text: Ik heb tonnen science-fiction uit de jaren zeventig gezien; sommige waren gruwelijk slecht en andere waren provocerend en echt angstaanjagend. Soylent Green behoort tot de laatste categorie. Ja, soms is het een beetje kitscherig en ja, het meubilair is goed voor een giecheltje of twee, maar sommige films lijken verschrikkelijk vooruitziend. Hier hebben we een film, 9 jaar voor Blade Runner, die zich de toekomst durft voor te stellen als vaag donker, eng en nihilistisch. Zowel Charlton Heston als Edward G. Robinson verging het in deze film veel beter dan in The Ten Commandments, en Robinsons scène over zijn hulp bij zelfdoding is griezelig vooruitziend over Kevorkian en zijn soort. Sommige houdingen zijn gedateerd (kun je je voorstellen dat een filmmaker wegkomt met de 'vrouwen als meubilair'?) Maar er is maar zelden een film uit het Me Decade die je echt aan het denken zet. Dit is er een die ik dolgraag op het witte doek zou willen zien, want ik denk niet dat de omvang van deze film, zelfs niet op een breedbeeldscherm, zijn verdiende loon zou zijn.

text_en: I've seen tons of science fiction from the 70s; some horrendously bad, and others thought provoking and truly frightening. Soylent Green fits into the latter category. Yes, at times it's a little campy, and yes, the furniture is good for a giggle or two, but some of the film seems awfully prescient. Here we have a film, 9 years before Blade Runner, that dares to imagine the future as somthing dark, scary, and nihilistic. Both Charlton Heston and Edward G. Robinson fare far better in this than The Ten Commandments, and Robinson's assisted-suicide scene is creepily prescient of Kevorkian and his ilk. Some of the attitudes are dated (can you imagine a filmmaker getting away with the "women as furniture" concept in our oh-so-politically-correct-90s?), but it's rare to find a film from the Me Decade that actually can make you think. This is one I'd love to see on the big screen, because even in a widescreen presentation, I don't think the overall scope of this film would receive its due. Check it out.


text: In de jaren zeventig speelde Charlton Heston in verschillende sciencefictionfilms. 'Soylent Green' is een van de betere. Hij speelt Robert Thorn, een rechercheur in New York in 2022. In deze toekomst is het meeste voedsel zo duur dat iedereen een product nodig heeft dat Soylent Green heet. Maar als Thorn de onsmakelijke waarheid over dit product ontdekt, is hij op de vlucht.<br />Ik denk dat het niet meer dan natuurlijk is dat deze film in onze tijd gedateerd lijkt. Maar toch roept hij interessante vragen op over wat er van onze landbouw zal worden. Ook met Leigh Taylor-Young, Chuck Connors, Brock Peters, Joseph Cotten en Edward G. Robinson (in zijn laatste rol).

text_en:
In the '70s, Charlton Heston starred in sci-fi flicks of varying quality. "Soylent Green" is one of the better ones. He plays Robert Thorn, a detective in 2022 New York. In this future, most food is so expensive that everyone needs a product called Soylent Green. But when Thorn finds out the unsavory truth about this product, he finds himself on the run.

I guess that it's only natural that this movie should seem dated to us nowadays. But even so, it still brings up interesting questions about what will become of our agriculture. Also starring Leigh Taylor-Young, Chuck Connors, Brock Peters, Joseph Cotten and Edward G. Robinson (in his final role).


text: Deze film werd me aanbevolen door Matt Groening. Nou, eigenlijk heb ik zowel _The Simpsons_ als _Futurama_ gezien en in beide werd hij genoemd, dus dacht ik: wat kan het mij ook schelen. De film brengt een paar 'wat als's' ter sprake die je doen beseffen hoeveel geluk we hebben in deze tijd waarin we eenvoudige dingen als zeep en water als vanzelfsprekend beschouwen. Interessant is wel dat in het jaar 2022 mannen zich nog met één enkel veiligheidsscheermes scheren! Leuk dat de verantwoordelijken de film niet volstopten met onnodige special effects, straalpistolen, enzovoort. Mooi'meubilair' als je eenmaal weet wat dat betekent. Denk aan 'Dinsdag is Soylent Green Day'.

text_en: This movie came to me highly recommended by Matt Groening. Well actually I watched both The Simpsons and Futurama and it gets a mention in both so I figured "what the heck". The film brings home a few "what if's" that make you realise how lucky we are in this day and age where we take simple things like soap and water for granted. Interesting though that in the year 2022 men are still shaving with a single blade safety razor! Nice that Those responsible didn't over load the film with unnecessary special effects, ray guns, etc. Some nice looking 'furniture' once you figure out what that means. Remember, "Tuesday is Soylent Green Day"


text: Soylent Green is een klassieker. Ik heb zitten wachten tot iemand het opnieuw zou doen. Ze schijnen tegenwoordig sf-klassiekers te maken (d.w.z. _War of the Worlds_ ) en ik hoop dat een of andere regisseur/producer Soylent Green opnieuw zou maken. Met de moderne computeranimatie en technologie zou het een geweldige film kunnen worden. Anti-Utopiaanse films zijn misschien niet zo vergezocht. Het menselijk ras vermenigvuldigt zich als kakkerlakken zonder enige invloed van buitenaf om het in te perken. Wij, als mensen, hebben de mogelijkheid om de voortplanting van mindere soorten in de war te sturen als ze uit de hand lopen, maar er is niets om de voortplanting van de mens te beheersen behalve onszelf. Ondanks alle ziekten, oorlogen, abortussen, geboortebeperking enzovoort. Het menselijk ras vermenigvuldigt zich nog steeds, net als bacteriën in een petrischaaltje. De klassieke Malthusiaanse economie stelt dat elke soort, inclusief de mens, zich zal vermenigvuldigen buiten hun middelen van bestaan. 6 miljard en groeien... dat is obsceen.

text_en: Soylent Green is a classic. I have been waiting for someone to re-do it.They seem to be remaking sci-fi classics these days (i.e. War of the Worlds)and I am hoping some director/producer will re-do Soylent Green. With todays computer animation and technology, it would have the potential to be a great picture. Anti-Utopian films may not be that far-fetched. The human race breeds like roaches with no outside influence to curtail it. We, as humans, have the option of putting the kibosh on the procreation of lesser species if they get out of hand, but there's nothing to control human breeding except for ourselves. Despite all the diseases, wars, abortions, birth control, etc. the human race still multiplies like bacteria in a petri dish. Classic Malthusian economics states that any species, including humans, will multiply beyond their means of subsistence. 6 billion and growing....that's obscene.


text: Deze film heeft een uitstekende cast, een aangrijpend verhaal met een ijzingwekkend einde, geweldige muziek en uitstekende beelden zonder noemenswaardige special effects. Het is echter wel interessant om op te merken dat de toekomstverwachtingen, zoals in veel sciencefiction, waarschijnlijk niet zo snel zullen uitkomen als in de film. Dat wil niet zeggen dat we al uit de gevarenzone zijn, maar 2022 is nu duidelijk nog te vroeg om in deze toestand te verkeren. Deze tekortkoming wordt gedeeld door een vrij illustere lijst van science-fictionklassiekers: '1984', '2001: A Space Odyssey' (vergelijk het ruimtestation maar eens met ons Internationale Ruimtestation) en 'I Robot' van Isaac Asimov (in de jaren negentig zou er een robotbrein zijn uitgevonden).

text_en: This movie has very good acting by virtually all the cast, a gripping story with a chilling ending, great music, and excellent visuals without significant special effects. It is interesting to note though that, like so much science fiction, its predictions for the future don't appear likely to come to pass as early as depicted. That's not to say we're out of the woods yet, but 2022 is now obviously too soon to be in this condition. It shares this failing with a fairly illustrious list of science fiction classics: "1984", "2001: A Space Odyssey (compare its space station with our International Space Station) and Isaac Asimov's "I Robot" (positronic brains were to have been invented in the 1990's).


text:
In deze film lijkt het jaar 2022 veel op de jaren zeventig. Dat is aanvankelijk amusant, maar al snel dringt het tot de kijker door hoe anders die decadente, futuristische wereld is ondanks de uiterlijke schijn, hoeveel dingen die wij als vanzelfsprekend beschouwen, niet meer beschikbaar kunnen zijn.
<0x3E> Personages hebben vaak een merkwaardige verstandhouding, zonder tact of manieren of respect. Ik geloof dat dit opzettelijk is, geen slecht acteerwerk. Wie de maatschappelijke veranderingen in de jaren zestig en zeventig heeft meegemaakt, kan immers best aannemen dat in 2022 een overbevolkte stad zich zo gedraagt.
<0x3E> Ik vond de meeste actiescènes niet leuk, afgezien van de dood van de priester: te goedkoop, zelfs voor de jaren zeventig. De plot is niet al te gelikt. Maar de grote scènes en ideeën <0xE2><0x80><0x93> zoals de dood van Sol, de manier waarop relschoppers en lijken worden aangepakt, de'meubels' <0xE2><0x80><0x93> wegen zwaarder dan de tekortkomingen van deze film.
8 van de 10.

text_en:
In this movie the year 2022 looks much like the seventies. This is amusing at first, but soon the viewer perceives how very different that decadent futuristic world is despite the appearances, how many things that we take for granted could become unavailable.

Characters often interact in a peculiar way, with no tact or manners or respect. I believe this is intentional, not bad acting. After all, who witnessed the social changes in the 60s and 70s may well assume that by 2022 an overpopulated city's inhabitants behave like that.

I didn't like most of the action scenes, apart the death of the priest: too cheap even for the seventies. The plot isn't too polished. But the great scenes and ideas - like the death of Sol, the way rioters and dead bodies are dealt with, the "furniture" - outweigh the shortcomings of this film.

8 out of 10.


text: 'Soylent Green' is een van de beste en meest verontrustende sciencefictionfilms uit de jaren zeventig, en zelfs naar de maatstaven van nu nog steeds heel overtuigend. Hoewel de film een paar zwakke punten heeft en een beetje gedateerd is, zijn de apocalyptische sfeer en de milieuthema's (typisch voor die tijd) nog steeds erg verwarrend en inspirerend. Het kwaliteitsniveau van deze film overstijgt dat van de meeste hedendaagse SF-films vanwege de sterke cast en een paar heftige scènes die ik persoonlijk als klassiek beschouw. Het New York van 2022 is een deprimerende plek om te leven, met een overbevolking, werkloosheid, een ongezond klimaat en een totale schaarste aan alle belangrijke voedingsmiddelen. De enige vorm van voedsel die beschikbaar is, is synthetisch en wordt gedistribueerd door het Soylent-bedrijf. Charlton Heston speelt (in topconditie) een politieman die de moord op een van Soylents meest vooraanstaande medewerkers onderzoekt en hij stuit op schandalen en duistere geheimen... Het script is soms een beetje te sentimenteel en de climax komt niet echt als een verrassing, maar de sfeer is wel erg gespannen en griezelig. De rel is werkelijk afmattend en is met gemak een van de meest macabere momenten in de film van 70. Edward G. Robinson is uiteindelijk indrukwekkend in zijn laatste rol en er is een geweldige (maar te bescheiden) ondersteunende rol voor Joseph Cotton ('Baron Bloed', 'De Afschuwelijke Dr. Fido'). Dit is in mijn boek Science-Fictie: een nachtmerrie die onvermijdelijk vervaagt voor de mensheid! Geen chique ruimteschepen met harige monsters die onze planeet aanvallen.

text_en: "Soylent Green" is one of the best and most disturbing science fiction movies of the 70's and still very persuasive even by today's standards. Although flawed and a little dated, the apocalyptic touch and the environmental premise (typical for that time) still feel very unsettling and thought-provoking. This film's quality-level surpasses the majority of contemporary SF flicks because of its strong cast and some intense sequences that I personally consider classic. The New York of 2022 is a depressing place to be alive, with over-population, unemployment, an unhealthy climate and the total scarcity of every vital food product. The only form of food available is synthetic and distributed by the Soylent company. Charlton Heston (in a great shape) plays a cop investigating the murder of one of Soylent's most eminent executives and he stumbles upon scandals and dark secrets... The script is a little over-sentimental at times and the climax doesn't really come as a big surprise, still the atmosphere is very tense and uncanny. The riot-sequence is truly grueling and easily one of the most macabre moments in 70's cinema. Edward G. Robinson is ultimately impressive in his last role and there's a great (but too modest) supportive role for Joseph Cotton ("Baron Blood", "The Abominable Dr. Phibes"). THIS is Science-Fiction in my book: a nightmarish and inevitable fade for humanity! No fancy space-ships with hairy monsters attacking our planet.


text:
Wat de kunst betreft, waren de jaren zeventig een zeer turbulent tijdperk. In de literatuur en de beeldende kunsten was het het einde van een grote vijftig tot zestig jaar durende periode van creativiteit die nog niet was hervat. In de muziek was het een decennium dat door velen als een dieptepunt wordt beschouwd, vanwege de rock en disco van die tijd. Op de televisie was het een Gouden Eeuw voor situatiekomedies, van The Odd Couple tot de Mary Tyler Moore Show tot M*A*S*H tot All In The Family, maar in de film was het zelfs een periode van creativiteit in alle genres die de opkomst van de Amerikaanse auteurs <0xE2><0x80><0x93> regisseurs als Robert Altman, Francis Ford Coppola en Martin Scorsese <0xE2><0x80><0x93> uit de as deed herrijzen van de oude studiosystemen die meer dan een halve eeuw Hollywood hadden gedomineerd. Deze regisseurs wilden geletterde, kunstzinnige films maken voor de massa, van het soort dat sinds het eind van de Tweede Wereldoorlog in Europa niet meer was vertoond. Toch probeerden de studio's de vaart erin te houden met sociaal bewust gemaakte films van het soort dat sinds de jaren dertig niet meer was gezien.
Maar in tegenstelling tot de films uit de jaren dertig, met acteurs als Jimmy Cagney en John Garfield (die meestal de rol van de Dead End Kids speelden), die op een korrelige, realistische manier met maatschappelijke kwesties te maken hadden, of zo realistisch als je op een geluidsstudio maar kon krijgen, manifesteerde het sociale bewustzijn van de late jaren zestig en het begin van de jaren zeventig zich het meest in sciencefictionfilms, die de linkervleugel van Hollywood in staat stelden tot het grote publiek te preken onder het mom van wat de meeste mensen als weinig meer beschouwden dan komisch stripvermaak. Er was een precedent voor deze benadering, want verscheidene van de vliegende schotelfilms uit de jaren vijftig hadden te maken met de politieke tijdgeest van het McCarthy-tijdperk, met name _The Day The Earth Stood Still_ en _Invasion of The Body Snatchers_. En in het begin van de jaren zestig ondermijnde Rod Serling voortdurend het politieke conservatisme van die tijd door maatschappelijke kwesties in sciencefiction-achtige taferelen te gieten in zijn klassieke sciencefiction-tv-an anthology-programma _The Twilight Zone_. Onder de programma's van die tijd bevonden zich de ecologisch gevoelige _Stille Weg_, de eerste film van George Lucas _THX_ 1138, die te maken had met consumptiedwang, groepsdenken en existentialisme, en _Logan's Run_, die hamerde op het communisme en de heerschappij van de staat tegenover de rechten van het individu. De verwijzingen zijn nogal omslachtig <0xE2><0x80><0x93> en stinken naar de toenmalige Arabische oliecrisis en de heersende inflatie. Een paar geschaafde aardbeien kosten 450 dollar, en Soylent rantsoeneert zijn assortiment gekleurde voeding <0xE2><0x80><0x93> Soylent Geel, Soylent Rood en het nieuwe Soylent Groen, naar verluidt gemaakt van 'de beste onderzeese groei', op een manier die wel iets weg heeft van de gasrantsoenering van die tijd. Scènes van voedselrellen zijn griezelige echo's van de olierellen bij veel benzinestations in het jaar van de première van de film, en de scènes waarin het wemelt van de mensen en overal lijken liggen, levende en dode, zijn nog steeds angstaanjagend en invloedrijk. Een latere film als _Escape From New York_ is een duidelijk nageslacht. De rest van het script, van Stanley R. Greenberg is echter een doodgewone film, een standaardfilm voor een dystopische film, maar Fleischer en cinematographer Richard H. Kline zijn er goed in om het scherm te vullen met interessante beelden en geluiden om de boel wat op te fleuren. Het gebruik van zachte, schemerig verlichte beelden, met een donkere filter, geeft het New York van de film een Stygisch tintje, bijna als een gekleurde versie van Carl Theodor Dreyer's _Vampyr_. Het enige licht in de film komt van kunstmatige bronnen, en als de mode niet zo faux pas had uitgehaald, had de film echt tijdloos kunnen lijken.
Het einde van de film, waarin Thorn de verwerkingsfabriek binnensluipt waar menselijke lijken tot Soylent Green-wafels worden gemaakt, is zowel ijzingwekkend als vreemd genoeg zonder drama. Uiteindelijk jagen de Soylent-knechten Thorn op, maar hij overleeft het lang genoeg om de openingszin van de film tegen Hatcher uit te spreken. Toch weet je niet of het genoeg is, want Hatcher is al ingelijfd en heeft de reputatie dat hij de gemakkelijkste uitweg heeft gekozen. Toch toont dat feit, en de dubbelzinnigheid ervan, aan dat de film de dilemma's van de personages niet recapituleert en een diepte heeft die veel latere, beter gemaakte films, sci-fi of niet, niet hebben. Dat is ook de reden waarom Soylent Green nog steeds een film is die de moeite waard is.

text_en:
In terms of the arts, the 1970s were a very turbulent era. In literature and the visual arts, it was the closing of a great fifty or sixty year period of creativity that has yet to be restarted. In music it was a decade that many see as a low point, due to corporate rock and disco. On television it was a Golden Age for situation comedies, from The Odd Couple to the Mary Tyler Moore Show to M*A*S*H to All In The Family, but in film it was even a greater period of creativity, in all genres, that saw the rise of the American auteur- directors like Robert Altman, Francis Ford Coppola, and Martin Scorsese- from the ashes of the old studio systems that had dominated Hollywood for over half a century. These directors wanted to craft literate, arts films for the masses, of the sort that had been staples in Europe since the end of the Second World War. Yet, the studios were trying to keep pace, with socially aware films of the sort not seen since the 1930s.

But, unlike the films of the 1930s, starring actors like Jimmy Cagney and John Garfield (usually co-starring the Dead End Kids), that dealt with social issues in a gritty realistic way, or as realistic as one could get on a sound stage, the social consciousness of the late 1960s and early 1970s manifested itself most in science fiction films, which allowed the Left Wing of Hollywood to preach to the masses under the guise of what most considered little above comic strip entertainment. There was precedent for this approach, for several of the flying saucer films of the 1950s dealt with the political zeitgeist of the McCarthy era- most notably The Day The Earth Stood Still and Invasion Of The Body Snatchers. And the early 1960s saw Rod Serling constantly subverting the political conservatism of the time by casting social issues into science fiction settings on his classic sci fi television anthology show The Twilight Zone. Among the studio offerings of this time were the ecologically sensitive Silent Running; George Lucas's first film THX 1138, which dealt with consumerism, group think, and existentialism; and Logan's Run, which hammered away at Communism and state control versus the rights of an individual. Some of the film's references are quite heavyhanded- and reek of the then current Arab oil crisis and rampant inflation. A few jarred strawberries cost $150, and Soylent rations its assorted colored foods- Soylent Yellow, Soylent Red, and the new Soylent Green, reputedly made from 'the finest undersea growth,' in a manner not unlike the gas rationing of the time. Scenes of food riots are eerie echoes of the oil riots at many gas stations during the year of the film's release, and the scenes of crowding, and bodies, live and dead, lying all about are still chilling, as well as influential. A later film like Escape From New York is an obvious progeny. The rest of the script, by Stanley R. Greenberg, however, is rather pedestrian, and fairly standard for a dystopian flick, but Fleischer and cinematographer Richard H. Kline do a great job of filling the screen with interesting images and sounds, to spice things up. The use of soft, dimly lit visuals, murkily filtered, add a Stygian feel to the New York of the film, almost like a colorized version of Carl Theodor Dreyer's Vampyr. The only light in the film comes from artificial sources, and were it not for the fashion faux pas the film could truly seem timeless.

The end of the film, where Thorn sneaks into the processing plant where human corpses are made into Soylent Green wafers, is both chilling, and oddly drama-less. In the end, the Soylent minions hunt Thorn down, but he survives long enough to utter the film's catchphrase to Chief Hatcher. Yet, one does not know if it is enough, for Hatcher has already been co-opted, and has a track record of taking the easy way out. Yet, that fact, and its ambiguity, shows that the film does not recapitulate its characters' dilemmas, and has a depth many later, better made films, sci fi or not, do not have. It is also why Soylent Green is still a film worth watching.


text:
Het is tijd om eer te bewijzen aan de grote Charton Heston na zijn recente heengaan, maar deze film is niet de juiste. Zijn andere films van een vorige generatie waren BEN HUR, THE TIEN COMMANDANT, OMEGA MAN en PLANET OF THE APES.
Deze film, gemaakt in 1973, probeert een toekomstige aarde te voorspellen, in 2022, die zo overbevolkt is dat de mensheid door de autoriteiten is gemanipuleerd om een door iedereen geproduceerd voedselproduct te eten dat 'Soylent Green' heet en dat gemaakt is van Menselijk vlees. Deze bizarre en onwaarschijnlijke film was ten tijde van zijn première even belachelijk als hij nu is en veronderstelt India's toekomst.' De bevolking van Nieuw-Zeeland, die op dat moment zo'n twee miljard mensen zou tellen, zou dan zonder het te weten vleeseters zijn.
Het personage van Charlton Heston is het geheim van's werelds geheime internationale samenzwering dat de wereldmachten hebben bedacht om aan de voedingsbehoeften van de overbevolking te voldoen door gebruik te maken van kannibalisme.
Helaas voor de producenten van deze film is de boodschap die ze overbrengen godzijdank niet die van de Green Party van tegenwoordig. Kannibalisme werd beoefend door de inheemse bevolking van Nieuw-Zeeland, Fiji en Borneo tot slechts veertig jaar voordat deze film werd gemaakt, maar is inmiddels door de menselijke beschaving verlaten. Een andere dwaze voorspelling in de film is dat vrouwen quasi-seksslavinnen worden die het tij van het radicale feminisme, dat in 1972 op zijn hoogtepunt was toen deze film werd gemaakt, keren.

De film was toen stom en is nu nog even stom, maar bevat wel een zeer onherkenbare laatste filmopvoering van wijlen de grote Edward G. Robinson, maar nog steeds geen geldige reden om de film opnieuw te bekijken, behalve dan om academische redenen.
Dit is een waardeloze film en ik zou hem niet eens aanbevelen aan babyboomers of fans van Charlton Heston. Alle andere recensies die ik over deze film heb gelezen, klinken allemaal hetzelfde als ze verwijzen naar een dystopische samenleving in de toekomst, waarvan het gecentraliseerde thema alleen de Verenigde Staten lijkt te omvatten, waar zich een ecologische ramp heeft voorgedaan.
De enige verdienste van de film is dat de aarde inderdaad met overbevolking te maken krijgt.

text_en:
Its time to pay tribute to the great Charton Heston after his recent passing but this film is not the one. His other films of a past generation were BEN HUR, THE TEN COMMANDENTS, OMEGA MAN and PLANET OF THE APES were his better works.

This film made in 1973 attempts to prophesies a future earth , in 2022, that is so overpopulated that the human race has been manipulated by authorities to eat a universally produced food product called "Soylent Green" which is manufactured with Human flesh. This bizarre and implausible film was as ridiculous at the time of its release as it is now and assumes India's population which would be about 2 billion by that stage would be then meat eaters without knowing it.

Charlton Heston's character this supers secret international conspiracy that world powers have concocted to meet the nutritional demands of overpopulation by using cannibalism.

Unfortunately for the producers of this film the Green message they deliver is not the Greens Party of today's ethos thank god. Cannibalism was practiced by the indigenous populations in New Zealand , Fiji and Borneo up until only 40 years before this film was made but has been long abandoned by human civilization.

Another silly prediction in the film is that women become quasi sex slaves turning back the tide of radical feminism which was on the rise in 1972 when this film was made.

The film was stupid then and is as silly now but does contain a very unmemorable last film performance by the late and great Edward G. Robinson but still no a valid reason to revisit the film other than for academic reasons.

This is a dud of a film and I wouldn't even recommend it to baby boomers or Charlton Heston fans. All the other reviews of this film I have read all sound the same referring to a dystopian society in the future of which the centralised theme only seems to involve the USA in which an ecological disaster has occurred.

The only merit in the film is that earth does face overpopulation.


text:
Nee, dit is geen vervolg op de fabelachtige OVA-serie, maar eerder een remake van de gebeurtenissen die plaatsvonden na de dood van Ghim (en de verdwijning van Woodchuck). Het is ook accurater over de romans die deze fantastische serie hebben geïnspireerd, en dat is de reden waarom personages (met name Orson en Shiris) opnieuw worden geïntroduceerd en waarom het verhaal misschien iets anders lijkt dan dat van de OVA. (Het boekje dat bij de serie hoort, geeft uitstekende antwoorden op dergelijke vragen, net als verschillende internetsites.) De eerste acht afleveringen van deze 27-delige tv-serie gaan over de noodlottige slag bij de Demonendraakberg. De resterende 19 afleveringen laten ons kennismaken met Spark, een blauwharige ridder in spe die zich met Parn identificeert, en zijn zootje ongeregeld als ze proberen de Duistere Tovenaar Wagnard ervan te weerhouden Kardis de Vernietiger weer tot leven te wekken.
Hoewel het niet helemaal het equivalent is van de oorspronkelijke LODOSS WAR (we zijn allemaal dol op de finale waarin Parn Deedlit van Wagnard redt, toch?), is deze tv-versie nog steeds heel leuk voor fantasyfans. Ook al is de animatie beperkt (en een stap terug van de artistieke inslag van de eerste LODOSS), deze 27-part-serie heeft zijn aantrekkelijke elementen. De volledig verwezenlijkte personages, een boeiende verhaallijn, magie, romantiek en een schitterende soundtrack, gecomponeerd door Kaoru Wada van NINJA SCROLL, geven deze ongelijkmatige draai een beetje pit.
Hoewel er om de een of andere reden kritiek is geweest op de OVA-fïlm van LODOSS, vond ik hem over het algemeen wel leuk en beschouw ik hem nog steeds als een van mijn favoriete fïlms. Dus ik had grote verwachtingen van de fïlm voor CHRONICLES, gemaakt in 1999-2000. Voor het grootste deel is de Engelse tv-zender van LODOSS van redelijke (zo niet uitmuntende) kwaliteit; hij heeft echter wel zijn portie problemen. Veel van de oorspronkelijke cast die hun Engelse stemmen leenden aan de personages van LODOSS keren terug (met inbegrip van Lisa Ortiz als Deedlit!), wat een leuk extraatje is. De eerste acht afleveringen deed hij het niet al te best, maar zijn stem kwam over als irritant (waardoor sommige anti-dub-fans de dub onmiddellijk de nek omdraaiden), maar tegen de tijd dat Spark en consorten het podium bezetten, vond ik het minder irritant. (Ik weet niet of dat komt doordat hij beter werd of dat het gewoon bij mij groeide.) Bovendien komt niet iedereen van de OAV-funk terug. Jayce Reeves heeft maar één aflevering de stem van Wagnard; hij wordt vervangen door Pete Zarustica, die een krassende, maar nog steeds kwaadaardige draai geeft (en ook de verwachte boosaardige lach). Anthony Cruises Kashue is daarentegen te moe en heeft een stuk of vijf afleveringen nodig om weer op dreef te komen. Oliver Gregory is waarschijnlijk het meest effectief als Orson, vooral in zijn laatste dramatische scènes.
Afgezien van Lisa Ortiz (Deedlit), Karen Smith (Shiris), John Knox (Ashram) en Al Muscari (Slayn), komen de beste stemmen van de dub uit een paar van de nieuwere personages, onder wie Crispin Freeman (Spark, Maar, Garrack <0xE2><0x80><0x93> episodes 16-27-), Roxanne Beck (Little Neese), Meg Frances (die in de OAV Pirotess spreekt, maar ook Ryna met kwetsbaarheid en raffinement, net als Karla) en vooral Angora Deb (die elke scène steelt waarin ze voorkomt als Blad de Halfelf). De rest van de cast is verre van verschrikkelijk, maar wel iets ongelijksoortiger dan de OAV dub. Sommigen zijn oké (Aldonova, Greevus) terwijl anderen wat mat zijn (Hobb, paleiswachten, draken, enz.). ) en maar een paar waren afschuwelijk (met name de va van prins Reona is te hard en monotoon voor een strijder voor gerechtigheid).
Het gebrek aan continuïteit van de stem (sommige leden van de cast krijgen om een of andere onverklaarbare reden een andere stem tegen de tijd dat we bij sommige van de latere afleveringen komen) is een van de problemen van de dub. Andere bevatten minder memorabele en onhandig klinkende dialogen, ongelijke synchronisatie en ten slotte (bij voorbaat mijn verontschuldigingen aan de fans hiervan) de LODOSS ISLAND-segmenten. Deze buitenissige, supermisvormde intermezzo's aan het eind van elke aflevering zullen óf amusant óf je gek maken. Ik geef toe dat ik ze in het begin erg vervelend vond, maar na een tijdje begon ik er min of meer aan te wennen. (Bovendien zijn er een paar hilarische zinnen als: 'I'm King Kashue, and this is my CASHOW! I'm ECHT HELEMAAL GOED!') Deze gebreken zijn net iets minder erg dan die voor de CHRONICLES, waardoor er een onregelmatige Engelse song ontstaat die het best samengevat kan worden als 'OK'.
Als je je afvraagt of de Japanse taaltrack de voorkeur geniet boven de Engelse, nou, dan weet je het nu. De Japanse versie heeft ook goede en slechte punten. Hoewel sommige stemmen minder irritant zijn dan de Engelse taaltrack, vond ik andere minder aantrekkelijk dan de Engelse equivalenten (met name de actrice die Deedlit doet is lang niet zo goed als Lisa Ortiz OR Yumi Tohma). Bovendien moet ik erbij vermelden dat de Japanse cast NIET DEZELFDE IS ALS de Japanse. Omdat de serie zeven jaar na het origineel werd gemaakt, werden alle leden van de cast op één na (Sho Hayami) vervangen door nieuwe. Hoewel ze hun werk behoorlijk goed doen, kan het een grote ergernis zijn voor degenen die gewend waren aan de Japanse cast. Daaruit blijkt dat niet alles in het Japans beter is dan in het Engels, hè? Ondanks zijn gebreken is CHRONICLES OF THE HEROIC KNIGHT nog steeds een mooie serie die zijn eigen terrein verdient. Hij heeft zijn ruwe kanten en doet het niet altijd even goed bij zijn voorganger, maar er zijn genoeg goede punten om de slechte te compenseren, waardoor dit een redelijk plezierige fantasie Anime is.

text_en:
No, this isn't a sequel to the fabulous OVA series, but rather a remake of the events that occurred after the death of Ghim (and the disappearance of Woodchuck). It is also more accurate to the novels that inspired this wonderful series, which is why characters (namely Orson and Shiris) are reintroduced, and why the story may seem slightly different to those used to the OVA. (The booklet included in the set provides excellent answers to such questions, as do various online sites.) The first eight episodes of this 27-part TV series focus on the fateful battle at Demon Dragon Mountain. The remaining 19 episodes introduce us to Spark, a blue-haired knight wannabe who identifies with Parn, and his ragtag team of misfits as they attempt to stop the Dark Wizard Wagnard from resurrecting Kardis the Destroyer.

While it isn't quite the equivalent of the original LODOSS WAR (we all love the finale where Parn saves Deedlit from Wagnard, don't we?), this TV follow-up is still great fun for fantasy fans. Even if the animation is limited (and a step down from the artistic streak of the first LODOSS), this 27-part series has its elements of appeal. The fully-realized characters, engaging storyline, magic, romance, and a superb soundtrack scored by Kaoru Wada of NINJA SCROLL, all give this uneven spin-off some punch.

While the OVA dub of LODOSS has been criticized for one reason or another, I generally liked it and still consider it one of my favorite dubs. So I had significant hopes for the dub for CHRONICLES, made in 1999-2000. For the most part, the LODOSS TV English track is of passable (if not stellar) quality; it does, however, have its share of problems. Much of the original cast who lent their English voices to the characters of LODOSS return (including Lisa Ortiz as Deedlit!), which is a nice bonus. On the other hand, Billy Regan's more mature sounding Parn is a bit offputting. He doesn't do a bad job, but his voice came across as grating for the first eight episodes (causing some anti-dub fans to instantly diss the dub), but by the time Spark and company take the stage, I found it less bothersome. (I don't know if it's because he improved or if it just grew on me.) Also, not everyone from the OAV dub returns. Jayce Reeves only voices Wagnard (terrifically) for one episode; he's replaced by Pete Zarustica for the whole show, who gives a scratchy, but still malevolent turn (as well as the expected evil laughter). Anthony Cruise's Kashue, on the other hand, is too weary and takes about five or so episodes to find his stride. Oliver Gregory is probably the most effective as Orson, especially during his final dramatic scenes.

Aside from Lisa Ortiz (Deedlit), Karen Smith (Shiris), John Knox (Ashram), and Al Muscari (Slayn), the dub's best voices come from some of the newer characters, including Crispin Freeman (Spark, Maar, Garrack -episodes 16-27-), Roxanne Beck (Little Neese), Meg Frances (who voices Pirotess in the OAV but also voices Ryna with vulnerability and sassiness as well as Karla) and especially Angora Deb (who steals every scene she's in as Leaf the Half-Elf). The rest of the cast isn't terrible by any means, but a little more uneven than the OAV dub. Some are all right (Aldonova, Greevus) while others are lackluster (Hobb, palace guards, dragons, etc.) and few were awful (in particular, Prince Reona's VA is too harsh and monotone for a fighter of justice).

In fact the lack of aural continuity (some cast members get new voices for some unexplained reason by the time we get to some of the later episodes) is one of the problems of the dub. Others include less memorable and more awkward sounding dialogue, uneven synchronization, and finally (I apologize in advance to the fans of this) the LODOSS ISLAND segments. These offbeat, super-deformed interludes at the end of each episode will either amuse or drive you batty. Admittingly, I at first found them to be a major nuisance, but they sorta grew on me after a while. (Besides, there are some showstoppingly hilarious lines such as "I'm King Kashue, and this is my CASHEW! I'm REALLY quite a nut!") These flaws rank the dub for CHRONICLES just a notch just below that for the OVA, resulting in an uneven English track summed up best as "OK".

If one wonders if the Japanese language track is the preferred listening choice, well, guess what? The Japanese version has its good and bad points, too. While some voices are less annoying than the English language track, I found others to be less appealing than the English equivalents (in particular, the actress who does Deedlit is nowhere nearly as good as Lisa Ortiz OR Yumi Tohma). Plus, I should mention that the Japanese cast is NOT THE SAME AS THE OVA. Because the series was made seven years after the original, all but one (Sho Hayami) of the cast members are replaced by new ones. Although they do a respectably good job, it may be a major annoyance for those who were used to the Japanese OVA cast. Shows that not everything in Japanese is better than English, eh? Despite its flaws, CHRONICLES OF THE HEROIC KNIGHT is still a fine series which deserves to hold its own ground. Its not without its rough spots and doesn't always live up to its predecessor, yet there's enough good points to counter the bad, making this a moderately enjoyable fantasy Anime.


text: Nadat ik nog maar een paar minuten geleden Cronicles van de Heldhaftige Ridder heb uitgelezen, merk ik dat ik buitengewoon tevreden ben, maar er blijven nog steeds vragen boven me hangen. Hoewel het lijkt alsof de eerste 7 afleveringen in feite een herhaling zijn van de gebeurtenissen van de eerste Record van de Lodoss-oorlog, is het in werkelijkheid niet zo. Het lijkt erop dat de schepper van CotHK een andere visie had op hoe het origineel eindigde (en misschien is dat de reden waarom de eerste 7 afleveringen zich afspelen), maar dat vind ik niet. CotHK zegt dat het 5 jaar na de Oorlog van de Heldhaftigen, waar Parn deel van uitmaakte, begint. Ik denk dat de regisseur de eerste 5 afleveringen zo veel op een recapitulatie van het origineel heeft laten lijken om de kijker een kleine herinnering te geven en een inleiding in de personages en hun daden, omdat ze veel minder lijken nadat de serie in het verhaal van Spark is begonnen. Nou, als de serie eenmaal in Sparks deel begint, merken we dat we weer 10 jaar verder zijn (15 jaar sinds de Oorlog van de Helden). Spark en zijn bemanning lijken in sommige gevallen op Parn en zijn bemanning als de reis eenmaal in gang is gezet, vooral het liefdesverhaal dat ontstaat tussen Spark en Neese. Ik heb ook een paar keer tijdens de uitzending gedacht dat ik de oorspronkelijke serie erin had gestopt en als Spark er niet was geweest, had ik Sparks verhaal erin gestopt. Ik weet dat ik meer dan eens op de stopknop zou hebben gedrukt om me ervan te vergewissen dat de juiste disk in de computer zat. Maar ik beschouw deze grote, stevige ruggen absoluut niet als een nadeel. De schrijvers hebben een uitstekend werk geleverd met het creëren van geloofwaardige personages en een opmerkelijke verhaallijn. Het enige wat me pijn doet is dat Ashram en Wagnard terugkeren. Eh... hoe??? Begrijp me niet verkeerd, ze zijn allebei grote schurken, ook al is het enige boeventrekje van Ashram dat hij de Marmo steunt. Misschien heb ik iets over het hoofd gezien tijdens het ruwe deel van de serie die dat deel uitlegde. Maar wat vervolgen betreft, kan ik CotHK van harte aanbevelen. Ik plaats zowel _CotHK_ als, wat nog belangrijker is, de originele _Register van de Lodoss-oorlog_ ver boven de _Lord of the Rings_ -trilogie. Beide boeken zijn epischer dan alles wat ik ooit heb gezien of gelezen. Ik kan dit van harte aanbevelen.

text_en: Having just finished Cronicles of the Heroic Knight mere minutes ago I find myself extremely please but questions still loom over me. While it would appear that the first 7 episodes or so are actually a retelling of the events of the first Record of Lodoss War the truth is that they really aren't. It would appear that the creator of CotHK had a different vision as to how the original ended (and that may be the reason that the first 7 episodes occur) but I do not find that to be the case. CotHK does say it starts 5 years after the War of Heros which Parn was a part of. I think the director made the first 5 episodes seem so much like a recap of the original just to give the viewer a small reminder and an introduction to characters and their deeds done because they appear much less after the series kicks into Spark's story. Now, once the series does kick into Spark's portion we find ourselves kicked up another 10 years (15 years now since the War of Heros). Spark and his crew do, in some cases, resemble Parn and his crew once the journey kicks into gear, especially the love story that brews between Spark and Neese. I also thought several times throughout CotHK that I threw in the original series and if it wasn't for Spark's long blue hair I know I would've pressed stop more than once to make sure the right disc was in. By no means do I consider these major set backs however, the writers did a fine job in crafting believable characters and a remarkable storyline. The only thing that makes me hurt is that Ashram and Wagnard return. Ummmm... how??? Don't get me wrong both are great villains even though Ashram's only villainous trait is that he supports the Marmo. Perhaps I missed something during the coarse of the series that explained that part. As far as sequels go though, I highly recommend CotHK. I place both CotHK and, even more so, the original Record of Lodoss War far above the Lord of the Rings trilogy. Both of these are more epic than anything I've ever seen or read. I highly recommend this.


text:
In weerwil van wat de titel impliceert, is 'Varkens zijn Varkens' niet de ster van Porky Pig. In plaats daarvan gaat het over een jong varken met een eetlust die onverzadigbaarder is dan John Belushi's personage in 'Dierenhuis'. Zijn moeder berispt hem herhaaldelijk, maar het helpt niet. Zozeer zelfs dat hij naar een ander huis gaat, waar een gestoorde wetenschapper hem meer te eten geeft dan een gewone sterveling aankan (maar aan het eind staat hem een verrassing te wachten).
Ik zou bijna zeggen dat deze tekenfilm een tussendoortje leek tussen de echt grote tekenfilms (Daffy Duck kwam drie maanden na deze film uit). Maar vergis je niet, ze doen hier een paar leuke dingen. De hele reeks dwangvoeding lijkt vandaag de dag relevanter, gezien de obesitasepidemie die ons land overspoelt.
Hoe dan ook, niet de mooiste cartoon, maar de moeite van het bekijken waard.

text_en:
Despite what the title may imply, "Pigs Is Pigs" does not star Porky Pig. Rather, it features a young swine with an appetite more insatiable than John Belushi's character in "Animal House". His mother repeatedly scolds him, but it does no good. So much so that he goes to another house where a deranged scientist force-feeds him more than any mere mortal can handle (but there's a surprise at the end).

I would mostly say that this cartoon seemed like a place holder in between the really great cartoons (Daffy Duck debuted three months after this came out). But make no mistake about it, they do some neat things here. The whole force-feeding sequence looks more relevant today, given the obesity epidemic overtaking our country.

Anyway, not the greatest cartoon, but worth seeing.


text:
Een bezoek van Hitler in Rome is de achtergrond van dit tedere verhaal over liefde, vriendschap, homoseksualiteit en fascisme. Sophia Loren speelt de huisvrouw en moeder van zes kinderen die thuisblijven terwijl haar hele gezin naar de militaire parade ter ere van Hitler en Mussolini gaat. Ze moet thuisblijven omdat de familie zich geen dienstmeisje kan veroorloven. Ze had dolgraag mee gewild, maar ze is, net als het hele wooncomplex waar ze woont, een vurig bewonderaar van Il Duce.
Er is echter één uitzondering. Aan de andere kant van de binnenplaats zit Marcello Mastroianni op zijn stoel over zelfmoord na te denken. De reden? Hij is homoseksueel en daarom is hij onlangs zijn baan als radiopresentator kwijtgeraakt. De film begint pas echt als deze twee mensen elkaar toevallig tegenkomen. Mastroianni is wanhopig en heeft dringend een vriend nodig. Loren, gefrustreerd door haar eigen overspelige echtgenoot, begrijpt Mastroianni verkeerd en biedt hem in een meesterlijke scène op het dak van het gebouw haar lichaam aan, maar wordt afgewezen. Het aanvankelijke blok wordt al snel vervangen door haar verlangen naar deze man, deze antifascist, deze homoseksueel, deze andere wereld, die zo bereidwillig is haar alles te geven waar ze naar verlangt.
Dit is een prachtig gemaakte film met twee van de meest getalenteerde acteurs ooit. Loren bewijst hier dat ze een actrice van kaliber is als ze goed geacteerd is. Dit is een eenvoudige maar krachtige film over fascisme, liefde, gewone mensen en vooral over de menselijke conditie. Ondanks de droevige afloop is er een glimp van hoop in de ontknoping, dingen zullen veranderen, iemand heeft het begrepen.

text_en:
A visit by Hitler in Rome is the backdrop of this tender story of love, friendship, homosexuality and fascism. Sophia Loren plays the housewife and mother of six children who stays at home while her entire family go to the military parade in honor of Hitler and Mussolini. She has to stay at home since the family cannot afford a maid. She would have loved to go though as she along with the entire housing complex where she lives is an ardent admirer of Il Duce.

There is one exception though. Across the yard sits Marcello Mastroianni on his chair contemplating suicide. The reason? He is homosexual and because of that has recently lost his job as a radio announcer. The film really takes off when these two people meet by chance. Mastroianni is in despair and badly in need of a friend. Loren, frustrated by her own cheating husband misunderstands Mastroianni and in a masterfully shot, directed and acted scene on the roof of the building complex offers her body to him only to be rejected. The initial chock is replaced soon afterwards by her hunger for this man, this anti fascist, this homosexual, this other world who is so willing to give her all that she longs for.

This is a beautifully crafted movie with two of the most talented actors ever. Loren proves here that she is an actress of caliber when well directed. This is a simple but yet powerful film about fascism, love, ordinary people and most importantly the human condition. Despite its sad ending there is a glimpse of hope in the denouement, things will change, someone has understood.


text: Deze film heeft geweldig acteerwerk, geweldige fotografie en een heel sterke verhaallijn die je echt laat nadenken over wie je bent, hoe je jezelf definieert, hoe je erbij hoort, of je accepteert een rol te spelen of je losmaakt... Er is al uitstekend commentaar op deze aspecten. Ik wil commentaar geven op de formele setting van de film. Het gaat in wezen om twee mensen op een dak. Er is een eenheid van plaats en tijd, met 2 hoofdrolspelers en de radio als koor. Veel regisseurs hebben Griekse tragedies in film veranderd, veel regisseurs hebben hedendaagse verhalen gefilmd alsof het een Griekse tragedie was, maar geen enkele regisseur is er naar mijn mening zo bewonderenswaardig in geslaagd als Ettore Scola om de zuiverheid en kracht van de grote Griekse tragedies zowel in verhaallijn als formele setting te benaderen.

text_en: This film has great acting, great photography and a very strong story line that really makes you think about who you are, how you define yourself, how you fit in, whether you accept to play a role or break free... There already are excellent comments dealing with these aspects. I want to comment on the formal setting of the film. Basically, it's two people on a roof. There is unity of place and time, with 2 protagonists, and the radio acting as the choir. Many directors have turned Greek tragedies into film, many directors have filmed contemporary stories as if they were a Greek tragedy, but no director, in my opinion, has succeeded as admirably as Ettore Scola in approaching the purity and force of the great Greek tragedies both in story line and formal setting. A masterpiece.


text:
Ettore Scola, een van de meest verfijnde en grootse regisseurs die wij wereldse burgers hebben, is nog niet op dvd verkrijgbaar... (het is nu zomer 2001...) Mysteries die de geest verbijsteren.
Deze grootse klassieker is in de bioscopen van mijn geboortestad teruggekeerd dankzij ene Sophia Loren <0xE2><0x80><0x93> zomerretrospectief, en om hem weer op het witte doek te zien na al die jaren dat ik hem op video heb gezien... het is een ware gave.
Om een kritiek te vermijden, maar niettemin om een punt te bewijzen: ik heb mijn onwillige jongere broer meegenomen om deze film te zien. Hij heeft de film nooit eerder gezien en 'houdt niet van die Italiaanse ouwetjes...' Net als alle anderen in het theater was hij geïntrigeerd door dit wonder. Zelfs tijdens de eindtitels bleef het theater volkomen stil.
Deze speciale dag is werkelijk bijzonder. Een wonder van verfijning. En een groot verlies als je het (nog) niet hebt gezien.

text_en:
Ettore Scola, one of the most refined and grand directors we worldly citizens have, is not yet available on DVD... (it's summer 2001 right now....) Mysteries to goggle the mind.

This grand classic returned to the theaters in my home-town thanks to a Sophia Loren - summer-retrospective, and to see it again on the big screen after all these years of viewing it on a video-tape ... it is a true gift.

To avoid a critique but nonetheless try to prove a point: i took my reluctant younger brother with me to see this film. He never saw the film before and "doesn't like those Italian Oldies..." Like all the others in the theater he was intrigued by this wonder. Even during the end-titles the theater remained completely silent.

This SPECIAL DAY is truly special. A wonder of refinement. And a big loss if you haven't seen it (yet)...


text:
Een bijzondere dag (Ettore Scola <0xE2><0x80><0x93> Italië/Canada 1977).
Zo nu en dan kom je een film tegen die echt een gevoelige snaar raakt. Deze biedt een heel eenvoudige premisse, bijna onberispelijk in alle opzichten uitgevoerd en tegelijkertijd ongelooflijk ontroerend. Het is verbazingwekkend dat Ettore Scola's 'Una giornate particulare' betrekkelijk onbekend is, zelfs gehaat door sommige critici. Time Out noemt het 'rotzooi' en Leonard Maltin, iets milder, 'aangenaam, maar onbeduidend'. Ik ben het daar niet mee eens, niet alleen omdat deze film diep ontroerend is, maar ook omdat het eenvoudige verhaal ons meer inzicht geeft in het dagelijks leven in fascistisch Italië dan de meeste films die ik heb gezien. De filmografie is beslist niet opzichtig, zelfs een beetje saai, en de verhaallijn is rechttoe rechtaan, wat de Gezien het feit dat het publiek aan het eind van de jaren zeventig niet bepaald werd verwend met geweldige Italiaanse films, is het nog vreemder dat deze film niet echt in de smaak viel bij de critici.
De film begint met een tien minuten durende collage van archiefbeelden van Hitlers bezoek aan Italië op 8 mei 1938. Tegen deze achtergrond ontmoeten we Antonietta (Loren), een eenzame, door liefde gekwelde huisvrouw met zes kinderen in een appartementencomplex in Rome. Op een dag, als haar Beo ontsnapt, ontmoet ze haar buurman Gabriele (Mastroianni), die de enige in het gebouw lijkt te zijn die de ceremonies niet bijwoont. Hij is welgemanierd, beschaafd en al snel voelt ze zich tot hem aangetrokken. Tijdens de hele film horen we de fascistische rally uit de radio van de conciërge op de binnenplaats. Scola maakt speels gebruik van de camera om ons deelgenoot te maken van de gebeurtenissen. Na de openingsscène paradeert de camera over de binnenplaats van het modernistische (in die tijd hypermoderne) appartementengebouw, schijnbaar op zoek naar onze hoofdpersonen, die we nog niet hebben ontmoet.
Marcello Mastrionani en Sophia Loren zijn onvergetelijk in de twee hoofdrollen, des te verbazingwekkender omdat ze volkomen tegengesteld zijn. John Vernon, die in Canada is geboren, speelt Lorens echtgenoot, maar hij is alleen in de eerste en laatste scène op het scherm te zien. Ik neem aan dat zijn stem is nagesynchroniseerd, want hij is niet van Italiaanse afkomst en heeft daar voor zover ik weet nooit gewoond, dus ik kan me niet voorstellen dat hij Italiaans spreekt. Integendeel, hij is als Italiaan volkomen geloofwaardig, nog geloofwaardiger dan de rest van de cast. Het verhaal is eenvoudig maar uiterst effectief, de acteerprestaties zijn uitstekend, het einde is perfect en het decor is niet overdreven pretentieus, maar werkt perfect. Mis het niet.
Camera Obscura <0xE2><0x80><0x93> 9/10.

text_en:
A SPECIAL DAY (Ettore Scola - Italy/Canada 1977).

Every once in a while, you come across a film that really touches a nerve. This one offers a very simple premise, almost flawlessly executed in every way and incredibly moving at the same time. It's surprising Ettore Scola's "Una giornate particulare" is relatively unheralded, even hated by some critics. Time Out calls it 'rubbish' and Leonard Maltin, somewhat milder, 'pleasant but trifling.' I disagree, not only because this film is deeply moving, but within its simple story it shows us more insights about daily life in fascist Italy than most films I've seen. The cinematography is distinctly unflashy, even a bit bland, and the storyline straightforward, which might explain the film's relative unpopularity. Considering late '70s audiences weren't exactly spoiled with great Italian films, it's even stranger this one didn't really catch on with the critics.

The film begins with a ten-minute collage of archive footage from Hitler's visit to Italy on may 8th 1938. Set against this background, we first meet Antonietta (Loren), a lonely, love-ridden housewife with six children in a roman apartment building. One day, when her Beo escapes, she meets her neighbour Gabriele (Mastroianni), who seems to be only one in the building not attending the ceremonies. He is well-mannered, cultured and soon she is attracted to him. During the whole film, we hear the fascist rally from the radio of the concierge hollering through the courtyard. Scola playfully uses the camera to make us part of the proceedings. After the opening scene, the camera swanks across the courtyard of the modernist (hypermodern at the time) apartment block, seemingly searching for our main characters, whom we haven't met yet.

Marcello Mastrionani and Sophia Loren are unforgettable in the two leading roles, all the more astonishing since they are cast completely against type. Canadian born John Vernon plays Loren's husband, but he is only on screen in the first and last scene. I figure his voice must have been dubbed, since he's not of Italian descent and never lived there, to my knowledge, so I cannot imagine he speaks Italian. If his voice has been dubbed, I didn't notice at all. On the contrary, he's completely believable as an Italian, even more than the rest of the cast. The story is simple but extremely effective, the performances are outstanding, the ending is just perfect and the framing doesn't come off as overly pretentious but works completely. Don't miss out on this one.

Camera Obscura --- 9/10


text: Ik was ook heel verbaasd toen ik zag hoe weinig mensen op deze film hadden gestemd en ik móest er gewoon iets over schrijven, hoewel mijn commentaren nogal lijken op wat ik al geschreven heb.<br />Ik vind veel dingen in de film mooi. Het voortreffelijke acteerwerk van Mastroianni en Loren. De manier waarop de film wordt verteld: de mensheid en de liefde ontwikkelen zich langzaam tussen deze twee buitenstaanders en staan in contrast met de tegelijkertijd & voortdurende onmenselijke marstempo's van de fascistische radiopresentator (die toevallig een collega is van Mastroianni) en de aanhangers van 'het komen en gaan van de show'. Voor mij is dit een heel mooie film over hoe het is om mens te zijn. Het is te duidelijk wat er is gebeurd, maar voor mij heeft dit de film op geen enkele manier verpest. Ik stem voor 10/10.

text_en:
I too was quite astonished to see how few people had voted on this film, and just HAD to write something about it, although my comments are quite similar to those written already.

I like many things about the film. The superb acting between Mastroianni & Loren. The way the film is narrated: Humanity and love slowly developing between these two outsiders, and contrasted to the simultaneously & continuously ongoing inhumane marching pace of the fascist radio announcer (who happens to be a colleague of Mastroianni's part)and the adherents "going to and coming from the show". To me this is a very fine film about what it is to be human. Maybe some of you would argue that the anti-fascist "message" is too clearly delivered, but to me this didn't destroy the film in any way. My vote is 10/10.


text:
Het eerste wat je tegenkomt als je het fascisme bestudeert, is uitstoting: omdat deze 'filosofie' vals is, is het nodig zondebokken te gebruiken om de 'gedachte' te beoordelen. De film van Ettore Scola, waarschijnlijk zijn meesterwerk, concentreert zich op de verschoppelingen, de zondebokken van het regime.
Van de historische gebeurtenis (het verbond tussen Hitler en Mussolini) zullen we bijna niets zien: een militaire mars, wat guirlandes, wat verspreide stemmen... Onze twee helden zijn niet uitgenodigd voor het feest van de viriliteit. 'Genius is in wezen mannelijk' <0xE2><0x80><0x93> dat is de gouden regel die Antonietta (een nooit betere Sophia Loren) op haar kussen heeft geborduurd; Antonietta, wier wereld neerkomt op haar keuken, wier trots haar nakomelingen zijn. Aan het begin van de film is ze een slachtoffer van deze hypermachowereld, maar dat beseft ze niet. Ze denkt dat ze gelukkig zou moeten zijn. Integendeel, Gabriel is zich bewust van de kanker die zijn land onafwendbaar te gronde richt. Maar als homoseksueel maakt hij er geen deel meer van uit en staat hij op het punt te worden gearresteerd.
Ze vergeten alles wat tussen hen in staat, beseffen wat ze met elkaar gemeen hebben en gaan met elkaar naar bed. Dit is een daad van rebellie, vooral voor Antonietta, wier ethiek zoiets zou moeten verbieden. Een overspelige vrouw worden in een land waar politiek en religie samengaan om vrouwen te onderdrukken, leidt haar altijd weer naar een soort politiek bewustzijn. Op een van de laatste foto's is te zien hoe ze naar het nieuws op de radio luistert.
Verwacht het onverwachte, en misschien een doctrine die de mens zijn intieme persoonlijkheid ontzegt, en u zult zien dat zijn dagen zijn geteld.

text_en:
The first thing you meet when you study fascism is ostracism:because this" philosophy " is a fake one,there's a need to use scapegoats to assess the "thought".Ettore Scola's movie,probably his masterpiece, focuses on the outcasts,the scapegoats of the regime.

Of the historical event (Hitler and Mussolini's alliance),we will see almost nothing:some military march,some garlands,some scattered voices ..Our two heroes are not invited for the feast of virility. "Genius is essentially masculine" :this is the golden rule Antonietta (a never better Sophia Loren)embroidered on her cushion;Antonietta ,whose world amounts to her kitchen,whose pride is her offsprings .At the beginning of the movie,she's a victim of this hypermacho world,but she does not realize it.She thinks she should be happy.Gabriel,on the contrary ,is politically aware,he knows about the cancer that is destroying inexorably his country.But as a gay man,he is no longer part of it,he's about to be arrested.

Forgetting everything that comes between them,they realize what they have in common and they make love.This is an act of rebellion,particularly for Antonietta ,whose ethic should forbid such a thing.Becoming an adulteress in a land where politics and religion combine to repress women as ever leads her to some kind of political awareness.One of the last shots shows her listening to the news on the radio.

Expect the unexpected and maybe a doctrine which denies the human being his intimate personality will see that its days are numbered.


text:
'Una Giornata Particolare' is een film met een titel die zo bekend klinkt dat ik dacht dat ik hem meer dan eens had gezien. Nu ik hem eindelijk heb gezien, ben ik heel blij. Dit is een van de betere Italiaanse films die ik ken, met een van de mooiste vertolkingen van Marcello Mastroianni, die de hoofdrol speelt in andere meesterwerken zoals 'La Dolce Vita' en '81/2', beide van de grote Federico Fellini. Deze film, geregisseerd door Ettore Scola, neemt de tijd om de personages te introduceren en ontwikkelt langzaam een verhaal op een bijzondere dag, de dag dat Adolf Hitler Rome bezocht.
Marcello Mastroianni speelt Gabriele, de buurvrouw van Antonietta (Sophia Loren). Zij is lid van Mussolini's partij.' De vogel van Antonietta ontsnapt en vliegt naar het appartement van Gabriele, en zo ontmoeten die twee elkaar. Vlak voordat Antonietta naar Gabriele ging, dacht hij erover zich van kant te maken, opnieuw om redenen die ik niet zal onthullen. Hoe het verhaal zich van hieraf ontwikkelt, zal ik niet onthullen, maar het is wat er tussen die twee gebeurt dat deze dag zo bijzonder maakt, niet het feit dat Hitler in Rome is.
Zoals ik al zei, Mastroianni geeft een prachtige voorstelling. Hij is een man die wanhopig graag iemand om zich heen wil hebben, al weten we in het begin niet waarom. Misschien vindt hij Antonietta aardig, misschien is hij verliefd op haar, misschien zijn er andere redenen. Antonietta voelt wat wij voelen. Wat wil die man van haar? Ze houdt in elk geval van aandacht. We zien hoe ze haar haar doet om er aantrekkelijk uit te zien voor de man. Loren speelt de scènes ook heel goed. We begrijpen haar vragen, hoewel we niet zeker weten wat haar bedoelingen zijn. De momenten waarop we hun geheimen ontdekken, als je het zo kunt noemen, zijn een groots moment. Hoe het verhaal zich daarna ontwikkelt is nog interessanter, maar ik weet het niet.' 'Ik wil het niet voor je bederven. Dit is een film die je moet zien. Geweldige voorstellingen en een prachtige film, en de boodschap die hij ons geeft, is nog steeds van toepassing.'

text_en:
'Una Giornata Particolare' is a movie that has a title that sounds so familiar I thought I had seen it more than once. Now that I finally I have seen it, I am very glad. This is one of the better Italian movies I know, with one of the most wonderful performances by Marcello Mastroianni, who stars in other masterpieces such as 'La Dolce Vita' and '8 1/2', both from the great Federico Fellini. Directed by Ettore Scola, this is a movie that takes the time to introduce the characters and slowly develops a story on a special day, the day Adolf Hitler visited Rome.

Marcello Mastroianni plays Gabriele, the neighbor of Antonietta (Sophia Loren). She is a member of Mussolini's party, pretty fanatic in her thoughts, and he is a member no more. The reason for that I will not reveal. On the day every person from their building, including her husband and children, is out to see Hitler, they are still in the building. Antonietta's bird escapes and flies to Gabriele's apartment, and this is how the two meet. Right before Antonietta went to Gabriele he thought of killing himself, again for reasons I will not reveal. How the story develops from here I will not reveal, but it is what happens between the two that makes this such a special day, not the fact that Hitler is in Rome.

Like I said, Mastroianni has a wonderful performance. You see he is a man who desperately wants someone around him, although at first we don't know why. May be he likes Antonietta, may be he is in love with her, may be there are other reasons. Antonietta feels what we feel. What does this man want from her? She likes the attention anyway. We see how she does her hair to look attractive for the man. Loren plays the scenes very good as well. We understand her questions, although we can't be sure what her intentions are. The moments where we find out both their secrets, if that is what you can call it, is a great moment. How the story develops from there is even more interesting, but I don't want to spoil it for you. This is a movie you should see. Great performances and a beautiful cinematography, and the message it gives us still stands today.


text:
Ik was van plan geweest om de tiende verjaardag van Marcello Mastroianni's overlijden te vieren met een groot aantal niet-bekeken films van hem die ik op dvd heb staan, maar gezien mijn voortgaande, luchthartige kerstmarathon moest ik het maar met deze ene film doen! Het gaat om een van zijn beste optredens <0xE2><0x80><0x93> en hij is terecht genomineerd voor een Oscar (waarvoor de film zelf ook in aanmerking komt). Het was ook een van de veertien samenwerkingen met die andere ster uit Italië die alom wordt herkend, Sophia Loren; ze spelen hier trouwens allebei tegen typen <0xE2><0x80><0x93> zij als een niet-glamoureuze huisvrouw en hij als homoseksueel!
Tussen haakjes, de film?' De titel van de film heeft een dubbele betekenis: de hoofdpersonen worden samengebracht op de historische dag waarop Hitler naar Italië kwam om Mussolini te ontmoeten (de gebeurtenis zelf wordt getoond in lange archiefbeelden), maar de titel verwijst meer specifiek naar de 'korte ontmoeting' tussen de sterren, waarin ze momenten van vriendschap, openbaring en, heel even, hartstocht delen <0xE2><0x80><0x93> hoewel ze allebei weten dat een terugkeer naar hun normale bestaan onvermijdelijk is, wat leidt tot het abrupte, bitterzoete einde van de film. Dit is vrijwel een twee-hander (met alle andere personages, behalve de nieuwsgierige conciërge van het appartementengebouw waarin het verhaal zich in zijn geheel afspeelt) waar Lorens eigen naam ook in voorkomt. s norse en vurig vaderlandslievende echtgenoot, die verrassend genoeg gespeeld wordt door John Vernon, verschijnt alleen aan het begin en aan het eind van de film); toch schrikt de krappe setting regisseur Scola niet af (voor de goede orde, dit is de zevende film van hem die ik heb gezien en waarvan ik er nog 3 op video heb) en filmer Pasqualino De Santis, zodat het resultaat <0xE2><0x80><0x93> hoewel in wezen onopvallend <0xE2><0x80><0x93> verre van theatraal is: de camera mag door de verschillende afdelingen van het grote gebouw dwalen en de gebeurtenissen intiem of emotieloos observeren, zoals de situatie vereist, maar altijd scherp.
Het verhaal is natuurlijk volledig afhankelijk van de prestaties van de twee sterren om overtuigend te zijn, en die komen allebei uit de bus (de chemie tussen hen op het scherm is onvergelijkbaar). Maar het is wel interessant dat terwijl Loren wegliep met de prijzen op hun eigen terrein, het Mastroianni's beweeglijke en toch onsentimentele buitenstaander is (de film lijkt zijn seksuele afwijking enigszins te vergelijken met het anti-Fascisme!

text_en:
I had intended to commemorate the 10th anniversary of Marcello Mastroianni's passing with numerous unwatched films of his that I own on VHS; however, given my ongoing light-hearted Christmas marathon, I had to make do with just this one! As it happens, it features one of his best performances - and he was justly Oscar-nominated for it (with the film itself being likewise honored). This was also one of 14 collaborations with that other most widely-recognized star to emerge from Italy, Sophia Loren; both, incidentally, are playing against type here - she as an unglamorous housewife and he a homosexual!

By the way, the film's title has a double meaning: the leading characters are brought together on the historic day in which Hitler came to Italy to meet Mussolini (the event itself being shown in lengthy archive footage), but it more specifically refers to the stars' 'brief encounter' in which they share moments of friendship, revelation and, briefly, passion - though each knows that a return to their normal existence is inevitable, which leads to the film's abrupt bittersweet ending. This is virtually a two-hander (with all other characters - save for the nosy concierge of the apartment block in which the story takes place in its entirety - which include Loren's gruff and fervently patriotic husband, surprisingly played by John Vernon, appear only at the beginning and closing sequences); still, the cramped setting doesn't deter director Scola (for the record, this is the 7th film of his that I've watched and own 3 more on VHS) and cinematographer Pasqualino De Santis, so that the result - though essentially low-key - is far from stagy: the camera is allowed to prowl the various sections of the large building, observing the proceedings intimately or dispassionately as the situation requires, but always keenly.

The narrative, of course, depends entirely on the performances of the two stars for it to be convincing, and they both deliver (their on-screen chemistry is quite incomparable); it's interesting, however, that while Loren walked away with the prizes in their home turf, it's Mastroianni's moving yet unsentimental outsider (the film, somewhat dubiously, does seem to equate his sexual deviance with Anti-Fascism!) who generally impressed international audiences!


text:
Op een dag in mei 1938, als er een grote rally wordt gehouden ter ere van Hitlers bezoek aan Rome, speelt zich een liefdesgeschiedenis af tussen Antoniette (Sophia Loren) en fascist John Vernon (John Vernon) en Gabriel (Marcello Mastroianni). Zij is een saaie huisvrouw met een paar zoons en hij is een ongelukkige, eenzame homoseksueel die door de radio is ontslagen en door de fascisten wordt achtervolgd. Ze wordt alleen thuis gelaten als haar echtgenoot het historische feest moet bijwonen. Dan ontwikkelen ze ondanks hun verschillen een heel plezierige relatie. De film gaat over de historische ontmoeting tussen Fuher Hitler en Duce Mussolini, samen met andere autoriteiten als graaf Ciano en koning Victor Manuel III, en beschrijft de gebeurtenissen met een radiostem die soms irritant is.
' een romantisch drama dat met gezond verstand en gevoeligheid wordt uitgevoerd. Een onverzoenlijk hartstochtelijke romance tussen twee tegenstrijdige personages. Schitterende uitvoeringen van twee professionals maken een schitterende film de moeite waard. Natuurlijk resulteert het verstandige scenario van Ruggero Macarri en Ettore Scola in altijd boeiende, gedetailleerde en sentimentele films. Kleurige en sfeervolle cinematografie van Pascualino De Santis. Emotionele muziek van Armando Trovajoly met een gevoelig leitmotif. De film won de welverdiende Golden Globes van 1978 voor de beste buitenlandse film.
De verbeeldingskracht van regisseur Scola strekt zich uit om de beperkte scenario's waarin het drama zich ontwikkelt te verlichten. Meestal spelen zijn films zich op een paar locaties af en zijn ze semi-theatraal. ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) ) )

text_en:
A May day 1938 when happen a huge rally celebrating Hitler's visit to Rome serves as the backdrop for a love story between Antoniette(Sophia Loren)married to fascist(John Vernon) and Gabriel(Marcello Mastroianni). She's a boring housewife with several sons and he's a unhappy, solitary homosexual fired from radio and pursued by the fascists. She's left alone in her home when her spouse must to attend the historical celebration. Then both develop a very enjoyable relationship in spite of their differences. The film is set on the historic meeting Fuher Hitler and Duce Mussolini along with others authorities as Count Ciano and King Victor Manuel III, describing the events by a radio-voice in off which sometimes is irritating.

It's a romantic drama carried out with sense and sensibility. An unrelentingly passionate romance between two conflicting characters. Magnificent performances from two pros make a splendid movie well worth seeing. Of course Ruggero Macarri and Ettore Scola's sensible screenplay results in ever interesting, elaborate and sentimental. Colorful and atmospheric cinematography by Pascualino De Santis. Emotive musical score by Armando Trovajoly with sensitive leitmotif. The film won deservedly Golden Globes 1978 to best Foreign Film.

Director Scola's imagination stretches to light up the limited scenarios where are developing the drama. Usually his films take place on a few stages and are semi-theatrical. For example : ¨Le Bal¨(1982) uses a French dance-hall to illustrate the changes in society 2)¨Nuit of Varennes(1983) a stagecoach is the scenario where meet an unlikely group as Thomas Paine, Luis XVI and Marie Antoinette who fled from revolutionary Paris 3) ¨The family¨(1987)all take place in the family's grand old Roman flat; and of course 4)¨Una Giornata Particulare¨ or ¨A special day¨ where Loren and Mastroianni strikes up a marvelous relationship into their respective apartments and at the flat roof.


text: Una giornata particolare is een film die een briljant gebruik heeft gemaakt van besloten ruimtes. In die saaie, lege ruimtes ziet het publiek de emotionele beroering en luidruchtige uitbarstingen van de twee hoofdrolspelers van Ettore Scola. Marcello Mastroianni en Sophia Loren spelen twee gefrustreerde individuen die besluiten een paar korte momenten van hun lusteloze leven samen door te brengen. Het element van droefheid in het verhaal geeft ons het idee dat mensen partij zullen kiezen voor de personages die hen dierbaar zijn. Alle mannen zouden echt medelijden hebben met Sophia Lorens personage. Alle vrouwen zouden vast en zeker hun hart uitstorten over de existentiële benardheid van Marcello Mastroianni. Verhulde seksualiteit is ook een van de belangrijkste thema's van deze sombere, aangrijpende film. De meeste personages worstelen met kwesties die te maken hebben met hun eigen seksualiteit. Una giornata particolare kan niet worden beschouwd als een homofilm, hoewel er aardig in wordt beschreven dat homoseksuele mannen goed met vrouwen overweg kunnen. Dit is een film waarvoor de Italiaanse regisseur Ettore Scola een redelijk goede mengeling van feiten en fictie heeft bedacht. Zijn idee is om te laten zien hoe de komst van Hitler het lot van gewone Italiaanse mensen heeft veranderd. Een woord over het moedige personage dat schitterend wordt gespeeld door de grote Marcello Mastroianni. Hij gedraagt zich als een echte man die niet om medelijden smeekt.

text_en: Una giornata particolare is a film which has made brilliant use of closed spaces.It is in these dull,empty spaces that the audience sees the emotional turmoil and boisterous outbursts of Ettore Scola's two leading characters.Marcello Mastroianni and Sophia Loren play two frustrated individuals who decide to come together for some brief moments of their listless lives.It is the element of sadness associated with the narrative that makes us believe that people will take sides with characters close to them.All men would really feel sorry for Sophia Loren's character.All women would surely cry their hearts out at Marcello Mastroianni's existential plight.Disguised sexualities are also one of the key issues of this somber,poignant film.Most of the characters grapple with issues related to their own sexualities.Una giornata particolare cannot be termed as a pro gay film although it has been nicely depicted that a homosexual chap mixes well with women.This is a film for which Italian director Ettore Scola has crafted a fairly good mix of fact and fiction.His idea is to show how the arrival of Hitler changed destinies of ordinary Italian folks.A word about the courageous personnage played magnificently by great Marcello Mastroianni.He acts as a real man who does not beg for pity.He happily accepts his fate and readies himself to face the worst time of his short yet meaningful life.A true masterpiece of cinema !!!


text: Om te beginnen heb ik voor deze film maar één woord: 'wauw'. Dit is waarschijnlijk een van de beste films die me raakten, van het verhaal tot de vertolkingen, die zo prachtig werden gespeeld door Sophia Loren en Marcello Mastroianni. Ik was erg onder de indruk van deze laatste, omdat hij het personage echt diepte gaf, omdat het een heel harde rol was. Toch vormden die twee een paar dat me verraste, van het begin tot het eind, omdat er een vriendschap vol liefde in te zien was, die zich gedurende de hele dag ontwikkelt, die in de film tot stand komt. Het duurt even voor het verhaal op gang komt, want de personages worden lang geïntroduceerd, maar ten slotte worden we gecompenseerd met een prachtig verhaal over liefde en menselijkheid. Als je de kans krijgt, moet je hem zien, want het is een film die je nog lang zal bijblijven. Gewoonweg verbazingwekkend <0xE2><0x80><0x93> 10/9.

text_en: First of all for this movie I just have one word: 'wow'. This is probably, one of the best movies that touched me, from it's story to it's performances, so wonderfully played by Sophia Loren and Marcello Mastroianni. I was very impressed with this last one, because he really brought depth to the character, as it was a very hard role. Still, the two of them formed a pair, that surprised me, from the beginning until the end, showing in the way, a friendship filled with love, that develops during the entire day, settled in the movie. The story takes some time to roll, as the introduction of the characters is long, but finally we are compensated with a wonderful tale about love and humanity. If you have the chance, see it, because it's a movie that will stay in your mind for many time. Simply amazing - 9/10.


text: Terwijl Rome gek wordt van het vieren van Hitlers bezoek <0xE2><0x80><0x93> uniformen, orkesten, parades <0xE2><0x80><0x93> blijven twee buitenstaanders thuis, in een groot gebouw, en komen elkaar uiteindelijk tegen. Zij is Sofia Loren, de vrouw van een brute ambtenaar en moeder van zes kinderen. Hij is Mastroianni, een radiopresentator die is ontslagen vanwege zijn homoseksualiteit. Ze hebben allebei behoefte aan gezelschap en begrip, en dat vinden ze in elkaar.<br />De film duurt een paar uur. De kleuren zijn vervaagd en alles vindt plaats met een soundtrack van militaire marsen en hysterische radiopresentatoren. Vreemd genoeg wordt het nazilied <0xE2><0x80><0x93> de Horst-Wessel-Lied <0xE2><0x80><0x93> uiteindelijk een romantisch muziekthema. Prachtige film, een uitstekende vertolking van een bijzonder tijdperk in de Italiaanse geschiedenis en een ontroerend, droevig verhaal. Mastroianni is zo goed als we hadden verwacht en Sofia Loren doet het voortreffelijk, ver verwijderd van haar gebruikelijke truckchauffeurspin-up en Napolitaanse viswijf-personages. Mis het niet.

text_en:
While Rome goes mad celebrating Hitler's visit - uniforms, bands, parades - two outsiders stay home, in a large building, and wind up meeting. She is Sofia Loren, who is the wife of brutish public servant and mother of six children. He is Mastroianni, a radio speaker who's been fired because of his homosexuality. Both of them need company and understanding, both f them find it in each other.

The movie covers a span of a few hours. The color are faded and everything takes place with a sound track of military marches and hysterical radio announcers. Strangely enough, the Nazi anthem - the Horst-Wessel-Lied - ends up becoming a romantic musical theme.

Beautiful movie, excellent recreation of a special era in Italian history and a touching, sad story. Mastroianni is as good as we have come to expect and Sofia Loren does a superb job, very far away from her usual truck driver's pin-up, Neapolitan fishwife personas. Don't miss it.


text: Ettore Scola is een van de belangrijkste Italiaanse regisseurs. Mijn ouders en ik keken samen op een zomeravond naar _C'eravamo tanto amati_ : we vonden het mooi, maar we vonden het niet zo mooi als 'Een bijzondere dag'. Ik denk dat Ettore Scola behoorlijk onderschat wordt: we vergeten hem vaak, misschien omdat zijn laatste films teleurstellend waren. En dus zaten mijn moeder en ik gisteravond op de bank van dit meesterwerk te genieten. Schrijven, regie, cinematografie, montage en productie waren sober en accuraat, maar wat me het meest aansprak was de chemie tussen Loren en Mastroianni. Ze zijn allebei uitstekende acteurs en spelen de hoofdrollen van Antonietta en Gabriele. Antonietta is een huisvrouw: ze is getrouwd met een fanatieke fascist en heeft zes kinderen, maar haar man wil nog een kind om een prijs in de wacht te slepen voor de grote gezinnen. Gabriele is gewoon een antifascist. Ze brengen samen een speciale dag door, die speciale dag van 1938, toen Hitler naar Rome kwam om Mussolini te bezoeken. Ik wil de plot niet meer bederven: ga die film maar zoeken!

text_en: Ettore Scola is one of the most important Italian directors. My parents and I watched together "C'eravamo tanto amati" on a summer night: we liked it, but we didn't love it as we loved "A special day". I believe Ettore Scola is pretty underrated: we often forget to remember him, maybe because his latest films were disappointing. And so, yesterday night, my mum and I sat on our sofa to enjoy this masterpiece. Writing, direction, cinematography, score and production design were sober and accurate, but the thing I liked the most was the chemistry between Loren and Mastroianni. They're both excellent actors and play the main roles of Antonietta and Gabriele. Antonietta is an housewife: married with a fanatic Fascist, she has six children but her husband wants to have another child to get a prize for the huge families. Gabriele is simply an Anti-Fascist. They spend together a special day, that special day of 1938 when Hitler came to Rome visiting Mussolini. I don't want to spoil anymore about the plot: go looking for this film!


text: Mei 1938. Hitler in Italië. Voorbereidingen voor een historische ontmoeting met Mussolini. Emoties, spanningen en vormen van zelfbevestiging. Een lege stad, een huisvrouw en een journalist. De ontmoeting van twee verschillende werelden. Een toevluchtsoord voor een moeder met een droevig leven. Een korte vulling voor een klassiek slachtoffer. Een verhaal over eenzaamheid en stilte. Over de vorm van de hoeken van het leven en de verlangens van de strijd. Het grote personage <0xE2><0x80><0x93> een boek dat op een lentemiddag wordt geschonken. Deze film is een gedicht, opmerkelijk voor de kunst van het beschrijven van de schaduwen van de gewone eenzaamheid. Een smeekbede om een onuitsprekelijke relatie met de werkelijkheid. De foto's van Il Duce, de onhandigheid van Antonietta, het geduld en de broze spanning van Gabriele, de kunst van het regisseurschap om twee grote acteurs de gratie van het script te geven, maken deze film subliem, een voorproefje van subtiele subtiliteit, een prachtige film over hypocrisie en willekeur, over de essentie van het leven en de weerzinwekkendheid van elke tirannie. Loren en Mastroianni zijn meesters in een schitterend intelligent acteerwerk.

text_en: May 1938. Hitler in Italy. Preparations for historical appointment with Mussolini.Emotions , tensions and forms of self-affirmation. a empty town, a housewife and a journalist. The meeting of two different worlds. Refuge for a mother with a sad life. Short filling for a classical victim. A story about solitude and silence. About the form of of life's nooks and desire like fight's form. The great character- a book gifted in a spring's afternoon. This movie is a poem, remarkable for the art to describe the shades of common loneliness. A pleading for a ineffable relation with reality. And with your interior world. The pictures of Il Duce, the clumsiness of Antonietta, the patience and the frailty tension of Gabriele, the art of director to give the sense of script grace two great actors makes this film sublime, foretaste of subtle delicacy, a wonderful film about hypocrisy and arbitrary verdict, about essence of life and repulsiveness of any tyranny. Loren and Mastroianni are the masters of a magnificent intelligent acting. A clear masterpiece.


text:
Deze film is eindelijk op dvd uitgekomen in Italië (volledig gerestaureerd). Ik heb deze film al zo vaak gezien en ik vind hem tegenwoordig zelfs echt (2003) nu Italië weer te lijden heeft van een soort hersenspoelende dictatuur (of Amerika, wat dat betreft). Ik ben blij dat er in deze film verschoppelingen zijn, zoals Mastroianni, die vals kunnen zingen; misschien kunnen zij de Sophia Lorens van deze wereld leren hoe ze sterk moeten zijn en moeten vechten om als mens erkend te worden.
Terug naar de film: zoals de meeste mensen hier al zeiden is het acteerwerk prachtig, maar de audio-achtergrond is verbijsterend. Ik moet aannemen dat er helaas iets verloren gaat als je dat niet doet. Ik versta de Italiaanse taal niet, maar ik kan u verzekeren dat de opschepperij van het machismo, de verdraaiing van de werkelijkheid in dat altijd aanwezige radio-chronic van het Hitler-bezoek aan Rome u werkelijk de rillingen kan bezorgen!
Een meesterwerk!

text_en:
This movie is finally out on DVD in Italy (completely restored). I have seen this movie so many times and I find it even actual these days (2003) when Italy suffers again from a sort of brainwashing dictatorship (or the US for that matter). I am glad there are outcasts as the one played by Mastroianni in this movie who can sing out of tune; maybe they can teach the Sophia Lorens of this world how to be strong and fight to be recognised as human beings.

Back to the movie: as most people here already mentioned the acting is wonderful but the audio background is astonishing. I must assume that unfortunately something is lost if you don't understand the Italian language but I can assure you that the show-off of machism, the distortion of reality in that ever-present radio-chronicle of the Hitler visit to Rome can really make you shiver!

A masterpiece!


text: Deze film geeft een sterk commentaar op het Italiaanse volk van die tijd. Het gebruik van spiegels om de onthullingen van de personages te versterken is prachtig en ik kan niet nalaten de schoonheid en de grootsheid van Sophia Loren en Mastroianni te noemen. Ik hou van hen allebei. Hun manier van omgaan is zo mooi en natuurlijk dat je je afvraagt of de camera er wel of niet bij is. De echtgenoot wordt in zijn korte rol ook uitstekend geportretteerd als de fascistische Italiaan die het voor het zeggen heeft over zijn vrouw en kinderen, maar op zijn eigen manier ook een liefhebbende vader is. De eerste scènes met Hitler op het Piazza Venezia met alle Italianen zijn ongelooflijk en plaatsen de film historisch gezien echt in de geschiedenis. Ik vond de film geweldig en ik ben het met je eens dat het grappig is dat hij niet beroemder is.

text_en: This film makes a strong comment about the Italian people of the time. The use of the mirrors to enhance the revelations of the characters is lovely and I can't not mention the beauty and magnificence of Sophia Loren and Mastroianni. I love them both. Their way of interacting is so beautiful and natural that you may question whether or not the camera is actually there. The husband, in his brief role, is also excellently portrayed as the fascist Italian who commands his wife and children but, in his own way, a loving father. The beginning scenes with Hitler at Piazza Venezia with all the Italians is incredible and really places the film historically. I loved the film and I also agree that it is funny it isn't more renowned.


text: Er zou een subgenre in de western moeten zijn dat 'de western van Robert Mitchum' wordt genoemd. Mitchums briljante, idiosyncratische, meestal ondergewaardeerde westerns importeren zijn film noir-personage om een paar meeslepend duistere karakterschetsen te etsen, en een melancholieke wereldmoeheid te brengen die meer bekend is uit de films van Sam Peckinpah. 'Man met het geweer' is een van zijn beste films. Hij wordt geregisseerd door Orson Welles-protégé Richard Wilson en is van een grimmige, monochrome schoonheid, vol ijzingwekkende silhouetten en angstaanjagende uitbarstingen van woest geweld, terwijl Mitchum een stad komt temmen die wordt geterroriseerd door een monopolist met een privé-leger. Mitchums regressie van een zacht sprekende vreemdeling tot een gestoorde moordenaar, met een hele rits duistere emoties daartussenin, is een wonder van expressief, fysiek acteerwerk.

text_en: there should be a sub-genre in the Western called 'the Robert Mitchum Western'. Mitchum's brilliant, idiosyncratic, usually undervalued Westerns import his film noir persona to etch some compellingly dark character sketches, and bring an elegiac world-weariness more familiar from the films of Sam Peckinpah. 'Man with the gun' is one of his best. Directed by Orson Welles protege Richard Wilson, it is a stark, monochrome beauty, full of chilling silhouettes and terrifying outbursts of savage violence, as Mitchum comes to tame a town terrorised by a monopolist with a private army. Mitchum's regression from soft-spoken stranger to deranged murderer, with a host of dark emotions in between, is a marvel of expressive, physical acting.


text: Heel goede western. Dit was de eerste keer dat schrijver Richard Wilson een film regisseerde, ook dit was voor Samuel Goldwyn junior de eerste keer dat hij als producent optrad. Het is een genoegen om een heel jonge en knappe Angie Dickinson als saloonmeisje te zien. Robert Mitchum komt naar een stad die door bandieten wordt gedomineerd en wordt aangenomen als tamboer, maar de mensen maken zich zorgen dat hij te ver zal gaan, en ook over de schade die hij zal aanrichten aan de zaken van de stad. Er zijn enige overeenkomsten in het verhaal met _Warlock_, die in 1959 werd gemaakt. Deze film houdt een heel snel en opwindend tempo aan, hij houdt je echt op het randje.

text_en: Very good western.This was the first time writer Richard Wilson directed a film, also this was a first for Samuel Goldwyn Junior as a producer. It is a pleasure to see a very young and pretty Angie Dickinson as a saloon girl. Robert Mitchum comes to this town dominated by outlaws and is hired as a town tamer, but people are worried that he will go too far, also about the harm that he will do to the town´s businesses. There are some similarities in the story with "Warlock" which was made in 1959. This film keeps a very fast and exciting pace, it really keeps you on the edge.


text:
Ik kan me niet herinneren deze film voor vanavond ooit te hebben gezien, waarschijnlijk klonk de titel zo gewoon dat hij me ontging. Maar het is een goed gemaakte b-western, met een interessant broeierige verhaallijn die gecompenseerd wordt door het feit dat de rol van het goede naar het afgezaagde neigt.
Robert Mitchum daalt af naar de grote stad, op zoek naar zijn vrouw en nieuws over hun dochter, en blijft een tijdje als stadstammer. Zoals gewoonlijk hebben de goede zakenlui gemengde gevoelens <0xE2><0x80><0x93> ze willen van de slechteriken af, maar houden van de zaken die ze doen. Dat geldt nog steeds: ontspan de drank- en gokwetten en moedig de industrie aan, maar doe alsof je de nare gevolgen betreurt die ze op gewone mensen kan hebben. 's cynisch intense vertolking van het schoonmaken van de stad van de slechteriken, en de stadsbewoners die accepteerden dat zijn gewelddadige methoden de enige waren. Favoriete onderdeel: de plotselinge dood van 2 van de slechteriken in de Red Dog saloon. Het afvuren van de hoofd saloon saloon grensde aan het gemene, maar het was een effectieve manier om de verbreiding van gif te bestrijden.
Over het geheel genomen een heel goede film met als enige fout een beetje huichelarij <0xE2><0x80><0x93> niet zo goed voor Goeddoeners die waarschijnlijk liever een leven lang onderhandelen met het Kwaad zouden hebben dan dat ze er een eind aan maakten.

text_en:
I don't remember ever seeing this one before tonight, probably the title sounded so ordinary it kept passing me by. But it is a well crafted b Western, with an interestingly brooding storyline complimented by acting veering from the good to corny.

Robert Mitchum slopes into wide open town looking for his wife and news of their daughter, and stays for a time as town-tamer. As usual the good business folk have mixed emotions - they want to get rid of the baddies but like the business they bring. It still applies: relax drink and gambling laws and encourage the industries but pretend to deplore the seedy effects it can have on ordinary people. What's fascinating about this film is Mitchum's cynically intense portrayal in going about cleaning the town of baddies, and the townsfolk's acceptance that his violent methods were the only ones. Favourite bit: the sudden demise of 2 of the baddies in the Red Dog saloon. The firing of the main saloon bordered on nasty, but it was an effective way to combat the spread of poison.

Overall a very good film with its only fault tending to be a little hokeyness - not so good for Do-Gooders who would probably prefer a lifetime of negotiation with Evil rather than end it.


text: Man With the Gun is nu zo goed als vergeten, maar heeft in 1955 voor een kleine storm van belangstelling in de media gezorgd, toen Robert Mitchum zowel Jett Rink in Giant (die eigenlijk voor hem was geschreven en die vervolgens aanzienlijk was aangepast) als Charles Laughtons beoogde versie van The Naked and the Dead afwees om die te maken. Ondanks een aantal duidelijke productieproblemen en wat harde belichting die Mitch en Jan Sterling af en toe een weinig vleiende indruk geeft, is het een fantastische, donkere western die zich ruimschoots kan meten met zijn eerdere Blood on the Moon als zijn'stadse tamer'. Hij is een man van de daad, die bijna net zo slecht is als de mannen die hij uitstuurt. Zijn manier om met het nieuws over een sterfgeval in de familie om te gaan - een saloon tot de grond toe afbranden en de bedrijfsleider ertoe aanzetten hem te vermoorden - wekt niet veel vertrouwen in zijn stabiliteit. Behalve een goed script en een verrassend goede ondersteunende rol van de gewoonlijk irritante maar hier goed gecaste Henry Hull, kan het ook bogen op een opvallend goede eerste Alex North-rol, die zelfs een vroege training omvat voor een van zijn gekwelde emotionele cues die later in Spartacus zouden opduiken.

text_en: Man With the Gun is pretty much forgotten now, but caused a minor storm of media interest back in 1955 when Robert Mitchum turned down both Jett Rink in Giant (which had actually been written for him and which was subsequently substantially reworked) and Charles Laughton's intended version of The Naked and the Dead to make it instead. Despite some obvious production problems and some harsh lighting that occasionally renders both Mitch and Jan Sterling in unflattering tones, it's a terrific dark western that more than stands comparison with his earlier Blood on the Moon as his 'town tamer' sets to work on a town that never had the chance to grow up before getting run down by the local badmen before turning out to  possibly  be almost as bad as the men he dispatches. Certainly his way of dealing with news of a death in the family  burning a saloon to the ground and goading its manager into trying to kill him  doesn't inspire much confidence in his stability. As well as a good script and a surprisingly good supporting turn from the usually irritating but here well cast Henry Hull, it also boasts a strikingly good early Alex North score, which even includes an early workout for one of his tormented emotional cues that would later turn up in Spartacus.