title: Скачать презентацию или конспект Гора Фудзияма

extracted_text:
ГОРА фудзияма

Гора Фудзияма является одним из наиболее известных вулканов в мире. Расположена она в национальном парке Фудзи-Хаконе-Идзу, неподалеку от Токио. Высота Фудзиямы составляет 3776 метров, диаметр кратера достигает 600 метров. Последнее извержение данного вулкана длилось с ноября 1707 года по январь 1708 года.
На самом деле, на горе представлены не один, а целых три вулкана, однако, во время одного из извержений большинство следов старых пиков оказалось засыпанной скальной породой. В соответствии с легендой, загадочная гора Фудзияма появилась на равнине всего за одну ночь в 286 году до нашей эры. Ее считают самой загадочной, прекрасной и мистической вершиной во всей Японии, благодаря чему она фигурирует в многочисленных японских легендах.
Почти идеальный, слегка усеченный конус Фудзиямы действительно очень красив. Уже много веков вдохновляет он поэтов и художников, многие сотни лет поднимаются люди по крутой тропе к его вершине, чтобы отдать дань восхищения национальной святыне, какой, без сомнения, является Фудзияма.
Великий поэт Басе, живший в XVII веке, посвятил священной горе не одно стихотворение. Его трехстишия пережили века, и каждый японский школьник может, не задумываясь, процитировать их вам наизусть.
Чернеют тучи,
Вот-вот прольются дождем,
Только Фудзи бел.
Туман и осенний дождь.
Но пусть невидима Фудзи,
Как радует сердце она!
А художник Хокусай столетием позже Басе увековечил любимую гору в сериях гравюр: «36 видов горы Фудзи» и «100 видов горы Фудзи». Репродукция одной из таких гравюр висит в каждом японском доме.
Главная религия Японии — синтоизм — объявила Фудзияму одним из главных мест почитания и поклонения. Поэтому каждый японец считает своим долгом хотя бы раз в жизни совершить восхождение на священную гору. Считается, что первый подъем на гору был осуществлен неизвестным монахом в 663 г. На вершину Фудзиямы проложена извилистая тропа с десятью площадками — станциями для отдыха. Паломники приобретают у подножья горы бамбуковые посохи, которые должны помочь им во время нелегкого и долгого подъема. На каждой станции путнику выжгут на посохе специальное клеймо в знак того, что он достиг очередного этапа.
Согласно древнему мифу, покорить Фудзияму было практически невозможно, только настоящий герой мог взобраться на ее вершину. Такой смельчак, преодолев все трудности, получал главный дар – бессмертие. Из жерла вулкана часто виднеется дымка: даже современные японцы, изобретающие ультрасовременные технологии, но воспитанные с детства на древних легендах и поэзии, свято верят, что этот дым исходит от костра, который горит от магического эликсира бессмертия.

На вулкане и у его подножия можно встретить огромное количество горячих источников, благодаря которым образуются небольшие теплые водоемы. Однако климат Фудзи можно смело назвать суровым: в самый жаркий месяц температура воздуха у горы прогревается только до +18 градусов по Цельсию, а вот зимой на вершине стратовулкана она зачастую опускается до – 38.
Верхняя часть склона горы очень крута (до сорока пяти градусов), а ниже Фудзи становится более пологой. Основание ее выглядит как гигантская окружность с периметром в 126 километров. С севера Фудзи окаймлена гирляндой из пяти живописных озер, придающих еще большую красоту окрестному пейзажу. Особенно красива гора весной, в пору цветения японской вишни-сакуры. Розовая пена садов, голубое небо и вода, зелень сосен в нижнем поясе горы и белый снежный конус ее верхушки сливаются в неповторимую симфонию линий и красок.


title: Скачать презентацию или конспект Культура эпохи Возрождения

extracted_text:
Культура эпохи Возрождения
Возрожде́ние, или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и ставшая  началом культуры Нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века
Возрождение возникло в Италии. Оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета.
Светский,  то есть не связанный с религией характер культуры.
Устремленность  к удовлетворению человеческих земных интересов.
Отличительные черты эпохи Возрождения
Теория «божественности человека»: человек – «властелин мира, которому  дана свобода, чтобы сравниться с самим Творцом».
Человек – самодостаточная личность, его ценность не зависит от происхождения и богатства, расовых признаков или религиозных убеждений.
ГУМАНИЗМ -  движение, которое рассматривало человека, его личность и свободу как высшую ценность бытия.Эстетический идеал  Возрождения – образ человека, который создает себя сам.
Идеал   гуманистов – универсальный человек, который стремился  к постижению самых разных областей знания, сочетал любовь ко всем проявлениям земной жизни с духовным богатством.
Живописец
Скульптор
Архитектор
Поэт
Музыкант
Теоретик искусства
Математик
Военный инженер
Анатом
Физиолог

Леонардо да Винчи
Идеал гуманистов – универсальный человек
Врач
Археолог
Юрист
Поэт
Филолог
Писатель-сатирик
Франсуа Рабле
Периоды эпохиРаннее Возрождение
Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года.

Боттичелли. Мадонна с гранатом. Ок.1490 г.
Северное Возрождение
Период Ренессанса на территориях Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

Замок Шамбор во Франции. 1519-1547.
Художники Северного Возрождения
Иероним Босх
Питер Брейгель
Альбрехт Дюрер
Иероним Босх
«Несение креста»
«Блудный сын»
Наука
Томас Мор
Томазо Кампанелла
Никколо Макиавелли
Везалий
Парацельс
Философия
Николай Кузанский
Леонардо Бруни
Пико делла Мирандола
Лоренцо Валла
Манетти
Пьетро Помпонацци
Монтень
Томас Мор
Эразм Роттердамский
Мартин Лютер
Кампанелла
Джордано Бруно
Литература
Памятники эпохи:
 «Декамерон» Бокаччо
 «Дон Кихот» Сервантес
 «Гаргантюа и Пантагрюэль» Франсуа Рабле
Петрарка
Джованни Бокаччо
Сервантес
Изобразительное искусствоСандро Боттичелли
«Весна»
«Рождение Венеры»
Сандро Боттичелли
Леонардо да Винчи
«Дама с горностаем»
«Мона Лиза» (Джоконда»)
Леонардо да Винчи
«Мадонна» Литта
Микеланджело Буонарроти
Микеланджело Буонарроти, скульптор, живописец, архитектор, поэт
Грехопадение
Сикстинская капелла. Потоп.
Микеланджело Буонарроти
Давид
Моисей
Пьета
Рафаэль
«Сикстинская мадонна»
«Адам и Ева»
Рафаэль,
живописец и архитектор
АрхитектураСобор Санта-Мария-дель-Фьоре, Флоренция. Жемчужина ренессансной архитектуры
Наибольший расцвет Ренессансная архитектура пережила в Италии, оставив после себя два города-памятника: Флоренцию и Венецию. Над созданием зданий там трудились великие архитекторы — Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти, Донато Браманте, Джорджо Вазари и многие другие.
Собор Санта-Мария-дель-Фьоре, Флоренция.
Жемчужина ренессансной архитектуры
МузыкаФламандский композитор XV в. Г. Дюфаи
Появляются различные жанры светского музыкального искусства — фроттола и вилланелла в Италии, вильянсико в Испании, баллада в Англии, мадригал, возникший в Италии

Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров — сольной песни, кантаты, оратории и оперы


title: Скачать презентацию или конспект Иван Петрович Мартос

extracted_text:
Иван Петрович Мартос

П.О. Росси. Портрет Мартоса
Иван Мартос родился около 1754 г. в городке Ичня Полтавской губернии (ныне Черниговская область Украины) в семье мелкопоместного украинского дворянина. Был принят в воспитанники Императорской академии в первом году по её учреждению (в 1761), начал учёбу в 1764 г., окончил курс в 1773 г. с малой золотой медалью. Был отправлен в Италию, в качестве пенсионера Академии.
В Риме усердно занимался своей отраслью искусства, упражняясь, кроме того, в рисовании с натуры в мастерской П. Баттони и с антиков, под руководством Р. Менгса.
 Вернулся в Санкт-Петербург. в 1779 г. и тотчас же был определён преподавателем ваяния в Академии, а в 1794 г. был уже старшим профессором, в 1814 г. — ректором и наконец в 1831 г. — заслуженным ректором скульптуры.
Императоры Павел I, Александр I и Николай I постоянно поручали ему осуществление важных скульптурных предприятий; многочисленными работами Мартос составил себе громкую известность не только в России, но и в чужих краях.
Умер Мартос в Петербурге 5 (17) апреля 1835 г. и захоронен на Лазаревском кладбище Александро-Невской Лавры[2]
Произведения

Памятник де Ришельё в Одессе
бронзовая статуя Иоанна Крестителя, украшающая собой портик Казанского собора в Петербурге.;
барельеф «Моисей источает воду из камня», над одним из проездов в колоннаде этого храма;
памятник великой княгине Александре Павловне, в дворцовом парке г. Павловска;
памятник Минину и Пожарскому (1804—1818)[1];
мраморная статуя Екатерины II, в зале Московского дворянского собрания;
бюст императора Александра I, изваянный для петербургского биржевого зала;
памятник Александра I в Таганроге;
памятник герцогу де Ришельё (1823-1828) в Одессе;
памятник князя Потемкина в Херсоне;
памятник Ломоносова в Холмогорах;
надгробие Прасковьи Брюс;
надгробный памятник Турчанинова;
памятник кн. Гагариной, в Александро-Невской лавре;
памятник тайной советнице Карнеевой (Лашкаревой) Елене Сергеевне, в Александро-Невской лавре;
«Актеон»;
памятник Ломоносову в Архангельске перед зданием АГТУ;
Надгробие М.Н. Волконской
Памятник де Ришельё в Одессе
И. Мартос. Памятник Минину и Пожарскому.

Посвящён Кузьме Минину и Дмитрию Михайловичу Пожарскому, руководителям народного ополчения во время польской интервенции в Смутное время, и победе над Польшей в 1612 году.
Памятная надпись на постаменте гласит:

Задний горельеф изображает князя Пожарского, гонящего поляков из Москвы.
Передний горельеф изображает граждан-патриотов, жертвующих свое имущество на благо Родины. Слева - сам скульптор Мартос, отдающий отечеству двоих сыновей (один из них погиб в 1813 году).
С предложением начать сбор средств на постройку памятника выступили в 1803 году члены Вольного общества любителей словесности, наук и художеств. Первоначально памятник предполагалось установить в Нижнем Новгороде — городе, где было собрано ополчение.

Парад при открытии памятника Минину и Пожарскому. Гравюра XIX века.
Скульптор Иван Мартос сразу же приступил к работе над проектом памятника. В 1807 году Мартос публикует гравюру с первой модели памятника, в которой народных героев Минина и Пожарского представляет российскому обществу как освободителей страны от иноземного ига.
В ноябре 1808 года скульптор Иван Мартос победил в конкурсе на лучший проект памятника, был издан императорский указ о подписке на сбор средств по всей России. Имена подписчиков были напечатаны и обнародованы.
Учитывая важность памятника для русской истории было решено установить памятник в Москве, а в Нижнем Новгороде установить мраморный обелиск в честь Минина и князя Пожарского.Интерес к созданию памятника был и так велик, но после Отечественной войны он ещё более возрос. Граждане России видели в этой скульптуре символ победы
Характеристика произведения скульптуры

Данные из Википедии


title: Скачать презентацию или конспект Доколумбовая Америка

extracted_text:
Искусство
Доколумбовой Америки
ольмеков
ацтеков
майя
инков
до 1492 года
Побережье Мексиканского залива II-I вв. до н.э.
Культура ольмеков
Культовые центры
Ступенчатые пирамиды
Каменная скульптура
Предметы декоративно-прикладного искусства
Иероглифическая письменность
Ритуальный календарь
Нефритовые фигурки
Ребёнок-Ягуар
Город Теотиукан
Город Теотиукан
Фрески Теотиукана
Фрески Теотиукана
Фрески Теотиукана
Фрески Теотиукана
Город Теотиукан
Пирамида Солнца
Пирамида Солнца
Пирамида Солнца
Пирамида Солнца
Пирамида в Эль-Тахине
Пирамида в Эль-Тахине
Пирамиды в Эль-Тахине
Пирамиды в Эль-Тахине
Искусство ацтеков
Календарь
Теночтитлана
в центре маска
 бога солнца
 Тонатиу
Город Теночтитлан
Город Теночтитлан
конкистадоры
Статуя
 Коатликуэ
Погребальные
маски
ацтеков
Рисуночные календари
 ацтеков
Рисуночные календари
 ацтеков
Фрагмент рукописи
Художественная культура
майя
Солнечный календарь
Определяли продолжительность года
Понятие нуля
Установили солнечные
 и лунные затмения
Иероглифическая письменность

Обсерватория в Чичен-Ица
Триумфальная арка
Храм в Текале
Пирамида Кукулькана
Пирамида Кукулькана
Пирамида Кукулькана
Пирамида Кукулькана
Пирамида Кукулькана
Пирамида Кукулькана
Архитектура майя
Архитектура майя
Архитектура майя
Скульптура
майя
маски
Скульптура
майя
Скульптура
майя
иероглифы
Скульптура
майя
Скульптура
майя
Скульптура
майя
Скульптура
майя
письменность
Фрески майя
Фрески
майя
Крышка саркофага
Крышка саркофага
Крышка саркофага
Империя инков
Руины Куско
Руины Куско
Руины Куско
Храм
солнца
Храм
солнца
Храм солнца
Храм солнца
Сад
инков
Рельеф
на вратах
Солнца
Золотой нож «Туми»
Белая лама


title: Скачать презентацию или конспект Эпоха Барокко

extracted_text:
"Эпоха Барокко."
Основное творчество...
ЭПОХА БАРОККО (1600-1730)
Словом «барокко» называют ряд историко- региональных художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв (1600-1730). Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Именно эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «Западной цивилизации». Для барокко характерны: грандиозность, пышность и динамика; патетическая приподнятость; интенсивность чувств; пристрастие к эффектными зрелищам; совмещению иллюзорного и реального; сильные контрасты масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.
        «Когда неистовый Микеланжело открыл свой сикстинский потолск и занялся капитолийскими постройками, новый стиль - Барокко - был создан». Большую часть росписи плафона Сикстинской капеллы в Ватикане Микеланжело «приоткрыл», сняв леса в 1509 году - это был самый пик «Высокого Возрождения» в Италии. Великий Микеланжело мощью и экспрессией своего индивидуального стиля в один миг разрушил все привычные представления о «правилах» рисунка и композиции. Написанные им на потолке могучие фигуры зрительно «разрушили» отведенное для них изобразительное пространство; они не соответствовали ни сценарию, ни пространству самой архитектуры.
       Самый знаменитый опус монументализации декора создал «гений Барокко» - Дж.Л. Бернини (1598-1680). В интерьере собора Св. Петра в Риме над гробницей Апостола Петра он возвел огромный, непомерно увеличенный шатер - киворий в 29 м высотой (1624-1633). Издали шатер из черненой и позолоченной бронзы на четырех витых колоннах с «занавесями» и статуями из нефа собора кажется всего лишь игрушкой, причудой убранства интерьера. Но вблизи - ошеломляет и подавляет, оказываясь колоссом нечеловеческих масштабов, отчего и купол над ним кажется безмерным как небо. По мере продвижения человека к средокрестию и алтарю меняется, растет пространство. Витые колонны кивория ввинчиваются ввысь, купол возносится на головокружительную высоту, свет струится, статуи нависают и в определенный момент человек начинает себя чувствовать совершенно раздавленным, потерянным перед сверхчеловеческим, чудовищным масштабом увиденного.
        Бернини гордо заявлял, что в скульптуре он подчинил себе форму, «сделав мрамор гибким, как воск и этим смог в известной мере объединить скульптуру с живописью». Этот художник то привлекает, то отталкивает, а то и совершенно раздавливает своей мощью и невыносимо грубыми эффектами. В знаменитой композиции «Экстаз Святой Терезы», в капелле церкви Санта Мария делла Витториа (1647- 1652), тяжелый мрамор фигур, пронизанный льющимися сверху потоками света, кажется парящим, невесомым. Скульптурная группа превращается в мистическое видение. Бернини - мастер художественной мистификации. Этот художник соединял мраморы разных цветов, а тяжелые детали из позолоченной бронзы - одеяния фигур - развиваются по воздуху, словно не существует силы тяжести. Происходит дематериализация форм. Это также одна из характерных черт стиля Барокко.
         Одно из основных стилистических течений итальянского Барокко называется «стиль иезуитов», или трентино. Его возглавлял архитектор, живописец, скульптор и теоретик искусства, член ордена иезуитов А. Поццо (1642 год, Тренто – 1709 год, Вена). Этот художник - автор росписи плафона церкви Св. Игнатия в Риме (1684). Тема композиции - «Апофеосис» - обожествление, вознесение главы ордена иезуитов Игнатия Лойолы на небо. Роспись поражает иллюзорностью и, одновременно, мощью фантазии, религиозной экстатичностью. Это произведение Поццо считается одним из шедевров перспективной живописи, а самого художника называют “Микеланджело перспективы”. «Плафонные росписи» - излюбленный вид искусства Барокко. Потолок или поверхность купола позволяли создавать средствами живописи иллюзионистические декорации колоннад и арок, уходящих ввысь, и «открывать» небо, как в гипетралъных храмах античности, с парящими в нем фигурами Ангелов и святых, повинующихся не законам земного тяготения, а фантазии и силе религиозного чувства. Это переживание хорошо выражено в словах самого И. Лойолы: «Нет зрелища более прекрасного, чем сонмы Святых, уносящихся в бесконечность».
На первое место выходит категория «величественного», она обозначается латинским словом «sublimis» - высокий, крупный, возвышенный. В парадных живописных портретах эпохи Барокко постоянны укрупненные, утяжеленные формы роскошных мантий, драпировок, архитектурный фон. Стандартные аксессуары: колоннады, балюстрады, летящие гении Славы, античные жертвенники, и фигуры портретируемых в рост, уподобленные монументам, породили название - «большой статуарный стиль». Известными мастерами такого стиля были А. Ван Дейк и Дж. Рейнолдс в Англии, Ш. Лебрюн и И. Риго во Франции, В. Боровиковский в России
Поццо также расписал фресками кафедру и apse, изображающими сцены из жизни
                                                                                Игнатия.
Под влиянием Испании стиль Барокко развивался во Фландрии, с 1609 года оказавшейся под властью испанской короны. Центром своеобразного фламандского барокко стал г. Антверпен, а его олицетворением - гений П. Рубенса. Другие фламандские живописцы - Д. Тенирс, Ф. Снейдерс, Я. Иордане, Ф. Хале, - хотя и были связаны с малыми голландцами, демонстрировали отличный от голландского стиль пышной, стихийно- материалистичной, сочной живописи.
В Венеции XVIII в. свой «живописный театр», не без влияния Барокко, создавали Дж. Гисланди, Дж.- Б. Тьеполо, Ф. Гварди, Каналетто. Многие из живописных идей стиля Барокко по-своему решал гениальный одиночка Рембрандт.
«Плебейское» течение в Риме олицетворял гений Караваджо. Хотя в целом искусство самого Караваджо и его последователей - караваджистов, не тождественно стилю Барокко, сочетание мистичности с натурализмом, экспрессия и динамика, мощь и осязательность форм порождены этим стилем.
   Идеи барочной организации больших пространств рождают колоссальные ансамбли площадей с фонтанами и египетскими обелисками, перспективами улиц, аллей садов и парков, украшенных каскадами, водоемами и статуями. Площадь перед собором Св. Петра в Риме, площадь Согласия в Париже, Версаль, Петергоф и Сан-Суси, несмотря на все различия, - порождения одной эпохи Барокко. Все эти ансамбли построены на театральном эффекте неожиданных контрастов, смены впечатлений: кулисы, «задник», внезапно открывающиеся перспективы.
Шедевром иллюзионизма в стиле католического Барокко является архитектурно- скульптурная композиция Успение Богоматери в алтаре монастырской церкви в Pope, созданная в 1717- 1725 гг. братьями Асам, Космасом и Эгидием. В Вюрцбурге, где находилась резиденция католического епископа, с 1711 года работал архитектор Б. Нойманн. Он создал пышный и бурный, насыщенный декором стиль немецкого барокко с элементами орнаментики, близкой французскому Рококо. Плафон вестибюля епископской резиденции в Вюрцбурге, возведенной по проекту Нойманна, расписал известнейший мастер фрески Джованни Батиста Тьеполо (5 марта 1696, Венеция - 27 марта 1770, Мадрид).
Архитектор М. Пёппельманн и скульптор Б. Пермозер были главными создателями выдающегося памятника искусства немецкого барокко - дворца Цвингер в Дрездене (1710- 1728). Пёппельманн - также автор проектов замка Морицбург и дворца Пильнитц. В Берлине А. Шлютер возвел королевский дворец (1698- 1706) в стиле более сдержанного северного Барокко (во время второй мировой войны дворец разрушен). Барокко в Пруссии - более рациональное и конструктивное, отчасти под влиянием Франции, эволюционировало в сторону Рококо, как это видно на примере дворца и парка Сан-Суси в Потсдаме, творения Г. В. фон Кнобельсдорффа (1744- 1753)
Английским барокко считают искусство периода правления Якова I Стюарта, стили «Реставрации Стюартов» и «Марии» (времени правления Вильгельма Оранского и королевы Мэри), т. е. почти все семнадцатое столетие. Английский стиль был эклектичным, включал в себя элементы Классицизма и традиционной английской готики. В этом отношении показательно творчество архитектора К. Рена, создателя грандиозного собора Св. Павла в Лондоне (1675- 1710), и его ученика Н. Хоуксмура, завершавшего строительство Госпиталя в Гринвиче (1664- 1728).
Замок Хауэрд, Великобритания. Начатый в 1699 году Касл Хауэрд считается одним из самых утонченных частных особняков в стиле барокко. Он был выстроен по инициативе Чарльза Хауэрда, третьего эрла Карлайля, двумя архитекторами - сэром Джоном Ванбру и Николасом Хоксмуром.
Новое архитектурное великолепие требовало не менее эффектной обстановки. С точки зрения формы итальянская мебель XVII века отличалась скульптурными и архитектурными принципами. Она была крупной по масштабу, ее в изобилии украшала объемная резьба с листвой и человеческими фигурами, созданными под прямым влиянием скульптуры. Большой кабинет, или stippone, был продукцией в основном мастерских великого герцога во Флоренции. Кабинеты украшались дорогими материалами, вроде эбенового дерева, pietra dura и позолоченной бронзы. Кабинет, сделанный в 1677 году для великой герцогини Тосканской, является законченным выражением итальянского барокко. Мода на архитектурные детали не замедлила сказаться на внимании к колоннам и балюстрадам, а миниатюрные скульптурки отражают превалирующий интерес к классическим формам. Натуралистические фигуры и картины свидетельствуют об угасании интереса к позднеренессансному стилю маньеризма.
Самые большие, парадные комнаты в домах аристократии имели пристенные столы, почти всегда предназначенные для показа дорогих вещей. Самые изысканные образцы получали столешницы с pietra dura и резные, позолоченные скульптурные основания.
Немецкий «серебряный» стол, изготовленный Альбрехтом Биллером в Аугсбурге для дрезденского двора (около 1715 года), сделан из ореха, покрытого серебряными пластинами с чеканкой и позолотой. Это один из немногих сохранившихся примеров невероятно дорогой серебряной мебели того времени.
Прогресс стеклоделия означал, что зеркала могли быть больше по размеру, и вошло в моду располагать одинаковые зеркала над каждым пристенным столом в комнате. Элементы дизайна зеркал и столов повторялись в архитектурных чертах помещения, таких как архитравы дверей, окон и оформление каминов, что создавало единый стиль дизайна. Парные жирандоли и подсвечники размещались напротив зеркал, так что в них отражались их огни, усиливая степень освещенности помещения.

Около 1667 года Леонардо Ван дер Вине, краснодеревщик из Нидерландов, стал начальником в мастерских великого герцога Тосканского и, вероятно, ввел в употребление технику цветочного маркетри.
Главной в Версальском дворце является Зеркальная галерея - Galerie des Glaces, призванная отразить весь блеск и великолепие французской монархии времен Людовика XIV. Ее роскошь первоначально еще больше усиливали сказочная серебряная мебель, 41 сверкающая люстра и позолоченные канделябры. Архитектором галереи был Шарль Лебрен, который был автором убранства многих залов дворца в Версале.
В XVI-XVII веках огромные суммы денег расходуются на отделку интерьеров домов тканями и бахромой. Стены украшаются роскошными шелковыми и бархатными панелями, с вышивкой или серебряной и золотой бахромой по краям, а кровати и стулья обиваются богатейшими тканями. Римские интерьеры второй половины XVI века украшаются гарнитурами вместе со шторами. Квадратная форма дворцовой кровати остается в моде до 1800 года. В интерьерах эпохи Барокко огромные кровати с балдахинами на точеных колоннах, с занавесями и балюстрадами, как саркофаги стоят в центре комнаты перпендикулярно стене и занимают почти все свободное место. Во Франции придумывают более усложненные формы для приватных апартаментов или садовых павильонов, подобных Trianon de Porcelaine. Даниель Маро находит вдохновение в них, создавая парадные постели для английских королевских дворцов в 1700 году. Навершия в форме гребней и резные подголовники покрываются великолепными тканями с рисунками, схожими с работами Жана Берена.
    В начале XVIII века, благодаря экспериментам алхимика Иоганна Фридриха Бютгера (1682-1719) и его учителя Эренфрида Вальтера фон Тширнхауза (1651-1708) получена прекрасная красная керамика. Это произошло в Мейсене, в Саксонии, под покровительством Августа Сильного, короля Польши и электора Саксонии. Вещи украшались барочными мотивами по рисункам Жана Берена (1637-1711). Другие копировали современные серебряные и золотые изделия. Бенджамен Томе создавал небольшие бюсты и барельефы под влиянием изделий из слоновой кости и фигурок Комедии дель Арте.
    В результате дальнейших экспериментов, в январе 1710 года, на мейсенской фарфоровой мануфактуре создается фарфор из твердой пасты, то есть настоящий фарфор. Мейсенский белый прозрачный фарфор поступает на рынок в 1713 году. Его делают из белой обожженной глины из Колдица с добавкой полевого шпата, подобного китайскому петунце. Его обжигают, а затем покрывают тонкой глазурью из полевого шпата. Из фарфора производят чайную и кофейную посуду, делают небольшие гротескные фигурки по рисункам Жака Калло (1592-1635), создают подражания китайским образцам blanc-de-Chine.

В XVII веке стекло становится общедоступным. Прозрачное стекло, использующее более дешевые материалы и простые формы, производится еще в больших количествах.
Венецианское стекло успешно имитируется почти во всей Северной и Центральной Европе. При этом богатых покупателей интересуют предметы из стекла оригинальных форм со сложнейшими украшениями. В Нидерландах высокие бокалы со сложными ножками в форме морских змей отвечали барочным запросам показной роскоши. Подобные предметы делают в Германии и Богемии. Производство Мурано отличают еще более усложненные формы и специальные эффекты. Например, традиционному халцедоновому стеклу (calcedonio) придавался эффект золотистых авантюриновых блесток, получаемых добавлением медного порошка. На флорентийской стеклянной мануфактуре, принадлежащей семье Медичи, где работали исключительно венецианцы, придворные мастера создают фантастические бокалы и предметы для украшения центра стола во время роскошных приемов.


title: Скачать презентацию или конспект Архитектурные стили

extracted_text:
Архитектурные стили.
МХК. 8 класс
12.02.2017
2
План урока
Романский стиль.
Готический стиль.
Маньеризм.
Барокко.
Рококо.
Классицизм.
Проверим себя.
12.02.2017
3
Романский стиль
В романском стиле доминирующую (определяющую) роль играла архитектура. Как бы   отвечая взглядам отцов церкви — противникам роскоши, сооружения этого стиля (замки и храмы) были строги и лишены каких-либо излишеств. Все было подчинено суровой действительности. Каменные здания в период междоусобиц играли роль крепостей. Эти сооружения имели массивные стены, узкие окна, высокие башни (для наблюдений за приближающимся врагом).
12.02.2017
4
Романский стиль

12.02.2017
5

Конструкция храма восходит к раннехристианским храмам (византийская базилика):
 1. Центральный неф и два по бокам.
2. Поперечный неф — трансепт.
3. На пересечении центрального нефа и трансепта ставилась башня, а не купол.
4. Западный фасад украшался фронкирующими башнями.
5. Восточная часть — апсида (украшение).
12.02.2017
6
Готический стиль
 Готический стиль(от итал. gotico, букв. — готский, от названия германского племени готов), художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой 12 и 15—16 вв.).

12.02.2017
7
Готический стиль

 Готика зародилась в Северной Франции (Иль-де-Франс) в середине 12 в. и достигла расцвета в 1-й половине 13 в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму.
12.02.2017
8
Готический стиль
На фасадах варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические и декоративные детали. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы образуют цельную сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания.

12.02.2017
9
Скульптуры готическогособора в Шартре.
В готических статуях облик людей передается более точно. У скульпторов возрождается интерес к красоте внешнего облика человека. Основной мыслью готического искусства было очищение от греха и возвышение через страдание.
Огромное значение в творчестве придавалось образу Богоматери – Мадонны - в ней видели заступницу людей перед ее сыном Иисусом.
12.02.2017
10
Стены храмов покрывались живописью. В романских соборах это были традиционные фрески,а в готических, - где не хватало места из-за окон - использовались витражи. Свет, проходя через цветное стекло,«играл» на стенах и полу. Это придавало соборам праздничный вид.
Царь Давид Витраж
собора в Шартре.
12.02.2017
11
12.02.2017
12
12.02.2017
13
«Роза»
12.02.2017
14
МАНЬЕРИЗМ
МАНЬЕРИЗМ - (итал. manierismo – вычурность, манерничанье) - течение в западноевропейском, главным образом итальянском, искусстве 1520-1590-х гг. Возникло и развивалось вследствие кризиса идеалов «Высокого Возрождения» в Италии. Термин «maniera» стал приобретать специфическое значение уже к середине XVI в.
12.02.2017
15
Некоторые исследователи не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нём раннюю фазу барокко. Маньеризм в архитектуре выражает себя в нарушениях сбалансированности; использовании структурных решений, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства.
В архитектуре нетрадиционно применяются классические элементы, иллюзорные трюки (ложные двери, слепые окна и арки).
Джорджо Вазари. Лоджия Галереи Уффици. Вид на Палаццо Веккьо. Флоренция
Архитектура маньеризма

Фасад церкви отличается смелостью необычных решений и пышностью декора. В оформлении фасада легко угадываются элементы классической архитектуры, которые явно вступают в противоречие не только с античной, но и с ренессансной традициями. Сдвоенные колонны и пилястры придают зданию парадность и напыщенность.

Джакомо да Виньола, Джакомо делла Порта.
Церковь Иль Джезу.
1575 г. Рим
В стиле маньеризм фасады декоративны, с множеством архитектурных, скульптурных, орнаментальных деталей, использовние богатых, золотых и серебряннх инкрустаций, искажение пропорций, смешение стилей.

В декоре интерьера преобладают орнаменты, причудливые, фантастические образы.
12.02.2017
18
 Барокко
 Барокко (итал. barocco через исп. bar- ruecco от португ. barroco - причудливый, неправильный, дурной, испорченный).   Словом «барокко» называют ряд художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв., романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, неуравновешенных формах.

12.02.2017
19

Барокко было связано с дворянско-церковной культурой эпохи расцвета абсолютизма. Был призван прославлять могущество церкви и светской аристократии, тяготел к парадной торжественности и пышности.
12.02.2017
20

12.02.2017
21
Русское барокко
12.02.2017
22
Рококо
    Стиль(франц. rococo), рокайль (от орнаментального мотива рокайль), получивший развитие в европейских пластических искусствах 1-й пол. 18 в.  Возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры. В архитектуре повлиял главным образом на характер декора, приобретшего манерно-утончённый, подчёркнуто изящный и усложнённый вид.

12.02.2017
23
Рокайль (от фр. rok - скала, утес) - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился во Франции в начале 18 века, при украшении парковых павильонов - гротов деталями, имитирующими природные элементы - морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название "рокайль".
12.02.2017
24

12.02.2017
25
Классицизм
Архитектуре классицизма в целом присущи логичность планировки и геометризм объёмной формы.   Постоянное обращение архитекторов классицизма к наследию античной архитектуры подразумевало не только использование её отдельных мотивов и элементов, но и постижение общих законов её архитектоники.
12.02.2017
26
Проверь себя

1.
2.
3.
4.
12.02.2017
27
5.
6.
7.
8
12.02.2017
28
Правильные ответы
1. Романский.
2. Классицизм.
3. Рококо.
4.Маньеризм
5. Романский.
6. Готический.
7. Готический.
8. Классицизм.


title: Скачать презентацию или конспект Галерея Тейт

extracted_text:
Государственный национальный музей в Лондоне
Работу выполнила ученица 9 «Б» класса Фаттахова Алина
Галерея Тейт
Галерея Тейт (Tate Gallery)

 государственный национальный музей в Лондоне, хранящий свыше шестидесяти тысяч произведений искусства: живопись, скульптура, рисунки, гравюры.

Делится на две части:

Британская галерея Тейт (Tate Britain) или старая галерея Тейт, представляющая собой собрание английской живописи 16–19 вв. и зарубежного искусства 19 в.

 Современная галерея Тейт (Tate Modern) – европейское и американское искусство с 1900 по настоящее время

Сэр Генри Тейт  (1819–1899) – сахарный магнат, крупный коллекционер предметов искусства Викторианской эпохи.

Основатель галереи британского искусства
Британская галерея Тейт  (Tate Gallery)
Открыта в августе 1897 г.;
переименована  в 2000 г.;
представляет коллекции британского искусства, начиная с 1500 г. до наших дней.

Открыта в 2000 г.
Выставляет коллекции  британского современного  мирового искусства, с 1900 г. и по сегодняшний день.
Располагается в 85-ти залах разных размеров на разных уровнях-этажах.
Современная галерея Тейт-модерн (Tate Modern)
Открыта в 1988 г., как филиал лондонской галереи Тейт.
Выставляет коллекции Лондонской Тейт, а также свои собственные собрания произведения искусства.
Галерея Тейт в Ливерпуле (Tate Liverpool)

свыше шестидесяти тысяч произведений искусства: живопись, скульптура, рисунки, гравюры
Виртуальная экскурсия по галерее Тейта
Уильям Хогарт (1697–1764)Опера нищего , 1728-1729
Уильям Хогарт (1697–1764) Дети семьи Грэхэм, 1742
Джон Э́веретт  Миллес (1829 —1896) Офелия, 1852

Джошуа Рейнольдс (1723–1792)
Три грации, украшающие гирляндами герму Гименея ,1774

Томас Гейнсборо (1727-1788)Закат. Четверка лошадей, пьющих из ручья, ок. 1760
Уильям Блейк (1757–1827)Сострадание, 1794
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775–1851) Метель. Пароход выходит из гавани и подаёт сигнал бедствия, попав в мелководье, 1842
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775–1851) Автопортрет, 1798
.

Эдуарда Мане (1832-1883)Музыка в Тюильри, 1862
Анри Матисс (1869–1954). Портрет Андре Дерена, 1905
Данте Габриэль Россетти  (1828–1882) Беата Беатрикс, 1863-1864
Джон Си́нгер Са́рджент (1856–1925)Китайские фонарики, 1887


title: Скачать презентацию или конспект Театр и музыка Древней Греции

extracted_text:
Театр и музыка
Древней Греции
Котенковой Юлии
10 «А» класса
Древнегреческий театр один из древнейших театров на территории Европы. Он достиг своего расцвета в V в. до н. э. Наследие, оставленное нам античностью в области литературы и искусства, огромно. Основные роды поэзии - эпос, лирика и драма - возникли в Греции. Античная архитектура, скульптура, литература и театр были предметом изучения и подражания и в последующие века. Значение античного театра выходит далеко за хронологические рамки породившего его общества
Возник из сельских празднеств в честь бога Диониса. Вначале Дионис считался богом производительной силы природы, и греки изображали его в виде козла или быка. Однако позже, когда население древней Греции познакомилось с возделыванием виноградников, Дионис стал богом виноделия, а потом и богом поэзии и театра.
Несколько раз в году происходили празднества, посвященные Дионису, на которых пели дифирамбы (хвалебные песни).Участники мазали лицо винной гущей, надевали маски и козлиные шкуры. Наряду с торжественными и печальными, распевались веселые, а часто непристойные песни. Торжественная часть праздника дала рождение трагедии, веселая и шутливая - комедии.“Трагедия, по свидетельству Аристотеля, ведет свое начало от запевал дифирамба, а комедия от запевал фаллических песен.” Эти запевалы, отвечая на вопросы хора, могли рассказать о каких-либо событиях из жизни бога и побуждать хор к пению.
Маска Диониса стала впоследствии символом театрального искусства.
Почвой древнегреческого искусства считают мифологию. В ходе развития
греческой трагедии круг ее сюжетов, помимо мифов о Дионисе, вошли рассказы о судьбах героев древности - Эдипа, Агамемнона, Геракла и Фесея и других. Таким образом греческая драматургия заимствовала свои сюжеты из мифологии. Это объясняется характером греческой мифологии - ее глубокой художественной выразительности.
Театр в Греции был государственным учреждением, и организацию
театральных представлений брало на себя само государство, назначая для этих целей специальных людей. Драмы ставили на трех праздниках в честь Диониса: Малых или Сельских Дионисиях (в декабре - в январе); Ленеях (в январе - феврале); Великих или Городских Дионисиях (в марте - апреле). Драматические представления проходили как состязания драматургов. В них участвовали три трагических и комических поэта. Каждый из трагиков должен представить по четыре пьесы: три трагедии и одну сатириковую драму (это веселая пьеса на мифологический сюжет с хором, состоящим из сатиров).
Народный характер античного театра определил особенности его организации и устройства. Древнегреческий театр сооружался на открытом воздухе и состоял из 3-х основных частей: орхестры ,тэатрона и скены. Древнейшей из этих частей является орхестра — круглая площадка, на которой выступали хор и актёры. Вначале зрители свободно размещались вокруг орхестры. Позднее появились особые места для публики, расположенные на склонах прилегающих холмов и гор.
Музыка Древней Греции — составная часть древнегреческой античной культуры. Древнегреческая музыка (наряду с поэзией) оказала большое влияние на развитие европейской профессиональной музыкальной культуры и музыкальной науки.
Музыка Древней Греции
От древнегреческой музыки сохранилось лишь несколько полностью записанных сочинений; остальная часть наследия (ок. 40 пьес) сохранилась в виде фрагментов на папирусе, пергаменте, в виде настенной живописи, в эпиграфике на камне и т.д. Полностью сохранились 3 гимна Месомеда, два гимна Аполлону (138 и 128 до н.э.). Сведения о древнегреческой музыке черпаются по большей части из музыкально-теоретических трактатов греков и римлян, из вторичной литературы (трудов древнегреческих мыслителей и поэтов); музыкальными сюжетами богаты памятники греческого изобразительного искусства (скульптура, керамика и т.п.).


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура и дизайн конструктивные искусства

extracted_text:
Мир, который создает человек

АРХИТЕКТУРА – это искусство «сочинения» зданий  и одновременно сами здания,
 окружающие нас.

ДИЗАЙН – это искусство создания облика вещей, их формы, это многообразный мир вещей – от вилки и журнала до одежды
 и машин

Образный характер
архитектуры выражает
идеалы красоты
разных эпох
От древних каменных
орудий, бытовых
ремесленных изделий –
к сложнейшим проектам поездов и ракет
развивалось искусство
создания вещей
Основы композиции в конструктивных искусствах
Плоскостная композиция
Достижение гармоничного расположения элементов по отношению друг к
Другу и их уравновешенность в целом и составляет суть КОМПОЗИЦИИ
Пример поиска композиционной гармонии
 масс черного и белого
Симметрия
Достижение гармонии по принципу симметрии
Симметричная и ассиметричная композиции в природе и архитектуре
Ассиметрия и динамическое равновесие
Взаимное расположение
форм создает
динамическое равновесие
В композиции из трех и более элементов также необходимо
добиваться цельности и сбалансированности масс
Композиция, в которой стороны прямоугольников расположены
ПАРАЛЛЕЛЬНО краям поля, называется ФРОНТАЛЬНОЙ
Движение и статика
Композиции, в которых прямоугольники
 расположены под углом к краю поля и как бы
уходят в глубину пространства, называются
ГЛУБИННЫМИ
1.Нет баланса масс черного и белого
одинаковая форма прямоугольников и
расстояний между ними рождает
Монотонность композиции; композиция
 элементов должна быть ассиметрична
2. Не следует смешивать фронтальную
и глубинную композиции; отсутствие
цельности композиции приводит к тому,
что элементы существуют как бы
сами по себе, «разваливаются»
Ритм
Чередование изобразительных элементов и свободных пространств,
их частота, сгущенность и разреженность – это РИТМ
Изобразительная
композиция состоит из
изображений и свободных
пространств,
воспринимаемых как
паузы

Добавлением новых элементов
можно замкнуть движение в
пространстве листа или
разомкнуть рамки поля,
открыть его.
Первую композицию можно
определить как ЗАМКНУТУЮ, а
вторую - РАЗОМКНУТУЮ
Композиция. К. Малевич


title: Скачать презентацию или конспект Тест «Символизм»

extracted_text:
 1.  Этот французский художник – мастер живописи символизма в большинстве картин разрабатывал стилизованные античные мотивы. Приглушённый колорит, выдержанный в холодных, бледно – сумеречных тонах, плавность, ритмичность линий, декоративность композиций отличают манеру его письма («Бедный рыбак»).
А) Гюстав Моро;      б) Пюви де Шеван;
 в) Одилон Редон;   г) М. Чюрлёнис
2. Этот французский художник живописи символизма обращается к литературным источникам:мифам, легендам, сказкам и басням. Нередко героями являются женские образы античной и библейской мифологий («Саломея, танцующая перед Иродом»).
А) Гюстав Моро;      б) Пюви де Шеван;
в) Одилон Редон;    г) М. Чюрлёнис
3. Этот французский художник живописи символизма создавал мир фантасмагорий, грёз и таинственных видений. В картинах этого художника предстают самые невероятные образы: одноглазое чудовище и т. д. («Циклоп»).
А) Гюстав Моро;       б) Пюви де Шеван;
в) Одилон Редон;      г) М. Чюрлёнис
б) Пюви де Шеван
А) Гюстав Моро
в) Одилон Редон;
4. Этот литовский  художник занимает достойное место в  живописи символизма. Он стремится выразить мир звуками, красками и ритмами. Символична одна из поздних его картин «Соната звёзд. Аллегро», в которой он художественно воссоздаёт своё представление о строении Вселенной.
А) Гюстав Моро;       б) Пюви де Шеван;
в) Одилон Редон;      г) М. Чюрлёнис
5. Картина художника – символиста «Демон сидящий» полна символических обобщений. Кто её автор?
А) М. А. Врубель;      б) В. Э. Борис – Мусатов;
в) Н. Н. Сапунов;        г) Н. П. Крымов
6. Этот художник живописи символизма в большинстве своих произведений не стремился к воспроизведению реальной жизни. Наоборот, художник уводил зрителя в безвозвратное прошлое, в  мир старинных полуразрушенных усадеб и тенистых аллей парков, на берега заросших рек и искусственных водоёмов («Дама в голубом», «Водоём» и др.).
А) М. А. Врубель;       б) В. Э. Борис – Мусатов;
в) Н. Н. Сапунов;         г) Н. П. Крымов

     г) М. Чюрлёнис
А) М. А. Врубель
б) В. Э. Борис – Мусатов
7. Этот художник – символист  не входил в группу художников «Голубая роза». Кто он?
   А) Н. П. Крымов;      б) В. Э. Борис – Мусатов;
    г) М. С. Сарьян;       д) А. В. Фонвизин
     8. Назовите официальную дату рождения символизма.
         А) 1883;    б) 1884;     в) 1885;     г) 1886
1. Этот художник не относится к живописи романтизма. Кто он?
     А) И. К. Айвазовский;       б) К. П. Брюллов;
     г) О. А. Кипренский;          г) И. Е. Репин

2. Этот художник не относится к живописи реализма. Кто он?
   А) А. Г. Венецианов;        б) В. Г. Перов;
    в) И. Е. Грабарь;             г) И. И. Левитан

3. Этот художник не относится к живописи импрессионизма. Кто он?
    А) В. А. Серов;         б) В. И. Суриков;
    в) К. А. Коровин;      г) И. Е. Грабарь

б) В. Э. Борис –
 Мусатов
г) 1886
  1. Творчество этого шотландского архитектора, дизайнера интерьера, живописца и графика проходило в рамках модерна. Оформленные им интерьеры чайных салонов, музыкальных гостиных, библиотек и вилл отличают изящество и простота форм. В них преобладают прямые, геометрические, а не изогнутые линии, которые особым образом подчёркиваю форму мебели.
1. Луис-Комфорт Тиффани,   2. Ч.Р.Макинтош,
  3. Эмиль Галле,    4.Алфред Стиглец
Чарлза Ренни Макинтоша
 (1868 – 1928)
 2. Этот французский ювелир и дизайнер, один из создателей стиля модерн в декоративно-прикладном искусстве.
Он создал свое искусство украшения стеклянных ваз, чаш, ламп, пресс-папье, в основе которого лежал выпуклый рельеф — камея.
1. Луис-Комфорт Тиффани,   2. Ч.Р.Макинтош,
  3. Эмиль Галле,    4.Алфред Стиглец

Эмиль Галле
    3.  Этот американский художник сумел довести производство предметов из стекла до высокого художественного уровня. Абажуры для ламп наглядно демонстрировали поистине фантастическую игру цвета и света.
 1. Луис-Комфорт Тиффани,   2. Ч.Р.Макинтош,
  3. Эмиль Галле,    4.Алфред Стиглец

Л. – К. Тиффани
(1848- 1933)
4. Своеобразное воплощение стиль модерн нашёл и в произведениях скульптуры. Кто авторы этих работ? (Н.А.Андреев, А.С.Голубкина, А.Э.Бурдель)
французский скульптор
 Антуан Бурдель
 (1861-1929)
Н. А. Андреев.
«Памятник Н. В. Гоголю»
А. С. Голубкина.
 «Лев Николаевич Толстой».
5. Какое произведение считается одно из лучших работ русской монументальной пластики начала 20 в.
  6.  Имя этого известного австрийского живописца, графика и книжного иллюстратора неразрывно связано со стилем модерна. Одна из самых совершенных произведений этого художника – картина «Поцелуй».
1. Альфонс Муха.           2. О.В.Бёрдсли,
 3. А. де Тулуз-Лотрек,    4. Густав Климт
Густава Климта
   7. Стилистика модерна наиболее отчётливо проявила себя в искусстве графики.
Этому французскому графику и живописцу в полной мере удалось воссоздать атмосферу своего времени. Его рекламные  плакаты и афиши запечатлели певцов и танцовщиц, акробатов и клоунов и т. д.
1. Альфонс Муха.           2. О.В.Бёрдсли,
 3. А. де Тулуз-Лотрек,    4. Густав Климт

Анри де ТУЛУЗ-ЛОТРЕКу
(1864-1901)
 Афиша «Мулен Руж».

8.  Английский рисовальщик
оставил неизгладимый след в истории европейского изобразительного искусства. Он создал свой оригинальный стиль в искусстве модерна.
Изысканные чёрно – белые иллюстрации к литературным произведениям принесли ему всемирную известность и славу.
Особую известность художнику принесли иллюстрации к пьесе писателя Оскара Уайльда «Саломея».
1. Альфонс Муха.           2. О.В.Бёрдсли,
 3. А. де Тулуз-Лотрек,    4. Густав Климт

Первой работой, моментально прославившей имя чешского художника, была афиша к спектаклю театра Сары Бернар «Жисмонда», появившаяся утром 1 января 1895 г. на плакатных щитах Парижа. Уже в ней вполне определяется характер многих последующих плакатов, календарей и декоративных панно Альфонса Мухи.
1. Альфонс Муха.           2. О.В.Бёрдсли,
 3. А. де Тулуз-Лотрек,    4. Густав Климт

10.  Художники Л.С.Бакст, А.Н.Бенуа, Е.Е.Лансере, А.Я.Головин, К.А.Сомов, М.В.Добужинский, Н.К.Рерих наглядно воплотили в своих произведениях черты модернизма. Почти все названные художники работали в качестве театральных художников – декораторов. Обращение к миру театра было не случайным: декорации к спектаклям,  эскизы костюмов открывали возможность синтеза искусства – характерного признака стиля модерн.
    Соотнесите картины с именами этих художников.
БАКСТ
Лев Самойлович.
Ливень.

ДОБУЖИНСКИЙ
 Мстислав Валерианович.
Гримасы города.

К. А. Сомов.
 «Арлекин и дама».
РЕРИХ
Николай Константинович
Небесный бой.

А.Н. Бенуа.
 Парад при Павле I.
ЛАНСЕРЕ
Евгений Евгеньевич.
Петербург.
У старого Никольского рынка.

1.
2
3.
4.
5.
6.
 1.  Архитектурные сооружения испанского архитектора, яркого и оригинального представителя органической архитектуры в европейском модерне изобилуют символами и аллегориями, они уводят зрителя в мир сказок, легенд и преданий. Назовите этого мастера.
1. Фрэнк Ллойд РАЙТ,   2. Антонио ГАУДИ,
 3. Вальтер ГРОПИУС,    4. Шарль Эдуар ЛЕ КОРБЮЗЬЕ

2. Какой национальности архитектор Шарль Эдуар ЛЕ КОРБЮЗЬЕ?
Испанец,  2. немец,  3. француз,  4. американец.

3.  Назовите его архитектурное сооружение.

ГАУДИ Антонио
Дом Батло
«Дом над водопадом»
Баухауз.
Вилла Савой в Пуасси.
Антонио ГАУДИ
Эдуар ЛЕ КОРБЮЗЬЕ
Вальтер ГРОПИУС
Фрэнк Ллойд РАЙТ
4.  Этот немецкий архитектор, дизайнер вошёл в историю зодчества XX в. как смелый первооткрыватель, теоретик и выдающийся педагог. Его творения стали символами индустриальной эпохи, украшающими города Германии, Великобритании, США, Греции, Ирака. Его идеей в архитектуре стало сооружение Баухауза – здания Школы искусств в городе Дессау.
1. Фрэнк Ллойд РАЙТ,   2. Антонио ГАУДИ,
 3. Вальтер ГРОПИУС,    4.  Луис САЛЛИВЕН

5. Этот американский архитектор и теоретик архитектуры под влиянием японской архитектуры выработал свой, так называемый «стиль прерий» – лёгкие нависающие карнизы, низкие открытые террасы, размещённые в уединённых садах вблизи природных водоёмов. Кто он?
1. Фрэнк Ллойд РАЙТ,   2. Антонио ГАУДИ,
 3. Вальтер ГРОПИУС,    4.  Луис САЛЛИВЕН.

6.  Кто из этих архитекторов бельгийский мастер?
Луис САЛЛИВЕН,  2. Виктор Орт,
 3. Антонио ГАУДИ,  4. Шарль Эдуар ЛЕ КОРБЮЗЬЕ

Вальтер ГРОПИУС
«Дом над водопадом»
Фрэнк Ллойд РАЙТ
7.  На смену усложнённым формам и декоративным украшениям модерна пришли чёткие конструкции, более простые объёмы. Появление небоскрёбов на американском континенте стало подлинной сенсацией. Первый небоскрёб чикагского архитектора в городе Сент – Луисе произвёл настоящий переворот в архитектуре. Назовите имя этого архитектора.
1. Фрэнк Ллойд РАЙТ,   2. Антонио ГАУДИ,
 3. Вальтер ГРОПИУС,    4.  Луис САЛЛИВЕН

8.  Какое архитектурное сооружение не принадлежит  к творениям А. Гауди?

 Луис САЛЛИВЕН
Дом Мила
Собор
 Саграда Фамилиа
Парк Гуэль
Музей Гуггенхейма.
Фрэнк Ллойд РАЙТ
 9.  Наиболее ярко и полно модерн проявился в сооружениях Федора Осиповича ШЕХТЕЛЯ [1859—1926], русского архитектора. Его лучшие архитектурные произведения в Москве. Высшим достижением русской архитектуры эпохи модерн стало одно из этих архитектурных сооружений. Назовите его.
Особняк С.П. Рябушинского.
Особняк З. Г. Морозовой.
10. Смелые архитектурные проекты этого российского архитектора были фантастичны, а потому и вызывали немало дискуссий и споров. Невесомые, парящие в воздухе конструкции – главная тема его творчества. Самое необычное произведение– это собственный  дом в Кривоарбатском переулке . Назовите имя архитектора.
1. Алексей Викторович ЩУСЕВ,
2. Константина Степановича МЕЛЬНИКОВА
3.Федор Осипович ШЕХТЕЛЬ
1.  Французский живописец, график, мастер декоративного искусства. Один из лидеров фовизма. Выразил праздничную красочность мира в ясных по композиции, выразительных и чистых по цвету картинах, утверждающих красоту и радость бытия («Танец», 1910; «Красные рыбки», 1911), в витражах, гравюрах, литографиях.
1. Сальвадор ДАЛИ ,    2. Пабло ПИКАССО ,
 3. Жорж БРАК ,             4. Анри МАТИСС .

 Анри МАТИСС
2. Один из самых ярких представителей сюрреализма,  испанский живописец. Его картины и рисунки, отмеченные безудержной фантазией и виртуозной техникой исполнения, представляют собой фантасмагории, в которых самым противоестественным ситуациям и сочетаниям предметов придана видимая достоверность и убедительность.
1. Сальвадор ДАЛИ ,    2. Пабло ПИКАССО ,
 3. Жорж БРАК ,             4. Анри МАТИСС .

Сальвадора ДАЛИ
3.  Французский живописец, по происхождению испанец. С 1907 основоположник кубизма. Картина «Авиньонские девушки» этого художника была признана «первой кубической картиной. О ком идёт речь?
1. Сальвадор ДАЛИ ,    2. Пабло ПИКАССО ,
 3. Жорж БРАК ,             4. Анри МАТИСС .

Пабло ПИКАССО
4.  Направление в искусстве 1-й четверти 20 в., представители которого стремились свести изображение к комбинации простых геометрических тел, призванных выразить «первичную структуру» мира, перестроив традиционные способы восприятия пространства.
1.Фовизм,  2. сюрреализм,  3. кубизм, 4. абстракционизм.
5. Российский художник, основоположник одного из видов абстрактного искусства, т. н. супрематизма, которому свойственны геометрические абстракции из простейших фигур (квадрат, прямоугольник, круг, треугольник).
В.В. КАНДИНСКИЙ,     2.П.Н. ФИЛОНОВ,
 3. К.С.МАЛЕВИЧ,               4.Н.М.Суетин
кубизм
Малевич
7.  Стиль положенный К. С. Малевичем в основу своих художественных экспериментов 1910-х гг., К. С. Малевич считал его высшей точкой развития искусства (отсюда название, производное от лат. supremus, «высший, последний»), которому свойственны геометрические абстракции из простейших фигур (квадрат, прямоугольник, круг, треугольник).
 1.Фовизм,  2. сюрреализм,  3. супрематизм, 4. абстракционизм.

6.  Этого художника считают основоположником абстракционизма в изобразительном искусстве.
1. Сальвадор ДАЛИ ,        2. Пабло ПИКАССО ,
3. В.В. КАНДИНСКИЙ,         4. К.С.МАЛЕВИЧ.

 8.  Течение во французской живописи, существовавшее в 1905-07. Художников (А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, А. Дерен, Р. Дюфи, М. Вламинк ) на время объединило общее стремление к эмоциональной силе художественного выражения, к стихийной динамике письма, интенсивности открытого цвета и остроте ритма.
1.Фовизм,  2. сюрреализм,  3. супрематизм, 4. абстракционизм.

супрематизм
Фовизм
В.В. КАНДИНСКИЙ
9.  Направление в искусстве 20 в., провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом — разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями.
 1.Фовизм,  2. сюрреализм,  3. супрематизм, 4. абстракционизм.
сюрреализм
10.  Совокупность направлений в изобразительном искусстве 20 в., заменивших непосредственное воспроизведение натурной действительности живописно-пластическими знаками и символами либо «чистой» игрой художественных форм. Но даже в самых отвлеченных от конкретной натуры образах всегда можно угадать определенные предметно-фигурные мотивы и прототипы — натюрмортные, пейзажные, архитектурные и т. д.
 1.Фовизм,  2. сюрреализм,  3. супрематизм, 4. абстракционизм.

абстракционизм.
  1. В музыке этого австрийского композитора XX в.проявились тенденции позднего романтизма и черты экспрессионизма, обусловленные трагическим осознанием социальных противоречий эпохи. 10 симфоний, симфонии для солистов и оркестра «Песнь о Земле» (1908), вокальные циклы, в том числе для голоса с оркестром («Песни об умерших детях», 1904).
1.Пауль  ХИНДЕМИТ,         2. Густав  МАЛЕР,
3.Джордж  ГЕРШВИН,        4.Бела  БАРТОК

2. Этот австрийский композитор считается представителем музыкального экспрессионизма, является главой  новой венской школы. Основоположник додекафонии. В 1933 эмигрировал в США. Протест против войны и нацизма отразил в кантате «Уцелевший из Варшавы» (1947). Оперы, кантаты, оратории, вокальные и инструментальные произведения; музыкально-теоретические труды.
1.Густав  МАЛЕР,       2. Эйтор ВИЛА-ЛОБОС,    3.Бенджамин  БРИТТЕН,     4.ШЁНБЕРГ (1874-1951)
ШЁНБЕРГ
Густав  МАЛЕР,
Эйтор
ВИЛА-ЛОБОС
Бенджамин
 БРИТТЕН
3. Этот английский композитор, пианист, дирижер возродил английский музыкальный театр. Сочетал национальные музыкальные традиции 16-17 вв. (особенно Г. Перселла) с современными музыкальными средствами. Оперы «Питер Граймс» (1945), «Альберт Херринг» (1947), «Сон в летнюю ночь» (1960), камерные оперы, в т. ч. «Поворот винта» (1954); вокально-симфонические сочинения «Баллада о героях», «Военный реквием» (1961), «Кантата милосердия» (1963) и др.
1.ШЁНБЕРГ,                                 2. Джордж  ГЕРШВИН,
3.Бенджамин  БРИТТЕН,                     4. Бела  БАРТОК.
4. Этот немецкий композитор в  1920-е годы являлся ведущим представителем немецкого неоклассицизма. Оперы «Кардильяк» (1926), «Художник Матис» (1938), «Гармония мира» (1957), балеты, симфонии и камерные произведения, оратории
1.Пауль  ХИНДЕМИТ,         2. Густав  МАЛЕР,
3.Джордж  ГЕРШВИН,        4.Бела  БАРТОК.

Бенджамин
 БРИТТЕН
Бенджамин
 БРИТТЕН
1.Пауль  ХИНДЕМИТ
5. Назовите венгерского композитора, пианиста и музыковеда-фольклориста.
1.Эйтор ВИЛА-ЛОБОС,                        2.Бела  БАРТОК,
3.Джордж  ГЕРШВИН,                 4.ШЁНБЕРГ
6. Назовите американского композитора,который использовал элементы джаза и афро-американского музыкального фольклора. Опера «Порги и Бесс» (1935), «Рапсодия в блюзовых тонах» (1924) для фортепьяно с оркестром, мюзиклы, песни.
1.Густав  МАЛЕР,         2. Эйтор ВИЛА-ЛОБОС,   3.Бенджамин  БРИТТЕН,     4.Джордж  ГЕРШВИН
Бела  БАРТОК
Эйтор
ВИЛА-ЛОБОС
Джордж  ГЕРШВИН
Эйтор
ВИЛА-ЛОБОС
Бенджамин
БРИТТЕН
7. Этот бразильский композитор, фольклорист, дирижер был главой национальной композиторской школы. Инициатор создания Бразильской академии музыки (1945, ее президент). Разработал систему музыкального воспитания детей. Оперы, балеты, 12 симфоний; 14 «Шорос» (1920-29), «Бразильские бахианы» (1944) для инструментальных ансамблей и др.
1.Эйтор ВИЛА-ЛОБОС,              2. Густав  МАЛЕР,
3.Джордж  ГЕРШВИН,        4.Бела  БАРТОК
Эйтор ВИЛА-ЛОБОС
Эйтор
ВИЛА-ЛОБОС


title: Скачать презентацию или конспект Роспись Палеха

extracted_text:
Роспись Палеха
Немного о селе Палех
Подлинной национальной гордостью нашего народа стало искусство замечательных мастеров лаковой миниатюры знаменитого Палех - старинного села неподалеку от Иванова.Среди простора полей издалека открывается глазу тихий Палех и, как белый лебедь, над крышами деревянных домов плывет колокольня Крестовоздвиженского храма, построенного в 1774 году.Сейчас здесь отдел "Старый Палех" Государственного музея Палеховского искусства.
Немного о селе Палех
Творчество палешан охватило многие области изобразительного искусства. Они успешно используют свой стиль и метод живописи в книжной иллюстрации, в оформлении театральных постановок, в монументальных росписях общественных зданий. На их счету - возрождение разграбленного фашистами знаменитого "лакового кабинета" петродворцового Монплезира, реставрация художественных росписей Московского Кремля.
Немного о селе Палех
Но главное, что создало палешан громкую и непреходящую славу - это лаковые миниатюры. Профессия художника лаковой миниатюры стала семейной для многих жителей Палеха.
Немного о селе Палех
Дети и внуки старых мастеров продолжают дело старших. В училище, для которого недавно построен новый учебный комплекс, сейчас приезжают молодые люди со всех концов страны и становятся палешанами.
Васелиса Прекрасная
В Палехе есть своя организация Союза художников России, в палехских художественных производственных мастерских Художественного фонда России работают около 200 мастеров лаковой миниатюры. Среди них - народные заслуженные художники России, лауреаты государственной премии России.
Гулянье
В каждой работе угадывается оригинальный мастер со своей манерой, своим видением, только ему присущей цветовой гаммой. А все вместе их творчество - многоцветье неповторимых красок природы, чарующая поэзия и народная мудрость.
Жар - Птица
Ларцы, шкатулки, пластины ... В поражающем глаза фейерверке красок, сюжетов, композиций оживают герои русских былин, легенд и сказов. А рядом с ними - герои нашей жизни, столь щедрой на подвиги.
Свадьба
Трудом и вдохновением энтузиастов-художников создавалась основанная на древних традициях глубоко национальное искусство лаковой миниатюры. Произведение художников-палешан отмечены золотыми и серебряными медалями, призами и почетными грамотами на многих отечественных и зарубежных выставках.
Емеля
Палех - глубоко национальное явление это особая среда, не только природная и историческая, но и фольклорная, которая впитывается всем существом живущих там художников. Искусство миниатюрной лаковой живописи прошло драматический путь развития. Размер 6 х 6 см.
Снегурочка
Новый подъём, начавшийся в конце 70 - ах годов, не означает, однако, то что развитие палехского искусства дело сугубо современное. Палех - молодой вид творчества и то, что несмотря на это, зачатки его лежат глубоко в истории
Тройка
Искусство палехской лаковой миниатюры еще очень молодо - недавно ему исполнилось 60 лет. Оно возникло из стремления небольшой группы художников, бывших до революции иконописцами, воспеть красоту окружающего их мира, как только они одни могли. Размер 8.5 х 6.5 см.
Сова
Соединив отточенные приемы своего ремесла с самим духом народного творчества, они создали собственный художественный язык, созвучный эпохе. Вот их имена: Иван Голиков, Иван Баканов, Аристарх Дыдыкин, Александр и Владимир Котухины, Иван Маркичев, Иван Вакуров, Александр и Иван Зубковы, Николай Зиновьев, Дмитрий Буторин, Алексей Ватагин.
Царевна
Старые мастера были очень привязаны к родной ивановской земле, напитавшей их творческими соками. После первого триумфального успеха на международных выставках зарубежные меценаты сулили им блестящие условия для творчества в Италии и США. А. М. Горький, страстный поклонник палехского искусства, предлагал поселить палешан в прекраснейших местах Подмосковья - под Звенигородом. Размер 7 х 9.5 см.
Тройка
Но они не променяли неяркую красоту своего края даже на землю, связанную с именем Андрея Рублева. Так как понимали, что такое переселение равносильно отрыву от родового древа, корни которого уходят в глубь веков.
Золотой петушок
Старым палехским мастерам не нужно было изучать фольклор: сказка, песня, былина, пословица входили в их каждодневную жизнь. Вспомним еще раз голиковское: <Гулянка, хоровод, пляска... От настроения слезы катятся>.
Да, фольклорный взгляд на мир - одна из незыблемых основ нашего искусства, дающая возможность не схематично, а возвышенно поэтически решить самую сложную тему. Размер 7.5 х 12 см.
Конек Горбунок
Ясно, что и в эпоху бурной научно-технической революции Палех не имеет права изменить своей художественной природе. Его важнейшая задача - отобрать главное, отразить вечно прекрасное в меняющемся облике Родины. Потому от художника-палешанина требуется ныне не только прочное усвоение секретов ремесла, но, главное, постижение духовной сущности искусства, которому он посвятил свою жизнь. Размер 7.5 х 12 см.
Три брата
Любой из крупных палехских художников неповторимо своеобразен: мастер композиции, обстоятельный рассказчик А. Котухин и динамичный А. Дыдыкин; хранитель чистоты стиля А. Ватагин и Г. Буреев, внесший живописную свободу в традиционно строгий изобразительный язык Палеха; страстный жизнелюб Д. Буторин и мягкий, интеллигентный И. Вакуров; а у П. Баженова повышенная декоративность работ сочетается с живым наблюдением окружающего. Размер 10 х 13 см.
Рождество
Если приглядеться к работам этих замечательных мастеров, будь то изображение хоровода или встречи первого трактора, русской былины или песни, почти всюду увидим стройный силуэт палехского храма с шатровой колокольней, тихую речку Палешку (даже если по сюжету должно быть море), белые стволы берез и узорные сосновые ветви, а условные <горки> дают представление о слегка всхолмленных окрестностях нашего села. Размер 6 х 6 см.
У колодца
Но при всем сходстве творческой судьбы и жизненного опыта, как выразился певец нового Палеха, писатель Ефим Вихрев, <по одинаковым дорогам каждый из них пронес свою особую жизнь, свою линию, свой цвет>. Размер 7 х 6 см.


title: Скачать презентацию или конспект Искусство Древнего Рима

extracted_text:
Искусство
Древнего Рима
«Все дороги ведут в Рим»
«Вечный город»
«Город на семи холмах»
Культура Древнего Рима
Этрусская культура
VIII – V  вв до н.э.

Период рабовладельческой республики V-I вв до н.э.
Период                   Римской империи                                     		    I - V вв

Капитолийская волчица
754 г. до н.э. – легендарная дата основания Рима
Достижения римской цивилизации
- Новые политические понятия – республика, сенат, консульство;
 Создание юриспруденции (римское право);
 Высокая языковая культура (риторика, афористика, регулярная грамматика);
 Высокий уровень строительной техники и технологий (использование бетона, строительство дорог, новые архитектурные конструкции);
 Высокая градостроительная культура (регулярная планировка, создание системы коммуникаций, разнообразие общественных сооружений)
РИМСКАЯ АРХИТЕКТУРА
Грандиозность, пышность, торжественность
Удобство, рациональность, практичность
+
Форум —культурный символ римского города, центральная площадь, где встречаются горожане.
ФОРУМ РОМАНУМ
Форум Траяна
Рынок Траяна
Акведук — система водоснабжения, арочная конструкция
Акведук в Сеговии
Гарский мост
Мост Фабриция
Термы – городские бани, общественные места.
Руины терм Каракаллы
Римские термы
Триумфальная арка — архитектурный памятник, состоящий из больших портиков. Триумфальные арки устраиваются при входе в города, в конце улиц, на мостах, на больших дорогах в честь победителей или в память важных событий.
Арка Тита
Арка Септимия Севера
Триумфальная арка Константина
Колонна Траяна
Колонны Севильи
Храм Геркулеса на бычьем форуме
Храм Фортуны Велирис
Храмовое строительство
Пантеон – храм всех богов, первое купольное здание
Колизей
РИМСКАЯ СКУЛЬПТУРА
Гай Юлий Цезарь 1 в до н э
Голова императора Нерона 1 в
бюст императора Каракаллы
Конная статуя Марка Аврелия
Статуя императора Августа
Живопись
Фре́ска (от итал. fresco — свежий),  — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей. При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.
Фреска из Геркуланума
Моза́ика (от лат.(opus) musivum — (произведение) посвящённое музам) — декоративно-прикладное и монументальное искусство, формирование изображения посредством разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.
Александр Македонский
Пришельца потрясает запустенье;
Те арки, что страшили небеса,
И дерзкий мост, и мрамора леса –
Пожарище, камней нагроможденье

Но этот прах – источник вдохновенья;
Еще звучат  былого голоса,
И зодчий открывая чудеса,
Возносит к небу дивные строенья.

Не мните вы, что все окрест мертво,
Колонны рухнули, не мастерство.
Обманчивому облику не верьте;

Вот он – веками истребленный Рим,
Он воскресает, он неистребим,
Рожденный страстью, он сильнее смерти
Де Бюлле «Римские древности»


title: Скачать презентацию или конспект Рококо и неоклассицизм 18 в.

extracted_text:
   Западно-европейское искусство XVIII века: рококо и  неоклассицизм

Теория и история зарубежного искусства
Для студентов специальности  020600  «Культурология»
кафедра культурологии ИСМД
Гильмулина Елена Анатольевна, доцент, кандидат искусствоведения, заслуженный работник культуры РБ

Требования к знаниям, умениям и навыкам
2

   В результате  студент должен:
знать теоретические основы искусства, основные этапы истории  искусства XVIII века,
уметь различать и идентифицировать жанровую и стилевую принадлежность произведений зарубежного искусства различных видов и форм,
владеть навыками искусствоведческого анализа произведений  искусства.

План лекции
Искусство рококо и  неоклассицизма XVIII века

3

Европейская художественная культура XVII века.
Термин «рококо»в истории искусства и его значение.
Становление нового стиля в искусстве Франции. Живопись Ватто, Буше, Фрагонара, Шардена.
Развитие рококо в Италии.
Формирование стиля неоклассицизма в архитектуре Англии.

Ключевые понятия

4

Рококо
Неоклассицизм
Искусство XVIII века
Кризис и пересмотр художественной системы.
Появление течений, не имевших собственной стилистической формы – ордера.
Рококо – первый безордерный стиль  европейского искусства.
Становление нового стиля во Франции. Париж – общеевропейский художественный центр.

Рококо
Предыдущие стили складывались в архитектуре, а затем распространялись в живописи, скульптуре, прикладном искусстве.
Рококо возник как камерный стиль, стиль аристократических гостиных и будуаров.
Искусство рококо выражало образ жизни французской аристократии, превращенный  в вечный праздник развлечений, утонченных наслаждений, «праздник любви».
Рококо
Термин «рококо» произошел от французского «rocaille», обозначающего орнаментальный мотив изысканной формы, напоминающий морскую раковину.
Рококо
Стиль часто считают поздней стадией барокко. Но как по используемым внешним формам, так и по своему внутреннему настроению этот стиль очень отличается от шумного и грандиозного барокко.
Внешне — это легкость и изящество, граничащие с игривостью, любовью к экзотике, особенно «китайщине», неповторимая, изысканная декоративность.
Его часто «упрекают» в бездумности и легковесности, но за этими внешними впечатлениями скрываются высшая утонченность, блестящий художественный вкус и совершенство формы.

Живопись рококо
Живопись Франции. Ватто, Буше, Фрагонар, Шарден.
Изысканные формы и причудливые линии как способ отражения  мира человеческих чувств и настроений в произведениях рококо.
Существование рококо до 40-х гг., влияние на художественную жизнь Европы до конца столетия.

Антуан Ватто (1684-1721)
Наиболее яркий представитель прославленных художников Франции XVIII в., создатель нового направления французской живописи периода Регентства, мастер «галантных празднеств».
Картина Ватто «Остров Киферы» - любимая аллегория рококо.
Кифера – мифический остров с храмом Венеры, место наслаждения и любви, где царствуют безделье, легкий флирт, вечные праздники и забавы.
Антуан Ватто (1684-1721)
   «Галантные празднества» - это живописные элегии, бессюжетные лирические сценки, полные утонченной изысканности:кавалеры и дамы встречаются и поют, танцуют и музицируют в парках, на дворцовых верандах, в лугах. Мужчины галантны, а женщины прелестны, нежны и наивно распутны.
Антуан Ватто (1684-1721)
«Общество в парке», «Венецианские празднества», «Мирная любовь», «Праздник любви», «Урок любви», «Урок пения», «Урок музыки».
На этих полотнах  призыв к вечному наслаждению и намек на эфемерность земного счастья и скорую пресыщенность к удовольствиям.
Легкое элегическое настроение, тонкий и изящный рисунок, удивительный колорит картин.
Франсуа Буше (1703-1770)
Ведущий живописец рококо, придворный художник Людовика XV.
Работал в разных жанрах изобразительного искусства – расписывал веера, изготовлял рисунки для гемм, посуды, рисовал эскизы маскарадных нарядов, причесок…
Главная тема живописных полотен – пастораль (изображение пастушков и пастушек), мифологические персонажи, развлекающееся общество.
Жан Оноре Фрагонар (1732-1806)
 Замечательный талантливый французский живописец и график, ученик Франсуа Буше.
Его творчество так же можно  отнести к стилю рококо.
В его наследии – бытовые пасторальные сценки, великолепные портреты и пейзажи.
Отдавая дань условности и изощренности рококо, художник достигал особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы.
Для рисунков и офортов характерны эффекты тонкой светотеневой градации.
Жан Оноре Фрагонар
Любимец парижан, «Фраго» - как дружески называли художника, -обладал безудержной фантазией.
Озорной темперамент художника наполняет его произведения жизнерадостным настроем («Девушка с собачкой», 1770 г.; «Счастливые возможности качелей», 1766 г.).
Виртуозный беглый мазок кисти мастера может быть то воздушным, полупрозрачным, то насыщенным, густым – бедное семейство (начало 1760-х гг., «Купальщицы» (ок. 1761 г.).
В период Французской революции творчество художника было официально запрещено – искусство Фрагонара и Буше не отвечало запросам времени.
Рококо в Италии
Помпео Батони - известный итальянский живописец стиля рококо и неоклассицизма. Родился в Лукке, в семье ювелира.
   Творчество Батони в целом знаменует начало нового направления европейского стиля живописи - классицизма конца XVIII столетия.
   В искусстве Батони не могли не сказаться и реалистические тенденции, характерные для итальянской живописи XVIII века.

Основное направление работ Батони - картины на мифологические и аллегорические сюжеты

«Воздержанность  Сципиона Африканского», 1772
Помпео Батони
    В композиционных решениях рассудочный, рациональный характер получает преимущество над эмоционально-непосредственным выражением.
   Неоклассический стиль его работ нередко носит поверхностный характер, классические элементы порой облегчаются легкой игривой линией, невесомостью и изяществом формы, сглаженной, почти миниатюрной манерой письма.

Помпео Батони
   Наиболее цельное и полное выражение реалистические тенденции искусства Батони нашли в портретном жанре, где живопись всегда следует за действительностью.
Но и в этом аспекте позиция художника оставалась двойственной, нередко в одном произведении проявлялись весьма разнородные симпатии мастера.
В «Святом семействе» композиция делится на две стилистически различные части. Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и с Иоанном Крестителем, помещенная слева, изображена в условном неоклассическом духе.
Иосиф, на мгновение оторвавшийся от чтения книги, чтобы взглянуть на играющего Христа, и протягивающая к младенцу руки святая Анна изображены как конкретные персонажи, с простонародными чертами лиц.
Жан-Батист Симеон Шарден (1699-1799)
Французский живописец, представитель реалистического направления французского искусства.
Крупнейший мастер натюрморта.
В созданных им жанровых сценах художник выступает объективным бытописанием жизни простых горожан.

Архитектура и интерьер в искусстве рококо
Архитектура рококо была связана не столько с придворным искусством, сколько с постройкой частных домов французской аристократии: загородных домов и городских особняков, городских ансамблей.
Интерьеры построек рококо оформляются множеством скульптурных и резных украшений, зеркалами и живописью.
Помещения часто имели криволинейные очертания и располагались ассиметрично, скульпторы отказались от классической анфилады.
Замок Сан Суси
Новый дворец
Фасад Нового дворца резиденции Сан-Суси в Поцсдаме, Германия
Изобразительное искусство
Главная забота – декор помещений. Взамен классических колонн, пилястров и капителей настенные панно, плафоны и «десюпорты» - декоративные композиции над дверными и оконными проемами.
Они представляют собой причудливый ассиметричный орнамент, состоящий из цветочных букетов, гирлянд, рогов изобилия, фигурок амуров, раковин, ленточных переплетений.
Библиотека
Замок Сан Суси, Потсдам. Библиотека (Круглая комната).
Золотая галерея
Замок Шаттенбург, Берлин.
 Золотая галерея. Рокайльный декор усилил атмосферу праздничности.
Весенний зал
Весенний зал Палаццо Реале в Казерме служил королю залом для аудиенций.
Изображения амуров и гирлянд выполнены Антонио де Доминиччи, морские пейзажи с видом королевских портов – Иоганном Филиппом Хаккертом.
 Ныне стены зала обтянуты шелком из Сан-Леучио.
Летний зал
Особую элегантность в декор комнаты вносят деревянные панно, украшенные позолоченной рокайльной резьбой, и пол, выложенный расписными плитками.
Столик с агатовой отделкой является реконструкцией, выполненной из старого дерева Джероламо Сегато.

Тронный Зал резиденции Келуш.
Зал приемов отличается желтоватыми пастельными тонами и умеренным рокайльным декором.
Форма потолка с криволинейными очертаниями напоминает динамичные решения итальянского архитектора Ф. Ювары, работавшего в 1719-1720 гг. в Португалии
Ореховая комната

Дворец Шёнбрунн, Вена.
Ореховая комната. Позолоченные детали выполнены в стиле рококо.
Зал Земли

Дворец Эстерхази в Фертё, Венгрия.
Самый большой зал во дворце – Зал Земли
Искусство неоклассицизма
Открытия археологии и идеи Просвещения – основы неоклассицизма.
Неоклассицизм – замена барокко и рококо.
Англия – родина неоклассицизма в архитектуре.
Греческое искусство – подлинный источник классического стиля. Возрождение интереса к формам античной архитектуры.
Уильям Хогарт (1697-1764)
Английский живописец, график и теоретик искусства.
Автор многочисленных сатирических картин и гравюр на меди.
Как художник века Просвещения, в циклах картин и гравюр он стремился содействовать исправлению нравов.
В его искусстве проявилась свойственная английской национальной традиции и народной культуре склонность к занимательному повествованию, гротескному образу, острой насмешке и поучению.

Уильям Хогарт
Как живописец он начал с групповых портретов небольшого формата.
Они были написаны в основном между 1728 и 1732 гг. и получили название «разговорных картин». Это в большинстве своем семейные сцены, в которых присутствуют элементы бытового жанра.
«Разговорные картины» Хогарта подготовили расцвет его портретного искусства 40-50-х гг.
Эти работы послужили основой для сатирических картин, написанных маслом, а затем – благодаря выполненным по ним гравюрам – ставших достоянием широкой публики.

Уильям Хогарт
Три цикла картин. Первый – «Карьера проститутки» (1731 г.) – шесть картин-сцен, повествующих о судьбе провинциальной девушки.
Второй цикл из 8 картин под названием «Карьера мота» (1732-1735 гг.) представляет историю богатого бездельника.
Самая значительная по замыслу и цельная по художественному воплощению третья серия – «Модный брак» (1743-1745 гг.). На шести полотнах воспроизведена история молодой четы – отпрыска обедневшего аристократического семейства и дочери богатого купца.

Вопросы для самопроверки

38

Назовите новые черты в искусстве начала XVIII в.
Почему живопись Ф. Буше считают синонимом рококо.
Расскажите об отражении просветительских идей в архитектуре и живописи Франции и Англии.

Рекомендуемая литература

39

1.	Васильева-Шляпина Г. Л. Изобразительное искусство: история зарубежной, русской и советской живописи : учебное пособие для студ. вузов - М. : Академический Проект : Мир, 2007. - 528 с.
2.  Гнедич П. П.История искусств. Живопись. Скульптура. Архитектура: современная версия - М. : Эксмо, 2007. - 848 с.
3.  Классическое искусство от Древности до XX века: Сборник статей Отдела классического искусства Запада сост. Н. В. Проскурина, Отв. ред. М. И. Свидерская   - М. : КомКнига, 2007. - 424 с.
4.  Шоню Пьер Цивилизация классической Европы ; пер. с фр. и послесл. В. Бабинцева. - Екатеринбург : У-Фактория, 2005. - 608 с.
5.  Юренева Т. Ю. Художественные музеи Западной Европы. История и коллекции: Учебное пособие для студ. вузов - М. : Академический Проект, 2007. - 414 с.

40
Использование материалов презентации

Использование данной презентации, может осуществляться только при условии соблюдения требований законов  РФ об авторском праве и интеллектуальной собственности, а также с учетом требований настоящего Заявления.

Презентация является собственностью авторов. Разрешается распечатывать копию любой части презентации для личного некоммерческого использования, однако не допускается распечатывать какую-либо часть презентации с любой иной целью или по каким-либо причинам вносить изменения в любую часть презентации. Использование любой части презентации в другом произведении, как в печатной, электронной, так и иной форме, а также использование любой части презентации в другой презентации посредством ссылки или иным образом допускается только после получения письменного согласия авторов.


title: Скачать презентацию или конспект Осень в картинах русских художников - пейзажистов

extracted_text:
Осень в картинах русских художников - пейзажистов
Автор работы:
заместитель директора по УВР
МБОУ СОШ № 2
г. Гагарина  Смоленской области
Наталья Николаевна Покровкова

 Работа выполнена в рамках творческой мастерской
 «Приемы медиадидактики в творчестве учителя»
на сайте http://nachalka26.ucoz.com
И. Бунин
Лес, точно терем расписной,Лиловый, золотой, багряный,Весёлой, пёстрою стенойСтоит над светлою поляной.Берёзы желтою резьбойБлестят в лазури голубой,Как вышки, ёлочки темнеют,А между клёнами синеютТо там, то здесь в листве сквознойПросветы в небо, что оконца.Лес пахнет дубом и сосной,За лето высох он от солнца,И Осень тихою вдовойВступает в пёстрый терем свой...

А.С.Пушкин
Унылая пора! очей очарованье!Приятна мне твоя прощальная краса —Люблю я пышное природы увяданье,В багрец и в золото одетые леса,В их сенях ветра шум и свежее дыханье,И мглой волнистою покрыты небеса,И редкий солнца луч, и первые морозы,И отдалённые седой зимы угрозы.

Левитан И.И. Золотая осень

Поленов В.Д. Золотая осень

Остроухов И.С. Осенний пейзаж

Клевер Ю.Ю. Осенний парк

Волков Е.Е. Осенний пейзаж

Остроухов И.С. В Абрамцевском парке

Левитан И.И. Золотая осень. Слободка

Саврасов А.К. Осень

Используемые источники:
Фон
Рамка
Иван Бунин. Листопад
А.С.Пушкин. Унылая пора!
Левитан И.И. Золотая осень
Поленов В.Д. Золотая осень
Остроухов И.С. Осенний пейзаж
Клевер Ю.Ю. Осенний парк
Волков Е.Е. Осенний пейзаж
Остроухов И.С. В Абрамцевском парке
Левитан И.И. Золотая осень. Слободка
Саврасов А.К. Осень
 Палитра
Кисточка


title: Скачать презентацию или конспект Природа в живописи

extracted_text:
Как современные художники передают состояние природы
Прохорова Н. С.
301г.
Давайте посмотрим на эти два пейзажа, написанные Павлом Гречишкиным. На первой работе он передаёт суровость зимы. От неё так и веет холодом. Если бы мы оказались в таком месте, думаю скорее всего нам бы захотелось зайти в
 какое-нибудь тёплое помещение, погреться у камина. На второй же картине ощущается тепло вечернего солнышка, так и хочется оказаться там, на мягкой зелёной травке. На этой картине показана вся красота, мягкость нашего родного края.
На этой картине художник показывает яркость, насыщенность индийского города Дели. Посмотрите, как играет солнышко на стенах и куполах. Сколько цветов использует П. Гречишкин в тех местах, куда падает свет: розовый, голубой, жёлтый, зелёный и др.

Теперь сравните эти два произведения художника А. Зака. Первая картина называется «Крымский пейзаж», а вторая «Московские крыши». Наверное глядя на море, у
вас возникают ассоциации с летом, отдыхом на юге, причём не в знойную жару, а в мягкую, умеренную погоду. А заснеженные крыши напоминают вид из окна своего дома в зимний серый день. Расскажите о ваших ощущениях.

А какие ощущения у вас возникают, когда вы смотрите на эту картину Абакумова «Северный ветер»? Чувствуете ли вы холодок от этого промозглого осеннего ветра, срывающего листву с деревьев? Обратите внимание на контраст между тёплыми оранжевыми листьями на деревьях и холодным серо-синим тучным небом. Благодаря ему мы ощущаем уходящую золотую осень и надвигающуюся суровую зиму.
Теперь мы посмотрим на картины «Дорога у моря» и «Южный берег Крыма зимой». И на той и на другой изображено южное побережье. Но какие разные ощущения у нас возникают от этих произведений. На первой мы видим жаркий солнечный день. Посмотрите, сколько цветов художник использовал в этой работе, какое разнообразие красок здесь присутствует, какая она радостная, тёплая. И какой холод мы ощущаем на второй картине. Она тоже красочна, но при этом в ней чувствуется серость зимнего дня.
Сравните  картины «Лодки – лето» Виктора Милова и «Венеция» А. Закальского.
Что в них общего и чем они отличаются друг от друга? Какие ощущения у вас возникают, когда вы смотрите на них?
Глядя на работы Павла Гречишкина «В Каире» и «Вдали от берегов», расскажите о том, как и для чего художник использует тёплые и холодные цвета?
Сравните эти картины.
Опишите эти две работы. Расскажите о состоянии природы, которое передаёт художник в каждой из картин.
Как вы думаете, что за местность и в какое время года здесь изображена?

Расскажите о ваших ощущениях, глядя на эту картину П. Гречишкина «Лесное озеро. Остров Валаам». Какими средствами художественной выразительности пользуется художник для передачи состояния природы?
Вопросы и задания:
А как бы Вы изобразили свой родной край? Какое время года Вы бы показали? Какими пользовались бы цветами?
Нарисуйте картину на тему «Мой родной край».
Чем отличается современный пейзаж от пейзажей других эпох?
Коллективное задание: Разделиться на группы по 2-3 человека, каждой взять одну эпоху,  найти к ней пейзажи и сравнить их с современными.


title: Скачать презентацию или конспект Сказочно- былинный жанр

extracted_text:
Что за прелесть ,
 эти сказки!
А. С. Пушкин
В. М. Васнецов. Птица Сирин.
Сказочно-
 былинный ( мифологический)
 жанр
Что узнаем

Что такое сказочно-былинный (мифологический) жанр.
Познакомимся с картинами известных художников, которые работали в сказочно-былинном (мифологическом) жанре.

В. М. Васнецов.
Царевна – Несмеяна.

Сказочно- былинный ( мифологический) жанр
Сказочно- былинный ( мифологический) жанр – это жанр изобразительного искусства, включающий в себя картины, написанные на сюжеты мифов, легенд, преданий, былин и сказок.
Жанр зародился в средневековом искусстве, когда древнегреческие мифы перестали быть верованиями, а стали литературными рассказами.
М. Врубель Пан.
Виктор Михайлович Васнецов (1848 – 1926)
В развитии русской культуры очень значима роль В. М. Васнецова. Его называют «певцом русской сказки». Он написал много картин на сказочные и былинные сюжеты.
      Они производят на зрителя огромное впечатление.
Давайте их рассмотрим.
В. М. Васнецов. Автопортрет.
В. М. Васнецов. Богатыри.
Какое чувство вызывает у вас картина?
Витязь на распутье
О чём задумался витязь?
Алёнушка
Почему грустит Алёнушка?
Одно из лучших произведений художника, создающее сказочный образ сестрицы Алёнушки. Тёмный лес на втором плане, тёмная холодная вода подчёркивают печаль девушки, её беззащитность
Иван царевич на сером волке.
Сквозь мрачный зловещий лес мчит Серый Волк Ивана – царевича с Василисой Прекрасной. Не просто иллюстрация к знакомой с детства сказке, но и сказ о дружбе и товариществе, любви и верности. Так же картина полна оптимизма, ведь даже в таком мрачном лесу есть нежная цветущая яблонька.
Баба-Яга

Кощей Бессмертный

Ковёр - самолёт

Царевна - лягушка

Снегурочка

Михаил Врубель (1856-1910)
Врубель  во всём опережал своё время. Он открыл новые возможности цвета, научился передавать объём с использованием многочисленных ломающихся граней.
Это позволило ему так гениально написать своих сказочных героев.
М. Врубель. Автопортрет.
М. А. Врубель. Демон.
Какой демон у Врубеля?
         Жестокий, мягкий, свободный, задумчивый, лиричный, злобный, сильный, погружённый, печальный, бунтующий.
Царевна – лебедь
Какой момент из сказки запечатлел художник?
Гармоническое соединение фантастического и реального видим и в картине "Царевна-Лебедь».
Композиция построена таким образом, что создается впечатление, будто мы заглянули в сказочный мир, где внезапно появляется и вот-вот исчезнет волшебная девушка-птица, плывущая к далекому таинственному берегу. Последние лучи солнца играют на нежном оперении, переливаясь радужными красками. Девушка оборачивается, тонкое, нежное лицо печально, загадочной грустью светятся глаза; в них щемящая тоска одиночества.
«Пан»
 В картине "Пан» греческий бог превращается в русского лешего. Старый, морщинистый, с бездонными голубыми глазами, узловатыми, словно сучья, пальцами, он как будто возникает из замшелого пня. Фантастическую колдовскую окраску приобретает характерный русский пейзаж — безбрежные влажные луга, извилистая речушка, тонкие березки, застывшие в тишине опускающихся на землю сумерек, озаренные багрянцем рогатого месяца...

Иван Яковлевич Билибин( 1876 –1942)
Иван Яковлевич Билибин – известный русский график-иллюстратор и театральный художник.
«Билибинский стиль», характерный для его книжных иллюстраций, основан на символах русского народного творчества.
Иллюстрации И. Я.  Билибина к сказкам и былинам воссоздают фантастический и сказочный мир.

Иллюстрация к сказке «Сестрица Алёнушка и братец Иванушка»
Обратите внимание на орнамент по краю рисунка, взятый из народных орнаментов

Иллюстрация к «Сказке о золотом петушке»

Иллюстрация к сказке
К какой сказке сделана иллюстрация?
Почему художник выбрал для данного рисунка такую рамку?
Васильев Константин Алексеевич
Константин Алексеевич Васильев (1942-1976) - русский художник, творческое наследие которого насчитывает более 400 произведений живописи и графики: портреты, пейзажи, сюрреалистические композиции, картины былинного, мифологического и батального жанров.
Необыкновенное дарование, богатый духовный мир и полученное образование позволили Константину Васильеву оставить свой, ни с чем несравнимый, след в русской живописи. Его полотна легко узнаваемы

Садко и морской царь
Согласно  новгородским былинам, гусляр Садко, игра которого полюбилась Морскому  царю, бьется об заклад   с
      новгородскими   купцами   о том, что выловит рыбу «золотые перья» в Ильмень-озере, с помощью Морского царя выигрывает заклад и становится «богатым  гостем».   Садко
      снаряжает торговые корабли, но те останавливаются в море: гусляр должен спуститься по жребию на морское дно. Оказавшись в палатах   Морского   царя,   Садко   играет для него, тот пускается в пляс, отчего волнуется море, гибнут мореплаватели.

Русалка
Битва Пересвета с Челубеем
Битва со змеем
Итог
Что такое сказочно-былинный (мифологический) жанр?
Каких русских художников- сказочников вы запомнили?
Какие картины вам больше всего понравились?
Почему художники так любят рисовать на тему былин  сказок?
В. М. Васнецов.
Птицы печали
и радости
Задание
Выберите сказку легенду или былину
Создайте рисунок простым карандашом (1урок), выполните работу в цвете (2 урок).


title: Скачать презентацию или конспект Нимейер  Оскар

extracted_text:
Нимейер, Оскар
Выполнял: Соловьев Н.А
Преподаватель:
Козлова Наталья Евгеньевна

О́скар Рибе́йру ди Алме́йда ди Ниме́йер Суа́рис Фи́лью виднейший латиноамериканский архитектор XX века, один из основателей современной школы бразильской архитектуры, пионер и экспериментатор в областижелезобетонной архитектуры. Убежденный коммунист, член Бразильской коммунистической партии. Член ПрезидиумаВсемирного Совета Мира, лауреат Международной Ленинской премии «3а укрепление мира между народами» (1963).

Биография
Оскар Нимейер родился 15 декабря 1907 года в Рио-де-Жанейро в обеспеченной семье португальско-немецкогопроисхождения. Воспитывался в доме родителей матери. Учился в привилегированном колледже, где впервые проявил интерес к архитектуре. С 1932 года работал под руководством Лусио Косты и Карлоса Леао. В 1934 году окончил Национальную архитектурную школу в Рио-де-Жанейро. Первой осуществлённой постройкой Нимейера стали детские ясли в Рио-де-Жанейро (1937).
Детские ясли в Рио-де-Жанейро (1937).
Жилой дом «Копан» в Сан-Паулу (1951—1965)
Дворец правительства в Бразилиа (1960)
Дворец Национального конгресса в Бразилиа (1960)
Кафедральный собор г. Бразилиа (1960—1970)
Музей современного искусства в Нитерое (1996)
Аудитория «Ибирапуэра» в парке Ибирапуэра, Сан-Пауло (2002)

Почётный член АХ СССР (1983 год) и зарубежный почётный член Российской академии художеств.
Издатели советских и российских энциклопедических словарей не раз «хоронили» Оскара Нимейера. Так, в «Первом биографическом Большом энциклопедическом словаре» (Москва-Санкт-Петербург, НОРИНТ, 2007) датой смерти архитектора указан 1989 год. Оскар Нимейер скончался в Рио-де-Жанейро 5 декабря 2012 года, не дожив всего лишь 10 дней до своего 105-летнего юбилея.


title: Скачать презентацию или конспект Древнегреческий театр

extracted_text:
В ТЕАТРЕ ДИОНИСА.
Проблема-задание
??? Чем древнегреческий театр
    отличается от современного?
Происхождение театра.
В каждом греческом полисе ежегодно в честь богов устраивались праздники с шествиями и песнопениями.
Одним из самых любимых греками праздников был праздник в честь бога Диониса, покровителя виноделов.
Во время торжественного шествия земледельцы хором пели песни, восхвалявшие Диониса или Вакха, как его иногда называли греки.
Участники хора одевались в козлиные шкуры, с хвостами и рогами, чтобы походить на веселых спутников Диониса сатиров.                              Это и были первые театральные представления.

Происхождение театра.
Архитектура театра
 Сначала представления проходили на городской площади.                        Позже греки построили специальное здание для зрелищ – театр, рядом со святилищем Диониса.                                                    В центре театра располагалась площадка, на которой шло представление.                   Места для зрителей устраивались полукругом на склоне холма.
Архитектура театра

В первом ряду стояли роскошные мраморные кресла.
Предположите,
кто сидел на этих роскошных креслах в первом ряду ?
Древние театры строились под открытым небом и достигали огромных размеров: театр Диониса в Афинах вмещал 17 тыс. человек, а театр в Мегалополе – 44 тыс. человек.

План древнегреческого театра.
Орхестра – круглая или полукруглая площадка, на которой  выступали актёры и хор.
Скене – пристройка, примыкавшая к орхестре.
К её стене прикрепляли  полотнища, изображавшие то вход во дворец, то берег  моря. Внутри скене хранились костюмы и маски актёров.
-скене – палатка для переодевания актеров, на стене которой вешали декорации

-орхестра - круглая площадка, на которой выступали хор и актеры
Тэатрон - места для зрителей

Актеры.
   В представлении участвовали три актера.                                       Действующих же лиц было больше, поэтому каждый актер исполнял несколько ролей.                                     Актерами были только свободнорожденные мужчины, игравшие и роли женщин.                                                   Актеры должны были владеть искусством слова, петь, танцевать.

Актеры.
Актеры играли в масках, закрывавших лицо и всю голову.
Костюмы их состояли из хитона (рубашки до пят с длинными рукавами) и плаща – короткого (хламиды) или длинного (гиматия).
На ногах была специальная обувь на высокой (до 27 см) подошве – котурны.
Маска, костюм и котурны увеличивали рост актера, делали его фигуру величественной.

Актеры.
Лица актеров закрывали раскрашенные маски с большим открытым ртом, который усиливал голос. Маски были разные: людей веселых и грустных, старых и молодых. Меняя маски, один артист мог исполнять несколько ролей.
Хор.
Хор в греческом театре играл очень важную роль.                                  Трагический хор состоял из  12-15 человек, а комический- из 24.
Участники хора назывались хоревтами, предводитель хора – корифеем. При выходе на орхестру во главе хора шел флейтист.                                                                                Обычно актеры хора поясняли то, что происходило в орхестре или изображали народ.
Зрители.
Греки очень любили театр. Театральные представления устраивались три раза в год, во время праздников, посвященных богу Дионису. В дни представлений люди спешили с раннего утра занять места. Представление продолжалось почти весь день, поэтому с собой брали подушки, чтобы было удобнее сидеть, и еду. Наряду с мужчинами в театре бывали женщины, дети, слуги и даже рабы.

Зрители.
Зрители очень внимательно следили за тем, что происходило в орхестре. Они шумели, кричали, выражая свое одобрение или негодование.
Зрители.
 Чтобы устранить беспорядки и для покрытия расходов по содержанию театральных зданий, городские власти ввели выдачу входных билетов – медных кружочков, похожих на монеты и называвшихся символами.
Каждый сектор был помечен одной буквой, начиная с А (альфа).
Количество людей, получивших символы на один раз, не должно было превышать числа мест на скамьях. При входе символы отбирались.
Древнегреческая трагедия.
Пьесы, которые разыгрывались в театре, были двух видов - трагедии и комедии.
Трагедии писали, как правило, на сюжеты мифов. В них обсуждались важные вопросы: о законах и о власти, о поведении людей.  Герой трагедии часто погибал, но не сдавался. И это внушало зрителю веру в способность человека бороться и побеждать.
Эсхил.
Великим древнегреческим драматургом, основоположником жанра трагедии был Эсхил (525-456).
Его перу принадлежали более семидесяти пьес, из которых до нас дошли только семь. Среди них самой известной является пьеса “Персы”, рассказывающая о событиях греко-персидской войны.
Софокл и Еврипид.
Выдающимися авторами греческой трагедии были Софокл (ок. 496-406) и Еврипид (ок. 480-406). Сюжетами их пьес были мифы и рассказы о богах и героях.
Древнегреческая комедия.
 Обычные люди и животные становились персонажами комедий. В этих пьесах высмеивали известных государственных деятелей, богачей, критиковали различные стороны жизни.                  Авторы комедий иногда даже смеялись над богами.
Аристофан.
Древняя античная комедия достигла художественного расцвета в творчестве Аристофана (ок. 445-ок.385).
"Птицы" - одно из самых блестящих комедийных произведений Аристофана.
534 г. до н.э.                                           считается официальной датой рождения греческого театра.
С этого времени в Афинах регулярно стали проводиться драматические состязания.
Все великие трагики и комедиографы Древней Греции участвовали в них.
Значение древнегреческого театра
Театр просвещал и воспитывал в гражданах честность,  доброту, любовь к родине.
Зрители, переживая увиденное на сцене, учились жить, бороться, побеждать силы мрака и жертвовать собой ради справедливости.