text: Ik kreeg te horen dat het een van die 'of je houdt ervan, of je hebt er een hekel aan'-films was. Nou, ik hield ervan. Duidelijke hippietijd, gedateerde en gemakkelijke symboliek en zo. Dus ik heb waarschijnlijk helemaal geen smaak als het op Antonioni aankomt, maar dit en La Notte (die precies tien jaar eerder was gemaakt) zijn tot nu toe mijn favorieten. Zabriskie Point was twee jaar voor mijn geboorte gemaakt en zou Michelangelo's grote Amerikaanse epos zijn geweest. Maar het bleek een flop te zijn. Ik snap echt niet waarom. Voordat ik het zag, had ik gelezen dat het nogal saai was, dus zette ik me schrap voor een heel langzame film <0xE2><0x80><0x93> hoewel ik dol ben op langzame films. Naar mijn smaak zat er geen saaie minuut in Zabriskie. Terwijl ik ernaar keek, bedacht ik hoe Europees het van de regisseur was om zo vaak gebruik te maken van reclameborden in bijna elk stedelijk tafereel, enorme billboards die elke menselijke vorm in het zicht deden verbleken. Dit terugkerende visuele element is duidelijk bedoeld om de manier te onderstrepen waarop het consumentisme het individu in de Amerikaanse samenleving vermorzelt. Maar daarna keek ik meteen naar L'Eclisse, dat zich afspeelt in Rome aan het begin van de jaren zestig, en het viel me op dat Antonioni er ook vaak billboards in verwerkte. Per slot van rekening is het meesterlijke gebruik van landschappen, architectuur en levenloze voorwerpen in elk kader, met of zonder mensen, het handelsmerk van Antonioni, want dit is precies de manier waarop hij de psychologische toestand van zijn personages oproept, met een min of meer ingehouden kracht en een grote visuele impact. In dit opzicht is hij praktisch onovertroffen.<br />Zabriskie Point speelde twee zeer aantrekkelijke hoofdrollen die grote sterren van de jaren zeventig hadden moeten worden, maar dat nooit zijn geworden. Mark Frechette, die ik al had gezien in Francesco Rosi's fraaie oorlogsfilm Uomini Contro, leidde een zeer tragisch leven en stierf op 27-jarige leeftijd. Volgens zijn biografie gaf hij zijn 60.000 dollar die hij met Zabriskie verdiende aan een commune. De vrouw die later zijn echtgenote wordt, heeft de verbluffende, natuurlijke schoonheid en aantrekkingskracht van een jonge Ornella Muti. Ze is zo'n stralende schoonheid die geen spoortje make-up nodig heeft om de aandacht te trekken. Net als Frechette heeft ze slechts een paar obscure films mogen aanschouwen en is ze nooit een ster geworden, maar ze is in elk geval niet tragisch aan haar eind gekomen. Het meest in het oog springend is dat Zabriskie Point een van de meest originele seksscènes bevat die ooit zijn opgenomen <0xE2><0x80><0x93> een die een gevoel van jeugdige speelsheid opwekt zoals maar weinigen die ik heb gezien <0xE2><0x80><0x93> en ook een krachtig cathartisch einde. Het mag dan de banaalste scène zijn die ooit is opgenomen wat de symboliek betreft, maar ik zie niet in hoe iemand de schoonheid en het heerlijke gevoel van emotionele ontlading kan ontkennen. Nog nooit heeft een explosie er zo goed en zo poëtisch uitgezien. Het lijkt eerder een explosie die de orde herstelt dan die chaos brengt.

text_en:
I was told it was one of those "either you love it or you hate it" movies. Well, I loved it. Obvious hippie-era, dated and easy symbolism and all. So, I probably have no taste at all when it comes to Antonioni, but this and La Notte (made exactly a decade earlier) are my favourites among his movies so far. Made two years before I was born, Zabriskie Point was supposed to have been Michelangelo's great American epic. But apparently, it turned out to be a flop. I really can't see why. Before watching it I'd read that it was rather boring, so I braced myself for a very slow movie - though I love me a slow movie. For my taste, Zabriskie didn't have a tedious minute in it. While watching it, I made a mental note of how European it was on the director's part to make such frequent use of advertisement billboards in almost every urban scene, enormous billboards dwarfing any human form in sight. This recurrent visual element is obviously there to underline the way that consumerism crushes the individual in American society. But then I watched L'Eclisse straight afterwards, which is set in Rome in the early 60s, and noticed that Antonioni often included billboards in it as well. After all, the masterful use of landscapes, architecture and inanimate objects in each frame with or without human beings is an Antonioni trademark  this is precisely the way that he evokes his characters' psychological states, with more or less understated power and great visual impact. He is virtually unsurpassed in this skill.

Zabriskie Point starred two very appealing leads that should have become big stars of the 70s, but never did. Mark Frechette, whom I'd already seen in Francesco Rosi's fine WWI-set movie Uomini Contro, had a very tragic life and died aged just 27. According to his biography page, he donated his $60,000 earnings from Zabriskie to a commune. Mark's co-star Daria Halprin, apparently also Dennis Hopper's wife later on, has the stunning, natural beauty and appeal of a young Ornella Muti  one of those luminous beauties that don't need a shred of make-up to turn heads. Like Frechette, she has only graced a couple of obscure movies and has never become a star, but at least she didn't die tragically. Most notably, Zabriskie Point contains one of the most original sex scenes ever filmed - one that brings home a sense of youthful playfulness like few I've seen - as well as a powerfully cathartic ending. It may be the most banal sequence ever filmed as far as its symbolism goes, but I can't see how anyone can deny its beauty and wonderful sense of emotional release. Never has an explosion looked so good, and so poetic. It seems to be an explosion that restores order rather than bringing chaos.


text:
Deze film heeft een krachtig filosofisch einde. Maar dat einde heeft alleen betekenis als je de film vanaf het begin bekijkt.
Het thema van 'Zabriskie Point' is de vervreemding van een jonge man en een jonge vrouw aan het eind van de jaren zestig. Noch Mark Frechette, noch Daria Halprin had veel acteerervaring, een feit dat de boodschap van de film alleen maar versterkt. Het hebben van ongetrainde acteurs geeft een gevoel van realisme, omdat beide spelers emotioneel los lijken te staan van de beroering om hen heen.
Dit is geen door een script ingegeven film. Afgezien van de eerste tien minuten is hij voornamelijk visueel, met verbluffende cinematografie. De prachtige naturalistische beelden lijken uit een andere wereld te komen, en perfect in harmonie met de emotionele afstandelijkheid van Mark en Daria.
Ik zou de thematisch zwakke Pink Floyd-muziek hebben vervangen door de meer overtuigende muziek van The Doors. Veel scènes schreeuwen om 'Riders On The Storm'.
Toch hou ik van deze film. Hij is anders; hij is uniek; hij is artistiek en fantasievol. En de woestijnwoestijn is prachtig.
Naarmate de jaren verstrijken, lijkt 'Zabriskie Point' steeds aantrekkelijker te worden. Het geeft de sfeer weer van het eind van de jaren zestig in Amerika. Het is verbazingwekkend artistiek, op een bohémienachtige manier. En de laatste acht minuten van de film zijn filosofisch hypnotiserend.

text_en:
This film has a powerful philosophical ending. But that ending has meaning only if you watch the movie from the beginning.

Youth alienation in the late 1960's, from the viewpoint of a young man and a young woman, is the obvious theme of "Zabriskie Point". Neither Mark Frechette nor Daria Halprin had much acting experience, a fact that actually enhances the film's message. Having untrained actors conveys a sense of realism, as both players seem emotionally detached from the turmoil around them.

This is not a script-driven film. Except for the first ten minutes, it is mostly visual, with stunning cinematography. The beautiful naturalistic images seem other-worldly, and perfectly in sync with the emotional detachment of Mark and Daria.

I would have replaced the thematically weak Pink Floyd music with the more cogent music of The Doors. Many scenes cry out for "Riders On The Storm".

Even so, I like this film. It's different; it's unique; it is artistic and imaginative. And the desert badlands are beautiful.

As the years go by, "Zabriskie Point" seems more and more attractive. It conveys the mood of the late 1960's in America. It is amazingly artistic, in a bohemian sort of way. And the film's last eight minutes are philosophically mesmerizing.


text:
Toen deze film werd gemaakt, was het hippiegedoe al over zijn hoogtepunt heen. De ideeën over de tegencultuur waren alom bekend, daarom kon er zo'n grote film worden gemaakt. Toch heeft de film iets te zeggen, en hij wordt op een prachtige manier verteld. Afgezien van degenen die alleen maar op het rukkende materiaal zitten te wachten, wordt deze film door de meeste mensen geprezen om zijn prachtige scènes (die op zichzelf al meer dan genoeg reden zijn om de film te zien). De soundtrack van deze film, die in feite populairder werd dan de film zelf, is ook een pluspunt. Pink Floyds 'Voorzichtig met die bijl Eugene' past heel goed bij de explosies, de afwezigheid van muziek in andere scènes geeft de film een prettige rustige sfeer. Maar. Het lijkt alsof de boodschappen in deze film door de meeste mensen over het hoofd zijn gezien. Als je het niet begrijpt, wat bij de meeste mensen het geval lijkt te zijn, zal ik je een paar aanwijzingen geven: de man (de stoere, hoe heet-ie ook alweer <0xE2><0x80><0x93> Mark?) maakt deel uit van een'realiteitsgroep'. Hij verlaat die groep en zegt iets in de trant van: 'Ik ben bereid om te sterven. Maar niet van verveling.' Later gaat hij een joyride maken met een gestolen vliegtuig, waarschijnlijk om wat actie te zoeken. Terwijl hij in de lucht is, wordt Grateful Dead's Dark Star (van het Live/Dead-album) gedraaid (denk ik). Dit nummer bevat de frase 'Zullen we gaan jij en ik zolang het nog kan', die je in de film niet hoort. In het vliegtuig kijkt hij naar een meisje (Daria), dat in haar auto naar een conferentie rijdt (over het geven van de typische buitenwijkgezinnen de kans om in een superontspannen omgeving in de woestijn te wonen, waar alles zo eenvoudig en leuk is. Voor het hele gezin!), door naar beneden te duiken, bijna tegen de auto aan. Hij landt met het vliegtuig en voegt zich bij het meisje op weg naar Detroit. Ze stoppen bij het Zabriskie-punt, waar ze van elkaar genieten als levende wezens en van de natuur. Later wordt een gezin met een grote auto (van het soort waarin je slaapt) en een speedboot getoond dat naar het Zabriskie-punt gaat, en de vader zegt zoiets als: Daria neemt Mark mee terug naar het vliegtuig, dat nu in een psychedelische stijl is geschilderd, met aan de ene kant 'geen oorlog' en aan de andere kant 'geen woorden'. 'Bucks Sucks' staat ook op het vliegtuig geschreven. Mark neemt het vliegtuig mee terug naar de plek waar hij het heeft gestolen en voordat hij vertrekt zegt hij tegen Daria: 'Ik neem geen risico's' of zoiets, een van de vele hints dat hij zich niet al te druk maakt over zijn lot. (Dit omdat hij het gevoel heeft dat de omgeving die hem omringt hem niets geeft...' Ik vraag me af wat er in de echte wereld gebeurt). Op het vliegveld wordt hij opgewacht door politieagenten die hem neerschieten, ook al heeft hij net het vliegtuig teruggebracht. Daria hoort dit op de radio, maar besluit toch naar de conferentie in het chique landhuis te gaan. Hier voelt ze zich vreemd na de avonturen met haar zojuist vermoorde vriendin. Ze vindt het heerlijk om vers water over een rots te laten stromen, meer nog dan het zwembad. In het huis krijgt de kijker weer een hint over antimaterialisme <0xE2><0x80><0x93> ze kijkt door een glazen wand en houdt haar handen tegen het glas alsof ze in de val zit. Ze ziet de zakenmannen ruziën, de ene kant wil graag een grote deal maken, de andere kant is bang om geld te verliezen. Daria verlaat het huis en kijkt er nog een keer naar, terwijl ze zich voorstelt dat het de lucht in gaat. Na het huis vliegen er nog meer dingen de lucht in, zoals een televisie. Ze glimlacht, blij dat ze in haar binnenste datgene heeft vernietigd wat ze na de ontmoeting met Mark als iets negatiefs beschouwt.
Om het samen te vatten: Mark ervaart de'realiteitsgroep' kennelijk als niet erg nuttig, want ze zitten alleen maar te praten en doen niets. Het is duidelijk dat hij het niet leuk vindt dat de dingen zijn zoals ze zijn, en het lijkt erop dat hij het gevoel heeft dat het geen zin heeft om ertegen te vechten. Hij wil weg. Hij helpt Daria, die 'in gedachten maar niet in actie' is en zijn standpunt begrijpt. Waar zijn gevoel dat hij niet op zijn plaats is uiteindelijk tot zijn dood leidt, mag je hopen dat Daria de ideeën op een constructievere manier gebruikt. In de film zie je hoe een stad (LA) wordt vervuild door reclame (heel jammer dat je de reclame moet laten zien om het duidelijk te maken), zie je zakenmannen die besluiten wat de toekomst is, et cetera, en zie je mensen ongelukkig zijn met deze en andere situaties die deel uitmaken van de moderne wereld.
Ik heb de film maar één keer gezien, dus ik heb niet alle punten begrepen, maar ik heb wel een idee van wat deze film te zeggen heeft, en ik vind het vreemd dat deze film betekenisloos genoemd kan worden. Als je zegt dat de punten te voor de hand liggend zijn, begrijp ik waarom deze film waarschijnlijk de bedoeling had de posthippie-radicalen aan te spreken die de ideeën van anti-establishment 'graven'. Ook al heeft hij veel te zeggen en is de boodschap nog steeds nodig, de dingen ontwikkelen zich min of meer in dezelfde richting als voor de jaren zestig. Zabriskie Point is echt een geweldige film, die een verhaal vertelt over heel normale jonge mensen (die niet ver van de bewoonde wereld af staan van de hippies die rondstruinen op zoek naar wat zij als echt beschouwen, ontevreden met het conventionele). En het wordt op een werkelijk prachtige manier gedaan.

text_en:
When this film was made, the hippie thing had gone mainstream. The ideas of the counter culture was well established, that is why such a big film could be made. Yet it has something to say, and it is said really beautifully. Apart from those who're only waiting for the wanking material, this film is given credit for its beautiful scenes(which in itself is more than enough reason to see the film) by the most. The soundtrack to this film, which actually became more popular than the film itself, is another plus. Pink Floyd's "Careful with that axe Eugene" suits really well with the explosions, the absence of music in other scenes gives the film a nice quiet mood. But. It seems as though the messages in this film have been overlooked by the most. If you didn't understand it, which seems to be the case for the most, I'll give you some hints: The man(tough guy, what ever his name is-Mark?) is a part of a "reality group". He leaves this group saying something like "I'm willing to die. But not of boredom" He later go for a joyride with a stolen plane, probably to seek some action. As he is in the air, Grateful Dead's Dark Star(from the Live/Dead album) is played(i think). This song contains the phrase "Shall we go you and I while we can", this is though not heard in the film.(Perhaps stretching it a bit too far meaning that quote is essential?) In the plane, he checks up a girl(Daria), who is driving in her car to a conference(about giving typical suburban families the opportunity to live in a super-relaxing place in the desert, where everything is so simple and nice. For the whole family!), by diving down, almost hitting the car. He lands the plane, and joins the girl on her way to Detroit. They stop at Zabriskie point, where they enjoy each other as living creatures and the nature. Later a family with a big car(of the type which you sleep in) and a speed boat is showed visiting Zabriskie Point, the father saying something like "what a waste driving all the way up here", and the kid sitting inside the car, grinning. I sensed a "this wasn't much better than on the telly"-attitude. Daria takes Mark back to the plane which now is painted in a psychedelic style, with the identity number changed to "no war" on one side and "no words" on the other. "Bucks Sucks" is also written on the plane. Mark takes the plane back to where he stole it from, saying to Daria before he leaves "I don't risk anything" or something, one of several hints about he not caring too much about his destiny. (This because he has the feeling that the environment that surrounds don't give him anything- "I wonder what happens in the real world") On the airport he is met by police officers who shoots him even though he just has returned the plane. Daria hears this on the radio, but decides to go to the conference in the fancy mansion. Here she feels alien after the adventures with her just killed friend. She enjoys fresh water running down a rock, more than the swimming pool. Inside the house the viewer is once again given a hint about anti-materialism -She looks out through a glass wall, holding her hands on the glass like she was trapped. The business men is seen arguing, the one side eager to make a big deal, the other afraid of losing money. Daria leaves the house and looks back at it, visualizing it blowing up. After the house, several other things blow up, for example a television. She smiles, happy she has inside herself destroyed what she after the meeting with Mark look upon as something negative.

To summarize: Mark obviously experience the "reality group" as not very useful as they just sit and talk, taking no action. He clearly has bad feelings about things being as they are, and it seems like he feels that it's no use fighting against it. He wants to leave. He helps Daria, who is "in mind but not in action" seeing his point of view. Where his feeling of being misfitted turns out leading to his death, one can hope Daria uses the ideas in a way that will turn out more constructive. In the film you see how a town (LA) is being polluted by commercial (too bad you have to show the commercial to make the point), you see business men deciding what is the future, et cetera, and you see people being unhappy with these and other situations which is parts of the modern world.

I have only seen the film once, so I have not caught all points, but I certainly got a feeling of what this film has to say, and I find it strange that this film can be called meaningless. If you say the points are being too obvious, I can see why, this film probably intended to appeal to the post-hippie radicals "digging" the thoughts of anti-establishment. Even though, it has a lot to say, and its message is still needed today, things pretty much evolving in the same direction as it did before the sixties. Zabriskie Point is a really great film, telling a story about quite normal young people (not far out hippies tripping around tip toe on acid, digging everything) seeking what they percept as real, dissatisfied with the conventional. And it is done in a truly beautiful way.


text:
Ik zag ZP toen hij voor het eerst werd uitgebracht en ik vond het een enorme teleurstelling. Het script leek geforceerd en krom en te nep in de jaren zestig. Het is politiek te recht voor zijn raap en te belachelijk. En laten we wel wezen, ik was nog steeds in de ban van een liefde die bekendstaat als BLOWUP en ik heb die nog steeds niet helemaal van me afgeschud. Nu is de 'liefde' verweven met allerlei soorten nostalgie die hij oproept en ach... Succes met mij!
Maar de tijd marcheert voort en de tijd is vriendelijk geweest voor ZP en de tijd is een leraar voor mij geweest. Ik bekijk deze film ongeveer om de tien jaar en hij wordt steeds beter naarmate hij ouder wordt. En ZP is zijn eigen 'ervaring'. en alleen via de schepper, wijlen de grote Mr. Antonioni, met BLOWUP in verband kan worden gebracht.
<0x3E> Twaalf jaar geleden had ik het grote geluk een absoluut ongerept prentje te zien, op de juiste grootte geprojecteerd, gerestaureerd door een Italiaanse culturele instelling die een goed kunstwerk kent als ze het ziet en die weet hoe belangrijk het is om zo'n kunstwerkje in goede staat te houden. Tot op de dag van vandaag herinner ik me de ademloze uitroepen van het publiek toen de eerste opname van Death Valley verscheen. Het was als een visuele schok van duizend volt die Antonioni met opzet had veroorzaakt om ons wakker te schudden tot een nieuw bewustzijnsniveau. En wat er daarna volgt is inderdaad een heel ander soort 'plaats'.
Wat me verbaast is hoe deze film tot zijn recht komt.
Ik herinner me de tweede keer dat ik hem zag <0xE2><0x80><0x93> in het begin van de jaren tachtig <0xE2><0x80><0x93> dat ik genegenheid begon te voelen voor de film als geheel en voor Daria en Mark in het bijzonder. Terwijl deze twee eerst een snuggere schaduwversie van Zefferelli's _Olivia en Leonard_ (lees: _Romeo en Julia_ ) leken, vond ik ze nu aantrekkelijk <0xE2><0x80><0x93> vooral _Het Meisje_ in haar hardnekkige slo-motionaliteit. _Ze-heeft-de-tijd-genomen... Om-te-Leven. Alles, ALLES sterft om haar heen_.
Toen het theater spannend werd, begon het daglicht van de Realiteit al snel mijn nieuwe 'genot' uit te wissen. s een hippiefantasie <0xE2><0x80><0x93> laat het los'

De kracht van Antonioni's visie had zich, zo besefte ik, de eerste keer al in mij gemanifesteerd, dus beantwoordde ik '80' met een 'Uh-huh' en bewaakte mijn 'liefde' heimelijk, bezitterig en jaloers.
Maar dit is dan wat voor goede kunst er in je leeft, en als je wilt heeft het zijn zin en 'liefde' je terug: heimelijk, jaloers en bezitterig. En je wordt'veranderd'.
Was dolblij toen ik zag dat Turner Classic Movies had besloten om zp in maart te vertonen. Ongetwijfeld moet zp op een gigantisch scherm te zien zijn, zodat het je echt in zijn geconstrueerde omgeving kan opnemen. Maar ja, soms is zelfs een glimp van de Geliefde op een krantenfoto niet beter dan helemaal geen glimp.
Vandaag is de realiteit ingetreden. ZP is op mysterieuze wijze verdwenen en vervangen door de zeurderige capriolen van ALICE'S RESTAURANT.
Dus het is nog steeds te'moeilijk', te'verontrustend', te 'wat'?
Misschien komt het doordat, zoals met alle goede kunst, het Leeft terwijl alles eromheen sterft.
Vrede.

text_en:
I saw ZP when it was first released and found it a major disappointment. Its script seemed forced and arch and too fakey '60s. It's politics too upfront and ridiculous. And let's face it, I was still under a love-spell known as BLOWUP : and I still haven't completely shaken it. Now the "love" is twisted up with all sorts of nostalgia it evokes and, oh well . . . Good Luck to me!

But time marches on and time has been kind to ZP and time has been a teacher to me. I revisit this film about every ten years and it just gets better and better with age. And ZP is it's own "experience"and is only really linked to BLOWUP through its creator, the late,great Mr. Antonioni.

Twelve years ago, I had the great good fortune to see an absolutely pristine print, projected at its correct size (immense), restored by an Italian government cultural agency who knows a good work of art when they see it and knows the importance of keeping such a thing of beauty in good shape. To this day I remember the gasp from the audience when the first shot of Death Valley appeared. It was like a thousand volt visual shock Antonioni had intentionally delivered to wake us up to a new level of awareness. And indeed what follows from that point is an entirely different sort of "place".

What is astonishing to me is how this film is coming into its own.

I remember the second time around seeing it --- the early 80s --- I had begun to feel affection towards the film as a whole and towards Daria and Mark in particular. Whereas, before these two seemed like a smart-alecky shadow version of Zefferelli's Olivia and Leonard (read: Romeo and Juliet)they now were engaging me --- particularly The Girl in her insistent slo-motion-ality. She-took-her-time . . . To Live. Everything, EVERYTHING dies around her.

Upon exciting the theater the daylight of Reality quickly began to erase my new found "enjoyment". The encroaching shoulder-padded, big haired 80s whispered "But that's a hippie fantasy --- let it go"

The force of Antonioni's vision had, I had realised, already worked itself inside of me the FIRST time around so I answered "80s" with an "Uh-Huh" and guarded my "love" secretly, possessively and jealously.

But, this, then is what good art does it lives inside of you, and, if you wish it has its way and "loves" you back: secretly, jealously, and possessively. And you get "changed".

Was thrilled to see that Turner Classic Movies had decided to show ZP in its March lineup. Undoubtedly, ZP must be seen on a gigantic screen so that it can truly take you into its constructed environment. But, hey, sometimes even a glimpse of the Beloved in a newspaper photo is no better than no glimpse at all.

Today reality hit, ZP has been withdrawn mysteriously and replaced with the whiney antics of ALICE'S RESTAURANT.

So, it is still too "difficult", too "disturbing", too "what"?

Maybe it's that, as with all good art, it Lives while everything dies around it.

Peace.


text:
Ik moet toegeven dat ik het altijd moeilijk heb gevonden om een Antonioni-film van begin tot eind te zien, en zelfs voor deze film heb ik hem bij herhaalde gelegenheden in drie delen bekeken. Uiteindelijk besefte ik dat dat misschien beter was, want het dwong me om niet meer in de gebruikelijke plottermen te denken en gewoon een voor een van de scènes te genieten.
Het eerste deel lijkt veel fragmentarischer, wat niet slecht is, het kost alleen meer moeite om het te volgen. Als het op de woestijnscènes aankomt, worden alle inspanningen volledig terugbetaald. De verbluffende cinematografie maakt er slechts een deel van uit, wat het echt onvergetelijk maakt is de manier waarop het landschap tot een overweldigende aanwezigheid wordt gemaakt, de stilte en uitgestrektheid ervan, het gevoel van droefheid en vrijheid, de manier waarop het samensmelt en contrasteert met de twee jonge personages. De woestijn is doods, maar tegelijkertijd voelt hij minder ver weg en vreemd dan de stadsscènes in het eerste deel. De dans tussen het vliegtuig dat overvliegt en de auto van het meisje zorgt voor een reeks geweldige opnamen. De liefdesscènes in de woestijn zijn gewoonweg prachtig, het is moeilijk je voor te stellen dat een film uit onze tijd zo zou kunnen zijn. Ze hebben natuurlijk iets heel stijlvols en bestudeerds, maar tegelijkertijd weten ze een gevoel van natuurlijke, spontane onschuld uit te drukken, wat tegenwoordig heel zeldzaam is. Het voelt allemaal los en ongedwongen aan (dankzij het ingehouden acteerwerk), maar dat is het resultaat van een maniakale aandacht voor details en vorm, die tot een climax komt in de reeks explosies aan het eind, een werkelijk fascinerend schouwspel. Je bent er gewoon van onder de indruk.
'Ik niet.' Wat sommige van de gebruikelijke bezwaren betreft: saai <0xE2><0x80><0x93> nou ja, dat is het wel, als je wilt dat alle films een klassieke plotontwikkeling volgen en vol zitten met actiescènes, maar ja, als de hele cinema zo was, zou dat echt saai en triest zijn; pretentieus <0xE2><0x80><0x93> misschien, maar als dat soort ambitie gepaard gaat met echte vaardigheden, diepgang en stijl, is pretentieus een compliment. De 'politieke' kritiek vind ik nog het minst logisch, ik zie er het nut niet van in om een film als deze te benaderen met ideologische oogkleppen of erger nog, met patriottische eisen. Dat botst gewoon met het doel. Misschien is het waar dat Antonioni, zoals een eerdere recensent opmerkte, deze jonge 'hippies' zag als jonge hippies. en de politiek van protesten en rellen met de politie met de fascinatie van een buitenlander, maar ik denk dat dat eerder iets toevoegt dan afbreuk doet aan de film. Het is niet waar dat er in die tijd in Italië geen hippies bestonden (denk maar aan de protesten van '68, zoals in Frankrijk), hoewel ze duidelijk anders waren dan de Amerikaanse tegenhanger en in sommige opzichten zelfs nog militanter. Maar zijn belangstelling voor deze film was niet direct politiek. De gebeurtenissen lijken meer een voorwendsel voor een film die een universele, tijdloze aantrekkingskracht heeft.
Een speciale vermelding voor de fantastische soundtrack. Deze film is, samen met Easy Rider, onder andere waarschijnlijk een van de belangrijkste voorlopers van de hedendaagse 'artistieke kunst'. Het idee van een filmsoundtrack is niet alleen gebaseerd op het concept van een videoband, maar ook op het idee van een filmsoundtrack die op zichzelf zou staan, maar in tegenstelling tot het eerste concept, wordt er op een veel subtielere manier gebruik gemaakt van muziek, die zich eerder vermengt met het landschap dan met de actie.
Als je een traditioneel verhaal in een film wilt, doe dan geen moeite. Als je verbijsterd wilt zijn, heb dan geduld en je zult er geen spijt van krijgen.

text_en:
I have to admit I have always found it difficult to watch an Antonioni film from start to finish at the first try, and even for this one, I ended up watching it in three parts on repeated occasions. In the end, I realised perhaps it was better that way, because it forced me to stop thinking in the usual terms of plot and just enjoy the scenes one by one.

The first part seems a lot more fragmentary, which is not a bad thing, it just requires more of an effort to follow. When it gets to the desert scenes, all efforts are repaid in full. The stunning cinematography is only a part of it, what really makes it all unforgettable is how the landscape is made into an overwhelming presence, the silence and vastness of it, the sense of sadness and freedom, the way it fuses and contrasts with the two young characters. The desert is dead, but at the same time it feels less distant and alien than the urban scenes in the first part. The dance between the airplane flying over and the girl's car makes for a series of great shots. The love scenes in the desert are simply beautiful, it is hard to imagine this kind of approach from a film of our times. There is of course something very stylish and studied about them, but at the same time they manage to express a sense of natural, spontaneous innocence that is very rare these days. It all feels loose and unscripted (thanks also to the understated acting), but that is the result of a maniacal attention to detail and form, which comes to its climax in the series of explosions at the end, a really mesmerising spectacle. It just leaves you in awe.

I don't really care for some the usual objections: boring - well, yes, it is, if you want all films to follow a classic plot development and be packed with action twists, but then if all cinema was like that, that would be truly dull and sad; pretentious - maybe, but when that kind of ambitiousness is coupled with actual skills, depth, and style, pretentious is a compliment. The "political" criticisms make the least sense to me, I don't see the point of approaching a film like this with ideological blinders or worse, patriotic requirements. It just defeats the purpose. Perhaps it's true that, like a previous commenter remarked, Antonioni viewed these young 'hippies' and the politics of protests and riots with the police with the fascination of a foreigner, but I think that adds something rather than detracting from the film. It's not true that hippies did not exist in Italy at the time (think of the '68 protests, like in France), although they were obviously different from the American counterpart and in some ways even more militant. But his interest in this film was not narrowly political. The events seem more like a pretext for a film whose appeal has a universal, timeless quality.

A special mention for the fantastic soundtrack. Amongst other things, this film, along with Easy Rider, is probably one of the main earliest precursors of the contemporary 'artsy' music video as well as the concept of a film soundtrack that would stand on its own, but unlike the former, it uses music in a much more subtle way, blending it with the landscape rather than the action.

If you want traditional narrative in a film, then don't bother. If you want to be stunned, be patient and you won't regret it.


text:
Het vaak verkeerd begrepen Zabriskie Point is Antonioni's politieke film, Antonioni's Amerikaanse film. Stylistisch gezien volgt hij het voorbeeld van 'Blow-Up', wat betekent dat het tempo sneller is dan dat van de vorige epos, maar zeker niet minder idiosyncratisch.
In wezen is de gemeenschappelijke vergissing dat de film de hippiegeneratie verheerlijkt. Dat is niet zo.
De twee hoofdrolspelers komen uit totaal verschillende milieus. Mark van de'rebel'-jongens, Daria van een makelaarskantoor. Maar op de ware Antonioni-manier zijn ze allebei vervreemd, allebei proberen ze aan hun omgeving te ontsnappen. Mark verlaat een bijeenkomst van rebelse studenten en Zwarte Panters teleurgesteld door de breedsprakige, lege retoriek, terwijl Daria onrustig met haar auto blijft rondrijden. Nadat Antionioni, de meesterregisseur, de opstandige jeugd heeft afgeschilderd als verward en oppervlakkig, verhuist hij naar de stad. Een omgeving die verzadigd is van corporatisme, reclameborden en zinloosheid, die moet blijven uitbreiden om de gelijksoortige expansie van de bevolking op te vangen en tegelijkertijd winst te genereren. Het is deze omgeving waar de twee hoofdpersonen aan ontsnappen, al lijkt het vooral toeval.
Als Daria bij een dorpje in de buitenwijken van de woestijn stopt, is de omgeving al net zo verstikkend, en de mensen al net zo verloren, het beste voorbeeld daarvan door een oude bokskampioen, die nu is gereduceerd tot een schaduw van zichzelf, die zit te drinken en te roken en onzin uitkraamt. Een verbluffende, melancholieke scène, nog krachtiger gemaakt door de aanwezigheid van een paar half wilde kinderen, binnengebracht door een of andere 'weldoener' maar 'het vernietigen van een waarachtig stukje Amerikaanse geschiedenis'. In een niet-zo-duistere symboliek is er Antonioni's mening over de hippies. Gewoon een half-positieve glimp op het doek van de vervreemding van de mens.
En dan is er de woestijn, het landschap dat is gewend aan verwoestende gevolgen, beurtelings puur en angstaanjagend, oeroud, wild en dood. De scène waarin de twee hoofdrolspelers de liefde bedrijven, in fantasie'verbonden' door de 'bloem'-generatie, weerspiegelt de soortgelijke scène in 'Red Desert', waarin Giuliana haar zoon een verhaal vertelt Het einde behoort waarschijnlijk tot het pantheon van grote eindes in de film, van de westerse beschaving die aan stukken wordt geblazen. Een catharsis, een exorcisme.
De twee 'internationale' films van Antionioni (de Britse 'Blow-Up' en de Amerikaanse 'Zabriskie Point') zijn minder indrukwekkend dan de vorige meesterwerken, maar dat komt voornamelijk door het snellere tempo en de onvermijdelijk gekunstelde decors (het swingende Londen, het bloemrijke Amerika). Maar als puntje bij paaltje komt, is het duidelijk dat hij de scherpte niet heeft verloren.

text_en:
The often misunderstood Zabriskie Point is Antonioni's political film, Antonioni's American film. Stylistically, it follows suit after "Blow-Up", meaning that the pace is faster than the previous epics, though certainly no less idiosyncratic.

Basically the common mistake is that the film glorifies the hippie generation. Not so.

The two protagonists come from vastly different environments. Mark from the "rebel" youths, Daria from an estate agency corporation. But in true Antonioni fashion, they are both alienated, both trying to escape their surroundings. Mark leaves a meeting of rebel students and Black Panthers disappointed with the verbose empty rhetoric, while Daria keeps uneasily being on the move with her car.

Antionioni, the master director, after portraying the rebelling youth as confused and shallow, then moves to the city. An environment saturated by corporatism, billboard advertisements, meaninglessness, that has to keep expanding to accommodate the similar expansion of the population, generating a profit at the same time. It is this environment that the two protagonists escape from, though it seems mostly out of coincidence.

Indeed, when Daria stops by a small village in the outskirts of the desert, the environment is just as suffocating, and the people just as lost cases, best exemplified by an old boxing champion, now reduced to a shadow of himself, sitting around drinking and smoking and talking nonsense. A stunning melancholy sequence, made even more powerful with the inclusion of some half wild children living around, brought in by some "benefactor" but "destroying a genuine piece of American history". In a not-so-obscure symbolism, there is Antonioni's opinion on the hippies. Just a half-positive glimpse in the canvas of human alienation.

And then there is the desert, the landscape used to devastating effect, by turns pure and terrifying, primeval, wild and dead. The sequence where the two protagonists make love, "joined" in fantasy by the "flower" generation reflects the similar sequence in "Red Desert", where Giuliana tells her son a story. It is a colourful intermission in a colourless landscape. A vivid half-fantasy in a suffocating reality.

The ending probably belongs to the pantheon of great endings in cinema, the Western civilization blown to pieces. A catharsis, an exorcism.

Antionioni's two "international" films (the British "Blow-Up" and the American "Zabriskie Point") are lesser efforts than the previous masterpieces, but that is largely because of the faster pace and the inevitably contrived settings (swinging London, flower-power America). But when it comes down to it, it's clear he hasn't lost the edge.


text:
Hoewel dit naar de huidige maatstaven misschien geen zogenaamde 'klassieke' film is, is hij toch de moeite van het bekijken waard. De voornaamste reden daarvoor is dat je na het zien van deze film het gevoel krijgt dat je ook het anticulturele idealisme van de jaren zestig hebt ervaren, hoe goed of slecht die ook waren.
Ik zag deze film toevallig tijdens een Engelse literatuurles op de universiteit van Wisconsin-Geneseo, en hoewel hij aanvankelijk alleen maar een betekenisloze compositie lijkt van iconen uit de jaren zestig, is de film verre van eenvoudig 'in elkaar geflanst'.
Mijn punt is dat als je de film onbevredigd en verward achterlaat, de film zijn werk heeft gedaan: hij geeft een troosteloze kijk op de toekomst die je een onzeker en boos gevoel geeft. Het was misschien hetzelfde gevoel dat de film probeerde te onderzoeken in de jeugd die hij uitstraalde.
Als zodanig is 'Zabriskie Point' misschien geen erg goed (of interessant) verhaal, en tegelijkertijd kunnen de personages misschien eenzijdig en voorspelbaar zijn. Maar het brengt ook een goed soort clichématige, opstandige wens over om weg te komen uit het bestaan dat zowel Mark als Daria moeten delen. Zelfs de studenten die tegen het establishment zijn, zijn net zo onwaarachtig als de regering waar ze tegen rebelleren.

text_en:
Though this may not necessarily be a so-called "classic" film by today's standards, it's still worth seeing. The main reason why is because after experiencing this film, you get the feeling that you've also experienced the counter-cultural idealism of the 60's, no matter however good or bad.

I happened to see this film in an English literature class at SUNY Geneseo, and though at first it appears to be just a meaningless composition of 60's icons, the film is far from being simply "thrown together".

My point is that if you leave the film feeling unsatisfied and confused, the film has done it's job: it's conveyed a desolate view of the future that leaves you feeling unsure and angry. It was perhaps this same feeling that the film sought to explore in the youth it exemplified.

As such, "Zabriskie Point" may not tell a very good (or interesting) story, and at the same time its characters may be one-sided and predictable. However, it also conveys so well this sort of clichéd, rebellious desire to get out of the existence which both Mark and Daria must share. Even the anti-establishment students are as inauthentic as the gov't they rebel against.


text:
Een prachtige nieuwe film van 'Zabriskie Point' draait in Parijs en schijnt het goed te doen in het Quartier Latin. Het is tijd voor een uitgebreide evaluatie van de film. Laten we hopen dat de nieuwe film betekent dat er in de nabije toekomst een dvd zal verschijnen met een paar inzichtelijke 'extra's'.
Ik herinner me dat ik naar _ZP_ heb gekeken toen die uitkwam en dat ik het vreselijk saai vond. Deze keer was ik diep onder de indruk en zou ik het classificeren als een 'bijna-meesterwerk'. Het eerste deel van de film is een tijdcapsule van het Los Angeles van eind '60, ik woonde daar toen en Antonioni heeft meesterlijk de essentie van dat oord weten te vangen. Kudos voor productieontwerper Dean Tavoularis, die een paar ongelooflijke locaties heeft gevonden en uitmuntend werk heeft verricht.
De film die ik heb gezien, duurt 1 uur en 50 minuten. Hij is verboden voor mensen onder de 16 (of 18, dat weet ik niet meer). Ik vermoed dat er nogal wat gerestaureerde beelden in deze film zitten. SPOILER <0xE2><0x80><0x93> ik vraag me af hoeveel van de woestijnseksscène oorspronkelijk is geschrapt. Wat er vandaag de dag te zien is, lijkt nogal tam naar de huidige maatstaven.
Er is geen achtergrondmuziek tot bijna 1 uur in de film. Voordat we buitenissige geluiden horen zoals radio-uitzendingen enzovoort. Antonioni had dit heel gewaagd gedaan. Ik weet nog hoeveel er werd gemaakt ten tijde van het gebrek aan acteertalent van de niet-acteurs Mark Frechette en Daria Halprin. Deze keer stoorde ik me niet aan Frechette. Halprin is zwakker, maar naarmate de film vordert, wordt hij steeds beter.
Veel van de beelden van de studentenopstand lijken me standaardbeelden. Eén shot is in een andere verhouding & vertekend door het grote scherm. Natuurlijk zijn er ook echt gefilmde beelden, maar niet zo heel veel.
Ik probeer er nog steeds achter te komen hoe Antonioni een paar opnamen van Frechette die het vliegtuig bestuurt heeft gemaakt. Het lijkt erop dat hij echt een paar opnamen van het vliegen heeft gemaakt <0xE2><0x80><0x93> op sommige foto's is er geen blauw scherm of een dubbelbeeld Ik hoop de film een tweede keer te kunnen zien. Ik adviseer alle fans van Antonioni van harte.

text_en:
A beautiful new print of "Zabriskie Point" is playing in Paris and seems to be doing well in the Latin Quarter. It's time for a full evaluation of the film. Let's hope that the new print means that a DVD with some insightful "extras" will be out in the near future.

I remember watching ZP when it came out and thought it was a crashing bore. This time around I was totally awed and would classify it as a "near-miss" masterpiece. The first part of the movie is a time capsule of late '60's Los Angeles, I lived there then, and Antonioni did a masterful job of capturing the essence of the place. Kudos to production designer Dean Tavoularis who found some incredible locations and did outstanding work.

The print I saw runs 1 hour 50 minutes. It is forbidden to those under 16 (or 18, I can't remember). I suspect there is quite a bit of restored footage in this print. SPOILER -- I wonder how much of the desert sex scene was originally cut. What appears today seems rather tame by current standards.

There is no soundtrack music until almost 1 hour into the film. Before we hear extraneous noise such as radio broadcasts, etc. Antonioni was very daring to do this. I remember how much was made at the time of the lack of acting skills of non-actors Mark Frechette and Daria Halprin. This time Frechette did not bother me. Halprin is weaker but gradually improves as the film continues.

Much of the student riot footage looks like stock footage to me. One shot is in a different aspect ratio & distorted by the wide screen. Of course, there is actual staged footage, but not all that much.

I'm still trying to figure out how Antonioni did some of the shots of Frechette flying the plane. It looks like he really did some of the flying - there's no blue screen or double in some shots.

I hope to get back to see the film a second time. Recommended highly to all Antonioni fans.


text: ZP is nauw verwant aan de jeugddroom die de hippiebeweging vertegenwoordigd. Het debat op de universiteit aan het begin van de film beschrijft de culturele situatie die de geboorte van die beweging inluidt. De explosie die Daria zich voorstelt, vertegenwoordigt de val van alle sociale structuren en daarmee de ontwikkeling van al die enorme transformatie die de samenleving doormaakt, en ten slotte voorspelt Marks dood het einde dat A voor de beweging zelf ziet. De film zal gemakkelijker te begrijpen zijn als we teruggaan naar die tijd in het leven. In de jaren zestig en zeventig waren jonge mensen de drijvende kracht achter de diepgaande verkenningen naar verandering. Een van de belangrijkere veranderingen was bedoeld om de seksualiteit uit de kast te halen, en ik denk dat de scènes in de woestijn geen orgie vertegenwoordigen, maar de seksuele relatie die mannen en vrouwen in absolute vrijheid zouden hebben in de hipotetische situatie waarin er niemand was om je voor te verstoppen. Ik keek naar de scène waarin de paren elkaar zand toewierpen en waardeerde de schitterende manier waarop A de onmogelijkheid liet zien om dit fundamentele menselijke instinct te blijven verbergen. Onderdrukking was de manier om in die tijd maatschappelijke uitbarstingen 'te beheersen' en dat is de methode, de politie gebruikt die om de studenten tegen te houden. Deze maatschappij lijdt aan hipocresie, en dat wordt duidelijk als de studenten toegang krijgen tot wapens die niet door een bedieningspaneel worden bediend. De dialoog tussen de politieman en de professor, die zonder enige reden wordt vastgehouden, toont aan dat een deel van de maatschappij geïnteresseerd is in deze jonge mensen en dat een ander deel totaal niet geïnteresseerd is. Het vliegen is het meest toepasselijke symbool voor vrijheid, en het stelen van het vliegtuig vertegenwoordigt Marks innerlijke wens, maar zijn (teruggaan of terugkomen of terugkeren) toont aan hoe moeilijk het is om los te komen van die banden, en zoals ik al zei, de droom vervliegt door de problemen die het winnen van het spel met zich meebrengt. In mijn ogen een film om nooit te vergeten.

text_en: ZP is deeply related to that youth dream represented by the hippie movement.The college debate in the beginning of the movie states the cultural situation that gives birth to that movement. The explosion that Daria imagines, represents the fall of all social structures and therefore the development of all that huge transformation that society is suffering through and finally Mark's death anticipates the end that A sees for the movement itself. The film will be more easily understood if we go back to that time in life. During the 60 ' and 70' , young people were the driving force for the profound explorations for change. One of the more significant changes intended was to bring sexuality out of the closet , and i think the scenes in the desert do not represent an orgy but the sexual relationship that men and women in absolute freedom would perform in the hipotetic situation where there would be nobody to hide from. I watched the scene where the couples would throw sand to each other and appreciated the magnificent way in which A depicted the impossibility to continue hiding this basic human instinct. Repression was the way to 'control' social outbursts at that time and that is the method , police applies to stop the students. This society suffers from hipocresy, and that comes clear when the students gain access to weapons skipping all fake controls. The dialogue between the policeman with the college professor, who's detained for no reason shows part of society interested for this youth feeling and part completely uninterested. Presenting flying as the more accurate symbol for freedom, the stealing of the plane represents Mark 's inner wish for it but , his (going back or coming back or returning (segun)) shows the difficulties to come free from these bonds and as i ' ve said, A depicts the death of the dream by these difficulties winning the game. In my point of view a film to remember.


text:
Ik zag dit in het begin van de jaren zeventig (toen ik 16 was), en ondanks de lange, trage voorbereiding, vergaderingen, rellen enzovoort, viel alles in zijn context toen de woestijn eenmaal begon, en ik vond het prachtig. (Dat vind ik nog steeds, het is heel mooi geworden.) In die tijd was ik zo te zien in een kleine minderheid. Alle kritiek leek zich te concentreren op het gebrek aan actie en verhaal. Gelukkig ben ik niet meer in zo'n minderheid.
Het toont handig (op een ietwat profetische manier) de politieke versplintering, onrust, confrontatie, brute onderdrukking, commercialisering en misleiding die voor ons lagen.
De waardering voor deze magistrale film is toegenomen, en daar ben ik blij om.

text_en:
I saw this in the early 70s (when I was 16), and despite the long slow set-up, meetings, riots, etc, once the desert section began all fell into context and I loved it. (Still do, it has aged very well.) Back then I was in what seemed to be a tiny minority. All criticisms seemed to concentrate on the lack of action and narrative. Happily I'm no longer in such a minority.

It deftly shows (in a somewhat prophetic way) the political splintering, unrest, confrontation, brutal repression, commercialisation and deception which lay ahead.

Appreciation for this magistral film has grown, and I'm glad about that.


text: Er is geen enkele manier om 'Zabriskie Point' vanuit een rationeel standpunt te benaderen of het te beschrijven met woorden en conventies die je voor andere films zou gebruiken. Dat komt omdat het geen film is. Het is een idee en een gevoel dat de filmmakers hebben en dat op de een of andere manier is veranderd in een voorwerp dat even alledaags is als een film. Wat wij zien is niet de ontvouwing van een plot, maar eerder een opeenvolging van gebeurtenissen die we niet elke dag in films zien, maar die we ons voorstellen als de achtergrond die we zelf zullen leveren wanneer we over een tragische gebeurtenis horen in het nieuws van of van vrienden. Wij die wij zien is onze verbeelding van mensen die abstract voor ons zijn... niemand die we kennen, maar wij.' Ik heb er ongetwijfeld van gehoord in een boek of op tv of zo. Dus wat zien we? Gebeurtenissen. We zien mensen ruziën, rijden en onvermijdelijk ontsnappen. Alleen ontsnappen ze aan iets ongrijpbaars <0xE2><0x80><0x93> het is de collectieve situatie en wreedheid die de massa van een beschaving heeft toegestaan te bestaan, hoewel luiheid, of... de menselijke natuur. Onze spelers, gesitueerd in Los Angeles aan het eind van de jaren zestig, handelen tegen en in reactie op de zichzelf toegebrachte ellende van het moderne bestaan. Deze wezens zijn in feite lege leien die elke trek kunnen vertonen die we ons maar kunnen voorstellen als we dat willen. Hoewel de handelingen die worden verricht als misdadig of onverantwoordelijk kunnen worden beschouwd, zijn de personages zelf geen misdadigers. Het zijn menselijke wezens die een terugkeer zoeken naar een vertrouwd, niet-gefabriceerd bestaan dat de normaliteit die ze dagelijks ervaren te boven gaat. Niet dat ze ooit gelukkig of verdrietig zijn, maar ze bereiken een soort zelfrealisatie wanneer ze voorbij en weg zijn van de zelfmoord van het moderne leven. Ze bereiken alleen het ware leven in de natuurlijke wereld, ook al is dat het volgende slachtoffer van het moderne bestaan. Aan het eind is 'Zabriski Point' een lofrede op de menselijke gehechtheid aan de natuurlijke wereld. Terwijl zelfs de meest verlaten stukken van de aarde bezwijken voor onze opvattingen over vooruitgang, verliezen we onze ziel op het pad naar de dood van de menselijke geest.

text_en: There's no way to confront 'Zabriskie Point' from a rational standpoint or attempt to describe it using words and conventions you'd use for other movies. This is because it isn't a movie. It's an idea and a feeling that the filmmakers have that somehow got turned into an object as mundane as a film. What we see are not the unfoldings of a plot, but rather a sequence of events that we don't see in films every day but only imagine happening as the background we ourselves will supply when we hear about some tragic event in the news of or from friends. We we see is our imagination of people that are abstractions to us- no one we know, but we've doubtless heard of them in a book or on TV or somewhere. So what do we see? Events. We see people arguing, driving, and inevitably, escaping. Only the escape is from something intangible- it is the collective situation and cruelty that the mass of a civilization has allowed to exist though laziness, or...human nature. Set in late 1960s Los Angeles, our players act against and in response to the self-inflicted miseries of modern existence. These creatures are effectively blank slates that can display any trait we can imagine if we desire. Although the actions taken might be seen as criminal or irresponsible, , the characters are not themselves criminals. They are human beings seeking a return to a familiar, non-manufactured existence that is beyond the normalcy they experience everyday. Not that they are ever happy or sad, but they achieve a type of self actualization when they move beyond and away from the suicide of modern living. They only achieve true life in the natural world, even though that is the next victim of modern existence. At the end, 'Zabriski Point' is a eulogy of humanities attachment to the natural world. As even the most desolate pieces of the earth succumb to our notions of progress, we lose our souls on the path to death of the human spirit.


text: Deze film is een van de meesterwerken van Mr. Antonioni. Hij gaat over jeugd, afleiding, geluk, vervreemding, materialisme, eer en corruptie. En hij is net als al het andere van de grote Italiaanse regisseur: ware kunst.

text_en: This movie is one of the masterpieces from Mr. Antonioni. It is about youth, distraction, happiness, alienation, materialism, honor, corruption. And it is like everything else from great Italian director -true art.


text: Ik vond het een leuke film. Hij was best gaaf. Hij heeft alles: auto's, schieten, vechten en zelfs een symbolisch meisje. Hij blinkt in geen van die dingen uit, met uitzondering van de auto's. Een beetje schieten, een beetje vechten, een beetje stoeien en een heleboel auto's, met een geweldige achtervolging aan het eind. Je zou kunnen zeggen dat de sprong onpraktisch is, maar volgens onze goede vrienden hier op de IMDB is het mogelijk, dus de film is net zo slecht als de mensen hem schilderen. Hij heeft een zekere kwaliteit en ik vond het leuk om ernaar te kijken. Ik was zelfs dol op de film. En ik hoefde mijn hersens niet uit te zetten om ernaar te kijken. Ik dacht niet altijd 'Is dit mogelijk?' of zo. 9 in 10.

text_en: I liked this movie. It was pretty cool. It has it all: cars, gun shooting, fighting, and even a token girl. It does not excel in any of this things, with the exception of the cars. A bit of shooting, a bit of fighting, a bit of smooching around, and LOT´s of car, with a great chase near the end. The jump, you may say, is impractical, but according to our good friends here at the IMDB it is possible, so the movie ain´t as bad as people are painting it. It has some quality, and I liked to watch it. In fact, I loved the film. And I didn´t need to turn off my brains to watch it. I wasn´t always thinking "Is this possible?" or tramp like that. 9 in 10.


text:
De film was een grote autocommercial.
<0x3E><0x3E> Maar wat maakt het uit? Ik ging naar de bioscoop om de Shelby Cobra, Angelina & Cage te zien.
<0x3E><0x3E> Dus ik denk dat het een goede film was.
**bg**.

text_en:
The movie was a big Car Commercial. :-)

But who cares? I went to the theater to view the Shelby Cobra, Angelina & Cage.

So I guess it was a good movie. *bg*


text: Een aangename verrassing! Ik had een verdere afknapper verwacht: _The Rock_ (9) <0xE2><0x80><0x93> _Becon Air_ (7) <0xE2><0x80><0x93> _Armaggeddon_ (4). Vooral voor zo'n overgehypte film. Misschien is dat de reden waarom zo weinig mensen deze nieuwe soort Bruckheimer-kost goedkeuren. Slimme dialogen in plaats van gevatte oneliners, fatsoenlijke achtergrond/motivatie in plaats van clichés, en als de jacht begon, dorstte je er echt naar. Fanboys die een roetsjbaan verwachtten: blijf uit de buurt. Dit is er een voor de meer intelligente actiefans. Het kon me niet eens schelen dat Jolie zo klein leek.

text_en: A pleasant surprise! I expected a further downgrade along the line: The Rock (9)-->Con Air (7)-->Armaggeddon (4). Especially for such an overhyped film. Perhaps that's the reason so few approved of this new type of Bruckheimer fare. Clever dialogue instead of snappy one-liners, decent background/motivation instead of shake-n-bake stereotypes and when the chase came you really thirsted for it. Fanboys expecting an Armageddon rollercoaster: stay away. This is one for the more intelligent action fans. It didn't even bother me Jolie appeared so little.


text: Carter Wong speelt een nobele held die op zoek is naar een boek over genezing dat hem naar de ultieme wraak leidt! Het tempo is goed in deze film en er zijn een heleboel vechtscènes om de film gaande te houden. De vliegende guillotines zien er verdorven uit en de hoofdschurk heeft er geen moeite mee om ze te gebruiken. Hoewel het verhaal niet sterk is, is de actie leuk en lokt je helemaal naar het einde (dat volgens mij wel een vervolg had kunnen hebben).<br />Campy en donker, dit is een geweldige ouwe skool kung fu!

text_en:
Carter Wong plays a noble hero on a quest for a book of healing which leads him seeking ultimate vengeance! The pacing is good in this film and there are a lot of fight scenes to keep the movie going. The flying guillotines look wicked and the main villain has no problems using them. Although the story isn't strong, the action is fun and draws you to the very end (which I felt could've had a sequel).

Campy and dark, this is great ol skool kung fu!!


text:
Ik vond het origineel van deze film eigenaardig en charmant, en bovendien zat ik op het puntje van mijn stoel en probeerde het te begrijpen.
Aangezien ik het origineel al had gezien, wist ik binnen een paar minuten wat het was toen ik het op Sci Fi Channel zag <0xE2><0x80><0x93> ik weet niet of deze remake met opzet voor Sci Fi was gemaakt. Omdat ik Richard Burgi graag als karakterspeler zie, wilde ik zien hoe hij het zou doen.
De schrijvers/producers enz. moderniseerden de film een beetje door te proberen de benarde toestand van de 'buitenaardse wezens' uit te leggen. (Ze konden hun eigen soort niet meer reproduceren en hadden hulp nodig) en ze maakten gebruik van dezelfde pseudo-wetenschap die in de jaren negentig in onze oren is gestampt. Misschien maakte het de film wat mooier, misschien ook niet.
Deze film. Film? Deze productie heeft een sinisterder tintje dan het origineel. Het origineel eindigde met een confrontatie tussen de jonge vrouw en het buitenaardse wezen en er ontstond een soort verstandhouding, hoewel het probleem van het buitenaardse wezen niet was opgelost.
Ik herinner me vaag dat de vrouw in deze remake nogal vijandig werd tegenover de Burgi/Alien... ik denk dat het beter had kunnen aflopen. Maar het einde is niet meer dan het einde, en het verhaal is geweldig, want het is gebaseerd op de basisprincipes van de sciencefiction uit 1958. In de jaren vijftig zijn er veel geweldige science-fictionverhalen geschreven, en sommige daarvan zijn zelfs op film vastgelegd.
Dit is een geweldig verhaal om naar te kijken alsof het een regenachtige dag is of zo. Ik geef het een hoge cijfer, want van alle remakes van de oude Sci Fi uit de jaren vijftig is dit er een die goed uit de verf is gekomen. Ik heb er zelfs een beetje van genoten.
Maar als iemand dit verhaal echt wil zien zoals het is verteld, dan stel ik voor de originele versie uit 1958 met Tom Tyron en Gloria Talbott, geregisseerd door Gene Fowler junior.

text_en:
I thought the original of this film was quaint and charming as well as having me sitting on the edge of my seat trying to figure it out.

Since I had already seen the original, when I saw this on Sci Fi Channel- I don't know if this remake was deliberately made for Sci Fi - I knew what it was within the first few minutes. Since I like Richard Burgi as a character actor, I wanted to see how he would pull it off.

The writers/producers etc, modernized the film a bit by trying to explain the plight of the "aliens" (They could no longer reproduce their own kind and needed help) using the same pseudo science that has been crammed in our ears in the 90's. Maybe it added a bit of polish to the film, or not.

This film. Film? This production takes on a more sinister edge than the original did- The original ended with a confrontation between the young woman and the alien and an understanding of sorts took place, although no resolution of the Alien's problem.

I sort of remember that in this remake, the woman became rather hostile towards the Burgi/Alien- I think it could have ended better. But the ending is just the ending, and the yarn is a swell yarn, being of the basic 1958 Science Fiction Pulp Stock. Many great science fiction stories were written in the 50's and some of them even made it to film.

This is a swell thing to watch on like a rainy day or something. I rate it highly cos of all the remakes of old 50's Sci Fi, this one came off well. I actually enjoyed this quite a bit.

But if anyone really wants to see this story told WELL, I suggest the original 1958 version with Tom Tyron and Gloria Talbott, directed by Gene Fowler Jr.


text:
Deze film voor mij scoort heel hoog omdat het een enorm plezierig en amusant staaltje is van _Alien Invaders_ die een stad en veel van haar mannen overnemen.
De stad en de spelers zijn allemaal uitgedost in een soort stijl van de jaren vijftig en de hele film heeft een opzettelijk ordinaire en kitscherige sfeer. Sommige scènes zijn hilarisch zoals met de geboorte van een buitenaards wezen.
Alle acteurs geven volbloedige en serieuze voorstellingen die de film nog grappiger maken en de special effects en _Aliens_ zijn tenminste in mijn ogen opzettelijk derderangs om het vermaak aan te vullen.
Dit soort films verdient vaak een cultaanhang:
8/10.

text_en:
This picture for me scores very highly as it is a hugely enjoyable and amusing spoof of Alien Invaders taking over a town and many of its' men folk.

The town and the players are all decked out in sort of 1950's style and the whole movie has a deliberate tacky and kitschy feel to it. Some of the scenes are hilarious like with the birth of an alien creature.

All the actors give full blooded and serious performances which makes the film even funnier and the special effects and Aliens are at least it seems to me intentionally 3rd rate to add to the amusement.

These type of films often deserve a cult following:

8/10.


text: Nick en Kelly zijn klaar om te trouwen, maar Travis (Kelly's hond) leidt Nick naar een vreemde blauwe muur die de huwelijksreis voor Kelly zal veranderen. Richard Burgi en Susan Walters spelen Nick en Kelly en vormen een goed stel. Nick houdt van drinken, roken en biljarten met de jongens voor de lol, maar Nick onthoudt zich plotseling van dit soort lol. Seks is het enige waar hij van houdt, omdat hij een kind wil. We ontdekken dat een buitenaards ras stervende is en zich moet voortplanten met vrouwen van de Aarde om zijn bevolking te redden. Het wordt een overlevingsstrijd tussen mensen en buitenaardsen waarbij de hondenpopulatie ook betrokken is. Een mooie film.

text_en: Nick and Kelly are ready to be married but Travis (Kelly's dog) leads Nick to a strange blue wall that will change the honeymoon for Kelly. Richard Burgi and Susan Walters play Nick and Kelly and make a good couple. Nick loves to drink, smoke, and play pool with the fellas for fun but Nick suddenly abstains from this type of fun. Sex is the one thing that he loves because he wants a child. We find out that an alien race is dying and needs to interbreed with women from Earth to save their population. It becomes a battle of survival between humans and aliens with the dog population also being involved. A fine film.


text: Het team van Merian Cooper en Ernest Schoedsack produceerde een documentaire over 50.000 Bakhtiari-mensen en hun dieren tijdens de Zomertrek naar de winterweiden. De waarde van deze film van vandaag de dag is als een tijdcapsule van een'vergeten volk' en hoe ze leefden tijdens wat wij in het Westen kennen als de 'woeste jaren twintig'. Een drastischer contrast is niet voor te stellen. Razende rivier en barrevoetse oversteekplaatsen in de bergen zijn wreed realistisch en de dieren die onder water verdwijnen, sterven in feite ook. Om er zeker van te zijn dat het publiek van die tijd geloofde dat het verhaal echt had plaatsgevonden, wordt er aan het eind een gesigneerde certificaat van echtheid aangeboden. De versie die ik heb gezien, had fascinerende Iraanse muziek die zonder de film niet opvalt en gewaardeerd wordt. Dit alles gezegd hebbende, is de film waarschijnlijk van meer waarde voor de antropoloog dan voor de toevallige toeschouwer die op zoek is naar een avondje vermaak. De crew had net genoeg mensen om de foto's te maken die ze hebben gemaakt en er is geen fraai camerawerk te zien dat het resultaat is van meerdere herhalingen. De westerse tussentitels doen afbreuk aan de ervaring, maar maken in feite deel uit van de opname, omdat ze laten zien hoe Hollywood probeerde zijn draai te geven aan het leven van inheemse volkeren, zodat ze door het publiek van die dag gewaardeerd zouden worden. Vermaak buiten diensttijd van de woestijnpolitie wordt een 'politieman' De producenten maakten vervolgens de docu-drama Chang (1927) en de volkomen commerciële King Kong (1933). Het migratiethema wordt opnieuw gebruikt in People of the Wind (1976) en in Himalaya (1999). Aanbevolen voor degenen die van tevoren weten waar ze aan beginnen <0xE2><0x80><0x93> en vervolgens sterk aanbevolen voor hen.

text_en: The team of Merian Cooper and Ernest Schoedsack produced a documentary of 50,000 Bakhtiari people and their animals on the Summer migration to winter grazing. The basic worth of this film today is as a time capsule of a "forgotten people" and how they lived during what we in the West knew as the "roaring twenties." A more drastic contrast could not be imagined. Raging river and barefoot mountain crossings are brutally realistic and the animals that disappear under the water do in fact die. To make sure that the audience of the time believed that the story took place, a signed certificate of authenticity is offered up at the end. The version that I saw had fascinating Iranian music that can stand alone and be appreciated without the film. Having said all this, the film is probably of more value to the anthropologist than the casual viewer in search of a good evening's entertainment. The crew had just barely sufficient stock to take the shots that they recorded and there is no fancy camera work resulting from multiple re-takes. The Western inter-titles detract from the experience but are in fact a part of the record since they demonstrate how Hollywood tried to put their spin on the lives of an indigenous peoples lives so that they would be appreciated by the audience of the day. Off-duty entertainment by desert police becomes a "policeman's ball." The producers went on to make the docu-drama Chang (1927) and the totally commercial King Kong (1933). The migration theme is used again in People of the Wind (1976) and in Himalaya (1999). Recommended for those who know in advance what they are getting into -- and then highly recommended for them.


text: De eerste samenwerking tussen Schoedsack & Cooper is een boeiende documentaire over de migratie van de Bakhtiari-stam in Perzië. Twee keer per jaar steken meer dan vijftigduizend mensen en een half miljoen dieren rivieren en bergen over om naar de weidegronden te gaan. Je voelt je een slappeling als je ziet hoe deze mensen hun dieren door ijskoud water leiden en blootsvoets door de sneeuw lopen om de bergen over te steken terwijl ze proberen hun dieren over steile, smalle bergpaden te laten lopen.

text_en: The first collaboration between Schoedsack & Cooper is a compelling documentary on the migration of the Bakhtiari tribe of Persia. Twice a year, more than 50,000 people and half a million animals cross rivers and mountains to get to pasture. You'll feel like a pampered weakling after watching these people herd their animals through ice cold water and walk barefoot through the snow to cross the mountains while trying to get their animals to walk along steep and narrow mountain paths.


text: Dat was ongelooflijk, wat betekende dat het moeilijk te geloven was dat de'vergeten stam' twee keer per jaar deze verbazingwekkende migratie maakte en dat de filmmakers, Cooper en Schoedsack, sommige scènes en beelden niet in scène hadden gezet. Maar wat een beelden zijn het! De cinematografie, onder de meest extreme omstandigheden, is briljant, en de score van de Iraanse muziek die aan de video is toegevoegd, geeft deze gedenkwaardige documentaire een extra dimensie.<br />Ik had het genoegen om dit en 'Kon Tiki' in hetzelfde weekend te zien, wat opwindend was en me in elk geval deed beseffen hoe taai en gehard en dapper mensen kunnen zijn, of het nu gaat om primitief overleven of de behoefte aan avontuur, of in naam van de wetenschap.

text_en:
This was incredible, meaning that it was hard to believe, that the "forgotten tribe" would make this astounding migration twice a year, and that the filmmakers, Cooper and Schoedsack, didn't stage some of the scenes and shots. But what shots they are! The cinematography, under mostly extreme conditions, is brilliant, and the score of Iranian music added to the video release give this memorable documentary an added richness.

I had the pleasure of seeing this and "Kon Tiki" on the same weekend, which was a thrill and certainly made me see how tough and hardy and brave people can be, whether for primitive survival or the need for adventure or in the name of science.


text: Fantastische documentaire uit 1924. Deze vroege twintigste-eeuwse geografie van het huidige Irak was indrukwekkend. Kijk hier maar eens naar en vertel me of Cecil B. DeMille geen aantekeningen maakte voordat hij zijn _The Ten Commandments_ maakte. Merian C. Cooper, de fotograaf, creëerde later _ Cinerama_, een idee dat waarschijnlijk is ontstaan tijdens het filmen van de opmerkelijke landschappen in deze film. Fans van Werner Herzog zullen deze film een juweeltje vinden, met hartverscheurende verhalen over de strijd die, gecomplimenteerd door het land om hen heen, nog nooit zo duidelijk het menselijk vermogen heeft getoond om te doorstaan. Het feit dat deze film is gemaakt op het moment dat hij werd gemaakt, toont niet alleen de wil van de personages, maar ook die van de filmmakers zelf.

text_en: Fantastic documentary of 1924. This early 20th century geography of today's Iraq was powerful. Watch this and tell me if Cecil B. DeMille didn't take notes before making his The Ten Commandments. Merian C. Cooper, the photographer, later created Cinerama, an idea that probably hatched while filming the remarkable landscapes in this film. Fans of Werner Herzog will find this film to be a treasure, with heartbreaking tales of struggle, complimented by the land around them, never has the human capacity to endure been so evident. The fact that this was made when it was shows not only the will of the subjects, but of the filmmakers themselves.


text:
Dit was hartverwarmend! Ik ben een Iraniër, en omdat ik in de 21e eeuw leef, wist ik niet dat zulke grote stammen in zulke omstandigheden leefden ten tijde van mijn grootvader!
Je ziet dat vandaag de dag, of zelfs in 1925, aan de ene kant van de wereld een dame of een baby alles schoon en op afroep kon krijgen, maar hier, 80 jaar geleden, waagden mensen het hun leven om naar een plek te gaan waar meer gras was. Het is echt interessant dat deze Perzen die problemen hebben om weidegrond voor hun schapen te vinden, maar ze verliezen veel schapen onderweg.
Ik prijs de Amerikanen die deze stam vergezelden, ze waren net zo taai als het volk van Bakhtiari.

text_en:
This was soul-provoking! I am an Iranian, and living in th 21st century, I didn't know that such big tribes have been living in such conditions at the time of my grandfather!

You see that today, or even in 1925, on one side of the world a lady or a baby could have everything served for him or her clean and on-demand, but here 80 years ago, people ventured their life to go to somewhere with more grass. It's really interesting that these Persians bear those difficulties to find pasture for their sheep, but they lose many the sheep on their way.

I praise the Americans who accompanied this tribe, they were as tough as Bakhtiari people.


text:
Ik ben echt woedend over de opmerking die ik las, dat deze film'saai' was en dat het prachtige landschap werd ontsierd door de zwart-witbeelden. Hij is gemaakt in 1925!!!! Ik vind het absoluut ongelooflijk want het is tijd!
De reis die deze mensen moesten maken is buitengewoon opmerkelijk. Ze deden er een week over om alleen maar een rivier over te steken. De vrouwen droegen hun kinderen in zware houten wiegen op hun rug terwijl ze tegen een massieve rots op klommen, soms blootsvoets in de sneeuw. Ik zou wel eens willen zien hoe iemand dat nu zou doen!
Ik vond het een prachtige film met een paar werkelijk fantastische scènes en een ongelooflijk verhaal.

text_en:
I am actually outraged at the comment I read stating that this movie was "boring" and the beautiful scenery was marred by the black and white footage. It was made in 1925!!!! I think it absolutely incredible for it's time!

The journey that these people had to go through is utterly remarkable. It took them a week just to cross a river. The women carried their children in heavy wooden cradles on their backs climbing up a solid sheet of rock, sometimes barefoot in the snow. I would like to see Anybody do that now!

I thought it was a wonderful film with some truly amazing shots and an incredible story.


text:
Waarschijnlijk hadden ze een deel van het begin kunnen overslaan <0xE2><0x80><0x93> ik weet niet precies waarom dit in het Aziatische deel van Turkije begint. Als het was omdat ze in het Middellandse-Zeegebied begonnen, hadden ze in het moderne Libanon kunnen beginnen.
Een van de plaatsen waar de camera's en de bemanningen bij de Bakhtyari-stam aankomen, is het begin van een verbazingwekkende reis van 48 dagen. 50.000 mensen met ongeveer 250.000 geiten, kamelen, vee en paarden maken deze verbazingwekkende tocht over wat een heel snel stromende rivier lijkt te zijn. Ze gebruiken vlotten die drijven door het opblazen van geitenhuiden <0xE2><0x80><0x93> je kunt zien waar de kop en de poten zijn verwijderd. 'Ik denk een verhoging van 60 graden.'
Dat alleen al was ongelooflijk, maar er kwam nog veel meer. Om bij de weiden te komen, moesten ze ook een grote berg oversteken die ongeveer 1,5 meter sneeuw had, zo niet meer. Dat ze deze berg konden beklimmen was op zich al verbazingwekkend, maar zij (en alle dieren) beklommen deze berg blootsvoets! Ja, blootsvoets.
Het enige nadeel van deze documentaire waren de tussentitels met slechte pogingen tot humor.
Als je een documentaire uit het stille tijdperk wilt zien, of de ongelooflijke uitdagingen die deze stam niet alleen het hoofd moet bieden, maar ook moet overwinnen. Dit is gewoon een ongelooflijk document over een kleine, bekende groep mensen die voor allerlei uitdagingen staat.

text_en:
They probably could have skipped some of the beginning - I'm not sure why this starts out in the Asian part of Turkey. If it was because starting in the Mediterranean, they could have gotten closer starting in modern day Lebanon.

One the cameras and crews get to the Bakhtyari tribe, it's the beginning of an amazing 48 day journey. 50,000 people with about 250,000 goats, camels, cattle, and horses make this amazing trek across what seems to be a very fast moving Karun River. They use rafts that are kept afloat by inflating goat skins - you can see where the head and legs were removed. The other "bank" of the river was very steep - I'm guessing about a 60 degree rise.

Just watching that was incredible, but there was much more to come. To get to the pastures, they also had to cross a major mountain that had about 4 feet of snow, if not more. Being able to climb this mountain was pretty amazing in and of itself, but they (and all of the animals) climbed this mountain barefoot! Yes, barefoot.

The one drawback to this documentary were some of the inter-titles with poor attempts at humor.

If you want to see a documentary from the silent era, or the incredible challenges that this tribe not only face, but conquer. This is just an incredible document of a little known group of people facing all kinds of challenges.


text: Deze documentaire van Marian Cooper is absoluut geweldig. Ik heb hem vanavond op Turner Classic Movie Channel gezien. Ik denk dat ik maar eens ga kijken of ik er een dvd van kan bestellen. De filmbeelden zien er niet zo wazig en onscherp uit als je zou denken van B&W-stommefilms uit 1925. De nomadische stam in de documentaire verlaat zijn thuis in de woestijn en steekt een woeste rivier over, mannen, vrouwen, kinderen, dieren... Dan omhoog en over een besneeuwde bergpas, helemaal blootsvoets. Het is zinken of zwemmen en klimmen of sterven. Op zoek naar gras voor hun dieren. Ze hebben koeien, geiten, honden, paarden, muilezels. In een van de scènes draagt een man een muilezel die te ziek is om de berg te beklimmen. De kinderen in de documentaire zien er allemaal gelukkig en gezond uit. Ze hebben zo'n zwaar leven gehad. Ik vraag me af of de nomadische stammen van Iran nog steeds zo leven. Daardoor krijg je waardering voor het moderne leven in de Verenigde Staten.

text_en: This documentary by Marian Cooper is absolutely amazing. I saw it tonight on Turner Classic Movie channel. I think I will see if I can order a copy of it on DVD. The film footage doesn't look all blurry and choppy like you might think from 1925 B & W silent film. Set in Iran in 1925, The nomadic tribe people in the documentary leave their desert home and cross a raging river, men, women, children, animals... Then up and over a snowy mountain pass all Barefoot. It is sink or swim and climb or die. In search of grass for their animals. They have cows, goats, dogs, horses, mules. In one scene a man is carrying a mule who is too sick to climb the mountain. The children in the documentary all look happy and healthy. They had such a hard life. I wonder if the nomadic tribes of Iran still live like this. Makes you appreciate modern life in USA.


text: Misschien loop ik op de zaken vooruit, maar hoewel de film zelf een technisch meesterwerk was voor zijn tijd, heb ik hem gisteravond stukje bij beetje op TCM gezien, en dan komt de vraag bij me op: waarom deden ze dat? Ze brachten hun leven in gevaar, velen van hen stierven tijdens de tocht, waarom zouden ze zo'n levensbedreigende reis ondernemen, alleen maar om voedsel voor hun dieren te vinden (!) als ze eenmaal in het 'land van melk en honing' waren, waarom bleven ze daar niet gewoon? Zou je je leven en dat van je hele gemeenschap in gevaar brengen, alleen maar om voedsel voor een kudde vee te vinden? Hoe gevaarlijk het ook was, alleen al het feit dat ze het voor dat doel deden, toont de aangeboren eenvoud van dit soort mensen. De dood riskeren voor een koe? Beter zij dan ik!

text_en: I may be getting ahead of myself here, but although the film itself was a technical masterpiece for its time, I watched it piece-by-piece on TCM last night, the question arises to me: Why did they do that? putting their lives in jeopardy, many of them died on the trek, why would they undertake such a life-endangering journey, just to find food for their animals (!) once they reached the "land of milk and honey", why didn't they just stay there? Would you endanger your life, and that of your entire community, just to find food for a herd of cattle? As dangerous as it was, to do it for that purpose alone, shows the inbred simplicity of these types of people. Risk death for a cow?? Better them than I!


text:
Deze film toont mensen midden in de heetste 2 dagen van Oostenrijk. Hij toont mensen die andere mensen vernederen en wreed zijn tegen andere mensen. Hij toont het onvermogen van mensen om met anderen te communiceren of te praten.
Tijdens de screening die ik heb bijgewoond, gingen mensen halverwege weg omdat ze de film niet meer konden zien. En terecht. Want het is geen gemakkelijke film om te zien. Hij heeft een heel deprimerende boodschap en er is geen enkel moment van genade in de film. Het is een heel wrede film, niet naar ieders smaak. Je kunt uit deze film niet opmaken in welke mate je ervan geniet. Het grijpt je bij de keel en laat je niet meer los en uiteindelijk ben je gewoon buiten adem door de intensiteit ervan.
Ik kan deze film niet 'aanbevelen' of 'niet aanbevelen'. Je moet je eigen beslissing nemen op basis van wat ik eerder heb gezegd. Besef alleen dat dit geen gewone film is en dat hij niet naar ieders smaak is.

text_en:
This film show peoples in the middle of the hottest 2 days in Austria. It shows people humiliating other peoples and being cruel to other peoples. It show the inability of people to communicate or talk with others.

In the screening I have attended people were leaving in the middle because they could no longer watch the film. And rightly so. Because the film is not and easy one to watch. It has a very depressing message and there isn't any moment of mercy in the film. It is a very cruel movie, not for everyone's taste. You can not speak of terms of enjoyment from this film. It grips you in your throat and never let go and in the end you simply feels breathless because of its intensity.

I can not "recommend" or "not recommend" this film. You should make your own mind based on what I have said earlier. Just be aware that this is not a regular film and it is not for everyone's taste.


text:
Ik heb deze film in 2001 op het internationale filmfestival in Toronto gezien. De werktitel was 'Dog Days'. De reactie van het publiek was gemengd. Sommige mensen vonden de expliciete seks en het realistische geweld te veel van het goede. Anderen leken oprecht te waarderen hoe goed deze film was.
Deze film is niet voor mensen met een zwak hart. Het is zoiets als 'Geluk', met expliciete seks en een minder optimistische kijk op de mensheid. Er is sprake van dierenvergiftiging, een striptease van een bejaarde, een orgieachtig vleermuishuis in een winkelcentrum, anale kaarspenetratie en het molesteren van geestelijk incompetente mensen.
Als iets van dit alles te veel voor je is, dan is deze film niet voor jou. Deze film toont de mensheid op haar wanhopigst en meelijwekkendst. De banaliteit van ons bestaan wordt ons met opperste vreugde onder de neus gewreven.
 Seidl heeft er geen belang bij de mensheid hier te verlossen. En waarom zou hij ook? Deze film bevat uitstekende optredens van alle betrokkenen, is altijd interessant en is waarschijnlijk de intelligentste sociale uitspraak die in lange tijd op film is vastgelegd.

text_en:
I just saw this film at the 2001 Toronto international film festival. The working title there was 'Dog Days'. The audience reaction was mixed. Some people found the graphic sex and realistic violence to be too much for them. Others seemed to genuinely appreciate how good this film was.

This film isn't for the faint of heart. It's like 'Happiness' with explicit sex and a less optimistic view of humanity. There's animal poisoning, a strip-tease from a senior citizen, an orgy'esque' bathouse in a shopping centre, anal candle penetration, and the molestation of the mentally incompetent.

If any of this sounds like too much to handle then this film isn't for you. This film shows humanity at its most desperate and pathetic. The banality of our existence is shoved in our face with utmost glee.

 Seidl has no interest in redeeming humanity here. And why should he? This film features excellent performances from all involved, is always interesting, and is probably the most intelligent social statement to be made on film in awhile.


text: Deze film is geweldig. Zoals vaak wordt gezegd, is hij inderdaad heel realistisch en soms wreed, maar in tegenstelling tot sommige andere mensen ben ik duidelijk niet van mening dat hij deprimerend, negativisme of het ontmantelen van Oostenrijk als proto-fascistische samenleving is. Integendeel: hoewel er inderdaad heel zware scènes in HUNDSTAGE zitten en sommige personages heel slechte mensen worden genoemd, kijk je tegelijkertijd naar liefde, schoonheid en humor in de film van Ulrich Seidls. En dat is precies wat HUNDSTAGE voor mij onderscheidt van andere films die proberen het leven van de 'gewone mensen' te laten zien. Het is duidelijk dat Seidl nooit probeert te bewijzen dat het leven van de mensen uit de arbeidersklasse een puinhoop is! Naar mijn mening lijken de kijkers die tot deze conclusie komen erg bang te zijn om toe te geven dat het leven van bijna niemand zo'schoon' en 'normaal' is als wij graag zouden willen dat andere mensen geloven. En dat elk leven zijn donkere en vaak deprimerende kanten heeft. De mooiste scène: de oude Weense man die zijn vrouw ziet dansen op 'de oosterse manier', zoals hij het noemt. Ik denk dat iedereen die deze scène lelijk vindt, geen gevoel voor schoonheid heeft en zich moet afvragen wat het is, dat is het.' s protofascist: De personages in HUNDSTAGE of kijkers, die worden afgeleid door het lichaam van een 70-jarige vrouw die met al haar charmes voor haar minnaar danst.

text_en: This film is great. As often heard, it is indeed very realistic and sometimes brutal, but unlike some other people I am clearly not of the opinion that it is depressing, negativistic or dismantling Austria as a proto-fascist society. Quite the contrary: While there are indeed some very heavy scenes in HUNDSTAGE and some characters are to be called very bad persons, at the same time you watch love, beauty and humor in Ulrich Seidls film. And that's exactly what distinguishes HUNDSTAGE for me from other films that try to show the lives of the 'ordinary people' in an intense, realistic way; their hustle, their wishes, their dark sides: Seidl clearly never tries to prove, that the lives of the working-class people are trash! In my opinion, viewers who come to this conclusion seem to be very afraid of admitting, that nearly nobody's live is as 'clean' and 'normal' as we would like other people to believe. And that every live has its dark and often depressing sides. The most beautiful scene: The old Viennese man, watching his old girl dancing 'the oriental way', as he is calling it. I think everybody who finds this scene ugly lacks a sense of beauty and should ask themselves what it is, that's proto-fascist: The characters in HUNDSTAGE or viewers, who are turned off by the body of a 70+ year old woman, dancing with all her charms for her lover.


text: Deze film moet geklasseerd worden als een van de meest verontrustende en boeiendste films in jaren. Het is een van de weinige films, misschien wel de enige, die me in feite de rillingen bezorgde: zelfs Pasolini dens Sálo, waarmee deze film vergeleken kan worden, had niet zo'n uitwerking op me. Ik zag echo's in de film van filmmakers als Pasolini, Fassbinder en anderen. Ik moest mezelf de vraag stellen: wat was er aan de film dat me dat gevoel gaf? Ik denk dat het antwoord zou zijn dat ik naar een horrorfilm keek, maar dan een die de conventies van het genoemde genre tartte of zelfs omverwierp. Normaal gesproken gebeuren er in een griezelfilm afschuwelijke en angstaanjagende dingen, maar dan aan de rand van de beschaafde samenleving: verlaten huizen, verlaten hotels, kastelen, kerkhoven, lijkenhuizen, enzovoort. De manier waarop dit onderwerp in griezelfilms wordt behandeld, is volgens mij een soort verdedigingsmechanisme, een principe van duisternis en ondoorzichtigheid dat fungeert als een soort projectieve ruimte voor de verlangens en angsten van de kijker. Vanuit dit gezichtspunt is Hundstage dus geen griezelfilm; hij vindt plaats in een volkomen normale samenleving en liefhebbert dus niet in het theatrale van de griezelfilm. Maar wat je ziet is de verplaatsing van bepaalde thema's uit het horrorgenre, met name wat betreft het lichaam en de schending ervan, de stadia van angst en foltering die het kan doormaken. Wat Seidl doet is de omgeving van een alledaagse, burgerlijke maatschappij gebruiken als een toneel waarop een zich herhalend spel van seksuele agressie, eenzaamheid, gebrek en schending van intimiteit en integriteit wordt opgevoerd: precies de thema's die je in horror zou aantreffen, maar onderworpen aan een principe van licht en transparantie waaraan niet te ontsnappen valt. Juist in deze verplaatsing schuilt de macht van Seidls film. Hundstage behandelt deze zaken als een functie van het dagelijks leven, toont ze in de alledaagse herhaling, in plaats van als plaatsen van extremiteit en catharsis <0xE2><0x80><0x93> een zet die je in het genoemde horrorgenre zou kunnen tegenkomen. Een belangrijk referentiepunt hier is Rainer Werner Fassbinder. Fassbinder had ook een manier om het politieke met het persoonlijke te vermengen in zijn films, een tactiek van het melodrama die hem in staat stelde op een serieuze en zelfs morele manier om te gaan met politieke kwesties als racisme, dominantie, begeerte, vragen over eigendom, seksueel eigendom en controle, fascisme en kapitalisme et cetera. De tactiek van Seidl om de mechanismen van de dagelijkse samenleving het onderwerp van zijn film te maken, brengt hem in nauw contact met Fassbinder; net als deze Duitse bondgenoot heeft hij een soort politieke visie op de samenleving, die hij als zijn verantwoordelijkheid beschouwt om die in zijn films naar voren te brengen. Tijdens een seminar dit jaar op het Gothenburg Film Festival, waar Seidl te gast was, werd hem gevraagd waarom hij zoveel gevallen van verkrachte, onderworpen vrouwen in het Hundstage zou hebben, maar geen gevallen van een vrouw die terugvocht, zichzelf bevrijdde. Een even goed artistiek statement als welke andere ook, denk ik.

text_en: This film has got to be ranked as one of the most disturbing and arresting films in years. It is one of the few films, perhaps the only one, that actually gave me shivers: not even Pasolini´s Sálo, to which this film bears comparison, affected me like that. I saw echoes in the film from filmmakers like Pasolini, Fassbinder and others. I had to ask myself, what was it about the film that made me feel like I did? I think the answer would be that I was watching a horror film, but one that defies or even reverses the conventions of said genre. Typically, in a horror film, horrible and frightening things will happen, but on the margins of civilized society: abandoned houses, deserted hotels, castles, churchyards, morgues etc. This handling of the subject in horror is, I think, a sort of defence mechanism, a principle of darkness and opacity functioning as a sort of projective space for the desires and fears of the viewer. So, from this perspective, Hundstage is not a horror film; it takes place in a perfectly normal society, and so doesn´t dabble in the histrionics of the horror film. But what you see is the displacement of certain key thematics from the horror genre, especially concerning the body and its violation, the stages of fright and torture it can be put through. What Seidl does is to use the settings of an everyday, middle class society as a stage on which is relayed a repetitious play of sexual aggression, loneliness, lack and violation of intimacy and integrity: precisely the themes you would find in horror, but subjected to a principle of light and transparency from which there is no escape. It is precisely within this displacement that the power of Seidl´s film resides. Hundstage deals with these matters as a function of the everyday, displays them in quotidian repetition, rather than as sites of extremity and catharsis - a move you would encounter in said horror genre. One important point of reference here is Rainer Werner Fassbinder. Fassbinder also had a way of blending the political with the personal in his films, a tactics of the melodrama that allowed him to deal in a serious and even moral way with political issues like racism, domination, desire, questions concerning ownership, sexual property and control, fascism and capitalism etc. Seidl´s tactic of making the mechanisms of everyday society the subject of his film puts him in close proximity with Fassbinder; like this German ally, he has a sort of political vision of society that he feels it is his responsibility to put forward in his films. During a seminar at the Gothenburg Film Festival this year, at which Seidl was a guest, he was asked why he would have so many instances of violated, subjugated women in Hundstage, but no instances of a woman fighting back, liberating herself. Seidl replied that some may view it as immoral to show violence against women, but that he himself felt it would be immoral not to show it. An artistic statement as good as any, I think. Thank you.


text: Het is niets briljants, baanbrekends of vernieuwends, maar om de een of andere reden is 'Dog Days' een buitengewoon fascinerende karakterstudie. Het is net zoiets als crash die op een slechte dosis heroïne trapt, maar dan niet echt. Het is een Oostenrijkse film die het leven volgt van een aantal depressieve, gestoorde en irritante mensen en hun gewelddadige relaties met elkaar. Hij is verontrustend, maar heel goed geacteerd en het is interessant om te kijken naar de gekke kleine dingen die deze personages doen. Zeker niet voor mensen met een zwak hart, want deze uiterst pessimistische film biedt aan het eind geen conclusie of onthulling, we zien alleen het leven van deze verachtelijke individuen in de loop van twee dagen.

text_en: It's nothing brilliant, groundbreaking or innovative, but 'Dog Days' is for some reason an extremely fascinating character study. It's like CRASH tripping on a bad dose of heroin, but not really. It's an Austrian film following the lives of several depressed, deranged and annoying people and their abusive relationships with each other. It's disturbing, yet very well-acted and it's interesting to watch the crazy little things these characters do. Certainly not for the weak-hearted, this highly pessimistic film offers no conclusion or revelation at the end, we just see the lives of these sordid individuals over the course of two days. Grade: B