독일의 세 작곡가 Bach, Beethoven, Brahms의 작품 특성
활동 시기를 달리하는 독일의 세 작곡가인 Bach, Beethoven 그리고 Brahms는 각기 바로크, 고전주의 그리고 낭만주의 시대를 대표하는 작곡가로서 ...
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### 독일의 세 작곡가 Bach, Beethoven, Brahms의 작품 특성

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2014\. 9. 12. 13:01

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    활동 시기를 달리하는 독일의 세 작곡가인 Bach, Beethoven 그리고 Brahms는 각기 바로크, 고전주의 그리고 낭만주의 시대를 대표하는 작곡가로서 독일을 대표하는 작곡가들이기도 하며 또한 음악사를 대표하는 작곡가이기도 합니다.  한 나라에서 세계 음악인의 추앙을 받는 세 명의 작곡가가 나왔다는 것은 부러운 일이 아닐 수가 없습니다.  이 글에서는 세계 음악사의 주요 작곡가로 평가되어지는 그들의 작품을 주로 독주곡, 실내악곡 그리고 관현악곡을 통해 간략히 분석해 보고 그들의 작품을 통해서 시대별로 다르게 나타나는 독일 음악의 흐름과 특징을 생각해 보고자 합니다.

    그들의 생애 기간을 살펴 보면 다음과 같습니다.

    바흐(1685~1750)

    베토벤(1770~1827)

    브람스(1833~1897)

    그들의 생애 기간을 보면 세 사람 모두가 어느 누구도 같은 시기를 잠시라도 산적이 없습니다.  그렇기 때문에 그들의 음악은 서로 다른 특징을 가질 수 밖에 없습니다.  그러면서도 그들의 음악은 그들이 모두 독일인이었기 때문에 같은 음악적인 특징을 지닐 수 밖에 없습니다.

1\. 바흐

    먼저 가장 이른 시대를 살아간 바흐의 음악을 살펴 보기로 합니다.  다음의 곡은 바흐의 무반주 첼로 조곡 3번 중에서 두 번째 곡 Allamande입니다.

바흐, 무반주 첼로 조곡 제 3번 중 알라망드(1~12)

    바흐의 창작 세계에서 특별히 주목해야 될 것은 일반적으로 작곡가들이 동시에 두 성부 이상을 자연스럽게 연주할 수 있는 악기를 위한 곡을 독주 악기로 사용하는데 바흐는 그것이 용이하지 않은 바이올린이나 첼로 등을 위한 곡 들을 여러 곡 썼다는 것입니다.  그러한 찰현 악기를 위한 독주곡들을 쓸 수 있게 된 것은 바흐가 대위법적인 사고에 능하였기 때문에 반주 없는 단선율적인 진행에서도 시차를 통해서 진행하는 두 개 이상의 성부를 마치 동시에 진행하는 것처럼 대위법적으로 만들 수 있었기 때문입니다.  위의 곡에서 첫 번째 마디는 한 성부로만 진행하고 있는데 넷째 박의 첫 번째 16분 음표 까지의 진행을 보면 같은 음형이 다른 음에서 반복되고 있는 것을 볼 수 있습니다.  그럼에도 그것은 마치 서로 다른 네 대의 악기가 연주하고 있는 것처럼 풍부한 음악의 흐름을 제공해 줍니다.  아래에 네 대의 첼로로 풀어서 알기 쉽게 보여 드립니다.

    셋째 마디의 경우에도 한 성부를 통한 대위적인 기교가 등장합니다.  여기에서 역시 세 성부의 진행을 생각해 볼 수 있는데 첫 번째는 첫 박과 셋째 박의 저음에 등장하는 라와 솔이고 둘째는 첫 박과 셋째 박의 그 두 음을 제외한 솔 도 미와 파 시 레이고 마지막 성부로는 둘째 박과 넷째 박에 등장하는 독립 되어 보이는 음형입니다.  물론 이 세 성부는 완전히 독립되어 진행하는 것이 아니고 하나의 선율 진행 안에서 마치 하나의 노래 가락처럼 조화롭게 움직입니다.  그리고 9~10 마디 사이에서의 진행은 마치 두 개의 성부가 상성부와 하성부에서 선율을 주고 받으며 진행하는 것 같습니다.

    그가 이렇게 하나의 성부 진행을 통해서 여러 성부가 만들 수 있는 화음감을 제공해 줄 수 있었던 것은 하나의 고정박 내에서 리듬을 섬세하게 나누고(여기에서는 16분 음표와 32분 음표) 그 리듬에 모티브를 부여하여 대위법적으로 다루었기 때문에 가능했던 것입니다.  이러한 그의 작곡 기법은 현악 독주곡을 쓸 때는 언제나 어김 없이 적용이 됩니다.  놀라운 것은 바흐가 무반주 바이올린 독주곡을 위해서도 푸가를 썼다는 것입니다(악보 예 7-17)

바흐, 무반주 바이올린 소나타 1번 중 푸가(1~15)

음악 감상 :

    독일은 당시 서양 음악의 중심 역할을 하고 있던 이탈리아나 프랑스에 비해서 음악적인 전통이 풍부하지 못했었습니다.  그래서 바흐는 자신의 음악적인 어법을 찾는 과정에서 그러한 주변 국가들이 갖고 있는 음악적인 전통들을 받아들이고 소화하는 길을 택했습니다.  이탈리아는 기악 소나타나 협주곡 등에서 좋은 전통을 갖고 있었고 프랑스는 서곡이나 조곡 또는 무곡 등에서 강한 전통을 갖고 있었습니다.  그래서 바흐는 이러한 자원들을 자신의 음악 양식으로 기꺼이 받아 들였습니다.  같은 독일 작곡가인 베토벤은 자신의 음악에서 분명히 추구하는 기법이 있었는데 비하여 바흐는 주변 국가들의 음악을 받아들이고 그것을 독일 음악으로 만드는 과정에 있었기 때문에 그의 음악은 서로 다른 음악의 양식이 동시에 존재하고 있습니다.  대부분의 작곡가들이 음악을 통해 자신이 추구하는 뚜렷한 목표가 있는데 비하여 바흐는 그러한 목표보다는 여러가지 음악의 경향을 하나로 아우르면서 독일 음악의 기초를 만들고 세계 음악에 새로운 관점을 제시해 주는 아주 중요한 역할을 하게 됩니다.  바흐가 음악의 아버지라고 불려지는 이유이기도 합니다.

    그의 음악 쟝르가 그렇게 여러 음악 조류를 아우르는 경향을 지니는 것처럼 그는 하나의 곡을 만드는 구조적(texture) 시점에서도 구조적인 기교를 통해서 자신의 어법을 추구 한다기 보다 곡을 구조적으로 원만하게 구성하는 의도를 갖고 있습니다.  예를 들어서 베토벤은 곡의 구조를 정하는 과정에서 곡을 구성하는 각 부분(제 1 주제, 제 2 주제, 연결구, 종결구 등)들의 역할을 구분해 놓고 그 부분들을 서로 다른 의미로서 구성해 가는 반면, 바흐는 그러한 각 부분의 구분에 많은 관심을 갖지는 않았습니다.  물론 바흐의 시대에는 고전시대 만큼 음악 형식이 발달하지 않은 점도 있지만 그의 음악은 한 곡 내의 어느 부분들을 비교해 보아도 texture 면에서 크게 차이가 없습니다.

바흐는 음들을 매우 논리적으로 사용했지만 그 음들을 전체 형식 면에서 가치를 정하는데에는 베토벤 만큼 많은 관심을 갖지는 않았습니다.  그가 사용한 작곡 기법은 크게 계획 되어진 구조보다는 작은 부분의 섬세한 구조에 충실하고 원만하고 유려하게 음악이 흐르도록 하는 것이었습니다.  그 예를 생각해 볼 수 있는 악보를 제시합니다.  다음 악보는 칸타타 147번 중에서 <예수는 인간 소망의 기쁨>입니다.

바흐, 칸타타 147번 <예수는 인간 소망의 기쁨>(1~11 마디)

    이 곡의 도입부의 바이올린에 등장하는 선율을 보면 특별한 굴곡 없이 선율이 마치 무한 선율처럼 움직이는 것을 볼 수 있습니다.  이것은 다른 성부에도 같은 방법으로 등장하며 9마디에서부터 등장하는 합창에서도 역시 선율이 굴곡 없이 등장하는 것을 볼 수 있고 이러한 분위기는 곡을 마칠 때까지 지속됩니다.  그럼에도 음악은 지루하거나 단순하게 느껴지지 않으며 오히려 그러한 진행으로 인해 듣는 사람의 마음에 종교적인 편안함을 주고 그 만의 유려한 음악을 만들어 갑니다.  그것은 곧 곡을 쓰기 위해 꼭 많은 것을 생각하고 계획해야만 하는 것은 아니라는 예의 하나라고 생각합니다.  물론 바흐가 계획 없이 곡을 썼다는 말은 아닙니다.  그는 곡의 구조를 만들 때 베토벤에 비해서 모티브들을 서로 간에 유사하게 구상했고 구조를 만드는 단위들을 짧게 사용한 면이 보입니다.

음악 감상 :

    다음의 예는 관현악 조곡 3번 중에서 Air입니다.  이 곡은 단순하게 네 성부로 되어 있지만 모든 성부가 유사한 진행을 하지 않고 각기 자기의 독특한 역할을 담당하고 있어서 음악에서 느껴지는 소리는 매우 입체적이고 다양합니다.  그리고 주선율은 제 1 바이올린이 담당하고 있지만 다른 성부가 그 선율을 반주해 주는 역할 만을 해주는 것이 아니고 선율을 화음으로서 반주해 줌과 동시에 자신도 선율을 만들어 가며 대위법적인 진행을 해가고 있습니다.  그러니까 곡을 쓸 때 단순히 화성법이나 대위법적인 구조를 통해 특정한 방법으로 쓰겠다고 계획하여 진행한 것이 아니고 그가 갖고 있는 환타지를 대위법적인 생각을 통해서 만든 것이 이 곡을 아름답게 만든 이유 중의 하나이라고 봅니다.

바흐, 관현악 조곡 제 3번 중 Air(1~8 마디)

음악 감상 :

2\. 베토벤

    베토벤은 바흐와 달리 음들의 진행이 확실한 화성 구조 안에서 이루어지고 음들이 분명히 움직이는 방향과 목표가 있습니다.  다음의 곡은 비창 소나타의 제 1 주제 부분입니다.  이 곡을 보면 1, 3, 5, 7, 9 마디에서 선율의 주요음이 C음으로 나타나 있는 것을 볼 수 있습니다.  그리고 나머지 음들은 뼈대음인 C음들 사이에서 순차와 도약을 하며 올라가고 내려가는 것을 볼 수 있습니다.  그리고 3, 4 마디는 1, 2 마디를 옥타브 높여 반복한 것이며 그 다음 마디들은 5 마디에서 절정을 이루고 이완을 해가는 것을 알 수 있습니다.  물론 왼손은 위성부의 진행을 화성적으로 뒷받침 해 주는 종지 구조를 가지며 오른손의 흐름을 묶어주는 매우 피아노적 기법의 8분 음표로 진행하고 있습니다.  이 아홉(또는 여덟) 마디의 진행에서도 클라이맥스는 두 개로 설정이 됐다고 볼 수 있습니다.  하나는 5 마디의 오른손의 최고음이고 두 번째 것은 7마디의  독일 6화음이 나오는 부분입니다.

    이러한 그의 작곡 기법은 음들이 갖는 의미들을 틀 속에서 생각하는 고전주의적인 사고에서 온다고 볼 수 있습니다.  물론 바흐의 경우와는 음악이 분위기가 많이 다르게 느껴지지만 바흐의 경우처럼 음들을 세분된 하나로 생각하고 그것을 논리 속에서 생각했다는 면에서는 같다고 볼 수 있습니다.

베토벤, 피아노 소나타 제 8번 <비창> 1 악장(11~37 마디)

음악 감상 :

    베토벤은 어느 작곡가보다도 완벽한 구조를 만든 작곡가로 잘 알려져 있습니다.  그는 이미 완성한 곡에 수정을 가하고 또 수정을 가하는 완벽주의자였습니다.  그가 곡에 계속적으로 수정을 가한 이유는 음 하나의 가치를 고귀하게 생각하였고 주변 상황에 따라 음의 가치가 달라지는 작곡에 대한 생각을 갖고 있었기 때문입니다.  어떤 의미에서 베토벤은 바흐와 같이 음을 조직적으로 다루는, 바흐와 유사한 생각의 작곡가였습니다.  그러나 베토벤은 음들을 단순히 조직적으로 다루는 데에 그치지 않고 그것을 통해서 사람들에게 자신의 음악적인 사고와 철학을 전해준 사람이었습니다.  그는 단순히 음악을 논리를 통해서 작곡하는 것을 넘어서 그 논리를 통해서 사고 전달의 새로운 매체를 만들어 냈습니다.  그의 음악은 음악이면서 감정을 가진 논리적인 철학이었습니다.  그의 어느 음악에서도 언어화 되어진 그의 사상을 읽을 수 있습니다.  그가 음들을 통해서 철학적 사고를 만들 수 있었던 것은 음들 사이의 관계를 통해서 그 사이에서 느껴지는 의미를 추구했기 때문입니다.  단순해 보이는 몇 개의 음도 베토벤의 악보 위에 올라 오면 심오한 철학으로 변합니다.  그렇게 될 수 있었던 이유는 앞서 말한대로 음 들사이의 관계에서 느껴지고 전해 주고자 하는 의미를 찾았기 때문입니다.  아래에 우리에게 잘 알려진 너무나도 단순한 악보의 피아노 소나타 <월광>의 1악장을 보여 드립니다.

베토벤, 피아노 소나타 제 14번<월광> 1악장(1~7 마디)

악보를 보면 너무나도 단순하지만 이 음악에는 깊은 음악적인 철학이 담겨 있습니다.  얼핏 보면 처음에 등장하는 오른손의 셋잇단 음표의 무한한 반복으로 인해서 앞에서 보여드린 바흐의 무반주 첼로 조곡과 텍스쳐가 유사해 보이기도 하지만 베토벤은 이렇게 단순해 보이는 셋잇단 음표에서 깊은 철학을 찾아 내었습니다.  만약에 베토벤이 없었다면 이와 같은 단순한 3잇단 음표의 연속으로 인한 거룩하고 진지한 음악을 우리는 듣지 못했을 것이고 그 어느 누구도 이러한 음악을 만들지 못했을 것입니다.  베토벤을 통해서 음악은 단순한 소리를 넘어서 철학의 한 분야가 된 것입니다.  베토벤의 음악은 어느 음악도 가볍지 않고 철학적인 내용을 담고 있으며 진지합니다.  그의 음악이 그렇게 진지한 의미를 가질 수 있었던 것은 어느 한 음도 임의로 선택하지 않고 반드시 주변과의 연관성을 생각하며 그 가치를 찾아가기 때문입니다.  만약에 어느 한 음이라도 임의로 택했더라면 그의 음악에서 철학은 사라졌을 것입니다.

음악 감상 :

    다음으로 그의 피아노 3 중주곡 대공(op.97)을 보고자 합니다.  바흐는 곡을 쓸 때 그 악기만이 갖는 음악적인 특성을 많이 고려하지 않았습니다.  그래서 음역이 가능하다면 원곡을 다른 악기로 바꾸어 연주해도 원곡이 갖는 음악을 손상시키지 않고 오히려 새로운 음악적인 느낌을 전해 주는 경우를 자주 봅니다.  그렇게 되는 이유는 바흐가 악기의 특성을 고려하지 않고 썼기 때문이기도 하지만 바로크 시대에는 기악에 대한 작곡 기법이나 연주 기법들이 많이 발달 되어 있지 않았기 때문이기도 합니다.  고전주의 시대에는 형식에 대한 개념이 많이 발달함에 따라 곡 내에서 악기의 역할에 대한 생각도 변하게 됩니다.

    다음의 곡을 보면 세 개의 악기가 곡의 구조에서 차지하는 역할이 다르고 또 각 마디가 곡 내에서 갖는 음악적인 의미가 다른 것을 알 수 있습니다.  전자의 경우는 특히 피아노가 왼손에서 선율을 연주하지 않고 화음 반주를 하고 있는 면에서 확실히 드러나고 바이올린과 첼로가 선율을 연주하는 8 마디 이후에서는 피아노 파트 전체가 반주에 집중하고 있는 모습을 보면 알 수 있습니다.  후자의 경우는 9 마디에서 현악에 의해 새로운 부분이 등장하기까지 6 마디 후반에서부터 8 마디까지가 주요한 선율적인 움직임이라기보다는 앞의 악절을 맺어주는 종지적 역할을 해 가고 있다는 점에서 분명합니다.  그러니까 주요한 부분과 부차적인 부분의 구분이 생기게 된 것입니다.  그러한 것은 형식을 중요시하는 과정에서 형식을 위해서 각 부분의 역할이 생겨났기 때문이라고 봅니다.  그럼에도 모든 음악의 부분들이 문장과도 같이 하나의 흐름을 형성하고 그것이 하나의 일관된 음악을 만들어가고 있습니다.

베토벤, 피아노 3중주 <대공> 1악장(1~18 마디)

음악 감상 :

    바흐의 경우에는 악기의 특성을 크게 고려하지 않기 때문에 관현악곡이라도 텍스쳐 면에서 다른 기악곡들과 크게 다르지 않습니다.  그렇지만 베토벤의 경우는 확실히 악기가 갖는 특성이 많이 고려되고 그것이 또한 곡의 특징을 만들어 주는 중요한 요소가 됩니다.  아래의 곡은 베토벤의 에그몬트 서곡 처음 부분인데 첫 마디는 도입의 분위기를 위해서 전체 악기가 유니슨으로 F음 만을 페르마타로 만들고 있는 모습입니다.  이어서 모티브를 현악기에 의해서만 제시를 해 주고 5 마디 부터는 목관악기 만으로 다른 모티브로 받아서 악절을 마무리 지을 준비를 합니다.  이 과정에서 7 마디에서 부터 현악이 점차 가세를 합니다.  그의 이 곡을 보면 확실히 바흐와는 곡의 구조를 짜는 방법이 다르며 각 부분의 역할이 명확히 구분 되어지는 것을 알 수 있습니다.  바흐의 곡에서 바흐만의 분위기가 만들어지듯이 베토벤의 곡에서도 역시 베토벤만의 분위기가 느껴집니다.  베토벤의 곡은 어느 곡을 들어 보아도 진지한데 이 곡 역시 매우 진지합니다.  베토벤의 음악이 진지한 것은 그가 형식을 중요시한 작곡 방법을 가졌기 때문이기도 하지만 그의 진지한 성격의 영향이 컸으리라 생각합니다.

베토벤, <에그몬트 서곡>(1~9 마디)

음악 감상 :

3\. 브람스

브람스는 후기 낭만주의 시대를 살았음에도 고전주의적인 작품 경향을 가진 작곡가로 평가 됩니다.  그와 거의 같은 시대를 살았던 바그너가 조성에서 벗어나는 길을 열어준 반면 브람스는 조성을 굳건히 지키며 조성 속에서 그의 작품 활동을 합니다.  그는 조성 음악의 범주 안에서 벗어나지 않고 항상 조성을 이용해 작곡을 합니다.  단순히 3 화음적인 협화적 조성 음악을 쓰는데 그치지 않고 형식 면에서도 고전주의적인 특성을 거의 그대로 유지 합니다.  그렇지만 조성 음악을 쓰더라도 과거의 작곡가들과 같은 양식의 곡을 쓸 수는 없기 때문에 그는 이전의 작곡가들과는 다른 음악의 기법을 추구합니다.  그의 음악은 음악인들에게 매우 사랑 받지만 음악사의 작곡 기법사적인 면에서 브람스는 큰 위치에 올라있지는 않습니다.  그가 추구한 것은 조성 음악의 재료들을 기법의 관점에서 본 것이 아니고 조성 음악이 줄 수 있는 느낌이나 분위기의 관점에서 나오는 음악 그 자체이었습니다.  그래서 브람스의 음악을 보면 조성적인 구조가 확연히 드러나고 음악에서도 브람스 만이 갖고 있는 서정성이 잘 드러납니다.

    다음의 곡은 그의 피아노 소나타 2번 중의 첫 악장입니다.  그가 고전주의적인 기법을 추구 했음에도 낭만주의 시대의 후반을 살았기 때문에 이 작품에도 낭만주의적인 특성이 잘 나타납니다.  브람스는 고전주의적인 기법을 추구했지만 이 곡에서 베토벤과 같이 텍스쳐의 완벽함에 많은 비중을 두지는 않았습니다.  오히려 아래 곡의 마지막 단에서는 마치 바흐의 무반주 바이올린 독주곡을 옮겨서 양손으로 연주하는 듯한 인상을 주고 있고 악보의 전반부에서도 네 성부가 나오지만 사실은 단성부로 된 하나의 선율을 강조하기 위해 네 성부로 음량을 중복시킨 것입니다.  3, 4, 5, 6 마디의 오른손에 나오는 C#을 기본으로 하여 도약하는 음형도 역시 브람스 특유의 낭만주의적인 기교와 정서를 반영한 것입니다.  이러한 작품 구조에서 보듯이 브람스는 특별한 작곡 기법을 추구한 작곡가는 아니고 기존의 조성 음악 재료들을 자신의 관점에서 새롭게 환타지를 따라 작곡한 작곡가입니다.  그럼에도 그는 고전주의나 그 이전 시대의 어느 한 시점에 기인한 작곡 기법을 맞춘 작곡가는 아니고 낭만주의 시대에 살면서 고전주의적인 기법들을 새롭게 해석하여 자신의 음악으로 만든 작곡가입니다.

브람스, 피아노 소나타 제 2번 1악장(1~15 마디)

음악 감상 :

    다음의 곡은 그의 클라리넷 5 중주(op.115, 나단조) 중에서 2 악장의 중간 부분입니다.  이 5 중주곡은 그의 서정성이 잘 드러나는 곡으로 그의 낭만주의적인 선율 감각이 돋보입니다.  이 곡도 말할 것이 없이 조성으로 되어있는데 브람스는 전통적인 조성으로 쓰는 한계를 벗어나기 위해 낭만적인 재료들을 끌어 들입니다.  우선 악기의 특성을 살리기 위해 클라리넷의 음색을 중요시한 선율이 보이고 그것을 구체화하는 과정으로서 6 잇단음과 9 잇단음 그리고 11 잇단음 등의 복잡한 리듬을 사용한 것이 보입니다.  그것과 더불어 아랫단에서는 바이올린과 비올라 등에 트릴을 연속으로 사용하여 반주 효과를 단순한 화음으로서가 아니고 낭만적인 음색으로서 추구한 것을 볼 수 있습니다.  바흐 시대나 베토벤 시대에는 상상할 수도 없던 아주 특이한 음색 기교입니다.  어떻게 생각하면 바흐 곡에 비해서 음표의 낭비 같이 보이기도 하지만 바흐나 베토벤 시대에는 생각지 못하던 새로운 감정 표현법을 시도한 기법이라고 볼 수 있습니다.  그것은 곧 새로운 시대 조류에서 새로운 사상이 나오고 또 그에 따라서 새로운 각도에서 과거의 음악 유산을 인식한 데에서 나온 음악의 결과이라고 봅니다.

브람스, 클라리넷 5중주 제 2 악장(52~58 마디)

음악 감상 :

마지막으로 생각해 볼 것은 베토벤의 10번 교향곡으로 일컬어지는 그의 1번 교향곡입니다.  그는 베토벤의 아홉 개의 교향곡에 큰 감명을 받아 베토벤의 교향곡에 견줄만한 작품을 쓰기 위해 오랜 시간을 숙고한 끝에 이 곡을 작곡했다고 합니다.  그가 베토벤의 교향곡을 오랜 동안 마음에 두고 있어서인지 그의 이 교향곡은 실제로 주제 선율면에서 베토벤의 교항곡과 많이 닮아 있습니다.  다음의 보기는 한스 폰 뷜로가 브람스의 이 교향곡이 초연 된 다음 해인 1877 년에 이 교향곡이 베토벤의 교향곡 9 번과 5 번에 많이 닮아 있다고 제시한 근거입니다.  그래서 그는 이 교향곡을 베토벤의 제 10번 교향곡이라고 말했던 것입니다.

                             (출처 :[http://de.wikipedia.org/wiki/1.\_Sinfonie\_(Brahms))](http://de.wikipedia.org/wiki/1._Sinfonie_(Brahms)))

물론 이 교향곡이 동기 구성 면에서 베토벤의 교향곡들과 닮은 면이 있다고 볼 수도 있지만 음악이 주는 특징이나 분위기는 베토벤의 교향곡과는 완전히 다릅니다.  어쨌건 그는 베토벤의 작품들에서 영향을 받았음이 분명하지만 그의 네 개의 교향곡은 베토벤의 교향곡 만큼 널리 연주되고 있고 그의 교향곡 만큼 가치를 인정 받고 있습니다.  사실 베토벤 이후로 교향곡을 쓴 작곡가들이 많이 있지만 브람스 만큼 그 가치를 인정받고 있는 작곡가는 없습니다.  그것은 베토벤이 너무나 훌륭한 교향곡을 썼기 때문에 그 이후에 같은 조성으로 그에 필적할 교향곡을 쓴다는 것은 거의 불가능할 수도 있기 때문이라고 생각합니다.

    앞에서 베토벤의 비창 소나타 왼손의 반주 부분에서 8분 음표로 지속하는 C음의 반복을 보았습니다.  그 부분에서 베토벤은 오른손의 C음들을 뼈대로 두고 명확한 구조로 올라가고 내려가는 진행을 만들었습니다.  낭만주의 시대에 살며 베토벤의 작곡 기교를 잘 알고 있던 브람스는 같은 경우에 어떻게 했을 가를 가정해 보는 것은 아주 재미있는 일입니다.  아마 브람스는 베토벤의 피아노 소나타 8번에서 지속되는 C음에서 영감에 자극을 받아서 이 곡의 도입부를 만들었을 가능성도 있습니다.

    아래의 악보는 브람스의 교향곡 1번의 도입부입니다.  브람스는 최저음의 콘트라 파곳과 팀파니 그리고 콘트라 바스에서 베토벤의 비창 소나타 처럼 같은 C음을 저속음으로 지속하고 있습니다.  같은 조성 음악이지만 브람스는 약간 다른 결정을 내립니다.  이 곡이 여러 성부를 자유롭게 진행 시킬 수 있는 관현악곡이라 그렇기도 하지만 브람스는 크게 두 가지의 방법을 같이 사용하고 있습니다.  하나는 관악기 군에서 보는 것처럼 비교적 단순한 구조로 되어 있는 하행 또는 상행의 선율을 만들어 진행시키고 있고 또 하나는 고음의 현악기에서 마치 바그너의 무한 선율을 연상시키는 듯한 자유로운 리듬의 선율을 만들어 두 개의 선율을 대조되는 구조로 진행시키고 있습니다.  그러니까 브람스는 같은 C음을 반주부에서 반복하는 상황에서 베토벤과는 달리 두 개의 다른 흐름을 동시에 진행시키는 방법을 사용하고 있습니다.  이런 대조되는 세 개의(C음의 반복까지 포함하면 세 개) 서로 다른 큰 구조 속에서 브람스는 매우 특이한 자신만의 음악을 성공적으로 만들고 있습니다.  그러니까 브람스는 조성 음악으로부터 벗어나는 새로운 작곡 기법을 만든 것이 아니고 이전 작곡가들에 의해 사용 되어진 기법들을 새로이 결합하여 브람스 자신만의 음악을 만드는 작업을 했다고 볼 수 있습니다.  물론 중요한 이야기이지만 그는 그러한 과정을 기법을 찾는 과정으로서 생각한 것이 아니고 그가 찾는 음악을 만들기 위한 과정으로서 생각했다는 것입니다.

브람스, 교향곡 제 1번 1악장(1~7 마디)

음악 감상 :

바흐, 베토벤 그리고 브람스는 3 B로 불려지기도 합니다.  그들은 같은 독일 작곡가로서 모두 논리적인 생각을 가지고 음들을 다루었으며 논리적인 사고로 시대적인 조류 가운데에서 각기 자신들의 개성적인 음악을 만들었습니다.  흔히 작곡을 하는 사람들이 단순히 곡을 쓰면 좋은 곡이 나올 수 있다고 생각하는데 그렇게 되면 동기 부여가 되지 않기 때문에 사실상 좋은 곡을 쓰기가 힘들다고 봅니다.

    위의 세 작곡가들은 그들의 어느 음악을 들어 보아도 그들의 작품인 것을 음악을 공부하는 사람들은 알아챌 수 있습니다.  그것은 그들이 마음 속에서 음악을 통해서 항상 하고 싶은 이야기가 있었고 추구하고 싶은 이야기가 있었다는 것을 말해 줍니다.  단순히 그들이 천재였기 때문에 대가가 됐다는 표현은 적절한 표현이 아니라고 생각합니다.  그들이 천재였던 것이 중요한 요인 중에 하나이겠지만 그들이 음악을 통해 세상을 향해 자신들을 표현하고 싶었던 것이 더 큰 동기 부여가 되지 않았을까 생각합니다.  그들의 음악은 누구나 쉽게 인식 되어질 수 있도록 기법적이고도 개성적인 특징을 갖고 있는데 그것은 곧 그들이 단순히 음악을 작곡했다는 것을 의미하지 않고 자신의 시대적인 환경과 사고 방식 내지는 성격에서 진실한 마음을 갖고 작곡했다는 것을 의미합니다.  작곡가가 되는 것은 단순히 작곡을 하려는 마음만 가지고는 불가능하다고 생각합니다.  세상을 바라보며 세상을 향해 하고 싶은 자신만의 이야기가 있어야 됩니다.

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\*\*\*그가 열방 사이에 판단하시며 많은 백성을 판결하시리니 무리가 그 칼을 쳐서 보습을 만들고 그 창을 쳐서 낫을 만들 것이며 이 나라와 저 나라가 다시는 칼을 들고 서로 치지 아니하며 다시는 전쟁을 연습지 아니하리라(이사야서 2장 4절)](/2greens)

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