text:
Ik kom naar Pinjar vanuit een totaal andere achtergrond dan de meeste andere recensenten die hier hun recensies hebben geplaatst. Ik ben relatief nieuw op het gebied van Bollywood-films en ben geboren en getogen in de Verenigde Staten. Dus ik heb geen wetenschappelijke basis om Pinjar te vergelijken met andere Indiase films. Gelukkig is dat ook niet nodig.
Pinjar is op zichzelf niets minder dan een meesterwerk.
In één zin kan ik u vertellen dat Pinjar een van de belangrijkste films is die ooit uit een studio is gekomen. Als het in de Verenigde Staten was uitgebracht, zou het het Indiase equivalent van 'Crouching Tiger, Hidden Dragon' zijn geweest. Dit zou heel goed de film kunnen zijn die Bollywood op de Amerikaanse kaart heeft gezet. Het Amerikaanse filmpubliek heeft al heel lang een liefdesrelatie met _Gone With the Wind_, en hoewel Pinjar zich niet aan die plot heeft vastgeklampt, zijn er toch een paar overeenkomsten. Een daarvan is de geweldige (naar Amerikaanse maatstaven) 183 minuten durende speeltijd.
Tegen de korrelige achtergrond van de afscheiding tussen India en Pakistan in 1947-1948 bevindt zich een meeslepend menselijk drama over een jonge vrouw die door omstandigheden gevangen wordt gehouden en in problemen wordt geduwd waar ze geen hand in heeft gehad. Ze wordt in een onhoudbare positie geplaatst en slaagt er op de een of andere manier in niet alleen te overleven, maar ook te groeien <0xE2><0x80><0x93> en zelfs te bloeien.
Als het verhaal op enigerlei wijze tekortschiet, ligt dat aan de presentatie. De groei als persoon zou beter geïllustreerd kunnen worden <0xE2><0x80><0x93> in elk geval voor het westerse publiek dat niet vertrouwd is met de Indiase cultuur <0xE2><0x80><0x93> als het 'achtergrondverhaal' van het personage in het begin van de film beter was uitgewerkt. Maar dat zou een film van drie uur hebben verlengd tot 31<0xE2><0x81><0x84>2 uur, of misschien nog wel meer. Want geen minuut van de film is verspild, en niets van wat er uit de montage is gekomen, kan echt in de tijd zijn opgenomen. Het is beter dat het publiek een deel van wat er is gebeurd invult dan dat het iets weglaat van wat er overblijft.
Ik zou veel woorden kunnen gebruiken om Pinjar te beschrijven:'schrijnend','verontrustend', 'boeiend', 'hartverscheurend' schieten me meteen te binnen. En Puro's triomf <0xE2><0x80><0x93> misschien niet meteen zichtbaar voor de mensen om haar heen <0xE2><0x80><0x93> is niet minder inspirerend. Alleen al vanwege de kracht van het verhaal kan ik deze film niet aanbevelen.
Even inspirerend is Urmila Matondkars vertolking van Puro. Urmila, die maar al te vaak over het hoofd wordt gezien te midden van de schare jongere, nieuwere actrices, bezit het unieke vermogen om in elke rol die ze speelt een volkomen geloofwaardig personage neer te zetten. Ze speelt niet alleen Puro's rol, ze blaast het personage leven in. De keuze van Manoj Bajpai als Rashid was geïnspireerd. Hij weet iets wat veel te weinig Indiase filmhelden kunnen: subtiliteit. Zijn beheersing van expressie en nuance is essentieel voor de rol. Met zijn doordringende blik legt hij in het begin van de film meer dreiging in de schaal dan alle met zwaarden zwaaiende oproerkraaiers bij elkaar.
Als je maar één Bollywoodfilm in je leven ziet, maak er dan Pinjar van.

text_en:
I come to Pinjar from a completely different background than most of the other reviewers who have posted here. I'm relatively new to Bollywood films and was born and raised in the US. So I don't have a broad basis for comparing Pinjar to other Indian films. Luckily, no comparison is needed.

Pinjar stands on its own as nothing less than a masterpiece.

In one line I can tell you that Pinjar is one of the most important films to come out of any studio anywhere at any time. On a mass-appeal scale, it *could* have been the Indian equivalent of "Crouching Tiger, Hidden Dragon" had it been adequately promoted in the US. This could very well have been the film that put Bollywood on the American map. The American movie-going public has a long-standing love affair with "Gone With the Wind", and while Pinjar doesn't borrow from that plot there are some passing similarities. Not the least of which is the whopping (by US standards) 183-minute run time.

Set against the gritty backdrop of the India-Pakistan partition in 1947-48 is a compelling human drama of a young woman imprisoned by circumstances and thrust into troubles she had no hand in creating. Put into an untenable position, she somehow manages to not only survive, but to grow -- and even flourish.

If the story is lacking in any way, it's in the exposition. Puro's (the protagonist) growth as a person would be better illustrated -- at least for western audiences unfamiliar with Indian culture -- if her character's "back story" were more fully developed in the early part of the film. But that would have stretched a 3-hour movie to 3 1/2 hours or perhaps even more. Because not one minute of the film is wasted, and none of what made it out of editing could really be cut for the sake of time. Better that the audience has to fill in some of what came before than to leave out any of what remains.

I could use many words to describe Pinjar: "poignant", "disturbing", "compelling", "heart-wrenching" come to mind immediately. But "uplifting" is perhaps as apropos as any of those. Any story that points up the indomitability of the human spirit against the worst of odds has to be considered such. And Puro's triumph -- while possibly not immediately evident to those around her -- is no less than inspirational. For strength of story alone I cannot recommend this film highly enough.

Equally inspiring is Urmila Matondkar's portrayal of Puro. All too often overlooked amid the bevy of younger, newer actresses, Urmila has the unique capability to deliver a completely credible character in any role she plays. She doesn't merely act Puro's part, she breathes life into the character. Manoj Bajpai's selection as Rashid was inspired. He manages something far too few Indian film heroes can: subtlety. His command of expression and nuance is essential to the role. He brings more menace to the early part of the film with his piercing stare than all of the sword-wielding rioters combined.

If you only see one Bollywood film in your life, make it Pinjar.


text:
Een heel goede versie van de roman van amrita pritam. Urmila en manoj bajpai hebben hun uiterste best gedaan.
<0x3E><0x3E> Er zit een natuurlijke flair in de film en ik voelde het meteen. Het zag eruit als een film van bollywood die eindelijk zijn glamour prijsgaf en een paar goede kunstenaars op het witte doek liet optreden.
<0x3E><0x3E> Slimme film, die heel goed weergeeft wat er precies gebeurde tijdens de scheiding door het lijden van een bepaald gezin te laten zien en ook laat zien dat vertrouwen in je leven verder gaat dan religie.
<0x3E><0x3E> Het mooiste was dat ze er geen drama van maakten met veel tranen en melodrama.
<0x3E><0x3E> Ik vond het gewoon prachtig.

text_en:
A very good adaptation of the novel by amrita pritam. Urmila and manoj bajpai have given their best.

there is a natural flair in the movie and i felt it right through. It looked like bollywood finally gave away it's glamor and had some quality artists performing on screen.

Content wise, the movie depicted very much what exactly happened during partition by showing the sufferings of a particular family and also shows that trust in one's life goes beyond religion.

The best part was they did not make it a drama with a lot of tear shedding and melodrama.

I simply loved it.


text:
Pinjar is echt een meesterwerk... Het is een gedachte die de film prikkelt en je aan het denken zet over onze cultuur. Het is zonder enige twijfel de beste Hindi-film die ik tot nu toe heb gezien. Deze film had op filmfestivals over de hele wereld vertoond moeten worden en ik geloof dat hij in Cannes een serieuze kans had gemaakt. Alle personages waren perfect gecast en Urmila Matkondar en Manoj Bhajpai waren in hun rollen een lust voor het oog.
Het verhaal dat de film vertelt over de afscheiding is een heel erg belangrijk verhaal dat nooit vergeten mag worden.
Het kent geen vooroordelen of vooroordelen en heeft de afscheiding een menselijk verhaal gegeven. Hier wordt geen enkel land als goed of slecht afgeschilderd. Er zijn kwaadaardige indianen, kwaadaardige Pakistanen en goede indianen en Pakistanen. De filmografie is uitstekend en de muziek is melodieus, betekenisvol en meeslepend. Alles aan de film was verbazingwekkend... en het acteerwerk benam me de adem. Ze waren allemaal perfect gecast.

text_en:
Pinjar is truly a masterpiece... . It's a thought provoking Film that makes you think and makes you question our culture. It is without a doubt the best Hindi movie I have seen to date. This film should have been shown at movie festivals around the world and I believe would have been a serious contender at Cannes. All the characters were perfectly cast and Urmila Matkondar and Manoj Bhajpai were haunting in their roles.

The story the movie tells about partition is a very very important story and one that should never be forgotten.

It has no biases or prejudices and has given the partition a human story. Here, no one country is depicted as good or bad. There are evil Indians, evil Pakistanis and good Indians and Pakistanis. The cinematography is excellent and the music is melodious, meaningful and haunting. Everything about the movie was amazing...and the acting just took my breath away. All were perfectly cast.


text:
Ik had aanvankelijk gedacht dat de film, gezien de communistische neigingen van Amrita Pritam en de nationalistische neigingen van dokter Dwivedi, openhartiger zou zijn dan de roman, maar toen ik de roman las, merkte ik tot mijn verbazing dat het andersom was.
<0x3E> Dank aan marita Pritam omdat ze geen pseudo-sec is en aan dokter Dwivedi omdat ze objectief is. Deze film raakt een gevoelig onderwerp op een gevoelige manier. Oorlogsslachtoffers zijn vrouwen, zoals een dichter zei, en deze film verpersoonlijkt dat. Het is ook een trieste weergave van de psyche van de Hindoes, want ze kunnen niet op tegen ontvoerders van hun meisjes of tegen de Hindoes, die alleen de velden van hun kwelgeest kunnen verbranden. Aan de andere kant toont het ook de economische kant van de zaak, of eigenlijk de reden waarom meisjes ontvoerd werden. Ik denk dat de ontvoerders dachten dat ze door meisjes te ontvoeren de wettige eigenaren van de huizen zouden worden, zodat de nieuwe regering niet in staat zou zijn hen te vragen de huizen terug te geven. Dit apart geval moet de moed van de personages Puro en haar Bhabhi eren: twee eenvoudige dorpsmeisjes die zich niet druk maken om de buitenwereld en het risico lopen dat ze zullen proberen terug te komen nadat ze onteerd zijn. Want er zijn veel gedocumenteerde gevallen waarin zulke vrouwen niet door hun familie in India werden geaccepteerd.
Geen wonder dat het van een vrouw vereist was de pijn van andere vrouwen te begrijpen.

text_en:
Superb. I had initially thought that given Amrita Pritam's communist leanings and Dr Dwivedi's nationalist leanings film will be more frank than novel but when I read the novel I was surprised to find that it was reverse.

Kudos to marita Pritam for not being pseudo-sec and to Dr Dwivedi to be objective. This movie touches a sensitive topic in a sensitive way. Casualty of any war are women as some poet said and this movie personifies it. It is also a sad commentary on Hindu psyche as they can't stand up against kidnappers of their girls or the Hindu Brother who can only burn the fields of his tormentor. On the other hand it also shows economic angles behind partition or in fact why girls were kidnapped in the first place. I think kidnappers thought that by kidnapping girls they Will become legal owners of the houses and thus new govt. will not be able to ask them to return the houses. This apart one has to salute the courage of characters of Puro and her Bhabhi they are two simple village girls unmindful of outside world and risk everytihng by trying to come back after being dishonored . Because there are many documented cases when such women were not accepted by their families in India.

No wonder that it required a woman to understand the pains of other women.


text: Ik was erg dol op deze film. Tot vlak voor het einde bleef ik raden wat er zou gebeuren. Een van de betere films over de scheidingswand die ik heb gezien. Urmila Matondkar is ook geweldig. Dit is een van de meest persoonlijke en nuchtere films die ik op de scheidingswand heb gezien. Hij is iets minder doorsnee dan Gadar, en in feite een emotionele achtbaan waar je begint met één mening over wat er aan de hand is, en helemaal aan de andere kant helemaal één wordt. Dit is geen typische bollywoodfilm, maar eerder een arthousefilm. Het beste aan deze film is dat hij de ene kant van het scheidingsconflict niet onmenselijk maakt door zich op het verhaal van een andere kant te richten. Je kunt iemand niet de schuld geven of kastijden, maar je kunt wel je eigen conclusies trekken.

text_en: I was very fond of this film. It kept me guessing till just before the very end what would happen. One of the better movies about the partition that I have seen. Urmila Matondkar is gorgeous too. This is one of the most personal and down-to-earth films I've seen on the partition. It's a little less mainstream than Gadar, and is really an emotional roller coaster where you start out with one opinion of what is going on, and come out completely one the other side. This isn't typical bollywood fare, but rather an art-house type film. The best part of this movie is that it doesn't dehumanize one side of the partition conflict when focusing on the story of another. It doesn't blame or castigate but rather lets you draw your own conclusions about things.


text:
Dit is een buitengewoon goed gemaakte film. Het acteerwerk, het scenario en het camerawerk zijn allemaal eersteklas. De muziek is ook goed, al is die voornamelijk in het begin van de film, wanneer alles nog relatief vrolijk is. Er zijn geen echte supersterren in de cast, hoewel verscheidene gezichten bekend zullen zijn. De hele cast doet het uitstekend met het script.
Maar het is moeilijk om ernaar te kijken, omdat er geen goed einde is aan een situatie zoals die wordt voorgesteld. Het is nu mode om de Britten de schuld te geven omdat ze hindoes en moslims tegen elkaar opzetten en hen vervolgens wreed in twee landen scheiden. Er zit wel iets in dat standpunt, maar het is niet goed.' Het is ook waar dat niemand de hindoes en moslims in de regio heeft gedwongen elkaar slecht te behandelen, zoals ze rond de tijd van de afscheiding deden. Het lijkt waarschijnlijker dat de Britten gewoon de spanningen tussen de religies zagen en slim genoeg waren om ze voor hun eigen doeleinden te gebruiken.
Het gevolg is dat er veel wreedheid en onmenselijkheid in de situatie zit, en dat is heel onaangenaam om aan te denken en op het scherm te zien. Maar het wordt nooit als een zwart-witgeval afgeschilderd. Er is aan beide kanten een laagheid en adeldom, en ook de hoop op verandering bij de jongere generatie. Uiteindelijk is er een soort verlossing wanneer Puro een moeilijke keuze moet maken tussen een man die haar leven heeft geruïneerd, maar die ook oprecht van haar hield, en haar familie die haar heeft verstoten en haar later is komen zoeken. Maar tegen die tijd heeft ze geen keus meer die haar veel pijn zal doen.
Deze film draagt de boodschap in zich dat zowel moslims als hindoes hun ernstige fouten hebben, en ook dat ze allebei waardige en zorgzame mensen kunnen zijn. De realiteit van de scheiding maakt dat besef des te pijnlijker, aangezien er over de grens van India en Pakistan nooit een echte verzoening kan plaatsvinden. In die zin is het te vergelijken met'meneer en mevrouw Iyer'. Uiteindelijk waren we blij dat we de film hadden gezien, ook al was de conclusie hartverscheurend. Als Engeland en de Verenigde Staten hun eigen geschiedenis van racisme met zo'n openhartigheid konden verwerken, zouden ze zeker beter af zijn.

text_en:
This is a extremely well-made film. The acting, script and camera-work are all first-rate. The music is good, too, though it is mostly early in the film, when things are still relatively cheery. There are no really superstars in the cast, though several faces will be familiar. The entire cast does an excellent job with the script.

But it is hard to watch, because there is no good end to a situation like the one presented. It is now fashionable to blame the British for setting Hindus and Muslims against each other, and then cruelly separating them into two countries. There is some merit in this view, but it's also true that no one forced Hindus and Muslims in the region to mistreat each other as they did around the time of partition. It seems more likely that the British simply saw the tensions between the religions and were clever enough to exploit them to their own ends.

The result is that there is much cruelty and inhumanity in the situation and this is very unpleasant to remember and to see on the screen. But it is never painted as a black-and-white case. There is baseness and nobility on both sides, and also the hope for change in the younger generation.

There is redemption of a sort, in the end, when Puro has to make a hard choice between a man who has ruined her life, but also truly loved her, and her family which has disowned her, then later come looking for her. But by that point, she has no option that is without great pain for her.

This film carries the message that both Muslims and Hindus have their grave faults, and also that both can be dignified and caring people. The reality of partition makes that realisation all the more wrenching, since there can never be real reconciliation across the India/Pakistan border. In that sense, it is similar to "Mr & Mrs Iyer".

In the end, we were glad to have seen the film, even though the resolution was heartbreaking. If the UK and US could deal with their own histories of racism with this kind of frankness, they would certainly be better off.


text: Een ander gedetailleerd werkstuk van dokter Dwivedi over dit onderwerp voert ons terug in de tijd, naar Panjab. Dokter Dwivedi koos een moeilijk onderwerp voor zijn filmdebuut. Hij heeft aan alle details gewerkt om het verhaal tot leven te brengen. De behandeling van het onderwerp is uiterst delicaat.<br />Ook al zijn we in die tijd niet in de regio geweest, de decors en kostuums zien er echt uit. In tegenstelling tot de meeste films die op locatie zijn gemaakt, concentreert deze zich niet op de bloederige details van geweld om het publiek te trekken, maar op de nawerking ervan. De personages komen tot leven. Priyanshu Chatterjee heeft een indrukwekkende voorstelling gegeven. Manoj Bajpai heeft zijn hart uitgestort en de benarde positie van een door schuldgevoelens gekwelde man laten zien. De rest van de cast heeft ook goed werk geleverd.

text_en:
Another detailed work on the subject by Dr Dwivedi takes us back in time to pre-partioned Panjab. Dr Dwivedi chose a difficult subject for his movie debut. He has worked on all meticulous details to bring the story to life. The treatment of the subject is very delicate.

Even though we have not been to the region during that time, the sets and costumes look real. Unlike most movies made on partition, this one focuses not on the gory details of violence to attract audience, but on its after-effects. The characters come to life. Priyanshu Chatterjee has given an impressive performance. Manoj Bajpai has acted his heart out showing the plight of a guilt-ridden man. The rest of the cast has done a good job too.


text: Een ingewikkeld verhaal over de achtergrond van de afscheiding van Bharat. Een eerlijke moslim die een onschuldig hindoemeisje ontvoert, en een ontwikkelde hindoe die de oogst van een moslimman verbrandt <0xE2><0x80><0x93> en toch ga je ze uiteindelijk allebei aardig vinden. Het verhaal is krachtig, maar het scenario en de opbouw zijn aarzelend. Achtergrondmuziek en de liederen zijn uitstekend. Daarna volgt de gedenkwaardige acteerprestaties van de veteraan Urmila Matondkar. De foto's vangen de tijd, het geweld en de sfeer van het platteland van Punjab heel goed. Anderen speelden niet goed of kregen de kans niet om te acteren. De regie is eigenlijk de zwakste schakel. De personages zijn niet goed ontwikkeld. Niet scherp, in tegenstelling tot 'de Aarde'. '... waar zelfs een karakter van vijf regels een merkteken achterlaat. Het einde is heel interessant. Dit verhaal zou verschillende verschillende eindes kunnen hebben <0xE2><0x80><0x93> en ze zouden allemaal even goed kunnen zijn.

text_en: A complex story laid on the background of partition of Bharat. An honest Muslim who kidnaps an innocent Hindu girl, and an educated Hindu who burns the harvest of a Muslim man - yet in the end you end up liking them both. The story is powerful, yet the screenplay and flow are hesitant. Background music score and the songs are outstanding. Next comes memorable acting by veteran Urmila Matondkar. Photography captures the time, the violence, and flavor of rural Punjab very well. Others actors either did not act well, or did not get a chance to act. Direction is really the weakest link. The characters were not developed well. Not crisp, in contrast to "the Earth", where even a 5-line character leaves a mark. The end is very interesting. This story could have several different ending - and all of them could have been equally good.


text: Pinjar van meneer Dwivedi is een geweldige film. Het is beslist de gaafste en mooiste van 2003. Er zitten heel goede optredens in. Dwivedi weet wat hij uit MAST Urmila kan halen. Ze is zoals je nog nooit hebt gezien. Een echt geweldig optreden. Naast haar zit een goede acteur, Manoj bajpai, die met bollywood heeft laten zien wat hij is met Bhiku Mhatre. De film gaat over een meisje (Urmila) dat in Pakistan voor de deling woont. Ze komt uit een punjabi-familie en woont in een kleine stad. Ze wordt ontvoerd door een negerjongen als onderdeel van een soort jaar-voor-jaar-gevecht met de punjabi-familie. En daarna volgt een reeks kronkels en bochten omdat urmila's gearrangeerde huwelijk over een paar dagen plaatsvindt. Deze film is echt een heel goede film. De verhaallijn zit goed in elkaar en er zit een geweldig scenario in. Alle optredens zijn echt goed, zoals lillete dubey, isha koppikar (u zult het niet geloven, maar ze kan net zo goed acteren als ze danst op Khallas), kulbhushan kharbanda en nog veel meer. die sets met pakistan voor de aftiteling, kostuums, cinematografie, geluid, achtergrondmuziek dragen bij aan de positieve punten. vanaf het begin tot het eind blijft u bij uw stoel zitten met de vraag wat nu? deze film is niet alleen de moeite waard om naar te kijken, maar hij verdient het om deel uit te maken van uw filmcollectie. de uiteindelijke scène is het einde van de film. Ik stel voor dat al die No-Kabhi-Khushi-Kabhi-gum-and-No-Dil-To-Pagal-Hai-fans naar deze fantastische film gaan kijken.

text_en: Pinjar by Mr dwivedi is an awesome movie. Its definitely the greaest and finest of 2003. There are very good performances in it. Dwivedi knows what he can extract from MAST Urmila. she is like u have never seen before. one true great performance. along with her is a fine actor Manoj bajpai, who has shown bollywood what he is with Bhiku Mhatre. The movie is about a girl(Urmila) living in Pre-partition pakistan. she is from a punjabi family livin in a small town. she is been kidnapped by a muslim guy as a part of a going-on-for-years kinda fight with the punjabi family. and then follows a series of twists and turns as urmila's arranged marriage is due in few days. this movie is truly a very good movie. the storyline is solid with an amazing screenplay. all the performances like lillete dubey, isha koppikar (u wont believ but she can act as well besides jus dancin on Khallas), kulbhushan kharbanda and many more. those sets with pre-partition pakistan, costumes, cinematography, sound, background score add to the positive points. from the start till the end u r stuck to u'r seat with the question whats next? this movie is not jus worth watchin but deserved to be a part of your movie collection. the ultimate scene is the end of the movie. i would suggest all those No-Kabhi-Khushi-Kabhi-gum-and-No-Dil-To-Pagal-Hai crowd to watch this amazing flick. my rating: 10/10.


text: Omdat ik als acteur geen fan van _Snoop Dogg_ ben, wilde ik deze film heel graag zien. Ik weet nog dat hij werd geïnterviewd voor _Jay Leno_ en dat hij zei dat hij een rol in _The Longest Yard_ van Adam Sandler, een kassucces, had afgeslagen om in deze film te spelen. Dus _Snoop_ was duidelijk op een serieuze missie om te bewijzen dat hij acteertalent heeft. Ik ga _Snoop_ niet te veel prijzen voor zijn optreden in _The Tenants_. Er zijn zeker betere rappers en acteurs, zoals Mos Def, die meer hadden kunnen doen met zijn rol. Maar waar het om gaat is dat _Snoop_ "goed" werk heeft geleverd. Hij lijkt een paar van zijn kenmerkende lichaamsbewegingen en stembuigingen niet van zich af te kunnen schudden, maar dat is dan ook alles.' Dat is iets waar zelfs Jack Nicholson moeite mee heeft. Het punt is dat ik hem overtuigend vond in de rol, en de spanning tussen hem en Dylan McDermotts personage fascinerend. McDermott geeft trouwens de beste vertolking van de film, hoewel zijn subtiele acteerwerk waarschijnlijk overschaduwd zal worden door het niet zo subtiele acteerwerk van _Snoop_. Omdat ik zelf een groot lezer en schrijver in spe ben, vond ik de personages en het plot onwillekeurig nogal fascinerend. Het ergerde me wel dat het personage van _Snoop_ McDermott voortdurend vroeg zijn werk te lezen, en hem berispte omdat hij het bekritiseerde. Maar weet je? Ik weet zeker dat veel schrijvers zo zijn. Zijn personage werd geacht op zijn eigen manier tekort te schieten, net als dat van McDermott. Mijn enige lichte kritiek op de film zou het einde zijn. Om de een of andere reden had ik het gevoel dat er te veel haast bij was, hoewel de oplossing wel logisch was en werd gemotiveerd door de personages in plaats van door de plot.

text_en: Being that I am not a fan of Snoop Dogg, as an actor, that made me even more anxious to check out this flick. I remember he was interviewed on "Jay Leno," and said that he turned down a role in the big-budget Adam Sandler comedy "The Longest Yard" to be in this film. So obviously, Snoop was on a serious mission to prove that he has acting chops. I'm not going to overpraise Snoop for his performance in "The Tenants." There are certainly better rapper/actors, like Mos Def, who could've done more with his role. But the point is Snoop did a "good" job. He can't seem to shake off some of his trademark body movements and vocal inflections, but that's something even Jack Nicholson has a problem doing. The point is I found him convincing in the role, and the tension between him and Dylan McDermott's character captivating. McDermott, by the way, gives the best performance in the film, though his subtle acting will most likely be overshadowed by Snoop's not-so-subtle acting. Being a big reader and aspiring writer myself, I couldn't help but find the characters and plot somewhat fascinating. It did aggravate me how Snoop's character would constantly ask McDermott to read his work, and berate him for criticizing it. But you know what? I'm sure a lot of writers are like that. His character was supposed to be flawed, as was McDermott's, in his own way. My only mild criticism of the film would be its ending. For some reason, it just felt too rushed for me, though the resolution certainly made sense and was motivated by the characters, rather than plot.


text:
DeTENANTS begon als een korte roman uit 1971 van de inmiddels overleden Bernard Malamud <0xE2><0x80><0x93> schrijver/filosoof <0xE2><0x80><0x93> over de conflicten tussen joden en Afro-Amerikanen in de opruiende sfeer van Brooklyn in de tijd dat het boek werd geschreven. Als roman was het verhaal hartverscheurend echt: zoals het door de beginnelingen David Diamond en Danny Green (die ook regisseert) is omgezet in een scenario, is het meer een cerebrale dissertatie die geleidelijk aan in de laatste momenten tot actie overgaat.

Harry Lesser (Dylan McDermott) is een joodse romanschrijver met één boek onder zijn riem, maar die momenteel, tien jaar na het schrijven van zijn 'nieuwste' boek, probeert het af te maken. Hij is ervan overtuigd dat hij het boek in dezelfde omgeving moet voltooien als waar het is begonnen. Hij is de enige huurder in een vervallen huurkazerne in Brooklyn die eigendom is van Levinspiel (Seymour Cassel) die voortdurend probeert Harry's huurcontract 'af te kopen', zodat het smerige, vervallen gebouw gesloopt kan worden. In deze sfeer komt een andere militante, quasi-semi-semitische schrijver, Willie Spearmint (Snoop Dogg), die Harry inpalmt, verbergt en hulp biedt bij de poging van de ontluikende schrijver om over de dood van alle blanken te schrijven. Harry's pogingen om Willie te helpen leiden tot conflicten, niet in de laatste plaats door zijn ontmoeting met Willies vriendin, de blanke joodse Irene Bell (Rose Byrne) op een allesbehalve vriendschappelijke bijeenkomst van Willies militante zwarte broeders en zusters. Willie en Irene zijn uit elkaar en Harry wordt geleidelijk aan verliefd op Irene en ze zijn van plan om uit New York te vertrekken zodra Harry zijn roman af heeft. Als Willie van het rendez-vous hoort en nog meer kritiek van Harry krijgt, ontploft Willie en begint de neerwaartse spiraal van niet alleen een tere vriendschap, maar ook een wedloop tussen de schrijvers. Het einde 'onthult de glibberige aard van het menselijk bestaan, en het menselijk vermogen tot geweld en ongedaan maken'.
De acteurs doen hun best met een script dat een beetje onhandig is, maar ondanks de regels in het script, die aan preken doen denken, creëren ze geloofwaardige personages. De cinematografie versterkt het verhaal en houdt de sfeer bedompt en dicht, en vooral beperkt tot het gebouw waar het allemaal is gebeurd. De muziektrack maakt gepast gebruik van de solo-trompet en de blues-piano om de spanning en het isolement van elk van deze ongegronde personages te onderstrepen. Hoewel er wat geduld voor nodig is om door het hersengebrabbel heen te komen, is de film uiteindelijk de moeite van het kijken waard. Hij probeert tenminste Malamuds bizarre kijk op het leven in de grote stad na te bootsen.

text_en:
THE TENANTS began as a 1971 short novel by the now deceased Bernard Malamud - writer/philosopher - examining the conflicts between Jews and African Americans in the incendiary atmosphere of Brooklyn at the time the book was written. As a novel the story was gut wrenchingly real: as transcribed into a screenplay by novices David Diamond and Danny Green (who also directs) it is more of a cerebral dissertation that gradually erupts into action in the final moments.

Harry Lesser (Dylan McDermott) is a Jewish novelist with one book under his belt but currently attempting to finish his 'newest' book ten years into the writing. Convinced that he must complete the novel in the same environment where it was started. he is the sole tenant in a condemned Brooklyn tenement owned by Levinspiel (Seymour Cassel) who constantly tries to 'buy out' Harry's lease so that the filthy dilapidated building can be demolished. Into this atmosphere enters another Black militant quasi-anti-Semitic writer Willie Spearmint (Snoop Dogg) whom Harry befriends, hides, and offers help to the nascent novelist's attempt to write about the death of all white people. Harry's attempts to help Willie lead to conflict, not the least of which is Harry's meeting Willie's girlfriend, the white Jewish Irene Bell (Rose Byrne) at a less than friendly gathering of Willie's militant black brothers and sisters. Willie and Irene are on the skids and Harry gradually falls in love with Irene and they plan to leave New York as soon as Harry finishes his novel. When Willie hears of the assignation and is further critiqued by Harry, Willie explodes and begins the downward descent of not only a delicate friendship but also a competition between writers. The ending 'reveals the slippery nature of the human condition, and the human capacity for violence and undoing'.

The actors do their best with a script that is a bit awkward but despite scripted lines that border on preaching they create believable characters. The cinematography enhances the story, keeping the mood dank and dense and primarily confined to the condemned building. The musical score appropriately makes use of the solo jazz trumpet and blues piano to underline the tension and isolation of each of these groundless characters. Though it takes some patience to make it through the cerebral ramblings, the film in the end is worth watching. At least it attempts to recreate Malamud's bizarre look at life in the big city. Grady Harp


text: Dit is een zeer gedenkwaardige spaghettiwestern. Er zit een geweldige verhaallijn in, interessante personages en een paar heel goede acteerprestaties, vooral van Rosalba Neri. Haar rol als de kwaadaardige tiran in deze film is echt klassieker. Ze steelt elke scène waarin ze voorkomt en geeft heel veel uitdrukking aan haar gezicht en ogen, zelfs als ze niet praat. Haar prestatie is heel geloofwaardig. Ze slaagt erin om behoorlijk hypnotiserend te zijn zonder over de top te gaan (niet dat er iets mis is met over de top gaan). Mark Damon is ook verrassend goed in deze film. De muziek is uitstekend, en de herkenningsmelodie is van het soort dat je na het zien van de film nog dagen in je hoofd zult horen, of je dat nu wilt of niet. Er zijn een paar delen die erg amusant zijn. Ik vind vooral het deel waar Rosalba Neri zich voor de papegaai uitkleedt erg leuk. Er zijn ook een heleboel gelikte geweergevechten die heel goed zijn uitgevoerd.<br />Ik zou deze film waarschijnlijk acht of negen sterren hebben gegeven als er niet twee dingen waren geweest. Ten eerste een stomme kroegruzie die ongeveer 25 minuten na het begin van de film plaatsvindt. Dit is een van de belachelijkste gevechten die ik ooit in een film heb gezien. Het is heel slecht gechoreografeerd en het lijkt meer op een dansnummer uit een slechte musical dan op een echt gevecht. Je zou het door de vingers kunnen zien als het een Terence Hill/Bud Spencer-komedie was, maar dit is een serieuzer western en de knokpartij moest echt realistischer zijn. Het andere dat me aan deze film ergerde was Yuma's laffe Mexicaanse hulpje. Ik denk dat hij een komische rol moest spelen of zo, maar het personage was gewoon stom en onnodig in een film als deze, en hij was helemaal niet grappig. Ik kan alleen maar zeggen: waar is Tuco als je hem nodig hebt? Nu dat allemaal is gezegd, kan ik iedereen die dit leest ervan verzekeren dat Johnny Yuma een klassieke spaghettiwestern is, ondanks de fouten die ik heb genoemd, en dat alle fans van het genre deze film moeten zien.

text_en:
This is a very memorable spaghetti western. It has a great storyline, interesting characters, and some very good acting, especially from Rosalba Neri. Her role as the evil villainess in this film is truly classic. She steals every scene she is in, and expresses so much with her face and eyes, even when she's not speaking. Her performance is very believable. She manages to be quite mesmerizing without being over the top (not that there's anything wrong with being over the top). Mark Damon is surprisingly good in this movie too.

The music score is excellent, and the theme song is the kind that will be playing in your head constantly for days after seeing the movie, whether you want it to or not. There are a couple of parts that are very amusing. I especially like the part where Rosalba Neri undresses in front of the parrot. There's also lots of slick gun-play that's very well done.

I would probably have given this movie 8 or 9 stars if it wasn't for two things. The first being a silly bar room brawl that occurs about 25 minutes into the film. This is one of the most ridiculous looking fights I have ever seen in a movie. It is very poorly choreographed, and looks more like a dance number from a bad musical than any kind of a real fight. One might be able to overlook this if it were a Terence Hill/Bud Spencer comedy, but this is a more serious western, and the brawl really needed to be more realistic. The other thing that annoyed me about this movie was Yuma's cowardly Mexican sidekick. I guess he was supposed to be comic relief or something, but the character was just plain stupid and unnecessary in a movie like this, and he wasn't at all funny. All I can say is where is Tuco when you need him?

All that having been said, let me assure everyone reading this that Johnny Yuma is a classic spaghetti western despite the faults I have mentioned, and all fans of the genre need to see this movie.


text: Deze prachtige kleine film heeft alle elementen die de Spaghetti Western zo opwindend en leuk maakten: fantastische muziek (door een van de weinigen, zo niet de enige vrouwelijke componist in het genre, Nora Orlandi), spectaculaire actiescènes (en heel gemene voor die dag!) en een prachtig decor en decor (allemaal in Almeria, Spanje, natuurlijk). Het heeft ook een heel goed verhaal met een mooie tragische romantiek. De acteurs doen fantastisch werk, met uitmuntende prestaties van Lawrence Dobkin en Rosalba Neri (in de belangrijkste rol voor een vrouw in een Spaghetti Western, buiten bereik van Cardinale in Leones 'Once Upon a Time in the West'). Zonder spoilers te vermelden wil ik alleen maar zeggen dat deze film een van de beste eindes bevat van alle films die ik ooit heb gezien!

text_en: This wonderful little film has all of the elements that made the Spaghetti Western so exciting and fun: GREAT music (by one of the few..if not the only..female composer to work in the genre, Nora Orlandi), EXCITING action sequences (and very vicious ones for the day!), and BEAUTIFUL scenery and sets (all in Almeria, Spain, of course). It also has a very good story with a nice tragic romance edge to it. The actors do marvelous jobs--with truly standout performances from Lawrence Dobkin and Rosalba Neri (in the most vital role for a female in a Spaghetti Western..outside of Cardinale in Leone's "Once Upon a Time in the West"). Without posting any spoilers, let me just say that this movie contains one of the best endings of any film I have EVER seen!


text:
Johnny Yuma, een van de meer bevredigende westerse all'italiana, heeft de frisheid van vele films die in de hoogtijdagen van het genre zijn gemaakt en wordt zeer aanbevolen voor liefhebbers van het genre of buitenissige, intelligente cinema.
Johnny Yuma is in de meeste opzichten niet erg origineel, maar dat telt eigenlijk niet tegen hem op. Het succes van een genrefilm hangt af van hoe goed hij aan de verwachtingen van het publiek beantwoordt en verrassende variaties biedt op de verwachte elementen. Eerdere, aangename ervaringen worden gereconstrueerd, maar met een subtiele (of grote) wending die blijvende belangstelling wekt. De kwaliteit van de uitvoering is natuurlijk ook belangrijk. Een vermoeide herhaling heeft minder succes dan een oprechte poging om het publiek te vermaken of te beroeren. Gegeven deze criteria slaagt Johnny Yuma. Er zijn talloze herhalingen van elementen uit eerdere films. De setting is de wrede, verwrongen semi-feodale schemerwereld die wordt gedeeld door veel van de beste 'gothische' westerns die in 1964-1968 zijn gemaakt, zoals Tempo di slachting (1966). De plot is een combinatie van de basisplot van Vuistvol Dollars (1964) en de Ringo-films, een feit dat niet verwonderlijk is aangezien scenarist Fendiando di Leo bij beide betrokken was. Di Leo was een van de beste scenarioschrijvers van de populaire film die in de jaren zestig-70 uit Cinecitta kwam, en zijn werk heeft bijgedragen aan een groot deel van de thematische continuïteit en samenhang van het genre (samen met een paar andere persoonlijkheden in een paar verschillende kringen van acteurs, regisseurs en scenarioschrijvers). In de FOD-thriller komt de hoofdpersoon in de stad aan, brengt een gespannen situatie aan het licht, wordt vervolgens bijna dood aangetroffen, gevolgd door een wederopstanding (in sommige films, zoals Quella sporca storia nel west (1968) is het letterlijk een kruisiging). De katholieke ondertoon van het verhaal en de symboliek zijn intrigerend, vooral gezien de impliciete populistische/verklarende socialistische stromingen van de filmmakers en hun films. De plot van Ringo, uitgebreider uitgewerkt door scenarioschrijver Ernesto Gastaldi in een reeks films met Guliano Gemma in de hoofdrol, gaat over een egocentrische hoofdpersoon die de belangstelling van een gemeenschap verkiest boven de zijne door middel van een relatie met een lid van die gemeenschap (met een gezonde dosis ironische onzekerheid).
De relatie tussen Carradine en Johnny is duidelijk gebaseerd op die tussen Manco/Mortimer uit een Fistful of Dollar (1965). De twee scènes van de uitwisseling van de wapengordels bieden een slimme dialoog en begrip tussen de twee. Talloze films, waaronder Da uomo a uomo (1968) of zelfs El Chuncho, quién sabe? (1967) <0xE2><0x80><0x93> gebruik deze relatie tussen een oudere en jongere man (vader/zoon, oudere/jongere broer, Engelse adviseur/tegenstander en boerenrevolutionair) als een centrale dynamiek in de plot.
Daarnaast is er de focus op misleiding en misleiding, doolhoven en spiegels, die in de beste vroege WAI terugkomt. De canons en pueblo's van Almeria worden letterlijk doolhoven waar protagonist en antagonist kat-en-muis-spelletjes spelen.
Wat Johnny Yuma onderscheidt van andere WAI is de kwaliteit van regisseur Romolo Guerriri's gebruik van visuele/psychologische ruimte in combinatie met de intelligente mechanismen van het script om de plot vooruit te helpen. Dialoog is nooit erg belangrijk geweest voor de WAI en vaak absurd onbegrijpelijk (denkt dat er uitzonderingen zijn, zoals de cynische commentaren in Django (1966) of Faccia a faccia (1967).
Psychologische diepgang van het personage wordt bijna geheel gecreëerd door iconische beelden, het zijn juxtaposities en het is een beschrijving van de algemene vertelsituatie. Zie hoe de aanwezigheid van de dodelijke Samantha wordt gevoeld tijdens de afranselingscène die wordt gadegeslagen vanaf het dak of vanaf de achtergrond van de actie. Of hoe Johnny Samantha en Pedro van hun veiligheid en vertrouwen in hun macht ontdoet door zijn heimelijke invallen in hun ranch, hotel en zelfs slaapkamer (ook dit is een thema van de FOD). Tot slot: zie hoe de zoektocht naar informatie wordt geconcentreerd. Net als veel andere elementen is dit ontleend aan de FOD, die uiteindelijk gebaseerd was op de bloedstollende thriller _Red Harvest_. Door toevallige contacten, posters van gezochte personen, afgeluisterde gesprekken, blikken uit ramen, horloges die in het stof zijn blijven liggen, of verkeerde identiteiten en bewegingen door de rimpelingen die ontstaan door de handelingen van Pedro en Samantha in deze surrealistische en absurde werkelijkheid, komt het verhaal tot zijn slotsom.
De film viel op omdat het tijd was voor wat werd gezien als uitspattingen van geweld. Natuurlijk waren deze films nauwelijks gewelddadiger dan veel Amerikaanse westerns. Wat anders was, was de psychologische intensiteit van het geweld en de oorzaken waaraan het werd toegeschreven, wat wil zeggen dat niet het geweld maar de betekenis ervan was veranderd. Johnny Yuma is duidelijk en interessant in het gebruik en de weergave van geweld en dat is nog een interessant aspect van de film.
Wat ik persoonlijk het interessantst vind van het grootste deel van dit genre, is het verband dat het legt met de anonieme, naamloze toeschouwers in Italië en Spanje, voor wie deze steeds terugkerende verhalen enige betekenis en belangstelling hadden. Het artefact mag dan geen intrinsieke waarde hebben en op zichzelf misschien niet meer waard zijn dan een stuk vuursteen uit een prehistorische vindplaats, een scherf aardewerk of een rottend stuk leer of verroest metaal, maar het is een verwijzing naar een of andere naamloze aanwezigheid, levens, die belangrijk waren omdat ze bestonden. Hoewel Johnny Yuma intrinsieke waarde heeft, is het voor mij voor een groot deel interessant vanwege dit verband en mysterie.

Bovenste spaghettiwesternlijst http://imdb.com/mymovies/list?lde21849907

Gemiddelde SWs http://imdb.com/mymovies/list?lde21849889

Alleen voor fanatici (van onderaf aan) http://imdb.com/mymovies/list?lde2184989001.

text_en:
One of the more satisfying Western all'italiana, Johnny Yuma has the freshness of many WAI made during the heyday of the genre and is highly recommended for fans of the genre or offbeat, intelligent cinema.

Johnny Yuma is, in most respects, not terribly original, but this actually does not count against it. The success of a genre film depends on how well it meets the audience's expectations as well as provides surprising variations on these expected elements. Earlier, pleasing experiences are recreated but with subtle (or major) twist that provide continuing interest. The quality of the execution is also, obviously, important. A tired retread will be less successful than a sincere attempt to entertain or move the audience.

Given these criteria, Johnny Yuma succeeds. There are numerous reprises of elements from earlier films. The setting is the brutal, twisted semi-feudal twilight world of shared by many of the best "Gothic family" westerns made 1964-1968 such as Tempo di massacre (1966). The plot is a combination of the basic Fistful of Dollars (1964) plot and the Ringo films, a fact not surprising as screenwriter Fendiando di Leo was involved in both. Di Leo was one of the best screenwriters in the popular cinema coming out of Cinecitta in the 1960s-70s and his work helped provide much of the thematic continuities and coherency to the genre (Along with a couple of other personalities in a few distinct circles of actors, directors, and screenwriters). In the FOD plot, the protagonist arrives in town, stirs up a tense situation, then undergoes a near-death followed by a resurrection (in some films, like Quella sporca storia nel west (1968) it is quite literally a crucifixion). The Catholic undertone to the narrative and the symbolism is intriguing, especially given the implicit populist/explicit socialist leanings of the filmmakers and their films. The Ringo plot, developed more fully by screenwriter Ernesto Gastaldi in a series of films starring Guliano Gemma, a egoistic protagonist chooses the interest of a community over his own through the medium of a relationship with a member of that community (with a healthy dash ironic uncertainty).

The relationship between Carradine and Johnny is clearly based on that of Manco/Mortimer from a Fistful of Dollar (1965). The two scene of the exchange of the gun belts provides a clever dialog and understanding between the two. Numerous films, including Da uomo a uomo (1968) or even El Chuncho, quién sabe? (1967), use this relationship between an older and younger man (father/son, older/younger brother, Anglo adviser/adversary and peasant revolutionary) as a central dynamic to the plot.

Additionally, there is the focus on deception and misdirection, mazes and mirrors, that recur throughout the best early WAI. The canons and pueblos of Almeria become literal mazes through which protagonist and antagonist play shifting games of cat and mouse.

What distinguishes Johnny Yuma from other WAI is the quality of director Romolo Guerriri's use of visual/psychological space together arrangement with the script's intelligent mechanisms to forward the plot. Dialogue was never very important to the WAI and often absurdly unintelligible (thought there are exceptions, such as the cynical commentaries in Django (1966) or Faccia a faccia (1967).

Psychological depth of character is created almost entirely through iconic imagery, it's juxtapositions, and it's description of the overall narrative situation. See how the presence of the deadly Samantha is felt during the beating scene  watching from the roof or from the background of the action. Or how Johnny strips Samantha and Pedro of their security and confidence in their power through his stealthy invasions of their ranch, hotel, even bedroom (this, again, is a theme from FOD). Finally, note how there is a focus on the search for information. Like many elements, this is borrowed from FOD which was ultimately based on the hard-boiled mystery novel Red Harvest. It is through incidental contacts, wanted posters, overheard conversations, glances out of windows, watches left in the dust, or mistaken identities and movements through the ripples created by the actions of Pedro and Samantha within this surreal and absurd reality that the narrative tacks forward to it's conclusion.

The movie was notable in it's time for what were perceived of as excesses in violence. Of course, these films were hardly more violent than many American westerns. What was different was the psychological intensity of the violence and the causes to which it was attributed, which is to say that it was not the violence but it's meaning that had changed. Johnny Yuma is distinct and interesting in it's use and portrayal of violence and this is another interesting aspect of the film.

What I personally find most interesting about most of this genre is the link it provides to the anonymous, nameless audiences in Italy and Spain to whom these recurrent narratives held some significance and interest. The artifact may have no intrinsic worth in and of itself  some flint debitage from a prehistoric site, a shard of cruse pottery, or a moldering piece of leather and rusted metal  but it is reference to some nameless presence, lives, that were significant simply because they existed. While Johnny Yuma has intrinsic worth, much of it's interest for me derives from this connection and mystery.

Top spaghetti western list http://imdb.com/mymovies/list?l=21849907

Average SWs http://imdb.com/mymovies/list?l=21849889

For fanatics only (bottom of the barrel) http://imdb.com/mymovies/list?l=21849890


text: Verslaafd aan iedereen die het geluk heeft deze film ooit te zien (dus toch niet echt verslaafd). Heb deze film gezien toen hij werd uitgebracht en kan me er nog delen van herinneren. Het speelt allemaal in een klein stadje in het westen of wat er van dat stadje over is. Het lijkt meer op een spookstadje met weinig inwoners. Onder hen een echtpaar, waarvan de vrouw bijzonder verdorven is. Ze laat haar man sterven aan het eind van de film en verlaat het stadje, maar moet de woestijn door. We weten nooit wat er daarna met haar gebeurt, maar vlak voordat ze haar stervende man verlaat schiet hij achter haar aan en raakt haar opzettelijk niet en in plaats daarvan de watervoorraad. Ze is zich er niet van bewust dat ze binnenkort heel erg dorstig zal zijn. Mark Damon vermoordt een paar boeven in een grappig landhuis <0xE2><0x80><0x93> maar dat is een ander verhaal, dat ik me niet al te goed herinner. De laatste indruk van de film was dat het een van de eerste keren was dat ik een echt slechte vrouw op de film zag, die doet alsof ze allesbehalve slecht is <0xE2><0x80><0x93> kan niet worden vergeleken met de heks in 'Snowwhite', die in vergelijking met haar gemakkelijk te vinden is. Heel strakke western met weinig hoofdpersonen en toch boeiend.

text_en: Spoiler for anyone who is lucky enough to ever see this film (so not really spoiler after all). Saw this film when it was released and can still remember parts of it. It's all set in a small town in the west or what is left of that town. It more resembles a ghost town with few inhabitants. Among them a couple, where the wife is especially wicked. She lets her man die in the end of the film and leaves the town but has to cross the desert. We never know what happens to her next but just before she left her dying man shoots after her and deliberately does not hit her and instead the water supply. She is not aware of that soon she will be very thirsty. Mark Damon kills a couple of bad guys in a funny manor - but that's another story, which I don't remember too good. The remaining impression of the film was that it was one of the first times I saw a really wicked woman on film, who pretends to be anything but wicked - can't be compared with the witch in 'Snowwhite', who, in comparison is easy to find out. Very tight western with few main characters and still absorbing.


text:
In de openingsscène heeft de ooglap die desperado Hawkeye heet een glad voorhoofd, maar als hij met Johnny de pueblo in gaat, wordt hij afgebeeld met een litteken boven zijn opgelapte oog. Dat is slechts een van de vele tekortkomingen in dit prikkelende'spaghetti'-westerse beeld, maar in plaats van afbreuk te doen aan het beeld, voegt het een speciale sfeer aan de gebeurtenissen toe.
Er gebeurt nog iets als Sanchez zijn drie lijken inlevert, ze moeten onderzocht worden op hun identiteit: 'Je kunt je gewoon niet voorstellen hoeveel valse kadavers we in onze stad hebben.' Onmiddellijk daarna komt Carradine (Lawrence Dobkin) met niet meer dan een gezochte poster in zijn hand zijn buit ophalen.
Wat de film betreft. Johnny Yuma (Mark Damon) wordt in de film afwisselend met zijn holster op zijn rechter- en linkerheup getoond, nadat hij na de vechtpartij in de kroeg zijn wapengordel heeft verwisseld met die van Carradine. Johnny is op verzoek van zijn oom op weg naar San Margo, maar zal zijn dood moeten wreken in de handen van de bedrieglijke vrouw Samantha (Rosalba Neri) en haar broer Pedro (Louis Vanner). Het duurt even voor je er bent, maar het is een leuke rit met een van de beste muziekscores op de plaat. Wat die vechtpartij in de kroeg betreft, ik kreeg een kick van de kungfu-geluidseffecten elke keer dat een vuist me raakte.
Wil je nog wat meer overdrijvingen in het verhaal? Na het duel met Pedro, de eerste keer, veegt Johnny een beetje bloed van zijn lip, waarmee hij Pedro's hele gezicht besmeurt. Als Pedro later in de film de kleine Pepe slaat, verwondt hij hem ook niet, maar tegen de tijd dat Johnny aankomt, zit Pepe's gezicht onder het bloed.
'Johnny Yuma' is waarschijnlijk een van de beste films van het genre, zonder Clint Eastwood. Als Johnny is Mark Damon een redelijk geschikte figurant, maar zonder de ziedende uitstraling. Carradine leek een vervanging te zijn voor de verplichte Lee Van Cleef-figuur, zonder dat hij een echte slechterik was. Het leek allemaal heel logisch, maar tegen de tijd dat de film was afgelopen, was het allemaal met elkaar in verband gebracht. Je wist dat elke handlanger zijn verdiende loon zou krijgen; het aftellen voor elk van hen maakte deel uit van de verwachting.
Voor het geval je het je afvraagt, de titelheld heeft niets te maken met de Nick Adams-figuur uit de klassieke tv-western 'The Rebel'. In deze film heeft Johnny zijn naam te danken aan een vuurgevecht dat hij een keer in Yuma heeft gehad.
Misschien was het meest unieke element van het verhaal de manier waarop het verband hield met de kwaadaardige Samantha die achter de schermen aan de touwtjes trok. Nadat ze Carradine heeft neergeschoten, slaat ze haastig op de vlucht voordat Johnny wraak kan nemen. Het ziet ernaar uit dat Carradine probeert haar neer te schieten en mist, maar het duurt niet lang of Johnny en Sanchez hebben haar gevonden in het dessert, waar ze zonder water is omgekomen <0xE2><0x80><0x93> Carradine richtte op haar veldfles.

text_en:
In the opening scene, the eye patch wearing desperado named Hawkeye has a smooth forehead, but when he follows Johnny into the pueblo, he's shown with a scar over his patched eye. That's just one of the many continuity lapses in this edgy 'spaghetti' Western, but rather than detract from the picture, it adds a special flavor to the proceedings.

Another occurs when Sanchez turns in his three dead bodies, they have to be examined for their identities - "You just can't imagine how many false cadavers we have in our town". Immediately after, Carradine (Lawrence Dobkin) shows up to collect his bounty with no more than a wanted poster in hand.

As for the film's principal Johnny Yuma (Mark Damon), he's shown with his holster alternately on his right and left hip throughout the movie after exchanging gun belts with Carradine following the barroom brawl. Johnny's bound for San Margo at his uncle's request, but will have to avenge his death at the hands of deceitful wife Samantha (Rosalba Neri) and her conniving brother Pedro (Louis Vanner). It takes some time getting there, but it's a fun ride with one of the best music scores on record. As for that saloon fight, I got a kick out of the kung fu sound effects every time a punch connected.

Care for some more story exaggerations? Following the duel with Pedro the first time, Johnny wipes a small amount of blood from his lip which he manages to smear Pedro's entire face with. Similarly, when Pedro smacks around little Pepe later in the film he doesn't cut him, but by the time Johnny arrives, Pepe's face is covered with blood.

"Johnny Yuma" is probably one of the best of the genre that doesn't have Clint Eastwood in it. As Johnny, Mark Damon is a reasonably suitable stand in but without the seething exterior. Carradine seemed to be a replacement for the obligatory Lee Van Cleef character, without being a total bad guy. At first the identity exchange between Carradine and Johnny didn't seem to make sense, but it all tied together by the time the film ended. You knew each henchman would wind up getting his due; marking time for each was part of the anticipation.

In case you're wondering, the title hero has nothing to do with the Nick Adams character from the classic TV Western "The Rebel". In this film, Johnny got his name from a gunfight he had in Yuma once.

Perhaps the most unique element of the story had to do with the way it tied things up with the evil Samantha who pulled the strings behind the scenes throughout. After shooting Carradine she beats a hasty retreat before Johnny can get his revenge. Still alive, it looks like Carradine tries to shoot her and misses, but it doesn't take long for Johnny and Sanchez to track her into the dessert where she perished without water - Carradine aimed for her canteen.


text:
Na enige moeite arriveert Johnny Yuma op de ranch van zijn zieke oom om het werk van dag tot dag over te nemen, om vervolgens te ontdekken dat de oude man is vermoord door zijn mooie goudzoekersvrouw en de kwaadaardige broer van de vrouw.

Goede productiewaarden, een sympathieke voorstelling van Mark Damon en een luchtige combinatie van actie en script maken dit tot een onderhoudende, zij het niet uitzonderlijk diepe, bovengemiddelde aanvulling op het spaghetti-westerngenre.

Co-star Rosalba Neri is een van de heetste Europese meiden die ooit op het witte doek verscheen. Hier is ze absoluut perfect als de koelbloedige gebruiker (en misbruiker) van zwakke mannen.
Damon en Neri verschenen samen in minstens één andere film, The Devil' 's Wedding Night, een vrij goede griezelfilm die bijzonder interessant is voor diegenen onder jullie die willen zien wat er onder Rosalba's jurken zit.

text_en:
After some difficulty, Johnny Yuma arrives at his ailing uncle's ranch to take over day to day operations, only to find out that the old man has been murdered by his beautiful gold-digger wife and the woman's vicious brother.

Good production values, a likable performance by Mark Damon, and a breezy action packed script combine to make this an entertaining, if not exceptionally deep, above average addition to the spaghetti western genre.

Co-star Rosalba Neri is one of the hottest European babes ever to grace the screen. Here she's absolutely perfect as the cold-hearted user (and abuser) of weak men.

Damon and Neri appeared together in at least one other picture, The Devil's Wedding Night, a pretty good horror movie that's of particular interest for those of you that want to see what's underneath Rosalba's dresses.


text:
Nadat de SuperFriends en Scooby Doo in de herfst van 1986 de zaterdagochtenduitzendingen hadden verlaten, keek ik op dat moment vrijwel geen tekenfilms meer, want dat waren de enige twee die me op de hoogte hielden. En aangezien de Real Ghostbusters noch de Flintstone Kids me erg veelbelovend leken, ging ik'met pensioen' en begon ik op zaterdagochtend uit te slapen. In 1988 keerde ik pas in 1988 terug naar de zaterdagochtendtelevisie, voor slechts één geanimeerd programma.
Een nieuw geanimeerd programma van Superman was iets wat ik niet zou laten schieten. Ik was toen 17 en zat nog op de middelbare school, maar wat dan nog! Ik was dol op dat programma. Voor zover ik me kan herinneren, was deze serie een cadeau aan fans, waarschijnlijk ter ere van Supermans vijftigste verjaardag in dat jaar. Het thema was muziek en de stijl deed denken aan de John Williams-filmmuziek uit de Superman-films van Richard Donner en Christopher Reeve. Ik had eerlijk gezegd het gevoel dat de animatiestijl van Ruby Spears deed denken aan de Super Powers Team: Galactic Guardians-serie van Hanna Barbera, een paar jaar eerder. Helaas was Danny Dark niet terug als Superman, maar ik vond dat Beau Weaver het heel indrukwekkend deed als de stem van Superman en zijn Clark Kent was net zo sullig als de Chris Reeve-versie. Bij de Fantastic Four zag ik in gedachten nog steeds die versie van Superman voor me. Ginny McSwain als Lois Lane. LOL! Wat een rijmpje. Ze was voice-over voor Hanna Barbera en Ruby Spears en ik denk dat ze Lois zelf heeft gedaan. De herinneringen aan de SuperFriends bleven in deze serie hangen als het ging om de stem boven de cast. Jimmy Olsen is Mark Taylor, die in de SuperFriends voorheen Firestorm was. Perry White is niemand minder dan de voormalige Batman-schrijver Stanley Ralph Ross, die in de Super Powers-shows Gorilla Grodd en Brainiac was. En Lex Luthor, inmiddels een wijze, steenrijke miljardair, is niemand minder dan de stem van SuperFriends, Michael Bell, die ik het best ken als Zan en de Riddler, en ook als veel andere personages uit veel andere series.
Ik had het gevoel dat deze serie een combinatie was van de film Superman en het beeld dat John Byrne zich van Superman had gevormd, met Lex Luthor als miljardair en Jonathan en Martha Kent die nog in leven waren en Clark als Superman zagen. De Bruce Timm-serie en Lois en Clark zouden dat ook doen. Helaas zagen we nooit Brainiac, Bizarro, Toyman, Metallo of Darkseid. Afgezien van Luthor zagen we alleen de Poppenspeler en generaal Zod. Ik genoot vooral van die ene aflevering met Wonder Woman, die werd vertolkt door BJ Ward, die haar ook in het Super Powers Team speelde.
De afleveringen waren geweldig en ik genoot ook van Clarks groei- en ontwikkelingsverhalen van zijn kindertijd tot zijn puberteit en van een volwassene die naar Metropolis verhuisde in het korte fragment, Superman's Familiealbum.
De enige twee dingen die ik niet leuk vond. Het duurde maar één seizoen. En na de gastoptredens van Wonder Woman hoopte ik dat Batman zou opduiken, vertolkt door Adam West (die nog steeds aan de afleveringen van het Super Powers Team dacht, denk ik). Ik hoopte er ook op omdat in de aflevering van _Prankster_ het honkbalteam van Metropolis het opnam tegen de Gotham Goliaths.
Elke populaire Super Hero heeft één tekenfilmserie die ultra zeldzaam is. Voor Spiderman heb ik het gevoel dat het de soloserie uit 1981 is die tegelijk met Amazing Friends werd uitgezonden. Voor de Incredible Hulk is het de tekenfilmserie uit 1982. Voor de Fantastic Four is het de serie uit 1978 met HERBIE de Robot. Voor Batman is het de Nieuwe Avonturen van Batman uit 1977 van Filmation met BatMite. Maar voor Superman is deze serie de zeldzaamste.
Supermanboeken en -documentaires hebben het er nooit over. Dit is een andere serie die WB zou moeten overwegen om op dvd uit te brengen. Al met al is deze 1988-versie van Superman goed... Super!

text_en:
After the SuperFriends and Scooby Doo left the Saturday morning airwaves in the fall of 1986, I pretty much stopped watching Saturday morning cartoons at that point since those were the only two that kept me tuning in. And since neither the Real Ghostbusters nor the Flintstone Kids seemed very promising to me, I "retired" and started sleeping in on Saturday mornings. I only returned to Saturday morning TV in 1988 for that one year only for one and only one animated show.

A new animated show of Superman was something I was not going to pass up. I was 17 and in high school at the time, but so what! I loved this show. From what I can recall, this series was a gift to fans I suppose in celebration of Superman's 50th birthday that particular year. It had the theme music and the music style reminiscent of John Williams movie score from the Richard Donner/Christopher Reeve Superman movies. I honestly felt that the animation style Ruby Spears did was reminiscent of the Super Powers Team: Galactic Guardians series by Hanna Barbera a few years before. Sadly, Danny Dark was not back as Superman, but I felt Beau Weaver did a very impressive job as the voice of Superman and his Clark Kent was nerdy like the Chris Reeve version. After hearing him as Reed Richards/Mr. Fantastic on the 90's Fantastic Four, I could still see this version of Superman in my mind. Ginny McSwain as Lois Lane. LOL! What a rhyme. She was a voice director for Hanna Barbera and Ruby Spears and I guess she took it upon herself to do Lois. Memories of the SuperFriends lingered in this series when it came to the voice over cast. Jimmy Olsen is Mark Taylor, who on the SuperFriends was formerly Firestorm. Perry White is none other than former Batman TV writer Stanley Ralph Ross, who on SuperFriends was Gorilla Grodd and Brainiac in the Super Powers shows. And Lex Luthor, now a wise cracking billionaire tycoon is none other than SuperFriends voice alum, Michael Bell, whom I know best as Zan and the Riddler as well as many other characters on many other series.

I felt this series was a combination of the movie Superman along with the post crisis John Byrne re envision of Superman, with Lex Luthor as a billionaire tycoon, Jonathan and Martha Kent being alive to see Clark as Superman. The Bruce Timm series and Lois and Clark would also do this. Unfortunately, we never saw Brainiac, Bizarro, Toyman, Metallo, or Darkseid. Other than Luthor, we saw only the Prankster and we did see General Zod. I especially enjoyed that one episode with Wonder Woman, who was voiced over by BJ Ward who played her on the Super Powers Team as well.

The episodes were smashing and I also enjoyed Clark's growing and development stories from infancy to childhood to adolescence to an adult moving to Metropolis in the short little segment, Superman's Family Album.

The only two things I didn't like. It only lasted one season. And after Wonder Woman's guest spot, I was hoping Batman would turn up voiced over by Adam West (Still thinking about the Super Powers Team episodes I guess). I also hoped for it because on the Prankster episode, the Metropolis baseball team was pitted against the Gotham Goliaths.

Every popular Super Hero has one cartoon series that is ultra rare. For SpiderMan, I feel it's the 1981 solo series that aired the same time as Amazing Friends. For the Incredible Hulk, it's the 1982 cartoon. For the Fantastic Four, it's the 1978 series with HERBIE the Robot. For Batman, it's the New Adventures of Batman 1977 by Filmation featuring BatMite. But for Superman, the rarest series is this one.

Superman books and documentaries never cover or mention it. This is another series that WB should consider for DVD release. All in all, this 1988 version of Superman is well....Super!!


text:
Volgens mij is dit nog steeds een van de beste Superman-imitaties op tv, en ook een van de meest getrouwe uit een bepaalde stripperiode.
Deze serie was een eerbetoon aan zowel de Superman-films uit de jaren zeventig en tachtig als de Superman-strips uit de'reboot'-serie uit 1986 ('Man of Steel', 'Superman Vol 2', 'Action Comics', 'Adventures of Superman', enz.). De openingsmuziek en de titels waren roerend, gebaseerd op de John Williams-score uit de films, die was bijgewerkt voor een actieserie op zaterdagochtend. Marv Wolfman, een van de belangrijkste sponsors van de Superman-reboot (schrijver van 'Adventures of Superman') was een perfecte keuze om mee te werken aan deze geanimeerde serie. Over het geheel genomen had de serie een volwassener sfeer, terwijl hij toch heel kindvriendelijk bleef.
Superman werd gepresenteerd als geloofwaardig, sterk en iconisch. Zijn steeds terugkerende nemesis was Lex Luthor in zijn megalomane/ceo-incarnatie. De personages van Daily Planet, Lois, Jimmy en Perry, waren goed geportretteerd. Een van mijn favoriete rollen was die van Wonder Woman, en het verhaal draaide om haar thuiseiland Themyscira ('Paradise Island'). Zowel haar ontwerp als dat van haar moeder Hippolyte waren gebaseerd op de op dezelfde manier gerebootte Wonder Woman-stripserie uit die tijd, en het leek erop dat er een even goed uitgevoerde animatieserie voor haar ontwikkeld had kunnen worden als ze met hetzelfde waren omgegaan. Het enige wat ik maar moeilijk kan geloven is dat dit niet op dvd/Blu-ray is uitgebracht! Het verdient het wel.

text_en:
In my mind, this remains one of the very best depictions of Superman on TV, as well as one of the most faithful to a particular comics period.

This series paid homage to both the Superman films of the '70s/'80s and the Superman comics series "reboot" of 1986-onward ("Man of Steel," "Superman Vol 2," "Action Comics," "Adventures of Superman," etc). The opening score and titles were stirring, based on the John Williams score from the films, updated for a Saturday morning action series. Marv Wolfman, one of the main contributors to the comics reboot (writer of "Adventures of Superman") was a perfect choice to be involved in this animated series. Overall, the series had a more mature feel while continuing to be very kid-friendly.

Superman was presented as believable, strong, and iconic. His recurring nemesis was Lex Luthor in his megalomaniac/CEO incarnation. The Daily Planet characters Lois, Jimmy, and Perry were portrayed well. One of my favorite appearances was by Wonder Woman, and the story revolved around her home island of Themyscira ("Paradise Island"). Both her design and that of her mother Hippolyte were in keeping with the similarly rebooted Wonder Woman comic book series of the era, and it seemed like an equally well-done animated series could have been developed for her if handled the same.

The one thing that is hard to believe is that this has not been released on DVD/Blu-ray! It deserves to be.


text:
Kinderen <0xE2><0x80><0x93> van welke leeftijd dan ook <0xE2><0x80><0x93> willen niets weten van het seksleven van hun ouders. En volwassen kinderen zijn vaak ernstig verbijsterd en van hun stuk gebracht door elk bewijs dat ouder wordende ouders een actief libido hebben. Tot slot voelen veel bioscoopbezoekers zich erg ongemakkelijk bij het zien van een slonzige, slonzige weduwe die bijna overal onopgemerkt zou kunnen komen en haar hunkerende vermogen en behoefte aan rauwe passie met een knappe man die half zo oud is als zij zou ontdekken.
'De Moeder' is een provocerende blik op een nauwelijks gefilmde werkelijkheid <0xE2><0x80><0x93> een vrouw die er nog niet aan toe is om thuis te blijven, 'de tv' te kijken en achter haar bijna dertig jaar oude echtgenoot aan te vegeteren, en dan nog wel een dominante, dominerende kerel, die het moet bekopen met een zware hartaanval.
--May (Anne Reid) en haar man hebben twee kinderen, die elk op hun eigen manier niet goed functioneren. De zoon woont bij een mooie vrouw, die hem met haar extravagante commerciële onderneming misschien wel naar de rechtbank voor bankroet zal rijden. Paula (Cathryn Bradshaw) is lerares met ambitie om schrijfster te worden. Ze is aantrekkelijk, niet knap, en ze schijnt een hechte band te hebben met haar moeder <0xE2><0x80><0x93> in het begin.
--Terug in haar huis, nadat ze haar man heeft begraven, besluit May daar niet te blijven. Ze wijst het typische weduwschap af, met zijn erfenis van saaie dagen zonder avontuur, en gaat bij Paula logeren, die een jonge zoon heeft. Het vriendje van May, Darren (Daniel Craig), is een ruige, knappe aannemer die er vreselijk lang over lijkt te doen om een aanbouw aan het huis van May's zoon af te maken. May is behoorlijk gecharmeerd van de stevig drinkende, coke snuivende Darren, wiens behandeling van Paula May had moeten waarschuwen dat hij beslist een lid van de Koninklijke Academie van Cads is.
Wat volgt is een hartstochtelijke verhouding tussen Darren en de smoorverliefde en nu bruisende (durf ik zeggen herboren?) weduwe. De liefdesscènes zijn beeldend, maar komen op de tweede plaats na Mays pentekeningen en inkttekeningen van hun afspraakjes, die vervolgens een rol spelen in het allesomvattende drama (of debacle, kies maar uit).
'Het theater in Manhattan was afgeladen voor vandaag.' Aan het begin van de middag was meer dan de helft van het publiek van May's leeftijd aanwezig. Dat sommigen geschokt of verontrust waren toen ze zichzelf met erotische overgave in de armen van een veel jongere man zag ronddartelen, is een understatement.
Deze oogverblindend eerlijke blik op de ontwaakte passie van een oudere vrouw nadat ze tientallen jaren plichtsgetrouw heeft gehoorzaamd aan het verlangen van haar man om thuis te blijven en kinderen op te voeden (ze vermeldt ook dat hij het niet prettig vond dat ze vrienden had <0xE2><0x80><0x93> wat een kerel!) roept een aantal vragen op. Hoewel May's gescharrel met Darren geen incest is, zijn er echte psychologische dimensies, en vragen, aan een moeder die het bed deelt met de minnaar van haar dochter. En Paula is om te beginnen al niet van het stoere type. De verhouding, eenmaal onthuld, laat de schil van de moeder-dochterrelatie los die, vanuit Paula's gezichtspunt, iets te wensen overlaat. Mevrouw Bradshaw is uitstekend in de rol van een dochter die zowel de steun van haar moeder als haar liefde wil <0xE2><0x80><0x93> het leven heeft haar geen vreselijke klappen toegebracht, maar het is ook geen rozenbed.
May is sterk in haar besluit om zowel haar seksualiteit te erkennen als een toekomst van geluk te verwachten, ja te eisen. Maar ze is ook onontkoombaar kwetsbaar. Ze vist in onbekende emotionele wateren. Wie heeft de controle over haar relatie met Darren en waarom zijn zaken die ze moeilijk kan begrijpen, laat staan besluiten. Ze is in de zestig, maar ze is nog steeds aan het werk.
' _Something's Gotta give_.' Het is een amusante, antiseptische vertoning, die de kijker ervan verzekert dat hij zich niet ongemakkelijk hoeft te voelen. Per slot van rekening zijn het Jack Nicholson en de altijd beeldschone Diane Keaton die zich in de wereld van de rijken bewegen. En om er zeker van te zijn dat er geen serieuze psychosociale kwesties aan de orde komen, zegent Keatons jonge vriendin, Amanda Peet, dochter van Keaton, niet alleen het huwelijk, maar verzekert ze het publiek ook dat zij en haar oude(er) toekomstige minnaar nooit met elkaar naar bed zijn geweest.
Het is hier niet gemakkelijk. Anne Reids geïnspireerde optreden roept bij sommigen onbehagen op, terwijl het bij anderen respect afdwingt. Haar naakte lichaam barst bij sommigen van de seksualiteit en ziet er absurd uit als het voorwerp van lichamelijke aantrekkingskracht op anderen (de commentaren van de toeschouwers die vandaag vertrokken gaven al deze meningen weer). Dank aan regisseur Roger Michell, die een fascinerend verhaal met verve en empathie heeft gebracht.
9/10.

text_en:
Kids - of whatever age - do not want to know about their parents' sex lives. And grown-up children are often seriously baffled and disconcerted by any evidence that aging parents possess an active libido. Lastly, many moviegoers are very uncomfortable watching a dowdy, frumpy widow who would pass unnoticed almost anywhere discover her aching capacity and need for raw passion with a handsome man half her age.

"The Mother" is a provocative look at a scarcely filmed reality - a woman who isn't ready to stay home, watch "the telly," and vegetate after her husband of nearly three decades, and a controlling, dominating chap at that, packs it in with a massive heart attack.

May (Anne Reid) and her husband have two children, each dysfunctional in his or her own way. The male son lives with a beautiful wife who may well be driving him to the Bankruptcy Court with her extravagant commercial venture. Paula (Cathryn Bradshaw), is a teacher with aspirations of succeeding as a writer. She's attractive, not pretty, and she seems to have a close relationship with mum - at first.

Back at her house after burying her husband, May determines to not stay there. Rejecting typical widowhood with its legacy of boring days and no adventure, she goes to stay with Paula who has a young son. Paula's boyfriend, Darren (Daniel Craig), is a ruggedly handsome contractor who seems to be taking an awfully long time to complete an addition to May's son's house. May is quite taken with hard-drinking, coke-sniffing Darren whose treatment of Paula ought to have alerted May that he was, for sure, a Fellow of the Royal Academy of Cads.

What follows is a torrid affair between Darren and the besotted and now bubblingly alive (dare I say reborn?) widow. The love scenes are graphic but take second place to amateur artist May's pen and ink sketches of their trysts which then play a role in the enfolding drama (or debacle, take your pick).

The theater in Manhattan was packed for today's early afternoon showing with well over half the audience in the range of May's age. That some were shocked or disturbed to see her disporting herself with erotic abandon in the arms of a much younger man is an understatement.

This blindingly honest look at an older woman's awakened passion after decades of dutifully obeying her husband's desire that she stay at home and raise kids (she also mentions he didn't like her to have friends-what a guy) surfaces a number of issues. While May's dalliance with Darren doesn't constitute incest, there are real psychological dimensions, and issues, with a mother bedding her daughter's lover. And Paula isn't made of the stoutest stuff to begin with. The affair, once disclosed, allows the peeling open of the mother-daughter relationship which, from Paula's viewpoint, left something to be desired. Ms. Bradshaw is excellent in the role of a daughter who wants her mother's support as well as her love-she hasn't been dealt a terrible hand by life but it isn't a bed of roses either.

May is strong in her resolve to both acknowledge her sexuality and expect, indeed demand, a future of happiness. But she is also inescapably vulnerable. She's fishing in uncharted emotional waters. Who controls her relationship with Darren and why are difficult issues for her to understand, much less resolve. In her sixties, she's still a work in progress.

"Something's Gotta Give" recently showcased mature sexuality but in an amusingly antiseptic way assuring no viewer would be discomfited. After all it's Jack Nicholson and the always beautiful Diane Keaton cavorting in the world of the rich. And to insure that no serious psycho-social issues were explored, Keaton's young girlfriend, Amanda Peet, daughter of Keaton, not only blesses the match but insures that the audience knows she and her old(er) would-be lover never hopped into the sack.

No easy out here. Anne Reid's inspired performance forces discomfort on some while drawing respect from others. Her naked body bursts with sexuality for some and appears absurd as an object of physical attraction to others (the comments of audience members leaving today reflected all these views).

Kudos to director Roger Michell for tackling a fascinating story with verve and empathy.

9/10.


text:
Het is moeilijk voor te stellen dat een regisseur in staat is om zoiets godvergeten gelul als 'Notting Hill' uit te voeren in zoiets gevoeligs en aantrekkelijks als dit, maar goed, hier is het bewijs en het is heel meeslepend. Verschillende regisseurs hebben wel eens gezinspeeld op tv-drama, en ja, dit heeft soms wel iets van een Play for Today uit de jaren zeventig, maar het is altijd een stuk beter, voornamelijk, denk ik, dank zij een buitengewoon goed acteerwerk van Anne Reid en een mooi scenario dat schaduwbokst met clichés zonder er ooit een op de neus te krijgen, behalve misschien helemaal aan het eind. Het beviel haar niet, of het nu kwam door de beelden van onverschillige afscheidsgroeten door de gang, of de o-wat-een-mooie-ochtend-van-de-ochtend: ze verdiende een weloverwogen finale dan dat, denk ik, na al dat harde werken. Het gedoe met de pantoffels was bij nader inzien ook een beetje vreemd).
Wat ik bedoel met het vermijden van clichés: tja, ik voor mij had een beklemmende verwachting dat de 'volwassen' man met wie May's dochter haar probeert te koppelen in 2 dimensies zou worden gegoten als een weerzinwekkende ouwe zeur, zodat het contrast pijnlijker zou zijn met de aantrekkelijke, viriele jonge gozer met wie hij zonder het te weten wedijvert. In plaats daarvan krijgen we een onverwacht subtiel en sympathiek beeld van een eenzame, onhandige, niet geheel onaantrekkelijke en zeer menselijke kerel, die het niettemin doet. Ik heb niet veel verstand van het vermaken van een vrouw. Rond die tijd begon ik rechtop te zitten en meer aandacht te schenken. Dit was een script dat de acteurs de kans gaf om adem te halen en iets interessants te doen met vrij kleine rollen. In dat opzicht bijna Mike Leigh (behalve de gekunstelde catharsis waar de laatste om onverklaarbare redenen voor in de plaats komt).
En natuurlijk was ik, zoals waarschijnlijk iedereen, verbijsterd door wat Anne Reid doet met haar personage en met haar lichaam. Ze is 'niet'/'de onderdrukte, plichtsgetrouwe huisvrouw die zichzelf voor het eerst ontdekt', dit is veel te simplistisch voor het personage dat we hebben. Steeds weer worden er toespelingen gemaakt op het feit dat ze een'slechte huisvrouw' is geweest. De dochter beschuldigt haar ervan dat ze 'de hele dag voor de tv heeft gezeten' in plaats van, nou ja, wat haar moederlijke plichten ook geweest mogen zijn: ze heeft er geen antwoord op. Ze is nooit een modelechtgenote en -moeder geweest, in elk geval niet voor zichzelf <0xE2><0x80><0x93> daar komt een groot deel van de schrijnendheid vandaan, het gevoel dat iemand een leven heeft vergooid in een poging een rol te vervullen waar ze domweg niet goed in was, nooit.

text_en:
It's hard to imagine a director capable of such godawful crap as 'Notting Hill' pulling off something as sensitive and as attractive as this, but well, here's the evidence and it's quite compelling. Several have alluded to TV drama, and yes, this does have a seventies Play for Today feel at times, but is always a cut above, mainly I think owing to some quite superlative acting from Anne Reid and to a fine script which shadow-boxes with cliché without ever getting one on the nose, except maybe right at the end. (I didn't like either the tracking shot of indifferent goodbyes through the hallway, nor the oh-what-a-beautiful-morning final scene: she deserved a more studied finale than that I think, after all that hard work. The slippers business was a bit OTT too, on reflection).

What I mean about avoiding cliché: well, I for one had a sinking expectation that the "mature" man May's daughter tries to set her up with would be cast in 2 dimensions as a repulsive old bore, so as to point the contrast more painfully with the attractive, virile young geezer he is unwittingly competing with. Instead, we get an unexpectedly subtle and sympathetic cameo of a lonely, clumsy, not entirely unlikeable and very human fellow, who nevertheless doesn't have much of a clue about entertaining a woman. It was around that point I started to sit up and pay more attention. Here was a script that let the actors breathe and do something interesting with fairly minor parts. Almost Mike Leigh in that respect (minus the contrived catharses that the latter inexplicably goes in for).

And of course I was, as everyone probably was, dumbfounded by what Anne Reid does with her character and with her body. She's /not/ "the repressed, dutiful housewife discovering herself for the first time", this is far too simplistic for the character we have. Again and again there are allusions to her having been a "bad housewife", not to mention that thing she does with trays, trying to look nurturing and comely and only succeeding in looking awkward. The daughter accuses her of having "sat in front of the TV all day" instead of, well, whatever her motherly duties might be presumed to have been: she has no answer. She never was a model wife and mother, at least not to herself - that's where a lot of the poignancy comes from, the sense of someone having wasted a life trying to fulfil a role she simply wasn't good at, ever.


text: Een fel, schokkend intelligent stuk werk van de getalenteerde Britse schrijver Hanif Kureishi, die 'My Beautiful Laundrette' schreef (dit is het beste wat hij sindsdien heeft geschreven). Het gaat over intelligente mensen wier leven niet veel voorstelt. Ze hebben verkwist wat ze hebben gekregen en zijn grotendeels lege vaten. Het enige personage dat in leven is, is de moeder van de titel, maar toch voelt ze zich dood vanbinnen, tot een ruwe klusjesman haar enige genegenheid toont en haar de vreugde van seks bijbrengt. Hij heeft zijn eigen motieven, maar Kureishi behandelt hem met veel medeleven. Dit is een film waarin mensen en plaatsen vertrouwd aanvoelen, waarin personages bestaan buiten de grenzen van het scherm. In sommige opzichten lijkt het een beetje op 'Sunday, Bloody Sunday', maar het is een veel moeilijker stuk. De regisseur, Roger Michell, laat de scènes instinctief ontstaan. En het wordt prachtig gespeeld.<br />Als'moeder' verraadt Anne Reid met elk gebaar haar verspilde leven. Er zit geen valse noot in haar buitengewoon levensechte optreden, en die voortreffelijke acteur, Daniel Craig, geeft zijn personage meer dimensies dan zelfs Kureishi nog niet heeft aangeboord. Als de film een valse noot aanslaat, dan is dat misschien in het karakter van de talentloze dochter, verwikkeld in een rommelige verhouding met de man die haar moeder verleidt (of zou dat andersom moeten zijn) en een nog rommeliger leven, maar ze wordt zo goed gespeeld door Cathryn Bradshaw dat ze je er toch in meesleept. De film is ook buitengewoon mooi om naar te kijken (Dop Alwin Kuchler) en moet zonder aarzelen worden aangemerkt als de beste Britse film van het jaar.

text_en:
A fierce, shockingly intelligent piece of work from the gifted British writer Hanif Kureishi who wrote "My Beautiful Laundrette", (this is the best thing he's done since then). It's about intelligent people whose lives don't add up to much. They've squandered what they have been given and are largely empty vessels. The only character on screen who is alive is the mother of the title yet she feels dead inside until a rough handyman shows her some affection and awakens her to the joys of sex. He has his own motives but Kureishi treats him with a good deal of compassion. This is a film in which people and places feel familiar, where characters exist beyond the confines of the screen. In some respects it's a bit like "Sunday, Bloody Sunday" but it's an altogether tougher piece of work. The director, Roger Michell, allows scenes to build instinctively. And it is beautifully acted.

As the eponymous mother Anne Reid betrays her wasted life in every gesture. There is not a false note in her extraordinarily lived-in performance, and that very fine actor Daniel Craig displays shadings to his character than even Kureishi hasn't tapped into. If the film strikes a false note it is, perhaps, in the character of the talentless daughter, caught up in a messy affair with the man her mother seduces (or should that be the other way round) and even messier life, but she is so well played by Cathryn Bradshaw she hooks you in nevertheless. The film is also extremely beautiful to look at (DoP Alwin Kuchler) and must rank, unhesitatingly, as the best British film of the year.


text:
WAARSCHUWING: CONTAINERS SPOILERS ROND

Ik heb een volwassen vriendin voor wie het idee dat haar ouders seks hebben haar vreselijk onrustig maakt. Ik moest aan haar denken toen ik nadacht over de reactie van het publiek op 'The Mother'.
De mensen hielden hun adem in toen May (Anne Reid) in bed hartstochtelijk lag te kronkelen met haar jongere, knappe minnaar Darren (Daniel Craig) of later seksueel expliciete tekeningen van May zag. Ik denk niet dat het publiek geschokt was door de naaktheid of de inhoud van de tekeningen, maar meer dat het zich ongemakkelijk voelde om een vrouw van in de zestig in vervoering van seks te zien.
Screenwriter Hanif Kureishi ('My Beautiful Laundrette', 'My Son the Fanatic') bewijst opnieuw dat hij een van de meest scherpzinnige verhalenvertellers aan beide kanten van de Atlantische Oceaan is. Het valt niet mee. Dit schrijnende familiedrama is geen film waarvan je kunt zeggen dat je ervan hebt genoten, omdat hij rauw en complex is en ons vaak een ongemakkelijk gevoel bezorgt. Niettemin is het een geweldig goede film.
Kureishi en Roger Michell (die nota bene _Notting Hill_ regisseerde) schetsen een onsentimenteel, hartverscheurend en voortreffelijk geacteerd portret van een oudere vrouw die zich na al die jaren realiseert dat ze na al die jaren nog steeds van het leven kan en moet genieten. Op een prachtig epifanisch moment, als haar zoon Bobby haar vraagt om niet moeilijk te doen, kaatst May terug: 'Waarom niet?'
Ja, waarom niet.
Anne Reid verdient een Oscarnominatie voor haar rol als May. Het is subtiel, ingetogen, krachtig en triest, vaak allemaal tegelijk. Kijk naar Reid als May Darren en Paula (Cathryn Bradshaw) observeert in een schijnbaar gepassioneerde omhelzing in een pub. Of als ze Paula smeekt om de voordeur open te doen na een rampzalige date. Reids ogen en gezicht tonen alle pijn en wanhoop van May. Op het meest vernietigende moment van de film laat May zich voor Darren op haar knieën vallen, bereid om alles voor hem te doen, hem alleen maar te vragen om aardig te zijn. Dit is een ongelooflijk moedige vertolking door een opmerkelijke actrice.
Ik genoot van Michells gebruik van natuurlijk geluid, vooral toen May en Toots voor het eerst bij Bobby's huis arriveerden. Het illustreerde de kakofonie rond May en Toots, de luchthartige manier waarop hun eigen familie hen verwelkomt.
Deze film deed me af en toe denken aan de eerlijkheid en rauwheid van Mike Leighs werk, behalve dan dat 'The Mother' zich aan een licht optimisme vastklampt om overeind te blijven.
Mijn enige probleempje: Michells beslissing om de eerste liefdesscène van May en Darren een bijna smakeloze gevoeligheid te geven. De geliefden blijven onscherp terwijl op de voorgrond een wit gordijn zachtjes in de wind fladdert. En het enige geluid is dat van May in haar passie.
Het probleem met Michells aanpak is dat zowel Reid als Craig, die de rol van Darren volledig omhult, zich zo onbevreesd in deze rollen wringen dat het niet eerlijk is om de bijna primitieve energie van hun personages voor het publiek verborgen te houden. Vooral omdat Michell er niet voor terugdeinst om latere seksscènes diepzinnig te maken.
Deze film heeft geen bijzonder sympathieke personages. We voelen mee met May, maar ook zij veroorzaakt het lijden van haar dochter. Maar ik betwijfel of Kureishi van plan was om zijn verhaal met sympathieke mensen te delen. Hij wilde, geloof ik, een familie ontmaskeren die al aan het instorten is als er iets emotioneel rampzaligs gebeurt. Zijn openhartigheid is onverschrokken en uiteindelijk onvergetelijk.

text_en:
[WARNING: CONTAINS SPOILERS]

I have this adult friend for whom the notion that her parents have sex makes her terribly uneasy. She came to mind when I reflected on the audience's reaction to "The Mother."

People gasped when May (Anne Reid) writhed passionately in bed with her younger hunk lover, Darren (Daniel Craig) or later saw sexually explicit drawings by May. I doubt the audience was aghast at the nudity or the drawings' content as much as feeling uneasy at seeing a woman in her 60s rapturously enjoying sex.

Screenwriter Hanif Kureishi ("My Beautiful Laundrette," "My Son the Fanatic") again proves why he's among the most trenchant storytellers on either side of the Atlantic. His story's not easy to take. This searing family drama isn't a film you can claim you enjoyed watching because it's raw, complex, and often makes us very uncomfortable. Nevertheless, it's powerfully good stuff.

Kureishi and Roger Michell (who directed "Notting Hill," of all things) craft an unsentimental, wrenching and superbly-acted portrait of an older woman who realizes, after all these years, she can and should still enjoy all of life's pleasures. In a wonderfully epiphanous moment, when her son, Bobby, asks her not to be difficult, May shoots back, "Why not?"

Why not, indeed.

Anne Reid deserves an Oscar nomination for her turn as May. It's subtle, restrained, powerful and sad, often all at the same time. Watch Reid when May observes Darren and Paula (Cathryn Bradshaw) in a seemingly passionate clutch in a pub. Or, when she begs Paula to open the front door after a disastrous date. Reid's eyes and face reveal all of May's anguish and despair. In the film's most devastating moment, May drops to her knees before Darren, willing to do anything for him, only asking him to be kind. This is a tremendously gutsy performance by a remarkable actress.

I enjoyed Michell's use of natural sound, especially when May and Toots first arrive at Bobby's place. It perfectly illustrated the cacophony around May and Toots, the flippant manner in which their own family welcomes them.

This film, at times, reminded me of the honesty and rawness of Mike Leigh's work, except "The Mother" hangs on to a slight sense of optimism to keep afloat.

My one quibble: Michell's decision to give May and Darren's first love scene an almost cheesy sensibility. The lovers remain out of focus while, in the foreground, a white curtain flutters gently in the breeze. And the only sound is of May in the throes of passion.

The problem with Michell's approach is that both Reid and Craig, who completely envelops the role of Darren, plough their way so fearlessly into these roles that it's unfair to hide their characters' almost primitive energy from the audience. Especially since Michell has no qualms about making later sex scenes visceral.

This film doesn't have immensely likable characters. We sympathize with May, but she, too, causes her daughter's suffering. But I doubt Kureishi intended to people his story with likable folk. His point, I believe, was to unmask a family that's already cracking when something emotionally cataclysmic happens. It's unflinching in its candor and ultimately unforgettable.


text:
Hoewel ik op een gegeven moment dacht dat dit The Graduate zou worden, moet ik zeggen dat The Mother uitstekend de seksuele verlangens van een oudere vrouw weet te verklaren.
Ik ben zo blij dat dit een Britse film is, want Hollywood zou het nooit hebben gedaan, en zelfs als ze dat wel hadden gedaan, zouden ze het hebben verpest door niet de tijd te nemen om de personages te ontwikkelen.
Het verhaal wordt langzaam en realistisch onthuld. Het acteerwerk is voortreffelijk, de personages zijn geloofwaardig tekortgeschoten en de dialogen zijn gevoelig. Ik heb vele malen geprobeerd te voorspellen wat er zou gaan gebeuren, en ik had het altijd mis, dus ik was erg geïntrigeerd door het verhaal.
Ik kan deze film van harte aanbevelen. En ik moet bekennen dat ik mijn moeder voor altijd in een ander licht zal zien!

text_en:
Although at one point I thought this was going to turn into The Graduate, I have to say that The Mother does an excellent job of explaining the sexual desires of an older woman.

I'm so glad this is a British film because Hollywood never would have done it, and even if they had, they would have ruined it by not taking the time to develop the characters.

The story is revealed slowly and realistically. The acting is superb, the characters are believably flawed, and the dialogue is sensitive. I tried many times to predict what was going to happen, and I was always wrong, so I was very intrigued by the story.

I highly recommend this movie. And I must confess, I'll forever look at my mom in a different light!


text: 'The Mother' is een buitengewoon stuk film <0xE2><0x80><0x93> het zet je aan het denken, het brengt je niet aan het twijfelen <0xE2><0x80><0x93> en uiteindelijk laat het je aan het denken. Het lot van de hoofdrolspeelster is volledig open. Anne Reid (die ik maar heel kort kende van haar optredens in een paar Victoria Wood-projecten en een uitstekende comédienne vond) is hier werkelijk uitmuntend. Niet de stereotiepe weduwe-huisvrouw die perfect was in huwelijk en moederschap. En in het begin helemaal niet zo vrijgevochten en avontuurlijk. Ze speelt haar personage met precies de juiste toon die waarachtig klinkt (nou ja, voor mij wel). Krachtige cast. Geweldig script. Echt een renaissance van de Europese film.

text_en: 'The Mother' is that extraordinary piece of film making - it gets you thinking, it pulls no punches - and ultimately it leaves you thinking. Very much open-ended as to the lead character's fate. Anne Reid (which I only knew briefly from her appearances in some Victoria Wood-led projects and thought a fine comedienne) is truly superb here. Not the stereotypical widowed housewife that was perfect in marriage and motherhood at all. And not all that free-spirited and adventurous at first. She plays her character just with the right note that rings true (well, it did to me). Powerful cast. Great script. Renaissance of European cinema indeed ;)