80er-Jahre-Mode: So gelingt der Retro-Look - GQ Germany
Leuchtende Farben, kastige Schnitte und grafische Muster. Die typischen Looks der 80er-Jahre-Mode feiern ein Revival.
Glenn Martens
Beim Ausgehen galt in dieser Zeit das Motto, mehr ist mehr. Partygänger setzten auf seidig glänzende Stoffe, wilde Muster, Hemden mit Rüschen und weit geschnittene Anzüge. Designer wie Martine Rose und <anchor>Glenn Martens</anchor> für Y/Projekt zeigen in ihren Kollektionen Referenzen auf die Mode der 80er-Jahre. Modische Überraschungen waren erwünscht, die Grenzen zwischen geschlechtsspezifischer Kleidung oder Trends verschwammen. Wer auf eine 80er-Jahre-Party eingeladen ist und nach dem passenden Outfit sucht, wählt am besten kastige Silhouetten und mixt Farben sowie Materialien. Je außergewöhnlicher die Kombination, desto cooler wird das 80er-Party-Outfit. David Bowie gilt als eine Stilikone der Zeit, seine Outfits waren legendär:
Glenn Martens: „Ich hatte keine Ahnung, wer Karl Lagerfeld oder Alexander McQueen war.“ | GQ Germany
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Mode

# Glenn Martens: „Ich hatte keine Ahnung, wer Karl Lagerfeld oder Alexander McQueen war.“

Der Designer der Stunde ist nicht darauf aus, das Fashion-Establishment zu stürzen, er mischt es nur auf. Mit Dekadenz und Witz und einem hohen Maß an Handwerkskunst katapultierte sich der Kreativdirektor von Y/Project und Diesel an die Spitze der Pariser Modewelt.

5. August 2022

Kreativdirektor Glenn Martens

Glenn Martens

Glenn Martens: Der Nonkonformist im GQ Interview

„Zu weird“, ein „Mainstream-Misanthrop“ – Martens’ Designs lösten zuerst Unverständnis statt Begeisterung aus. Der gebürtige Belgier landete zufällig in der Mode. Er hatte sich – nach einem Studium der Innenarchitektur – an der renommierten Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen mit nichts weiter als ein paar Skizzen beworben – und wurde aufgenommen.

Nach seinem Abschluss holte ihn Jean Paul Gaultier nach Paris. Der französische Provokateur, der den heteronormativen Stil revolutionierte und das Chaos feierte, der die Postmoderne in lautem Kontrast zu den minimalistischen Designs der 90er-Jahre auf den Laufsteg brachte, legte den Grundstein für Glenn Martens’ Liebe fürs Extreme.

Die lebte er vor Kurzem erst mit Kollaborationen mit Jean Paul Gaultier Haute Couture und den Mainstream-Marken UGG und Fila aus. Die erste brachte ihm den Titel „The First Great Designer of 2022“ der „New York Times“ ein. Größte virale Aufmerksamkeit erhielt das von ihm entworfene smaragdgrüne Kleid, das Jada Pinkett Smith zu den Oscar-Verleihungen trug.

Die zweite bescherte ihm durch die vermeintlich unattraktive Interpretation von Surf-Boots eine Celebrity-Fangemeinde von Rihanna bis Kanye West. Instagram- und Twitter-Feeds wurden mit den Bildern überflutet.

Die Mode-Avantgarde verehrt ihn, weil er sich mit seinen massiven, kunstvollen Stoffformationen, mit Boots, in denen er überschüssiges Schaffell zu absurder Deformität bündelt, und mit Jacken, die wie durch Geisterhand am Kragen hochgezogen werden, als Fashion-Surrealist des Internetzeitalters inszeniert. Seine Designs kann man nicht in Kategorien wie „Street“ oder „Couture“ einteilen. Er spielt mit Mode und erschafft dabei komplexe, kunstvolle und wundervoll verwirrende Kreationen.

Wer ist Glenn Martens? Wir treffen uns zum Interview im virtuellen Raum. Der Designer sitzt zunächst im falschen. „Ich verlaufe mich immer noch. Jedes Mal fehlt ein Link oder ein Passwort.“

Aber dann klappt es doch noch mit unserem Gespräch.

GQ: Das war wirklich ein erfolgreiches Jahr für Sie. Die „New York Times“ hat Sie zum „First Great Designer of 2022“ gekürt. Und Celebritys von Ye über Julia Fox bis hin zu Rihanna lieben Ihre Mode. Ist das Ihr Star-Moment?

Glenn Martens: Nicht wirklich, wenn man so viel Arbeit hat. Es war ein sehr intensiver Jahresbeginn mit den drei Kollektionen. Nach der dritten, der letzten Diesel-Show, bin ich direkt in die Vorproduktion gegangen. Jetzt haben wir in zwei Wochen eine Show in Japan mit Y/Project, und dann bin ich auf der Pariser Modewoche. Wenn man sich auf eine solche Achterbahn begibt, versucht man einfach, nicht zu viel darüber nachzudenken. In dem Moment, in dem man darüber nachdenkt, was passiert, bekommt man eine Panikattacke. (lacht) Ich fühle mich natürlich sehr geehrt und glücklich. Gestern hat Chloë Sevigny eines meiner Kleider getragen. Sie hat es zu ihrer Hochzeit getragen! Und es ist ein bisschen wie ein Schlag ins Gesicht, wow, es ist Chloë Sevigny in meinem Kleid an ihrem Hochzeitstag! Und zwei Minuten später sitze ich in einer Besprechung über Produktionsplänen oder Unterwäsche … Ich versuche also, mich auf meine Arbeit zu konzentrieren und all diese Dinge an mir vorbeiziehen zu lassen, aber sie auch zu genießen. Und ja, auf dem Boden der Tatsachen zu bleiben. Das ist nicht immer einfach.

Looks aus der Y/Projekt FW22 KollektionDanielle Mango

In der Vergangenheit haben Kritiker Ihre Kollektionen oft als zu schräg, als zu viel bezeichnet, als einen Krieg gegen die Symmetrie oder als tragbares kontrolliertes Chaos. In den letzten zwei Jahren hat sich unser Leben deutlich von Ordnung zu Unordnung verändert. Ich finde, dass Ihre Mode dies in gewisser Weise widerspiegelt. Passt sie genau jetzt in die Zeit?

Es ist immer eine Frage des Timings. Ich erinnere mich daran, dass wir vor sechs oder sieben Jahren mit Y/Project angefangen haben, Unisex-Kleidung zu entwerfen. Wir nahmen die gleichen Schnittmuster für Männer und für Frauen. Die Leute haben sich darüber aufgeregt, dass die Ärmellänge nicht passte. Genau genommen haben wir zur selben Zeit wie Vetements genau das Gleiche gemacht. Bei Vetements haben das alle akzeptiert. Ich weiß also nicht, ob es nur am Timing liegt. Ich denke, es liegt eher an der Y/Project-Identität, die eklektisch und vielseitig ist. Wir versuchen, die Kreativität und das Konzept vor die Schönheit oder die Silhouetten zu stellen. Es ist einfacher, sich für eine klare, geradlinige Botschaft zu entscheiden. Ich denke, deshalb ist die Logomania so groß geworden, weil es so einfach ist, sich auf ein großes Logo einzulassen. Bei Y/Project ist es genau das Gegenteil. Wir setzen auf aufregende Konstruktionen und anspruchsvolle Silhouetten. Ich bin mir nicht sicher, ob die Leute sich heute mehr darauf einlassen, weil die Zeiten chaotisch sind. Ich glaube eher, dass sie viel Zeit gebraucht haben, um das zu verstehen.

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Sie haben ursprünglich Innenarchitektur studiert. In welcher Weise beeinflusst das Ihre Entwürfe?

Es hat meine kreative Denkweise stark geprägt. Ich komme aus einem klassischen Umfeld. Ich bin in Brügge in Belgien aufgewachsen, was vielleicht mit Augsburg in Deutschland vergleichbar ist. Es ist eine kleine, schöne Provinzstadt, aber nicht sehr aufregend. Dort passiert nichts. Das erste Mal, dass ich mich auf eine gestalterische Art und Weise ausdrücken konnte, war in der Innenarchitektur. Das habe ich definitiv mit in die Mode genommen. Am Anfang waren die ersten Entwürfe, die ich an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen gemacht habe, im wahrsten Sinne des Wortes Häuser. Ich habe es nicht geschafft, den menschlichen Körper (lacht) mit der Kleidung und den Entwürfen zu verbinden. Als ich später das Handwerk erlernte, begannen die Kleidungsstücke und die Körper miteinander zu sprechen. Dennoch sind meine Entwürfe immer noch sehr konstruiert, besonders bei Y/Project, und das kommt von der Innenarchitektur – Rekonstruktion und Experiment. Architektur hat also definitiv meine Ästhetik und meinen Denkprozess beeinflusst.

War es eher ein Zufall, dass Sie in der Modebranche gelandet sind?

Ja. Ich hatte mein Studium der Innenarchitektur abgeschlossen und wusste nicht, was ich tun sollte. Ich war 21 und fühlte mich viel zu jung, um zu arbeiten. Wir hatten zu Hause eine Regel: Ich darf weiterstudieren, solange ich nicht durchfalle. Sonst müsste ich mein Studium selbst bezahlen. Da ich in meinem Innenarchitekturstudium nicht durchgefallen war, konnte ich weiter studieren. An Mode hatte ich gar nicht gedacht, aber das Gebäude der Akademie in Antwerpen, das von der belgischen Architektin Marie-José van Hee entworfen wurde, war wunderschön.

Ich dachte also, es wäre toll, auf eine Schule zu gehen, deren Gebäude so gut gestaltet ist. Die Akademie galt als eine der angesagtesten Schulen in Europa. (Anm. der Redaktion: Raf Simons, Martin Margiela und Dries Van Noten waren dort Schüler) Mehr als vier- oder fünfhundert Leute aus der ganzen Welt bewarben sich. Aber sie nahmen nur achtzig auf. Seltsamerweise wurde ich angenommen. Aber ich hatte es nicht zu Ende gedacht. Mir war nicht klar, dass man seine Entwürfe auch nähen muss. Ich war völlig unvorbereitet. Ich hatte keine Ahnung, wer Karl Lagerfeld war oder Alexander McQueen. Ich wusste nichts über Mode. Es war wirklich nur ein glücklicher Zufall.

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Looks aus der Y/Projekt FW22 KollektionDanielle Mango

Hat Antwerpen, Ihr belgischer Hintergrund, Sie geprägt?

Meine Heimatstadt Brügge ist mit Sicherheit wichtig für meine Ästhetik. Die Stadt bietet einen interessanten Kontrast. Sie ist an sich streng mit ihrer nordischen Gotik. Sie ist dunkel, traurig und melancholisch. Aber innerhalb der Stadt gibt es den Rotlichtbezirk mit Neonlicht und Prostituierten. Das ist sehr aggressiv. Es liegt viel zwischen diesen beiden Welten. Andererseits ist die belgische Schule ästhetisch sehr vielfältig. Ich glaube nicht, dass Dries Van Noten und Martin Margiela, die zu den Antwerp Six gehören, oder ich eine ähnliche Ästhetik haben. Was wir gemeinsam haben, was uns verbindet, ist, dass wir ein Konzept haben, das vor den Kleidungsstücken steht. Ob das Konzept nun Farben oder schöne Drucke bei Dries bedeutet oder bei mir das Dekonstruieren oder Rekonstru-ieren, es ist immer der Ausgangspunkt.

Wie wirkt sich das auf Ihre Designs aus?

Ich schätze die Ästhetik der klassischen Eleganz, aber dann versuche ich, sie zu versauen. Diese beiden gegensätzlichen Elemente miteinander ins Gespräch zu bringen, das ist mein belgisches Erbe.

Sie haben direkt nach dem Studium bei Jean Paul Gaultier gearbeitet, einem der größten Designer dieser Zeit. Wie hat Sie das geprägt?

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Von Anna Rinderspacher

Ich war mir gar nicht bewusst, wie genial Jean Paul Gaultier war. Dass er das Street-Casting erfunden hat, indem er Leute in Clubs aufgespürt und sie dann auf seinen Couture-Laufsteg gebracht hat. Das war mir nicht klar, als ich dort arbeitete. Ich dachte, dass dies seine Auffassung von Ästhetik ist. Was ich bei Gaultier geliebt habe, war die Art und Weise, wie er arbeitete. Die Ethik seines Hauses. Es gab kaum eine Hierarchie. Ich war ein Junior-Designer, war aber immer bei den Fittings dabei. Das ist etwas, was es in anderen Modehäusern nicht gegeben hat. Vor 15 Jahren war der Kreativdirektor eine Art Gott, der sich in einen Raum zurückzog, in den niemand vordringen konnte. Bei Gaultier war das nicht so. Wir haben alle zusammengearbeitet. Es war eine fröhliche, familiäre Arbeitsweise. Ich hatte viele Freunde in meinen Kursen, die später in anderen Luxushäusern arbeiteten, wo sie wirklich traumatisiert wurden. (lacht) Die Modebranche kann sehr aggressiv und zickig sein. Erst später entdeckte ich den wahren Wert von Jean Paul Gaultiers Innovationsgeist. Er war einer der wichtigsten Wegbereiter der Branche. Er öffnete vielen Leuten die Türe. Ja, Jean Paul. (seufzt)

Look aus der Y/Projekt FW22 KollektionDanielle Mango

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Looks aus der Y/Projekt FW22 KollektionDanielle Mango

Welche Philosophie steckte hinter der Haute-Couture-Kollektion, die Sie für das Haus Gaultier entworfen haben und die Anfang dieses Jahres präsentiert wurde?

Jean Paul war zu der Zeit bereits bei Gaultier ausgestiegen. Es war nicht meine Aufgabe, das Haus in eine neue Zukunft zu führen. Ich war ja nur für eine Saison dort. Es ging darum, nicht meine DNA, sondern das Erbe der Marke und Gaultiers Sicht auf die Frauen zu feiern. Die Leute von Gaultier waren noch vor Beginn der Pandemie auf mich zugekommen. Dann wurde alles verschoben. Ich hatte den Vertrag noch vor meinem Antritt bei Diesel unterschrieben. Mir war klar, was mich erwartete. Deshalb beschloss ich, die gesamte Kollektion im Jahr 2020 zu entwerfen, denn ich wusste, dass ich nach dem Start bei Diesel keine Zeit mehr haben würde, mich damit zu beschäftigen. Im Dezember 2020 war alles fertig. Ich war gut organisiert. Wissen Sie, ich bin in Deutschland geboren, in Soest. (lacht) Ich denke auf die deutsche Art.

War es einfacher, diese Kollektion zu entwerfen, weil Sie schon einmal für ihn gearbeitet haben?

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Es war eigentlich supereinfach. Ich habe mich nach dem gerichtet, was ich für das Haus empfand. Gaultier ist ein so enigmatisches Haus. In dem Moment, in dem man die Augen schließt, sieht man die Silhouetten. Sie sind so klar und ikonisch. Ich schloss also die Augen und fragte mich: Was fällt dir als Erstes ein, wenn du an Jean Paul Gaultier denkst? Die Frau, die Korsetts, die Transparenz. Und daraus habe ich meine eigenen Kreationen entwickelt. Ich habe die Zutaten genommen, die mich berührten, die mir gefielen, die ich für relevant hielt. Ich war glücklich. Das war etwas, das ich schon sehr lange machen wollte.

Auch in Ihre Y/Project-Mode packen Sie ein wenig Gaultier, die Brüste und Penis-Prints und all die Layers.

Die Haute-Couture-Kollektion war Glenn Martens mit Jean Paul Gaultier. Die Ready-to-wear-Kollektion mit den Prints ist Y/Project mit Gaultier. Das sind zwei verschiedene Ansätze. Ich bin für Y/Project von einem Konzept von Jean Paul ausgegangen, das wir alle aus den späten Achtzigern kennen: dem Body Morphing. Das haben wir aufgegriffen und uns zu eigen gemacht.

Die Prints waren irgendwie ironisch.

Wir haben die Körper von Mann und Frau übereinandergelegt. Es war uns wichtig, die Gesellschaft so darzustellen, wie sie unserer Meinung nach sein sollte. Das ist typisch für Y/Project. Es ist Teil der Marken-DNA, ein Kleidungsstück zu entwerfen, bei dem es keine Rolle spielt, ob es männlich oder weiblich ist oder umgekehrt oder was auch immer. Man muss sich mit den Fragen auseinandersetzen: Wer bin ich? Wie möchte ich das tragen? Wie möchte ich wahrgenommen werden? Vom ersten Tag an haben wir unisex- oder geschlechtslose Mode entworfen. Ein und dasselbe Kleidungsstück kann viele Antworten geben, man kann mit ihm spielen, es sich zu eigen machen.

Woher nehmen Sie die Inspiration?

Meine ersten Ideen bekomme ich immer nach einem Spaziergang durch die Stadt. Ich gehe gerne zu Fuß, und Paris ist eine Stadt, in der man gut laufen kann. Und ich liebe es, mit der Metro zu fahren. Seltsamerweise gehöre ich zu den wenigen Menschen, die sich immer darauf freuen. Ich genieße es, weil ich gerne Leute anstarre. Das ist ein bisschen schräg, aber ich starre die Leute wirklich an. (lacht) Es ist ein kreativer Prozess zu beobachten, wie Kleidung an jemandem wirkt. Wie eine Person eine ganz andere Ausstrahlung bekommt, wenn sie einen Turnschuh trägt oder High Heels. Es ist interessant zu sehen, wie Kleidung eine Persönlichkeit formt.

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Das verzerrende Remixen ist Ihr Markenzeichen geworden. Mit Ihren Entwürfen überschreiten Sie Grenzen. Setzen Sie sich selbst manchmal welche?

Nein. Jede Saison stellen mein Design-Team und ich uns die Frage: Werden wir das wirklich tun? Sind wir sicher? Und dann sagen wir: natürlich! Wir machen es einfach! Genau darauf haben wir diese Marke aufgebaut, das ist die DNA von Y/Project. Es geht darum, an die Grenzen zu gehen, die Norm herauszufordern, Dinge zu hinterfragen.

Entspricht das der Realität?

Ich weiß, dass jemand in der Lage sein muss, unsere Mode zu tragen. (lacht) Aber es gibt Kleidungsstücke, die wir entworfen haben, die nur auf dem Laufsteg eine Lebensdauer haben, weil danach niemand mehr weiß, wie man sie anziehen kann. Aber das ist ein Teil des Spaßfaktors. Manchmal machen wir also Dinge nur zu unserem eigenen Vergnügen. Und das ist auch gut so.

Denken Sie in den Kategorien „hässlich“ oder „schön“?

Nein. Es ist mir egal. Bei Y/Project geht es mehr um den Eklektizismus und die Kreativität. Y/Project ist definitiv nicht auf Schönheit ausgerichtet.

Sie haben auch eine Vorliebe für perfektes Tailoring. Wie wichtig ist dieser handwerkliche Aspekt?

Ich persönlich mag Tailoring. Bevor ich meine eigene Marke hatte, war ich leitender Schnittmacher. Ich habe jedes einzelne Schnittmuster entworfen. Konstruktion war etwas, das ich lernen musste. Es ist eine der wenigen Frustrationen in meiner jetzigen Position, dass ich aus Zeitmangel kaum in der Lage bin, mich mit Fittings zu beschäftigen.

Wie wichtig sind Ihrer Meinung nach Humor, Schrägheit oder sogar Trash in der Mode?

Für meine eigene Mode ist das wichtig. Ich mag aber auch Designer, die sehr ernsthafte Kollektionen machen. Aber in meiner Welt sind Ironie, Spaß, Surrealismus und Absurdität sehr wichtig. Das ist es, was ich wirklich genieße. Ich glaube nicht, dass das für Mode im Allgemeinen ausschlaggebend ist. Aber es ist wichtig für meine Mode. Ich mag es, mich selbst nicht zu ernst zu nehmen.

Looks aus der Y/Projekt FW22 KollektionDanielle Mango

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Würden Sie sagen, dass Mode – so wie Kunst – eine Art visuelle Konversation ist?

Einer der besten Aspekte an Mode: Sie ist multidimensional. Man kann mit vielen verschiedenen Menschen aus vielen verschiedenen Gründen über sie sprechen. Ich glaube, dass Kleidungsstücke wirklich eine Möglichkeit sind, die Persönlichkeit eines Menschen zum Ausdruck zu bringen. Es gibt auch Situationen, in denen Kleidung das nicht tun sollte. Ich mache bisweilen die Kreation nur der Kreation zuliebe. Ich denke nicht, dass Mode richtige Kunst ist. Aber es gibt Augenblicke, in denen sie die Kunst berührt.

In der Kunstwelt gibt es zum Beispiel den Expressionismus. Wie würden Sie Ihre visuelle Sprache beschreiben?

Sie ist ein bisschen wie Barock, zum Teil sehr opulent. Aber dann ist sie auch auf Acid – also Barock auf Acid. Man denkt, das ist Barock, aber es ist eigentlich nicht Barock. Meine Mode ist immer sehr opulent, selbst die minimalistischen Stücke.

Das trifft es auf den Punkt. Ihre Entwürfe sind nie bourgeois, aber immer progressiv. Ist das der Acid-Aspekt?

Der Acid-Aspekt ist wichtig, es ist also ein Mix aus beidem. Es macht Spaß. Manchmal spiegeln wir eine bürgerliche Frau wider, die in Wirklichkeit betrunken ist. Kurz gesagt: Alles ist immer ein bisschen daneben.

Wir haben die Möglichkeiten geschaffen, dass Sexualität und Männlichkeit ein breiteres Spektrum haben und es viele verschiedene Arten gibt, sich als Mann auszudrücken.

Medien verpassen gerne Etiketten. Ihre Kollektionen wurden oft als „Street“ bezeichnet. Was halten Sie von solchen Stereotypen?

Ich finde „Street“ ist eines der fiesesten Wörter, mit denen Leute meine Arbeit bezeichnen können, dass es sich bei meiner Mode um „Street Couture“ handelt, ich hasse es. Meine Kollektionsteile, vor allem die von Y/Project, sind sehr gut verarbeitet. Sie sind keine Streetwear. Es geht um die Handwerkskunst hinter den Kleidungsstücken. In dem Moment, in dem ich ein Kleidungsstück weggebe, muss es sein eigenes Leben leben. Die Menschen müssen damit machen können, was sie wollen. Früher war ich frustriert, wenn ich auf Instagram sah, dass meine Mode auf eine falsche Art, eine nicht so schöne, getragen wurde. So wie sie gestylt war, wurde aus dem Träger eine ganz andere Person. Nicht die, die ich mir vorgestellt hatte. Jetzt habe ich meinen Frieden damit gemacht.

2020 sind Sie zum Kreativdirektor von Diesel ernannt worden. In der Vergangenheit haben Sie bereits mit UGG und Fila zusammengearbeitet. Was reizt Sie an diesen zwar traditionellen, aber auch massentauglichen Marken?

Bei UGG und Fila war es zunächst schwierig, weil beide Marken ikonisch sind. Also sagte ich: Okay, versuchen wir, sie zu zerlegen und wieder zusammenzusetzen und neu zu erfinden, ohne dieselben Codes zu verwenden. Bei Diesel geht es mehr um das Ethos. Ich war aufgeregt, weil Diesel nicht nur ein Produkt ist. Diesel ist eine Welt, in der es nicht wirklich um „successfull living“ geht. Es geht um die freche, sexy Ausstrahlung der Marke und die Idee, dass man viele Leute damit ansprechen kann. Diesel ist eine demokratische Marke, kein Luxus. Ich habe immer gedacht, dass ich im Luxusbereich landen würde, weil ich vom Tailoring, aus der Kunst und aus der Konstruktion komme. Ich hätte nie gedacht, dass ich bei einer Marke wie Diesel landen würde.

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Bei Diesel spreche ich jetzt weltweit mit Menschen, auch mit jenen, die vielleicht nicht das Privileg haben, frei zu reden, anders zu denken. Aus Ländern, in denen das politische System gegen die LGBTQIA+-Rechte ist. Ich poste auf Instagram oft Bilder, die homoerotisch sind, und bekomme viele Rückmeldungen dazu, auch eine Menge Gegenreaktionen. Ich bringe diese Bilder ein, um den Prozess der Akzeptanz zu beschleunigen.

Die Mode hat ein Nachhaltigkeitsproblem? Wie gehen Sie damit um?

Wir haben bei Y/Project eine Evergreen-Linie, eine Carry-over-Capsule-Kollektion mit nachhaltig produzierten Materialien. Es geht darum, ein Gleichgewicht zu finden. Es ist schwierig, eine Richtung zu finden, aber wir müssen definitiv an die Zukunft denken. Diesel arbeitet ebenfalls intensiv daran, umweltfreundlicher zu werden. Wir haben dort eine nachhaltig produzierte Library-Kollektion eingeführt. Nachhaltigkeit in der Mode darf kein Privileg sein.

Ihre Entwürfe sind geprägt von einem intellektuellen Blick auf die männliche und weibliche Sexualität und die Sexualität dazwischen. Wie passen Intellekt und Sexualität zusammen?

Ich bin mir nicht sicher, ob meine Mode immer intellektuell ist, manchmal kann sie auch einfach nur sexy sein. Es gibt Entwürfe, die sehr sinnlich und sexuell sind, aber auf eine sehr bedeckte Art und Weise, und es gibt Situationen, in denen ich viel Haut und Körperformen zeige. Aber auch wenn es offensichtlich sexy ist, denke ich, dass die Konstruktion des Kleidungsstücks oder der Impuls des Kleidungsstücks immer ein wenig im Vordergrund steht. Es ist schön, wenn Menschen sich manchmal einfach nur sexy fühlen können.

Denken Sie, dass sich Männer in den letzten Jahren in Bezug auf ihre Männlichkeit, ihren Stil und ihre modische Ausdrucksfreiheit stark verändert haben?

Wir haben die Möglichkeiten geschaffen, dass Sexualität und Männlichkeit ein breiteres Spektrum haben und es viele verschiedene Arten gibt, sich als Mann auszudrücken. Ich sage nicht, dass jeder Mann das mag. Es gibt Männer, die immer noch einem Stereotyp entsprechen wollen. Aber heute sind die Möglichkeiten vielfältiger geworden. Ich war vor Kurzem im „Berghain“ in Berlin. Die jüngere Generation ist viel individueller in ihrer Art, sich durch Kleidung auszudrücken. Sie entsprechen keinen Klischees, was ich fantastisch finde. Aber das ist nicht überall auf der Welt so. Es gibt immer noch eine Menge zu tun. Stereotypen sind dazu da, gebrochen zu werden: das zu tun, was man tun will, und zu tragen, was man tragen will, und zu sein, wer man sein will, solange man einander respektiert und liebt.

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Was könnte in Ihrer Zukunft noch kommen? Gibt es neben der Mode noch etwas, das Sie reizt?

Im Moment habe ich in der Modebranche und in den Unternehmen, in denen ich arbeite, viel zu tun. Die Diesel-Geschichte hat ja gerade erst begonnen. Mein Hauptziel ist es, weiterzuarbeiten und es zu genießen. Ich lebe einen Traum. Die Arbeitsbelastung allerdings bringt es mit sich, dass ich nur selten etwas für mich selbst tun kann. Vielleicht wird mein Privatleben mein neuer Schwerpunkt, meine Freunde treffen, eine Liebe finden, einfach so etwas? So könnte meine Zukunft im Moment aussehen.

Das ist die Gefahr, wenn man seinen Job liebt. Der Job beherrscht das Leben.

Ja, es ist eine Leidenschaft. Sie ist immer da. Manchmal hat man Angst, dass man bestimmte Dinge auslässt, dass man etwas verpasst. Seit September vergangenen Jahres habe ich an sieben Tage die Woche gearbeitet. Offensichtlich bin ich ein überaktiver Mensch. Ich habe immer Ideen. Ich habe ein ganzes Team von überdrehten, kreativen Designern. In den letzten Wochen aber klingelten die Alarmglocken, sie signalisierten: Okay, du bist ein Mensch, du musst etwas unternehmen.

Und das taten Sie dann auch?

Ich fuhr nach Baden-Baden. Ich war in der Therme Friedrichs Bad. Sie sieht aus wie eine Kulisse in einem Wes-Anderson-Film. Ich fühlte mich direkt ins 19. Jahrhundert zurückversetzt. Es war herrlich.

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