기사제목: f예술의 심장을 쏘다… 앤디 워홀 미술관 소장품 200여 점 국내 첫 소개 기사내용: f캠벨 수프옛날식 야채. 88.958.4, 종이에 스크린 프린트, 1969.나는 기계가 되고 싶다(I want to be a machine). 팝아트의 수퍼스타였던 앤디 워홀(192887)의 발언은 의미심장하다.
그는 통조림 캔, 비누를 담은 상자 같은 일상적 사물, 마릴린 먼로나 마오쩌둥처럼 매스컴에 나오는 유명 인사의 이미지를 그대로 작품에 사용했다.
게다가 조수를 거느리고 실크스크린 기법으로 똑같은 이미지를 대량으로 찍어냈다.
대중문화의 이미지뿐 아니라 대량생산 방식까지도 예술에 차용한 것이다.
스스로 자신의 작업실을 공장(Factory)이라고 불렀다.
작가의 독창성이나 개성, 감정을 제거한 대량생산물로서의 예술을 생산하고자 한 것이다.
이로써 그는 독창성과 개성이라는 순수미술의 전통적 기준을 해체해 버렸다.
그 어떤 것도 예술이 될 수 있는 새로운 시대를 연 것이다. 예술가 겸 제조업자(artistmanufacturer) 예술의 심장을 쏘아버린 작가라고 불리는 이유다.
아더 댄토(미국 미학회, 철학협의회 회장)는 말한다.
예술 작품이 이래야 한다는 특별한 방식이 더 이상 존재하지 않는다는 점이 앤디로 인해 분명해졌다. 워홀은 순수 미술뿐 아니라 미학.디자인.광고.영화.사진에 지대한 영향을 미쳤다.
요즘 TV에 나오는 LG전자 광고를 포함해 지금도 곳곳에서 워홀의 작업기법과 마주친다.
뉴욕타임스의 평론가 미치고 카쿠타니는 우리는 앤디 합중국에 산다 고 말했을 정도다.
작품 가격도 계속 오르고 있다.
2006년 11월 뉴욕 크리스티 경매에서 Mao는 1740만달러(약 164억원)에,Orange Marilyn은 1630만달러(약 154억원)에 팔렸을 정도다.
워홀이 똑같은 이미지를 수십, 수백점씩 찍어냈고 이 같은 실크스크린 작품만도 6만7만점에 이른다는 점에서 놀라운 가격이 아닐 수 없다.
그의 작품은 드로잉 2만3만점, 사진 7000여 점 등 합계 10만점이 넘는다. 15일 서울 한남동 삼성미술관 리움에서 앤디 워홀 팩토리전이 개막했다.
그의 사망 20주기를 기념하는 대규모 회고전이다.
워홀의 작품 소장처로는 가장 큰 규모와 높은 수준을 자랑하는 앤디 워홀 미술관(미국 피츠버그 소재)의 소장품 200여 점을 한국에 처음 소개한다는 점에서 의미가 크다. 60년대 캠벨 수프 통조림연작에서부터 꽃, 마릴린 먼로 등 유명인의 초상, 재난 장면 사진을 복제한 연작, 명화를 차용한 작품, 80년대 자화상에 이르는, 워홀의 전 생애에 걸친 대표작을 총 망라했다.
이밖에 드로잉, 사진, 전시 포스터도 걸었다.
60년대 후반부터 100편이 넘게 제작했던 워홀의 영화도 8편 상영한다.
전시를 위해 방한한 앤디 워홀 미술관의 토머스 소콜로프스키 관장은 4000점이 넘는 미술관 영구 콜렉션 중 시기별로 대표작을 골라왔다면서 이번 전시가 20세기 후반 미술사에서 가장 독보적인 작가의 체취를 느껴보는 계기가 되기 바란다고 말했다.
6월 10일까지. 일반 7000원, 초중고생 4000원. 0220146552. 조현욱 기자 마릴린 먼로. 9191, 종이에 실크스크린,1967. 팝아트대중적 이미지를 순수 미술 안에서 사용하고자 하는 미술 경향을 의미한다.
팝아트란 물건을 좋아하는 것(liking things), 그리고사람들이 좋아하는 것을 만드는 것(making things people like)이란 정의도 있다. 1950년대 영국에서 시작돼 60년대 미국을 중심으로 절정을 이뤘다.
TV나 신문, 상품광고, 쇼윈도, 만화주인공, 영화배우, TV 스타 등을 소재로 삼고 작품 제작에도 대량 복제 방식을 적극 활용했다.
50년대 추상표현주의의 과도한 정신성과 주관성에 염증을 느끼던 애호가와 대중의 폭발적 지지를 받았다.
지금도 현대 미술의 중요한 갈래로 남아있다.