text: Het hoofdthema van deze Dirty Harry is dat wraak een gerecht is dat het best koud geserveerd kan worden. Sandra Locke is in deze film net zo koud als ze mooi is. Locke is normaal gesproken een '8', maar met een dodelijk pistool in haar tas, 'gespannen' voor de slechteriken, klimt ze helemaal omhoog naar een '10'. Nadat ze een paar jaar geleden samen met haar jongere zus is verkracht, heeft Locke als Jennifer Spencer geprobeerd de aanval zo goed mogelijk uit haar leven te bannen. Maar haar zus is als gevolg van het trauma bijna comateus, dus de herinnering is nooit ver uit haar gedachten. Op een dag ziet Jennifer een van haar aanvallers op straat in S.F. Ze koopt een pistool, volgt hem naar een bar, laat zich door hem oppikken, en als ze alleen in zijn Cadillac zitten en beginnen te vrijen, schiet ze hem neer... een keer in zijn genitaliën, een keer in zijn hersenen - dit in de openingsscène! Je moet wel van deze pittige dame houden. Ze heeft haar prioriteiten op een rijtje. Bovendien is Jennifer een professionele kunstenares, die haar woede tot nu toe op het doek heeft gezet. Nadat ze haar eerste dader heeft geëxecuteerd, kijkt Jennifer nieuwsgierig toe hoe rechercheur Harry Callahan de nieuwe plaats delict bekijkt nadat het lichaam in de Caddy is gevonden. Dan beledigt ze een paar enge tieners die vrouwen op straat lastigvallen, bezoekt haar zus in een verpleeghuis en gaat op jacht in San Paolo, CA.' Met meer kogels in haar koffer en meer vastberadenheid in haar geest, herleeft onze heldin de verkrachting in haar hoofd met een levendige herinnering, terwijl ze steeds dichter bij de executie van elke volgende verkrachter komt. Het is niet ongewoon voor ons rechtse kiezers om, als het gaat om het veroordelen of executeren van een gewelddadige misdadiger, niet te treuren om zijn eigen ellendige menselijkheid, we herinneren ons de misdaad en het misdrijf dat hij heeft gepleegd. Zulke herinneringen zetten Jennifer ertoe aan om op elk van haar aanvallers de trekker over te halen <0xE2><0x80><0x93> een keer in de genitaliën, een keer in de hersenen. Gedurende de film worden scènes van Jennifers wraak afgewisseld met goede, zoals Dirty Harry die een paar gangsta's in een cafetaria neerschiet, vergeet dat niet.' Ga je gang. Maak mijn dag goed.'? Later dreigt hij in de lift van het gerechtsgebouw op een punker te gaan staan (die net Callahan had beledigd) zoals hij op een hond zou gaan staan... en laat hij een jonge overheidsmedewerker achter die Clint nastaart alsof ze wil zeggen: 'Ik wil je baby krijgen.' Mijn favoriete scène begint ongeveer 30 minuten na het begin, als Harry een moorddadige maffiabaas, Threlkis, bedreigt en angst aanjaagt, zodat hij een fatale hartaanval krijgt tijdens de huwelijksreceptie van zijn kleindochter in het Mark Hopkins-hotel. In twee dicht opeengepakte scènes proberen trawanten Harry te vermoorden, en de meeste schurken komen op een gruwelijke manier aan hun eind. Ja, een deel van het geweerspel komt over als ongeïnspireerd geweld op het scherm... Clint the Director ziet er misschien uit alsof hij moe is geworden van het filmen van deze film. Maar er zijn maar een paar manieren waarop je een man met kogels kunt uitschakelen. De punkers sterven echter veel creatiever, omdat ze allebei verbranden en verdrinken in S.F. Bay. Dat doet mijn hart goed. Met zoveel gewelddadige bedoelingen voor insp. Callahan, sturen zijn bazen hem naar San Paolo om te proberen wat achtergrondinformatie te krijgen over de "22-kaliber vasectomie-moord" als Jennifer Spencer. De misdaad is nu bekend, maar niet voordat Harry een van zijn beroemde preken tegen de liberalen met hun soephoofd heeft afgestoken. Ik hou van die Harry. Terwijl onze held de plaatselijke politie en burgers in San Paolo ergert, vinden er nog twee moorden plaats, dezelfde modus operandi, op een louche, luie visser en op een al even louche hardware-ondernemer. Dan ontmoet Harry Jennifer! Ze komen erachter dat ze het allebei eens zijn over onderwerpen als _Law and Order, Making the schuldige pay_ enzovoort. Zou er binnenkort een hete liefdesscène in de maak zijn? We worden gedwongen dat te geloven. Er zijn veel personages in dit misdaaddrama _Real-Man meets Real-Woman_, en we leren een brutale pot genaamd Raye Parkins kennen die zowel irritant als onderhoudend is. Raye heeft Jennifers verkrachting jaren geleden geregeld voor haar 'vriendje', en zij...' Het hoofd van de politie van San Paolo, gespeeld door de betrouwbare Eastwood-collega Pat Hingle (de hangende rechter uit 'Hang Em High'), is op een vreemde manier in tegenspraak met Callahans speurwerk naar de vasectomieën van 22 jaar geleden, totdat we ontdekken dat zijn eigen puberzoon tot de bende van verkrachters behoorde. Net als Jennifers zus is de zoon van commissaris Janning nu een comateuze volwassene, maar wordt hij door schuldgevoelens tot waanzin gedreven. Maar het kan hier niet eindigen. De vriend van de verkrachter van de pot, Mick, is nu een perverse hufter van een misdadiger, die uit Las Vegas is overgekomen omdat Raye Jennifer een kwartje in de hand heeft gedrukt en hem naar San Paolo heeft gestuurd om nog meer executies te voorkomen. Voordat hij meer tijd met Raye kan doorbrengen, wordt hij gearresteerd, voornamelijk omdat ze door een schot uit Jennifers revolver naar het Eiland van de Eeuwige Lesboes is gestuurd. Psycho Mick komt eindelijk op borgtocht vrij, terwijl Jennifer het op hem gemunt heeft. Er volgt een wanhopige achtervolging, waarbij Harry probeert te voorkomen dat die twee elkaar vermoorden. Uiteindelijk komt het allemaal goed, want de brave meid en de brave man lopen samen de zonsondergang in, op weg naar een prachtig bluesnummer van Roberta Flack.

text_en: Main theme in this Dirty Harry is that revenge is a dish best served cold. Sandra Locke is as cold in this film as she is beautiful. Locke is an "8" normally, but, with a deadly pistol in her purse, "cocked" for the bad guys, she climbs all the way up the scale to a "10". Having been gang-raped, along with her younger sister, some years ago, Locke, as Jennifer Spencer, has tried to block out the attack from her life, as best she can. Her sister, tho, is almost comatose as a result of the trauma, so the memory is never far from her mind. One day, Jennifer sees one of her attackers on the street in S.F.; she buys a pistol, follows him to a bar, lets him pick her up, then when they're alone in his Cadillac, beginning to make love, she shoots him....once in the genitals, once in the brain - - this in the opening scene!! Ya gotta love this spunky lady. She's got her priorities straight. Plus, Jennifer is a professional artist, putting all her anger on canvas UNTIL NOW. After executing her first perp, Jennifer curiously watches Det. Insp. Harry Callahan process the fresh crime scene after the body is found in the Caddy. Then, she insults some creepy teenage bucks who are hassling women on the street, visits her sister in a nursing home, then goes a'hunting in San Paolo, CA "up the coast" where the rape event took place years ago. With more bullets in her suitcase and more resolve in her mind, our heroine relives the rape inside her head with vivid recall, as she comes closer to executing each subsequent rapist. Not uncommon to us right- wingers, when it comes to sentencing or executing a violent criminal, don't be sorrowful for his own wretched humanity, we REMEMBER the CRIME and the SUFFERING he inflicted. Such recalled events steels Jennifer to pull the trigger on each of her attackers - once in the genitals, once in the brain. Throughout the movie, scenes of Jennifer's revenge are interspersed with good, IL' Dirty Harry blowing away some gangstas in a coffee shop, remember "Go ahead. MAKE my day."? Later on, he threatens to step on a punk kid (who'd just insulted Callahan) in a courthouse elevator like he'd step on dog- s**t....leaving a young female govt employee staring after Clint as if to say "I want to have your baby." My favorite scene is only about 30 minutes into the action, when Harry threatens and frightens a murderous Mafia boss named Threlkis into a fatal coronary during his granddaughter's wedding reception at the Mark Hopkins hotel. Michael Grazzo (Pantangeli in Godfather II) does a wonderful job as the sinful Mafia Don, even if he's only in one scene, dying in a most-convincing manner. However, Harry's troubles aren't over with yet! The elevator punk's gang AND Threlkis' henchmen each attempt to assassinate Harry in two close-ordered scenes, and most of them bad guys end up dying horribly. Yup, some of the gun-play comes off as uninspired screen violence....looking like Clint the Director may have been tired that day of shooting this movie. But, there's only so many ways you can dispatch a man with bullets. The punk kids die much more creatively, though, as they both burn to death and drown in S.F. Bay. Warms my heart. With so much violent intent directed at Insp. Callahan, his bosses send him to San Paolo to try to get some background on the "22 caliber vasectomy killing" as Jennifer Spencer's crime is now known, but not before Harry delivers one of his famous sermons-to-the- chowder-headed-liberals. Love that Harry. While our hero' up annoying the local cops and citizens in San Paolo, two more murders happen, same M.O., on a sleazy, lazy fisherman and on an equally-creepy hardware entrepreneur. Then Harry meets Jennifer! They find they both agree on subjects such as Law and Order, Making the Guilty Pay, etc. Could a hot, love scene be in the offing soon? We're led to believe just that. Characters abound in this Real-Man meets Real-Woman crime drama, and we get to meet a brassy bull-dyke named Raye Parkins who's both irritating and entertaining. Raye set up Jennifer's rape for her "boyfriend" years before, and she'll get hers eventually. The San Paolo Police Chief, played by reliable Eastwood co-star Pat Hingle (the Hanging Judge in 'Hang Em High'), is strangely at odds with Callahan's detective work related to the 22-cal vasectomies, until we find out that his own adolescent son was one of the gang of rapists. Much like Jennifer's sister, Chief Janning's son is now a comatose adult, but driven mad by guilt. It can't end here, though. The dyke's rapist boyfriend, Mick, now a kinky-sex jerk of a criminal, drives in from Vegas becuz Raye's dropped a dime on Jennifer, summoning him up to San Paolo to prevent more executions. Mick sleeps at Raye's house, but his timing is all wrong, and he's arrested before he can spend more time with Raye, mostly due to the fact that she's since been sent to the Island of the Eternal Lesboes by a shot from Jennifer's revolver. Psycho Mick makes bail at long last, with Jennifer gunning for him. A desperate chase ensues, as Harry tries to keep these two from killing each other. It all turns out well in the end, with the good gal and the good guy walking off into the sunset together to a beautiful Roberta Flack blues song.


text: Deze twee delen waren uitstekend <0xE2><0x80><0x93> de beste sinds de serie was teruggekeerd. Zekere delen van het verhaal waren uit eerdere films geknipt, maar wat tv-series tegenwoordig niet doen. Wat we hier hadden was een geweldig goed sciencefictionverhaal. Een groot (echt eng) monster dat aan de voet van een diepe put gevangen zit, een paar fantastische buitenaardse wezens in The Ood <0xE2><0x80><0x93> de beste 'nieuwe' buitenaardse wezens die de hernieuwde serie heeft opgeleverd, een stel in wezen sympathieke en geloofwaardige menselijke personages (compleet met een paar niet met name genoemde'vervangbare' veiligheidsmensen in ware Star Trek-stijl), een paar grootschalige filosofische thema's (liefde, trouw, geloof, enz.) en een paar eersteklas special effects.<br />Ik genoot van elke minuut hiervan.

text_en:
This two-parter was excellent - the best since the series returned. Sure bits of the story were pinched from previous films, but what TV shows don't do that these days. What we got here was a cracking good sci-fi story. A great big (really scary) monster imprisoned at the base of a deep pit, some superb aliens in The Ood - the best "new" aliens the revived series has come up with, a set of basically sympathetic and believable human characters (complete with a couple of unnamed "expendable" security people in true Star Trek fashion), some large-scale philosophical themes (love, loyalty, faith, etc.), and some top-drawer special effects.

I loved every minute of this.


text: Eerlijk gezegd is dit niet zozeer een 'film' als wel een uitgebreide laatste aflevering; daarmee bedoel ik dat als je de tv-serie ( _Homicide: Life On The Street_ ) niet had gevolgd, ik vermoed dat je het moeilijk zou hebben gevonden om deze film-die-voor-tv is gemaakt te volgen. Dat gezegd hebbende, is _Homicide: The Movie_ nog steeds een geweldig horloge. Ik denk dat het veel zegt over een televisieproductie dat ieder lid van de cast na jaren van afwezigheid terugkeert om opnieuw zijn personage te spelen en een ongelooflijk programma af te sluiten. De film brengt dat gevoel van 'familie' over, niet alleen bij de personages, maar ook bij de acteurs. Het is allemaal erg bitterzoet omdat we weten dat dit de laatste keer zal zijn dat we ze allemaal weer samen zullen zien onder de titel Moordzaak. Wat het verhaal betreft, vond ik deze film een beetje tekortschieten. Giardello's burgemeesterschap lijkt bijzonder gekunsteld, en ik vond dat hij zijn film had kunnen maken binnen de grenzen van zijn normale positie, als luitenant. Ook is de extreme plotwending van det. Bayliss, die aan het eind van de serie bleef hangen, eindelijk opgelost, maar ik vond dat in elk geval nooit nodig; ik vond het heerlijk om met een mysterie achter te blijven (laten we niet vergeten dat de eerste zaak van de allereerste aflevering ook de hele serie door onopgelost is gebleven!). Als door de wol geverfde fan van de tv-serie kan ik van deze film genieten, en ook van het feit dat hij zelfs nog gemaakt is nadat H:LOTS was geannuleerd, maar ik zou hem niet aanbevelen aan iemand die de serie nooit heeft gezien. Als ze hem nou gewoon op dvd uitbrengen...

text_en: In all truth, this really isn't a "movie" so much as an extended final episode; by this I mean that, had you NOT followed the TV series (Homicide: Life On The Street) I suspect that you would have a hard time following this made-for-tv movie. Having said that, "Homicide: The Movie" is still a great watch. I think it says a lot about a television production that EVERY single cast member would return, many after years of absence, to once again portray their characters and bring closure to an incredible program. The movie brings out that sense of "family", not only amongst the characters, but amongst the actors, as well. It's all very bitter-sweet knowing that this will be the LAST time we will see them all together again under the title of HOMICIDE. Story-wise, I found this film somewhat lacking. Giardello's mayoral candidacy seems particularly contrived, and I felt his shooting could've been dealt with within the parameters of his regular position, as Leiutenant. Also, Det. Bayliss's extreme plot twist, which was left hanging at series end, is finally resolved, but I, for one, NEVER felt that it needed to be; I enjoyed being left with a mystery (let us recall that the very first episode's first case also went unsolved for the entire series run!). As a DEVOTED fan of the TV series I can love this movie, and the fact that it even got made after H:LOTS had been canceled, but I would not recommend it to anyone who hasn't had the slightest exposure to the series. Now, if they'd just release it on DVD...


text: Wat kan ik zeggen? Een uitstekend einde van een uitstekend programma! Het heeft nooit de aandacht gekregen die het in Azië verdiende, maar het was verreweg de beste politieserie met de beste tekst en de beste cast. Absoluut! Het einde van een groots tijdperk. Het spijt me dat je weg moet...

text_en: What can I say? An excellent end to an excellent series! It never quite got the exposure it deserved in Asia, but by far, the best cop show with the best writing and the best cast on televison. EVER! The end of a great era. Sorry to see you go...


text: Moordzaken: The Movie bleek een goede afsluiting van een goed geschreven, goed geregisseerde en goed geacteerde serie. Aan het eind van het laatste seizoen waren er losse eindjes die niet op de juiste manier waren afgehandeld. De hele serie, en vooral de film, bood een levensechte kijk op het leven (en de dood) in Baltimore, een cultureel unieke stad met een extreem hoog moordcijfer. Mijn voorliefde voor de serie begon lang voordat ik naar Baltimore verhuisde, maar toen ik het leven hier eenmaal voor mezelf had ervaren, besefte ik hoe realistisch het was. En de film had die geestkracht zeker behouden. Ik zal zeker de nieuwe originele afleveringen van de serie missen, maar ik ben NBC en de producenten en de cast erg dankbaar dat ze ons een laatste blik op de duistere kant van Charm City hebben gegund.

text_en: Homicide: The Movie proved to be a good wrap-up to a well-written, well-directed, and well-acted series. Loose ends were tied up that weren't properly addressed at the end of the final season. The entire series, and especially the movie, provided a life-like look at life (and death) in Baltimore, a culturally unique city with an extremely high murder rate. My attraction to the series began long before I moved to Baltimore, but once I experienced life here for myself, I realized how realistic it was. And the movie certainly retained that spirit. I will certainly miss new original episodes of the series, but am very grateful to NBC and the producers and cast for giving us one last glimpse at the dark side of Charm City.


text:
Na een ruwweg zeven jaar durende, hobbelige weg op NBC, werd besloten nog één super-Installatie te doen. De Series had al verscheidene keren de financiering rond gekregen dankzij het feit dat ze niet over de cijfers beschikten die het tot een kaskraker van een tv-uurtje zouden kunnen bestempelen. Ze hadden altijd een aanzienlijke, harde kern van een harde groep volgelingen gehad.
Het was bijna alsof de serie met de volledige titel 'Moord: Leven op straat' (1993-1999) een soort 'Tussendoortje' van de serie was. Hij was te groot om gewoon maar te annuleren, maar te klein om een geval van 'Rabbijnse Ratio's' af te handelen. Op vrijdagavond hadden ze een paar van de beste en meest gedurfde Artistieken van het Uurlijkse Toneel gepresenteerd. Daar, ik heb het Artistiek, Artistiek! genoemd! Maar denk er alsjeblieft aan dat we het hier over Artistiek hebben, maar niet alleen maar huichelachtig, pretentieus, pietluttig, politiek correct gepredikt.
Toen het eindelijk zeker was dat het einde van de serie Moord in zicht was, werd deze superaflevering voorbereid zoals dit twee uur durende uur voor de tv-film.
Terwijl ze naar alle gebeurtenissen van de afgelopen seizoenen en de stoet van vaste personages keken, ging het productieteam naar buiten en gaf ons wat een extra uitzending bleek te zijn.
Ons verhaal was afgelopen. Als we ons bij het verhaal voegen, zien we dat de commandant van de afdeling Moordzaken in Baltimore, luitenant Al Giardello, met pensioen is gegaan. Maar 'G' is er nog niet klaar voor om echt met pensioen te gaan. Dus in plaats van in een schommelstoel aan een hengel te zitten, zien we dat Al zich kandidaat stelt voor het burgemeesterschap van 'Charm City'.
Als de voormalige inspecteur van de recherche in de City is om een paar campagnetoespraken te houden, krijgt hij de kogel van een moordenaar. Hij leeft nog, maar ligt in coma en wordt naar het ziekenhuis gebracht.
Het nieuws verspreidt zich snel en alsof we officieel zijn ontboden, komen alle rechercheurs van de afdeling Baltimore die we in het programma hebben gezien naar ons toe om hun diensten en hulp aan te bieden. Er vindt een grote bijeenkomst plaats van al deze voormalige en huidige gomschoenen, waarbij ze hun steentje bijdragen en elke aanwijzing en mogelijkheid van een aanwijzing volgen.
De Producer vond een manier om om te gaan met degenen die al eerder waren gestorven door hun herinnering in het verhaal te brengen. Ze slaagden erin enkele lange, staande vragen te beantwoorden en brachten er zelfs een paar in het verhaal die nog niet waren onthuld. Het hele verhaal maakt de serie op een zeer bevredigende en originele manier af. Maar voorlopig laten we dat in ieder geval 'geheim'.
Als we alles in een keurig, klein pakketje verpakken, krijgt deze tv-film beslist onze goedkeuring. Wat betreft het beoordelen van 'de moordfilm' moeten we het zelfs een tien of een tien geven. Maar hoe hoog het cijfer hier ook was, het was niet zo hoog als een normale wekelijkse score.

text_en:
Following a roughly 7 year rocky road on NBC, it was decided to do just one last Super Installment. The Series had been on the bubble several times thanks to not having the numbers that would qualify it as a block-buster of a TV hour. It had always had a sizable, hard core of hard corps of followers.

It was almost as if the series with the full title of "HOMICIDE: LIFE ON THE STREET" (1993-99) was a sort of "Mr. In-Between" of series. It was too big to just cancel, but too small to get a case of 'Rabid Ratings Ravings' over.

During the precarious tenure on Friday evenings, they had presented some of the best and most daringly Artistic of Hourly Dramas. There, I've said it Artistic, Artistic!! But please, remember we mean Artistic, but not just Phony, Pretentious, Pedantic, Politically Correct preaching.

When at last, it was a sure thing that it was the end of the line for "HOMICIDE"; this super episode was prepared as this 2 hour made for TV Movie.

Looking at all the past seasons' happenings and parade of regular characters, the Production team went out and gave us what proved to be a super send off.

OUR STORY. As we join the story, we find that Baltimore Homicide Unit Commanding Officer, Lt. Al Giardello has "pulled the pin", Retired from the job, that is. But 'G' isn't ready to really retire-retire yet. So, instead of a rocking chair o a fishing rod, we find that Al is running for Mayor of 'Charm City.'

While out in the City, making some campaign stops and speeches, the former Detective Lieutenant takes an assassin's bullet. Alive, but in a comatose state, he is taken to the Hospital.

News spreads quickly and as if officially summoned, we find all of the Detectives of the Baltimore Unit we've seen on the show showing up to offer their services and assistance. There is a great meeting of all of these former and present gumshoes as they pitch in and follow every lead and possibility of a lead.

The Producer found a way to deal with those who had died previously in bringing their memory into the story. They managed to answer some long standing questions and even introduced some here to unrevealed ones. The whole story winds up the series in a most satisfying and original way. But at least for now, we'll leave that as "classified".

In wrapping up everything into a neat, little package, this TV Movie surely gets our endorsement. As for grading "THE HOMICIDE MOVIE", we must give it an A or A+, even. But, no matter the Grade here, it didn't score as high as a typical weekly episode.


text: Mijn lievelingsserie bij de politie wordt een tv-film. Werkt het? Ja. Gee doet een gooi naar het burgemeesterschap en wordt neergeschoten. De 'hal van roem' bij Moordzaken duikt op. Pembleton en bijna alle agenten die ooit in deze serie hebben gespeeld. Veel flashbacks helpen wie de tv-series heeft gezien, maar het amuseert ook de fans. De laatste vijf minuten lossen nog een moord op en helemaal aan het eind duiken er zelfs twee dode agenten op. En een korte verschijning van mijn favoriete lijkschouwer Juliana Cox. Dit is een goede film.

text_en: My favourite police series of all time turns to a TV-film. Does it work? Yes. Gee runs for mayor and gets shot. The Homicide "hall of fame" turns up. Pembleton and nearly all of the cops who ever played in this series. A lot of flashbacks helps you who hasn´t seen the TV-series but it amuses the fans too. The last five minutes solves another murder and at the very end even two of the dead cops turn up. And a short appearance from my favourite coroner Juliana Cox. This is a good film.


text: De film was uitstekend, op een paar scènes met Esposito na. Ik vond het leuk dat hij alle rechercheurs van de serie bij elkaar bracht en een paar plotlijnen oploste die tijdens de serie nooit waren opgelost (dankzij NBC...). Het was geweldig om Pembleton en Bayliss op hun menselijkst en meest elementaire wijze samen te zien. Braugher en Secor deden het geweldig, maar zoals gewoonlijk zullen ze over het hoofd worden gezien. Het deed pijn om te zien dat dit het einde van Moordzaken was. Herinneringen, banden en herhalingen van CourtTV zijn niet hetzelfde als het elke vrijdag zien. Maar de film deed zijn werk en deed het heel goed. Hij gaf een geweldige weergave van het leven na Al's pensionering en van de familierelatie die er tussen de eenheid bestond. Ik genoot ervan.

text_en: The movie was excellent, save for some of the scenes with Esposito. I enjoyed how it brought together every detective on the series, and wrapped up some plotlines that were never resolved during the series (thanks to NBC...). It was great to see Pembleton and Bayliss together at their most human, and most basic persons. Braugher and Secor did a great job, but as usual will get overlooked. It hurt to see that this was the end of Homicide. Memories, tapes, and reruns on CourtTV just aren't the same as watching it come on every Friday. But the movie did its job and did it very well, presenting a great depiction of life after Al retired, and the family relationship that existed between the unit. I enjoyed this a lot.


text: Voor iedereen die van de serie hield, is deze film de moeite waard om te zien. Maar hij laat je ook naar meer verlangen. Ik vond het prachtig hoe alle personages (detectives) hun opwachting maakten. In elk geval het einde van wie de vierde stoel bezet houdt want ze laten een reden voor een andere film achter. Ik denk natuurlijk dat het Bayless is. Net als de serie was dit een heel goed in elkaar gezette serie scènes. Dit is een serie waarvan ik wilde dat hij was blijven bestaan. Dankzij de cast voor een geweldige tv-serie.

text_en: For anyone who liked the series this movie will be something to watch. However, it also leaves you wanting more. I loved the way that every character (detective)made an appearance. Least with the ending of who is the fourth chair for they leave a reason for another movie. My guess is Bayless of course. This like the series was a very well put together series of scenes. This is a series I wish had lived on. Thanks to the cast for some wonderful TV.


text: Dit is de laatste aflevering die we verdienden. Aan het eind van het vorige seizoen was er nog een sfeer van 'het leven gaat door', niet bepaald de afronding die deze realistische serie verdiende. Hoewel het geen blije serie was, zette deze serie je wel altijd aan het denken (wat zeldzaam is op televisie), en dit is geen uitzondering. 'Is de dood gerechtvaardigd door redeneren?' 'Is de moraal een afspiegeling van de maatschappij, of wordt de maatschappij gevormd door de moraal die wordt gekozen door de enkelen die aan de macht zijn?' 'Wat is een rechtvaardige dood, en kan die bestaan?' Al deze vragen, en nog meer, worden elke week gesteld door de schrijvers van deze serie, en dit is hun laatste scriptie. Mooi acteerwerk, geweldig camerawerk, geweldig camerawerk, briljante montage, een heldere regie. Als je de serie hebt gezien en je hebt dit gemist toen die voor het eerst werd uitgezonden, zorg dan dat je een kopie te pakken krijgt. Als je de serie nooit hebt gezien toen die voor het eerst werd uitgezonden, dan zal dit vanzelf wel lukken, maar het kan lastig zijn om bij te houden wie alle personages zijn en waar ze in hun verschillende verledens op zinspelen. Voor degenen onder ons die de serie de afgelopen twee seizoenen gretig hebben bekeken, is dit heel bevredigend kijken.

text_en: This is the final episode we deserved. At the end of the last season, things were left in a 'life goes on' mood, which was hardly the wrap-up that this realistic series deserved. While not a happy show, this series was always one that made you think (a rare thing on television), and this is no exception. 'Is death justified by reasoning?' 'Are morals reflective of society, or is society shaped by the morals that are selected by the few in power?' 'What is a just death, and can it exist?' All of these questions, and more, are posed by the writers of this show every week, and this is their final thesis. Fine acting, great writing, wonderful camera-work, brilliant editing, clean direction. If you have seen the series and you missed this when it first ran, then get a hold on a copy somehow. If you never watched the series when it ran, then this will stand up on its own, but it may be heavy going trying to keep up with who all the characters are and what they are alluding to in their varied pasts. For those of us who were avid viewers of the series in the last two seasons, this is very satisfying viewing.


text: Voor alle junkies van Moordzaken was deze film geweldig! Alle personages die ooit in het programma hadden gezeten, kwamen in de film voor. Het hielp om enkele (maar niet alle) problemen uit de serie op te lossen. Helaas zou het meeste plezier verloren gaan als je niet echt naar de serie keek, aangezien de film veel verwijzingen had naar elk seizoen van het programma. Dit zou waarschijnlijk passend zijn geweest als afsluiting van een serie in plaats van een afzonderlijke film, maar we moeten het ermee doen. Ik hoop dat ze meer films maken en personages uit Moordzaken in Law and Order blijven uitzenden.

text_en: For all the Homicide junkies out there, this movie was great! Every single character that ever was on the show made an appearance in the movie. It helped to resolve some (but not all) issues from the series. Unfortunately, unless you actually did watch the series, most of the enjoyment would be lost, as the movie made heavy references to every season of the show's existence. This probably would have been appropriate as a series finale as opposed to being a separate movie, but we gotta take what we can get. I hope they make more movies, and continue to feature Homicide characters on Law and Order.


text: HLOTS was een uitmuntende serie, het is wat NYPD Blue nooit zal zijn, bij HLOTS zijn de intriges echt, de dialogen zijn echt, de relaties zijn echt. Met HLOTS weer als film, met alle losse eindjes, was het goed om de hele bende weer bij elkaar te hebben, zelfs een paar die verdwenen (wil niet zeggen hoe). De verhaallijn was snel, emotioneel en vol van de geestdrift die de serie week in week uit had. Moord, Leven op straat, Netwerk-drama op z'n best!!!! 5 Sterren!!!! Duimen omhoog en zo. Bedankt NBC dat we de Eindelijk hebben we die niet gekregen!

text_en: HLOTS was an outstanding series, its what NYPD Blue will never be, on HLOTS the plots are real, the dialog is real, the Relationships are real. With HLOTS back as a movie, Tying up all the loose ends, it was good to have all the gang back together, even a few that passed away show up (wont say how) The storyline was fast paced, emotional and full of the spirit the series had week in and week out. Homicide , Life on the Streets, Network drama at Its BEST!!!! 5 STARS!!!! Thumbs UP and all That. Thanks NBC for giving us the Finally we didn't get!


text: Nou, aangezien ik een grote fan van H.LOTS ben, vond ik de film misschien wel leuker dan normale mensen. Maar deze film is nog steeds uitstekend. Hij had een heleboel verrassingen en gaf de serie een beetje meer afsluiting. Hoewel ik verdrietig was dat Bayliss in een moordenaar was veranderd, was ik over het geheel genomen tevreden.

text_en: ***SPOILERS*** ***SPOILERS*** Well, seeing as I am a major H:LOTS fan, maybe I liked the movie more than normal people would. However, this movie is still excellent. It had tons of surprises, and it gave some more closure to the series. While I was sad that Bayliss turned into a murderer, the overall feeling I felt was satisfied.


text:
Niet alleen was deze film beter dan het hele laatste seizoen van H.LOTS. Maar hij was beter dan alle films die ik ooit voor de tv heb gezien!
Als ik naar de 'top 250' kijk, zie ik dat er maar één kleine film in zit: How the Grinch Stole Christmas. Ik denk dat het tijd is om die groep te vergroten tot 2.
Ik geef toe dat de oorspronkelijke serie een aantal afleveringen had die beter waren dan deze, maar dat vond ik niet erg. Ik vond het gewoon heerlijk om weer in de wereld van de afdeling Moordzaken van Baltimore te staan!

text_en:
Not only was this movie better than all the final season of H:LOTS. But it was better than any movie made for TV I have ever seen!

Looking at the "Top 250" I see that only one small screen movie has made it: How the Grinch Stole Christmas. I think it is time to increase that group to 2.

I will admit that the original series had several shows that were better than this, but I didn't mind. I just LOVED being able to enter the world of the Baltimore Homicide Squad again!


text:
Hoewel er een paar onvolkomenheden waren en een paar plotlijnen die niet helemaal bij het personage pasten, was dit een Klassieke H:LOTS. De personages, behalve Mike Giardello (Giancarlo Esposito), pasten bij de vorm, en de re<0xC3><0xBC>niescènes van Pembleton (Andre Braugher) en Bayliss (Kyle Secor) waren zo diep en goed geacteerd als alles wat ooit het kleine scherm had gesierd.
'Homicide: The Movie', ook wel bekend als 'Life Everlasting', is een fanfilm, maar staat ook op zichzelf, net als elke andere twee uur durende aflevering van de serie. Fontana, Overmeyer en Yoshimura hebben fantastisch werk geleverd met het lostrekken van losse eindjes van de 7 seizoenen en alle hoofdrolspelers van 'de beste tv-show ter wereld' voor de seriefinale die NBC nooit heeft gegeven. Zoals bij Moordzaken gebruikelijk was, was er geen happy end, zo zit het leven nu eenmaal in elkaar. Dat heeft dit programma altijd onderscheidd van de hersenloze politieseries die op de televisie worden uitgezonden. Kudos voor de schrijvers en de cast voor het creëren van iets wat over het tijdsbestek van de serie heen ging en voor de film die zowel de televisiekijkers als de producers uitdaagde.
Ik noem mezelf een'moordlustige maniak', al was het alleen maar om mijn collega's in een co<0xC3><0xB6>peratieve stemming te houden.

text_en:
Although there were a few rough spots and some plot lines that weren't exactly true to character, this was Classic H:LOTS. The characters, outside of Mike Giardello (Giancarlo Esposito), were true to form, and the reunion scenes of Pembleton (Andre Braugher) and Bayliss (Kyle Secor) were as deep and well acted as anything ever to grace the small screen.

"Homicide: The Movie" aka "Life Everlasting" is a fan flick, but stands on its own as well as any 2-hour episode of the series. Fontana, Overmeyer and Yoshimura did a wonderful job in pulling loose ends from 7 seasons and every major cast member of "the best damn show on television" together for the series finale that NBC never bothered to give it. True to "Homicide" form, there were no happy endings, such is life. That's what has always set this show apart from the mindless cookie-cutter cop shows left on television. Kudos to the writers and the cast for creating something over the span of the series and in the movie that challenged television viewers and producers alike.

** I call myself a "Homicidal Maniac" if for no other reason than to keep my co-workers in a cooperative mood. **


text: Ik ben altijd een fan van de show geweest, dus ik geef toe dat ik bevooroordeeld ben. Toen de show was afgelopen, had ik het gevoel dat er te veel vragen onbeantwoord waren gebleven. Deze film voelde voor mij als een afsluiting. Het was heel bevredigend om alle mensen die ik de afgelopen jaren had gevolgd eindelijk samen te zien. Ik heb gehoord dat dit waarschijnlijk de enige film over Moordzaken is die we kunnen verwachten. Als dat zo is, is dit de juiste manier om uit te gaan. Deze film is soms aangrijpend, soms schokkend, maar altijd bevredigend. Als je een fan van de show bent of ooit bent geweest, kijk dan naar deze film.

text_en: I have always been a fan of the show so I'll admit that I am biased. When the show's run ended, I felt like too many questions remained unanswered. This movie to me felt like closure. To see all the people I'd followed over the past few years together at last was most rewarding. I have heard that this is probably the only Homicide movie that we can expect. If that is so, this is the appropriate way to go out. This movie is sometimes poignant, sometimes upsetting, but always satisfying. If you are or ever have been a fan of the show, watch this movie.


text: Het acteerwerk in deze film was uitmuntend, maar vermengd met de waarheid over de toestand van veel Afrikanen in Zuid-Afrika was het hartverscheurend. Het was goed dat de schrijver Boesman en Lena scheidde van anderen die uit hun huis waren gevlucht, zodat we volledig konden delen in hun triomfen en nederlagen; de conflicten die ze deelden terwijl ze samengroeiden en uiteenvielen. De moeite waard om te zien als je de film in de juiste context plaatste.

text_en: The acting in this movie was superb, but mixed with the truth about the condition of many Africans in South Africa made it heart wrenching. It was good that the writer isolated Boesman and Lena from others run from their homes, so we could share fully in their triumphs and defeats; the conflicts they shared as they grew together and apart. Worth seeing when you put the movie in it's proper context.


text: Ik had niets over de film gelezen voordat ik hem toevallig afgelopen zaterdagavond had gezien. En terwijl ik ernaar keek, voelde ik de ellende van Lena en Boesman tot in mijn botten. Ik was zo geboeid door het acteerwerk, de toon en het filmen dat ik maar gedeeltelijk naar de dialogen luisterde. Mijn man viel kort nadat we naar bed waren gegaan in slaap en ik kon niet slapen door de impact van de film. Ik wilde hem wakker maken om alleen maar te zeggen: 'Als ik ooit op een Oscarnominatie zou stemmen, zou het voor deze twee acteurs zijn.' Ik besloot tot de volgende dag te wachten. Toen las ik meer over de film op IMDb, en het deed me verdriet te horen dat meneer Berry voor de première van de film was overleden en dat hij waarschijnlijk nooit de laatste versie van zijn briljante meesterwerk had gezien. Ik wil hem nog steeds vertellen dat zijn film voor mij een echte onafhankelijke film was, qua concept en geest. De acteurs worden niet alleen geprezen voor hun briljante optreden, maar ook voor het feit dat ze een rol hebben geaccepteerd zonder glans, zonder opschepperij, integendeel, met het ware beeld van de menselijke depressie. Triest maar schrijnend.

text_en: I did not read anything about the film before I watched it, by chance, last Saturday evening. And then, as I was watching it, I felt the misery of Lena and Boesman into my bones. I was so captivated by the acting and the tone and the filming that I listened only partially to the dialogues. My husband fell asleep soon after we went to bed and I was sleepless, under the impact of the film. I wanted to wake him up just to say:"if I would ever vote for an Oscar nomination, it would be for these two actors." I decided to wait until the next day. Then I read more about the film on IMDb, and was sad to learn that Mr. Berry died before the release of the film and that he had probably never seen the last version of his brilliant masterpiece. I still want to tell him that to me his film was a true independent film, in its concept and spirit. The actors are to be praised not only for their brilliant performance but for accepting a part with no shine, no showing off, well to the contrary, displaying the true image of human depression. Sad but poignant.


text: Heb je deze film al gezien? Heb je zelfs nog nooit van deze film gehoord? Het zou me niets verbazen. Het is een van de weinige films die in de afgelopen tien jaar echt 'onafhankelijk' zijn geproduceerd, geen enkele studio had vertrouwen in de film en hij is nooit opgepikt voor de grote distributie. Het onafhankelijke bedrijf Kino Films heeft BOESMAN EN LENA maar een heel beperkte draai gegeven zonder dat er veel promotie voor werd gemaakt, en de meerderheid van de grote filmcritici nam niet eens de moeite om de film te recenseren. Ik denk dat een film die gebaseerd is op één act, één decorstuk, over de apartheid en de invloed daarvan op twee individuen, nooit echt een kans heeft gehad op de markt van vandaag <0xE2><0x80><0x93> en dat is het verlies van de intelligente filmliefhebber. <br />Voor de goede orde: zowel Angela Bassett als Danny Glover verdiende een Ocsar-nominatie (net als de filmer), maar de film kreeg zo weinig publiciteit dat ik de academie daar niet eens de schuld van kan geven. Dit is een uitdagende, hartverscheurende en hartverscheurende film, en het is echt nodig dat het publiek er op zijn eigen voorwaarden in meegaat. Als je dat in aanmerking neemt, is het beslist geen film voor hersenloos vermaak. Directeur John Berry is zo verstandig niet te proberen het toneelstuk van Athol Fugard wat op te dirken. Goed, we krijgen een paar fragmentarische flashbacks en een paar adembenemende toeristische beelden, maar de filmversie van BOESMAN EN LENA blijft over het geheel genomen een verhaal over twee mensen die in onmenselijke omstandigheden leven. Boesman (Glover) en Lena (Bassett) zijn ontdaan van hun fundamentele mensenrechten en hebben alleen elkaar nog om aan te vallen. Een derde personage voegt zich een tijdje bij hen (Willie Jonah, verbazingwekkend in een grotendeels zwijgende rol), maar de focus van de film dwaalt nooit af van de titelpersonen en wat ze zijn geworden. Bassett en Glover geven moedige optredens als het gebroken stel, optredens die eenvoudigweg niet verbeterd konden worden. Boesman en Lena verdienen het om zowel intellectueel als emotioneel opnieuw ontdekt te worden als de beste film van het jaar 2000. Handen omlaag, de beste film van het jaar 2000.

text_en:
] Haven't seen this film? Haven't even heard of this film? It wouldn't surprise me. One of the few truly "independent" films produced in the last ten years, no studio had faith in the picture and it was never picked up for major distribution. The independent company Kino Films, gave BOESMAN AND LENA a very limited run with virtually no promotion, and the majority of major film critics didn't even bother reviewing it. I guess a movie based on a one act, one set play about the apartheid and its affect on two individuals never really had a chance in today's market - and it's the intelligent film-lover's loss.

For the record, both Angela Bassett and Danny Glover deserved Ocsar nominations (as did the cinematographer) but the film received such little fanfare that I can't even blame the academy on that one. This is a film that is challenging, thought-provoking, and heartbreaking, and it actually requires the audience to meet it on it's own terms. Taking that into consideration, it is definitely not a movie for mindless entertainment. Director John Berry wisely does not attempt to dress-up Athol Fugard's play. Sure, we're given a few fractured flashbacks and some breathtaking scenic shots, but the film version of BOESMAN AND LENA remains, on the whole, a story of two people living in inhumane conditions.

Stripped of their basic human rights, Boesman (Glover) and Lena (Bassett) have no one left to attack but each other. A third character joins them for awhile (Willie Jonah, amazing in a largely silent role), but the film's focus never strays from the title characters and what they've become. Bassett and Glover give brave performances as the broken couple, performances that simply could not be improved upon. Vigorously and brutally stimulating, both intellectually and emotionally, BOESMAN AND LENA deserves to be rediscovered of home video. Hands down, the best film of the year 2000.


text: Het is altijd leuk om te zien dat Angela Bassett een rol krijgt waarin ze echt haar tanden kan zetten. Soms is ze intens, grappig en zelfs sexy in haar rol als Lena, een 'gekleurde' vrouw die gedwongen is een huis te bouwen op een troosteloze modderbank net buiten Kaapstad, Zuid-Afrika. Danny Glover is ook goed in een niet helemaal sympathieke rol als haar partner Boesman. Willie Jonah geeft een subtiel genuanceerde voorstelling als de vreemdeling die de nieuwe woonruimte van Boesman en Lena ontdekt. Het gebeurt niet vaak dat je de kans krijgt een intelligente film te zien met volwassen thema's. Hoewel de film gebaseerd is op een toneelstuk, opent wijlen regisseur John Berry (die ook Claudine regisseerde) het materiaal door de film te laten opnemen in het breedbeeldformaat van een Cinemascope. Hij houdt de dingen ook visueel interessant door de acteurs creatief te blokkeren en door ons dingen te laten zien die alleen in het stuk worden genoemd. Net als Diahann Carroll in Claudine heeft John Berry misschien Angela Bassett gedirigeerd bij een nominatie voor een Academy Award. Dit is beslist een film die het zoeken waard is.

text_en: It's always nice to see Angela Bassett getting to do a role that she can really sink her teeth into. She is at times intense, funny and even sexy in her role as Lena, a "colored" woman forced to make a home on a desolate mudbank just outside of Cape Town, South Africa. Danny Glover is also good in a not entirely sympathetic role as her partner, Boesman. Willie Jonah gives a finely nuanced performance as the stranger that discovers Boesman and Lena's new living area. It's not often that you get a chance to see an intelligent film dealing with mature themes. Although it is based on a play, the late director John Berry (who also directed Claudine) opens the material up by having the film shot in the widescreen Cinemascope format. He also keeps things visually interesting through the creative blocking of actors and by showing us things only mentioned in the play. Just like Diahann Carroll in Claudine, John Berry may have directed Angela Bassett into an Academy Award nomination. This is definitely a film worth searching for.


text: Een verslindende (hoewel herhaalde en nogal didactische) analyse van uitbuiting en wanhoop in een situatie waarin er geen weg naar voren of naar boven is, waarin de poging om jezelf beter te voelen door degene die zich onder je bevindt te schenden en neer te zetten de enige optie lijkt te zijn. Maar zelfs hier, in deze desolate woestenij van verloren dromen en geen toekomst, werkt dat niet, en iemand of iets de hand reiken om te troosten en mee te delen, een simpele daad van liefdadigheid, geeft wel een beloning, ook al maakt het het heden draaglijk door herinneringen aan het verleden op te roepen. <br />Hoewel er weinig echt geweld op het scherm te zien is, is dit een harde en wrede film over de kleingeestigheid van onderdrukking (politiek en persoonlijk) die geen gemakkelijk vermaak oplevert. De film is duidelijk gebaseerd op een toneelstuk, met een kleine bezetting, en een bredere, bredere relatie met de sociale en politieke omgeving zou de film mogelijkerwijs hebben geholpen een groter publiek te bereiken.

text_en:
An absorbing (although repetitive and rather didactic) analysis of exploitation and despair in a situation where there is no way forward or up, where the attempts to make yourself feel better by violating and putting down whoever is below you seems to be the only option. But even here, in this desolate wasteland of lost dreams and no future, that does not work, and reaching out to something or someone to comfort and share with, a simple act of charity, gives some reward, even if it just makes the present bearable by reviving memories of the past.

Although there is little actual on screen violence, this is a harsh and brutal film about the small mindedness of oppression (politically and personally) that does not make for easy entertainment. Clearly based on a play, with a small cast, a broader more expansive relation to the general social and political environment would possibly have helped the film to reach a wider audience.


text: Als dit eerder in de Zatoichi-serie was gedaan, had het een van de beste kunnen zijn. Hij is goed genoeg, zoals de meeste, maar de plot en de personages lijken op dit moment te ingewikkeld voor de serie. De situatie is ongewoon intrigerend: de boeren in de provincie hebben twee kampioenen, een welwillende baas (voor één keer) en een filosoof-samoerai die een soort Grange begint; beide komen ze in aanvaring met de gebruikelijke plaatselijke gangsters, die willen dat de oogst mislukt omdat het hun gokinkomsten verhoogt en hun kansen om wat land te bemachtigen; hun voornaamste of machtige bondgenoot is een schijnbare puritein die doodgaat aan drinken en gokken maar zich in het geheim overgeeft aan zijn eigen perverse lusten. (Hij lijkt ook op Dracula, zoals de schurken in de latere Zatoichi-films steeds vaker doen.) Deze personages hebben genoeg betekenis, zodat ze het verdienden om tegen Zatoichi te worden ingezet omdat hij oorspronkelijk is getekend, maar inmiddels heeft hij veel van zijn nuances verloren, en de veranderingen in sommige van de personages, zoals de goede baas en de boze zus van een man die door Zatoichi is vermoord, hebben meer tijd nodig dan de film kan geven, zodat het verhaal onsamenhangend lijkt, alsof sommige scènes ontbreken. Afgezien daarvan toont de film de deugden van de meeste andere delen van de serie: goed acteerwerk, soms lyrische fotografie, de creatie van een levendig, geloofwaardig en uniek herkenbaar landschap (de afwezigheid daarvan is duidelijk in de incidentele afleveringen waarin de regisseur het gewoon over het hoofd ziet) en een technische kwaliteit die zijn aard verhult: het fantasievol gevarieerd gebruik van beperkte decors zodat hun beperkingen niet opvallen. En natuurlijk is er de hoofdrolspeler, wiens aanwezigheid net zo goed als zijn acteerprestaties ervoor zorgen dat het allemaal werkt. Dit moet een van de best onderhouden series uit de filmgeschiedenis zijn.

text_en: If this had been done earlier in the Zatoichi series it could have been one of the best. It is good enough, as most of them are, but the plot and the characters seem too complicated for the series at this point. The situation is unusually intriguing: the farmers in the province have two champions, a benevolent boss (for once) and a philosopher-samurai who starts a sort of Grange; both run afoul of the usual local gangsters, who want the crops to fail because it increases their gambling revenues and their chances to snap up some land; their chief or powerful ally is a seeming puritan who is death on drinking and gambling but secretly indulges his own perverse appetites. (He also resembles Dracula, as the villains in the later Zatoichi movies tend increasingly to do.) These characters have enough meaning so that they deserved to be set against Zatoichi as he was drawn originally, but by now he has lost many of his nuances, and the changes in some of the characters, such as the good boss and the angry sister of a man Zatoichi has killed, need more time then the movie has to give, so that the story seems choppy, as if some scenes were missing. Other than that, the movie shows the virtues of most of the others in the series: good acting, sometimes lyrical photography, the creation of a vivid, believable, and uniquely recognizable landscape (the absence of which is obvious in the occasional episode where the director just misses it), and a technical quality that of its nature disguises itself: the imaginatively varied use of limited sets so their limitations seem not to exist. And of course there is the keynote actor, whose presence, as much as his performance, makes it all work. This must be one of the best-sustained series in movie history.


text:
Dit is een van de vreemdste films uit de Zat-togichi-serie, vanwege het zeer ongebruikelijke tempo en de rol die Ichi in de film speelt. Interessant genoeg was dit de eerste Zat-togichi-film die door het nieuwe productiebedrijf van Shintaro Katsu werd gemaakt. In plaats van de blinde zwaardvechter te spelen, heeft Katsu nu de leiding over het maken van de films. Dit zou gemakkelijk kunnen verklaren waarom deze film zo anders van stijl is dan de vorige 15 films. Wat Ichi's rol betreft, die is heel anders, omdat hij niet zo vaak in de film voorkomt als gewoonlijk. Hij is ook gemakkelijk voor de gek te houden en doet in feite een hele tijd veel mensen kwaad in plaats van ze te helpen!
'Zat-togichi R Blazeyaburi.' Het begint met Ichi die met een oude dame praat die misbruik probeert te maken van zijn blindheid. Vreemd genoeg zegt Ichi in deze scène dat hij al blind is sinds hij een peuter was, hoewel hij in een andere film zegt dat zijn blindheid is begonnen toen hij acht was. Dat is een kleine vergissing en alleen een krankzinnige fan zoals ik zou het hebben gemerkt.
Deze film speelt zich af in een periode van minstens zes maanden en zal eerder een jaar in beslag hebben genomen <0xE2><0x80><0x93> dus je begrijpt wat ik zei over vreemd heen en weer lopen. De meeste films in de serie spelen zich af in een paar dagen of weken. Ichi komt in een stad waar een baas (Asagoro) heel erg zijn best doet om aardig tegen Ichi te zijn omdat hij de reputatie van de blinde man kent. De baas is heel charmant en tot zijn verbazing laat Ichi zich helemaal in de luren leggen door de slechte man. Tegelijkertijd ontmoet hij een andere baas (Shushui) <0xE2><0x80><0x93> een soort goeroe voor de armen. Shushui spoort de mensen aan om alle geweld te laten varen en zelfs Ichi valt onder zijn leer <0xE2><0x80><0x93> hij geeft zijn zwaard maandenlang op. Shushui's leer lijkt erg op de Daoistische leer uit China <0xE2><0x80><0x93> geweldloosheid en aanvaarding van het leven zoals het is (ten goede of ten kwade). Ichi komt erachter dat Asagoro, zodra hij de stad verliet en dacht dat alles in orde was, zijn ware aard liet zien: vrouwen tot slaaf maken, de armen onderdrukken en een enorme klootzak zijn. In zekere zin is Ichi daar verantwoordelijk voor, omdat hij Asagoro heeft geholpen en hem als een vriend beschouwde. Nu heeft Asagoro Shushui gevangengenomen en verscheidene onschuldige mensen hebben door toedoen van de boosaardige baas zelfmoord gepleegd.
Als Ichi terugkeert, accepteert hij niet automatisch dat Asagoro goed of slecht is, maar hij stelt hem op een slimme manier op de proef. Dit gedeelte met de vogelverschrikker is geïnspireerd en leidt tot een finale waarin Ichi de slechteriken doodt en Shushui bevrijdt. Deze finale was heel goed en vond plaats in de regen. De laatste scène met Asagoro en de rotsen is geweldig, hoewel de onthoofding een tikkeltje goedkoop is naar de maatstaven van de huidige special effects.
Pluspunten voor de film zijn dat hij weliswaar slecht geritmeerd is, maar wel anders en niet kan worden aangezien voor de voorgaande 15 (die vaak erg op elkaar lijken). Bovendien eindigt hij erg goed. Minpunten (afgezien van het ijsberen) zijn dat sommigen het misschien niet leuk vinden om Ichi zo feilbaar te zien en dat de scènes met Ichi en de andere blinden die voor de komische noot zorgen, nogal plat zijn... heel, heel, heel plat. Ze zijn smakeloos en niet grappig... zo'n soort plat is het.

text_en:
This is one of the oddest films of the Zatôichi series due to its very unusual pacing and the role that Ichi plays in the film. Interestingly enough, this was the first Zatôichi film made by Shintaro Katsu's new production company. Now, instead of just playing the blind swordsman, Katsu is in charge of making the films. This could easily explain why this film seems so different in style to the previous 15 films. As far as Ichi's role, the film is very different because he isn't in the film as much as usual. He's also easy to fool and actually, for a while, does a lot to harm people instead of helping!

"Zatôichi Rôyaburi" begins with Ichi talking with an old lady who tries to take advantage of his blindness. Oddly, in this scene, Ichi says that he's been blind since a toddler, though in an earlier film he says his blindness set in when he was 8. This is a minor mistake, and only a crazed fan like myself would have noticed.

This film takes place over a period of at least six months and is more likely to have taken a year--so you can see what I said about odd pacing. Most films in the series take place over a few days or weeks. Ichi comes to a town where there is a boss (Asagoro) who tries very hard to be nice to Ichi because he knows of the blind man's reputation. The boss is quite charming and surprisingly Ichi is totally taken in by the evil man. At the same time, he meets another boss (Shushui)--a sort of guru to the poor. Shushui admonishes the people to forsake all violence and even Ichi falls under his teaching--giving up his blade for many months. Shushui's teachings are very similar to Daoist teachings from China--non-violence and acceptance of life as it is (for good or for bad).

Months after leaving this town and thinking all was well, Ichi learns that as soon as he left, Asagoro showed his true colors--enslaving women, oppressing the poor and being an all-around jerk. In a way, Ichi is responsible for this, as he helped Asagoro and counted him as a friend. Now, Asagoro has captured Shushui and several innocent people have killed themselves due to the evil boss' actions.

When Ichi returns, he doesn't accept automatically that Asagoro is good or evil but tests him cleverly. This bit with a scarecrow is inspired and leads to a finale where, what else, Ichi kills the baddies and frees Shushui. This finale was very good and occurred in the rain. Then final scene with Asagoro and the rocks is great, though the beheading is a tad cheesy by today's special effects standards.

Pluses for the film are that although poorly paced, it is different and cannot be mistaken for the previous 15 (which often seem very similar). Additionally, it does end very well. Minuses (aside from pacing) are that some might dislike seeing Ichi so fallible and the scenes with Ichi and the other blind men that are included for comic relief fall flat...very, very, very flat. They are tacky and unfunny...that's the sort of flat that it is.


text: Zatoichi The Outlaw was de eerste film die door de eigen productiemaatschappij van de held (Shintaro Katsu) werd gemaakt, daarom is dit misschien een iets mindere passage in de serie, hoewel hij geenszins over het geheel genomen zwak is. Het verhaal gaat over onze held die op twee steden stuit, rivaliserende bazen en een mysterieuze ronin die de armen helpt, en daaruit ontspruit een verhaal dat tragedie, geweld en niet zo'n klein beetje belangstelling omvat, alles opgediend met zweepslagen van het onopvallende maar geïnspireerde zwaardvechten dat een van de handelsmerken van de serie is. Het is een vrij voorspelbare plot en het bouwt zich op in een niet verrassende volgorde, maar het ritselt mee met de stijl en het is interessant spul. De behulpzame ronin is bijvoorbeeld een nobel, ondoorgrondelijk revolutionair personage dat de gevestigde orde omverwerpt zonder dat hij wordt afgeschilderd als een werkelijk sympathieke of heldhaftige figuur. Zatoichi zelf maakt een of twee fouten en berokkent anderen schade met zijn daden, terwijl het heersende systeem de uitbuiting van de armen voedt. Het is een wrede wereld, met een of twee meer diepgewortelde gevechten dan je zou verwachten, hoewel de dingen niet zo opwindend zijn als ze zouden kunnen zijn. Magobei in de Hanzo-trilogie) als de twee grote bazen in de film. Er is ook een goede emotionele wending van Yuko Hamada als een vrouw die onrecht is aangedaan. De film verliest door beverig ijsberen en een niet zo goed geconstrueerde opeenvolging van gebeurtenissen, er is ten minste één lichtelijk schokkende tijdsprong en de kracht van de plot gaat een beetje verloren, wat betekent dat als het tegen het eind allemaal wat opwarmt de film niet zo opwindend is als hij had kunnen zijn, ook de emotionele impact verloren gaat. De handeling of scènes van Zatoichi die gebruikmaakt van zijn vernuftige vaardigheden worden goed aangepakt door regisseur Satsuo Yamamoto, hoewel een deel van het gokken minder interessant is en de film zich meer op een vakkundige dan op een echt geïnspireerde manier opbouwt, zonder de levendige personages of het sterke enthousiasme van sommige andere delen. Toch heb ik van deze film genoten, hij heeft zijn tekortkomingen en is niet een van de beste van de serie, maar hij bevat nog steeds een zoete, bevredigende dosis vermaak, een goed verhaal en behoorlijke porties van Zatoichi's kenmerkende vernuftige en grillige coolheid. Aanbevolen voor fans van de serie en een redelijke inleiding, stijlvol maar niet echt geweldig.

text_en: Zatoichi The Outlaw was the first film made by its hero's (Shintaro Katsu) own production company, this is perhaps why this is a slightly lesser entry in the series, though it is by no means weak overall. It tells of our hero coming across two towns, rival bosses and a mysterious ronin helping the poor and from this set up spins a tale encompassing tragedy, violence and no little interest, all served up with lashings of the unshowy but inspired swordplay that is one of the series trademarks. It is a fairly predictable plot and it mounts in unsurprising fashion, but it zips along with style and is interesting stuff. The helpful ronin for example is a nobly inscrutable revolutionary character, upsetting the established order without being painted as a truly likable or heroic figure, Zatoichi himself makes one or two mistakes and causes harm by his actions, whilst the ruling system fuels the exploitation of the poor. Its a harsh world, with one or two more visceral than expected moments in the fighting, though things aren't as rousing as they could be. Shintaro Katsu turns in a typical bravura performance as Zatoichi, mixing wisdom, deadly skill and worldliness with a subtly sad sense of vulnerability, while solid work comes also from Rentarô Mikuni and an effectively baleful Kô Nishimura (later to appear as Katsu's superior "Snake" Magobei in the Hanzo trilogy) as the two main bosses in the film. There is also a good emotional turn from Yuko Hamada as a wronged woman. The film loses out through shaky pacing and a not so well constructed sequence of events, there is at least one slightly jarring time jump and the power of the plot becomes a little lost, meaning that when things heat up towards the end the film isn't as exciting as it could be, emotional impact is lost also. The action or scenes of Zatoichi using his ingenious skills are well handled by director Satsuo Yamamoto, though some of the gambling is less interesting and the film builds up in a workmanlike rather than really inspired way, without the lively characters or strong verve of some other installments. Still, I enjoyed this one, it has its flaws and isn't one of the best of the series but it still packs a sweetly satisfying dose of entertainment, a good story and decent doses of Zatoichi's trademark ingenious and quirky cool. Recommended for fans of the series, and a reasonable entry point, classy stuff though not a true great.


text: Uiteindelijk heb ik die afleveringen in 2008 gezien, en ik moest voortdurend terugkijken om te verifiëren wanneer ze in werkelijkheid waren geproduceerd. Ze zijn absoluut angstaanjagend in die zin dat ze in het teken stonden van wat de toekomst zou worden. Ofwel Parker en Stone woonden in Texas en waren getuige van de idiotie van president Bush, ofwel ze zijn van die rare, griezelige mensen die aandacht aan dingen besteden. Boe, angstaanjagend! Bush' corpsballen die vermomd als Arabieren het Witte Huis binnenvielen en met geweren zwaaiden? Bush die 'per ongeluk' iemand executeerde? (Nee, wacht. Dat deed hij min of meer als president.) Dit mag in die tijd als comedy misschien een mislukking hebben geleken, maar moet nu worden beschouwd als briljante, zij het griezelige, voorzienigheid.

text_en: I finally watched these episodes in 2008 and I had to continually go back and verify when they were actually produced. They are absolutely scary in that they made spot on fun of what would be the future. Either Parker and Stone lived in Texas and witnessed the idiocy of Gov Bush or they are those weird, eerie people that pay attention to things. Boo, scary! Bush's frat bros invading the White House dressed as Arabs wielding rifles? Bush 'accidentally' executing someone? (No, wait. He did sort of do that as gov.) This may have seemed a failure as a sitcom at the time, but must now be considered as brilliant, if spooky, prescience.


text: That's My Bush is een live-actieproject van de makers van South Park, Trey Parker en Matt Stone. De show werd na één seizoen geannuleerd, niet vanwege slechte recensies (de show kreeg zelfs goede recensies), maar omdat hij erg duur was. That's my bush is een vrij grappige parodie op een doorsnee komische tv-serie. Het is ook een politieke satire. Nou is dit bij lange na niet zo goed als South Park, maar het is een heel grappige parodie op een komische serie en ook een vrij goede politieke satire. De vent die in That's my bush speelt, lijkt heel veel op hem! Als je de show kunt vinden, moet je hem bekijken. Er is genoeg te lachen!<br /><0x3E> 9/10.

text_en:
That's My Bush is a live action project made by South Park creators Trey Parker and Matt Stone.The show was cancelled after one season, not because of bad reviews(it actually got good reviews), but because it was very expensive.That's my bush is a pretty funny spoof of an average network TV sitcom.It is also a political satire.Now, this is nowhere near as good as South Park, but it is a very funny spoof of a sitcom and also a pretty good political satire.The guy who plays in that's my bush looks a lot like him! If you can find the show, check it out.There are plenty of laughs to be had!

9/10


text:
'That's My Bush' is in de eerste plaats een heel onderhoudende show van Parker en Stone, dacht ik. Het is vaak heel erg grappig, en het is heel subversief en krankzinnig. Fans van South Park zouden hier vast wel iets krijgen.
Een andere verrassing is de productiewaarde. Er moet een hoop geld in zijn gestoken, en dat is te zien. Een heleboel dure kleine details. Het is geen kleine show. En Comedy Central is geen buitengewoon rijk kanaal, maar ze hebben natuurlijk een hoop in deze show gestoken. Maar in zekere zin was dat ook de dood van de show, te duur. Hij had beslist goedkoper kunnen worden gemaakt en het testament was er. De kritieken waren goed en er was een kleine fanbase, maar het lukte niet om een groot publiek te trekken. Zoals we weten, is de serie gestopt na 8 afleveringen, wat volgens mij bijna 1 seizoen is.
Zoals ik de serie echt goed vond, heeft hij zijn gebreken. Het probleem van de serie is dat hij niet weet wat hij eigenlijk wil zijn. Het is alsof hij tegelijkertijd een komische serie en een parodie op een komische serie probeert te zijn. De acteurs doen hun werk goed en sommigen van hen zijn goed gecast, maar naar mijn mening krijgen ze niet altijd de bizarre humor die ze verondersteld worden te geven. Persoonlijk denk ik dat de show een paar personages nodig had die wat meer op de begane grond zaten. In South Park heb je Kyle en Stan, die zijn een beetje een realistische toevoeging aan het meer gekkenuniversum. Ik denk dat South Park daar zo'n beetje om draait. Je hebt een paar normale personages nodig die je op een realistische manier kunt begrijpen, en dat maakt de krankzinnige dingen ook een stuk interessanter, want dat dwingt je om ze op een bepaald niveau serieus te nemen. Als alles uit archetypen en stereotypen bestaat, is het moeilijk om ze emotioneel bij de show te betrekken, en dat is echt het grootste probleem van That's My Bush. Kyle en Stan zijn personages in South Park die iets van de waanzin in de show begrijpen. Zoiets hebben we hier niet, en deze show lijdt eronder.
Een ander punt is dat Parker en Stones flirten met republikeinen. Dat is het enige aan hen dat ik niet echt snap. Bush afschilderen als niets anders dan een domme Homer Simpsons-beminnelijke figuur is een beetje subversief in een wereld waar een heleboel mensen hem niet kunnen uitstaan en denken dat hij de slechtste president sinds Nixon is, en een parallelle komediewereld van Letterman en zo, die alleen maar elke beweging van hem verheerlijkt... En dan heb ik het nog niet eens over de manier waarop ze het publiek bespelen. maar het is moeilijk te begrijpen of Parker en Stone er echt iets mee bedoelen. Het is net alsof de grap over ons gaat, maar op de een of andere manier slaat het niet aan. Het lijkt onhandig, omdat het je helemaal niet aan de echte Bush doet denken.
Bovendien vond ik de show eigenlijk heel leuk. Sommige grappen hier zijn hilarisch. De voorvechter van het pro-leven, die een overlevende, geaborteerde foetus was, is waarschijnlijk een van mijn favoriete grappen in elke show. En de show zit vol met geweldig materiaal, en is soms waanzinnig grappig als je je hoofd een beetje gebruikt terwijl je ernaar kijkt.

text_en:
Thats My Bush is first of all a very entertaining show by Parker and Stone, I thought. Its often very very funny, and its quite subversive and crazy. South Park fans would surely get something here.

Another surprise is the production value here. A lot of money must have been put into this, and it shows. A lot of expensive little details. Its not a little show. And Comedy Central is not an extremely rich channel, but they put a lot into this show obviously. In a way I understand that was the death of the show as well though, too costy. It surely could have been done cheaper and went on the will was there.

The critics liked it, and it had its little fanbase, but it failed gaining a big audience. As we know, the show stopped after 8 episodes, which I guess is almost 1 season.

As I really liked the show it has its faults. The problem of the show is kind of that it doesn't know what it wants to be really. Its like it tries to be a sitcom AND a parody of a sitcom at the same time. The actors do a good job, and some of them are well casted, but in my opinion they seem to not always get 100% the bizarre humor they're supposed to present.

I personally think that the show needed some characters that were more down to earth for the show to work. In South Park you have Kyle and Stan, that are kind of a realistic touch in the more looney universe. I think thats kind of what makes South Park work. You need some sane characters that you can relate to in a realistic way, and that makes the insane stuff so much more interesting too because that forces you to take them seriously at some level. If everything is archetypes and stereotypes its difficult to get emotionally included in the show, which really is Thats My Bush biggest problem. Kyle and Stan is characters in South Park that makes sense of the insanity in the show. We have nothing like that here, and this show suffers from it.

Another anchorpoint is Parker and Stones flirting with republicans. Its the only thing about them I don't really get what they're trying to do. Not portraying Bush as nothing else than a dumb Homer Simpsons lovable kind of character IS kind of subversive in a world where a lot of people that can't stand him and think he's the worst president since Nixon, and a parallel comedy world of Letterman and so on that only satirizes his every move... but its difficult to understand if Parker and Stone actually means anything by it. Its like the joke is on us, but somehow it doesn't hit the mark. It seems awkward, because it doesn't remind you of the real Bush at all.

Besides that I actually thought the show was very enjoyable. Some of the jokes in here are hilarious. The pro-life supporter who was a surviving aborted fetus is probably one of my favorite jokes by them in any show. And the show is packed with great material, and is sometimes insanely funny if you use your head a little while watching it.


text: Er wordt een figurant gevraagd om een generaal te spelen in een film over de Russische Revolutie. Maar hij is niet zomaar een figurant. Hij is Serguis Alexander, voormalig bevelvoerend generaal van de Russische legers, die nu gedwongen wordt dezelfde scène opnieuw te beleven, een scène waarin hij zowel beroepsmatig als persoonlijk een tragedie heeft meegemaakt, om de regisseur tevreden te stellen die ooit een revolutionair in Rusland was en door Alexander werd vernederd. Het kan nu het moment zijn voor deze gebroken man om eindelijk zijn voorlaatste strijd te 'winnen'. Dit is een machtige film met een zorgvuldige regie van Von Sternberg, die op alle mogelijke manieren de grootste ironie in Alexanders personage tot uitdrukking brengt. Jannings verdiende zijn Oscar voor de rol met een zeer ontroerende vertolking van de generaal op zijn hoogtepunt en in zijn diepste dal. Powell is een sinistere steunpilaar als de wraakzuchtige regisseur en Brent is volmaakt in haar rol met haar gezicht en haar bewegingen, waarin net zoveel expressie te zien is als in Jannings' liefde voor haar. Een en al briljantheid.

text_en: An extra is called upon to play a general in a movie about the Russian Revolution. However, he is not any ordinary extra. He is Serguis Alexander, former commanding general of the Russia armies who is now being forced to relive the same scene, which he suffered professional and personal tragedy in, to satisfy the director who was once a revolutionist in Russia and was humiliated by Alexander. It can now be the time for this broken man to finally "win" his penultimate battle. This is one powerful movie with meticulous direction by Von Sternberg, providing the greatest irony in Alexander's character in every way he can. Jannings deserved his Oscar for the role with a very moving performance playing the general at his peak and at his deepest valley. Powell lends a sinister support as the revenge minded director and Brent is perfect in her role with her face and movements showing so much expression as Jannings' love. All around brilliance. Rating, 10.


text: Josef von Sternberg regisseert deze schitterende stomme film over het stille Hollywood en de voormalige keizersgezinde generaal naar de tsaar van Rusland, die daar zelf is beland. Emil Jannings wint een welverdiende Oscar, deels vanwege zijn rol als de generaal die ironisch genoeg een bijrol heeft in een stomme film als Russische generaal. De film gaat terug naar zijn tijd in Rusland, vlak voordat het land ten prooi viel aan de revolutionairen. William Powell maakt zijn debuut op het witte doek als de Hollywood-regisseur die Jannings in zijn film speelt. De film biedt een interessante blik op de val van Rusland en op een imitatie van het Tinseltown van vroeger. Von Sternberg levert weer een klassieker af, een die bol staat van de grote elementen van romantiek, intrige en tragedie.

text_en: Josef Von Sternberg directs this magnificent silent film about silent Hollywood and the former Imperial General to the Czar of Russia who has found himself there. Emil Jannings won a well-deserved Oscar, in part, for his role as the general who ironically is cast in a bit part in a silent picture as a Russian general. The movie flashes back to his days in Russia leading up to the country's fall to revolutionaries. William Powell makes his big screen debut as the Hollywood director who casts Jannings in his film. The film serves as an interesting look at the fall of Russia and at an imitation of behind-the-scenes Tinseltown in the early days. Von Sternberg delivers yet another classic, and one that is filled with the great elements of romance, intrigue, and tragedy.


text:
1927, en Hollywood was al iets meer dan tien jaar het centrum van de filmwereld. Nu het de plek was geworden van een miljoenenindustrie en het verticaal geïntegreerde studiosysteem was opgezet, namen sommige mensen in de rustiger gedeelten van deze filmindustrie de tijd voor een beetje zelfreflectie. _The Last Command_ mag dan het klassieke verhaal zijn van een ooit prestigieuze man die in moeilijkheden is geraakt, maar het geeft een somber beeld van de manier waarop de film de werkelijkheid zonder plichtplegingen herschept en hoe het productieproces genadeloos onpersoonlijk kon zijn. Het was geschreven door Lajos Biro, die lang genoeg in het vak zat om het te weten. In het middelpunt van de belangstelling staat een man die in die tijd tot de beroemdste immigranten van Hollywood behoorde: Emil Jannings. Voordat hij naar de Verenigde Staten kwam, had Jannings voornamelijk in komedies gespeeld. Hij was een meester in het komische, maar hilarisch goed getimede optreden, vaak als pompeuze gezagsdragers of beverige oudjes. Hij maakt zijn entree in _The Last Command_ als de laatste, en eerst lijkt het erop dat dit weer een van Jannings' karikaturale karikaturen zal worden. Maar naarmate het verhaal vordert, krijgt de acteur de kans zijn kunnen te demonstreren. Hij toont beurtelings broosheid, serene waardigheid en uiteindelijk ontzagwekkende kracht en aanwezigheid in de finale. Hij blijft altijd een bulderende overdrijving (de Duitse acteertraditie weet niets van subtiliteit), maar hij houdt voortdurend onze aandacht vast met absolute controle over elk facet van zijn optreden.
De regisseur was ook een immigrant, zij het een die al wat langer in Hollywood rondliep en geen achtergrond had in de Europese filmindustrie. Niettemin cultiveerde Joseph von Sternberg voor zichzelf het beeld van de artistieke en heerszuchtige Teutoonse Kino Meister (het 'von' was overigens verzonnen) en koos een heel eigen benadering van het vak. Opmerkelijk op deze film is zijn manier van tempo en toon, een groot voorbeeld is de eerste van de Russische flashbackscènes. We beginnen met een zorgvuldig opgebouwde chaos, waarbij de bewegingen zich in elkaar opvolgende richtingen bewegen. Het publiek wordt er een onderdeel van, terwijl de camera zich terugtrekt en de figuranten over het scherm schieten. Als Jannings op het toneel verschijnt, komt alles tot rust. Jannings' optreden is ongelooflijk rustig en afgemeten, en als de spelers om hem heen dit gaan imiteren, is het effect alsof alleen al zijn aanwezigheid de orde heeft hersteld. Sternberg neemt een afstandelijke en objectieve houding aan, terwijl zijn camera zich uiteindelijk terugtrekt. Vergelijk dit met de volgende scènes tussen Jannings en Evelyn Brent, die een complexe mengeling zijn van beelden vanuit het oogpunt van de kijker en intense close-ups, die ons recht in het hart van hun interactie duwen.
Als persoonlijkheid op de set leek Sternberg veel op de kille en gevoelloze regisseur die door William Powell op het witte doek werd gespeeld, en in feite is Powells vertolking waarschijnlijk een opzettelijke parodie die zelfs Sternberg zelf zou hebben gemaakt. Helaas maakte deze hardvochtige houding hem niet bepaald tot een gemakkelijk man om mee samen te werken, en in combinatie met zijn focus op zijn technische hulpmiddelen in plaats van op zijn menselijke hulpmiddelen, lieten de kleinere optredens in zijn films nogal te wensen over. Terwijl Jannings een klassieke imitatie ten beste geeft van Charles Laughton die een dramatisch effect sorteert, lijkt het erop dat niemand zijn collega-acteurs heeft verteld dat ze niet in een komedie speelden. Evelyn Brent is redelijk goed en geeft ons een paar goede emoties, maar overdrijft die hier en daar een beetje. Het enige optreden dat Jannings kan evenaren is dat van Powell zelf. Het is een beetje vreemd om de anders zo beminnelijke ster van The Thin Man en The Great Ziegfeld zo'n strenge en humorloze figuur te zien spelen, als een mannelijke Ninotchka, maar hij doet zijn werk goed en toont een smeulende emotionele intensiteit onder het hardvochtige uiterlijk.
The Last Command had gemakkelijk een paar mensen in studio's tegen zich in het harnas kunnen jagen, zoals meestal gebeurt bij geringschattend commentaar op het filmproces, zelfs bij een relatief tam voorbeeld als dit. Ik denk dat op z'n minst veel studiohoofden ontstemd zouden zijn over het 'achter de coulissen'-zicht, omdat het de mystiek van het filmmaken, die op dat moment nog heel levend was, bedreigde. De film bleek zo'n indruk te maken dat Jannings de eerste Academy Award voor beste acteur ooit won, evenals een nominatie voor de beste tekst voor Lajos Biro en (volgens sommige bronnen, al blijft het een beetje vaag) een nominatie voor de beste film. Dat is belangrijk, want de Academy was in die tijd een klein instituut en de eerste prijzen waren meer dan ooit een beetje zelfgenoegzaam schouderklopje van de Hollywood-elite. Maar elite of niet, ze herkenden goed materiaal als ze het zagen en waren bereid het te belonen.

text_en:
1927, and Hollywood had been on the map as the centre of the cinematic world for a little over a decade. Now that it had become the site of a multi-million dollar industry and the vertically integrated studio system had been established, some of those in the calmer quarters of this film-making factory were taking the time for a little self-reflection. The Last Command, while its heart may be the classic story of a once prestigious man fallen on hard times, frames that tale within a bleak look at how cinema unceremoniously recreates reality, and how its production process could be mercilessly impersonal. It was written by Lajos Biro, who had been on the scene long enough to know.

Taking centre stage is a man who was at the time among Hollywood's most celebrated immigrants  Emil Jannings. Before coming to the States Jannings had worked mainly in comedy, being a master of the hammy yet hilariously well-timed performance, often as pompous authority figures or doddering old has-beens. He makes his entrance in The Last Command as the latter, and at first it looks as if this is to be another of Jannings's scenery-chomping caricatures. However, as the story progresses the actor gets to demonstrate his range, showing by turns delicate frailty, serene dignity and eventually awesome power and presence in the finale. He never quite stops being a blustering exaggeration (the German acting tradition knowing nothing of subtlety), but he constantly holds our attention with absolute control over every facet of his performance.

The director was another immigrant, albeit one who had been around Hollywood a bit longer and had no background in the European film industry. Nevertheless Joseph von Sternberg cultivated for himself the image of the artistic and imperious Teutonic Kino Meister (the "von" was made up, by the way), and took a very distinctive approach to the craft. Of note in this picture is his handling of pace and tone, a great example being the first of the Russian flashback scenes. We open with a carefully-constructed chaos with movement in converging directions, which we the audience become part of as the camera pulls back and extras dash across the screen. Then, when Jannings arrives, everything settles down. Jannings's performance is incredibly sedate and measured, and when the players around him begin to mirror this the effect is as if his mere presence has restored order.

Sternberg appears to show a distaste for violence, allowing the grimmest moments to take place off screen, and yet implying that they have happened with a flow of images that is almost poetic. In fact, he really seems to have an all-round lack of interest in action. In the scene of the prisoners' revolt Sternberg takes an aloof and objective stance, his camera eventually retreating to a fly-on-the-wall position. Compare this to the following scenes between Jannings and Evelyn Brent, which are a complex medley of point-of-view shots and intense close-ups, thrusting us right into the midst of their interaction.

As a personality on set, it would seem that Sternberg was much like the cold and callous director played on the screen by William Powell, and in fact Powell's portrayal is probably something of a deliberate parody that even Sternberg himself would have been in on. Unfortunately this harsh attitude did not make him an easy man to work with, and coupled with his focus on his technical resources over his human ones, the smaller performances in his pictures leave a little to be desired. While Jannings displays classic hamming in the Charles Laughton mode that works dramatically, it appears no-one told his co-stars they were not in a comedy. Evelyn Brent is fairly good, giving us some good emoting, but overplaying it here and there. The only performance that comes close to Jannings is that of Powell himself. It's a little odd to see the normally amiable star of The Thin Man and The Great Ziegfeld playing a figure so stern and humourless, like a male Ninotchka, but he does a good job, revealing a smouldering emotional intensity beneath the hard-hearted exterior.

The Last Command could easily have ruffled a few feathers in studio offices, as tends to happen with any disparaging commentary on the film-making process, even a relatively tame example like this. At the very least, I believe many studio heads would have been displeased by the "behind-the-scenes" view, as it threatened the mystique of movie-making which was still very much alive at this point. As it turned out, such was the impact of the picture that Jannings won the first ever Academy Award for Best Actor, as well as a Best Writing nomination for Lajos Biro and (according to some sources, although the issue is a little vague) a nomination for Best Picture. This is significant, since the Academy was a tiny institution at this time and the first awards were more than ever a bit of self-indulgent back-slapping by the Hollywood elite. But elite or not, they recognised good material when they saw it, and were willing to reward it.


text: The Last Command_ (1928) is een stomme film, geregisseerd door Josef von Sternberg. Hij toont ons tsaristische generaal, groothertog Sergius Alexander (Emil Jannings) in zijn glorietijd. In 1917 had hij alle macht, maar na de revolutie en de ineenstorting van het keizerlijk Rusland heeft hij niets meer. Hij had ook de liefde van een vrouw, Natalie Dabrova (Evelyn Brent). Ongeveer tien jaar later solliciteert hij naar een kleine rol in een film over de revolutie. Zijn oude vijand Lev Andrejev (William Powell) is de regisseur die mag kiezen of hij hem als figurant wil inhuren of niet. _The Last Command_ is een heel goed zwijgend drama. Emil Jannings doet gedenkwaardig acteerwerk in de hoofdrol. Evelyn Brent speelt fantastisch de vrouw in de hoofdrol. William Powell is als altijd geweldig. In deze film zijn er genoeg scènes om te onthouden. Zoals veel scènes met Jannings en Brent. En dan is er nog het einde met Powell en Jannings. Dit is een film die op veel manieren raakt.

text_en: The Last Command (1928) is a silent film directed by Josef von Sternberg.It shows us Czarist General, Grand Duke Sergius Alexander (Emil Jannings) in his days of glory.In 1917 he had all the power but after the revolution and the collapse of Imperial Russia he has nothing.He also had the love of a woman, Natalie Dabrova (Evelyn Brent).About ten years later he applies for a small part in a film about the revolution.His old enemy Lev Andreyev (William Powell) is the director who gets to choose whether to hire him as a film extra or not.The Last Command is very good silent drama.Emil Jannings does memorable role work in the lead.Evelyn Brent is wonderful playing the woman lead.William Powell is great as always.There are plenty of scenes to remember in this movie.Like many scenes with Jannings and Brent.And then there is the ending with Powell and Jannings.This is a movie that touches in many parts.


text:
De Russische emigrant William Powell speelt in 1928 in Hollywood zijn epos over de Russische revolutie en huurt een oude ex-generaal van het tsaristische regime (Emil Jannings) in om de generaal van de film te spelen, en de twee herleven het drama en de herinnering aan de vrouw met wie ze (Evelyn Brent) 11 jaar geleden samenwoonden.
Hoe ik ook mijn best doe, ik vind 'The Last Command' ondanks al zijn deugden niet om aan te zien. 'The Docks of New York' was zonder enige twijfel een geweldige film, en 'Underworld' is een film die ik altijd graag heb willen zien, maar 'The Last Command' is nogal zwaarwichtig. De premisse is fascinerend, maar de manier waarop het scenario tot leven komt, doet het script pas echt tot leven komen, behalve in de reeksen die zich in Hollywood afspelen en die een beeld geven van de schamele figuranten en de machinaties van een grote filmproductie met de allernieuwste technologie.
Emil Jannings is, zoals te verwachten was, een fantastische Russische generaal, die zich op wonderbaarlijke wijze onderscheidt van de getraumatiseerde en afgeleefde oude ex-generaal, die gebiologeerd is door zijn ellende, en van de energieke, hartelijke officier van weleer.
Het einde is geweldig en de moeite van het wachten waard, maar om daar te komen moet je er rekening mee houden dat je je af en toe een beetje zult gaan vervelen.

text_en:
Russian emigrant director in Hollywood in 1928 (William Powell) is casting his epic about the Russian revolution, and hires an old ex-general from the Czarist regime (Emil Jannings) to play the general of the film, and the two relive the drama and the memory of the woman they shared (Evelyn Brent), of 11 years before.

Try as I might, I feel it hard to warm to 'The Last Command' for all its virtues. 'The Docks of New York' was indubitably a great film, and 'Underworld' is a film I have always been craving to see, but 'The Last Command' is rather heavy-going. The premise is fascinating, but the treatment does really make the script come to life, except in the sequences set in Hollywood, depicting the breadline of employable extras and the machinations of a big movie production with state-of-the-art technology.

Emil Jannings is, predictably, a marvelous Russian general, distinguishing wonderfully between the traumatized and decrepit old ex-general, transfixed in his misery, and the vigorous, hearty officer of yore.

The ending is great and worth the wait, but in order to get there you must prepared to be slightly bored at times.


text:
Hoewel de stijl van deze film niet zo ingehouden en realistisch is als een geluidsversie waarschijnlijk zou zijn geweest, is het nog steeds een heel goede film. In die tijd werd hij zelfs als een uitstekende film beschouwd, omdat hij genomineerd werd voor de eerste Best Picture Oscar (na het verliezen van WINGS). Ik beschouw WINGS nog steeds als een uitmuntende film, maar deze is uitstekend, ondanks een beetje overacting van de hoofdrolspeler, Emil Jannings.
Jannings is een generaal uit het tsaristische Rusland die zijn laatste dagen slijt door in de jaren twintig een paar centen te verdienen als figurant in Hollywood. Zijn lot lijkt te zijn bezegeld als hij een rol krijgt toebedeeld: de rol van een keizerlijke Russische generaal die tijdens de revolutie tegen de communisten vecht. Uiteraard is dat qua acteertalent niet zo'n punt, maar het zet de oude man ook aan het denken over de goeie ouwe tijd en de revolutie.
Wat er daarna precies gebeurt, laat ik aan jou over, maar het is een behoorlijk goede film, vooral aan het eind. Kijk trouwens eens naar William Powell als de Russische regisseur. Hoewel hij in 1928 is gemaakt, ziet hij er met zijn make-up niet veel jonger uit dan in veel van zijn latere films.

text_en:
While this movie's style isn't as understated and realistic as a sound version probably would have been, this is still a very good film. In fact, it was seen as an excellent film in its day, as it was nominated for the first Best Picture Oscar (losing to WINGS). I still consider WINGS to be a superior film, but this one is excellent despite a little bit of overacting by the lead, Emil Jannings.

Jannings is a general from Czarist Russia who is living out his final days making a few bucks in the 1920s by being a Hollywood extra. His luck appears to have changed as he gets a casting call--to play an Imperial Russian general fighting against the Communists during the revolution. Naturally this isn't much of a stretch acting-wise, but it also gets the old man to thinking about the old days and the revolution.

Exactly what happens next I'll leave to you, but it's a pretty good film--particularly at the end. By the way, look for William Powell as the Russian director. Despite being made in 1928, with the makeup he doesn't look much younger than he did in many of his later films.