text: Als fan van een nadere bestudering van het fenomeen van de schietpartij op een school, heeft deze film een interessante en andere benadering van het idee gekozen. De film, die als een serie video-opnamen is gepresenteerd door de twee gekwelde mannen (ik kan niet spreken over mensen die doden als jongens of tieners), de maanden van voorbereiding die leiden tot de nuldag (de codenaam voor de dag waarop ze zullen aanvallen), probeert de situatie van de andere kant te laten zien. Het lijkt erop dat de film de pijn die ze lijden wil weergeven, maar zich tegelijkertijd op de letterlijke voorbereiding concentreert. Het probleem is dat er in termen van emotie weinig direct wordt getoond. Het enige punt waarop de emotie de overhand kreeg, was het einde, zoals verwacht. Maar voordat het zover is, is het nooit helemaal duidelijk waarom ze dit van plan zijn. We krijgen het obligate verhaal te horen dat er met hen is gespot, maar de film lijkt dat ook tegen te spreken. Zonder de film te verpesten, is het gemakkelijk om te zeggen dat het een geweldige poging was en even goede bedoelingen had, maar dat klopt niet vanwege de slordige manier waarop de film is gemaakt. Alle regie is amateuristisch, om het zelfgemaakte videoconcept te bevorderen, maar het verhaal en de continuïteit zijn zwak. De film lijkt het publiek veel te willen laten beslissen, maar levert ook niet de informatie voor zo'n gebeurtenis. Het einde is abrupt en voelt niet alsof de film alles afmaakt wat hij is begonnen.

text_en: As a fan of looking further into the phenomenon that is school shootings, this film took an interesting and different approach to the idea. Presented as a series of video recordings made by the two troubled men (I cannot refer to persons who kill as boys or teens), the months of preparation leading to zero day (the codename for the day on which they will attack) the film tries to present the situation from the opposite end of the gun. It seems intent on portraying the pain they suffer, yet focuses on the literal preparation. The problem is that little in terms of emotion is directly delivered. The only point at which emotion became overwhelming was the ending, as expected. But leading up to this point, it's never really clear as to why they are planning this out. We are told the obligatory story that they were mocked, but the film also seems to contradict this. Without ruining the film, it's easy to say it was a great attempt and had equally great intentions, but falls short because of sloppy film-making. All directing is amateur, to further the homemade video concept, but the story and continuity is weak. The film seems to want the audience to decide a lot, but also fails to provide the information for such an event. The ending is abrupt, and doesn't feel like it finishes everything that the film began.


text: Ik ben een groot liefhebber van cinema verite en heb deze film gezien omdat ik had gehoord hoe interessant hij was. Ik kan in alle eerlijkheid zeggen dat hij inderdaad heel interessant was. De twee hoofdrolspelers zijn geweldig, de film is nooit saai, en het concept erachter (hoewel duidelijk geïnspireerd door de Columbine-moorden en de homevideo's van de moordenaars) is echt interessant. Er zijn een paar zwakke punten, zoals de laatste 20 minuten die echt afbreuk doen aan het realisme dat je in het eerste uur of zo ziet, en het einde slaat helemaal nergens op. De beverige camera kan soms afleiden, maar in cinema verite is dat een gegeven. Maar ik vind nog steeds dat de film heel goed is gemaakt en dat de regisseur Ben Coccio enige lof verdient.

text_en: I am a big fan of cinema verite and saw this movie because I heard how interesting it was. I can honestly say it was very interesting indeed. The two lead actors are awesome, the film isn't ever boring, and the concept behind it (though obviously inspired by the Columbine killings and the home movies of the killers) is really interesting. There are some weaknesses, such as the final 20 minutes which really detracts from the realism seen in the first hour or so and the ending really doesn't make any sense at all. The shaky camera sometimes can be a distraction, but in cinema verite that is a given. But I still think the movie is very well done and the director Ben Coccio deserves some credit.


text: Iedereen weet van die 'Zero Day'. Wat de film volgens mij wel niet deed, is dat hij ons liet zien hoe die lui waren. Ze lieten ongeveer een jaar lang hun leven zien. Gedurende de hele film mochten we ze, lachten we met ze, ook al wisten we donders goed wat ze van plan waren. En daar krijg ik de rillingen van. Want ik voelde me schuldig dat ik door hun opmerkingen werd opgevrolijkt, en ik vond Cal gewoon een lieve jongen. Ook al wist ik wat er ging gebeuren, weet je? Zelfs aan het eind van de film, toen ze op het punt stonden zelfmoord te plegen en alleen nog maar besloten of ze het zouden doen als ik aftelde van 3 tot 4, vond ik het grappig, maar toch was ik geschokt toen ik zag dat hun hoofden eraf werden geschoten. Natuurlijk was ik dat. Ik begon ze aardig te vinden. Ze waren misschien verdorven, maar ik had het gevoel dat het heel normale kerels waren, dat ze dat niet echt beseften. Maar ik wist dat ze dat waren.<br />Dat is, IMO, de voornaamste kracht van deze film. Het doet ons beseffen dat onze vrienden, of familieleden, of wie dan ook, iets krankzinnigs kunnen beramen, en dat we het niet eens merken. Deze film, hoe goed hij ook was, gaf me een slecht gevoel. Waarom kan ik nu niet slapen? Ik heb nog steeds een raar gevoel in mijn maag. Vlinders.

text_en:
Everyone knows about this ''Zero Day'' event. What I think this movie did that Elephant did not is that they made us see how these guys were. They showed their life for about a year. Throughout the movie we get to like them, to laugh with them even though we totally know what they're gonna do. And THAT gives me the chills. Cause I felt guilty to be cheered by their comments, and I just thought Cal was a sweet guy. Even though I KNEW what was gonna happen you know? Even at the end of the movie when they were about to commit suicide and just deciding if they did it on the count of 3 or 4 I thought this was funny but still I was horrified to see their heads blown off. Of course I was. I got to like them. They were wicked, maybe, but I felt like they were really normal guys, that they didn't really realize it. But I knew they were.

That's, IMO, the main force of this movie. It makes us realize that our friends, or relatives, or anyone, can be planning something crazy, and that we won't even notice it. This movie, as good as it was, made me feel bad. And that's why I can't go to sleep right now. There's still this little feeling in my stomach. Butterflies.


text: Eerlijk gezegd verbaast het me hoe weinig er in de film over het bloedbad van Columbine is gedaan. Er is geen grote documentaire, heel vreemd. Gelukkig zijn we gezegend met het talent van Ben Coccio die _ZERO DAY_ heeft geregisseerd en Gus van Sant die de al even mooie _ELEPHANT_ heeft gemaakt. Twee verschillende versies van het gebeuren, die het idee gemeen hebben dat de werkelijke oorzaak van het bloedbad altijd een mysterie zal blijven, dat er iets is wat de motivaties van de twee moordenaars uiteindelijk verbijstert en onkenbaar maakt, en wat hen er in feite toe heeft aangezet om het meer dan een fantasie naar de afschuwelijke werkelijkheid te brengen. _ZERO DAY_, die zogenaamd bestaat uit videobanden die door de schutters zijn gemaakt en na het gebeuren zijn gevonden, is absoluut fascinerend. Zelfs als je weet waar het is.' '... en de spanning in de laatste minuten van de film is ondraaglijk. De film is van begin tot eind geweldig, van regisseur tot script (niet veel improvisatie, hoewel hij erg spontaan lijkt) tot de twee hoofdrolspelers en ook de bijrollen. Er is maar één aspect van ZERO DAY dat me dwarszat. Goed, we kunnen niet begrijpen waarom de schutters zouden doen wat ze deden, maar een van de sponsors was beslist hun ANGST. Toch lijken deze jongens niet echt boos. Ze zeggen misschien een paar dingen om aan te geven dat ze dat wel zijn, maar in feite zijn ze dat niet.' Ik ben er nog steeds niet van overtuigd dat ze iets in zich hadden wat hen dwong onschuldige mensen te doden. Maar dat geeft me nog steeds het gevoel van 'waarom??' dat regisseur Coccio me wil geven. Hoe dan ook, huur of koop deze film, hij zal je besluipen en je nog lang bijblijven. De mensen van Blair Witch konden alleen maar WILLEN vanwege het succes dat deze jongens hadden met het maken van een nepdocumentaire.

text_en: I am frankly surprised how little has been done in film on the Columbine Massacre. There isn't a major documentary, very puzzling. Fortunately we are graced with the talent of Ben Coccio who directed ZERO DAY, and Gus Van Sant who did the equally fine ELEPHANT. Two different takes on the event, which have in common the idea that the real cause of the massacre will always be a mystery, that there's something ultimately baffling and unknowable about the motivations of the two killers, and what actually drove them to carry it beyond fantasy into horrible reality. ZERO DAY, purportedly made up of videotapes made by the shooters and found after the event, is absolutely riveting. Even if you know where it's going, you still harbor hope that it WON'T "go there" ... and the tension in the final minutes of the movie is excruciating. The film is terrific from top to bottom, from director to script (not much improvised, though it appears very spontaneous) to the two lead actors, and the supporting players as well. There is only one aspect of ZERO DAY that troubled me. Okay, so we can't fathom why the shooters would do what they did, but certainly one of the contributors was their ANGER. Yet these boys don't really seem angry. They may say some things to indicate that they are, but in fact they didn't convince me that they had SOMETHING inside them that compelled them to kill innocent people. But this still leaves me with the sense of "why???" that director Coccio wants me to have. Anyway, rent or buy this movie, it will creep up on you and stay with you for a long time. The BLAIR WITCH folks could only WISH for the kind of success these guys had at making a mock documentary.


text: Dit is de beste film die ik in lange tijd heb gezien. Niet alleen is dit de beste film van zijn soort (schoolfilm) De manier waarop Ben Coccio (de regisseur) besloot te filmen was schitterend. Hij filmde hem met tieneracteurs die nog op de middelbare school zaten. Hij filmde hem in de kamers van de acteurs en gebruikte de acteurs als hun echte ouders in de film. De acteurs filmden ook met camcorders, waardoor het veel meer op een videodagboek leek. Het is bijna kunstig. (als dat het juiste woord is) Maar er zitten een paar foutjes in, zoals bijvoorbeeld wanneer Cal _brads(?)_ _land rover een range rover (of vice versa)_ noemt.

text_en: This is the best movie I've come across in a long while. Not only is this the best movie of its kind(school shooting)The way Ben Coccio(the director) decided to film it was magnificent. He filmed it using teenage actors who were still attending high school. He filmed it in the actors own rooms and used the actors real parents as their parents in the film. Also the actors were filming too using camcorders making it seem much more like a video diary. It is almost artful.(if that is indeed a word)There are a few slip ups however, for example when Cal calls brads(?) land rover a range rover(or vice versa, It's been awhile since I've seen it)


text:
Ik had het geluk gisteravond Nuldag te zien. Het is een fantastische film. En ook een heel verontrustende.
Nuldag is in zekere zin te vergelijken met 'The Blair Witch Project'. Het is volledig opgenomen met handcamera's. Het gaat over 2 kinderen. Heel gewone kinderen. Andre en Calvin. Ze beginnen een campagne tegen de middelbare school daar, met de titel 'Leger van 2'.
Het hele verhaal wordt in Video Diary-vorm verteld, vanuit de 2 kinderen. Het laat zien hoe de relatie is met de ouders, met andere mensen, laat zien dat het gewone kinderen zijn, net als mensen die we kennen of die we tegen het lijf zijn gelopen. We komen erachter dat de laatste missie van Het Leger van 2 Nuldag zal zijn. Ze zijn van plan daar op de middelbare school te gaan schieten.
Je ziet hoe ze daar aan wapens komen, hoe ze het plannen, alles. Ze benadrukken dat de media geen enkele invloed op hen hebben gehad, en dat er geen enkele reden is om dit te doen. Zoals ik al zei, wordt dit allemaal in het Video Diary-formaat verteld, en daarna bewaren ze de banden in een kluis om ze na Nuldag te kunnen bekijken.
De eigenlijke schietpartij wordt in de hele school door Survillence Camera's vertoond. Werkelijk ijzingwekkend. De film is heel huiveringwekkend. Sommige dingen die ze zeggen, hoe ze het plannen, moet je gewoon met eigen ogen zien. Eén citaat dat ik me herinner is het enige dat Calvin in zijn eentje heeft gezegd. Hij zegt: 'André denkt dat hij gewoon in een of andere vluchtauto zou vertrekken om dit bij talloze scholen in het hele land te doen. Ik weet niet wat hij denkt, maar de enige manier waarop ik de school uit kom is in een zwarte plastic zak.'
Ik geef jullie waarschijnlijk niet eens een goed idee van deze film. Jullie moeten hem echt zelf zien. Hij draait nu op festivals rond.
Arn.

text_en:
I was lucky enough to see Zero Day last night. It's an amazing movie. A very disturbing one at that.

In a way, Zero Day is very comparable to "The Blair Witch Project". It's shot completley with handheld camcorders. It's about 2 kids. Just your average kids. Andre and Calvin. They start a campaign against there High School entitled "Army of 2".

The whole story is told in Video Diary form, from the 2 kids. It shows there relationships with there parents, amongst other people, showing that these are just normal kids, just like people we know or who have bumped into. We find out The Army of 2's last mission will be entitles Zero Day. They plan to shoot up there High School.

You see how they get access to there guns, how they plan it out, everything. They stress that the media has not affected them at all, and there is no reason for doing this. Like I said, this is all told in Video Diary form, and then they store the tapes in a safety deposit box to be seen after Zero Day.

The actual shooting is shown through Survillence Cameras throughout the school. Chilling indeed. The movie is very chilling. Some of the things they say, how they plan it out, you'd just have to see it for yourself. One quote that I remember is the only time Calvin is byhimself. He says "Andre thinks were just gonna leave in some getaway car, doing this to numerous schools across the country. I don't know what he's thinking, but the only way I'm coming out of the school is in a black plastic bag".

I'm probaly not even giving you guys the proper idea of this film. You really need to see it yourself. It's going around festivals right now.

A+.


text: Deze film is eng omdat je merkt dat je in verband staat met ideeën die zij hebben en omdat je je kunt herinneren dat andere mensen zeggen en simiale ideeën hebben die dit tot een spookachtig goed gemaakte film maken... de camra-stijl is niet bibberig om aan te geven dat hij je uit de film trekt als een blair witch het voegt alleen maar toe aan het rauwe 'echte' gevoel van de film die hem maakt.

text_en: This film is scary because you can find yourself relating to ideas they have and can recall other people saying and having simialr ideas make this a haunting well done movie.... the camra style is not shakey to point it draws you out of film like blair witch it only adds to the raw "real" feeling of the film that makes it.


text: Het meest verontrustende aan deze film is niet dat de schoolmoorden zich voltrekken zoals in de film, maar dat ze worden gepleegd door tieners als Cal en Andre... normale kinderen met normale gezinnen. Door gebruik te maken van een cameratechniek <0xC3><0xA0> la Blair Witch weet Ben Coccio ons mee te nemen in het leven van twee vrienden die problemen hebben met school, hoewel ons nooit precies wordt verteld wat er achter die problemen zit. Ze lijken typisch <0xE2><0x80><0x93> veel mensen hebben een hekel aan school, en wat dan nog? Een deel van je gelooft gewoon niet dat ze ooit de goed doordachte slachtpartij op Nuldag zullen uitvoeren. De beelden van de bewakingscamera's in de school tijdens de schietpartij zijn om die reden des te krachtiger. Je kunt niet geloven dat het echt gebeurt, en dat het echt is gebeurd. De hand-cameratechniek creëert ook de illusie dat dit geen filmscript is, een briljant idee gezien het onderwerp.

text_en: What is most disturbing about this film is not that school killing sprees like the one depicted actually happen, but that the truth is they are carried out by teenagers like Cal and Andre...normal kids with normal families. By using a hand held camera technique a la Blair Witch, Ben Coccio succeeds in bringing us into the lives of two friends who have some issues with high school, although we aren't ever told exactly what is behind those issues. They seem to be typical -a lot of people hate high school, so what? A part of you just doesn't believe they will ever carry out the very well thought out massacre on Zero Day. The surveillance camera scenes in the school during the shooting are made all the more powerful for that reason. You can't believe it's really happening, and that it's really happened. The hand held camera technique also creates the illusion that this is not a scripted movie, a brilliant idea given the subject matter.


text: Ik heb die film op het Rhode Island International Film Festival gezien en ik was er helemaal weg van. De structuur en de uitvoering van de film waren fantastisch... Ik weet dat het niet zo zal zijn, maar hij verdient echt een Oscar. Cal en Andre waren fenomenaal als de twee gestoorde klasgenoten. Ja, de film is erg controversieel en ik kan me voorstellen dat veel mensen er problemen mee hebben, omdat het over school shooting gaat en je je vooral met de moordenaars identificeert. Maar ondanks het harde en botte onderwerp is Nuldag de moeite waard om naar te kijken. Ik verheug me erop dat hij op video komt zodat ik hem kan kopen <0xE2><0x80><0x93> hij is heel, heel goed. Heel krachtig en intens. Het einde van de opnamen laat je sprakeloos achter omdat het bijna te realistisch is. Hun onzekerheid, de 'opnamen', de beelden en de paniek van de studenten, totaal onbeschrijflijk. Ik hoop echt dat het de aandacht krijgt die het verdient. Het is gedaan in hetzelfde formaat als _The Blair Witch Project_, met een handcamera, zodat het een echte documentairefilm lijkt <0xE2><0x80><0x93> maar god, wat is het veel beter. Heel indrukwekkend, een pluim voor alle betrokkenen. Als je de kans krijgt, moet je het echt zien.

text_en: I saw this film at the Rhode Island International Film Festival and was completely blown away. The structure and execution of the film was fantastic...I know it won't, but it really deserves an Oscar nod. Cal and Andre were phenomenal as the two disturbed classmates. Yes, the film is very controversial and I can see a lot of people having a lot of problems with it, as it deals with school shooting and especially makes you identify with the killers. However, despite its harsh and blunt subject matter, Zero Day is SO worth watching. I'm looking forward to it coming out on video so I can buy it - it's very, very good. Very powerful and intense...the end shooting sequence leaves you speechless because it's almost too realistic. Their uncertainty, the "recordings", the footage and panic of the students, totally indescribable. I really hope it gets the attention it deserves. It's done in the same format as The Blair Witch Project, handheld camera, made to appear as a true home video documentary kind of film - but god is it INFINITELY better. Very impressive, hats off to everyone involved. If you've got the chance you really should see it.


text:
SPOILER ALERT! Deze film, Zero Day, geeft een inkijkje in de levens van twee studenten, Andre en Calvin, die wrok koesteren en haten voor iedereen die op die school zit.
Ze Gaan Op Een Series Van Zelf-Gedachte Uit 'Missies' Die Tot De Grote Missie Gaan Die Nul Dag Is. De inhoud van Nul Dagen Wordt Niet Gespecificeerd Tot Het Einde Van De Film. De Kijker Weet Het Serieus En Zit Vol Met Haat Maar Is Nooit Echt Zeker Tot Het Einde.
Nu Weten We Het Allemaal, Als De Film Gebaseerd Is Op Het Columbine Bloedbad, Dan Is Het Einde Mooi Onduidelijk. En The Ending Is No Other Movie About The Attack, They Go And Kill Many Of Their Fellows In The End.
I Have Seen A lot of Movies On This Attack, And This Movie Is For Far Is My Favorite, And Most Respectated. It gives The Viewer And Inside Look to the Lives Of These Two Teens Who Hate Life, And Eerlijk gezegd, It gives The Viewer Some What Of An Understanding, And A Closure On The Horrible Event.
Areing Only 7 When The Events Played Out, I never Knew The Seriously Of The Shootings, Until My English Class Assigned Assessment or Story On A Defining Moment In Our Generation. Ik wist dat iedereen de Twin Towers zou uitkiezen, maar ik wilde anders zijn, want de Twin Towers waren natuurlijk Tragisch en Heel Definitief, maar ik dacht niet dat het de juiste keuze voor mij was, want er was echt geen manier om dat te verklaren, want ik zat nog maar in de derde klas en ik had geen idee wat het allemaal betekende. Maar de schietpartijen bleven en hadden effect. Ik herinner me de interviews, de beelden van de school, en de pijn en de angst in de ogen van duizenden mensen.
Deze film is onweerstaanbaar, tot op de aarde, en een afschuwelijk meesterwerk, en ik zou hem aan iedereen aanbevelen.

text_en:
SPOILER ALERT! This Movie, Zero Day, Gives An Inside To The Lives Of Two Students, Andre And Calvin, Who Feel Resentment And Hatred For Anyone And Anything Associated With There School.

They Go On A Series Of Self-Thought Out "Missions" All Leading Up To The Huge Mission, Which Is Zero Day. Zero Days Contents Are Not Specified Until The Middle To The End Of The Movie. The Viewer Knows Its Serious And Filled With Hate But Is Never Quite Sure Until The End.

Now We All Know, If The Movie Is Based On The Columbine Massacre, The Ending Is Pretty Obvious. And The Ending Is No Different Than Any Other Movie About The Attack, They go And Kill Many Of Their Fellow Students In The End.

I Have Seen A lot Of Movies On This Attack, And This Movie By Far Is My Favorite, And Most Respected. It Gives The Viewer And Inside Look To The Lives Of These Two Teens Who Hate Life, And Honestly It Gives The Viewer Some What Of An Understanding, And A Closure On The Horrible Event.

Being Only 7 When The Events Played Out, I Never Knew The Seriousness Of The Shootings, Until My English Class Was Assigned An Essay Or Story On A Defining Moment In Our Generation. Well I Knew Everyone Was Going To Pick The Twin Towers, But I Wanted To Be Different, Because Of Course The Twin Towers Was Tragic And Very Defining, But I Didn't Think It Was The Right Choice For Me Because there was Really No Way Of Relating To that Because, I Was Only In The 3rd Grade And I Had No Idea What It All Meant. But The Shootings Did Leave And Effect. I Remember The Interviews, The Sky Views Of The School, And The Hurt And Terror In The Eyes Of Thousands Of People.

This Movie Is A Compelling, Down To Earth, And Horrific Masterpiece, And I Would Reccomened It To Anyone.


text:
Afgezien van het feit dat deze film al met al ontzagwekkend is, heeft hij al mijn verwachtingen overtroffen, dit meesterwerk van cinematografische geschiedenis portretteert het overmatig gebruik van waardeloze filters in het beste van het beste! Paul Johansson en Craig Sheffer tonen een broerconflict met alles erop en eraan. Zoals gewoonlijk een vrouw die haar ware bedoelingen verbloemt. Het einde was even verrassend als de moord op Keith Scott door zijn oudere broer.
De scènes in 'wroetend land' zijn precies zoals ik ze me herinner van mijn vroege tijdreizen. Eerlijk gezegd is mijn grote passie voor trash-films er de oorzaak van dat dit er een moet zijn in mijn nooit voltooide collectie. Ik kan deze film aanbevelen aan alle mensen die verliefd zijn op de geweldigste broer van One Tree Hill.

Odin-Odin-Odin-Odin.

text_en:
Beside the fact, that in all it's awesomeness this movie has risen beyond all my expectations, this masterpiece of cinema history portrait the overuse of crappy filters in it's best! Paul Johansson and Craig Sheffer show a brotherconflict with all there is to it. As usual a woman concieling her true intentions. The end came as surprising as unforssen as the killing of Keith Scott by his older brother.

The scenes in 'wiking land' are just as I remember it from my early time travels. - To be honest my strong passion for trash movies makes this one a must have in my never finished collection.

I recommend this movie to all the people in love with the most awesome brother cast from One Tree Hill.

-Odin-


text:
Ik geef toe dat ik de eerste 20 minuten van de film niet zeker wist of ik het hele filmpje zou uitzitten. Net als veel andere mensen vond ik het behoorlijk saai, en ik keek er niet echt naar uit om anderhalf uur lang die vent in ijspegels te zien bijten en ze aan elkaar te zien plakken. Maar als je de creatie van zijn eerste werk lang genoeg uitzit om het eindproduct te zien, krijg je een idee hoe indrukwekkend de rest van de film is. Ik vind het echt triest dat zoveel mensen dit onmogelijk saai vonden, of een herhaling van ideeën van andere kunstenaars.
Rivers and Tides is een rustige studie van een aantal kunstwerken en methoden van Andy Goldsworthy, die zijn kunst volledig maakt van dingen in de natuur, meestal resulterend in stukken die door de natuur worden verteerd door het normale proces van entropie. Het is traag bewegend en zonder glamour, maar ik denk dat de film vooral bedoeld is om te laten zien dat Goldsworthy's kunst geen begeleiding nodig heeft om te worden gewaardeerd. Ik heb zelfs mensen horen klagen dat hij de hele film door praat in plaats van dat hij de natuur en zijn kunst voor zichzelf laat spreken, wat volgens mij gewoon waanzin is. Aan de andere kant klagen veel mensen over cd's met teksten die erin staan geschreven. Veel musici denken ook dat hun muziek alles moet betekenen wat de luisteraar wil horen zonder dat de musicus precies de tekst laat horen. Ik denk dat ik gewoon iemand ben die gelooft dat ik graag zou willen weten wat de kunstenaar met zijn of haar kunstwerk wilde bereiken. Ik kan het nog steeds zo opvatten, zelfs als ik weet wat de bedoeling was. Ik kan begrijpen dat ik hem niet door de film heen wil horen praten. Hij raakt per slot van rekening meer dan eens de draad van zijn verhaal kwijt en kan zijn werk niet goed uitleggen, maar als je niet wilt dat Goldsworthy over zijn werk praat terwijl je naar de film kijkt, zet dan gerust het geluid uit. Dat is net zoiets als de tekst niet lezen als je niet wilt weten wat een musicus zingt en de woorden liever zelf interpreteert.
Ik vind het werk van Andy Goldsworthy, waarvan ik voor ik deze film zag geen idee had dat het bestond, ongelooflijk indrukwekkend, en ik ben blij dat deze film is gemaakt om het te laten zien. Aangezien zijn werk over het algemeen niet het soort werk is dat naar een studio kan worden overgebracht, is fotografie, afgezien van film, het enige medium waarin het tot uitdrukking kan worden gebracht, en ik waardeerde het zeer dat ik het werk kon zien dat in zijn kunst wordt verwerkt en de manier waarop alleen dingen uit de natuur worden gebruikt. Of je nu bepaalde aspecten van de manier waarop deze film wordt gepresenteerd nu wel of niet waardeert, Goldsworthy's werk is zo ontroerend dat je over het hoofd ziet dat Goldsworthy's kunst ontroerend genoeg is omdat de film niet de ster is, maar Goldsworthy zelf. En gezien het gebrek aan muziek of zelfs maar de kleinste special effects en de traagheid van de film, lijkt het me dat regisseur Thomas Riedelsheimer dat weet.

text_en:
I admit that for the first 20 minutes or so of this film I wasn't entirely sure I was going to sit through the whole thing. Like many other people, I found it pretty boring, and I wasn't entirely looking forward to an hour and a half of watching this guy bite icicles and stick them together. However, if you sit through the creation of his first work long enough to see the finished product, you get an idea of how impressive the rest of the film is. I really think it's sad that so many people found this impossibly boring or a retread of ideas done by other artists.

Rivers and Tides is a quiet study of some of the artwork and methods of Andy Goldsworthy, who makes his art entirely out of things in nature, generally resulting in pieces that will be consumed by nature through the normal process of entropy. It is slow moving and unglamorous, but I think that a lot of the point of the movie is to show that Goldsworthy's art does not need any accompaniment in order for it to be appreciated. I've even heard people complain about how he is always talking throughout the movie, rather than just letting nature and his artwork speak for themselves, which I just think is madness.

On the other hand, lots of people complain about CDs coming with the lyrics written out inside them. A lot of musicians as well think their music should mean whatever the listener wants it to mean without the musician showing the exact lyrics, I guess I'm just the kind of person that believes that I'd like to know what the artist was trying to accomplish with his or her artwork. I can still take it how I want to even if I know what it was meant to do. I can understand not wanting to hear him talk through the movie. He does, after all, lose his train of thought and find himself unable to explain some of his work at more than one occasion, but if you don't want Goldsworthy talk about his art while you're watching the film, feel free to turn the sound off. That's like not reading the lyrics if you don't want to know what a musician is singing and would rather interpret the words yourself.

I think that Andy Goldsworthy's work, which I had no idea existed before I watched this movie, is incredibly impressive, and I'm glad that this film was made in order to showcase it. Indeed, since his work is generally not the kind that can be transported into a studio, photography is the only medium other than film that can express it, and I really appreciated being able to see the work that goes into his art, and the way that only things from nature are used. Whether or not you appreciate certain aspects of how this film is presented, Goldsworthy's work is moving enough to overlook that, because the film is not the star, Goldsworthy's art is. And given the lack of any music or even the smallest special effects and the slow-moving nature of the film, it seems to me that director Thomas Riedelsheimer knows that.


text:
Op een bepaald niveau kan deze film het kind in ons naar boven brengen dat alleen maar zandkastelen wil bouwen en dingen in de lucht wil gooien om ze vervolgens weer te zien vallen. Maar op een dieper niveau verkent hij een diep verlangen om weer met het land in contact te komen. Ik kon me volledig inleven in de kunstenaar toen hij zei: 'Als ik niet hier ben (alleen) voor langere tijd, voel ik me ontworteld.'
Ik beschouwde Andy Goldsworthy als een van de grote hedendaagse kunstenaars. Ik ken zijn werk voornamelijk van zijn koffietafelboeken en een paar installaties in een kunstgalerie. Maar om zijn werk in beweging te zien, perfect gevangen door de lens van Riedelsheimer, was een openbaring. Zijn scheppingen komen tot leven, wervelend, vliegend, oplossend, afbrokkelend, instortend.
En dat is precies waar het hem allemaal om te doen is: tijd. Het proces van schepping en vernietiging. Van verschijnen en verdwijnen. Van uit de Leegte komen en het Universum worden, en weer terug. Hij heeft iets sjamanistisch over zich, bijna iets krankzinnigs. Als je hem aan het werk ziet, krijg je het gevoel dat zijn kunst een levenskracht voor hem is, dat hij, als hij het niet deed, zou verdwalen en omkomen.
Gelukkig voor ons kan Goldsworthy zijn visie met ons delen via het communicatiemedium de fotografie. Anders zouden ze, met uitzondering van een paar grafheuvels en muren, maar voor één persoon bestaan.

text_en:
On one level, this film can bring out the child in us that just wants to build sandcastles and throw stuff in the air just for the sake of seeing it fall down again. On a deeper level though, it explores a profound desire to reconnect with the land. I thoroughly empathized with the artist when he said, "when I'm not out here (alone) for any length of time, I feel unrooted."

I considered Andy Goldsworthy one of the great contemporary artists. I'm familiar with his works mainly through his coffee-table books and a couple art gallery installations. But to see his work in motion, captured perfectly through Riedelsheimer's lens, was a revelation. Unfrozen in time, Goldsworthy's creations come alive, swirling, flying, dissolving, crumbling, crashing.

And that's precisely what he's all about: Time. The process of creation and destruction. Of emergence and disappearing. Of coming out of the Void and becoming the Universe, and back again. There's a shamanic quality about him, verging on madness. You get the feeling, watching him at work, that his art is a lifeforce for him, that if he didn't do it, he would whither and perish.

Luckily for us, Goldsworthy is able to share his vision through the communication medium of photography. Otherwise, with the exception of a few cairns and walls, they would only exist for one person.


text: Weer een groet uit de duisternis. Inzicht in de geest en de motivatie van een geweldige kunstenaar. Wat is het voor de meesten van ons vreemd om iemand te zien die móét werken... onder welke omstandigheden dan ook, want anders houdt zijn bestaan op. Om Goldsworthy's sculpturen tot leven te zien komen en te zien hoe hij daarop reageert is buitengewoon voyeuristisch. Deze kunstenaar creëert omdat hij moet, niet voor geld of roem. Het is zijn levenskracht. Als je zijn mislukkingen ziet, lijkt de energie uit zijn lichaam weg te vloeien als een opbollende heteluchtballon. Het is niet de angst om opnieuw te beginnen, het is de energie die hij uit zijn werk haalt. Het is een beetje pijnlijk om te zien hoe hij alleen maar creëert om de natuur over te nemen en zich zijn werk te herinneren, maar toch is het adembenemend. Hij bespreekt stroming en tijd in de minimale dialoog en er lijkt weinig twijfel te bestaan dat de kunstenaar en de aarde een en dezelfde persoon zijn. Als hij zegt dat hij de aarde nodig heeft, maar dat ze hem niet nodig heeft... daar ben ik het niet mee eens. Het enige wat ik te klagen heb is dat de muziek de muziek lijkt te vertragen tot een tempo dat op zijn best ontspannend is.

text_en: Greetings again from the darkness. Insight into the mind and motivation of a wonderful artist. How strange for most of us to see someone who MUST work... no matter the conditions, else his reason for living ceases. To see Goldsworthy's sculptures come alive and to see his reaction to each is extremely voyeuristic. This artist creates because he must - not for money or fame. It is his lifeforce. When you see his failures, energy seems to expel from his body like a burst hot air balloon. It is not the dread of beginning again, it is that he takes his energy from his work. Watching him create just to have nature takeover and recall his work is somewhat painful, but nonetheless, breathtaking. He discusses flow and time in the minimal dialog and there appears to be little doubt that the artist and the earth are one in the same. When he says he needs the earth, but it does not need him ... I beg to differ. Only complaint is the musical score seems to slow down further a pace that is relaxing at best.


text:
Zoals het omslag verkondigt, is deze film'schitterend geschoten en meesterlijk bewerkt', en inderdaad, hij is betoverend mooi. De tijdloosheid die we waarnemen in stoïcijnse rotsen en in het onophoudelijke eb en vloed van water omlijst de vluchtige werken uit Goldsworthy's handen, zodat ze in hun vluchtigheid naar de eeuwigheid wijzen.
En zo wordt ons de schoonheid van zijn composities ingeprent met slechts een vleugje melancholie ingeweven <0xE2><0x80><0x93> of in de woorden van Matthew Arnold uit 'Dover Beach':
Luister! U hoort het knarsende gebulder van kiezels die door de golven worden teruggeworpen en bij hun terugkeer het hoge strand op worden gesmeten. Begin, en houd op, en begin dan opnieuw, met een bevende cadans, langzaam, en breng De eeuwige toon van droefheid binnen. Aan het eind van de film zegt Goldsworthy op een gegeven moment: 'Woorden doen hun werk, maar wat ik hier doe, zegt veel meer.' Als woordkunstenaar voel ik me niet beledigd en ik vind hem ook geen moment onbescheiden, want de combinatie van vorm, tijd, verandering, structuur, kleur en compositie die Goldsworthy nauwgezet en intuïtief creëert, is veel meer dan woorden kunnen zeggen.
Op een ander punt zegt hij: 'Wat is er om te blijven... en wat niet.' Dat is zijn thema. Ik denk dat kunstenaars ergens in de twintigste eeuw zich er scherp van bewust werden hoe kortstondig zelfs de grootste kunstwerken zijn vergeleken met de enorme uitgestrektheid van de kosmische tijd, en dus begonnen ze dit begrip te weerspiegelen door werken te scheppen die opzettelijk kortstondig waren. Het idee was dat door te benadrukken hoe kortlevend zelfs de machtigste werken van de mens zijn, een gevoel van tijdloosheid van de kunst tot uitdrukking zou komen.
Misschien ligt een deel van de effectiviteit van Goldsworthy's werk in dit soort uitdrukking. Hij brengt nauwgezet een of andere vorm van stro of bladeren aan op de plaats waar het tij ze zal bereiken, of legt ze in de rivier waar ze zullen worden meegevoerd; en in dit proces worden zowel de compositie als de vluchtigheid ervan met elkaar versmolten.
Zowel het vergankelijke als het tijdloze zijn nodig om onze wereld en onze plaats daarin te begrijpen. En het is belangrijk dat deze werken worden gedaan binnen de context van de natuur, zodat wat is samengesteld, wordt geplaatst binnen wat natuurlijk is. Daarom zijn de muren van steen en de eieren van steen die Goldsworthy bouwt stil en solide, maar we weten dat ze geen monumenten voor de eeuwigheid zijn, maar dat ze daar voor een onbepaalde tijd zullen blijven om dan te verdwijnen en terug te keren naar een staat die veel lijkt op die van voor onze komst.
Dit is kunst zoals kunst hoort te zijn, verwant aan het spirituele.
In zekere zin is Goldsworthy's werk een onuitgesproken begrip. Het is een ervaring die louter uit tijd en vorm bestaat. In zekere zin 'beantwoordt' zijn werk Shelley's beroemde gedicht 'Ozymandias'. door te zeggen: zelfs als het tij het werk wegspoelt, en zelfs als de rivier de uitdrukking verdringt, zelfs dan leeft de kunst voort door onze ervaring ervan. Op dezelfde manier denk je aan Tibetaanse zandschilderingen die zo zorgvuldig zijn samengesteld en uitgemeten, en net als ze zo prachtig en kostbaar zijn afgewerkt, worden ze aan de wind gegeven, zodat we zouden kunnen weten dat alles flux is.
Maar in de moderne wereld blijven deze kunstwerken bestaan in foto's en video's. Goldsworthy is een begenadigd fotograaf (natuurlijk, zou ik zeggen) en al zijn werken, zelfs de mislukte, worden gefotografeerd zodat hij er in een meer bespiegelende stemming naar kan kijken en kan zien wat hij heeft bereikt en wat niet.
Deze filmische productie onder leiding van Thomas Riedelsheimer met de prachtige en toepasselijk spookachtige muziek van Fred Frith mag niet worden gemist. Het is een van de mooiste documentaires die ik ooit heb gezien en een van de meest spirituele.

text_en:
As the jacket proclaims, this film is "Gorgeously shot and masterfully edited," and, yes, it is mesmerizingly beautiful. The timelessness that we perceive in stoic rock and in the unceasing ebb and flow of water frames the ephemeral works from Goldsworthy's hands so that in their very ephemeralness they point to eternity.

And so the beauty of his compositions haunt us with just a touch of melancholy woven in--or in the words of Matthew Arnold from "Dover Beach":

Listen! you hear the grating roar Of pebbles which the waves draw back, and fling, At their return, up the high strand, Begin, and cease, and then again begin, With tremulous cadence slow, and bring The eternal note of sadness in.

At one point near the end of the film Goldsworthy says that "Words do their job, but what I'm doing here says a lot more." As a wordsmith myself I take no offense and not for a moment do I think him immodest because the combination of form and time and change and texture and color and composition that Goldsworthy painstakingly and intuitively creates, is indeed something more than mere words can say.

At another point he remarks on "What is here to stay...and what isn't." That is his theme.

I think that artists sometime in the twentieth century became acutely aware of how ephemeral even the greatest works of art are compared to the vast expanse of cosmic time; and so they began to reflect this understanding by composing works that were deliberately ephemeral. The idea was, that by emphasizing how short-lived are even the mightiest works of humans, a sense of the timelessness of art would be expressed.

Perhaps part of the effectiveness of Goldsworthy's work is in this sort of expression. He painstakingly composes some form of straw or leaves where the tide will reach it, or places it in the river where it will be swept away; and in this process is merged both the composition and its ephemerality.

Both the transitory and the timeless are necessary for us to understand our world and our place within it. And it is important that these works be done within the context of nature so that what is composed is set within what is natural. Thus the walls of stone and the eggs of stone that Goldsworthy constructs are silent and solid yet we know that they are not monuments to eternity, but instead will stay for some undefined length of time and then dissipate and return to a state much like that which existed before we came along.

This is art as art should be, akin to the spiritual.

In a sense Goldsworthy's work is an inarticulated understanding. It is an experience purely of time and form. In a sense his work "answers" Shelley's famous poem "Ozymandias" by saying, even as the tide washes the work away, and even as the river dissipates the expression, even so the art lives on because of our experience of it. Similarly one thinks of Tibetan sand paintings so carefully composed and measured out, and then just as they are so beautifully and preciously finished, they are given to the wind, so that we might know that all is flux.

Yet, in the modern world these works of art endure in photos and videos. Goldsworthy is an accomplished photographer (of necessity I would say) and all his works, even the unsuccessful ones, he tells us, are photographed so that he can look back at them in a more reflective mood and see what he has accomplished and what he has not.

This cinematic production directed by Thomas Riedelsheimer with the beautiful and appropriately haunting music by Fred Frith is not to be missed. It is one of the most beautiful documentaries that I have ever seen and one of the most spiritual.


text: Andy Goldsworthy is een taoïstische meester van de eerste orde, die met zijn sublieme, vluchtige kunst de Weg uitdrukt. Zijn werk draait in wezen om tijd en verandering. Ik heb een paar jaar geleden zijn eerste boek gekocht en mijn familie heeft zich er vaak over verbaasd. Het was dus een genoegen om de kunstenaar persoonlijk te leren kennen door deze film. Hij is net zo geduldig en zachtaardig als je zou verwachten en heeft een paar prachtige dingen te zeggen over de natuur, waarvan de diepste waarheid te vinden is in het feit dat hij af en toe niet in staat is om het onder woorden te brengen. Hij is net als de meeste kinderen die in hun eentje buiten spelen (als ze dat nog doen) en dingen maken van stokjes, zand, modder en sneeuw voordat ze die ontgroeid zijn. Meneer Goldsworthy heeft de gave en de missie gekregen om dat soort spel uit te breiden om diepe visioenen van de natuur te creëren en onze vaak vermoeide ogen ervoor te openen op briljante nieuwe manieren. En altijd met het uiterste respect, dankbaarheid en humor van een rondtrekkende en verwonderde monnik.

text_en: Andy Goldsworthy is a taoist master of the first order, expressing the Way through his sublime ephemeral art. Indeed, time and change is what his work is fundamentally about. I bought his first book several years ago and my family has marveled at it many times. So it was a treat to get to know the artist personally through this film, he is just as patient and gentle as you would expect, and has some wonderful things to say about the natural world, the deepest of which are expressed in his occasional inability to say it in words at all. He is like most children who play in the great outdoors alone (if they do anymore), creating things from sticks and sand and mud and snow before they outgrow it. Mr. Goldsworthy was given the gift and the mission to extend that sort of play to create profound visions of nature, and to open our often weary eyes to it in brilliant new ways. And always with the utmost respect, gratitude and humor of a wandering, and wondering monk.


text:
Deze Duitse documentaire, in het Engels, gaat over een Schotse milieukunstenaar die Andy Goldsworthy heet. Hij maakt kunst van voorwerpen die hij in de natuur aantreft. In het begin van de film zien we hem bijvoorbeeld stukken van ijspegels nemen en die met een beetje vocht aan elkaar 'lijmen' tot een slangachtige vorm die herhaaldelijk door een verticale rots lijkt te gaan.
Natuurlijk smelten de ijspegels, maar die vergankelijkheid maakt deel uit van het grootste deel van Goldsworthy's werk. Hij gaat naar een plek, krijgt er een gevoel bij en besluit intuïtief wat hij die dag gaat maken. Hij heeft het erover dat hij een 'dialoog' aangaat met de stenen en andere materialen waarmee hij werkt, in een poging ze _tegen_ te werken in plaats van _tegen_ te werken. Het kunnen stenen zijn, of bloemen, of bladeren, of stokken. Het beeld kan minutenlang of jaren blijven staan, of het kan zelfs niet lang genoeg zijn om voltooid en gefotografeerd te worden. Het werk lijkt eerder een proces dan een doel.
De film, en het werk, zijn mooi, inspirerend en prikkelend. Het gaat vrij langzaam, wat past bij het materiaal, maar je moet zeker gaan als je goed hebt geslapen. Maar ga als je de kans krijgt.
Zoek op internet naar andere pagina's over Andy Goldsworthy of lees over zijn plaatselijke beeldhouwkunst aan de Stanford University. Er zijn ook verschillende boeken met foto's van zijn sculpturen. Als je onafhankelijk van elkaar wilt achterhalen wat deze film voor je betekent, moet je dit gedeelte overslaan. Ik herinner me een paar ideeën die bij me opkwamen toen ik naar de film zat te kijken en die ik graag met jullie wil delen. Ten eerste deed het vergankelijke karakter van een groot deel van Andy Goldsworthy's werk me denken aan de natuurlijke eb en vloed van het menselijk leven. We worden geboren, we leven en uiteindelijk sterven we. Dat is natuurlijk, en het maakt natuurlijk ook deel uit van Goldsworthy's kunst.
De andere gedachte was dat ik diep onder de indruk was van de manier waarop Goldsworthy zijn passie en zijn werk zo grondig in zijn leven heeft weten te integreren. De meesten van ons hebben werk dat op z'n best getolereerd wordt, een leven dat we nauwelijks in de gaten hebben en passies waar we echt meer tijd aan willen besteden, als we ons al herinneren wat het is. Andy Goldsworthy is erin geslaagd een amalgaam te creëren van al deze aspecten van zijn leven dat eruitziet alsof het heel goed werkt en dat hem en de mensen om hem heen voedt. Wauw.
Gezien op 28 september 2002.

text_en:
This German documentary, in English, is about a Scottish environmental sculptor named Andy Goldsworthy. He makes art from objects he finds in nature. For example, early in the film we see him taking sections of icicles and "gluing" them together with a little moisture into a serpentine shape that seems to repeatedly go through a vertical rock.

Of course, the icicles melt, but that transience is a part of most of Goldsworthy's work. He goes to a site and gets a feeling for it, deciding intuitively what to make that day. He talks of having a "dialog" with the rocks and other materials that he works with, attempting to work *with* rather than against them. It might be stones, or flowers, or leaves, or sticks. The sculpture might last for minutes or years, or might not even last long enough to be completed and photographed. The work seems to be more of a process than a goal.

The film, and the work, is beautiful, inspiring, and thought provoking. It moves pretty slowly, which is appropriate for the material, but you should be sure to go when you have had a good night's sleep. But do go if you have the opportunity.

Search the web for some other pages about Andy Goldsworthy or to read about his local sculpture at Stanford University. There are also several books available with photographs of his sculptures.

My thoughts: Skip reading this part if you want to find what this film means to you completely independently. I recall a couple of ideas that occurred to me while watching the film which I thought I would share for those of you still reading. First, the transitory nature of much of Andy Goldsworthy's work reminded me of the natural ebb and flow of human life. We're born, we live, and eventually we die. That's natural, and that's also naturally a part of Goldsworthy's art.

The other thought was to be awestruck with the way that Goldsworthy has managed to integrate his passion and his work so thoroughly into his life. Most of us have work which is tolerated at best, a life which we hardly notice living, and passions which we really mean to spend more time on, if we even remember what they are. Andy Goldsworthy has managed to create an amalgam of all of these aspects of his life that looks like it works very well, and is nourishing for him and those around him. Wow.

Seen on 8/28/2002.


text: Omdat ik al een tijdje een liefhebber van Andy Goldsworthy's kunst was en een paar van zijn boeken bezit, had ik enige verwachtingen van wat ik te zien zou krijgen. Wat ik te zien kreeg, was heel bevredigend, en heel wat meer dan ik had verwacht. Omdat ik zelf kunstenaar ben (ik werk in klei), is het van het grootste belang dat je in je omgeving inspiratie vindt om goede kunst te maken, en dat is iets wat Andy Goldsworthy onder de knie heeft gekregen. De regisseur volgt hem een jaar lang en legt de spontane energie, de vaardigheid en de toewijding aan de kunstenaars die met de natuur in contact staan met een drammerige, inspirerende flair vast. De muziek die bij de film hoort, is overweldigend en bedwelmend. Als je een kunstenaar bent die inspiratie nodig heeft, of iemand anders die een opbeurende ervaring nodig heeft, dan moet je deze film zien. Ikzelf ben blij te weten dat Andy ergens daarbuiten is. Hij creëert, danst, worstelt met de natuurkrachten om onze wereld mooier te maken.

text_en: Being a fan of Andy Goldsworthy's art for a while now, and owning some of his books, I had some expectations of what I would see. What I got was something completely satisfying, and quite a bit more than I expected. Being an artist myself (I work in clay), finding inspiration within our surroundings to make good art is imperative, and it is something Andy Goldsworthy has mastered. Following him over the course of a year, the director captures the spontaneous energy, skill, and devotion to the artists connection with nature with dratic inspiring flair. The music set to the film is embracing and intoxicating. If you are an artist in need of inspiration, or anyone else in need of an uplifting experience, then SEE THIS MOVIE. I for one am glad to know that Andy is somewhere out there. Creating, dancing, wrestling with the forces of nature to make our world more beautiful.


text: De filmmaker ademde Andy Goldsworthy's kunst in, zijn zoektocht naar verbondenheid met het land en het water, en zijn gevoel voor proporties <0xE2><0x80><0x93> en blies het zo zacht, zo prachtig weer op voor de rest van ons. 'Rivers and Tides' is dol op Goldsworthy's werk en voegt zich erbij als een visueel concert van tijd en menselijke aanwezigheid in een vloeiende wereld, een wereld die zijn kracht in het volle zicht verbergt.

text_en: The filmmaker inhaled Andy Goldsworthy's art, his search for closeness with the land and the water, and his sense of proportion -- and so gently, so beautifully breathed it back on to film for the rest of us. "Rivers and Tides" loves Goldsworthy's work and joins it as a visual concert of time and human presence in a flowing world, a world that hides its power in plain sight. See this movie!


text:
De Schotse kunstenaar Andy Goldsworthy maakt van natuurlijke materialen kortstondige kunstwerken door stenen in eivormige steenhopen te gieten, rotspoelen aan de oever van de rivier te vullen met vurige bloemen en doorns en twijgen tot ingewikkelde webpatronen te borduren. Een origineel werk en een paar foto's van zijn andere creaties zijn weggestopt in een hoek van de kunstgalerie in Southampton (in de buurt van waar ik woon), maar hoewel ik deze werken intrigerend vond, besefte ik het wonder van Goldsworthy's werk pas toen ik het geluk had een heruitgave van Rivers and Tides te zien.
De film van Thomas Reidelsheimer, die wordt begeleid door een prachtige instrumentale soundtrack van Fred Frith, brengt Goldsworthy en zijn kunst tot leven door de kunstenaar aan het werk te zien. In de eerste scène laat hij ijspegels samensmelten tot een slangachtige draad boven op een boomstronk. Met zijn tanden en blote handen creëert Goldsworthy een prachtig, kortstondig kunstwerk. Het duurt niet lang of de tere sculptuur smelt weg in het heldere zonlicht van Nova Scotia. Deze scène is een van de mooiste van de film, maar de breedte en inventiviteit van Goldsworthy's werk zijn opmerkelijk. Reidelsheimer laat zowel de successen als de mislukkingen zien, zowel de frustratie van stukken die instorten voordat ze voltooid zijn als de glorie van stukken die schitteren, al is het maar voor een paar uur, minuten of seconden.
Goldsworthy zelf voert het verhaal, langzaam maar bedachtzaam sprekend over de thema's van zijn werk. Hij maakt duidelijk dat hij met de natuur wil werken, dat hij er alleen in wil zijn en dat hij er meer van wil begrijpen door te proberen met natuurlijke materialen te werken, ook al lijken die tegen hem te werken. Soms is hij nuchter en humoristisch; andere keren worstelt hij met de woorden om zijn doel uit te drukken, wat heel begrijpelijk is als je zijn verbazingwekkende werk uit de eerste hand ziet. De titel 'Rivers and Tides' wordt steeds toepasselijker naarmate we zien hoe de natuurlijke materialen door de handen van de kunstenaar gaan en van de ene vorm naar de andere vloeien. Het vastleggen van de schepping en ontbinding van Goldworthy's werk is op zichzelf al een opvallend kunstwerk. Hoewel Goldsworthy met veel verschillende materialen werkt en heel Noord-Amerika en Europa beslaat, is de presentatie van de kunstwerken een voor een in deze film uitputtend; het gaf me hetzelfde gevoel van vermoeidheid dat ik krijg als ik te lang in een kunstgalerie ben en moeite heb om iets nieuws in me op te nemen. Een korte pauze waarin we worden voorgesteld aan Andy's familie en woonplaats is het enige wat de lange opeenvolging van zijn kunstwerken doorbreekt. Niettemin is Reidelsheimer een meester in het fotograferen van Goldsworthy en zijn creaties, en hij weet ze te plaatsen in hun grotere omgeving, van kronkelende Canadese rivieren tot regenachtige Schotse heuvels. Het is passend dat de film eindigt met Goldsworthy die handenvol aarde en sneeuw de lucht in gooit. Vluchtige patronen komen te voorschijn uit de stofdeeltjes op het moment dat ze in de lucht oplossen; dit is de zuiverste uitdrukking van de schoonheid die in het werk van deze opmerkelijke kunstenaar te vinden is.

text_en:
The Scottish artist Andy Goldsworthy fashions natural materials into ephemeral artworks, assembling rocks into egg-shaped cairns, filling riverside rock-pools with fiery flowers and stitching thorns and twigs into intricate web patterns. An original work and a few photographs of his other creations are tucked away in a corner of Southampton art gallery (near where I live), but although I found these pieces intriguing, I only realised the wonder of Goldsworthy's work when I was lucky enough to catch a re-screening of Rivers and Tides.

Thomas Reidelsheimer's film, accompanied by a beautiful instrumental soundtrack by Fred Frith, brings Goldsworthy and his art to life by showing the artist at work. The opening scene captures him fusing icicle fragments into a snake-like thread set atop a tree-stump. Working with his teeth and bare hands, Goldsworthy crafts a beautiful, ephemeral work. Before long this delicate sculpture melts away to nothing in the brilliant Nova Scotian sunlight. This scene is among the most beautiful in the film, but the breadth and inventiveness of Goldsworthy's work is remarkable. Reidelsheimer shows both the successes and the failures, capturing the frustration of pieces that collapse before they are completed as well as the glory of those that shine, even if for just a few hours, minutes or seconds.

Goldsworthy himself provides the narration, speaking slowly but thoughtfully about the themes in his work. He makes plain his need to work with nature, to be alone in it and to further his understanding of it through trying to work with natural materials, even when they seem to be working against him. At times he is down-to-earth and humorous; at other times he struggles for the words to express his purpose  something which is quite understandable when witnessing his astonishing work first hand. The 'Rivers and Tides' of the title become increasingly pertinent as we see the natural materials pass through the artist's hands, flowing from one form to the next. The capture of the creation and dissolution of Goldworthy's work is in itself a striking piece of art.

Although Goldsworthy works with widely varying materials and covers territory across North America and Europe, the presentation of artworks one after the other in this film is exhausting; it gave me the same feeling of fatigue that I get when I spend too long in an art gallery and struggle to take in anything new. A brief interval in which we are introduced to Andy's family and hometown is all that breaks the long succession of his artworks. Nevertheless, Reidelsheimer does a superb job in photographing Goldsworthy and his creations, locating them in their wider environments, from meandering Canadian rivers to rainy Scottish hillsides. Fittingly, the film ends with Goldsworthy casting handfuls of earth and snow into the sky. Fleeting patterns emerge from the dust particles even as they dissipate into the air; this is the purest expression of the beauty to be found in the work of this remarkable artist.


text: Een zeer boeiende documentaire over de Schotse kunstenaar Andy Goldsworthy, wiens werk voornamelijk bestaat uit vluchtige sculpturen, gemaakt van elementen uit de natuur. Zijn werk bestaat uit stenen, bladeren, gras, ijs enz., die worden weggeblazen als het vloed wordt op het strand of de wind over het veld blaast. De meeste werken van Goldsworthy zijn dus niet echt blijvend, behalve als foto's of films van wat ze waren. Je kunt nu wel zeggen dat de werken van Goldsworthy een weerspiegeling zijn van de sterfelijkheid, of woorden van gelijke strekking, maar is het niet gemakkelijker om te zeggen dat wat hij doet gewoon mooie kunst is? En in een tijd waarin het stereotiepe beeld van kunstenaars is dat ze voornamelijk verbitterde, pretentieuze, vaak geestelijk instabiele mensen zijn die in vervallen steden wonen, lijkt Goldsworthy het tegenovergestelde te zijn: een evenwichtige, pretentieloze, familiegeoriënteerde man die van de natuur houdt en in een klein dorpje in Schotland woont (natuurlijk zijn dat dezelfde redenen waarom hij wordt gemeden door sommige mensen in de kunstwereld die zijn werk oppervlakkig of oppervlakkig vinden).

text_en: A very engaging documentary about Scottish artist Andy Goldsworthy, whose work consists mostly of ephemeral sculptures made from elements from nature. His work is made of rocks, leaves, grass, ice, etc., that gets blown away when the tide arrives at the beach or the wind blows at the field. Thus, most of Goldsworthy's works don't really last, except as photos or films of what they were. Now, one can argue that Goldsworthy's works are a reflection of mortality, or words to that effect, but isn't it easier to say that what he does is just beautiful art. And at a time when the stereotype about artists is that they are mostly bitter, pretentious, often mentally unstable people who live in decrepit urban settings, Goldsworthy seems to be the opposite: a stable, unpretentious, family oriented person who loves nature and lives in a small village in Scotland (of course, I'm sure those are the same reasons why he's shunned by some people on the art world who found his works fluffy or superficial).


text: Deze film is verbluffend mooi. De kunst van Goldsworthy past goed bij het medium film, omdat je de kunst op haar mooist kunt zien, bewegend en veranderend en tot bloei komend. Ik kan deze film iedereen van harte aanbevelen. Ik kan niets anders bedenken om erover te zeggen. Het is precies het soort film dat je moet zien, omdat hij zo visueel aantrekkelijk is en me heel verfrist heeft achtergelaten toen ik het theater verliet.

text_en: This film is stunningly beautiful. Goldsworthy's art really benefits with the medium of film because you can see the art at its most beautiful, moving and changing and blossoming. I strongly recommend this movie to everyone. I can think of nothing else to say about it. It's just the kind of movie you HAVE TO see, because it's so visually compelling and left me very refreshed when I left the theatre.


text: Dit is een van de mooiste portretten van een persoon die ik ooit op het witte doek heb gezien. Andy Goldsworthy is een man die op sterven na dood is. Hij beziet de aarde en de natuur met zo'n bewondering en respect dat ze in zekere zin primitief zijn. Zijn zuiverheid, eerlijkheid en vriendelijkheid komen duidelijk naar voren als je hem aan het werk ziet, zo simplistisch maar toch vol met tijdelijke kunstwerken. Het verbaasde me hoe geduldig hij zijn stukken creëerde en hoe geduldig hij hun einde accepteerde. Soms te vroeg, maar zijn Schotse gevoel voor humor verbergt zijn teleurstellingen op een briljante manier. De film is elegant geschoten en bevat dezelfde stroom als Goldsworthy's kunst. Het combineert de natuur en de kunst op een minimale manier, zoals het op zichzelf is. De score van Fred Frith is organisch genoeg om alles met elkaar te laten versmelten zonder de naturalistische klank te verstoren. Dit is in alle opzichten een groot stuk werk. Het heeft geen grenzen wat leeftijd betreft.

text_en: this has by far been one of the most beautiful portraits of a person that I've ever seen on screen. Andy Goldsworthy is a kind of man that is upon extinction. he views the earth and nature with such admiration and respect that it's primitive in a good sense. his purity, honesty and kindness breathes clearly as you watch him work in such simplistic yet full of life momentary pieces of art. I was amazed how patiently he created his pieces and how patiently he accepted their end. sometimes prematurely, but his Scottish sense of humor covers his disappointments brilliantly. the film is shoot elegantly and contains the same flow that Goldsworthy's art has. it combines nature and art in a minimal way as it is in itself. Fred Frith's score is organic enough that it blends everything together without interfering with it naturalistic sound. this is overall a great piece of work in every aspect. it has no boundaries as far as age goes.


text: In 2001 zag ik de eerste vertoning van deze adembenemende documentaire, die zo'n diepe indruk op me maakte dat ik een paar vrienden heb gevraagd om hem samen met mij te bekijken. Waar het op neerkomt: geen van mijn vrienden is teleurgesteld (nooit!). Deze schitterende film gaat over de Schotse conceptkunstenaar Andy Goldsworthy, die een aantal prachtige kunstwerken maakt met gebruikmaking van natuurlijke materialen (hout, water, bloemen, stenen, et cetera) om stukken te creëren die uiteindelijk terugkeren naar hun natuurlijke vorm (een statement in de tijdelijke staat van alles?). We zien hoe Goldsworthy verschillende tijdelijke kunstwerken maakt, en ook enkele van zijn langetermijninstallaties in grote galeries over de hele wereld, en ook een paar werken in de natuurlijke wereld. De Duitse filmproducent Thomas Riedelsheimer regisseert & regisseert deze meditatie over het creatieve proces die een ware traktatie is voor zowel het oog als het oor (met een soundtrack, gecomponeerd en gearrangeerd door Fred Frith, wiens muziek over het algemeen prikkelende experimentele/gestructureerde gitaarmuziek is, en een capabel ensemble van musici). Hoewel deze film al een paar jaar op dvd verkrijgbaar is, moet je hem beslist gaan bekijken als je een film kunt vinden die een heropleving van deze mooie film belicht (het is zonder meer een film die voor het grote scherm is gemaakt, met een uitstekend geluidssysteem om deze film echt op de juiste manier te ervaren). Geen MPAA-rating, maar er zit niets beledigends in (tenzij de geboorte van een schaap op het scherm is voorbestemd om te beledigen of te verstoren).

text_en: I first saw this absolutely riveting documentary in it's initial release back in 2001,and it really had a profound effect on me, so much that I bugged several of my friends to see it with me on repeat screenings. The bottom line:none of my friends walked away disappointed (ever!). This stellar film is about Scottish conceptual artist, Andy Goldsworthy,who creates some absolutely beautiful pieces of art using natural materials (wood,water,flowers,rocks,etc.)to create pieces that eventually return to their natural form (a statement in the temporary state of everything?). We get to see Goldsworthy create several works of temporary art,as well as some of his long term installations in major galleries around the world,as well as a few pieces in the natural world,as well. German film maker,Thomas Riedelsheimer directs,photographs & edits this meditation on the creative process that is a real treat for both the eye & ear (with an ambient musical score,composed & performed by Fred Frith,who's music is generally edgy experimental/noise textured guitar,as well as a capable ensemble of musicians). Although this film has been available on DVD for some years now,if you can find a cinema that is highlighting a revival of this fine film,by all means,seek it out (it's easily a film that was composed for the large screen,with a proficient sound system to truly experience this film the right way). No MPAA rating,but contains nothing to offend (unless the live birth of a sheep on screen is destined to offend or disturb)


text: Deze film is waarschijnlijk voor u bestemd. De film had een algemeen meditatief karakter, van de muziek tot de prachtige fotografie en het luisteren naar de vaak clichématige dingen over het leven die Andy Goldsworthy zei terwijl hij aan het werk was of tussen de bedrijven door. Als u bekend bent met het boeddhisme <0xE2><0x80><0x93> dat is het soort gevoel dat ik uit deze film heb gehaald. De vergankelijkheid van het leven, de schoonheid van de natuur, de onderlinge verbondenheid van alle dingen enzovoort. Maar wat ik niet begreep, verwarde en uiteindelijk dwong om weg te gaan zonder af te maken (ik heb meer dan een uur naar de film gekeken) was de overbodigheid van de hele zaak. Je komt alleen maar stukjes en beetjes te weten waarom hij...' Hij vertelt dat hij in dienst is genomen, en dat hij het zich zelfs kan veroorloven om van dit soort werk te leven. Het kunstwerk komt tot leven, maar al zijn gepraat zonder conclusies leidt tot een dood spoor.

text_en: This movie is probably for you. It had an overall meditative quality from the music, to the beautiful photography, and listening to the often cliché things about life that Andy Goldsworthy would say as he worked or in between shots. If you're familiar with Buddhism- that is the sort of the sense I got out of this film. The impermanence of life, the beauty of nature, the interconnectedness of all things, etc. However, what I did not understand, confused, and ultimately forced me to leave without finishing (I saw over an hour of it) was the redundancy of the whole thing. You only find out bits and pieces of why he's commissioned, and how he can even afford to live off of this kind of work. The art work comes alive but all his talking with no conclusions leads to dead ends.


text: Op dit moment kijk ik deze film voor de tweede keer (op de televisie) en voor de tweede keer viel ik erin toen hij al een uur aan de gang was (ik geloof dat ik deze keer 2 minuten langer heb gekeken). Deze film is echt indrukwekkend, zoals Goldsworthy naar de natuur kijkt, de natuur verandert op een manier waar je zelf nooit aan zou denken, echt verbazingwekkend. Deze hele film geeft je een warm gevoel als je hem zo liefdevol met de wereld om hem heen ziet spelen. Of als je zijn handen ziet, die onder het vuil en de gebroken nagels zitten, raakt het je gewoon.

text_en: Right at this moment I am watching this movie for the second time (on television) and for the second time I fell into it when it was running for an hour already (I think I saw 2 minutes more this time) This movie is really impressing, the way Goldsworthy looks at nature, changes nature in a way that you yourself would never think of, really is amazing. This whole movie gives you a warm feeling, seeing him play with the world around him with such love. Or only seeing his hands, covered in dirt and with broken fingernails, it just touches you.


text: Een nieuwe manier om van Goldsworthy's werk te genieten: Rivers and Tides laat fans zijn werk in beweging zien. Als je ziet hoe Goldsworthy zijn stukken bouwt, krijg je waardering voor elke steen, elk blad en elke doorn die hij gebruikt. Goldsworthy beschrijft hoe de stroom van het leven, de rivieren en de getijden zijn werk inspireren en beïnvloeden. Hoewel ik blij was dat de film het grootste deel van Goldsworthy's stukken besloeg (geen sneeuwballen), vond ik hem wel een beetje lang. De filmmakers hebben het werk van Goldsworthy prachtig tot leven gebracht en een prachtige film gemaakt die een genot was om naar te kijken.

text_en: A new way to enjoy Goldsworthy's work, Rivers and Tides allows fans to see his work in motion. Watching Goldsworthy build his pieces, one develops an appreciation for every stone, leaf, and thorn that he uses. Goldsworthy describes how the flow of life, the rivers, and the tides inspires and affects his work. Although, I was happy the film covered the majority of Goldsworthy's pieces (no snowballs), I do feel it was a bit long. The film makers did a wonderful job of bringing Goldsworthy's work to life, and created a beautiful film that was a joy to watch.


text: Ga naar deze film om de schitterende beelden van Andy Goldsworthy te zien, en trakteer jezelf op een uiterst boeiende en ontspannende ervaring. De muziek past perfect bij de beelden, maar trekt nooit de aandacht naar zich toe. Sommige commentatoren noemden de fragmenten uit het interview met de kunstenaar een zwakke plek, maar bekijk het eens zo: waarom zou je hierover in een film uitweiden als je Andy's overpeinzingen uitgebreid kunt lezen in zijn boeken, of een van zijn uitstekende lezingen kunt bijwonen? Dit medium is veel geschikter om de vluchtige aard van het werk van de kunstenaar te laten zien, en wordt in dit opzicht deskundig gebruikt.

text_en: Go see this movie for the gorgeous imagery of Andy Goldsworthy's sculptures, and treat yourself to a thoroughly eye-opening and relaxing experience. The music perfectly complements the footage, but never draws attention towards itself. Some commentators called the interview snippets with the artist a weak spot, but consider this: why would you expand on this in a movie, if you can read Andy's musings at length in his books, or attend one of his excellent lectures? This medium is much more suitable to show the ephemeral nature of the artist's works, and is used expertly in this respect.


text: Deze film is fascinerend door zijn schoonheid en creativiteit. De diepzinnige visie van een kunstenaar, zijn kunst die intuïtief voortkomt uit zijn natuurlijke bron, geeft ons een inspirerende Hosanna, die zijn scheppingen vermengt met bomen, wit water dat tegen rotsen klatert, velden en regen... Andy Goldsworthy laat de kijker genieten van het leven, van het besef dat we allemaal gemaakt zijn van de klei van deze glorieuze aarde. Hij bespaart ons zijn frustraties niet, maar over het algemeen zien we het wonder van het samengaan van kunst en natuur. De eer gaat natuurlijk ook naar de filmmaker Thomas Riedelsheimer, die de film met ongelooflijke gevoeligheid en perfecte timing regisseerde, fotografeerde en regisseerde.<br />Als je gevoel hebt voor schoonheid, natuur en kunst... mis deze fantastische film dan niet!

text_en:
This film is mesmerizing in its beauty and creativity. An artist's profound vision, his art that springs intuitively from its natural source brings us an inspiring Hosanna, blending his creations with trees, white water dashing against rocks, fields and rain...Andy Goldsworthy makes the viewer feel joy in being alive, aware that we are all made of the clay of this glorious earth. He doesn't spare us his occasional frustration, but on the whole we see the miracle in joining art with nature. Credit also goes of course to the filmmaker, Thomas Riedelsheimer, who directed, photographed and edited the movie with incredible sensibility and perfect timing.

If you have any feeling for beauty, nature and art...do not miss this fantastic film!


text:
Omdat ik zelf geen dichter ben, kan ik de schoonheid en de eenvoud van deze documentaire niet echt overbrengen. De moeiteloze beweging van Goldsworthy terwijl hij de schoonheid van de natuur in zijn eigen werk kneedt, is fascinerend. Kijk hoe hij in een close-up een paar minuten rietstengels in een web van een boom hangt terwijl hij over zijn werk praat, en hoe hij de beloning in de wacht sleept als de camera inzoomt. Verbaas je over het gemak waarmee hij te werk gaat en besef hoe zinloos het is als een briesje het hele web omver blaast.

Het genie van Goldsworthy kent blijkbaar geen grenzen, want zijn inspiratie is de natuur zelf. Het is in de wezenlijke verandering van de natuur dat zijn werk, hoewel volledig op zijn eigen terrein, tot een geheel wordt gemaakt.

text_en:
So, not being a poet myself, I have no real way to convey the beauty and simplicity of this documentary. The effortless motion of Goldsworthy, as he molds natures beauty into his own work is captivating. Watch him stick reeds together in a web hanging from a tree in a close up for a few minutes while he speaks of his work, and then receive the payoff when the camera cuts to the wide shot. Be amazed by the ease with which he operates and then realize the futility when a slight breeze knocks down the entire web.

The genius of Goldsworthy seemingly knows no bounds as his inspiration is nature itself. It is in the essential change of nature where his work, though complete in its own sphere, is made whole.


text:
Als iemand die een bestaan nastreefde als een 'professioneel' persoon met een inkomen dat werd gesteund door een BS in scheikunde en een MS in bedrijfskunde, werd mijn geestelijke gezondheid altijd op de een of andere manier in stand gehouden door buitensporige uitspattingen in artistiekere zaken. Mijn postdoctorale opleidingen werden altijd emotioneel en spiritueel gesteund door een belangstelling voor fotografie, glas-in-lood, keramiek, metaalbewerking en kunsttekenen, waar ook zijdebehang bij hoorde.

Ik blijf ook gezond door te joggen, te wandelen en de laatste tijd door te trekken naar afgelegen plaatsen in Californië en nabijgelegen staten als Utah, Arizona en Nevada. Door te joggen, te wandelen en te wandelen kom je dicht bij de aarde met de tijd om te stoppen, te kijken en te luisteren en ook om geluiden te fotograferen of op te nemen.
Binnen die achtergrond was ik geobsedeerd door RIVERS AND TIDES. Ik was evenzeer onder de indruk van de documentaire inhoud van de kunstenaar Andy Goldsworthy als van de vaardigheden en de soepelheid van directeur/cineast Thomas Riedelsheimer. Ik kon de kunst van Goldsworthy niet scheiden van het camerawerk van Riedelsheimer.
Geweldig. Geweldig. Geweldig.

text_en:
As a person who sought out an existence as a 'professional' person with income backed by a BS in Chemistry and MS in Business Management, my sanity was always spasmodically sustained in outside indulgences in things more artistic. My post-post graduate classes were always emotionally and spiritually supported by an interest in photography, stained-glass, ceramics, metal forging/welding, and art drawing that also included silk screening.

I also keep healthy with jogging, walking and lately, hiking to remote destinations in California and nearby states like Utah, Arizona, and Nevada. Jogging, walking and hiking gets one close to the earth with time to stop and watch and listen and also photograph or record sounds.

Within that background, I was obsessed with RIVERS AND TIDES. I was equally impressed with the documentary content of artist Andy Goldsworthy as well as the skills and smoothness of Director/Cinematographer Thomas Riedelsheimer. I actually could not separate the art of Goldsworthy with camera path of Riedelsheimer.

Wonderful. Wonderful. Wonderful.


text:
Ik ben vandaag weer naar Rivers and Tides geweest. Het is de tweede keer in twee dagen en ja, ik zie films waar ik van hou zo vaak als nodig is. Gisteren werd ik getroffen door de briljante beelden en de werken van Goldsworthy. Toen ik vanmorgen de munten gooide, kreeg ik The Abysmal (Water). Goldsworthy heeft een affiniteit met water, vandaar de titel. Ik kreeg de vijfde regel die veranderde in _The Army_. Voor Blake Art was het een oorlog. Hoe dan ook, ik wist dat ik de film nog een keer moest zien.
Ik las een van de weinige recensies die op internet te vinden waren van de _SF Examiner_. Zijn commentaar belemmerde zijn plezier in de film. Hij had liever alleen de beelden en de prachtige soundtrack. Daar was ik me van bewust toen ik voor de tweede keer keek.
Gisteren dacht ik dat ik op Andy Goldsworthy zou stemmen als koning van de wereld. Nou, vandaag kon ik een beetje voorbij de beelden gaan en luisteren naar wat hij te zeggen had. Kon ik van de film genieten zonder zijn commentaar? Wat hij doet, wat hij zegt, gaat veel verder dan 'kunst'. Zijn begrip van Water, Tijd, Steen, Verandering, enzovoort, deed me denken dat de man de reïncarnatie is van Lao Tsu of een of andere avatar. Sommige van zijn werk/woorden lijken op Zen.
<0x3E> Hoe dan ook, de film wordt (kennelijk) alleen hier in de Bay Area vertoond. Wees een Trendsetter. Ga naar de plaatselijke bioscoop en zeg dat ze een film moeten reserveren waarover je in het achterland hebt gehoord. Hij heet Rivers and Tides.
<0x3E>
<0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E>

text_en:
I went and saw Rivers and Tides again today. It's the second time in two days and yes, I do see movies I like as many times as is necessary. Yesterday I was struck by the brilliance of the images and Goldsworthy's works. This morning when I threw the coins I received #29 The Abysmal (Water). Goldsworthy has an affinity with water, hence the title. I received the 5th line changing which moved to #7 The Army. To Blake Art was a War. Anyway, I knew I had to see the film again.

I read one of the few reviews extant Online from the SF Examiner. The critic loved the film but said Goldsworthy's comments got in the way of his enjoyment of the film. He'd rather have only the images and the wonderful soundtrack. So I was aware of that as I watched this second time.

Yesterday I thought that I'd vote for Andy Goldsworthy as King of the World. Well today I could get a little bit beyond the images and listen to what he had to say. Could I enjoy the film without his comments? What he is doing, what he is saying goes way beyond "art". His understanding of Water, Time, Stone, Change, and on and on made me think the man is the reincarnation of Lao Tsu or some Avatar. Some of his work/words are Zen like. His knowledge...

Anyway, the film is only (apparently) being shown here in the Bay Area. Be a Trend setter. Go to your local cinema and tell them, no insist that they have to book a film you've heard about from the hinter lands. It's called Rivers and Tides.


text: Oké <0xE2><0x80><0x93> wat de 2 versies van deze film betreft. Er waren 2 mensen bij het maken van de film betrokken <0xE2><0x80><0x93> John Korty en Bill Couterie (George was alleen maar de producer <0xE2><0x80><0x93> hij had eigenlijk niets in te brengen in de film <0xE2><0x80><0x93> hij hielp alleen maar met geld) <0xE2><0x80><0x93> de 'volwassen' versie werd door Bill Couterie mogelijk gemaakt. John Korty vond deze versie niet leuk en keurde hem ook niet goed (zoals het achter zijn rug om werd gedaan). Omdat er zoveel Ladd-films failliet gingen, adverteerden ze niet met deze film en gooiden ze al hun reclamegeld in de strijd voor 'The Right Stuff', in de hoop dat die hen erdoorheen zou slepen; en dat gebeurde niet. Dus deze film heeft nooit echt een kans gehad. Ze hebben het op de kabel gebracht (HBO) <0xE2><0x80><0x93> ze lieten de spoelen met Bills versie zien en John dreigde een proces aan te spannen als die nog eens werd vertoond (is het je opgevallen dat de 'volwassen' versie niet erg lang te zien was?). Showtime kreeg de'schone' versie. De versie op de videoband en de laserdisk is de versie die door John is goedgekeurd (die meer macht heeft dan Bill). Het is eigenlijk jammer, want de 'volwassen' versie is eigenlijk beter en DOET meer ter zake. Maar het is HELEMAAL NIET BELANGRIJK of hij ooit in die versie op dvd zal worden uitgebracht (of op een ander format, afgezien van bootleg). Het spijt me dat ik iedereen moet teleurstellen. Ik ken al die informatie omdat ik vroeger voorzitter was van de Twice Upon A Time Fan Club (ik heb nog steeds een heleboel dingen uit de film - ik had een gebundelde versie van de 'volwassen' versie, maar die is gestolen - ik heb er nu nog maar een gedeeltelijke hbo-versie van). 8 sterren voor de 'volwassen' versie - 5 voor de'schone' versie. Nog meer vragen, vraag maar.

text_en: OK - as far as the 2 versions of this movie. There were 2 people involved in the making - John Korty and Bill Couterie (George was just the producer - he really didn't have any kind of say so in the film - just helped with money) - the 'Adult' version was made possible by Bill Couterie. John Korty didn't like or approve this version (as it was done behind his back). Thanks to Ladd films going under, they didn't advertise this movie and threw all their advertising cash for "The Right Stuff", hoping it would pull them through;... and it didn't. SO, this movie never really had a chance. When "Twice" made it to cable (HBO) - they showed the reels with Bill's version and John threatened to sue if it was shown anymore (did you notice how the 'adult' version wasn't on for very long?). Showtime got the 'clean' version. The version on the videotape and laser-disc is the version approved by John (who holds more power than Bill). It's a pity, really, as the 'adult' version is actually better and DOES make more sense. But it's VERY doubtful that it will ever be released in that version onto DVD (or any other format short of bootleg). Sorry to disappoint everyone. I know all this info as I used to be the president of the Twice Upon A Time Fan Club (still have numerous items from the movie - used to own a letter-boxed version of the 'adult' version, but it was stolen - only have a partial HBO copy of it now). 8 stars to the 'adult' version - 5 to the 'clean' version. Any other questions, just ask.


text: Ralph en Mumford, mislukkelingen in hun eigen land, worden zonder het te weten pionnen van Synanomess Bot. Tweemaal een Tijd is het verhaal van hen, de personages die ze ontmoeten en hun strijd om de dingen recht te zetten. Met een verrassend indrukwekkende soundtrack en een prachtige stem van een van de beste acteurs in het vak, slaat deze ongewone film de spijker op zijn kop.<br />Het animatieproces, dat lijkt op dat van 'South Park', is veel gladder en veel meer driedimensionaal. Als ik niet wist dat de animatie deze stijl was, zou ik zweren dat het traditionele pen en inkt was. Maar als je dat doet, zul je veel meer uit de ervaring halen!

text_en:
Ralph and Mumford, misfits in their own land, get duped into being unwitting pawns of Synanomess Botch. Twice Upon a Time is the story of them, the characters they meet, and their struggle to set things right. With a surprisingly impressive soundtrack and wonderful voice acting by some of the best in the business, this offbeat movie hits the mark.

The animation process, while similar to that of the cut out "South Park" style, is much smoother and far more three-dimensional. If I didn't know that the animation was this style, I would swear that is was traditional pen and ink. If you can watch this film in Dolby Surround or THX, PLEASE DO! You won't really miss anything if you don't, but if you do, you will get much more out of the experience!


text: Een van de meest onaangekondigde grote animatiewerken. Hoewel het de meest geraffineerde gebruikmaakt van de 'cut-out'-methode van animatie (zoals in 'South Park'), is het echte talent achter 'Twice Upon a Time' de zangstem, met die van Lorenzo Music (Carlton uit 'Rhoda' in 'Tv') en de Woody Allen-achtige Ralph-de-alles-wildoener-van-de-film in het middelpunt. De 'toevals-nachtmerrie'-sequentie is ongetwijfeld een van de beste animatiestukken die ooit zijn gemaakt.

text_en: One of the most unheralded great works of animation. Though it makes the most sophisticated use of the "cut-out" method of animation (a la "South Park"), the real talent behind "Twice Upon a Time" are the vocal characterizations, with Lorenzo Music's (Carlton from TV's "Rhoda") Woody Allen-ish Ralph-the-all-purpose-Animal being the centerpiece. The "accidental nightmare" sequence is doubtless one of the best pieces of animation ever filmed.


text: Dit is het soort film dat John Lassiter nu zou maken, als er geen vooruitgang was geboekt met CGI. En daarmee wil ik alleen maar zeggen dat hij ook vergeten zou zijn als de technologie sinds 1983 de dingen niet sexy en opwindend had gemaakt. _Tweemaal..._ heeft dezelfde geestigheid, verbeeldingskracht en opwinding als een Pixar-film, maar dan uitgevoerd onder de beperkingen van het medium c. 1983. Innovatieve animatietechnieken, gecombineerd met een geweldig scenario en een uitstekende tekst, zorgen voor een film die op allerlei niveaus aantrekkelijk is. Hij zou in één adem genoemd moeten worden met _Spirited Away_ en _Toy Story_.

text_en: This is the kind of picture John Lassiter would be making today, if it weren't for advances in CGI. And that's just to say that he'd be forgotten, too, if technology hadn't made things sexy and kewl since 1983. _Twice..._ has got the same wit, imagination, and sense of real excitement that you'd find in a Pixar flick, only executed under the restrictions of the medium c. 1983. Innovative animation techniques combine with a great script and excellent voicing to produce a movie that appeals on lots of levels. It should be spoken of in the same breath with _Spiritited Away_ and _Toy Story_.


text:
Je zult het waarschijnlijk nooit zien, maar de ongekuiste versie is ongeveer 50% beter dan de versie die je kunt kopen. Laat ik het anders zeggen: als je het eenmaal in zijn oorspronkelijke vorm hebt gezien, is de huidige versie nog maar half zo goed.
Het is nog steeds waanzinnig creatief en ziekelijk, een totaal succes op zoveel niveaus.

text_en:
You'll probably never see it, but the uncut version is about 50% better than the one you can buy. Put it another way: once you've seen it in its original form, the current version is only half as good.

It's still wildly creative and sick, a total success on so many levels.


text: Een weelderige fantasiewereld met eigenzinnige karakters en irritante muziek uit de jaren tachtig. Dit is de belichaming van het verlangen van de jaren tachtig om sprookjes te herschrijven en de draak te steken met de manier waarop ze werken. Persoonlijk hield ik van Greensleeves en de andere harde karakters. Die hadden een paar van de grappigste zinnen.

text_en: A lush fantasy world with quirky characters and annoying 80's music. This epitomizes the 80's desire to rewrite fairy tales and make fun of how they work. Personally I liked Greensleeves and the other harsher characters. They had some of the more amusing lines.


text: Ondanks de steun van George Lucas is deze fascinerende en volkomen originele fantasie in 'Lumage' (een combinatie van animatie en live action) ongeveer net zo ver verwijderd van het gebruikelijke kindervoer als alles wat Ralph Bakshi in zijn hoogtijdagen heeft gemaakt. Briljant bedachte personages als de vormveranderende hond Ralph (een van een duo van stuntelende, afgewezen helden), Synonass Botch (de hilarisch grofgebekte schurk) en Rod Rescueman (de pompeuze nieuwe superheld) blazen leven in een uniek slim concept: Frivoli versus Murkwood of de eeuwige strijd tussen dromen en nachtmerries. In deze context zouden de door MOR ingegeven liedjes op de soundtrack niet moeten werken, maar op de een of andere manier doen ze dat wel. Het is daarom echt jammer dat ik dit heb moeten bekijken via een werkelijk waardeloos uitziende laars (afkomstig van een tv-screening) van de ongecensureerde versie, want er is ook een mildere variant die de taal van de dvd-uitgave wat heeft gedempt, aangezien de film verder niet beschikbaar is op dvd. Interessant genoeg hebben zowel Henry Selick als David Fincher aan deze film meegewerkt in ondergeschikte rollen.

text_en: Despite the patronage of George Lucas, this captivating and totally original fantasy in "Lumage" (a combination of animation through live action cut-outs) is about as far removed from the usual kiddie fare as anything made by Ralph Bakshi in his heyday. Brilliantly conceived characters such as the shape-shifting dog Ralph (one of a duo of bumbling, rejected heroes), Synonamess Botch (the hilariously foul-mouthed villain) and Rod Rescueman (the pompous novice superhero) breathe life into a uniquely clever concept: Frivoli vs. Murkwood or, the eternal fight between dreams and nightmares. In this context, the MOR-infused songs on the soundtrack ought not to have worked but somehow they do. It's a real pity, therefore, that I have had to watch this via a truly crappy-looking boot (culled from a TV screening) of the uncensored version  there is also a milder variant that toned down the language for its VHS release  since the film is otherwise unavailable on DVD. Interestingly, both Henry Selick and David Fincher worked on this picture in subordinate capacities.


text:
In de jaren vijftig van de twintigste eeuw speelde Claire Denis' Chocolat in de Kameroen in West-Afrika. Het gedicht is prachtig gefotografeerd en heeft een ontroerende toon, en beschrijft het effect van een uitstervend kolonialisme op een jong gezin tijdens de laatste jaren van de Franse overheersing. Het thema lijkt op dat van de recente film _Nowhere in Africa_, hoewel de films qua omvang en nadruk enorm verschillen. De film wordt verteld vanuit het perspectief van een volwassene die terugkeert naar het huis waar ze is opgegroeid, in een vreemd land. De kern van de film draait echter om de moeder van Frankrijk, Aimée (Giulia Boschi) en haar liefdes- en haatrelatie met Protée, die bruist van de onuitgesproken seksuele spanning.
Het huishouden is verdeeld in openbare en privéruimten. De kamers van de blanke gezinnen zijn privé en verboden voor iedereen behalve Protée, die in het huis werkt, terwijl de bedienden gedwongen zijn buiten te eten en te douchen, zodat hun naakte, bronzen lichamen worden blootgesteld aan de blikken van de blanke familie. Als haar man Marc (Fran<0xC3><0xA7>ois Cluzet) op zakenreis gaat, wordt duidelijk dat Aimée en Protée zich seksueel tot elkaar aangetrokken voelen, maar dat de regels van de samenleving dat niet openlijk erkennen. In één veelzeggende reeks nodigt ze hem uit in haar slaapkamer om haar te helpen haar jurk aan te trekken, en de twee staren elkaar in de spiegel aan met een uitdagend verlangen in hun ogen, wetend dat elke vorm van interactie taboe is.
De jonge France (Cecile Ducasse) heeft ook een band met de bediende, die ze van haar bord laat eten terwijl hij haar laat zien hoe je mieren fijnmaakt en haar tijdens wandelingen onder de nachtelijke hemel op zijn schouders draagt. Ondanks hun band is de ware aard van hun meester-bediende-relatie duidelijk wanneer Frankrijk Protégé beveelt zijn gesprek met een onderwijzeres te onderbreken en haar onmiddellijk mee naar huis te nemen, en wanneer Protégé naast haar aan de eettafel staat te wachten op haar volgende bevel. Wanneer een vliegtuig zijn propeller verliest en gedwongen is in de nabijgelegen bergen te landen, moeten bemanning en passagiers het terrein op gaan tot er een vervangend onderdeel kan worden gevonden. Elke bezoeker toont zijn minachting voor de Afrikanen, en een van hen, een rijke eigenaar van een koffieplantage, brengt zijn zwarte minnares, die zich in zijn kamer verbergt, restjes eten uit de keuken. Een andere, Luc (Jean-Claude Adelin), een arrogante blanke Fransman, verstoort het raciale evenwicht als hij buiten onder de douche staat, eet met de bedienden en treitert Aimée omdat ze zich aangetrokken voelt tot Protégé en dat leidt tot een laatste emotionele confrontatie met de bediende.
Chocolat is een beetje autobiografisch, gebaseerd op de jeugdherinneringen van de regisseur, en het verhaal wordt langzaam afgedraaid en is net zo mysterieus als het broeierige isolement van het land waarop het is gefilmd. Denis legt uit wat de gevolgen van het kolonialisme zijn zonder de personages te romantiseren of ze te prediken. Er zijn geen slachtoffers of onderdrukkers, geen simplistische goeden. Protégé is een bediende, maar hij is ook een beschermer, zoals wanneer hij de wacht houdt bij het bed waar Aimée en haar dochter slapen, om hen te beschermen tegen een razende hyena. Het is een triest feit dat Protégé wordt behandeld als een jongen en niet als een man, maar Bankolé geeft zijn karakter zo'n waardigheid en status dat het de pijn verzacht. Vanwege het tempo moeten westerse toeschouwers misschien hard werken om de film volledig te kunnen waarderen, en Denis doet dat niet, zoals Roger Ebert het uitdrukt, 'onze emoties te coachen'. De waarheid van Chocolat ligt in de gebaren en blikken die het stille verlangen van ons hart raken.

text_en:
Set in the Cameroons in West Africa in the 1950s, Claire Denis' Chocolat is a beautifully photographed and emotionally resonant tone poem that depicts the effects of a dying colonialism on a young family during the last years of French rule. The theme is similar to the recent Nowhere in Africa, though the films are vastly different in scope and emphasis. The film is told from the perspective of an adult returning to her childhood home in a foreign country. France Dalens (Mireille Perrier), a young woman traveling through Cameroon, recalls her childhood when her father (Francois Cluzet) was a government official in the French Cameroons and she had a loving friendship with the brooding manservant, Protée (Isaach de Bankolé). The heart of the film, however, revolves around France's mother Aimée (Giulia Boschi) and her love/hate relationship with Protée that is seething with unspoken sexual tension.

The household is divided into public and private spaces. The white families rooms are private and off limits to all except Protée who works in the house while the servants are forced to eat and shower outdoors, exposing their naked bronze bodies to the white family's gazes. It becomes clear when her husband Marc (François Cluzet) goes away on business that Aimée and Protée are sexually attracted to each other but the rules of society prevent it from being openly acknowledged. In one telling sequence, she invites him into her bedroom to help her put on her dress and the two stare at each other's image in the mirror with a defiant longing in their eyes, knowing that any interaction is taboo.

The young France (Cecile Ducasse) also forms a bond with the manservant, feeding him from her plate while he shows her how to eat crushed ants and carries her on his shoulders in walks beneath the nocturnal sky. In spite of their bond, the true nature of their master-servant relationship is apparent when France commands Protée to interrupt his conversation with a teacher and immediately take her home, and when Protée stands beside her at the dinner table, waiting for her next command. When a plane loses its propeller and is forced to land in the nearby mountains, the crew and passengers must move into the compound until a replacement part can be located. Each visitor shows their disdain for the Africans, one, a wealthy owner of a coffee plantation brings leftover food from the kitchen to his black mistress hiding in his room. Another, Luc (Jean-Claude Adelin), an arrogant white Frenchman, upsets the racial balance when he uses the outside shower, eats with the servants, and taunts Aimée about her attraction to Protée leading her to a final emotional confrontation with the manservant.

Chocolat is loosely autobiographical, adapted from the childhood memories of the director, and is slowly paced and as mysterious as the brooding isolation of the land on which it is filmed. Denis makes her point about the effects of colonialism without preaching or romanticizing the characters. There are no victims or oppressors, no simplistic good guys. Protée is a servant but he is also a protector as when he stands guard over the bed where Aimée and her daughter sleep to protect them from a rampaging hyena. It is a sad fact that Protée is treated as a boy and not as a man, but Bankolé imbues his character with such dignity and stature that it lessens the pain. Because of its pace, Western audiences may have to work hard to fully appreciate the film and Denis does not, in Roger Ebert's phrase, "coach our emotions". The truth of Chocolat lies in the gestures and glances that touch the silent longing of our heart.