечал, что «великий монарх был удивительно щедр и благосклонен к Веласкесу. Мастерская художника находилась в королевских апартаментах, и там было установлено кресло для Его Величества. Король, имевший у себя ключ от мастерской, приходил сюда почти каждый день, чтобы наблюдать за работой художника».
Филипп IV в коричневом и серебре. 1631/32.Видимо, это был первый портрет короля, написанный Веласкесом после своего возвращения из Италии в 1631 году. Пока художник находился в отъезде, Филипп IV не желал позировать другим живописцам, что нашло отклик в атмосфере, пронизывающей эту работу. Есть в ней что-то от радости долгожданной встречи. Этот портрет - одно из немногих произведений, подписанных Веласкесом (среди других подобных вещей отметим портрет папы Иннокентия X). Подпись - своего рода оценка художником собственного труда. Костюм, в котором здесь изображен король, давно стал знаменитым. Если рассматривать картину вблизи, то она превращается в набор хаотических мазков краски; стоит же отступить на пару шагов назад, и эта художественная «какофония» волшеб ным образом преображается в сверкающее серебром одеяние. Первые сведения об этой картине относятся к XVIII веку. В то время она украшала библиотеку дворца-монастыря Эскориал, расположенного неподалеку от Мадрида, но вполне вероятно, что до этого портрет изрядно «попутешествовал». Массивная золотая цепь со знаком ордена Золотого руна красуется на груди Филиппа IV. В рыцари этого ордена, основанного в XV веке, посвящались только представители знатнейших фамилий.
Граф Ольварес на коне. 1634Размер картины 314 x 240 см, холст, масло. Оливарес  Гаспар -испанский государственный и политический деятель, фаворит и первый министр короля Филиппа IV с 1621 по начало 1643 года; играл ключевую роль в управлении Испанией и в ее внешней политике. В Севилье, вокруг которой были сосредоточены его владения, Оливарес занимался меценатством, много читал, увлекался политическими науками, и собирал свою огромную библиотеку. В 1615 году состоялась свадьба наследного принца Филиппа. По обычаям испанского королевства женатый инфант должен был иметь собственный придворный штат и Оливаресу удалось получить в нем ключевую должность. Щедрые королевские дары сделали Оливареса самым богатым из испанских аристократов. В 1622 году Оливарес официально стал первым министром Испании. Занимаясь едва ли не всеми аспектами внутренней и внешней политики, Оливарес нес ответственность и за все неудачи. Поражения подрывали основы королевского фавора, а исключительность положения при монархе, выразившаяся в аккумуляции множества должностей, титулов и баснословных богатств, не могла не привести к зависти и ненависти. Усиление экономического и политического гнета в годы его правления привели к восстанию в Каталонии и Португалии (это завершилось ее отделением от Испании в 1640 году). В январе 1643 года король согласился отправить Оливареса отставку. Бывший фаворит вынужден был удалиться сначала в свое владение Лоэчес под Мадридом, затем в Торо, где Оливарес и прожил последние годы жизни во дворце своей сестры.
Сдача Бреды. 1635 Высшее значение картины заключается в том, что по красочным гармониям, по удивительным симфониям черных, серых, розовых и белых тонов она может изображать все когда-либо бывшие в мире сдачи городов в присутствии только двух доселе враждебных наций, с серебряною головой победителя, доброжелательно наклоненной к подходящему со смирением побежденному, с шумом леса поднятых копий и полным спокойствием земли и небес. На равнине Веласкес прекрасно поместил, как и на портрете Оливареса, пылающий город, преследующие и отступающие эскадроны. Но он не мог согласиться драматизировать природу. Он сохраняет ее спокойствие, и этим он обязан своим пониманием жизни.
Вышивальщица. 1640.Размер портрета 74 x 60 см, холст, масло. Портреты, созданные Веласкесом в 40-х годах 17 века, принесли живописцу заслуженную славу мастера этого жанра. Серо-зеленоватый фон картины «Вышивальщица» кажется воздушным, обладающим глубиной, свободно положенные мазки образуют тончайший слой, сквозь который просвечивает крупнозернистый холст. Этот портрет, выполненный художником, больше напоминает манеру фламандских живописцев второй половины 17 столетия, хотя, был создан раньше. Портреты Веласкеса необычайно естественны и реалистичны, даже несмотря на то, что в них обычно отсутствуют аксессуары, жесты и движение. Фон портретов подобран так, чтобы максимально оттенять фигуру, цветовая гамма портретных картин строгая, но оживляется тщательно подобраными сочетаниями цветов. Строгая темная гамма портретов Веласкеса оживлена изысканными сочетаниями серого и красно-розового, зеленоватого и серо-оливкового, черного и золотого. Поразительны эффекты серых тонов, то более темных, мягких, бархатистых, то достигающих чистого, свежего жемчужного оттенка. Портретируя короля и членов его семьи, придворных сановников, королевских шутов, друзей, простых тружеников, живописец Веласкес изображает человека таким, каков он есть в слиянии самых разноречивых черт характера.
Карлик Франциско Лезано. 1642-45Непременным атрибутом двора Филиппа IV-как, впрочем, и любого королевского двора средневековой Европы - были шуты и карлики, которых держали здесь ради забавы. Среди них были и профессиональные шуты, и люди, «обиженные» природой. Служа при дворе, Веласкес не раз писал и шутов, и карликов. На рубеже 1630-1640-х годов он создал знаменитую серию, состоявшую из четырех картин. Героями трех из этих работ стали карлики. «Портрет Франсиско Лескано» (вверху) представляет нам несчастного человека, страдающего – по всем признакам - болезнью Дауна; «Дон Хуан Калабасас» (внизу) - горбуна, улыбающегося бессмысленной улыбкой («калабасас» в переводе с испанского означает «тыква»). В этих произведениях нет ни тени насмешки или брезгливости - они написаны с явной нежностью и симпатией. Этот факт нам многое говорит о характере самого автора.
Туалет Венеры. 1644-48. Во времена Веласкеса обнаженная женская натура была очень редким гостем в испанской живописи. Объясняется это просто - подобные «греховные» сюжеты осуждались Святой Инквизицией. Известно, однако, что Веласкес, помимо представленного полотна, написал еще ряд ню. Ни одна из этих работ, к сожалению, не сохранилась. Первое упоминание об этой картине относится к 1651 году. Создать ее Веласкес мог как сразу после возвращения из Италии, так и во время своей второй поездки туда. В работе ощущается сильное влияние итальянской школы (и в первую очередь, творчества Тициана).Вместе с тем собственно «божественного» в героини полотна мало. «Картина изображает обнаженную женщину, - описывал свое приобретение первый ее владелец, - лежащую на ткани спиной к зрителю, облокотившись на правую руку, и глядящую на себя в зеркало, которое держит перед нею ребенок». В этом свидетельстве нет даже намека на мифологический сюжет. Свои названия - «Венера и Купидон» и «Венера с зеркалом» - эта работа получила, когда находилась в английском поместье Рокеби Парк, в графстве Йоркшир. В 1906 году ее приобрела лондонская Национальная галерея. После этого вошло в обиход еще одно название этого шедевра - «Венера из Рокеби».
Папа Иннокентий Х. 1650.В 1649 году Веласкес снова едет в Италию, на этот раз уже не безвестным молодым художником, а прославленным мастером. Картины, которые он создал в Риме, принесли ему еще большую славу. Среди них исключительное значение имеет портрет папы Иннокентия Х, выполненный около 1650 года. В.И. Раздольская пишет «Веласкес изобразил его сидящим в кресле, в спокойной, но исполненной скрытого напряжения позе. Доминирующие в картине красные тона звучат особенно интенсивно в горячем свете, который пронизывает фигуру, придавая ей необычайную живость. Иннокентий Х был некрасив, и Веласкес не стремился облагородить его внешность. Но большая внутренняя сила и темперамент читаются в грубоватом лице папы, в цепком тяжелом взгляде словно сверлящих зрителя маленьких глаз. Перед нами скорее умный, жестокий, энергичный светский государь, а не духовное лицо. Острота характеристики, глубокий психологизм, необыкновенное мастерство живописи позволяют считать эту работу одним из высших достижений мирового портретного искусства. Сам Иннокентий Х нашел портрет «слишком правдивым», однако щедро наградил за него художника.
	Менины, 1656.Главные полотна Веласкеса позднего периода - крупномасштабные композиции «Менины (юные фрейлины)» (1656) и «Пряхи» (1657). «Менин» часто называют «картиной создания картины». «В свете подобного толкования, - пишет В.И. Раздольская, - особое значение приобретает в ней автопортрет художника. Изобразив себя за работой, как равного, в кругу королевской семьи, Веласкес утверждает ценность и достоинство творческой личности в обществе, построенном на строгой сословной иерархии. Более того, сам процесс творчества стал сюжетом картины. А безупречное мастерство Веласкеса подтвердило правомерность его замысла. Гармония ритмического строя, которому подчинено расположение фигур, не нарушает естественной непринужденности изображенной сцены. Построение композиции и сложнейшее решение света создает не только убедительное ощущение реального пространства, но словно втягивает в него зрителя, стоящего перед картиной».
Пряхи, 1657.«Пряхи» - апогей мастерства художника. «Если бы знать, как объяснил бы нам этот сюжет сам Веласкес! - пишет А. Якимович. - Версия о ковровой мануфактуре появилась не в его время, она появляется впервые в 1772 году, в описи мадридского дворца. Там картина «Пряхи» так и описывается - «ковровая мануфактура, где женщины прядут и сматывают нити». Таков взгляд здравомыслящего, рассудительного века Просвещения. Но согласимся ли мы с ним сегодня Действительно, пряхи налицо, они заняты своим делом. Неудивителен задний план. Неужели эти переливы шелка дамских платьев, эта невесомая прозрачность атмосферы и игра солнечного луча, весь этот арсенал живописи, достойный Тициана и Ватто, Вермеера и Гейнсборо, - неужели все это понадобилось для того, чтобы рассказать о жанровой сцене, о каждодневных делах Быть того не может. Стали искать скрытый смысл картины. В ход пошел исторический, филологический и научный аппарат. Оказалось, что в картине есть скрытая, слегка «замаскированная» мифологическая тема. Она связана с прядением и ткачеством...»
Инфанта Маргарита. 1656Это самый ранний портрет инфанты Маргариты, ей всего лишь 2,5 года. В серии ее портретов четко прослеживается как она растет, и как изменяется лицо. Веласкес мастерски это передает посредством обилия светлых тонов и полутонов на полотнах. Данная картина является прекрасным образцом гениальности мастера.
Портрет инфанты Маргариты в голубом платье, 1659.Это самый известный портрет инфанты. В композиции доминирует юбка внушительных размеров из синего бархата и шелка. Превосходная живописная техника художника, игра цвета и света зажигают тяжелую ткань, меховую накидку, волосы и слегка тронутое гримом лицо с типичными для Габсбургов чертами. Кроме того, цвет лица девочки позволяет живописцу осуществить тонкий контраст с темным фоном, изображенным в тонких чертах. В сдержанном изображении руки девочки, держащей меховую накидку, Веласкес проявляет свое виртуозное мастерство в почти физической передаче образа, подчеркивая его предметную плотность.
Инфанта Маргарита в красном, 1659.Перед вами второй портрет инфанты Маргариты, старшей дочери Филиппа IV, едва достигшей 7 лет. За год до своей смерти Веласкес создает этот портрет для её будущего супруга, австрийского императора из династии Габсбургов, но не успел его закончить. За него это сделал его ученик – Хуан Баптиста дель Мазо.Поза инфанты типична для многих других портретов испанского двора. Веласкес мастерски сочетает оттенки красного платья и тяжелого бархатного полога на заднем плане картины. Палитра художника  стала светлее, а штрих- прозрачнее, по сравнению с более ранними работами.
Принц Филипп. 1659.портрет был отправлен в Вену, возможно, в паре с портретами инфанты Маргариты в 1659г. Наследник трона изображен в два года, незадолго до своей смерти в 1661г. Ребенок был очень слаб здоровьем, и здесь, он изображен в громоздкой одежде, увешанной амулетами и колокольчиками, которые, однако, не уберегли ребенка от злой судьбы. Поверх красного платья, на котором художник потрясающе  изобразил серебряные накладки, надет белый фартук, выполненный тонкими мазками, передающими его легкость. Светлая палитра мазка подчеркивает грусть на личике принца. Белый цвет безраздельно господствует в его фигуре, как бы для того, чтобы предотвратить горе, готовое постигнуть не только принца, но и художника, подошедшего к концу своих дней. Это один из немногих портретов, отражающих чувства, душевное состояние и осознание близкого конца.


title: Скачать презентацию или конспект Живопись Руси в XIV-XV вв.

extracted_text:
Знаменитые мастера.
Живопись Руси в XIV-XV вв.
Расцвет иконописи в России приходится на 14 – 15 вв, когда Россия, еще полностью не освободившись от монголо - татарского ига, старалась преодолеть междуоусобную войну, стремясь к объединению. Строились храмы в Москве, Новгороде, Пскове и других городах средневековой Руси. В это время образовались два культурных центра: Новгород и Москва. Они стали развивать самобытное искусство, отличающееся друг от друга, как сами города и их уклад жизни.
Новгород – боярско-купеческий город, более демократичный, а значит, принимал всё новое, что появлялось в искусстве. Москва – княжеско-церковный, а значит, и искусство ей больше нравилось придворное и утончённое. Конечно, это разделение условное и оно не сразу обозначилось.
Новгород и Москва XIV-XV вв.

Новгород
Москва
Византийская иконопись прочно завоевала позиции в России. Иконы писались художниками профессионалами по канонам, выработанным в Византии. Строительство храмов повлекло за собой необходимость украшать их. Стены и столпы покрывались фресками, в алтарные стены – иконами.
Русские художники обретали свой собственный стиль, все более отходя от византийского наследия и опираясь на местные традиции, усилившиеся вместе с процессом феодального дробления. Так, новгородская школа с присущими ей чертами суровой выразительности, энергичной манерой письма, экспрессивной трактовкой образов сложилась уже в 12 – 13 веках, а расцвета достигла в конце 14 – 15 веках. Характерная черта новгородской иконописи заключается в сочетании христианских и фольклорных начал.
Ярким событием в развитии художественной жизни Новгорода второй половины 15 века стало появление в этом городе византийского живописца Феофана Грека, оставившего свой неизгладимый след прежде всего в монументальной живописи Новгорода.

Иконопись
Феофан не только живописец, но и философ, сумел так глубоко понять и выразить в своем искусстве то важное, что отвечало духовным и художественным устремлениям русских людей той эпохи. Он настолько сжился с русским народом, настолько крепко вошёл в русское искусство, что его имя стало неотделимо от русской культуры. «Преславный мудрец, философ зело хитрый… среди иконописцев отменный живописец», - говорил о нем современник, русский церковный писатель Епифаний Премудрый.
Манера письма Феофана Грека резка и лаконична. Темный фон, четкие белые блики, вытянутые, угловатые фигуры, жесткие складки одежд. Каждому образу свойственна мощная внутренняя энергия и – что совершенно не вписывалось в канон – индивидуальная характеристика, точная и неповторимая.
Феофан Грек (1340 – 1405)
Успение Богородицы

Церковь Спаса на Ильине, Новгород

Церковь Рождества Пресвятой Богородицы, Москва
Архангельский собор (Михаила Архангела), Москва

Благовещенский собор, Москва
Иконостас Благовещенского собора

Архангел Гавриил
Апостол Павел
Архангел Гавриил

Василий Великий
Иоанн Златоуст
В 14 веке главной в новгородской живописи была фреска. В 15 веке первенство переходит к иконе, которая сохраняет лучшие традиции росписи – выразительность и красоту живописного языка. В Москве Ф. Грек пишет иконы. Московские иконы писались в 1405 году, когда художник был уже далеко не молод; и по сравнению с новгородскими фресками они более спокойные, линии – мягче, и в настроении образа доминирует не эмоциональный накал, а глубокая сосредоточенность, какая охватывает человека, погруженного в молитву.
Во многом благодаря творчеству Феофана, а также греческих и русских мастеров возглавляемой им московской мастерской иконописи возрастает и смысловая, и композиционная роль иконостаса в оформлении храмов.
Донская Богоматерь
Предполагают, что он родился около 1360 г. Однако первое известие о нём относится только к 1405 г. Летописная запись, рассказывающая об участии Андрея Рублёва в росписи Благовещенского собора. Рублёв стал иноком, а затем соборным старцем Спасо-Андроникова монастыря.В науке давно уже сложилось мнение о великом живописце как об исконно московском художнике. Но если признать, что Рублёв принимал участие в создании Благовещенского иконостаса (а иконостас этот не московского происхождения), то данное убеждение будет поставлено под сомнение. Если же прибавить, что немногочисленные дошедшие до нас памятники дорублёвской московской живописи не обнаруживают родства с произведениями художника, то эти сомнения ещё более усилятся и в конце концов заставят предположить, что жизнь Рублёва складывалась как-то иначе. Уточнить место его рождения и начало творческой биографии пока не представляется возможным. В Москву Рублёв прибыл скорее всего уже зрелым и признанным мастером, искусство которого впитало в себя традиции разнообразных художественных школ .
В них Рублёв уже заявляет о себе как необычайно яркая и одарённая творческая личность. Эти иконы выделяются звучностью и чистотой колорита, который можно назвать поэтическим.
АНДРЕЙ РУБЛЁВ (около 1360 — около 1430)

Спас.
Троица

Архангел Михаил
Апостол Павел
 Летописи свидетельствуют о росписи Даниилом и Андреем Рублёвым Успенского собора во Владимире, причём Даниил назван первым, что может свидетельствовать о старшинстве и большей опытности Даниила. Иосиф Волоцкий называет Даниила учителем Рублёва. Погребён Даниил в Спасо-Андрониковом монастыре То что Даниил работал всегда в соавторстве с Андреем Рублевым, создает проблему разделения творчества двух художников. Выход исследователи ищут в попытках выделить особые стилистические приемы, характерные для каждого мастера. Скончался Даниил одновременно с Андреем Рублевым около 1430 г. от «морового поветрия» и погребен рядом с ним в Спасо-Андрониковом монастыре в Москве..
В 1992 г. при расчистке алтаря Спасского собора рядом с могилами игуменов и основателей монастыря было обнаружено погребение двух простых монахов .Возраст монахов был соответственно примерно 50 и 80 лет. По мнению антрополога Сергея Никитина это было вторичное захоронение (кости имели повреждения, оставленные предположительно поисковым щупом). На этом основании (вряд ли кого еще из простых монахов могли разыскивать для перезахоронения на столь почетном месте) погребения были идентифицированы как тела Андрея Рублева и Даниила Черного.
Даниил Черный (1350-1428)

Лоно Авраамово

Благовещание

Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Творчество Андрея Рублёва

extracted_text:
МХК, 10 класс
Творчество
 Андрея Рублева
Иоанн  Дамаскин
«У меня нет множества книг.
Я не имею досуга для чтения.
Вхожу в общую врачебницу душ – церковь,
терзаемый  заботами, как терниями.
Цвет живописи влечёт меня к созерцанию и,
как луг услаждая зрение,
незаметно вливает в душу славу Божию».
А вы задумывались, какова
сущность Божественной
Силы?

Что такое икона?

Почему иконописные творения
не подписываются автором?
Учебные вопросы:

Какова роль религиозной живописи?

Откуда приняла Русь традиции в иконографии?

Какие иконы писал Андрей Рублев?
План уроков:

Проект рассчитан на 6 часов

Всего 6 уроков
Представление результатов проекта:

Сочинение на тему: «Художественное своеобразие творчества Андрея Рублёва».

Творческая презентация.

Слайд- шоу.

Андрей Рублёв Википедия
Творчество Андрея Рублёва
Андрей Рублев Реферат
Творчество А. Рублева на сайте Танаис
Творчество А. Рублева реферат
Информационные ресурсы
Автор проекта

Дуркина Екатерина


title: Скачать презентацию или конспект Дизайн в детском саду

extracted_text:
Дизайн в детском саду
pptcloud.ru
Дизайн – художественное проектирование различных изделий, обладающих функциональными и эстетическими свойствами.
В дизайне важны не только развитие замысла, но и планирование
 результата, что способствует общему развитию ребенка.
Ни одно изделие не создается как отвлеченная конструкция, тем более,
 если это изделие рассматривать как произведение дизайна.
Любая хорошая вещь неразрывно соединяет в себе две стороны:
 удобство (функцию) и внешнюю выразительность.
 Первая выражается через конструкцию,
 вторая – через художественную форму, но они не разделимы.
Занятия по дизайну формируют у детей:
 надежную ориентацию в окружающем их предметном мире;
 учат понимать что красиво, а что нет;
 где какая-либо вещь будет уместной, а где напротив, неприемлемой;
 помогают разобраться, как организовать свое предметное окружение, чтобы оно было комфортным, приятным и одухотворенным.
Важно, что вся информация по дизайну (симметрия, асимметрия, выбор цвета и т.п.) должна даваться не в виде отвлеченного правила или специальных сведений, а в самой непосредственной связи с практическим заданием, жизненный смысл которого ребенку абсолютно понятен.
Детский дизайн может иметь:
Предметно-декоративный характер -  это создание и украшение предметов (игрушек, сувениров, элементов одежды, аранжировки).
Пространственно-декоративный характер – деятельность в пространстве с учетом его особенностей (площадь, освещение, рисунок окон, дверей, ниш…).
Для успешной работы с детьми педагог организует:
Эстетически грамотную среду (красивый интерьер, предметы и пособия искусства, зонирование и одомашнивание детских помещений).
Художественно-декоративную деятельность ребенка, используя его знания и опыт в изодеятельности.
Наблюдения природных объектов, предметной среды, результатов  собственной дизайн-деятельности и любование ими.
Творчество детей в ходе изготовления поделок – это целенаправленный труд, в котором особую роль играет воображение – именно оно порождает новые образы. Как утверждал Л.С.Выготский, стремление воображения к воплощениям и есть подлинная основа и движущее начало творчества.
Занятия по созданию поделок из различного материала не просто вооружают ребенка умениями и навыками, но и дают возможность взглянуть на окружающий мир глазами созидателя.
Они будят интеллектуальную творческую активность ребенка, учат планировать свою деятельность, вносить изменения в технологию, конструкцию изделий, осуществлять задуманное.
Объединение разных видов детской художественной деятельности в занятия по дизайну

С 2004 года в нашем детском саду работает дизайн-клуб
«Волшебная кисточка»
Продолжать
 знакомить
 с предметно-
декоративным
дизайном.

Развивать фантазию
 воображение,
 представление о
декоративности и
композиции.

Развивать фантазию,
 воображение,
представление о
декоративности и
 композиции.

Развивать пространственное
 воображение, умение располагать
предметы в интерьере.

Формировать навык
 сотрудничества,
умение работать в коллективе.

Научить ребенка
 эстетически оценивать окружающий
 предметный мир с позиции
 2-х начал: назначения и красоты.

Вся работа студии строится поэтапно. План работы представлен блоками.
1 БЛОК    Дизайн. Секреты радуги (цветовидение).
Ребята закрепляют знания основных цветов и их оттенков, уточняют понятия основных и промежуточных цветов. Занятия основаны на изучении цветового круга немецкого декоратора Освальда.
2 БЛОК    «Мы заглянем в каждый дом, красоту увидим в нем».
Дошкольники знакомятся с предметным миром, о том, кем и какие предметы изготавливаются, кто такой дизайнер и чем он занимается. Идет знакомство и анализ окружающей действительности: выделяются художественные, эстетические качества предметов, помещений, вещей (форма, окраска, пропорции, ритм, композиция).
 3 БЛОК    Украшение интерьера (предметно-декоративный дизайн).
 1 цикл «Цветочное чудо» (икебана, аранжировки и букеты из живых и сухих цветов).
 2 цикл   «Путешествие в Морское царство» (изделия из камешков, ракушек, песка).
 3 цикл «Витражи».
 4 цикл  Разные виды рисования
(использование нетрадиционных видов рисования).
На этом этапе дети под руководством педагога оформляют вещи, предметы для оформления помещения, участия в творческих выставках. Это позволяет оценивать свою работу, ее результат. Внимание акцентируется на том, что получилось, дается положительная оценка деятельности, создается благоприятный эмоциональный фон, который способствует формированию творческого воображения и мышления.
Творческая деятельность детей успешно проходит в условиях хорошо поставленного обучения. Руководящая роль остается за воспитателем, который должен использовать в работе с детьми самые разнообразные приемы и методы.
Участвуя со взрослыми в оформлении детского сада, дети чувствуют себя активными создателями красоты, эмоционально  откликаются на прекрасное в природе, одежде, помещении, окружающем мире.
Детское творчество должно доставлять удовольствие не только ребенку, но и окружающим, в этом его важное эстетическое качество.


title: Скачать презентацию или конспект Музей в библиотеке

extracted_text:
ОГО
   Музей в

 библиотеке
ОГО
ОГО
МУЗЕЙ
ПРИ
 БИБЛИОТЕКЕ

ЧЕЛЯБИНСКАЯ
ГОСУДАРСТВЕННАЯ
АКАДЕМИЯ
КУЛЬТУРЫ И ИСКУССТВА
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО

  Немецкая национальная библиотека в Лейпциге
ОГО
Российская государственная
библиотека им.
В.И. Ленина
ОГО
Британская национальная библиотека
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО
ОГО

Российская государственная
         библиотека для молодежи
ОГО
ОГО
Президентская библиотека им. Ельцина
ОГО
ОГО
THE END


title: Скачать презентацию или конспект Кинематограф во второй половине ХХ-начале ХХI вв

extracted_text:
Кинематограф во второй
половине ХХ-начале ХХIвв.
В послевоенные  десятилетия  кинематограф наглядно показал   обращение   к   насущным  вопросам   жизни человека и общества, извечным понятиям добра и зла, любви    и    ненависти,   верности   и   предательства, жестокости и сострадания.
Основным   течением   в   эти   годы  был  неореализм, который     стремился    с   максимально     возможной достоверностью  отражать  факты и события из жизни рабочего  класса  и  городских  низов.  Часто в  основу фильма   ложилось  реально  произошедшее  событие.  Упор  делался  не  на  отвлеченные  идеи, а на чувства персонажей, а проблемы «маленьких людей» показаны с  состраданием  и  гуманизмом.  Начало  ему положил фильм Росселлини «Рим - открытый город».
 Росселлини
Вслед за расцветом неореализма в европейском и французском кино   1960-х  годов  заговорили   о «новой волне».                Её  представители Ж. Л. Годар («Операция бетон», «Безумный Пьеро»,   «Наша музыка»),   А. Рене   («Антракт»,   «14 июля», «Гарибан»),    Ф. Трюффо    («Визит»,    «Американская ночь», «Соседка») и др.  стремились  своим творчеством доказать, что кинофильм может быть образцом высокого искусства.

Ж. Л. Годар
Ф. Трюффо
А. Рене
Особое место в кинематографе 50-80-х годов    заняли   признанные   мастера        И. Бергман         («Девичий источник», «Сквозь тусклое стекло»   и   «Фанни и Александр»),  М. Антониони («Хроника одной    любви»,        «Приключение», «Фотоувеличение»,               «Ночь») ,            Ф. Феллини («Дорога», «Ночи Кабирии», «Сладкая жизнь», «Амаркорд» и др.)

И. Бергман
М. Антониони
Ф. Феллини
Среди     событийно-биографических   фильмов   известность   получили картины Ф. Рози («Дело Маттеи»), Д. Феррары (о похищении и убийстве известного деятеля А. Моро),    И. Буассе («Похищение»),   К. Гавраса (о людях  во  время  мятежа  1973  года  в  Чили),     О. Стоуна   («Джон Ф. Кеннеди. Выстрелы в Далласе»)
Ф. Рози
И. Буассе
О. Стоун
К. Гаврас
В     послевоенные     десятилетия откровением    для     зрителя   во многих   странах   стали   фильмы японского режиссёра А. Куросавы. В них изображён колоритный мир национальной истории, традиций, быта японцев.            Творчеству А. Куросавы    открыло   путь   на мировой   экран  лучшим мастерам кинематографа стран Азии.
Его знаменитые фильмы: «Расёмон», «Семь самураев», «Ран»
«Ран»
«Семь самураев»
«Расёмон»


title: Скачать презентацию или конспект Экскурсия по Третьяковской галереи

extracted_text:
 Урок - вернисаж
 По   залам
 Третьяковской    галереи
pptcloud.ru

Словарь
Шедевры – произведения лучшие из лучших.
Вернисаж – торжественное открытие художественной выставки.
Репродукция – картина, воспроизведённая типографическим способом.
Колорит – сочетание красок в картине, создающих красоту.
Портрет – описание внешности человека, его жизни.
    Живопись – это труд,    поэзия, которую видят.             Леонардо да Винчи
      Портрет
 Мусоргского
Модеста Петровича

Художник
Илья Ефимович Репин
    Взятие снежного городка

Художник
   Василий Иванович Суриков
   Лихо несётся
вперёд один из
всадников, стоящие
сзади молодые
казаки забрасыва –
ют  лошадь
снежками, бьют её
хворостинами.
Сколько веселья,
шума, смеха в
яркой толпе!
Архип Иванович Куинджи «Лунная ночь на Днепре»
Исаак Ильич Левитан «Владимирка»
… А грачи… - первые
предвестники весны.
Спокойные пятнышки на
берёзах, разнообразные
движения птиц,
усеявших деревья. Они
хлопают крыльями,
взлетают, тянутся за
прутиком, копошатся у
своих растрёпанных
гнёзд, а некоторые уже
спят в своих гнёздах.

  Алексей Кондратьевич        Саврасов
 «Грачи прилетели»
                                                                   Иван Иванович Шишкин «Рожь».Всё рожь кругом, как степь живая, Ни замков, ни морей, ни гор.Спасибо, сторона родная,За твой врачующий простор!
Василий Григорьевич Перов «Тройка»
Перед нами изумительная картина И.К.Айвазовского «Девятый вал». Беспощадная буря разбила в щепы корабль. Надвигается грозный девятый вал, трагический, по преданиям моряков. Кто победит: человек или разбушевавшаяся стихия?
           Домашнее задание:написать сочинение – миниатюру о любимом художнике и его картине.


title: Скачать презентацию или конспект ПЕЩЕРА НИО

extracted_text:
Пещера Нио
Проект Якушевой Валерии Алексеевной 8 А

Пещера Нио находится неподалеку от французского города Тараскон-сюр-Арьеж, в известняковом массиве мыса Кап де ля Лесс, на высоте 100 м. от уровня реки Викдессо, притока Арьежа. С самого начала XVII века пещера представляла большой интерес для туристов, которые оставили многочисленные следы на ее стенах. Люди, приходившие сюда даже не подозревали, что изображения, которые они видели в Черном Салоне, были настолько древними.

Только в 1906 году благодаря капитану Моляру, который вместе со своими сыновьями составлял план пещеры и обнаружил живопись Черного Салона, Нио привлекла внимание специалистов. В 1907 году пещеру изучали А. Брейль и Е. Картальяк. Но открытие живописи Черного Салона было только началом. В 1925 г. Ж. Мандеман обнаружил галерею с несколькими черными изображениями и назвал ее галереей Картальяка. Позднее удалось установить, что изображения появлялись на стенах пещеры в течение долгого периода между 11500 и 10500 годами до н.э.

Посетителя, впервые входящего в пещеру, поражают размеры ее залов и галерей. Высота потолков равна нескольким десяткам метров, а размеры галерей составляют более 2 км. в длину. Пещера открыта для посетителей в течение всего года, но количество групп и человек в группе строго ограничено, поскольку частые визиты многочисленных туристов могут плохо сказаться на изображениях.

Изображения животных представляют собой фрагмент центрального панно Черного Салона, почти круглого зала, на стенах которого видны шесть великолепных панно в основном с изображениями бизонов, лошадей, коз и различных знаков. Животные почти всегда изображены в профиль, так как в таком положении их легче всего узнать. Рядом с почти схематичными набросками здесь соседствуют фигуры животных с тщательно прорисованными деталями, которых больше чем достаточно, чтобы просто узнать животное.

Основной темой живописи пещеры является бизон. Ни одно изображение не повторяется, у каждого животного по-особому выписаны глаза, ноздри, рога. Благодаря точности изображения, Нио является одной из пещер, где меньше всего насчитывается непонятных изображений.


title: Скачать презентацию или конспект Что такое графика?

extracted_text:
Что такое графика?
        Графика(от гр. grapho-пишу, рисую)-это вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатную художественную продукцию, основанный на искусстве рисунка.
Виды графики. Рисунок
	К. П. Брюллов.  Последний день Помпеи». Эскиз. Сепия, тушь, перо, карандаш.
	М.А.Врубель Портрет Н.И. Забелы – Врубель в кресле-качалке.
Виды графики. Печатная графика (гравюра)

В.А.Фаворский
Сергиев Посад.1919
 Ксилография
И.Голицин
В.А.Фаворский за работой.
Линогравюра

Средства выразительности графики. Линия.

Средства выразительности графики. Штрих

Средства выразительности графики. Пятно

Пабло Пикассо.  "Торо и торерос". 1959
Средства выразительности графики. Тон

 И. И. Шишкин. Овраг в еловой роще. 1874. Бум., тушь, перо

    В. В. Матэ. Богатыри.                           С оригинала В. М. Васнецова.

      Линия

А. Матисс
 Букет цветов в кувшине


title: Скачать презентацию или конспект Типология жилых и общественных зданий: здания цирков

extracted_text:
ТИПОЛОГИЯ ЖИЛЫХ И ОБЩЕСТВЕННЫХ ЗДАНИЙ
«Здания цирков»
Выполнил:
Джуманиязов Х. К.
Проверил
Архипов А. П.
Зрелищные учреждения
Зрелищные здания - учреждения для организованного показа и просмотра зрелищ. Как правило, зрелищные учреждения владеют специально отведенными местами для просмотра зрелищ. Зрелищные учреждения представляют собой архитектурные постройки в различных архитектурных стилях и приспособлены своей конструкцией, а подчас и расположением, главным образом для: организации показа зрелищ, организации просмотра зрелищ. Зрелищные учреждения имеют древнейшую историю появились практически одновременно с строительством.
Современные зрелищные учреждения
Современные зрелищные учреждения для показа и просмотра зрелищ включают в себя:
Цирки - показ и просмотр различных цирковых программ и представлений
Кинотеатры - показ и просмотр кинофильмов(фильмов, сериалов, видеоклипов)
Театры - показ и просмотр театральных постановок(драм, пьес, комедий, мюзиклов и др.
Спортивные сооружения  показ и просмотр спортивных состязаний (стадионы, плавательные бассейны, теннисные площадки, ипподромы, боксёрские ринги,  и др.)
Музеи - организованный показ и просмотр музейных экспонатов(картин, предметов старины и др.)
Зоопарки и террариумы - организованный просмотр и показ различных животных, рыб, птиц и др.
Дельфинарии - показ и просмотр представлений с дельфинами, косатками, ластоногими
Концертные залы - показ различных шоу, выступлений эстрадных певцов и артистов

Цирк
Стационарные цирки и цирки Шапито всегда имеют круглую форму и центрально расположенный манеж диаметром 13 —14 м («Правила строительного надзора», § 96 и далее). Имеются также цирки с двумя-тремя манежами, расположенными в ряд. Местоположение цирков, устройство в них мест для сидения и стояния, проходов и т.п. регламентируется в основном теми же указаниями, которые относятся к театрам. Отступлением от этих указаний является требование о размещении зрительских мест, которые разделяются на самостоятельные концентрические ярусы, отделенные друг от друга надёжными барьерами. Каждый ярус делится на отсеки радиально расположенными проходами со ступенями.
Цирк
В нижнем ярусе может быть не более восьми ступенчатых рядов, в остальных — не более шести. Число мест на участке между проходами не может быть больше 16. Глубина рядов со скамьями для сидения ≥ 90 см. Уровень пола верхнего ряда мест не может быть выше уровня земли более чем на 15 м. Ширина лестничных маршей от 1,25 до 2,50 м; лестницы следует устраивать из расчета 1 м ширины маршей на каждые 125 зрителей.
К манежу ведут 2 — 4 прохода: один из зрительного зала и другой из конюшен, которые в свою очередь должны иметь выходы на улицу или сообщаться с улицей по проезду шириной ≥ 4м.

В цирках шапито расстояние между рядами может составлять 80 см, при ширине скамей ≤ 30 см.

Цирк Сарразани в г. Дрезден. Архитекторы Хейльман и Литтман. М 1:1500 Стационарное цирковое здание со сценой. Для непосредственной связи со сценой манеж расположен эксцентрично относительно зрительного зала. Во время концертов на манеже могут быть размещены кресла для зрителей. Общее число мест 3860.
Здание цирка Сарразани. Продольный разрез. Диаметр купола 46,5 м, максимальная высота зала 29 м.
Римский цирк
У древних римлян словом «цирк» (circus, «круг»,
«круглое здание») называлось открытое сооружение
в виде вытянутого овала, соответствующее современному ипподрому. Крупнейшим из таких
 зданий был Большой цирк (Circus Maximus) в
столице. Римский цирк имел очень мало общего с современным цирковым представлением: он был
местом проведения ряда народных «зрелищ», прежде
всего конских скачек и гонок колесниц, а
 впоследствии и некоторых других, обычно, впрочем, устраивавшихся не в цирках, а в амфитеатрах: единоборства гладиаторов (включая
 венаторов - тренеров, формально тоже считавшихся гладиаторами, несмотря на то, что они не сражались), травли зверей и т. п. Состязания в цирке происходили в известные праздничные дни и назывались ludi circenses. Цирк играл в Риме большую общественную роль, сохранявшуюся также в первые века Византии
Спасибо
 за
внимание