title: Скачать презентацию или конспект Общественные здания

extracted_text:
Общественные здания

Карфаген  термы Антонина Пия

Градостроительная роль общественных зданий

Музей современной истории России (до сентября 1998 года Музей Революции) является национальным музеем федерального значения. Музей расположен в центре Москвы в здании - памятнике архитектуры позднего классицизма конца XVIII века. С 1831 по 1917 годы в нем размещался Московский Английский клуб. Затем здание было передано Музею.

Принципы организации внутреннего пространства.
Планировочные и объемно-пространственные решения определяются многими факторами:
-функциональным назначением
-вместимостью
-градостроительным значением в системе застройки,
-природно-климатическими
-национальными особенностями.

Основным фактором, определяющим состав и площадь помещений, их взаимосвязь, является функционально-технологический процесс, для которого здание предназначено.
    Все функции общественных зданий можно разделить на
-доминирующие (главные)
- сопутствующие (второстепенные)

Основные функции общественных зданий:
1) создание условий для разнообразных видов общения и общественного обслуживания жителей городов и сел;
2) обеспечение повседневных, периодических и эпизодических потребностей жизнедеятельности населения (досуг и отдых, личное потребление товаров и услуг, духовные потребности).

Функциональное зонирование
разбивка сооружения на зоны из однородных групп помещений, исходя из общности их функции.

Функциональные блоки
– общие по функции группы помещений.

Каждому типу общественного здания присущи свои пространственные схемы взаимосвязи помещений.
Но в общем виде основу композиции плана должны составлять ядро главных помещений и структурные узлы (вестибюльная группа, вертикальные и горизонтальные коммуникации), вокруг которых группируются второстепенные элементы.
 Основная задача функционального  зонирования
– выявление взаимосвязи между помещениями (или группами помещений) при сохранении их четкого разграничения.

Основные схемы группировки помещений.
 Ячейковая
 Коридорная
 Анфиладная
 Зальная
 Атриумная
 Павильонная
 Смешанная (комбинированная)

Высота помещений общественных зданий –
  не менее  3.3м ( 3.6м, 4.2м, ….)


title: Скачать презентацию или конспект Романский и готический стили с средневековой архитектуре

extracted_text:
Средневековье
РОМАНСКИЙ И ГОТИЧЕСКИЙ СТИЛИ
Презентацию  подготовила: учитель ИЗО гимназии №4  города Дзержинского МО
Шагаева Наталья Юрьевна
 9 класс
Цель урока
Дать понятие  романскому и готическому  стилям в средневековой архитектуре.
Познакомить учащихся с особенностями  этих стилей.
Прикоснуться к красоте творений мастеров – средневековья.

Средневековье – это эпоха в западноевропейской истории, охватывающая время с 5 по 15 век.
Средневековые города, подобно замкам, замыкались одним или несколькими рядами оборонительных стен с круглыми или прямоугольными башнями.
Планировка городов была путаной, улицы узкими и кривыми. Примерно в центре города сосредотачивались основные общественные здания.

Романский стиль средневековой архитектуры
Монументальная архитектура Западной Европы возникла еще в искусстве варварских народов.
Варвары - (греч. barbaroi), у древних греков и римлян название всех чужеземцев, говоривших на непонятных им языках и чуждых их культуре (германцев и др.). В переносном смысле - грубые, некультурные, жестокие люди.
Романским этот стиль был назван потому, что возник он на территории бывшей Римской империи

В средневековой архитектуре различают два стиля: романский (VI —XII вв.) и
                готический (XIII —XV вв.).

Романская архитектура тяжела и сурова.
Строители ограничивались простыми и массивными формами из камня, которые впечатляют своей мощью, внутренней силой, сочетающейся с внешним спокойствием.
В каждой стране этот стиль складывался под воздействием и сильным влиянием местных традиций — античных, сирийских, византийских, арабских. Суровость и мощь романских сооружений были порождены заботами об их прочности.

Основными конструктивными элементами романской архитектуры стали арка и свод
  Конструкции сводов

                                             1. цилиндрический
                                                 (коробовый)
                                              2. крестовый
                                              3. сомкнутый
                                              4. зеркальный
                                              5. купольный

Архитектура романского стиля отличалась оборонительным крепостным характером – имела массивные стены, узкие окна, высокие башни.
Главными и наиболее значимыми сооружениями этого стиля были монастырь-крепость, храм-крепость, замок-крепость.
Основным типом культового здания был собор – главное городское и монастырское сооружение.
Романский  храм, вытянутый в плане в виде латинского креста – отражал католическую идею «крестного пути» страдания и искупления грехов

Восточный фасад собора в Шпейре.         XI –XII вв.

Важным элементом романского стиля была колонна. Поверхность её ствола часто украшена орнаментом, а капитель                      растительным и животным мотивами.

Если храм представлялся крепостью Бога, то замок – крепостью рыцаря.
Романские каменные замки с мощными оборонительными стенами были неприступными крепостями
Внутри замка находились жилые постройки и башнеобразное каменное жилище феодала - донжон
Капелендорф (водяной замок)

Описание замка Капелендорф
Центральная часть крепости вместе с донжоном имеет круглую форму и окружена водой. Вода является естественной защитой. Второе кольцо крепости окружено рвом и насыпью с частоколом.
Готический стиль средневековой архитектуры.
Готический (от названия германского племени готов) возникло в эпоху Возрождения
Характеризовался облегченностью, каркасностью конструкций, преобладанием в сооружениях больших поверхностей стекла и сравнительно ограниченными массивами стен.
В архитектуре готического стиля характерными чертами являются :
Вертикальность композиций
Стрельчатая арка
Сложная каркасная система опор и ребристых сводов

Важнейшая часть каркасной системы – ребристый свод
Благодаря каркасу стена перестала быть несущим элементом, это дало возможность для развития ажурного декора.
Поперечный разрез готического собора
Контрфорс – внешняя система опор
Аркбутан – висячие наклонные арки
Пинакль – место опоры аркбутана с маленькой башенкой
Неврюры – каркас свода

Собо́р Пари́жской Богома́тери (Нотр-Дам-де-Пари) —расположен в восточной части острова Сите, на месте первой христианской церкви Парижа — базилики Святого Стефана, построенной, в свою очередь, на месте галло-римского храма Юпитера.
В соборе проявляется двойственность стилистических влияний: с одной стороны, присутствуют отголоски романского стиля Нормандии со свойственным ему мощным и плотным единством, а с другой, — использованы новаторские архитектурные достижения готического стиля, которые придают зданию легкость и создают впечатление простоты вертикальной конструкции

В готическом соборе стенная роспись уступила место витражу.

ПРОВЕРОЧНАЯ РАБОТА (средневековье)
1.	Средневековье – это …
2.	Какими были средневековые города?
3.	Опишите Романский стиль
4.	Кто такие варвары?
5.	Перечислите конструкции сводов Романского стиля
6.	Назовите наиболее значимые сооружения этого стиля
7.	Опишите замок Капелендорф
8.	Опишите Готический стиль
9.	Перечислите элементы готического собора
10.	Назовите самый известный готический собор, где он находится?
11.	Что такое витраж?
12.	Зарисуйте три витражных окна разной формы. Размеры: 50х70 или 50х50


title: Скачать презентацию или конспект Музеи Санкт-Петербурга

extracted_text:
Поздравляем с днём рождения!

Музеи Санкт-Петербурга

Кунсткамера
Эрмитаж
Зоологический Музей
Русский музей
Государственный Русский музей

19 марта 1898 г.- открытие Русского музея
Николай II
Александр III
Русский Музей Императора Александра III

Зал Брюллова
Служители
Русского музея
Зал № 9
Художники - члены Академии Художеств
на открытии музея
Русский музей в  21 веке

Сейчас в Русском музее около 400 тысяч экспонатов русского искусства разных видов и жанров
Портреты
Натюрморты
Пейзажи
Историческая живопись
Иконопись
Скульптура
Пейзажи

И. Айвазовский «Девятый вал»
А.Куинджи
«Лунная ночь на Днепре»
И.Левитан «Озеро»
И.Шишкин «Корабельная роща»
Портреты

Дм. Левицкий
Ал. Венецианов «Жнецы»
Исторический жанр

И.Репин «Запорожцы пишут письмо турецкому султану»
К.Брюллов «Последний день Помпеи»
Ан. Лосенко
«Владимир и Рогнеда»
Отгадайте кроссворд

Собери пазл

До встречи в Русском музее в апреле


title: Скачать презентацию или конспект Стили и виды архитектуры

extracted_text:
Виды архитектуры. Стили и средства выразительности
Архитектура. Виды архитектуры
Архитектура –искусство проектировать и строить здания и сооружения (также их комплексы)
Виды архитектуры:
1) Проектирование зданий и сооружений
основной раздел архитектуры, связанный с проектированием и строительством зданий  и сооружений.
2) Градостроительная деятельность
раздел архитектуры, решающий задачи проектирования и развития городской среды. В том числе комплексно охватывает вопросы развития планировочного решения города, строительства новых объектов, санитарно-экономические и экологические проблемы.
3) Урбанистика
Раздел архитектуры, посвященный городу, городскому развитию
4) Ландшафтная архитектура
раздел архитектуры, посвящённый организации садов, парков и других сред, в которых материалом является ландшафт и естественная растительность.
5) Дизайн интерьера
это профессиональная  деятельность архитекторов  и дизайнеров по созданию функционального , эргономичного и эстетичного пространства внутри помещения архитектурно-художественными средствами.
6) Архитектура малых форм
раздел архитектуры, к которому относятся объекты функционально-декоративного , мемориального характера , объекты, являющиеся частью городского благоустройства , объекты-носители информации.
7) Бумажная архитектура
теоретическая деятельность архитекторов состоящая в проектировании архитектурных форм без цели их последующей материализации.
Стили архитектуры
Первобытная архитектура
Античная архитектура. VIII в. до н. э. — V в. н. э.
Романский стиль . X—XII вв.
Готика. XII—XV вв.
Возрождение. Нач. XV — нач. XVII в.
Барокко. Кон. XVI века — кон. XVIII в.
Рококо. Нач. XVIII — кон. XVIII в.
Классицизм. Сер. XVIII—XIX в.
Эклектика. 1830-е — 1890-е гг.
Модерн. 1890-е — 1910-е гг.
Модернизм. Нач. 1900-х — 1980-е гг.
Конструктивизм. 1920-е — нач. 1930-х гг.
Постмодернизм. С сер. XX в.
Хай-тек С кон. 1970-х гг.
Деконструктивизм. С кон. 1980-х гг.
Динамическая архитектура. С нач. 21 века

Романский стиль
Готика
Особенности архитектуры романского собора:
В основе плана — раннехристианская базилика, то есть продольная организация пространства
Увеличение хора или восточной алтарной части храма
Увеличение высоты храма
Тяжелые своды требовали мощные стены и колонны
Основной мотив интерьера — полуциркульные арки

В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями и многоцветные Витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.
Архитектура Возрождения
Архитектура барокко
Особенное значение в этом
направлении придаётся формам античной симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Архитектура снова становится ордерной.
 Особенность стиля
не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Архитектура барокко отличается пространственным размахом, текучестью криволинейных форм, слиянием объемов в динамическую массу, богатым скульптурным декором, связью с окружающим пространством.
Рококо́
Классицизм
Архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние.
Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственно симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.
Эклектика
Модерн
Эклектике присущи, с одной стороны, все черты европейской архитектуры XV—XVIII веков, а с другой — в ней есть принципиально другие свойства. Эклектика сохраняет архитектурны ордер, но в ней он утратил свою исключительность
Архитектура модерна разнообразна. Стиль этот вобрал в себя элементы всех предшествующих стилей. Здания в стиле модерн могут напоминать и мавританские дворцы, и замки, и заводские корпуса. Однако, в отличие от предшествовавшего модерну эклектизма, его авторы отказались от прямого копирования форм ренессанса и барокко.
Архитектурный модернизм
Конструктиви́зм
Движение в архитектуре двадцатого века, переломное по содержанию, связанное с решительным обновлением форм и конструкций, отказом от стилей прошлого
  Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика.
Хай-тек
Деконструктивизм
Хай-Тек характеризуют прагматизм, сложная простота, скульптурная форма, гипербола, технологичность, структура и конструкция как орнамент, антиисторичность, монументальность.
Для деконструктивистских проектов характерны визуальная усложнённость, неожиданные изломанные формы, подчёркнуто агрессивное вторжение в городскую среду
Авторские суждения о сущности архитектуры
Архитектура — это музыка в пространстве, как бы застывшая музыка. Философ Фридрих Вильгельм Йозеф фон Шеллинг
Архитектура — это упорядочение света. Антонио Гауди
Архитектура заключается в том, чтобы превратить дешёвый камень в камень из чистого золота. Алвар Аалто
Пространство, а не камень — материал архитектуры. Николай Александрович Ладовский
Архитектура — это укрытие с декорацией на нем. Роберт Вентури


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура раннего возрождения

extracted_text:
Архитектура – это искусство расходовать пространство.
Архитектура раннего возрождения
Кватроче́нто, также кваттроченто
 (итал. quattrocento, «четыреста»,
сокращенно от mille quattrocento — «тысяча четыреста»)
 — общепринятое обозначение эпохи итальянского искусства XV века,
соотносимой с периодом Раннего Возрождения.
Бази́лика (базили́ка; греч. βασιλική — «дом базилевса, царский дом»)
 — тип строения прямоугольной формы, которое состоит
 из нечётного числа (1, 3 или 5) различных по высоте нефов.
Неф — вытянутое помещение, часть интерьера
(обычно в зданиях типа базилики), ограниченное
 с одной или с обеих продольных сторон рядом колонн
 или столбов, отделяющих его от соседних нефов.
Центральный неф
Боковые нефы
Филиппо Брунеллески (итал. Filippo Brunelleschi, 1377—1446) — великий итальянский архитектор, скульптор эпохи Возрождения.
Архитрáв (итал. architrave, от греч. ἀρχι, «архи», над-, главный
 и лат. trabs балка) — прямолинейная перекладина, перекрывающая
 промежуток над колоннами, столбами или оконными
 и дверными проёмами.

Архитрав
Капите́ль (от лат. caput — голова) — венчающая часть
 колонны или пилястры. Верхняя часть капители выступает
 за пределы колонны, обеспечивая переход к абаке,
 обычно имеющей квадратную форму.
Архитектурный ордер (лат. ordo — строй, порядок)
 — тип архитектурной композиции, использующий
 определённые элементы и подчиняющийся определённой
 архитектурно-стилевой обработке. Включает в себя систему
пропорций, предписывает состав и форму элементов, а также
их взаиморасположение. Архитектурный ордер является
 воплощением стоечно-балочной системы, тектонически состоящей
 из вертикальных и горизонтальных элементов.
Разновидности
капителей

Тосканский ордер
Дорический ордер
Ионический ордер (2)
Кофинфский ордер
Композитный ордер
Дворец дожей

Пиля́стр (также пиля́стра,
от лат. pila «колонна», «столб»)
— вертикальный выступ стены,
обычно имеющий базу и капитель,
и тем самым условно изображающий
колонну.

Санта-Мария-дель-Фьоре

Палаццо Питти

Павийская Чертоза
Джованни Антонио Амадео
(итал. Giovanni Antonio Amadeo, 1477, Павия  — 1522, Милан)
итальянский скульптор и архитектор
Палаццо Корнер-Спинелли
Пьетро Ломбардо
(1435—1515) — итальянский
 скульптор и архитектор
 ранней эпохи Возрождения.
Родился в Швейцарии
в селении Карона.
Палаццо Вендрамин-Калерджи
Антаблеме́нт (фр. entablement от table — стол, доска)
 — балочное перекрытие пролёта или завершение стены,
 состоящее из архитрава, фриза и карниза.
Фриз (фр. frise) — декоративная композиция в виде
 горизонтальной полосы или ленты, увенчивающей или
обрамляющей ту или иную часть архитектурного сооружения.
Карни́з (от греч. κορωνίς) — выступающий элемент внутренней
 и внешней отделки зданий, помещений, мебели. Карниз отделяет
плоскость крыши от вертикальной плоскости стены, или разделяет
плоскость стены по выделенным горизонтальным линиям.
Антаблемент
Карниз
Фриз
Архитрав

Дворец дожей
Филиппо Календарио
 (первые годы XIV века — 1355)
 — венецианский архитектор
 и скульптор, предполагаемый
 строитель Дворца дожей
 в Венеции.
Творческое задание
Представьте, что вы – архитектор эпохи раннего Возрождения.
Вам поручили построить здание. Используя знания, полученные на уроке,
попробуйте спроектировать внешний вид своего собственного здания.
Как оно будет выглядеть, зависит от вашей фантазии.
Подведем итоги
Для чего предназначались здания, о которых шла речь на уроке?
Какие элементы здания вы запомнили?
Назовите основных архитекторов эпохи раннего Возрождения
Домашнее задание
1. Прочитать конспект урока. Подготовиться к словарному диктанту по теме.
2. Подготовить доклад об одном из строений эпохи раннего Возрождения (3 здания, по одному на ученика, индивидуально).


title: Скачать презентацию или конспект Париж в XIX веке

extracted_text:
Париж в XIX веке.
Строительство Эйфелевой башни.

В начале XIX века, Париж не был таким каким мы знаем его сейчас. Тогда  это были узкие улочки, где не прекращает течь дождевая вода с отбросами, которая больше была похоже на жидкую вонючую грязь. А над городом стояли вечные облака дыма, исходящие из фабрик.

Париж бурно рос. Миграция населения внутри страны коснулась и столицы. Уже к середине XIX века половина жителей столицы были выходцы из деревень и провинциальных городков. Во основном люди приезжали в столицу в надежде получить работу.

Отличались друг от друга жилые кварталы. Обычно богатые и средние слои населения проживали в западных районах, а рабочие - в восточных частях города, так как дул в основном западный ветер и на восток несло дым и копоть с фабрик.

Дефицит воды, света и воздуха, перенаселенность в этих районах приводили к заболеванию холерой и туберкулезом. Опустошительная эпидемия холеры посетила Париж в 1832 г.
Больниц не хватало, среди низших слоев был развит алкоголизм- он помогал забыть нужду…

Поражали масштабы преступности и беспризорности среди детей.

В западных же кварталах условия для жизни были более благоприятны: широкие улицы, зеленые аллеи и сравнительно чистый воздух, даже уличное освещение

Но в середине XIX века Париж начинает преображаться, начинается перестройка города. Целых двадцать лет начиная с 1853г. Париж строительная площадка. Стройки дают новые рабочие места. Работами руководил барон Османн, префект Сены. Именно он придал городу современный вид. Он присоединил к себе 11 соседних общин.

Под его руководством проложили широкие улицы с новыми домами, выстроенными в едином стиле, создали просторные площади, скверы и парки. Все это украшалось прекрасными скульптурами. Строились общественные здания: вокзалы, казармы, мэрии, школы, больницы, театры.

Знаменитым сооружением этой эпохи стало здание Оперы, созданное по проекту талантливого архитектора Шарля Гарнье.

Французские власти решили устроить всемирную выставку в память столетнего юбилея Французской революции (1789 год). Парижская городская администрация попросила известного инженера Гюстава Эйфеля внести соответствующее предложение. Вначале Эйфель был немного озадачен, но затем, порывшись в своих бумагах, внес на рассмотрение чертежи 300-метровой железной башни, которым он до этого почти не уделял внимания. 18 сентября 1884 года Гюстав Эйфель получает совместный со своими сотрудниками патент на проект, а впоследствии выкупает у них же и исключительное право.

Строительные работы в течение двух лет, двух месяцев и пяти дней (с 28 января 1887 года по 31 марта 1889 года) выполняли 300 рабочих[4]. Рекордным срокам возведения способствовали чертежи чрезвычайно высокого качества с указанием точных размеров более 18 038 металлических деталей, для сборки которых использовали 2,5 млн заклёпок[5].

Первоначально Эйфелева башня возвышалась на 300,65 м над уровнем земли. Высота вместе с новой антенной составляет 324 метра (2010 год).
На протяжении своей истории башня неоднократно меняла цвет своей покраски — от желтого до красно-коричневого. Последние десятилетия Эйфелева башня неизменно красится в так называемый «коричневый-эйфелевый» — официально запатентованный цвет, близкий к естественному оттенку бронзы.
Вес металлической конструкции — 7 300 тонн
Спасибо за внимание.


title: Скачать презентацию или конспект Храмы Русской православной церкви

extracted_text:
Православные храмы
России
Творческая работа

Работу выполнил
обучающийся 4 класса
Ангерсбах Артур
Храм — культовое сооружение, предназначенное для совершения богосужений и религиозных обрядов. Крещение Руси произошло в 988году по решению князя Владимира, после чего Русь приняла православие. Среди верующего населения России сейчас преобладают православные. После крещения в России строились православные храмы, а позже — ещё и иноверческие. В традициях русского храмового зодчества всегда было соответствие традициям светской архитектуры, в настоящее время самым распространённым является псевдорусский стиль.
На Руси, с принятием христианства, православные храмы изначально имели своеобразную белокаменную архитектуру и оформление, несмотря на то, что каменные храмы строились под руководством греческих, итальянских и немецких  (строящийся без участия иностранцев купол первого Успенского собора в московском Кремле трижды обрушивался, так как, секрет точного расчёта прочности сводов был неизвестен доморощенным умельцам). Поэтому в России гораздо чаще строили небольшие деревянные терема-церквушки, которые часто страдали от пожаров(при неосторожном обращении с кадилом, свечами лампадами). Архитектура русских каменных храмов, колоколен и звонниц бывает нескольких стилей: древнее зодчество, русское барроко, классицим, ампири др.
Храм
Василия Блаженного в Москве
Храм Василия Блаженного в Москве, или Собор Покрова Божией Матери на Рву
Храм был построен на Красной площади в конце 16 века при Иване Грозном в честь взятия Казани. Он считается одним из главных символов не только Москвы, но и России. На его месте раньше действительно был оборонительный ров вокруг Кремля. Храм  состоит из 9 церквей на одном фундаменте. Центральный – Покровский. Именно в праздник Покрова была одержана решающая победа и взята Казань. Позже в храм перенесли мощи похороненного неподалёку московского Христа ради юродивого Василия, обладавшего даром ясновидения, и храм стал называться в народе по имени этого почитаемого москвичами святого. Все его купола и барабаны – разные по цвету и форме отделки. У храма есть интересная особенность. С какой стороны к нему ни подойдёшь, кажется, что эта сторона и есть главная. Уходя из Москвы в 1812 году, французы заминировали собор, но взорвать не смогли. Второй раз планировали убрать его, чтобы не мешал, большевики в 1936 году, но храм сохранился и по прежнему радует нас.
Храм Христа Спасителя в Москве
Храм Христа Спасителя в Москве, или Собор Рождества Христова
Храм создан в благодарность за заступничество Христа как памятник в честь героев Отечественной войны 1812 года на народные деньги. В 1931 году разрушен большевиками. На его месте коммунисты планировали построить свой дворец советов, но смогли сделать лишь открытый бассейн «Москва». Восстановлен в конце 90-х годов 20 века. Вмещает 10000 человек. Считается главным храмом России. В наше время он состоит из верхнего и нижнего храмов и ряда залов  - Зала Церковных соборов, Зала для совещаний Священного Синода и др.
Успенский собор Московского Кремля
Здесь венчали на царство русских царей, здесь избирали главу церкви и здесь же хоронили митрополитов и патриархов. Большой каменный собор в Кремле начали строить в 15 веке при Иване III, но первая попытка была неудачна, храм обрушился. Князь пригласил мастера из Италии – Аристотеля Фиорованти, который изучил русскую архитектуру и построил храм, ставший главным собором страны. Он расписан великим русским иконописцем 15 века Дионисием с учениками. До наших дней роспись сохранилась частично. В Успенском соборе хранилась одна из главных святынь Руси – Владимирская икона Божией Матери.
Благовещенский собор Московского Кремля
Благовещенский собор Московского Кремля
Был домовой церковью московских правителей. Здесь они крестились, исповедовались и причащались. Белоснежный храм с 9-ю куполами был расписан Феофаном Греком, Андреем Рублёвыми Прохором с Городца. Здесь сохранились наиболее ранние из дошедших до нас работ великого Андрея Рублёва.
     В росписях храма мы видим московских князей, царей и византийских императоров, а на стенах паперти интересное изображение 12 языческих мудрецов – провозвестников Христа. Здесь хранилась Донская икона Пресвятой Богородицы, перед которой молились русские воины перед Куликовской битвой. Позже она была перенесена в Донской монастырь.

Архангельский собор Московского Кремля
Архангельский собор Московского Кремля
Покровителем русских князей был предводитель небесного воинства Архангел Михаил. Первый храм в честь него был построен в Москве Иваном Калитой в 14 веке. Он стал усыпальницей московских великих князей и царей. Новый Архангельский собор был построен в 16 веке итальянским мастером Алевизом Новым.
Храм Рождества Христова – Дивеево
Храм Рождества Христова был пристроен по повелению Царицы Небесной ко входу в храм Казанской иконы Божией Матери так, что алтарь Рождественской церкви оказался на месте паперти Казанской.
По заповеди Преподобного, в храме Рождества Христова перед образом Спасителя горела и с 1992 года вновь зажжена неугасимая свеча. В алтаре сохранилась старинная фреска, изображающая Спасителя в окружении ангелов. Повторно храм был освящен в 1993 году.
Храм Рождества Богородицы
Церковь во имя Рождества Богородицы была построена летом 1830 года. Поэтому о. Серафим поручил Елене Васильевне Мантуровой и св. Василию съездить в Нижний Новгород для получения разрешения от архиерея освятить новый храм Рождества Богородицы.
Свято Троицкий собор
Храм Собора Пресвятой Богородицы (Рождественская церковь)
Возведена Строгановым Г.Д. на Нижнем посаде ниже одноименного храма, построенного купцом-промышленником Задориным С.Ф. в 1653г. на террасе Дятловых гор. В 17 в. рядом располагалось несколько каменных палат и зимовых дворов Строганова. После смерти Задорина Строганов сделал Рождественскую церковь домовой, к 1685 г. пристроил к ней в честь своего патронального святого Григорьевский придел. После завершения Смоленской церкви в Гордеевке приступил к строительству нового Рождественского храма.
Церковь Успения на Ильинской горе
Является единственно известным в отечественном каменном зодчестве храмов с верхом в виде крещатой бочки в четыре лица (прием, широко распространенный в деревянном церковном строительстве, но крайне редко для каменного).
Построена на месте ранее существовавшей деревянной на деньги купца Афанаси Олисова.
 Уникальна церковь и своими балахнинскими изразцами XVII века.
Александро-Невский собор (1864-1881)
Проезжая по Канавинскому мосту или прогуливаясь по набережным верхней части Нижнего, невозможно не обратить внимания на ярко-желтый, выделяющийся на фоне заречной части собор Александра Невского.По высоте, равной высоте 26-этажного дома, по своим габаритам собор занимает третье место в России после храма Христа Спасителя в Москве и Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге.
Выжили, вы,
                 бессловесные зрители.
Бури прошли, расточились в рази
Сколько всего
                           за века перевидели
Белые церкви – осколки Руси.


title: Скачать презентацию или конспект Античный стиль

extracted_text:
РЕФЕРАТ
              На тему : «Античный стиль»
                      ученицы 9 – Г  класса
            Одесского учебно-воспитательного
                          комплекса № 49
                       Подгорной Юлианы
АНТИЧНЫЙ СТИЛЬ
Под античностью понимают архитектуру древней Греции и Рима. Древнегреческая архитектура, возникшая, на островах Эгейского моря была настолько гармоничной и целостной, что впоследствии воспринималась более поздними стилями (Ренессанс, Классицизм, Неоклассицизм) как первоисточник, как некий эталон для подражания. Древние Римляне, будучи хорошими учениками греков, не только полностью восприняли их наследие, но и развили его, дополнив ордерную систему тосканским и композитным ордерами.
Настоящее же достижение римлян в том, что совместив греческий ордер, италийскую арку и цилиндрический свод (у греков не было ни того, ни другого) они "изобрели" арочно-ордерную ячейку (прим. - триумф. Арка). Римляне также экспериментировали с такой потрясающе красивой формой, как купол. Для создания интерьера квартиры в античном стиле необходимо сделать перепланировку квартиры таким образом, чтобы главное помещение получилось в виде прямоугольного зала, по периметру которого расположены остальные комнаты.
По краям холла поставить гладкие колонны с капителями в виде лотоса. На них опереть балки прямоугольной формы. Весь интерьер должен отличаться простотой и изысканностью, отсутствием лишних деталей.
Потолок следует сделать подвесной из гипсокартона, желательно простой формы. По периметру потолка пустить рельефный карниз с растительным орнаментом или сложный многофигурный барельеф. Для имитации античного пространства можно использовать элементы или имитацию частей зданий.
В прихожей уместен каменный пол, или пол из керамического гранита, имитирующего старинную кладку и мозаику из гальки, композиции в виде мозаичного коврика, в остальных комнатах - паркетом из натурального дерева. Необходимую атмосферу создадут ковры ручной работы и шкуры животных. В гостиной можно установить настоящий дровяной камин или удачно имитирующий его электрокамин.
АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО
АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО - (от лат antiquus - древний) - исторический тип искусства. Термин "античный" был впервые применен в среде писателей-гуманистов эпохи Итальянского Возрождения для обозначения самой древней из известных в то время культур, главным образом древнеримской. Памятников искусства Древней Греции тогда почти не знали, поскольку восточное Средиземноморье с конца XV в. находилось под властью турок. Страны Восточной Европы, Закавказья, Ближнего Востока и России испытывали влияние античной культуры через посредство Византии
В середине XVIII века в связи с движением Неоклассицизма во французский язык прочно вошло слово "античный" (франц. antique), обозначающее особый исторический тип искусства. В то время понятие античного искусства было тождественно понятию искусства интернациональной классики. Позднее в нем стали выделять раннее (архаическое), классическое и позднее (эллинистическое) искусство. После того, как в XIX-XX вв. были лучше изучены более древние культуры Египта, Месопотамии, термин "античный" приобрел новое значение.
Для европейцев достижения эллинов (слово "Греция" появилось только в римскую эпоху) - древность особого рода. Это колыбель европейской культуры. Греческий, а затем и латинский языки, поэзия, музыка, мифология, философия, геометрия, архитектура, скульптура стали основой будущей общеевропейской и мировой культуры, ее историей и географией. В том далеком времени не найти таких завоеваний человеческого духа, которые не имели бы в последующие века успешного продолжения.
Поэтому высшие достижения античной культуры мы называем классическими (от лат. classicus - первоклассный, образцовый).
В историческом развитии античного искусства можно условно выделить следующие этапы:

1. Протоантичное искусство (от греч. ргоtos - первый), или минойское искусство, оригинальный живописный стиль которого складывался постепенно в три периода:
раннеминойский (3000-2200 гг. до н. э.);
среднеминойский (2200-1600 гг. до н. э.);
позднеминойский (1600-1100 гг. до н. э.).

2. Формационный этап геометрического стиля:
протогеометрический стиль XI в. до н. э.;
геометрический стиль X-VIII вв. до н. э.;
период протокоринфского, протоаттического и ориентализирующего стилей (ок.750-680 гг. до н. э.);
дедалический стиль (ок. 680-610 гг. до н. э.).

3. Этап архаики (ок. 610-480 гг. до н. э.). 4. Эпоха классики:
период "строгого стиля" (ок. 480-450 гг. до н. э.);
период классики Века Перикла (ок. 450-400 гг. до н. э.);
период поздней классики (ок. 400-325 гг. до н. э.).

5. Эпоха эллинизма:
ранний эллинизм (ок. 325-230 гг. до н. э.); средний эллинизм родосской;
пергамской, александрийской школ (ок. 230-170 гг. до н. э.);
поздний эллинизм (античный классицизм, неоаттическая школа, ок. 170-30 гг. до н.э.).

6. Искусство Древнего Рима:
период республики (конец VI в.- 27 г. до н. э.);
период августовского классицизма (27 г. до н. э.- 14 г. н. э.); период правления Юлиев-Клавдиев и Флавиев (14-96 гг.); период поздней Римской империи (96-476 гг.), период галлиеновского ренессанса (259-268 гг.).

Характер античного искусства складывался стремительно, успехи эллинов были поразительно быстры. Если в Древнем Египте на протяжении нескольких тысячелетий мы наблюдаем в сущности неизменный образ жизни и мышления человека, то в Греции всего около двух столетий разделяют период архаики и искусство совершенной пластической гармонии, которое мы называем классическим. Для объяснения этого факта можно найти несколько причин. Главная из них - многообразие этнических источников эллинской культуры. Античное искусство складывалось из трех основных и очень разных традиций.
Первая - своеобразное искусство жителей островов восточного Средиземноморья, древняя минойская (по имени легендарного царя Миноса), или эгейская культура, строительный опыт жителей о. Крит, созданный ими живописный стиль настенных росписей и искусства керамики, скульптура Киклад. Эгейское искусство испытывало двойственные влияния: с одной стороны воздействие сложившегося много ранее искусства Египта и Месопотамии (это совсем рядом от Крита), с другой - искусства континентальных "протоэллинов" с центрами в Тиринфе и Микенах на Пелопоннесе.
Вторая этническая традиция - примитивное, но мощное искусство дорийцев, арийских племен, вторгавшихся в ХIII-ХII вв. до н. э. на Пелопоннес с севера (см. дорийский стиль, дорический ордер). Третья составляющая - искусство ионийцев. Как и ахейцы, они были древними жителями материковой Греции, пришедшими, вероятно, с Востока, но под давлением дорийцев переправились на острова и побережье Малой Азии (см. ионийский стиль, ионический ордер).
Уже в период архаики у эллинов сложилось два художественных течения (в строгом смысле слова, еще не достигших целостности художественного стиля): суровое и мужественное дорийское и мягкое, женственное, развивавшееся под влиянием минойской и малоазийской культур, искусство ионян. "Двойственность дорической и ионической культур сохранялась в Греции достаточно долго и отразилась в ее истории, в частности в истории и теории древнегреческого искусства. Поиски твердых правил искусства, неизменных законов красоты находили поддержку в дорической традиции, а склонность греков к живой реальности и чувственной наглядности - в традиции ионической".
Другая причина необыкновенно интенсивного развития античного искусства - уникальные географические условия. Материковая Греция представляет собой ряд отделенных невысокими горными хребтами долин, каждая из которых имеет свои природные условия и неповторимый пейзаж. Это способствовало сохранности отдельных и еще слабых очагов искусства от истребительных войн и опустошающего переселения народов, от каковых страдали древние цивилизации степных районов Азии. С другой стороны, небольшой полуостров с изрезанной береговой линией, множеством удобных бухт, естественных гаваней и близко расположенными островами облегчал морские сообщения населявших его племен.
Отсутствие дерева заставило эллинов использовать в качестве строительного материала камень, и это подарило миру такое чудо как Парфенон. Исследователи обращают внимание на "правильное и гармоническое строение греческой природы", воспитывавшей на протяжении столетий эстетическое чувство ее жителей. Действительно, в греческом пейзаже нет ничего чрезмерного, ни дремучих лесов, ни бескрайних степей, ни страшных пустынь. Человек не ощущал себя затерянным и слабым, все было правильно, размеренно и ясно.
Древний эллин чувствовал себя в Греции "как дома", у него не возникало потребности перебороть природу, утвердиться в ней, отвоевать себе жизненное пространство, возводить огромные стены, башни, пирамиды. Сама природа подсказывала идею соразмерности, гармонии космоса - Вселенной и микрокосма - Человека. Само понятие космоса (греч. kosmos - порядок, строение, благо), который, в отличие от хаоса, прекрасен в силу царящей в нем целостности, упорядоченности частей, было изобретено греками, философами Пифагором, Анаксимандром, Эмпедоклом.
Третий существенный фактор интенсивного развития античного искусства - мощный рационализм эллинского мышления. Все, что сначала вызывает удивление, осваивается затем не мистически, а логически, оно непременно должно быть рационально объяснено. Математическому доказательству у древних эллинов подлежали все, даже самые очевидные, вещи. Если шумеры или египтяне не задумывались над тем, что казалось само собой разумеющимся, то для эллина, к примеру, доказательство равенства геометрических фигур способом наложения их друг на друга было совершенно неубедительным. Требовалось логическое обоснование. А так называемая "Делийская задача" по удвоению объема кубического алтаря или "квадратура круга" должны были быть решены не эмпирическим, а математическим путем.


title: Скачать презентацию или конспект Акира Куросава

extracted_text:
黒澤明

Акира Куросава (яп. 黒澤 明 Куросава Акира, 23 марта 1910, Токио — 6 сентября 1998, Токио) — японский кинорежиссёр, сценарист и продюсер. Считается одним из самых влиятельных кинорежиссёров за всю историю кино. Куросава создал 30 фильмов в течение 57 лет своей творческой деятельности. Акира Куросава по праву считается классиком японского кино, чье творчество оказало огромное влияние не только на национальный, но и на мировой кинематограф. Причем за рубежом он всегда пользовался большей популярностью, чем у себя дома.

Ранние годы
Акира Куросава был самым младшим из восьми детей в семье Исаму и Симы Куросавы. В раннем детстве он обнаружил склонность к занятию искусством. Вершиной его достижений в этой области была написанная им картина «Сэйбуцу», принятая на выставку «Ника-тэн» в 1928 году. Не сумев поступить в колледж, Куросава, когда ему уже было за 20 лет, решил заняться кино, начав работать ассистентом режиссёра Кадзиро Ямамото на престижной японской кинофирме PCL «Photo Chemical Laboratories» (впоследствии известной как «Toho Studios»).

Первые фильмы
Через семь лет работы ассистентом режиссёра Куросава впервые получил возможность участвовать в создании фильма более основательно — для картины «Гений дзюдо» (яп. 姿三四郎 Сугата Сансиро:, 1943) сценарий он написал сам. Фильм рассказывал о развитии дзюдо в стране в конце XIX века. Затем последовали ещё десять фильмов, в том числе «Самые красивые» (яп. 一番美しく Итибан уцукусику, 1944), «Гений дзюдо II» (яп. 續姿三四郎 Дзоку Сугата Сансиро:, 1945) и «Пьяный ангел» (яп. 醉いどれ天使 Ёидорэ тэнси, 1948). Это была первая совместная работа Куросавы с молодым актёром Тосиро Мифунэ. Именно с этого фильма началось многолетнее сотрудничество режиссёра и актёра, таким образом Мифунэ снялся во многих фильмах Акиры Куросавы.

Куросава получил международную известность и признание после выхода в 1950 году на экран фильма «Расёмон» (яп. 羅生門 Расё:мон, в ролях Тосиро Мифунэ и Такаси Симура), поставленного по произведениям Рюноскэ Акутагавы «Ворота Расёмон» и «В чаще», снятого в жанре «дзидайгэки» (фильмы о воинах феодальной Японии — самураях). Оценки критиков во всём мире были более чем доброжелательные. О появлении Куросавы на международном экране было заявлено триумфом этого фильма на кинофестивале в Венеции — получением Гран-При «Золотой Лев» и специальной премии Американской Академии Киноискусства «Оскар» (1951) за лучший иностранный фильм года. Этот фильм, тщательно спланированный и наполненный философским смыслом, переносит зрителя одновременно и в прошлое и в будущее, рассказывает о насилии и убийстве в феодальной Японии с четырёх абсолютно разных точек зрения.

В 1951 году Куросава снимает второй фильм для японской киностудии Shochiku (первым был фильм «Скандал»). Фильмом стала одноимённая японская киноадаптация романа Фёдора Достоевского «Идиот». Оригинальная версия фильма должна была состоять из двух частей и продолжаться 265 минут экранного времени. Фильм полностью снимался в студии (в связи с пожеланием режиссёра). Но после съемок студия посчитала фильм слишком длинным и заставила режиссёра перемонтировать и сократить фильм до 166 минут.
Позже Акира Куросава говорил о фильме:
«Из всех фильмов, которые я снимал, чаще всего мне писали об этом… …Я хотел сделать «Идиота» задолго до «Расёмона». С раннего возраста я полюбил русскую литературу, но я понял, что Достоевский лучший, и я долго думал о том, что можно сделать из этой книги замечательный фильм. Достоевский всё ещё остаётся моим любимым писателем, и он единственный — как я считаю — кто правдиво писал о человеческом существовании»

В 1952 году Куросава выпускает на экраны философскую драму «Жить», создавая которую он вдохновлялся повестью Л. Н. Толстого «Смерть Ивана Ильича». Сюжет повествует о токийском бюрократе, который узнаёт о своей смертельной болезни, и его последней цели в жизни. Фильм был хорошо принят публикой и критикой и до сих пор остаётся одним из лучших драматических фильмов в истории. После конца съемок фильм получил премию «Золотого волка» в 1953 году.
На волне успеха фильма в 2007 году был снят ремейк фильма «Жить» и был показан по телевидению TV Asahi 9 сентября 2007 года. Действие ремейка было перенесено в 2007 год, а сюжетная линия была изменена.

Экранизации
В результате увлечения Куросавы литературой он снял несколько фильмов по романам: Дэшила Хаммета «Красная жатва» («Телохранитель», 1961), Достоевского «Идиот» (1951), пьесе Горького «На дне» (1957), трагедиям Шекспира «Макбет» и «Король Лир», послужившим толчком для создания фильмов о самураях «Трон в крови» (1957) и «Ран» (1985).

Тяжёлые времена
Прославившись на Западе как мастер композиции и развития сюжета, Куросава тем не менее не был столь же высоко почитаем в своей родной стране. Самое тяжёлое время наступило для него в начале 1970-х годов, когда после трудностей с финансированием его проектов и провала фильма «Под стук трамвайных колёс» (яп. どですかでん До-дэсу-ка-дэн, 1970) он попытался покончить с собой. Несмотря на то, что «Под стук трамвайных колес» был первым цветным фильмом Куросавы, в советский прокат он был выпущен черно-белым и сокращен на 40 минут

«Дерсу Узала» (яп. デルス・ウザーラ Дэрусу Удза:ра?) — советско-японский художественный фильм Акиры Куросавы, созданный в 1975 году на студии «Мосфильм» по мотивам произведений В. К. Арсеньева. Первый фильм режиссёра не на японском языке.
Сюжет фильма основан на одноимённом романе учёного и писателя, известного путешественника и исследователя Дальнего Востока Владимира Арсеньева — о его путешествиях по Уссурийскому краю и дружбе с таёжным охотником Дерсу Узала, чьи необыкновенные личные качества восхищали В. Арсеньева. Их путешествие по Уссурийской тайге, полное опасных приключений, составляет сюжетную основу фильма, однако смысл повествования выходит далеко за рамки сюжета.
Фильм удостоился главного приза на московском кинофестивале в 1975 году и премии «Оскар» Академии кинематографических искусств и наук, а также множества других наград разных стран. Согласно результатам различных опросов фильм часто присутствует в списках величайших фильмов снятых за всю историю кино.

Смерть
Куросава умер 6 сентября 1998 года от инсульта в токийском районе Сэтагая, в возрасте 88 лет.
Последней работой Куросавы был сценарий к фильму, снятому его учеником и близким другом Такаси Коидзуми, «После дождя» (яп. 雨あがる Амэ агару?), в этом проекте Акира Куросава выступал и в качестве сопродюсера. Сценарий был основан на одноимённой короткой повести Сюгоро Ямамото.
Акира Куросава получил мировое признание, так же, как и его фильмы. Основная его заслуга состоит в том, что он сблизил в искусстве кино традиции Востока и Запада и оставил после себя уникальное кинематографическое наследие.

Награды

Указом Президента СССР № УП-1605 от 12 марта 1991 года награждён орденом Дружбы народов «за большой личный вклад в развитие культурных связей между Советским Союзом и Японией».
В 1994 году Куросава был удостоен премии Киото.
С 2004 года на Токийском международном кинофестивале учреждена премия его имени, вручаемая кинорежиссёрам за создание картин, «наполненных гуманизмом».


title: Скачать презентацию или конспект Рисуем китайского дракона

extracted_text:
Рисуемкитайского дракона
Презентацию подготовила
Волгина Елена Александровна
учитель начальных классов
МСОШ № 9 с УИПОО «Технология»
Волгина Елена Александровна,
учитель начальных классов
МСОШ № 9 с УИПОО «Технология»
г. Нижневартовска


title: Скачать презентацию или конспект Тест «Картины русских художников»

extracted_text:
1. Кто автор картины «Грачи прилетели»?
1. И. Шишкин2. К. Брюллов3. А. Саврасов4. И. Айвазовский
2. Кто автор картины «Богатыри»?
1. Н. Рерих2. В. Суриков3. В. Васнецов4. В. Тропинин
3. Кто автор картины «Бурлаки на Волге»?
1. И. Репин2. И. Шишкин3. В. Суриков4. В. Васнецов
4. Кто автор картины «Алёнушка»?
1. И. Шишкин2. В. Васнецов3. И. Репин4. И. Левитан
5. Кто автор картины?
1. И. Фирсов2. В. Перов3. А. Дейнека4. И. Айвазовский
6. Кто автор картины «Март»?
1. И. Репин2. П. Федотов3. И. Левитан4. А. Саврасов
7. Кто автор картины?

1. И. Фирсов2. К. Малевич3. А. Дейнека4.В. Суриков
8. Кто автор картины?
1. И. Репин2. И. Шишкин4. К. Брюллов5. П. Федотов
9. Кто автор картины»?

1. И. Левитан2. К. БрюлловВ. СуриковВ. Тропинин
10. Кто автор картины «Прогулка»?
М. ШагалИ. РепинК. БрюлловА. Саврасов
«Не ждали»
«Всадница»
11. Кто автор картины?
А. Саврасов
2. И. Шишкин3. В. Поленов
4. И. Айвазовский


title: Скачать презентацию или конспект Культура Петровской эпохи

extracted_text:
Культура
Петровской эпохи
1714 г - Кунсткамера
Кижи
Петропавловская крепость
Доменико Трезини. Петропавловский собор (С-Пб)
Д. Трезини. Здание 12 коллегий
Большой дворец в Петергофе
Петергоф
Фонтаны Петергофа
Фонтаны Петергофа
И. Н. Никитин. Портрет Петра I.
И. Н. Никитин. Портрет канцлера Головкина
Никитин. Портрет царевны Натальи
Никитин. Портрет напольного гетмана
Андрей Матвеев. Автопортрет с женой
Гравюра. А.Ф.Зубов
Гравюра. Петергоф
Томас. Вид на Академию наук


title: Скачать презентацию или конспект Мурманск - столица Заполярья

extracted_text:
Мурманск-столица Заполярья
Мурманск на карте Кольского полуострова
Символы Мурманской области
Герб: принят 6 июня 2004 года.
Флаг: принят 25 июня 2004 года
Гимн: на середину 2007 года гимн законодательно не принят, существует только несколько проектов гимна Мурманской области.
Герб Мурманской области
Герб Мурманской области представляет собой четырехугольный, с закругленными нижними углами, заостренный в оконечности геральдический щит, в лазоревой главе которого золотое северное сияние. В червленом поле скрещенные золотой якорь и серебряные кирка с мечом.
Герб Мурманской области
Северное сияние символизирует расположение Мурманской области за Полярным кругом. Якорь — символ мореплавания, рыбного промысла. Кирка — символ горно-рудной промышленности. Меч — символ ратного труда и воинской славы. Лазурь — символ красоты и величия. Червлёный цвет — символ мужества и силы. Золото — символ богатства. Серебро — символ чистоты.
Флаг Мурманской области
Флаг Мурманской области представляет собой прямоугольное полотнище, состоящее из двух неравных горизонтальных полос: верхней — синего и нижней — красного цвета. Соотношение ширины полос 4:1 соответственно. Синяя полоса несёт жёлтое изображение северного сияния в виде золотых лучей, расходящихся вверх от тройной дуги, расположенное по центру полосы
Герб Мурманска
Герб города представляет собой прямоугольный геральдический щит с соотношением его основания и высоты как восемь к девяти, с закругленными нижними углами, заостренный в оконечности, и соответствует следующему геральдическому описанию: в лазоревом поле вверху — развевающийся усеченный вымпел, многократно рассеченный золотом и в цвет поля, внизу — транспортное (без парусов) судно; в золотой оконечности лазоревая рыба с золотыми глазами и жабрами
Немного истории
Му́рманск — город в России , основан в 1915 году
(статус города — с 4 октября 1916 )
в 1916 —1917  — Рома́нов-на-Му́рмане)
Памятник жертвам интервенции
Знак установления власти
Мурманск-город рыбаков
Порт
Мурманский порт
Ледокол «50 лет победы»
Железнодорожный вокзал
Памятник городам-побратимам Мурманска
Мурманск- город- герой
Высшая степень отличия — звание «город-герой» присваивается городам Советского Союза, трудящиеся которых проявили массовый героизм и мужество в защите Родины в Великой Отечественной войне 1941—1945 гг.
За оборону от немецких войск в годы Великой Отечественной войны Мурманску 6 мая 1985 года присвоено звание Города-героя.
Мурманск в годы войны
Памятник Алёше
Алёша
Памятник А. Бредову
В центре Мурманска Анатолию Бредову установлен памятник. Мурманская средняя школа № 1 носит его имя. В Мурманске, Мончегорске, Новгороде, Апатитах и Никеле именем героя Советского Сююза названы улицы. Его именем назван большой морозильный рыболовный траулер «Анатолий Бредов».
Подвиг героя
11 октября 1944 года 155-й стрелковый полк вышел на автодорогу Титовка—Петсамо и начал штурм высоты Придорожная. Пулемётный расчёт Бредова выдвинулся вперёд и уничтожил 80 немцев. Вскоре пулемётная точка была обнаружена и окружена немецкими войсками. Начался массированный обстрел по ней. Патроны у расчёта закончились, а в живых остались лишь командир Анатолий Бредов и наводчик Никита Ашурков. Они стали кидать в окружающих расчёт немцев гранаты. Когда осталось две последние гранаты, Ашурков встал во весь рост и со словами: «Русские в плен не сдаются! Получайте, гады!» метнул гранату в гитлеровцев. После чего Бредов и Ашурков обнялись и подорвали последней гранатой себя и пулемёт. Воины 155-го стрелкового полка, воодушевившись подвигом пулемётчиков, заняли высоту Придорожную. Однако, Ашуркову повезло, он не погиб, и на пятый день был подобран бойцами из санитарного батальона.

Анатолий Фёдорович Бредов похоронен на воинском кладбище Мурманска. На могиле героя установлен обелиск.
Памятник Кириллу и Мефодию
30 января 1991 года Президиум Верховного Совета РСФСР принял постановление о ежегодном проведении «Дней славянской культуры и письменности». Столицей праздника каждый год становился какой-нибудь новый населенный пункт России.
1986 год — в Мурманске прошёл первый праздник под названием
Краеведческий музей
Одежда саамов
Одежда и жилище
Драматический театр
Океанариум в Мурманске.
Ночной Мурманск


title: Скачать презентацию или конспект Уют в моем доме

extracted_text:
Творческий проект
Уют в моем доме

Автор проекта; Кондракова
             Оксана Евгеньевна
Участники проекта:
девочки 1 группы
Кондракова Оксана Евгеньевна воспитатель
Салтанова Людмила Борисовна, воспитатель

Сроки реализации:
15.04.12г.-25.08.12г.
Пояснительная записка
Жилье должно быть целесообразным, красивым и удобным, что немыслимо без современного оснащения.
          Уют - очень важная составляющая тебя, дома, мест, где ты учишься. Уют создает настроение, уют - это тепло и гармония, уют - это внешнее выражение внутреннего тебя. Без уюта в доме сыро, пусто и холодно. А ведь должно быть, чтобы дом радовал и согревал душу. Каждый из нас хочет создать уют и красоту дома, особую атмосферу призывающую отдохнуть или наоборот почувствовать себя бодрее.
Проблема :
на поверхности стен масса дефектов: трещины, отслаивание, некачественное окрашивание;
планировка типовая, группы все похожи одна на другую.
отсутствие в группе проживания зоны отдыха, создающую благоприятную, психологическую атмосферу.
Цель проекта:
Создание эстетически привлекательного образа и воплощение его в виде отделочных работ.
Задачи:
организация детей к творческому выполнению работы;
построение системы межличностных и деловых отношений в процессе труда;
исправление дефектов поверхности стены, придание ей эстетической привлекательности

Рисуем эскизы
Неровности стен
Приступили к работе в спальнях
Последний штрих…

Наш коридор до ремонта
Создаём зелёные уголки…
Наш зимний сад. Вот он какой!
Украшаем лестничную клетку
До и после


title: Скачать презентацию или конспект Драматургия и театр эпохи Просвещения

extracted_text:
ДРАМАТУРГИЯ И ТЕАТР
 ЭПОХИ ПРОСВЕЩЕНИЯ
- Главной задачей искусства деятели Просвещения считали перевоспитание людей, их нравов;
проповедь со сцены казалась им эффективной и удобной формой убеждения. ( Вольтер написал 54 драматургических произведения.)

Театр 18 века не создал почти никаких технических новаций (кроме замены свечей керосиновыми лампами), но роль театра в общественной жизни в Европе 18 века оказалась спустя века столь же важной, как в античной Греции.

Из развлекательного придворного или ярмарочного театр превращается в форум буржуазии, становится выразителем национального самосознания.

 театр 18 века превращается из ремесла в искусство. Изменяется социальный статус актёров – они становятся уважаемыми членами общества.

ТЕАТР 18 ВЕКА В ГЕРМАНИИ
К концу века театр стал подлинным катализатором национальных чувств.
Здесь продолжает существовать народный театр бродячих актёров, а также Театр иезуитской драмы, которая ставилась в школах и исполнялась на латыни.
В начале 18 века традиций национального театра в Германии не было, Все постановки подражали французскому театру.
Огромная заслуга в формировании традиций национального театра принадлежит Г. Лессингу.
Готхольд Эфраим Лессинг
 (1729-1781)
Журналист, поэт, критик, философ.
В своих теоретических работах
«Лаокоон», «Гамбургская драматургия» Лессинг отстаивал принципы просветительского реализма. Классицизм считал устаревшим искусством, передающим эстетику аристократов. Теория драмы стала для него полем сражения за разкрепощённую личность.
- использование предпочтительно белого стиха для серьёзной драмы,
 обращение к глобальным историческим темам
 введение множества персонажей,
 использование современных немецких сюжетов,
 освоение немецкого языка литературным театром.

В Германии 18 века существовало два придворных театра, которые сыграли важную роль в развитии драмы и позднее превратили Германию в крупную театральную державу.
ПРИДВОРНЫЙ И НАЦИОНАЛЬНЫЙ ТЕАТР МАНГЕЙМА
ПИСАТЕЛЬ ТРУППЫ - ШИЛЛЕР

ПРИДВОРНЫЙ ТЕАТР В ВЕЙМАРЕ

РУКОВОДИТЕЛЬ - ГЁТЕ
Шиллер Фридрих (1759-1805) - немецкий поэт, философ, просветитель, испытавший на себе огромное влияние идей республиканской Франции. Драматические произведения Ш. - "Разбойники", «Мария Стюарт", "Коварство и любовь"  - были пронизаны духом антимонархизма и роднят его с самыми радикальными французскими просветителями.
Не случайно в 1792 Национальное собрание Франции присвоило Ш. звание почетного гражданина республики.
«Когда справедливость слепнет, подкупленная золотом, и молчит на службе у порока, когда злодеяния сильных мира сего издеваются над её бессилием и страх связывает десницу властей, театр берёт в свои руки меч и весы и привлекает порок к суровому суду.»
Шиллер
Фридрих Шиллер создал пьесу о страстной любви и беспримерном коварстве. Юноша-аристократ и девушка-мещанка любят друг друга, но коварство бездушных честолюбцев разрушает „рай любящих сердец“.
Драматург назвал свое творение „мещанской трагедией“. В слово „мещане“ он вкладывает непривычный для нас смысл. Мещане — это простые люди, в том числе и люди искусства, бесправные перед лицом власть имущих, но искренние и благородные в своих чувствах.
«Коварство и любовь»
пьеса иллюстрирует эстетический тезис Шиллера о том, что в угоду драматургии вполне допустимо изменять и перекраивать исторические события. Шиллер не стал выдвигать на передний план в Марии Стюарт политические и религиозные проблемы и обусловил развязку драмы развитием конфликта между королевами-соперницами. Оставляя в стороне вопрос об исторической достоверности, следует признать, что Мария Стюарт – пьеса чрезвычайно сценичная, и главная роль неизменно была любима всеми великими европейскими актрисами.
«Мария Стюарт»
ТЕАТР 18 ВЕКА В АНГЛИИ
Английский театр 18 века больше волновали доходы, чем философские проблемы. А доходы театра зависели от его соответствия вкусам зрителей, то есть буржуазии и её морали. Театр в Англии становится объектом борьбы за нравственность. В 1737 году парламент утверждает законодательный акт контроля над театральной жизнью, то есть все пьесы проходили цензуру.
Выступая в традициях английского классического стиля, английские актёры вместе с тем искали новые формы, соединяя в представлении народную комедию и политическую сатиру, драму, пантомиму, музыкальные номера.
Знаменитые драматурги Шеридан и Голдсмит разработали новый жанр – социальную комедию.
Триумф новой театральной формы потребовал строительства нового театрального здания. В 1732 г открывается Ковент Гарден.
РИЧАРД ШЕРИДАН (1751-1816)
Английский драматург, объектом насмешек которого оказалось дворянство, цепляющееся за свои привелегии.
Его «Школа злословия», «Дуэнья» обличают лицемерие общества. В его творчестве завершился переход от комедии положений к комедии характеров.
ТЕАТР 18 ВЕКА ВО ФРАНЦИИ
Французский театр, как и английский, исследовал природу общества. Он «рассматривался как нравственное учреждение» (Шиллер) в противовес популярным у аристократов карнавалам, костюмированным  комедиям, балетам. Высокая трагедия и формализованный стиль игры больше не соответствуют чаяниям буржуазии. Изменяются стиль игры актёров, декорации становятся также более естественные, и со сцены удаляются зрители.
Ведущим театром Франции был Театр Комеди Франсез. В нём ставились пьесы Вольтера, Дидро.
Господство разума привело к тому, что искусство просветителей страдало рассудочностью, рациональный анализ жизни требовал упорядоченных форм.
Просветители, прославлявшие гармонию личности, не могли пренебречь чувствами , когда речь шла об искусстве.
Наиболее ярким театральным характером, передающим сочетание ума и чувств явился образ слуги Фигаро, созданный Бомарше.
Пьер Огюстен Бомарше
(1732-1799)
В цикле комедий «Севильский цирюльник». «Безумный день или женитьба Фигаро» создал образ слуги, который был умнее своего господина. Он как представитель нового сословия активнее энергичнее своего господина. Фигаро стал символом простолюдина, который не просит, а берёт своё. Это не отвлечённое понятие буржуазной добродетели, а реальный человек своей эпохи. Комеди Бомарше оказали огромное влияние не только на театр, но и на политическую жизнь Франции накануне революции. Пьеса «Женитьбы Фигаро» была запрещена к постановке королём, была осуждена дворянством и… с успехом идёт в театре 21 века!
Томас Гейнсборо Портрет Уильяма и Элизабет Хэллет 1785
Томас Гейнсборо
Портрет дочери Маргарэт Ок. 1770
Томас Гейнсборо Неоконченный портрет дочерей художника Ок. 1759
Томас Гейнсборо Бич и щенок Ок. 1777


title: Скачать презентацию или конспект Архитектура Византии

extracted_text:
«Архитектура Византии»
Выполнила:
ученица 10 класса,
Кандалинцева Радмила,
Преподаватель:
Тренюшева Тамара Муратовна.

Презентация на тему:

2011 год
Византия - одно из государств, которое внесло большой вклад в развитие культуры в Европе Средних веков. В истории мировой культуры Византии принадлежит особое, выдающееся место. В художественном творчестве Византия дала средневековому миру высокие образы литературы и искусства, которые отличались благородным изяществом форм, образным видением мысли, утонченностью эстетического мышления, глубиной философской мысли. По силе выразительности и глубокой одухотворенности Византия многие столетия стояла впереди всех стран средневековой Европы. Прямая наследница греко-римского мира и эллинистического Востока, Византия всегда оставалась центром своеобразной и воистину блестящей культуры.
История архитектуры (как и истории) Византии делится на три периода:
- ранневизантийский (V--VIII .вв.);
- средневизантийский (VIII--XIII вв.);
- поздневизантийский (XIII--XV вв.).
Ранневизантийский период.
            Временем высшего расцвета был первый период, особенно время царствования Юстиниана (20--60 гг. VI в.), когда Византия превратилась в могущественную державу, покорившую помимо Греции и Малой Азии народы Передней Азии, южного Средиземноморья, Италии и Адриатики. Важнейшим вкладом Византии в историю мирового зодчества является развитие купольных композиций храмов, выразившееся в появлении новых типов структур -- купольной базилики, центрической церкви с куполом на восьми опорах и крестово-купольной системы. Развитие первых двух типов падает на ранневизантийский период. На смену монументальному все чаще приходит частное, камерное, живописное. Развиваются местные школы, среди которых выделяются столичная, греческая и восточная. Строится множество небольших храмов в городах и монастырях. Возникла потребность в универсальном типе храма: таким типом явилась крестово-купольная структура, сложившаяся так же в Сирии, Закавказье и других районах еще в ранневизантийский период и получившая широкое развитие в средне-византийской архитектуре.
              Основу структуры образует четко читаемый в плане равноконечный греческий крест, над центром которого - средокрестием возводится купол. Поднятый на круглом основании-барабане, купол опирается на квадрат из четырех отдельно стоящих опор при помощи парусов и подпружных арок. Главный неф с востока всегда завершается полукруглой или граненой экседрой - апсидой. Часто апсиды замыкают и другие нефы. Иногда уширенные ветви креста делались большей, чем прочие нефы, высоты. Кроме главного купола часто ставились меньшие по размерам купола над боковыми ячейками, образуя трех- и пяти- купольные композиции. В барабанах устраивались световые проемы.
Поскольку купола делались сравнительно небольших размеров, распор в основном погашался цилиндром барабана. Распор сводов уширенных ветвей креста частично уравновешивался сводами малых нефов, частично передавался на стены, которые делались достаточно массивными и из плотного материала (кирпич, камень), на прочном известково-цемяночном растворе.
Центрическая крестово-купольная структура нашла отражение в особенностях пространственной организации интерьера. Сложилась законченная, гармонически целостная система соподчиненных пространств, развивающихся от малых ячеек более узких нефов к единому и доминирующему пространству подкупольного креста и от него - к вертикали центрального пространства, завершенного куполом. Концепция пространственного развития отвечала религиозной символике "вознесения к небу", и эта идея часто поддерживалась живописными сюжетами: в куполе изображался Пантократор (Вседержитель), на парусах - четыре апостола-евангелиста и т. д. Одним из ранних примеров крестово-купольной композиции может служить церковь в Константинополе (середина IX в.), именуемая по названию мусульманской мечети Кален-дер-Джами, устроенной в ней в настоящее время.
    Наиболее грандиозный крестово-купольный храм - знаменитый собор Сан-Марко в Венеции (XI в.), построенный по византийскому образцу с использованием вывезенных из Константинополя деталей. Его усложненная композиция представляет собой крестообразную структуру, в которой как бы объединены пять самостоятельных крестово-купольных систем с пятью куполами в средокрестиях. Центральный купол господствует над другими благодаря большим размерам и лучшей освещенности.
   Большое влияние на развитие византийских центрических зданий оказали и сложившиеся в этих областях купольные сооружения (церковь в Эсре 510--515 гг., церковь «вне стен» в Русафе в Месопотамии, 569-- 586 гг.). Особое значение приобретает купол на четырех или восьми опорах. Одним из ранних примеров этого типа в Сирии может служить церковь в Босре (513 г.), в которой купол опирался на четыре опоры.
Церковь Сергия и Вакха в Константинополе (527 г.) представляет собой центрическую композицию на восьми устоях, основа которой -- сильно развитое подкупольное пространство. Ступенчатая структура и богатая пластика образованы, в основном, конструктивными элементами: куполом, полукружными арками, диагональными экседрами (полукруглая ниша с расположенными вдоль стены сиденьями для собраний и бесед), устоями, арками на колоннах и т. п.
   Вершиной развития арочно-сводчатых структур явилась грандиозная купольная базилика собора Софии в Константинополе построенная греческими архитекторами Анфимием из Тралл и Исидором из Милета в 532 -- 537 гг., в правление императора Юстиниана. Это наиболее грандиозное и самое выдающееся произведение византийского зодчества.
Средневизантийский период.
    Средне-византийский период истории и культуры завершается захватом Константинополя крестоносцами - участниками 4-го крестового похода - в 1204. После этого потрясения Византия так и не смогла полностью восстановить свои силы, но в 13-14 вв. на Балканах было построено немало церквей. Обычно они невелики по размерам и при небольших различиях в плане, как правило, имеют купол, поднятый на высокий барабан, так что здание кажется похожим на башенку. В 1453 Константинополь был захвачен турками и его тысячелетняя история закончилась. В течение тысячи лет влияние византийской культуры распространялось на огромной территории, и 1453 не стал моментом ее гибели; начался новый период в истории существования византийской культуры, называемый поствизантийским, когда художественные импульсы, источником которых было некогда искусство Константинополя, получили свое развитие на Балканах, Кипре, в России.
    В искусстве Византии неразрывно связаны утонченная декоративность, стремление к пышной зрелищности, условность художественного языка, резко отличающая его от античности, и глубокая религиозность. Византийцы создали художественную систему, в которой господствуют строгие нормы и каноны, а красота материального мира рассматривается лишь как отблеск неземной, божественной красоты. Эти особенности ярко проявились как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве.
Византия во втором периоде достигла наивысшего могущества и наивысшей точки развития культуры. В общественном развитии и в эволюции культуры Византии очевидны противоречивые тенденции, обусловленные ее срединным положением между Востоком и Западом.
Поздневизантийский период.
Третий же период (XII-XIV вв.) (позневизантийский) можно кратко охарактеризовать, как наивысшую точку развития феодализма и развал Византийской империи.
После 1204 на территориях, входивших некогда в пределы Византии, образовались несколько государств, латинских и греческих. Наиболее значительным среди греческих была малоазийская Никейская империя, чьи государи возглавили борьбу за воссоздание Византии. С окончанием «никейского изгнания» и возвращением империи в Константинополь (1261) начинается последний период существования Византии, называемый по имени правящей династии Палеологовским (1261-1453). Ее экономическая и военная немощь в эти годы компенсируются ростом духовного авторитета предстоятеля Константинопольской кафедры в пределах православного мира, всеобщим оживлением монашеской жизни, вызванном распространением учения исихастов. Церковные реформы конца 14 в. унифицировали письменную традицию и литургическую практику и распространили ее во всех областях Византийского Содружества. Искусства и ученость при императорском дворе переживают блестящий расцвет (так называемой Палеологовский ренессанс).
Последующие (16-17) столетия нередко выделяют в так называемый поствизантийский период, когда шло постепенное угасание и консервация типологических особенностей византийской культуры, чьим оплотом стали монастыри Афона.
Заключение…
    Несмотря на то, что Византия просуществовала на 1000 лет дольше Великой Римской империи, она была завоевана таки в XIV в. турками-сельджуками. Но, несмотря на это, Византия внесла огромный вклад в развитие мировой культуры. Ее основные принципы и направления культуры перешли к соседним государствам. Практически все время средневековая Европа развивалась на основе достижений византийской культуры. Византию можно назвать "вторым Римом", т.к. ее вклад в развитие Европы и всего мира ничем не уступает Римской империи.
Список использованной литературы:
Культура Византии» в трех томах//Москва// «НАУКА»// 1989 год.
2. «Культурология для технических вузов»// Ростов-на-Дону//«Феникс»// 2001 год.
3. Большая энциклопедия Кирилла и Мефодия//Знания обо всем//2002 год.


title: Скачать презентацию или конспект Владимир Высоцкий

extracted_text:
За то, что я нарушил тишину….
Презентация подготовлена учителем литературы и русского языка МОУ «Русскополянская СОШ №2» Казанцевой Ниной Николаевной
                      Я бодрствую,
		И вещий сон мне
			    снится -
		Не уставать глотать мне
	        	 горькую слюну:
		Мне объявили явную
			 войну
		Организации, инстанции
                          и лица
		За  то, что я нарушил
			  тишину,
		За то, что я хриплю
			  на всю страну,
		Чтоб доказать, - я в колесе
			   не спица!
В. С. Высоцкий родился 25 января 1938 года в 9 ч 40 мин в Москве, в роддоме на Третьей Мещанской улице, 61/2.
Семья:
Отец — Семён Владимирович (Вольфович) Высоцкий (1916—1997) — уроженец Киева, военный связист, ветеран Великой Отечественной войны, полковник.
Мать — Нина Максимовна (урождённая Серёгина, 1912—2003) — по специальности переводчик с немецкого языка
1948 год
Детские годы
В 1947—1949 годах они проживали в г. Эберсвальде (Германия), по месту службы отца, где юный Володя научился играть на фортепиано.
Из интервью В.Высоцкого
	     - Черты, характерные для твоего друга?
	     - Терпимость, мудрость, ненавязчивость.
	     - Любимые черты в характере человека?
	     - Одержимость, отдача и не только на добрые дела.
	     - Отвратительные качества человека?
	     - Глупость, серость, гнусь.
Официальное признание к Высоцкому пришло только после смерти. Сначала это были отдельные шаги: в 1981 году был опубликован первый крупный сборник произведений Высоцкого, «Нерв», и вышла первая полноценная («диск-гигант») советская пластинка. В 1987 посмертно присуждена Государственная премия СССР.
Владимир Высоцкий и Марина Влади
Люблю тебя сейчас
Не тайно - напоказ.
Не «после» и не  «до»
в лучах твоих сгораю.	       Навзрыд или смеясь,
 но я люблю сейчас,	       А в прошлом не хочу,
 а в будущем не знаю.
Высоцкий и театр
В 1956 г. Высоцкий уходит с первого курса МИСИ, решив посвятить себя актёрской карьере. Летом 1956 г. он подал документы в три театральных училища: им. Щепкина, им. Щукина и Школу-студию МХАТ им. В. И. Немировича-Данченко, везде прошёл собеседования по специальности.
В итоге Высоцкий поступает в Школу-студию МХАТ. Он занимается у Б. И. Вершилова, затем — у П. В. Массальского и А. М. Комиссарова.
В 1959 год Высоцкий получает первую роль — Порфирия Петровича в учебном спектакле «Преступление и наказание».
После окончания Школы-студии, летом 1960 г. Высоцкий поступает в Московский драматический театр им. А. С. Пушкина и едет в Ригу на свои первые гастроли.
Из интервью:«Журналистка: Некоторые склонны считать, что без Высоцкого не было бы Театра на Таганке.В. С. Высоцкий: Это без Театра на Таганке не было бы Высоцкого».
Осенью 1964 года Владимир Высоцкий поступает на работу в Театр на Таганке, где проработал до конца жизни. Несмотря на то, что Высоцкий пришёл в театр всего через четыре месяца после его открытия, он считается там новеньким, молодым и получает только маленькие роли. Крупные роли достаются Николаю Губенко. Первая большая роль Высоцкого — Галилей, будет только через 2 года; сперва же это Второй бог в «Добром человеке», драгун в «Герое нашего времени» и т. п. Хотя выдающийся талант актёра виден и раньше — например, в «Антимирах», по словам Вознесенского, Высоцкий «до стона заводил публику».
Высоцкий в роли Гамлета
Кинематограф
Высоцкий снялся почти в 30 фильмах, во многих из них звучат его песни. На многие роли его не утверждали, причём далеко не всегда по творческим причинам. Высоцкий участвовал также в озвучивании одного мультфильма — «Волшебник Изумрудного города».
Фильмы о Высоцком
В 1987 году вышел первый фильм о Высоцком — «Четыре встречи с Владимиром Высоцким», режиссёра Эльдара Рязанова. В дальнейшем разными режиссёрами было снято ещё более 10 документальных фильмов, а по роману «Чёрная свеча» Владимир Яканин снял художественный фильм «Фартовый».
В 2011 году выйдет художественный фильм под рабочим названием «Слава Богу, я жив» о тех 5 днях, когда Владимир Семёнович пережил клиническую смерть. Главную роль исполнит актёр Сергей Безруков
Интересные факты
в честь Высоцкого назван астероид «Владвысоцкий» (2374 Vladvysotskij).
на всей территории бывшего СССР установлены более 20 памятников (и столько же памятных досок), ещё 4 памятника поэту есть за рубежом;
имя Высоцкого носят более 30 улиц (в том числе в Болгарии и Германии);
почти 20 скал и пиков, перевалов и речных порогов, каньонов и ледников названы в честь Высоцкого. Его имя присвоено даже горному плато на архипелаге Огненная Земля;
именем Высоцкого названы театры, корабли, самолёт, кафе, сорта цветов;
его памяти посвящены несколько спортивных турниров;
существует, как минимум, 6 музеев Высоцкого (из них наиболее известен «Дом Высоцкого на Таганке»).

Библиография
«Песни и Стихи». Нью-Йорк: Литературное зарубежье, 1981.
«Нерв». М.: Современник, 1981.
«Я куплет допою…». (Песни для кино). М.: Киноцентр, 1988.
«Поэзия и проза». М.: «Книжная палата», 1989.
«Стихи и песни». М. «Искусство», 1989 (с приведением нот).
«Венские каникулы». М.: ВО «Союзинформкино» Госкино СССР, 1990.
Владимир Высоцкий. Сочинения (в 2-х томах). М.: «Художественная литература», 1991.
Владимир Высоцкий, Леонид Мончинский «Чёрная свеча». М.: «Московская международная школа переводчиков», 1992. ISBN 5-8234-0006-3
Альманах. «Мир Высоцкого: Исследования и материалы.» — М.: ГКЦМ В. С. Высоцкого:
Вып. 1 — 1997 г.
Вып. 2 — 1998 г.
Вып. 3 (два тома) — 1999 г.
Вып. 4 (два тома) — 2000 г.

За рубежом
Во Франции с 1977 по 1988 год выпущено 14 пластинок.
В США с 1972 по 1987 год выпущено 19 пластинок (в том числе серия из 7 пластинок «Владимир Высоцкий в записях Михаила Шемякина»).
В Финляндии в 1979 году вышла 1 пластинка.
В Германии с 1980 по 1989 год выпущено 4 пластинки.
В Болгарии с 1979 по 1987 год выпущено 6 пластинок (4 авторские пластинки и 2 сборника).
В Японии с 1976 по 1985 год выпущено 2 пластинки (2 авторские пластинки и 2 сборника).
В Корее в 1992 году выпущено 2 пластинки.
Также в Израиле в 1975 году вышла пластинка «Неизданные песни русских бардов», на которой есть 2 песни Высоцкого.
Мемориальная доска на доме №28 по Малой Грузинской улице

Владимир Семенович Высоцкий скончался  25  июля 1980  года  от  сердечного  приступа  и  похоронен  в  Москве  на Ваганьковском кладбище.  На его могиле, расположенной недалеко от входа, установлен памятник и в любое время года много живых  цветов.

Могила В.Высоцкого на Ваганьков-
ском кладбище. Автор памятника:
А.Рукавишников


title: Скачать презентацию или конспект Джозеф Маллорд Уильям Тёрнер

extracted_text:
Джозеф Маллорд Уильям Тернер
Выполнила:
Пархоменко Катя
Ученица 5 <Б> класса
Джозеф Маллорд Уильям Тернер (23 апреля 1775–19 декабрей 1851) был английским Романтичным пейзажистом, водным колористом.
Токарь - также один из самых великих владельцев британской водной цветной пейзажной живописи.
Он обычно известен как "живописец света" и его работы, расцененной как Романтичное предисловие к Импрессионизму.

Тернер родился в Мэйден-Лейн, Ковент Гарден, Лондоне, Англия. Его отец, Уильям Тернер (1738–7 августов 1829), был производитель парика и парикмахер.
После смерти его матери в 1804 молодого Тернера послали, чтобы остаться с его дядей в Брентфорде, который был тогда небольшим городом к западу от Лондона на берегу Реки Темзы.
Именно здесь он сначала выразил интерес к живописи. Год спустя он учился в школе в Маргите на северо-восточном Кентском побережье. К этому времени он создал много рисунков, которые его отец показал в его витрине.
Он вошел в Королевскую Академию школ Искусства в 1789, когда ему было только 14 лет и был принят в академию год спустя.
Водный цвет Тернером был принят для Летнего приложения 1790 после исследования только одного года.
 Он показал свою первую живопись в 1796, Рыбаки в море, и после того показывал в академии почти каждый год для остальной части его жизни.
Тернер путешествовал широко в Европе, начинающейся с Франции и Швейцарии в 1802 и учащейся в Лувре в Париже в том же самом году. Он также нанес много визитов в Италию, Швейцарию, Германию.

                                                                                Orvieto 1828-1829
Когда он стал старше, Тернер стал более эксцентричным. У него было немного близких друзей за исключением его отца, который жил с ним в течение тридцати лет, в конечном счете работая его помощником студии.

Он умер в Челси 19 декабря 1851. Он, как говорят, произнес последние слова "Солнце, Бог" перед истечением. По его запросу он был похоронен в Соборе Св. Павла, где он лежит следующий за сэром Джошуа Рейнолдсом. Его последняя выставка в Королевской Академии была в 1850.
По его запросу он был похоронен в Соборе Св. Павла, где он лежит следующий за сэром Джошуа Рейнолдсом, великим английским живописцем и его учителем. Его последняя выставка в Королевской Академии была в 1850.

Последняя выставка токаря в Королевской Академии была в 1850. Токарь был признан артистическим гением.
Его предметами для живописи были кораблекрушения, огни, природные катастрофы и природные явления, такие как солнечный свет, шторм, дождь и туман. Он был очарован сильной властью моря.


title: Скачать презентацию или конспект Монументальная живопись

extracted_text:
Монументальная живопись
ИЗО. Слайд – шоу.
Разработала Суппес И.С.
pptcloud.ru
Эйфелева башня
Париж Опера
Собор Парижской Богоматери
Триумфальная арка


title: Скачать презентацию или конспект Специфика русского барокко. Франческо Бартоломео Растрелли

extracted_text:
«… Может увеселиться око в том, что он построил»

Специфика русского барокко. Франческо Бартоломео Растрелли

Авторская методическая
разработка Малаховой Н.Н.
Информационно-методическая карта урока

Цель: развитие у учащихся способности к эмоционально-личностному восприятию и осмыслению особенностей растреллиевского барокко

 Художественно-педагогическая идея: через созерцание архитектурных форм и деталей, интерьеров и декора, размышления о характерных чертах стиля Ф.Б.Растрелли – к открытию собственного понимания русского барокко

Информационно-методическая карта урока

Задачи:
1) расширение культурно-художественного кругозора учащихся при знакомстве с русским барокко;
2) развитие у старшеклассников способности к личностному проживанию изучаемого произведения искусства, а также умения анализировать, критически осмысливать материал;
3) постижение мировоззренческих акцентов творчества русского архитектора Ф.Б.Растрелли.

Информационно-методическая карта урока

Композиция урока:
Анфилада      (ряд залов, сообщающихся друг с другом дверными проемами, расположенными по одной оси)

Музыкальный ряд: И.С.Бах Оркестровая сюита №3 (Ария, Шутка), В.А.Моцарт Рондо из концерта для духовых инструментов №4, Д.Чимароза Серенада, П.Чесноков Молитва «Не умолчим никогда, Богородице», Ж.Массне «Размышление»
Пролог
На протяжении тысячелетий человек мечтает о рае – небесном и земном. Земной рай должен напоминать небесный, соотноситься с ним. Человек  ищет его в красоте ландшафтов или создает сам.
Соотнесением , сопряжением  земного и небесного издавна занималось искусство – зодчество, архитектура. Неслучайно само слово «архитектор» означает «главный строитель», «верховный строитель».

Мы никогда не жили вне архитектуры, мы всегда живем внутри нее. Она играет пространством и светом. Архитектура  постигается  не только органами  чувств, но и всем телом. Мы ступаем ногами по мраморному полу и слышим, как звучат шаги, прикасаемся руками к поверхности стен, вздрагиваем от неожиданно открывшейся перспективы …
Архитектура организует пространство городов, в которых мы живем. Это своего рода – Книга, которую пишут веками зодчие и строители.
Зал первый         «Архитектурное ядро города»                                     (работа с картой Санкт-Петербурга)
Петр I
«Строить Петербург как европейский город»
Елизавета Петровна
Петербург из города-порта превращался в город дворцов
Франческо Бартоломео Растрелли
«Обер-архитектор» императорского двора
Зал второй         Зимний дворец в Санкт-Петербурге

1. С помощью каких приемов архитектор преодолел тяжесть каменной массы и создал иллюзорную подвижность стены?
2. Каким образом решен в архитектуре Зимнего дворца вопрос противоборства горизонтали и вертикали?
3. В чем уникальность архитектуры Зимнего дворца?

Эмоционально-художественное созерцание«Парадная лестница»
 Что вы почувствовали, глядя на эту лестницу дворца?
 Как бы вам хотелось подниматься по этим ступеням? В каком темпе?
 Какие картины рисует ваше воображение?

Зал третий   Екатерининский дворец в Царском селе

1. Почему не возникает ощущения монотонности при восприятии этой части здания, протяженностью 306 метров?
2. Каким образом в интерьерах залов дворца архитектором создается иллюзия исчезновения стены? Как осуществляется «игра» с пространством?
3. С помощью каких приемов Растрелли создает атмосферу вечного праздника на фасадах и в интерьерах Екатерининского дворца?
«Стилистика растреллиевского барокко»

Зал четвертый   Смольный монастырь в Санкт-Петербурге
Созерцая этот храм под звуки молитвы, попытайтесь почувствовать динамику архитектурного ансамбля. Взгляните на него не как на застывшую форму, а как на живой организм со своим развитием, со своим характером…

1. Эхо каких архитектурных мотивов отозвалось в планировке и декоре Смольного монастыря (эмоционально-образное восприятие, подкрепленное фрагментом текста учебника)
2. Назовите излюбленные стилистические приемы Ф.Б.Растрелли, использованные им в ансамбле Смольного монастыря.
3. Подтвердите мысль о том, что Смольный монастырь – образец уникального синтеза мощного древнерусского монолита и сложных барочных форм.

НАШ ПУТЕВОДИТЕЛЬ
по творчеству архитектора
Франческо Бартоломео Растрелли

Екатерина II

Взошедшая на престол Екатерина II, предпочла стиль французского классицизма

Франческо Бартоломео Растрелли прожил 71 год, из них большую часть – в России. Прибыв в северную столицу юношей, учеником своего отца, он достиг всех возможных для архитектора того времени высот.

Растрелли с чувством собственного достоинства воспринял события, уготованные ему судьбой. Взошедшая на престол Екатерина II, предпочла стиль французского классицизма. И архитектор, создавший величайшую страницу в истории русской архитектуры, оказался не востребованным. Он подает прошение об отставке.

Рефлексия «Франческо Бартоломео Растрелли» (1700-1771).Впечатление через 300 лет…» (индивидуальная творческая работа)

«Мне кажется, что спустя 300 лет, все строения, созданные Растрелли, по-прежнему поражают своей красотой, мощностью и легкостью. Его стиль не давит, а наоборот, помогает взлететь» (Александр П.)

Рефлексия «Франческо Бартоломео Растрелли» (1700-1771).Впечатление через 300 лет…» (индивидуальная творческая работа)
«Нельзя не гордиться и не восхищаться красотой и величием произведений, созданных Растрелли. Такое чувство, что его мыслями руководили какие-то высшие силы. Он вложил всю душу в свои произведения» (Евгений Ц.)

«Я никогда бы не подумала (если бы не знала), что эти великолепные архитектурные строения были спроектированы нерусским человеком. Мне кажется, что в этих сооружениях он воплотил мощь России. Ее красоту» (Ирина Л.)


title: Скачать презентацию или конспект Картины Ван Гога

extracted_text:
Ван Гог
(1853-1890)
постимпрессионизм
Автопортрет
Звёздная ночь
Мельница
Дорога в Овере после дождя
В Люксембургском саду
Первые шаги
Интерьер ресторана
Море в Сент-Марье
Урожай
Оливковые деревья с жёлтым небом и солнцем
 Весенняя рыбалка
Сад поэта
Поле с маками
Ночное кафе
Ветки цветущего миндаля
Деревенская улица и лестница с фигурами
Ремонт дороги
Спальня в Арле
Лодки у берега реки
Два срезанных подсолнуха
Огороды и мельница на Монмартре
Пшеничное поле и кипарис
Берег моря в Схевенингене
Красные виноградники
Пара ботинок
Камни
Пшеничное поле и вороны
Ребёнок с апельсином
Подсолнухи
Терраса  кафе на Площади Форум
Ирисы
Мост  во время дождя
Ребёнок Марсель Рулен
Дорожка с тополями
Цветы в медной вазе
Портрет женщины с красной лентой

Молочник
Цветущий персик
Маки и бабочки
Итальянка


title: Скачать презентацию или конспект Фаина Раневская

extracted_text:
Фаина Раневская

Она прожила долгую, насыщенную жизнь, полную драматизма и одиночества, буквально не дожив месяц до 88-летия. Не все знают, что фамилия Раневская на самом деле – псевдоним, который актриса взяла еще в ранней юности из пьесы «Вишневый сад» своего земляка-таганрожца Антона Павловича Чехова, которого боготворила.

Фаи́на Гео́ргиевна (Григо́рьевна) Ране́вская (урождённая Фаи́на Ги́ршевна Фе́льдман; 15 (27) августа 1896, Таганрог — 19 июля 1984, Москва) — советская актриса театра и кино, народная артистка СССР (1961), трижды лауреат Сталинской премии (1949, 1951, 1951).

В «Книге для записи сочетания браков между евреями на 1889 год» таганрогский раввин Зельцер зарегистрировал брак мещанина местечка Смиловичи Игуменского уезда Минской губернии Гирша Хаимовича Фельдмана и девицы — лепельской мещанки Витебской губернии Мильки Рафаиловны Заговайловой. Это случилось 26 декабря 1889 года. Гиршу было 26 лет, Мильке — 17.

Фаина Раневская родилась 27 августа (15 - по старому стилю) 1896 года в г. Таганроге в в состоятельной еврейской семье. Отец – Фельдман Гирши Хаймович – был владельцем фабрики сухих красок, нескольких домов, магазина и парохода «Святой Николай». Мама – Фельдман Милка Рафаиловна (в девичестве Заговайлова (из некоторых источников – Валова)). В семье было четверо детей – два брата и старшая сестра Белла. Когда Фаине было 5 лет, умер младший брат.

В юности Фаина очень завидовала красоте своей сестры, и в будущем всех красивых девушек она называла «фифами».

Как признавалась сама Фаина Георгиевна, она не была счастлива в родительском доме: «Мне вспоминается горькая моя обида на всех окружавших меня в моем одиноком детстве...» Почему же, живя без всяких материальных проблем, в семье, где у нее были еще брат и сестра, горячо любимая мать, девочка чувствовала себя несчастливой и одинокой? Возможно, причина в ее повышенной ранимости из-за легкого заикания, которым Фаина страдала от рождения.

Боясь насмешек, Фаина избегала сверстников, не имела подруг, не любила учиться. С трудом проучившись в младших классах Мариинской женской гимназии, девочка упросила родителей забрать ее оттуда. «Училась плохо, арифметика была страшной пыткой. Писать без ошибок так и не научилась. Считать тоже. Наверное, потому всегда, и по сию пору, всегда без денег…» - признавалась впоследствии Фаина Георгиевна.

В то же время Фаина получила обычное для девочки из обеспеченной семьи домашнее воспитание, обучалась музыке, пению, иностранным языкам, любила читать.

Окончила таганрогскую Мариинскую женскую гимназию. Увлекалась театром с 14 лет. Окончив гимназию, посещала занятия в частной театральной студии А. Ягелло (А. Н. Говберга).

Окончив частную театральную школу, затем играла во многих театрах, начиная с провинциальных (Подмосковье, Крым, Ростов-на-Дону, Баку, Архангельск, Смоленск и др.), а затем в московских, включая Камерный театр (1931—1935), центральный театр Красной Армии (1935—1939), театр драмы (ныне им. Маяковского) (1943—1949), театр им. А. С. Пушкина (1955—1963), театр им. Моссовета (1949—1955 и 1963—1984). Её учителем была Павла Леонтьевна Вульф.

Пребывание Раневской в Театре им. Моссовета сопровождалось частыми конфликтами с главным режиссером Ю. А. Завадским (что нашло отражение в многочисленных фольклорных рассказах и анекдотах), которые порождало несходство творческих методов: решение ролей, предлагаемое Раневской, было органично скорее театру брехтовского типа.

Раневская театрально переосмысляла и собственную повседневную жизнь, превращая ее порой в своеобразный трагикомический «спектакль»; в этой особенности кроется секрет ее сугубо личной популярности, независимо от сценической известности.

 Весьма своеобразный стиль речи и поведения Раневской оказался зафиксирован в большом по объему фольклоре, где не все эпизоды вполне достоверны. Многие высказывания Раневской (равно как и приписываемые ей) превратились в крылатые выражения, чему способствовали емкость и образность, равно как и отстутсвие «внутренней цензуры», свобода суждения (напр., в виде присутствия сниженной лексики). Стилистическое чутье позволяло Раневской выступать в жанре пародии, причем не только сценической

Острый язычок
Все знакомые и друзья Раневской знали о том, что ей лучше не попадаться на язык, так как это «было чревато»: великая актриса не очень-то стеснялась в выражениях, а ее гениальные фразы сразу же становились крылатыми и «улетали» в народ. Самое интересное, что Фаина Георгиевна специально ничего не придумывала – просто афористичность была сутью великой актрисы. Существует огромное количество остроумных высказы- ваний, сказанных или якобы произнесенных Раневской. Вот лишь некоторые эпизоды из этой большой коллекции.

Раневскую о чем-то попросили и добавили:
– Вы ведь добрый человек, вы не откажете.
– Во мне два человека, – ответила Фаина Георгиевна.
– Добрый не может отказать, а второй может. Сегодня как раз дежурит второй.

В 1915 году уехала в Москву. Раневская жила в маленькой комнатке на Большой Никитской. Именно в эти годы она познакомилась с Мариной Цветаевой, Осипом Мандельштамом, Владимиром Маяковским, произошла её первая встреча с В. И. Качаловым. Из воспоминаний самой Раневской, она была влюблена в Качалова и восхищалась его игрой .

Однажды осенью молоденькая Фая Фельдман подписала на актёрской бирже контракт на работу в керченской труппе мадам Лавровской. Актриса приглашалась «на роли героинь-кокетт с пением и танцами за 35 рублей со своим гардеробом». Работа в Керчи не задалась — почему-то публика не проявила должного внимания к новой труппе, но там она однажды совершала прогулку с неким «опытным трагиком» из театра Лавровской на гору Митридат. По пути на гору решили заглянуть в банк (мать Раневской тайком от отца посылала дочери денежные переводы). Вспоминает Фаина Георгиевна:

Когда мы вышли из массивных банковских дверей, то порыв ветра вырвал у меня из рук купюры — всю сумму. Я остановилась, и, следя за улетающими банкнотами, сказала:
— Как грустно, когда они улетают!— Да ведь Вы Раневская! — воскликнул спутник. — Только она могла так сказать!Когда мне позже пришлось выбирать псевдоним, я решила взять фамилию чеховской героини. У нас есть с ней что-то общее, далеко не всё, совсем не всё…

Вечное одиночество
К большому сожалению, у великой актрисы не сложилась личная жизнь. За всю свою жизнь Фаина Раневская так и не вышла замуж. Как-то ее спросили, была ли она когда-нибудь влюблена. Раневская рассказала эпизод из своей юности. Она была влюблена в красавца-актера, игравшего вместе с ней в труппе. Однажды актер сказал ей, что вечером придет к ней домой. Раневская нарядилась, накрыла стол… Актер пришел пьяный и с женщиной. «Деточка, погуляйте где-нибудь пару часиков, дорогая моя», - сказал он. «С тех пор не то, что влюбиться – смотреть на них не могу: гады и мерзавцы!» - признавалась Фаина Георгиевна.

Несмотря на большой круг знакомых, Фаина Георгиевна всегда чувствовала одиночество, от которого не спасал даже преданный пес Мальчик, названный в честь Станиславского, которого Раневская боготворила. Пользуясь доверчивостью и наивностью актрисы, домработницы самым бессовестным образом ее обманывали, подло обирая старую женщину.

Однако в начале 60-х был у Фаины Раневской период, когда она не чувствовала себя одинокой. Она получила письмо от своей сестры Беллы (Изабелла Георгиевна Аплеен), которая жила одно время во Франции, а потом, похоронив мужа, перебралась в Турцию. Сестра была тоже одинока и просила помочь вернуться в СССР. Помогла министр культуры Е. Фурцева.

Несколько лет сестры прожили вместе. Вскоре у Беллы обнаружили рак. Раневская вызывала лучших врачей, проводила с ней – уже безнадежной – ночи. Больница, операция – все было бессмысленно. В 1964 году Белла умерла…

Актриса любила читать Пушкина и, по её собственным воспоминаниям, «у них с Анной Андреевной Ахматовой была общая страсть — Пушкин».

Дебютировала в кино в 1934 году в фильме Михаила Ромма «Пышка».
Принимала участие в озвучивании мультфильмов (Фрекен Бок в «Карлсон вернулся»).

Эпилог
Фаина Георгиевна Раневская прожила длинную и насыщенную жизнь. В кино ее великий дар не был использован в полной мере. Ведь нельзя же считать подобающим использованием подобного таланта 25 киноролей, да и то в основном эпизодических. Театральная карьера сложилась более удачно, хотя, например, с режиссером Театра им. Моссовета Юрием Завадским у Фаины Георгиевны сложились непростые отношения.

 Один раз в сердцах режиссер выкрикнул актрисе:
– Вон из театра!
На это великая Раневская с не меньшим пафосом ответила:
– Вон из искусства!

У нее почти не было подруг, за исключением, пожалуй, поэтессы Анны Ахматовой.

 В последние годы жизни актриса болела, но до последних дней оставалась в строю, так как это ее подстегивало и не давало расслабиться. Раневская обладала и большим литературным даром. Даже по немногочисленным миниатюрам, оставшимся в архиве актрисы, можно судить о ее великом даровании. Фаина Георгиевна очень тонко чувствовала слово и мастерски им владела .
Открытие памятника Ф. Раневской в Таганроге
К большому сожалению, Фаина Георгиевна не написала мемуаров, хотя ей, конечно же, было что рассказать. Но вот о самой Раневской написано немало. О великой актрисе писали, например, Виталий Вульф и Глеб Скороходов. А издательство «Захаров» выпустило книгу «Фаина Раневская. Случаи, шутки, афоризмы». Не забыта актриса и родным городом Таганрогом, где в Краеведческом музее хранится часть ее вещей и архива. А на доме, где родилась великая актриса, 29 августа 1986 г. была установлена мемориальная доска.

За год до своей смерти Раневская отказалась играть на сцене. «Старость, - сказала она, - вещь страшная. Болят все мои косточки. Очень устала, очень. Восемьдесят семь лет! Я не Яблочкина, чтобы играть до 100 лет. Нет, больше на сцену не выйду!»

Фаина Раневская скончалась 19 июля 1984 году после перенесенных инфаркта и пневмонии…
. Похоронена на Новом Донском кладбище в Москве вместе с сестрой Изабеллой. На могиле круглый год можно видеть живые цветы, приносимые почитателями её таланта.

Редакционным советом английской энциклопедии «Кто есть кто» в 1992 году включена в десятку самых выдающихся актрис XX века.
Образ актрисы выведен в игровом сериале «Звезда эпохи», где её сыграла Татьяна Васильева.
Работа выполнена уч.анг.яз. Куликовой З.Е.,2011г.
Сайт Фаины Раневской. Материал из википедии.
Яндекс.Картинки.


title: Скачать презентацию или конспект Биография и творчество Высоцкого

extracted_text:
ТВОРЧЕСТВОВЛАДИМИРАВЫСОЦКОГО

pptcloud.ru

Владимир Высоцкий родился 25 января 1938 года в городе Москве
ЖИЗНЬ ПОЭТА.
Первые песни Владимира Высоцкого датируются началом шестидесятых. Писал сначала «блатные», «дворовые» песни, которых позже чуть стыдился, утверждая, что писал их для себя и для друзей. Но именно в этих песнях сложились принципиальные черты его поэтической манеры, именно эти песни принесли ему первую популярность.
Главным жанром Высоцкого – повествовательное стихотворение, баллада.
В некоторых песнях Высоцкий «надевал маски» различных людей (в том числе женщин). За всеми этими масками скрывается сходный психологический тип: сильный человек, испытываемый на излом в экстремальной ситуации, часто на грани между жизнью и смертью.
Самый известный цикл стихов Высоцкого – военный («Сыновья уходят в бой», «Он не вернулся из боя» и др.). Так же в репертуаре Высоцкого были альпинистские, морские, спортивные, бытовые, сказочные и другие циклы.
Высоцкий признавался, что первые песни начал сочинять под влиянием Булата Окуджавы.

Был женат на французской актрисе
Марине Влади(Поляковой-Байдаровой).
К концу своей короткой жизни
 стал кумиром молодёжи.
Был очень популярен последние десять лет жизни.

После окончания школы Московского Художественного академического театра (1964) становится артистом Московского театра на Таганке.

Работа в театре

Владимир Высоцкий прославился пением собственных песен. Многие песни написаны для кино. Такие песни, как «Баллада об оружии», «Мистерия хиппи», «Песня Билла Сиггера», «Прерванный полет» и другие были написаны для фильмов, но не вошли в них. Некоторые песни вошли в сокращенных вариантах.
Работа в кино.
.
Фильмы с песнями Высоцкого:
Короткие встречи
Вертикаль
Хозяин тайги
Служили два товарища
Земля Санникова
Песни Владимира Высоцкого.
ПЕСНЯ О ДРУГЕ.
Если друг
		оказался вдруг
И не друг, и не враг,
			  а так;
Если сразу не разберешь,
Плох он или хорош,–
Парня в горы тяни –
			 рискни! –
Не бросай одного
			его:
Пусть он в связке одной
			        с тобой –
Там поймешь, кто такой.
Если парень в горах –
			     не ах,

Если сразу раскис –
		           и вниз,
Шаг ступил на ледник –
		                   и сник,
Оступился – и в крик, –
Значит, рядом с тобой –
		                  чужой,
Ты его не брони –
	  	          гони:
Вверх таких не берут
	  	            и тут
Про таких не поют.
Если ж он не скулил,
		            не ныл,
Пусть он хмур был и зол,
	 	                    но шел,
А когда ты упал
		        со скал,
Он стонал,
	          но держал;
Если шел он с тобой
		           как в бой,
На вершине стоял – хмельной, –
Значит, как на себя самого
Положись на него!
				1966г.

Чуть помедленнее кони, чуть помедленнее,Умоляю вас, вскачь не лететь!Но что-то кони мне достались привередливые.Коль дожить не успел, так хотя бы допеть!
Кони привередливые.
Рвусь из сил, из всех сухожилий,Но сегодня не так, как вчера.Обложили меня, обложили,Но остались ни с чем егеря!

Лучшие песни Владимира  Высоцкого-для жизни.
Они друзья людей.В песнях этих есть то,что
может поддержать тебя в трудную минуту,-
Есть неистощимая сила, непокаянная нежность
и размах души человеческой.
А ещё в них есть память. Память пройденных
дорог и промчавшихся лет. Наша с вами память…

Поэт –пророк.
...Пусть кружит над Москвоюохрипший его баритон,Ну а мы вместе с нимпосмеемся и вместе поплачем
Булат Окуджава

ДРУЗЬЯ О ПОЭТЕ

Врубите Высоцкого!
Врубите Высоцкого настоящего!
Где хрипы и Родина,и горести,
Где восемнадцать лет нам товарищем
 Был человек отчаянной совестью.

А.Вознесенский
Врубите Высоцкогов полную силубез всякого цоколяв небо России !
Андрей Вознесенский

Не нужен нынче револьвер,чтоб замолчал поэт,Он сердцем пел - и сердце разорвалось ! Он знал - ему до смерти петь,не знал лишь сколько лет,А оставалось петь такая малость.
Валентин Гафт

        Его смерть оплакивалась всей страной, десятки тысяч людей пришли на его похороны. Похоронен на Ваганьковском кладбище, воздвигнут памятник. В Москве на Таганке открыт музей Высоцкого.
Похороны Высоцкого
Сомкните стройные ряды!Покрепче закупорьте уши!Ушел один - в том нет беды,Но я приду по ваши души!

Памятник Высоцкому.