text:
Gepromoveerd naar de oorspronkelijke Japanse naam LAPUTA (omdat het een beledigende uitdrukking is, iets waar regisseur Hayao Miyazaki zich destijds niet van bewust was), is CASTLE IN THE SKY de derde film van de meester-animator, en het is een van zijn meest geliefde films aller tijden. In 1986 was de release een teleurstelling voor de bioscopen, maar sindsdien is de film door critici en publiek over de hele wereld omarmd. Geïnspireerd door 'Gullivers reizen' van Jonathan Swift is CASTLE IN THE SKY een actieverhaal met een steampunk-thema over twee jonge weeskinderen <0xE2><0x80><0x93> de jonge mijnwerker Pazu en het mysterieuze meisje Sheeta (dat een toverkristal om haar hals draagt) <0xE2><0x80><0x93> die samen op zoek gaan naar het lang verloren gewaande eiland Laputa, dat volgens de geruchten grote rijkdommen en edelstenen bezit. Ze worden geholpen door een bende stuntelende maar sympathieke luchtpiraten onder leiding van de opvliegende Dola (die aanvankelijk achter hen aan zitten, maar uiteindelijk ware bondgenoten blijken te zijn) en achtervolgd door de regering onder leiding van haar schurkachtige topgeheime agent Muska, die de macht van Laputa voor zichzelf wil hebben.
Voor iedereen die op zoek is naar een opwindende manier om twee uur door te brengen, is deze film een uitstekende keuze, met precies de juiste hoeveelheid humor, verkenning, verwondering en mysterie om je te boeien. De vormgeving is niet zo spectaculair als in sommige van Miyazaki's latere films, maar fantastisch en prachtig genoeg om naar te kijken met een fantasierijke hoofdpersoon en locaties, ongelooflijk opwindende actiescènes en adembenemende vluchtscènes waar je duizelig van wordt. En hoewel de personages die dit verhaal bevolken minder complex zijn dan de andere werken van Miyazaki, hebben ze stuk voor stuk een gedenkwaardige, innemende persoonlijkheid die de kijker nog lang na afloop bijblijft. Vooral Dola is een geweldig komisch personage, dat het ene moment bevelen schreeuwt tegen haar domme zoons en het volgende moment Sheeta in bescherming neemt. Muska is een van de weinige Miyazaki-creaties die ooit als een onverbeterlijke schurk overkomt, maar net als Dola beheerst hij elke scène waarin hij voorkomt met een sinister charisma dat zowel verleidelijk als kil is.
Animefans hebben deze film vaak vergeleken met Gainax' sciencefiction-avonturenserie NADIA: HET GEHEIM VAN BLUE WATER. Beide werken hebben immers hetzelfde verhaal en dezelfde personages... En dan heb ik het nog niet eens over het feit dat ze allebei door Miyazaki zelf zijn gemaakt. Waar ze allebei van verschillen, is hun uitvoering. Hoewel NADIA voor het grootste deel charmant is, kreeg ze halverwege een verkeerde draai, waardoor ze overging in tekenfilmonzin die de aandacht afleidde van de hoofdfilm, ook al had die een sterk einde. CASTLE IN THE SKY, daarentegen, blijft gedurende de twee uur die de film duurt voortdurend onderhoudend en gefocust, en dat is des te beter. Hoewel de epische toon van de film soms wordt onderbroken door 'karikaturale' momenten, zoals een vechtpartij tussen Pazu's baas en een van Dola's zoons, is het nooit zo dat het afbreuk doet aan de film. Ongeveer elf jaar geleden bracht Disney een Engelse versie uit met een cast van grote namen als James van der Beek, Anna Paquin, Cloris Leachman, Mark Hamill, Mandy Patinkin en een paar veteranen als Tress MacNeille en Jim Cummings. Er zit ook een ambitieuze versie bij van Joe Hisaishi's schitterende muziekscore voor een optreden van het Seattle Music Orchestra (het interessante is dat de man achter deze heropvoering niemand minder is dan de componist zelf). Hoezeer puristen ook hebben gevloekt over deze versie, met zijn enkele extra dialoog en de eerder genoemde heropvoering, Miyazaki had dat soort problemen niet; er wordt zelfs gezegd dat hij de aanpassingen heeft toegejuicht, en niet zonder reden, want de pas opnieuw opgenomen muziek is werkelijk de ster van de nieuwe versie. Hoewel er momenten zijn waarop het invoegen van een aantal kritische, stille scènes uit het oorspronkelijke Japan een beetje schokkend is (met name de reis door een van draken vergeven stormwolk), is de algehele aanpassing fantastisch en verbetert in veel opzichten op het origineel, vooral in scènes zoals wanneer een robot een fort aanvalt en de climaxen aan het eind. Hier toont Hisaishi zijn muzikale veelzijdigheid en zijn talent om muziek aan beelden aan te passen. Wat de uitvoeringen in de dub betreft, zijn de hoofdrolspelers waarschijnlijk aan het kortste eind getrokken; James van der Beeks Pazu klinkt aanzienlijk volwassener dan zijn personage, terwijl Anna Paquins Sheeta spreekt met een vreemd accent dat af en toe wisselt (een probleem dat in feite ten gunste van het personage werkt). Dat gezegd hebbende, doen ze over het geheel genomen goed werk en zorgen ze voor een redelijk geloofwaardige chemie. Het is echter de levendige bijrollencast die deze dub zo leuk maakt, vooral Cloris Leachmans Dola en Mark Hamills Muska. Beiden zijn perfect gecast en stelen elke scène waar ze in spelen; net als bij de revanche zijn deze twee echt een luisterend oor voor de Disney dub. De aanpassing van het script grenst soms aan het losse werk <0xE2><0x80><0x93> er zijn heel wat extra regels en/of commentaren (sommige zijn kostelijk grappig en andere enigszins overdreven) <0xE2><0x80><0x93> maar afgezien van ten minste één betwistbare wijziging (Sheeta's toespraak in de climax 'de wereld kan niet leven zonder liefde' in tegenstelling tot het oorspronkelijke 'je kunt niet overleven zonder Moeder Aarde'), blijven de hoofdpersonen, het verhaal en de geest vrij trouw aan het origineel. Over het geheel genomen heeft het weinig zin de Disney-versie te vergelijken met de oorspronkelijke taaltrack; ze drukken allemaal hun eigen stempel op dit legendarische meesterwerk, en ik vind ze allebei mooi. s; geloof niemand die zegt dat deze versie'superieur' is aan die van Disney <0xE2><0x80><0x93> geloof me, het tegenovergestelde is waar.)
Maar hoe dan ook, je kunt niet fout gaan met _Kasteel in de lucht_. Het is een van Miyazaki's allergrootste werken en ik kan het van harte aanbevelen.

text_en:
Retitled from its original Japanese name of LAPUTA (for being an offensive phrase, something which director Hayao Miyazaki was oblivious to at the time), CASTLE IN THE SKY is the master animator's third film, and it's one of his most beloved of all time. Initially a box office disappointment in its 1986 release, it has since been embraced by critics and audiences around the world. Inspired by Jonathan Swift's "Gulliver's Travels", CASTLE IN THE SKY is a steampunk-themed action adventure tale about two young orphans -- young miner Pazu, and mysterious girl Sheeta (who wears a magic crystal around her neck) -- who team up to find the long-lost island of Laputa, which is rumored to have great riches and gems. They are aided by a band of bumbling yet sympathetic air pirates led by the feisty Dola (who at first chase them, yet turn out to be true allies) and pursued by the government headed by its villainous topmost-secret agent, Muska, who wants the power of Laputa for his own benefit.

For anyone looking for an exciting way to spend two hours, this film is an excellent choice, featuring just the right amount of humor, exploration, wonder, and mystery to keep one interested. The artwork, although not as spectacular as in some of Miyazaki's later movies, is fantastic and gorgeous enough to watch with imaginative characters and locations, incredibly exciting action scenes, and breathtaking flight sequences that will make one feel giddy. And while the characters that populate this tale are less complex than Miyazaki's other works, each has a memorable, endearing personality that stays with the viewer long after the film is over. Dola, in particular, makes for a terrific comic character, shouting orders to her dimwitted sons one moment and being protective of Sheeta the next. Muska is one of the few Miyazaki creations to ever come across as an irredeemable villain, but like Dola, he commands every scene he's in with a sinister charisma that is both alluring and chilly.

Anime fans have often compared this movie to Gainax's sci-fi adventure series NADIA: THE SECRET OF BLUE WATER. After all, both works share similar story and character elements... not to mention that they were both created by Miyazaki himself. Where both differ is in their execution. NADIA, although charming for the most part, suffered from taking a wrong turn at its midway point, devolving into cartoonish nonsense which all but distracted from the main plot, even though it did have a strong ending. CASTLE IN THE SKY, on the other hand, remains consistently entertaining and focused for its two hour running time, and is all the better for it. While the film's epic tone is sometimes broken up by some "cartoonish" moments, like a brawl between Pazu's boss and one of Dola's sons, it's never to the point that it detracts from the film.

About eleven years ago, Disney released an English version featuring a cast of big-names such as James van der Beek, Anna Paquin, Cloris Leachman, Mark Hamill, Mandy Patinkin as well as some cameo appearances by veterans such as Tress MacNeille and Jim Cummings. It also features an ambitious reworking of Joe Hisaishi's gorgeous musical score for a performance by the Seattle Music Orchestra (interestingly, the man behind this rescore is none other than the composer himself). As much as purists have cried blasphemy over this version for its occasional extra dialogue and the aforementioned rescore, Miyazaki had no such problems; in fact, he is said to have applauded the reworking, and for good reason, because the newly rerecorded music is truly the star of the new dub. While there are some instances where filling in some critially silent scenes from the original Japanese is a bit jarring (notably the journey through a dragon-infested storm cloud), the overall reworking is fantastic and in many ways improves on the original, particularly in scenes such as when a robot attacks a fortress and the climactic moments toward the end. Here, Hisaishi displays his musical versatility and genius for matching music to visuals.

As far as the performances in the dub go, the leads are probably at the short end of the stick; James Van Der Beek's Pazu sounds significantly more mature than his character, while Anna Paquin's Sheeta speaks with an odd accent that fluctuates at times (a problem which actually works in favor of the character). That said, both do good jobs overall and provide a fairly believable chemistry throughout. It's the lively supporting cast, however, that really make this dub so much fun, particularly Cloris Leachman's Dola and Mark Hamill's Muska. Both are perfectly cast and steal every scene they're in; as with the rescore, these two really warrant a listen to the Disney dub. The script adaptation borders on the loose side at times--there's quite a bit of extra lines and/or commentary (some of which are pricelessly funny and others somewhat overdone)--but aside from at least one debatable alteration (Sheeta's speech in the climactic showdown "the world cannot live without love" as opposed to the original "you can't survive apart from Mother Earth"), the overall characters, story, and spirit remain fairly faithful to the original. On the whole, there is little point comparing the Disney version to the original language track; each puts their own stamp on this legendary masterpiece, and I like them both. (They're also better than Streamline/JAL's more literal but frightfully robotic, lifeless, abysmally acted and poorly written older dub from the late 1980's; don't believe anybody who says this version is "superior" to Disneys--trust me, the opposite is true.)

Either way, though, you can't go wrong with CASTLE IN THE SKY. It's one of Miyazaki's all-time greatest, and I highly recommend it.


text:
Zoals veel Amerikanen ben ik voor het eerst in aanraking gekomen met het werk van Hayao Miyazaki toen ik 'Spirited Away' zag. Ik werd verliefd op de film en heb hem vele malen gezien. Nu ben ik op zoek naar alle films van Miyazaki. Een van zijn eerdere werken is 'Kasteel in de lucht'. Hoewel het nog steeds leuk is, is het niet zo goed als 'Spirited Away' (hoewel het misschien niet eerlijk is om deze of welke film dan ook te vergelijken met zijn meesterwerk uit 2002).
Een jonge jongen, Pazu (James Van der Beek) genaamd, werkt op een avond laat in een mijn, als hij een meisje langzaam uit de lucht ziet vallen. Als ze de volgende ochtend wakker wordt, stelt ze zich voor als Sheeta (Anna Paquin). Maar Sheeta heeft een geheim, en voor hij het weet wordt Pazu betrokken bij een avontuur dat hem in gevaar zal brengen met piraten, het leger en een verloren zwevende stad.
Als je een film van Hayao Miyazaki bekijkt, kun je maar één ding verwachten: een gevoel van verwondering en magie. Veel filmmakers hebben het geprobeerd, maar niemand kan zo'n gevoel van magie en ontzag oproepen als Miyazaki. Een film van Miyazaki bekijken is als het beleven van een fantastische droom uit je jeugd.
Omdat de film geanimeerd is, is het namaken van de film niet zo'n probleem, want het is zo goed als onmogelijk om vast te stellen of de lipbewegingen wel of niet overeenkomen met de woorden. Het helpt ook dat de vertaalde dialoog goed geschreven is en wordt uitgesproken door getalenteerde acteurs. Het acteerwerk is gevarieerd. James Van der Beek doet het het best. Hij brengt een onweerstaanbare geestdrift en opwinding in de rol van Pazu, die perfect bij het personage past. Anna Paquin is bijna net zo goed als Sheeta. Ze is bang voor de gebeurtenissen om haar heen, maar ze weet wat haar te doen staat. Mark Hamill is onherkenbaar als de kwaadaardige Muska. Hij is gevaarlijk en wil iets van Sheeta, en zal er alles aan doen om het te krijgen. De andere stemmen zijn slecht. Cloris Leachman is afschuwelijk als Dola. Leachman mag dan een Oscar hebben gewonnen voor 'The Last Picture Show', maar ze is irritant als de leider van de piraten. Leachman geeft het personage een irritante piepstem die bijna altijd monotoon is. Het is zo erg dat de film er bijna door wordt verpest! Jim Cummings is een goede voice-over, maar hij is niet geschikt als de generaal.
Ik zou _Castle in the sky_ zeker aanbevelen. Waarschijnlijk koop ik het uiteindelijk zelf. Maar ook al is het niet zo goed als _Spirited Away_, het is nog steeds best goed.

text_en:
Like many Americans, I was first introduced to the works of Hayao Miyazaki when I saw "Spirited Away." I fell in love with the film and have seen it many times. Now I am on a search to see every film by Miyazaki. One of his earlier works is "Castle in the Sky." Although it's still enjoyable, it's not as good as "Spirited Away" (though comparing this or any film to his 2002 masterpiece is perhaps unfair).

A young boy named Pazu (James Van Der Beek) is working in a mine late one night, when he sees a girl fall slowly from the sky. When she wakes up the next morning, she introduces herself as Sheeta (Anna Paquin). But Sheeta has a secret, and before he knows it, Pazu is pulled into an adventure that will lead him into danger with pirates, the army and a lost floating city.

Going into a film by Hayao Miyazaki means you can expect one thing: a sense of wonder and magic. Many filmmakers have tried, but no one can create a sense of magic and awe like Miyazaki. Watching a film by Miyazaki is like experiencing a fantastic dream from your childhood.

Because the film is animated, dubbing the film does not pose much of a problem because it is next to impossible to determine whether or not the lip movements match up to the words. It also helps that the translated dialogue is well-written and voiced by talented actors. The voice acting is varied. James Van Der Beek fares best. He brings an irresistible enthusiasm and excitement to the role of Pazu that is perfect for the character. Anna Paquin is nearly as good as Sheeta. She's frightened by the events going on around her, but she knows what she has to do. Mark Hamill is unrecognizable as the evil Muska. He's dangerous and wants something from Sheeta, and will do anything to get it. The other voices are bad. Cloris Leachman is awful as Dola. Leachman may have won an Oscar for "The Last Picture Show," but she's annoying as the pirate leader. Leachman gives the character an obnoxious squawk that's nearly always monotonous. It's so bad it nearly ruins the film! Jim Cummings is an effective voice-over actor, but he's miscast as the general.

I would definitely recommend seeing "Castle in the Sky." I'll probably end up buying it myself. But even though it's not as good as "Spirited Away," it's still pretty good.


text:
Dit zag ik laatst op sbs-tv hier in Australië, waar het de titel 'Laputa: Kasteel in de lucht' had. Ik had ondertitels ingeschakeld en ik denk dat sbs daar zelf voor heeft gezorgd, die, zoals gewoonlijk, van zeer goede kwaliteit waren.
Ik heb net 'Laputa' opgezocht op Wikipedia en het bevestigt wat ik al vermoedde... het drijvende eiland van dit verhaal is ontleend aan de klassieke roman van Jonathan Swift 'Gullivers reizen', die in het begin tot het midden van de achttiende eeuw in omloop was.
Hoe dan ook, dit is een innemend Japans sprookje met een Engelse sprekende voice-over. Het verhaal is geschikt voor jonge kinderen, denk ik, maar het duurt iets meer dan twee uur, dus misschien is het voor sommigen te lang, maar niet voor een volwassene zoals ik.
Het verhaal gaat over twee kinderen die op zoek zijn naar een legendarisch drijvend eiland met een kasteel erop. De kinderen zijn niet de enigen die op zoek zijn naar dat eiland. Ze hebben piraten, een leger en spionnen die ook op zoek zijn naar het eiland, en die de kinderen (Sheeta, het meisje, gespeeld door Anna Paquin, en Pazu, het jongetje, gespeeld door James Van der Beek) gevangen willen nemen om hen te helpen het te vinden.
De illustraties zijn schitterend... Soms een beetje fotorealistisch, vooral de taferelen van het metselwerk, verlicht door fakkels, of de mooie taferelen van heldere, zonnige dagen, met witte wolken of mist.
Aanbevolen.

text_en:
Saw this on SBS TV here in Australia the other week, where it was titled "Laputa: Castle in the sky". I had enabled subtitles and I think SBS provided their own for that, which, as usual, was of very good quality.

Just looked up "Laputa" on Wikipedia and it confirms what I suspected...the floating island of this tale is taken from the classic Jonathan Swift novel "Gulliver's travels", which was published in the early to mid 1700s.

Anyway, this is an engaging Japanese fairytale, which features an English speaking voice-cast. It's suitable for young children, I think, but it does run at just over two hours in length, so it may be too long for some, though not for an adult like me.

The story concerns two children who seek to find a legendary floating island which has a castle on it. The children are not the only ones looking for this island. They have pirates, the army and spies looking for the island too, and looking to capture the children (Sheeta, the girl, voiced by Anna Paquin, and Pazu, the boy, voiced by James Van Der Beek) in order to help them find it.

The graphics are magnificent...sort of photo-realistic at times, especially the scenes of stonework lit by torch-light, or the pretty scenes of bright, sunny days, with white clouds, or mist.

Recommended.


text: Deze film is verbazingwekkend en ik kan hem zowel aan kinderen als volwassenen aanbevelen. De animatie is prachtig, de personages zijn rijk en interessant en het verhaal is fascinerend; veel beter dan wat de Amerikaanse studio's destijds produceerden. Maar er zitten een paar haken en ogen aan deze bewering. Het is jammer dat Disney de catalogus van Studio Ghibli heeft gekocht en er vervolgens mee aan de haal is gegaan. Mijn voornaamste punt is dat Disney de film opnieuw heeft bewerkt, ondanks het feit dat de oorspronkelijke Engelse versie erg indrukwekkend was. De nieuwe cast met Van der Beek en consorten heeft hem verpest en veel van de aantrekkelijkheid van de personages, zoals bijvoorbeeld Pazu en Sheeta, weggenomen. De originele muziek is ook veel beter dan de Disney-mix. Het roept de vraag op waarom Disney zulke veranderingen heeft aangebracht. Het lijkt mij dat Disney, door Van der Beek en consorten te laten meespelen, meer geld kan binnenhalen, wat natuurlijk best is, maar dat ze daarmee hun film bezoedelen. Het is nog steeds een prachtige film en ik zou hem iedereen aanbevelen. Mijn voornaamste bezwaar is dat Disney vanaf mijn jeugd een film heeft verpest waar ik dol op was en nog steeds dol op ben. Ik heb het geluk dat ik een originele Japanse import heb met de originele Engelse dub die ik nu met mijn leven ga beschermen!

text_en: This film is amazing and I would recommend to child and adult alike. The animation is beautiful, the characters are rich and interesting, and the story is captivating; far better than anything the American studios were producing at the time. However, there is a couple of caveats to this statement. It's a shame that Disney bought the Studio Ghibli back-catalogue and then proceeded to butcher it. My main point being, Disney re-dubbed the film, despite the original English version being very impressive. The new cast with Van Der Beek et al ruined it and took away much of the attractiveness of the characters e.g. Pazu and Sheeta went from adventurous companions to whiny teenagers. The Original music score is also far better than the Disney remix. It begs the question why did Disney make such changes? It seems to me is that by having Van Der Beek et al being cast then Disney can draw in more money, which is fair enough, but in the process they tainted they film. It is still a beautiful film and I would still recommend it to anyone. My main beef is that Disney ruined a film from childhood which I loved and still love. I am lucky enough to have an original Japanese import with the original English dub which I am now going to guard with my life!


text:
De eerste keer dat ik deze film zag, was in de jaren tachtig, toen ik nog een klein jongetje was. Mijn vader heeft hem zelfs voor de televisie opgenomen. Ik moet hem meer dan twintig keer hebben gezien, voordat hij op dvd werd uitgebracht.
Ik kocht de dvd natuurlijk en keek ernaar, en het verbaasde me dat de dialoog zo was veranderd. In de eerste versie, die ik nog steeds op dvd heb, was de sfeer van de film dankzij de dialoog heel duister. Maar de nieuwe versie, met Van der Beek en consorten, is veel komischer.
Om het anders te zeggen: het is grappig.' Het is net alsof je naar de originele Amerikaanse verfilming van Akira kijkt, voordat je naar de geremasterde versie kijkt met de letterlijke vertaling van het Japans.
Ik klaag niet, het verhaal en de kwaliteit van de animatie zijn niet te wensen overgelaten, maar het roept wel de vraag op of Miyazaki een lichter of donkerder verhaal en thema in zijn film bedoelde.

text_en:
The first time I ever saw this movie was back in the 1980s as a wee lad. My dad actually recorded it off the TV. I must have watched is over 20 times, before the relatively recent release on DVD.

I of course bought and watched the DVD and was taken aback by how much the dialogue had changed. In the first version, which I still have on VHS, the mood of the film, thanks to the dialogue, was actually very dark. However the new version, featuring Van Der Beek et al, is more comic.

To put it another way, it's like watching the original US release of Akira with that dub, before watching the remastered version with the literal translation of the Japanese.

I'm in no way complaining, the story and quality of animation are not detracted from, but it does raise the question of whether Miyazaki intended for a lighter or darker narrative and theme in his film.....


text: Ik herinner me dat ik dit leuker vond dan _Nausicaa van het dal der winden_ op een leeftijd dat die toon van het verhaal me te ernstig leek. Laputa, wiens titel de release in de Verenigde Staten lijkt te hebben beïnvloed om verwarring te voorkomen met zijn grote Latijns-Amerikaanse publiek, heeft de tekenfilmachtige handigheid van de regisseur van de debuutproductie Conan. In feite heeft Pazu de dikke botten en de onsterfelijke vitaliteit van Conan - die van duizend verhalen afsprong met zijn meisje in zijn armen, op zijn voeten landde en toen begon te rennen. Dit maakt hem tot de meest geanimeerde en plezierige figuur om naar te kijken. De techneutenfans van Nausica worden misschien teleurgesteld door de vliegende insecten en de retrotechnologie via Laputa - de enige uitzondering is misschien de robot. In tegenstelling tot _Prinses Mononoke_ en _Vallei van de Winden_ is het thema in _Lappata_ niet direct in verband te brengen met milieubewustzijn. Als het al een thema heeft, dan is het anti-oorlog. Het belang van een natuurlijk leven <0xE2><0x80><0x93> dit heeft te maken met het vliegende kasteel, wordt afwijzend afgedaan als 'afgezwakt' en niet echt doorgetrokken. Over het geheel genomen beschouw ik het stuk nu als een kruising tussen goed gevoel en afgezaagd.

text_en: I remember liking this more than Nausicaa of the valley of the winds at an age when that tone of story was too serious for me. Laputa, whose title seems to have affected its release in the U.S. to avoid confusion to its wide Hispanic audiences, has the cartoonish knack of the director's debut production Conan. In fact, Pazu has the thick bones and immortal vitality of Conan--who jumped off a thousand stories carrying his girl in his arms and landed on his feet, then started running. This makes him the most animated and pleasing character to watch. The techie fans of Nausica may be disappointed by the flying bugs and the retro technology through out Laputa--the only exception may be the robot. Unlike Princess Mononoke and Valley of the Winds, the theme in Laputa is not directly connected to environmentalism. If it has a theme at all it's anti-warfare. The importance of living naturally--this is related with the flying castle, is dismissably shortly discussed, and not really followed through. Overall, I now regard the piece as being at an intersection between feel-good and corny.


text: Dit is een verbazingwekkende film om te zien. De regisseur, Rohmer, heeft met behulp van digitale technologie zijn levende acteurs letterlijk in geschilderde achtergronden verwerkt. Meestal werkt dat briljant, vooral aan het begin, wanneer de film als een tot leven gekomen sprookjesboek tot leven komt. In een paar scènes, waar de camerahoeken beperkt zijn (ze hadden bijvoorbeeld de zijkant van sommige gebouwen niet geschilderd), is hij minder succesvol, maar het is een heel interessante manier om een historische film te maken, die zowel over onze eigen misvattingen en beperkte kijk op de geschiedenis gaat als op de geschiedenis zelf. De memoires van de ex-vriendin van de duc d'Orleans, Grace Elliott, worden gebruikt. Een gebeurtenis die door marxistische historici, vooral in Frankrijk, meestal als een van de hunnen wordt beschouwd, wordt hier dus verteld vanuit het gezichtspunt van een aristocratische buitenlandse vrouw. Onvermijdelijk komt er een ander gezichtspunt naar voren <0xE2><0x80><0x93> er kan geen objectieve weergave zijn. Het gebruik van het memoapparaatje geeft de film een nogal episodische sfeer. Persoonlijk vond ik de verhaallijn rond de dood van de koning het interessantst. Als fervent royalist is ze geschokt als de Duc voor de dood van de koning stemt (een elementaire kennis van de Franse Revolutie is waarschijnlijk nuttig om de dialoog tussen Grace en de Duc hier te kunnen volgen. Hij was een neef van Lodewijk en had zich kandidaat gesteld voor de Assemblée, waar hij prompt zijn naam veranderde in Filips de Gematigde). Het filmen van de dood van Louis is meesterlijk. Grace en d'r dienstmeid zijn in Meudon, buiten Parijs, en kijken toe vanaf een heuvel met een telescoop. We zien de executie niet, we horen alleen het commentaar van de dienstmeid, net als Grace. De meest dramatische gebeurtenis van de revolutie gebeurt van het scherm af. Grace kan het niet aanzien dat d'r koning wordt vermoord. Haar standpunt is dat van een aristocraat. Elke rechtvaardiging van de dood van Louis gaat letterlijk haar voorstellingsvermogen te boven. Dit is een krachtige, scherpzinnige film. Het liefdesverhaal tussen de hertog en Grace is ingevoegd, nooit verteld, en is heel ontroerend (hoewel de hertog soms een beetje een pompeuze idioot lijkt; wat ziet ze in hem? Over smaak valt niet te twisten). De onderstromen van krankzinnigheid (het simpele bestaan ervan is al voldoende om verdacht te zijn) die mensen in een tijd als de Revolutie meesleuren, worden geïllustreerd als het leven van Grace op zijn kop wordt gezet, haar huis dagelijks wordt doorzocht, en toch geeft ze haar bedienden opdracht om haar eten te koken en is ze niet in staat om zichzelf aan te kleden! Als je ook maar enige belangstelling hebt voor een subtiele, goed vertelde film, waarin een slim gebruik wordt gemaakt van nieuwe technologie om een oud verhaal te vertellen, of voor de weergave van een cruciaal moment in de Europese geschiedenis die wordt verteld door een aristocratische buitenlandse vrouw, de ultieme buitenstaander, dan is dit je tijd meer dan waard. Het gaat hier en daar een beetje traag, maar je geduld wordt ruimschoots beloond.

text_en: This is quite an amazing film to watch. Using digital technology, the director, Rohmer, has literally encrusted his living actors into painted backdrops. Most of the time this works brilliantly, especially at the start where the film is like a pop up story book come to life. It is less successful in a few scenes, where it limits camera angles (they had not painted the side of some of the buildings for example) but it is a very interesting way to film a historical film which is as much about our own misconceptions and limited views of history as History itself. It is narrated using the memoirs of the Duc d'Orleans' ex- mistress, Grace Elliott. So, an event usually claimed as one of their own by Marxist historians, especially in France, is here told from the point of view of a female aristocratic foreigner. Inevitably a different point of view emerges -there can be no objective representation. The use of the memoirs device does give the film a rather episodic quality. Personally, I found the story line around the King's death the most interesting. A staunch Royalist she is shocked when the Duc votes for the King's death (a basic knowledge of the French Revolution is probably helpful to follow the dialogue between Grace and the Duc here. He was Louis's cousin and had himself elected to the Assembly, where he promptly changed his name to Philip Equality). The filming of Louis's death is masterly. Grace and her maidservant are in Meudon, out of Paris, watching from a hill with a telescope. We do not see the execution, we only hear the maid's commentary, like Grace. The most dramatic event of the Revolution happens off screen. Grace cannot bear to watch her king be killed. Her view is that of an aristocrat. Any justification of Louis's death is literally beyond her vision. This is powerful, keenly intelligent film making. The love story between the duc and Grace is insinuated, never told, and is powerfully moving (tho the Duc does seem a bit of a pompous fool at times; what does she see in him? No accounting for taste). The undercurrents of madness (simply existing being enough to be a suspect) that sweep individuals along in a time such as the Revolution are illustrated as Grace's life is turned upside down, her house is searched daily, yet she still orders her servants to cook her food and is incapable of dressing herself! If you have any interest at all in a subtle, well told film, making clever use of new technology to tell an old tale, or the representation of a pivotal moment in Europe's history narrated by an aristocratic foreign woman, its ultimate outsider, then this is well worth your time. It is a little slow in places but your patience is amply rewarded.


text:
'The Lady and the Duke' van Eric Rohmer had een betere vertaling voor de titel kunnen zijn. 'The English Woman and the Duke' zou misschien beter zijn geweest. Hoewel het duidelijk is dat deze film niet voor iedereen is, is hij, te oordelen naar de commentaren op dit forum, de moeite van het kijken waard, want ondanks het ingewikkelde verhaal heeft de heer Rohmer een film gemaakt die je zou kunnen zien als een kunstexpositie in een museum. De gemengde technologie die in de film is gebruikt, werkt uiteindelijk goed.
Het vreemde verhaal van Grace Elliott, een edelvrouwe die de ma<0xC3><0xAE>tresse was geweest van de koning van Engeland en van de Franse hertog d'Orleans, houdt onze aandacht vast. Het decor is Parijs in de dagen die volgden op de Franse Revolutie. Het land was in rep en roer en de macht was in handen van het volk, dat geen zier gaf om de aristocraten. De beelden laten zien hoe de oproerkraaiers direct na hun tocht naar de guillotine rondrenden met hoofden van beroemde mensen.
De relatie van Grace met de Duc was voorbij, maar ze blijft een echte vriendin van de grote man die zelf in gevaar is, zelf gevaar loopt zijn hoofd te verliezen. Grace gaat door alle verschrikkingen om haar heen heen zonder dat ze kan ontsnappen. Ze heeft zelfs een vijand in haar eigen huis, in de vorm van de kok, Pulcherie, die niet zou aarzelen om haar bij de minste provocatie aan te geven. Als je naar de film kijkt, krijg je soms de indruk dat je door het Louvre loopt om naar die enorme doeken te kijken die dit cruciale tijdperk van de Franse geschiedenis uitbeelden. In plaats van dat het digitaliseringsproces de kijker afleidt, blijkt het de film in veel opzichten te versterken.
Lucy Russell als Grace Elliott doet het uitstekend als de vrouw die veel heeft gezien tijdens haar leven. Haar Frans lijkt uitstekend, want het lijkt erop dat ze het vloeiend spreekt. Als de Duc d'Orleans leverde Jean Claude Dreyfus een fantastische bijdrage, waardoor we zonder enige moeite geloven dat hij de edelman in eigen persoon is. De bijrollen waren ook geweldig. Rohmer krijgt overal goede optredens.
Voor liefhebbers van geschiedenis zal 'The Lady and the Duke' een interessante film zijn om naar te kijken, dankzij de visie van Eric Rohmer.

text_en:
Eric Rohmer's "The Lady and the Duke". could have used a better translation for the title. "The English Woman and the Duke", perhaps, would have been more accurate. While it's obvious this film is not for everyone, judging by the comments to this forum, it is worth watching because in spite of the intricate pattern of the story, Mr. Rohmer has created a movie that could be seen as an art exhibit in a museum. The mixed technology used in the movie, ultimately, works well.

The strange story of Grace Elliott, a noble lady who had been the mistress of the king of England and of the French Duc d'Orleans, holds our attention. The setting is Paris during the days that followed the French Revolution. The country was in turmoil and the power was in the hands of the people, who couldn't care less for the aristocrats. The images show the agitators running around with heads of famous people right after their trip to the guillotine.

Grace relation with the Duc had ended, but she remains a true friend to the great man that is in danger, himself, of losing his own head. Grace moves through all the horrors around her without being able of an escape. She even has an enemy in her own house, in the form of the cook, Pulcherie, who would not hesitate to denounce her at the least provocation.

Watching the movie, at times, gives the viewer the impression one is going on a trip through the Louvre watching those huge canvases that depict this crucial era of the French history. Rather than finding the digitalization process distracting, we found it to enhance the film in many ways.

Lucy Russell, as Grace Elliott, does a fine job to portray this woman who saw a lot during her lifetime. Her French seems to be excellent, as it appears she is fluent in it. As the Duc d'Orleans, Jean Claude Dreyfus made a fantastic contribution making us believe he is the nobleman himself without any effort. The supporting cast also was great. As an ensemble piece Mr. Rohmer gets good performances all around.

For lovers of history, "The Lady and the Duke" will be an interesting movie to watch thanks to the vision of Eric Rohmer.


text:
Iedereen die deze film saai vindt, is een hopeloze sukkel die zich zou moeten beperken tot autoachtervolgingen en romantische komedies. Deze film is fascinerend en heeft geen saai moment. Waarom niet? Omdat hij voornamelijk bestaat uit intelligente dialogen tussen echte mensen in een crisissituatie en details over hun pogingen om die crisis te overleven. Ik herhaal: intelligente dialogen! Dat karakteriseren bijna alle films van Rohmer, en daarom houden veel mensen er niet van. Ze geven de voorkeur aan actiefilms. Prima, laat ze de rest van hun leven maar actiefilms kijken, terwijl diegenen onder ons met smaak en discriminatie naar dit soort films blijven kijken.
Rohmer is er altijd van beschuldigd dat hij 'talky' is. Nou, dat is hij ook, maar voor mij is dat een compliment, geen kritiek. Shakespeare was ook een kletskous. Is er een kletskousiger toneelstuk dan 'Hamlet'? Wanneer het onderwerp, of thema, van een kunstwerk bestaat uit ideeën en conflicten over waarden, moet er noodzakelijkerwijs een discussie plaatsvinden over die ideeën en waarden, en dat is grotendeels waar deze film over gaat. Aristocratie en adeldom versus egalitaire samenleving; trouw aan oude vrienden die op de ultieme proef wordt gesteld wanneer die vrienden een volgens ons verkeerde weg inslaan; de waarde van het menselijk leven en de verantwoordelijkheid om te helpen dat leven te redden, ook al is degene die dat leven bezit niet zo aardig, of zelfs maar verachtelijk. (Heeft iemand ooit gehoord van Dostojevski, of 'Misdaad en straf'?) Daar gaat deze film over.
De twee hoofdrollen in deze film zijn onberispelijk, alsof ze geboren zijn om deze rollen te spelen. Lucy Russell, die Engels is en als tweede taal Frans spreekt, is bijzonder briljant. Doe jezelf een lol en kijk deze boeiende film. Het zou wel eens de laatste film van deze meester op het witte doek kunnen zijn.

text_en:
Anyone who finds this film boring is a hopeless bonehead who should stick to car chase movies and romantic comedies. This film is riveting and doesn't have a boring moment. Why? Because it is comprised largely of intelligent dialogue between real people in a moment of crisis and details their efforts to survive that crisis. I repeat--intelligent dialogue! That is what characterizes nearly all of Rohmer's films, and that is why a lot of people don't like them. They prefer action. Fine, let them spend the rest of their lives watching action films, while those of us with taste and discrimination will continue to seek out films like this.

Rohmer has always been accused of being "talky." Well, he is, but to me that's a compliment, not a criticism. Shakespeare was talky, too. Is there a talkier play than "Hamlet?" Whenever the subject, or theme, of a work of art consists of ideas and conflicts over values, there must of necessity be a discussion of these ideas and values, an that is largely what this film is all about. Aristocracy and noble birth vs. egalitarianism; loyalty to old friends that is put to the ultimate test when that friend takes what we believe to be a wrong path; the value of human life and the responsibility to help save that life, even if the person possessing that life is not so nice, or even despicable. (Anyone ever hear of Dostoyevsky, or "Crime and Punishment?") These are what this film is all about.

The two leads in this film are impeccable, as if they were born to play these roles. Lucy Russell, who is English and speaks French as her second language, is especially brilliant. Do yourself a favor and see this riveting film. It may be the last film by this screen Master.


text:
Erich Rohmers 'L'Anglaise et le duc' is een perfecte aanvulling op Peter Watkins' 'La Commune (Parijs 1871)'. Beide films <0xE2><0x80><0x93> vertoond op het Toronto International Film Festival van dit jaar <0xE2><0x80><0x93> illustreren ironisch hoe de geschiedenis wordt gevormd door de vertellers van het verhaal. Ironisch, gezien de tragische gebeurtenissen die zich tijdens het festival in de Verenigde Staten afspeelden.
De film, die zich afspeelt in Parijs tijdens de Franse Revolutie, is gebaseerd op 'Memoirs' van Grace Elliott (Lucy Russell) en geeft uit de eerste hand een verslag van hoe ze die onstuimige, maar gevaarlijke tijd overleefde. Ze beschrijft ook haar relatie met de hertog van Orleans (gespeeld door Jean-Claude Dreyfus) die, in tegenstelling tot haarzelf, een aanhanger van de revolutie is. Ik weet niet aan wiens kant van de geschiedenis Rohmer zal staan. Rohmer, een van de eerste Franse 'New Wave'-filmers, is vaak bekritiseerd omdat hij te conservatief zou zijn. In de opstandige jaren zestig en zeventig van de vorige eeuw filmde hij immers romantische films als 'Claire's Knee'. Maar doe die ouwe maar niet tekort, mensen, hij is altijd een kenner van de menselijke natuur geweest, geen ideoloog, en 'L'Anglaise et le duc' is daar nog steeds van doordrongen.
'Rohmers personages zijn nooit de'slechteriken' of de 'goederiken'; het zijn in de eerste plaats menselijke wezens die in staat zijn een volledig scala van menselijke mogelijkheden <0xE2><0x80><0x93> en beperkingen <0xE2><0x80><0x93> tentoon te spreiden. Zo is het.' En dat is de reden waarom zijn films altijd provocerend zijn, en deze film is geen uitzondering.
En dan nu de technische details.
Hoewel Rohmer al in de tachtig is, bevindt hij zich nog steeds op het scherp van de snede van de cinematografische vernieuwing. 'L'Anglaise' ziet eruit als iets wat je nog nooit hebt gezien. Je raadt het al: de oude man is <0xE2><0x80><0x93> net als een aantal regisseurs van het festival dit jaar <0xE2><0x80><0x93> digitaal gegaan.
Alle buitenopnamen van de film zien eruit alsof ze zich afspelen in de oorspronkelijke Parijse omgeving van rond 1780. Het kan zelfs zo zijn dat je je zo laat afleiden door de authenticiteit van het uiterlijk van de film dat je terug moet voor een tweede screening om de subtiliteiten van de film te zien.' is psychologische <0xE2><0x80><0x93> en ja, ik zal het zeggen <0xE2><0x80><0x93> politieke inzichten.
Toronto heeft dit jaar een paar van de meest prikkelbare jonge filmmakers ter wereld, en ook een paar van de oudsten ter wereld. En de oude meesters staan daar op het scherp van de snede van de bioscoop naast de jonge.
Lang leve de jeugd. Lang leve de oude dag. En lang leve Erich Rohmer.

text_en:
Erich Rohmer's "L'Anglaise et le duc" makes a perfect companion piece to Peter Watkins' "La Commune (Paris 1871)." Both films -screened at this year's Toronto International Film Festival- ironically illustrate how history is shaped to by the tellers of the tale. Ironic, given the tragic events that were taking place in the U.S. during the festival.

Set in Paris during the French Revolution, the movie, based on Grace Elliott's (Lucy Russell) "Memoirs," is a first-hand account of how she survived those heady but dangerous days. She also details her relationship with The Duke of Orleans (played by Jean-Claude Dreyfus), who, in contrast to herself, is a supporter of the Revolution.

True to form, you don't know whose side of history Rohmer is going to come down on. One of the earliest of the French "New Wave" filmmakers, Rohmer has often been criticized for being too conservative. After all, in the midst of the rebelling-youth-Viet-Nam days of the late 60s and 70s, he was filming romantic little confections like "Claire's Knee." But don't sell the old boy short, folks, he's always been a student of human nature, not an ideologue, and "L'Anglaise et le duc" continues to bear this out.

Rohmer's characters are never the "bad guys" nor the "good guys'; they are first and foremost human beings who are capable of exhibiting a full range of human potentialities -and limitations. That's why his movies are always provocative, and this film is no exception.

Now for the technological nuts and bolts.

Rohmer, though making his way into his 80s, is still on the cutting-edge of cinematic innovation. The look of "L'Anglaise" is like something you've never seen before. You guessed it, the old guy -like several of the festival's directors this year- has gone digital.

All of the movie's exterior scenes look as though they are taking place in their original 1780s Parisian settings. As a matter of fact, you may get so distracted from marveling at the authenticity of the film's look you may have to go back for a second screening to catch the subtleties of the film's psychological -and yes, I'll say it- political insights.

Toronto features some of the world's edgiest young filmmakers this year, as well as some of the world's oldest. And the old masters are standing there on cinema's cutting-edges right alongside the young ones.

Long live youth. Long live old age. And long live Erich Rohmer.


text: Rohmer wijkt af van zijn gebruikelijke portretten van de franse middenklasse om dit kostuumdrama te vertellen over de problemen van een aristocratische dame tijdens de franse revolutie. Wat aantrekkelijker is aan 'La Anglaise' (afgezien van het verhaal zelf) zijn de fantastische esthetische prestaties die Rohmer heeft geleverd. De beelden zijn digitaal bewerkt, waardoor ze op barokke schilderijen lijken. Op sommige momenten kun je niet echt zeggen of je naar een film kijkt of naar een serie schilderijen in het Louvre. Elk beeld is een kunstwerk.

text_en:
Rohmer strays from his usual portraits of french middle class to tell this costume drama about the difficulties of an aristocrat lady during the french revolution. What's more attractive about "La Anglaise..." (apart from the story itself) is the fabulous aesthetics that Rohmer has achieved. The images have been digitally decorated too make them look like baroque pictures. In some moments you can't really say whether your watching a movie or a series of pictures in Louvre Musseum. Every shot is like a piece of art.

*My rate: 7.5/10

----------------

-------------- -

------------

-------------------


text: Ik was vooral geroerd door de ingehouden moed en integriteit van l'Anglaise in deze prachtig geacteerde, intellectuele en visuele meeslepende film. Heel erg bedankt, monsieur le directeur Rohmer.

text_en: I was particularly moved by the understated courage and integrity of l'Anglaise, in this beautifully acted, intellectually and visually compelling film. Thank you so much, Monsieur le directeur Rohmer.


text: Rohmer keert terug naar zijn historische drama's in het echte verhaal van Grace Elliot, een Engelse die tijdens het hoogtepunt van de Franse Revolutie in Frankrijk bleef. Je had altijd al het vermoeden dat Rohmer een conservatief was, maar wie had kunnen denken dat hij zo'n warmbloedige reactionair was? Als je Rohmers ongegeneerde verdediging van de monarchie opzij kunt zetten (en dat is niet gemakkelijk, aangezien de Franse lagere klassen hier bijvoorbeeld worden afgeschilderd als afzichtelijke pummels), is dit in feite een elegante, intelligente en gepolijste film. Omdat Rohmer geen geld heeft voor een groots filmspektakel over het achttiende-eeuwse Frankrijk, heeft hij de acteurs laten spelen tegen opvallend beschilderd karton. Het is een schaamteloos kunstmatige vertoning, maar op de een of andere manier werkt het. En de nieuwe Lucy Russell slaagt erin een sympathieke figuur te zijn die ze niet zou moeten zijn.

text_en: Rohmer returns to his historical dramas in the real story of Grace Elliot, an Englishwoman who stayed in France during the apex of the French Revolution. One always suspected that Rohmer was a conservative, but who knew he was such a red-blooded reactionary. If you can put aside Rohmer's unabashed defense of the monarchy (and that is not an easy thing to do, given that, for instance, the French lower classes are portrayed here as hideous louts), this is actually an elegant, intelligent and polished movie. Lacking the money for a big cinematic recreation of 18th century France, Rohmer has instead the actors play against obvious painted cardboards. It is a blatantly artificial conceit, but it somehow works. And newcomer Lucy Russell succeeds in making sympathetic a character that shouldn't be.


text: Ik ben zo blij dat ik de kans heb gekregen om dit zeldzame juweeltje van een film te zien. Ik heb hem gezien op een onafhankelijk filmfestival, dus verwacht niet dat hij binnenkort naar jouw stad komt. Tijdens de film zag ik ongeveer 10 mensen opstaan en naar buiten lopen. Jammer voor hen (hier in het zuiden vinden mensen het niet prettig om ondertitels te moeten lezen). De film begint langzaam, maar is zo rijk aan dialogen dat ik me nooit verveelde. Toen de actie eindelijk kwam, zat ik aan het scherm vastgeplakt alsof ik in een achtbaan zat. Ik kreeg ook een enorme kick van de hoofdstuktitels die voor de hoofdstukken verschenen, vooral van de hoofdstukken waarin de personages op het scherm worden geïntroduceerd. Het deed me denken aan Zelda (Ocarina of Time) als je de baas bent.<br />Als dit de toekomst is van 'videogames/commerciële boeken', dan ben ik daar blij om.

text_en:
I am so glad that i got a chance to see this rare little gem of a movie. I saw it at an independent film festival, so don't expect it to come to your town anytime soon. During the film, i noticed about 10 people get up and walk out. Too bad for them (down here in the south, folks don't like having to read subtitles). The movie starts out slow, but is so rich in dialogue that i never felt bored. When the action finally arrives, i found myself glued to the screen as if i were riding a roller coaster.

I also got a big kick of the Chapter Titles appearing before the chapters, especially the ones that introduce the characters as they appear on screen. It reminded me of Zelda (Ocarina of Time) when you face level bosses.

If this is the future of "video game/comic book" movies, then i welcome it.


text:
Ik vond deze film erg goed doordacht. De premisse is heel fantasievol en als kijker werd ik meegesleept naarmate de personages zich ontwikkelden. Het ijsberen wordt heel goed gedaan door degenen die graag denken <0xE2><0x80><0x93> er wordt al vroeg voor de kijker verborgen gehouden wat er allemaal gebeurt en er blijven vragen opkomen die later worden beantwoord, wat een goed doordachte en zeer bevredigende film oplevert, zowel cerebraal als vanuit een actiestandpunt.
Het schijnt dat sommige mensen op zoek waren naar een non-stop ritje in de achtbaan met deze film <0xE2><0x80><0x93> een van die dingen die uit de poort komen stormen. Dit zou meer analoog zijn aan een van die attracties die je eerst langzaam de heuvel op voeren <0xE2><0x80><0x93> waardoor je een heerlijk gevoel van verwachting krijgt <0xE2><0x80><0x93> en die uiteindelijk, naar mijn mening, bevredigender zijn voor de fundering die in eerste instantie is gelegd.
Uitstekende film.

text_en:
I found this movie to be very well-paced. The premise is quite imaginative, and as a viewer I was pulled along as the characters developed. The pacing is done very well for those that like to think--enough is kept hidden from the viewer early on, and questions keep arising which are later answered, producing a well-thought out and very satisfying film, both cerebrally and from an action standpoint.

It seems some people were looking for a non-stop roller-coaster ride with this film--one of those that comes charging out of the gate. This would be more analogous to one of those coasters that first takes you slowly up the hill--creating a wonderful sense of anticipation--and is ultimately, in my mind, more fulfilling for the foundation initially laid.

Excellent film.


text:
Alive
Alive is een zeer onderhoudende sci-fi-film uit Japan. Ik heb een heleboel teleurgestelde filmfanaten gezien die dol waren op Versus, de debuutfilm van deze regisseur, of zijn derde film Azumi. Ik heb gehoord dat het bloeddoordrenkte films zijn met zwaarden en zombies en allerlei andere leuke dingen. Eerlijk gezegd ben ik naar de videotheek gegaan om Versus te halen, maar ik heb het prima naar mijn zin met Alive.
Als je op zoek bent naar van begin tot eind muur tot muur actie, dan is Alive niet de juiste keus. Er is meer dan genoeg actie, hoe je het ook wendt of keert, als beloning voor een heel uur van karaktergedreven opbouw. Persoonlijk vind ik het goed gedaan en de moeite waard. Natuurlijk is een deel van de plot een beetje raar, zoals bij veel actiefilms van sci-fi, en ik denk dat de ondertiteling die de term 'buitenlands object' gebruikt, vervangen had kunnen worden door 'parasiet' om meer effect te sorteren. Deze film is wreed als het nodig is om zo flauw te zijn dat het niet van toepassing hoeft te zijn.
Ze hebben het budget laag gehouden door alle actie voor het grootste deel te beperken tot één ondergronds gebouw (als een keu vanuit de kubus) maar de film heeft er geen last van. Een andere bonus voor deze film zijn intense gothic fantasieën die met grote artistieke flair worden uitgevoerd tijdens de vele Flashbacks en droomsequenties.
Huur dit!

text_en:
Alive

Alive is a very entertaining SCI-FI movie from Japan. I have noticed a lot of disappointed film geeks who loved Versus this director's debut film or his third film Azumi. I have heard they are blood drenched films with swords and zombies and all kinds of goodies. Frankly I went to the video store to get Versus but I am just fine with Alive.

If you are looking for beginning to end wall to wall action then Alive is not your pick. There is plenty of action however it comes as pay-off for a whole hour of character driven build-up. Personally I think it is well done and worth it.

Of course some of the plot is silly as with many SCI-Fi action films and I think the subtitles using the term foreign object could have replaced with parasite for greater effect. This film is brutal when it needs to be so faint of heart need not apply.

They kept the budget down by for the most part confining all the action to one underground building(taking a cue from the cube) but the film doesn't suffer for it. Another bonus for this film is intense gothic imagines that are done with great artistic flair during the many Flashbacks and dream sequences.

Rent this!


text:
De film begint met een stel Dode Mensen Lopende gluurders die in afzonderlijke cellen zitten te wachten op hun onvermijdelijke ontmoeting met de dood, vertegenwoordigd door de elektrische stoel.
Dan wordt onze 'held', die Tenshu heet, naar de stoel gebracht, hij wordt gesaboteerd en dan... is hij nog steeds 'levend'. AHA! Hij krijgt de keus van een paar enge militairen die er echt cool uitzien: of we saboteren je tot we er zeker van zijn dat je echt dood bent <0xC3><0xB2>f je kunt door deze deur lopen en het lot aanvaarden dat je misschien te wachten staat. Onze held zegt ja tegen optie 2, en dan begint het eigenlijke verhaal. Hij wordt wakker in een ander soort cel (zeer geavanceerd en heel groot), waar hij een andere celgenoot vindt, die ook de elektrische boogie-ride heeft overleefd. Een stem door de luidsprekers vertelt hun dat ze vrij zijn om te doen wat ze willen, zolang het maar in die kamer gebeurt. Het klinkt een beetje verdacht, maar de twee mannen accepteren het: wat kunnen ze anders doen?
Wat deze twee mannen niet weten, is dat ze bij elkaar zijn gezet, zodat ze een innerlijke drang kunnen wekken om elkaar te doden. In wezen houden de onbekende wetenschappers op de achtergrond hen op afstand tot ze besluiten dat ze elkaar moeten doden. Klinkt raar? Inderdaad, maar zo is het.' Dit alles heeft een groter doel. DIT is het gedeelte dat niet onthuld mag worden, en dus zal het niet onthuld worden.
Maar vrees niet, het is het onbekende dat de kijker verleidt om meer van deze pseudo-actiefilm te zien, want hij heeft een totaal andere benadering van de vraag: hoe lang kun je het uithouden met een man die een O.B. is en zou je hem doden om je vrijheid te verkrijgen?
Het eerste uur is in wezen een poging om je belangstelling te wekken, het komt ongemerkt naar boven. Dan wordt het een achtbaanrit met WILD Matrix-achtige actiescènes met een vleugje individualiteit ter ere van het stripboek waarop de film is gebaseerd.
De film is inderdaad heel bijzonder, zo bijzonder dat normale bioscopen hem niet onder normale omstandigheden willen vertonen. Maar het verhaal is fascinerend, de muziek is fantastisch en de acteurs doen hun best (sommigen meer dan anderen) om de film echt uniek te maken.
Als je zo gelukkig bent dat je bioscoop of videotheek hem heeft, kijk er dan naar en geniet van het feit dat niet iedereen probeert grote films te maken om grote sommen geld te verdienen.

text_en:
The movie starts out with a bunch of Dead Men Walking peeps sitting in individual cells, waiting for their inevitable meeting with death represented by the electrical chair.

 Then our "hero", who is called Tenshu, is taken to the chair, he's zapped, and then....he's still "Alive". AHA ! He is given a choice by some creepy military guys who look really cool : Either we zap you until we've made sure you're actually dead OR you can walk through this door and take whatever destiny might lie ahead of you". Our hero says yes to option 2, and then the actual story commences.

 He wakes up in a different sort of cell (very high-tech and very big), where he finds another cell-mate, who also managed to survive the electric boogie-ride. A voice in the speakers tells them that they are free to do whatever they wish, as long as it happens within that room. Sounds a little suspicious, but the two men accept : What else can they do ?

 What these two men do not know is that they have been set together, so they can awaken an inner urge to kill within them. Basically the unknown scientists in the background p**s them off until they decide that they should kill each other. Sounds weird ? Indeed, but there's a greater purpose to all of this. THIS is the part which should not be revealed, and so it shall remain unrevealed.

 But fear not, it is the unknown that lures the viewer to watch more of this pseudo-action movie, fore it has an entirely different approach to the question : How long time can you stand being with a man who's an S.O.B. and would you kill him to obtain freedom ?

 The first hour is basically trying to awaken your interest, it sneaks up without you actually knowing it. Then it becomes a roller coaster ride with WILD Matrix-like action fight-scenes with a touch of individuality to honor the comic book from which the movie is based upon.

 The movie is indeed very special, so special that normal cinemas won't view it under normal circumstances. However, the story is fascinating, the music is fantastic, and the actors do their bit (some more than others) to make the movie truly unique.

 If you should be so fortunate that your cinema or video store has it, watch it, and enjoy the fact that not everyone is trying to make mainstream movies to earn huge bunches of cash.


text:
Tenshu wordt gevangengezet en ter dood veroordeeld. Als hij de elektrocutie overleeft, geven de regeringsfunctionarissen hem de keus om in een hogere mate te worden geëlektrocuteerd of akkoord te gaan met een paar experimenten. Hij kiest voor de experimenten en wordt in een grote metalen cel gezet met een zware crimineel die de elektrocutie ook heeft overleefd. Ze mogen alles wat ze maar willen in de kamer hebben (binnen redelijke grenzen), maar ze kunnen niet weg. Na een paar dagen worden de maaltijden teruggebracht tot één per dag en wordt de temperatuur in de kamer te hoog ingesteld. Na nog een paar keer met tussenpozen alarm te hebben geslagen, kunnen ze niet slapen. Op een dag komt er een 'heks' hun cel binnen (al is het dan een glazen afvoer). Wat er daarna gebeurt laat ik aan jullie over. Ik mag hier dan in de minderheid zijn, maar ik vond de opbouw wel leuk, het intrigeerde me. Als het resultaat maar half zo goed was geweest als de opbouw was geweest, zou ik dit veel hoger hebben gewaardeerd.

Mijn cijfer: een zes.

De 2 dvd van Media Blaster bevat extra's: Disc 1) Director's Cut; Trailers voor 'Versus', 'Aragami', 'Attack the Gas Station' en 'Deadly Outlaw Rekka' Disc 2) Theatrale Cut; Commentaar bij Hideo Sakaki, Ryuhei Kitamura, Sakaguchi Takuand Tsutomu Takahashi; interview met de cast en de crew; Making of; Original Trailer; and Promo Teasers.

text_en:
Tenshu is imprisoned and sentenced to death. When he survives electrocution the government officials give him a choice to either be electrocute at a greater degree or agree to some experiments. He chooses the experimentation and is placed in a large metallic cell with a bad ass criminal who also survived the electrocution. They can have whatever the want in the room (within reason), but they can't leave. after a few days there meals are cut down to one per day and the room temp is set up too 100. After some more alarms are sounded at intervals so they can't sleep. One day a 'witch' come into their cell (albeit a glassed off portion) What happens next I'll let you find out. I may be in the minority here but I liked the build up, it was intriguing to me. Now if the payoff was half as good as the build up was I would have rated this so much higher.

My Grade: C+

Media Blaster's 2 DVD set Extras: Disc 1) Director's Cut; Trailers for "Versus", "Aragami", "Attack the Gas Station", and "Deadly Outlaw Rekka" Disc 2) Theatrical Cut; Commentary with Hideo Sakaki, Ryuhei Kitamura, Sakaguchi Takuand Tsutomu Takahashi; Cast and crew interview; Making of; Original Trailer; and Promo Teasers


text: Een inventieve, spannende oefening in claustrofobie. Een Japanse thriller die zichzelf een zware uitdaging oplegt door helemaal in twee kamers te spelen. Niet helemaal succesvol, maar strak, verrassend en goed geacteerd. Je zou kunnen zeggen dat de film enigszins doet denken aan SAW <0xE2><0x80><0x93> twee mannen die in een kamer opgesloten zitten en het tegen elkaar opnemen <0xE2><0x80><0x93> maar in tegenstelling tot die film durft hij bij zijn uitgangspunt te blijven en de held de hele film lang in zijn cel te houden. Het is alsof je naar een laboratoriumexperiment kijkt. Sommige mensen zullen de ingehouden spanning saai vinden, maar deze recensent vond het fascinerend. De geluids- en beeldkwaliteit van de film zijn verbluffend goed. Dit is beslist een goede film om een goed videosysteem thuis te laten zien. Net iets voor een filmavondje laat op de avond, als je in de paranoïde stemming bent. Het heeft me die nacht in elk geval wakker gehouden.

text_en: An inventive, suspenseful exercise in claustrophobia. A Japanese thriller that sets itself a tough challenge by being entirely set in two rooms. Not completely successful, but taut, surprising and well-acted. One might find the film somewhat reminiscent of SAW  two men trapped in room and pitting against each other  but unlike that film it dares to stay with its premise and keep the hero locked in his cell throughout the film. It's like watching a lab experiment. Some might find the contained suspense tedious, but this reviewer found it enthralling. The sound and imagery of the film are stunningly well realized. This is a certainly a good film to use to show off a good home video system. Just right for a late night movie fest, when one is in the paranoid mood. It certainly kept me awake that night.


text: De meeste klachten die ik over deze film heb gehoord, komen in feite op één ding neer: het is geen Versus. Ja, de cast en de crew zijn in wezen hetzelfde. Ja, Kitamura maakt een paar nieuwe scènes in de vechtscènes die in de tweede helft van de film komen, maar daar houden de overeenkomsten zo'n beetje op. Versus speelt zich in wezen allemaal buiten de muren af, en toont Kitamura's vermogen om op natuurlijke locaties een interessante B-film te maken. Voor _Alive_ gebeurt bijna alles binnen. In kleine, benauwde ruimtes. Hier wordt de kunstvorm in je gezicht geduwd, en wat voor kunstvorm! We worden getrakteerd op een aantal zeer ingewikkelde en interessante ruimtes, en onze personages zijn voor het grootste deel beperkt tot die ruimtes. Een belangrijk verschil is ook dat wij niet...' Tot het einde van de film is er weinig actie te zien. Versus ging alleen maar over actie en cool, hier wordt veel meer nadruk gelegd op personages en situatie en het manipuleren van je geest. Daarom is _Alive_ een veel interessantere film dan _Versus_. Je mag hem niet afspelen en naar een willekeurige scène gaan om vijf of tien minuten naar cool zombiebloedvergieten te kijken, maar je zit bijna twee uur lang aan het scherm gekluisterd om te zien hoe een paar echt interessante personages met elkaar in contact komen.<br />'Ik ben nu dolblij dat ik de dvd heb besteld, ondanks wat neezeg. Dat zou jij ook moeten doen! Maar besef wel dat dit een ander beest is dan _Versus_ <0xE2><0x80><0x93> het is echt.' Ik hoop dat Media Blasters het oppikt voor ondertitelde dvd-uitgave!

text_en:
Most complaints I've heard of this film really come down to one thing: It isn't Versus. Yes, the cast and crew is basically the same. Yes, Kitamura rehashes a few shots in the fight scenes that come in the film's second half, but that's about where the similarities end. Versus takes place essentially all outside, showcasing Kitamura's ability to craft an interesting B-movie in natural locations. For Alive, almost everything takes place inside. In small, cramped spaces. Here the art design is thrust into your face, and WHAT art design it is! We are treated to several very intricate and interesting spaces, and our characters are for the most part confined to those spaces. Also a key difference is that we don't get much action here until the end of the film. Versus was all about action and cool, here a LOT more emphasis is put on characters and situation and messing with your mind. Because of this, Alive is a far more interesting film than Versus. You may not pop it in and go to a random scene to watch five or ten minutes of cool zombie bloodshed, but you will sit glued to the screen for nearly two hours watching he interaction of a few genuinely interesting characters.

I'm now ecstatic that I ordered the DVD despite some naysay. You should too! But be sure to realize this is a different animal from Versus - it's often slow, and requires a bit of thought to get the most out of it. I hope Media Blasters picks it up for subtitled R1 DVD release!


text: Dit zou wel eens de enige film kunnen zijn die in de buurt komt van het vastleggen van de in wezen onvervangbare wereld van de Amerikaanse studententijd aan het eind van de jaren zestig <0xE2><0x80><0x93> begin jaren zeventig. Ga je gang, noem maar een andere film die zelfs maar in de buurt komt van deze: 'Getting Straight'? 'RPM'? Dit zijn karikaturen. 'Return of the Secaucus Seven' heeft zijn momenten, maar dat is een retrospectieve film over (zelfzuchtige) individuen, meer dan een film over een tijd en een plaats die _in_ die tijd en plaats worden geïllustreerd. Er woedt een oorlog), de seksuele revolutie van die tijd en de algemene onwerkelijkheid van die tijd. Geloof me, zo was het.<br />De hele cast verdient een eervolle vermelding (net als de regisseur, natuurlijk), maar speciale loftuitingen zijn voorbehouden aan Bruce Dern, als de basketbalcoach, en aan Karen Black, die - afgezien van die ene keer - een zeer ongebruikelijke liefde koestert. William Tepper, de hoofdrol, krijgt ook een echt applaus, zowel voor zijn perfecte vertolking van de student-atleet van die tijd als voor het feit dat hij echt collegebasketbal speelde in de film (weet je nog, Anthony Perkins in 'Tall Story'? Jasses!). Al met al een soort klassieker <0xE2><0x80><0x93> en de laatste film waar iemand op dit moment in de zesde klas commentaar op zou moeten geven ('saai', 'afstotend' <0xE2><0x80><0x93> hm, goed, jochie, ga maar weer terug naar je Arnold-films).

text_en:
This may be the only film that actually comes close to capturing on film the essentially uncapturable world of the American college experience of the late 60s-early 70s. Go ahead, name another movie that even approaches this one: "Getting Straight"? "RPM"? These are caricatures. "Return of the Secaucus Seven" has its moments, but that's a retrospective film about (self-obsessed) individuals more than a film about a time and a place depicted *in* that time and place. "Drive, He Said" portrays-- with subtlety and nuance where it should, and a swift kick in the shorts where that's the only appropriate way-- the anti-draft movement, the ambiguity of big-time college sports (especially when there's a war on), the sexual revolution of the period, and the general unreality of the day. Believe me, it was like that.

The whole cast deserves commendation (as does the director, of course) but particular praise should be reserved for Bruce Dern, as the basketball coach, and Karen Black, the hero's very unusual-- except for that time-- love interest. William Tepper, as the lead, also rates a real round of applause both for his perfect capturing of the student-athlete of the period and for actually playing real college basketball in the film (remember Anthony Perkins in "Tall Story"? Yikes!).

All in all, a classic of a kind-- and the last film someone currently in 6th grade should be writing comments on ("boring", "repellent"-- um, right, sonny, please go back to your Arnold movies). Why isn't this film available from imdb?


text: Als Jack Nicholsons regiedebuut laat _Drive, He Said_ in elk geval zien dat hij een begaafd regisseur van acteurs is. Zelfs als het verhaal zijn weg naar het publiek lijkt te verliezen (en naar een modern publiek <0xE2><0x80><0x93> als ze het kunnen vinden, dat zo nu en dan op eBay opduikt <0xE2><0x80><0x93> lijkt het misschien vrijer van vorm dan ze denken), bevat de film levendige, interessante personages. De film gaat over twee studenten: de hoofdpersoon is Hector (William Tepper, in hoeverre doet hij denken aan een uit de hand gelopen optreden), een ster van de Leopards, het basketbalteam van de universiteit waar hij in speelt. Terwijl hij te maken heeft met een coach (Bruce Dern) die hem onder druk zet om geconcentreerd te blijven, en met een af en aan vriendin (Karen Black) met haar eigen emotionele problemen, is er ook nog Gabriel (Michael Margotta), de andere jongen. Gabriel, zo lijkt het, is net iets meer dan een beetje van slag door de mogelijkheid om opgeroepen te worden, en in zijn eigen radicale geestestoestand doet hij wat hij kan om buiten schot te blijven. Maar terwijl Hector de balans probeert te vinden tussen zijn naderende roem en degenen van wie hij houdt, gaat Gabriel over de drempel van de waanzin. En van Tepper, Black en zelfs Robert Towne (de schrijver van Chinatown, Last Detail en Mission: Impossible onder anderen, die zelden acteert) krijgt hij geloofwaardig acteerwerk. Hoewel Tepper de neiging heeft zijn emoties te bagatelliseren. In sommige scènes, bijvoorbeeld als hij briljant sarcastisch kan zijn, speelt hij het niet naar waarde. Bij Margotta daarentegen zit er een levendige, verwrongen kracht in zijn optreden, en als hij afdaalt is dat angstaanjagend, maar misschien wel begrijpelijk in deze tijd (en wat een climax). Dern steelt trouwens de meeste van zijn scènes in een prestatie die hem een Oscarnominatie had moeten opleveren. Elke regel van zijn dialogen is gepast, dat is waar, en nooit zo opgeklopt als in recente coach-filmopvoeringen.<br />Maar wat de film naar beneden haalt, is het feit dat elementen die met de personages te maken hebben niet worden verklaard in de mate die je misschien zou wensen. De film is gebaseerd op een roman van Jeremy Larner, die het script samen met Nicholson heeft geschreven, en ik had verwacht dat de film langer zou zijn dan hij was. Het is een dun boekje met veel informatie, over de tijd, over de sport, over de onderliggende gevoelens die de jongere generatie had. Nicholson presenteert ons deze personages en situaties, en zelden worden ze getoond om wat ze motiveert (de anti-oorlogsdemonstranten niet meegerekend, hun rol is begrijpelijk genoeg). Gabriel is van streek door wat er in Vietnam gebeurt, maar wat is er verder nog? Hector is ook iemand die bang is om te worden opgeroepen voor de NBA, en hij speelt nog steeds graag, maar wat houdt hem tegen? Deze hele sfeer is intrigerend, zoals de studenten- en basketbalervaring aan het eind van de jaren zestig was, maar die intrigerende eigenschap, die tot enige onconventionaliteit leidt, wordt op een punt gehouden waar hij niet verder kan. Al met al is het effect van de film als geheel bitterzoet, en enigszins gedenkwaardig vanwege de goede punten, en niet vanwege de slechte. En het staat vast dat je precies kunt zien wie er achter de lens staat.

text_en:
As Jack Nicholson's directorial debut, Drive, He Said displays at the least that he is a gifted director of actors. Even when the story might seem to lose its way to the audience (and to a modern audience - if they can find it, which pops up now and again on eBay - it might seem more free formed than they think), the film contains vivid, interesting characterizations. The film tells of two college kids: the protagonist is Hector (William Tepper, in what borders on a break-out performance), a star of the Leopards, the college basketball team he plays on. While he has to deal with a coach (Bruce Dern) who puts on the pressure to stay focused, and a on and off girlfriend (Karen Black) with her own emotional problems, there's Gabriel (Michael Margotta), the other kid. Gabriel, it seems, is just a little more than freaked out by the possibility to be drafted, and so in his own radical mind-state he does what he can to keep out. But as Hector tries to find the balance between his oncoming fame and those he loves, Gabriel is going over the threshold of sanity.

Nicholson, on the technical side of things, displays a fascinating editing style that keeps things on edge during the basketball scenes, and implements darkness in many other scenes with a documentary-feel throughout. And from Tepper, Black, and even Robert Towne (writer of Chinatown, Last Detail, and Mission: Impossible among others, who rarely acts) he garners some credible acting work. Though in Tepper there is a tendency to downplay his emotions. In some scenes, for example, when he could act brilliantly sarcastic, he doesn't play it for what it's worth. From Margotta, on the other hand, there is a vibrant, twisted force in his performance, and as he descends it's frightening, but perhaps understandable from the times (and what a climax). Dern steals most of his scenes, by the way, in a performance that should have garnered him an Oscar nomination. Every line of his dialog is appropriate, true, and it's never hammed up like in recent coach movie performances.

But what drags down the film is that elements involving the characters aren't explained to the degree one might wish more. The film was based on a novel by Jeremy Larner, who co-wrote the script with Nicholson, and I was expecting that the film to be longer than it was. It's a slim volume with a lot of information, about the times, about the sport, about the underlying feelings that were with those of the younger generation. Nicholson presents us with these characters and situations, and rarely are they shown to what's motivating them (the anti-war protesters not included, their part's understandable enough). Gabriel is perturbed by what's going on in Vietnam, but what else is there? Hector, too, is a guy who has apprehensions about being drafted for the NBA, and he still loves to play, but what's holding him back? This whole atmosphere is intriguing, how the late 60's college/basketball experience was, but that intriguing quality, which does lead to some unconventionality, is kept at a point where it can't go too further. Overall, the effect of the film as a whole is bittersweet, and somewhat memorable for its good points, and not for it's low ones. And, for sure, you can tell who's behind the lens every step of the way. B+


text:
Succes met het vinden van deze film <0xE2><0x80><0x93> hij is nog niet op band of dvd uitgebracht. Ik zag hem in het begin van de jaren zeventig, had het geluk dat ik hem te pakken kreeg via de inspanningen van de American Cinematheque, en er zitten nog steeds een paar tastbare momenten in die me dertig jaar bij zijn gebleven.
Er is geen reden om Rwints nauwkeurige commentaar hier te herhalen. Men zegt dat Jack N., die kort na het daverende succes van Five Easy Pieces werd aangesteld als regisseur van lowbudgetfilms, het lowbudgetwerk zo goed mogelijk heeft aangepakt, en dat is zeker te zien aan het rondzwerven dat wel wat herschreven had kunnen worden. Maar het is ook een gedenkwaardig icoon voor de tijd van het jaar: de zeer intense botsingen van het eind van de jaren zestig.' Studentensport, studentenbewegingen, seksuele revolutie, en nog veel meer.
Waarom zou ik die film zien?
Waarschijnlijk was het in sommige scènes een breekpunt: de speelse mannelijke band tijdens de douches na de wedstrijd; Karen Blacks scène met Tepper in de auto brengt je een beetje van je stuk <0xE2><0x80><0x93> maar het is de eerste keer dat ik een woord gebruik dat ik niet eerder in een film heb gezien; en het terloopse en onverwachte gebruik van naaktheid in het algemeen. Er zijn er waarschijnlijk nog meer die ik oversla. Zoek naar een leuke verrassing van een jonge Cindy Williams in een van haar eerste films; een magere David Ogend Stiers; Mike Warren die net zijn kobaltblauwe UCLA-uniform heeft uitgetrokken en zich opmaakt voor een donkerblauw tv-uniform; Robert Towne <0xE2><0x80><0x93> acteur; en een heleboel mensen die gewoon zichzelf spelen.
Nu: is er enig verband tussen de achternaam van Harry Gitte, Robert Towne, en een bepaalde figuur in Chinatown en de Two Jakes?
<0x3E><0x3E> Het krijgt een '7' op basis van Karen Black.

text_en:
Good luck finding this film to even watch - it's not yet released on tape or DVD. I saw on release in the early '70's, was lucky enough to catch it via American Cinematheque's preservation efforts, and it still has some tangible moments that stayed with me for thirty years.

No reason to repeat rwint's accurate comments here. As a come-out Director soon after the soaring success of Five Easy Pieces, Jack N has been said to have managed the low budget effort as best as possible, and it certainly shows in the wandering and meandering that could have used some re-cutting. But it's also a memorable icon for it's time: the all very intense clashes of late 60's college sports, student movements, sexual revolution, and more.

Why see this film? It was probably a ground breaker in some scenes: the frisky male bonding in the after-game showers; Karen Black's scene with Tepper in the car will catch you a little off guard - but it's the first use of a word I hadn't witnessed in film before; and the casual and unexpected use of nudity overall. There are probably others I'm omitting.

Look for a nice surprise of a young Cindy Williams in one of her first films; a thin David Ogend Stiers; Mike Warren fresh out of his powder-blue UCLA uniform and readying for a dark-blue TV uniform; Robert Towne - Actor; and a whole lot of folks simply playing themselves.

Now: any connection between Harry Gittes last name, Robert Towne, and a certain character in Chinatown and the Two Jakes?

It gets a "7" based on Karen Black. You'll see why.


text:
In één woord... verbazingwekkend.
In eerste instantie had ik niet zo'n zin om Pinjar te zien, omdat ik dacht dat het weer zo'n film zou zijn die zou klagen over de scheidingswand en vooroordelen jegens India en Pakistan zou tonen. Ik had het helemaal mis. Pinjar is een hartverscheurende, emotionele en intelligente film zonder zichtbare gebreken. Ik werd erdoor achtervolgd nadat ik hem had gezien. De thema's, de pijn, het verlies, de emotie <0xE2><0x80><0x93> alles was zo echt.
Dit is echt een meesterwerk dat je tegenwoordig nog maar zelden in Bollywood te zien krijgt. Het kent geen vooroordelen of vooroordelen en heeft de scheidingswand een menselijk verhaal gegeven. Hier wordt geen enkel land als goed of slecht afgeschilderd. Er zijn kwaadaardige Indiërs, kwaadaardige Pakistani's en goede Indiërs en Pakistani's. De filmografie is uitstekend en de muziek is melodieus, betekenisvol (dankzij Gulzar sahib) en meeslepend. Alles aan de film was verbazingwekkend... en het acteren benam me de adem. Ze waren allemaal perfect gecast.
Als je geïnteresseerd bent in het kijken naar een intellectuele en werkelijk schitterende film... kijk dan niet verder. Deze film geeft het allemaal. Ik kan hem met heel mijn hart aanbevelen. VERbluffend kan niet beschrijven hoe voortreffelijk hij is.

text_en:
In a word...amazing.

I initially was not too keen to watch Pinjar since I thought this would be another movie lamenting over the partition and would show biases towards India and Pakistan. I was so totally wrong. Pinjar is a heart-wrenching, emotional and intelligent movie without any visible flaws. I was haunted by it after watching it. It lingered on my mind for so long; the themes, the pain, the loss, the emotion- all was so real.

This is truly a masterpiece that one rarely gets to see in Bollywood nowadays. It has no biases or prejudices and has given the partition a human story. Here, no one country is depicted as good or bad. There are evil Indians, evil Pakistanis and good Indians and Pakistanis. The cinematography is excellent and the music is melodious, meaningful (thanks to Gulzar sahib) and haunting. Everything about the movie was amazing...and the acting just took my breath away. All were perfectly cast.

If you are interested in watching an intellectual and genuinely wonderful movie...look no further. This movie gives it all. I recommend it with all my heart. AMAZING cannot describe how excellent it is.


text:
Pinjar is een echt goede film, met geweldig acteerwerk, een goed verhaal, een goede presentatie, ontroerende emoties, enz.
Ik heb de indruk dat de kwaliteit van Bollywoodfilms de laatste tijd behoorlijk toeneemt, en deze film is daar een bewijs van.
Voor zover ik me kan herinneren heeft geen enkele Bollywoodfilm zo'n indruk op me gemaakt <0xE2><0x80><0x93> ik heb letterlijk urenlang over de film nagedacht en me verbaasd over de verschillende emotionele situaties die het menselijk in een mens op de proef stellen.
De film is gebaseerd op de geweldige acteerprestaties van Urmilla Matondkar, en ook een paar van Manoj Bajpai. Urmilla speelt een meisje in Noord-India op de achtergrond van de scheidingswand, en alle problemen lijken klein als je ze vergelijkt met de problemen die ze toevallig onder ogen moet zien.
Een film die je moet zien. Een technisch superieur Bollywood-product, dat naar mijn idee vergelijkbaar is met de beste films uit andere landen.

text_en:
Pinjar is a genuinely good film, with great acting, good narrative, good presentation, touching emotions, etc.

It seems to me that the quality of films that Bollywood is producing is quite improving these days, and this film is one evidence.

No Bollywood movie that I can remember of made such an impact on me - I was literally thinking about the movie for hours - marvelling at the various emotional situations that test the human in a human.

The film rests on the great acting of Urmilla Matondkar, and also some from Manoj Bajpai. Urmilla plays a girl in North India in the background of the partition, and all troubles seem sweet if compared with the problems she happens to face.

A must-see film. A technically superior Bollywood product, which I feel is comparable to the best movies coming out of other countries in the world.


text: Veel van de recensenten hebben opgemerkt dat Pinjar niet te vergelijken is met de massafilms die in Bollywood worden geproduceerd. Dit is weliswaar waar, maar Bollywoodfilms in het algemeen zijn afgestemd op een specifiek publiek en moeten worden gewaardeerd om hun doel in dit opzicht te bereiken.<br />Pinjar is echter een uitstekende film voor degenen die een verandering willen aanbrengen in de normale op Bollywood gebaseerde films. Pinjar, die zich afspeelt in de tijd van de Deling tussen India en Pakistan, concentreert zich op een meisje uit Punjab dat het slachtoffer wordt van maatschappelijke en culturele opvattingen over de behandeling van vrouwen in haar tijd. Paro, de hoofdpersoon, wordt gedwongen te kiezen tussen een leven met een man die haar heeft ontvoerd en de vluchtige hoop op een leven met haar familie in het door de Indiërs beheerste deel van Punjab. Meer dan een kwestie van hindoes en moslims behandelt en definieert Pinjar de rol van een vrouw als dochter, als echtgenote en als moeder in India en Pakistan in 1947. In tegenstelling tot de Bollywood-films, die van nature ontsnappingsfilms zijn, is Pinjar een film die het publiek dwingt deze kwesties tijdens en na de film te overdenken.

text_en:
Many of the reviewers have made it a point to note that Pinjar is unlike the run of the mill films produced in Bollywood. While this is true, Bollywood films in general are geared to a specific audience and should be appreciated for accomplishing their aims in this regard.

However,Pinjar is an excellent film for those seeking a change from the normal equation based Bollywood film. Set during the time of Partition between India and Pakistan, Pinjar focuses on a Punjabi girl who becomes the victim of societal and cultural attitudes toward the treatment of women in her time. Paro, the protagonist, is forced to choose between a life with a man who has abducted her and the fleeting hope of a life with her family back in Indian ruled Punjab. More than an issue of Hindus and Muslims, Pinjar addresses and defines a woman's role as a daughter, as a wife, and as a mother in India and Pakistan in 1947. Unlike typical Bollywood films which are escapist in nature, Pinjar is a film that makes its audience contemplate these issues during and after the film.


text: Pinjar is een van de weinige films die echt indruk maakt en je aan het denken zet. De film, die zich afspeelt in India, toont de ware realiteit van de scheiding van India. Urmila haalt hoge cijfers voor haar prachtige en zeer emotionele vertolking van een lijdende vrouw die geen kant op kan. Haar vrijheid, persoonlijke identiteit en het respect van haar familie zijn van de ene op de andere dag weggenomen door een tragische onenigheid over land. Manoj bajpai is gewoon briljant als haar berouwvolle ontvoerder. Er zijn in de film een paar momenten waarop je in tranen uitbarst. De film is op sommige punten zeer traumatisch. Sommige van de scheidingsscènes doen je de rillingen over de rug lopen, maar Urmila's uithoudingsvermogen en overlevingsdrang zijn opmerkelijk. Van een vrouw die van haar vrijheid wordt beroofd door een vrouw die vrouwen in soortgelijke situaties hun vrijheid geeft. Een opmerkelijke film die de eer verdient van intelligente personages en een goed verhaal.

text_en: Pinjar is one of the few movies that really leaves a mark and makes you think hard. Set in Partition India, this film Shows the true reality of partition India. Urmila gets full marks for her beautiful and deeply emotional portrayal of a suffering woman with no way to go. Her freedom, personal identity and family respect taken away overnight over a tragic land dispute. Manoj bajpai is simply brilliant as her remorseful abductor. There several moments in the film where one is brought to tears. The film at points is deeply traumatic. Some of the partition scenes are spine chilling, yet Urmila's endurance and survival are both remarkable. From a woman robbed of her freedom to woman who gave freedom to women in similar situations. A remarkable film that should be given credit for intelligent characters and storytelling.


text: Ik ben al sinds mijn vierde een Hindi-filmfanaat, maar ik heb nog nooit in mijn leven zo'n ontroerende en aangrijpende film gezien, vooral niet als het een Hindi-film is. De afgelopen jaren ben ik gestopt met het kijken naar hedendaagse Hindi-films en kijk ik weer naar klassiekers (Teesri Kasam, Mere Huzoor, Madhumati, Moeder India, Sholay, enz.). Maar deze film veranderde alles. Het is een van de beste films die ik ooit heb gezien. Ik vond hem niet alleen ontroerend, maar ook heel leerzaam voor iemand die als eerste generatie Indiase vrouw in Amerika opgroeit. Het hielp me mijn eigen familiegeschiedenis te begrijpen, die voor mij altijd iets abstracts was. De film heeft me geholpen veel dingen in perspectief te zien, vooral de gebeurtenissen in de wereld van nu. Ik had nooit gedacht dat een film mijn manier van denken zou kunnen veranderen... maar dat is wel gebeurd. De plot is fantastisch, de acteerprestaties voortreffelijk en de regie is vlekkeloos. Twee duimen omhoog!

text_en: I have been a Hindi movie buff since the age of 4 but never in my life have a watched such a moving and impacting movie, especially as a Hindi film. In the past several years, I had stopped watching contemporary Hindi movies and reverted to watching the classics (Teesri Kasam, Mere Huzoor, Madhumati, Mother India, Sholay, etc.) But this movie changed everything. It is one of the best movies I have ever seen. I found it not only to be moving but also found it to be very educational for someone who is a first generation Indian woman growing up in America. It helped me to understand my own family history, which was always something very abstract to me. But, to "see" it, feel it and understand it helped me to sympathize with the generations before me and the struggle that Indian people endured. The film helped to put many things into perspective for me, especially considering the current world events. I never thought that a movie could change the way I think like this before... it did. The plot is fantastic, the acting superb and the direction is flawless. Two thumbs up!


text: Deze film was absoluut geweldig. De tijd en de cultuur van voor de afscheiding zijn prachtig nagebootst. Urmila heeft weer een briljante voorstelling gegeven. Wat ik echt bewonder aan deze film, is dat hij geen gebruik maakt van de Pakistan-haat die zo vaak voorkomt in films als Gadar en LOC. Met de afscheiding als achtergrond richt de film zich niet op politieke kwesties of op geweld of op wat goed en fout is. De film draait altijd om het tragische verhaal van Urmila's leven. Haar kwetsbare relatie met Manoj Bajpai is uitstekend weergegeven. De film laat zien hoe de mensen, zowel hindoes als moslims, hebben geleden onder deze scheiding. Het thema dat er maar één religie is, komt in deze film echt voor.

text_en: This movie was absolutely wonderful. The pre-partition time and culture has been recreated beautifully. Urmila has given yet another brilliant performance. What I truly admire about this movie is that it doesn't resort to Pakistan-bashing that is running rampant in movies like Gadar and LOC. With the partition as a backdrop, the movie does not divert to political issues or focus on violence or what is right and wrong. The movie always centers around the tragic story of Urmila's life. Her fragile relationship with Manoj Bajpai has been depicted excellently. The movie actually shows how the people, both Hindus and Muslims, have suffered from this partition. The theme that there is only one religion is truly prevalent in this film.


text:
Ik heb geen woorden om te beschrijven hoe goed deze film is. Alleen een genie als Amrita Pritam had zo'n realistische weergave van de tijd van de scheiding kunnen schrijven. De film bleef me dagenlang achtervolgen.
Urmila speelde de rol van haar leven in deze film. Ze gaf leven aan de rol van Puroo en Manoj Vajpai deed niet minder in zijn rol van Rashid. Het is moeilijk voor te stellen dat iemand anders dan deze twee de rol van Puroo en Rashid zou spelen. De Punjabi kostuums zagen er zo natuurlijk uit bij Urmila en Manoj zag eruit als een natuurlijke Punjabi Mussalmaan.
Sandhali Sinha als Lajjo en Suri als Ramchand deden het fantastisch. Priyanshu Chattarjee deed het goed als Triloki. Sommige scènes kun je gewoon niet uit je hoofd zetten. Als Puroo Lajjo voor het eerst ontmoet, krijg je tranen in je ogen. De climax is gewoonweg adembenemend. Ik had een tragisch einde verwacht, maar gelukkig was het einde prachtig.
Deze film valt in dezelfde categorie als Pakeezah, Mughal-e-Azam, Banaras enz. Niet te missen.

text_en:
I don't have words to describe how good this movie is. Only a genius like Amrita Pritam could have written such a real depiction of the days of partition. The movie kept haunting me for many days.

Urmila did the role of her life in this movie. She put life in the role of Puroo and Manoj Vajpai did no less in his role as Rashid. It is hard to imagine anyone other than these two doing the role of Puroo and Rashid. The Punjabi costumes looked so natural on Urmila and Manoj looked like a natural Punjabi Mussalmaan.

Sandhali Sinha as Lajjo and Suri as Ramchand did fabulous job. Priyanshu Chattarjee did good work as Triloki.

Some of the scenes you just can't get out of your mind. When Puroo meets Lajjo for the first time, it brings tears to your eyes. The climax is just killer. I was expecting a tragic ending but thankfully, the ending was wonderful.

This movie is in the same category as Pakeezah, Mughal-e-Azam, Banaras etc. Not to be missed.