title: Скачать презентацию или конспект Творчество Питера Пауля Рубенса

extracted_text:
Творчество Питера Пауля Рубенса
Введение
Биография живописца
Основные мотивы работы П.П.Рубенса
 Мифологический и религиозный;
Женская натура в работах Рубенса;
Деревенские мотивы;
Стиль  барокко;
3. Пейзажи
4. Портретное искусство фламандского художника
Автопортреты;
Семейные;
Парадные;
Заключение
Содержание
   		Много ли найдется художников, которые на вершине славы стали бы изучать и копировать произведения других живописцев? Много ли таких мастеров, которые в зрелом возрасте, постоянно совершенствуя свое умение рисовать и писать красками, смиренно учиться у более, с их точки зрения, талантливых коллег? Таким был великий фламандский живописец XVII века Петр Пауль Рубенс. Это имя стоит в ряду самых прославленных художников мира.	Его творчество было связующим звеном двух художественных культур – эпохи Возрождения и XVII столетия. Оно пронизано подлинным новаторством, стремлением открыть для искусства еще не изведанные пласты реализма. 	На протяжении всего своего творческого пути он неустанно стремился постичь тайны мастерства. Сам Рубенс был одареннейшим колористом и рисовальщиком, гениальным сочинителем композиций, наделенным могучей фантазией. Но он обладал также колоссальной работоспособностью, постоянно совершенствовал и тренировал свой глаз, руку, понимание формы и цвета. Это невероятное трудолюбие помогло ему не только создать множество произведений, из которых почти половина большие монументальные полотна, но и обрести поразительную свободу и виртуозность кисти. 	Питер Пауль Рубенс был человеком разносторонне образованным. Он поражал обширными познаниями в самых различных науках, свободно владел несколькими языками, интересовался современной литературой и философией.
Введение
      Мы решили рассказать вам о творчестве Питера Пауля Рубенса, так как его работы считают самыми яркими образцами известного в XVII столетии барочного стиля. В нашей работе мы рассмотрим:
 Основные этапы и яркие моменты из жизни великого художника;
Мотивы и сюжеты, которые фламандский живописец использует в своих произведениях;
Уделим большое внимание портретному искусству П.Рубенса;
 Пейзажные работы
Биография Живописца
  Питер Пауль Рубенс родился 2 июня 1577 года вдали от родины своих предков, в небольшом вестфальском городке Зигене в Германии, куда его отец, антверпенский адвокат Ян Рубенс, бежал с семьей, ища спасения от жестокого террора испанского наместника в Нидерландах герцога Альбы, преследовавшего протестантов. Детство Питера Рубенса протекло сначала в Зигене, а потом в Кёльне, и лишь в 1587 г., после смерти Яна Рубенса, его семья получила возможность возвратиться на родину, в Антверпен.
       Общее образование Рубенс получил в иезуитской коллегии, после чего служил пажом у графини де Лялен. Занятиям живописью Рубенс стал предаваться очень рано. Его учителями по её части были Тобиас Вергагт, Адам ван Ноорт и Отто ван-Вэн, работавшие под влиянием итальянского Возрождения и сумевшие, особенно последний, вселить в молодого художника любовь ко всему античному. В 1598 г. Рубенс был принят свободным мастером в антверпенскую гильдию св. Луки, а в 1600 г., по установившемуся издавна обычаю нидерландских живописцев, отправился заканчивать своё художественное образование в Италию.

 		В 1601 г. он состоял при дворе мантуанского герцога Винченцо Гонзаги, у которого и оставался на службе в течение всего своего пребывания в Италии.
		По поручению герцога, он посетил Рим и изучал там итальянских мастеров, после чего, прожив некоторое время в Мантуе, был послан с дипломатическим поручением в Испанию, где внимательно осмотрел собрание Прадо. Его деликатное обхождение с мадридским двором и известным своей темпераментностью мантуанским посланником произвело благоприятное впечатление на герцога Винченцо.
		Во время пребывания в Мантуе Рубенс курировал местную картинную галерею, пополняя её портретами придворных красавиц, и выполнил три крупных холста на религиозные темы для иезуитской церкви в Мантуе. Слава о нём перешагнула скоро пределы Мантуанского герцогства: иезуиты попросили его написать полотно на сюжет «Обрезания» для церкви Сант-Амброджио в Генуе.
		Судя по копиям, сделанным Рубенсом с картин Тициана, Тинторетто, Корреджо, Леонардо да Винчи и других выдающихся мастеров предыдущего столетия, можно предполагать, что в эту пору он побывал во всех наиболее важных художественных центрах Италии, с целью изучения произведений итальянской живописи эпохи Возрождения.

		В 1605 г. брат Рубенса, будучи учеником гуманиста Липсия, занял место библиотекаря при ватиканском кардинале Асканио Колонна и пригласил молодого художника в Рим. После двух лет изучения классических древностей в компании брата Рубенс (летом 1607 г.) был вызван для исполнения портретов генуэзской аристократии на Ривьеру. Там он свёл знакомство с Якопо Серра, генуэзским банкиром, кредитовавшим папу римского. Благодаря его помощи Рубенс получил завидный заказ на алтарь для церкви Санта-Мария-ин-Валичелла в Риме. Одновременно он работал над алтарём для монастыря ораторианского ордена в Фермо.
		Появление заказов на работу в Риме, который тогда был меккой для всех европейских художников, позволило Рубенсу разорвать свои обязательства по отношению к провинциальному мантуанскому двору. (Сыграли свою роль и хронические задержки с выплатой жалованья.) В октябре 1608 г. он получил письмо от брата из Антверпена о том, что их мать находится на смертном одре. Он поспешил на север, но уже не застал её в живых.
		Возвращение в Антверпен молодого, но уже известного в Италии художника заставило искать его услуг многих состоятельных бургеров, клерикальные круги и наместников испанских Габсбургов. К брюссельскому двору последних Рубенс оказался привязан «золотыми оковами». Положенное ему жалование было таково, что он смог открыть просторную мастерскую, нанять множество подмастериев и выстроить один из лучших особняков Антверпена (ближе всего напоминающий генуэзские палаццо), который с годами наполнился картинами, статуями и предметами декоративно-прикладного и ювелирного искусства, представлявшими лучшее в искусстве Италии.

		Не порывал Рубенс и связей с могущественным орденом иезуитов. Он принял участие в проектировании орденом антверпенской церкви св. Карла Борромея и практически единолично отвечал за её внутреннее убранство; впрочем, в подготовке эскизов плафона ему помогал Антонис ван Дейк — самый талантливый из его многочисленных учеников. Венцом его сотрудничества с церковью стали грандиозные алтарные картины «Водружение креста» (1610) для церкви св. Вальбурги и «Снятие с креста» (1611-14) для городского собора Антверпена.
		В октябре 1609 г. Рубенс сочетался браком с Изабеллой Брант, дочерью известного гуманиста Яна Бранта. В последующее десятилетие Рубенс достиг в Европе славы, с которой из художников предыдущих эпох мог сравниться только Тициан. Зиждилась она как на религиозных полотнах, для которых он выбирал самые драматичные эпизоды библейской истории («Страшный суд» из Старой пинакотеки и «Распятие» из Брюссельского музея изящных искусств), так и на брызжущих безудержной энергией, сочных по палитре, бесстыдных по эротизму сценах из античной мифологии (в Старой пинакотеке — «Битва амазонок» и «Похищение дочерей Левкиппа»).
		Многочисленность подписанных Рубенсом работ (которые исчисляются тысячами) свидетельствует о том, насколько большую помощь художнику оказывали его ученики, среди которых — такие виртуозы, как Якоб Йорданс и Франс Снейдерс. В 1620-е гг. произведения мастерской Рубенса наводнили не только Испанские Нидерланды, но и всю Европу.

		Можно предположить, что для холстов большого размера сам мастер выполнял только первоначальный эскиз композиции и наносил краски на те участки, которые требовали особой проработки. Зачастую он представлял клиентам миниатюрный гризайльный эскиз будущего холста и, получив их одобрение, доверял его исполнение подмастерьям. В 1621 г. фландорская регентша Изабелла Испанская сделала Рубенса своим советником по вопросу продления перемирия с Голландской республикой. С этого времени фламандский живописец, который отличался обходительностью, был начитан, знал шесть языков и состоял в переписке со многими коронованными особами (его называли «королём художников и художником королей»), становится ценным приобретением для дипломатии испанских Габсбургов.
		В 1622 г. Рубенса вызвала в Париж наслышанная о его славе вдовствующая королева Мария Медичи; ему было поручено заполнить картинами из её жизни два длинных перехода в новопостроенном Люксембургском дворце. Над исполнением этого заказа Рубенс работал в Антверпене два года. В 1625 г. в его присутствии 21 полотно из жизни королевы было установлено в Люксембургском дворце (впоследствии перенесены в Лувр). Он получил заказ на такую же серию из жизни её супруга Генриха IV, но этот проект так и остался неосуществлённым.
		В 1628 г. король Филипп IV пригласил Рубенса в Мадрид, где тот получил возможность лицезреть богатейшее собрание произведений своего кумира, Тициана, а также копировать их. В 1629 г. ему было поручено отправиться в Лондон для проведения мирных переговоров с Карлом I, что и было исполнено с блеском.

		Во время пребывания в английской столице Рубенс покрыл потолок выстроенного Иниго Джонсом зала банкетов Уайтхолльского дворца аллегориями из жизни отца монарха, Якова I. За эти заслуги король возвёл художника в рыцари, а Кембриджский университет произвёл его в почётные доктора. Во время своих странствий Рубенс овдовел. По возвращении в родной Антверпен в 1630 г. он взял в жёны 16-летнюю дочь друга, Елену Фоурман. В последнее десятилетие жизни она становится излюбленным предметом его портретов.
		В 1653 г. Рубенс приобретает  брабантское поместье Элевейт неподалёку от Мехелена. Средства на покупку доставил полученный от испанского короля заказ на 120 иллюстраций к текстам классических авторов, преимущественно Овидия. Жизнь в сельской местности приблизила Рубенса не только к природе, но и крестьянам. В таких вещах, как «Кермеса» (1638), он пытается превзойти Брейгеля в изображении разудалой стихии народного праздника.
		Работать ему с каждым годом становилось всё труднее из-за прогрессирующей подагры. В 1640 г. Рубенса не стало. В его антверпенском доме после реставрации был открыт (в 1947 г.) музей Рубенса.

		Однажды Рубенс написал знаменательные слова: «У каждого свой дар: мой талант таков, что как бы огромна ни была работа по количеству и разнообразию сюжетов, она еще ни разу не превзошла моих сил». Эти слова как нельзя точнее отражают поразительную универсальность творчества мастера, ибо жанровый диапазон его искусства вместил почти все многообразие тем и сюжетов, получивших распространение во фламандской и европейской живописи XVII века. И хотя лишь немногие из них не нашли претворения в творчестве Рубенса, все они, даже такие далекие от непосредственных интересов художника, специфически «кабинетные» области живописи, как, например, изображение цветов, оказались втянутыми в круг его влияния, подчиненными задачам, поставленным его искусством. И одной из центральных тем, в которой Рубенс проявил себя наиболее ярко и полнокровно, и стала религиозная и мифологическая живопись. 	Для полного понимания ее значения для художника и общества важно вспомнить, что Рубенс жил с 1577 по 1640 год, в тот период, который обычно историки называют Контрреформацией, так как он характеризовался возрождением римско-католической церкви, предпринимавшей энергичные усилия с целью подавления последствий протестантской реформации. Это было время острых столкновений, в ходе которых человеческий дух и интеллект добивались больших успехов, но оно также известно своей алчностью, нетерпимостью и беспримерной жестокостью... «Охота на ведьм», поражающий воображение размах религиозного усердия, густо замешанного на слепом фанатизме и суеверии, превратили XVI и XVII века в настоящий кошмар — по всей Европе тысячи людей, мужчин и женщин, заканчивали свою жизнь на кострах в наказание за то, что они якобы совершили преступления против человечества и природы.
Основные мотивы работ П.П.Рубенса
Мифологический и религиозный
		Возрожденная из средневековья инквизиция старательно выискивала врагов римской церкви, что неизбежно приводило к массовым преступлениям и пыткам подозреваемых в ереси людей. Религиозные войны, одна за другой, подрывали установившийся в Европе мир... 	И все же темперамент, свойственный Рубенсу, заставлял его обращать внимание на светлые стороны человеческой жизни, а не на одни лишь невзгоды. Очень немногие великие художники с большей проникновенностью и уверенностью выражали на своих полотнах поразительную щедрость природы и заключенное в человеке потенциальное счастье. Вполне вероятно, что невероятная популярность его искусства при жизни объяснялась потребностью людей почувствовать твердую поддержку в своем подавленном состоянии. Им было нужно такое представление об окружающем мире, которое напоминало бы изречение из Библии: «И увидел Бог все, что Он создал, и вот, хорошо весьма». Рубенс понял, что такое пламенное художническое выражение полностью соответствует его творческим убеждениям. Он несколько остудил свой энтузиазм, который вызывала у него античность, и вложил собственное, глубоко затрагивающее душу благочестие в мощное живописное искусство, черпая вдохновение из языческих источников, чтобы придать новый масштаб отражению христианских тем, передавая мифологическим образам человеческую теплоту. Подчиненное силе его воображения, такое слияние христианских и классических образов приводило в восторг и вдохновляло его современников. Ничего подобного прежде не мог добиться ни один художник.

Женская натура в произведениях  П.П.Рубенса
	Нигде так явственно не чувствуется задорный, веселый, полный здоровой жизни дух Рубенса, как в картинах, изображающих обнаженную женскую натуру. Эротические, как и подобает быть всем «ню», но не пошлые, цельные, но не банальные, его обнаженные женские фигуры свидетельствуют о его сердцем прочувствованном, получаемом от жизни удовольствии. Вряд ли можно назвать противоречием, что этот величайший религиозный художник своего времени был также еще и великим мастером женских форм. По его мнению, тело человека до последней детали в такой же степени творение Божие, как и жизнь любого святого, и хотя он часто помещал обнаженные женские фигуры на фоне прошлой, языческой истории, он рисовал их всегда с откровенной прямотой, что отражало его крепкие религиозные убеждения. С технической точки зрения в изображении Рубенсом «ню» почти невозможно отыскать изъян, хотя современные вкусы в отношении женской красоты значительно отличаются от вкусов и подходов художника. н рисовал пышных, полнотелых моделей не только потому, что они лучше отражали идеалы его времени, а еще потому, что тело с роскошной плотью, с его складками, выпуклостями и изгибами ему было куда интереснее рисовать. Рубенс, вероятно, понимал лучше, чем любой художник в истории, каким образом можно достичь необычных, тончайших нюансов с помощью красной, голубой, белой и коричневой красок для точного воспроизведения цвета плоти. Женщины у Рубенса, как говорили, кажутся «созданными из молока и крови». Будучи блестящим колористом, Рубенс мастерски умел отражать тонкости текстуры и строения самого тела. Наравне со своим предшественником Тицианом и своим последователем Ренуаром он является непревзойденным художником форм человеческого тела.
		Два главных шедевра Рубенса в этой области - "Похищение дочерей Левкиппа" и "Три грации", обе картины вы можете видеть ниже. Они являются отличными иллюстрациями к методам изображения обнаженной натуры, которыми пользовался Рубенс и которые подвергались изменениям от середины его творческой карьеры до более позднего периода жизни. На первой картине мифологические двоюродные братья Кастор и Поллукс похищают дочерей короля Мессены. Вся картина пропитана волнующей подвижностью стиля барокко. Контрастные поверхности доведенных до блеска лат, шерсть и кожа лошадей, шелковые ткани и женская обнаженная плоть оживляют картину своей почти осязаемой текстурой. В самих фигурах точно выписана каждая ямочка плоти. Контрастом этой картине служит вторая, на которой изображен спокойный танец служанок Венеры. Она отражает более мягкую, более рефлексивную манеру зрелого художника. Написанная за год до смерти, эта картина представляет нам идеал рубенсовской женской красоты. Ее композиция, представляющая собой вариант разработанной греко-римскими скульпторами позы и перенесенной на холст такими мастерами, как Рафаэль и Боттичелли, наделена энергией и силой, которые Рубенс обычно тратит на гораздо более сложные сюжеты. Здесь эти три обнаженные фигуры художник наполнил дивной жизненной силой...
		Последнее десятилетие жизни, как считают, Рубенс написал несколько десятков пейзажей на открытом воздухе, большая часть из которых не сохранилась. Применяя свой свободный, плавный стиль, разработанный им самим, он, вероятно, лишь для собственного удовольствия рисовал ту землю, на которую так долго глядел с восторгом и любовью. 	После его смерти осталось семнадцать его ландшафтов. Настоящие чудеса света и цвета, эти картины часто носят личностый характер, они гораздо сильнее прочувствованы им, чем многие крупные сцены, написанные прежде. Здесь он страстно, точными, уверенными мазками, проявляет творческую энергию, свойственную его ранним работам. Цвет пейзажей отличается блеском и яркостью, его очертания приглушены, смягчены. Кажется, что свет исходит из самой картины, из глубины. В этих работах Рубенс намного предвосхитил то, что впоследствии мы увидим только у импрессионистов.
Деревенские мотивы
		Очень немногие художники, пусть даже великие, заслуживают чести называться основоположниками нового стиля в живописи. Рубенс — исключение. Он стал создателем живого и волнующего стиля художественного выражения, позже названного барокко. Уникальные свойства этой манеры письма наглядно продемонстрированы в его ранней переходной работе "Святой Георгий, поражающий дракона. Стоящая слева женщина в застывшей позе выписана чрезвычайно детально, что характерно для всех предшественников Рубенса. Но героическая фигура рыцаря, его вставшая на дыбы лошадь, энергичные жесты и яркие краски демонстрируют новый интерес, проявляемый Рубенсом к напористому действию, движению, эмоциям. Такие картины, как эта, приблизительно на полвека предвосхитили широкое использование стиля барокко художниками в других европейских странах. 	Яркий, пышный рубенсовский стиль характеризуется изображением крупных тяжелых фигур в стремительном движении, возбужденных до предела эмоционально заряженной атмосферой. Резкие контрасты света и тени, теплые богатые краски, кажется, наделяют его картины кипучей энергией. Он писал грубоватые библейские сцены, стремительную, захватывающую охоту на животных, звонкие ратные побоища, примеры высочайшего проявления религиозного духа, и все это делал с равным пристрастием к перенесению на холст высочайшей жизненной драмы.
Стиль барокко
		Один из его величайших поклонников, французский колорист XIX века Эжен Делакруа, писал о Рубенсе: «Его главное качество, если предпочесть его многим другим, — это пронзительный дух, то есть поразительная жизнь; без этого ни один художник не может быть великим... Тициан и Паоло Веронезе кажутся рядом с ним ужасно смирными». 	Никто не изображал людей и животных в жестокой схватке так, как это делал Рубенс. Все его предшественники тщательно изучали прирученных зверей и рисовали их в сценах вместе с людьми. Такие работы обычно преследовали одну цель — продемонстрировать знания анатомического строения животного и основывались главным образом на библейских или мифологических рассказах. Воображение Рубенса увлекло его далеко за пределы реальности истории, заставляя создавать живой мир, в котором люди и звери сражаются друг с другом в стихийно возникшей схватке. Его охотничьи сцены характеризуются огромным напряжением: страсти накалены до предела, возбужденные люди и животные бесстрашно, с яростью набрасываются друг на друга. Этот жанр Рубенс популяризировал в середине своей карьеры художника. На знаменитой картине "Охота на гиппопотама" , одной из четырех, заказанных Рубенсу герцогом Баварским Максимилианом для одного из своих дворцов, изображена просто невероятная схватка между крокодилом, разъяренным гиппопотамом, тремя гончими, тремя лошадьми и пятью мужчинами. Вся композиция картины Рубенса мастерски сосредоточена на фигуре гиппопотама. Изгиб его спины переводит взор зрителя кверху. Там, в верхней части картины, словно веером, расположились длинные конские морды, взметнувшиеся руки охотников, пики и мечи, которые образуют мощные диагонали, возвращающие взгляд зрителя в центр полотна, в центр схватки. Таким образом, Рубенс добивается разнообразия форм на своей картине, которые, соединяясь и сливаясь, усиливают разыгрывающуюся на глазах у зрителя драму, перенося все его внимание не на жизнь, а на смерть этих животных в самом центре картины.
		Рубенс нечасто рисовал пейзажи — спрос на его работы заставлял его в основном заниматься живыми сценами, но все же он сделал множество набросков и этюдов своего любимого сельского фламандского пейзажа. Он мог использовать некоторые из них для фона своих больших картин (как и другие художники его времени, он не носил с собой мольберт, чтобы рисовать непосредственно пейзаж перед глазами). Во время своих прогулок верхом по сельской местности Рубенс часто останавливался, чтобы сделать набросок привлекших его внимание ворот, или моста, или куста куманики, которые казались ему интересными и достойными его внимания. На закате жизни, когда Рубенс отошел от крупных заказов, он снова вернулся к пейзажной теме. За последнее десятилетие жизни, как считают, Рубенс написал несколько десятков пейзажей на открытом воздухе, большая часть из которых не сохранилась. Применяя свой свободный, плавный стиль, разработанный им самим, он, вероятно, лишь для собственного удовольствия рисовал ту землю, на которую так долго глядел с восторгом и любовью. После его смерти осталось семнадцать его ландшафтов. Настоящие чудеса света и цвета, эти картины часто носят личностный характер, они гораздо сильнее прочувствованы им, чем многие крупные сцены, написанные прежде. Здесь он страстно, точными, уверенными мазками, проявляет творческую энергию, свойственную его ранним работам. Цвет пейзажей отличается блеском и яркостью, его очертания приглушены, смягчены. Кажется, что свет исходит из самой картины, из глубины. В этих работах Рубенс намного предвосхитил то, что впоследствии мы увидим только у импрессионистов.
Пейзажи
Портретное искусство фламандского художника
		Само собой, Рубенс был большим мастером портретной живописи, и хотя его работы по своему психологизму и степени постижения модели уступают портретам Тициана, все же, Рубенс по праву входит в число самых значительных портретистов в истории. Портреты Рубенса можно назвать настоящим живописным справочником «кто есть кто» представителей западноевропейской знати XVII столетия. За восемь лет пребывания в Италии он написал портреты многих аристократов, включая самого первого его покровителя герцога Мантуанского. В 1609 году после возвращения в Антверпен Рубенс стал придворным живописцем при правителях Испанских Нидерландов эрцгерцоге Альберте и эрцгерцогине Инфанте Изабелле. Ее портрет мы видим справа. На этой должности он получил особую привилегию посещать дома самых богатых и знатных дворян. Он написал портреты английского короля, герцога Бекингемского, графиню Шрюсберийскую, испанского короля Филиппа IV, французских королей Генриха IV и Людовика XIII, польского короля Владислава IV Вазы и Марию Медичи. Во время своих творческих путешествий Рубенс оказался вовлеченным в дипломатическую деятельность. Инфанта Изабелла, отдавая себе отчет в том, что искусство Рубенса давало ему свободный доступ в самые знатные королевские дома Европы, сделала его своим хоть и неофициальным посланником, но лицом весьма доверенным. Рисуя портреты или обсуждая заказы на монументальные декоративные украшения стен дворцов, Рубенс одновременно с этим зачастую вел с королями и принцами секретные переговоры.
		Если бы понадобилось одним словом охарактеризовать жизнь Питера Пауля Рубенса, то вполне подошло бы слово «энергия». Его искусство, характеризуемое его кипучей жизненной энергией, его страстями, является квинтэссенцией грандиозного стиля барокко. Более 1000 картин художника — это монументальное достижение. А ведь оно только одно из многих. Рубенс был поразительно начитанным человеком, его интересы простирались от философии стоиков до изучения редких гемм. Во время своих продолжительных путешествий, когда он старательно штудировал и зачастую копировал произведения искусства различных эпох, он на равных встречался со многими знаменитыми европейскими интеллектуалами. Среди них такие ученые-классики, как Никола Пейреск, Каспар Шиопиус и французский гуманист Пьер Дюпюи. Все они в один голос восхваляли его острый ум и вели с ним продолжительную ученую переписку. Но Рубенс никогда не был педантом. У него было достаточно таланта и обаяния, чтобы попробовать себя в другом деле — в области политики. Много лет уже после того, как он стал общепризнанным художником, Рубенс, используя свою профессию в качестве прикрытия, усиленно выполнял работу дипломата, часто принимая участие в мирных переговорах от Испанских Нидерландов, его родины. Несмотря на свою широкую, разнообразную деятельность, Рубенс всегда находил время для семьи. Ему посчастливилось жениться на двух красивых женщинах (первая жена изображена справа), и он был любящим и заботливым отцом для своих восьмерых детей. Портреты его жён и детей можно увидеть на этой странице. «У Рубенса было столько талантов, — заметил один из его покровителей, — что его умение рисовать следует отнести к самому последнему».
		Выдающийся фламандский живописец Питер Пауль Рубенс (1577-1640) был человеком редкого по масштабу гения, который обладал всеми достоинствами, столь необходимыми как для великих свершений в искусстве, так и для успеха в обществе, — мощным интеллектом, кипучей энергией, крепким здоровьем, приятной внешностью, удивительным даром гармонии и, в придачу, ясной головой для творческой и деловой активности. Рубенс был счастливым художником, не знавшим сомнений и разочарований в своем творчестве. Достаточно посмотреть на его картины, и в этом не останется ни малейшего сомнения. Больше всего его приводила в восторг податливая, пластическая красота человеческого тела. Хотя ему нравился окружающий его материальный мир, он весь был наполнен глубокой, доводящей до экзальтации религиозной верой своего времени. Что бы он ни рисовал — белокурую Венеру в окружении нимф или задумчивую Богоматерь с ребенком на руках, сияющую светом аллегорию мощных фигур на облаках, плодородный пейзаж возле дома, — его творчество всегда было гимном, восхваляющим красоту нашего мира. "История искусства не знает ни единого примера такого универсального таланта, такого мощного влияния, такого непререкаемого, абсолютного авторитета, такого творческого триумфа", - писал о Рубенсе один из его биографов.
Заключение
Спасибо за внимание


title: Скачать презентацию или конспект Портретная групповая съемка

extracted_text:
МАОУ ДОД «Центр информационных и коммуникационных технологий»
Баженова С.В., педагог ДО
Портретная групповая
 съемка
(комплект раздаточного материала для занятий по теме «Портрет»)
Пояснительная записка
       Данный комплект карточек разработан в рамках реализации образовательной программы «Основы фотоискусства» и служит  раздаточным материалом при изучении темы «Портрет». Различные позы и идеи, представленные на карточках, помогут обучающимся лучше освоить изучаемый материал.
       Методы работы с карточками самые разнообразные. Это может быть анализ предполагаемых на карточках идей по следующим вопросам:

В каких случаях уместно использовать данную идею?
На что необходимо обратить внимание, чтобы кадр удался?
Какие советы вы бы дали фотографу, если он выбрал данную идею группового портрета?

        Обсуждение может быть групповое или в режиме фронтальной работы со всеми обучающимися.
Используемые источники
http://photo-monster.ru/lessons/read/21-primer-dlya-syemki-gruppogo-portreta.html


title: Скачать презентацию или конспект Как делали фотографии в СССР Домашняя лаборатория

extracted_text:
1
Как делали фотографии в СССРДомашняя лаборатория

2
Фотография – это получение и сохранение изображения при помощи светочувствительного материала или светочувствительной матрицы в фотокамере.
Из истории
фотографии
3
Первое закреплённое изображение было сделано в 1822 году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней.
4
Первой в истории фотографией считается снимок «Вид из окна», полученный Ньепсом в 1826 году с помощью камеры-обскуры на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта.
Этот снимок называется дагеротипом и был сделан изобретателем метода Луи Дагером (Louis Daguerre) в 1838 году на парижском бульваре дю Темпль.
5
Первая в мире фотография человека
Процесс получения дагеротипа был очень длительным и трудоемким, поэтому невозможно было зафиксировать движущиеся объекты. Именно из-за этого бульвар кажется пустынным, хотя по нему все время проезжали экипажи и шли пешеходы.
И все же один человек на снимке оказался, благодаря чему и стал первой в мире фотографией человека.
Мужчина остановился возле чистильщика обуви и неподвижно простоял все время, пока Дагер готовил  свою аппаратуру.
6

7

8
Домашняя лаборатория Как делали фотографии в СССР
Прежде чем начать съёмку, плёнку заряжали в кассету. Советская плёнка продавалась, упакованной в чёрную светонепроницаемую бумагу.
9

Кассеты надо было покупать отдельно. Рулон помещался в типовую коробочку с указанием светочувствительности (32, 64, 130 и 250 единиц) и завода-изготовителя (Тасма или Свема).
10

В полной темноте – в ванной комнате или с намотанными на руку одеялами – надо было плёнку вынуть из упаковки и намотать на маленькую бобину вроде катушки для ниток, затем вставить бобину в кассету и закрыть крышечку.
11

Чтобы научиться этому, сперва тренировались на уже проявленных отснятых плёнках на свету. И только после того, как плёнка заряжена в кассету, её можно было вставлять в фотоаппарат.
12

Отснятую плёнку необходимо было проявить. Для чего в полной темноте её наматывали на специальную спираль и помещали внутрь светонепроницаемого бачка (частью которого спираль и являлась).
13

На свету в бачок заливали приготовленный заранее проявитель. Проявитель в виде порошка продавался в пакетах. Содержимое пакета нужно было растворить в воде, а полученный раствор профильтровать
14

Проявитель, заливаемый в бачок, должен был быть определённой температуры – от 20 до 25 градусов. Для того, чтобы следить за температурой, каждый фотолюбитель имел специальный термометр.
15

16

После этого проявитель выливался из бачка. Затем в бачок наливалась вода из-под крана (тоже определённой температуры) для промывки плёнки. Затем заливался фиксаж – реактив для закрепления эмульсии плёнки от воздействия света (почему он часто назывался закрепителем).
В фиксаже плёнка лежала минут 15-20 минут. Потом плёнку вынимали из бачка и сушили.
Фотографии печатали при свете красного фонаря в заранее приготовленной домашней лаборатории.
Сначала подключали к сети фотоувеличитель (инструмент, позволяющий получить нужный размер фотографии с маленького 35мм негатива).
17

Рядом с фотоувеличителем ставили ванночки с проявителем, фиксажем и водой для промывки. Также рядом размещали щипцы, пачку с фотобумагой и негативы.

18

Лист фотобумаги укладывали на столешницу фотоувеличителя, эмульсией вверх. Обычно для этого фотолюбители пользовались специальной кадрирующей рамкой. Цилиндр с объективом поднимался на кронштейне на такую высоту, которая требовалось для того или иного масштабирования – чем выше, тем масштаб больше. Дальше на какое-то количество секунд включалась внутренняя лампочка, на фотобумагу падало изображение с плёнки и происходила экспозиция. Далее бумага помещалась в проявитель (как у плёнки), промывалась, потом в фиксаж, снова промывалась и дальше лежала в отдельной ванночке.
19

Затем фотографии нужно было высушить.
Делали это при помощи глянцевателя, который состоял из двух  зеркальных листов металла. При помощи специального резинного валика, уложенная эмульсией на лист мокрая фотография раскатывалась. Затем листы с приклеенными намертво фотографиями вставлялись в глянцеватель, который был чем-то вроде электрической жаровни. Под действием высокой температуры фотографии высушивались, а кроме того приобретали характерный блеск – глянец.
20

http://glavcom.ua/photo/5350-16.html
http://relaxic.net/first-known-photo-of-a-human/
https://ru.wikipedia.org/wiki/%D4%EE%F2%EE%E3%F0%E0%F4%E8%FF

21
При составлении презентации использовались следующие источники:


title: Скачать презентацию или конспект Гжельская роспись

extracted_text:
г ж е л ь с к а я  р о с п и с ь
Выполнила ученица 6 класса Курцева Елена
В наше время под гжелью обычно понимают вид русского народного искусства – расписанные в особом стиле керамические изделия. Особенностью гжельской росписи является использование трёх основных цветов: белого, составляющего фон изделия, синего и голубого, которыми выполняется сам рисунок. Гжельская посуда и другие изделия хорошо известны не только в России, но и во всём мире.
Одной из причин развития именно этого промысла послужила качественная гжельская глина. Ведь, как известно, изначально определённый вид деятельности появляется именно там, где есть материал. Развитие гончарного дела в гжельской местности началось ещё  в IVвеке до нашей эры. В XIV же веке гжельская земля стала центром керамического производства Руси. Именно там делали керамические изделия для самого Великого князя Ивана Калиты.
Производство расширялось, появлялись новые технологии, также росло и мастерство гончаров. В начале XVIII века был освоен выпуск фарфоровых изделий, а также был получен так называемый «полуфаянс». Именно его мастера расписывали синей краской, которая в последствии стала символом гжельских изделий. Изначально в окраске фарфоровых изделий преобладали модные во все времена золотистые тона.
Процесс производства гжельских изделий таков. Сначала мастера вытачивают на специальных станках гипсовые модели по эскизам художников. Станок напоминает гончарный круг, но заготовки обрабатываются не руками, а при помощи специальных резцов.
Сейчас Гжель объединяет несколько десятков сёл и деревень бывшей Гжельской волости. Это один из крупнейших гончарных центров не только в московской области, но и во всей России. Секретом популярности Гжели является не только необычный, простой, но в тоже время оригинальный и легко узнаваемый стиль, но и разнообразие форм, рисунков, и самой продукции, которые предлагают нам гжельские мастера. Гжель является символом гончарного искусства России, в том числе и за рубежом.
Ассортимент изделий, представленных объединением «Гжель», необычайно велик. Основной ассортимент, конечно же, составляют чайные и кофейные сервизы и вазы, но это далеко не всё чем могут порадовать россиян и гостей нашей страны гжельские мастера. Они выполняют по индивидуальным заказам разнообразные скульптуры, подсвечники, люстры, чаши и даже камины. И это далеко не весь перечень продукции, которая выпускается «Гжелью».
Можно сказать, что ассортимент продукции ограничивается лишь фантазией художника и заказчика. А современные технологии и мастерство художников позволяют сделать изделие практически любой формы и размера.
СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ!


title: Скачать презентацию или конспект Путешествие по святым местам

extracted_text:
Урок 32  по курсу «ОРКиСЭ»
5 класс

Путешествие по святым местам
Аннотация:
Урок предполагает обобщение знаний учащихся 5 классов по курсу «ОРКиСЭ» на материале архитектурных сооружений мировых религиозных культур (буддизм, ислам, иудаизм, православие).
Задачи:

1) Развивать коммуникативные способности обучающихся;
2) Совершенствовать навыки публичного выступления;
3) Совершенствовать навыки групповой работы;
4) Развивать творческие способности и навыки самостоятельной работы с источниками информации;
5) Воспитывать толерантность.
Цель – обобщение знаний обучающихся о священных сооружениях мировых религиозных культур.
доска, мультимедийное оборудование, раздаточный материал, маркеры, фотоматериал, бумага, двухсторонний скотч,
Оборудование, необходимое для проведения урока:
Место проведения:

Аудитория или актовый зал школы
Предварительная подготовка:
Учитель
Обучение учащихся методике работы над творческим проектом;
Разработка памятки (основные этапы работы над проектом);
Консультирование учеников;
   Ученик
Формулирование и распределение заданий к путешествию;
Подготовка наглядного материала (единый формат);
Подготовка краткой обзорной информации по заданной теме.
Названия проектов школьников
«Священные сооружения Древней Индии»

«Паломничество в Мекку»

«На Святой земле» (Иерусалим)

«Москва златоглавая»
Перед началом урока:
Класс делится на 4 группы;
Каждая группа размещается вокруг своего стола;
На каждом столе разложены памятки эксперта-путешественника;
Определяется регламент выступления (5 минут).

План урока
Вступительное слово учителя с определением темы и цели «путешествия»

Путешествие по святым местам

Подведение итогов

Рефлексия и домашнее задание.
4 мин
30 мин
5 мин
6 мин
Ход урока:1. Вступительное слово учителя
«Здесь мало увидеть,
Здесь нужно всмотреться,
Чтоб ясной любовью
Наполнилось сердце.
Здесь мало услышать,
Здесь вслушаться нужно,
Чтоб в душу созвучья,
Нахлынули дружно»

Н. Рыленков
Экспертный лист
Памятка эксперта-путешественника:

1. Соблюдай правило поднятой руки
2. Будь корректен и уважителен к попутчику
3. Соприкасаясь с другой культурой , соблюдай ее традиции
4. Внимательно прослушай информацию экскурсовода
5. Отметь в путевом листе, что узнал нового
6. Будь готов к вопросам и заданиям участников групп
Внимание! Внимание!
Мы ведем свой репортаж со священной земли Иерусалима. Вам предстоит познакомиться с религиозными памятниками находящимися здесь
Внимательно рассмотрите изображение
Обратите внимание на особенности священного сооружения, перечислите их
Найдите в своей таблице соответствующую картинку (иллюстрацию) и подпиши название сооружения
2. Представление проектов.
Проект 1 «Священные сооружения Древней Индии».
Тезисный план:
1.  Два пути исповедования буддизма
     а) для бхидху
     б) для мирян
2. Архитектурные сооружения. «Ступа» - место где хранятся основные реликвии
3. «Ступа в Санчи» древнейшее сооружение

Священные сооружения древней Индии
Ступа в Санчи – одно из самых древних сооружений
   Легенда.
Будду как-то спросили о том, каким должно быть его погребальное сооружение. Учитель постелил на землю свой плащ и перевернул  на него круглую чашу для сбора подаяний. Так ступа стала сферической формы.
Символ неба, бесконечности
Ось вселенной, соединяет небо и землю
Ворота - тораны
2. Представление проектов.
Проект 2 «Паломничество в Мекку»

Тезисный план:

1. Как Мекка стала святым городом
2. Что такое «Кааба»
3. Хадж
Паломничество в Мекку.
Кааба (от лат. «куб»)
Встреча Патриарха и Имама
Различные религиозные конфессии поддерживают дружеские взаимоотношения
 2. Представление проектов.

Проект 3 «На Святой земле» (Иерусалим)
Тезисный план:

1. Строительство Храма Соломона
2. Стена плача
На Святой Земле
Иерусалим. Стена Плача.
Тезисный план:

1. Становление православия на Руси
2. Символика православного храма
3. София Киевская
4. Соборная площадь московского кремля.
2. Представление проектов.
Проект 4 «Москва златоглавая»
Москва Златоглавая
Собор Святой Софии в Киеве – первый православный  храм на Руси
Купол – свод или крыша в православном храме
Москва Златоглавая
Соборная площадь Московского Кремля
Рефлексия .
Что ожидали?
Что узнали?
Где еще хотели бы побывать?
Домашнее задание
Давайте определим ваше настроение после урока по аплодисментам.
Состав группы:
Соломахина К.И. ОГОУ Губернаторский Светленский лицей
Невзорова Л.В. Школа № 67
Романова Л.И. школа № 37
Скрипниченко Л.П. школа № 21
Фролова М.М. школа №54
Ханевич С.Г. Школа № 37
Матыскина С.П. школа № 67
Баталина Г.И. школа № 50


title: Скачать презентацию или конспект Картины Петрова-Водкина

extracted_text:
        Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878–1939
Выполнила:Бикчураева Е.В.-учитель географии МОУ «ООШ №14» г.Балаково
pptcloud.ru
Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов
Автопортрет

Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908).

Решающей оказалась встреча с В.Э. Борисовым-Мусатовым, по совету которого Петров-Водкин едет осенью 1905 года для дальнейшей учебы за границу. Он побывал в Стамбуле, Греции, Италии и Франции, где в академии Колоросси он совершенствовал технику рисунка. Первой его картиной стало небольшое полотно "В кафе" (1907).
Ранний Петров‑Водкин в своих первых пробах обращается к воображаемым, навеянным фантазией образам ("Элегия", 1906; "Берег", 1908; "Сон", 1910). Они еще малосамостоятельны, носят подражательный характер

«Элегия» 1906г.
«Сон»
В том же году он побывал в Африке. По впечатлениям этого путешествия были написаны «Негритянская деревня»" (1907) и "Берег" (1908)
В 1908 г. Петров-Водкин вернулся в Россию и поселился в Петербурге (Еще живя в Париже он женился на Марии Йованович, дочери хозяйки частного пансиона.

Портрет жены
«Играющие мальчики»
В 1911 г. он пишет «Играющих мальчиков», которые стали его программным произведением, определившим многие особенности поздней манеры.
Именно здесь Петров-Водкин впервые во всей полноте применил трехцветную гамму. Отныне большинство своих картин он писал только тремя цветами: красным, желтым, голубым (или зеленым).
«Купание красного коня»
Появлению «Красного коня» предшествовало важное событие в мире искусства: в 1910—1912 гг. начинается расчистка и собирательство древних икон.По существу, в эти годы только и было открыто исключительно высокое национальное древнерусское искусство.
На Петрова-Водкина вид расчищенных шедевров иконописи XIII—XV веков, которые он тогда впервые увидел на выставке, произвел огромное впечатление. Это был своего рода прорыв, художественный шок. Он сейчас же применил в своем творчестве элементы иконописи, и только после этого его манера обрела яркую оригинальность и законченность — он нашел наконец свой идеал красоты
«Купание красного коня»
Центром всего замысла стал  не всадник, а пылающий призывный образ коня, напоминающий коня Георгия Победоносца на многих древних иконах. И сразу образ приобрел огромную силу: мощный, могучий, огнеподобный конь, полный сдерживаемой силы, вступает в воду; на нем — хрупкий голый мальчик с тонкими как плети руками, с отрешенным, вневременным лицом, который держится за коня, но не сдерживает его — в этой композиции было что-то тревожное и что-то пророческое

«Мать» -  1915 г
На холсте изображена молодая крестьянка в бедной деревенской избе, кормящая грудью ребенка. Образ ее подобен кормящей Богоматери. Обстановка сведена до минимума: на столе лишь крынка и чашка, в углу — киот без иконы. В окне видна
часть деревенской улицы. Как ни на каком другом, на этом полотне заметно
смещение координат — комната вместе с фигурой матери как бы качнулась и
поплыла в пространстве, еще сильнее наклонен пейзаж за окном. Противовесом этому «перекошенному» миру служит фигура младенца. Общий образ
произведения мягкий, задушевный и одновременно — тревожный.

«На линии огня» (1916).
Она изображает взвод солдат, идущий в штыковую атаку. Их остановившиеся «белые» глаза говорят о воле, жестокости и какой-то духовной слепоте. На переднем фоне — смертельно раненный юный прапорщик. Он схватился за грудь, он умирает, в его лице — последнее мгновение жизни, его взгляд растерянный и улетающий в надземную даль.

«1918 год в Петрограде».
В 1920 г. Петров-Водкин пишет полотно, в котором новая действительность словно преломлялась в старых образах.. Сюжет его, как и всех картин художника, очень прост: на переднем плане, на балконе — юная мать с младенцем. За ней — темная панорама революционного города, которая вносит мощный мотив  тревоги. Но юная работница с обострившимися, как у мадонны, чертами бледного лица, не оглядывается назад — она вся полна сознания своего материнства и веры в свое предназначение. От нее исходит волна надежды и покоя. Картину называли «Петроградской мадонной», и действительно — это одно из самых обаятельных творений Петрова-Водкина.

«Рабочие»
На переднем плане два рабочих, один из которых напряженно и страстно старается доказать что-то другому. Но взгляд его оппонента — тяжелый, мрачный и словно отрешенный — устремлен в другую сторону. Лица рабочих сознательно огрублены и носят даже некоторые черты дегенеративности (вообще у позднего Петрова-Водкина появляется, хотя и не подчеркнуто, элемент мрачноватого гротеска, усиливающий ощущение внутренней тревоги).

«Смерть комиссара» -1928г.
Земля изрезана оврагами, песок, глина, чахлая трава и камни. В центре — на переднем плане — смертельно раненный комиссар отряда. Вдали — сбившиеся в кучу, бегущие в бой под стук барабанов фигуры солдат, написанные без всякой патетики. Тонкое нервное лицо комиссара исполнено предсмертной муки. Страдальческий взгляд устремлен одновременно на небо и вслед отряду. Его поддерживает простоватого вида боец, в котором нет ни гнева, ни боли.

«1919 год Тревога
На картине показана квартира рабочего, расположенная в городе, которому угрожают белогвардейцы. Семья рабочего охвачена тревогой, причем это не просто человеческая тревога, а тревога классовая, зовущая к борьбе Она — во множестве деталей: в беззащитной, совсем не героической мещанского вида фигуре рабочего, который напряженно из-за занавески всматривается в окно, в холодной синеватой уличной мгле, в смятой газете, в брошенном на край стола мятом фартуке, в старых и изорванных обоях Еще более она возрастает при взгляде на спящего безмятежно в своей кровати ребенка
Натюрморты
В поздних работах Петров-Водкин постепенно отходит от лаконизма своих прежних картин Он пишет натюрморты.
Натюрморты
Натюрморты

Умер художник в Ленинграде ранним утром 15 февраля 1939 года
Работы Петрова-Водкина
Утренний натюрморт
Работы Петрова-Водкина
«Девушка у окна»
Работы Петрова-Водкина
«Красулино»
Работы Петрова-Водкина
«Полдень. Лето – 1917»
Работы Петрова-Водкина
«Новоселье»
Работы Петрова-Водкина
«Самарканд. 1926»
Работы Петрова-Водкина
«Купальщицы»
Работы Петрова-Водкина
«Девушки на Волге»

Работы Петрова-Водкина
«Окрестности Хвалынска»


title: Скачать презентацию или конспект Михаил Врубель

extracted_text:
Презентацию выполнила
Кацика Виктория Владимировна
Ученица 11 «Б» класса
Школа №88

Жизнь и творчество
Михаила  Александровича Врубеля

2
3
Михаил Александрович родился 5 марта 1856 года в Омске, в семье строевого офицера. Матерью художника была датчанка.
4
Отец желал для Михаила надёжного и обеспеченного будущего, и потому после гимназии 18-летний Михаил поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Он был совершенно равнодушен к юридическим наукам. Он всерьёз увлекался философией, влюблялся в оперных актрис, спорил об искусстве и много рисовал.
В возрасте 23 лет Михаил окончил университет с золотой медалью. После этого отбыл воинскую повинность, получив чин бомбардира запаса.
5
«Пирующие римляне».
«Введение во храм»
6
Летящий демон
Демон сидящий
7
Жена художника
8
Царевна-Лебедь
В начале 1902 года у художника появились признаки психического, или как говорили в то время, душевного расстройства.
11 марта знаменитый психиатр Владимир Бехтерев поставил диагноз, сказав, что болезнь неизлечима. Жена увезла Врубеля на дачу в Рязанскую губернию.

С апреля до конца августа он лечился в Москве. Он был в столь буйном состоянии, что его с трудом могли удержать четверо санитаров.
В 1905 году болезнь обострилась.
В 1906 году Михаила Врубеля перевезли в клинику доктора Бари на Васильевском острове, где он провёл последние годы жизни.

Надгробный плач.
Гадалка.
9
1 апреля 1910 года Врубель скончался.
3 апреля состоялись похороны на кладбище Новодевичьего монастыря в Санкт-Петербурге. Вдохновенную речь на похоронах произнёс Александр Блок, назвав художника «вестником иных миров». А. Блок над могилой Врубеля сказал: «Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим».
10
В 1913 году рядом похоронили его жену, Н. И. Забелу-Врубель.
В 1935—1936 годах предполагался перенос могилы Врубеля в музейный некрополь Александро-Невской лавры, однако этот план не был осуществлён. Примерно в 2000 году фотограф Валерий Плотников нашёл заброшенную могилу Михаила Врубеля и стал ухаживать за ней, привёл в порядок.
Дама в лиловом. Портрет Н. И. Забелы -Врубель
Утро (1897)
11
В Омске на левом берегу Оми есть сквер Врубеля.
Памятник в Омске возле Музея изобразительных искусств.
В Киеве есть мемориальная доска в честь М. А. Врубеля
В Москве, в посёлке Сокол, имеется улица Врубеля.
В Воронеже есть улица Врубеля.
В Москве имеется детская художественная школа им. М. А. Врубеля
Музей изобразительных искусств им. Врубеля. Омск
12
Спасибо за внимание
Презентацию выполнила
Кацика Виктория Владимировна
Ученица 11 «Б» класса
Школа №88


title: Скачать презентацию или конспект Разработка логотипа

extracted_text:
Разработка логотипа
Логотип — важнейший элемент корпоративного имиджа компании. Он служит, в первую очередь, для идентификации компании на рынке.
Логотипы появились для того, чтобы отличать продукцию различных фирм в рамках одной отрасли.
Зарегистрированная торговая марка защищает компанию от недобросовестной конкуренции и позволяет защитить её права в суде.
В восприятии потребителя наличие логотипа или торгового знака является гарантией качества товара. Товары, не имеющие логотипа, называют noname.

Самым первым был логотип компании Prudential Insurance — скала Гибралтара. Этот логотип появился в 1896 году.
 В 1910 году был создан логотип с изображением собаки Nipper, сидящей напротив граммофона и внимательно слушающей. Слоган «Голос Его Хозяина» является здесь частью логотипа.

Типы логотипов
1. Оригинальное графическое начертание названия.
2. Фирменный знак. Буквенное начертание.
3. Фирменный блок — комбинация названия и знака.

Требования к логотипу
запоминаемость
универсальность
оригинальность
ассоциативность

Логотипы футбольных клубов
Логотипы футбольных клубов
Логотипы автомобильных компаний
Логотипы партий
Логотипы телевизионных каналов и студий


title: Скачать презентацию или конспект Владимир Высоцкий

extracted_text:
Владимир высоцкий
Иза Жукова, первая жена Владимира
Марина Влади, вторая жена

Высоцкий и первая жена Иза
Высоцкий и вторая жена Мария


title: Скачать презентацию или конспект Собор Парижской Богоматери

extracted_text:
Собор Парижской Богоматери.
Выполнила :
ученица 9«б»класса
МАОУ СОШ№ 15
г. Челябинска
Назарова Елена .
Руководитель: Левина Светлана Владимировна.

Собор Парижской Богоматери (Нотр-Дам-де-Пари) — географическое и духовное «сердце» Парижа, расположен в восточной части острова Сите, на месте первой христианской церкви Парижа — базилики Святого Стефана, построенной, на месте галло-римского храма Юпитера.

Вероисповедание:                 Католицизм
Епархия:                                Парижское архиепископство
Архитектурный стиль:      Готика

В соборе с одной стороны, присутствуют отголоски  романского стиля Нормандии со свойственным ему мощным и плотным единством, а с другой, — использованы новаторские архитектурные достижения готического стиля, которые придают зданию легкость и создают впечатление простоты конструкции. Высота собора — 35 м, длина — 130 м.
История собора

Строительство началось в 1163, при Людовике VII Французском. Главный алтарь собора освятили в мае 1182 года, к 1196 году неф здания был почти закончен. К 1250 году строительство собора в основном было завершено, а в 1315 году закончена и внутренняя отделка.

Главными создателями Нотр-Дам считаются два архитектора — Жан де Шель, работавший с 1250 по 1265 год и Пьер де Монтрей (создатель Св. Капеллы. Умер в 1267 году), работавший с 1250 по 1267 год.

Собор с его великолепным внутренним убранством в течение многих веков служил местом проведения королевских бракосочетаний, императорских коронаций и национальных похорон.

В соборе хранится одна из великих христианских реликвий — Терновый венец Иисуса Христа.
До 1063 года венец находился на горе Сион в Иерусалиме, откуда его перевезли во дворец византийских императоров в Константинополе.
В 1238 году король Франции Людовик IX приобрёл венец у византийского императора. 18 августа 1239 года король внёс его в Нотр-Дам де Пари.
В 1243—1248 при королевском дворце на острове Сите была построена Святая часовня для хранения Тернового венца, который находился здесь до Французской революции. Позднее венец был передан в сокровищницу Нотр-Дам де Пари.

                                  Фрагмент мюзикла «Иисус христос суперзвезда»

Главный фасад собора имеет три двери. Над тремя стрельчатыми порталами входов — скульптурные панно с разными эпизодами из Евангелия.

Над центральным входом помещено изображение Страшного суда. По семь статуй поддерживают арки входа (1210 г.). В центре Христос-Судия.

На нижней перемычке изображены мертвецы, вставшие из могил. Их разбудили два ангела с трубами. Среди мертвецов — один король, один папа, воины и женщины (символизирует присутствие на Страшном суде всего человечества). На верхнем тимпане — Христос и два ангела с двух сторон.

Архитектура и витражи собора

Изображение «Страшного суда».
Верхняя часть собора украшена изображениями гаргулий (торчащие концы балок, украшенные мордами фантастических существ) и химер (это отдельные статуи фантастических существ).

В Средние века химер на соборе не было. Поставить их, взяв за образец средневековых горгулий, придумал реставратор — архитектор Виолле-ле-Дюк. Выполнили их пятнадцать скульпторов, руководимых Жоффруа Дешоме.

Химеры и Горгульи.
Дубовый, покрытый свинцом шпиль собора имеет высоту 96 метров. Основание шпиля окружено четырьмя группами бронзовых статуй апостолов (работа Жоффруа Дешоме). Перед каждой группой — животное, символ евангелиста: лев — символ Марка, бык — Луки, орел — Иоанна и ангел — Матфея. Все статуи смотрят на Париж, кроме св. Фомы, покровителя архитекторов, который обращен лицом к шпилю.

Как и в других готических храмах, здесь нет настенной живописи, и единственным источником цвета являются многочисленные витражи высоких стрельчатых окон.

Значительная часть витражей выполнена в середине XIX века. Главный витраж — роза над входом в собор — частично подлинная, сохранившаяся от Средних веков . В центре ее Богоматерь, вокруг — сезонные сельские работы, знаки зодиака, достоинства и грехи. Две боковые розы на северном и южном фасадах собора .При реставрации витражи окон предполагались сначала белые, но Проспер Мериме настоял на том, чтобы они были выполнены похожими на средневековые.

В часовнях, расположенных в правой части собора, — картины и скульптуры разных художников, которые, согласно многовековой традиции, преподносятся в дар собору ежегодно в первый день мая.

Витражи
Южная роза алхимиков - витраж изображающий Христа в окружении апостолов, почитаемых во Франции святых, мучеников, мудрых дев. И Северная  роза - витраж изображающий Богоматерь в окружении персонажей Ветхого Завета.
.
Дубовый, покрытый свинцом шпиль собора имеет высоту 96 метров. Основание шпиля окружено четырьмя группами бронзовых статуй апостолов (работа Жоффруа Дешоме). Перед каждой группой — животное, символ евангелиста: лев — символ Марка, бык — Луки, орел — Иоанна и ангел — Матфея. Все статуи смотрят на Париж, кроме св. Фомы, покровителя архитекторов, который обращен лицом к шпилю.

Витражи хора (алтарной части). За алтарем на большой высоте расположены высокие стрельчатые окна с цветными витражами  XIX века.
Орган в Соборе Парижской Богоматери
Орган – музыка собора.

Первый большой орган был установлен в соборе в 1402 году. Для этих целей использовали старый орган, помещенный в новый готический корпус. В течение своей жизни орган неоднократно достраивался и реконструировался. Наиболее важными являются реставрации, реконструкции и расширения Тьерри в 1733 году, Франсуа-Анри Клико в 1788 году, Уже со времени реставрации Тьерри инструмент состоял из 46 регистров. При его строительстве использовалась большая часть труб оригинального инструмента, 12 из которых сохранились до настоящего момента. Орган приобрел  свой нынешний корпус с фасадом в стиле Людовика XVI.

.  Среди ряда прочих композиторов на этом органе играли Сезар Франк и Камиль Сен-Санс. Должность титулярного органиста собора Парижской Богоматери считается одной из престижнейших во Франции
В 1959 году консоль Кавайе-Колля была заменена на консоль традиционную для американских органов, а трактура стала полностью электрической, для чего использовалось более 700 км медного кабеля. Однако сложность и архаичность подобной конструкции, а также частые отказы привели к тому, что в процессе очередной реконструкции органа в 1992 году управление инструментом было компьютеризировано, а медный кабель заменен оптическим.

В настоящее время орган имеет 111 регистров и около 8000 труб. Это самый большой по числу регистров орган. С 1990 года титулярными органистами собора Нотр-Дам де Пари являются трое музыкантов: Оливье Латри, Филипп Лефевр, Жан-Пьер Лёгю.

В художественной литературе

Собор является главным «действующим лицом» следующих произведений:
Виктор Гюго. «Собор Парижской Богоматери (роман)» (1831).
Елена Чудинова. «Мечеть Парижской Богоматери (роман)» (2004).

В массовой культуре
Нотр-Дам де Пари уничтожается вместе с центром Парижа из-за падения метеорита в фильме «Армагеддон».
В фильме "Ван Хельсинг" Ван Хельсинг убивает в этом соборе мистера Хайда.
Ссылки ; термины
Романский стиль (от лат. romanus — римский) — художественный стиль, господствовавший в Западной Европе в X—XII веках, один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.

Основными постройками в этот период становятся храм-крепость и замок-крепость. Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня — донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.

Особенности архитектуры романского собора:
      В основе плана - продольная организация пространства
      Увеличение хора или восточной алтарной части храма
      Увеличение высоты храма
      Замена потолка каменными сводами.
      Тяжелые своды потребовали мощные стены и колонны
      Тяжесть романского собора «угнетает» пространство
      Рациональная простота конструкции.
Готический стиль, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы этого стиля подчёркивают вертикаль.

Витраж - произведение декоративного искусства изобразительного или орнаментального характера из цветного стекла, рассчитанное на сквозное освещение и предназначенное для заполнения проёма, чаще всего оконного, в каком-либо архитектурном сооружении.
С давних пор витражи использовались в храмах.

Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Греческая керамика

extracted_text:
Проверь дружок, ты готов начать урок?Все ль на месте,Все ль в порядке,Все ли правильно сидят?Все ль внимательно глядят?
Прекрасны эти античные вазыПонравились нам почему-то не сразу.«Подумаешь, вазы!» - подумали мы,Другим были заняты наши умы.Сначала на них мы взглянули скучая, Потом мы к одной пригляделись случайно,Потом загляделись.…И, может быть, часНикак не могли оторваться от ваз.…То вазы-гиганты,То карлики вазы,И каждая ваза – с рисунком рассказом. …Герой в колеснице летит на войну.Плывут аргонавты в чужую страну.
Персей убивает медузу Горгону.Афина Паллада диктует законы.Сражается с Гектором грозный Ахилл(и Гектор, как видно, лишается сил)…А вот Артемида, богиня охоты,из меткого лука стреляет  в кого-то.А это на лире играет Орфей.А это вручают спортивный трофей.А вот – Одиссей, продающий советы.А это – кентавры…     А это…Но мы описать и не пробуем вразкрупнейшую в мире коллекцию ваз
Олег Тарутин «Античные вазы»

Греческая керамика
Цель урока:
1.  Познакомиться с произведениями античного искусства гончаров (вазами, чашами, сосудами), особенностями их росписи, мотивами в греческой вазописи;
2. Научиться выполнять роспись по мотивам греческой вазописи;
Греческие вазы
 остродонные сосуды для хранения оливкового масла и вина
Амфора
Это плоская чаша с ножкой и двумя ручками, ее удобно брать и держать. Предназначалась для питья
Килик.
большие сосуды для смешивания вина с водой (неразбавленного вина греки не пили)
Кратер
сосуд для наливания воды
Гидрия
сосуд с одной ручкой для хранения оливкового масла, которые спортсмены прикрепляли к поясу.
Лекиф

Виды росписи ваз:1.Чернофигурная роспись – фоном служил естественный цвет обожженной глины.
2.Краснофигурная роспись – фон черного цвета, изображения имели естественный цвет обожженной глины
Сюжеты для росписи
Закрепление изученного материала1. Какие стили греческой вазописи вам известны?2. Какой орнамент использовался в Древней Греции?
3. Определите стиль вазописи на сосудах, представленных на рисунках
4. Назовите вид сосуда.
Кратер
Гидрия
Амфора
Лекиф
Килик.


title: Скачать презентацию или конспект Вучетич Евгений Викторович

extracted_text:
Вучетич Евгений Викторович (1908-1974)
 Евгений Вучетич – звезда первой величины ваятелей-титанов двадцатого века. Несравненный монументалист, он преуспевал и в портретном жанре, и в декоративно-рельефной скульптуре. Широко известны скульптурные портреты Вучетича: бронзовый бюст легендарного полководца Великой Отечественной генерала армии И.Д.Черняховского, памятник в Вязьме генералу Ефремову, в Киеве – генералу Ватутину.

Скульптурные портреты

Памятник генералу Н. Ф. Ватутину, Киев
Бюст генерала И.Д. Черняховского
Композиция «Перекуём мечи на орала» (1957)
Одна из самых известных работ Е. В. Вучетича -композиция «Перекуем мечи на орала». Скульптура, установленная у здания ООН в Нью-Йорке, посвящена борьбе за мир. В этом произведении своеобразно развивается тема воина-освободителя: атлет мощным усилием согнул лезвие меча и перековывает его. И вот уже в нем узнается орудие мирного труда. Еще одна такая же скульптура находится в Третьяковской галерее.
   При имени Вучетич невольно вспоминается берлинский монумент - советский воин со спасённым ребенком на руках и с мечом, разрубившим фашистскую свастику.
Трептов - парк.  «Воин-освободитель».
Памятник-ансамбль Героям Сталинградской битвы
И еще Сталинград- величественный мемориал, увенчанный богиней Победы – русской Никой. Они стали символами доблести и славы русского оружия, ратного подвига нашего народа.


title: Скачать презентацию или конспект Путешествие в Древнюю Грецию

extracted_text:
Путешествие в Древнюю Грецию
Автор: Салимова М.Г.,
учитель МХК  МБОУ   гимназия
г.Сафонова Смоленской области
5 класс
Приглашаю в путешествие

 Туристская песня «Глобус»Музыка М. Светлова      Слова М. Львовского
Я не знаю, где встретиться
Нам придется с тобой,
Глобус крутится-вертится,
Словно шар голубой...
И мелькают города и страны,
Параллели и меридианы,
Но таких еще пунктиров нету,
По которым нам бродить по свету.

Знаю: есть неизвестная
Широта из широт,
Где нас дружба чудесная
Непременно сведет...
И узнаем мы тогда, что смело
Каждый брался за большое дело,
А места, где мы с тобой бывали,
Люди в картах мира отмечали.

1
Проверка маршрутных листов
Я не знаю, где встретиться
Нам придется с тобой,
Глобус крутится-вертится,
Словно шар голубой...
И мелькают города и страны,
Параллели и меридианы…
…А места, где мы с тобой бывали,
Люди в картах мира отмечали.

с тобой бывали,
Люди в картах мира отмечали.

А места, где мы с тобой бывали,
Люди в картах мира отмечали.

1. Смоленск
Смоленская крепостная стена
       (1596 – 1602)

    Башня Громовая

    Зодчий Фёдор Савельевич  Конь

 Увенчанная золотыми куполами соборов и шатрами сторожевых башен, цитадель русских царей гордо возвышается над Москвой- рекой. Рядом с Кремлем находится храм Василия Блаженного с разноцветными, нарядными куполами. По легенде, Иван Грозный приказал ослепить зодчего храма, дабы тот нигде не смог построить церковь такой же красоты.
2. Московский Кремль.Собор Василия Блаженного(Казанский собор)
   Сакре- Кер расположена на вершине большого холма Монмартр, к северу от центра Парижа. Это своеобразный собор XΙ в. в византийском стиле. Большой главный купол, как и остальные купола церкви, напоминает скорее о восточной, нежели о европейской культуре.
3. Церковь Сакре- Кёр
4. Стоунхендж
Смысл и назначение Стоунхенджа по сей день остаются загадкой и вероятность разгадать ее ничтожна. Но для тех, кого раз и навсегда приворожила красота этого исторического памятника и удивительная атмосфера окружающего ландшафта, это уже не имеет никакого значения.

Знаменитая падающая башня- это колокольня в городе Пизе. Надпись на ней свидетельствует, что заложена она в 1173 г. Это архитектурное сооружение словно силится опровергнуть закон всемирного тяготения. По преданию, Галилео Галилей проводил здесь свои физические опыты.
5. Пизанская падающая башня
6. Статуя Свободы
Высота самой статуи- 46 м, постамента- 47 м, таким образом, верхушка факела находится на высоте 93 м над землей. Вес статуи- 205 т. Длина правой руки, в которой факел- 12,8 м, один только указательный палец имеет длину 2,4 м, ширина рта- 91 см.

4 июля 1884 г. состоялось открытие самого знаменитого памятника Северной Америки. С тех пор пассажиров всех судов, прибывающих в Нью- Йоркский порт, встречает здесь гигантская женская фигура с факелом Свободы в протянутой к небу руке.

«Бог сотворил мир за шесть дней. А на седьмой он создал Рио- де- Жанейро». Так шутят местные жители, имея в виду поистине сказочное местоположение и красоту своего города.
 Он окружен полукольцом гор, вырастающих из лазурных глубин залива, а со  стороны моря словно оторочен белой кромкой песчаных пляжей в темной зелени пальм.
Символом города по праву считается статуя Спасителя. Она стоит на высоте 704 м на вершине холма Корковаду.
 Высота самой статуи- 30 м, не считая семиметрового постамента. Голова статуи весит 35,6 т, кисти рук- по 9,1 т каждая, а размах рук составляет 23 м.
7. Статуя Спасителя
8. Египетские пирамиды
   Сегодня пирамидам в долине Нила 4000 лет.
Стремящаяся ввысь конструкция символизирует вознесение усопшего фараона к его отцу,
богу Солнца.
9. Тадж-Махал
  В 1629 году, родив на свет 14-го ребенка, супруга индийского Могола умерла. Ей было всего лишь 36 лет.
Султан Шах- Джахан дал клятву построить надгробный памятник, достойный памяти жены, совершенно необычный, с которым ничто в мире не сможет сравниться.
10. Великая Китайская стена
Великая Китайская стена- самое большое сооружение  человеческих рук.
 Ее строили примерно 10 лет при императоре Цинь Шихуанди.
 Около 300 тыс. человек трудились в поте лица над возведением этой постройки. На протяжении многих столетий стена выдерживает влияние ветра и непогоды
Путешествие не закончилось - оно только начинается…
Над морем, над горами, островами  блистает огромная молния.
Морская стихия неумолимо надвигается на сушу.

Внизу, в городах мечутся толпы людей, охваченных ужасом.

Бесстрашно и равнодушно взирают на гибель людей античные боги
А впереди  возвышается фигура богини с загадочной улыбкой. Она как  будто не замечает катастрофы. В руках у неё голубь –птица счастья. Удел простых людей – страдания и смерть
Задание
Озаглавьте
         картину.
2.Когда она
     была
    написана?
до н. эры,
 до 20 в.,
 в 20 в.,
в 21 в.
«Античный ужас»
Лев  Самуилович  Бакст «Античный ужас» 1908 год
Русский музей в Санкт-Петербурге.
.Тема античности в поэзии:
Ф.И.Тютчев
 (1803 - 1873)
Фридрих Шиллер
(1759–1805)
Когда пробьёт последний час природы,Состав частей разрушится земных,Всё зримое опять покроют воды,И божий лик отобразится в них.
Ф.И.Тютчев

Фридрих Шиллер «Боги Греции» (перевод М. Лозинского)
Где ты, светлый мир? Вернись, воскресни,
Дня земного ласковый рассвет!
Только в небывалом царстве песни
Жив ещё твой баснословный след.

Вымерли печальные равнины,
Божество не явится очам;
Ах, от знойно жизненной картины
Только тень осталась нам…

В царство сказок превратились боги,
Покидая мир, который сам,
Возмужав, уже без их подмоги
Может плыть по небесам.

Да, ушли, и всё, что вдохновенно,
Что прекрасно, унесли с собой –
Все цвета, всю полноту вселенной,-
Нам оставив только звук пустой
Мини-викторина
(Блиц-вопросы командам):
Как называется просмотренная картина?
Кто автор картины?
Когда  была написана картина ?
В каком музее экспонируется картина?
В каком городе находится
      картина?
Вопрос каждому экипажу:
6.     Каковы впечатления?

Парфенон
Парфено́н (др.-греч. Παρθενών) — наиболее известный памятник античной архитектуры, расположенный на афинском Акрополе, главный храм в древних Афинах, посвящённый покровительнице этого города и всей Аттики…

Акрополь
Акро́поль (др.-греч. ἀκρόπολις — верхний город) — возвышенная и укреплённая часть древнегреческого города, так называемый верхний город; крепость (убежище на случай войны).

На Акрополе обычно находились храмы божеств-покровителей данного города. Наиболее известен акрополь в Афинах, внесённый в список Всемирного наследия.
Добро пожаловать в Древнюю Грецию!
Троя
Почему древние греки создали мифы о богах?
На Олимпе
Греция. Афины. Храм Зевса Олимпийского

Галерея Олимпийских богов
Зевс
Посейдон
Аполлон
Гефест
Афродита
Афина
Посейдон

    - сын Зевса и Латоны (Лето), бог света, стреловержец, покровитель предсказаний, искусств, музыки и поэзии, предводитель муз. Аполлону посвящались лавр и пальма;; атрибуты - лира, лук или кифара, эгида.

Аполлон
Бронзовая статуэтка - Гефест-бог строительства.
Город был назван в честь богини Афины
Афроди́та (др.-греч. Ἀφροδίτη,  от ἀφρός — «пена»  — в греческой мифологии богиня красоты и любви, включавшаяся в число двенадцати великих олимпийских богов. Она также богиня плодородия , вечной весны и жизни. Она — богиня браков и даже родов , а также «детопитательница».
Санкт-Петербург. Эрмитаж.Сокровища Древней Греции.
Великие древние греки
Эзоп
Сокра́т
Платон
Пифагор
Евклид
Эзоп (VI—V в. до н. э.)
        Эзоп – полулегендарный раб с острова Самос, живший в VI в. до н. э., автор множества басен, ставших достоянием мало сказать европейской – земной культуры. Его сюжетами пользовались такие мастера басни, как Лафонтен и Крылов, его афоризмы вошли в нашу жизнь...
     Эзо́п 150 до н. э. Рим (Villa Albani коллекция)
Древнегреческие философы
Сокра́т ( ок. 469 г. до н. э., Афины — 399 г. до н. э., там же) — древнегреческий философ, учение которого знаменует поворот в философии — от рассмотрения природы и мира к рассмотрению человека. Приговорён к смерти за  «непочитание богов».
Платон был не только философом, но и олимпийским чемпионом. Дважды он выигрывал соревнования по панкратиону — смеси бокса и борьбы.
Платон – ученик Сократа

Древнегреческие математики
Пифагор Самосский (др.-греч. Πυθαγόρας ὁ Σάμιος, лат. Pythagoras; 570—490 гг. до н. э.) — древнегреческий философ и математик,
Евклид (иначе Эвклид) – древнегреческий математик, автор первого из дошедших до нас теоретических трактатов
 по математике.
Рефлексия
Что нового узнали?
Что понравилось?
Что у нас не получилось?
Поблагодарим друг друга    за работу.
Источники
http://ru.wikipedia.org/wiki/Файл:
Diego_Velasquez,_Aesop.jpg
Анастасия Федоркова. Иллюстраиция
к басне Эзопа "Крестьянин и дети" –2010-08-20 17:02:03 freelance.ru/users/Nastenka/?work=559
БАСНИ  Эзопа и Трубниковой Надежды Михайловны
© Copyright Трубникова Надежда Михайловна (kontrataka@yahoo.com)
Размещен: 19/03/2009, изменен: 19/03/2009. 14k.
www.greekroman.ru/olympians.htm копия bookz.ru/authors/ezop/basni_176.html копия ещё
Товарищ песня Выпуск 2 "Советский композитор" 1968
http://forum.faqo.ru/uchenye/matematiki/evklid.htm
l http://www.rarete.ru/order.php?dnam
http://dreamworlds.ru/kartinki/24384-bog-ognja-i-kuznechnogo-dela.-grecheskijj-gefest.html
http://www.rarete.ru/order.php?dnam


title: Скачать презентацию или конспект Музей Астафьева в Овсянке

extracted_text:
Музей Астафьева в Овсянке машинистова И.А.
Виртуальная экскурсия
(декабрь 2010 года)
К Астафьеву в Овсянку
Овсянка
Дом бабушки
Дом бабушки Екатерины Петровны потылицыной
Дом бабушки
Дом бабушки
Дом бабушки
Экспозиция в доме бабушки
«Фотография, на которой меня нет»
Стол и самовар
Окно, заделанное на зиму
Хозяйственные постройки во дворе
Хозяйственные постройки во дворе
Хозяйственные постройки во дворе
Памятник астафьеву и его жене
Дерево, посаженное Астафьевым
Дом астафьева
Дом писателя
Библиотека в Овсянке (построена на средства  В.П.астафьева)
Библиотека в Овсянке
Часовня  в  с.Овсянка
Часовня в с. Овсянка
Макет села Овсянка (в библиотеке)
Царь-рыба  (фото из интернета)


title: Скачать презентацию или конспект Франсуа  Буше

extracted_text:
      Буше (Boucher) Франсуа
                  (1703–1770),
       французский живописец

В 1755-1765 руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 – директор Королевской академии живописи и скульптуры, “первый живописец короля”, один из ярких мастеров рококо . Буше в начале творческого пути испытал влияние А.Ватто (гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах (“Вид в окрестностях Бове, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах (“Купание Дианы”, 1742, Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон) с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.
Завтрак
Пейзаж с прудом
Мадам де Помпадур
Вакханка, играющая на свирели
Юпитер и Каллисто
Туалет Венеры
Геркулес и Омфала
Художник в своей мастерской


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура Древней Руси

extracted_text:
Архитектура Древней Руси.Окружающий мир 4 класс
МБУО «Новообинцевская средняя общеобразовательная школа»
Учитель Кавылина Надежда Васильевна
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
2
Киевский собор СвятойСофии,
XIв. Украина, Киев
На Руси первые каменные храмы были построены в Киеве, Новгороде и Владимире. В главном соборе Киева Святой Софии, построенном из плинфы, с девятью куполами, чувствуется влияние мастеров из Константинополя.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
3
Собор Святой Софии
в Новгороде
1045-1052
Новгород
Новгородский собор св.Софии. Ярослав Мудрый до конца жизни своей был благодарен новгородцам, посадившим его на киевский престол. Дал он им в князья любимого своего сына — Владимира, а когда тот с новгородской дружиной по отцовскому приказу разбил волжских болгар и захватил богатую добычу, Ярослав не поскупился: все отдал Новгороду. И решили новгородцы возвести у себя Новгородский Софийский собор, увенчанный пятью главами. Софию Новгородскую строили семь лет, и освящение ее состоялось в 1052 году. Святой князь Владимир по освящении собора прожил менее месяца, скончался 4 октября 1052 года и похоронен был в церкви Святой Софии.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
4
Собор Покрова на Нерли,
60-e XII века
Влад.обл.
Церковь Покрова Богородицы на Нерли. Уже более восьмисот лет стоит в суздальской земле, на берегу Нерли, церковь Покрова Богородицы. В ясные летние дни, при безоблачном небе, среди зелени обширного заливного луга ее стройная белизна, отраженная гладью небольшого озерка, дышит поэзией и сказкой. В суровые зимы, когда все вокруг бело, она словно растворяется в бескрайнем снежном море. Храм настолько созвучен настроению окружающего пейзажа, что кажется, будто он родился вместе с ним, а не создан руками человека. Не зря для нее и посвящение выбрано Покрову. Покров есть зашита и покровительство, русским людям надежда и милость, от врагов укрытие и оберег.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
5
Золотые ворота,
 1164
Владимир
Золотые ворота — выдающийся памятник древнерусской архитектуры, расположенный в городе Владимире. Построены в 1164 году при владимирском князе Андрее Боголюбском. Помимо оборонных целей ворота имели также и триумфальный характер. Золотые ворота оформляли парадный вход в самую богатую княжеско-боярскую часть города.
Строили Золотые ворота княжеские мастера.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
6
Успенский собор
1185-1189
Владимир
 Просторна и светла Соборная площадь Кремля. Архитектурный ансамбль, возведенный на ней более 500 лет назад, неповторим по своей красоте и великолепию. Здесь и величественные храмы-богатыри, и храмы легкие, причудливые, словно игрушечные в сравнении с ними. Ныне существующие соборы стоят на месте более древних. Первостепенную роль в ансамбле Соборной площади играет Успенский собор. Исследователи считают, что ему предшествовали три храма: деревянная церковь XII века, Дмитровский собор XIII века и белокаменный храм времен Ивана Калиты.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
7
Храм Покрова на рву
зодчие Барма, Постник
1555-1561
Москва
Когда русские войска взяли Казань и прочно утвердились на волжских берегах, повелел царь Иван Грозный поставить у стен московского Кремля церковь о восьми главах — по числу одержанных побед. Недавно возвратился он из похода, с великим ликованием встречала его Москва: звонили колокола, люди со смехом и рыданиями бросали праздничные одежды под копыта царского коня: у многих родные и близкие томились в ордынском плену. Любимая супруга Анастасия Романовна разрешилась от бремени наследником — это тоже был праздник. Летопись гласит: "...царь и великий князь Иван Васильевич... повеле поставити храм Покрова с пределы о Казанской победе, что бог покорил безсерманский род казанских татар царю...". Увековечить эту победу поручили гениальным зодчим Барме и Постнику. Ходят легенды, что после окончания строительства царь велел выколоть глаза архитекторам, чтобы они больше ничего подобного построить не смогли.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
8
Колокольня Ивана Великого, зодчие
Фрязин, Бон
1508, достр. в 1600
В 1505-1508 годы, другой итальянский архитектор, Бон Фрязин, возвел на месте старой постройки церковь "под колоколы" Иоанна Лествичника. Вначале она была двухъярусной, шатер ее поднимался на 60 метров. Она одновременно служила и колокольней и дозорной вышкой. Своим суровым обликом она походила на донжон западноевропейского замка. В 1600 году царь Борис Годунов велел надстроить колокольню, сделав ее на два яруса выше, и увенчать ее золотой главой, о чем свидетельствует велеречивая надпись, помещенная высоко на барабане купола в трех горизонтальных поясах. В результате надстройки высота колокольни стала 81 метр.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
9
Церковь Вознесения
в Коломенском
1628-1653
Моск.обл
Развитие деревянной архитектуры привело к перенесению формы 8-гранного шатра в каменную архитектуру. Подобный тип храмов получил широкое распространение в 16 веке. Самым ярким образцом каменного шатрового зодчества 16 века является церковь Вознесения в Коломенском, поставленная в честь рождения Ивана IV (Грозного) в 1532 году на высоком берегу Москвы-реки. Ее высота составляет 62 метра, толщина стен - от 2 до 4 метров. Это уже не крестово -купольный храм, унаследованный от Византии. В плане здание представляет собой равноконечный крест.
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
10
Церковь Покрова в Филях,
1692-1694
Москва
 В архитектуре 17 века ясно прослеживаются два этапа: 1 половина - середина века и вторая половина - конец века. Для первого этапа характерно сложение "классического" типа древнерусского посадского храма - небольшого 5-главого бесстолпного здания с "ложным пятиглавием", ярко расцвеченного, с обилием декоративных деталей, с построением "кораблем" из трех частей: колокольня, трапезная, церковь. Ярким образцом такого типа храма является церковь Троицы в Никитниках в Москве или церковь Рождества в Путинках. Последним ярким этапом развития древнерусской архитектуры было "нарышкинское барокко". Этот стиль не имеет ничего общего с европейским барокко. Здесь в каменной архитектуре используются традиционные формы русского деревянного зодчества: "восьмерик на четверике", соединение церкви с колокольней под одним куполом - "церковь иже под колоколы", любовь к резному узорочью, красивый центрический план. Самым замечательным памятником "нарышкинского барокко" является церковь
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
11
Кижский погост, Преображенская церковь,
зодчий Нестор
1714-1764
Кижи
По своему типу Преображенская церковь — это летний (или холодный) храм. В ней служили только в особо торжественных случаях, в дни местных престольных праздников, да и то лишь в течение короткого северного лета. У нее нет зимних рам и двойных дверей, утепленного пола и потолка. В летних церквах меньше сырости, через щели и проемы происходит непрерывная естественная вентиляция и просушка всех помещений, частей и конструкций. В них сильнее тяга воздуха, значит, быстрее просыхает дерево и меньше опасность появления гнили, опасных грибков и насекомых. Спасо-Преображенская церковь стала как бы лебединой песней древнерусского деревянного зодчества. Это не рядовой сельский храм, а мемориальное сооружение, памятник-монумент. После окончания строительства мастер Нестор забросил топор в Онежское озеро, чтобы никто больше не смог построить ничего подобного. Во славу родной земли и стоит в Кижах уже два с половиной столетия Преображенская церковь.
Интернет ресурсы
28.02.2017
http://aida.ucoz.ru
12
http://smallbay.ru
http://go.mail.ru
http://www.russiancity.ru
http://art-projekt.ru
http://www.kreml.ru
https://sites.google.com


title: Скачать презентацию или конспект Художник Пикассо

extracted_text:
Пабло Пикассо
Кхием Алиса, 6 класс
План
Пабло Пикассо.
Краткая биография.
Стиль работ Пикассо: Кубизм.
Стиль работ Пикассо: Неоклассицизм.
Стиль работ Пикассо: Сюрреализм.
Фотографии.
Я и Пикассо!!!
Отзыв о художнике.
Ссылки.

Краткая биография.
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.
Стиль работы Пикассо: Кубизм
«Сезанновский» кубизм: кубизм с зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и с использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо использовал в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др.
Стиль работы Пикассо: Неоклассицизм
Неоклассицизм очень далёк от кубизма; в нём рисуются ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица.
Стиль работы Пикассо: Сюрреализм
"Красота будет конвульсивной, или ее не будет" - сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.В 1925 году Пикассо написал картину "Танец". Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.
Фотографии.
Я и Пикассо!!!
Отзыв о художнике...
	В стилях  работ Пабло Пикассо присутствует необычность восприятия мира, которая присуща детям. Сказанные им слова: «Каждый ребенок – художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста» в какой-то степени автобиографичны. Потому что он не просто остался художником, но и сумел вынести из детства взгляд на мир и фантазию ребёнка.
Ссылки...
http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/


title: Скачать презентацию или конспект Графика

extracted_text:
графика
Комитет по образованию Правительства Санкт-ПетербургаОтдел образования Администрации Калининского районаГосударственное специальное (коррекционное) образовательное учреждениедля обучающихся с отклонениями в развитииспециальная (коррекционная) общеобразовательная школа (VII вида) № 561
Уроки ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА в 5 классе

Составитель: Фатьянова
Александра Викторовна,
учитель ИЗО
5klass.net
ГРАФИКА (от греч. grapho – пишу, рисую) – один из видов изобразительного искусства
По технике графику разделяют на рисунок и печатную графику
произведения печатной Г. — гравюры и литографии — могут распространяться во многих равноценных экземплярах
По назначению различаются
Графика связана с изображением на плоскости
Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы .
графика не исключает и применения цвета.
Роль пространства во многом выполняет фон бумаги, «воздух белого листа», по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского.
Зимний пейзаж в русой графикеМихаил Александрович Врубель. Дворик зимой
Зимний пейзаж в русой графикеШишкин И.И. Вывороченные пни под снегом
Зимний пейзаж в русой графикеКуинджи А.И. Лесная поляна
Зимний пейзаж в русой графикеСаврасов А.К. Спуск к реке
Зимний пейзаж в русой графикеГеоргий   Семенович Верейский. В саду Русского музея.

Содержание:
ГРАФИКА (от греч. grapho – пишу, рисую) – один из видов изобразительного искусства.
Графикой называют рисунок и отпечаток на листе бумаги (в древности – на папирусе, на пергаменте).

По технике графику разделяют на рисунок и печатную графику
Наиболее древний и традиционный вид графического искусства — рисунок, истоки которого можно видеть в первобытных наскальных изображениях и в античной вазописи, где основу изображения составляют линия и силуэт.

произведения печатной графики — гравюры и литографии — могут распространяться во многих равноценных экземплярах
. Гравюра известна с 6—7 вв. в Китае,

      с 14—15 вв. в Европе,

литография возникла лишь к 19 в.

По назначению различаются
станковая,
книжная и газетно-журнальная,
 прикладная графика
плакат.
С.М. Никиреев.
Борис Михайлович
Кустодиев

Графика связана с изображением на плоскости.
Белая или цветная бумага, являющаяся основой графики, играет роль фона, на котором большую выразительность обретают линия, штрих, пятно.
Фаворский Владимир Андреевич

 Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы .

        Тициан (Италия). «Группа деревьев».

графика не исключает и применения цвета.
ВЕРЕЙСКИЙ Георгий Семенович
 На даче.
Литография, акварель.
1949 г.

Роль пространства во многом выполняет фон бумаги, «воздух белого листа», по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского.

Фаворский Владимир Андреевич. Сергиев посад.

Зимний пейзаж в русой графикеМихаил Александрович Врубель. Дворик зимой

 Шишкин И.И. Вывороченные пни под снегом

 Куинджи А.И. Лесная поляна

 Саврасов А.К. Спуск к реке

 Георгий   Семенович Верейский. В саду Русского музея.


title: Скачать презентацию или конспект «Цивилизация Майя»

extracted_text:
Презентация по МХК на тему:  «Цивилизация Майя»

Содержание
Введение
Территория
Искусство
Архитектура
Письменность
Календарь
Заключение

Введение
Племя Майя было наиболее развитым и уникальным сообществом, среди прочих цивилизаций Центральной Америки. Индейцев племени Майя ученые причис-ляют к одному из самых выдающихся народов на земле. Одновременно с этим, индейцы Майя являются одним из наиболее таинственных племен Америки, чья история и культура до сих пор остается во многом неразгаданной.

Территория
В настоящее время (2016 год) территория, на которой происходило развитие циви-лизации майя, входит в состав государств: Мексика (штаты Чьяпас, Кампече, Юкатан, Кинтана-Роо), Гвате-мала, Белиз, Сальвадор, Гондурас (западная часть).       Найдено около 1000 городищ культуры майя (на начало 80-х годов XX века), но не все из них раскопаны или иссле-дованы археологами. Также было найдено около 3000 посёлков.

Искусство
Искусство древних майя дос-тигло пика своего развития во время классического периода (около 250 года — 900 года н. э.). Настенные фрески в Паленке, Копане и Бонампаке считаются одними из самых красивых. Красота изображения людей на фресках позволяют сравнить эти памятники культуры с памят-никами культуры античного мира, поэтому этот период развития цивилизации майя и принято считать классическим. К сожалению, многие из памят-ников культуры не дошли до наших дней, так как были уничтожены либо инквизицией, либо временем.

Архитектура
Для искусства майя, нашедшего выражение в каменной скульптуре и барельефах, произведениях мелкой пластики, росписях на стенах и керамике, характерна религиозная и мифологическая тематика, воплощённая в стилизованных гротескных образах. Основные мотивы искусства майя — антропоморфные божества, змеи и маски; ему свойственны стилистическое изящество и изощрённость линий. Главным строительным материалом для майя служил камень, в первую очередь известняк. Типичными для архитектуры майя были ложные своды, устремлённые вверх фасады и крыши с гребнем. Эти массивные фасады и крыши, венчавшие дворцы и храмы, создавали впечатление высоты и величественности.

Письменность
Основными элементами системы письма служили знаки, которых известно около 800. Обычно знаки имеют вид квадрата или продолговатого овала; один или несколько знаков могут располагаться вместе, образуя так называемый иероглифический блок. Многие такие блоки расположены в определённом порядке в прямолинейной решётке, которая определяла пространственные рамки для боль-шинства известных надписей. Внутри этой решётки иероглифические блоки образуют ряды и колонки, чтение которых подчинялось особым правилам. Также большой вес имеют пиктографические знаки, изображающие, зачастую детально, животных, людей, части тела и предметы быта.

Календарь
У майя было 2 календарных системы. Один календарь — его часто называют гражданским — использовался для хозяйственных нужд. Майянцы определяли по нему, когда им сеять кукурузу, когда собирать урожай и делать другие дела по хозяйству. Кроме того, был ритуальный календарь — «цолькин», по которому майянские жрецы определяли, когда проводить религиозные обряды.

С помощью календаря майя возможно определять Персональную Галактическую Печать, есть у каждого человека. Определяет она свойства человека, рожденного в этот день. Эта энергия называется Кином Судьбы и остается с человеком на всю жизнь.

Заключение
Майя - это «культура-загадка», «культура-феномен» полная противоречий и парадоксов. Она породила огромное количество вопросов, но не на все есть ответы. Майя, живя практически в каменном, создали точный солнечный календарь, сложнейшую иероглифическую письмен-ность, использовали понятие нуля раньше арабов и индусов, предсказывали солнечные и лунные затмения, вычислили движения Венеры с ошибкой лишь на 14 секунд в год, достигли поразительного совершенства в архи-тектуре, скульптуре, живописи и производстве керамики. Поклонялись своим богам и в то же время подчинялись царям и жрецам, строили под их руководством храмы и дворцы, совершали ритуальные обряды, приносили себя в жертву, воевали с соседями. Майя создали необык-новенные сами по себе города, построенные только на мускульной силе. Майя – одна из ярчайших цивилизаций доколумбовой Америки.

Спасибо за внимание


title: Скачать презентацию или конспект Картины Шишкина

extracted_text:
Шишкин Иван Иванович
Великий русский художник
5klass.net
Краткая биография

  Иван Иванович родился в купеческой семье. Отец художника, И. В. Шишкин, был не только предпринимателем, но и инженером, археологом и краеведом, автором "Истории города Елабуги". Закончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества в 1856 году, будущий мастер учился в петербургской Академии художеств (1856-60). Как пенсионер Академии жил в 1862-65 в Германии и Швейцарии, посещал мастерскую швейцарского пейзажиста Р. Коллера. Но несравнимо большее воздействие на него оказали эпически величественные пейзажи другого швейцарца, А. Калама. Жил преимущественно в Петербурге. Особое значение для Шишкина имели натурные впечатления, полученные в родных местах (куда он нередко наезжал), а также на о. Валаам и в окрестностях Петербурга и Москвы.

Раннее творчество

Для ранних работ мастера ("Вид на острове Валааме", 1858, Киевский музей русского искусства; "Рубка леса", 1867, Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма "кулисного" построения картины, четко размечая планы, он не достигает еще убедительного единства образа. В таких картинах, как "Полдень. В окрестностях Москвы" (1869, там же), это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве).
Зрелость
       В 1870-е гг. мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872) и "Рожь" (1878; обе Третьяковская галерея). Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую шкалу. Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах.
Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы [в наиболее типических своих записях он обычно поминает не просто "лес", но лес из "осокорея, вязов и частью дубов" (дневник 1861 года) или "лес еловый, сосновый, осина, береза, липа" (из письма И. В. Волковскому, 1888)].

     С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе «Среди долины ровныя…»(картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей русского искусства), "Лесные дали" (1884, Третьяковская галерея) воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику одинаково удаются и далевые виды, и лесные "интерьеры" (Сосны, освещенные солнцем»,1886; «Утро в сосновом лесу»,где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе там же). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной жизни.

Галерея художника
Дубы
Дубы. Этюд.
Утро в сосновом лесу

Лесное кладбище.
«На севере диком стоит одиноко…»

 по мотиву стихотворения М.Ю.Лермонтва
Корабельная роща
Рожь
Дубы
Дубки
Зима
Лес вечером
Лесные дали
Дубы в старом Петергофе
Сосновый бор. Мачтовый лес в вятской губернии
Дубовая роща
Работу выполнила
ученица 10Б класса                МОУ лицея №6 г. Ессентуки
Зачепило Илона

2007 год