Deutsche Renaissancekunst: Geschichte, Charakteristik - Gallerix
Nur der Giebel, der sich über dem Mittelteil erhebt, ist ein Zugeständnis an den deutschen Geschmack. Der Gesamteindruck dieses Bauwerks ist von Eleganz geprägt ...
Deutsche Renaissancekunst: Geschichte, Charakteristik

Toggle navigation

![](https://cdn.gallerix.asia/x/src/ac/peace.png)![](https://cdn.gallerix.asia/x/src/slogo.32.png)![](https://cdn.gallerix.asia/x/src/slogotx.32.png)

Toggle Search

- _Toggle menubar_
- Toggle fullscreen
- Boxed page
- Toggle Search
- [**Windschutz**](//de.gallerix.ru/news/tea/202407/vetrolom/)







[**Welche Borstenpinsel eignen sich zum Streichen?**](//de.gallerix.ru/tech/kist-s-shetinoy-iz-kakogo-materiala-podxodit-dlya-zhivopisi/)







[**Was das Maly Theater für uns für den Sommer vorbereitet hat**](//de.gallerix.ru/news/tea/202406/chto-prigotovil-nam-na-leto-malyy-teatr/)







[**Die Abenteuer des Baron Münchhausen in Russland – Ausstellung in der Eremitage**](//de.gallerix.ru/news/dom/202406/priklyucheniya-barona-myunxgauzena-v-rossii/)







[**Eine Künstlerreise auf der Suche nach Inspiration: Ekaterina Stolyarova**](//de.gallerix.ru/invited/202405/puteshestvie-xudozhnika-v-poiskax-vdoxnoveniya-ekaterina-stolyarova/)







[**10 häufig gestellte Fragen zur Ölmalerei von angehenden Künstlern**](//de.gallerix.ru/learn/10-chasto-zadavaemyx-voprosov-o-maslyanoy-zhivopisi-ot-nachinayushix-xudozhnikov/)







[**Atlantis**](//de.gallerix.ru/pedia/atlantida/)









![92 vor mehr als einem Jahrzehnt gestohlene Kunstwerke werden in einem Schloss in Pas de Calais ausgestellt](https://cdn.gallerix.asia/x/zoom/2024/May/g58j67.jpg)



**92 vor mehr als einem Jahrzehnt gestohlene Kunstwerke werden in einem Schloss in Pas de Calais ausgestellt**

23/05/2024









![Der Geologe und Kunsthistoriker behauptet zu wissen, wo die Mona Lisa gemalt wurde](https://cdn.gallerix.asia/x/zoom/2024/May/screenshot_20240514_191902.jpg)



**Der Geologe und Kunsthistoriker behauptet zu wissen, wo die Mona Lisa gemalt wurde**

14/05/2024









![Experten kommentieren den Cyberangriff, der dazu führte, dass die Website von Christie’s während der großen Auktionswoche nicht verfügbar war](https://cdn.gallerix.asia/x/zoom/2024/May/ronan-dorard-3kbns2wmnka-unsplash.jpg)



**Experten kommentieren den Cyberangriff, der dazu führte, dass die Website von Christie’s während der großen Auktionswoche nicht verfügbar war**

14/05/2024









![Das Prado-Museum hat die Urheberschaft von Caravaggio bestätigt](https://cdn.gallerix.asia/x/zoom/2024/May/eccehomo.jpg)



**Das Prado-Museum hat die Urheberschaft von Caravaggio bestätigt**

11/05/2024











* * *


- [Share](javascript:void(0) "Share")
- [Русский](//gallerix.ru/pedia/history-of-art--german-renaissance/) [Español](//es.gallerix.ru/pedia/history-of-art--german-renaissance/) [Français](//fr.gallerix.ru/pedia/history-of-art--german-renaissance/) [Deutsche](//de.gallerix.ru/pedia/history-of-art--german-renaissance/) [中文](//gallerix.asia/pedia/history-of-art--german-renaissance/)

- [Anmelden](//de.gallerix.ru/user/) [Registrieren](//de.gallerix.ru/user/join/)


- Museum

Alte Gemälde
- [Gemälde](javascript:void(0))
  - [Bildergalerie](//de.gallerix.ru/a1/)
  - [Maler](//de.gallerix.ru/storeroom/)
  - [Museen der Welt](//de.gallerix.ru/album/Museums)
  - [Russische Maler](//de.gallerix.ru/album/Russians)
- [Lektüre](javascript:void(0))
  - [Bücher](//de.gallerix.ru/lit/)
  - [Enzyklopädie](//de.gallerix.ru/pedia/)
  - [Filme](//de.gallerix.ru/read/filmy-o-xudozhnikax/)
  - [Lernen](//de.gallerix.ru/learn/)
- ArtClub

Unsere Zeitgenossen
- [Messe](javascript:void(0))
  - [Bildende Kunst](//in.gallerix.org/)
  - [Zeichnungen](//graf.gallerix.org/)
  - [Digitale Kunst](//digital.gallerix.org/)
  - [Handarbeit](//crafts.gallerix.org/)
  - [Zeitgenössische Kunst](//c.gallerix.org/)
  - [Heiligenbild](//icon.gallerix.org/)
  - [Foto](//foto.gallerix.org/)
  - [Skulptur](//sculpt.gallerix.org/)
  - [Kinderzeichnungen](//kids.gallerix.org/)
  - [Kleidungsdesign](//tog.gallerix.org/)
  - [Straßenkunst](//street.gallerix.org/)
  - [Körperkunst](//bodyart.gallerix.org/)
  - [Innere](//int.gallerix.org/)
  - [Stickerei](//embro.gallerix.org/)
- [Laden](javascript:void(0))
  - [Kunstwerke im Angebot](//in.gallerix.org/buy/)
  - [Bestellen Sie ein Gemälde](//in.gallerix.org/board/)
  - [Katalog](//in.gallerix.org/workshop/)
- [Gemeinschaft](javascript:void(0))
  - [Linie](//ac.gallerix.org/)
  - [Gallerix Top-100](//in.gallerix.org/top100/)
  - [Beste Kunstwerke](//in.gallerix.org/days/)
  - [Karriere](//in.gallerix.org/vac/)
  - [Kostenlose Bilder](//in.gallerix.org/free/)
  - [Neue Alben](//in.gallerix.org/albums/)
  - [Alle Mitglieder](//in.gallerix.org/autors/)
- Interaktiv
- [Veranstaltungszeitplan](//de.gallerix.ru/afisha/)
- [Конкурсы](//de.gallerix.ru/c/)
- [Puzzles](//de.gallerix.ru/pazly/)
- [Forum](//de.gallerix.ru/forum/)

2. [Enzyklopädie](//de.gallerix.ru/pedia/)

# Deutsche Renaissancekunst: Geschichte, Charakteristik 6 232 Worte![](https://cdn.gallerix.asia/x/src/var/gtrans48.png) Automatische übersetzen **Originaltextautor - Neil Cоllins**

- [**0**](#tab-2)

In Deutschland, jenseits der Alpen, die als eine Art Barriere für alle eintreffenden Informationen dienten, und weit entfernt von der Kultur der klassischen Antike, die in Italien ein fruchtbarer Boden für moderne Ideen war, verzögerte sich der Übergang vom Mittelalter zur Moderne um fast 100 Jahre.  Um 1500 hatte Italien bereits die [Frührenaissance](/pedia/history-of-art--early-renaissance/) (1400-90) erlebt und befand sich im Stadium der [Hochrenaissance](/pedia/history-of-art--high-renaissance/) (1490-1530). Im Gegensatz dazu war die deutsche Kunst noch an die Stilformen der [Gotik](/pedia/history-of-art--gothic/) und [Internationalen Gotik](/pedia/history-of-art--international-gothic/) gebunden. So heben sich die Marienbilder immer vor einem goldenen Hintergrund ab – eine Technik, die in anderen europäischen Ländern längst aufgegeben wurde.

Erst zu Beginn des sechzehnten Jahrhunderts beginnt die deutsche Kunst, sich vom mittelalterlichen Bewusstsein zu befreien: selbst dann entwickelt sie sich auf ihre eigene Weise.

### Was ist die germanische Renaissance? – Merkmale

Die künstlerischen Kontakte zwischen italienischen Städten wie Florenz, Siena und Venedig und den deutschen Städten hielten während des größten Teils des 15. Jahrhunderts an. Die humanistischen Ansichten und die neue Sichtweise der italienischen [Kunst der Renaissance](/pedia/renaissance-art/) wurden sowohl von italienischen Wanderkünstlern als auch von den in der Mitte des 15. Dadurch wurden die deutschen Künstler allmählich an die „neue“ Kunst herangeführt und ermutigt, Studienreisen in die „Wiege der Kunst“ zu unternehmen, um die italienischen Meister vor Ort im Original zu studieren.

So wichtig der Einfluss [der Malerei der Frührenaissance](/pedia/history-of-art--early-renaissance-painting/) auf die Entwicklung der deutschen Kunst war, so wichtig waren auch die Entwicklungen in ihrer Heimat, wo die Reformation weiterhin spürbar war. In einem Land, das den Erfolg der protestantischen Reformationsbewegung erlebt hatte, die sich gegen die Malerei aussprach, gab es keine Nachfrage mehr nach [religiöser Kunst](/pedia/religious-art/) . Dies war ein schwerer Schlag für die Künstler, da sie damit ihre wichtigste Auftrags- und Einkommensquelle verloren, was erklärt, warum das Mäzenatentum und die Malerei am Hof an Bedeutung gewannen. Um den Wegfall ihres wichtigsten Auftraggebers, der Kirche, zu kompensieren, waren die deutschen Künstler gezwungen, sich anderen Themen zuzuwenden, insbesondere der [Porträtmalerei](/pedia/genres--portrait-art/) und der [Landschaftsmalerei](/pedia/genres--landscape-painting/), die sie an den Adel und das Bürgertum verkauften.

### Die größten Künstler der deutschen Renaissance

Die beiden größten [Alten Meister](/pedia/old-masters/) der [nördlichen Renaissance](/pedia/history-of-art--northern-renaissance/) in Deutschland waren der produktive und ehrgeizige Zeichner Albrecht Dürer aus Nürnberg (1471-1528) und der religiöse Fanatiker aus Mainz, Matthias Grünewald (1470-1528). Andere Künstler, die in dieser Zeit eine Rolle in der Entwicklung der deutschen Malerei spielten, waren [Stephan Lochner](/pedia/old-masters--stefan-lochner/) (ca. 1400-1451), der Star [der Kölner Schule](/pedia/history-of-art--cologne-school/), der Kupferstecher [Martin Schongauer](/pedia/old-masters--martin-schongauer/) (nach 1455-1491), am bekanntesten für seine Madonna im Rosenkranz (1473.); Lucas Cranach der Ältere (1472-1533), berühmt für seine Hofporträts und Frauenakte, der Visionär [Hans Baldung Grin](/pedia/old-masters--hans-baldung-grien/) (1484-1545), und der bedeutende Porträtist Hans Holbein der Jüngere (1497-1543). Zu den wichtigsten Gemälden, siehe: [Die größten Gemälde der Renaissance](/pedia/history-of-art--renaissance-paintings/) . Prominente deutsche Bildhauer, meist Holzschnitzer, waren Hans Mulcher (1400-1467), [Michael Pacher](/pedia/old-masters--michael-pacher/) (1430-1498), Fait Stoss (ca. 1447-1533), Tilman Riemenschneider (ca. 1460-1531) und Gregor Ehrhart (ca. 1460-1540).

### Deutsche Kunst der Renaissance

Zu den Kunstformen, die während der Renaissance in Deutschland und Österreich vorherrschten, gehörten: die grafische Kunst wie [Drucke](/pedia/printmaking/) (Holzschnitte, Stiche und Radierungen), [die Kunst der Standbilder](/pedia/history-of-art--altarpiece/) und kleinere religiöse Werke, sowie weltliche [Tafeln](/pedia/painting--panel-paintings/) – hauptsächlich Porträts – und religiöse [Holzschnitzereien](/pedia/sculpture--wood-carving/) .

### Albrecht Dürer

Der in Nürnberg geborene [Albrecht Dürer](/pedia/old-masters--albrecht-durer/), Sohn eines Juweliers, besuchte zweimal Italien, 1494 und 1501, und wurde stark von der [Malerei der Hochrenaissance](/pedia/history-of-art--high-renaissance-painting/) – insbesondere von Venedig beeinflusst. Er lernt Mathematik und Geometrie als Hilfsmittel für die Kunst zu schätzen und wird in das Studium der Natur und der menschlichen Anatomie eingeführt. Perspektive, Proportionsverhältnisse, Mäßigung und Harmonie waren für ihn aufregende neue kompositorische Elemente, die ihn zu einem wichtigen Vermittler zwischen dem südlichen und dem nördlichen Renaissancestil machten.

> [![](https://cdn.gallerix.asia/x/visio/825575191.jpg)\
> \
> Gemälde von Albrecht Dürer](/storeroom/825575191/)

Dieser italienische Einfluss war jedoch nur an der Oberfläche. Obwohl eine gewisse Farbenpracht und eine Art venezianische Behandlung des Lichts in seinen Werken jener Zeit zu erkennen sind, hat er die wahre Bedeutung des italienischen Klassizismus nicht erfasst und bleibt im Wesentlichen ein nordischer Maler, ein Zeichner, der immer in Linien denkt. Auch in seinen Gemälden bleibt er ein Linienmaler, und ein Großteil seines Werks besteht aus Zeichnungen und Stichen, sowohl auf Holz (z. B. Apokalypse Serie 1498, zwei Serien von Passion und Leben der Jungfrau), als auch auf Metall (z.B. die berühmten Einzelblätter, Ritter, Tod und Details 1513, Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer 1514, und Melancholia 1514).

Zu seinen Gemälden gehören religiöse Themen und Porträts, die durch italienische Formvorstellungen etwas modifiziert wurden, aber immer typisch deutsch sind. Dürer zählt zu den großen Zeichnern der Welt. Die beiläufige Intensität seiner Beobachtung und – seine Fähigkeit, genau zu beschreiben, was er sah, wie in den berühmten Zeichnungen von Tieren, Gras, und Hände in Wien, wurden nie übertroffen worden. Die gleiche objektive, fast unpersönliche Sichtweise zeigt sich in seinen Landschaftszeichnungen; die [Aquarelle](/pedia/watercolour-painting/), die er auf seinen verschiedenen Reisen anfertigte, haben eine bemerkenswerte Frische und Genauigkeit der Beobachtung, ganz im Gegensatz zu Altdorfers romantischen Märchenlandschaften. Siehe z. B. „ [Junger Hase](/pedia/famous-paintings--hare-durer/)“ (1502) und „ [Großes Rasenstück](/pedia/famous-paintings--great-piece-of-turf/)“ (1503), beide in der Albertina, Wien. Dürer war auch ein Pionier der modernen [Buchillustration](/pedia/illustration/) . Zu seinen Illustrationen gehören Holzschnitte für seine Vier Bücher über menschliche Proportionen (1528, Nürnberg) und seine Anleitung zum Messen mit Zirkel und Lineal (1525, Nürnberg).

Dürer hatte viele Schüler: darunter Hans Springinkli und Albrechts Bruder Hans Dürer, der später von Altdorfer beeinflusst wurde. Weitere Künstler in Dürers Umfeld waren Wolf Traut, Leonard Schauffelin und die Brüder Beham.

### Matthias Grünewald

Ende des fünfzehnten – Anfang des sechzehnten Jahrhunderts war die bildende Kunst in Deutschland noch eng mit der Kirche und ihren ikonographischen Kategorien verbunden. Die einzigen Anzeichen für eine Abschwächung dieser Abhängigkeit waren, dass sich die Kunst von der Architektur löste und sich auf den wichtigsten Ort in der Kirche konzentrierte: den Altar.

> [![](https://cdn.gallerix.asia/x/visio/1608089478.jpg)\
> \
> Gemälde von Matthias Grünewald](/storeroom/1608089478/)

Einer der bedeutendsten Vertreter [der christlichen Kunst](/pedia/christian-art/) in Deutschland war der wenig bekannte [Matthias Grünewald](/pedia/old-masters--matthias-grunewald/), der erst in diesem Jahrhundert aus der Anonymität und dem Verborgenen auftauchte. Seine [religiösen Gemälde](/pedia/religious-paintings/) hatten nicht die gleiche Wirkung auf seine Zeitgenossen wie die leicht reproduzierbaren Holzschnitte und Stiche Dürers. Sein Kolorit, das seiner Zeit um hundert Jahre voraus war, war fast unverständlich, und es gibt keine Hinweise darauf, ob und wie er andere deutsche Maler der Renaissance beeinflusst hat.

Im Kloster Isenheim, in der Nähe von Straßburg in den Vogesen, schuf er das größte Werk seiner Laufbahn – den Hochaltar im Chor der Antoniuskapelle, der in späteren Zeiten als der schönste bildliche Ausdruck der deutschen Gotik angesehen wurde. [Isenheimer Altar](/pedia/famous-paintings--isenheim-altarpiece/) (1510-15) – es handelt sich um ein sogenanntes „ [Polyptychon](/pedia/painting--polyptych/)“ mit mehreren beidseitig gemalten Flügelpaaren, die je nach den Erfordernissen der Liturgie wie die Seiten eines Buches geöffnet werden konnten. Im geschlossenen Zustand zeigte es die Kreuzigung Christi.

Das Besondere an seinen Gemälden ist Grunewalds schonungslos lebendige Darstellung der Wirklichkeit und seine leidenschaftliche Steigerung der Ausdrucksmittel Farbe und Form. Mit den verschränkten Armen und dem blassen Fleischton, die in scharfem Kontrast zum schwarzen Nachthimmel und den blutroten Gewändern der Figuren am Fuße des Kreuzes stehen, wird der Todeskampf des sterbenden Erlösers auf zweierlei Weise visualisiert: realistisch und „abstrakt“. Sie werden nicht nur dargestellt, sondern das Bild veranlasst den Betrachter, sich auf eine bestimmte Weise mit ihnen zu identifizieren.

Obwohl vieles in Grünewalds Darstellung der mittelalterlichen Ikonographie entspricht, lassen der in sich geschlossene Aufbau des Bildes und die Körperlichkeit seiner Figuren, die differenzierte Behandlung der Farbe und die minutiöse Sorgfalt in der Malerei darauf schließen, dass der Künstler sowohl mit der italienischen Kunst als auch mit der Kunst der niederländischen Meister vertraut gewesen sein könnte. Die Bildsprache, die aus dieser Kombination hervorging, war offensichtlich so ungewöhnlich für die damalige Zeit, dass der Künstler keine direkten Nachkommen hatte. Die Künstler des 20. Jahrhunderts, namentlich die deutschen Expressionisten, mussten diesen zwischen Mittelalter und Moderne stehenden Künstler neu entdecken. Grünewalds expressiver Umgang mit Farbe und Form bricht mit dem vorherrschenden Kanon formaler Gesetzmäßigkeiten und steigert die Wirkung des Bildes. In dieser Hinsicht unterscheidet sich Grünewald deutlich von Albrecht Dürer, für den das Maßhalten in allem im Vordergrund stand.

### Hans Holbein der Jüngere

[Hans Holbein der Jüngere](/pedia/old-masters--hans-holbein-the-younger/) (1497-1543) stammte aus einer Augsburger Künstlerfamilie. Im Alter von 19 Jahren reiste er nach Basel, an die Grenze zwischen der deutschen und der französischen Kultur, eine Stadt, die vom Geist des Humanismus erfüllt war und in der er eine aufgeklärtere Atmosphäre vorfand. Hier brach er endgültig mit dem Mittelalter. Dürer und Grünewald gehörten vor allem zu Deutschland; Holbein aber gehörte zur Welt.

> [![](https://cdn.gallerix.asia/x/visio/756347432.jpg)\
> \
> Gemälde von Hans dem Jüngeren Holbein](/storeroom/756347432/)

Holbeins Basler Porträts [des Erasmus von Rotterdam](/pedia/famous-paintings--portrait-of-erasmus/) (1523), des Bürgermeisters Meyer (1526), des Astronomen Nikolaus Kratzer (1528.), [Sir Thomas More](/pedia/famous-paintings--thomas-more-holbein/) (1527) und andere – dies sind die selbstbewussten Leistungen eines 20-jährigen jungen Mannes, der im Begriff war, einer der größten Porträtmaler der Welt zu werden. Er war auch ein produktiver Zeichner, der zwischen 1516 und 1532 über 1.200 Holzschnittzeichnungen anfertigte. „Der Totentanz“, der nach Holzblöcken von Holbeins Skizzen gedruckt wurde, zeugt von der technischen Exzellenz der nordischen Kunst des Holzschnitts.

Holbein verließ Basel schließlich 1532, um Hofmaler von König Heinrich VIII. in England zu werden. Hier schuf er viele prächtige Porträts, darunter [Bildnis Heinrichs VIII.](/pedia/famous-paintings--henry-the-eighth-holbein/) (1536), [Botschafter](/pedia/famous-paintings--the-ambassadors-holbein/) (1533), [Bildnis Thomas Cromwells](/pedia/famous-paintings--thomas-cromwell-holbein/) (1532-154) und [Damen mit Eichhörnchen und Star](/pedia/famous-paintings--lady-with-squirrel/) (1527-1528), sowie [Kaufmann Georg Giese](/pedia/famous-paintings--merchant-georg-gisze/) (1532). In diesen herausragenden Gemälden verbindet Holbein die nordeuropäische Liebe zu üppigen Details mit der Erhabenheit und Würde [der italienischen Renaissance](/pedia/history-of-art--italian-renaissance/) : Die Details werden mit großer Wirkung wiedergegeben, bleiben aber dem größeren Ganzen untergeordnet. (Anmerkung: Für Details zu den in der deutschen Renaissancemalerei verwendeten Pigmenten, siehe: [Farbpalette der Renaissance](/pedia/artist-paints--renaissance-colour-palette/)).

### Die donauschwäbische Schule der Landschaftsmalerei

[Die Donauschule](/pedia/history-of-art--danube-school/) entwickelte sich in der wohlhabenden Reichsstadt Regensburg und übernahm Elemente der spätgotischen deutschen Tradition. Die Schule bestand aus einer disparaten Gruppe deutscher und österreichischer Künstler, die zu den frühesten Vertretern der unabhängigen Landschaftsmalerei gehörten. In seinem rauen und oft sehr romantischen Idiom [ragt Albrecht Altdorfer](/pedia/old-masters--albrecht-altdorfer/) (1480-1538) als der größte Meister der Donauschule heraus. Als originell kreativer Maler und Grafiker, einer der attraktivsten Künstler seiner Zeit, schuf er Landschaftszeichnungen und [Holzschnitte](/pedia/printmaking--woodcuts/) . Der poetische Landschaftsmaler Wolfgang Huber (1490-1553), der vor allem in Passau wirkte, wo er Hofmaler des Fürstbischofs war, gehört ebenso zu dieser Schule wie Cranach der Ältere – zumindest in seinen frühen Werken.

### Lucas Cranach der Ältere

[Lucas Cranach der Ältere](/pedia/old-masters--lucas-cranach-the-elder/) war ein weiterer bedeutender Porträtmaler, der wahrscheinlich am besten für sein Porträt von Martin Luther (1543) in Erinnerung geblieben ist. Cranach, der ein enger Freund des reformierten Pfarrers war, stand selbst der reformatorischen Bewegung nahe und gilt als ihr repräsentativer Künstler, da er Illustrationen für die 1522 veröffentlichte Lutherbibel schuf. Seine Sympathie für die Reformation hinderte ihn jedoch nicht daran, Altarbilder und religiöse Gemälde in Übereinstimmung mit der protestantischen und katholischen Ikonographie sowie eine Reihe von Gemälden [mit nackten Frauen](/pedia/genres--female-nudes-art-history/) .

> [![](https://cdn.gallerix.asia/x/visio/1788693884.jpg)\
> \
> Gemälde](/album/Cranach)

In seinem umfangreichen Werk sind Spuren des Einflusses des Humanismus zu erkennen, aber die formalen Qualitäten der Italiener mit ihrem Verständnis für Proportionen und ihrer Suche nach der idealen Figur des Menschen entziehen sich ihm. Seine Bilder atmen eine traditionelle Natürlichkeit, die auch für die Künstler „der dänischen Schule“ charakteristisch ist, die die Natur und die Figuren als Farb- und Lichterscheinungen auf äußerst malerische Weise behandelten und so Mensch und Landschaft zu einer bisher unbekannten Einheit brachten. Beispiel – „Der heilige Hieronymus von Cranach“. Der Einsiedler ist als Küken in einer üppigen Landschaft dargestellt – Pflanzen, Tiere und Menschen, alle mit gleicher Intensität dargestellt.

### Deutsche Renaissance-Skulptur

Angesichts der niedrigen Kosten und der weiten Verfügbarkeit zahlreicher Hölzer im Vergleich zu den hohen Kosten und der Knappheit von Marmor und anderen Steinen ist es nicht überraschend, dass die meisten deutschen Renaissance-Bildhauer des 15. und 16. Diese Meister, die vor allem für religiöse Auftraggeber und nach 1520 für die römisch-katholische Kirche arbeiteten, setzten Maßstäbe für die Holzbildhauerei, die kaum noch zu übertreffen sind. Zu ihnen gehört der internationale gotische Künstler [Hans Maltscher](/pedia/sculpture--hans-multscher/) (1400-1467), der Skulpturen für die Altäre von Wurzacher (1437) und Sterzing (1457) schnitzte; Michael Pacher (1430-1498), der vor allem für den Altar von St. Wolfgang (1471-81) bekannt ist; der spätgotische Bildhauer [Fait Stoss](/pedia/sculpture--veit-stoss/) (ca. 1447-1533), zu dessen Werken Der Tod der Jungfrau und der Marienaltar, Krakau (1477-89) gehören; [Tilman Riemenschneider](/pedia/sculpture--tilman-riemenschneider/) (ca. 1460-1531), vielleicht der größte aller deutschen Bildhauer, der den Heilig-Blut-Altar (1499-1504) schuf; und [Gregor Ehrhart](/pedia/sculpture--gregor-erhart/) (ca. 1460-1540), zu dessen Statuen die berühmte Statuette der Maria Magdalena („La Belle Allemande“) (ca. 1500) gehört.

Die meisten, wenn nicht alle der oben genannten deutschen Künstler, einschließlich Dürer und Grünewald, zeigen noch Spuren mittelalterlicher Bildtraditionen. Es ist daher schwierig, von einer „Erneuerung“ oder „Wiederbelebung“ der Kunst im italienischen Sinne des Wortes zu sprechen. Im Gegenteil, die Renaissance in Deutschland gleicht eher einem belebenden Südwind, der von den Künstlern Besitz ergriff und sie vorwärts trieb, bis der Sturm des Dreißigjährigen Krieges zu Beginn des 17. Jahrhunderts jede Hoffnung auf kulturelle Entwicklung für eine ganze Generation zerstörte.

### Geschichte der Renaissancekunst in Deutschland

Die Renaissance im eigentlichen Sinne hat in Deutschland nie stattgefunden. Der Hauptgrund dafür, dass die künstlerische Entwicklung in Deutschland im fünfzehnten und sechzehnten Jahrhundert nicht parallel zu der italienischen verlief, liegt darin, dass deutsche und italienische Künstler aus ganz unterschiedlichen Quellen schöpften. In Deutschland fehlte eine wichtige Voraussetzung für renascitur, die Wiederbelebung der klassischen Formen: die Voraussetzung einer klassischen Vergangenheit, auf die sich eine solche Bewegung beziehen konnte. Wenn es nördlich der Alpen jemals eine Renaissance gegeben hat, dann nicht im [quatrocento](/pedia/history-of-art--quattrocento/) oder [cinquecento](/pedia/history-of-art--cinquecento/), sondern im Aufschwung der frühen [deutschen mittelalterlichen Kunst](/pedia/history-of-art--german-medieval-art/), am Hofe König Karls des Großen, als große Künstler und Gelehrte eingeladen wurden, den Geist der späteren klassischen Zeit wiederzubeleben.

Aber [die karolingische Kunst](/pedia/history-of-art--carolingian-art/) war keineswegs ein Neubeginn; sie war das Aussterben der frühchristlichen und damit spätklassischen Formen und Ideale. Daher schlug die deutsche Kunst einen anderen Weg ein und erreichte, indem sie sich von den klassischen Idealen abwandte und ihre eigenen, nicht-klassischen Formen schuf, wahre Größe. Italien hat nie mit der Vergangenheit gebrochen, und sein Beitrag zur westeuropäischen Kunst des Mittelalters war daher bescheiden. Als die mittelalterliche Welt zu Beginn des 15. Jahrhunderts zusammenbrach, hatten die Italiener die Gelegenheit, zu ihrer klassischen Vergangenheit zurückzukehren, und so konnten sie jene künstlerische und intellektuelle Bewegung anführen, die viel später als Renaissance bekannt wurde.

Die deutschen Künstler hatten keine klassische Vergangenheit, auf die sie sich beziehen konnten – der größte Teil Deutschlands war nicht einmal in direkten Kontakt mit der antiken römischen Kultur gekommen – und im späten Mittelalter waren die Bemühungen in Deutschland darauf gerichtet, ein Erbe aus der jüngsten Vergangenheit zu bewahren, was sich in einer ständigen Weiterentwicklung bewährter Formen äußerte. Das Quatrocento, das glorreiche Zeitalter von Mazaccio, Mantegna, Botticelli und Leonardo da Vinci, brachte die letzte Blüte [der deutschen gotischen Kunst](/pedia/history-of-art--german-gothic-art/), die so genannte Spätgotik, hervor, in der die neue Wirklichkeit unbemerkt blieb. In diesem Jahrhundert gab es in der deutschen Kunst keinen Radikalismus und keinen scharfen Konflikt zwischen Tradition und Fortschritt, sondern eine sanfte Verschmelzung von Altem und Neuem.

Wie in der [Kunstgeschichte](/pedia/history-of-art/) festgehalten, brach die Renaissance in Italien mit revolutionärem Elan aus und stieß auf keinen Widerstand. Päpste und Fürsten, Bürger und Künstler wetteiferten miteinander, um die neue Zeit zu verherrlichen und weltliche Vergnügungen zu genießen. Von künstlerischer, moralischer und sozialer Freiheit beseelt, zögerten sie nicht, die veralteten Formen des Mittelalters aufzugeben, und entwickelten durch die Wiederbelebung der klassischen Ideale ein neues Lebensgefühl, das in ihrer Kunst seinen vollkommensten Ausdruck fand.

In Deutschland gab es keine parallele Entwicklung. Der Humanismus der Vorreformation war gelehrt und ernst, aber es fehlte ihm die jugendliche Frische und die schöne Spontaneität, die notwendig waren, um aus den Trümmern der Vergangenheit eine Vision einer besseren Zukunft zu schaffen. Dieser Mangel an Vitalität wird durch den fast vollständigen Niedergang der deutschen Renaissance-Architektur deutlich. Die wenigen Sakralbauten aus dem fünfzehnten Jahrhundert (z.B. Stiftskirche in Stuttgart und Heiligkreuzkirche in Gmund) sind das Produkt einer müden Phantasie. Obwohl sie auf den Konzepten [der gotischen Architektur](/pedia/history-of-art--gothic-architecture/) beruhen, fehlt ihnen ein wesentliches Streben nach oben. Die Gebäude sind gedrungen, mit breiten Gewölben und Bögen, klobigen und leblosen Säulen und Rippen. Die heitere Harmonie der modernen italienischen Architektur mit ihrem Gleichgewicht zwischen horizontalen und vertikalen Linien war weder beabsichtigt noch gewünscht. Diese Gebäude sind Ausdruck einer begrenzten Frömmigkeit, die nichts mit der mittelalterlichen Sehnsucht nach der Zukunft zu tun hat.

Nach der Reformation ging der Kirchenbau in Deutschland zurück. Im protestantischen Teil des Landes begnügte man sich mit den bestehenden Bauten, die, einmal von Ornamenten und Bildern befreit, in ihrer Bescheidenheit dem erklärten protestantischen Ziel der Strenge entsprachen. Im katholischen Süden mag die weit verbreitete konservative Haltung des Klerus der Grund dafür gewesen sein, dass man von der Übernahme italienischer Renaissancekonzepte abriet, und niemand zog die architektonischen Konsequenzen aus dem veränderten geistigen Klima.

### Deutsche Renaissance-Architektur

Was die bürgerliche Architektur betrifft, so ist das Bild etwas positiver. Gegen Ende des Mittelalters begann der wachsende Einfluss des Bürgertums, sich gegen die Autorität des Klerus durchzusetzen, und es wurden eine Reihe von Bürgerhäusern, Handelshäusern und Rathäusern gebaut. Doch obwohl der weltliche Charakter dieser Bauten sehr deutlich war, gelang es ihnen nicht, einen eigenständigen Stil zu entwickeln. Wie sehr die Zivilarchitektur von der Sakralarchitektur abhängig war, zeigt das Refektorium der Marienburg. Dieser große Saal erinnert in Gestaltung und Bauweise an gotische Kirchenräume: Eine schlanke Säulenreihe gliedert den Raum in zwei Schiffe, das Gewölbe wird von fächerförmigen Rippen getragen, und in die schweren Wände sind spitze Fensterbögen eingeschrieben. Das Frankfurter Rathaus, der berühmte Römer, ist ein weiteres Beispiel für diese Verflechtung; seine gestufte Fassade ähnelt vielen fränkischen Kirchen des vierzehnten Jahrhunderts.

In Italien führte die Entwicklung [der Renaissance-Architektur](/pedia/architecture--renaissance/) zur Herausbildung einer klaren Unterscheidung zwischen sakralen und zivilen Bauten. Da sich der Mensch seiner Bedeutung immer mehr bewusst wurde, wollte er seine Persönlichkeit in allen Bereichen zur Geltung bringen. Die Kleidung wurde dekorativer und luxuriöser, die Lebensweise – verschwenderischer und luxuriöser, und die zunehmende intellektuelle Unabhängigkeit führte zu einem Interesse an allen Zweigen [der dekorativen Künste](/pedia/definitions--decorative-art/), sowie [der bildenden Künste](/pedia/definitions--fine-art/) . Dieses neue Lebensgefühl verlangte nach einem repräsentativeren Rahmen; das bescheidene Stadthaus mit seinen utilitaristischen Ausmaßen und seiner Ausstattung erwies sich für den wohlhabenden Kaufmann oder Bankier als zu eng, und neben sakralen Bauten traten nun auch monumentale Bürgerbauten auf. Im Mittelalter wurde das eine dem anderen nachempfunden. In der Renaissance entwickelten die Italiener einen eigenständigen säkularen Stil, um ihre Ablehnung der Allmacht der Kirche zu demonstrieren. An die Stelle der schlichten Häuser traten prächtige Palazzi, die wohlhabende Patrizier nun ganz selbstverständlich errichteten, so wie früher die Fürsten ihre Schlösser und Festungen.

Lange Zeit weigerten sich Deutschland und die Nachbarländer nördlich der Alpen, die intellektuellen, rationalen Ideale der Renaissance zu akzeptieren. Lediglich die Ornamentik der Renaissance wurde zunächst akzeptiert und zur Ausschmückung gotischer Gebäude verwendet. Die traditionellen, in spitzen Giebeln endenden Fassaden wurden durch Pilaster ergänzt, die in hoch aufragenden, spitznadeligen Obelisken endeten, die über den Giebelrand hinausragten. Nach italienischem Vorbild wurden große rechteckige Fenster mit Segment- oder Dreiecksgiebeln versehen, und manchmal wurde eine mit Figuren verzierte Balustrade am Dachrand angebracht. Unregelmäßige mittelalterliche Grundrisse wurden weiterhin verwendet, wie das Heidelberger Schloss zeigt, das aus mehreren lose gruppierten Baukörpern besteht.

Die alte, um 1200 erbaute Burg wurde 1556-1559 von Kurfürst Otto Heinrich im Stil der italienischen Renaissance erweitert. Der Architekt, dessen Name nicht bekannt ist, verwendete eine Reihe griechischer und römischer Vorbilder, um dem Bauwerk einen klassischen Charakter zu verleihen. Die ionischen und korinthischen Pilaster tragen einen dorischen Fries; die Giebel über den Fenstern werden von drei unterschiedlich verzierten Säulen getragen und tragen Medaillons mit Darstellungen klassischer Helden; die Nischen zwischen den Fenstern enthalten Skulpturen von Figuren aus antiken Mythen; und auf der unteren Ebene ähneln die Pilaster aus grob behauenem Vierkantstein den Giebeln florentinischer Palazzi . Diese komplizierte Ornamentik hat nichts mit dem klaren Muster der italienischen Renaissancefassaden gemein. In Italien sind Ornament und Gliederung Teil des architektonischen Gesamtkonzepts, während in Deutschland das Ornament in keiner Weise mit der Struktur zusammenhängt, die lediglich eine breite und phantastische Dekoration trägt.

Das Augsburger Rathaus, das 1620 von Elias Hall erbaut wurde, ist das einzige unter den vielen nordeuropäischen Bürgerhäusern, das den Anspruch erheben kann, zur Renaissancearchitektur im italienischen Sinne zu gehören. Die klare Regelmäßigkeit des quadratischen Grundrisses gliedert sich in rechteckige Vorräume auf einer Achse und zwei gegenüberliegende Treppenhäuser – auf der anderen. In den Ecken des von den Vorräumen und Treppenhäusern gebildeten Kreuzes sind quadratische Verwaltungsräume vorgesehen. Das quadratische Muster findet sich auch an der Fassade wieder: Höhe und Breite sind gleich, und der mittlere Teil, in dem sich der Sitzungssaal befindet, bildet ebenfalls ein Quadrat, das von Gesimsen und Pilastern eingerahmt wird. Abgesehen von der sparsamen Verwendung von Kartuschen im obersten Stockwerk ist die Fassade nicht mit Ornamenten verziert, ihr Rhythmus wird durch den beachtlichen Wechsel von Fenstern unterschiedlicher Größe bestimmt. Nur der Giebel, der sich über dem Mittelteil erhebt, ist ein Zugeständnis an den deutschen Geschmack. Der Gesamteindruck dieses Bauwerks ist von Eleganz geprägt, die durch ausgewogene Proportionen und das harmonische Zusammenspiel von horizontalen und vertikalen Linien erreicht wird. Unmittelbar nach der Fertigstellung des Augsburger Rathauses brach der Dreißigjährige Krieg aus, der die Bautätigkeit völlig zum Erliegen brachte.

### Deutsche Renaissance-Skulptur

Ein charakteristisches Beispiel der deutschen Renaissance-Skulptur – der Sebaldustempel von Peter Fischer. Die Werke anderer bedeutender [Renaissance-Bildhauer](/pedia/sculpture--renaissance-sculptors/) wie Riemenschneider und Stoss wurden von der Wiederbelebung der klassischen Renaissanceformen und -ideale nicht wirklich beeinflusst und gelten daher als letzte Blüte der Gotik. Peter Vischer und seine Söhne hingegen waren neuen Entwicklungen gegenüber aufgeschlossener. Jahrhunderts besaß die Familie Fischer in Bamberg eine florierende Fabrik zur Herstellung [von Bronzeskulpturen](/pedia/sculpture--bronze/), die so berühmt wurde, dass sie von Fürsten und Herrschern aus ganz Europa aufgesucht wurde, obwohl bedeutende Werke von Peter Fischer dem Älteren in Polen, Böhmen, Ungarn, der Pfalz und an den Höfen von Fürsten im ganzen Reich zu finden waren.

Das Heiligtum von St. Sebald, das für die gleichnamige Kirche in Nürnberg bestimmt war, wurde ursprünglich 1488 in einem rein [gotischen Stil](/pedia/architecture--gothic-style/) mit einer dreifach gekrönten Spitze entworfen. Als das Monument schließlich 1507 in Auftrag gegeben wurde, beschloss Fischer, ihm ein eher klassizistisches Aussehen zu geben. Das Ergebnis ist ein seltsam kompliziertes System von Rundbögen, die das Kuppeldach vervollständigen, was darauf hindeutet, dass Visscher mit den zeitgenössischen italienischen Formen der plastischen Ornamentik nicht vertraut war. Sein Sohn, Peter Fisher der Jüngere, schuf die Figuren der zwölf Apostel; ihre ausgewogenen Proportionen und die feierliche Haltung zeigen seinen Wunsch, die Konzepte [der romanischen Skulptur zu überwinden](/pedia/sculpture--romanesque/) . Auf den Reliefs am Sockel der Altäre wechseln sich Szenen aus dem Leben des heiligen Sebald mit halbnackten Figuren ab, die Szenen aus der klassischen Mythologie darstellen; man nimmt an, dass sie von Hermann Fischer dem Jüngeren stammen, von dem bekannt ist, dass er 1515 Rom und die Toskana besucht hat. So zeigt der Sebaldustempel das allmähliche Eindringen italienischer Bildhauerkonzepte und veranschaulicht gleichzeitig die Unfähigkeit der deutschen Künstler, diese neuen Ideen in eine einzige Bildhauerkomposition zu integrieren. Mit ihrer langgestreckten Form und der verwirrenden Fülle an figürlichen und ornamentalen Details bleibt der Gesamteindruck der Sebalduskirche gotisch.

## Deutsche Renaissance-Malerei

### Albrecht Altdorfer

Gemälde, die während des Übergangs vom Mittelalter zur Neuzeit entstanden, brachten oft den Konflikt zwischen Tradition und Fortschritt zum Ausdruck, der um die Jahrhundertwende herrschte. Die Alexanderschlacht von Albrecht Altdorfer – eines der berühmtesten [Landschaftsgemälde](/pedia/genres--famous-landscape-paintings/) – enthält die wichtigsten Aspekte dieses Übergangsstils. Von einem hohen Aussichtspunkt aus wird ein riesiges Panorama von Tiefe und Weite präsentiert, das überzeugend demonstriert, dass die dritte Dimension für die Malerei erschlossen wurde und dass flache mittelalterliche Szenen, „die von einem goldenen Himmel verschlossen“ wurden, der Vergangenheit angehören. Ein kosmischer Hintergrund aus dramatischen Wolken, bizarren Gebirgszügen, glitzernden Gewässern und verstreuten Inseln wird von der untergehenden Sonne erhellt. Die figürliche Szene erstreckt sich in einer unbegrenzten Vielfalt von Abstufungen vom Vordergrund bis zur Küstenlinie in der mittleren Entfernung: eine befestigte Stadt, steile, von Burgen gekrönte Felsen, Wiesen, Felder, Wege und Bäume umgeben eine dicht gedrängte Schar zweier Armeen – die mazedonische, befehligt von König Alexander und die persische, angeführt von König Darius. Die Soldaten sind mit einer miniaturhaften Präzision gezeichnet, die ihre menschliche Unbedeutsamkeit im Vergleich zu der sie umgebenden kosmischen Größe vermittelt; dies deutet auf eine zugrunde liegende metaphysische Absicht hin, veranschaulicht aber auch die aktuellen künstlerischen Bemühungen, mittelalterliche beschreibende Details mit den von den Italienern entwickelten dreidimensionalen Raumvorstellungen zu verbinden.

> [![](https://cdn.gallerix.asia/x/visio/524777755.jpg)\
> \
> Gemälde von Albrecht Altdorfer](/storeroom/524777755/)

Landschaften wurden in der nordeuropäischen Malerei schon lange vor Altdorfer abgebildet. Sie dominieren die Figuren in einer Reihe von reizvollen [illuminierten Handschriften](/pedia/cultural-history-of-ireland--illuminated-manuscripts/) aus Burgund, und die niederländischen Maler Hubert und Jan van Eyck führten die Landschaft in Tafeln ein. Die niederländische Schule benutzte die Natur jedoch lediglich als Hintergrund, um ihren Gemälden ein Gefühl von räumlicher Tiefe zu verleihen, und versuchte nicht, sie mit der Szene im Vordergrund zu vereinen. Der nächste Schritt in der Entwicklung der Landschaftsmalerei war der Schweizer Künstler Konrad Witz, der die Phantasielandschaft durch eine topografisch erkennbare Interpretation ersetzte. Aber selbst seine sehr realistischen Naturdarstellungen wie der Genfer See in „Der wundersame Fischfang“ dienen nur als Hintergrund, und das Thema des Bildes wird durch die Figuren im Vordergrund vermittelt.

Dies gilt nicht mehr für die Alexanderschlacht . Altdorfer vermittelt die dramatische Stimmung durch die Landschaft, gegen die die Schlacht eher wie eine Ansammlung von Zinnsoldaten wirkt. Das weltliche Geschehen, der Kampf zwischen zwei großen Heeren – nur ein blasser Abglanz dessen, was sich am Himmel abspielt; hier vermittelt Altdorfer den Konflikt zwischen Licht und Dunkelheit, zwischen Tag und Nacht, zwischen Sonne und Mond.

Altdorfers Herkunft erklärt seine enge Verbundenheit mit der Natur. Wahrscheinlich wurde er in Regensburg geboren und verließ fast nie seine Heimat im bewaldeten Donautal. Seine besten Gemälde – sind diejenigen, in denen er seine Gefühle frei zum Ausdruck bringt, losgelöst von der künstlerischen Aktivität seiner Zeit und unbeeinflusst von den formalen Bedenken seiner Zeitgenossen. Er wird als Begründer der Tradition der europäischen Landschaftsmalerei angesehen. Indem er Landschaften ohne Figuren schuf, schuf er eine Kunstform, die bis heute überlebt hat, trotz der vielen Veränderungen, die [die Malerei](/pedia/fine-art-painting/) in den dazwischen liegenden Jahrhunderten durchlaufen hat.

Obwohl Altdorfer keinen direkten Nachfolger hatte, war sein Stil dennoch sehr einflussreich. Er war der Hauptvertreter des Donaustils, einer Malerei, die sich durch den Vorrang der Landschaft vor Figuren und Gegenständen auszeichnet. Dieser intime Sinn für die Natur, den die Donaumaler an den Tag legten, trug wesentlich zu ihrer Wiederentdeckung durch die Romantiker des neunzehnten Jahrhunderts bei, die die Donauschule als eine romantische Bewegung betrachteten. Jahrhunderts, die die Donauschule als romantische Bewegung ansahen. In der Tat lassen sich zwischen den Gemälden der Romantiker des 19. und des frühen 16. Jahrhunderts verblüffende Ähnlichkeiten feststellen, insbesondere in der Art und Weise, wie die Landschaft genutzt wird, um die Bedeutung und die Stimmung des Gemäldes auszudrücken.

### Lucas Cranach der Ältere

Lucas Cranach der Ältere kann bis zu einem gewissen Grad als unmittelbarer Vorläufer des Danubischen Stils angesehen werden. Über seine frühe Entwicklung ist wenig bekannt, aber es wird angenommen, dass er während seiner Reisejahre wichtige künstlerische Zentren in Süddeutschland besuchte. Er war äußerst empfänglich und konnte viele Einflüsse aufnehmen, die er dann in seinen eigenen, stark individualisierten Stil umwandelte. Während seine frühen Gemälde deutlich den Einfluss von Dürer und Grünewald erkennen lassen, lehnte er sich später mehr an den Stil [der niederländischen Renaissance](/pedia/history-of-art--netherlandish-renaissance/) und an den Stil von Holbein an. Sein Werk umfasst eine breite Palette von Themen: Der weibliche Akt kommt ebenso häufig vor wie Porträts, und [mythologische Malerei](/pedia/genres--mythological-painting/) ist ebenso häufig wie religiöse Bilder.

Auch ideologisch schränkt er sich nicht ein: Obwohl er als einer der eifrigsten Anhänger der Reformation gilt, malt er weiterhin Fahnenbilder für katholische Kirchen und Porträts von katholischen Fürsten. Seine Weigerung, sich festzulegen, ist oft als Wankelmut, seine phänomenale Produktivität als rein kommerzieller Zwang und die Vielfalt seiner Themen als intellektuelle Oberflächlichkeit interpretiert worden. Diese Einschätzung wird jedoch weder der Persönlichkeit Cranachs als Mensch noch als Künstler gerecht. Er repräsentiert einen neuen, bis dahin unbekannten Künstlertypus, der nicht länger ein ehrlicher, der herrschenden Ideologie seiner Zeit verpflichteter Handwerker ist, sondern ein unabhängiger Mann mit einem wachen und kritischen Geist, der in der Lage ist, viele verschiedene und widersprüchliche Ideen aufzunehmen und sie ohne Vorurteile und persönliche Betroffenheit in sein Werk einfließen zu lassen.

Diese Haltung machte Cranach zu einem echten Vertreter der Renaissance, zu einem Mann, der einen entscheidenden Schritt in die Moderne tat, obwohl sein Werk in vielerlei Hinsicht in der Tradition verwurzelt blieb. So erinnern die Engel in seinem Gemälde Rast auf dem Weg nach Ägypten an die Werke der Meister „der sanften“ Gotik, für die eine Sammlung von Engeln eine unverzichtbare Ergänzung zu jeder Darstellung der Jungfrau war. Doch Cranach interpretiert sie ganz anders. Die Himmelskörper der mittelalterlichen Tradition haben sich in freundliche Spielgefährten verwandelt, in kleine Racker, die die Aufmerksamkeit des Jesuskindes auf sich ziehen wollen: Einer bringt Blumen, ein anderer hat einen Vogel gefangen, den er sehr grob zu halten versucht, ein dritter bringt Wasser in einer Schale, und ein kleiner ist hinter einem Stein eingeschlafen. Drei etwas ältere Engel versuchen, das Jesuskind mit Gesang zu erfreuen, und die offensichtlichen Meinungsverschiedenheiten zwischen diesen himmlischen Figuren bringen sie auf die Ebene menschlicher Streitereien. Es ist eine respektlose Variation eines Themas, das zu jener Zeit noch sehr ernst genommen wurde. Maria, offensichtlich erschöpft von den Strapazen der Wanderung, genießt vertrauensvoll den Schutz, den ihr die friedliche Lichtung in diesem Moment bietet. Joseph hingegen bleibt misstrauisch; seine ängstlich fragenden Augen scheinen um Hilfe und Informationen über mögliche Gefahren zu bitten, und die Tatsache, dass er seinen Hut und seine Habseligkeiten aufbewahrt hat, zeigt, dass er bereit ist, jederzeit weiterzugehen. Doch seine Vorsicht scheint unnötig, denn die ganze Szene ist von einem tiefen magischen Frieden durchdrungen: Die hohe, verwitterte Tanne vermittelt ein Gefühl der Sicherheit, der weite Blick auf sie wirkt beruhigend, und das unbeschwerte Treiben der Engel verspricht der Heiligen Familie jeden Schutz.

### Themen in der deutschen Renaissancekunst

Das Thema der Angst – eines jener typisch deutschen Themen, die sich in Gemälden und Skulpturen von der frühen [ottonischen Kunst](/pedia/history-of-art--ottonian-art/) bis in die Gegenwart finden. Die Furcht vor Dämonen und unberechenbaren Naturgewalten war in den primitiven Ländern, die häufig Naturkatastrophen aller Art ausgesetzt waren, so tief verwurzelt, dass zumindest im Mittelalter auch das Christentum diese ständige Angst nicht ausrotten konnte. Im Gegenteil, die Kirche deutete die Angst vor Dämonen und andere mythische Vorstellungen geschickt auf die christliche Seite um und verband so heidnischen Aberglauben mit dem christlichen Glauben. Das Feiern von Weihnachten während des heidnischen Sonnenwendfestes – nur eines von vielen Beispielen.

Diese heidnische Angst vor Dämonen wurde oft in [mittelalterlichen Skulpturen](/pedia/sculpture--medieval/) aus Deutschland manifestiert. Die in Stein gemeißelten Tiere, furchterregende fantastische Figuren an romanischen Gebäuden, waren nicht den Evangelien, sondern heidnischen Mythen entnommen, und ihr Zweck war es, Dämonen zu vertreiben, indem sie sie buchstäblich in Stein einschlossen. [Die deutsche gotische Bildhauerei](/pedia/sculpture--german-gothic/) befasst sich weniger mit heidnischen Themen; aufgrund der gleichzeitigen Entwicklung von Religion und Zivilisation nördlich der Alpen fühlten sich die Menschen sicherer. Doch obwohl die sensiblen und poetischen spätmittelalterlichen Darstellungen der Jungfrau Maria und der Heiligen die Existenz von Dämonen ignorierten, existierten sie im Unterbewusstsein der Menschen weiter. Zu Beginn der Neuzeit weckte die Konfrontation mit den Realitäten dieser Welt die Menschen aus dem Traum von einer höheren Existenz, den ihnen ihr Glaube und ihre Zivilisation versprochen hatten. Diese Suche nach neuen Realitäten führte zu einem verstärkten Bewusstsein der Ohnmacht des Menschen gegenüber übernatürlichen Kräften zu einer Zeit, in der die Ketten der kollektiven Sklaverei von Religion und Leibeigenschaft abgelehnt wurden. Während im Italien der Renaissance dieses Streben nach Freiheit zu mehr Selbstbewusstsein und einem neuen Bewusstsein führte, fürchteten die Deutschen das Chaos, das hinter dieser glänzenden Fassade lauern könnte.

Cranach deutet die Angst in „Rast auf dem Weg nach Ägypten“ nur an, aber in „Der Tod und das Mädchen“ von Hans Baldung Green wird die Angst zu einer erschreckenden Realität. Ein junges Mädchen von sinnlicher Schönheit und Anmut wird von einem grausamen Skelett ergriffen und in einen Abgrund gezogen. Die Bewegung des Körpers und die zeigende Hand lenken den Blick auf das Grab und bringen anschaulich zum Ausdruck, was die Inschrift sagt: „Hier musst du eintreten“. Der grünliche Schatten, der den blumigen Körper bedeckt, und die Tränen, die das Gesicht des Mädchens verunstalten, weisen auf die Unausweichlichkeit ihres Schicksals hin. Das neue Interesse an der Anatomie, das italienische Künstler dazu veranlasste, schöne Akte darzustellen, führte deutsche Künstler zu einem pessimistischen memento mori .

.

Natürlich war es für viele, die sich mit solch düsteren Themen beschäftigten, einfach ein Vorwand, den menschlichen Körper in seiner ganzen sinnlichen Schönheit zu malen, ohne zu riskieren, der Obszönität bezichtigt zu werden. Hans Baldung Green war kein mürrischer Moralist. Selbstbewusst und flexibel, an allen formalen Problemen interessiert, ohne sie selbst zu schaffen, begabt und ideenreich, nahm er die neuen Entwicklungen seiner Zeit auf, ohne mit der Tradition völlig zu brechen. Seine Themenwahl war ebenso grenzenlos wie die von Lucas Cranach, mit dem er das Interesse für den weiblichen Akt teilte. Baldung Grin war jedoch ein eifriger Schüler Albrecht Dürers und strebte daher im Gegensatz zu Cranach eine anatomisch korrekte Darstellung des menschlichen Körpers an, ohne den etwas pedantischen Realismus Dürers zu übernehmen. Baldung Grin erlangte auch auf dem Gebiet der [Kupferstiche](/pedia/printmaking--engraving/) und anderer Arten von Drucken Größe. Zu seinen Werken gehören zahlreiche Interpretationen des „Totentanzes“ und „Hexensabbats“, wobei diese Vorliebe für dämonische Themen wiederum von einem Interesse an der Darstellung des menschlichen Körpers in all seinen Bewegungen und Kurven bestimmt war.

### Matthias Grünewald

Visionen einer gequälten und zerrissenen Welt, die so sehr im Gegensatz zu dem von der Renaissance geschaffenen Bild stehen, tauchen häufig in den Werken Grünewalds auf, der aus diesem Grund als „der letzte mittelalterliche Mystiker“ bezeichnet wurde. Die Beschäftigung mit dem Leiden kennzeichnet seine Werke: Unter den zweiundzwanzig Originalgemälden befinden sich nicht weniger als sechs Kreuzigungen, zwei Beweinungen Christi und mindestens eine Geißelung Christi. Angst, Dunkelheit, Zerstörung und Verwüstung waren die Hauptthemen seiner Gemälde, auch wenn das Thema eine positivere Interpretation erforderte, wie die Darstellungen der Verkündigung, der Geburt und der Auferstehung auf den inneren Tafeln des Isenheimer Altars; sie sind in leuchtenden Farben gemalt, durchdrungen von einem gespenstischen Licht, das eher beängstigend als freudig ist. Der Isenheimer Altar, das Hauptwerk Grünewalds, wurde zwischen 1512 und 1515 für das Kloster St. Antonius in Isenheim geschaffen, das damals von Guido Guerci, einem hochgebildeten Italiener, geleitet wurde. Das Kloster zog viele berühmte Künstler an; Martin Schongauer zum Beispiel malte 1470 ein Bild für den Hochaltar.

Grünewald schuf einen Klappaltar, der aus einem Paar fester Flügel und einem doppelten Paar Klappflügel bestand, die es ermöglichten, die entsprechenden Szenen der verschiedenen liturgischen Ereignisse darzustellen. Wenn beide Flügelpaare geschlossen sind, stellt die mittlere Tafel die Kreuzigung dar, während die festen Flügel an den Seiten den Heiligen Sebastian und den Heiligen Antonius darstellen. Öffnet man das erste Flügelpaar, erscheinen auf der mittleren Tafel die Geburt Christi und auf den äußeren Tafeln die Verkündigung und die Auferstehung. Wenn der Altarraum für die endgültige Bekehrung geöffnet wird, wird in der Mitte der geschnitzte Schrein sichtbar, und auf beiden Seiten zeigen die nun geöffneten Innenflächen des zweiten Flügelpaares die Versuchung des Heiligen Antonius und die Gespräche des Heiligen Antonius mit dem Heiligen Paulus. „Die Versuchung des heiligen Antonius“ wird von Grünewald als eine höllische Prozession dämonischer Gestalten dargestellt, die den Heiligen umgeben, ein phantastisches Bestiarium tödlicher, schrecklicher Eruptionen und Ausgeburten der Hölle, Personifikationen der aus heidnischen Zeiten übernommenen Naturgewalten.

### Albrecht Dürer

Das mittelalterliche Erbe und der innovative Geist der Moderne erreichten ihre vollkommenste Synthese in den Werken von Albrecht Dürer. Die charakteristischen Merkmale der mittelalterlichen deutschen Künstler – ihre Gabe zur idyllischen Beschreibung, ihre religiöse Inbrunst in Verbindung mit eindringlichen Beobachtungen des Alltagslebens und ihre Fähigkeit, weltliche Themen mit subtilen moralischen Untertönen zu versehen – sind alle in Dürers Werken vorhanden, aber er überwindet ihre provinziellen Beschränkungen und erreicht eine neue Größe. Seine ständige, sorgfältige Suche nach neuen Eindrücken und seine völlige Unvoreingenommenheit in der Auseinandersetzung mit ihnen machen den Nürnberger Meister einzigartig für seine Zeit.

Im Alter von neunzehn Jahren verließ Dürer die Werkstatt seines Lehrers Michael Wolgemuth und ging nach Basel, dem Zentrum der humanistischen Bewegung, wo er sich als Holzschnitzer einen Namen machte. Vier Jahre später ging er nach Venedig. Die Farbigkeit der Venezianer und die geradlinige Komposition der Florentiner Gemälde beeindruckten den jungen Künstler stark, doch nach seiner Rückkehr nach Nürnberg überprüfte er seine italienischen Erfahrungen, bevor er sie aufgriff und in seine eigene Malerei einfließen ließ. Seine Aktstudien sind zwar von den Italienern inspiriert, aber viel wissenschaftlicher, und seine berühmte „Abhandlung über die menschlichen Proportionen“ übertrifft die italienischen Werke der Kunsttheorie an Klarheit und Logik. Durch unzählige Messungen des nackten Körpers hoffte er, eine mathematische Formel dafür zu finden, und seine absolute Sicherheit bei der Interpretation der menschlichen Figur und ihrer Bewegungen ist das Ergebnis dieser Bemühungen.

[Dürers Zeichnungen](/pedia/drawing/) und Aquarelle zeigen, in welchem Maße sein künstlerischer Fortschritt durch ständige detaillierte Studien seiner Umgebung und insbesondere durch genaue Naturbeobachtungen gefördert wurde. Im Alter von achtzehn Jahren malte er „Die zeichnende Mühle“, eine Szene vor den Toren seiner Heimatstadt, eine malerische Flusslandschaft inmitten von grünen Wiesen und sanften Hügeln. Die Mühle existiert nicht mehr, aber dank Dürers Genauigkeit konnte ihr genauer Standort bestimmt werden. In der oberen linken Ecke befindet sich das Spitteler Tor, das westliche Stadttor Nürnbergs; die Kirche in der Mitte – St. Leonard, und von dort aus die Hallerwiesen , die wie heute zum Fluss hin abfallen. Der trübe, bedeckte Himmel schafft ein feierliches Licht, das die Farben dämpft und übermäßige Licht- und Schatteneffekte vermeidet, aber dennoch eine gute Sicht ermöglicht. Trotz einiger Ungenauigkeiten [der Linearperspektive](/pedia/painting--linear-perspective/) in Bezug auf das Fachwerkhaus, den Steg und die kleine Mauer auf der linken Seite vermittelt das Gemälde einen lebendigen Eindruck von persönlicher Erfahrung, eine Beschreibung der Natur, die auf genauer Beobachtung ohne idealistische Absichten beruht.

Dürers geradlinige Beobachtung, die die Landschaft so realistisch wiedergibt, führte zu weiteren, detaillierteren Entdeckungen und zur endgültigen Vollendung des Renaissance-Realismus mit seinem Großen Rasenstück . Ein winziges Fleckchen Natur, wie zufällig aus dem Boden gepflückt, wird zu einem Kunstwerk  . Die dickichtartige Undurchdringlichkeit der natürlichen Wildnis in der unteren Hälfte wird langsam umgewandelt, bis sich jedes Plättchen und jedes Blatt in harmonischer Ordnung vor dem leuchtenden Hintergrund abhebt. Kleine Details werden vergrößert, und das Wunder der Natur in ihrer primitiven Vielfalt wird sowohl intellektuell als auch emotional erlebt.

In seinen Aquarellen und [Renaissance-Zeichnungen](/pedia/drawing--renaissance-drawings/) zeigte Dürer eine viel engere Beziehung zur Natur als in seinen Gemälden, nicht nur, weil er die Silberfeder oder den Pinsel und das Aquarell für bessere Mittel zur Wiedergabe spontaner Eindrücke hielt als die Ölfarbe, sondern auch, weil man damals von Gemälden erwartete, dass sie etwas über die bloße Beschreibung hinaus vermitteln. Daher muss das 1498 gemalte Selbstporträt nicht als exaktes Abbild, sondern als Versuch betrachtet werden, sich selbst in einem möglichst günstigen Licht darzustellen. Die sorgfältig gezeichneten modischen Details des vornehmen Kostüms weisen auf seinen Geschmack und Lebensstil hin, sein kritischer, leicht arroganter Gesichtsausdruck drückt Selbstbewusstsein und inneren Adel aus, und die sehr auffällige Signatur, Dürers berühmtes Monogramm, bestätigt, dass er sich nicht mehr als anonymer Handwerker betrachtete. In einer Erläuterung über der Signatur heißt es: "Dies habe ich nach meinem eigenen Bildnis gemacht, ich war sechsundzwanzig Jahre alt". Von den Italienern übernahm er den Gebrauch der Landschaft, um den Eindruck von Weite zu vermitteln, und die Landschaft Südtirols – eine Anspielung auf seine erste Reise nach Italien.

Im Alter von vierzig Jahren, als Dürer auf dem Höhepunkt seines Ruhmes war, kehrte er zu einem gemeinsamen Thema zurück „Madonna mit Kind“. Dies könnte als ein Zeichen von Konservatismus seitens des reifen Künstlers interpretiert werden, aber in der Tat seine Madonnen – sieben Gemälde in allen, gemalt zu sehr unterschiedlichen Zeiten – waren ein Weg, um neue künstlerische Experimente auf einem bekannten Thema zu testen. Seine Darstellung der Madonna für das Fest der Rosengirlanden, die 1506 in Venedig entstand, zeigt eine königliche Figur, die von Heiligen und Engeln umgeben ist, während sie in dem Gemälde Madonna mit der Birne einfach als Mutter dargestellt wird, ohne mystische Symbole, aber mit einer übernatürlichen Ausstrahlung, die nur mit künstlerischen Mitteln erreicht wird. Der begrenzte Einsatz von Farbe bewahrt die Intimität des schmalen Gemäldes, wobei das leuchtende Blau die gedämpften warmen Töne der Haut und das Goldgelb des Kopfschmucks wirkungsvoll hervorhebt. Die lebendige Wirkung wird durch den Kontrast zwischen dem zurückhaltenden Ausdruck und der Haltung der Madonna und der starken, unbändigen Vitalität des Kindes erzielt. Diese Lebendigkeit wird durch die starke Modellierung des Körpers des Kindes, der dadurch in den Vordergrund des Bildes gerückt wird, noch unterstrichen. Der Gottessohn ist Mensch geworden.

### Hans Holbein der Jüngere

Eine der größten Errungenschaften der Renaissance war die Entdeckung des Menschen als Individuum, wie sie sich in der modernen [Porträtmalerei widerspiegelt](/pedia/genres--portrait-paintings/) . Wie die meisten Ideen der Renaissance hat auch die Kunst der Porträtmalerei ihren Ursprung in Italien, wurde aber später von Hans Holbein dem Jüngeren brillant gemeistert. Obwohl in Deutschland geboren und aufgewachsen, gehörte Holbein zu Europa, dem Europa der Renaissance und des Humanismus, dem Europa, das Erasmus von Rotterdam, Franz I. von Frankreich, Sir Thomas More, Heinrich VIII. und Melanchthon hervorbrachte. Holbein war gebürtiger Deutscher, aber seine Entwicklung erforderte mehr Möglichkeiten und größere Freizügigkeit, als die provinziellen Zwänge seines Heimatlandes boten. Er unternahm daher häufig lange Reisen nach Norditalien und Frankreich und suchte die Freundschaft mit den großen Humanisten in Basel, Rotterdam und London. Auch nachdem er in den Dienst Heinrichs VIII. getreten war, bestand er darauf, persönliche Kontakte zu anderen europäischen Kulturzentren zu pflegen.

Einer der auffälligsten Züge Holbeins war seine offene Haltung gegenüber der Welt um ihn herum, die ihm zu Lebzeiten oft den Vorwurf einbrachte, labil zu sein. Er war sicherlich weniger ausgeglichen als andere deutsche Künstler wie Dürer, aber er war nicht bereit, sich zu binden. So wird ihm zum Beispiel vorgeworfen, er sei trotz der Zusage eines wichtigen Auftrags nach England zurückgekehrt und habe sich geweigert, einer dringenden Bitte der Basler Ratsherren nachzukommen, sich in seiner Heimatstadt niederzulassen. Doch ein Mann, der mit so vielen intellektuellen und politischen Einflüssen in Europa in Berührung kam, wuchs unweigerlich über jede Form bürgerlichen Denkens hinaus, und Holbeins künstlerische Leistungen sind der Beweis dafür.

Am meisten bewundert wurde er für die Männer und Frauen seiner Zeit, die er mit großem Eifer darstellte: selbstbewusste Fürsten, Gelehrte und Philosophen, Männer der Gesellschaft und wohlhabende Kaufleute, mondäne Damen und Frauen aus dem inneren Kreis ihrer Familien. Er malte sie stets aus der sicheren Distanz eines aufmerksamen Beobachters, konzentrierte sich ganz auf sein Sujet und verzichtete auf persönliche Beteiligung. Aufgrund dieser bescheidenen Haltung gegenüber seinen Modellen war Holbein in der Lage, Gemälde von großem dokumentarischen Wert zu schaffen; seine Bilder sprechen für sich selbst.

Er malte drei Porträts eines Gelehrten, dessen Rat und Urteil von hohen staatlichen und kirchlichen Würdenträgern eingeholt wurde: Erasmus von Rotterdam. Obwohl Holbein es in der Regel vorzog, seine Untertanen in voller Größe darzustellen, zeigt er Erasmus im Profil, was zweifelsohne seine intellektuelle Unabhängigkeit demonstrieren sollte. Jemand, der von Angesicht zu Angesicht dargestellt werden soll, gibt sich notwendigerweise zu erkennen, er muss auf die eine oder andere Weise posieren, um sich in einem günstigen Licht zu zeigen, während die Darstellung im Profil es dem Modell ermöglicht, den Künstler zu ignorieren. In Holbeins Porträt des Erasmus wirkt diese Wendung nicht arrogant, sondern erklärt sich aus der intensiven intellektuellen Konzentration des Gelehrten, die durch den angespannten Gesichtsausdruck und die schreibende Hand vermittelt wird. Seine scharfen Züge deuten auf einen kritischen Verstand, sensible Hände und Unentschlossenheit hin – Merkmale eines sorgfältig abwägenden Gelehrten. Sein schlichter Stil und sein teures Gewand zeugen von einem Sinn für die Schönheit der Einfachheit und des guten Geschmacks, und die drei Ringe an seinem Finger zeigen, dass selbst der große Erasmus nicht frei von Eitelkeit war. Holbeins großartige Charakterisierung wird durch historische Berichte gestützt, aus denen hervorgeht, dass Erasmus offen gegen das Papsttum auftrat, Luther aber die von ihm geforderte Unterstützung verweigerte, weil der religiöse Radikalismus und die Intoleranz des Reformators zu sehr im Widerspruch zu Erasmus’ eigenen humanistischen Idealen der Mäßigung und des Kompromisses standen.

Der wachsende Fanatismus der Protestanten sollte einer der Hauptgründe für den plötzlichen Niedergang der deutschen Malerei sein. Als Erasmus 1526 an Holbein schrieb, dass das reformierte Basel die Kunst nicht mehr begünstige, bezog er sich auf die allgemeine protestantische Abneigung gegen Bilder. Die Protestanten verbaten die Darstellung religiöser Themen. So stellte die Kirche die Vergabe von Kunstaufträgen weitgehend ein, und auch wohlhabende Fürsten und Kaufleute zogen sich nach den Bauernkriegen aus dem Mäzenatentum zurück und schränkten ihre Ausgaben ein, um die Geldlosen nicht zu verärgern. Die bildenden Künste hatten nicht nur ihre ideologische, sondern auch ihre wirtschaftliche Grundlage weitgehend verloren. Holbeins Entscheidung, sich in England niederzulassen, sollte vor dem Hintergrund dieser Ereignisse gesehen werden.

So zeichnen sich in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zwei Tendenzen ab, die manchmal auf dasselbe hinauslaufen, manchmal sogar gleichzeitig, wenn es sich als notwendig erweist: eine stark moralisierende, etwas düstere Malerei, die als Zugeständnis an die protestantischen Ziele der geistigen Reformation gedacht war, und eine höfische Kunst, die sich an der italienischen Renaissance orientiert und die immer stärker werdende Lust der Herrscher am Vergnügen zum Ausdruck bringt. Beide Tendenzen zeichnen sich durch eine Kunst aus, die in völligem Gegensatz zur Ernsthaftigkeit der Malerei der Dürerzeit steht.

Lucas Cranach der Jüngere, Sohn des älteren Cranach, ist einer der Hauptvertreter dieser Periode, die in gewisser Weise eine parallele Entwicklung zur italienischen [manieristischen Malerei darstellt](/pedia/history-of-art--mannerist-painting/) . Neben moralischen, allegorischen Werken wie Caritas und Allegorie des Glaubensbekenntnisses und einigen schönen Porträts schuf er mehrere humorvolle Exemplare [der Genremalerei](/pedia/genres--genre-painting/), von denen „Jungbrunnen“ eines der unterhaltsamsten ist. Alte Frauen werden auf Karren, Schubkarren und auf Bahren zum Verjüngungsbad gebracht, aus dem sie in neuer Schönheit wieder auftauchen. Die alten Bauern, die ihrer abscheulichen Ehefrauen überdrüssig sind, erwarten offenbar keinen anderen Lohn für ihre Mühen, als die alten Frauen endlich loszuwerden. Nach der Verwandlung werden die jungen Mädchen von ihren Kavalieren empfangen, die sie dazu drängen, sich schöne Kleider anzuziehen und sich dem fröhlichen Leben voller Tanz, Alkohol und Spaß anzuschließen.

### Deutsche Kupferstiche der Renaissance

Ein Spezialgebiet, auf dem sich die deutschen Meister des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts hervortaten, war die [Zeichnung](/pedia/graphic-art/) . Viele Künstler dieser Zeit erreichten auf diesem Gebiet Größe, und oft übertraf der Wert ihrer Zeichnungen und Stiche den ihrer Gemälde. So sollten Dürers Aquarelle und Stiche nicht als bloße Studien für Ölgemälde betrachtet werden; sie sind selbst Kunstwerke. Das Gleiche gilt für die Darstellung des heiligen Christophorus Altdorfer. Mit rein grafischen Mitteln wird die Legende erklärt, mit einem klaren Federstrich und weißer Hervorhebung. Der titanische Charakter des Heiligen zeigt sich in der dramatischen Bewegung des Zusammenspiels der Linien vor dem Hintergrund einer Miniaturlandschaft, die an der figürlichen Szene nicht beteiligt ist. Die weiße Kreidung wird durch die grün getönte Oberfläche des Papiers hervorgehoben und verleiht der Gruppe eine geisterhafte Plastizität, die durch den flachen statischen Hintergrund aus vertikalen und horizontalen Linien noch unterstrichen wird. Die Legende des heiligen Christophorus, der von der Last seiner Berufung als Christusträger fast in die Knie gezwungen wird, verwandelt sich in eine visuelle Erfahrung.

Die Bedeutung des Kupferstichs nahm zu Dürers Zeiten zu. Die älteste grafische Technik, der Holzschnitt, war zunächst nur für die Wiedergabe bildlicher Vorstellungen gedacht. Nach der Erfindung des Buchdrucks trat der Holzschnitt an die Stelle der kolorierten Miniatur und gewann dadurch an künstlerischer Bedeutung. Da der Holzschnitt weniger Zeit und Material benötigt als das Gemälde, kann der Künstler ohne Rücksicht auf den Geschmack des Auftraggebers formal experimentieren. Aufgrund der einfachen Reproduzierbarkeit verbreitete sich die neue Kunstform rasch.

> [![](https://cdn.gallerix.asia/x/visio/1780068273.jpg)\
> \
> Gemälde Kupferstiche von Dürer](/storeroom/1780068273/)

So nahm der Einfluss der Grafik zu und begann, den Stil für andere künstlerische Entwicklungen zu bestimmen. Dies erklärt ihre gro

* * *

- [Photo exhibition "Valery Zarovnyannykh. My world"](/pr/fotovystavka-valeriy-zarovnyannyx-moy-mir/)

Dein Kommentar

Website URL:

Name:

Type this number here, please: fоur

Kommentar speichern

[Einschränkungen](https://gallerix.ru/go?route=2)

Diese Seite existiert aufgrund von Werbeeinnahmen.

[Adblock bitte ausschalten](//de.gallerix.ru/code/adboff.php)!

Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!

#### Кому понравилось

#### Поделиться

**Поделиться ссылкой в соцсетях:**

2009-2023 [Gallerix](https://gallerix.ru/) 16+

![Яндекс.Метрика](https://metrika-informer.com/informer/253414/2_1_9F9490FF_7F7470FF_1_pageviews)

Alle auf dieser Website präsentierten Materialien sind für informative, wissenschaftliche, pädagogische und kulturelle Zwecke bestimmt.

Hilfe  F.A.Q.  Über  Werbung  Kontakte

**Spenden Sie uns** Regeln
Nutzungsbedingungen
Datenschutz-Bestimmungen
Urheberrechte