觀／照系列是黃大徽的舞台作品集。由2004年至今，他的作品從曼谷東京台北走到巴黎倫敦柏林，遍及歐亞，但歸納下來其實都是在詰問自身與他者之間的參考和對照。舞蹈於他而言是框架(context)多於形式(form)；而劇場就是一面澄明的鏡，不論創作人、演出者或觀眾，都會在那兒遇見自己。是次系列選取了他的四個作品，每個只演一場，包括《B.O.B.* 終極版 》(2005）、《1＋1》(2009）、《春之祭》(2016）及剛在今年完成的《春之祭－獨舞版》(2018)。
黃大徽的《春之祭》衍伸自他2015的作品《縱裂》，在《縱裂》中，投影與語言的結構上都是相似的，但是螢幕上的發話者是舞者陳敏兒自己的聲音，且鏡頭是近身的鏡頭。從《縱裂》到《春之祭》，後者回到了編舞者同時作為舞者的發話端，由四位男舞者著相同服裝回應音樂，且扣除部分結構（例如特定段落對胯的運用）大多是即興的處理。也可以說《春之祭》把自我編舞與身體的思考收回作為編舞者的思考（而非前作舞者對自己的指令），那麼四位男舞者在此，是編舞者的不同化身嗎？透過燈光的處理，確實會有這樣的印象，無論是燈光探照空無一人的場上，四位舞者沿著黑暗行進，被困在孤絕的聚光燈下，又或者偶然亮起的全場，都很像是走進一個人的腦袋或潛意識，其旅行的路徑，像是思緒的衝撞狀態。而《春之祭》音樂的洶湧處，像是帶動這內在衝撞的力量。
不過問題或許也就出在音樂的撞擊與身體之間能量的差異，當音樂持續播放下去，原有對音樂或編曲本身思考讓位給了對音樂的感受，但身體的回應是否能夠全然交諸於這感受？我覺得四位舞者，固然已奮力地拼搏，然而相對於全場每個角落都能聽得一清二楚的音樂，身體無法留下那樣清晰的印象。選擇《春之祭》作為音樂，並且也作為舞作標題時，這種不清晰，似乎使我產生對音樂選擇的質疑。假如黃大徽獨舞的部分，是對《春之祭》作為音樂，以及《春之祭》作為不同舞作的對話與思考，那麼四位舞者出來的部分，這個對話與思考，似乎完全臣服於音樂本身。也可以說是思考完全停滯了，除了身體被音樂帶走，別無選擇，那麼觀眾是否被帶走，也成為了唯一的選擇。
雖然舞者共有四或五位，但之前的《春之祭》在精神上其實是齣獨舞，在當中除了自我觀照之外，有人看見權力與支配，有人看見規範與自由，有人看見希治閣，有人甚至看見George Orwell 的《一九八四》。這些回饋都有可能成為獨舞版的一些發展脈絡。
在消失中肯定存在。在生命中肯定死亡。一場冷酷祭典，一次意志和肉身的對決，沿著時間的軌跡殆盡消磨。