[애플사우루스] 레오나르도 다빈치의 중요한 작품들... - 네이버 블로그
레오나르도는 약 15년의 간격을 두고 대표적인 여인 초상화 세 점을 그렸다. <지네브라 데 벤치>, <체칠리아 갈레라니>, <모나리자>가 그것이다.
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\[애플사우루스\] 레오나르도 다빈치의 중요한 작품들...

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2019\. 2. 4. 18:10


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> **레오나르도 디 세르 피에로 다 빈치(Leonardo di ser Piero da Vinci, 1452~1519), 이탈리아**

르네상스 시대의 위대한 화가 중 한 명인 레오나르도 다빈치는 계속해서 예술적 전통과 기술을 실험했다. 그는 혁신적인 작품을 창조했고, 인체를 정확하게 표현하기 위해 해부학을 연구했고, 인격을 설명하기 위해 인간의 정신에 대해 생각해봤고, 2차원 표면에 있는 공간과 3차원 물체를 표현하는 방법을 실험했다. 그의 끊임없는 호기심의 결과는 많은 미완성된 프로젝트들뿐만 아니라 인간 본성에 대한 가장 실물과 같은, 복잡하고 부드러운 표현들이었다. 그의 실험은 그의 계승자들의 예술에 영향을 미쳤고 종종 다음 세기에 대표성의 표준이 되었다. 1519년 그가 죽었을 때, 레오나르도는 그림과 스케치들로 가득 찬 많은 공책을 남겼지만 완성된 작품은 거의 없었다. 그의 작품들 중 일부는 조수들에 의해 완성되었지만, 다른 것들은 분실, 파괴 또는 과다하게 그려졌다. 이탈리아의 전성기 르네상스 시대에는 휴머니즘 정신이 넘쳐났고, 세계인으로서 지속적으로 더 나은 삶을 영위하기 위해 인문학의 연구에 예술가들이 깊이 자리 잡고 있었다. 그러한 다양한 관심사의 이해와 성취에 몰두하는 사람은 나중에 "르네상스 사람"이라고 불릴 것이다. 레오나르도 다 빈치는 이 용어의 첫 번째로 주요한 전형이였다. 비록 그의 철저한 개인적인 관심이 그의 여러 분야에 대한 숙달로 이어졌지만, 그는 역사상 가장 위대한 화가 중 한 명으로 널리 알려져 있다. 그의 상징적인 작품들은 오늘날에도 계속 연구되고 존경받고 있다. 아래 작품들은 레오나르도 다빈치의 가장 중요한 것으로, 모두 주요 창조 시대를 조명하고, 화가의 가장 위대한 업적을 부각시키는 작품이다.

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> **Ginevra de’ Benci (c. 1474-1478)**

레오나르도는 약 15년의 간격을 두고 대표적인 여인 초상화 세 점을 그렸다. <지네브라 데 벤치>, <체칠리아 갈레라니>, <모나리자>가 그것이다. 그 가운데 <지네브라 데 벤치>는 레오나르도가 20대 초반에 완성한 가장 초기 작품들 중 하나로 이 여인 초상화들 중 가장 먼저 제작되었으며, 다 빈치의 유일한 양면 그림이다. 이 초상화의 주인공인 지네브라 데 벤치(Ginevra de’ Benci)는 15세기 후반 이탈리아 피렌체의 부유한 은행가 아메리고 데 벤치(Amerigo de' Benci)의 딸로 당시 17세의 미모와 지성으로 유명했던 수많은 예술가들에게 흠모의 대상이었던 여성으로, 1474년 피렌체의 유명한 행정관인 루이지 디 베르나르도 니콜리니(Luigi di BernardoNiccolini)와의 결혼을 기념하기 위해 그려졌다. 이 작품에서 그는 그의 경력 동안 사용할 수 있는 몇 가지 색다른 방법들을 보여준다. 그림은 스푸마토(사물과 사물의 경계선을 「연기처럼」 바림하여 그려서 자연스러운 효과를 내는 명암법)기법을 사용하기 이전인 1470년대 레오나르도 다 빈치의 화풍을 잘 보여주고 있다. 동시대 북부사람들에 의해 영감을 받은 레오나르도는 관습적인 프로필보다는 4분의 3 포즈를 취한 엄숙한 젊은 여성을 묘사함으로써 전통을 깼다. 그래서 그런 작품을 그린 최초의 이탈리아 예술가일지도 모른다. 그는 모나리자를 포함한 그의 모든 초상화에서 3/4의 관점을 계속 사용했고, 그것은 순식간에 너무 흔해서 오늘날 시청자들은 그것을 당연하게 여기게 되었다. 레오나르도는 또한 지네브라의 얼굴을 만들기 위해 페인트가 여전히 끈적거릴 때 손가락을 사용했을지도 모른다. 여성의 얼굴과 곱슬곱슬한 머리카락, 그리고 의복의 섬세한 표현이 두드러지며 드레스의 가슴부분의 얇은 천의 표현 또한 뛰어나다. 지네브라의 뒤로는 먼 곳의 풍경이 희미하고 푸르스름하게 표현되어 대기원근법의 예를 잘 보여주고 있다. 페인트 표면에서 발견된 지문이 시사하는 바와 같이 뒷면에는 월계수과 종려나무가 아름다운 화관을 이루며 초상화의 주인공인 지네브라의 이름을 연상시키는 이탈리아어로 지네프로(ginepro)인 노간주나무(juniper)의 잔가지를 에워싸고 있고, "미는 덕을 장식한다(Virtutem Forma Decorat)"라는 라틴어 장식 글귀는 각각의 꽃들과 얽혀 있다. 또한 노간주나무는 르네상스 시대에 ‘순결’을 상징하는 식물이기도 했다. 다 빈치는 글과 식물의 이미지를 통해 미와 덕의 관계를 보여주고 지네브라의 아름다움을 칭송하고 있다. 반대쪽의 잘려나간 모양은 물이나 화재로 인한 손상 때문일 수 있기 때문에 밑부분이 잘려졌을 수 있다는 것을 암시한다. 일부 학자들은 이 앞면의 초상화에 지네브라의 손이 포함됐을 것이라고 추측하고 윈저 성에 보관된 은필화(silverpoint) <study of arms and hands>의 예비 그림으로 작용했을 것이라고 추측한다. 1967년 워싱턴 내셔널 갤러리가 리히텐슈타인(유럽 중부의 스위스와 오스트리아 사이에 있는 국가) 왕자 가문으로부터 당시 최고가인 500만 달러에 구입하여 미국에서 볼 수 있는 유일한 다 빈치의 작품이 되었다.

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Ginevra de’ Benci (c. 1474-1478)

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> **Virgin of the Rocks (1483-1486)**

레오나르도는 1482년 피렌체의 군주 '위대한 자 로렌초’에 의해 밀라노로 보내졌고 1498년 스포르차 가문이 프랑스의 침략을 받고 멸망할 때까지 18년 동안 이탈리아 북부에 있는 밀라노로 무대를 옮겨 루도비코 스포르차의 후원 아래 화가로서 또 공학자로서 활발한 활동을 하였다. 이 시기에 그린 대표작이 <바위 산의 성모>와 <최후의 만찬>이다. 레오나르도는 밀라노에 온 이듬해인 1483년 4월 제작한 첫 공식 작품으로 최초의 성모 마리아가 예수 그리스도와 마찬가지로 원조를 지니지 않고 세상에 태어났다는 로마 카톨릭의 교리, 무염시태(無染始胎, Immaculate Conception)의 최초의 교단의 하나인 밀라노 성 프란체스코 대성당의 신심회 예배당 제단화 주문을 받고 이 작품을 그렸다. 이 작품은 규모가 큰 제단화의 일부로서 전체 작품을 위해 액자 제작자를 포함하여 세 사람이 참여했고, 그중 다 빈치는 중앙에 설치할 그림을 맡았다. 성서를 바탕으로 동방 박사의 예언을 들은 헤롯왕이 갓 태어난 남자 아기를 모두 죽이자 성모 마리아가 이를 피해 이집트로 피신하던 중 세례 요한을 만나 잠시 동굴에서 휴식을 취하고 있는 순간을 묘사한 것으로 보인다. 이 그림은 대천사 가브리엘과 더불어 아기 예수와 침례자 세례 요한과 함께 성모 마리아를 보여준다. 성모 마리아는 전경의 중앙에 위치하며 전경 외편에서 두 손을 모아 경배를 드리는 아기 그리스도보다 몇 달 먼저 태어난 아기 세례 요한, 그리고 그 맞은 편에서 한 손으로 세례 요한에게 축복을 내리고 있는 아기 그리스도, 대천사 가브리엘은 시선을 그림 밖의 관람자를 향한 채 검지로 그림을 가리키며 관람자를 그림으로 초대하듯 앉아 있다. 4명의 인물들이 피라미드 구도로 레오나르도의 통찰력 있는 예리함의 전형적인 예가 되는 신비로운 상상의 풍경 속에서 안정감을 준다. 전경의 서로 친밀한 관계들로 병치된, 완전히 상상된 황량한 바위와 물의 환경은 관람자에게 천상과 어우러지는 느낌을 불어넣고 인간 같은 부드러움의 공명을 불러일으키는 경험을 목격하는 것으로 꿈같은 품질을 제공한다. 어둠 속의 기암괴석은 한 줄기 빛에 의해 온화한 얼굴을 드러낸 인물들과 대조를 이루며 그 성스러움을 돋보이게 한다. 세례 요한은 플로렌스의 수호 성인이었고 이 작품에서 그의 묘사는 중요했다. 피렌체사람의 전통에 따르면, 그는 그리스도의 놀이 친구였지만, 또한 인류를 위한 그리스도의 미래의 희생을 알고 있었다. 그 시대의 다른 예술가들과 마찬가지로 레오나르도는 알려진 종교적 이야기를 이상화하지 않은 방식으로 표현함으로써 세속적인 사람들을 인도적이 되게 하는 것에 관심이 있었다. 이 그림은 비록 레오나르도의 해부학적 움직임과 유연성의 완벽함이 그 인물들을 현실적인 움직임의 감각으로 높이지만, 르네상스 전성기의 예술가들의 공통된 피라미드의 배열을 이용한다. 그들의 몸짓과 눈길은 그 당시로서는 혁신적이었던 역동적인 통합을 만들어낸다. 또한, 그의 스푸마토(sfumato) 스타일은 색깔과 윤곽이 부드러운 연기처럼 혼합되는 방식으로 나타나며, 또한 자연주의자들의 느낌을 강화시키고 공간을 3차원적으로 만들어준다. 이 그림은 비교적 이탈리아에서 새로워진 유화 물감을 사용한 초기 사례로, 이 화가가 복잡한 디테일을 포착할 수 있게 했으며, 이 작품에서 실제 느낌을 갖게 했다. 이 그림은 큰 영향을 끼쳤다. 작가 앙겔라 오티노 델라 치사(Angela Ottino della Chiesa)는 베르나르디노 루이니(Bernardino Luini)의 <Holy Family and St. John>, 마르코 도지오노(Marco D'oggiono)의 <Thuelin Madonna>, 주스 반 클레브(Joos van Cleve)의 <Holy Infants Embracing>을 포함하여 그 작품에서 어느 정도 파생된 그림들 중 몇 점을 확인했다. 캥탱 마시(Quentin Matsys)와 같은 플라망 예술가들도 이 이미지를 복사했다.

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> **Lady with an Ermine (1489-90)**

레오나르도는 1848년 밀라노에서 체칠리아 갈레라니를 만났고, 그녀는 음악을 연주했고 시를 썼다. 이 작품은 로도비코 일 모로"라는 별명을 지닌 밀라노 공작인 루도비코 스포르차(Ludovico Sforza)의 17살 된 젊고 아름다운 정부 체칠리아 갈레라니(Cecilia Gallerani)를 자화상을 의뢰했다. 이 그림은 레오나르도가 그린 오직 네 점의 여성 초상화 중 하나이다. 표면은 많이 문질러졌고, 배경은 조정되지 않은 검은색으로 덧칠해졌고, 좌측 상단 구석은 깨진 뒤 수리되었고, 모델의 머리 위에 있는 투명한 베일은 사치스러운 머리모양으로 바뀌었으며 손가락들은 심하게 가필된 등의 많은 손상을 입었음에도, 레오나르도의 작품들 중에서는 양호한 상태의 작품에 속한다. 그녀의 초상화에서 흰담비에 대한 역설은 그것이 귀족정치와 연관되었고 흰담비는 또한 본래 갖고 있던 흰 털을 진창으로 더럽히기보다 차라리 죽음을 선택한다는 순수의 상징이며, 매우 광신적 애국주의 시절이였던 노인의 관능적인 욕구를 젊은 여성 희생자가 수용한 것이다. 그러나 또다른 해석은 그 흰담비는 공작에 대한 체칠리아의 충성을 대표하는 것이라 제안한다. 갈레라니라는 이름은 그리스어로 담비를 의미하는 "갈레(galay)"를 연상시키는데, 결국 흰담비는 체칠리아 갈레라니의 분신이며, 그녀의 순결성을 의미하고, 흰담비는 체칠리아의 애인인 밀라노 공작 루도비코 스포르차를 의미하기도 한다. 루도비코가 1488년 나폴리의 국왕으로부터 수여 받은 기사 작위의 상징이 흰 담비였기 때문이다. 루도비코의 상징인 담비를 쓰다듬고 있는 체칠리아의 모습이 담긴 이 그림은 두 사람의 연인 관계를 기념하는 공식적인 증거라고도 할 수 있다. 다른 초상화처럼, 구성은 피라미드형의 소용돌이로 이뤄져 있으며 모델은 왼쪽으로 돌아간 동세를 취하고 있는데 마치 그림의 바로 밖에서 일어나는 일에 그녀의 관심이 쏠리는 것처럼 오른쪽을 본다. 4분의 3 정도의 옆얼굴 초상화는 레오나르도가 고안한 것이다. 그녀는 나이에 맞지 않게 다 안다는 듯한 자세를 취하려는 것 같다. 약간 수줍은 미소는 궁중에서 그녀의 지위에 대한 자신감과 그녀의 아름다움에 대한 힘을 알고 있다는 것을 암시하는 것처럼 보인다. 그녀는 나중에 주인공의 요청에 따라 초상화에 추가된 1488년 흰담비 기사단을 만든 로도비코 스포르차의 개인적인 문장(紋章)에 사용된 모피를 가진 흰담비를 안고 있다. 이 작품에서 레오나르도의 천재성은 초상화를 그리는 데 있어서 눈표정과 옆면 제스처를 통해 복잡한 감정성을 포착하는 것이었다. 이 작품은 레오나르도의 회화에서의 인간 형태의 전문성을 잘 보여준다. 체칠리아의 쭉 뻗은 손은 매우 상세하게 그려져 있으며, 각각의 손톱의 윤곽선, 손가락 관절 각각의 주름, 또한 구부러진 손가락 힘줄의 수축까지 그려내었다. 다빈치는 자기가 그리는 초상화를 완벽하게 하기 위해 자신의 일기장에 사람과 동물의 초상 드로잉을 연습했다. 그의 인간 신체와 그 움직임에 대한 연구는 시청자의 관심을 끌게 하고 그의 주제에 대한 친밀한 세계로 그들을 초대하는 미묘한 함축들로 층을 이룬 표현의 정확한 포착을 가능하게 했다. 실물과 같은 직접성은 관객들을 사로잡았다. 미술 평론가 샘 리스가 말했듯이, "그 그림을 정말 멋지고, 가까이서 보게 되면, 그녀가 정말로 살아있는 것 같다는 것을 알게 될 것이다. 그저 소음에 정신이 산란해지고, 살아있는 순간에 잡혔을 뿐이지.." 이상하게도, <Lady with an Ermine>은 현대 사회에서 특이한 숭배자들을 발견했다. 그것은 <His Dark Materials> 책(1995-2000)에서 영국의 판타지,아동문학 작가, 필립 풀먼의 다이몬(고대 그리스 신화 속에 나오는 반신 반인의 존재)의 개념에 대한 시각적 영감들 중 하나이다. 그것은 또한 영화, 공상과학, 비디오 게임의 등장인물들에게 영감을 주었다.

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Lady with an Ermine (1489-90)

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> **The Vitruvian Man (1485)**

<비트루비우스적 인간(Vitruvian Man)>는 두 개의 겹쳐진 자세로 있는 한 남자를 묘사한다. 한 위치에서, 남자의 다리는 사각형의 볼륨에 대한 실증을 위해 쭉뻗은 팔을 포함하고 있다. 두 번째 위치에서는, 남자의 다리는 벌리고 있고 그의 팔은 원의 둘레에 대해 보여주기 위해 뻗는다. 머리카락과 같은 원소의 음영과 섬세한 드로잉은 그 그림을 3차원 그래픽 느낌으로 표현한다. 그림에 첨부된 텍스트에서 레오나르도는 기원전 1세기 로마 건축가 비트루비우스에 의해 묘사된 인간의 비율을 연구하려는 그의 의도를 나타낸다. 고대 로마의 건축가 비트루비우스가 쓴 ‘건축 10서(De architectura)' 3장 신전 건축 편에서 ‘인체의 건축에 적용되는 비례의 규칙을 신전 건축에 사용해야 한다’고 쓴 대목을 읽고 그렸다고 전해진다. 비투루비우스는 그의 사원의 디자인에 영향을 주기 위해 잘 균형잡힌 인간에 대한 자신의 연구를 이용했고, 그 대칭이 그들의 건축에 결정적이었다고 믿어진다. 레오나르도는 자신의 해부학적 연구의 영감을 위한 출발점으로 비트루비우스를 사용했고, 그의 측정을 더욱 완성하여 비트루비우스의 원래 계산의 절반 이상을 수정했다. 레오나르도는 사람의 손가락과 손바닥, 발바닥과 머리, 귀와 코의 크기 등을 숫자로 계산하면서 사람 몸을 기하학적 관점에서 수학적으로 계량화하는 고대 사상을 실험하게 되었다. 레오나르도는 비트루비우스의 설명을 그림으로 옮기면서 고대의 인체비례론을 그대로 받아들이지 않고 실제로 사람들을 데려다 실측하여 기록하였다. 상대적인 비율에 대한 생각은 서양의 르네상스 건축에 영향을 미쳤으며, 더 나아가 궁궐과 궁궐같은 거주지의 세속적 공간뿐만 아니라 교회의 신성함과 세속적 사이의 조화를 만들기 위한 개념으로서도 영향을 미쳤다. 궁극적으로, <비트루비우스적 인간(Vitruvian Man)>은 비율과 대칭이 우리에게 미술, 건축, 등 레오나르도의 모든 다작적 생산물을 알려주려는 이해를 제공하는 균형의 본질을 강조하는 인간의 신체에 대한 수학적 연구다. 그것은 또한 속세(사각형)와 신성(원) 사이의 연결고리처럼 자연과 관련하여 인간을 두었던 르네상스 휴머니즘에 고개를 끄덕인다. 그것은 위대한 사상가의 과학에 대한 이해와 제도공의 기술을 가진 그의 탁월함을 결합한다. 이 이미지는 정말 전설적이며, 윌리엄 블레이크의 <Glad Day or The Dance of Albion (c.1794)>에서 나트 크레이트의 <비트루비우스적 여성(Vitruvian Woman)>처럼 오늘날의 현대 미술계에 이르기까지 다른 예술가들의 수많은 작품들에서 인용되어 왔다.

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> **The Last Supper (1498)**

이 작품은 레오나르도의 후원자였던 밀라노의 공작 루도비코 스포르차는 밀라노의 산타마리아 델레 그라치에 성당의 수도원 식당 벽화을 위해 <최후의 만찬(最後의 晚餐, 이탈리아어: Ultima Cena, 영어: The Last Supper)>을 의뢰했고, 420 x 910cm의 거대한 작품이다. 그것은 예수님이 십자가에 못박히기 전에 열 두 제자들과 나눈 마지막 식사, 매우 낯익은 주제를 전무후무한 방식으로 표현한 작품이다. 르네상스의 전성기는 이 작품의 장대한 구도와 함께 시작되었다는 평가도 있다. 그리고 더 구체적으로 말하면, 그들 중 한 사람이 자기를 배반할 것이라고 말한 바로 그 순간에 대한 유명한 이야기를 반영한다. 신약 성서를 보면 제자들은 각기 다른 개성의 소유자였음을 알 수 있다. 토마스는 의심이 많았고, 베드로는 성질이 불 같았으며, 마태오는 침착하고 지적이었다. 다 빈치는 이들이 각자의 기질에 따라 예수가 위의 말씀을 한 후 어떻게 반응하였는지를 표현하고 있다. 그는 열두 제자를 그리기 위해 인간의 다양한 얼굴 생김새와 표정을 관찰하였다. 유다가 그의 배신으로 받은 은 30조각이 든 지갑을 움켜쥐고 있을 때, 사도들은 각각 실망, 불신, 두려움, 그리고 놀라움의 다양한 표현으로 묘사된다. 4개의 그룹을 이룬 열 두 제자는 그리스도교의 네 복음서, 그리고 새 예루살렘의 열두 문 등을 각각 상징하는 것이라는 해석도 있다. 예수는 중앙에 앉으시고, 카톨릭의 성체를 가리키는 빵과 포도주 한 잔을 마시려고 손을 뻗으신다. 그의 뒤에, 창문들을 통해, 어쩌면 천상을 암시하는 이상화된 풍경이 펼쳐지고, 세 개의 창문은 신성한 삼위성을 나타낼 수도 있다. 그리스도가 십자가에 못박히려는 여정의 전야에 그러한 현실주의가 그 중추적인 순간에 대한 고전적인 드라마를 묘사하는 데 사용된 적은 없었다. 모든 다른 요소들로부터 발산되는 사실적이고 복잡한 세부사항은 예수를 그림 공간의 가장 중요한 부분에 올려놓은 원 포인트 관점의 사용과 결부되었고, 르네상스 미술의 새로운 방향을 예고하는 것이었다. 게다가, 이 그림은 르네상스 회화의 특징인 수학적 원근법의 결정판이기도 하다. 원근법의 소실점 기법의 사용은 그림이 그려진 벽면이 마치 실제 벽면이 이어지는 것처럼 방의 공간으로 스며들도록 환영 효과를 만들어낸다. 이 그림에서는 또한 사도들과 예수의 후광이 보이지 않는다. 예수의 후광을 대신하는 것은 유난히 밝은 창이다. 과학적 사고에 바탕을 두는 다 빈치에게는 후광 역시 실존하는 것이 아니었다. 이렇듯 모든 것이 화가에 의해 세심하게 고안되고 연출되었다. 이 모든 요소들은 미켈란젤로와 라파엘을 포함한 당시의 레오나르도의 동료들에 의해 큰 영향을 받았고 이용되었다. 대부분의 작품이 미완성이라고 불리는 레오나르도의 그림에서 몇 안되는 완성된 작품의 하나이지만, 가장 손상이 심한 그림으로도 알려져 있다. 이는 그가 당시 벽화를 그릴 때 젖은 벽에 안료를 칠하던 프레스코 기법을 쓰지 않고 마른 벽에 직접 템페라 물감과 유화 물감으로 그렸기 때문이며 16세기 초반부터 그림의 상태가 이미 나빠졌다고 한다. 왜냐하면 이런 타입의 프레스코화로 주로 사용되는 수성 페인트는 레오나르도의 독특한 스푸마토 기법에 도움이 되지 않았기 때문이다. 그는 이 작품을 위해 유화를 선택했다. 불행히도, 회반죽 조합에 의한 기름은 화가가 죽기 전에 이미 벽에서 페인트가 벗겨지기 시작했기 때문에 재앙으로 판명될 것이다. 이 걸작은 수세기에 걸쳐 지속적으로 복원되어 1999년에 완성되기 전까지 21년 동안 지속된 최후의 노력이다. 원래 페인트는 거의 남아 있지 않다. 그러나 이는 새로운 것을 시도하려 한 작가의 도전 정신의 결과라 할 것이다.

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> **The Virgin and Child with St. Anne and St. John the Baptist (circa 1499-1500)**

목탄과 흑백의 초크로 그려진 이 예비 그림은 그녀의 어머니 성 안나의 옆에 앉아 있는 성모를 보여준다. 마리아는 세례자 요한을 내려다 보며 그에게 축복을 내리고 있는 아기 예수를 지켜보고 있다. 성 안나는 그리스도의 아이를 내려다 보며 손을 들어올려 하늘을 가리키고, 그 오른쪽으로 세례 요한이 서 있다. 성 안나의 손동작은 레오나르도의 그림에서 자주 반복되는 특징으로 아기 예수가 내리고 있는 축복이 하늘에서 내려옴을 상징하는 것으로 해석된다. 그 조각은 8장의 종이를 이어 붙여 가로 세로 모두 1m가 넘는 크기이다. 이탈리아에 소장되어 있다가 18세기 말 영국 왕립 아카데미의 소유가 되었고, 당시 왕립 아카데미가 있던 건물의 이름을 따 <벌링턴 하우스 드로잉/카툰(Burlington House Drawing/Cartoon)>으로도 알려져 있는 이 작품은 그림을 기획하는 데 필요한 스케치로 추정된다. 유화를 그리기 위한 예비 그림으로 제작되었던 것으로 추정되지만 이 그림을 바탕으로 그려진 작품은 더 이상 존재하지 않거나 만들어지지 않았다. 레오나르도는 종종 밑그림을 그리기 위해 이런 "카툰"을 사용했고, 그 다음 실제 회화 표면으로 옮김으로서 적용되었다. 일단 적용되면, 핀은 예술가의 밑그림으로서 표면위에 작품의 윤곽을 찍어서 그리는데 사용할 것이다. 이 작품은 흠잡을 데 없이 보존되어 있기 때문에 완전한 예술작품으로 전환한 적이 없는 것으로 추정된다. 그 그림은 예술 작품을 기획하는 계획에서조차도 레오나르도의 완벽주의를 반영한다는 점에서 주목할 만하다. 해부학에 대한 그의 예리함은 인물의 몸이 서로 상호작용하는 다양한 몸짓으로 보여지는 사실적인 방식으로 나타난다. 성모가 아기 예수를 안고 어머니인 성 안나의 무릎에 앉아 있으며 그 오른쪽으로 세례자 요한이 서 있다. 성인 여성이 다른 여성의 무릎에 앉은 독특한 주제이지만 레오나르도는 이 모습을 전혀 어색하지 않게 소화하여 실제 그림을 보았을 때 이를 알아차리기 쉽지 않다. 성 안나와 성모의 무릎은 서로 교차되어 리듬감을 주는 동시에 무릎이 겹친 두 사람의 모습을 어색하지 않게 보여준다. 두 사람의 상체 또한 마치 한 몸인 듯 교묘하게 그려져 두 사람의 몸이 겹쳐있음에도 아래에 앉은 성 안나가 성모자에 가리거나 불편해 보이지 않는다. 진정한 부드러움은 여자들과 세례 요한의 얼굴로 전달되며 그들은 그리스도의 초점을 반영한다. 원래 보여지기 위한 의도가 아닌 작품에서조차 포착된 디테일의 양은 화가의 꼼꼼한 과정과 마음을 보여준다. 심지어 레오나르도의 드로잉들조차도 기술적으로 너무 완벽해서, 그것들은 또한 그의 완성된 걸작들만큼이나 훌륭한 예술 작품으로 여겨진다. 그는 많은 사람들에게 존경받았고, 그의 생전과 생후에 궁정과 공공 전시회에서 보여졌다.

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> **Salvatore Mundi (c.1500)**

<살바토르 문디(라틴어: Salvator Mundi)>는 세상의 구세주와 우주의 주인이라는 뜻으로 예수를 지칭한다. 주로 예술 작품의 이름으로 사용되고 있고 이 그림은 레오나르도 다 빈치가 제작한 예수님의 초상화 작품이다. ‘남자 모나리자’라고도 불리는 이 작품은 프랑스 국왕 루이 12세가 1499년 밀라노를 정복한 후 <살바토르 문디>를 의뢰했고 헨리에타 마리아 프랑스 공주가 영국 국왕 찰스 1세와 결혼하면서 영국으로 가져왔다고 전해진다. 이후 이 작품은 오랫동안 유실품이었으며, 1900년 영국인 수집가가 소유할 당시에는 다빈치 제자의 작품으로 여겨졌고, 이때 수차례의 덧칠로 훼손됐다. 이것은 상징주의를 통해 반영된다. 그의 오른손은 신의 은총을 주면서 두 손가락을 벌리고 있다. 그의 왼손에는 하늘을 상징하는 수정볼이 있다. 이것은 르네상스 복장을 한 남자로서 매우 인본주의적인 방식으로 그리스도를 보여주는 특이한 초상화다. 그것은 또한 반신상 초상화이고, 그 시대에 주를 이루었던 몸 전체 초상화에서 급진적인 탈피로, 전체적인 얼굴 모습이 강화된 친밀감으로 가득 차게 만들었다. 그것은 숙련된 레오나르도의 모든 시그니처 기술들을 보여주는 대표 작품이다. 스푸마토를 통해 얻어진 부드러운 시선은 시청자들로부터 숭배를 불러일으키면서 종교적인 성격을 부여한다. 극도로 사실적인 얼굴에는 해부학적 정확성을 가진 예술가의 예민함에 의해 정의된 감성과 풍부한 표정을 포함한다. 어둠과 그림자는 깊이를 만들어낸다. 이것은 가슴에서 나오는 빛과 대조적으로 예수를 가공할 만한 빛으로 가득 찬 존재로 보여준다. <살바토르 문디>는 현존하는 다빈치의 그림 16점 중에서 유일하게 개인이 소유한 작품으로, AS 모나코 구단주 드미트리 리볼로프레프가 2013년 1억 2,750만 달러에 구매한 뒤 2017년 11월 15일 뉴욕의 크리스티 경매에서 전례 없는 4억5,030만 달러에 낙찰되어 사상 최고액을 달성했고, 이는 레오나르도의 걸작들의 시대를 초월한 매력과 오늘날까지 기념비적으로 남겨진 그의 유산의 중요성에 대한 증거였다.

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> **Mona Lisa (c. 1503)**

모나리자(Mona Lisa) 또는 라 조콘다(이탈리아어: La Gioconda, 프랑스어: La Joconde)는 16세기 르네상스 시대에 레오나르도 다 빈치가 그린 초상화로, 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 전시되어 있다. "모나(mona)"는 유부녀 이름 앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이고, "리자(Lisa)"는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다. 레오나르도는 1502년에 모나리자를 그리기 시작했는데, 조르조 바사리의 말에 의하면 미완성작으로 남겨둔지 4년이 지난 후에서야 다시 그리기 시작했다고 한다. 레오나르도는 회화란 정신적인 것이라고 늘 말해왔고 모나리자에는 심오한 철학을 담고 있다. 1503년 레오나르도가 이 작품의 의뢰를 수락한 것은 돈이 필요해서였다. 그런데 몇 달 뒤 베키오 궁을 장식할 프레스코 주문이 들어와서 이 그림은 주문자인 프란체스코 델 조콘도에게 전달될 일이 없어졌고 레오나르도가 평생 동안 자신이 갖고 있게 된 것이다. 그는 자기 자신을 위해 이 초상화를 완성을 했고 사람이 흔적이 보이지 않는 태곳적 풍경은 훨씬 뒤에 천천히 구상한 것이라는 설이 있다. 등받이 없는 1인용 안락의자에 독특한 자세로 앉아 있는 모나리자와 이 풍경이 맺고 있는 관계를 이해할 필요가 있다. 라 조콘다로도 알려진 모나리자는 프란체스코 델 조콘다(Francesco del Gioconda)라는 피렌체인 상인의 아내인 리사 게라디니(Lisa Gherardini)의 초상화라고 한다. 혁신적인 반쪽 길이의 묘사는 의자에 앉아 한 쪽 팔은 의자에, 한 손은 팔에 얹은 채 앉아 있는 여성을 보여준다. 스푸마토'(sfumato)의 사용은 그녀로부터 나오는 부드러운 고요함을 만들어내고, 깊은 현실감으로 배경지형을 살포한다. 키아로스쿠로(Chiaroscuro;명암 배분)는 이 작품에서 심오한 깊이를 만들어냈고, 이것은 그림 전체에 걸쳐 눈을 계속 움직이게 한다. 그러나 그녀의 수수께끼 같은 미소는 무엇이 그 유명한 미소의 뒤에 있는지에 대한 미스터리와 함께 시청자들을 매혹시킨다. 이 작품은 여러 가지 이유로 레오나르도의 가장 상징적인 작품 중 하나이다. 그 당시 초상화는 모델의 겉모습에 초점을 맞췄고, 그 주제의 성격은 상징적인 사물, 옷, 또는 몸짓을 통해 암시했을 뿐이다. 그러나 이 그림에서 레오나르도의 소망은 단순한 유사성 이상의 것을 포착하는 것이었다. 그는 그녀의 매우 독특한 미소에 중점을 두고 성취한 그녀의 영혼의 무언가를 보여주고 싶었다. 그녀는 단순히 그 예술가를 위해 미소짓고 있는 것이 아니다. 그녀는 특정한 순간에 사로잡힌다. 시청자들은 그녀가 무엇을 생각하고 있는지, 그 미소가 무엇을 의미하는지, 그리고 그녀가 누구였는지 궁금해하게 된다. 표현의 모호함은 우리가 감정의 중간에서 잡히는 바로 그 인본주의적 묘사에 반향을 불러일으키기 때문에 개인적인 차원에서 작업에 참여하도록 우리를 자극한다. 풍경 또한 이러한 영혼의 감각을 전달하는데 중요하다. 그 장소의 기원에 대해 많은 추측이 있었지만 그것은 상상력이라는 것이 더 널리 해석되고 있다. 그것은 레오나르도의 마음에서 만들어진 편집물이며 또한 우리가 꿈같은 모나리자의 실내 세계에 들어가는 것을 암시할 수 있다. 이 그림은 그림을 그린 이후 지난 500년 동안 끊임없이 경외감에 휩싸여 있다. 그것은 또한 많은 예술가들에게 영감을 주었다. 라파엘은 1504년에 그림을 그렸다. 수많은 작가들이 그녀에 대해 썼는데, 19세기 프랑스 시인 테오필 고티에(Theophile Gautier)가 그녀를 "너무 신비롭게 웃는 스핑크스(the sphinx who smiles so mysteriously)"라고 불렀다. 그것은 1883년 풍자만화가 유진 바타일(Eugene Bataille)의 파이프를 피우는 모나리자에서부터, 1919년 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)의 콧수염과 턱수염이 있는 그녀를 보여주는 레디메이드(readymade)에 이르기까지 끝없이 구현되었다. 1954년 살바도르 달리는 모나리자로 자화상을 만들었고 1963년 앤디 워홀은 그녀를 모나리자와 함께 그의 독창적인 실크스크린 출력물에 포함시켰다. 그녀의 이미지는 또한 현대 대중 문화 시장에서 다수의 인화, 포스터, 그리고 상업적인 제품에 끊임없이 복제되었다.

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> **Head of a Woman (1500–10)**

작은 붓으로 색소를 칠한 여성은 고개를 기울이고 눈을 내려뜨고 있는 젊은 여성을 묘사하고 있다. 그녀의 자세는 레오나르도 <바위 산의 성모>를 떠올리게 하는데, 이것은 이 드로잉이 그 작품의 모델로 작용했을 수도 있다는 것을 암시한다. 그 그림의 별명인 <La scapigliata>는 "헝클어진"으로 번역되고, 그 젊은 여성의 가는 머리 가닥을 가리킨다. 느슨하게 스케치를 한 덩굴모양의 머리카락과 어깨는 완성도가 높은 얼굴과 대조되는데, 레오나르도는 무거운 눈꺼풀에서 부드러운 입술에 이르기까지 여성의 섬세한 모습을 부드럽게 모델링했다. 그것은 형태를 만들기 위한 표정있는 드로잉과 세부적인 내용을 제공하기 위한 세심히 조절된 계층화 둘 다를 이용한 레오나르도의 유동적인 작업 방법을 보여준다. 레오나르도 다빈치의 스케치에서 많은 부분이 흐릿하게 사라지거나, 의도적으로 불확실하고, 심지어 빛 속에서도 신비로움으로 남는다. 그러나 그것들을 베끼려고 하는 아주 사소한 시도들은 당신에게 분계선이 아무나 흉내낼 수 없는 절묘하고, 비난할 수 없을 만큼 진실이고, 나방의 날개 필라멘트만큼 큰 연필심 또는 분필의 티글의 추가는 그 안에서 상당한 차이를 만들수 있는 너무나 단호하고 침착한 단계적 음영들로 채워진 것을 보게될 것이다. 세상에는 너무나 보편적이고, 창의적이고, 성취할 수 없는 천재성의 또 다른 예가 없을지도 모른다. 그래서 무한하고, 자연스럽고, 그의 세기와 다음 세기를 훨씬 앞서서, 너무나 자연스럽고, 세련됨을 갈망하는 것으로 가득 차 있다. 레오나르도 다 빈치의 그림은 믿을 수 없는 감수성과 지성을 보여준다; 그것들은 표현할 수 없는 생각과 느낌으로 가득 차 있다. 그들과 나란히, 미켈란젤로의 <다비드상>은 영웅적인 운동선수일 뿐이고, 라파엘의 <시스틴 마돈나>는 삶을 결코 알지 못하는 깨어나지 않은 영혼의 평온한 소녀일 뿐이다. 레오나르도의 초상화는 모든 특징과 모든 표현을 통해 느끼고 생각한다. 그들과 대화를 하는 데는 시간이 좀 걸린다; 그들의 감정이 충분히 명확하지 않은 것이 아니라, 오히려 전체 형상에서 터져 나온다. 마치 투명한 물 속 아래의 섬세하고 알려지지 않은 초목처럼 우리는 이 친밀하고 비밀스러운 세상을 희미하게 식별한다.

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> **Self-portrait in red chalk (c. 1512)**

레오나르도 다빈치의 이 유일한 자화상은 그가 60세 때 프랑스에 살았던 때인 1512년에 빨간색 분필을 사용하여 그려졌다. 원래 그림은 33.3 x 21.3cm이다. 하지만, 모든 사람들이 긴 곱슬머리와 턱수염을 가진 노인이 레오나르도 다빈치를 대표한다는 것에 동의하는 것은 아니다. 자화상으로 확인된 그 웅장한 그림은 이탈리아 토리노 왕립도서관(Biblioteca Reale)이 소장하고 있다. 오랫동안 자화상으로 여겨졌던, 긴 곱슬머리와 턱수염을 가진 노인의 붉은 분필 그림은, 대부분의 사람들이 레오나르도의 외모에 대해 어떻게 생각하는지 정의할 수 있을 정도로 복제되었다. 그러나 그림 속의 그 거장이 그의 나이보다 늙어 보인다고 자주 언급되어 왔다. 그리고 그 결과 일부 비평가들은 이것이 그 자신의 모습을 닮았는지 의문을 품었다. 일부 학자들은, 구불구불한 모습, 주름진 이마, 그리고 움푹 패인 눈을 가진 이 인물은 레오나르도가 그림을 만들었을 때 당시 60세 정도였다는 것을 감안하면 그의 나이보다 훨씬 더 오래 된 것으로 보인다고 주장한다; 레오나르도는 67세에 죽었다. 그들은 그 그림이 그의 기괴한 그림들 중 하나라고 제안한다. 그가 일상적으로 기이한 특징을 가진 사람들에 대한 그의 노트에 스케치한 것이다. 그것은 또한 80살까지 살았던 그의 아버지나 삼촌의 초상화일 수도 있고, 혹은 레오나르도가 자신이 더 늦은 나이에 어떻게 보일지 묘사한 것일 수도 있다. 화가의 힘에 대한 레오나르도 다빈치의 생각은 또한 빨간 분필로 그려진 이 유명한 수수께끼같은 자화상에 실마리를 제공할 수 있다. 다른 좋은 이유들과는 달리, 이 초상화는 레오나르도 자신이라는 의심을 불러일으키는 역할에 완벽하게 들어맞는다. 길고 하얀 턱수염을 가진 존경할 만한 노인이며, 숱이 많은 눈썹 아래 그늘진 가혹한 눈은 철학자, 예언자, 그리고 신을 대표하는 전통적인 유형이었다. 물론 어느 누구도 레오나르도가 전능하신 분의 외형에서 의식적으로 그렸다고 심각하게 제안하지 않을 것이다. 하지만 우리는 그 화가가 자연과 경쟁하고 그 그림이 신과 관련되어 있다는 그의 주장을 기억해야 한다. 다른 세계에서 온 것처럼 보이는 이 당당한 현자는 우주의 법칙을 발견함으로써 그것들을 어떻게 조작할 수 있는 지 아는 사람, 동방박사의 정의하기 힘든 표정의 무언가를 가지고 있다. 그 초상화가 누구를 나타내든지 그것은 레오나르도가 계속해서 기념하고 있는 고귀함과 지혜, 특성을 형상화한 것 같다.

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> **Saint John the Baptist (1516)**

침례자 성 요한은 1513년부터 1516년까지 레오나르도 다빈치에 의해 그려졌다. 전성기 르네상스가 마니에리즘(16세기 이탈리아의 지나치게 기교적인 미술 양식)으로 변화되고 있을 때, 그것은 그의 마지막 그림으로 여겨진다. 이것은 호두나무에 그린 유화이다. 그 작품의 원래 크기는 69x57cm이다. 그것은 현재 프랑스 파리의 루브르 박물관에 전시되어 있다. 이 작품은 세례를 중심적인 성체(聖體)로 사용한 기독교에서 주요 종교적 인물인 침례자 성 요한의 모습을 그리고 있다. 성 요한의 하늘을 가리키는 몸짓은 침례자 요한의 상징인 세례를 통한 구원의 중요성을 시사한다. 이 작품은 이후의 화가들, 특히 후기 르네상스 시대와 마니에리즘 학교의 화가들에 의해 자주 인용된다. 성 요한과 유사한 몸짓을 포함하면 종교적 효과로 작품의 중요성이 증가할 것이다. 많은 사람들은 사막에서 살면서 메뚜기와 꿀을 식사로 먹고 살아가고 있는 삭막하고 맹렬한 것처럼 평범하게 그려낸 주인공의 충격적인 표현을 발견하면서 이 작품에 대해 비판한다. 레오나르도의 그림에서 성 요한은 거의 은둔자처럼 보인다. 어두운 검정을 배경으로 그의 가슴 쪽으로 굽힌 여성스러운 팔을 가지고 있고, 모나리자의 얼굴에서 보여지는 그런 수수께끼 같은 미소를 지으며 오른손 검지는 위를 향하고, 왼손은 가슴에 댄 채 십자가를 들고 있는 젊은이의 모습이다. 모나리자의 미소는 성 애나와 같은 레오나르도의 다른 그림에서도 볼 수 있다. 그의 얼굴은 거의 파우누스(고대 로마 신화에서 숲의 신. 남자의 얼굴과 몸에 염소 다리와 뿔이 있는 모습)처럼 생겼고 곱습곱슬한 머리카락이 영광스러운 폭포처럼 흘리내리도록 만들어졌다. 하늘을 향해 있는 손가락은 레오나르도의 작품(버링턴 하우스 만화가 또 다른 예다)에 자주 등장하고 그리스도의 왕림을 나타내는 것이었다. 레오나르도는 이 체계의 내재된 위험성을 알고 있었다. 그는 일찍이 그의 노트에서 어떤 형체는 어두운 배경에 대해 알아볼 수 없을 것이며 그 형상에서 분리된 것처럼 보이지 않을 것이라고 경고했다. 멀리서 보면 조명 부분 외에는 아무것도 보이지 않을 것이다. 그러나 침례자 성 요한의 신체의 음영에, 레오나르도는 우리가 그의 양식을 완전히 이해할 수 있도록 충분히 빛을 유지했다. 달에서와 같이, 그의 형상의 어두운 부분조차도 반사된 복사조도의 약간 흐린한 빛을 가지고 있다. 그 인물의 잊혀지지 않는 아름다움은 그것의 성적 정체성의 모호함에서 비롯된다. 밝은 얼굴은 어둠을 완전히 감싸고 있는 것 같다. 손가락을 위로 향하게 하는 팔의 신비로운 행동은 종교적일 뿐만 아니라 아마도 난해한 의미일 것이다. 이 작품 이전에 성 요한은 전통적으로 금욕주의자로 묘사되었고, 레오나르도의 혁신적인 묘사는 유명한 예술가 라파엘의 작품을 포함하여 성인의 후기 묘사에 영향을 미친 것으로 증명되었다. 스푸마토는 좀더 사실적인 이미지를 얻기 위해 색상과 톤 사이의 부드럽고 지각하기 어려운 전환을 만들기 위해 섬세한 음영을 사용하는 예술 기법이다. 레오나르도는 이 기술의 선구자였고 침례자 성 요한에서는 그의 스푸마토가 최고 수준에 이른 것으로 여겨진다. 이 그림은 또한 성 요한의 수수께끼 같은 미소, 그의 창백한 외모, 그리고 아마도 다빈치의 마지막 그림으로 잘 알려져 있다.

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레오나르도는 발명, 그림, 조각, 건축, 과학, 음악, 수학, 공학, 문학, 해부학, 지질학, 천문학, 식물학, 작문, 역사, 지도 제작 등을 포함하여 많은 분야를 망라한 천재성을 지닌 박식한 사람이었다. 그는 “배움은 결코 마음을 지치게 하지 않는다”고 말한 것으로 알려졌다. 여러 분야의 전문 지식을 두루 탐구했음에도 불구하고 레오나르도는 화가로 가장 유명하다. 그의 작품 중 일부는 그의 수수께끼 같은 초상화인 <모나리자>와 그의 가장 많이 복제한 종교적 작품인 <최후의 만찬>과 정확한 공간적, 해부학적 대칭을 그린 초기 교훈적인 그림인 <비트루비우스적 인간>과 같은 시대를 초월한 보편적인 명성으로 꾸준히 간주되어 왔다. 전성기 르네상스 미술의 미학과 기술에 대한 레오나르도의 기여는 선형 원근법, 명암법, 자연주의, 그리고 감정 표현주의 같은 초기 르네상스 선대를 발전시켰다. 그러나 그는 그의 특별한 꼼꼼한 정확성과 매우 사실적으로 보이는 작품을 만드는 새로운 글레이즈 혼합 방법인 스푸마토(사물과 사물의 경계선을 「연기처럼」 바림하여 그리기) 기술과 같은 새로운 방법의 도입으로 많은 이전 예술가들을 능가했다. 그것은 마치 그의 피실험자들이 그림 속에서 살아가고 숨쉬는 것처럼 보였다. 레오나르도는 좌뇌와 우뇌 양쪽 모두와 함께 일하며, 억누를 수 없는 호기심과 창의적인 상상력으로 시대에 앞서 있는 사회에 많은 공헌을 했다. 그는 낙하산, 헬리콥터, 군용 탱크를 미리 배열한 최초의 그림을 만든 공로를 인정받았다. 그의 공책은 그의 예술품만큼이나 높이 평가되고 있다. 내면에, 그것들은 그림, 과학 다이어그램, 그리고 그림에 대한 그의 철학이 들어 있는 그의 삶의 작품과 천재 정신의 절정을 나타낸다. 그들은 오늘날 전세계의 예술가, 학자, 과학자들에 의해 계속해서 연구되고 있다.

- [#화가](/BlogTagView.naver?blogId=applesaurus&logNo=221424365096&tagName=%ED%99%94%EA%B0%80&page=1)
- [#예술가](/BlogTagView.naver?blogId=applesaurus&logNo=221424365096&tagName=%EC%98%88%EC%88%A0%EA%B0%80&page=1)
- [#위대한예술가](/BlogTagView.naver?blogId=applesaurus&logNo=221424365096&tagName=%EC%9C%84%EB%8C%80%ED%95%9C%EC%98%88%EC%88%A0%EA%B0%80&page=1)
- [#위대한화가](/BlogTagView.naver?blogId=applesaurus&logNo=221424365096&tagName=%EC%9C%84%EB%8C%80%ED%95%9C%ED%99%94%EA%B0%80&page=1)
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- [#예술](/BlogTagView.naver?blogId=applesaurus&logNo=221424365096&tagName=%EC%98%88%EC%88%A0&page=1)
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