text:
Dit jaar (2007) komt de film voor het eerst in Indonesië in de bioscoop, twee jaar na de officiële première, en na vele illegale dvd's die de weg naar het publiek hebben gevonden. Blijkbaar leidt de populariteit van de illegale dvd tot de première in de bioscopen, waar het publiek nog steeds komt kijken.
De film is een groots epos, dat de Japanse cultuur op een ontnuchterende manier in je huis brengt. Op een soms humoristische manier gaat het verhaal over een theaterschrijver die een verhaal voor zijn theater schrijft, omdat hij de voorstellingen in het Kabuki-theater saai vindt. In het begin is het publiek misschien een beetje in de war over het verhaal dat we volgen, maar als het verhaal zich ontvouwt, zien we dat de liefde tussen een mannelijke mens en een vrouwelijke demon leidt tot een geweldig verhaal voor een nieuw Kabuki-theaterstuk.
Het publiek blijft in het duister als dit een verhaal is dat echt zou zijn gebeurd in Japanse tradities en mythologie, maar dat doet er niet toe.

De manier waarop het verhaal wordt verteld met een liefde voor theater, expressie, levendige kleuren, humor en tragedie, maakt het zowel een geweldige rit in de achtbaan van Japanse cinema als van theater. Als je naar deze film kijkt, laat je dan helemaal gaan en probeer hem in de bioscoop te zien in plaats van thuis op je televisie.
Maar er is één kritiek punt: de soundtrack is soms een beetje irritant. Hoewel het grootste deel van de film geweldige muziek is, zijn er een paar momenten in de film die volgens mij wat dramatischer hadden moeten zijn. Maar misschien heeft de regisseur ook gekozen voor lichtere muziek bij de humor in het verhaal.

text_en:
The movie only enter the cinema in Indonesia this year (2007), two years after it's official release, and after many illegal DVD's had found its way to the public. Apparently the popularity of the illegal DVD's lead to the release into the theaters, with still public coming to watch.

The movie is a great epic, bringing Japanese culture into your house in an exiting way. In a sometimes humorist way, the story is told about a theater writer who writes a story for his theater, since the regular Kabuki theater plays is something he finds boring.

At first, the audience might be a little bit confused about which story we are following, but when the story unfolds, we see that the love between a male human and a female demon leads to a great story for a new Kabuki theater piece.

The audience is left in the dark if this is a story that is supposed to really have happened in Japanese traditions and mythology, but that doesn't matter.

The way the story is told with a love for theater, expression, vivid colors, humor and tragedy, makes this a great ride on the roller-coaster of Japanese cinema as well as theater.

Let yourself go completely when you watch this movie, try to see it in a cinema instead of on your television at home.

One critical point though: the soundtrack is sometimes a little bit annoying. Though most of it is great music, there are a few moments in the movie that I think they should have chosen some more dramatic music. But maybe the fact that the story contains moments of humor made the director choose for lighter moments in music as well.


text: Ik vond deze film vanaf de openingsscène tot aan het eind geweldig. Ik vond de manier waarop de regisseur en de acteur mij/het publiek direct aanspraken erg boeiend.<br />Wat ik het opwindendste en verfrissendste aan deze film vond, was dat hij de stereotypen van het mannelijk en het vrouwelijk geslacht <0xE2><0x80><0x93> en dus een uitdaging <0xE2><0x80><0x93> negeerde. De eigenaardigheden van de personages worden beschreven als sterke punten, en het ontbreken van een oordeel <0xE2><0x80><0x93> en het feit dat de personages zichzelf en elkaar accepteren <0xE2><0x80><0x93> stelde me in staat hen te omarmen en mezelf in hun wereld te laten trekken. Zonder prediken, en met intelligentie en vriendelijke en liefdevolle humor, heeft deze film het vermogen ons te openen voor nieuwe mogelijkheden en biedt hij hoop voor een wereld waarin mensen elkaar zien en accepteren als unieke en waardevolle individuen. Ik kijk uit naar meer offerandes van deze creatieve en getalenteerde regisseur.

text_en:
I loved this movie from the opening sequence right through to the end. I found the director/ actor's style of directly addressing me/the audience very engaging.

What I found most exciting and refreshing about this movie was its ignoring -- and thus challenging -- of gender and class stereotypes. The idiosyncrasies of the characters are portrayed as strengths, and the absence of judgment -- and the characters' acceptance of themselves and each other -- enabled me to embrace them and allow myself to be drawn into their world. Without preaching, and with intelligence and gentle and loving humor, this movie has the power to open us to new possibilities, and offers hope for a world in which people see and accept each other as unique and precious individuals. I look forward to more offerings from this creative and talented director.


text: Deze lowbudget digitale videofilm heeft sterke punten op de juiste plaatsen: schrijven en acteren. Bovendien is de digitale fotografie tot dusver de beste tot nu toe. Bij weinig licht heeft de karakteristieke omberkleurige videotoon de overhand, maar verrassend genoeg kan hij wedijveren met films voor helderheid, helderheid en verzadiging in felverlichte situaties. Dit is een film uit de grond van zijn hart, die op zijn best is met een gevatte dialoog en een 'Midnight Cowboy'-achtig verhaal over zwendelaars die alles doen om te overleven in de stad San Francisco.

text_en: This low budget digital video film has strengths in the right places--writing and acting. In addition the digital photography is the best of the lot so far. In low light conditions the characteristic video umber tone prevails but, surprising, it rivals film stock for brightness, clarity, and, saturation in brightly lit situations. This is grass roots film making at its best with snappy dialogue carrying a "Midnight Cowboy" kind of story about grifters doing whatever it takes to survive in urban San Francisco.


text: Een geweldige en zeer onafhankelijke film die de meeste van mijn emoties raakte en me meevoerde naar een andere wereld. Daarom gaan we toch naar de film? Ik was vooral onder de indruk van de montage en de muziek, een combinatie die me erg ontroerde.

text_en: A great and truly independent film that hit most of my emotions and carried me into another world. Isn't this why we go to the movies? I was especially impressed with the editing and the music, the combination of which was very transportive.


text: Wat is er zo taboe aan de liefde?! Mensen schijnen grote problemen te hebben met transgenen.<br />De titel van de film trok mijn aandacht niet. Het was een korrelige opname, ongeveer 4 minuten na het begin van de film, waardoor ik ophield met zappen. Ik kon niet geloven hoe ongelooflijk deze film was. Hij raakt aan zoveel niveaus van menselijke emotie dat hij me op de een of andere manier raakte. Het is verreweg een van de beste onafhankelijke films die ik ooit heb gezien. Ik zag deze personages niet als een van beide seksen, alleen maar als mensen. Ik zou het iedereen aanbevelen die van films houdt. Vooral onafhankelijke films. Alle filmmakers zonder vrees!

text_en:
What is so taboo about love?! People seem to have major problems with the transgenered.

The title of this movie didn't catch my eye. It was a grainy shot about 4 minutes into the movie is what made me stop channel surfing. I could not believe how freaking amazing this film was. It touches on so many levels of human emotion that it did not once fail to move me in some way. It is by far one of the best independent films I have ever seen. I did not view these characters as either gender, just human. I would recommend it to anyone who loves movies. Especially independent films. Praise to all fearless filmmakers!


text:
In Hook or By Crook is een enorm vernieuwende film van Harry Dodge en Silas Howard, twee ontzettend slimme en getalenteerde filmmakers. Ze slagen erin een origineel verhaal te vertellen in een opvallende filmstijl, en het is prachtig gefotografeerd door Ann T. Rosetti, en prachtig geschreven - echt poëtisch.
De hoofdpersonen zijn echte helden en dienen als een zeldzaam soort rolmodel/inspiratie voor butch potten en tranny's overal ter wereld. Deze film heeft zo veel energie, zo veel schrijnende passie en zo'n sjofel San Francisco-hart. Ik kan het niet genoeg aanbevelen!
De beste butch buddyfilm aller tijden!

text_en:
By Hook or By Crook is a tremendously innovative film from a pair of immensely smart and talented filmmakers, Harry Dodge and Silas Howard. They manage to tell an original story in a distinctive cinematic style, and it's beautifully shot by Ann T. Rosetti, and wonderfully written -- truly poetic.

The lead characters are true heroes and serve as a rare kind of role model/inspiration for butch dykes and trannies everywhere. This film has so much energy, so much poignant passion and scruffy San Francisco heart to it. I can't recommend it highly enough!

The best butch buddy movie of all time!


text: De mensen zeggen dat het een grappige montage is, maar ze hebben het grotendeels moeten schrappen bij de postproductie. Ik geef op dit moment les aan harry als docent aan de universiteit, en eerlijk gezegd is het een van de beste lessen die ik ooit heb gehad, het is hier nogal grappig over wat er gebeurde toen de film werd gemaakt, omdat harry zo levendig is. Ik keek oorspronkelijk naar 'de vreugde van het leven' voor een andere les waarin harry een stem in de film had, en begon naar deze film te kijken nadat ik met de les was begonnen. Harry heeft aanvankelijk wat acteerwerk gedaan, en hij is echt oprecht in het creëren van momenten die je raken, vooral als je dingen opnieuw moet monteren tot je op dat moment komt, maar het is iets wat je in deze film ziet.

text_en: people claim its edited funny but they had to cut it down substantially in post production. i have harry as a professor right now at ucsd, and honestly its one of the best classes I've had, its rather funny to here about what happened in making the film cause harry is so animated. i originally watched "joy of life" for another class where harry did a voice over in the film, and started watching this film after i started the class. Harry originally did some performance work, and is really genuine about creating moments that move you, especially when you have to re edit things until you hit on that moment, but its something you see in this film.


text: Ik was erg onder de indruk van deze kleine, onafhankelijk gemaakte film. Het verhaal, over een stel sociale buitenbeentjes die elkaar ontmoeten, vrienden worden en elkaar voorzien van een steunsysteem dat ze allebei als kind leken te missen, is soms hilarisch, soms triest, maar altijd provocerend. Muziek, voornamelijk van undergroundbands, werd met groot effect gebruikt, evenals de experimenten met camerastandpunten, filters en langzame of snelle bewegingstechnieken. De uitvoeringen (de hoofdrollen worden gespeeld door de schrijvers en regisseurs van de film) zijn een van de beste die ik de afgelopen paar jaar heb gezien. Als je ooit het gevoel hebt gehad dat een vierkante pin in een ronde gleuf werd geduwd, geloof ik echt dat je 'By Hook or By Crook' zult waarderen.

text_en: I was very impressed with this small, independently made picture. The story, about a pair of social outcasts who meet, become friends, and provide each other with a support system both seemed to lack as children, is at times hilarious, at times sad, but always provocative. Music, mostly by underground bands, was used to great effect, as was the experimentation with camera angles, filters, and slow or fast motion techniques. The performances (the leads are played by the writers and directors of the film) are some of the best I've seen in the last couple of years. If you ever felt like a square peg being forced into a round slot, I really believe you'll appreciate "By Hook or By Crook".


text: Dit zijn fragmenten uit een negen pagina's tellende 'Memo aan de heer Cohn van de heer Welles', geschreven nadat Orson de bewerkte versie van de film door studiobaas Harry Cohn had gezien (hij had er een uur voor uitgetrokken).<br />'... De voorspelbare titelmuziek is geschreven door een eersteklas componist, George Antheil. Hoewel de muziek helemaal niet voor onze film bedoeld was, had deze tijdelijke titelmuziek een sfeer van duisternis en dreiging, gecombineerd met iets weelderigs en romantisch wat het acceptabel maakte... Het enige muzikale idee dat bij deze huidige componist (Heinz Roemheld) schijnt te zijn opgekomen, is dat hij een populair liedje <0xE2><0x80><0x93> het 'thema' <0xE2><0x80><0x93> in zo veel mogelijk arrangementen wil gebruiken. Al die tijd hebben we muzikale verwijzingen naar 'Please Don't Kiss Me'.' '... voor bijna elke brug en ook voor een groot deel van het achtergrondmateriaal. De melodie is aangenaam, kan het heel goed doen op de Hit Parade <0xE2><0x80><0x93> maar _Lady from Shanghai_ is geen muzikale komedie... Meneer Roemheld is een vurig aanhanger van een ouderwets soort _score_ die in onze branche tegenwoordig 'Disney' wordt genoemd. Met andere woorden, als iemand valt, maakt hij een 'vallend' geluid in het orkest, enzovoort, enzovoort... Als het lab initialen en telefoonnummers over het hele negatief had gekrast, zou ik niet blijer kunnen zijn met de resultaten... ' Vlak voordat ik naar het buitenland vertrok, vroeg ik Vi (Viola Lawrence, de redacteur) om een geknipte versie te maken waarin ik het bijna-ongeluk met de taxi en ook een flink stuk dialoog zou weglaten. Ik ben ervan overtuigd dat dit een uitstekende versie zou zijn geweest... om de hoognodige opnamen in de langzame openingssequentie te besparen (dit is niet gedaan, wat de zwakke punten van de openingsspoel van de film verklaart)... Er is niets in het feit dat Rita duikt dat een groot orkestreren crescendo rechtvaardigt... Wat wel belangrijk is, is Rita's schoonheid... de boosaardige boventonen die door het personage van Grigsby worden gesuggereerd, en Michaels verbijstering. Al deze elementen zouden de muziek hebben kunnen inspireren. In plaats daarvan wordt de duik behandeld alsof het een grote climax of een grappig moment in een mallotige symfonie is: een stomme val van Pluto de Pup, of een wilde sprong in de ruimte van Donald Duck... Er is geen geluidsatmosfeer op de boot. Een beetje wind en water wordt ernstig gemist. Het heeft geen zin om een scène op een echte boot te fotograferen als je het laat klinken alsof het allemaal voor een computerscherm gebeurt... Aan het begin van de picknickscène... in de tijdelijke opname hebben we een heel merkwaardige, sexy Latijns-Amerikaanse toonsoort gebruikt... Deze is vervangen door een afgezaagde 'dramatische' vervolgscène <0xE2><0x80><0x93> slecht spul. Dit soort muziek vernietigt het vreemde dat Lady uit Sjanghai had kunnen redden van de zoveelste whodunit... Er volgt een grote muzikale uitbarsting na Grigsby's regel: 'Ik wil dat je hem vermoordt.' Dit is absurd... De Hawaïaanse gitaarmuziek die uit de radio komt... was bedoeld als afgezaagd genoeg om een bepaald satirisch punt te maken. Zoals het er nu voorstaat, is het ongeveer op hetzelfde niveau als de rest van de score. Niemand in het publiek kan vermoeden dat we een grapje maken... De aquariumscène heeft meer echo nodig. 'Please Don't Kiss Me' is er weer!... Een slecht gegoochel en een slechte score hebben het karakter van Michaels loop over de pier vernietigd. Vanaf het pistoolschot tot aan het telefoontje was er een zorgvuldig stemmenpatroon opgebouwd met de verspilling van veel tijd en moeite. Om de een of andere reden is dit allemaal weggegooid ten gunste van een vaag kabaal. Als gevolg daarvan lijkt de hele scène saai... Het publiek zou op dit punt, samen met Michael, het gevoel moeten hebben dat ze misschien gek worden. Het nieuwe duplicaat kan ze alleen maar het gevoel geven dat ze misschien gaan slapen... Het vuurgevecht met de brekende spiegels mag niet worden gesteund door muziek... De slotmuziek verwijst opnieuw naar 'Please Don't Kiss Me'... Deze finale is zo overduidelijk, dat het bijna vulgair is, en doet de afsluiting van de film onnoemelijk veel pijn.' Al deze commentaren van Orson werden genegeerd.

text_en:
These are excerpts from a nine-page "Memo to Mr. Cohn from Mr. Welles", written after Orson had seen studio mogul Harry Cohn's edited version of the picture (he took an hour out):

"...The preview title music was written by a first rate composer, George Antheil. Although not written for our picture at all, this temporary title music had an atmosphere of darkness and menace combined with something lush and romantic which made it acceptable...The only musical idea which seems to have occurred to this present composer (Heinz Roemheld) is the rather weary one of using a popular song--the "theme"--in as many arrangements as possible. Throughout we have musical references to "Please Don't Kiss Me" for almost every bridge and also for a great deal of the background material. The tune is pleasing, it may do very well on the Hit Parade--but Lady from Shanghai is not a musical comedy...Mr. Roemheld is an ardent devotee of an old-fashioned type of scoring now referred to in our business as "Disney". In other words, if somebody falls down, he makes a "falling down" sound in the orchestra, etc., etc...If the lab had scratched initials and phone numbers all over the negative, I couldn't be unhappier about the results...Just before I left to go abroad, I asked Vi (Viola Lawrence, the editor) to make a cut which would involve dropping the near accident with the taxi-cab and also quite a bit of dialogue. I am convinced that this would have been an excellent cut...saving much needed footage in the slow opening sequence (this was not done, accounting for the main weaknesses of the film's opening reel)...There is nothing in the fact of Rita's diving to warrant a big orchestral crescendo...What does matter is Rita's beauty...the evil overtones suggested by Grigsby's character, and Michael's bewilderment. Any or all of these items might have inspired the music. Instead, the dive is treated as though it were a major climax or some antic moment in a Silly Symphony: a pratfall by Pluto the Pup, or a wild jump into space by Donald Duck...There is no sound atmosphere on the boat. A little wind and water is sorely missed. There's no point in photographing a scene on a real boat if you make it sound as though it all happened in front of a process screen...At the start of the picnic sequence...in the temporary score, we used a very curious, sexy Latin-American strain...This has been replaced with a corny "dramatic" sequel--bad stock stuff...This sort of music destroys that quality of strangeness which is exactly what might have saved Lady from Shanghai from being just another whodunit...There is a big musical outburst after Grigsby's line, "I want you to kill him." This is absurd...The Hawaiian guitar music which comes out of the radio...was supposed to be corny enough to make a certain satirical point. As it stands now, it's on about the same level as the rest of the scoring. Nobody in the audience could possibly suspect that we're kidding...The aquarium scene needs more echo. "Please Don't Kiss Me" is in again!...A bad dubbing job and poor scoring has destroyed the character of Michael's run down the pier. From the gunshot through to the phone call, a careful pattern of voices had been built up with the expenditure of much time and effort. For some reason, this has all been junked in favor of a vague hullabaloo. As a result, the whole sequence seems dull...The audience should feel at this point, along with Michael, that maybe they are going crazy. The new dubbing job can only make them feel that maybe they're going to sleep...The gun battle with the breaking mirrors must not be backed with music...The closing music again makes reference to "Please Don't Kiss Me"...This finale is obvious to the point of vulgarity, and does incalculable injury to the finish of the picture."

All of these edits from Orson were ignored


text:
Per slot van rekening ga je niet naar een film van Orson Welles om een leuke, eenvoudige plot te zien en het beeld van een nog lang en gelukkig leven leidende ster op te poetsen.
Je gaat naar een film met theatraal opgevoerde personages die in conflict zijn met kleurige en ongebruikelijke decors, belicht en gefotografeerd met veel verbeeldingskracht, dapper gefotografeerd, en het hele gebeuren doorspekt met onverwachte, verrassende details die een wijzere en saaiere regisseur zou vermijden of waar hij om te beginnen al niet aan zou denken.
Zoals gewoonlijk schreef Welles niet alleen het scenario, maar regisseerde hij ook en speelde hij ook de held van een jonge Ierse zeeman die de wereld op zijn kop had gezet en het kwaad ervan had gezien, maar toch zijn heldere vertrouwen in de goedheid van anderen had behouden. Voor hem stelde hij dit vertrouwen in Rita Hayworth, wier koele, knappe uiterlijk een somber verleden en moordzuchtige neigingen voor de toekomst verborg. Ze trouwde zonder liefde met een impotente, kreupele advocaat en gedroeg zich als een kwaadaardige hagedis door de briljante Everett Sloane.
Er schuilt een jeugdige romantiek in dit alles, en deze eigenschap kwam tot uiting in het uitbundige spel in 'The Lady from Shanghai'. Voordat het onvermijdelijke gebeurde, ontsnapte Welles naar een laatste, driehoekige confrontatie in een spiegelzaal, die een van de klassieke scènes uit de naoorlogse filmgeschiedenis is geworden.

Welles liet geen kans voorbijgaan om de woorden en handelingen van de film te combineren met visuele details die de structuur en de sfeer verrijkten. Zijn camera leek Rita Hayworth bijna te strelen terwijl de zon met haar haren en lange ledematen speelde, terwijl ze de jonge zeeman speels in haar web plaagde.

text_en:
After all, you do not go to an Orson Welles movie to see a nice simple little plot and a burnishing of the image of a happy-ever-after star

You go to see theatrically heightened characters locked in conflict against colorful and unusual settings, lighted and scored imaginatively, photographed bravely, and the whole thing peppered with unexpected details of surprise that a wiser and duller director would either avoid or not think of in the first place

As usual, as well as directing, Welles wrote the script and he also played the hero  a young Irish seaman who had knocked about the world and seen its evil, but still retained his clear-eyed trust in the goodness of others Unfortunately for him, he reposed this trust in Rita Hayworth, whose cool good looks concealed a gloomy past and murderous inclinations for the future She was married without love, to an impotent, crippled advocate, acted like a malevolent lizard by the brilliant Everett Sloane

There is a youthful romanticism underlying it all, and this quality came into exuberant play in "The Lady from Shanghai." Before the inevitable happened, Welles escaped  to a final triangular showdown in a hall of mirrors, which has become one of the classic scenes of the post-war cinema

Welles did not miss a chance throughout the whole film to counterpoint the words and actions with visual detail which enriched the texture and heightened the atmosphere His camera seemed almost to caress Rita Hayworth as the sun played with her hair and her long limbs while she playfully teased the young seaman into her web


text:
Van alle film noirs uit de jaren veertig en vijftig is dit een van de vreemdste en leukste om te zien. Dat zeg ik vanwege de vier hoofdrolspelers: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane en Glenn Anders.
De eerste twee namen komen iedereen bekend voor, maar het waren de laatste twee die deze film voor mij zo amusant maakten, vooral voor Anders. Zijn personage, 'George Grisby', is een van de vreemdste mensen die ik ooit op film heb gezien. Zijn stem, en sommige dingen die hij zei, moet je horen om te geloven. Slaone ligt niet ver achter in de categorie 'vreemd'. Hayworth is met zijn korte, blonde haar niet zo aantrekkelijk, maar hij is het wel, en dat betekent veel lonken als je een man bent. Welles is even fascinerend als altijd. Eén tip: als je de dvd hebt, zet dan de Engelse ondertiteling aan. Zijn personage in deze film is een Ier en je hebt de ondertiteling nodig om alles te begrijpen wat hij zegt.
Welles regisseerde de film ook, wat betekent dat je prachtige camerahoeken hebt en prachtige close-ups van gezichten. Je hebt ook een uniek einde, visueel, met een schietpartij in een huis vol spiegels. Geweldig spul! Hoe bizar deze film ook is, ik vond de hansworstachtige kermissfeer aan het eind van het proces nog steeds te veel van het goede om de ernst van de scène weg te nemen. Afgezien daarvan geen klachten.
Dit is geweldig vermaak, zo heet het spel.

text_en:
Of all the film noirs of the 1940s and 1950s, this has to rank as one of the strangest, and most fun to watch. I say that because of the four main actors: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane and Glenn Anders.

The first two names are familiar to everyone but it was the last two that made this movie so entertaining to me, especially Anders. His character, "George Grisby," is one of the strangest people I've ever seen on film. His voice, and some of the things he said, have to be heard to be believed. Slaone isn't far behind in the "strange" category. Hayworth is not as glamorous with short, blonde hair but still is Hayworth, which means a lot to ogle if you are a guy. Welles' is as fascinating as always. One tip: if you have the DVD, turn on the English subtitles. His character in this movie is an Irishman and you need the subtitles to understand everything he says.

Welles also directed the film which means you have great camera angles and wonderful facial closeups. You also have a unique ending, visually, with a shootout in a house of mirrors. Great stuff! As bizarre as this film is, I still thought the buffoon-like carnival atmosphere at the trial near the end was too much and took away from the seriousness of the scene. Other than that, no complaints.

This is great entertainment, which is the name of the game.


text:
Na _KANE_, in 1941, keerden de hoge bazen van Hollywood de grote Orson Welles de met spinrag bedekte rug toe. Met uitzondering van _KANE_ verloor Welles alle creatieve controle over _Madison in to Fear_ en de vele andere films die zouden volgen. Welles was een vernieuwend en creatief genie, de meest onconventionele van alle filmmakers toen Hollywood behoefte had aan nog een paar. _The Lady from Shanghai_ is het zoveelste voorbeeld van het verkeerd begrepen beeld dat men in die tijd van Welles' films had, een film die een beetje onsamenhangend en onsamenhangend lijkt. Hij heeft een conventioneel uitgangspunt uit 1940 en wordt op een uiterst onconventionele manier verteld, en ik weet zeker dat sommige scènes op de vloer van de montagekamer zijn beland. Het verhaal gaat dat Columbia-magnaat Harry Cohn tijdens de eerste vertoning opstond en vroeg waar het over ging. Achteraf gezien hebben veel oude knorrepotten die in die tijd de studio's leidden geen flauw idee gehad van de filmtechnieken en de meesterlijke verhalenvertellers van Orson Welles en THE LADY VAN SHANGHAI, en dat komt alleen maar doordat ze zich ermee hebben bemoeid.
Niet alleen was Welles zonder enige twijfel de grootste regisseur aller tijden, hij was ook een behoorlijk goede acteur. Op zijn vijfentwintigste wisten we allemaal wat hij deed als 'Charles Foster Kane', misschien wel het beroemdste personage in de filmgeschiedenis. Hier speelt hij een zeldzame rol van flauwe grappen en weinig intelligentie, iets wat onbekend is voor degenen die Welles en zijn andere grote werken kennen. In plaats van een gladde, wijze tong spreekt hij met een ruw, Iers accent. Rita Hayworth (indertijd zijn ongelukkig getrouwde vrouw) speelt een ongelukkig getrouwde vrouw van een advocaat die Welles in de ban brengt en hem in staat stelt een baan te krijgen die hem tot de grenzen van misleiding en desillusie zal brengen. Hij is een grote kerel die misschien zelfs een man heeft vermoord, maar het echte mysterie ligt in de relatie tussen Hayworth (met prachtig blond haar) en de kreupele man Everett Sloane (meneer Bernstein van CITYZEN KANE). Een griezelige partner van Sloane is mee op een zeiltocht door het land om een aantal merkwaardige gebeurtenissen te ontketenen die Welles' 'Michael O'Hara'-hoofd doen tollen. Welles vertelt het verhaal als O'Hara, maar alles is nog steeds onduidelijk. Kijk zelf maar en besef dat er minstens 2 keer naar gekeken moet worden om precies te weten wat er aan de hand is.
Een voor zijn doen ongewoon vreemde scène in de rechtszaal draait om 'O'Hara', die door Sloane wordt verdedigd. Het is een merkwaardig komische scène met een paar eigenzinnige rechtbankmethoden, waaronder een kruisverhoor van Sloane zelf. Ik moest hier niet echt om lachen, want de film hapert op dit punt na een eerste deel dat toch nooit op gang komt. Tot op dit punt is de cinematografie geweldig, sommige scènes worden met vakmanschap en vaardigheid opgenomen (aquarium-liefdesscène), maar er is geen duidelijke lijn die de elementen en ons, het publiek, naar binnen trekt. Naar verluidt werd de rechtszaalscène opnieuw opgenomen tegen Welles' film. Op aandringen van Cohn werden er tien close-ups van Hayworth besteld en werd er een provisorisch liedje gezongen door het sterretje. Welles, die opnieuw buiten het montageproces werd gehouden, werd woedend om een provocerende geluidsband. Welles dankt zichzelf voor het feit dat hij de film heeft gered met een krachtig slot dat altijd in ere zal worden gehouden. De zogenaamde 'Hall of Mirrors'-scène brengt de liefhebbers keer op keer terug, terecht.
Het moet worden gezien om te worden geloofd en het slaagt er goed in enkele verwarrende ideeën te ontwarren. Het breken van de spiegels symboliseert de desillusie van 'O'Hara' en het 'gekkenhuis' zelf is een meesterwerk van kunst en inrichting. Het lijkt meer op een gemoedstoestand dan op een werkelijke plaats en het is inderdaad 'gek', verwrongen en verdraaid als een schilderij van Dali. Dit is een geweldig einde van een onvolmaakte film die, als hij alleen was gelaten, waarschijnlijk in de top 100 van AFI zou zijn terechtgekomen. Aan de andere kant zouden 3 of 4 andere Orson Welles-films misschien alle collectieve 'beste'-lijsten hebben gehaald als hij alleen was gelaten om zijn eigen magie te creëren.
NOTING: Kijk uit naar de Mercury Players die zo opvallend zijn in Welles-films. Ze duiken overal op.

text_en:
After CITIZEN KANE in 1941, Hollywood executives turned their cob-webbed backs on the great Orson Welles. With the exception of KANE, Welles lost all creative control on MAGNIFICENT AMBERSONS, JOURNEY INTO FEAR, and many other films to come. Welles was an innovative and creative genius, the most unconventional of filmmakers when Hollywood was in need of a few more. THE LADY FROM SHANGHAI is yet another example of the misunderstood view of Welles' films at the time, a movie that seems a bit choppy and non-fluent. It has a conventional 1940's premise told in a most unconventional way, and I am sure some scenes ended up on the cutting room floor. It is now legend that Columbia mogul Harry Cohn stood up during its initial screening and asked what it was about. In hindsight, many old grumps that ran the studios back then had not one clue as to the cinematic techniques and master story-telling of Orson Welles and THE LADY FROM SHANGHAI is only nearly great because of their intrusion.

Beside being arguably the greatest director of all-time, Welles was also quite a performer as an actor. At 25, we all know what he did as "Charles Foster Kane", perhaps the most famous character in film history. Here, he inhabits a rare character of dim wit and not much intelligence, something unfamiliar to those familiar with Welles other great work. Instead of a slick, wise tongue, he speaks with a rough, Irish twang. Rita Hayworth (his unhappily married wife at the time) plays an unhappily married wife of a lawyer who puts Welles in a spell and is able to draw him into a job that will take him to the limits of deception and disillusionment. He is a large lug who may have even murdered a man, but the real mystery lies in the relationship between Hayworth (with stunning blonde hair) and crippled hubby Everett Sloane (Mr. Bernstein from CITIZEN KANE). A creepy partner of Sloane's is along for the sail around the country to set off a number of peculiar events that has Welles' "Michael O'Hara" head spinning. Welles narrates the picture as O'Hara, but things are still unclear throughout. See for yourself and realize that it takes at least 2 viewings to fully know exactly what's up.

An uncharacteristically strange courtroom sequence centers around "O'Hara", with Sloane defending him. It is an oddly comedic scene with some quirky courtroom methods, including Sloane cross-examining himself. I didn't really laugh here because the film stalls at this point after a first portion that never gets to take off anyway. Up to this point, the cinematography is great, some scenes are shot with craft and skill (aquarium love scene), but there is no distinct line drawing the elements and us, the audience, in. Reportedly, the court scene was re-shot against Welles' requests (10 closeups of Hayworth were ordered) and a makeshift song sung by the starlet was thrown in at Cohn's insistence. A gaudy score infuriated Welles, who once again, was left out of the editing process. Thank Welles himself for saving the film entirely with a tour-de-force ending that will always be treasured. The so-called "Hall of Mirrors" scene brings buffs back time and time again, rightfully so.

It must be seen to be believed and it does a good job of wrapping up some confusing ideas presented. The crash of the mirrors represents "O'Hara's" disillusionment and the "crazy house" itself is a masterpiece of art and set decoration. It seems more like a state of mind than an actual place and is indeed "crazy", twisted and turned like a Dali painting. This is a great ending to a flawed picture that if left alone would probably have made the AFI's Top 100. Then again, 3 or 4 more of Orson Welles films may have made all collective "best of" lists if he had been left alone to create his own magic.

NOTE: Look for the Mercury Players that are so prominent in Welles pictures. They pop up all over. RATING: 8 of 10


text:
Men kan zich alleen maar voorstellen dat de film die meneer Welles heeft gemaakt, zonder tussenkomst van de studio tot een goed einde zou zijn gebracht! Deze film is een Welles met gebreken, maar hij is elke minuut de moeite waard omdat men de grootsheid kan zien van misschien wel Amerika's beste filmregisseur aller tijden!
We kunnen zien hoeveel moeite het Orson Welles heeft gekost om deze film te maken. Het verhaal zit vol gaten, misschien wel vanwege de eisen van de studiodirectie die de regisseur niet vertrouwde. Het is merkwaardig dat sommige van de opinies die bij de IMDB zijn ingediend Orson Welles vergelijken met de gebroeders Coen, Roman Polanski en zelfs Woody Allen, terwijl juist al die regisseurs als volgelingen van de grote meester zelf moeten worden beschouwd. Niemand was origineler en creatiever in de geschiedenis van de Amerikaanse film dan de heer Welles. We boffen dat we zijn nalatenschap nog steeds hebben, hetzij in retrospectief, zoals de film waaraan het Film Forum in New York zojuist een einde heeft gemaakt, hetzij op band of op dvd.

Rita Hayworth is nog nooit zo liefdevol gefotografeerd als hier. Als ze een schoonheid was met haar rode haar, als blondine, dan is ze gewoon te mooi om waar te zijn. Everett Sloan en Glenn Anders leverden een uitstekende bijdrage aan de film.

Het enige wat deze film tot een meesterwerk had kunnen maken, was zijn eigen optreden erin. Als hij zich had geconcentreerd op de regie en een andere acteur Michael O'Hara had geïnterpreteerd, dan zou het een heel andere film zijn geworden. Misschien was Orson Welles wel de pionier die de camera van de studio naar de straat bracht. De beelden in deze film zijn zo verbazingwekkend dat we het theater verlaten nadat we deze film hebben gezien en zijn onder de indruk van het werk, de visie en het talent dat hij ons heeft gegeven.

text_en:
One can only imagine the film Mr. Welles might have finished without the interference of the studio! This film is a flawed Welles, but worth every minute of it because one can see the greatness of perhaps America's best motion picture director of all times!

We can see the toll it took on Orson Welles the filming of this movie. The story has a lot of holes in it, perhaps because of the demands of the studio executives that didn't trust the director.

It is curious by reading some of the opinions submitted to IMDB that compare Orson Welles with the Coen brothers, Roman Polanski, even Woody Allen, when it should be all of those directors that must be regarded as followers of the great master himself. No one was more original and creative in the history of American cinema than Mr. Welles. Lucky are we to still have his legacy either in retrospective looks such as the one the Film Forum in New York just ended, or his films either on tape or DVD form.

Rita Hayworth was never more lovingly photographed than here. If she was a beauty with her red hair, as a blonde, she is just too stunning for words. Everett Sloan and Glenn Anders made an excellent contribution to the movie.

The only thing that might have made this film another masterpiece to be added to Orson Welles body of work, was his own appearance in it. Had he concentrated in the directing and had another actor interpret Michael O'Hara, a different film might have been achieved altogether. Orson Welles has to be credited for being perhaps a pioneer in taking the camera away from the studio lot into the street. The visuals in this film are so amazing that we leave the theater after seeing this movie truly impressed for the work, the vision and the talent he gave us.


text: 'The Lady From Shanghai' van Orson Welles heeft niet het briljante scenario van 'Citizen Kane', bijvoorbeeld, maar de filmografie van Charles Lawton jr., de onvergetelijke decors (zoals de scène in het aquarium, de zeereisscène met een oogverblindende Rita Hayworth die 'Please Don't Love Me' zingt, en de werkelijk verbijsterende climax in de Hall of Mirrors), en de geweldige cast (Everett Sloane in zijn beste rol, Welles in een prachtig ondergeschikte rol, de eerdergenoemde mejuffrouw Hayworth <0xE2><0x80><0x93> Welles' echtgenote in die tijd <0xE2><0x80><0x93> op haar allermooiste) zorgen voor een zeer gedenkwaardige ervaring. De bizarre moordmysterie is grappig en meeslepend, helemaal niet ondoorgrondelijk. De kijker wordt verrast door de wendingen, en Welles' slotzin is een onaangekondigde klassieker. krijgt vier sterren van deze onpartijdige arbiter.

text_en: Orson Welles' "The Lady From Shanghai" does not have the brilliant screenplay of "Citizen Kane," e.g., but Charles Lawton, Jr.'s cinematography, the unforgettable set pieces (such as the scene in the aquarium, the seagoing scene featuring a stunning, blonde-tressed Rita Hayworth singing "Please Don't Love Me," and the truly amazing Hall of Mirrors climax), and the wonderful cast (Everett Sloane in his greatest performance, Welles in a beautifully under-played role, the afore-mentioned Miss Hayworth--Welles' wife at the time--at her most gorgeous) make for a very memorable filmgoing experience. The bizarre murder mystery plot is fun and compelling, not inscrutable at all. The viewer is surprised by the twists and turns, and Welles' closing line is an unheralded classic. "The Lady From Shanghai" gets four stars from this impartial arbiter.


text:
Terwijl ik naar een van Orson Welles' laatste bijdragen aan Hollywood als filmmaker keek, wist ik dat ik naar een geweldige film keek, hoewel ik soms niet wist waarom. Het verhaal in _The Lady from Shanghai_ heeft de belangrijkste elementen van een film noir: een doorsnee-Joe-rol, een femme fatale, opvallende bijrollen en een begrijpelijke, zij het enigszins gecompliceerde plot. Het is een onderhoudende rit, en hij is tot de nok gevuld met de unieke talenten van Welles als regisseur, maar er zijn scènes die gewoon niet werken, of die niet compleet voelen in wat Welles' volledige visie was (dat laatste is helaas maar al te waar <0xE2><0x80><0x93> daar hebben de producent Harry Cohn en de directieleden van Columbia de schuld van). Als Mike O'Hara, een Ierse arbeider die kwaad kan worden op de juiste mensen en dat ook doet. Hayworth is mevrouw Bannister, getrouwd met meneer Bannister (Everett Sloane, die meneer Bernstein speelde in _Citizen Kane_ ), die wordt vergezeld door een vriend, meneer Grisby (Glenn Anders, die in zijn ogen veel zelfbeheersing heeft). Ze willen gaan zeilen op hun jacht en nemen O'Hara mee voor een tochtje, en in het begin aarzelt hij, maar stemt toe omdat hij verliefd is op de getrouwde mevrouw. Naarmate hun reis vordert, merkt O'Hara dat Bannister en Grisby niet prettig gezelschap zijn, en dat geldt des te meer voor Grisby, die in het begin uit zijn hum lijkt te zijn. Maar terwijl de plot zich ontvouwt, wordt O'Hara betrokken bij een zwendel waarvan Grisby het verzekeringsgeld wil incasseren, met resultaten die ik niet durf te onthullen (hoewel ze keer op keer door anderen zijn besproken).

Wat er ook voor onvoorziene complicaties opduiken in het mysterieuze deel van het verhaal (en die paar opvallende momenten waarop de studio de opnamen heeft gedicteerd), de uitvoeringen en het uiterlijk van de film blijven na meer dan vijfenvijftig jaar opvallend. Hoewel hij niet de geweldige Greg Tolland (Kanes DP) aan zijn zijde heeft, helpt de betrouwbare Charles Lawton junior Welles bij het creëren van een sfeer die zowel elegant als grimmig is, met veel schaduwen, een scherp beeld, lage hoeken, de hele mikmak. Een bijzondere prestatie is de spiegelscène in het toilet, die slechts een van de vele hoogtepunten is. Welles zelf is als acteur altijd betrouwbaar <0xE2><0x80><0x93> ook al is zijn accent niet bijzonder <0xE2><0x80><0x93> en Hayworth zelf maakt een scène wat weelderiger, ondanks haar pad in het verhaal.
The Lady uit Shanghai is de moeite van het bekijken waard, vooral voor Welles, Hayworth of film noir-fans (fans van de gebroeders Coen zouden dit ook fascinerend kunnen vinden). Het kan even duren (zoals bij Touch of Evil) voordat de onderliggende motieven in de plot tot je doordringen.

text_en:
As I watched one of Orson Welles' last contributions to Hollywood as a filmmaker, I knew I was watching a great movie unfold, though at times I did not know why. The story in The Lady from Shanghai has the prime elements of a film-noir: average-Joe lead, femme fatale, conspicuous supporting characters, and a comprehensible if somewhat convoluted plot structure. It is an entertaining ride, and it's filled to the brim with Welles' unique gifts as a director, but there are scenes that tend to just not work, or don't feel complete in what was Welles' full vision (the latter is unfortunately too true- executive producer Harry Cohn and the Columbia execs are to blame for that).

Welles co-stars with his then wife, the profoundly gorgeous Rita Hayworth, as Mike O'Hara, an Irish worker who can and does get angry at the right people. Hayworth is Mrs. Bannister, married to Mr. Bannister (Everett Sloane, who played Mr. Bernstein in Citizen Kane), who is accompanied by a friend Mr. Grisby (Glenn Anders, who has great control in his eyes). They want to go sailing on their yacht and take O'Hara along for the ride, and at first he's reluctant, but agrees since he's falling for the married Mrs. As their journey unfolds, O'Hara finds that Bannister and Grisby are not pleasant to be around, and more so with Grisby, who at first seems out of his gourd. Yet as the plot unfolds, O'Hara is drawn into a scam that Grisby is planning for insurance money, with results that I dare not reveal (although they have been discussed over and over by others).

Whatever liabilities pop up here and there in the mystery part of the story (and those few noticeable moments where shots were studio dictated), the performances and the look of the film are what remains striking after over fifty-five years. Though he doesn't have the terrific Greg Tolland (Kane's DP) at his side, dependable Charles Lawton Jr. assists Welles in creating an atmosphere that is both elegant and stark, covered in shadows, deep focus, low angles, the works. A particular accomplishment is the fun-house mirror scene, which is merely a highlight among others. Welles himself is always dependable as an actor- even if his accent isn't anything special- and Hayworth herself makes a scene a little more lush, despite her path in the story.

The Lady from Shanghai is worth checking out, especially for Welles, Hayworth, or film-noir buffs (fans of the Coen brothers might find this fascinating as well). It may just take a little while, repeat viewings (as was for Touch of Evil), for the underlying motives in the plot to sink in.


text: The Lady and Shanghai, die in 1946 werd gemaakt en in 1948 werd uitgebracht, was een van de grote films die Welles maakte nadat hij uit betrekkelijke ballingschap was teruggekeerd om _Citizen Kane_ te maken. De film is duister, broeierig en getuigt van enige paranoia uit de Koude Oorlog. De film zit vol met Welles' karakteristieke grillen van vreemde invalshoeken, snelle shots, lange pannen en sinistere belichting. Het gebruik van omgevingsmuziek is een voorloper van de ongelooflijk lange openingsscène in _Touch of Evil_, en de mysterieuze Chinese karakters en de scènes in Chinatown kunnen alleen maar worden beschouwd als de inspiratiebron, in veel opzichten, van Roman Polanski's Chinatown. De obsessie met het technische filmen, die deze film in zijn geheel teistert, doet afbreuk aan het geheel. De plot van dit verhaal gaat vaak verloren in een soms onbegrijpelijke warboel van filmtechnieken.<br />Ondanks deze kritiek maakt het verhaal, in combinatie met de fantastische optredens van Welles, Hayworth en vooral Glenn Anders (Laughter) het kijken naar deze film tot een vreugde. Orson Welles speelt niet alleen het Ierse accent, maar ook de verscheurde identiteit van de eerlijke maar gevaarlijke zeeman. Rita Hayworth, die in die tijd met Welles getrouwd was, breekt met haar gebruikelijke rol als seksgodin en neemt een rol op zich met echte diepgang en tegenstrijdigheden. Ten slotte is Glenn Anders een vreemde en bizarre vertolking, of de partner van Elsa's echtgenoten is niets minder dan klassiek!

text_en:
Made in 1946 and released in 1948, The Lady and Shanghai was one of the big films made by Welles after returning from relative exile for making Citizen Kane. Dark, brooding and expressing some early Cold War paranoia, this film stands tall as a Film-Noir crime film. The cinematography of this film is filled with Welles' characteristic quirks of odd angles, quick cuts, long pans and sinister lighting. The use of ambient street music is a precursor to the incredible long opening shot in Touch of Evil, and the mysterious Chinese characters and the sequences in Chinatown can only be considered as the inspiration, in many ways, to Roman Polanski's Chinatown. Unfortunately, it is Welles' obsession with technical filmmaking that hurts this film in its entirety. The plot of this story is often lost behind a sometimes incomprehensible clutter of film techniques.

However, despite this criticism, the story combined with wonderful performances by Welles, Hayworth and especially Glenn Anders (Laughter) make this film a joy to watch. Orson Welles pulls off not only the Irish brogue, but the torn identities as the honest but dangerous sailor. Rita Hayworth, who was married to Welles at the time, breaks with her usual roles as a sex goddess and takes on a role of real depth and contradictions. Finally, Glenn Anders strange and bizarre portrayal or Elsa's husbands' law partner is nothing short of classic!


text:
Op het moment dat The Lady uit Shanghai werd gemaakt, stortte het huwelijk van Orson Welles en Rita Hayworth in. De film was net zozeer een poging van Welles om het oude vuur weer aan te wakkeren als om een klassieke film noir te maken. Destijds werd The Lady uit Shanghai niet goed ontvangen, maar in de loop der jaren kreeg de film steeds meer kritieken. Het werd beter naarmate je ouder werd, zogezegd.
Welles is de Ierse zeeman Michael O'Hara die op een noodlottige avond de mooie Rita Hayworth redt van drie straatrovers in Central Park. De vonken vliegen ervan af, maar dan komt de aap uit de mouw: de dame blijkt getrouwd te zijn met de kreupele, maar briljante strafpleiter Everett Sloane. Niettemin mag Sloane Welles wel en hij neemt hem in dienst als kapitein van zijn jacht.
Tot dusver begint deze film aardig op Gilda te lijken. Als Orson Gilda had gezien en op dat moment niet met zijn mannelijk lid in de weer was geweest, zou hij als een haas terug zijn gegaan naar de zeeliedenwervingshal in Lower Manhattan. In plaats daarvan raakt hij verstrikt in een prachtig web van intriges en wordt hij verdacht van twee moorden, met Sloane als zijn eminente raadsman.
Om de een of andere reden besloot Welles dat zijn vrouw in deze film een blondine zou zijn. Harry Cohn zou uit zijn dak zijn gegaan omdat Rita internationaal bekendstond om haar koperrode haar. Dat heeft hem misschien de das omgedaan toen hij zich aansloot bij het legioen studiobazen dat Welles' visie op onafhankelijke films als een bedreiging voor hun macht zag.

Acteur Glenn Anders speelt Sloanes partner Grisby, die één grote slijmbal is en uiteindelijk een lijk wordt. Het andere lijk dat hier ligt, is Ted DeCorsia, een laag-bij-de-grondse privédetective die voor zichzelf wil beginnen.
Het is een goede noir-thriller, waarin Rita op haar best is, ook al is ze hier blond. De laatste opname in de spiegelzaal is prachtig geënsceneerd, maar ik zou het niet aanbevelen als je niet van gecontroleerde materialen houdt.

text_en:
At the point in time that The Lady from Shanghai was being made, the marriage of Orson Welles and Rita Hayworth was disintegrating. The film was as much an effort by Welles to rekindle the old flames as it was to make a classic noir. Not received well at the time, The Lady from Shanghai has gotten more and more critical acclaim as years pass. Gotten better with age so to speak.

Welles is Irish seaman Michael O'Hara who on a fateful night rescues the beautiful Rita Hayworth from three muggers in Central Park. Sparks do fly, but then comes the rub, turns out the lady is married to crippled, but brilliant criminal attorney Everett Sloane. Nevertheless Sloane takes an apparent liking to Welles and hires him to skipper his yacht.

So far this film is starting to sound a lot like Gilda. If Orson had seen Gilda and was not at this point thinking with his male member, he would have skedaddled back to the seaman's hiring hall in Lower Manhattan. Instead he gets himself involved in a lovely web or intrigue and finds himself pegged for two murders and Sloane as his eminent counsel.

Welles for whatever reason decided that his wife would be a blond in this film. Supposedly Harry Cohn hit the roof as Rita was internationally known for her coppery red hair. This may have soured him on the picture as he joined the legion of studio bosses who saw Welles's vision of independent film making a threat to their power.

Stage actor Glenn Anders plays Sloane's partner Grisby who is one slimy dude, he winds up a corpse. The other corpse to be here is Ted DeCorsia, a bottom feeding private detective who tries to go in business for himself.

It's a good noir thriller, showing Rita at her glamorous best even if she was a blond here. The final shoot out in the hall of mirrors is beautifully staged, but I wouldn't recommend seeing it if one is on any controlled substance.


text:
Het eerste mysterie is om te raden hoe de oorspronkelijke film van Welles eruitzag. Dat maakt dit een echt avontuur <0xE2><0x80><0x93> om een incompleet skelet te zien en de forensische technieken van de film te gebruiken, stel je de mooie vrouw voor die hij ooit steunde.
Als je dat doet, zul je misschien een van de beste filmmysteries aller tijden zien en ervaren. Voor een mysterie is het verhaal tamelijk gewoon: een eenvoudige afleiding, één jaloerse echtgenoot als dwaalspoor.
Wat wel wonderbaarlijk is, is dat Welles het verhaal plaatst in een kunstmatig oog dat een donkere, donkere, gefacetteerde wereld ziet. De eerste echte film noir, maar nog donkerder. Het is geen duidelijk verknipte wereld, tenzij je aan de camera denkt. Wat we met eigen ogen kunnen zien, is dat iemand een vocabulaire creëerde dat later gemeengoed zou worden.
Ondanks alle feestelijkheden was Kane een succes vanwege het grote drama en het verhaal. Het oog van de camera was schokkend, maar experimenteel. Welles zou van daaruit het mysterieverhaal en de zelfreflectie van Shakespeare onderzoeken met dit oog. Othello en MacBeth zijn allebei in deze periode begonnen, en ik beschouw hen als onderdeel van een enkel visioen met dit oog.
Het noir-gevoel hier is gebaseerd op het idee dat mensen hun leven niet zelf in de hand hebben, zelfs niet een beetje - ze worden gemanipuleerd door willekeurige factoren in de omgeving. Dus moet Welles, om dit verhaal te kunnen vertellen, de omgeving tot een personage maken. Verscheidene personages als verdachten in het mysterie.
En zo hebben we de beroemde belichting, begrenzingen en invalshoeken die we kennen (en die we sindsdien talloze malen hebben gezien). En we hebben de opzettelijk gesloten decors: het park, het jacht, het picknickterrein, het aquarium, de haven, de rechtszaal, het Chinese theater en het spookhuis. Ik ben er zeker van dat de barbaren een heleboel 'uitwendige' verhalen hebben gemaakt die niet te maken hadden met het karakter, maar met deze vreemde omgevingen.
Mijn eigen oplossing voor het mysterie is dat het spookhuis het heeft gedaan, te midden van de andere karakteromgevingen die als verdachten zijn geïntroduceerd. Met andere woorden, de manipulatie van Black Irish (die we kennen van zijn aantekeningen en van een scène waarin hij in de vakbondszaal zit te typen) was geen van beide: het was een kracht van menselijke samenzwering (het park of de geciviliseerde versie, de rechtszaal) of van de natuur (de picknick of de geciviliseerde versie, het aquarium).
In plaats daarvan was het een kwestie van opzettelijke grilligheid van de goden om ons te vermaken. Dit is natuurlijk een verwijzing naar wat Welles doet: deze mensen (inclusief hijzelf) door de hel laten gaan voor onze eigen grilligheid, een kwestie die wordt onderstreept door de Peking Opera, waar Welles onder de dope zat. En natuurlijk leidt dat tot het lachpaleis, waar de omgeving rechtstreeks knoeit met de perceptie. Er is natuurlijk wel bewust commentaar op zijn relatie met zijn aanstaande ex-vrouw. Maar ik geloof dat er sterk onderbewust commentaar is op het feit dat hij de omgeving waarin hij werkte, de studioomgeving, tartte. Welles werd op ongeveer dezelfde manier genaaid als zijn personage. En dat naaien nam de vorm aan van de moord op deze film, waarbij het rottende lijk aan het begin van dit commentaar werd genoemd.
Dat die arme Rita uit China komt, verbindt het hele gebeuren, het Chinese theater, de verwachte verkrachting van bovenaf, het verlies van de vrouw. De investering in de omgeving boven alles.

text_en:
The first mystery is to guess what Welles' original film was like. That makes this a real adventure -- to see an incomplete skeleton and using cinematic forensics, imagine the beautiful woman it once supported.

If you do, you will both see and experience perhaps one of the best film mysteries ever. As mysteries go, the narrative is rather ordinary: a simple diversion, one jealous husband as red herring.

What's rather miraculous is Welles' placement of the story in an artificial eye seeing a dark, dark multifaceted world. The first real noir, but even darker. It's not an obviously twisted world, unless you think about the camera. What we can see firsthand is someone creating a vocabulary that would later become common.

For all the celebration, Kane was a success because of the great drama and story. The camera's eye was shocking, but experimental. Welles would go from there to explore the mystery narrative and the self-reference of Shakespeare with this eye. Othello and MacBeth are both begun in this period, and I consider them part of a single vision with this.

The noir feel here hinges on the notion that people are not in charge of their lives, even a little -- they are manipulated by random factors in the environment. So in telling this story, Welles has to make the environment into a character. Several characters as suspects in the mystery.

Thus we have the famous lighting, blocking and angles we know (and have since seen countless times). And we have the deliberately closed sets: the park, yacht, picnic area, aquarium, dock, courtroom, Chinese theater and funhouse. I am certain that what was cut by the barbarians was lots and lots of 'external' narrative dealing not with character but with these strange environments.

My own solution to the mystery is that the funhouse did it, among the other character-environments introduced as suspects. In other words, the manipulation of Black Irish (who we know from notes and one scene typing at the union hall was an aspiring novelist) was neither: a force of human conspiracy (the park or the civilized version, the courtroom) nor of nature (the picnic or the civilized version, the aquarium).

Instead it was a matter of deliberate caprice by the gods for amusement. This is of course a self-reference to what Welles is doing: putting these people (including himself) through hell for our own caprice, a matter underscored by the Peking Opera set with Welles doped up. And of course leading to the funhouse where the environment directly tinkers with perception.

More about the self-reference: surely there is conscious comment on his relationship with his soon to be exwife. But I believe there is strong subconscious comment on his own taunting the environment in which he worked, the studio environment. Surely Welles was as much screwed with, and in much the same way, as his character. And that screwing took the form of the murder of this film, leaving the rotting corpse mentioned at the beginning of this comment.

That poor Rita comes from China ties up the whole thing, the Chinese theater, the expected rape from above, the loss of the woman. The investment in environment beyond all.


text:
In New York redt zeeman Michael O'Hara (Orson Welles) Elsa Bannister (Rita Hayworth) van een beroving & verkrachting als ze te paard & in een rijtuig door Central Park rijdt <0xE2><0x80><0x93> en er het leven bij inschiet. Hayworth met haar getinte haar is platinablond in deze film; zo oogverblindend als pas gevallen sneeuw <0xE2><0x80><0x93> maar bij lange na niet zo puur...
<0x3E> Het zou misdadig zijn om meer te onthullen van de ingewikkelde plot in deze semi-noir. Het is even bedrieglijk als de spiegels die gebruikt werden voor het cataclysmische effect in de laatste scènes <0xE2><0x80><0x93> maar de film bevat veel duisterder geheimen: Uit de _New York Times_ : 'Childhood Shadows: The Hidden Story of The Black Dahlia Murder' door Mary Pacios 'Mary Pacios, die 5 jaar oud was toen ze bevriend raakte met de 15-jarige Bette Short, volgt het spoor van Short' Ze heeft ook een gedetailleerde, zij het speculatieve, analyse gegeven van Orson Welles <0xE2><0x80><0x93> vooral met betrekking tot zijn film 'The Lady from Shanghai'. Volgens mevrouw Pacios heeft de film, samen met het bijbehorende archiefmateriaal, veel van dezelfde ritualistische elementen die verband houden met de moord op Short. Ze stelt de vraag: zou Welles de moordenaar kunnen zijn?' Interessante theorieën <0xE2><0x80><0x93> en nu er zoveel boeken over 'The Black Dahlia' zijn verschenen, zal er waarschijnlijk nog veel meer aan het licht komen. Fritz Langs brute 'film noir', 'The Big Heat' (1953), was een roman-a-clef beschrijving van de moord op 'Dahlia' in 'The City of Nets' in L.A. <0xE2><0x80><0x93> maar het is het opus van Orson waar de 'Dahlia' een 'hand-in-hand'-relatie mee had. In werkelijkheid was het Bugsy Siegel (en de maffiaoorlogen in Hollywood in de jaren veertig) die de 'Dahlia' in gang zetten... maar dat doet niet veel af aan wat Pacios schreef. Bijna heel Hollywood kruiste Elizabeth ('De Zwarte Dahlia') Short en haar verhaal/aura/erfenis/vervloeking is gecodeerd in een aantal films uit de Gouden Eeuw.
De 'Zwarte Dahlia' stond altijd aan de rand van 'Sjanghai' <0xE2><0x80><0x93> al voordat er werd gefilmd. Barbara Payton op Franchot Tone: 'Dat was toen hij erover dacht om _De dame uit Shanghai_ te maken, voordat hij de optie op Orson Welles kwijtraakte. Franchot zei dat hij in een slechte bui was over die deal toen hij de Dahlia tegenkwam in het Formosa Café tegenover de studio's van Goldwyn...' De verdieping boven het Formosa-café was het kantoor van Bugsy Siegel en 'The Dahlia' was een van zijn in- en uitwerkende'meisjes'.
Het wordt dieper en duisterder. Na de ruzie over Barbara Payton in 1951 tussen Tom Neal en Franchot Tone, die Franchot met een hersenschudding naar het ziekenhuis stuurde, trouwde ze met Tone 'om Neal een hak te zetten'. Tom ('Detour') Neal kende 'The Dahlia' ook (wie niet?) en raakte erdoor geobsedeerd. Uit 'L.A. Despair' van John Gilmore: 'De moord in januari 1947 op de jonge, mooie actrice Elizabeth Short, bekend als 'The Black Dahlia', was een van de gruwelijkste moorden in de annalen van de moderne misdaad. Een project dat 'The Black Dahlia Killed' heette. Niet lang daarna: 'Het zou heel duidelijk worden op een mooie dag, wanneer Tom zijn mooie, nieuwe vrouw uit Palm Springs zou besluipen terwijl ze op hun bank lag en een.45-kogel door haar hoofd zou schieten.' Barbara Payton en Norma Jean Dougherty (later Marilyn Monroe) kenden de 'Dahlia' en hun verhalen zijn algemeen bekend. Het lijkt erop dat iedereen die het pad van de 'Dahlia' kruiste (zoals de spreekwoordelijke zwarte kat) een 'Twilight Zone' binnenging. '... en/of een ongelooflijke reeks tegenslagen hebben gehad. Tone/Neal/Welles zijn er maar een paar <0xE2><0x80><0x93> en dat geldt ook voor een afgeslachte film die 'The Lady From Shanghai' heet... '
'The Lady From Shanghai' is pas na twee jaar uitgebracht, dankzij een uitgebreide revisie <0xE2><0x80><0x93> en dat allemaal omdat president Harry Cohn van Columbia het verhaal niet kon begrijpen. Het is een duistere 'noir' <0xE2><0x80><0x93> een van de donkerste, om precies te zijn. Het is ook een boosaardige satire op het leven in het nieuwe Atoomtijdperk.
'
Nicolas Christopher: '
'Shanghai' duwt een hardnekkige subtekst van de nucleaire apocalyps naar voren en bevat de definitieve noir-verklaring over de atoombom en de Amerikaanse stad. Het eerste slachtoffer van de bomaanslag (en dat zijn er heel wat), een psychotische, dubbelhartige advocaat, voorziet bij elke bocht in de weg manisch het einde van de wereld en beweert dat hij het 'voelt'. Hij kondigt aan dat hij van plan is naar een afgelegen eiland in de Stille Oceaan te vluchten <0xE2><0x80><0x93> een bijzonder wrange grap van Welles, aangezien juist in dat jaar de Verenigde Staten begonnen met het testen van atoombommen op precies zo'n eiland, de Bikini Atoll, waarbij alle bewoners werden verplaatst en het ecosysteem werd vernietigd. Tegen de tijd van de Bikini lijkt de erotische identificatie van Hayworth met de Bom te zijn geïmplementeerd, met de zegen van de hoge militairen; de eerste bom die op de testbasis in de Stille Oceaan wordt gegooid en die 'Gilda' wordt genoemd, heeft Hayworths beeltenis, in provocerende kledij, rechtstreeks op het omhulsel geschilderd...' Het is ironisch dat Orson Welles' brede interpretatie van een Ier door velen als een nadeel voor de film wordt beschouwd. Welles geeft de kijkers een aanwijzing dat 'Michael O'Hara' alleen maar de verteller is <0xE2><0x80><0x93> geen deel uitmaakt van het verhaal, ook al draait het om hem. 'O'Hara' gaat in de hele film tegen het haaienmotief in. Haaien die zich te goed doen aan een vraatzucht houden pas op als er niets meer over is. 'Michael O'Hara' leeft om het verhaal te vertellen. 'Elsa Bannister' veroorzaakt een vraatzucht tijdens 'O'Hara's' proces en haar in een net gevatte hoed suggereert dat ze in een kooi zit <0xE2><0x80><0x93> om de menselijke toeschouwers in een Romeins Coleseum niet te verzwelgen. De toeschouwers zijn zelf een vraatzuchtige vraatzucht aan het bedrijven, roddelen en zeuren over 'Elsa'. <0xE2><0x80><0x93> een menselijk aquarium dat overeenkomt met de sequentie uit het zeemuseum in San Francisco. Dat is de toestand van de mens... behalve 'Michael O'Hara'. En toch zal hij zijn hele leven proberen zijn verleden te vergeten ('Elsa') <0xE2><0x80><0x93> of bij die poging sterven. 'Elsa' maakt deel uit van 'Michael' en het verhaal eet uiteindelijk zijn eigen staart op en de kijker wordt gewaarschuwd uit de problemen te blijven.

text_en:
In NYC, seaman Michael O'Hara (Orson Welles) rescues Elsa Bannister (Rita Hayworth) from a mugging & rape as she takes a horse & carriage through Central Park -and lives to regret it. Titian-haired Hayworth's a platinum blonde in this one; as dazzling as fresh-fallen snow -but nowhere near as pure...

To reveal any more of the convoluted plot in this seminal "noir" would be criminal. It's as deceptive as the mirrors used to cataclysmic effect in the final scenes -but the film holds far darker secrets: From the NY Times: "Childhood Shadows: The Hidden Story Of The Black Dahlia Murder" by Mary Pacios "Mary Pacios, who was 5 years old when she was befriended by 15 year old Bette Short, retraces Short's steps, interviewing friends and associates. She also offered a detailed, if speculative, analysis of Orson Welles -particularly in regard to his movie "The Lady From Shanghai". According to Ms. Pacios, the movie, along with related archival materials, has many of the same ritualistic elements associated with Short's murder. She raises the question: Could Welles have been the killer?" Interesting theories -and with the spate of books now out on "The Black Dahlia", much more may come to light. Fritz Lang's brutal "film noir", "The Big Heat" (1953), was a roman-a-clef telling of the "Dahlia" killing in "The City Of Nets" that was L.A. -but it's the Orson opus that the "Dahlia" had a "hands-on" connection to. In reality, it was Bugsy Siegel (and the Hollywood mob wars of the 1940's) that did the "Dahlia" in ...but that doesn't negate much of what Pacios wrote. Almost all of Hollywood intersected with Elizabeth ("The Black Dahlia") Short and her tale/aura/legacy/curse is encoded in a number of Golden Age films.

The "Black Dahlia" was always on the peripheral edges of "Shanghai"-even before it started filming. Barbara Payton on Franchot Tone: "It was when he was thinking about making "The Lady From Shanghai", before he lost the option to Orson Welles. Franchot said he'd been in a bad state over that deal when he ran into the Dahlia in the Formosa Cafe* across from the Goldwyn studios..." *The floor above the Formosa Cafe was Bugsy Siegel's office and "The Dahlia" one of his on again/off again working "girls".

It gets deeper and darker- After the 1951 brawl over Barbara Payton between Tom Neal and Franchot Tone that sent Franchot to the hospital with a concussion and "never talking the same way again," Barbara said, she married Tone "just to spite Neal." Tom ("Detour") Neal also knew "The Dahlia" (who didn't?) and became obsessed- From "L.A. Despair" by John Gilmore: "The January 1947 slaying of the young, beautiful would-be actress Elizabeth Short, known as "The Black Dahlia", was one of the most grisly murders in the annals of modern crime. A project, called "Who Killed The Black Dahlia?" was being kicked off by actor Tom Neal, a hell-raiser from WW II movies. Potential producer Gene Harris: "Someone will have to come up with a more imaginative business proposition than what has been presented by Tom Neal and his cohorts..." Not long after: "It would be very clear one beautiful day to come, when Tom would sneak up on his pretty, new Palm Springs wife as she lay on their sofa and shoot a .45 bullet through her head." Barbara Payton and Norma Jean Dougherty (later Marilyn Monroe) knew the "Dahlia" and their stories are well known. It seems all who crossed the path of the "Dahlia" (like the proverbial black cat) entered a "Twilight Zone" darkness and/or had an incredible string of bad luck afterward. Tone/Neal/Welles are only a few -and this includes a butchered film called "The Lady From Shanghai"...

"Lady From Shanghai" took two years to be released, thanks to extensive re-editing -and all because Columbia president Harry Cohn couldn't understand the story. It's dark "noir" to be sure -one of the darkest, in fact. It's also a wicked satire on life in the new Atomic Age.

Nicolas Christopher:

"Shanghai" pushes forth an insistent subtext of nuclear apocalypse and contains the definitive noir statement concerning the atomic bomb and the American city. The film's principal murder victim (and there are many), a psychotic and double-dealing lawyer, manically foresees Armageddon at every turn, claiming he can "feel it." He announces that he plans to escape to a remote Pacific island -a particularly acid joke on Welles' part since this was the very year the U.S. began testing atomic bombs at just such a place, the Bikini Atoll, relocating all the inhabitants and destroying the ecosystem. By the time of Bikini, the erotic identification of Hayworth with the Bomb appears to have been institutionalized, with the blessing of the military brass; the first bomb dropped in the Pacific testing ground in named "Gilda" and has Hayworth's image, in provocative dress, painted directly on its casing..."

Its ironic that Orson Welles' broad interpretation of an Irishman is considered a detriment to the film by many. Welles is giving a clue to viewers that "Michael O'Hara" is only the storyteller - not part of the story even though it revolves around him. "O'Hara" contradicts the shark motif throughout the film. Sharks on a feeding frenzy won't stop until there's nothing left. "Michael O'Hara" lives to tell the tale. "Elsa Bannister" causes a feeding frenzy during "O'Hara's" trial and her netted chapeau suggests she's caged in -so as not to devour the human spectators to a Roman Coleseum. The spectators are on a feeding frenzy of their own, gossiping and carrying on about "Elsa" -a human aquarium correlating to the San Francisco marine museum sequence. That's the human condition ...except for "Michael O'Hara". And yet he'll be spending his life trying to forget his past ("Elsa") -or die trying. "Elsa" is part of "Michael" and the tale eats its own tail in the end and the viewer is cautioned to stay out of trouble.


text:
Dit had heel goed de meest definitieve film noir aller tijden kunnen zijn, als de Columbia Studio's niet zoveel van het origineel van Orson Welles hadden weggelaten. Wat we overhouden is een onvolmaakte, maar briljante film die het overweldigende talent van Welles als acteur/regisseur en van Rita Hayworth als serieus toneeltalent demonstreert.
'The Lady From Shanghai' is film noir op het meest spetterende en verwarrende punt. Welles, met een onregelmatig accent, portretteert Michael O'Hara, een Ier met een vaste baan, die na een noodlottige ontmoeting met de verleidelijke, gevaarlijke Elsa Bannister (Hayworth, in een GROTE voorstelling) zich praktisch gedwongen voelt een baan als bemanningslid aan te nemen op het jacht van haar en haar invalide echtgenoot (Everett Sloane). Michael, zoals hij haar noemt, speelt heel goed de onschuldige, hulpeloze pop en weet O'Hara in haar web te verstrikken. Terwijl de geliefden op zee een niet al te geheime affaire hebben, komt George Grisby (Glenn Anders) aan boord. Hij is een vreemde, onbetrouwbare figuur die Michael een uniek voorstel doet: hij krijgt 5000 dollar om Grisby te helpen Grisby's dood in scène te zetten, zodat het op moord lijkt. Het plan is dat Michael zich van een technisch detail ontdoet en met Elsa de zon in rent. Maar de dingen gaan niet volgens plan.
Hayworth levert ons een van de beste femme fatales aller tijden in een zeer dubbelzinnig portret. Soms lijkt ze echt kwetsbaar en kinderlijk, maar op andere momenten is ze wreed, wereldmoe en hard. Ze is altijd schitterend mooi, of ze nu druipnat in een badpak staat of in het zwart gekleed gaat en met een pistool zwaait. Hayworth is hier prachtig gefotografeerd, en ze is een echo van haar beroemde 'Gilda'-rol. Haar toenmalige echtgenoot Orson Welles heeft haar kastanjebruine lokken afgeknipt voor een geverfde blondine (die de baas van Columbia, Harry Cohn, tegen zich in het harnas heeft gejaagd). Het was een geweldige marketingtruc, en hij past haar veranderde houding fantastisch aan. Ze is hier niet de sympathieke femme fatale die 'Gilda' is, maar een roofdierachtige, kwaadaardige vrouw die moord als een zeer nuttige optie ziet. Het huwelijk van Welles en Hayworth kwam in een tijd dat het stel extreme problemen had met hun huwelijk. Ze zouden scheiden nadat de film was gemaakt, dus dit is ook een curiosum om enig inzicht te geven in de gecompliceerde relatie. In deze film zijn ze niet romantisch, maar hatelijk, dus het is moeilijk in te schatten of ze op het witte doek wel of geen echte chemie hadden. In elk geval is elke ontmoeting krachtig en vervuld van pure seksualiteit, met Welles als de 'fall- guy' (hij geeft het zelf in de film toe!) en Rita als het dubbelspionnetje.
Welles is de typische noir 'drifter' met weinig verstand. Zoals de voice-over van Welles bewijst, gebruikt O'Hara inderdaad niet veel van zijn hersens. Welles speelde meestal intelligente, charismatische kerels, dus zijn beurt als de onbenullige Michael is ongewoon en heel interessant. Welles was inderdaad een talentvol acteur en hij speelt het goed.
Everett Sloane is gepast slijmerig als de kreupele echtgenoot van Hayworth. Je vraagt je af waarom hij Michael in dienst neemt. Het is duidelijk dat zijn vrouw in romantische zin in hem geïnteresseerd is, dus waarom nodigt hij een 'bedreiging' aan boord uit? Je zou kunnen zeggen dat Michael zijn vrouw 'dienst' bewijst, wat Bannister in zijn kreupele toestand niet kan. Er zit beslist iets in die theorie, met een heleboel implicaties voor Elsa's gedrag voordat ze haar man leerde kennen (was ze een soort prostituee?) en voor ze Grisby ontmoette. In een aantal scènes wordt gewag gemaakt van Bannister's meest intieme geheimen.
Dit is een warrige, ingewikkelde film met een plot dat uiteindelijk niet deugt. We zijn meer geïnteresseerd in de driehoeksverhouding dan in het moordcomplot, zoals in de meeste noirs. Welles geeft ons veel van zijn gebruikelijke briljante filmische accenten, waaronder de terecht beroemde'spiegelhal'. Het is een geweldige scène, een einde dat de fouten van eerder in de film bijna kan uitwissen en het tot iets geweldigs kan verheffen. Deze lachspiegelscène is visueel verbluffend, met een Dali-achtige sfeer in de geschilderde decors (kennelijk heeft Orson ze zelf geschilderd). Subtiele visuele beelden die door Welles door de hele film heen worden gebruikt, versterken de plot en maken dit tot een ervaring die je aan het denken zet.
De dialoog is schroeiend en verwarrend, voortreffelijk gebracht door Rita's afwisselend hese, lage stem en hulpeloze, hoge meisjesstem. Hayworth bewijst in deze rol haar acteertalent, en bewijst dat zij de ultieme femme fatale van de 'noir' is. Het is jammer (maar een klein beetje jammer, want Rita was een briljante danseres) dat ze in de jaren veertig zoveel verrukkelijke, maar luchtige en vaak vergeten musicals voor Columbia heeft gedaan in plaats van dit soort duistere noirs. Ze was een briljante actrice toen ze de kans kreeg haar talent te tonen.
9/10.

text_en:
This could be well have been THE definitive film noir of all time, had not the Columbia Studios cut so much of Orson Welles's original. What we are left with is a flawed, yet brilliant film that showcases the overwhelming talent of Welles as an actor/director and Rita Hayworth as a serious dramatic talent.

'The Lady From Shanghai' is film noir at it's most sizzling and confusing. Welles, with an uneven accent, portrays Michael O'Hara, a journeyman Irishman, who, after a fateful encounter with the seductive, dangerous Elsa Bannister (Hayworth, in a GREAT performance)finds himself virtually coerced into accepting a job as a crewman on her and her crippled husband's (Everett Sloane) yacht. Elsa, or 'Rosalie' as Michael likes to call her, plays the innocent, helpless doll very well, ensnaring O'Hara in her web. As the lovers conduct a not-so-secret affair at sea, Arthur Bannister's partner in his law firm, George Grisby (Glenn Anders)comes aboard. He is a weird, untrustworthy figure who offers Michael a unique proposal: He will get $5000 to assist Grisby in the faking of Grisby's death, so it looks murder. The plan is for Michael to get off a technicality, and run off into the sun with Elsa. But things do not go to plan.

Hayworth delivers us one of the best femme fatales of all time in a very ambiguous portrayal. At times she seems genuinely vulnerable and child-like, at others brutal, world-weary and hard. Always she is brilliantly beautiful, whether he situation calls for her to be dripping wet in a swimsuit or dressed in black, brandishing a gun. Hayworth is beautifully photographed here, and she is a far-cry from her famous 'Gilda' role. Her then-husband Orson Welles cut off her trademark auburn locks for a dyed blonde crop (angering Columbia boss Harry Cohn). It was a terrific marketing ploy, and he change suits her changed attitude wonderfully. She is not the sympathetic femme fatale that 'Gilda' is, here- instead she is a predatory, black-hearted dame who sees murder as a very useful option.

The Welles and Hayworth pairing came at a time when the couple were having extreme difficulties in their marriage. They would divorce after the film was made, so this is also a curiosity for providing some view into the complicated relationship. They are hateful, not romantic, lovers in this, so it's hard to gauge whether or not they had real chemistry on screen. Certainly every encounter is potent and filled with raw sexuality, with Welles as the 'fall guy' (he even admits it himself in the film!) and Rita as the double-crossing babe.

Welles character is the typical noir 'drifter' with not much sense. As Welles voice-over proves to use, O'Hara indeed does not use his brain very much 'expect to be thinking of her (Elsa)'. Welles usually played intelligent, charismatic fellows, so his turn here as the dim-witted Michael is unusual and very interesting. Indeed, Welles was an actor of fine talent and he pulls off it well.

Everett Sloane is suitably slimy as Hayworth's crippled husband. One wonders why he hires Michael. It is obvious that his wife is interested in him romantically, so why does he invite a 'threat' on board? One interpretation could be that Michael provides the 'service' to his wife that Bannister cannot in his crippled state. There is definitely something to that theory, with a lot of implications toward Elsa's behaviour before she met her husband (was she some sort of prostitute?)and Grisby's knowledge of Bannister's most intimate secrets being hinted at in several scenes.

This is a jumbled, convoluted film with a plot that is ultimately flawed. We are more interested in the love triangle than the murder plot, as with most noirs. Welles provides us with many of his usual brilliant cinematic touches, including the justifiably famous 'hall of mirrors' climax. It's a terrific scene, one ending that can almost obliterate the faults earlier on in the movie and lift it into greatness. This fun house scene is visually stunning, with a Dali-like feel to the painted sets (apparently Orson painted them himself). Subtle visual imagery utilized throughout the film by Welles enhances the plot and makes this a thought-provoking experience.

The dialogue is scorching and confusing, delivered superbly by Rita's alternately breathy low voice and helpless, high-pitched little-girl voice. Hayworth proves her acting capabilities in this one, and proves that SHE is the ultimate femme fatale of 'noir'. It's a pity (only a slight one , as Rita was a brilliant dancer) that she did so many delightful yet frothy and often forgettable musicals for Columbia in the 40's instead of darkly-themed noir like this. She was a brilliant actress when given the chance to show off her talent.

9/10.


text: Orson Welles weet me met elke foto die ik van hem zie tegen de grond te werken. _Lady of Shanghai_ is van hetzelfde niveau als zijn andere meesterwerken: _The Magnificent Ambersons_, _Touch of Evil_, _The Trial_ en _Chimes at Midnight_. De plot kan soms verwarrend zijn, en soms lijkt hij misschien een tikkeltje te snel te gaan (ongeveer een uur van de film is geschrapt toen de tests slecht gingen). Maar dat doet er niet toe. Je kunt Welles' films niet bekijken als je je te veel op de plot concentreert. Zijn richting bepaalt wat een geweldige richting is. Bijna elke scène van deze film kan zich meten met elke andere scène die hij geregisseerd heeft. Kijk maar naar de scène in de rechtszaal. Meestal zijn het zulke standaardscènes dat ik er niet tegen kan. In dit geval: probeer Welles' eigen toespraak aan het eind van Dwangneurose uit te zitten. In _Lady from Shanghai_ moet je gewoon letten op de details van die scène in de rechtszaal. Let op dat jurylid dat altijd niest en de procedure onderbreekt. Of kijk gewoon naar de belichting in die scène. Ik weet dat het gewoon een eenvoudige Venetiaanse jaloezie is, en dat die voortdurend werd gebruikt in film noirs en misdaadfilms uit die tijd, maar Welles geeft er een geheel eigen schoonheid aan. De dialoog is ook opmerkelijk. Welles had de vaardigheid, een vaardigheid die niemand anders scheen te hebben, om een misdaadfilm te maken waarin voorbeelden van de grootste poëzie te zien waren. Of hij nu Shakespeare sprak of hardboiled regels uitspuugde, het had de macht om de ziel te raken.

text_en: Orson Welles manages to knock me on my ass with every picture of his I see. Lady of Shanghai is on the same level as his other masterpieces, The Magnificent Ambersons, Touch of Evil, The Trial, and Chimes at Midnight. The plot can tend to be confusing sometimes, and sometimes it seems to be moving maybe a tiny bit too fast (about an hour of it was edited out when test screenings went poorly). It doesn't matter, however. You can't watch Welles' films and manage to concentrate too much on the plot. His direction defines what great direction is. Almost any scene from this film can hold up with any other scene he directed. Check out the courtroom scene. Usually they are such stock scenes that I can't stand them. Case in point, try to sit through Welles' own speech near the end of Compulsion. In Lady from Shanghai, just pay attention to the level of detail in that courtroom scene. Watch that juror who is always sneezing and interrupting the proceedings. Or just take a look at the lighting in that scene. I know, it is just a simple Venetian blind, and that it was used constantly in film noirs and crime films of the era, but Welles gives it a beauty all its own. The dialogue is also remarkable. Welles had the skill, a skill that no one else seemed to have, to make a crime film containing examples of the grandest poetry. Whether he was speaking Shakespeare or spitting out hard-boiled lines, it had the power to stir the soul. 10/10.


text: Elke film uit de begintijd van Orson Welles is een triomf, helemaal tot aan The Third Man met Joseph Cotton. Hij is ook geweldig in een Touch of Evil. Zie ze alsjeblieft allemaal! Hij heeft de neiging om hoogdravend te worden en zichzelf te spelen in films zoals _F is for Fake_, echt een stomme verspilling van film. Verspil je tijd er niet aan. Het is echt onwetend. Orson Welles is een filmicoon en iedereen die filmwetenschappen studeert moet alles zien wat hij heeft gefilmd. Al zijn hoofdrolspeelsters zijn geweldig, maar uiteindelijk werd Welles een dikke zuiplap, net als zijn personage in _A Touch of Evil_! Om de een of andere reden kon Orson Welles goed met vrouwen omgaan, ik begrijp dat hij in zijn jeugd aantrekkelijk gevonden kon worden, niet zoals Gary Cooper of Joseph Cotton of Cary Grant of John Wayne, ik kan nog wel even doorgaan, maar ik dwaal af... en omdat ik een vrouw ben, begrijp ik dat hij aantrekkelijk was. Hij (Orson Welles) is een van de laatste echte filmmakers, en als je de filmmakers van vandaag niet meerekent: Tarantino, Scorscese, Spike Lee, de meeste filmmakers kunnen gewoon niet tippen aan de filmmakers van de jaren veertig! Ik weet dat er veel meer grote filmmakers van vandaag zijn, maar in zo'n korte tijd kan ik ze niet allemaal opnoemen. Geen aanbieding voor een van de grote filmmakers van dit millennium! 21 augustus 2006. Doe me alsjeblieft denken aan een nieuwe generatie filmmakers, ik wil niet vastzitten in het verleden! Ik ben dol op sommige films die nu uit zijn, maar er zijn er maar zelden bij die ik op een '100 beste' lijst zou zetten. 'Hustle and Flow' was geweldig, 'Fargo' ook en 'Oh Brother, where art thou' uit een regel in Sullivan's reizen; nog zo'n mooie film uit de jaren veertig! Kan iemand me een beste lijst geven voor de jaren 90 en tot 2006? Ik zou graag willen weten wie ik moet kijken! Dank je! Ook voor de montage van deze website! Waar anders kun je een film inpluggen of boe roepen? Ik hou van het geraaskal van gewone mensen zoals ik, die kunnen zeggen wat ik wil en ik beloof dat ik geen film zal bederven voor iemand die hem nog niet heeft gezien!

text_en: Any film in the early days of Orson Welles is a triumph all the way to The third Man with Joseph Cotton. He is also wonderful in a Touch Of Evil. Please see them all! He tends to get pompous and self serving in films like F is for Fake, really stupid waste of film.Don't waste your time watching it. it is really ignorant. Orson Welles is a film icon and anyone studying film should see everything he has filmed. All his leading ladies are tremendous but in the end Welles became a fat drunk, like his character in A Touch Of Evil! For some reason Orson Welles had a way with women, I see how he could be considered attractive in his youth, not like Gary Cooper or Joseph Cotton, or Cary Grant,John Wayne, I could go on and on but I digress... and because I am a woman,I can see the attraction to him. He (Orson Welles) is one of the last true film makers and unless you count the film-makers of today: Tarantino, Scorscese, Spike Lee, most of the film makers just don't measure up to the film makers of the Forties! I know there are many more great film makers of today but in such a short amount of time I can't name them all. No Offense to any of the great film makers of this millennium! August 21,2006. Please remind me of some current up and coming film makers, I don't want to be stuck in the past! I love some of the films out now, but rarely are there any that I would put on a "100 best" list.. "Hustle and Flow" was great, so was "Fargo", and "Oh, Brother, where art thou," from a line in Sullivan's travels; another fine film from the forties! Can anyone give me a best list for the 90's and on up to 2006? I would like to know who to watch! Thank you! Also Props to this website! Where else can you plug a film or boo it! i love the ranting and raving from regular folks like me who can say what I want and I promise not to spoil any film for someone who hasn't seen it yet!


text: Surrealistische film noir die kort na de 'echte', genre-definiërende klassiekers 'The Maltese Falcon', 'Double Indemnity' en 'The Postman Always Rings Twice' werd uitgebracht. Welles-films mogen niet worden vergeleken met andere. Hij speelde volgens andere regels. Sterker nog, hij speelde. Dit begint waar andere femme fatale-films ophouden, dus wordt de vaag logische (maar interessante) whodunit verfraaid met een vertoning van Welles-scènes (type snelvuurstijl), dialogen (veel 'harde' filosofie) en ongewoon acteerwerk (de goede Hayworth waarschijnlijk opzettelijk eendimensionaal). Voor Welles betekende 'genre' misschien 'formule', maar hij scheen'mysteries' als achtergrond te gebruiken voor zijn'vermaak'.

text_en: Surreal film noir released soon after the "real," genre-defining classics "The Maltese Falcon," "Double Indemnity" and "The Postman Always Rings Twice." Welles films shouldn't be evaluated against others. He was playing by different rules. In fact, he was playing. This starts where other femme fatale films leave off, so the vaguely logical (but interesting) whodunit is embellished with a display of Wellesian scenes (typical rapid-fire style), dialog (lots of "hard-boiled" philosophy), and unusual acting (good Hayworth presumably intentionally one-dimensional). To Welles "genre" may have meant "formula" but he seemed to like using "mysteries" as backgrounds for his "entertainments."


text: Wat kan ik zeggen, het is een verdomd goeie film. Ga hem zien als je hem nog niet gezien hebt. Geweldige camera- en belichtingstechnieken. Geweldig, gewoonweg geweldig. Orson Welles is ongelooflijk, 'The Lady From Shanghai' kan zeker de plaats innemen van 'Citizen Kane'.

text_en: What can I say, it's a damn good movie. See it if you still haven't. Great camera works and lighting techniques. Awesome, just awesome. Orson Welles is incredible 'The Lady From Shanghai' can certainly take the place of 'Citizen Kane'.


text: Dit is een film uit 1947, geregisseerd en geschreven door Orson Welles (met een funky Iers accent) en met in de hoofdrol de beeldschone Rita Hayworth met minder aantrekkelijk kort blond haar. Dus ik heb al eerder met Orson opgetrokken in Touch of Evil en Citizen Kane and the Third Man et cetera, maar dit was mijn eerste ontmoeting met Rita Hayworth. Onze eerste ontmoeting verliep goed, ze speelt met verve de bange/opgesloten Elsa, getrouwd met een invalide miljonairsadvocaat. Mike (Welles) en Elsa vallen voor elkaar. Hij wil er met haar vandoor, zij weet niet of ze kan leven zonder de dingen die met geld te koop zijn. Elsa, haar man en zijn partner kibbelen en bijten, net als de haaien die Mike beschrijft en zijn voorspelling blijkt maar al te waar te zijn. Er volgen nog een paar wendingen in dit moordmysterie als we bij de climax van de lachspiegel komen. (Denk maar aan het einde van de schietpartij in The Man with the Golden Gun, die sterk op deze scène is gebaseerd.) Ik wist pas op het eind wie de moordenaar was.<br />Deze film is net als garnalen met knoflook en citroen. De schotel richt zich op de zee, hij is subtiel, zuur en scherp, en dat allemaal met veel effect. Dit zijn misschien niet de beste, verse garnalen, maar wel goede, diepvriesgarnalen van Costco. De smaakvolle saus voegt iets toe aan het natuurlijke karakter van de roze garnalen als je een gezond, maar vullend alternatief voor meer alledaagse, alledaagse gerechten op tafel zet.

text_en:
This 1947 film stars and was directed and written by Orson Welles (with a funky Irish accent) and also stars the gorgeous Rita Hayworth with less appealing short blonde hair. So, I've hung out with Orson before in Touch of Evil and Citizen Kane and the Third Man etc. but this was my first Rita Hayworth interaction. Our first meeting went well, she does a superb job playing the frightened/cagey Elsa, married to a crippled millionaire lawyer. Mike (Welles) and Elsa fall for each other. He wants to run away with her, she doesn't know if she can live without the things money can buy. Elsa, her husband, and his partner bicker and bite, just like the sharks Mike describes attacking each other and his foretelling proves just too true. Several twists and turns follow in this murder mystery as we come to the climax in the fun house. (Think the ending shootout in The Man with the Golden Gun, which borrowed heavily from this scene). I wasn't sure who the murderer was until the end.

This movie is like shrimp in garlic and lemon. The dish centers on the sea, it is subtle, sour, and pungent, all to great effect. These might not be the best, fresh shrimp, but good quality frozen shrimp from Costco. The flavorful sauce adds to the naturalness of the pink shrimp as you fill up on a healthy, but filling alternative to more mundane, common fare. 7/10 http://blog.myspace.com/locoformovies