灣聲樂團是由一群臺灣傑出的年輕音樂家所共同組成,他們有使命感、有理想、更有熱誠，要為臺灣發聲，讓臺灣的音樂成為世界古典音樂的主流之一，而他們所創作的音樂,更讓臺灣這個島嶼上聽到的人都十分感動！我對灣聲樂團全體團員的努力付出要特別表達感謝與敬佩之意，也要鼓勵這群年輕的音樂家，從臺灣這塊土地出發，未來繼續在世界的音樂舞台上做出貢獻，也謝謝他們用音樂讓臺灣的未來更美好，大家一起加油！
什麼是臺灣的聲音，臺灣四百年的歷史可以用什麼聲音來代表?是鄧雨賢?江文也，蕭泰然?回顧西洋的音樂歷史我覺得有三位作曲家可以代表他們自己國家非常的獨特的聲音，例如蕭士塔高維奇，西比流士，及巴爾托克。臺灣呢?臺灣的聲音資源很豐富多樣，例如南管，北管，歌仔戲，甚至是原住民的曲調，都是臺灣獨特資產。期待李哲藝老師帶領灣聲樂團,讓樂友們更深入了解台灣 400 年的多元歷史，以音樂詮釋這塊土地的聲響，用聲音發現臺灣，讓世界聽見臺灣。
我是音樂的門外漢。有次問我的好友吳會說：「你是怎麼學習如此欣賞音樂的?」他說：「聽的場次多到成為生命中的習慣、每年每月必載的行事曆,自然就聽懂了。」很多高手寫的樂評,對我而言是無法解讀的，音樂的科學、技巧、及樂器相關知識，我都所知有限，但是好的音樂依然可以感動我，我是打開心靈來聽的。
灣聲想做的，不僅是在音樂上的創新，也不是老歌曲的新包裝。他們想做的是：足以讓全世界主要音樂廳都可以演奏的「關於臺灣的文化靈魂」過去有人嘗試過，但當時基礎還太薄弱，音樂界高手不足、社會對音樂的胃納還淺，沒法形成力量。今天，臺灣國際級音樂家輩出，終於有機會。
兩場室內小型音樂會，讓我每次都掉眼淚。從來沒有看出臺灣音樂有可能如此豐富的表達它的美！李泰祥的橄欖樹，兩次都讓我感動。團長李哲藝說：李泰祥在流行音樂中放進古典因素(如希臘調式的音階)，流行跟古典，是互通互融的。
走自己的路,這不是第一次,大家都記得校園民歌是怎麼崛起的？ 1978 淡江事件是因為有位年輕人摔破一個可口可樂瓶子。說，我們要演唱自己的歌！然後風起雲湧創造民歌黃金時代。現在，大陸的歌唱節目中，常用的歌曲還有ㄧ半是來自臺灣的校園民歌！可見音樂是文化交流最具穿透力的載具。
身兼作曲家、指揮家及音樂演奏者的李哲藝，已經有 40 多年的音樂資歷，由四歲就開始接觸，團中像大提琴歐陽老師也有 30 幾年的樂齡，那天小提琴驚艷全場的薛老師，也是。薛老師才剛剛把帕卡尼尼 24 首超高難度的小提琴樂曲ㄧ次完封。這些頂尖的樂團首席音樂家湊在一起，為了臺灣古典走自己的路，或將是繼校園民歌運動之後，另一個足為里程碑的臺灣音樂新風潮。這次，我們不是拒斥西方的歌，而是用西方古典的翅膀飛起台灣音樂的天空！這是自信的起點。
灣聲的音樂家，各個頂尖，但仍然在自我要求，沒有最好只有更好。
也因為如此，身為門外漢的我，聽他們的演奏，都感受到觸及靈魂的共振，這種共鳴，來自於音樂，卻遠遠超出音樂。無論橄欖樹、望春風、外婆的澎湖灣、還是鑼聲響起，在一首首熟悉的旋律中，有臺灣杉的香味、海風呼呼的鹹味、午後沙沙的蟬鳴、還有人民生活的各種談話與嬉鬧聲 ...... 這些是屬於生命的記憶，讓我的心打開，於是我的心要說話，它以眼淚表達靈魂裡的吶喊！
音樂，其實是我們靈魂的ㄧ種能量，原住民愛唱歌，他們懂得音樂是祖靈的語言。音樂不只是我們本來就擁有的，它也是全人類的共同靈魂語言，臺灣的美善真，透過音樂可以讓不同文化的人群ㄧ起聆聽ㄧ起感動ㄧ起打開心扉。
音樂，或許是能飛得最遠、持續最久的臺灣之美。讓我們助它奮力起飛！
灣聲樂團永遠呈現的都是驚喜。 第一次我聽到他們的音樂，突然發現我耳熟能詳的歌謠，竟能以小提琴把其中的感情放大十倍。第一次我見到他們的表演海報，突然發現音樂的內涵也能以繽紛的構圖豐富音樂給人的醒像。第一次我見到李哲藝與他的團員時，突然發現這群有才氣的人，也能有無比的熱情與能量，一次又一次攪動大家對音樂的愛好。灣聲樂團真是驚喜無限。
我印象中，藝文作品該像個好酒的釀造，久久才來一次令人驚艷之作。我個人不是藝文之人，我只能猜測，這其中要嘛是靈感不是天天有，要嘛就是藝文總是浪漫取向，不會與紀律掛勾。但灣聲樂團好像不大與這個藝文理論同調，沒隔多久就能聽到他們的新品發表，或是大小型演出的消息。似乎是李哲藝大師與這個樂團，有用不完的靈感與精力，一次又一次的帶給愛好者驚喜。不然就是有一個神奇的魔力，躲在他們的樂譜裡。在台上樂譜一打開，精力與靈感就穿梭在一把一把的樂器中蹦蹦跳跳。
李哲藝大師說過一個很科學的想法，如果把臺灣的民謠用五線譜與弦樂譜出，那臺灣的音樂就能透過網路，瞬間交給西方人演出，這是一種前所未有的感染能量。李大師一直很邁力的在實踐他的理論，再加上李大師的出品效率與演出的頻次，灣聲樂團的氣度與潛力已經是另一個層次。換句話說，如果他們是一個股票上市公司，很快就會是股市上的大黑馬。偶爾我把灣聲的唱片放出來聽，我的情緒與回憶馬上就跳到許多我哼哼唱唱這些民謠的場景，馬上就跳到樂團演出時，我在台下聽到眼眶濕潤的感動。
關於旅行這件事，既使反覆看了旅行中的錄影與照片，仍然感受不到空氣中的味道與溫度中的溼氣，在回憶上總是會失真。音樂除了像旅行一樣，驚喜是其中最美妙的體驗。但關於音樂，放個唱片，就可以找回99%的回憶。兄弟姐們，好好聽聽這張灣聲樂團的唱片吧。也可以多買幾張,把這個美妙再送給你的兄弟姐妹！
我喜愛音樂，但我從未想過音樂的極致境界是什麼？一度我認為自己對音樂已經有相當的素養，直到看見灣聲樂團，終於瞭解自己在音樂方面的理解有多淺！
經過近距離，同台合作之後體會到李哲藝老師帶領灣聲樂團的誠意及企圖，一種來自最原始鍾愛土地的心意，由灣聲一曲一曲中流動過往，穿越時空！原來臺灣有這麼美麗的音樂元素，原來臺灣有國際級的音樂人，他們的理想只有一個讓臺灣的美麗音樂隨地球轉動！
讓我們一起欣賞屬於我們自己的樂聲，灣聲 臺灣的樂聲！
是什麼樣的感動能讓一場以演出台灣作曲家作品為唯一內容的音樂會，在終場時獲得全場觀眾的起立鼓掌與致敬？又是什麼樣的一股信念讓一群優秀的年輕音樂家願意付出大量的心力與時間、在幾乎無償的條件下，每週不間斷地聚在一起，練習一首又一首我們早已耳熟能詳的臺灣歌謠與本土作品？
灣聲樂團就是這麼一個擁有信念與傻勁的樂團。回想去年夏末，在臺北某間團練室裡，灣聲樂團的發起人李哲藝正抖著額頭上豆大的汗珠，領著團員們排練他特地為弦樂團成立所重新改編的臺灣歌謠與原創作品。當時的我看到每位團員專注認真於譜上的每個細節，在李哲藝一次又一次的要求下調整音色、拿捏層次。團練後，李哲藝向我提起他發起成立灣聲樂團的理念與構想。當時的我一度認為只為了專門演奏臺灣人的音樂而成立一個樂團，這是否有些不切實際？更何況團員們幾乎是分文未取，花費如此多的心力與時間來練習,這樣的熱情能維持得住多久？臺灣又是否能有這麼一個環境足以支持這麼一個樂團？
然而這樣的疑慮卻在前兩天灣聲樂團的成立音樂會上一掃而空。明明是再熟悉也不過的歌謠，為什麼還能讓我的心情激動、好幾次止不住差點奪眶而出的眼淚？我想我聽到的不只是音樂、不只是感動，而是灣聲樂團那從上到下、齊心齊力所展現出的信念與對臺灣這塊土地濃到化不開的情感。
從當晚開場演出的前兩首樂曲《臺灣舞曲》與《梆笛協奏曲》開始，灣聲樂團所展現的演奏實力便牢牢地抓住了我。江文也的《臺灣舞曲》無論是最原始的鋼琴獨奏版或是後來拿到大獎的管弦樂版，都存在著演奏技巧艱難、音響色彩難以捉摸,甚至結構處理不當就會使音樂分崩離析的問題。而李哲藝這次將原本的管弦樂版改編成難度更上層樓的弦樂版，要讓全團 30 人在單一音色下製造變幻莫測的音響與層次分明的織體，光想就覺得不可思議，然而當晚樂團的演出卻著實讓我吒舌。整首樂曲無論主題、對題、或是襯托於下的和聲音響皆清晰無比，音樂聽來井然有序卻又不失生動活潑,，每位團員對於自己的聲部線條都能掌握確實、收放自如,這樣的《臺灣舞曲》傳達出了江文也的意念，同時也讓人更期什麼樣的效果？
果然,沒有梆笛的《梆笛協奏曲》真的是讓演奏難度再提升好幾個檔次的樂曲。雖然這次樂團僅演出了這首經典名曲的第一樂章,然而李哲藝要求第一小提琴模擬梆笛的效果、整首樂曲幾乎都在高把位上呼嘯,讓梆笛協奏曲成了小提琴的超技協奏曲,這樣的改編與演奏真可說是神乎其技。再次讓台下所有觀眾見識到了灣聲樂團非凡的演奏實力。
接下來無論是大家熟悉的《嘸通嫌臺灣》、《橄欖樹》或是李哲藝重新改編串連的《四月雨小提琴幻想協奏曲》等，都是音樂精彩、情感真摯的作品。樂團的演出不煽情、卻也不流俗，讓旋律穿插在各聲部間，搭配節奏韻律與和聲的轉換讓音樂自然流露出情緒。我相信當晚台下許多觀眾絕對會跟著音樂情不自禁低吟著旋律，因為這是屬於我們的歌，只有我們知道該怎麼唱。
下半場的四首臺灣民謠代表的是台灣多元文化的展現。從《望春風》到《天公落水》、《茉莉花》到《阿里山之歌》，每個族群都擁有屬於自己最美麗的音樂語言。李哲藝結合了各式曲風,從如歌的行板、優雅的圓舞曲到節奏輕快的拉丁舞曲，賦予了這些傳唱大街小巷的歌謠全新的生命力。在灣聲樂團時而細膩、時而奔放的詮釋下讓台下觀眾忘我地陶醉在美妙樂音之中。臺灣擁有這些美麗的聲音,哪還需要政客們假情假意地喊出族群融合？透過音樂，我們一直都是融合在一起的，不是嗎？
緊接著，兩位聲部首席梁茜雯與歐陽慧儒分別在樂團的伴奏下演出了這場音樂會中最觸動人心的樂曲。梁茜雯的《草螟仔弄雞公》在詼諧中展現浪漫，李哲藝巧妙地調整節拍韻律，讓俏皮的曲調也能抒情，而梁茜雯的小提琴演奏彷若對我們訴說一個年代久遠、屬於阿公阿嬤的故事，既懷舊也濃郁，甚至還讓我們嗅到了田野的稻香。而由歐陽慧儒所演奏的《碎心花》不知讓台下多少觀眾掏起了手帕頻頻拭淚，這是鄧雨賢寫給早夭的愛女最沈痛的一首歌曲，音樂裡沒有撕心裂肺的吶喊、沒有驚動天地的嚎哭，只有那點點滴滴、刻骨銘心的哀傷與懷念。當年鄧雨賢把這種臺灣人的含蓄寫進了音樂，而今李哲藝將這樣的含蓄透過大提琴的音色悠悠道來。歐陽慧儒的詮釋深刻誠摯，每個音符都在他的弓上如泣如訴、扣人心弦，可說是當晚音樂會中感人至極的樂曲。
當晚最後的壓軸曲《弦舞》可說是李哲藝為弦樂團所寫下最精彩的炫技作品。當帕薩喀牙舞曲的頑固低音遇上觸技曲般的音樂鋪陳，30 人的弦樂團就如同置身在風暴中的一艘大船，必須齊心齊力跟著指揮如舵手般的指示、在高專注力的要求下齊心齊力在風暴中穩定前進。《弦舞》之難不僅止於技巧，而是弦樂團各聲部、各樂手間知己知彼的默契，你來我往、張弛分明。此外，在樂曲中段由各聲部首席如同即興般所演出的炫技樂段，更有如高空走索、臨淵履冰。果然一曲演罷，全場情緒沸騰、掌聲熱烈。這證明了灣聲樂團絕非臨時拼湊、更不只是隨意玩票。樂團有組織、有默契、更有水準齊一的高度演奏技巧，若非長時間練習,絕不可能有此境界。
最後在觀眾不絕於耳的安可聲裡,樂團再演出了兩首安可曲《搖嬰仔歌》與《蘭陽舞曲-丟丟銅仔》，同樣感人肺腑、引人激賞。值得一提的是，在音樂會後的隔天，我剛好來到蘭陽博物館一遊，沒想到在展覽室一隅播放的竟是昨晚才聽到的《蘭陽舞曲》，當弦樂團奏出如調音般的招牌前奏時，我的思緒竟跟著音樂起伏而升騰、久久不能自己。
會後，李哲藝在台上所發表的一席感言激勵人心。如果連我們臺灣人都不願意珍視我們自己的音樂，那還有誰願意為我們珍視？如果連我們臺灣人都不願意演奏自己的音樂，那還有誰願意為我們演奏？臺灣的音樂不該只是收在圖書館裡的文獻資料，她得活過來、活在舞台上、活在每個人的心底。只有從我們自己作起，才能讓大家永遠記得臺灣有這麼美麗的聲音。
灣聲樂團，恭喜你們，你們做到了！灣聲樂團，也謝謝你們，因為你們讓我再次重拾了對這塊土地久違的感動與信念。
對灣聲樂團來說，這晚是他們的成立音樂會，卻也是臺灣音樂復興的里程碑。這一小步走得並不容易，且讓我們用行動來支持這個屬於台灣人的樂團，讓屬於我們自己的聲音能永遠飄蕩在這塊土地上,為後代留下最珍貴的文化記憶。如果這場台北的成立音樂會你錯過了，3/5 下午，在臺中國家歌劇院還有一場，由灣聲樂團所組成的首席室內樂團將邀請你一起來聽見屬於臺灣的聲音。