text: John van Drutens 'Bell, Book and Candle' is een verrukkelijke en onverwachte fantasie over een heksenkring uit de moderne tijd die in New York City woont; het was duidelijk een aantrekkelijke filmlocatie. Gillian Holroyd had er een schitterende rol in, als haar voormalige boekenrecensent en liefje, schaapherder Henderson en haar dolende familie en kring, inclusief Sheps verbijsterde verloofde, de gehate Merle Kittredge, tegen wie Gillian haar magische bezweringen begint uit te spreken. Er was zelfs een rol voor Pyewacket, een Siamese kat met goed getimede miauws, Sidney Redlitch, een nepheks met afgrijselijke pretenties en slechte manieren. Kortom, de producent vond het misschien wel kassatoerisme. En dat bleek het ook te zijn. Zoveel dingen klopten aan de productie dat er maar één element was dat niet perfect was; maar de rest vond ik amusant, charmant en heel consequent amusant. Om te beginnen had het scenario van Daniël Taradash de beste eigenschappen van het voortreffelijke toneelstuk, maar de scènes gingen verder dan Greenwich Village en andere delen van het New Yorkse toneel. De technische productie was prachtig, met cinematografie van de legendarische James Wong Howe, een mooie score van George Duning, meer dan slimme decors van Louis Diage en japonnen van Jean Louis. In de aantrekkelijke cast speelden Wolfe Barzell, Howard McNear, Janice Rule als Merle, Ernie Kovacs als Redlitch, Jack Lemmon als Gillia. Jimmy Stewart was het onvolmaakte element in mijn oordeel; hij deed het goed in de komische gedeelten van zijn rol, maar hij was nooit overtuigend als Newyorkse schrijver van boeken, en hij was trouwens een beetje te oud voor de rol van Henderson. Maar regisseur Richard Quine gebruikte subtiele belichting, tempowisselingen en ongewoon geconstrueerde shots om de vreemdheid van de heksengedeelten van de film aan te geven, en hield de andere gedeelten heel helder, maar rechttoe rechtaan in hun presentatie. De grootste crisis in de film ontstaat wanneer Gillian in werkelijkheid voor Henderson valt, die helemaal niet in heksen gelooft. Ze begon alleen maar om hem van zijn verloofde te vervreemden, haar verwaande studierivaal. Later, als Henderson probeert weg te lopen, komt hij steeds weer bij haar terug <0xE2><0x80><0x93> en beseft dat hij betoverd is, zoals ze hem verontschuldigend heeft proberen uit te leggen.... Intussen is Sidney Redlich door een toverspreuk naar New York ontboden om zijn boek aan Henderson te verkopen. Natuurlijk weet hij helemaal niets van tovenarij, maar hij is zeer verbaasd en geïnteresseerd in de vraag waarom hij <0xC3><0xBC>berhaupt hierheen is gekomen; maar de broer van Gillian licht hem in. Uiteindelijk komt het allemaal goed in deze romantische satire waarin Gillian haar liefde voor Henderson bewijst door haar krachten te verliezen <0xE2><0x80><0x93> wat heksen overkomt als ze echt van een sterveling houden. Hij heeft haar natuurlijk nooit echt willen weerstaan. De film heeft een levendige dialoog, charme en een beetje magie in de demonische charme van de heksen en de kwellingen die Gillian moet ondergaan in haar strijd met zichzelf en om de man van wie ze houdt voor zich te winnen. Een mooi einde van deze prachtig gefotografeerde en ongebruikelijke romance maakt het verbazingwekkende realisme, hoewel een fantasie, naar mijn mening zo goed als compleet. Bedenkelijk verrukkelijk.

text_en: John Van Druten's "Bell, Book and Candle" is a delightful and unexpected fantasy about a coven of modern-day witches living in New York City; it was obviously an attractive movie property. It had a stellar part for Gillian Holroyd, for her erstwhile book publisher enforced-sweetheart, Shepherd Henderson and her madcap family and circle, including Shep's bewildered fiancée, the hateful Merle Kittredge, against whose chances with Shep Gillian begins her magical spell-casting. It even had Pyewacket, a Siamese cat-familiar with well-timed miaows, Sidney Redlitch, a fake witch expert with atrocious pretensions and bad manners. In short, it seemed to its producer, perhaps, box-office magic. And so it proved to be. So many things were right about its production, it only had one element not perfect; but I found the rest to be amusing, charming and very consistently-entertaining. To begin with, the screenplay by Daniel Taradash kept the best qualities of the fine theatrical play but opened out its scenes to include Greenwich Village and other areas of New York's scene. The technical production was beautiful, with cinematography by the legendary James Wong Howe, a fine score by George Duning, more-than-clever sets by Louis Diage and gowns by Jean Louis. In the attractive cast were Wolfe Barzell, Howard McNear, Janice Rule as Merle, Ernie Kovacs as Redlitch, Jack Lemmon as Gillia's mischievous brother, wonderful comediennes Elsa Lanchester and Hermione Gingold as fellow witches and lovely Kim Novak in one of her most touching parts as Gillian. Jimmy Stewart was the imperfect element in my judgment; he did well with the comedic portions of his part, but he was never convincing as a New York book publisher, and a bit too-old for the part of Henderson anyhow. But director Richard Quine used subtle lighting, pace changes, and unusually-composed shots to indicate the oddness of the witch portions of the film, keeping the other portions very luminous but straightforward in their presentation. The plot's main crisis in the film comes to pass when in reality Gillian falls for Henderson, who does not believe in witches at all. She started out merely to alienate him from his fiancée, her stuck-up college rival. Later, when Henderson tries to walk out, he keeps coming back to her--and realizes he is under a spell, as she has apologetically tried to explain to him. ..Meanwhile, Sidney Redlich has been summoned by witching spell to come to New York to sell his book to Henderson. Of course he knows nothing at all of magic, but is quite puzzled and interested to find out why he had come anywhere at all; but Gillian's brother enlightens him. All comes out right in the end in this romantic satire as Gillian proves her love to Henderson by losing her powers--which is what happens to witches when they truly love a mortal. Of course, he never really wanted to resist her anyhow. The film has sprightly dialogue, charm, and a little "magic" of its own in the fey charm of the witches and the torments Gillian must undergo in her battle with herself, and to win the man she loves. A lovely ending to this beautifully-photographed and unusual romance makes its amazing realism, though a fantasy, just about complete in my view. Memorably delightful.


text: Ik kan naar _B&C_ kijken en alle emoties voelen die ik voelde toen ik het voor het eerst zag toen ik 18 was <0xE2><0x80><0x93> nou ja, misschien wel allemaal, op één na. In elk geval heeft mevrouw K.Novak in bijna een halve eeuw niets van haar zijdezachte allure verloren. Ze was de Diana Dors van de denkende jeugd. Al die denkende jongeren die nu hun pensioen opstrijken, kunnen heel even het hart <0xE2><0x80><0x93> dat zich vastklampt, de kraag <0xE2><0x80><0x93> dat zich aanspant, het bloed <0xE2><0x80><0x93> dat pulseert <0xE2><0x80><0x93> weer terugkrijgen dat ze voelden toen ze recht in hun ogen keek in de tijd dat ze te horen kregen dat ze het nog nooit zo goed hadden gehad. Nu haasten ze zich, ineengedoken tegen de kou en bang om door een hoodie te worden overvallen, zo snel als hun reumatische knieën hen van de Video Shop kunnen dragen naar huis, betrekkelijk gelukkig in de zekere wetenschap dat ze binnen de driedubbele, betrekkelijke veiligheid van hun flat op de vierde verdieping, een klein stukje van hun verloren jeugd terug kunnen krijgen en misschien kunnen inzien dat liefde werkelijk eeuwig is. Deze film is juffrouw Novaks _Gouden Moment_. Ze greep hem gretig aan en gaf een voorstelling van ontzagwekkende wellust, gecombineerd met een hypnotiserend besef van haar eigen sekse <0xE2><0x80><0x93> aantrekkelijk, en ondanks dit alles overtuigt ze ons ervan dat haar personage een vreemde en bekoorlijke onschuld bezit. Stewart, die zich erbij neer lijkt te leggen dat hij haar de film moet geven. De dames E.Lanchester en H.Gingold brengen komische taferelen, samen met de heer E. Kovacs, wiens bijzondere talenten strikt verboden zijn. De heer J.Lemmon speelt de broer van juffrouw Novak. Hij is een beatnik, een soort die verdween zodra hij besefte dat zijn bestaan door de massa erkend werd. Een paar jaar later begonnen enkele van de meer harde beatniks zichzelf opnieuw uit te vinden als hippies. In 's Werelds mooiste vrouwen. Bemind door bioscoopbezoekers, genegeerd door critici, zal juffrouw Novak blijven boeien met die raadselachtige glimlach en al die tijd denken dat oude mannen de kracht hebben om op de afspeelknop van hun dvd's te drukken. Op een dag, waarschijnlijk als we allemaal weg zijn, zal ze worden ontdekt door een nieuwe generatie die <0xE2><0x80><0x93> te laat <0xE2><0x80><0x93> zal beseffen dat het heel goed mogelijk is dat een vrouw volledig gekleed en tegelijkertijd seksueel aantrekkelijk is.

text_en: I can watch B,B&C and feel all the emotions I felt when I first saw it at aged 18 well,maybe all but one.Certainly Miss K.Novak has lost none of her silky allure in nearly half a century.She was a thinking youth's Diana Dors.All those thinking youths now collecting their pensions can briefly regain the heart - clutching,collar - tightening,blood - pulsing ardour they felt when she gazed directly into their eyes back in the days when they were being told that they had never had it so good. Now,huddled up against the cold and fearful of being mugged by a Hoodie,they scuttle home as fast as their arthritic knees can carry them from the Video Shop,relatively happy in the certain knowledge that within the triple - locked comparative safety of their fourth - floor tower block flat they can regain just a small fragment of their lost youth and perhaps reflect that love truly is eternal. This movie is Miss Novak's Golden Moment.She seized it avidly and gave a performance of awesome voluptuousness combined with a hypnotic awareness of her own sex - appeal and,despite all this,she convinces us that her character possesses a strange and beguiling innocence. She completely dominates the amiable Mr J.Stewart who seems resigned to handing her the movie.Misses E.Lanchester and H.Gingold offer comic relief along with Mr E. Kovacs whose peculiar talents are strictly proscribed.Mr J.Lemmon plays Miss Novak's brother.He is a beatnik,a species that disappeared as soon as it realised that its existence was being acknowledged by the mainstream.Some of the more hardcore beats reinvented themselves as hippies a few years later.Certainly they had become figures of fun by 1958 and Mr Lemmon does not appear overly concerned with restraint in portraying one. But all else is mere frippery,Miss Novak - bathed in a particularly beautiful spectrum of Technicolor - is the sole raison - d'etre for "Bell,Book and Candle".It survives,its reputation enhanced,as the ultimate showcase for one of Hollywood's most beautiful women. Loved by moviegoers,ignored by critics,Miss Novak will continue to captivate with that enigmatic smile all the time thinking old men have the strength to push the "Play" buttons on their DVDs.One day,probably after we are all gone,she will be discovered by a new generation who will - belatedly - realise that it is quite possible for a woman to be fully - dressed and sexually attractive at the same time.


text: Gillian Holroyd (Kim Novak) is een heks. In het geheim voelt ze zich aangetrokken tot haar heel normale buurman Shep Henderson (James Stewart). Ze spreekt een betovering over Shep uit die hem dwingt zijn verloofde te dumpen en voor haar te vallen. Alles loopt gesmeerd tot Gillian ontdekt dat ze echt om deze sterfelijke man geeft. Ze besluit hem haar geheim te vertellen. Als je een film in gaat, verwacht je meestal het beste van het beste. De film is grappig, soms grappig, en op het eind ontroerend. Kim Novak en James Stewart doen hun best en hebben echt iets met elkaar. Novak (zoals anderen hebben opgemerkt) ziet er op een onderkoelde manier ongelooflijk uit. De bijrollen met Jack Lemmon, Hermione Gingold en Elsa Lanchester zijn vaak zo grappig dat iedereen erom moet lachen en ze stelen veel van de aandacht van Novak en Stewart. Het grootste probleem dat ik zie, is dat Bell Book and Candle niet goed kan beslissen wat voor film het moet worden. Is het een maffe komedie? Is het een romantische komedie? Is het een bovennatuurlijke komedie? Als regisseur Richard Quine zich aan één benadering had gehouden, zou de film misschien nog beter en gedenkwaardiger zijn geweest.

text_en:
Gillian Holroyd (Kim Novak) is a witch. Secretly, she's attracted to her quite normal neighbor Shep Henderson (James Stewart). She casts a spell on Shep that forces him to dump his fiancé and fall for her. Things are going along quite nicely until Gillian discovers she really cares for this mortal man. She decides to tell him her secret. But how will Shep react when he finds out that he was "tricked" into falling in love with Gillian?

As far as light-hearted 1950s comedies go, Bell Book and Candle is good, but nothing spectacular. It's an enjoyable enough watch and should appeal to almost anyone who sits down with it. Just don't go into the movie expecting the greatest thing since sliced bread. The movie's cute, funny at times, and touching in the end. Kim Novak and James Stewart do their best and have some real chemistry. Novak (as others have pointed out) looks quite incredible in an understated sort of way. The supporting cast with Jack Lemmon, Hermione Gingold, and Elsa Lanchester is often laugh-out-loud funny and steals a lot of the spotlight from Novak and Stewart. The biggest problem I see is that Bell Book and Candle can't quite decide what kind of movie it wants to be. Is it a screwball comedy? Is it a romantic comedy? Is it a supernatural comedy? Had director Richard Quine stuck with just one approach, the movie might have been even better and more memorable.


text:
Het is een milde, gemoedelijke komedie uit de jaren vijftig. Kim Novak behoort tot een heksenkring in Manhattan. Uit verveling betovert ze buurman Jimmy Stewart, maar uiteindelijk wordt ze verliefd op hem en verliest ze haar krachten. Want zie je, heksen mogen wel 'warm bloed' hebben, maar geen liefde. Elsa Lanchester is Novaks tante, ook een heks. Jack Lemmon is haar broer, idem dito. Hermione Gingold is de hoofdheks en Ernie Kovacks is Sidney Redlich, een schrijver die gespecialiseerd is in het schrijven over heksen.
Ik beschreef het als een komedie uit de jaren vijftig, omdat het nauwelijks voor iets anders kan worden aangezien. Alles is zo gladjes en gepolijst, van de decors, via de kleding en de plot, tot de uitvoeringen en de regie. Neem het personage van Ernie Kovacks. Hij wordt 'een zuiplap en een idioot' genoemd. En zo worden die eigenschappen in de film geïllustreerd. Hij vraagt om een tweede drankje, en hoewel hij net als de andere heren altijd een jasje en een das draagt, is zijn haar een beetje lang en zit het in de war. Dat is een strikte jarenvijftigversie van een zuiplap en een idioot. Alles is op zijn plaats; alles is netjes en vrij van stof. De zolen van Jimmy Stewarts schoenen zijn nauwelijks geschaafd.
En de Zodiac Club, waar de heksen rondhangen. Het heet 'een gribus'. Toch is het een schone, donkere plek met beleefde kelners, een vijftal muzikanten, keurig geklede klanten en potplanten tegen kale bakstenen muren. Dat is niet mijn idee of het jouwe van een 'lage duik' <0xE2><0x80><0x93> zelfs niet voor Greenwich Village in 1958. Mijn idee van een duik in Greenwich Village is Julius's of The White Horse Tavern of The San Remo of The Swing Rendezvous, een nu niet meer bestaande lesbische ontmoetingsplaats. Vergeleken daarmee is de Zodiac Club een hoge duik.
De kwezelachtigheid waar we altijd over horen, wordt door de normen van vandaag getemperd. Ik bedoel, Kim Novak is vreemd omdat ze op blote voeten door haar appartement rent. En ze draagt veel zwarte kleren, net als de Beatniks uit die tijd.
Maar dat doet er allemaal niet toe. Het is een aangename romantische komedie. Kim Novak is heel goed in de rol van Gillian, die een primitief kunstwinkeltje drijft voor de welgestelden. Ze heeft een vreemde schoonheid, log en tegelijkertijd etherisch. Ze glijdt eerder dan dat ze loopt, een spichtige verschijning. Haar wenkbrauwen lijken getekend met een stel plastic Franse rondingen. En Jimmy Stewart is heel goed in de rol van het verbijsterde en betoverde slachtoffer. In de jaren dertig speelde hij meestal een lichte rol. In de naoorlogse jaren en een groot deel van de jaren vijftig was hij de gekwelde hoofdpersoon, maar hier maakt hij goed gebruik van zijn vroegere ervaring met komedie. Wie kon de verleiding om te lachen weerstaan toen Hermione Gingold hem dwong een sjaal om te doen en een afschuwelijk brouwsel van verrotte vloeistof te drinken om hem van Novaks betovering te genezen? Het is goed om hem als een marionet te zien in plaats van de boze en verontwaardigde man van principes die hij dreigde te worden. Richard Quine regisseert de film rustig, zonder vuurwerk of special effects, en doet een paar interessante dingen die het stuk niet had kunnen hebben. Let op de scène waarin Novak Stewart betovert, wanneer het gezicht en de oren van de Siamese kat lijken te versmelten met Novaks opzienbarende ogen.
Ernie Kovacks in de jaren vijftig was een bekende televisiepersoonlijkheid. Er was nooit eerder zoiets geweest als _The Ernie Kovacks Show_ <0xE2><0x80><0x93> en erna ook niet. Het roept het woord'surrealisme' bij me op. Hij kon vijf minuten lang woordloze en onbeschrijflijke trucs opvoeren in een kale ruimte met alleen Bartóks _Barthélemy_. En hij maakte een onberispelijke schets met het personage van Percy Dovetail, een verwijfde dichter. De aftiteling slaat een beetje over op The Condoli Brothers, maar dat is niet zo erg, want die twee kerels <0xE2><0x80><0x93> Pete en Conte <0xE2><0x80><0x93> waren virtuoze trompettisten met een onafhankelijke carrière in jazzensembles. Conte was later lid van de band van Doc Severison in Johnny Carson's Late Show.
De derde akte is een beetje saai en wordt meer 'romantisch' dan 'komisch'. Maar saai is het nooit. De hele film verloopt even keurig als het stuk van Van Druten en de kinderen zullen er waarschijnlijk ook een kick van krijgen.

text_en:
It's a gentle, easy-going 1950s comedy. Kim Novak belongs to a coven of witches in Manhattan. She puts a spell on neighbor Jimmy Stewart out of boredom but eventually falls in love with him, losing her powers. See, witches are permitted to have "hot blood" but not love. Elsa Lanchester is Novak's aunt, also a witch. Jack Lemmon is her brother, ditto. Hermione Gingold is the chief witch, and Ernie Kovacks is Sidney Redlich, an author who specializes in writing about witches.

I described it as a 1950s comedy because it could hardly be mistaken for anything else. Everything is so smooth and polished, from the set decoration, through wardrobe and plot, to the performances and direction. Take the character of Ernie Kovacks. He's referred to as "a drunk and a nut." And here's how the movie demonstrates these traits. He asks for a second drink, and, though he always wears a jacket and tie like the other gentlemen, his hair is a bit long and tousled. That's a strictly 1950s version of a drunk and a nut. Nothing is out of place; everything is tidy and free of dust. The soles of Jimmy Stewart's shoes are barely scuffed.

And the Zodiac Club, where the witches hang out. It's called "a low dive." Yet it's a clean, dark place with polite waiters, a quintet of musicians, neatly dressed clientèle, and potted plants against bare brick walls. That is not my idea or yours of a "low dive" -- not even for Greenwich Village in 1958. My idea of a dive in Greenwich Village is Julius's or The White Horse Tavern or The San Remo or The Swing Rendezvous, a now defunct lesbian hangout. The Zodiac Club is a high dive compared to these.

The kookiness we always hear about is muted by today's standards. I mean, Kim Novak is odd because she runs around her apartment in her bare feet. And she wears a lot of black clothes like the Beatniks of the period did.

But never mind all that. It's an enjoyable romantic comedy. Kim Novak is effective as Gillian, who runs a primitive art shop for the uptrodden. She has a strange beauty, bulky and ethereal at the same time. She glides rather than walks, a wispy presence. Her eyebrows seem drawn with a set of plastic French curves. And Jimmy Stewart is quite good as the bewildered and bewitched victim. In the 1930s he usually played in light roles. In the postwar years and for much of the 1950s he was the tortured protagonist, but here he puts his early experience in comedy to good use. Who could resist laughing when Hermione Gingold forces him to wear a shawl and drink a hideous concoction of putrid fluid in order to cure him of Novak's spell? It's good to see him as a stooge instead of the angry and indignant man of principle he was in danger of becoming. Richard Quine directs the movie quietly, without fireworks or special effects, and does some interesting things that the play couldn't have had. Note the scene in which Novak casts the spell over Stewart, when the Siamese cat's face and ears seem to merge with Novak's startling eyes.

Ernie Kovacks in the 1950s was a well-known television personality. There was never anything quite like The Ernie Kovacks Show before -- or after. It brings the word "surrealism" to mind. He could stage five minutes worth of wordless and indescribable tricks in an unpopulated room with only Bartok's Concerto for Orchestra as background. And he did an unimpeachable sketch using the character of Percy Dovetail, an effete poet. The credits kind of skip over The Condoli Brothers but that's rather casual because these two guys -- Pete and Conte -- were virtuoso trumpeters with independent careers in jazz ensembles. Conte was later a member of Doc Severison's band on Johnny Carson's Late Show.

The third act kind of bogs down a little and becomes more "romantic" than "comedy". But it's never dull. The whole film rolls along as neatly as Van Druten's play and the kids will probably get a kick out of it too.


text:
Voor diegenen onder jullie die niet bekend zijn met Jimmy Stewart, dit is een van zijn'mindere' films van later in zijn carrière. En hoewel het geen geweldige film is in vergelijking met veel van zijn andere films, is hij niet slecht en een fatsoenlijke tijdspassering <0xE2><0x80><0x93> maar niet veel meer.
Kim Novak is een heks in New York City en om de een of andere onverklaarbare reden besluit ze die arme Jimmy te betoveren zodat hij verliefd op haar wordt. In de loop van de tijd begint de kille, afstandelijke mevrouw Novak ook verliefd te worden op Stewart <0xE2><0x80><0x93> en blijkbaar staat er in het reglement van de heks dat dit een absoluut NEE, NEE! is!
De film is vreemd in zijn gevoelens over de heksen. Ze zijn niet het soort mensen dat baby's opoffert en ook niet het almachtige soort. Het grootste deel van hun magie is vrij beperkt en zinloos (zoals Jack Lemmon die zijn krachten gebruikt om straatlantaarns uit te doen). En, heel vreemd, de heksen lijken allemaal bohémiens te zijn die in hippe bars rondhangen waar je mensen met baretten op tegenkomt die naar waardeloze jazz luisteren. Als je nagaat wat ik van jazz vind, moet het echt stinken om een heks te zijn in de wereld van deze film!
Hoe dan ook, de film is behoorlijk romantisch en een beetje komisch, maar niet iets wat ik snel zou gaan bekijken. De acteerprestaties zijn vrij goed, maar het script niet.' Ik had niet genoeg geld geboden om er een buitengewone film van te maken <0xE2><0x80><0x93> ik had zelfs bijna een 6 gescoord <0xE2><0x80><0x93> maar het scheelde niet veel.

text_en:
For those of you unfamiliar with Jimmy Stewart, this is one of his "lesser" films from later in his career. And, while it isn't a great film compared to many of his other pictures, it isn't bad and is a decent time-passer--but not much more.

Kim Novak is a witch in New York City and for some inexplicable reason, she decides to cast a spell on poor Jimmy to make him fall in love with her. Over time, the cold and detached Ms. Novak also begins to fall in love with Stewart--and apparently in the witch's rule book, this is a definite NO, NO!!

The film is odd in its sensibilities about the witches. They are neither the baby-sacrificing nor the all-powerful variety. Most of their magic is pretty limited and pointless (such as Jack Lemmon using his powers to turn off street lamps). And, very oddly, the witches all seem to be bohemians who hang out in hip bars where you might find people wearing berets and listening to crappy jazz. Considering what I think of jazz, it must really stink to be a witch in this movie's world!

Anyway, the film is pretty romantic and mildly comedic, but not something I would rush out to watch. The acting is pretty good, but the script doesn't offer enough payoff to make this an exceptional film--in fact, I almost scored the film a 6--it was really close.


text: Stewart (in zijn laatste rol als romantische hoofdrol) en Novak tillen Vertigo, Stewarts andere 'kerstfilm', naar een hoger niveau. De chemie tussen de twee sterren zorgt voor een tamelijk ontroerende ervaring en er kan nog meer uit de film worden opgemaakt als hekserij wordt gezien als een metafoor voor de persoonlijke pijn die veel relaties belemmert. Al met al een leuke afleiding met legendarische sterren, 7/10.

text_en: Vertigo co-stars Stewart (in his last turn as a romantic lead) and Novak elevate this, Stewart's other "Christmas movie," movie to above mid-level entertainment. The chemistry between the two stars makes for a fairly moving experience and further revelation can be gleaned from the movie if witchcraft is seen as a metaphor for the private pain that hampers many people's relationships. All in all, a nice diversion with legendary stars, 7/10.


text: Dit is het soort film dat, als hij vandaag gemaakt zou worden, waarschijnlijk Sandra Bullock en Hugh Grant als hoofdrollen zou hebben; nu ik erover nadenk, is het zelfs zo dat deze film op een dag waarschijnlijk opnieuw gemaakt zal worden. Het is een plezierige film, maar zonder enige diepgang. Hij lijdt onder de bijna fatale miscasting van James Stewart in een rol waar hij ongeveer twintig jaar te oud voor is, en als gevolg daarvan is er geen chemie tussen hem en de mooie Kim Novak. Ernie Kovacs, in de kleine bijrollen van een schrijver in spe, is de enige acteur in de film wiens optreden aansluit bij wat je zou kunnen noemen 'gevatheid'.

text_en: This is the kind of film that, if it were made today, it would probably star Sandra Bullock and Hugh Grant; actually, now that I think about it, this one is quite liable to be remade one day. It's pleasant, but with no depth whatsoever. It suffers from the almost fatal miscasting of James Stewart in a role he is about 20 years too old for, and as a result there is no chemistry between him and the beautiful Kim Novak. Ernie Kovacs, in the small supporting role of an aspiring writer, is the only actor in the film whose performance approaches what you might call "wit". (**1/2)


text: Kim Novak is een heks die op jacht is naar een sterfelijke minnaar, en James Stewart is haar keuze. Een sprankelende komedie van goede manieren, afkomstig van het toneel van Broadway; geregisseerd door James Wong Howe in Witch Color, en uitgevoerd door een uitmuntende cast. Ernie Kovacs is fantastisch als de eeuwig verfomfaaide schrijver Redlitch. Ik ben dol op deze film, hoewel weinig anderen dat schijnen te zijn. Alleen Kim maakt hem tot een van mijn favorieten. Ha! Mijn nie5-film van 1958.

text_en: Kim Novak's a witch on the prowl for a mortal lover, and James Stewart's her choice. Scintillating comedy of manners, from the Broadway stage; shot by James Wong Howe in Witch Color, and performed by a sterling cast. Ernie Kovacs is wonderful as the perpetually dishevelled writer Redlitch. I love this movie, though few others seem to. Kim alone makes it a winner in my Book. Ha! My #5 film of 1958.


text: Dit onmogelijke verhaal gaat over een vrouwelijke heks die achter een sterfelijke man aan zit, in een sterfelijke wereld. Haar 'gemeenschap' bestaat uit leden, maar ze verbergt haar hekserij voor de stervelingen. Hmmm... dit begint me bekend in de oren te klinken. LOL. Het is niet echt een film. Door de zeer 'kak'-uitvoeringen van Jack Lemmon en Ernie Kovacs wordt het niet saai. Kim Novak is altijd een genot op het witte doek, maar ik vond het ongewoon dat ze een relatie had met James Stewart (maar niet fataal voor het verhaal).<br />Met hernieuwde belangstelling voor alles wat hekserig en duister is, verdient deze film het om ontdekt en opnieuw ontdekt te worden door oud en nieuw publiek... HET IS NOG STEEDS EEN SCHUIL!

text_en:
This impossible tale is of a female witch pursuing a mortal man, in a mortal world. Her "community" is open among it's members, but she conceals her witchcraft from the mortals. Hmmmm...this is starting to sound familiar. LOL. It's not your typical movie. Very "campy" performances by Jack Lemmon and Ernie Kovacs keep things from getting dull. Kim Novak is always a pleasure on screen, but I found her pairing with James Stewart unusual (but not fatal to the story).

With re-newed interest in all things witchy and dark, this film deserves to be discovered and re-discovered by old and new audiences...... IT'S STILL A HOOT !


text: dit is een eerlijke poging om een betoverend lieflijk liefdesverhaal te schrijven. de voor de hand liggende inspiratie achter de succesvolle tv-serie 'Bewitched', deze verrukkelijke, lieflijkeromcom is een tijdloze schat. de vergelijkingen zijn duidelijk. jimmy stewart speelt een ongelukkige maar onverstoorbare'straight'. kim novac speelt een voluptueuze blonde heks die hem te pakken krijgt door middel van een liefdesbezwering. maar wanneer die bezwering wordt verbroken door een sterkere heks, stelt ze zich tevreden met het runnen van haar eigen winkel en put ze troost uit het feit dat haar geliefde pyewacket (haar katachtige familiaar) wordt verzorgd door haar geliefde tante. je zult de tante herkennen uit 'Moord door de Dood'. Deze film is leuk en aandoenlijk lief, met wat spectaculaire humor en een prettig heksengevoel.

text_en: this is an honest attempt to make a bewitchingly sweet love story. the obvious inspiration behind the successful TV series "Bewitched," this lovely sweet rom-com is a timeless treasure. the comparisons are obvious. jimmy stewart plays a hapless but stolid "straight." kim novac plays a voluptuous blond witch who captures him through the use of a love spell. but when that spell is broken by a stronger witch, she contents herself with the duties of running her own shop and takes comfort in the fact that her beloved pyewacket (her feline familiar) is being cared for by her beloved aunt. you'll recognize the aunt from "Murder by Death." this movie is fun and touchingly sweet, bearing some spectacular wit and a nice witchy feel. worth a look.


text: Bell Book and Candle werd in december 1958 uitgebracht en heeft rollen voor James Stewart, Kim Novak, Jack Lemmon en Ernie Kovaks. In deze film speelden James Stewart en Kim Novak hun tweede paar (na de klassieker _Vertigo_ van Alfred Hitchcock, die eerder dat jaar was uitgebracht). Dit was Stewarts laatste romantische film, aangezien hij te oud werd geacht om nog zo'n rol te spelen. De film gaat over een heks die gespeeld wordt door Kim Novak, die zich aangetrokken voelt tot een sterveling die gespeeld wordt door James Stewart. Ze betovert hem en hij wordt tot over zijn oren verliefd op haar. Ik heb genoten van de film en de cast. Deze film was in die tijd een matig succes en werd genomineerd voor een Golden Globe voor de beste filmkomedie.

text_en: Bell Book and Candle was released in December 1958 and features James Stewart, Kim Novak, Jack Lemmon. and Ernie Kovaks. This film had James Stewart and Kim Novak in their second on-screen pairing (after the Alfred Hitchcock classic Vertigo, released earlier the same year). This was Stewart's last film as a romantic lead as he was deemed too old at age 50 to play that sort of part anymore. The movie is about a witch played by Kim Novak who is attracted to a mortal played by James Stewart. She puts a spell on him and he falls head over heels in love with her. I enjoyed the movie and its cast. This movie at the time was a moderate success which was nominated for a Golden Globe for best Movie Comedy. GimmeClassics


text:
De tv-serie Bewitched uit 1960 dankt zijn idee aan deze film. Dit is de film die Jimmy Stewart & Kim Novak maakten vlak nadat ze samen gecast waren in _Vertigo_ van Alfred Hitchcock. Deze film is niet zo obsessief als die, maar Novak is net zo fascinerend.
Dit was de tiende film van Jack Lemmon en hij is hier net zo goed als Ernie Kovacs. De film heeft veel goede kanten. Hermine Gingold is heel goed in deze film, bijna net zo goed als ze in _The Music Man_ was. De cast is heel solide.
Deze film heeft een eind jaren vijftig' s New York City voelt aan als een kat die net zo betoverend is als welke kat dan ook in welke film ook. Het is de moeite waard om naar te kijken want het is een liefdesverhaal met alle emoties van welke film dan ook, en nog een beetje magie ook.
Het is geen _Vertigo_, maar ik denk omdat het op die film volgde, vonden de kijkers hem toen niet zo goed als hij verdiende <0xE2><0x80><0x93> ik ben blij dat William Asher hem heeft gezien, zodat de serie van 1960 ontstond. Ik ben niet zo blij met wat Will Ferrell er op het witte doek mee deed, deze film is veel beter dan dat.

text_en:
The 1960's TV series Bewitched owes it's idea from this movie. This is the movie that Jimmy Stewart & Kim Novak made right after they were cast together in Vertigo by Alfred Hitchcock. This one is not as obsessive as that one but Novak is just as captivating.

This was Jack Lemmons 10th movie and he is good in support here as well as Ernie Kovacs. The movie has a lot of good things about it. Hermine Gingold is very good in this movie, almost as good in support here as she was in The Music Man. The cast is very solid.

This movie has a late 1950's New York City feel & a cat that is as hexing as any feline in any movie. It is well worth watching as it is a love story with all the emotion of any, & a little magic too boot.

It is not Vertigo but I think because it followed that movie, viewers then did not rate it as good as it deserved - sure am glad that William Asher saw it, so that the 1960's series got created. I am not so glad about what Will Ferrell did to it on the big screen, this movie is much better than that.


text: Een aantal sponsors heeft het leeftijdsverschil tussen Stewart en Novak genoemd. Zij was 25 en hij was 50 toen deze film werd uitgebracht. Ik denk dat het verschil er voor een spannend drama als _Vertigo_ niet toe deed, maar voor een romantische komedie wel. We kunnen gemakkelijk begrijpen, dat wil zeggen, waarom zijn personage zich tot het hare aangetrokken zou voelen, maar het is minder duidelijk waarom het hare zich tot het zijne aangetrokken zou voelen.<br />Toch werkt de film als een lichte romantische fantasie. De scène waarin ze hem over het hoofd van de kat aanstaart, met haar donkere, opgeverfde wenkbrauwen die omhoogschieten en het geluid van haar neuriën en het spinnen van de kat, is ware magie. Het is daarom een beetje schokkend dat het tafereel zich verplaatst naar de top van het Flatiron Building, en we zien het leeftijdsverschil heel scherp. Als hij haar omhelst, steekt ze haar hand uit om met haar vingers door zijn haar te strijken, maar ze stopt met die beweging en strijkt alleen even met haar vingertoppen langs zijn toupet.

text_en:
A number of contributors have mentioned the age difference between Stewart and Novak. She was 25 and he was 50 when this movie was released. I think that the difference didn't matter for a suspense drama like Vertigo, but it does matter for a romantic comedy. We can easily understand, that is, why his character would be attracted to hers, but it's less clear why hers would be attracted to his.

Still, the movie works as a light romantic fantasy. The scene where she stares at him across the cat's head, with her dark painted-on eyebrows flaring and the sounds of her humming and the cat purring, is true magic. It's a little jarring, therefore, when the scene shifts to the top of the Flatiron Building, and we see the age difference very sharply. As he embraces her, she reaches up to run her fingers through his hair, but stops that motion and just brushes her fingertips lightly against his toupee.


text: Ik vond het echt leuk om naar die film over de Delany-zusjes te kijken. Ik kende ze wel, maar dat was alles. Deze film heeft me de ogen geopend voor hun bravoure en moed. Wat een stel. Wat een opofferingen hebben ze zich getroost om het leven op hun eigen voorwaarden te leven. Dit is niet alleen een film voor Afro-Amerikanen, maar voor alle Amerikanen. Het is een soort geschiedenisles en een documentaire in één, gecombineerd met een onderhoudende filmbiografie. Het acteerwerk was uitstekend en we krijgen echt een glimp te zien van de ontberingen die deze twee zusjes jarenlang hebben doorstaan. Beide zusjes zijn heel verschillend van elkaar. Ze komen uit een heel liefdevol en streng gezin met hoge, misschien zelfs onmogelijke maatstaven van perfectie. Het is triest om te zien hoe Sadies vader weigerde zijn dochter haar vriendje te laten zien vanwege een mogelijk misverstand. Ik kan deze film van harte aanbevelen en ik ben blij dat ik hem laatst op televisie heb gezien.

text_en: I really enjoyed watching this movie about the Delany sisters. I knew of them, but that was all. This movie opened my eyes to their bravado and courage. What a pair. What sacrifices they made to live life on their own terms. This is not only a movie for African Americans, but for all Americans. It is sort of a history lesson and a documentary rolled into one and combined with an entertaining movie biography. The acting was superior by all included and we really do get a glimpse of the hardships these two sisters went through for many years. Both sisters are quite different from each other. They came from a very loving and very strict family with high, maybe even impossible standards of perfection. It is sad to see how Sadie's father refused to allow his daughter to continue to see her boyfriend due to a possible misunderstanding. I thoroughly recommend this movie and I am glad I caught it on television the other day.


text: De autobiografie waarop deze film is gebaseerd, is een van de meest hartverscheurende boeken die ik ooit heb gelezen. Het vertelt de verbazingwekkende verhalen van twee zussen, die allebei tot ver in hun zeventigste vol toewijding en respect als lerares en tandarts hebben gewerkt, en daarna nog 30 jaar met waardigheid hebben geleefd. Ruby Dee steelt de film met haar perfect genuanceerde optreden als de opstandige 'zwarte' Bessie, de tandarts. Ze drukt niet alleen haar woede, angst en wijsheid goed uit; ze laat je met behulp van zuinige woorden precies weten waar ze vandaan komen. Diahnn Carroll heeft het gevoel van de oudere zus, de lerares, perfect neer te zetten, maar ik ben bang dat ze me nooit laat geloven dat ze ouder is dan 100. Het maakt niet uit <0xE2><0x80><0x93> de verhalen zijn de moeite van het vertellen meer dan waard. Amy Madigan is een beetje te extreem en opdringerig in de rol van de Kaukasische verslaggeefster van de _NY Times_ in de eerste helft van de film, die overdonderd en onzeker overkomt. Ook dat is slechts een kleine afleiding. De verhalen, die allemaal waar zijn, vormen de aantrekkingskracht, en hoewel er twee of drie licht beschadigd raken in de vertaling, redden de meeste het prima.<br />Ik beveel dit boek aan als essentiële lectuur voor alle mensen aan wie ik welk boek dan ook zou aanbevelen. Ik kan niet anders dan deze tv-film in die ijle lucht aanbevelen, maar hij geeft voldoende van de sfeer weer om op zichzelf zeer de moeite waard te zijn.

text_en:
The autobiography on which this movie is based remains one of the most heart-rending books I have ever read. It tells the amazing stories of two sisters, both who earned devotion and respect working well into their 70's as a teacher and a dentist, then lived another 30 years with dignity. Ruby Dee steals the film with her perfectly nuanced performance as the rebellious "blacker" Bessie, the dentist. She not only expresses her anger, angst, and wisdom well; she lets you know exactly where they've come from using an economy of words. Diahnn Carroll has the feel of the older sister, the teacher, down perfectly, but I'm afraid she never makes me believe that she's over 100. No matter -- the stories are well worth telling. Amy Madigan is a bit too extreme and intrusive in acting overwhelmed and insecure in the first half of the movie as the Caucasian NY Times reporter. This, too, is only a minor distraction. The stories, all true, are the attraction and although two or three get slightly damaged in the translation, most of them make it through just fine.

I recommend the book as essential reading to all people I recommend any books to. I cannot quite but this TV-movie in that rarefied air, but it certainly captures enough of the flavor to be highly worthwhile in its own right.


text: Een krachtige versie van het bestsellerboek en het spectaculaire Broadway-stuk over het leven van Bessie en Sadie Delany, twee 'gekleurde' zussen die ouder waren dan honderd jaar. Ze worden op hun oude dag prachtig vertolkt door respectievelijk Ruby Dee en Diahann Carroll, en vertellen hun verhaal in flashbacks aan Amy Hill Hearth (gespeeld door Amy Madigan), een blanke journaliste van de New York Times. De flashbacks en de scènes uit het heden hebben niet zoveel inspiratie als in het boek, maar ze zijn wel krachtig. Bepaalde aspecten van het leven van de zussen, zoals de interraciale achtergrond van hun moeder en de redenen achter de strenge persoonlijkheid van hun vader, komen echter niet duidelijk naar voren. Je moet het boek lezen om deze dingen volledig te kunnen begrijpen. En dat is maar goed ook, want het boek is net zo goed! Afgezien van die tekortkomingen is het prachtig geschreven en uitgevoerd, vooral door Dee en Carroll, en het is een heel krachtige en leerzame film.

text_en: A powerful adaptation of the best-selling book and the smash Broadway play about the lives of Bessie and Sadie Delany, two "colored" sisters who lived past the age of 100. Wonderfully played in their old age by Ruby Dee and Diahann Carroll, respectively, they tell their story in flashbacks to Amy Hill Hearth (played by Amy Madigan), a white New York Times reporter. The flashback and present-day scenes don't have as much inspirational value in them as in the book, but really are powerful. However, certain aspects of the sisters' lives, such as the inter-racial background of their mother and the reasons behind their father's stern personality are not presented clearly. You need to read the book to fully understand these things. Which is just as well, because the book's just as great! Aside from those flaws, it's wonderfully done and performed, especially by Dee and Carroll, and a very powerful and educational movie.


text: Een prachtige filmversie van het bestseller- en Broadway-stuk over het leven van Sadie en Bessie Delany, twee Afro-Amerikaanse zussen die allebei boven de honderd waren en hun verhaal vertelden over het feit dat ze getuige waren geweest van een eeuw Amerikaanse geschiedenis. Ruby Dee en Diahann Carroll spelen respectievelijk Bessie en Sadie heel goed. Amy Madigan is ook goed als Amy Hill Hearth, de blanke verslaggeefster van de New York Times die met haar artikel over de zussen het boek heeft gelanceerd, enz. Veel van de flashbackscènes en zelfs veel van de huidige scènes zijn heel krachtig, al zijn ze niet zo inspirerend als in het boek. Dat is het enige echte nadeel, in combinatie met het feit dat bepaalde aspecten van het verhaal niet duidelijk worden weergegeven, zoals de interraciale achtergrond van de moeder van de zussen en de reden waarom hun vader zo streng was. Maar afgezien daarvan is het een zeer goed gemaakte, uitstekend uitgevoerde, krachtige film.

text_en: A wonderful film version of the best-selling book and smash Broadway play about the lives of Sadie and Bessie Delany, two African-American sisters who both lived over the age of 100 and told their story of witnessing a century of American history. Ruby Dee and Diahann Carroll give very good performances as Bessie and Sadie, respectively. Amy Madigan also is good as Amy Hill Hearth, the white New York Times reporter whose article about the sisters launched the book, etc. Many of the flashback scenes and even many of the present-day ones are very powerful, if not quite as inspirational as in the book. That is the only real drawback, combined with the fact that certain aspects of the story are not presented clearly, such as the inter-racial background of the sisters' mother and why their father was so stern. But other than that, a very well-done, excellently performed, powerful movie.


text:
Dit was een mooi voorbeeld van hoe je een interessante film kunt maken zonder grote sterren en grote effecten. Vertel gewoon een waargebeurd verhaal over de strijd van twee Afro-Amerikaanse vrouwen in een turbulente eeuw.
Deze film daagt ons allemaal uit om naar onze persoonlijke vooroordelen te kijken en te zien dat mensen mensen zijn, geen blanken, zwarten enz.
Goede film met een goede boodschap.

text_en:
This was a fine example of how an interesting film can be made without using big stars and big effects. Just tell a true story about the struggles of two African American women over a turbulent century.

This movie challenges us all to look at our own personal prejudices and see that people are people, not white, black, etc.

Good movie with a good message.


text: Na _Beau travail_ wachtte iedereen op het vervolg van het meesterwerk van Claire Denis, maar dat kwam niet. Nu wel. Denis maakt een kwantumsprong in deze film, een orgie van prachtige cinematografie, elliptische montage en opzettelijk obscuur vertelde gebeurtenissen die vreemd aanvoelen en nog vreemder overkomen. Er is een nominaal plot (voor een deel ontleend aan het boek van Jean-Luc Nancy met dezelfde naam) over een volwassen man die een harttransplantatie nodig heeft en die op zoek is naar een zoon uit Tahiti die hij lang geleden in de steek heeft gelaten; maar het is vooral een verkenning van het idee van inbreuken op persoonlijke en culturele waarden. Er zijn een paar bezichtigingen voor nodig om het volledig te begrijpen, en het heeft 'Ik heb het dit jaar gezien. Je loopt het gevaar het te missen.'

text_en: After "Beau travail", everybody was waiting for Claire Denis to make a follow-up masterpiece that never arrived. Now it has. Denis makes a quantum leap in this film, an orgy of gorgeous cinematography, elliptical editing and willfully obscure narrative events that feels strange and acts even stranger. There's a nominal plot (derived partly from the Jean-Luc Nancy book of the same name) about a mature man in need of a heart transplant and who seeks a Tahitian son he abandoned long ago; but mostly it's an exploration of the idea of intrusions personal and cultural. It takes a couple of viewings to fully comprehend, and has pacing problems close to the end, but it's still more advanced and gripping than anything else I've seen this year. Miss it at your peril.


text:
'The Intruder (L'Intrus)' is een visuele pelgrimstocht door een mysterieus leven.
De gegroefde Michel Subor speelt 'Louis Trebor' als Jason Bourne als een oude man met een verborgen verleden, die om begrijpelijke paranoïde redenen eenvoudigweg in een geïsoleerde hut in het bos woont (maar mooie jonge vrouwen aantrekt die nuttig voor hem kunnen zijn). We leren meer over hem door dromen, flashbacks en een reis die zich chronologisch of niet kan ontvouwen, en door zijn bruuske interacties met familie, geliefden, zakenrelaties en een opvallende nemesis. Net als 'The Limey' resoneert de film met spijt van ouders en kinderen en een verdacht verleden dat onthuld wordt door fragmenten uit een oude film met dezelfde acteur als een jongeman (hier: Paul Gégauffs avonturenfilm Le Reflux uit 1965). We maken kennis met zijn zoon Sidney (Grégoire Colin) die de meest sexy huisvader van de wereld moet zijn, want hij repareert lief en verleidelijk het huis en zorgt voor een baby, een peuter en alle andere dingen die een werkende vrouw nodig heeft. Als er ooit een les voor andere filmmakers is geweest bij het filmen van het voorspel, dan is het wel dat hij de fantasie van een vrouw moet zijn geweest. Er is nog een langere scène waarin hij zijn vader in het bos opzoekt terwijl hij zijn engelachtige baby in een draagzak bij zich heeft. Hij is alles wat zijn vader niet is en heeft elke relatie die zijn vader niet aankan; geen wonder dat hij denkt dat zijn vader 'gek' is. De rest van de film was ik bang dat hem iets ergs zou overkomen, want de ware aard van het hart van zijn vervreemde vader wordt heel geleidelijk voor onze ogen afgespeeld.
De film is een raadsel, maar Subor is meedogenloos fascinerend als we hem door landen zien trekken en over snode transacties zien onderhandelen, en de voice-over van Denis' _Beau Travail_ was sowieso irritant. We moeten aan de hand van de skylines en de incidentele reclameborden vaststellen dat hij naar Genève, Korea en de Stille Zuidzee reist. De tijdsduur wordt aangegeven door de wisselende seizoenen en door littekens die worden gecreëerd en genezen. Er zijn veel beelden van water om te reinigen en om afstand te nemen. Denis, die gefascineerd is door de overgang van kolonialisme naar globalisering, heeft elementen verwerkt uit het werk van Robert Louis Stevenson, Paul Gauguin en Marlon Brando over de idyllische idylle op Tahiti en een veertig pagina's tellende memoire van de Franse filosoof Jean-Luc Nancy, de laatste voor de titel en het plot voor de harttransplantatie, met een ironisch thema van beperkte onsterfelijkheid, dat wel gevolgen heeft.
Terwijl 'Louis' denkt dat hij boven grenzen, regels en zeden is uitgekomen, is er enige hilariteit in de laatste akte, waarin de plaatselijke bevolking niet goed weet wat ze met hem aan moet en hem probeert te helpen zijn donquichotachtige odyssee op te lossen, ook al ligt hij weer in afzondering. Verschillende mensen in het publiek gingen gefrustreerd weg met de elliptische, maar opvallend mooie, vertelmethode. Het onconventionele verhaal roept veel vragen op over details.

text_en:
"The Intruder (L'Intrus)" is a visual pilgrimage through a mysterious life.

Grizzled Michel Subor plays "Louis Trebor" like Jason Bourne as an old man with a hidden past, living simply in an isolated hut in the woods for justifiably paranoid reasons (but attracting pretty young women who can be useful to him). We learn more about him through dreams, flashbacks and a journey that may unfold chronologically or not, as well as through his brusque interactions with family, lovers, business associates and a striking nemesis. Like "The Limey," the film resonates with parent/child regrets and a suspicious past revealed through clips from an old film with the same actor as a young man (here Paul Gégauff's 1965 adventure film "Le Reflux").

In a complete contrast of moods, we meet his son Sidney (Grégoire Colin) who has to be the sexiest house husband in the world, as he sweetly and seductively does household repairs and cares for a baby, a toddler and every need of his working wife. Surely director/co-writer Claire Denis must have created him as a woman's fantasy if ever there was one and a lesson to other filmmakers on filming foreplay. There's an additional extended scene where he seeks his father in the woods while carefully carrying his angelic baby in a pouch. He is everything his father is not and has every relationship his father is incapable of sustaining; no wonder he thinks his father is "a lunatic." I spent the rest of the film in dread that something bad would happen to him as the true nature of the heart of his alienated father is very gradually played out before our eyes.

The film is a puzzle, but Subor is ruthlessly fascinating as we watch him traverse countries and negotiate nefarious deals, and the voice-over narration for Denis's "Beau Travail" was annoying anyway. We have to figure out from skylines and incidental signage that he is traveling to Geneva, Korea and the South Pacific. Time passing is indicated by the seasons changing and scars being created and healing. There are lots of images of water for cleansing and for distancing.

Continuing her fascination with the morphing of colonialism into globalization, as well as playing a bit on stereotypes of the Mysterious Orient and Russian criminals, Denis has incorporated elements from Robert Louis Stevenson, Paul Gauguin and Marlon Brando's Tahiti idylls and a 40-page memoir by French philosopher Jean-Luc Nancy, the last for the title and heart-transplant plot used for an ironic theme of limited immortality which does have consequences.

While "Louis" thinks he's succeeded in being above boundaries, rules and morals, there is some amusement in the last act as the locals don't quite know what to do with him and try to help him solve his quixotic odyssey, even as he again lies in isolation.

Several people in the audience left in frustration at the elliptical, but strikingly beautiful, story telling method. The unconventional narrative does raise a lot of plot questions on details.


text: Twee dingen achtervolgen je in L'intrus (De Indringer): wie is de indringer en ben je naar een film of een droom aan het kijken? Het einde is zo schokkend dat je even niet weet wat je met die vragen aan moet. De indringer duikt op als verschillende personages, verschillende mannen in verschillende omstandigheden die niet in het verhaal thuishoren, dus worden ze eruit gelicht, vriendelijk of wreed, maar vaak zonder emotionele betrokkenheid. De hoofdfiguur, Louis, is een verachtelijke man. Hij heeft ruwe manieren, een of andere gemene baan en geen hart. Hij heeft er een nodig en gaat erachteraan. Hij laat een hart transplanteren en besluit daarna een nieuw leven te beginnen. Kan deze man slagen in zijn zoektocht naar verlossing? Zo'n vent kan je bij het minste of geringste de keel afsnijden. Dat weet je, maar Claire Denis moedigt je niet aan om over hem te oordelen. Af en toe is er een jonge Russische vrouw <0xE2><0x80><0x93> een mooi meisje dat ergens tussen hemel en aarde lijkt te wonen <0xE2><0x80><0x93> die wel over hem oordeelt. Ze straft hem misschien zelfs. Maar Denis niet. Daar heb je het personage dat gespeeld wordt door Beatrice Dalle, die niets met hem te maken wil hebben: 'Raak me niet aan,' zegt ze. Maar Denis laat die man zichzelf zijn, filmt hem in zijn egocentrische zoektocht. Een indringer, je weet wel waarom, min of meer, en sommige scènes komen met hun volle betekenis weer bij je boven. Maar was het een film of een droom?

text_en: Two things haunt you throughout L'intrus (The Intruder): who's the intruder and is it a movie or a dream you're watching? The ending is so shocking that for a while you're at a loss for an answer to either of those questions. The intruder pops up as different characters, different men in different circumstances who don't belong in the scene, so they're expelled from it, kindly or brutally, but often without emotional involvement. The main character, Louis, is a contemptible man. He's got rough ways, some mean job and no heart. He needs one and goes after it. He has a heart transplanted and afterwards decides to start a new life. Can this man succeed in his quest for redemption? A guy like that could cut your throat at the drop of a hat. You know it but Claire Denis doesn't encourage you to judge him. Occasionally, there's a young Russian woman -a beautiful girl who seems to inhabit someplace between heaven and earth - who does judge him. She may even punish him. But not Denis. There's the character played by Beatrice Dalle who wants no business with him: don't touch me, she says. But Denis lets this man be himself, films him in his self-absorbed quest. I don't know if what she films is the heart or the mind but it isn't the traditional plot basics. Whatever she films, you get it in the end. You know who's "the" intruder, you know why, more or less, and some scenes come back to your mind with their full meaning. But was it a movie or a dream?


text:
Claire Denis heeft herhaaldelijk aangetoond dat een film geen verhaal hoeft te vertellen, dat het voldoende is om een ervaring te creëren die de kijker in staat stelt de ingrediënten te nemen en ervan te maken wat hij wil.
Ogenschijnlijk is het idee binnen het kader van een uiterst niet-lineaire film de oudere man die aan de Frans-Zwitserse grens woont, een man die veel om zijn honden geeft, die nog steeds een minnares heeft, maar wiens hartkwaal zijn leven steeds meer bedreigt. Hij heeft een zoon met een klein gezin die hem zelden ziet, maar als hij ontdekt dat hij een harttransplantatie nodig heeft, kiest hij ervoor om via Japan naar Tahiti te gaan om op de zwarte markt een harttransplantatie te krijgen en een lang verloren gegane relatie met een zoon die hij jaren geleden bij een Tahitiaanse vrouw had verwekt nieuw leven in te blazen.
Wat Denis met deze samenvatting van een verhaal doet, is haar camera gebruiken om de eenzaamheid van de ziel te verkennen, de uitgestrektheid van de natuur, de interactie van de mens met mensen versus dieren, enzovoort. Meestal slaat de 'film' nergens op, maar dat komt omdat we te veel ons best doen om alle stippen die in prachtige foto's voor ons liggen met elkaar in verband te brengen. Zo is het leven nu eenmaal: we kijken, zien, observeren, integreren, verwerken en maken ervan wat we willen.
Door deze vorm van filmmaken te gebruiken (zoals ze ook deed in de vreemd mooie 'Beau Travail') heeft Claire Denis een signatuurtechniek ontwikkeld. Of de kijker het eindproduct bevredigend vindt of niet, heeft veel te maken met onze individuele methoden om visuele en conceptuele informatie te verwerken. Dit is een interessante en visueel boeiende film, maar veel kijkers zullen het een veel te lange verhandeling over heel weinig vinden. Misschien zal dat veranderen als ze hem nog eens gaan zien.

text_en:
Claire Denis has demonstrated repeatedly that film does not need to tell a story, that it is sufficient to create an experience that allows the viewer to take the ingredients and make of them what they will.

Ostensibly the idea within the framework of a most non-linear film is the older man living on the French-Swiss border, a man devoted to his dogs, who still has a lover, but whose cardiac status increasingly threatens his life. He has a son with a little family who infrequently meet with him, but when he discovers he is in need of a heart transplant he opts for going to Tahiti via Japan to obtain a heart transplant on the black market and to rekindle a long lost relationship with a son he had form a Tahitian women years ago.

What Denis does with this outline of a story is use her camera to explore the loneliness of the soul, the vastness of nature, man's interaction with people vs animals, etc. Much of the time the 'film' doesn't make sense, but that is because we try too hard to connect all the dots laid out before us in beautiful pictures. Life is sort of like that: we look, see, observe, integrate, process, and make of it what we will.

In using this form of film making (much as she did in the strangely beautiful 'Beau Travail') Claire Denis has developed a signature technique. Whether or not the viewer finds the finished product rewarding has much to do with our individual methods of processing visual and conceptual information. This is an interesting and visually captivating film, but many viewers will find it an overly long discourse about very little. Perhaps watching again will change that. Grady Harp


text: De film is visueel niet verbluffend in de conventionele betekenis van het woord. Hij biedt geen reeks mooie plaatjes. In plaats daarvan is het een visueel interessante film. Hij dwingt de kijker voortdurend te verwerken of zich misschien de context van de verschillende shots voor te stellen. Dit soort dingen is gemakkelijk te proberen, maar moeilijk om te slagen. De film weigert de steun van een genre te gebruiken om de minder dan volledig betrokken kijker te helpen te krijgen wat er aan de hand is. In plaats daarvan gaat de film verder en doorkruist een aantal verschillende genres. De truc om van de film te houden is om van deze speelsheid te kunnen genieten. Ik vermoed dat 99 procent van de Noord-Amerikaanse kijkers dat gewoon niet zal snappen. Als je probeert het verhaal van deze film te achterhalen, of de filosofische boodschap, of de symbolische structuur, dan verspil je je tijd. Die zijn er niet. De film doet af en toe een uitval naar deze genres en andere. De enige verbindende kracht in de film is Claire Denis' eigen gevoel voor wat bij elkaar past. Er zijn zo weinig lange speelfilms die Kants beschrijving van wat kunst is enigszins bevredigen, namelijk het genieten van de macht van het oordeel zelf in plaats van het simpelweg onderbrengen van ervaringen in concepten. Film neemt meestal de gemakkelijke weg en kiest voor het eenvoudiger genoegen van het begrijpen van wat er gebeurt. De meeste films zijn geen kunst. De meeste films komen niet in de buurt van kunst. Als een film dat doet, zoals deze, en nog steeds een groot aantal kijkers weet te boeien, is het een soort wonder. Mijn negatieve commentaar is dat ik de film soms te simplistisch vind omspringen met de verschillende verhaallijnen die erdoorheen lopen. Het vader-en-zoonverhaal van Tahiti, ook al is het niet bepaald conventioneel, maakt uiteindelijk alles een beetje helder en simpel. Het overheerst te veel.

text_en: The film is not visually stunning in the conventional sense. It doesn't present a series of pretty pictures. Instead it is a visually interesting film. It forces the viewer to constantly process or perhaps imagine the context of the various shots. This sort of thing is easy to try but hard to succeed at. The film refuses to use the crutch of a genre to help the less than fully engaged viewer get what's going on. Instead the film touches on and moves through a number of different genres. The trick to loving the film is being able to enjoy this playfulness. I suspect 99% of North American viewers will just not get it. If you try to pin down the narrative of this film, or the philosophical message, or the symbolist structure, etc. you will waste your time. There are none of these. The film only feints towards these genres and others at times. The only unifying force in the film is Claire Denis's own sense of what fits together. There are so few feature length films that come close to satisfying Kant's description of what art is, namely the enjoyment of the power of judgment itself instead of simply subsuming experiences under concepts. Film usually takes the easy way out and opts for the simpler pleasure of understanding what's happening. Most film is not art. Most film doesn't come close to art. When a film does, as this one does, and is still enjoyable by a large range of viewers, it's something of a miracle. My on negative comment is that at times I find the film too simplistically buying in to the various narrative threads that run through it. The Tahiti father-son narrative, even though it's not exactly conventional, ends up making things a little to clear and simple. It dominates too much.


text:
The Intruder (L'Intrus), een film onder regie van de Franse regisseur Clair Denis, is de bevrijding van de film. De film volgt zijn eigen geest over tijd, ruimte en karakter. Misschien zit er een plot in, maar dat heb ik opgemaakt uit de beschrijving op de dvd-hoes. Eerlijk gezegd is het beter om niets over de film te weten voordat je hem bekijkt, want dan kan de kijker alle verwachtingen opzijzetten. De film eist dat de kijker nadenkt, maar tart ook het feit dat hij of zij het niet ten volle zal begrijpen.
Het menselijk hart is het raadsel van de film. Elk beeld stelt vragen over zijn rol, zijn aard en zijn vorm. Het hart is de indringer, die van de kijker en die van Louis. Louis' personage wordt gespeeld door Michel Subor met de rust en het mysterie die een dergelijk personage nodig heeft. Echt, iedereen zou Louis' personage kunnen spelen, als hij of zij een zwervend, gewillig en prettig hart had. Maar Subor is degene die hier wordt getoond; hij wordt de film, zijn identiteit is er onlosmakelijk mee verbonden. Veel beelden van de film die in mijn hoofd blijven hangen, draaien om zijn gezichtsuitdrukkingen, vocaal maar voornamelijk fysiek.
De Intruder is poëtisch in zijn vermogen om de stilte en volheid van beweging te vangen, maar vloeiender dan welke literatuur ook in de vorm die hij weigert aan te nemen. Het is een meer passende term. Niets in de film bestaat buiten de mogelijkheden van de werkelijkheid; de eenvoudige, alomtegenwoordige grammofoonplaat bevestigt dat door zich in muziek het verband te verbeelden tussen hartslag en schemerlicht.
Kijk een paar keer naar de trailer als je je aangetrokken voelt tot visuele beelden; kijk naar de film om de gevolgen te zien van de combinatie van versregels en een greep naar de vrijheid.

text_en:
The Intruder (L'Intrus), a film directed by French director Clair Denis, is the liberation of film. It follows its own spirit across time, space, and character. There may be a plot, but what I understood of that I picked up from the description on the Netflix DVD sleeve. Honestly, it's probably better to know nothing about the film before watching it, because then the viewer can set aside any and all expectations. The film demands that the viewer think, but also taunts the fact that he or she will not gain full understanding.

The human heart is the film's enigma. Every image questions its role, its nature, and its form. The heart is the intruder, that of the viewer and that of Louis. Louis' character is played by Michel Subor with the peace and mystery required by such a character. Honestly, anyone could've played Louis' character, if he or she possessed a wandering, willing, and comfortable heart. Yet Subor is the one featured here; he becomes the film, his identity is inseparable from it. Many of the film's images lingering in my mind revolve around his expressions, vocal but mainly physical.

The Intruder is poetic in its ability to capture the stillness and fullness of movement, but more fluid than any literature in the shape it refuses to take. "Surrealistic" has been a term used in describing this film, but perhaps "quasirealistic" is a more adequate term. Nothing in the film exists outside of the possibilities of reality; the simple omnipresent score confirms that by imagining in music the connection between heartbeat and dim light.

Watch the trailer a few times if you're attracted to visual imagery; see the film to see the consequences of the combination of verse and a grasping for freedom.


text:
Mijn mening hierover, op ons plaatselijke festival, waar de mensen me zo vaak zagen dat ze me een betere bron vonden dan ik in werkelijkheid was geweest, begon met een hoofdschudden: 'Nou, ik kan de plot niet samenvatten, maar het is een werkelijk voortreffelijke karakterstudie van een buitengewoon angstaanjagende man.' Toen kwam ik, lichtelijk gegeneerd, iemand tegen die werkelijk wist wat er gebeurd was, dat wil zeggen, van wie Trebor zonder het te weten zijn nieuwe hart krijgt. Het was mijn laatste film geweest in een lange, lange dag halverwege het festival. Misschien was ik ingedommeld. Hoe beter een film is, hoe groter de kans dat hij dagdromen opwekt waardoor ik echt ga dromen. Ik weet het niet. Henry kronkelt pijnlijk net buiten mijn bereik terwijl de dingen ten einde lopen. En hij wist dat het met het hart te maken had, vandaar de in stilte hilarische zoekactie naar talent. Mijn opmerking over het zoekgeraakte plot had meer te maken met de details van Trebors connecties in Frankrijk, zijn relatie met de hondenvrouw enzovoort, dingen waar ik klaarwakker voor was geweest. Denis kijkt nauwelijks naar details die de behandeling van een andere regisseur hadden kunnen verankeren.
Maar ik schrijf die dingen te vaak uit mijn hoofd op, vooral festivalfilms, films waarvan ik de dvd niet bij de hand heb (Le Lait de la tendresse humaine is een van de vele voorbeelden), en plotkronkels vervagen veel sneller dan bredere indrukken. Inrus in mijn herinnering is meer dan al het andere een karakterstudie van een soort donkere superman, een superduivel die zich niet verbergt in genre of historisch vertoon, maar actief en geloofwaardig, met een betrekkelijk zachte stem, gedreven maar geduldig, recht onder ons. Het litteken, als hij het eenmaal heeft, maakt hem, alleen visueel, bedoel ik, in beeld, een soort hybride Frankenstein-monster, krankzinnige dokter en schepping in één. De echte dokters zijn zijn werktuigen. Als hij het hart niet zelf verwijdert en plaatst, is dat alleen omdat het niet mogelijk is. 's ons, de Eerste Wereld versus de Derde, lijkt te simpel omdat hij zich niet minder voedt met zijn mede-Eerste-Wereldbewoners, met ons allemaal.
Denis' cameraoog <0xE2><0x80><0x93> als het naar dingen kijkt die ik ken <0xE2><0x80><0x93> gaat meestal waar het mijne zou gaan, dus ik heb de neiging haar te vertrouwen als ze naar dingen kijkt die ik niet ken. Sneeuwwandelingen, te snel fietsen, en bosduister heb ik in kleine dingen gekend, maar de Stille Zuidzee helemaal niet, dus ik kon beter in L'Intrus terechtkomen, zowel in Frankrijk als op de kristalheldere eilanden van de aftiteling, dan in Beau Travail. L'Intrus is voor mij een zeer comfortabele, ongemakkelijke film. Het is een reeks plaatsen die vertrouwd zijn geportretteerd, met een intimiteit die ons in staat stelt ze te kennen, of we dat nu willen of niet. De werkelijkheid of niet. Een enkel beeld, Trebor die fietst, zijn enorme gewicht op het dunne raceframe, de geluiden van ingedamde lucht en gierende banden, het asfaltlint, de donker-in-heldere-zon-groenblijvende bomen, dat alles maakte me duidelijk dat de film lineair zou zijn, een reis over de weg, één enkele, door wilskracht in gang gezette stoot.
Ondanks Trebors persoonlijke kracht is hij een menselijke mislukkeling. Met wie hij ook is, hij is altijd alleen, hoewel hij dat kennelijk niet altijd is geweest. Zijn lichaam kapt het leven twee keer af, eerst omdat hij een nieuw hart nodig heeft, dan ondanks dat. L'Intrus is een tragedie. Trebor is overmoed.
Ik navigeer gevaarlijk langs de draad van wat ik me herinner. Laten we het daar maar bij laten.

text_en:
My take on this, at our local festival where people would see me so often they thought me a better source than I may actually have been, began with a head shake: "Well, I can't summarize the plot, but it's a really superb character study of an extremely scary man." Then, slight embarrassment, I ran into someone who actually knew what had gone down, that is, from whom Trebor unwittingly gets his new heart. It'd been my last film in a long, long day halfway through the festival. Maybe I'd dozed. The better a film is the more likely it triggers daydreams that send me really dreaming. Don't know. Did know there was an O'Henry twist achingly just beyond my ken as things finished. And knew it had to do with the heart, hence the quietly hilarious talent search. My plot-loss remark had more to do with intricacies of Trebor's connections in France, his relation to the dog woman and so on, stuff I'd been wide awake for. Denis barely glances at details that might have anchored another director's treatment.

But I write these things too often from memory, especially festival films, films whose DVD I don't have at hand (Le Lait de la tendresse humaine is one of many examples.), and plot kinks fade much more quickly than broader impressions. Still, or already, L'Inrus in my memory is beyond all else a character study of a sort of dark-side superman, a super fiend not ensconced in genre or historical trappings but active and plausible, relatively soft-spoken, driven but patient, right among us. The scar, once he attains it, makes him, just visually I mean, in image, a sort of hybrid Frankenstein monster, mad doctor and creation all in one. The actual doctors are his tools. If he doesn't extract and install the heart himself, it's only because it's not possible. He's the force, always, the parasite consuming everyone he touches and finally himself. What else is he? To suggest that he's us, the First World versus the Third, seems too simple since he feeds no less on his fellow First Worlders, on all of us.

Denis's camera's eye - when it looks at things I know - goes usually where mine would, so I tend to trust her when she looks at things I don't know. Snow trekking, too-fast bicycling, and forest darkness I've known in small ways, but the South Seas not at all, so I made better entry into L'Intrus, both France and the crystalline isles of its finish, than into Beau Travail. L'Intrus is, for me, a very comfortable discomforting film. It's a sequence of places portrayed familiarly, with a intimacy that allows us to know them whether we've seen the reality or not. A single image, Trebor cycling, his massive weight on the thin racing frame, the sounds of violated air and shrieking tires, the asphalt ribbon, the dark-in-bright-sun evergreens, cued me that the film would be linear, a road trip, a single will-driven thrust.

Despite Trebor's personal power, he's a human failure. No matter who he's with, he's alone, though apparently he hasn't always been. His body aborts life twice, first to need the new heart, then despite it. L'Intrus is tragedy. Trebor is hubris.

I'm navigating perilously the thread of what I remember. Let's leave it at that.


text: Ten eerste vond ik het centrale idee van het lokaliseren van de 'indringers', Anderen in het fragiele Zelf, op verschillende niveaus, voornamelijk onderbewust, maar soms meer allegorisch. In feite zijn de indringers in de hele film alomtegenwoordig: in de Zwitsers-Franse grens waar de toeschouwer een afgezonderd leven leidt; in zijn steeds terugkerende dagdromen en nachtmerries; in zijn ziekelijke lichaam na harttransplantatie... In de laatste helft van de film wordt hij zelf een indringer, die terugkeert in een oude Franse kolonie in de hoop boete te doen voor het verleden.<br />De algehele toon is eerder bitter dan pathetisch, vol spijt en schuldgevoelens, waarbij het gevoel van mislukking min of meer overheerst. Dit is een nogal grimmig beeld van een oude dag, ogenschijnlijk afhankelijk van zichzelf, maar hopeloos leeg en eenzaam van binnen. De regisseur stelt de beelden samen meer om voorbijgaande gevoelens van angst en verlangen over te brengen dan om er een expliciete betekenis aan te geven. Sommige beelden zijn hypnotiserend, maar niet gespeend van humor, een soort absurd spel dat alleen een slaapwandelaar zich kan voorstellen.

text_en:
First of all, I liked very much the central idea of locating the '' intruders'', Others in the fragile Self, on various levels - mainly subconscious but sometimes more allegorical. In fact the intruders are omnipresent throughout the film : in the Swiss-French border where the pretagonist leads secluded life; in the his recurring daydream and nightmare; inside his ailing body after heart transplantation.... In the last half of the film, he becomes intruder himself, returning in ancient french colony in the hope of atoning for the past.

The overall tone is bitter rather than pathetic, full of regrets and guilts, sense of failure being more or less dominant. This is a quite grim picture of an old age, ostensibly self-dependent but hopelessly void and lonely inside. The directer composes the images more to convey passing sensations of anxiety and desire than any explicit meanings. Some of them are mesmerizing, not devoid of humor though, kind of absurdist play only somnambulist can visualize.


text:
Films als Chocolat, Beau Travail en andere hebben de Franse regisseur Claire Denis tot de top van de meest unieke en getalenteerde filmmakers ter wereld gemaakt, en haar film The Intruder (L'Intrus) (2004) voegt iets toe aan haar portfolio. Het is een filmisch gedicht dat een gevoel van blijvende eenzaamheid en verlies uitdrukt, en de film geeft een kijkje in de psyche van een man die fysiek en geestelijk achteruitgaat en die naar verschillende delen van de wereld reist op zoek naar verlossing en vrede, maar het moeilijk vindt om daar te komen. De Intruder is zo'n ondoordringbare film als de memoires van een harttransplantatie, dat het zelfs na twee keer kijken moeilijk is om hem in andere dan subjectieve, impressionistische termen te beschrijven.
Louis Trebor (Michael Subor) is een man van in de zeventig die waarschijnlijk stervende is aan een hartkwaal en die, net als de professor in Ingmar Bergmans Wilde aardbeien, probeert de fouten uit zijn leven te verwerken zolang hij de tijd heeft. Het is duidelijk dat hij fysiek sterk is en heel rijk, maar hij lijkt emotioneel uitgeput en op zijn gezicht ligt een uitdrukking van stille berusting. Hoewel we maar één geweldsscène zien, waarin hij midden in de nacht uit bed komt om een indringer te doden, heeft hij een sinistere uitstraling. Hij zou een inlichtingenagent, een buitenlandse agent of een huurmoordenaar kunnen zijn.
Hoe het ook zij, hij wordt kennelijk op de een of andere manier in de gaten gehouden en gedraagt zich als een man die betrokken is geweest bij misdadige praktijken en nu pas in staat is de gevolgen te zien. Gezichten in close-ups door de hele film geven een sterk gevoel van isolement. Hij woont met zijn honden in een hut in de Jurabergen bij de Frans-Zwitserse grens en heeft een zoon van wie hij vervreemd is, Sidney (Gregoire Collin) die hij al heel lang verwaarloosd heeft. Sidney woont in de buurt met zijn vrouw Antoinette (Florence Loiret-Caille) en hun twee kinderen. In één veelzeggende scène komt hij zijn vader op straat tegen en noemt hem een idioot, maar dat weerhoudt hem er niet van zijn geld aan te nemen.
Als de film begint, ontmoeten we Antoinette, een Zwitserse grenswacht, die in een busje stapt met een getrainde hond om wat smokkelwaar op te sporen. Als ze thuiskomt, wordt ze begroet door haar man, die haar met een grijns vraagt of ze 'iets te melden heeft'. Afgezien van deze drie personen kunnen de mensen en omstandigheden die we in de rest van de film zien alleen in Louis' verbeelding bestaan. Louis heeft drie vrouwen in zijn leven en we ontmoeten ze allemaal in het eerste halfuur van de film: een apotheker (Bambou) die zijn medicijnen klaarmaakt, een buurvrouw (Béatrice Dalle) die honden fokt en weigert voor zijn honden te zorgen als hij op reis gaat en tegen hem zegt dat ze net zo gek zijn als hij, en een jonge Russische orgaanhandelaarster (Katia Goloebeva) die hij vertelt dat hij 'het hart van een jonge man' wil.
Meedogenloos stalkt ze hem de hele film door, maar kennelijk alleen in zijn hoofd. In het laatste deel van de film reist Louis naar Zuid-Korea, op zoek naar een harttransplantatie, en naar Tahiti om een andere zoon een geschenk te brengen, een zoon die hij al vele jaren niet meer heeft gezien, of misschien wel nooit heeft gezien. Zijn harttransplantatie lijkt echter een metafoor te zijn voor een man zonder hart, een man wiens leven fascinerend was, maar uiteindelijk doelloos, die met weinig echte empathie het leven van andere mensen binnendrong. De Intruder bevat een meeslepende gitaarsoundtrack van Stuart Staples van de band Tindersticks, die doet denken aan de gitaarriff in Dead Man van Jim Jarmusch, en een schitterende filmografie van Denis Agnes Godard.
Godard creëert gedenkwaardige beelden die een stemming van verlangen en spijt overbrengen: een hart dat alleen in de sneeuw klopt, een baby in een draagdoek die ruim twee minuten naar zijn vader opkijkt, de uitdrukking van de baby die geleidelijk van somber in een halve glimlach verandert, gekleurde serpentines die uit een pas gedoopt schip worden geblazen, een massage in een donkere kamer door een mysterieuze Koreaanse masseuse, en de uitgestrekte oceaan gezien vanaf een deinend dek van een schip. Hoewel The Intruder frustrerend kan zijn vanwege zijn elliptische aard, dwingt Denis ons om vanuit onze eigen ervaring te reageren, om de beelden op het scherm op een zeer persoonlijk niveau te begrijpen. Als er een thema in het spel is, is er misschien een aanwijzing te vinden in de opening die ons vertelt wat stukje bij beetje in de film wordt onthuld <0xE2><0x80><0x93> 'je ergste vijanden houden zich schuil in de schaduw, in je hart.'

text_en:
Films such as Chocolat, Beau Travail, and others have propelled French director Claire Denis into the top echelon of the world's most unique and accomplished filmmakers and her 2004 film The Intruder (L'Intrus) adds to the depth of her portfolio. A cinematic poem that conveys a mood of abiding loneliness and loss, the film provides a glimpse into the psyche of a man who is deteriorating physically and mentally and who travels to various parts of the globe seeking redemption and peace but finds it hard to come by. Loosely based on Jean-Luc Nancy's memoir of a heart transplant, The Intruder is a film of such unrelenting opaqueness that even after two viewings it is difficult to describe it in other than subjective, impressionistic terms.

Louis Trebor (Michael Subor) is a man in his seventies who is likely dying of a heart condition and who, like the professor in Ingmar Bergman's Wild Strawberries, attempts to come to terms with the mistakes of his life while he has time. It is clear that he is physically rugged and very wealthy but seems emotionally drained and the look on his face is one of quiet resignation. Though we see only one episode of violence, where he gets out of bed in the middle of night to kill an intruder, there is a sinister sense about him. He might be an intelligence officer, a foreign agent, or a hit man.

Whatever the case, he apparently is under some kind of surveillance and acts like a man that has been involved in criminal wrongdoing and is only now able to see the consequences. Facial close-ups throughout the movie create a strong sense of isolation. He lives with his dogs in a cabin in the Jura Mountains near the French-Swiss border and has an estranged son Sidney (Gregoire Collin) whom he has long neglected. Sidney lives nearby with his wife Antoinette (Florence Loiret-Caille) and their two children. In one telling scene, he meets up with his father on the street and calls him a lunatic, but that does not prevent him from taking his money.

When the film opens, we meet Antoinette, a Swiss border guard, who boards a van with a trained dog to sniff out some contraband. When she comes home, she is greeted by her husband who asks her with tongue-in-cheek if she has "anything to declare?" Other than these three individuals, the people and circumstances we see during the rest of the film may exist only in Louis' imagination. Louis has three women in his life and we meet them all in the film's first half hour: a pharmacist (Bambou) who prepares his medication, a neighbor (Béatrice Dalle) who is a dog breeder who refuses to care for his dogs when he goes away on a trip telling him that they are as crazy as he is, and a young Russian organ dealer (Katia Golubeva) who he tells he wants a "young man's heart".

Relentlessly, she stalks him throughout the film but it is apparently only in his mind. In the last section of the film, Louis travels to South Korea in search of a heart transplant and to Tahiti to deliver a gift to a different son, one whom he has not seen for many years or perhaps has never seen. His heart transplant, however, appears to be a metaphor for a man without a heart, a man whose life has been fascinating but ultimately directionless, intruding into other people's lives with little real empathy. The Intruder contains a haunting guitar soundtrack by Stuart Staples of the band Tindersticks, reminiscent of the guitar riff in Jim Jarmusch's Dead Man, and gorgeous cinematography by Denis regular Agnes Godard.

Godard creates memorable images that convey a mood of longing and regret: a heart beating alone in the snow, an infant in a sling looking up at his father for a good two minutes, the baby's expression gradually turning from morose to a half smile, colored streamers blowing from a newly christened ship, a massage in a dark room by a mysterious Korean masseuse, and the vast expanse of ocean seen from a bobbing ship deck. While The Intruder can be frustrating because of its elliptical nature, Denis forces us to respond out of our own experience, to understand the images on the screen on a very personal level. If there is any theme, a hint might be found in the opening that tells us what is revealed piecemeal in the film - "your worst enemies are hiding, in the shadow, in your heart."


text: Clair Denis keert opnieuw terug naar haar thema van de van elkaar vervreemde vaders, mannen die hun eigen gelukzaligheid op een vastberaden manier volgen, zonder acht te slaan op de emotionele tol die hun gezin van hen eist, maar terwijl Nénette en Boni uit de vorige film in een nauwe wereld van Marseille leven, leidt ons onderzoek naar Louis Trebor in The Intruder ons van een afgelegen locatie langs de Frans-Zwitserse grens naar de andere kant van de wereld, naar Korea en Tahiti. Opnieuw begint de film midden in de stroom, met Louis, die in de zestig is, die met een zwak hart moet leren omgaan terwijl hij probeert een hoge conditie te behouden. We komen te weten dat Louis niet onbekend is met geweld, aangezien zijn hut de locatie is voor smokkelen en er regelmatig wordt geschoten. Louis slaapt met een groot mes onder zijn kussen en geweren in de buurt. Denis heeft geen haast om verder te gaan met de actie, en we moeten ons begrip van Louis geduldig opbouwen uit zijn dagelijkse activiteiten en de paar mensen met wie hij omgaat langs de grens, waaronder een zoon, Sidney (Grégoire Colin, bijna onherkenbaar met lang haar en een vlassig snorretje) die hem afwijst als een 'gek', getoond als een toegewijde vader van twee kinderen. Er zijn veel korte scènes die, hoewel ze schijnbaar niets met elkaar te maken hebben, een indruk van Louis en zijn milieu opbouwen. Het camerawerk van mevrouw Godard is hier opwekkend. We zijn gewend aan korte scènes in Denis' film die onverklaarbaar zijn: Nénette schrijlings op Boni zittend terwijl ze hem met een lepel voedt; een autorit nadat Boni's vader is doodgeschoten en dan heel kort een beeld van Boni met een schotwond in het hoofd; een scène van Louis in een mortuarium met een lijk met het litteken van een transplantatie, maar met het lichaam van Sidney. De implicatie van de laatste twee is een afwijzing, echt of ingebeeld, door een vader, die iets ondefinieerbaars in een zoon doodt.

text_en: Clair Denis again revisits her theme of estranged fathers, men who follow their own bliss in determined fashion, heedless of the emotion toll on their family but while Nénette and Boni from the earlier film live in a narrow world of Marseilles, our examination of Louis Trebor in The Intruder takes us from a remote location along the French-Swiss border to half way around the world, to Korea and Tahiti. Again the film begins in mid stream, with Louis, in his sixties, coping with an ailing heart while attempting to maintain a high level of fitness. We learn that Louis is no stranger to violence as his cabin is the location for smuggling and gunfire a regular occurrence. Louis sleeps with a large knife under his pillow with rifles nearby. Denis is in no hurry to move the action along, and we must patiently build our understanding of Louis from his daily activities and the few people he deals with along the frontier including a son, Sidney (Grégoire Colin, almost unrecognizable with long hair and a wisp of a mustache) who rejects him as a "lunatic":, shown as a dedicated father of two. There are many brief scenes which, while seemingly unrelated, build up an impression of Louis and his milieu. Ms Godard's camera work is exhilarating here. The controlling metaphor is Louis's heart transplant for which he goes to Korea and then to Tahiti to search for another son, not found, and where Louis's new heart rejects him just as Sidney rejected the old. We are accustomed to brief scenes in Denis's film which are inexplicable: Nénette astride Boni feeding with a spoon; a drive by shooting of Boni's father and then the briefest of images of Boni with a gunshot wound in the head; a scene of Louis in a morgue with a cadaver with the scar of a transplant but the body of Sidney. The implication, of the last two, is a rejection, real or imagined, by a father, kills something indefinable in a son.


text: Ik denk niet dat er behalve Terrence Malick en misschien Tran Anh Hung iemand op een zuiverder niveau filmt dan Claire Denis. Dat gezegd hebbende, ik ben niet zo dol op haar nieuwste film als op haar meesterwerk uit 2001, 'Trouble Every Day' (hoewel het er dicht bij in de buurt komt), dat op zich al een van mijn absolute lievelingsfilms is. Dat komt alleen omdat het verhaal hier misschien een beetje te elliptisch is voor zijn eigen bestwil. Begrijp me niet verkeerd, het feit dat deze film nauwelijks een plot heeft, is eigenlijk een van de beste dingen eraan, maar ik denk dat Denis het een graadje erger heeft gemaakt dan nodig was en dat de film daardoor flirt met de onbegrijpelijkheid, en een paar belangrijke plotpunten hadden op de een of andere manier opgehelderd moeten worden (zoals dat de hoofdpersoon naar Zuid-Korea gaat om zijn hart te laten transplanteren, in plaats van hem daar plotseling te laten zien zonder enige uitleg over waar hij is of waarom hij daar is). Ook leken sommige andere personages overbodig en alsof ze een excuus waren voor Denis om weer eens acteurs te gebruiken die ze leuk vindt (Beatrice Dalle's rol in _Beatrice Dalle_ ) Het personage van Claire Denis in het bijzonder leidt een beetje af, omdat je blijft verwachten dat ze een of andere betekenis zal hebben). Toch is de film ongelooflijk boeiend en de cinematografie is meer dan geweldig. Het is op zijn eigen manier beslist een meesterwerk. Minstens zo goed als Denis' meer geprezen _Beau travail_, zo niet beter. Claire Denis moet op dit moment mijn favoriete Franse regisseur zijn, beter zelfs dan Leos Carax. Ik moet ook toegeven dat de Zuid-Koreaanse reeks _Lost in Translation_ echt beter is dan de film zelf (en ik ben, in tegenstelling tot sommige anderen, ook een enorme fan van die film).

text_en: I don't think anyone besides Terrence Malick and maybe Tran Anh Hung makes cinema on a purer level than Claire Denis. That said, I don't love this, her newest film, quite as much as her 2001 masterpiece "Trouble Every Day" (although it comes very close), which itself is one of my absolute favorite films. It it only because the narrative here is possibly slightly too elliptical for it's own good. Don't get me wrong, the fact that this film barely has a plot at all is really one of the best things about it, but I think Denis took it about one degree farther than it needed to go and consequently the film does flirt with incomprehensibility, and a few key plot points should have been clarified somehow (like that the main character goes to South Korea to get his heart transplant, instead of just showing him there all of a sudden without any explanation of where he is or why he is there). Also some of the other characters seemed unnecessary and as if they were just excuses for Denis to use actors she likes yet again (Beatrice Dalle's character in particular is a little distracting because you keep expecting that she is going to have some significance). Still, the film is incredibly absorbing and the cinematography is beyond amazing. It is definitely very much a masterpiece in it's own way. At least as good as Denis' more highly-acclaimed "Beau travail", if not better. Claire Denis has to be my favorite French director at this point, better than Leos Carax even. Also I have to admit that the South Korean sequence really does do "Lost in Translation" better than that film itself does (and I, unlike some, am a huge fan of that film as well).


text:
Deze film is voor sommigen van ons die in de eerste naoorlogse jaren van de twintigste eeuw zijn geboren (en vooral als je tussen 1946 en 1953 bent geboren en het heerlijk vond om de zaterdagmiddagen in je buurtbioscoop door te brengen) van bijna generatiebepalend belang. En de herinnering eraan is je waarschijnlijk bijgebleven. De stijl is het product van een kort en op de een of andere manier glorieus opwindend moment in onze jeugd.
De film had een modern, ruimtelijk verhaal voor het publiek van deze tijd. Het decor was een willekeurige stad met een supermarkt en een bioscoop die op vrijdagnacht vol zou zitten voor een filmvoorstelling. Het heeft hete hangijzers en opstandige jeugd, maar in het 'waarom kan'. In plaats van de gestoorde, theatrale rebel-zonder-schuld-manier lieten ze ons lol maken. Alle personages <0xE2><0x80><0x93> tieners, ouders, de oude man, de dokter, de verpleegster, de monteur, de jongen, de puppy, zelfs de politie <0xE2><0x80><0x93> waren voor ons sympathiek. We konden met hen allemaal meevoelen.
Het verhaal had een uitzonderlijk afschrikwekkend monster. Het eerste slachtoffer hoort kreunen: 'Het doet pijn... het doet pijn', en wij waren overtuigd en bang. De dreiging blijft door het hele verhaal heen hangen. Er zijn intense periodes van spanning, kleurrijke effecten, een fantastische rol van McQueen, en momenten van humor, zowel bedoeld als niet bedoeld. Het verhaal had zelfs een bijna overdreven droevig gedeelte, waardoor de gevoeligsten onder ons bijna in tranen uitbarstten. Ik zag het in de zomer, toen ik een jaar of 9 was, en er stond een dubbelreclame op met 'I Married A Monster From Outer Space', en ik was zo opgetogen over die dubbele reclame dat ik nog een paar keer terugging voordat hij wegging. Iedereen die ik kende, zag het. Iedereen die ik kende, vond het prachtig.

text_en:
This movie is of almost generation-defining importance to some of us born in the early post-war years in that (and especially if you were born between 1946 and 1953 and loved spending Saturday afternoons at your neighborhood movie house) you almost certainly saw it. And the memory of seeing it has probably stayed with you. It's style is the stuff of a brief and somehow gloriously exciting moment in our growing up days.

It had a modern, space-age storyboard for the audiences of it's time. The set was any town with a supermarket and a movie theater that would be packed for a Friday midnight show. It has hot rods and rebellious youth, but in the 'why can't they let us have fun' way rather than the disturbed, histrionic rebel-without-a-cause way. All characters were identifiable to us - teens, parents, the old man, the doctor, the nurse, the mechanic, the boy, the puppy, even the cops - were sympathetic to us. We could relate to them all

It had a singularly horrifying monster. It's first victim is heard moaning 'it hurts.....it hurts' and we were convinced and frightened. The menace grows continually throughout the story. There are intense periods of suspense, colourful effects, a fabulous lead in McQueen, and moments of humour, both intended and not. It even had an almost over-the-top sad part to make the more sensitive of us feel like crying.

I saw it in summer, age 9 or so, double billed with 'I Married A Monster From Outer Space', and was so thrilled by the experience of this particular double feature that I went back a couple more times before it left. Everyone I knew saw it. Everyone I knew loved it.


text: Deze film is geweldig. Wat hem onderscheidt van andere science-fictionfilms uit de jaren vijftig is het feit dat het buitenaardse wezen geen gelaatstrekken heeft, geen gezicht, ogen, wat dan ook, maar dat het toch niet gedood kan worden. Ik vind het vooral een leuk idee dat deze film niet over een paar dagen plaatsvindt, maar in één nacht, zogenaamd tot na middernacht. Het is ook eng dat als de klodder eenmaal op je zit, je hem er niet meer af kunt krijgen, dat je erin blijft zitten terwijl hij je vlees oplost en langzaam je lichaam verslindt. Mijn allerliefste science-fictionfilm uit de jaren vijftig, en wat soms wordt beschouwd als de essentie ervan. Ik begrijp waarom dit Steve McQueen tot een ster heeft gemaakt. Dit alles en een pakkend themanummer! Hoe kun je nou fout gaan?

text_en: This movie is wonderful. What separates it from other 50's sci-fi is the fact that the alien has no features, no face, eyes, anything, yet it can't be killed. I especially like the idea that this film doesn't take place over a few days, it takes place in one night, lasting supposedly past midnight.It's also scary that once the blob gets on you, you can't get it off. you're stuck in it, as it dissolves your flesh and slowly devours your body. My all time favorite 50's sci-fi film, and what is sometimes considered the quintessential one. I can see why this rocketed Steve McQueen to stardom. All this and a catchy theme song! How can you go wrong?


text: De Blob is een klassieke sciencefictionfilm uit de jaren vijftig. Je kent het verhaal waarschijnlijk wel: twee tieners (Steve McQueen & Aneta Corsaut) zien een meteoriet op de grond vallen, en als ze ernaar op zoek gaan, lopen ze een oude man tegen het lijf met een of andere vreemde... klodder op zijn arm. Ze brengen hem naar de dokter en gaan dan kijken wat er is gebeurd. Vanaf dat moment verspreidt de klodder zich en vreet iedereen op die hij op zijn weg vindt. De special effects zijn flauw, net als het verhaal. Er zijn veel leuke details, zoals de agent die op de radio zit te schaken met een agent in een ander district. Het is geen meesterwerk, maar het heeft een speciaal plekje in zijn genre. Steve McQueen is heel goed.

text_en: The Blob is a classic 1950s B-movie sci-fi flick. You probably know the story: two teens (Steve McQueen & Aneta Corsaut) see a meteorite hit the ground, and when they go to look for it, they run into an old man with some weird...blob attached to his arm. They take him to the doctor's office, and then go to find out what happened. From there, the blob spreads, eating everyone in its path. The special effects are cheesy fun, as is the story. There are a lot of great touches, like the cop who plays chess over the radio with a cop in another district. It's no masterpiece, but it has a special place in its genre. Steve McQueen is very good. 8/10.