text:
Mijn Franse lessen van de derde klas waren altijd heel leuk. Op een multiculturele middelbare school in de binnenstad leverde de film veel onderwerpen op om over te discussiëren (in het Frans tijdens de les, maar ik weet dat veel discussies na de les in het Engels plaatsvonden). Het meest voor de hand liggend is de relatie tussen Protée en Aimée, vergeleken met die tussen Protée en Frankrijk.
Ik zei altijd dat ik deze film een van de'sexyste' scènes vond die ik ooit in een film had gezien. Op een keer riep een 17-jarige Afro-Amerikaan: 'Ja!' toen hij de scène doorhad: de scène waarin Protée Aimée helpt haar avondjurk dicht te rijgen, terwijl ze allebei de reflectie van de ander in de spiegel bestuderen. Als je je wilt concentreren op het innerlijke conflict van een of meer personages in een scène, is dit een perfect voorbeeld van de techniek, en het is'sexy'.
De meeste studenten hadden moeite het einde van de film te begrijpen. Een van hen opperde dat een van de thema's van de film 'Afrikanisme' was, en dat je, hoezeer je ook van Afrika of Afrikanen hield, niet 'Afrikaans' kon worden (zoals de chauffeur probeerde): je moest 'Afrikaans' zijn.

text_en:
My 3rd-year French classes always enjoyed this film very much. In a multi-cultural, inner-city high school, the film provided many subjects for discussion (in French in class, but I know a lot of discussion went on in English after class). The most obvious is the relationship between Protée and Aimée compared to the one between Protée and France.

I always mentioned that I felt this film had one of the "sexiest" scenes I had ever seen in a movie. One year, a 17-year-old African-American shouted, "Yes!" when he figured out the scene: the one where Protée is helping Aimée lace up her evening dress, all the while both are examining the reflection of the other in the mirror. Directors use the "mirror technique" when then want to focus on the inner conflict on the part of one or more character in a scene: this is a perfect example of the technique, and it is "sexy".

Most students had trouble understanding the end of the film. One suggested that one theme of the movie was "Africanism", and that no matter how much one loved Africa or Africans, one cannot "become" African (like the driver tried to do): one must BE African.


text: Helaas heeft deze film, vanwege de neiging van Amerikaanse kijkers om ondertitels te mijden, niet de distributie noch de aandacht gekregen die hij verdient. De subtiele thema's van thuishoren, identiteit, rassenverhoudingen en vooral hoe het kolonialisme alle partijen schaadt, overstijgen de voor de hand liggende dramatische spanningen, de nostalgische herinneringen aan de jeugd van de protaganiste, en het exotisch van haar relatie met de 'huisjongen' van haar ouders, misschien de enige 'echte' mens die ze kent. We zullen niet eens kijken naar de relatie van haar moeder met deze elegante man. Zo! Ik hoop dat ik je voldoende aanknopingspunten heb gegeven om het in je op te nemen, of je nu Frans spreekt of van ondertitels houdt. Ik daag je uit om net zo dapper, sterk en bewust te zijn als La P'tite.

text_en: Unfortunately, because of US viewers' tendency to shun subtitles, this movie has not received the distribution nor attention it merits. Its subtle themes of belonging, identity, racial relations and especially how colonialism harms all parties, transcend the obvious dramatic tensions, the nostalgic memories of the protaganiste's childhood, and the exoticism of her relationship with her parents' "houseboy," perhaps the only "real" human she knows. We won't even look at her mother's relationship with this elegant man. There! i hope i've given you enough of a hook to take it in, whether you speak French or like subtitles or not. I challenge you to be as brave, strong and aware as La P'tite.


text:
Dit is een verbazingwekkende film om naar te kijken of aan jonge mensen te laten zien. Afgezien van een heel korte naaktscène geeft hij een interessante blik op de koloniale overheersing in Afrika, die je in andere films zelden aantreft. Hij vertoont wel een oppervlakkige overeenkomst met BUITEN AMERIKA, maar dan zonder al die romantische flauwekul. De Blanke Fransen in Kameroen zijn fascinerend omdat ze de inboorlingen niet eens als mensen schijnen te beschouwen. De Witten zijn allemaal de bazen en ze verwachten slavernij van de Zwarten zonder vragen te stellen. Maar in tegenstelling tot echte dienaren hoor je een van de Witten maar één keer 'dank u wel' zeggen en die mensen wordt verder geen enkele achting betoond. Telkens en telkens weer.' Het is alsof ze huisdieren of slaven zijn, alsof de gevoelens van de mensen geen rol spelen.
De belangrijkste illustratie van deze onnadenkendheid is de relatie tussen de moeder, Aimée, en haar bediende, Protée. Hoewel ze af en toe veel tijd met elkaar doorbrengen en het niet meer dan normaal is dat ze seksuele gevoelens voor elkaar krijgen, denkt de White-vrouw nooit aan Protée of aan het bestaan van zijn gevoelens. Een goed voorbeeld van deze onnadenkendheid is wanneer ze Protée haar jurk laat dichtrijgen, en het is duidelijk dat dit hem seksueel frustreert. Afgezien van deze relatie, terwijl bijna alle Witten zich totaal niet bewust zijn van het feit dat Afrikanen mensen zijn, gaan enkelen zo ver dat ze de Afrikanen verbaal uitschelden en als oud vuil behandelen.
Ook interessant is de relatie tussen Protégé en het kleine meisje (dat aan het begin en aan het eind van de film volwassen is). Hoewel ze heel close zijn, is hij soms meer een speeltje of huisdier en het meisje speelt nooit met inlandse kinderen.
<0x3E> Er is een bizarre Witte figuur die soms meer oog lijkt te hebben voor de zwarten, maar helaas is zijn personage erg inconsistent en verwarrend. Ik kan er alleen maar naar raden wat zijn motivatie was <0xE2><0x80><0x93> misschien was hij gewoon een klootzak, of hij was gek, of misschien was hij een communistische agitator die de zwarten tegen de witten probeerde op te zetten (wie weet!). Afgezien van een paar goede scènes lijkt dit personage eigenlijk behoorlijk verknipt.
Hoewel ik echt genoot van het inzicht dat deze film gaf, wou ik dat het meer was geweest dan een paar fragmenten van deze wereld vanuit het perspectief van een kind in een korte periode van haar leven. De context en wat er gebeurde om het land van het kolonialisme te verlossen worden nooit behandeld, en de film liet me naar meer verlangen. De film leek te beginnen in het begin van de jaren tachtig (omdat ze een koptelefoon op heeft in de stijl van een walkman) en toen de film terugging in de tijd, leek hij rond 1960 te spelen (min of meer), maar er werd nooit gerept over het geweld of de onafhankelijkheid van het land in het begin van de jaren vijftig van de twintigste eeuw. Ik vermoed dat een deel van die verwarring te wijten is aan het feit dat de makers van de film een fout hebben gemaakt en eerder hadden moeten beginnen met de film (zoals in de jaren zeventig) en dat de dame terug moest denken aan haar leven daar in het begin van de jaren vijftig <0xE2><0x80><0x93> voordat het land te maken kreeg met politieke veranderingen.
Afgezien van de ontbrekende context en de verwarring over de tijdsperioden, was het een goed idee om de proloog en epiloog te gebruiken waarin ze als volwassene door het land reist. En ik waardeerde ook het einde, want het was een aangename verrassing als je meer te weten komt over de aardige man die haar een lift aanbiedt. Er is geen andere oplossing of boodschap dan te laten zien dat kolonialisme onnadenkend en wreed is.

text_en:
This is an amazing film to watch or show young people. Aside from a very brief nude scene, it gives an interesting glimpse into colonial rule in Africa that you'll rarely find in other films. It does bear a superficial similarity to OUT OF Africa, but without all the romantic fluff. The White French people in Cameroon are fascinating because they don't even seem to regard the natives as people. The Whites are all the bosses and they expect Black servitude without question. However, unlike real servants, you only once hear any of the Whites say 'thank you' and no other regard is given these people. Again and again, it's like they are pets or slaves, as the feelings of the people are never even considered.

The central illustration of this thoughtlessness is the relationship between the mother, Aimée and her servant, Protée. Although at times they spend a lot of time together and it is only normal that they might begin to have sexual feelings towards each other, the White woman never considers Protée or the existence of his feelings. A good example of this thoughtlessness is when she has Protée lace up her dress and it's obvious that he is very sexually frustrated by this. Apart from this relationship, while almost all the Whites are completely oblivious to the fact that the Africans are people, a few go so far as to verbally abuse and treat them like garbage.

Also interesting is the relationship between Protée and the little girl (who is the one who is grown at the beginning and end of the film). While they are very close, at times he's more like a plaything or pet and the girl never plays with native children.

There is one bizarre White character who seems, at times, to regard the Blacks better but unfortunately his character is very inconsistent and confusing. One moment, he's doing hard work along side the Blacks or eating with them (something the other Whites would never have done) and the next he's trying to beat up Protée! I could only guess as to what motivated him--perhaps he was just a jerk, or was crazy or perhaps was a Communist agitator trying to stir up the Blacks against the Whites (who knows!). In fact, other than a few good scenes, this character seems pretty much wasted.

While I really enjoyed the insight this movie gave, I wish it had instead been more than just a few snippets of this world through the perspective of a child during one small period of her life. The context and what happened to rid the country of colonialism is never addressed and the film left me wanting more. The film appeared to begin in the early 1980s (since she's wearing a Walkman-style headset) and when the film went back in time, it seems that it was set about 1960 (more or less), but there was never any mention of the 1950s anti-colonialism violence or independence for the nation in the early 1960s. I am guessing that some of this confusion might be that the makers of the film screwed up and SHOULD have made the beginning of the film earlier (such as the 1970s) and had the lady think back to her life there in the early 1950s--before the country experienced political change.

Apart from the missing context and a confusion over time periods, using the prologue and epilogue that showed her as an adult traveling the country was a good idea. And I also appreciated the ending, as it was a pleasant surprise when you find out more about the nice man who offers her a ride. But overall, it just feels like something is missing--there just isn't any sort of resolution or message other than showing that colonialism is thoughtless and cruel.


text:
Als ik over deze film nadenk, kan ik twee andere bedenken die me kunnen helpen hem in perspectief te plaatsen. Een relatief vergeten film, maar die dezelfde geografie behelst, is _Coup de Torchon_, de andere, duizenden kilometers ver weg en veel groter van omvang, is het onvergetelijke _Indochine_. Claire Denis heeft een film geproduceerd die enkele van de grote fundamenten van _Indochine_ heeft, de complexe en onuitgesproken relatie tussen Frankrijk en zijn koloniale onderdanen.
Ik werd getroffen door de waardigheid van Potee, door zijn strijd om zijn waardigheid te behouden te midden van zijn gelijken en zijn blanke bazen. Ik werd ook getroffen door de liefde-haatrelatie tussen hem en Aimee. Het is dat laatste dat de film zijn stuwende kracht geeft, het is dat laatste dat deze film met Indochine verbindt.
Je weet nooit zeker wat iedereen motiveert, hoewel sommige personages een herinnering aan het kolonialisme nodig hebben. Het is deze cynische kant van het verhaal die het verbindt met Coup de Torchon. Hun verhaal is schandaliger, misschien op een ontaarde manier zelfs interessanter, maar Denis geeft ons een herinnering aan hoe het was met al die spanning en onopgeloste relaties. De Amerikaanse neger die aan het begin en aan het eind van de film de volwassen Frankrijk een lift geeft, biedt nog een interessante kant aan de verwarring die we in de westerse wereld hebben als we naar Afrika kijken. Hij zegt dat hij iedereen die hij tegenkwam 'broer' wilde noemen. Hij kwam naar huis, maar ze vonden hem gewoon een beetje gek. Frankrijk, het personage en het meisje, is opgegroeid in Kameroen, maar geen van beiden begrijpt wat het is, ook al kunnen ze zich herinneren hoe het was.

text_en:
In reflecting on this movie I can think of two others to help put it in perspective. One relatively forgettable but covering the same geography, is Coup de Torchon, the other thousands of miles away and much larger in scope is the unforgettable Indochine. Claire Denis has produced a movie that has some of the grand underpinnings of Indochine, the complex and unspoken relationship between France and her colonial subjects.

I was struck with the dignity of Potee, with his struggle to maintain his dignity among his peers and with his white bosses. I was also struck with the love/hate relationship between him and Aimee. It is the latter that gives the film its driving force, it is the latter that links this movie to Indochine.

One never is sure what motivates everyone, though some of the characters are required of a remembrance of colonialism. It is this cynical side of the story that ties it to Coup de Torchon. Theirs is the more scandalous story, perhaps even more interesting in a depraved way, but Denis gives us a remembrance of how it was with all the tension and unresolved relationships.

The American black who gives the grown up France a ride in the beginning and end of the movie offers yet another interesting side to the confusion that we in the Western world have when we look at Africa. He says that when he came he wanted to call everyone brother. He was coming home, but they just thought him to be a little daft. France, the character and the girl, grew up in Cameroon, but neither fully understands what it is even though they can remember how it was.


text: Ik was dol op deze film omdat hij zo perfect weergaf hoe ik me voorstelde dat het leven in Frans-koloniaal Afrika in de jaren vijftig moest zijn geweest ('mijn' generatie in elk geval). Maar ik werd echt in vervoering gebracht door het rustige ijsberen en het glorieuze einde. In de laatste 5 minuten van deze film moet je je concentreren op wat er gebeurt. Ik ben nog nooit zo onder de indruk geweest van de'verpakking' van een film. Ik weet nog dat ik 'wauw!' riep toen ik besefte dat hij uit was. Aan de andere kant vielen mijn twee dochters op de bank in slaap!

text_en: I loved this film because in my mind it seemed to so perfectly capture what I imagined life in French colonial Africa must have been like in the 50's ("my" generation anyway). But I was truly enraptured by its quiet pacing and by the glorious ending. Within the last 5 minutes of this film, you must focus intently on what's happening. Never have I been more impressed with the "wrap-up" of a film. I remember yelling "wow!" when I realized it was over. On the other hand, my two daughters fell asleep on the couch!!


text: Ik denk dat deze film leuker zou zijn als iedereen hem zag als een beeld van koloniaal Afrika in de jaren 50 en 60 in plaats van als een verhaal. Want er is hier geen echt verhaal. Alleen maar een plaatje boven op een ander, als kleine lichtpuntjes die niet veel betekenen tot je genoeg hebt om een beeld te schilderen. De eerste keer dat ik Chocolat zag, begreep ik hem niet echt, tot ik er een paar dagen over had nagedacht. Toen besefte ik dat er een heleboel dingen waren die je 'begreep', waaronder het einde van het kolonialisme dat net om de hoek lag, alleen geen plot. Hoe dan ook, het is een van mijn favoriete films aller tijden. De scène op het vliegveld met de korte douche en de prachtige muziek was pure poëzie. Als je van 'opwindende' films houdt, moet je hier niet naar kijken <0xE2><0x80><0x93> je zult je tot tranen toe vervelen. Maar voor sommigen van jullie... Later kun je me dankbaar zijn dat ik het je heb aanbevolen.

text_en: I think this movie would be more enjoyable if everyone thought of it as a picture of colonial Africa in the 50's and 60's rather than as a story. Because there is no real story here. Just one vignette on top of another like little points of light that don't mean much until you have enough to paint a picture. The first time I saw Chocolat I didn't really "get it" until having thought about it for a few days. Then I realized there were lots of things to "get", including the end of colonialism which was but around the corner, just no plot. Anyway, it's one of my all-time favorite movies. The scene at the airport with the brief shower and beautiful music was sheer poetry. If you like "exciting" movies, don't watch this--you'll be bored to tears. But, for some of you..., you can thank me later for recommending it to you.


text:
Het verhaal gaat over een klein meisje dat opgroeit in koloniaal Afrika, maar het is zoveel meer dan dat.
Iedereen die opgroeit in het Zuiden zou dezelfde dingen meemaken. Een verlangen naar een ander, iemand van een ander ras, dat niet geconsumeerd kan worden. Zelfs een blik is verboden. Er zijn geen woorden nodig. Hun gezichtsuitdrukking zegt alles.
Het is het verhaal van een zwarte bediende, Protégé (Isaach De Bankolé) en een blanke vrouw, Aimée (Giulia Boschi). Hun verlangen naar elkaar is zo sterk dat ze elkaar martelen omdat ze elkaar niet kunnen krijgen.
Het kleine meisje, France (Cécile Ducasse) is eenzaam en brengt al haar tijd door met Protégé. Ze kan deze dans echt niet zien. Een van de ergerlijke aspecten van de film is de luiheid van de kolonialen. Ze kunnen zich niet eens zelf uitkleden om naar bed te gaan. De wereld staat op het punt te vergaan; ze weten het alleen nog niet. Hun racistische houding zal door hun aanwezigheid worden uitgewist.
Ik denk dat ik dit Afrika wel eens zou willen bezoeken. Het lijkt er zo stil; vooral's nachts, als je alleen de dieren hoort.

text_en:
The story is about a little girl growing up in colonial Africa, but it is so much more than that.

Anyone growing up in the South would experience the same things. A longing for another, one of a different race, that cannot be consummated. Even a glance is forbidden. There are no words needed. Their facial expressions say everything.

It is the story of a black servant, Protée (Isaach De Bankolé) and a white woman, Aimée (Giulia Boschi). Their desire for each other is so strong that they torture each other because they cannot have each other.

The little girl, France (Cécile Ducasse) is lonely and spends all her time with Protée. She really can't see this dance.

One of the more irritating aspects of the film is the laziness of the colonials. They cannot even get undressed for bed by themselves. There world is about to end; they just don't know it yet. Their racist attitudes will be erased with their presence.

I think I would like to visit this Africa. It seems so quiet; especially at night when you only hear the animals.


text: Ik wist absoluut niets over Chocolat voordat ik hem had gezien. Ik wist niets over het verhaal, de cast, de regisseur of de geschiedenis van de film. Het enige wat ik wist was dat het een Franse film was die hoog aangeschreven stond. Als ik meer had geweten, had ik de film waarschijnlijk niet onbevooroordeeld bekeken. Op papier klinkt het uitgangspunt me niet interessant in de oren. Als ik van tevoren had geweten waar Chocolat over ging, zou mijn belangstelling tijdens het kijken beperkt zijn geweest. Maar het feit dat ik niets over het verhaal wist, hielp me om ervan te genieten. Ik had geen idee waar het verhaal heen zou gaan, wat de personages zouden doen en wat het eindresultaat zou zijn. Het was in elk geval geen voorspelbare film. Het had inderdaad zo kunnen zijn als het verhaal in flashbacks wordt verteld. Het vertellen van een verhaal in flashbacks is vaak een riskante zet van de filmmakers. Aangezien het hoofdpersonage in het heden wordt gezien, weet het publiek dat ze zal blijven leven. Door gebruik te maken van de flashbacktechniek kan regisseur Claire Denis ervoor zorgen dat het jonge meisje de volwassenheid bereikt zonder ernstige lichamelijke schade op te lopen, waardoor de kijker het gevoel krijgt dat Chocolat meer over emoties gaat dan over wat er aan de buitenkant te zien is. Een minder goede filmmaker zou Frankrijk een afgetobd gezicht geven, een gezicht dat schreeuwt om een verwarde en ongewone jeugd. In plaats daarvan presenteert Denis Frankrijk als een mooi meisje, iemand die er aan de buitenkant prima uitziet. Het verhaal van Chocolat gaat meer over de moeder van Frankrijk, omdat zij veel meer filmtijd krijgt, hoewel ik geloof dat het uiteindelijk om Frankrijk gaat. Voor mij gaat het in Chocolat erom hoe de handelingen van een moeder invloed hebben op haar dochter. Het gaat erom hoe het gedrag van ouders bij hun kroost blijft. Frankrijk wordt niet geruïneerd door de handelingen van haar moeder in het verhaal, maar de handelingen van haar moeder hebben duidelijk indruk gemaakt op Frankrijk. Als Frankrijk helemaal niet was beïnvloed door de handelingen van haar moeder, zou het flashback-aspect irrelevant zijn.<br />Voor een film die twee tijdperken behandelt, het verleden en het heden, was Chocolat heel goed getimed, er was geen scène met overtollig vet. Geen van de scènes voelde nodeloos of uit de toon vallen. De film had een mooi ritme, de montage was scherp en liet alleen wat nodig was om het verhaal te vertellen. Met een goed verteld verhaal, een goede montage en een goed geregisseerde regie is Chocolat een van de betere Franse films die ik ooit heb gezien. Hij was verantwoordelijk voor de start van de carrière van Claire Denis en met reden: het is een ongelooflijk regisseursdebuut.

text_en:
I knew absolutely nothing about Chocolat before my viewing of it. I didn't know anything about the story, the cast, the director, or anything about the film's history. All I knew was it was a highly-acclaimed French film. Had I known more, I probably wouldn't have viewed the picture with an open mind. On paper, the premise doesn't sound interesting to me. Had I known what Chocolat was about ahead of time, my interest while watching would have been limited. However, not knowing about the story helped me enjoy it. Throughout, I had no clue has to where the story would go, what the characters would do, and what the end result would be. It was, if nothing else, not a predictable film. Indeed, it could have been as the story is told in flashbacks. Telling a story in flashbacks is often a risky move on the part of the filmmakers. Since the lead character is seen in present day, the audience knows she will remain alive. By using the flashback technique, director Claire Denis is able to ensure the audience that the young girl makes it to adulthood without any serious physical damage, giving the viewer the sense that Chocolat is a story more about emotions than what is on the outside. A lesser filmmaker would give France a haggard-looking face, one that screams of a confused and unusual childhood. Instead, Denis presents France as a beautiful girl, someone who looks fine on the outside.

It could be argued that Chocolat is more about France's mother since she is given far more screen time, though I believe it is ultimately about France. To me, what Chocolat is really about is how a mother's actions affect her daughter. It is about how parents' behavior stays with their offspring. France is not ruined by her mother's actions in the story, yet her mother's actions clearly made an impression on France. Had France not been affected at all by her mother's actions, the flashback aspect would be irrelevant.

For a movie that deals with two time periods, the past and the present, Chocolat was a very well paced, there were no scene of excess fat. None of the scenes felt gratuitous or out of the place. The film had nice rhythm, the editing crisp, leaving only what was necessary to tell the story. With a well told story, solid editing, and organized directing, Chocolat is one of the better French films I have seen. It was responsible for launching Claire Denis' career and with good reason: it's an incredible directorial debut.


text: Deze film toont het leven in het noordelijke deel van Kameroen vanuit het perspectief van een jong Frans meisje, France Dalens, wier vader ambtenaar is bij de koloniale (Franse) regering en wier familie een van de weinige blanke families is. De film geeft een indruk van hoe het leven was, zowel voor de kolonisten als voor de inlanders met wie ze omgingen. Het is een beeld dat overeenkomt met een andere film die ik in een soortgelijke periode over Afrika heb gezien (Nirgendwo in Afrika (2001), maar ik heb geen idee hoe realistisch of typerend het is. Het is niet alleen een indruk <0xE2><0x80><0x93> er gebeuren dingen in de film <0xE2><0x80><0x93> maar de plot is onderkoeld. De kijker moet zijn eigen conclusies trekken in plaats van zich de conclusies van de filmmakers op de hals te halen, hoewel de inleiding van het verhaal als een flashback van het bezoek van de vrouw aan het zuiden van Kameroen als volwassene enig perspectief biedt.

text_en: This movie shows life in northern Cameroon from the perspective of a young French girl, France Dalens, whose father is an official for the colonial (French) government, and whose family is one of the few white families around. It gives a sense of what life was like both for the colonists and for the natives with whom they associated. It's a sense consistent with another movie I've seen about Africa in a similar time period (Nirgendwo in Afrika (2001)), but I have no way of knowing how realistic or typical it is. It's not just an impression -- things do happen in the movie -- but the plot is understated. The viewer is left to draw his own conclusions rather than having the filmmakers' forced upon him, although the framing of the story as a flashback from the woman's visit to south-western Cameroon as an adult provides some perspective.


text: Claire Denis' Chocolat is een mooie, maar frustrerende film. De film geeft een heel interessante kijk op het huishouden van een Europees koloniaal gezin dat in Kameroen woont, en geeft de kijker een informatief perspectief op het leven van veel personages en hun interactie. Maar de ontwikkeling van deze personages is vaak gekmakend ontoereikend. Een centraal thema in het verhaal is bijvoorbeeld het onvermogen van de jonge France om een sterke relatie met anderen op te bouwen. Hoewel deze weergave vlekkeloos wordt uitgevoerd, vooral door de manier waarop Denis het verhaal omlijst met scènes uit France's terugkeer naar het huis van haar jeugd, maakt het gebrek aan intimiteit van het meisje met de andere personages het voor de kijker moeilijk om veel belangstelling te hebben voor haar ontwikkeling (of het gebrek daaraan) als hoofdpersoon. De algemene stagnatie van de karakterontwikkeling van de film maakt het moeilijk om je te verdiepen in de losjes georganiseerde plot. De film wekt veel spanning op tussen de personages, vooral tussen Aimee en de mannen in haar leven, maar gaat nooit echt in op deze sociale wrijving, waardoor de kijker onbevredigd achterblijft. De laatste paar scènes zijn krachtig maar deprimerend. Denis' werk is zeker interessant vanuit een intellectueel en historisch standpunt, maar als je op zoek bent naar een film met avontuur of drama, is Chocolat beslist niet de beste keuze.

text_en: Claire Denis's Chocolat is a beautiful but frustrating film. The film presents a very interesting look at the household of a European colonial family living in Cameroon, giving the viewer an informative perspective on the lives of many characters and their interaction. However, the development of these characters is often maddeningly insufficient. For example, a central theme in the story is young France's inability to form strong relationships with others. Although this portrayal is executed flawlessly, notably in the way that Denis frames the story with scenes from France's return to her childhood home, the girl's lack of intimacy with the film's other characters makes it difficult for a viewer to invest much interest in her development (or lack thereof) as a protagonist. The general stagnation of the film's character development makes it difficult to become engaged in the loosely organized plot. The film raises a great deal of tension between characters, particularly between Aimee and the men in her life, but never fully addresses this social friction, leaving the viewer unsatisfied. The final few scenes are powerful but depressing. Denis's work is certainly interesting from an intellectual and historical standpoint, but if you are looking for a film with adventure or drama, Chocolat is definitely not the best choice.


text: Ik weet niet waar de vorige recensent naar keek, maar ik denk dat recensenten dat zijn, persoonlijke smaak. In deze film ontbrak de diepte, een heel diepe film, vele lagen van emotie, aangrijpend. Onderstromingen van ingehouden liefde vanwege onderwerping aan maatschappelijke overtuigingen, taboes van tijd en klasse, rassenverhoudingen die niet in een erg goede staat van gelijkheid verkeerden, schuld, verlangen, haat, verwarring, heel duister emotioneel, dacht ik, onder de huid, je moet je onderwerpen aan de inhoud, een vloeiende film, niet langzaam zoals eerder gezegd, geef je over aan de stroom van de film, de emoties zullen zichzelf laten zien, personages onthullen hun gebreken, hun akelige innerlijk, uitstekend en eigenlijk heel wreed!

text_en: I don't know what the previous reviewer was watching but I guess that's what reviews are, personal taste. Missed in this movie was the depth, a very deep film, many layers of emotion, affecting. Undercurrents of withheld love because of submission to societal beliefs, taboos of the times and classes, race relations not being in a very good state of equality, guilt, yearning, hate, confusion, very dark emotionally I thought, under the skin, you have to submit to the aire of it, a flowing movie, not slow as stated before, release yourself to the flow of the film, the emotions will show themselves, characters reveal their flaws, their nasty insides, excellent and actually very cruel!


text: Deze film gaat over subtiliteit en de moeilijkheid om de steeds veranderende grenzen van mores, rassenverhoudingen en verlangens te overbruggen. Toegegeven, het is geen film voor iedereen. Er zijn geen autoachtervolgingen, geen exploderende gebouwen, geen moorden. Het drama ligt in de spanning die wordt gesuggereerd door blikken, minimale gebaren, ruimtelijke grenzen, belichting en dingen die <0xE2><0x80><0x93> soms heel opzichtig <0xE2><0x80><0x93> onuitgesproken blijven. Het gaat over identiteit, geheugen, gemeenschap, erbij horen. De verschillende delen van de film werken samen om de leitmotifs van het zelf en van het andere, identiteit, verlangen, grenzen en verlies te versterken. Het zal de aandachtige en gevoelige kijker belonen. Het zal degenen die een explosieve, massieve, kruidige actie nodig hebben, mishagen. Het is een prachtig gefilmd menselijk verhaal. Dat is alles.

text_en: This movie is all about subtlety and the difficulty of navigating the ever-shifting limits of mores, race relations and desire. Granted, it is not a movie for everyone. There are no car chases, no buildings exploding, no murders. The drama lies in the tension suggested by glances, minimal gestures, spatial boundaries, lighting and things left -- sometimes very ostensibly -- unsaid. It's about identity, memory, community, belonging. The different parts of the movie work together to reinforce the leitmotifs of self and other, identity, desire, limits and loss. It will reward the attentive and sensitive viewer. It will displease those whose palates require explosive, massive, spicy action. It is a beautifully filmed human story. That is all.


text:
Het debuut van Claire Denis is zowel moedig als zelfverzekerd. In deze weergave van het leven tegen het einde van het Franse koloniale Kameroen verkent ze de relaties tussen mannen en vrouwen, zwart en blank.
Met de zwarte bediende 'Protégé' als het voornaamste object van verlangen en onderdrukking, gaat de film vanaf het begin het taboegebied binnen. Denis bouwt een levensbeeld op door middel van een reeks karakterrelaties die de goed geïnformeerde kijker aan het scherm gekluisterd houden. De stemming van de film wordt perfect gevangen door het camerawerk en (gebrek aan) belichting.
Een geweldige verhandeling.

text_en:
Claire Denis' debut is both a brave and self-assured one. In this depiction of life towards the end of French colonialist Cameroon, she explores the relationships between men and women, black and white.

With the black servant 'Protée' as the film's primary object of desire and oppression, the film enters taboo territory from the beginning. Denis builds a picture of life through a series of character relationships that keep the informed viewer fixed to the screen. The mood of the film is captured perfectly by the camera-work and (lack of) lighting.

A great discourse.


text: Ik heb deze film voor het eerst gezien tijdens de cursus International Film Studies. Ik ben een 'niet-traditionele' student en waardeerde, misschien om redenen die ik al jaren meeloop of uit wijsheid, het langzame, bespiegelende tempo van het verhaal van de film. Het verhaal, loom van de hitte en het stof van een droog klimaat, is diep psychologisch, doorspekt met gelaagde symboliek en een welbespraakte omkering van het thema van het 'andere' zijn in een land dat je niet begrijpt. Het begrip dat wel komt, is beladen met onopgeloste herinneringen en subjectiviteit van de buitenstaander. Het is bijna twintig jaar geleden gemaakt en het is ook een voorloper in een genre van talloze andere internationale films die de thema's van de kolonialen in gekoloniseerde gebieden onderzoeken, zonder enig idee te hebben van de nuances van de culturen waarin ze terecht zijn gekomen. Veel overdadiger gefilmde en zwaar gefinancierde werken die sindsdien zijn gemaakt, weerspiegelen dezelfde thema's: Indochine en Nowhere in Africa zijn twee films die bij Chocolat in vergelijking misschien bleek en saai lijken. Het heeft geen adrenalinepompende actie of extreem geweld. De strijd is mentaal, emotioneel en subtiel. Maar toch is het een mooie film, de moeite van het bekijken waard.

text_en: I first saw this film during and International Film Studies course. I am a 'non-traditional' student, and, perhaps for reasons of years-lived or wisdom-accrued, appreciated the slow, reflective pacing of the film's narrative. Languorous with the heat and dust of an arid clime, the story is deeply psychological, replete with multi-layered symbolism, and an articulate inversion of the theme of being the 'Other' in a land that one does not understand. the understanding that does come is fraught with the unresolved memories and subjectivity of the outsider. Made nearly 20 years ago, it is also a forerunner in a genre of numerous other international films that explore the themes of colonials in colonized spaces, clueless to the nuances of the cultures into which they have entered. Much more lavishly filmed---and heavily financed--- works that have been made since reflect the same themes: Indochine, Nowhere in Africa are two that in comparison perhaps make Chocolat seem pale and boring. It has no adrenaline-pumping action or extreme violence. The struggles are mental, emotional and subtle. But, that being said, it is a fine film, worth a viewing.


text: Deze film kwam op mij over als een project met veel van de juiste ingrediënten, maar op de een of andere manier pasten ze niet helemaal bij elkaar. Ik weet niet wie hem heeft gemaakt, maar hij heeft iets Disney-achtigs. Terwijl sommige delen van de film onwaarschijnlijk zijn (zoals wanneer een tiener voor een openbare functie solliciteert) en de neiging hebben om te voorkomen dat het verhaal serieus wordt genomen, is er een gezonde dosis normaliteit (wat dat ook mag zijn) om de dingen in evenwicht en in perspectief te houden. Het acteerwerk is oké. Vreemd genoeg is de relatie tussen Frankie en haar grootmoeder overtuigend, maar de relatie tussen Hazel en Frankie is een beetje... vreemd. Het is interessant om te zien hoe hard ze haar best moet doen om een evenwicht te vinden tussen haar beste vriendin, haar grootmoeder, en haar twee passies: ballet en honkbal. Omdat ik zelf honkbal heb gespeeld, was het nogal pijnlijk om te zien hoe Frankie zich staande probeerde te houden in een team van jongens, maar het is goed om te zien hoe ze worstelt. Ik heb ergens gelezen dat ze niet echt een ballerina is, maar de montage van deze film heeft haar dansen niet alleen natuurlijk maar ook mooi laten lijken. Over het geheel genomen was het een goede film over eerlijkheid en ambitie, maar de hoofdrolspeelster Mischa Barton haalde niet het realistische niveau dat we zagen bij haar optredens in 'Lawn Dogs', 'Lost and Delirious'. en haar kleine maar schokkende optreden tegenover Haley Joel Osment in 'The 6th Sense'.

text_en: This film struck me as a project that had a lot of the right ingredients, but somewhere along the way they didn't quite come together. I don't know who made it, but it has a slightly Disney-esque feel. While parts of it are improbable (like when a pre-teen runs for a public office) and tend to prevent the story from being taken seriously, there is a healthy dose of normalcy (whatever that is) to keep things balanced and in perspective. The acting is alright. Strangely, the relationship between Frankie and her grandmother is convincing, but the relationship between Hazel and Frankie is a bit...off. It's interesting to see how she has to work hard to keep a balance between her best friend, her grandmother, and her two passions: ballet and baseball. Being a baseball player myself, it was quite painful to watch Frankie try to hold her own on a team of boys, but it does a good job of showing the struggle she faces. I read somewhere that she isn't really ballerina, but the editing in this film did a very good job of making her dancing look not only natural but beautiful. Overall, it was a good film about honesty and ambition, but its star Mischa Barton didn't quite achieve the level of realism we saw during her performances in "Lawn Dogs", "Lost and Delirious", and her small but shocking performance opposite Haley Joel Osment in "The 6th Sense."


text: Een uitstekende familiefilm... geeft je veel om over na te denken... Er is absoluut niets mis met deze film. Alles is gewoon perfect. Het script is geweldig <0xE2><0x80><0x93> het is zo... echt... zulke dingen kunnen in ieders leven gebeuren. En vergeet het acteren niet <0xE2><0x80><0x93> het is gewoon te gek! Kijk maar naar Frankie en je weet waar ik aan dacht... Deze film is echt, kan niet misgaan!

text_en: An excellent family movie... gives a lot to think on... There's absolutely nothing wrong in this film. Everything is just perfect. The script is great - it's so... real... such things could happen in everyone's life. And don't forget about acting - it's just awesome! Just look at Frankie and You'll know what I thought about... This picture is a real can't-miss!!!


text: Dit is een geweldige film om samen met je vriendin te zien. Mijn vriendin en ik zijn allebei dol op dansen en zijn deze film in de videotheek tegengekomen. We moesten hem hebben. Zonder geweld en met zo'n hartverwarmend verhaal is het een geweldige film om je in te ontspannen en gewoon van je avond te genieten. Ik zou deze film aanbevelen aan elk gezin of gewoon een stel meisjes dat op zoek is naar een leuke film.

text_en: This is a great movie to see with your girlfriend. My friend and I both love dance and ran into this movie at the video store. We had to get it. With no violence and such a warming story its a great movie to relax to and just enjoy your night. I would recommend this movie to any family or just a bunch of girls looking for a cute movie.


text: Een geweldige verhaallijn met een boodschap. Joan Plowright is fantastisch als 'Phoebe', Mike Kopsa is hilarisch als 'coach' en Richard de Klerk speelt de rol van 'Carmine' voortreffelijk. Mischa Barton als 'Frankie' doet het goed en Ingrid als 'Hazel' speelt haar eerste hoofdrol buitengewoon goed. Deze film is voortreffelijk geregisseerd door Jo-Beth Williams. De montage is eersteklas.

text_en: A great storyline with a message. Joan Plowright is superb as "Phoebe", Mike Kopsa is hilarious as "coach" and Richard de Klerk plays the role of "Carmine" superbly. Mischa Barton as "Frankie" puts in a good performance and Ingrid as "Hazel" plays her first lead extremely well. This film is superbly directed by Jo-Beth Williams. The editing is first rate.


text: Ik vond het een geweldige film voor kinderen van zes tot twaalf jaar. Een beetje sentimenteel, maar het verhaal tilt een nieuweling op. Het bewijst dat de dromen van een puber echt kunnen uitkomen. Ik vind het een geweldig verhaal voor elk kind dat neerslachtig is, of het gevoel heeft dat er te veel dingen tussen zitten. Heel 'leuke' film. Bravo.

text_en: I thought that it was a great film for kids ages 6-12. A little sappy, but the story is uplifting an fresh. It proves that the dreams of an adolescent can truly come true. I think that it's a great story for any kid who is feelings down, or feels as if there trying to juggle too many things among them. Very 'cute' film. Bravo.


text:
Mooi en intelligent gespeeld door de twee jonge meisjes, Mischa Barton als Frankie en Ingrid Uribe als Hazel, hoewel de plot nogal aan de verbeelding is overgelaten. De jonge Hazel die zich kandidaat stelt voor het burgemeesterschap lijkt, eerlijk gezegd, niet op haar plaats.
Hoewel het acteerwerk door alle betrokkenen uitstekend is, mist de film een echte dramaturgische sfeer. Misschien zijn we in de loop der jaren gewend geraakt aan een korrelige werkelijkheid in films, zoals je Pollyanna zou kunnen vergelijken met _How Green Was My Valley!_ Maar goed, elk van hen is op zijn eigen manier goed.
Ik heb wel bewondering voor Joan Plowright, ook al is haar rol hier wat ingetogen. Midden op de weg vermaakt goed geschikt voor jongere kijkers, en wat leuk om af en toe te worden blootgesteld aan mooie klassieke muziek, wat bijna een zeldzaamheid is!
Ik vind deze film een welkome afwisseling, omdat hij rustige, bedachtzame waarden weerspiegelt voor de jaren van opgroeien, en godzijdank geen geweld. Een warme familiefilm om van te genieten.

text_en:
Nicely and intelligently played by the two young girls, Mischa Barton as Frankie, and Ingrid Uribe as Hazel, although the plot is rather a stretch of the imagination. Young Hazel running for mayor seems out of place, to be honest.

While the acting is well done by all concerned the movie tends to lack a genuine atmosphere of drama. Perhaps we've grown to expect gritty reality in movies, rather like comparing Pollyanna to How Green Was My Valley! Never mind, each of them are good in their own way.

I do admire Joan Plowright even if her role is somewhat subdued here. Middle of the road entertainment well suited for younger viewers, and how nice at times to be exposed to fine classical music which is almost a rarity!

I find this movie to be a welcomed change as it reflects quieter, thoughtful values for the growing up years, and no violence thank goodness. A warm family film to enjoy.


text:
S.S. Van Dine moet een sluwe zakenman zijn geweest in de omgang met Hollywood. De meeste 'filmseries' uit de tijd van de studio's beperkten zich gewoonlijk tot een of twee studio's. Maar blijkbaar moet Van Dine zijn rechten op elk boek over Philo Vance een voor een hebben verkocht. Het viel me op dat Paramount, MGM, Warner Brothers en nog meer alle drie Philo Vance-films uitbrachten. Alleen Tarzan scheen meer in Hollywood rond te lopen.
MGM produceerde de tuinmoordzaak en speelde Edmund Lowe als de modieuze detective. Natuurlijk had MGM de oorspronkelijke Philo in die tijd onder contract, maar Bill Powell had het in die tijd druk met The Thin Man en ik denk dat Louis B. Mayer besloot hem daar op te concentreren.
Edmund Lowe is een tamelijk acceptabele Philo Vance. Lowe was aan het eind van het stille tijdperk behoorlijk groot geworden met _What Price Glory_ en daarna met een reeks films met Victor McLaglen met hun Flagg- en Quirt-figuren. Maar nadat McLaglen zijn Oscar voor _The Informer_ had gekregen, leek Lowe in de B-filmmarkt te verdwijnen.

De tuinmoordzaak omvat drie afzonderlijke slachtoffers, Douglas Walton, Gene Lockhart en Frieda Inescourt. De sinistere sfeer rond de dader verraadt het, het mysterie is in feite hoe alle moorden met elkaar in verband staan en hoe ze worden gepleegd.
Maar dit zal ik zeggen. Vance neemt een groot risico door de schurk te ontmaskeren en de laatste 15 minuten zijn een Hitchcock waard.

text_en:
S.S. Van Dine must have been a shrewd businessman in dealing with Hollywood. Most of the film series' from the studio days were usually confined to one or two studios. But apparently Van Dine must have sold his rights to each book about Philo Vance one at a time. Note that Paramount, MGM, Warner Brothers, and more all released Philo Vance films. Only Tarzan seemed to get around Hollywood more.

MGM produced the Garden Murder Case and starred Edmund Lowe as the fashionable detective. Of course MGM had the screen's original Philo under contract at the time, but Bill Powell was busy doing The Thin Man at the time and I guess Louis B. Mayer decided to concentrate him there.

Edmund Lowe is a pretty acceptable Philo Vance. Lowe had started out pretty big at the tail end of the silent era with What Price Glory and then with a string of films with Victor McLaglen with their Flagg and Quirt characters. But after McLaglen got his Oscar for The Informer, Lowe seemed to fade into the B picture market.

The Garden Murder Case involves three separate victims, Douglas Walton, Gene Lockhart, and Frieda Inescourt. The sinister atmosphere around the perpetrator kind of gives it away, the mystery is really how all the killings are connected and how they are accomplished.

I will say this though. Vance takes a very big chance in exposing the villain and the last 15 minutes are worthy of Hitchcock.


text:
EDMUND LOWE (die me een beetje aan Warren William doet denken) speelt de hoofdrol in de aardige cast van een interessant mysterie dat zich in een stevig tempo voortbeweegt en maar iets meer dan een uur duurt.
Douglas Walton speelt de ongelukkige jockey die zich op zijn eigen verscheiden lijkt te concentreren (hypnose, iemand?) en de verdachten zijn een flink aantal leden van de ondersteunende cast <0xE2><0x80><0x93> van Virginia Bruce, Kent Smith, Frieda Inescourt, Gene Lockhart, Jessie Ralph, Benita Hume, Rosalind Ivan en H.B. Warner. Als extraatje is er Nat Pendleton als een achterlijke rechercheur <0xE2><0x80><0x93> en dan krijg je ook nog eens een lading van die art-decodecoraties voor de luxueuze interieurs van een rijk huis. Dat moet een decor zijn geweest dat in veel latere films is gebruikt. Het voordeel is dat het mysterie niet zo ingewikkeld is dat iemand de plot kan volgen zonder al te zeer in de war te raken. Het wordt rechercheur Philo Vance plotseling allemaal duidelijk <0xE2><0x80><0x93> en dan heeft hij een laatste confrontatie met de moordenaar, waardoor de film vijf minuten pure spanning krijgt.
Mooi gedaan en op een onderhoudende manier.

text_en:
EDMUND LOWE (who reminds me somewhat of Warren William), heads the nice cast of an interesting little mystery that moves at a brisk pace and runs just a little over an hour.

Douglas Walton plays the unlucky jockey who appears to be intent on his own demise (hypnotism, anyone?), and the suspects include a good number of the supporting cast--everyone from Virginia Bruce, Kent Smith, Frieda Inescourt, Gene Lockhart, Jessie Ralph, Benita Hume, Rosalind Ivan and H.B. Warner. As an added bonus, there's Nat Pendleton as a dimwit detective--and furthermore, get a load of that art deco set decoration for the fancy interiors of a wealthy home. Must have been a set that was used in many a subsequent film.

On the plus side, the mystery is not so complicated that anyone can follow the plot with reasonable assurance of not being too baffled. It's all suddenly clear to detective Philo Vance--and then he has a final confrontation with the murderer that gives the film a nifty five minutes of unmitigated suspense.

Nicely done and passes the time in an entertaining manner.


text: Als Philo Vance (Edmund Lowe) wankel op de rand van een balkon hoog boven de stad staat, kennelijk gehypnotiseerd en op het punt zijn dood tegemoet te stappen, moest ik onmiddellijk denken aan een bijna identieke scène in een andere film, negen jaar later, 'The Woman in Green', waarin Sherlock Holmes (Basil Rathbone) op dezelfde manier op het punt staat zich in de ruimte te storten terwijl hij gehypnotiseerd is.<br />Gelukkig overleven zowel Philo Vance als Sherlock Holmes deze moordpogingen door gewetenloze misdadigers. In beide scènes is de cinematografische spanning voelbaar. Wanneer zullen ze leren dat je de geest van grote romanschrijvers niet kunt vertroebelen?

text_en:
When Philo Vance (Edmund Lowe) is standing precariously on the edge of a balcony high above the city, apparently hypnotized and just about to step to his death,it immediately reminded me of a nearly identical scene in another film made nine years later, "The Woman in Green" in which Sherlock Holmes (Basil Rathbone)is similarly about to hurl himself into space while being hypnotized.

Happily, both Philo Vance and Sherlock Holmes survive these attempts at murder by unscrupulous criminals. Exciting cinematic suspense in both these scenes. When will they learn you can't cloud the minds of great fictional detectives ?


text: Etienne Girardot is gewoon een karakterspeler, het soort persoon dat mensen bijna nooit bij naam zullen noemen. Maar hij speelt wel weer de lijkschouwer, een van de weinige acteurs in de films van Philo Vance die zijn rol meer dan eens speelde. Ik heb hem al twee keer eerder gezien en ik vond hem elke keer weer geweldig omdat hij zo grappig was en een frisse wind was. Deze film is ook geweldig om te zien, want behalve Girardot spelen er nog veel andere geweldige karakterspelers mee, onder wie Grant Mitchell, Gene Lockhart, Henry Walthal, Kent Smith, H.B. Warner en Nat Pendleton. Dit is een indrukwekkende cast, en ze hebben het de hoofdrolman en -vrouw Edmund Lowe en Virginia Bruce beslist gemakkelijker gemaakt. De geweldige acteurs zijn een van de belangrijkste redenen waarom ik van die oude B-films hou. Hoewel het mysterie zelf zelden zo geweldig is, door het luchtige schrijven en acteren, zijn de films echt bevredigend. Wat deze film betreft, Vance wordt fantastisch gespeeld door Lowe, maar zoals ik al zei, het mysterie zelf is alleen maar een na-verbeelding, met een dwaze plot waarin hypnose en zelfmoorden voorkomen. Helaas kun je niemand hypnotiseren om iets van die aard te doen - ik heb een opleiding in klinische hypnose gehad en als ik iets had kunnen doen zoals de slechterik in de film, zou ik het gedaan hebben! Gebruikte autoverkopers en een paar van mijn oude bazen zouden duidelijke doelwitten zijn geweest! Al met al was het niet de beste Philo Vance-film, maar hij was wel erg goed en het is verdomd jammer dat Lowe deze rol maar één keer heeft gespeeld. Afgezien van William Powell (die Vance vijf keer speelde) werd de serie gehinderd door een lange, lange opeenvolging van acteurs als Basil Rathbone, Wilfred Hyde-White en Warren William (en vele anderen) die Vance speelden. Dit is een soortgelijk probleem dat ook de Bulldog Drummond-serie teisterde <0xE2><0x80><0x93> te veel verschillende acteurs die de hoofdrol speelden.<br />Het was de moeite waard om te zien en opwindend <0xE2><0x80><0x93> hoewel ook onmogelijk.

text_en:
Etienne Girardot is just a character actor--the sort of person people almost never would know by name. However, he once again plays the coroner--one of the only actors in the Philo Vance films that played his role more than once. I've already seen him two other times and loved him every time because he was so funny and a breath of fresh air. This film also is great to watch because in addition to Girardot, there are many other wonderful character actors along for the ride--including Grant Mitchell, Gene Lockhart, Henry Walthal, Kent Smith, H.B. Warner and Nat Pendleton. This is quite an impressive cast, and they sure made the job easier for leading man and woman Edmund Lowe and Virginia Bruce.

These great character actors are one of the big reasons I love these old B-movies. While the mystery itself is rarely that terrific, because of the breezy writing and acting, the films really satisfy. As for this film, Vance is played wonderfully by Lowe but, like I said, the mystery itself is only an after-thought--with a silly plot involving hypnosis and suicides. Unfortunately, you cannot hypnotize anyone to do anything of the sort--I have training in clinical hypnosis and if I COULD do anything like the evil guy could do in the film, I would have done it! Used car salesmen and a few of my old bosses would have been obvious targets!!

Overall, while not the best Philo Vance film, it was very good and it's a darn shame Lowe only played this role once. In fact, aside from William Powell (who played Vance five times), the series was hindered by a long, long succession of actors such as Basil Rathbone, Wilfred Hyde-White and Warren William (and many others) playing Vance. This is a similar problem that also plagued the Bulldog Drummond series--just too many different actors playing the leading man.

Well worth seeing and exciting--though also quite impossible.


text:
1 januari 2006**
Parsifal is een van mijn twee favoriete Wagner-opera's of muziekdrama's, om precies te zijn (Meistersinger is de andere). Het libretto, zoals gewoonlijk door de componist geschreven, is een warboel van religie, heidendom, erotiek en misschien zelfs homo-erotiek, en door de lengte ervan lijkt het voor het publiek misschien wel of je verf droog hoort worden.
Wagner, die een beroemde antisemiet is, (Klingsor is misschien wel een van zijn surrogaat-joodse schurken), heeft de première natuurlijk toevertrouwd aan een niet-bekeerde (niet omdat R.W. het zo graag wil!) Hermann Levi, die zijn favoriete dirigent was! Kundry, een zeer verward meisje en ook een waarschijnlijk joods surrogaat, is zowel een schurk als een weldoener, afhankelijk van de scène.
Als je bedenkt dat veel videoversies van Parsifal aan de saaie kant zijn, is deze film van de opera in vergelijking daarmee een verademing. Hans-J<0xC3><0xB6>rg Syberberg, de regisseur, heeft er veel fantasie in gestopt, maar het is moeilijk te zeggen waarom hij sommige keuzes heeft gemaakt. De beruchte dubbele Parsifals (van beide geslachten!), de marionetten, het doodsmasker-van-Wagner-stuk en verschillende poppen en symbolen zoals het nazi-stempel in een van de reizende scènes. (Als ik het me goed herinner, heeft de 'echte' Engelbert Humperdinck de muziek geschreven om de veranderingen in de scènes weer te geven. Hoewel Wagner zelf veel te vroeg stierf om een echte nazi te zijn, waren veel van zijn afstammelingen (evenals zijn tweede vrouw Cosima) op zijn minst medereizigers, onder wie hun kleinzoon Wolfgang Wagner, die op gevorderde leeftijd nog steeds de leiding heeft over het Bayreuth Festival. Wolfgangs zoon Gottfried Wagner, die volkomen tegengesteld is aan zijn vader, heeft zelfs geprobeerd om het op een eerlijke manier met zijn overgrootvader aan te leggen.
Ook Syberberg lijkt politiek dubbelzinnig, voor zover ik heb gelezen. In 1977 maakte hij een bekende film over Hitler, 'Hitler: ein Film aus Deutschland' (Soms in het Engels 'Our Hitler' genoemd). Omdat de film maar 8 uur duurt en niet op grote schaal is verspreid, hebben de meeste mensen hem niet gezien (onder wie ikzelf). '
Armin Jordan, de dirigent van de audio-cd waarop deze film is gebaseerd, speelt Amfortas (gezongen door Wolfgang Sch<0xC3><0xA4>chte) Edith Clever (Yvonne Minton) speelt Kundry, Michael Kutter en Karin Krick spelen de dubbele Parsifals (beiden gezongen door Reiner Goldberg!) en Robert Lloyd en Aage Haugland spelen en zingen allebei Gurnemanz en Klingsor.
Hoewel de opera zich over een lange periode afspeelt en iedereen (behalve Kundry?) wordt beschreven als aanzienlijk ouder geworden te zijn tussen de tweede en derde akte, ziet niemand er aan het eind van de opera een dag ouder uit. (De magie van de Graal? In deze opera is de Graal de beker waaruit Jezus dronk tijdens het Laatste Avondmaal en niet Maria Magdalena zoals in recentere tijden, een idee dat ik bespottelijk vind!).
Het dirigentschap en het zingen zijn allemaal heel nuttig en de dvd lijkt het geluid, zo niet de film, in grote mate te hebben verbeterd. (Ja, ik ben het met je eens dat 'Kna's' benadering superieur is, zelfs op de tweede stereoversie, maar hij is waarschijnlijk superieur aan alle opgenomen versies over het geheel genomen.)
Geen Parsifal voor alle Wagnerieten, maar ik denk dat het heel goed werkt als filmopera.

text_en:
updated January 1st, 2006

Parsifal is one of my two favorite Wagner operas or music dramas, to be more accurate, (Meistersinger is the other.) though it's hard to imagine it as the "top of anyone's pops". The libretto, by the composer as usual, is a muddle of religion, paganism, eroticism, and possibly even homo-eroticism, and its length may make it seem to the audience like hearing paint dry.

Wagner, being a famous anti-Semite, (Klingsor may be one of his surrogate Jewish villains.) naturally entrusted the premiere to an unconverted (not for want of RW's trying!) Hermann Levi, who was his favorite conductor! (Go figure!) Kundry, a most mixed-up-gal and another likely Jewish surrogate, is both villainous or benevolent, depending on the scene.

Considering that many video versions of Parsifal seem on the stodgy side, this film of the opera is, in comparison, a breath of fresh air. Hans-Jürgen Syberberg, the director, has brought considerable imagination to it but it's hard to know why he made some of his choices. For example: the notorious dual Parsifals (of each gender!), the puppets, the death-mask-of-Wagner set and various dolls and symbols such as the Nazi swastika in one of the traveling scenes. (If I remember, the "real" Engelbert Humperdinck wrote the actual music to pad out the scene changes.) Though Wagner himself died much too early to be an actual Nazi, many of his descendants (As well as his second wife Cosima.) were at least fellow-travelers, including their grandson Wolfgang Wagner who still runs the Bayreuth Festival at an advanced age. In fact, Wolfgang's son Gottfried Wagner, in complete opposition to his father, has tried to come to terms honestly with his great-grandfather.

Syberberg, too, seems politically ambiguous from what I've read. In 1977, he made a well-known film on Hitler, "Hitler: ein Film aus Deutschland" (Sometimes called "Our Hitler" in English.). Since it lasts all of 8 hours and hasn't been widely distributed, most people have not seen it (including myself.).

Armin Jordan, the conductor of the audio CD on which this film is based, plays Amfortas (sung by Wolfgang Schöne) Edith Clever (Yvonne Minton) plays Kundry, Michael Kutter and Karin Krick play the dual Parsifals (Both sung by Reiner Goldberg.!) and Robert Lloyd and Aage Haugland both play and sing Gurnemanz and Klingsor.

Though the opera takes place over a long period of time and all (except Kundry?) have been described as having aged considerably between Acts 2 and 3, no one looks a day older by the end of the opera. (The magic of the Grail? In this opera the Grail is the cup from which Jesus drank at the Last Supper and not Mary Magdalene as in more recent times, an idea I find preposterous!).

The conducting and singing are all quite serviceable and the DVD seems to have improved the sound, if not the picture, to a great extent. (Yes, I agree that "Kna's" approach is superior, even on the second, stereo, version but he is probably superior to all recorded versions on the whole.)

Not a Parsifal for all Wagnerites but I think it works quite well as a filmed opera.


text:
Deze heel merkwaardige setting van Wagners laatste opera begon me echt op mijn zenuwen te werken. Toen ik hem voor het eerst zag, ergerde ik me een beetje aan veel van de surrealistische beelden in de films en had ik het gevoel dat er veel te veel over het verhaal heen werd gelegd. Maar als je een redelijke hoeveelheid nogal recherché-'trucjes' kunt verdragen, denk ik dat je zult merken dat de DOES erin slagen de heel vreemde, bovennatuurlijke sfeer van de opera te vangen, en dat er momenten zijn die bijzonder mooi zijn.
Persoonlijk heb ik de rol van Kundry nooit echt begrepen, tot ik zag hoe Edith Slim haar schilderde. Haar vertolking (een lipsynchrone imitatie van de zangstem van Yvonne Minton) is van begin tot eind oogverblindend, en alleen dat al rechtvaardigt de uren die het kost om de film in je op te nemen.
Een andere reden om van deze film te genieten is dat hij de spectaculaire interpretatie van de cruciale rol van Gurnemanz door Robert Lloyd vastlegt, een rol die Lloyd in operahuizen over de hele wereld met verve heeft vertolkt. Ik heb het voorrecht gehad hem een paar keer te mogen bewonderen in de rol van Gurnemanz op het toneel van de Metropolitan Opera, en de weelderigheid van zijn stem en de warme, vaderlijke manier waarop hij deze nobele rol vertolkte, moesten echt worden behouden, net als zijn vertolking van die rol.' 's twee grote monologen, de Karfreitag-scène en het verslag van de profetie in het eerste bedrijf.
De versie die ik heb gezien, was een videoband die voor Amerika was gemaakt, en dus waren er ondertitels die helaas niet konden worden weggelaten. Dat is vooral zo jammer omdat de gebruikte vertaling zeer onnauwkeurig is en een uiterst christelijke interpretatie oplegt aan een film die al lagen van interpretatie oplegt aan de opera. Dit leek mij volkomen in tegenspraak met zowel Wagners duidelijke VERMOEIDING met het christendom als zijn zeer weloverwogen poging om de christelijke elementen van het verhaal te 'generaliseren'. (Zie voetnoot met spoiler aan het eind van deze recensie. Ik vind het bij het bekijken van een film met ondertitels bijna onmogelijk om ze niet in me op te nemen, en ik raad je ten zeerste aan om dat te doen als je in de dvd-versie de mogelijkheid hebt om de ondertiteling uit te zetten, en in plaats daarvan, als de opera je niet bekend is, het libretto van tevoren zorgvuldig te lezen.
Het komt erop neer dat er veel in de film zit waar ik een hekel aan heb en dat ik liever anders had gezien... maar in de jaren sinds ik hem voor het eerst zag, is hij gestaag in mijn achting gestegen, en ik merk dat ik er steeds opnieuw van wil genieten.

...
...

Foto van een lachende Kundry: een goed voorbeeld is Kundry's beroemde zin: 'Ik zag hem... hem... en lachte.' Dit wordt in de ondertitels om mij onbekende redenen vertaald als 'Ik zag het gezicht van de Verlosser'. Het irriteert me bijzonder, want in het hele libretto verwijst Wagner heel nadrukkelijk en zorgvuldig naar deze onzichtbare figuur die niet de goddelijke Jezus moet zijn als 'der Heiland', d.w.z. het Duitse woord voor 'de Genezer' <0xE2><0x80><0x93> een verwijzing naar de wond van Amfortas, en naar alle wonden en ziekten en de noodzaak tot genezing.

text_en:
This very peculiar setting of Wagner's last opera definitely grew on me. When I first saw it, I was somewhat annoyed by many of the films surrealistic images, and felt that far too much was superimposed upon the story. However, if you can put up with a fair amount of rather recherché "gimmicks," I think you will find that the film DOES manage to capture the very strange, other-worldly atmosphere of the opera, and that there are moments which are particularly fine.

Personally, I never really understood the role of Kundry until I saw how Edith Clever portrayed her. Her performance (a lip-synchronized mime of the singing voice of Yvonne Minton) is nothing short of dazzling, from end to end, and alone justifies the hours it takes to absorb the film.

Another reason to delight in this film is that it captures the spectacular interpretation of Robert Lloyd of the crucial role of Gurnemanz, one which Lloyd has performed to a crisp at opera houses throughout the world. I have been privileged to enjoy him in the role of Gurnemanz on the stage of the Metropolitan Opera several times, and the lusciousness of his voice, and the warm, fatherliness of his interpretation of this noble character really needed to be preserved, as did his performance in the character's two major monologues, the Karfreitag scene and the recounting of the prophecy in Act 1.

The version I have seen was a videotape made for America, and so there were subtitles which, alas, could not be done away with. This is especially unfortunate because the translation used is very inaccurate and forces an extremely Christian interpretation on a film which is already forcing layers of interpretation on the opera. This seemed to me to be quite contrary both to Wagner's clear AVOIDANCE of Christianity, and his very deliberate attempt to "generalize" the Christian elements of the story. (See footnote with spoiler at the end of this review.) I find it nearly impossible, when viewing a film with subtitles, to keep from absorbing them, and strongly recommend that, if in the DVD versions you have the ability to turn the subtitles off, you do so, and instead, if the opera is unfamiliar to you, that you read the libretto carefully beforehand.

The bottom line is that there is much in the film which I dislike, and would just as soon have seen done differently...but it has risen steadily in my estimation over the years since I first saw it, and I find myself drawn to enjoy it again and again.

__________________________________________________________________

FOOTNOTE CONTAINING A SPOILER: A good example would be Kundry's famous line, "I saw him...him...and laughed." This gets translated, in the subtitles, for reasons which escape me, as "I saw the Savior's face." It is especially irritating to me, because throughout the libretto, Wagner very deliberately and carefully refers to this unseen character WHO NEED NOT BE THE BIBLICAL Jesus as "der Heiland," i.e., the German for "The Healer"--a reference to the wound of Amfortas, and to all wounds and maladies and the need for healing.


text: Parsifal (1982) Starring Michael Kutter, Armin Jordan, Robert Lloyd, Martin Sperr, Edith Clever, Aage Haugland and the voices of Reiner Goldberg, Yvonne Minton, Wolfgang Schone, regisseur Hans-Jurgen Syberberg.<br />Rechtstreeks uit de Duitse filmschool, het soort school dat de voorkeur gaf aan tonnen symboliek en Ingmar Bergman-surrealisme, kwam deze film uit 1982 van Wagners laatste meesterwerk: Parsifal, geschreven om te corresponderen met Goede Vrijdag/Pasen en de inwijding van het Bayreuth-operahuis. Deze film volgt de muziek en de plot nauwkeurig, maar de manier waarop hij werd opgenomen en uitgevoerd is brutaal en avant-garde, en geen enkele andere Parsifal overtreft de bizarre cinematografie. Syberberg staat bekend om zijn controversiële films. Vóór deze film had hij films uitgebracht over Hitler en het nazisme, over Richard Wagner en zijn persoonlijke antisemitisme en een documentaire over Winifred Wagner, een van zijn kleindochters. Deze film is mogelijk in vele opzichten verontrustend. Parsifal (geregisseerd door Reiner Goldberg, maar geacteerd door Michael Kutter) is het hele eerste deel van de film een man en verandert dan, na de betovering van Kundry's kus, in een vrouw. Dit mannelijke element toont de vrouwelijke/mannelijke/wederzijdse aard van de zoektocht naar de Heilige Graal, die de hele mensheid dient en door het bloed van Christus verzoent. In het fort van de heidense tovenaar Klingsor zijn foto's te zien van beruchte sinistere figuren als Hitler, Nietzche, Cosima Wagner en Wagners ma<0xC3><0xAE>tresse Matilde Wesendock. De Swaztika-vlag hangt voor het fort. Parsifal begeeft zich in de film in de 19e en 20e eeuw. De verleidelijke Flower Maidens zijn naakt. Kundry wordt afgebeeld als een soort mooie maar corrupte Maria Magdalena of Eva uit Genesis (gespeeld door Edith Clever, maar prachtig gezongen door Yvonne Minton, de mezzosopraan). Uiteindelijk is deze film bestemd voor fans van dit soort bizarre Germaanse/Europese symbolische metafiction en voor intellectuelen die het symbolisme, de geschiedenis en de bewonderaars van Wagner-opera's kunnen waarderen. Het zingen is inderdaad groots en meeslepend. De Parsifal van Reiner Goldberg is een geconcentreerde en intense stem, maar mist de diepte en algehele grootsheid van de grotere Parsifals van het toneel <0xE2><0x80><0x93> James King, Wolfgang Windgassen, Rene Kollo en vandaag de dag.' Yvone Minton is een sensuele, theatrale en opwindende Kundry, die perfect in haar gekwelde staat doordringt. Hoewel de productie beslist onorthodox en zo on-Wagneriaans is als maar mogelijk is (Wagners concept was christelijke ceremoniële pracht en praal met Graal, speren, kastelen, ridders en gewonde koningen, een duistere tovenaar, duisternis die in licht verandert etc., typische Wagneriaanse thema's)... is het nog steeds een plezierige, kunstzinnige film.

text_en:
Parsifal (1982) Starring Michael Kutter, Armin Jordan, Robert Lloyd, Martin Sperr, Edith Clever, Aage Haugland and the voices of Reiner Goldberg, Yvonne Minton, Wolfgang Schone, Director Hans-Jurgen Syberberg.

Straight out of the German school of film, the kind that favored tons of symbolism and Ingmar Bergmanesque surrealism, came this 1982 film of Wagner's final masterpiece- Parsifal, written to correspond with Good Friday/Easter and the consecration of the Bayreuth Opera House. This film follows the musical score and plot accurately but the manner in which it was filmed and performed is bold and avant-garde and no other Parsifal takes the crown in its bizarre cinematography. Syberberg is known for controversial films. Prior to this film he had released films about Hitler and Nazism, Richard Wagner and his personal Anti-Semitism and a documentary about Winifred Wagner, one of his grand-daughters. This film is possibly disturbing in many aspects. Parsifal (sung by Reiner Goldberg but acted by Michael Kutter) is a male throughout the first part of the film and then, after the enchantment of Kundry's kiss, is transformed into a female. This gender-bending element displays the feminine/masculine/ying-yang nature of the quest for the Holy Grail, which serves all mankind and redeems it through Christ's blood. In the pagan sorcerer Klingsor's fortress, there are photographs of such notoriously sinister figures as Hitler, Nietzche, Cosima Wagner and Wagner's mistress Matilde Wesendock. The Swaztika flag hangs outside the fortress. Parsifal journeys into the 19th and 20th century throughout the film. The tempting Flower Maidens are in the nude. Kundry is portrayed as a sort of beautiful but corrupt Mary Magdalene or Eve from Genesis (played by Edith Clever but beautifully sung by mezzo-soprano Yvonne Minton). Ultimately, this film is for fans of this type of bizarre Germanic/European symbolic metafiction and for intellectuals who appreciate the symbolism, the history and lovers of Wagner opera. Indeed, the singing is grand and compelling. Reiner Goldberg's Parsifal is a focused and intense voice but it lacks the depth and overall greatness of the greater Parsifals of the stage - James King, Wolfgang Windgassen, Rene Kollo and today's own Placido Domingo. Yvone Minton is a sensual-voiced, dramatic and exciting Kundry, delving into her tormented state perfectly. While the production is certainly unorthodox and as un-Wagnerian as it can possibly get (Wagner's concept was Christian ceremonial pomp with Grails, spears, castles, Knights and wounded kings, a dark sorcerer, darkness turning into light, etc typical Wagnerian themes)..it is still an enjoyable, art-house film.


text:
Vincente Minnelli regisseerde een paar van de meest gevierde amusementsfilms uit de geschiedenis van de cinema... Hij was een van de eerste regisseurs in Hollywood die lieten zien dat een diepe liefde voor kleur, beweging en muziek intelligent amusement kon voortbrengen...
_'American in Paris'_ is het verhaal van een ex-militair die na de oorlog in Frankrijk blijft om te studeren en te schilderen... Hij wordt verliefd op een charmante, speelse Lise Bourvier... Hun romantische liefdesaffaire sprankelt even helder als de Lichtstad zelf... De hele film brengt een vleugje Franse elegantie waar techniek, artistieke stijl en muziek in perfecte synchronie samenkomen...
_De eerste muzikale scène introduceert de opwindende persoonlijkheid van Leslie Caron in haar filmdebuut... Ze is als een diamant, een vleugje klasse... George Guetary beschrijft zijn verloofde in een collage van verschillende dansstijlen, lief en verlegen, levendig en modern, gracieus en ontzagwekkend... Het nummer leidt naar een pretentieloze bistro, waar Kelly en zijn zeer goede vrienden in Parijs een milde parodie op Weense walsen delen... Later viert Kelly een populair tapdansen met een menigte enthousiaste kinderen die samen met hem 'I Got Rhythm' zingen, en in de grote jazzclub ziet Kelly het meisje van zijn dromen... Hij wordt onmiddellijk getroffen door haar sprankelende saffierblauwe ogen, en er is maar één duidelijk idee in zijn hoofd: hij trekt Lize de dansvloer op en zingt voor haar: 'It' Het is heel duidelijk: Onze liefde is hier om te blijven.'
Voor het vreugdevolle 'Tra-La-La' zorgt Kelly voor humor, geestigheid en talent in de hele kamer van Oscar Levant, en zelfs boven op zijn bruine piano...
Als hij zijn mooie Assepoester ontmoet langs de Seine, wordt Kelly meegesleept door zijn gelukkige ontmoeting met Caron... Hij drukt al zijn emoties uit met 'Onze liefde is hier om te blijven'. Het stuk gaf een duidelijk nachtelijk gevoel toen de twee geliefden baadden in zacht, blauw, rokerig licht... Ze beginnen aan een betoverend dansduet dat verschillende elementen combineert... Caron danst met haar hoofd op zijn schouder, probeert dan op een vloeiende manier weg te rennen... Ze lopen achteruit, weg van elkaar, en blijven dan staan om zich naar elkaar toe te haasten voor een kusje en een warme omhelzing...
De zwakste nummers van de film waren die welke weinig met het verhaal te maken hadden... In één geval voert Georges Guetary een vermakelijke toneelvoorstelling op met showgirls in reusachtige ornamenten die naar het toneel zweven... In een ander geval stelt Oscar Levant zich voor dat hij een concert geeft en niet alleen een pianorecital speelt, maar ook de andere instrumenten... Hij applaudisseert zelfs voor zichzelf als leden van het publiek...
Het extravagante, climactische superballet van de film is een heel avontuur, een doorbraak in smaak, richting en ontwerp... Het is een uitbarsting van liefde, woede en levendigheid... Het is Kelly's film... Kelly's grootste fantasie over zijn verloren liefde en zijn gevoel over Parijs, gezien door de enorme achtergronden van enkele van de meest impressionistische schilders van Frankrijk...
Het aantal begint op het Beaux Arts-bal nadat Kelly merkt dat hij van Lise gescheiden is, en begint met een schets met een zwart potlood... Het verzamelt de belangrijke delen van het verhaal van de film via voortdurend veranderende locaties, allemaal in de stijl van de schilders die Jerry hebben beïnvloed... De rondleiding, rijkelijk aantrekkelijk en buitengewoon sfeervol, omvat de Place de la Concorde-fontein, de Madeleine-bloemenmarkt, de Place de l'Opéra, tot aan zijn Rendez-Vous op Montmartre, met de cancan-dansers in een voorstelling van Lautrecs Moulin Rouge...
Kelly lijkt de grenzen van zijn fysieke zelf te tarten... Caron lijkt haar ruimte te domineren en sleurt je mee naar een andere tijd en een andere plaats...
Nina Foch leek heel aantrekkelijk en elegant in haar witte jurk met één schouder... In een van de beroemdste scènes van de film vraagt Kelly haar: 'Dat is een mooie jurk die je bijna aanhebt. Wat houdt hem overeind?' Nina antwoordt slim: 'Bescheidenheid!'
'An American in Paris' kreeg zes Oscars, waaronder een ereprijs voor Gene Kelly... De film gaf ons een schat aan herinneringen om mee naar huis te nemen...

text_en:
Vincente Minnelli directed some of the most celebrated entertainments in cinema history... He was among the first Hollywood directors to show that a profound love of color, motion and music might produce intelligent entertainment...

'American in Paris' is the story of an ex-GI who remains in France after the war to study and paint... He falls in love with a charming gamine Lise Bourvier... Their romantic love affair sparkles as brightly as the City of Lights itself... The whole movie brings a touch of French elegance where technique, artistic style and music all come together in perfect synchronism...

The first musical sequence introduces the exciting personality of Leslie Caron in her screen debut... She is like a diamond, a touch of class... George Guetary describes his fiancée ambiguous grace in a montage of different dance styles, sweet and shy, vivacious and modern, graceful and awesome... The number leads to an unpretentious bistro, where Kelly and his very good friends in Paris share a gentle parody of Viennese waltzes... Later Kelly celebrates a popular tap dancing with a crowd of enthusiastic children singing with him 'I Got Rhythm,' and at the massive jazz nightclub Kelly spots the girl of his dreams... He is instantly hit by her sparkling sapphire blue eyes, and only one clear thing is in his mind, to pull Lize onto the dance floor and sing to her: "It's very clear, Our love is here to stay."

To the joyful 'Tra-La-La,' Kelly provides humor, wit and talent all around Oscar Levant's room ,and even on the top of his brown piano...

When he meets his pretty Cinderella along the Seine river, Kelly is swept away by his happy meeting with Caron... He expresses all his emotions with 'Our Love Is Here to Stay.' The piece had a definite nighttime feel as the two lovers were bathed in soft, blue smoky light... They start an enchanting dance-duet juxtaposing differing elements... Caron dances with her head on his shoulder, then tries to run away in a fluid way... They move backward, away from each other, then pause to rush toward each other, for a little kiss, and a warm hug...

The film's weakest numbers were those that bear little relation to the story... In one, Georges Guetary performs an entertaining stage show with showgirls in giant ornaments floating down to the stage... In another, Oscar Levant imagines himself conducting a concert, and playing not only a piano recital, but the other instruments as well... He even applauds to himself as members of the audience...

The extravagant climactic super ballet of the film is quite an adventure, a breakthrough in taste, direction and design... It is a blaze of love, fury and vividness... It is Kelly's major fantasy of his lost love and of his feeling about Paris as viewed through the huge backdrops of some of France's most Impressionist painters...

The number starts at the Beaux Arts Ball after Kelly finds himself separated from Lise, and begins a sketch with a black crayon... It gathers the important parts of the film's story through a constantly changing locations, all in the style of the painters who have influenced Jerry... The tour, richly attractive and superbly atmospheric, includes the Place De la Concorde Fountain, the Madeleine flower market, the Place De l'Opéra, to his Rendez-Vous at Montmartre, with the cancan dancers in a representation of Lautrec's Moulin Rouge...

Kelly seems to defy the boundaries of his physical self... Caron seems to dominate her space and sweeps you away to another time and place...

Nina Foch appeared very attractive and elegant in her one-shouldered white gown... In one of the film's most famous lines, Kelly asks her: 'That's quite a dress you almost have on. What holds it up?" Nina, cleverly replies, "modesty!"

'An American in Paris' garnered six Oscars, including an honorary award to Gene Kelly... The film gave us a wealth of memories to take home...


text:
Gene Kelly kwam met een paar werkelijk fantastische ideeën voor musicals toen hij nog bij MGM werkte. Hij staat nu aan de top van zijn creatieve vermogens als hij samenwerkt met de musicalafdeling van Arthur Freed. Als je naar _An American In Paris_ kijkt, is het moeilijk te geloven dat de spelers nooit het achterste gedeelte van MGM hebben verlaten.
De magie van _An American In Paris_ is te danken aan de creatieve montage onder leiding van Vincent Minnelli en de decors die MGM ontwierp, vermengd met wat achtergrondopnamen. Het idee voor de film kwam van Kelly, die gewoon een film wilde maken met een lange balletsectie, waarin George Gershwins sonore gedicht _An American in Paris_ een rol speelt. Het klonk goed in de oren van Arthur Freed, die Ira Gershwin benaderde, die zei dat hij het best vond, zolang ze maar ander Gershwin-materiaal gebruikten.
Gershwin kreeg het soort deal voor Gershwin-muziek dat Irving Berlin normaal gesproken kreeg. In _An American in Paris_ is geen enkele noot van niet-Gershwin-muziek te horen. Luister naar een paar van de achtergrondmuziek en je hoort dingen als _Embraceable You_ en _But Not For Me_, die geen echte muzieknummers zijn.
Een andere jongen die behoorlijk goed was in het schrijven van teksten, Alan Jay Lerner, schreef het verhaal dat, toegegeven, erg mager is. Het gaat over een ex-militair, gespeeld door Gene Kelly, die na de Tweede Wereldoorlog nooit meer uit Frankrijk is weggeweest, alleen maar een appartement op de linkeroever van de Seine heeft gehuurd en een hongerlijdend kunstenaar is geworden. Hij woont samen met de excentrieke componist Oscar Levant en dat klinkt als een overbodige toevoeging.
Twee vrouwen zijn in hem geïnteresseerd. Ook een geëmigreerde Amerikaan, gespeeld door Nina Foch, die hem als schilder wil sponsoren als hij haar in andere zaken van dienst wil zijn. Maar Kelly valt voor een winkelmeisje, gespeeld door Leslie Caron in haar filmdebuut. Caron heeft ook belangstelling voor de musicalster Georges Guetary.
Natuurlijk is de plot alleen maar een excuus om te zingen en te dansen op de muziek van George Gershwin. Een Amerikaan in Parijs is toevallig de eerste film die ik ooit heb gezien als een vliegfilm tijdens de eerste vliegreis die ik ooit heb gemaakt. Ik herinner me nog dat ik van Phoenix Arizona naar Kennedy Airport vloog en Gene Kelly I've Got Rhythm zag doen. Mijn favoriete nummer in de film is echter Tra-La-La, dat Kelly zingt en door het hele appartement danst met Oscar Levant op de piano. Op een gegeven moment danst Kelly boven op de kleine vleugel. In een boek over Arthur Freed las ik een citaat waarin hij zei dat de balletscène in _American in Paris_ moest worden gedaan met de achtergrond van de Franse impressionisten, omdat hij dacht dat het publiek dan eerder naar een realistische setting op straat of achter het huis zou kijken dan naar een realistische omgeving. Zo ging het dus. Kelly had lange balletscènes gedaan in _Words_ en _Music, The Pirate_ en _On the Town_. Maar deze was de beste van allemaal. Dat vind ik nog steeds, en dat geldt ook voor een paar van Gene Kelly's latere films.
In een verrassingsaanval op de Oscars werd _An American In Paris_ verkozen tot beste film van 1951, die de favoriet _A Streetcar Named Desire_ versloeg. Ik denk dat de fantasie dat jaar het won van het realisme. Grote budgetten hebben ook in dit soort zaken de overhand.

Still An American in Paris is een van de beste filmmusicals die ooit zijn gemaakt, en aangezien de studio's niet langer al dat creatieve talent onder één dak hebben, is het minder waarschijnlijk dat het nog eens wordt herhaald.

text_en:
Gene Kelly came up with some really grand ideas for musicals while with MGM. Here he's at the top of his creative powers working with the Arthur Freed musical unit. Hard to believe when you watch An American In Paris that the players never left the back lot at MGM.

The magic of An American In Paris is due to the creative editing under the direction of Vincent Minnelli and the sets that MGM designed blended with some background establishing shots. The idea of the film originated with Kelly who wanted simply to do a film with a lengthy ballet sequence involving George Gershwin's tone poem An American in Paris. It sounded good to Arthur Freed who approached Ira Gershwin who said fine with him as long as they used other Gershwin material.

Gershwin got the kind of deal for Gershwin music that Irving Berlin normally got. Not one note of non-Gershwin music is heard in An American in Paris. Listen to some of the background music and you will hear things like Embraceable You and But Not For Me which are not real musical numbers.

Another guy who was a fair hand at writing lyrics, Alan Jay Lerner, wrote the story which admittedly is a thin one. All about an ex-GI played by Gene Kelly who after World War II never left France, just settled into an apartment on the Left Bank and proceeded to become a starving artist. He lives with eccentric composer Oscar Levant and does that ever sound like a redundancy.

Two women are interested in him. Another expatriate American played by Nina Foch who wants to sponsor him as a painter if he'll reciprocate in other matters. But Kelly falls for a shop girl played by Leslie Caron in her film debut. Caron also has musical comedy star Georges Guetary interested in here.

Of course the plot is just an excuse to sing and dance to the music of George Gershwin. An American in Paris happens to be the first film I ever saw as an in flight movie on the first airplane trip I ever took. I still remember flying back from Phoenix Arizona to Kennedy Airport seeing Gene Kelly doing I've Got Rhythm. My favorite number in the film however is Tra-La-La which Kelly sings and dances all over the apartment with Oscar Levant playing the piano. At one point Kelly dances on top of the baby grand piano.

In a book about Arthur Freed, I read a quote where he said in the American in Paris ballet sequence was to be done with the background of the French impressionists which he felt the public would take to rather than a realistic setting on the streets or back lot. So it happened that way. Kelly had done lengthy ballet sequences in Words and Music, The Pirate, and On the Town. But this one topped them all. Still does in my opinion and that includes some of Gene Kelly's later films.

In a surprise upset at the Oscars, An American In Paris was chosen best picture for 1951, beating out the heavily favored A Streetcar Named Desire. I guess fantasy trumped realism that year. Big budgets also have an upper hand in these things as well.

Still An American in Paris is one of the best movie musicals ever done and since the studios no longer have all that creative talent under one roof, something less likely to be repeated.


text: Ik heb 'An American in Paris' voor het eerst gezien toen ik nog op school zat en ik werd er meteen verliefd op. De volgende dag ging ik terug om het nog een keer te zien en ik ben de tel kwijtgeraakt van het aantal keren dat ik het sindsdien heb gezien, zowel in de bioscoop als op tv. Het maakt een fantastisch gebruik van een aantal van de beste muziek en liederen van de grootste populaire componist van de twintigste eeuw (George Gershwin) en beschrijft de grootste mannelijke (Gene Kelly) en vrouwelijke (Leslie Caron) danseressen in de geschiedenis van Hollywood. De bijrollen van Oscar Levant (even grillig als altijd), Georges Guetary (waarom maakte hij niet meer films? ) en Nina Foch (briljant in een onsympathieke rol) staan in topvorm. Het slotballet, voortreffelijk gechoreografeerd naar de titelmuziek, maakt uitstekend gebruik van de bezienswaardigheden en geluiden van Parijs en van de beelden van impressionistische en postimpressionistische kunstenaars. Alle nummers van Gershwin zijn prachtig geënsceneerd, maar de meest gedenkwaardige zijn 'It's Very Clear' (Caron en Kelly op de oever van de Seine) en 'I Got Rhythm' (de kinderen van Parijs die Gene Kelly vergezellen in 'Une Chanson Americaine'). Als je van Parijs houdt, moet je deze film zien. Als je nog nooit van je leven in Parijs bent geweest, moet je hem zien.

text_en: I saw "An American in Paris" on its first release when I was still at school and fell in love with it straightaway. I went back to see it again the next day and have lost count of the number of times I have seen it since, both in the cinema and on TV. It makes fantastic use of some of the best music and songs by the greatest popular composer of the twentieth century (George Gershwin) and features the greatest male (Gene Kelly) and female (Leslie Caron) dancers in Hollywood history. The supporting cast of Oscar Levant (as quirky as ever), Georges Guetary (why didn't he make more movies ?) and Nina Foch (brilliant in an unsympathetic role) are at the top of their form. The closing ballet, superbly choreographed to the title music, makes excellent use of the sights and sounds of Paris and of the images of impressionist and post-impressionist artists. All the Gershwin songs are beautifully staged, but the most memorable are "It's Very Clear" (Caron and Kelly on the banks of the Seine) and "I Got Rhythm" (the kids of Paris joining Gene Kelly in "Une Chanson Americaine"). If you love Paris, see this movie. If you've never been to Paris in your life, see it. But see it !


text:
Een Amerikaan in Parijs was in veel opzichten de ultieme mengeling van kunst en Hollywood-musical. De film, die op het hoogtepunt van MGM's macht werd gemaakt, bevat gedenkwaardige muziek van de Gershwins, die terecht de 20th Century-equivalent van Beethoven en Mozart werden genoemd.
Ook Gene Kelly bevond zich in deze film op het hoogtepunt van zijn macht, al zou je terecht kunnen zeggen dat deze film alleen maar de warming-up was voor zijn beste werk in Singin' in the Rain (1952). De twee films zijn in feite nauw met elkaar verbonden. Afgezien van het verband met Arthur Freed, dankt het Broadway Melody-fragment in 'Rain' zijn bestaan aan de ongelooflijke Amerikaanse in de Parijse Ballet-episode in deze film. Dit zou heel goed de enige keer kunnen zijn geweest dat een dansnummer speciaal in de openingstitels van de film wordt genoemd. En dat was ook terecht, want het toont Gene Kelly's vaardigheden als danser en choreograaf in al hun facetten.
De cast van de film is allemaal even uitstekend. Leslie Caron, die op een ongelooflijke manier haar filmdebuut maakt, toont een rijpheid die je doet denken dat ze al jaren films maakt. Haar inleidende dansscènes, en later haar werk voor het ballet, leveren een aantal verrassend sexy momenten op, die in MGM Musicals slechts worden geëvenaard door het werk van Cyd Charisse in Singin' in the Rain en The Band Wagon. De beste momenten van de film: tijdens de laatste scène (die ik niet zal weggeven aan iemand die de film niet heeft gezien) en een van de meest memorabele muzieknummers van de film, die zijn ongelooflijke pianovaardigheid koppelt aan (voor die tijd) ultramoderne special effects.
Minder memorabel zijn Georges Guetary als Kelly's romantische rivaal, hoewel hij wel een paar muzikale hoogtepunten heeft, en Nina Foch als Leslie Caron's romantische rivaal. De relatie tussen Kelly's personage en dat van Nina deed me denken aan de relatie tussen George Peppard en Patricia Neal in Breakfast at Tiffany's.
Er zijn een paar elementen in de film die het minder bevredigend voor me maakten dan Singin' in the Rain. Het ballet, hoewel overdadig en goed geproduceerd, past niet echt bij de rest van de film. Zonder de plot prijs te geven, gebeurt het gewoon, zonder enige reden of reden. En in tegenstelling tot de Broadway Melody-sequentie, heeft het eigenlijk niets te maken met de plot <0xE2><0x80><0x93> en in de beste musicals hebben de liedjes altijd een soort raison d'<0xC3><0xAA>tre.
Wat het nog erger maakt, is het einde van de film, dat zich onmiddellijk na het ballet afspeelt. Hoewel het einde geen verrassing zou moeten zijn (het is tenslotte een musical van MGM), had ik gehoopt op een beetje meer... film nadat het ballet was afgelopen. Het is alsof regisseur Vincente Minnelli het gevoel had dat hij het ballet niet met iets anders kon volgen. De film liet me letterlijk in de steek.
Afgezien van dat negatieve, staat _An American in Paris_ terecht in de rij van de beste Hollywood-musicals. Het haalt het niet helemaal bij _Singin' in the Rain_, maar het komt in de buurt en het is een getuigenis van Gene Kelly's vaardigheden als een van de grootste dansers aller tijden.

text_en:
An American in Paris was, in many ways, the ultimate mixture of art and Hollywood musical. Made at the height of MGM's powers as a musical powerhouse, the film features memorable music from the Gershwins, who rightly have been called the 20th Century's equivalent of Beethoven and Mozart.

Gene Kelly was also at the height of his powers in this film, though it could be rightly argued that this movie was just the warm-up for his best work in Singin' in the Rain (1952). The two films are actually closely linked. Aside from the Arthur Freed connection, the Broadway Melody segment in "Rain" owes its existence to the incredible American in Paris Ballet sequence in this film. This might well have been the only time a dance number is specially mentioned in the opening credits of the film. And it deserved to be, as it showcases Gene Kelly's skills as a dancer and choreographer to their utmost degree.

The film's cast is uniformly excellent. Leslie Caron, incredibly making her film debut, shows a maturity that makes you think she'd been making films for years. Her introductory dance sequence, and later her work on the Ballet, provides some surprisingly sexy moments rivalled in MGM Musicals only by Cyd Charisse's work in Singin' in the Rain and The Band Wagon. Oscar Levant is hilarious as Kelly's stoic pal, who gets two of the film's best moments: during the end party sequence (which I will not give away for anyone who hasn't seen the film), and one of the film's most memorable musical numbers which couples his incredible piano skills with state-of-the-art (for the time) special effects.

Less memorable are Georges Guetary as Kelly's romantic rival, though he does get a few musical highlights, and Nina Foch as Leslie Caron's romantic rival. The May-December relationship between Kelly's character and Nina's reminded me of the same "kept man" relationship seen between George Peppard and Patricia Neal in Breakfast at Tiffany's.

There are a few elements of the film that made it less satisfying for me than Singin' in the Rain. The Ballet, though lavish and well-produced, doesn't really fit with the rest of the movie. Without giving away the plot, the Ballet just happens, with no real rhyme or reason. And unlike the Broadway Melody sequence, it really doesn't have anything to do with the plot -- and in the best musicals, the songs always have some sort of raison d'etre.

Making matters worse is the ending of the film which happens immediately after the Ballet. Although the ending shouldn't be a surprise (this IS an MGM musical, after all), I was hoping for a bit more ... movie after the Ballet ended. It's as if director Vincente Minnelli felt that he couldn't follow the Ballet with anything else. The film literally left me in the lurch.

That negative aside, An American in Paris rightly ranks alongside the best of Hollywood's musicals. It doesn't quite reach the heights of Singin' in the Rain, but it comes close and it remains a testament to Gene Kelly's skills as one of the greatest dancers of all time.