text:
Deze film blijft boeien en beweegt, zelfs in 2008 nog voor een publiek dat slechts bekend is met moderne, overdadig geproduceerde geluidstechnieken en computergeavanceerde technieken.
De ervaring van de bioscoopbezoeker in 1922 die dit alleen met anderen op hun grote scherm kon zien, moet werkelijk diepzinnig zijn geweest en een door en door bevredigende ervaring.
Je moet je afvragen of een tegenwoordige filmer een stomme film van twee uur zou kunnen maken die interessant is en die dezelfde structuur, hetzelfde tempo en dezelfde balans heeft als deze film. Een stomme film maken was pure kunst, hij moest de aandacht vasthouden door zijn structuur, richting en acteerwerk <0xE2><0x80><0x93> er was geen ruimte voor meer woorden of door de computer gegenereerde afleiding. Een slecht gemaakte of oninteressante stomme film is niet om naar te kijken.
Deze film moet in een context worden geplaatst voor degenen die verontrust zouden kunnen raken door het noemen van christelijke thema's. Dit is geen 'christelijke' film, hij verkoopt niets. Deze thema's samen met de huidige morele maatstaven komen in dit tijdperk vaak voor <0xE2><0x80><0x93> bovendien was de kerkgang op zondag een nationaal verleden, het christendom was in de meeste huishoudens een gegeven dus de film beeldt alleen het normale leven uit zoals het toen was. De thema's moeten destijds waarachtig en diepzinnig hebben geklonken. Het is heel vreemd, gezien de sterke steun voor het goede christelijke denken in deze film (en het preekt geen godsdienst, maar benadrukt alleen het verschil tussen huichelaars en eerlijke mensen) dat in 1922 een dominee in een open debat met een vertegenwoordiger van de filmindustrie en een grote menigte, Pickford afkeurde als een voorbeeld van immoraliteit, samen met een paar andere personen die hij noemde.
Misschien hadden ze naar deze film moeten kijken die ook in 1922 was uitgebracht en een paar lessen moeten leren.
De dominee klaagde dat sinds de filmindustrie met kerkbezoek was begonnen, de kerkbezoeken waren gedaald met 500.000. De vertegenwoordiger van de film in het debat maakte echter de volgende opmerkingen: dat de cafébezoekers ook waren teruggelopen, dat er veel meer dominees in de gevangenis zaten dan acteurs (feit) en dat het selecteren van een paar voorbeelden uit de vele niet representatief was voor het geheel.
Aldus was er in de begintijd van de film een voortdurende strijd tussen de kerk en de filmindustrie.
Dit is een prachtige film over eerlijk en oprecht zijn tegenover vrienden van de familie en bereid zijn offers te brengen. Mary Pickford, naïef, eerlijk, levendig, vol geluk en vreugde, trouw, humoristisch en in stilte opofferend <0xE2><0x80><0x93> hoewel arm en onontwikkeld vertegenwoordigde ze het volmaakte personage. Dit wordt ons echter niet in de strot geduwd, maar stukje bij beetje onthuld in de film.
Dit doet denken aan sommige moderne Chinese films, waarin personages langzaam en loom worden onthuld in de loop van een film en het is dit tempo dat een sterkere band schept met het personage.
Het heeft een gelijkmatig tempo voor de eerste helft, dat alle elementen voor de laatste helft bouwt. De laatste 30 minuten zijn geweldig voor het maken van een film en het moet worden erkend dat het werd bereikt zonder het voordeel van geluid, lopende dialogen <0xE2><0x80><0x93> het werd bereikt door handig acteren en geweldige regie. Het is soms verrassend om te beseffen dat je aan het eind van de film hebt...' Er wordt geen woord gesproken, maar je hebt het gevoel dat je alles al hebt gehoord.
De rest van de cast levert geweldige prestaties, met name Gloria Hope, Jean Hersholt en Lloyd Hughes.
De laatste paar minuten zijn typisch Pickford-onderkoelde humor als ze naar buiten gaat onder het voorwendsel dat ze de sneeuw wil vegen, een bijna perfecte balans en afsluiting. Dit is een speciaal soort ontroerende humor die niet onderschat moet worden. Chaplin maakte er vaak gebruik van en heeft er een paar van Pickford overgenomen.
Een andere bijzondere observatie over stomme films en vooral Pickford-films is dat de ster vaak de camera een groot deel van de film moet vasthouden zonder dat het publiek afgestompt of verveeld raakt, en de acteurs te veel in beeld komen. Dat Pickford in de meeste van haar films meestal het middelpunt van de belangstelling is, maar dat de mensen toch niet genoeg van haar konden krijgen, is een bewijs van haar voortreffelijke acteertalent.

text_en:
This film does not fail to engage and move, even in 2008 to an audience only familiar with modern over-produced sound and computer enhanced techniques.

The experience of the movie goer in 1922 who could only see this in a cinema with others on their big screen must have been truly profound and a thoroughly satisfying experience.

One has to ask could a film maker today make a two hour silent movie and make it interesting and achieve the same structure tempo and balance as this movie has. Silent film making was pure art, it had to hold the attention through its structure, direction and acting - there was no padding out with more words or computer generated distractions. A poorly made or uninteresting silent movie is unwatchable.

This film needs to be put into context for those who might be disconcerted with the mention of Christian themes. This is not a 'Christiany' film, it is not selling anything. These themes along with reference to current moral standards often appear in this era - also church going on Sundays was a national past time, Christianity was a given in most households thus the film is only depicting normal life as it was then. The themes would have rung true and deep at the time.

It is most odd given the strong support to good Christian thinking of this particular movie (and it is not preaching religion to anyone, only highlighting the difference between hypocrites and the honest)that in 1922 a Pastor in an open debate with a representative from the film industry with a large crowd denounced Pickford as an example of immorality, along with some other individuals he named. NY Times 1922.

Maybe they should have watched this movie that also came out in 1922 and, learned some lessons.

The Pastor complained that since the film industry had started church attendance had dropped 500,000. The film representative in the debate however made the following observations; that saloon attendance had also dropped, that there were far more pastors in prison than actors (fact) and that selecting a few examples from among the many was not representative of the whole.

Thus there was an ongoing battle between church and the film industry during the early days of film.

This is a wonderful film about being honest and true to family friends and to be willing to make sacrifices. Mary Pickford, naive, honest, feisty, full of happiness and joy, faithful, humorous and silently sacrificing - though poor and uneducated she represented the perfect character. This however is not thrust down our throat but revealed bit by bit through the film.

This is reminiscent of some modern Chinese films where characters are slowly, languidly revealed over the course of a film and it is this tempo that creates a stronger connection with the character.

It has a smooth even tempo for the first half that builds all the elements for the last section. The last 30 minutes are great film making and it has to be appreciated it was achieved without the benefit of sound, running dialog - it was achieved through deft acting and great directing. It is sometimes surprising to realize that at the end of the film you haven't hear a word spoken, but it feels like you have heard everything.

The supporting cast put in great performances especially Gloria Hope, Jean Hersholt and Lloyd Hughes.

The final few minutes are typical Pickford understated humor as she goes outside under the pretext of sweeping the snow, a near perfect balance and ending. This is a special type of touching humor that should not be underestimated. Chaplin used this device often and copied some of from Pickford.

Another special observation to be made about Silent films and especially Pickford films is that the star often has to hold the camera for much of the movie without the audience becoming jaded or bored, with the actors over-exposure. That Pickford is usually thoroughly the center of attention through most of her movies but the people still couldn't get enough of her is a testament to her fine acting ability.


text:
Mary Pickford zei vaak dat Tess Skinner haar favoriete filmrol was. Goed gezegd! Ze speelde de rol twee keer, en voor deze versie, die ze zelf produceerde, moest ze niet alleen de rechten kopen van Adolph Zukor, maar moest ze hem zelfs krediet geven op de hoofdtitelkaart van de film. Onnodig te zeggen dat haar weergave van deze rol het meest innemend is. Volgens mij is de film zelf een van de meest fantastische ervaringen van de zwijgende film.
Inderdaad, regisseur John S. Robertson beweegt zijn camera geen centimeter van het begin tot het eind, maar in Robertsons vaardige handen doet deze aanstellerij er niet alleen niet toe, maar is het waarschijnlijk ook effectiever. Robertson, een creatieve kunstenaar van de eerste orde, is een meester in tempo, camerastandpunten en montage. Hij heeft van al zijn spelers ook briljant natuurgetrouwe voorstellingen gemaakt. Jean Hersholt, die de zware jongen speelt, is zo weerzinwekkend dat het moeilijk te geloven is dat dit dezelfde man is als de vriendelijke dokter Christian, terwijl Lloyd Hughes een van de beste acteerprestaties van zijn hele carrière levert. Het is misschien niet zoals mevrouw White het bedoeld had, maar het is een bewonderenswaardige bijdrage aan de plot, want anders zouden we er moeite mee hebben om uit te leggen waarom de dope een fortuin aan verdediging heeft uitgegeven, maar niet de geringste poging heeft gedaan om vast te stellen wie het wapen heeft afgevuurd waarmee zijn toekomstige zwager is gedood! Onnodig te zeggen dat deze bijzondere eigenschap van de sympathieke held wordt afgezwakt door Jack Ging in de gekuiste versie uit 1960, die ook de scherpe aanval van de auteur op het zelfvoldane, burgerlijke christendom volledig uitwist. Zie hoe de goed gewassen priester hier een paar stappen naar voren doet, verbaasd over de onderbreking, maar dan geen enkele poging doet om onze dappere kleine heldin te helpen bij het uitvoeren van de taken die hij zelf zogenaamd moest uitvoeren. Dit is inderdaad een zeer ontroerende scène, omdat hij zo realistisch wordt weergegeven.
'Tess' verschaft ook een inzicht in het werk van een andere voortreffelijke actrice, Gloria Hope, wier werk volledig beperkt was tot de zwijgende film. Ze trouwde in 1921 met Lloyd Hughes en ging in 1926 met pensioen om haar hele leven te wijden aan haar man en hun twee kinderen. Lloyd Hughes stierf in 1958, maar zij leefde tot 1976 en was gemakkelijk te bereiken in Pasadena, maar ik durf te wedden dat niemand de hersens had om haar te interviewen. Alweer een kans verspeeld!
Voor mij maakte Forrest Robinson slechts een middelmatige indruk als Skinner. Ik vond dat hij een beetje misplaatst was en een korte blik op zijn filmografie bewees het volgende: hij speelde meestal voor priester of rechter! Maar David Torrence was zoals gewoonlijk uitmuntend.
Al met al een dure productie met prachtige fotografie en fantastische productiewaarden.

text_en:
Mary Pickford often stated that Tess Skinner was her favorite movie role. Well said! She played the part twice and for this version which she herself produced, she not only had to purchase the rights from Adolph Zukor but even give him credit on the film's main title card. Needless to say her portrayal of this role here is most winning. Indeed, in my opinion, the movie itself rates as one the all-time great experiences of silent cinema.

True, director John S. Robertson doesn't move his camera an inch from start to finish, but in Robertson's skillful hands this affectation not only doesn't matter but is probably more effective. A creative artist of the first rank, Robertson is a master of pace, camera angles and montage. He has also drawn brilliantly natural performances from all his players. Jean Hersholt who enacts the heavy is so hideously repulsive, it's hard to believe this is the same man as kindly Dr Christian; while Lloyd Hughes renders one of the best acting jobs of his entire career. True, it's probably not the way Mrs White intended, but it serves the plot admirably, as otherwise we would have difficulty explaining why the dope spent a fortune on defense but made not the slightest attempt to ascertain who actually fired the gun that killed his future brother-in-law! Needless to say, this particular quality of the likable hero is downplayed by Jack Ging in the bowdlerized 1960 version which also totally deletes the author's trenchant attack on smug, middle-class Christianity. Notice how the well-washed priest here moves forward a pace or two in surprise at the interruption, but then makes no attempt whatever to assist our plucky little heroine in the performance of duties that he himself was supposedly ordained to administer. This is a very moving scene indeed because it is so realistically presented.

"Tess" also provides an insight into the work of another fine actress, Gloria Hope, whose work was entirely confined to silent cinema. She married Lloyd Hughes in 1921 and retired in 1926 to devote her life completely to her husband and their two children. Lloyd Hughes died in 1958, but she lived until 1976, easily contactable in Pasadena, but I bet no-one had the brains to interview her. Another opportunity lost!

To me, Forrest Robinson only made a middling impression as Skinner. I thought he was slightly miscast and a brief glance at his filmography proves this: He usually played priests or judges! But David Torrence as usual was superb.

In all, an expensive production with beautiful photography and marvelous production values.


text:
Tess of the Storm Country was een auto van Mary Pickford die ik al een tijdje had willen hebben. Uiteindelijk vond ik een VHS-kopie voor een redelijke prijs en kon ik ervan genieten.
Mary geeft haar typische pittige, onschuldig sexy vertolking van een meisje dat aan de verkeerde kant van de streep staat en het hart van een rijke erfgename wint. Alleen staat er deze keer meer op het spel: een valse aanklacht wegens moord, een onwettig kind (en het daaruit voortvloeiende geval van verkeerd moederschap) en de mogelijkheid van zelfmoord. t wordt altijd duidelijk uiteengezet; een kijker moet goed opletten en de hints oppikken om alles op te vangen wat er bij de eerste keer kijken wordt gesuggereerd, hoewel alles uiteindelijk min of meer wordt uitgelegd.
Ongeveer de enige negatieve opmerking die ik kan maken gaat over Jean Hersholt en de hond. Hersholt, wiens personage, Ben Letts, zo'n 6-2, 100 kilo weegt (naast Mary natuurlijk nog zwaarder!) wordt in paniek op de vlucht gejaagd als een chocoladebruine labrador van 100 kilo op hem afstormt! En als klap op de vuurpijl (of misschien om zijn verbijsterende angst voor de hond te rechtvaardigen) slaagt hij erin Ben tegen de grond te drukken en raakt hij op de een of andere manier zo ernstig gewond dat hij veel later, als er een zware storm opsteekt, nog steeds worstelt om overeind te komen! Dit is hetzelfde beminnelijke lab dat met Frederick (Lloyd Hughes) naar bed gaat en met Mary knuffelt! En toch gooit Mary later kokend water in Bens gezicht, wat hem nauwelijks vertraagt! Oké, ik heb mijn hart gelucht over Ben en het chocoladelab! Afgezien daarvan was de film heel ontroerend en trok hij zeker mijn aandacht. De bijrollen van Pickford waren sterk en geloofwaardig. Dit is beslist een van haar betere films.

text_en:
Tess of the Storm Country was a Mary Pickford vehicle I had intended to get for some time. I finally found a VHS copy for a reasonable price and got to enjoy it.

Mary gives her typical spunky, innocently sexy portrayal of a wrong-side-of-tracks girl who wins the heart of a rich heir. Only this time the stakes are higher: a false murder charge, an illegitimate child (and ensuing case of mistaken motherhood) and contemplated suicide.

One can see why Pickford wanted to redo this one. The story is a real morality tale, the kind that she loved to star in. The controversial topics aren't always spelled out plainly; a viewer has to pay attention and pick up on hints to catch everything that is being implied on first viewing  although everything is more or less explained in the end.

About the only negative remark I can make would be concerning Jean Hersholt and the dog. Hersholt, whose character, Ben Letts, looks to be about 6-2, 200 pounds (bigger next to Mary, of course!), is sent fleeing in panic when a 60-pound chocolate lab charges toward him! Then, to top it off (or maybe to justify his perplexing fear of the dog), it manages to pin him to the ground and somehow injures him so badly that he is still struggling to get up much later, as a bad storm hits! This is the same lovable lab that sleeps with Frederick (Lloyd Hughes) and cuddles with Mary! Yet Mary later throws boiling water in Ben's face, which barely slows him! OK, I've vented about Ben and the chocolate lab! Other than that, the movie was quite touching and certainly held my attention. Pickford's supporting cast was strong and believable. This is certainly among her better films.


text: Deze film heeft speciale effecten die voor zijn tijd erg indrukwekkend zijn. Soms is het gemakkelijk uit te leggen als de scènes achterstevoren worden afgespeeld, maar de overlay van bewegende beelden op een object op film is verrassend goed gedaan, gezien het feit dat deze film meer dan 94 jaar geleden is gemaakt.

text_en: This film has special effects which for it's time are very impressive. Some if it is easily explainable with the scenes played backwards but the overlay of moving images on an object on film is surprisingly well done given that this film was made more than 94 years ago.


text:
Voor animatiefans is het een must, maar zelfs het grote publiek zal genieten van de wraak van de cameraman, een heel vroeg voorbeeld van 'pixieling' door de hardwerkende pionier Wladyslaw Starewicz. Starewicz en zijn helpers hebben een cast van flexibele insectenfiguren nauwgezet gemanipuleerd om dit verhaal te vertellen en de weg geplaveid voor figuren als Willis O'Brien, George Pal, Ray Harryhausen en legioenen moderne digitale scheppers.
De wraak van de cameraman is maar 10 minuten lang, maar zit vol amusante details terwijl het verhaal de amoureuze avonturen volgt van twee kevers van hun huis naar een nachtclub, een hotel, een bioscoop en uiteindelijk een gevangeniscel. Er zijn twee korte dansnummers in de nachtclub (verricht door een kikker en een libelle), een schermutseling tussen een kever en een sprinkhaan, en een grootscheepse donnybrook in de bioscoop, die eindigt met het in vlammen opgaan van de projector. Een behoorlijk ingewikkeld gebeuren voor 1912, toen zelfs John Bray en Winsor MacCay nog maar net begonnen waren en Walt Disney nog op de lagere school zat!
Het is ook interessant om op te merken wat een invloed de verandering van de titelkaartjes van een stomme film kan hebben op het verhaal dat wordt verteld. Ik heb twee versies van deze film gezien die door twee videobedrijven werden aangeboden, en ik heb ze rug aan rug bekeken, en hoewel het beeld zelf bijna identiek is, vertellen twee verschillende sets intertitels twee heel verschillende verhalen. De prent van het British Film Institute, met rijmende tussentitels, vertelt het verhaal van twee broer-broerkevers, elk in het geheim getrouwd, die deze informatie voor elkaar verborgen houden om het fortuin van hun overleden vader te erven. De andere, Russische prent, vertelt een eenvoudiger verhaal over getrouwde kevers die zich allebei schuldig maken aan ontrouw. In de Russische versie bezoekt Mr. Beetle zijn vriendin in de nachtclub 'Gay Dragonfly', terwijl in de Engelse versie broer Bill Beetle zijn vrouw bezoekt in de muziekhal. Persoonlijk geef ik de voorkeur aan het recht-door-zee-en-kruidiger-Russische verhaal; de bfi-versie probeert te veel plot in wat een eenvoudig verhaal zou moeten zijn te proppen, en sommige rijmpjes zijn een beetje onhandig.
Toch is in elke versie de wraak van de cameraman een verrukkelijke film, en zou hij een ideale inleiding kunnen zijn tot dat andere grote animatiewerk dat kevers laat zien, YELLOW SURINE.

text_en:
For animation buffs it's a must, but even general audiences will enjoy THE CAMERAMAN'S REVENGE, a very early example of 'pixilation' by the hard-working pioneer Wladyslaw Starewicz. Starewicz and his helpers painstakingly manipulated a cast of flexible insect figures to tell this story, paving the way for the likes of Willis O'Brien, George Pal, Ray Harryhausen, and legions of modern digital effect creators.

THE CAMERAMAN'S REVENGE is only about 10 minutes long, but packs in lots of amusing detail as the story follows the amorous adventures of two beetles from their home to a nightclub, a hotel, a cinema, and, eventually, a prison cell. There are two brief dance numbers at the nightclub (performed by a frog and a dragonfly), a scuffle between a beetle and a grasshopper, and a large-scale donnybrook at the cinema, which ends with the projector bursting into flames. Pretty elaborate goings-on for 1912, when even John Bray and Winsor MacCay were just getting started, and Walt Disney was still in grade school!

It's interesting to note, too, what an impact the alteration of a silent movie's title cards can have on the story being told. I've seen two versions of this film offered by two video companies, and watched them back-to-back, and although the image content itself is almost identical, two different sets of intertitles tell two very different stories. (And the plot outline someone provided above tells yet a third story, which suggests that there's another version out there somewhere.) The British Film Institute's print, which has rhyming intertitles, tells the story of two sibling beetles, each secretly married, who hide this information from one another in order to inherit their late father's fortune. The other, Russian print, tells a simpler story of married beetles who are each guilty of infidelity. In the Russian version Mr. Beetle visits his girlfriend at the "Gay Dragonfly" nightclub, while in the English version brother Bill Beetle visits his wife at the music-hall. Personally, I prefer the straightforward-- and spicier --Russian story; the BFI version tries to cram too much plot into what should be a simple tale, and some of the rhymes are a bit awkward.

Still, in any rendition, THE CAMERAMAN'S REVENGE is a delightful film, and would make an ideal lead-in to that other great animated work which features beetles, YELLOW SUBMARINE.


text: Ladislas Starewicz' nieuwsgierigheid naar insecten en film versmelt met een korte film over een driehoeksverhouding tussen Mr. Beetle, een artistieke sprinkhaan en Mrs. Beetle. Het vrij eenvoudige verhaal over een overspelig keverpaar dat beiden buiten hun huwelijk om stimulering zoeken, is vergelijkbaar met een Biograaf of Vitagraph in het kort. Starewicz' draai aan het verhaal is het gebruik van gebalsemde kevers met draden die de poten rechttrekken in frame voor frame animatie. Het verhaal ontwikkelt zich terwijl Mr. Beetle zonder het te weten door een jaloerse sprinkhaan op camera wordt vastgelegd met een libelle uit de plaatselijke nachtclub. Als Beetle thuiskomt, vindt hij zijn vrouw in de armen van haar artistieke vriendin. Hij zit boos achter haar aan, maar uiteindelijk vergeeft hij haar en neemt hij haar mee naar de film. Maar mevrouw Beetle komt al snel achter de ontrouw van haar man, want de film waar ze naar kijken zijn de jaloerse sprinkhaanbeelden van meneer Beetle en de libelle samen. Mevrouw Beetle slaat meneer Beetle met haar paraplu, meneer Beetle springt door het scherm en ze belanden allebei in de gevangenis nadat de projector die ze kapot hebben gemaakt vlam heeft gevat. De insecten worden in een vermenselijkte omgeving geplaatst, zoals een huis of een nachtclub, en krijgen menselijke kenmerken als jaloezie, woede, lust en wraak. De insecten dragen aktetassen, rijden in auto's en dragen zelfs schoenen, maar ze bewegen ook met hun voelsprieten en openen en sluiten hun kaken zoals echte insecten zouden doen. De nieuwigheid van het verhaal verdwijnt niet, zelfs niet na meerdere bezichtigingen, maar hoe vloeiend de bewegingen ook zijn, de film beweegt langzaam. De actie gebeurt met ingewikkelde details, maar snelheid en een snellere montage gaan verloren. Ondanks het tempo is de film een uitstekend voorbeeld van Starewicz' vroege poppenkast en wordt van harte aanbevolen.

text_en: Ladislas Starewicz's curiosity with insects and cinema melds into a short film about a love triangle between Mr. Beetle, an artistic grasshopper, and Mrs. Beetle. The rather simple story of an adulterous beetle couple that both seek stimulation outside their marriage is similar to a Biograph or Vitagraph short of the time. Starewicz's twist on the story is to use embalmed beetles with wires straightening the legs in frame-by-frame animation. The story builds as Mr. Beetle is unknowingly caught on camera with a dragonfly from the local nightclub by a jealous grasshopper. When Mr. Beetle comes home to find his wife in the arms of her artistic friend, he chases her around angrily, but eventually forgives her and takes her out to see a movie. However, Mrs. Beetle soon learns of her husband's infidelities as the movie they watch is the jealous grasshopper's footage of Mr. Beetle and the dragonfly together. Mrs. Beetle thrashes Mr. Beetle with her umbrella, Mr. Beetle jumps through the screen, and they both end up in jail after the projector they wreck catches on fire. The insects are placed in humanized settings such as a house or a nightclub, and are given human characteristics of jealousy, anger, lust, and revenge. The insect characters carry briefcases, drive motorcars, and even wear shoes yet they also twitch their antennae and open and close their mandibles as real insects would. The novelty of the story doesn't wear itself out, even after multiple viewings, but as fluid as the movements are, the film moves slowly. Action happens with intricate detail, but rapidity and a quicker pace of filming is lost in the process. Despite its pace, the film is an excellent example of Starewicz's early puppetry and is highly recommended.


text: De Wraak van de Cameraman is een ongebruikelijke korte film, niet vanwege het onderwerp (overspel) of omdat hij geanimeerd is (Winsor McCay had Little Nemo inmiddels op film gezet), maar omdat hij insecten afbeeldt om het verhaal te vertellen! Ladislaw Starewicz wilde oorspronkelijk echte vechtende insecten filmen, maar kon ze niet voor de camera krijgen vanwege de felle lampen die ze moesten doorstaan, dus nam hij dode exemplaren en begon hij stop-motiontechnieken te gebruiken om bewegingen naar zijn tevredenheid te manipuleren. Deze korte film slaagt er goed in menselijke kenmerken te geven aan kleine schepsels zoals motorrijden, schilderen, filmen, zoenen en dansen. Starewicz zou ook nog Frogland (1922) en The Mascot (1933) maken, maar zijn eerste belangrijke werk zou deze zijn. Als je geïnteresseerd bent in deze en de andere shorts die ik heb genoemd, kun je in de plaatselijke bibliotheek de dvd The Cameraman's Revenge and Other Fantastic Tales van Image Entertainment lenen.

text_en: The Cameraman's Revenge is an unusual short not because of the subject matter (adultery) or because it's animated (Winsor McCay had introduced Little Nemo on film by this time) but because it depicts bugs to tell the story! Ladislaw Starewicz had originally wanted to film actual bugs fighting but couldn't get them to do it on camera because of the hot lights they suffered through so he took dead ones and started using stop-motion techniques to manipulate movements to his satisfaction. This short does a good job of putting human characteristics on little creatures such as riding motorcycles, painting, filming, kissing, and dancing. Starewicz would also make Frogland (1922) and The Mascot (1933) but his first notable work would be this one. If you're interested in this and the other shorts mentioned, check your local library to borrow the DVD The Cameraman't Revenge and Other Fantastic Tales from Image Entertainment.


text:
Een absurd hilarisch en opvallend menselijk verhaal over de jaloezie en ontrouw rond een keverhuwelijk, het 'Mest kinematograficheskogo operatora' van de Russische animatiepionier Wladyslaw Starewicz ('De Wraak van de Cameraman' of 'De Wraak van de Kinematografische Cameraman') is een juweeltje van vroege animatie, boordevol uiterst doeltreffende poppenkast en geen gebrek aan verbeeldingskracht.
Meneer en mevrouw Beetle hebben een volkomen saai huwelijk en verlangen allebei naar meer opwinding in hun leven. De verlangens van meneer Beetle kunnen alleen bevredigd worden door de beeldschone exotische danseres van de 'Gay Dragonfly'-nachtclub, die hij bezoekt wanneer hij een 'zakenreis' naar de stad maakt. Zij is de enige die hem begrijpt. Beetle heeft zijn dametje gestolen en het toeval wil dat hij ook cameraman is. De slinkse sprinkhaan volgt meneer Beetle en zijn kennis naar een hotelkamer, waar hij hun heldendaden door het sleutelgat filmt.
Intussen heeft mevrouw Beetle een vriend gekregen die haar leven nog spannender maakt. Hij is kunstenaar en hij geeft haar een schilderij, waarna ze allebei op de bank gaan zitten voor wat intimiteit. Maar op dat moment komt meneer Beetle thuis en is hij getuige van het hele spektakel. Terwijl meneer Beetle de voordeur intrapt, klautert de kunstenaar tegen de schoorsteen op, maar hij kan niet ontsnappen zonder dat meneer Beetle eerst zijn woede en frustratie op hem botviert. Er zit een zekere ironie in de verklaring die volgt: 'Meneer Beetle is vrijgevig. Hij vergeeft zijn vrouw en neemt haar mee naar de film.' Hij is vrijgevig genoeg om haar te vergeven, en toch was hij haar nog maar een paar minuten geleden net zo ontrouw. Maar op dit moment zijn we de jaloerse cameraman die zijn wraak aan het beramen was nog niet vergeten, en het is geen verrassing dat hij de operateur blijkt te zijn van de film waar meneer en mevrouw Beetle bij zijn. De laatste scène gaat over meneer en mevrouw Beetle, die elkaar nu iets meer waarderen, en over de boze vrouw die hem met een paraplu op zijn hoofd slaat, voordat de bange en boze man door het bioscoopscherm duikt, op zoek naar de sprinkhaan.
In de laatste scène zitten zowel meneer als mevrouw Beetle, die elkaar nu iets meer waarderen, in de gevangenis voor de brand die uitbrak toen meneer Beetle zijn laatste wraak zocht. We hopen inderdaad dat 'het huiselijk leven van de Beetles in de toekomst minder opwindend zal zijn'. Deze film mag dan een verhaal lijken over het komen en gaan van een mini-insectensoort, maar Starewicz communiceert veel meer dan dat. Dit is geen verhaal over kevers, maar een verhaal over ons. En het is verbazend accuraat, nietwaar?

text_en:
An absurdly hilarious and strikingly human tale of the jealousies and infidelities surrounding a beetle marriage, Russian animation pioneer Wladyslaw Starewicz's "Mest kinematograficheskogo operatora" ("The Cameraman's Revenge", or "The Revenge of a Kinematograph Cameraman") is a delight of early animation, brimming with highly-effective stop-motion puppetry and no shortage of imagination.

Mr. and Mrs. Beetle have a completely uneventful marriage, and both yearn for more excitement in their lives. Mr. Beetle's desires can only be satisfied by the beautiful exotic dancer at the "Gay Dragonfly" night club, whom he visits whenever he takes a "business trip" to the city. She is the only one who understands him. A fellow admirer of this dancer, an aggressive grasshopper, is jealous that Mr. Beetle has stolen his lady and, as fate would have it, he is also a movie cameraman. The devious grasshopper follows Mr. Beetle and his acquaintance to a hotel room, where he films their exploits through the keyhole.

Meanwhile, Mrs. Beetle has, likewise, acquired a friend to add excitement to her life. He is an artist, and he brings her a painting for a present, before they both settle down on the couch for some intimacy. At that moment, however, Mr. Beetle returns home and witnesses the entire spectacle. As Mr. Beetle bashes through the front door, the artist friend clambers up the chimney, but he doesn't escape without Mr. Beetle first venting his anger and frustration upon him.

There is a certain irony in the statement that follows: "Mr. Beetle is generous. He forgives his wife and takes her to a movie." He is generous enough to forgive her, and yet he had been equally unfaithful just minutes earlier. At this point in time, however, we still haven't forgotten the jealous movie cameraman who had been plotting his revenge, and it is no surprise when he turns out to be the projectionist for the film Mr. and Mrs. Beetle are attending. Suddenly intercut into the film they are enjoying is the footage of Mr. Beetle's disloyalty, and the angry wife hits him across the head with an umbrella, before the frightened and angry husband dives through the theatre screen in search of the grasshopper.

In the final scene, both Mr. and Mrs. Beetle, now somewhat more appreciative of each other, are serving time in prison for the fire that broke out when Mr. Beetle sought his final revenge. We do, indeed, hope that "the home life of the Beetles will be less exciting in the future" This film may appear to be a mere story of the comings-and-goings of a miniscule insect species, but Starewicz is communicating so much more than that. This isn't a story about beetles  it is a story about us. And it's startlingly accurate, isn't it?!


text: Dit korte verhaal stelt me voor een raadsel. Woorden schieten hier tekort, want dit is bijna niet te beschrijven. Technisch uitzonderlijk na meer dan 90 jaar (de beelden zijn opmerkelijk en soms zelfs verbazingwekkend), dit is niet iets waar je naar kijkt als je houdt van dingen die gewoon of 'normaal' zijn <0xE2><0x80><0x93> want dat is het zeker niet. Dit is een vreemd verhaal, jongens. Het is de moeite waard om het na te trekken, maar als dingen als Ren en Stimpy je hoofdpijn bezorgen, kun je dit beter overslaan.

text_en: This short is a puzzlement. Words fail me here, as this is almost indescribable, Technically exceptional after more than 90 years (the visuals are remarkable and even occasionally amazing), this is not something you watch if you like things that are mundane or "normal'-because it most certainly is not either. This be an odd one, gang. Well worth checking out, but if things like Ren and Stimpy make your head hurt, you may want to skip this. Recommended.


text: Dit is een van de beste animatiefilms die ik ooit in mijn leven heb gezien. Dit is niet zomaar een grappige film, of een goed gemaakte film. Dit is een mijlpaal in de kunst van de animatie en zelfs als dat niet zo was, zou alleen al de technische vaardigheid die ervoor nodig was om hem te maken hem een plaats in de geschiedenis van de animatie geven.<br />Wladyslaw Starewicz maakte een stop-motionfilm over het geheime leven van kevers. Hij stelde zich een samenhangende wereld van insecten voor, met banen, huizen, nachtclubs, bioscopen en zelfs kleine rekwisieten zoals posters, fietsen en schilderijen. Meneer Beetle komt thuis en ziet dat mevrouw Beetle haar eigen affaire heeft. Meneer Beetle jaagt de minnaar weg, maar vergeeft zijn vrouw. De twee maken het weer goed en gaan naar de film. En de film waar ze naar kijken is Meneer Beetle en de libelle. Op die manier beschreven klinkt het banaal, maar als je het eenmaal hebt gezien, wordt het een aangrijpend filmwerk. Net als Emile Cohl en Jiri Trnka heeft Wladyslaw Starewicz min of meer alles uitgevonden wat toekomstige animators in hun werk zouden gebruiken. Daarom mag hij niet vergeten blijven.

text_en:
This is one of the best animated movies I've ever seen in my life. This isn't just a fun movie, or a well-made movie. This is a landmark in the art of animation and even if it weren't, just the technical skill that went into making it, would grant it a place in the history of animation.

Wladyslaw Starewicz created a stop-motion movie about the secret life of beetles. He imagined a coherent world of insects, with jobs, houses, nightclubs, movie houses, even little props like posters and bicycles and paintings.

In this movie he tells a simple tale of hypocrisy and revenge. Mr. Beetle has an affair with a dancing dragonfly, much to the chagrin of a grasshopper; but he's a cameraman and decides to shoot the fling. Mr. Beetle returns home and finds Mrs. Beetle having her own affair. Mr. Beetle chases the lover away but forgives his wife. The two make up and go out to the movies. And the movie they watch is Mr. Beetle and the Dragonfly. Described thus it sounds banal, but once seen it becomes a gripping work of cinema. Along with Emile Cohl and Jiri Trnka, Wladyslaw Starewicz pretty much invented everything that future animators would use in their work. For that reason he must not remain forgotten.


text:
Geloof het of niet, maar na 12 minuten is deze film (voor 1912) een volwaardige film. Heel, heel weinig films waren in die tijd langer dan dat, maar dat is absoluut NIET de reden dat deze vreemde kleine film anders is dan de rest! Nee, wat anders is, is dat alle acteurs (met uitzondering van één kikker) insecten zijn... ja, insecten! Deze eenvoudige huiselijke komedie had veel weg kunnen hebben van producties met acteurs als Chaplin, Laurel en Hardy of Max Linder, maar in plaats daarvan maakt deze Russische productie gebruik van insecten (of, denk ik, van modellen die er net zo uitzagen als insecten). Chaplin en Laurel en Hardy moesten nog ontdekt worden en ik neem aan dat Linder het druk had, dus misschien gebruikten ze daarom insecten! Met behulp van stop-motion bewogen en dansten en vochten de insecten verbazingwekkend goed <0xE2><0x80><0x93> en een stuk realistischer dan King Kong 21 jaar later!
De film begint met Mr. Beetle die er stiekem tussenuit knijpt. Hij gaat naar een hoerentent terwijl zijn vrouw zogenaamd thuis op hem wacht. Maar helaas voor Mr. Beetle wordt hij in de camera betrapt door een filmfanaat uit de buurt. Bovendien weet hij het niet, maar Mrs. Beetle heeft het ook aangelegd met een bohemien die sprinkhanen schildert. Natuurlijk zit er veel meer in deze huiselijke komedie dan dit, maar de plot is al eeuwenoud en heel onderhoudend voor zowel volwassenen als kinderen.
Vreemd, maar ook heel verbazingwekkend en vermakelijk.

text_en:
Believe it or not, at 12 minutes, this film (for 1912) is a full-length film. Very, very few films were longer than that back then, but that is definitely NOT what sets this odd little film apart from the rest! No, what's different is that all the actors (with the exception of one frog) are bugs...yes, bugs! This simple little domestic comedy could have looked much like productions starring the likes of Chaplin, Laurel and Hardy or Max Linder but instead this Russian production uses bugs (or, I think, models that looked just like bugs). Chaplin and Laurel and Hardy were yet to be discovered and I assume Linder was busy, so perhaps that's why they used bugs! Using stop-motion, the bugs moved and danced and fought amazingly well--and a heck of a lot more realistically than King Kong 21 years later!

The film starts with Mr. Beetle sneaking off for a good time. He goes to a bawdy club while his wife supposedly waits at home. But, unfortunately for Mr. Beetle, he is caught on camera by a local film buff. Plus, he doesn't know it but Mrs. Beetle is also carrying on with a bohemian grasshopper painter. Of course, there's a lot more to this domestic comedy than this, but the plot is age-old and very entertaining for adults and kids alike.

Weird but also very amazing and watchable.


text:
Gewoonlijk ben ik niet zo gecharmeerd van een bepaald programma (afgezien van _The O.C. & Desperate Housewives..._ Hé, ik ben 20!), maar na één aflevering van _Reunion_ was ik verkocht.
Ik kan niet eens zeggen hoe g<0xC3><0xAA>nant ik het vond dat er een tijdsverschil is met de toespraak van Bush gisteravond, want ik had me echt verheugd op de aflevering van 1987, die aanstaande donderdag uitgezonden zal worden. Ook dat tijdsverschil was nadelig, want omdat het een nieuw programma is, moet het een grote schare volgelingen krijgen, en als de tweede aflevering een week wordt uitgesteld, is dat een stuk minder.
Maar goed, tv hoeft niet altijd Emmy-waardig te zijn om leuk te zijn. Ik verwacht niet dat Reunion prijzen in de wacht sleept, maar ik verwacht wel dat het mijn aandacht het hele seizoen vast kan houden. Kijk je ooit naar de eerste paar afleveringen van een geliefde serie jaren later? Soms vraag je je af hoe je er ooit aan verslaafd bent geraakt. Het opbouwen van een karakter vergt tijd.
Het idee van één aflevering per jaar is geweldig, vind ik. De enige andere serie die ik me kan herinneren die iets dergelijks deed is 24, waarbij elke aflevering een uur duurde... en een veelbewogen jaar hebben is realistischer dan zo'n veelbewogen dag! Probeer deze serie alsjeblieft. Ontspan je over de vorm... het is maar tv!

text_en:
I'm usually not too into a specific show (save for The O.C. & Desperate Housewives...hey, I am 20!), but, no kidding, after one episode of Reunion I was hooked.

I can't even say how bummed I was that it's time-slot conflicted with Bush's speech last night because I was really looking forward to the 1987 episode, which will now air next Thursday. Again, that conflict was disadvantageous because, being a new show, it needs to build up a following and having the second episode pushed back a week kills some momentum.

That said, TV doesn't always have to be Emmy worthy to be enjoyable. I don't expect Reunion to take home any prizes, but I do expect it will be able to capture my attention all season. Ever watch the first few episodes of a beloved show years later? Sometimes you wonder how you ever got hooked. Character building takes some time.

The one episode for each year idea is wonderful, in my opinion. The only other show I can recall doing something similar is 24, with each episode being an hour...and having an eventful year is more realistic than a day that eventful! Please give this show a shot. Relax about art form...it's just TV!


text:
Dus Fox heeft halverwege een drama/mysterie de stekker eruit getrokken...
Hoe slap is dat? Verwachten ze van ons dat we onze tijd investeren in hun nieuwe programma's als er een realistisch risico bestaat dat we nooit te weten komen wat er gebeurt? Waarom zijn de resterende, al opgenomen afleveringen niet in de Verenigde Staten uitgezonden? Ze zijn ergens anders uitgezonden.
Hé, Fox! Luister je wel? Dit was een geweldige show, maar je hebt ons laten hangen. Als je nieuwe drama/mysteries gaat introduceren, laat dan tenminste een conclusie los voordat je abrupt het middenstuk afbreekt. Elke keer als er zoiets gebeurt (en het schijnt heel vaak bij jou te gebeuren, d.w.z. Fox), zijn er meer van die lui die 'wachten en kijken' voordat ze hun tijd investeren. Dit betekent dat je een kunstmatig laag percentage van de aandelen krijgt en dat de kans groter is dat de serie wordt beëindigd. Zie je? Het is een vicieuze cirkel.

text_en:
So, Fox pulled the plug midway through a drama/mystery...

How lame is that? Do they expect us to invest our time in their new shows when there is a realistic risk of never finding out what happens? Why weren't the remaining, already filmed episodes aired in the US? They were broadcast elsewhere.

Hey, Fox! Are you listening? This was a great show, but you left us hanging. If you're going to introduce new drama/mysteries, at least air a conclusion before abruptly ending mid-theme. Every time something like this happens (and it seems to happen a lot with you - i.e., Fox), there are more of those who will "wait and see" before investing their time. This means you will see an artificially low interest share, and are more likely to end the series. See? It is a vicious cycle. Don't let us down again...


text: Ik ben echt dol op dit programma, het is net als het lezen van een boek en na elk hoofdstuk wil je meer. Het zet je aan het denken over wat er in de volgende aflevering gaat gebeuren, en over de strijd om hun vriendschap door de jaren heen in stand te houden. Na elke aflevering blijft er een zoete, bittere smaak in je mond achter in de wetenschap dat: Ten eerste: Het was een goed programma, je kunt niet wachten op de volgende aflevering en het zet je echt aan het denken over wat er werkelijk met de vrienden in die twintig jaar gebeurt. En ten tweede: het feit dat het programma 'op pauze is gezet' en dat we het niet in zijn geheel zullen zien eindigen. Fox weet kennelijk niet wat ze gedaan hebben, ze beweren dat ze kijkers verliezen in de 18-49-categorie <0xE2><0x80><0x93> ze weten duidelijk niet wat de mensen willen zien als ze een goed programma als 'Re<0xC3><0xBC>nie' kwijt zijn. Maar ik heb één vraag die ik zou willen stellen. Als ze het programma terug zouden brengen en het zou nog een seizoen doorgaan, hoe zou het dan gaan omdat elke aflevering in de periode van een jaar wordt gemaakt en het verhaal gebaseerd is op wat er in twintig jaar gebeurt? Uw antwoorden zijn zeer welkom. Breng Re<0xC3><0xBC>nie terug! Breng Re<0xC3><0xBC>nie terug!

text_en: I really love this show, it's like reading a book and each chapter leaves you wanting more. It gets you thinking about what is going to happen in the next episode, and the struggle of trying to maintain their friendship throughout the years. After each episode ends it leaves a sweet bitter taste in your mouth knowing that: One - The show was good, you can't wait for the next episode and it really gets you thinking about what actually happens to the friends throughout the twenty years. And two - the fact that the show has been put "on hiatus" and we will not see the show finish in it's entirety. Fox obviously do not know what they have done, they claim that they are losing viewers in the 18 - 49 category they clearly do not know what people want to see if they got rid of a good show such as "Reunion". I have one query though that I would like to raise. If they were to bring the show back and it went on for another season how would it work since each episode is done in the period of a year and the story is based on what happens in the span of twenty years? Your answers are most welcome. Bring back Reunion! Bring back Reunion!


text: Ik kan niet geloven dat ze dit van de buis hebben gehaald. Vooral omdat er nog maar een paar afleveringen over waren. Mijn dochter, zus en een paar van mijn vrienden vonden het geweldig om naar dit programma te kijken. We waren zo van streek toen ze het niet meer lieten uitzenden vanwege de zogenaamde kijkcijfers. Het is niet eerlijk tegenover de mensen die vanaf het begin naar dit programma hebben gekeken. We hadden het recht om het einde te zien. Ik wou dat ze een algemene stemming zouden houden onder alle mensen met een stemsysteem van 3 keer per jaar. Ze zouden de kranten kunnen versturen en wij als kijkers zouden een algemene stemming kunnen houden over alle programma's waar we naar kijken of waarover we hebben gehoord. Dit zou ook kunnen helpen bij het promoten van een nieuw programma. De mensen zouden het zien en zich afvragen wat het is. Niet alleen zou je kunnen zien waar de kijkers naar kijken, je zou dit ook kunnen gebruiken als gratis reclame voor tv- en kabelzenders. We willen de andere afleveringen zien. Breng het terug!

text_en: I can't believe that they took this off the air. Especially, when they only had a few more episodes left. My daughter, sister and a few of my friends loved watching this show. We were so upset when they stopped showing this because of so called ratings. It is not fair to the people who were watching this show since the beginning. We had a right to see the end. I wish they would take an overall vote from all people with a 3 times a year voting system. They could send out papers in the mail and we as viewers could give an overall vote on all programs that we watch or have heard about. This could also help promote a new show. People would see it and wonder what it is. Not only could you see what the viewers are watching, you could also use this as a tool for free advertisement for TV and cable channels. We want to see the other episodes. Bring it back!!


text:
Dus halverwege het seizoen werd ik zo in beslag genomen door school en mijn activiteiten dat ik niet in de gaten had dat de show halverwege was afgelast, en dat is onzin.
Ik vind dat de kijkers van deze show een brief moeten schrijven om te vragen of ze op zijn minst de opnamen willen afmaken, zodat er later een dvd van kan worden gemaakt. Misschien dat ze dan kunnen zien hoeveel mensen teleurgesteld zijn dat de show zijn eerste seizoen niet heeft overleefd.
Ik was dol op de show en keek er elke donderdag na de generale repetitie naar uit. Kun je je mijn teleurstelling voorstellen toen ik terugkwam om te proberen naar de show te kijken en ontdekte dat hij was verdwenen? 'Ik ben op dit moment niet zo blij met vos. En al helemaal niet nadat ik heb ontdekt dat _geen einde_ is verfilmd. Ik bedoel, als je aan een project gaat werken, maak het dan in elk geval af om te zien wat er gebeurt. Een half verfilmde show is als een half gemaakte auto, het is zo goed als nutteloos. vos, film verdomme het einde en geef een paar fans van de show wat rust.'

text_en:
so halfway through the season, i got so caught up in school and my activities that i didn't realize that the show had been canceled halfway through, which is crap.

i think the followers of this show should write fox and ask them to at least finish filming so that a the season can be released on DVD later. maybe then they'll see how many people were disappointed that the show didn't survive its first season.

i loved the show and looked forward to it every thursday after the OC. can you imagine my disappointment when i came back to try and watch the show only to discover that it had disappeared? needless to say, i'm not very happy with fox right now. even more so after discovering that NO ENDING WAS FILMED. i mean, if you're going to work on a project, at least finish it to see what happens. a half filmed show is like a half made car, it's pretty much useless. fox, film the damn ending and give some of the show's fans some peace.


text:
Dit is inderdaad een traktatie voor elke Bolan-fan, sommigen zullen misschien denken dat het een beetje overdreven is en dat het alleen maar om de ego's van Ringo en Marc gaat, maar volgens mij is het net zoiets als elke andere concertvideo, behalve dan dat dit Marc Bolan is, niet zomaar een jongen! Ik vond vooral de muziekvideo voor kinderen van de revolutie mooi, met Elton John en Ringo Starr. Dit clipje alleen is al het geld waard, ik kan niet geloven dat ze deze versie niet als single hebben uitgebracht. De film is echt fantastisch, vooral voor ons dansers. Nou, ik leefde niet in de jaren zeventig, maar dansers werden in het algemeen volledig buitenspel gezet door wat er om hen heen gebeurde. De populaire muziek uit die tijd werd niet gespeeld of getoond, ook niet door Marc Bolan en T.Rex, die speelden alleen maar wat met The Doors, alleen de echt populaire nummers. Dus ik weet van mijn vader dat hij, als hij dit ziet, een deel van zijn jeugd terugkrijgt, iets wat hij nooit heeft mogen ervaren.
Ik zal het niet te lang maken, dus... Als je ook maar een klein beetje een fan van Marc Bolan bent, moet je dit zien. Je zult het misschien saai vinden of, zoals gezegd, een beetje te veel van het goede. Maar je hebt in elk geval een van de beste musici aller tijden in actie gezien!
Het enige wat me een beetje tegenvalt, is dat _Ride A White Swan_ niet op de band staat. maar ik vergeef het hem, want Jeepster en Get It On zijn zo geweldig gespeeld.

text_en:
this is indeed a treat for every Bolan fan, some might think that it's a little over the top, and that it is only about Ringo and Marc's egos, but i think it's similar to any other concert video, except for the fact that this is Marc bolan, not just any guy! i especially liked the music video for children of the revolution, with Elton John and Ringo Starr. this clip alone is worth all the money, i can't believe they did'not release this version as the single. The movie is really superb, especially for us danes. Now, I wasn't alive during the 70's. but danes in general was totally shot out from what was happening around them. the media didn't play or show any of the popular music back then, including Marc Bolan and T.Rex, they only played a little with The Doors, only the really popular songs though. so, i know from my dad, that seeing this, gives him back a part of his youth, he never got to experience.

i wont make this too long, so... If you're the least bit fan of Marc Bolan, you need to see this. you might find it boring or as said before, a little over the top. But at least you've seen one of the best musicians ever, in action!

Only thing that disappoints me a little, is that Ride A White Swan isn't on the tape. but i forgive it, since Jeepster and Get It On are so wonderfully played.


text: Aan Bolie is een echte 'vondst' gedaan <0xE2><0x80><0x93> hoewel ik al bijna dertig jaar een rockfan ben, heb ik de film pas een paar dagen geleden voor het eerst gezien en hij staat op de lijst van de beste rockfilms aller tijden; de muziek is geweldig (de crème de la crème van T. Rex) en de beelden zijn voortdurend opwindend en ongewoon, zodat de kijker blijft snakken naar meer regie-inspanningen van Ringo Starr, die hier uitstekend werk heeft verricht. Als je van de muziek houdt, zit je de hele tijd in T. Rextasy, want Marc Bolan is echt de ster van het stuk, van voor tot achter. Het maakt niet zoveel uit: verschillende locaties, kostuums, muzikale arrangementen en bizarre visuele concepten worden allemaal gebruikt om verschillende structuren en een heleboel vrolijke humor toe te voegen aan wat in andere handen had kunnen eindigen als'maar' een concertfilm. Hoe rijk en volgepropt _Geboren voor de liefde_ ook is, de film duurt maar ongeveer een uur, maar wat er is, is absoluut bevredigend. Dat is mijn enige kritiek <0xE2><0x80><0x93> het videopakket zegt iets van 71 minuten, en minstens één online-bron beweert dat de film 67 minuten duurt, maar blijkbaar is het meer 61 minuten dolle pret.

text_en: BORN TO BOOGIE is a real 'find'--though a rock fan for nearly thirty years, I only first saw the film a few days ago, and rank it among the top rock films of all time; the music's terrific (the cream of T. Rex) and the visuals consistently exciting and unusual, leaving this viewer craving any more past directorial efforts of Ringo Starr, who did a fine job here. If you love the music, you'll be in T. Rextasy throughout, as Marc Bolan really is the star of the piece, front and center. Even the fact that some songs are repeated doesn't matter a bit: different venues, costuming, musical arrangements, and bizarre visual concepts are all used to lend different textures and a great deal of upbeat humor to what could have ended up as 'only' a concert film in other hands. As rich and full packed as BORN TO BOOGIE is, the film's only about an hour long, but what is there is totally satisfying. Therein lies my only criticism--the video package states something like 71 minutes, and at least one online source claims the film to be 67 minutes, but apparently it's more like 61 minutes of rocking fun.


text:
Destijds geprezen door critici, maar geliefd bij de fans, is deze film nu een klassieker geworden. Door de zogenaamde'surrealistische' beelden die in het huis van John Lennon zijn gemaakt te combineren met live-beelden van Marc Bolan en T.Rex op hun best, is deze film niet alleen een must voor iedereen die Marc Bolan heeft gezien, maar geeft hij ook een fascinerend inzicht in het tijdperk. En je kunt zelfs een korte rol van een Reg Dwight of een Elton John vinden om te spelen in een verbazingwekkende rol <0xE2><0x80><0x93> die nooit officieel is vrijgegeven <0xE2><0x80><0x93> en een rock-'n-rollversie van Children of the Revolution.
Er zijn ook prachtige scènes met Chelita Secunda, van wie wordt gezegd dat ze 'glamrock' heeft gemaakt met glitter en zo, Mickey Finn en zelfs de acteur uit Catweazle!
De beste scène voor mij is in de tuin als Marc de eettafel verlaat, in kleermakerszit voor een strijkinstrumentenrek gaat zitten en akoestische versies van klassieke werken als _Get It On_ en _The Slider_ ten gehore brengt.
Zeer, zeer aanbevolen!! Vijf sterren na vijf minuten.

Rory.

text_en:
Panned by critics at the time but loved by the fans, this film has now become a classic. Mixing supposedly 'surreal' footage shot at John Lennon's home among other places with live footage of Marc Bolan & T.Rex at their very best, this film is not just a must for everyone who's liked Marc Bolan but gives a fascinating insight into the era.

These were the times when Marc was hobnobbing with the likes of Ringo Starr of the Beatles [who directed it] and you can even find a brief spot from one Reg Dwight [Elton John to you] bashing the ivories in an amazing [and never officially released] version of Tutti Frutti and rocking and ballad versions of Children Of The Revolution.

There's also wonderful scenes featuring Chelita Secunda [said to have 'created glam rock' with her use of glitter etc], Mickey Finn and even the actor from Catweazle!!

The best scene for me is in the garden when Marc leaves the dining table, sits down cross-legged in front of a string section and knocks out acoustic versions of classics such as Get It On and The Slider.

Highly, highly recommended!! FIVE stars [out of five].

Rory


text: Als je een fan van T.Rex/Marc Bolan bent, kan ik je dit aanbevelen. Het toont zowel een grillige kant van Marc Bolan als van Ringo Starr, en het is blijkbaar best leuk om een paar scènes te filmen die niet bij het concert horen, maar het is wel leuk om te zien, en het geeft je het gevoel dat je ze leert kennen als gewone mensen, en als het concert wordt getoond een getalenteerde muzikant, zowel speels als professioneel, die rockt en indruk lijkt te maken op de gillende meisjes. Als je hem in een concert ziet, zou je niet zeggen dat het een baan is om rockster te zijn, maar gewoon dat je het geweldig vindt om met een paar goede vrienden een paar geweldige nummers te spelen, zoals Elton John en Ringo Starr die in een paar liveoptredens te horen zijn. Oké, er ontbreken een paar nummers die ik graag had willen horen, maar net als elk album kan het niet alles hebben. Ik heb dit in 2006 gekocht, maar als ik had geweten dat het in 1972 was uitgekomen, had ik het jaren geleden gekocht. Triest en vreemd dat een man met zoveel nummers over zijn liefde voor auto's nooit zou leren autorijden en bij een auto-ongeluk om het leven zou komen!

text_en: If you're a T-Rex/Marc Bolan fan, I recommend you check this out. It shows a whimsical side of Marc Bolan as well as Ringo Starr, apparently having a pretty good time shooting some of the scenes that aren't part of the concert, but fun to watch, leaving you with a sense of getting to know them as just people, and when the concert is shown a talented musician, both playful and professional that rocks and seems to impress the screaming girls. Watching him in concert, you would never know that being a rock star is a job, but just having a great time playing some great songs with some good friends, like Elton John and Ringo Starr appearing in some of the live performances. True, there are a few songs missing that I would like to have seen on there, but like any album it can't have everything. I just bought this in 2006, but if I would have know it came out in 1972, I would have definitely bought it years ago. Sad and strange that a man with so many songs about his love for cars, would never learn to drive and would die in a car crash!


text:
Na een paar keer naar de cd-muziek te hebben geluisterd, wist ik dat ik deze film wilde hebben, die ik met Kerstmis had gekregen, en ik was stomverbaasd. Marc Bolan had zo'n charisma dat ik het niet kan beschrijven. Ik had wel eens iets over hem gehoord, maar ik begreep niet waar de mensen het over hadden tot ik in het gezelschap van deze beelden was. Hij was ongelooflijk. Afleveringen van het concert in Wembley worden afgewisseld met surrealistische schetsen, zoals nonnen die zich op een tuinfeest te goed doen aan een feestmaal terwijl Marc Bolan een paar akoestische versies van Get It On ten gehore brengt, enzovoort. (Ik ben de titels van de songs nog aan het leren.) George Claydon, de piepkleine fotograaf van Magical Mystery Tour, speelt een chauffeur die uit een auto springt en een van de zijspiegels opeet. Niets van wat ik kan zeggen om het te beschrijven kan het bederven, ook al heb ik de disclaimer bij deze recensie gezet, dus jullie moeten dit gewoon zelf zien. Het ontwijkt de beschrijving.
Ja, ik ben dol op de Beatles en ik was nieuwsgierig naar Ringo die een rockdocumentaire regisseerde <0xE2><0x80><0x93> dat was 35 jaar geleden <0xE2><0x80><0x93> en nu kom ik er eindelijk achter dat hij al 2 jaar op dvd staat, maar nu is hij eindelijk bij mij thuis. Het is een fantastische kijkervaring <0xE2><0x80><0x93> fascinerend zelfs.
Nu komt de dvd met verborgen extra's en het volgende is een kopie en plaksel van een andere gebruiker:
Er zijn twee verborgen extra's bij de Born to boogie-uitgave van de dubbele dvd.
1. Van het menu op disk 1, kies het extra materiaal en de extra scènes 2. Op de extra scènes pagina, kies Scene 42, neem 1 en blijf op links drukken 3. wanneer de cursor verdwijnt, blijf je op rechts drukken tot er een 'Starzaag 1972' logo verschijnt 4. Druk op Enter.
5. Van het hoofdmenu op disk 2, kies de geluidsopties 6. Op de geluidsopties pagina, kies je de 90/25 (ik denk dat dat goed is) optie en blijf je op links drukken 7. Wanneer de cursor verdwijnt, blijf je op rechts drukken tot er een 'Starven Home Video' logo verschijnt 8. Druk Enter.

text_en:
After repeated listenings to the CD soundtrack, I knew I wanted this film, got it for Christmas and I was amazed. Marc Bolan had such charisma, i can't describe it. I'd heard about him in that way, but didn't understand what people were talking about until I was in the company of this footage. He was incredible. Clips from the Wembley concert are interspersed with surrealistic sketches such as nuns gorging themselves at a garden party as Marc Bolan performs some acoustic versions of Get It On, etc. (I'm still learning the song titles). George Claydon, the diminutive photographer from Magical Mystery Tour, plays a chauffeur who jumps out of a car and eats one of the side mirrors. Nothing I can say to describe it would spoil it, even though I put the spoilers disclaimer on this review, so you would just need to see this for yourselves. It evades description.

Yes, I love the Beatles and was curious about Ringo directing a rock documentary - that was 35 years ago - now, I finally find out it's been on DVD for 2 years, but it's finally in my home. It's an amazing viewing experience - even enthralling.

Now the DVD comes with hidden extras and the following is a copy and paste from another user:

There's two hidden extras on the Born To boogie double DVD release.

1.From the menu on disc one,select the bonus material and goto the extra scenes 2.On the extra scenes page goto Scene 42 take 1 and keep pressing left 3.when the cursor disappears keep pressing right until a "Star+1972" logo appears 4.Press Enter

5.From the main menu on disc two,select the sound options 6.On the sound options page goto the 90/25 (I think thats right) option and keep pressing left 7.When the cursor disappears keep pressing right until a "Star+Home video" logo appears 8.Press Enter


text:
Canto 1: Hoe Kriemhild rouwde om Siegfried en Hoe koning Attila haar bedroog met zijn afgezant R<0xC3><0xA4>diger von Bechlarn: Kriemhild (Margarete Sch<0xC3><0xA4>chter) staat erop het hoofd te krijgen van de moordenaar van haar geliefde echtgenoot, Hagen Tronje (Hans Adalbert Sch<0xC3><0xA4>chtow), maar haar broer, koning Gunther (Theodor Loos), weigert haar verzoek in te willigen. Wanneer koning Attila van de Hunnen Kriemhild bedriegt met zijn afgezant R<0xC3><0xA4>diger von Bechlar, laat ze hem onder ede in naam van de koning beloven dat niemand haar ooit zal beledigen. Hagen Tronje verstopt de Nibelungen-schat op de bodem van een meer.

Canto 2: Hoe Kriemhild Vertrekt uit haar Thuisland en Hoe Zij Werd Ontvangen door Koning Attila. Kriemhild neemt wat aarde mee van de plaats waar Siegfried is gestorven en reist naar het hof van de Hunnen, waar zij door Attila zelf wordt verwelkomd, die haar ook bij eed belooft haar te zullen verdedigen.
Canto 3: Hoe Koning Attila Rome belegerde en Hoe Kriemhild haar Broeders Opriep. Wanneer Kriemhild een jongetje ter wereld brengt, keert Attila terug naar zijn rijk en vraagt aan Kriemhild wat zij het liefst zou willen hebben om haar te behagen. Zij vraagt hem haar broeders uit te nodigen naar zijn rijk te komen.
<0x3E> Canto 4: Hoe Kriemhild haar Broeders Ontvangt: Kriemhild staat erop het hoofd van Hagen Tronje te krijgen, maar haar Broeders blijven trouw aan hun vriend en aanvaarden haar verzoek opnieuw niet.
<0x3E><0x3E> Canto 5: Hoe de Hunnen de Zomerzonnewende vierden met de Nibelungen: Kriemhild vraagt Attila Hagen Tronje te doden, maar hij weigert omdat een gast volgens de wetten van de woestijn als heilig wordt beschouwd. Kriemhild biedt de Hums goud aan voor het hoofd van Hagen Tronje. Er volgt een gevecht en Hagen Tronje doodt Attila's zoon.
<0x3E><0x3E> Canto 6: De Verliespartij van de Nibelungen: De Hunnen verliezen de strijd tegen de Nibelungen, maar houden hen in Attila's kasteel belegerd. Kriemhild belooft hun leven te sparen op voorwaarde dat ze Hagen Tronje uitleveren, maar haar broer G<0xC3><0xBC>nther zegt dat het Duitse volk loyaal is aan zijn vrienden.
Canto 7: Het einde van de Nibelungen. Na de dood van R<0xC3><0xBC>diger von Bechlarn, Giselher en Gernot, worden Hagen Tronje en Guhther eindelijk gevangen genomen. Kriemhild vermoordt Hagen Tronje en beëindigt haar wraak met de vernietiging van de Nibelungen.
Het einde van de poëtische saga van Siegfried door middel van 'Kriemhilds Wraak' wordt ook verteld in zeven dramatische canto's. Het eerste deel is een prachtig verhaal van fantasie, avontuur, romantiek en verraad; het tweede deel is een dramatisch verhaal van haat, wraak en trouw. Het degelijke scenario met een perfecte ontwikkeling van de personages, de uitstekende uitvoeringen van de acteurs en de ontzagwekkende regie van Fritz Lang hebben van tevoren al een nieuw epos opgeleverd. Margarete Sch<0xC3><0xB6>nberg maakt indruk met een totaal andere vrouw, geobsedeerd en onbuigzaam in haar verlangen naar wraak. De kostuums die Kriemhild draagt zijn ook bijzonder indrukwekkend, en haar acteerwerk is gebaseerd op haar gezicht en haar manier van doen. Ik was een beetje teleurgesteld over de reactie van Attila na de dood van zijn enige zoon, omdat ik die te passief vond. Ik heb acht stemmen.
Titel (Brazilië): 'Os Nibelungos ston Parte II: A Vinganone de Kriemshild' ('De Nibelungen Part II: Kriemhilds Wraak')

text_en:
Canto 1: How Kriemhild Mourned Over Siegfried and How King Attila Woos her Through his Ambassador Rüdiger von Bechlarn: Kriemhild (Margarete Schön) insists on having the head of the killer of her beloved husband, Hagen Tronje (Hans Adalbert Schlettow), but her brother, King Gunther (Theodor Loos), refuses her request. When King Attila of the Huns woos Kriemhild through his ambassador Rüdiger von Bechlar, she makes him promise through oath in the name of his king that no man would ever offend her. Hagen Tronje hides the Nibelungen treasure in the bottom of a lake.

Canto 2: How Kriemhild Takes Leave from her Homeland and How She Was Received by King Attila: Kriemhild brings some earth from where Siegfried died, and travels to the court of the Huns, where she is welcomed by Attila himself, who also promises through oath to defend her.

Canto 3: How King Attila Besieged Rome and How Kriemhild Summoned her Brothers: When Kriemhild delivers a baby boy, Attila returns to his realm and asks Kriemhild what she would like most to please her. She asks him to invite her brothers to come to his kingdom.

Canto 4: How Kriemhild Receives her Brothers: Kriemhild insists on having the head of Hagen Tronje, but her brothers keep loyalty to their friend and again do not accept her request.

Canto 5: How the Huns Celebrated the Summer Solstice With the Nibelungen: Kriemhild asks Attila to kill Hagen Tronje, but he refuses since in accordance with the laws of the desert, a guest is considered sacred. Kriemhild offers gold to the Hums for the head of Hagen Tronje. There is a fight, and Hagen Tronje kills Attila's son.

Canto 6: The Nibelungen's Distress: The Huns lose the battle against the Nibelungen, but keep them under siege inside Attila's castle. Kriemhild promises to spare their lives provided they deliver Hagen Tronje, but her brother Gunther tells that German people are loyal with their friends.

Canto 7: The Nibelungen's End: After the death of Rüdiger von Bechlarn, Giselher and Gernot, Hagen Tronje and Guhther are finally captured. Kriemhild kills Hagen Tronje, ending her revenge with the destruction of the Nibelungen.

The conclusion of the poetic saga of Siegfried through "Kriemhild's Revenge" is also told through seven dramatic cantos. The nature of the first part is a magnificent tale of fantasy, adventure, romance and betrayal; the second part is a dramatic story of hate, revenge and loyalty. The solid screenplay with a perfect development of the characters, the excellent performances of the cast and the awesome direction of Fritz Lang produced another epic ahead of time. Margarete Schön is impressive with a total different woman, obsessed and inflexible in her revenge wish. The costumes that Kriemhild wears are also very impressive, and her acting is based on her face and look. I was a little disappointed with the reaction of Attila after the death of his only son, since I found it too passive. My vote is eight.

Title (Brazil): "Os Nibelungos  Parte II: A Vingança de Kriemshild" ("The Nibelungen Part II: Kriemhild's Revenge")


text:
Ik heb deze film gisteravond gezien in een speciale bioscoop in Nherrnberg, en hij was fantastisch. Ik moet toegeven dat de oorspronkelijke muziek van de cellospeler en de percussionist de stemming van de film beïnvloedde, maar de film zelf had ook kracht door zijn weergave van de tragische Nibelungen-saga.
Als u geïnteresseerd bent in stomme films of in het Nibelungenlied, kan ik deze film van harte aanbevelen. De kostuums waren fantastisch en creatief, de decors waren weelderig en exotisch, en het acteerwerk was dramatisch en adembenemend (zoals typerend is voor 'tragedies' in stomme films). Helaas heb ik het eerste deel van dit filmduo dat over Siegfried gaat niet gezien. Het verhaal gaat over de dood van Gudrun, die in de Noordse versie van het verhaal wraak begint te nemen op haar broers.
Ik heb deze film ook in het Duits gezien; ik spreek Engels en heb een basiskennis van het Duits. Het was aanvankelijk moeilijk om de ondertitels te lezen (hoe noem je dat in een stomme film?) vanwege het oude, stijlvolle Duitse schrift, dus ik raad je aan om, als je de film in het Duits bekijkt, ervoor te zorgen dat je de k's, d's en s'en in het oude schrift kunt onderscheiden.)

text_en:
I saw this film last night at a special movie theater showing in Nürnberg, and it was superb. I do have to admit that the original music composition of the cello player and percussion/xylophone player influenced the mood of the film, but the film itself also had force in its portrayal of the tragic Nibelungen saga.

If you are interested in silent films or in the Nibelungenlied, I highly recommend this film. The costumes were fantastic and creative, the sets were opulent and exotic, and the acting was dramatic and breathtaking (as is typical of silent film "tragedies") Unfortunately, I have not seen the first part of this film duo that concerns Siegfried. The story of this second film begins after Siegfried's death, when Kremhild (Gudrun in the Norse versions of the story) begins to plan her revenge against her brothers.

Also, I watched this film in German; I am a native English speaker and have a basic German knowledge. It was difficult to read the ?subtitles (what do you call that in silent films?) at first because of the old style German script, so I advise that if you watch it in German that you make sure you can differentiate your "k's", "f's", and "s's" in the old script. :)


text:
Zie ook mijn commentaar op Die Nibelungen, deel 1: Siegfried.
Het tweede deel van de gigantische productie van de Nibelungen door de UFA-studio gaat op de gestileerde, symfonische en emotioneel afstandelijke manier van zijn voorganger verder. Maar terwijl deel 1 een passieloze weergave was van individuele heldendaden, is deel 2 een chaotische weergave van bloedvergieten op grote schaal.
Net als in deel 1 houdt regisseur Fritz Lang een doorlopend dynamisch ritme aan, waarbij het tempo van de actie en de complexiteit van de compositie soepel op- en neergaan naar gelang de toon van de scène vereist. Deze beelden mogen alleen bekeken worden met de perfecte opname van Gottfried Huppertz, die gelukkig op de Kino-dvd staat. Nu, met deze focus op massale actie, wordt Lang met grotere uitdagingen geconfronteerd bij het regisseren. De actiesequenties in zijn eerste gelaatstrekken waren vaak slecht geconstrueerd, maar nu maakt hij ze eenvoudigweg deel van die ritmische stroom, waarbij het niveau van activiteit op het scherm aanzwol als een orkest.
Maar net zoals deel één ons zakelijk en zonder opwinding getuige liet zijn van Siegfrieds avonturen, presenteert deel twee oorlog als een vernietigende tragedie. In beide foto's is er een opzettelijk gebrek aan emotionele band met de personages. Daarom houdt Lang de camera meestal buiten de actie, zodat we nooit het gevoel krijgen dat we erbij zijn (en dat is belangrijk, omdat het betrekken van het publiek normaal gesproken een onderscheid is van Langs werk). En dat is ook de reden waarom de voorstellingen onnatuurlijk theatraal zijn, met acteurs die als geconstipeerde slaapwandelaars heen en weer slingeren.
Niettemin heeft Kriemhilds wraak voortdurend met emoties te maken, en is hij in feite diep humanistisch. Het enige moment van naturalisme is wanneer Atilla zijn pasgeboren zoontje voor het eerst vasthoudt, en Lang legt de nadruk op de tederheid van deze scène door er met de wilde, uitzinnige rit van de hunnen de nadruk op te leggen. Het punt is dat Lang ons nooit manipuleert om partij te kiezen, en in dat opzicht heeft deze versie meer gemeen met de oorspronkelijke saga dan met de opera van Wagner. De climax van de slachting is precies het tegenovergestelde van een opwindende strijdscène. Waarom dan wel met Hitler en consorten? 'Omdat de onwrikbare raciale ideologie van de nazi's ervoor zorgde dat ze de Nibelungen automatisch als de goeden beschouwden, ook al vermoordden ze baby's en verrieden ze hun eigen familie. Voor Hitler zou hun ondergang altijd een nationalistische tragedie zijn, geen menselijke.'
'Maar voor ons, niet-nazi-kijkers, is het mooie gevoel van pracht en praal en muzikaal ritme wat deze film zo leuk maakt. Als je deze volledig ontwikkelde zwijgende films van Lang ziet, besef je hoeveel hij in Hollywood verspild heeft.' In plaats van hem op te zadelen met goedkope pannenkoekenpannenkoeken, hadden ze hem aan het werk moeten zetten met een paar van die zwaard-en-zand-epieken, films die niet geloofwaardig hoeven te zijn en ons niet emotioneel hoeven te raken, waar het de poëtische, opera-achtige tragiek is die ons meesleurt.

text_en:
Please see also my comment on Die Nibelungen part 1: Siegfried.

The second part of UFA studio's gargantuan production of the Nibelungen saga continues in the stylised, symphonic and emotionally detached manner of its predecessor. However, whereas part one was a passionless portrayal of individual acts of heroism, part two is a chaotic depiction of bloodletting on a grand scale.

As in part one, director Fritz Lang maintains a continuous dynamic rhythm, with the pace of the action and the complexity of the shot composition rising and falling smoothly as the tone of each scene demands. These pictures should only be watched with the note-perfect Gottfried Huppertz score, which fortunately is on the Kino DVD. Now, with this focus on mass action, Lang is presented with greater challenges in staging. The action sequences in his earliest features were often badly constructed, but now he simply makes them part of that rhythmic flow, with the level of activity on the screen swelling up like an orchestra.

But just as part one made us witness Siegfried's adventures matter-of-factly and without excitement, part two presents warfare as devastating tragedy. In both pictures, there is a deliberate lack of emotional connection with the characters. That's why Lang mostly keeps the camera outside of the action, never allowing us to feel as if we are there (and this is significant because involving the audience is normally a distinction of Lang's work). That's also why the performances are unnaturally theatrical, with the actors lurching around like constipated sleepwalkers.

Nevertheless, Kriemhild's revenge does constantly deal with emotions, and is in fact profoundly humanist. The one moment of naturalism is when Atilla holds his baby son for the first time, and Lang actually emphasises the tenderness of this scene by building up to it with the wild, frantic ride of the huns. The point is that Lang never manipulates us into taking sides, and in that respect this version has more in common with the original saga than the Wagner opera. The climactic slaughter is the very antithesis of a rousing battle scene. Why then did Hitler and co. get so teary-eyed over it, a fact which has unfairly tarnished the reputation of these films? Because the unwavering racial ideology of the Nazis made them automatically view the Nibelungs as the good guys, even if they do kill babies and betray their own kin. For Hitler, their downfall would always be a nationalist tragedy, not a human one.

But for us non-nazi viewers, what makes this picture enjoyable is its beautiful sense of pageantry and musical rhythm. When you see these fully-developed silent pictures of Lang's, it makes you realise how much he was wasted in Hollywood. Rather than saddling him with low-budget potboilers, they should have put him to work on a few of those sword-and-sandal epics, pictures that do not have to be believable and do not have to move us emotionally, where it's the poetic, operatic tonality that sweeps us along.


text: In sommige opzichten overstijgt _De wraak van Kriemhild_ Siegfrieds dood, maar het verliest ook iets van de grootsheid van die film. De plot van deze film is samenhangender dan die van de eerste, wat heel verbazingwekkend is. De tweede helft van het eigenlijke gedicht is een stuk slordiger en een stuk moeilijker door te komen, dat wil zeggen tot je bij de climax van de strijd komt; alleen die van de _Ilias_ zijn beter. Lang en Harbou verfraaiden de Hunnen. De dichter-componist van het _Nibelungenlied_ kon geen Hun van zijn rechterbal onderscheiden, en als gevolg daarvan zijn ze min of meer hetzelfde als de Bourgondiërs. Het eerste wat ze doet als ze in Hunland komt, is naar de mis gaan. De Hunnen hier zijn duidelijk heidenen; ze lijken bijna op holenmensen. De beschrijving van hen is hilarisch, vooral van Verbal, de nar, die twee prachtige scènes heeft. Etzels personage heeft meer gewicht gekregen. Hij is veel ontzagwekkender. Het enige wat hij doet is zijn lot betreuren in het oorspronkelijke gedicht. Lang en Harbou zijn meesters in het opbouwen van spanning, vooral bij de banketscène, die met Verbals tweede optreden wordt doorgetrokken naar een verbazingwekkend effect. Maar zoals de aard van deze helft van het gedicht, zo is de film.' Het enige waar ik bezwaar tegen heb, is de manier waarop Harbou het einde verandert. SPOILERS: in het gedicht worden Hagen en Gunther, nadat Hildebrand hen gevangen heeft genomen, gevangengezet. Kriemhild bezoekt Hagen in zijn cel en eist dat hij vertelt waar hij de horde heeft verborgen. Hij weigert en zij onthoofdt zelf haar broer. Wanneer Hagen nog steeds weigert, onthoofdt zij hem. Hildebrand (of misschien Dietrich) walgt zo van het feit dat een vrouw het in haar hoofd haalt een grote krijger te vermoorden, dat hij haar op zijn beurt onthoofdt en haar een 'Duivelse Vrouw' noemt. Etzel, die in het gedicht veel zwakker is dan hier, zegt iets onnozels als: 'Ach, mij!' Ik kan wel begrijpen waarom ze een eenheid van tijd en plaats wilden behouden terwijl Hildebrand hen uit het kasteel wegvoerde; als ze de gevangenisscènes van de twee sterfgevallen hadden aangehouden, zou de film een anticlimax zijn geweest. Ik begrijp ook waarom ze Kriemhild niet door Hildebrand lieten vermoorden: zijn personage is hier veel minder sterk; zijn naam wordt maar één keer genoemd. Maar om Kriemhild zelfmoord te laten plegen en de dood van Brynhild te laten overnemen door IJslandse bronnen, is alleen maar bedoeld om het publiek te lokken in plaats van het uit te dagen. De bedoeling van het gedicht is dat Kriemhilds toorn veel verder gaat dan zou mogen in het rijk van het pure kwaad. Hier laten we haar gewoon sterven voor haar verloren liefde. Dat is niet zo interessant.

text_en: In some ways, The Wrath of Kriemhild surpasses Siegfried's Death, but it also loses some of that film's greatness. The plot of this one is more cohesive than the first, which is quite amazing. The second half of the actual poem is a lot sloppier and a lot harder to tread through, until, that is, you get to the climactic battle scenes; only the Iliad's are better. Lang and Harbou embellished the Huns. The poet-compiler of the Nibelungenlied didn't know a Hun from his right ball, and as a result they are, more or less, the same as the Burgundians in custom. For example, although the poet clearly describes Etzel as a heathen (which is Kriemhild's main concern as Rudiger tries to persuade her to marry him), when she gets to Hunland, the first thing she does is go to mass. The Huns here are clearly heathens; they're almost like caveman. The depiction of them is hilarious, especially Verbal, the jester, who has two marvelous scenes. Etzel's character has been given more weight. He is much more formidable. All he does is bemoan his fate in the original poem. Lang and Harbou are masterful at building suspense, especially at the banquet scene, which is intercut with Verbal's second performance to an amazing effect. However, as is the nature of this half of the poem, the film's amazing technical accomplishments are missing in this one, for the most part, except for a dazzling sequence where Etzel's hall burns down with the Nibelungs inside. The one thing I do have to object to is the way Harbou changes the ending. SPOILERS: in the poem, after Hildebrand captures Hagen and Gunther, they are imprisoned. Kriemhild visits Hagen in his cell and demands that he reveal where he has hidden the horde. He refuses and she herself decapitates her brother. When Hagen still refuses, she decapitates him. Hildebrand (or possibly Dietrich) is so disgusted that a woman would presume to murder a great warrior that he, in turn, decapitates her, calling her a "Devil Woman". Etzel, who is much weaker in the poem than he is here, says something silly like: "Ah me!" I can understand why they would want to keep a unity of time and place as Hildebrand brings them from the castle; to retain the prison settings of the two deaths would make the film very anticlimactic. I also understand why they didn't have Hildebrand kill Kriemhild: his character is much reduced here; his name is only mentioned once. But, to have Kriemhild kill herself, adopting Brynhild's death from the Icelandic sources, is just catering to the audience instead of challenging them. The point of the poem is that Kriemhild's wrath goes far beyond it should into the realm of pure evil. Here, we simply have her die for her lost love. It's not as interesting.


text:
Eindelijk werd mijn wens vervuld om deze film in een bioscoop te zien. Ik had de film van Fritz Lang een paar jaar geleden op video gezien. Ik had gehoopt dat de ideale omstandigheden voor het bekijken van de film hun toverkracht zouden doen gelden.
De omstandigheden waren ideaal in de Cinémathèque Ontario. Pristine full-length. Tussentitels in het oorspronkelijke gotische Duits met simultaanvertaling in het Engels, accuraat zonder al te letterlijk te zijn. Live pianobegeleiding. Ideaal.
De toverkracht van de film sputterde een tijdje, maar slaagde er uiteindelijk niet in om aan te slaan, in elk geval niet bij mij.
Deze film heeft geen echt verband met Wagners Ringcyclus, zoals ik al wist, maar sommigen misschien wel. Wagner had de 13e  c. Niebelungenlied voor zijn eigen doeleinden aangepast. Deel I van Fritz Langs epos - 'Siegfried' Het verhaal van Kriemhild, Kriemhilds Wraak, is het verhaal van Siegfrieds vrouw Kriemhild, haar huwelijk met koning Etzel (Attila) de Hun, en haar verlangen om wraak te nemen op Hagen en Gunther, de herdoopte Nibelungen, voor de moord op Siegfried. De spectaculaire vuurzee in deze film heeft zich waarschijnlijk in de Wagneriaanse mythe ontwikkeld en uitgebreid tot zijn Gdetterd und Von G<0xC3><0xB6>tterd<0xC3><0xA4>mmerung, zijn Godenschemering, en het einde van het Walhalla. Deze film is nog steeds aan de aarde gebonden.
Het grootste deel van de film is spectaculair. De enorme decors wedijveren met die van 'Cabiria' (1914) die Griffiths 'Intolerant' (1916) inspireerde. Hun decoraties geven een nieuwe dimensie aan de barbaarse pracht. Er is een enorme cast van gehavende, schurftige Hunnen en art-deco Bourgondiërs. En veldslagen. Strijd die nooit lijkt te eindigen.
Kriemhild heeft veel succes met haar wraakplan. Ze slaagt erin alles om zich heen te vernietigen. Haar trouw aan haar martelaar Siegfried lijkt niet zozeer voort te komen uit liefde, of toewijding, maar eerder uit iets dat dichter bij psychose ligt. Lady Macbeth riep uit: 'Maak me hier los!' Ze wist dat ze emotioneel onvoorbereid was op wat ze moest doen. Maar Kriemhild vertoont geen normale menselijke emoties, en zeker niet iets wat in overeenstemming is met het vrouwelijke principe. Ze is al 'vol van afgrijselijke wreedheid', om Shakespeares woorden te gebruiken, vanaf het begin. Margarethe Schondan en haar regisseur brengen dit met een dreigende blik over. Ik wil niet overdrijven, maar die dreigende blik is praktisch de enige uitdrukking die ooit 'bezield' is geweest. Het gezicht van Kriemhild. Dat is het toppunt van een-op-een-scènes. Maar het is duidelijk opzettelijk, niet alleen maar een geval van slecht acteren.
Wat we dan te bieden hebben is een eendimensionale schets van een wraakzuchtige furie. Sommigen zien Kriemhild misschien als een krachtige heldin. Ik zie de film alleen maar als vrouwenhaatdragend.

text_en:
I finally got my wish to see this one in a cinema. I'd seen Fritz Lang's film on video some years ago. I'd been hoping that ideal screening conditions would work their magic.

Conditions were ideal at Cinematheque Ontario. Pristine full-length print. Intertitles in the original Gothic-script German with simultaneous English translation, accurate without being too literal. Live piano accompaniment. Ideal.

The film's magic sputtered for a little while but ultimately failed to catch, at least for me.

This film bears no real relation to Wagner's Ring cycle as I already knew but some may not. Wagner had adapted the 13th c. Niebelungenlied to his own purposes. Part I of Fritz Lang's epic -- "Siegfried" -- has much that will be familiar to listeners of Wagner however.

"Kriemhild's Revenge" is the story of Siegfried's wife Kriemhild, her marriage to King Etzel (Attila) the Hun, and her desire for revenge against Hagen and Gunther, the rechristened Nibelungs, for the murder of Siegfried. The spectacular conflagration in this film presumably evolved and expanded in the Wagnerian mythos into his Götterdämmerung, his Twilight of the Gods, and the end of Valhalla. This film remains earthbound.

Most of the film is spectacular. The massive sets rival those of "Cabiria" (1914), which inspired Griffith's "Intolerance" (1916). Their decoration sets a new benchmark in barbaric splendour. There's a huge cast of scarred, mangy Huns and Art Deco Burgundians. And battles. Battles that never seem to end in fact.

Kriemhild is very successful in her plan of revenge. She manages to destroy all around her. Her loyalty to her martyred Siegfried seems not to stem so much from love, or devotion, but from something closer to psychosis. Lady Macbeth cried out, "Unsex me here." She knew she was emotionally unprepared for what she needed to do. But Kriemhild displays no normal human emotions, and certainly nothing one equates with the feminine principle. She is already "top full of direst cruelty", to borrow Shakespeare's phrase, from the outset. Margarethe Schön and her director convey this with a glower. I don't want to exaggerate, but that glower is virtually the only expression ever to "animate" Kriemhild's face. It's the ultimate in one-note performances. It's clearly intentional however, not simply a case of poor acting.

What we have then on offer is a one-dimensional sketch of an avenging Fury. Some might see Kriemhild as an empowered heroine. I just see the film as misogynistic.


text: Fritz Langs Duitse middeleeuwse sage gaat verder in Die Nibelungen: Kriemhilds Rache (1924). Kriemhild (Margarete Schoen) wil haar vermoorde echtgenoot, Siegfried, wreken. Haar broer is te zwak om de vermoorde Hagen voor het gerecht te brengen. Kriemhild trouwt met Etzel, de koning van de Hunnen (Rudolf Klein-Rogge). Ze schenkt het leven aan een kind en nodigt haar broers uit voor een feest. Etzel en de andere Hunnen moeten Hagen doden, maar hij wordt door zijn broers beschermd. We zien hoe een enorme strijd om leven en dood begint, en zij steekt het hele huis in brand. Uiteindelijk is Hagen dood, en Kriemhild ook. Deze films gaan over grote thema's, zoals wraak en onsterfelijke liefde. Natuurlijk hebben we later betere films over die onderwerpen gezien, maar dit was een van de eerste.

text_en: Fritz Lang's German medieval saga continues in Die Nibelungen: Kriemhilds Rache (1924).Kriemhild (Margarete Schoen) wants to avenge her murdered husband, Siegfried.Her brother is too weak to bring the murdered, Hagen, to justice.Kriemhild marries Etzel, the King of the Huns (Rudolf Klein-Rogge).She gives birth to a child, and invites her brothers for a party.Etzel and the other Huns should kil Hagen, but he is protected by his brothers.We see a huge battle of life and death begins, and she sets the whole place on fire.Eventually Hagen is dead, and so is Kriemhild.These movies deal with great themes, such as revenge and undying love.Sure we have later seen some better movies made of those topics, but this was one of the early ones.


text: In 'Die Nibelungen: Siegfried' werd Siegfried verraden. Nu is Kriemhild op wraak uit. Ze trouwt met Hagen en door een reeks gebeurtenissen komt ze ten slotte tot een zeer drastische (maar passende) actie aan het eind.<br />Een van de dingen die we tegenwoordig in deze film kunnen zien, is dat we bepaalde beelden kunnen zien. Attila de Hun (in de film genaamd Etzel) wordt getoond als de vreemde persoon uit het oosten, mogelijk een toespeling op de Sovjet-Unie. Het was natuurlijk niet Fritz Langs schuld dat Hitler 'Het Nibelungenlied' gebruikte voor de Duitse nationale trots in het Derde Rijk, maar je kunt zien wat de F<0xC3><0xBC>hrer leuk vond aan het verhaal. Niettemin is dit een absoluut formidabele film.

text_en:
In "Die Nibelungen: Siegfried", Siegfried was betrayed. Now, Kriemhild seeks revenge. She marries Hagen, and through a series of events, finally engages in a very drastic (but fitting) action at the end.

One of the things about watching this movie nowadays is that we can look at certain portrayals. Attila the Hun (called Etzel in the movie) is shown as the strange person from the east, possibly an allusion to the Soviet Union. Obviously, it was not Fritz Lang's fault that Hitler used "The Nibelungenlied" for German national pride in the Third Reich, but one can see what the Fuhrer liked about the story. Nonetheless, this is an absolutely formidable movie.


text: Grote finale en mooie decors helpen deze vaak trage film aangenaam te houden. Af en toe keek ik op mijn horloge, hoewel er genoeg gedenkwaardige momenten waren om de film nog dagen na het kijken in mijn geheugen te prenten. Het einde zou zelfs degenen die bekend zijn met de verhaallijn van Nibelungen moeten verbazen.

text_en: Great battle finale and nice sets help keep this often-slow movie enjoyable. At times it had me checking my watch, although there were enough memorable moments to make the film stand out in my mind days after watching it. The ending should surprise even those familiar with the Nibelungen story line.


text: Ik laat deze film zien aan studenten spraak- en mediarecht, omdat de lessen tijdloos zijn: waarom het uiten van je mening over onrecht belangrijk is en de veranderingen teweeg kan brengen waar de onderdrukten naar op zoek zijn. Waarom vrijheid van meningsuiting en vrijheid van meningsuiting essentieel zijn voor een democratie. Dit is een must <0xE2><0x80><0x93> zie het verhaal hoe apartheid onder de aandacht van de wereld werd gebracht door het activisme van Steven Biko en de journalistiek van Donald Woods. Het geeft ook een belangrijke les over vrijheid van meningsuiting: 'Je kunt een kaars uitblazen, maar je kunt geen vuur uitblazen. Als de vlam eenmaal begint te flakkeren, blaast de wind hem hoger.' (Uit Biko van Peter Gabriel, over het schudden van de boom).

text_en: I show this film to university students in speech and media law because its lessons are timeless: Why speaking out against injustice is important and can bring about the changes sought by the oppressed. Why freedom of the press and freedom of speech are essential to democracy. This is a must-see story of how apartheid was brought to the attention of the world through the activism of Steven Biko and the journalism of Donald Woods. It also gives an important lesson of free speech: "You can blow out a candle, but you can't blow out a fire. Once the flame begins to catch, the wind will blow it higher." (From Biko by Peter Gabriel, on Shaking the Tree).


text: Deze film is eenvoudigweg briljant. De cinematografie is goed, de acteurs zijn uitmuntend en het verhaal is absoluut adembenemend. Dit is het verhaal van Donald Woods, een blanke Zuid-Afrikaan die dacht dat hij liberaal was tot hij de realiteit van de apartheid ontdekte. Kevin Kline is volkomen overtuigend, zozeer zelfs dat ik Donald Woods zelf herkende toen hij een paar jaar later op de televisie verscheen. Denzel Washington levert ook een meesterlijke prestatie, zoals altijd.<br />Ik verzoek u dringend om hiernaar te kijken. Het is een lang verhaal, maar het is het wachten waard omdat het zo'n ongelooflijk verhaal vertelt. Denk eraan, mensen, dit is echt gebeurd.

text_en:
This film is, quite simply, brilliant. The cinematography is good, the acting superb and the story absolutely breathtaking. This is the story of Donald Woods, a white South African who thought himself a liberal until he found out the reality of apartheid. Kevin Kline is completely convincing - so much so that when Donald Woods himself appeared on TV some years later, I recognised him from Kline's portrayal. Denzel Washington also turns in a masterful performance, as ever.

I urge you to watch this. It is long, but it is worth your patience because it tells such an incredible story. Remember, folks, this really happened.


text:
Als het verhaal van Steve Biko <0xE2><0x80><0x93> uitstekend gespeeld door Denzel Washington, zoals te verwachten was <0xE2><0x80><0x93> was dit in feite meer het verhaal van Donald Woods, gespeeld door Kevin Kline.
Dit was ongetwijfeld Kline als serieuze acteur, en hij was verbazingwekkend goed in die rol.
Attenborough gaf dit het soort richting dat je zou verwachten, en de vaak spectaculaire scènes van de massa waren van het soort dat alleen hij kan overbrengen.
De rest van de cast was bekwaam genoeg en leverde goed werk, in wat eindigt als een uiteindelijk droevig verhaal over een Zuid-Afrika dat nog lang niet het verre verleden is.

text_en:
Billed as the story of Steve Biko -- played excellently by Denzel Washington, as you'd expect -- this was actually more the story of Donald Woods, played by Kevin Kline.

This was undoubtedly the making of Kline as a serious actor, and he was surprisingly good in the role.

Attenborough gave this the sort of direction you'd expect, and the often spectacular scenes of the masses were those of the sort that only he can get across.

The remainder of the cast was competent enough and did a good job, in what ends up as an ultimately sad tale of a South Africa that is still nowhere near the distant past.