text:
Als Heiden moet ik zeggen dat deze film weinig of geen magische betekenis heeft. Het is een 'leuke' film over hekserij en hij is niet bedoeld om ons iets te leren, behalve dat liefde de sterkste Magie van allemaal is en dat je die nooit op een overheersende of wraakzuchtige manier moet gebruiken. Dat is een les die iedereen moet leren, niet alleen Heidenen.
Dat gezegd hebbende, is deze film prachtig geschreven en prachtig gespeeld door Kim Novak en de eerbiedwaardige Jimmy Stewart.

Hermione Gingold geeft een schitterende vertolking van Bianca, door Elsa Lanchester (met te veel bijrollen om te noemen, behalve als Ms. Jane Marbles van 'Murder by Death') was geweldig als Queenie, de verstrooide, maar toch bekwame bovenbuurvrouw van mevrouw Novak. Ook met Jack Lemmon (geweldig gespeeld) en Jim Kovacs (briljant geestig).
'Heksen kunnen niet huilen. Ze kunnen geen enkele traan laten omdat hun hart vol zit met Magie. Ze hebben geen tijd voor dwaze dingen als liefde.'
Queenie.
Gillian Holroyd (Novak) en haar broer Nicky (Jack Lemmon) zijn heksen uit Manhattan. Diep weggedoken in de geheime onderwereld van de gilden, leven ze als heksen te midden van andere New Yorkers, zonder dat ze ook maar één wenkbrauw optrekken.
Maar dan komt Shepherd 'Shep' Henderson (Stewart), een standvastige, no-nonsense, toegewijde zakenman die verloofd is met Gillians oude studierivaal.
Door een grillig toeval komt hij terecht in Gillians huis. Gillian is nog maar net begonnen, maar wordt onmiddellijk 'behekst' door haar charme en gratie. Met behulp van Magick, en met een beetje hulp van Pyewacket (Gillians familiaar, opgeleid door Robert E. Blair) en Queenie, begint Gillian te werken aan deze knappe nieuwe droomman om haar oude vijand terug te pakken.
Maar Magick mag nooit worden gebruikt om te beheersen, noch om pijn te doen, en dat leert Gillian op de moeilijkste manier, op de meest bitterzoete manier. Niet alleen moet ze onder ogen zien wat ze heeft gedaan, maar ze moet ook Shep onder ogen komen in haar schuldgevoel.
Vanuit een kritisch oogpunt bezien, neemt de film echter een serieuze wending: de effecten zijn zo gedateerd dat het bijna pure camp is. Een deel van het decor was zo te zien opgenomen in de kelder van iemands kleine huis, maar de personages waren in elk geval grappig en eigenzinnig.
Een persoonlijke noot: Pyewacket steelt de show. Geweldige kat! Geweldige training door Robert E. Blair.
Dit is de basis voor de geliefde Bewitched-tv-sitcom. Dit introduceert de oorspronkelijke Samantha en Darrin. Alle belangrijke personages zijn aanwezig en in beeld. Je hoeft alleen maar te kijken, om het zelf te zien.
Dit is een van mijn favorieten, en ik kijk er vaak naar.
Deze film krijgt een 9,1/10 van...
de Duivel.

text_en:
As a Pagan, I must say this movie has little if any Magickal significance. It's a "fun" witchcraft movie and not meant to teach us anything except that love is the strongest Magick of all, and never to use it in a controlling or vengeful way. That's a lesson everyone needs to learn, not just Pagans.

That having been said, this movie is wonderfully written and sweetly executed by Kim Novak and the venerable Jimmy Stewart.

Hermione Gingold delivers a stellar performance as Bianca, Elsa Lanchester (with too many movie credits to mention except as Ms. Jane Marbles of "Murder By Death") was wonderful as Ms. Novak's absent-minded-yet-capable upstairs neighbor Queenie. Also starring Jack Lemmon (wonderful performance) and Jim Kovacs (brilliantly witty).

"Witches can't cry. Why, they can't shed a single tear because their heart is full of Magick. They don't have time for silly things such as love." Queenie.

Gillian Holroyd (Novak) and her brother Nicky (Jack Lemmon) are Manhattan witches. Cloaked deeply within the secret underworld of those of the Craft, they live among other New Yorkers as one of them, without so much as causing a raised eyebrow.

But then, along comes Shepherd "Shep" Henderson (Stewart), a steadfast, no-nonsense, dedicated businessman who is engaged to be married to Gillian's old college rival.

By a quirky mishap of chance, he finds himself moving into Gillian's building and is instantly "bewitched" by her charm and grace. By the use of Magick, with a little help from Pyewacket (Gillian's familiar, trained by Robert E. Blair) and Queenie, Gillian begins to work on this handsome new dream man to get back at her old enemy.

But Magick should never be used to control, nor to hurt, and Gillian learns that the hard way in the most bittersweet way. Not only does she have to face what she's done, but she has to face Shep in her guilt.

From the critical perspective; however, the movie takes a serious turn: The effects are very dated to the point of being pure camp. Some of the scenery was seemingly shot in the basement of someone's small home, but at least the characters were quirky and fun.

On a personal note, Pyewacket steals the show. Great cat! Great training by Robert E. Blair.

As a Note of Trivia, this is the roots for the beloved Bewitched television sitcom. This introduces the original Samantha and Darrin. All the characters of note are present and accounted for. You have but to look, to see it for yourself.

This is one of my favorites, and I watch it often.

This movie gets a 9.1/10 from...

the Fiend :.


text:
Bell, Book and Candle was een van de grote popculturele fenomenen van het midden van de twintigste eeuw, die veel leek op de fenomenen die we tegenwoordig zien (in de jaren zeventig <0xE2><0x80><0x93> meer dan tien jaar later <0xE2><0x80><0x93> waren er nog eindeloos veel verwijzingen naar deze film). Novak werd er een grote ster door, Jack Lemons cv kreeg er een mooie vermelding door, Jimmy Stewart kreeg er nieuw licht door en Lancaster en Gingold kregen nieuwe wegen om in hun carrière te verkennen (beiden bleven in film en televisie heksen en andere nieuwsgierige 'oude vleermuizen' spelen).

Samen met de film uit de jaren veertig, I Married a Witch (waardoor Veronica Lake een icoon werd), hebben Bell, Book and Candle de grote film- en tv-fascinatie voor alles wat met hekserij te maken heeft geïnspireerd, die begon met Bewitched en zich heeft voortgezet in Practical Magic, Worst Witch en Harry Potter.
Wat me zelden opvalt, is dat de film ook een tamelijk interessante alternatieve kerstfilm is. Het verhaal speelt zich af tijdens de kerstvakantie, en ondanks het feit dat het oppervlakkig gezien over hekserij gaat, belichaamt de film een groot deel van de kerstgeest (geven, liefde, familie, zelfopoffering, enz.).
Ik zal deze film altijd blijven bekijken (ik heb hem een paar keer gezien sinds ik hem in het begin van de jaren negentig voor het eerst zag). s) in het bijzonder als hij rond of vlak na de feestdagen wordt vertoond. Hij heeft stijl, inhoud, een geweldige cast en geweldige productiewaarden. En net als _Adam's Rib_ geeft hij terloops uitdrukking aan ideeën die in zijn tijd nogal radicaal waren, zelfs nu nog radicaal zijn (in beide films is het vrouwelijke personage argeloos en machtig) en dus altijd de tijd vooruit lijkt te zijn.

text_en:
Bell, Book and Candle was one of the great pop culture phenomena of the mid-twentieth century, very similar to the phenoms we see today (back in the 70's - more than ten years later - there were still endless references to this film). It made Novak a huge star, put a nice item on Jack Lemon's resume, cast new light on Jimmy Stewart, and gave Lancaster and Gingold new avenues to explore in their careers (both went on to continue to play witches and other curious "old bats", in film and television).

Along with the 40s movie I Married a Witch (which helped to make Veronica Lake an icon), Bell, Book and Candle inspired the grand film and TV fascination with all things witchy that began with Bewitched and has continued through Practical Magic, Worst Witch and Harry Potter.

What I rarely see noted is that the movie is also a rather interesting alternative Xmas movie. The story takes place over the Christmas holidays, and, despite the fact that it is superficially about witchcraft, actually embodies a great deal of Xmas spirit (giving, love, family, self-sacrifice, etc).

I will always watch this movie (have seen it several times since my first viewing in the early 90's) particularly if it is shown around or just after the holiday season. It has style, substance, a great cast, and terrific production values. And like Adam's Rib, it casually expresses ideas that were rather radical for its time, are radical even now (in both movies the female character is guileless and powerful), and so always seems ahead of the times.


text:
Dit is dan misschien geen _War & Peace_, maar zonder het genie van James Wong Howe zouden de twee titels van de _Academy_ niet ter sprake zijn gekomen.
_dit_ is een van de weinige films waar ik als kind verliefd op ben geworden en waar ik zonder ontevreden te zijn naar ben teruggegaan. of je nu geïnteresseerd bent in het verhaal of niet, _BB&C_ is een visueel feest.
Ik zeg niet dat het zijn beste werk is, daar ben ik geen deskundige in, maar de look van deze film is verbazingwekkend. Ik hou van alles aan deze film: Elsa Lanchester, de kat, het krankzinnige gedoe, het retro-downtown-gevoel; maar de manier waarop hij op film is gezet is adembenemend. Ik hou zelfs van de inconsistenties die op deze pagina hierboven worden aangestipt, en de'special effects' die nu achterstevoren lijken. Het creëert allemaal een echt consistente wereld.

text_en:
this may not be War & Peace, but the two Academy noms wouldn't have been forthcoming if it weren't for the genius of James Wong Howe...

this is one of the few films I've fallen in love with as a child and gone back to without dissatisfaction. whether you have any interest in what it offers fictively or not, BB&C is a visual feast.

I'm not saying it's his best work, I'm no expert there for sure. but the look of this movie is amazing. I love everything about it; Elsa Lanchester, the cat, the crazy hoo-doo, the retro-downtown-ness; but the way it was put on film is breathtaking.

I even like the inconsistencies pointed out on this page above, and the "special effects" that seem backward now. it all creates a really consistent world.


text:
Wat heeft Markies de Sade te maken met de Egyptische archeologie en de aanbidding van zeemeerminnen? Tobe Hooper probeert die vraag te beantwoorden in een vreemd filmpje.
Genie is een jong schatje dat haar nerdachtige archeologievader bezoekt in Alexandrië, Egypte. Genie raakt in de ban van een mysterieuze hoer (en overduidelijk lesbienne) die pappie als bijverdienste heeft. Pap wordt teruggestuurd naar de vindplaats, waar hij een graf ontdekt met iets wat op een zeemeermin lijkt. Genie ontmoet een afstammeling van Markies de Sade en valt voor een sexy Egyptenaar (wat de spannendste scènes van de film oplevert). Uiteindelijk komt Genie erachter dat ze een offer is en komt de bloederige climax. Om dit verhaal heen draaien beelden van de markies de Sade in de gevangenis, die praat tegen een portret van Genie.
Robert Englund is geweldig als de markies en zijn nakomeling. Zijn acteertalent is altijd belemmerd geweest door zijn uiterlijk, dus hij mag hier schitteren. Zijn beste rol is nog steeds in 'Dodertaal', als je dat nog niet hebt gezien.
De rest van de cast, inclusief de jonge Genie, is mooi en doorsnee. Het script is echter problematisch. Je zult al snel ontdekken dat de scènes met de Marquis volkomen overbodig zijn, behalve misschien dat de filmmakers toegang hadden tot de set. De zeemeermincultus die Genie uiteindelijk redt, slaat nergens op. Wie de zeemeermin is, wordt nooit uitgelegd, en het verband met het christendom (dat in de hele film wordt aangedikt) is er niet. De film is erg anti-christelijk, want de archeoloog is een bijbelse vader, maar hij wordt graag vastgebonden door de plaatselijke prostituee. Er zijn genoeg scènes van verdorvenheid en geweld, maar Hooper had waarschijnlijk geen idee van wat de scenarioschrijvers probeerden te zeggen. Ik heb geen idee, dat weet ik.
Waarom beveel ik deze film dan aan? Het is raar. Er is een uitgebreide seksscène. Voor de dames berijdt een knappe Egyptenaar een paard dat helemaal naakt is. Englund is fantastisch. Hou je van slangen? Deze film zit er vol mee. Dit is net Roger Corman met een groter budget. De wetenschap dat Hooper hierna op de een of andere manier met 'Krokodil' op de proppen kwam, is nogal triest. 'Nachtelijke verschrikkingen' is niet volmaakt, maar een knipogende, onbezorgde blik is het zeker waard.
Dit wordt beoordeeld met een R voor lichamelijk geweld, wat seksueel geweld, bloed, godslastering, vrouwelijke naaktheid, mannelijke naaktheid, seksuele inhoud, seksuele verwijzingen en drugsmisbruik.

text_en:
What does the Marquis de Sade have to do with Egyptian archaeology and mermaid worshipping cults? Tobe Hooper tries to answer that question in one weird little film.

Genie is a young cutie who visits her nerdy archaeology father in Alexandria, Egypt. Genie gets caught up with a mysterious hooker (and blatant lesbian) who services daddy on the side. Daddy gets sent back to the site, where he uncovers a tomb with what appears to be a mermaid on it. Genie meets a descendant of the Marquis de Sade, and falls for a hunky Egyptian (providing the film's hottest scenes). Eventually, Genie finds out she is to be a sacrifice and the protracted and bloody climax gets going. Wrapped around this story is footage of the Marquis de Sade in prison, talking to a portrait of what looks like Genie.

Robert Englund is terrific as both the Marquis and his descendant. His acting abilities have always been sideswiped by his makeup requirements, so he is allowed to shine here. His best performance is still in "Killer Tongue," if you have not seen that yet.

The rest of the cast, including young Genie, are pretty and average. The script, however, is problematic. You will quickly learn that the Marquis scenes are completely unnecessary, except maybe the film makers had access to the cool set. The mermaid cult that eventually saves Genie makes no sense whatsoever. Who the mermaid is is never explained, and its link to Christianity (which is hyped throughout the film) is nothing. The film is very anti-Christian, as the archaeologist is a Bible spouting father, but likes to be tied up by the local prostitute. There are plenty of scenes of depravity and violence, but Hooper probably had little idea of what the screenwriters were trying to say. I know I have no idea.

So why am I recommending this film? It is weird. There is an extended sex scene. For the ladies, hunky Egyptian rides a horse completely nude. Englund is marvelous. Do you like snakes? This film is full of them. This is like Roger Corman with a bigger budget. Knowing Hooper somehow came up with "Crocodile" after this is rather sad. "Night Terrors" is not perfect, but definitely worth a winking, unserious look.

This is rated (R) for physical violence, some sexual violence, gore, profanity, female nudity, male nudity, sexual content, sexual references, and drug abuse.


text: In wat een poging lijkt om drama en komedie te combineren, maakte Manuel Gomez Pereira deze film: 'Dingen die het leven de moeite waard maken'. 'Het is geen originele ontdekking, zoals u zelf vaak zegt (tussen haakjes, u bent nogal van de wijs), maar het wijkt enigszins af van de norm in de Spaanse bioscoop. De keerzijde is dat de elementen die de film vormen slecht zijn gecombineerd, en hoewel sommige punten niet goed ontwikkeld zijn, zijn andere niet op hun plaats. Een dag in het leven van twee mensen die tegen de middelbare leeftijd aan zitten. Het is in wezen hetzelfde als de film _Gómez Pereira_. Jorge (Eduard Fernandez) is een stilstaand (parado) beeld dat, ondanks de druk die op je wordt uitgeoefend door een toneelopleiding, bereid lijkt dingen te zien veranderen. Alleen dit verklaart dat zijn betrokkenheid bij een minderjarige een keerpunt in het bestaan kan betekenen. In overeenstemming met Audrey Tautou van 'Long dating' (Jean-Pierre Jeunet, 2004), zegt Jorge dit soort dingen tegen zichzelf: 'Als ik een munt voor de hoek vind, zal dat mijn geluk nu veranderen.' Natuurlijk vindt hij hem, begint 'Today could be a great day' (Hoy puede ser un gran dia) te spelen (Hoy puede ser un gran dia) van Joan Manuel Serrat en kruist onderweg een paar keer Hortensia (Ana Belen). Ook zij is een vrouw op de instapleeftijd, gescheiden en een beetje eenzaam. Neem valeriaan om te slapen, organiseert verjaardagsfeestjes als voorbeeldige moeder, zegt dat ze in God gelooft en leidt tot een snelheid van moordzuchtige moeder. Hortensia is een vrouw met vele tegenstrijdigheden in zijn gedrag, het leven raasde door zijn hoofd terwijl hij gegevens verwerkte als '70 procent van de mensen wordt maar één keer in hun leven verliefd' en hij zei, hoewel het te weinig is voor Jorge en werkloos en de mogelijkheid niet uitsluit dat het een'sadist' is die bij de eerste de beste gelegenheid in de bioscoop in zijn schouder slaapt. Later volgden een communie, een dans in het luxueuze bruiloftsbanket, de achterkant van een auto en andere dingen die spelers als unieke ervaringen lijken te beleven, maar die de kijker uiteindelijk zwaar vallen. Het probleem is dat het ons geen tijd laat om contact te maken met de spelers en dat we ons dus niet kunnen identificeren met het drama, waardoor we ook geen solide basis hebben voor een komische film, maar alleen pure humor overhouden. Uiteindelijk wordt alles door elkaar gegooid op een manier waarvan de kijker niet meer goed weet of hij moet lachen of huilen, en uiteindelijk doet hij geen van beide. En het is waar dat iets niet duizend keer wordt gezien, dat het niet het soort film is dat we tot in de puntjes weten te doorgronden, maar het is ook weer niet zo anders of bijzonder als we zouden willen. Ana Belén (die kennelijk veel minder oud is dan de 53 jaar die er in deze film zitten) en Eduard Fernandez zijn twee acteurs die het erg leuk vinden om aan het werk te zijn, maar deze keer lijken ze er klaar voor of op hun gemak voor te zijn in scènes waarin hij de rust die in de film heerst moet doorbreken, dus op momenten als het 'ongeluk' met de kinderen van de bar lijkt het hun uit handen te glippen. Misschien moeten we het bij een heel dramatische verandering laten, maar dat is geen excuus om minder op onze hoede te zijn. In elk geval vormen beide tolken gemakkelijk het hoogtepunt van de functie. 'Dingen die het leven de moeite waard maken' werkt alleen maar tot een bescheiden niveau van vermaak. Elke bewering die dat punt overschrijdt is niet waargemaakt, net zomin als in een romantische komedie of een dramatische film, zoals we veronderstellen dat ze wilden doen, want ze kunnen zich geen kleine momenten veroorloven die met succes (behalve slecht) worden afgesloten, zoals die waarin een van de personages praat en lacht, stomdronken, vergeleken met een jongen die deels door hem in coma blijft. Geen van beiden doen ze veel voor mensen als Rosario Pardo, waardoor de film de typische start van een nieuwe vriendschap is, met als belangrijkste bijdrage de zin'moet worden verneukt', en liedjes van de soundtrack, hoewel belangrijk, niet alleen passend zijn. Het is waar dat de film van Manuel Gomez Pereira zijn hits heeft (sommige van de momenten waarop José Sacristan voorkomt), maar het geheel is een kalmerend verhaal, een film met goede bedoelingen en een goed resultaat, hoe dan ook.

text_en: In what appears an attempt to mix drama and comedy, Manuel Gomez Pereira made this film, 'Things that make life worthwhile. "It is not an original discovery, by many voice you have (quite off the pitch, by the way), but it departs somewhat from the norm in the Spanish cinema. The downside is that the elements forming the film are poorly combined, and while some points are not well developed, others are out of place. A day in the lives of two people close to the median age. It's basically what the movie Gómez Pereira. Jorge (Eduard Fernandez) is a stationary (parado) one which, despite load on your back with a drama major, seems willing to see things change. Only this explains his commitment to a minor could mean a turning point in its existence. In line with Audrey Tautou of 'Long dating' (Jean-Pierre Jeunet, 2004), Jorge says things like this to herself: "if I find a coin before the corner that is now going to change my luck. " Of course it finds it, begins to play 'Today could be a great day' (Hoy puede ser un gran dia)by Joan Manuel Serrat and in a few crosses on its way Hortensia (Ana Belen).She is another woman entry age, divorced and a little lonely. Take valeriana for sleeping, organizes birthday parties as an exemplary mother, said her belief in God and leads to a speed of homicidal mother. Hortensia is a woman of many contradictions in his behavior, life was going in his head driving data as "70% of people fall in love only once in a lifetime" and said although it is short of Jorge and unemployed and does not preclude the possibility that it is a "sadistic" sleeping in his shoulder in the cinema at the earliest opportunity. Later came a communion, a dance in the luxurious wedding banquet, the back of a car and other things that players seem to live unique experiences like that but end up doing quite heavy for the viewer. 'Things that make life worthwhile' debate between us is the drama of two adult persons who have no other that leads them to see where their strange relationship and, conversely, make us take the case as a comedy, focusing on things like a Chinese singing at a wedding (which seem to be amusing in itself) or the gait of a drunk person. The problem is that it does not leave us time to connect with the players, therefore we can not identify with the dramatic, and not give us a solid base comic too, leaving everything except pure joke. In the end, all mixed in a way that the viewer no longer know very well whether to laugh or mourn, and ends up not doing either. And it is true that something is not seen a thousand times, is not the kind of film that we find to bend every corner, but it is not sufficiently different or special as we want to do. Ana Belén (which apparently far less than the 53 years that has in this film) and Eduard Fernandez are two actors who are very enjoyable to see working, but this time it seems ready or comfortable enough in scenes that require him to break the calm that prevails in the film, so in moments like the "accident" with the children of the bar thing seems to be slipping from their hands. Perhaps a very dramatic change that has to do, but that is no excuse to lower our guard. In any case, both interpreters are erected easily the highlight of the function. 'Things that make life worthwhile' work only up to the modest level of entertainment. Any claim that is beyond that point has not been fulfilled, as a romantic comedy or dramatic as that, we presume, they wanted to do, can not afford to have little moments finished successful (beyond bad) as that in which one of the characters talk and laugh, lost drunk, compared to a boy who remains in a coma in part because of him. Neither do much for people like Rosario Pardo, making the typical friend launched whose biggest contribution to the film is the phrase "must be screwed over," and songs from the soundtrack, though significant, not just fit. It is true that the film by Manuel Gomez Pereira has its hits (some of the moments involving Jose Sacristan), but the whole is a anodyne Story, a film with good intentions and a nice result when the better.


text: Gómez Pereira is verantwoordelijk voor een aantal van de verachtelijkste komedies uit de nieuwste Spaanse filmgeschiedenis (kijk maar eens naar zijn curriculum vitae), dus ik had niet zoveel verwacht van 'Cosas Que Hacen'... Eigenlijk weet ik niet eens waarom ik in vredesnaam heb besloten ernaar te kijken. Hoe dan ook, ik heb het gewoon gedaan... En wat een verrassing. Het ziet ernaar uit dat Gómez Pereira eindelijk volwassen is geworden en dat hij nu in staat is een goede film te maken. Hij is de laatste die zich bezighoudt met de midlifecrisis, de teleurstelling en het zoeken naar een tweede kans nadat je alles hebt verpest. Het laatste halfuur van de film (het meest dramatische) is het beste deel, en dat maakt het alleen maar de moeite waard om de film te bekijken. We hebben ook Eduard Fernandez in de hoofdrol, en ik blijf maar denken dat hij de beste acteur van zijn generatie is (verreweg).<br />*Mijn cijfer: 7/10.

text_en:
Gómez Pereira is the responsible for some of the most despicable comedies of latest Spanish cinema (just take a look at his curriculum vitae), so I didn't expect that much of "Cosas Que Hacen..."... In fact I don't know why in the world did I decide to watch it. Anyway, I just did... And what a surprise. It looks that Gómez Pereira has finally matured and now he's capable of making a good movie. He's last work deals with the midlife crisis, the disappointing, and the seeking for a second chance after you've ruined it all. The last half hour of the movie (the more dramatic) is the best part, and it just makes worth watching the film. Also we have Eduard Fernandez playing the main role, and I keep on thinking he's the best actor of his generation (by far).

*My rate: 7/10


text: Gisteren ben ik in mijn eentje naar de bioscoop gegaan, want hier in Mexico zijn de meeste films uit andere landen onderdeel van de zogenaamde _camára alternativa_ (alternatieve camera). Maar nadat ik deze film had gezien, besefte ik dat niet alle buitenlandse films alternatief zijn. Gelukkig is dit een goed voorbeeld. Maar ik moet zeggen dat ik zo van deze film heb genoten... dat ik aan het eind gelukkig was... deze film is tegenwoordig een lepeltje hoop. En de belangrijkste les voor mij... is dat aan het eind van de dag... de liefde de boventoon voert. Dit is een goede optie om een goede film in het Spaans te zien... en ik moet de goede muziek nog noemen. Cosas que hacen que la vida valga la pena... Uitstekende song!

text_en: Yesterday, I went alone to the cinema, because here in Mexico, most of the times movies from other countries are part of the so called "camára alternativa" (alternative camera). But after I saw this movie, I realized that not all the foreign movies are alternative. Afortunately, this is a good a example. But I have to said that I enjoyed so much this movie.. that at the end I was happy.. this movie is a little spoon of hope in these days. And the main lesson for me.. is that at the end of the day...the love is main force behind us. This is a good option to see a good movie in Spanish...and I have to mention the good music.. specially the main song of the movie.. Cosas que hacen que la vida valga la pena.... Excellent song!!!


text: Actie-, horror-, sci-fi-, exploitatie-regisseur Fred Olen Ray laat zien dat hij enig talent heeft als regisseur. Karakteracteur William Smith is een van de beste stoere/slechte kerels in de filmindustrie. Hij behandelt de kijker met de beste acteerprestatie van zijn carrière. Randy Travis geeft zijn beste Lee Van Cleef-imitatie. Hij is niet slecht in de film. Smith en Travis maken de film. Wat de rest van de cast betreft, valt geen van hen echt op. Ray was geweldig in het regisseren van deze film, Smith en Travis waren goed, ik zou deze B-western op een schaal van één tot tien (tien is de beste) een zeven geven.

text_en: Action, horror, sci-fi, exploitation director Fred Olen Ray shows he has some talent as a director. Character actor William Smith is one of the best tough/bad guys in the industry. He treats the viewer with the best acting performance of his career. As for Randy Travis he gives his best Lee Van Cleef impression. He's not bad in the film. Smith and Travis make the movie. As for the rest of the cast none of them really stand out. Ray did a great job directing this flick, Smith and Travis were good, I'd give this B western on a scale of one to ten(ten being the best) a seven.


text: Ik heb het gevoel dat dit een van de beste films is die ik ooit heb gezien. Ik ben een oudere man en ik ben dol op de meeste westerns. Ik hou van films die voor een deel op feiten zijn gebaseerd, als ik me niet vergis is dit zo'n film. Ik hou ook van wraakfilms. Dat geldt ook voor deze film. Een paar van mijn favoriete delen van de film waren de openingsscène met de geseling en de schietpartij in de schuur. Ik vond de afranseling in de kraal een beetje overdreven, maar dat deed niets af aan mijn gevoelens over de hele film. Ik zag wat ik denk dat een voortzetting van deze film is in een episode waarin er werd geschoten. Dat vond ik ook leuk. Ik raad u aan de tijd te nemen om deze film te bekijken, ik zal hem nog eens bekijken. Ik vond ook dat de romantische gedeelten van de film goed gespeeld waren. Ik vond het helemaal niets voor Randy Travis om een schurk te spelen, maar ik heb altijd van zijn acteerwerk gehouden.

text_en: I feel this is one of the best movies I've seen,I'm an older male and love most westerns. I love movies based in part at least on facts,If I am not mistaken this is such a movie. I also like revenge type movies,This qualifies there as well in my opinion.Some of my favorite parts of the movie were the opening scene with the whipping and the barn shooting scene. I felt the corral beating scene was a little overkill but did not affect how I feel about the complete movie. I saw what I think is a continuation of this movie in a gun smoke episode. I also enjoyed that.I recommend taking the time to watch this movie ,I will watch it again. I also felt the romance parts of this movie were well played. I thought it was so out of character for Randy Travis to play a villain type ,but I always enjoy his acting.


text:
STAR RATING: ***** The Works Miss the Mark ***** That Little Bit In Between Lapping Behind *** The Pits

Mike Atherton (Dudikoff) is vredig op weg in het Wilde Westen als hij een groep mannen ziet die een dame mishandelen. Omdat hij een heer is, grijpt hij in en maakt hier een eind aan, en daarbij vermoordt hij de zoon van een gemene beul. Dit is nog maar het begin van een felle strijd tot de finish, waarvan er maar één winnaar zal zijn.

M. Dudikoff is een actiester die er nooit echt in is geslaagd om met mij mee te gaan. Misschien heb ik hem te laat ontdekt en was het na die andere film die ik afgelopen maandag met hem heb gezien, The Human Shield, gewoon een van de vele Duds (ha ha) die aan de lijst werden toegevoegd. Maar ik heb iets met westerns, omdat het films zijn die me op de een of andere manier naar een andere tijd en plaats brengen en echt ontheemd vermaak bieden en met dit in het achterhoofd heeft Dudikoff een van zijn betere scripts gekozen, zoals met al zijn films het geval is.

De film bereikt een paar dieptepunten in de vorm van een waardeloze centrale schurk, die klinkt als een blanco Marlon Brando en een paar over het algemeen onbeholpen acteerprestaties van enkelen van de cast, samen met de obligate goedkoop uitziende sets. Maar als je leven om de een of andere vreemde reden afhing van het kijken naar een Dudikoff-film, zou dit een van je beste keuzes zijn.

text_en:
STAR RATING: ***** The Works **** Just Misses the Mark *** That Little Bit In Between ** Lagging Behind * The Pits

Mike Atherton (Dudikoff) is peacefully making his way in the Wild West when he spots a group of men mistreating a lady. Being a gentleman, he naturally steps in and puts a stop to this and in doing so kills the son of a nasty enforcer. This is just the beginning of a all guns blazing battle to the finish from which there will be only one winner.

M Dudikoff is an action star who's never truly managed to take off with me. Maybe I discovered him too late and after the other film I saw with him in it last Monday, The Human Shield, it was just another Dud (ha ha) added to the list. But I have a thing for westerns, being films that just sort of transport me to a different time and place and provide real escapist entertainment and with this Dudikoff has picked one of his better scripts, as his films go anyway.

The film hits a few low points in the shape of a naff central villain, sounding like a blank Marlon Brando and some generally ropey acting from some of the cast, along with the obligatory cheap looking sets. But if, for some strange reason, your life ever depended on watching a Dudikoff film, this would be one of your best choices. ***


text: 'The Shooter' was een ander soort film voor Michael Dudikoff. Hoewel hij gewoonlijk geassocieerd werd met actiefilms waarin vechtsporten een rol spelen, stelde deze film hem, omdat het een western was, in staat om te laten zien dat hij een veel betere acteur is dan bepaalde formule-verhaallijnen hem toestonden.<br />Het grootste probleem is natuurlijk dat de film geen enkele behoorlijke karakterontwikkeling toestaat. Het inkleuren wordt in feite aan de kijker overgelaten. We kunnen slechts gissen naar de droefheid die de Shooter, wiens echte naam Michael Atherton is, de moordenaar die hij is - een moordenaar, let wel, die door een klein stadje, geterroriseerd door een plaatselijke bullebak, verwelkomd wordt als een held die hem uit zijn ellende kan verlossen.

text_en:
"The Shooter" was a different type of film for Michael Dudikoff. Although normally associated with action flicks that incorporate martial arts, this film , because it was a western, enabled him to display that he is a far more capable actor than certain formula story lines have allowed.

The major problem, of course, is that the film does not allow any solid character development. The fleshing in is really left to the viewer . We can only guess at the sadness that has made the Shooter, whose real name is Michael Atherton, the killer that he is- a killer, mind you, that a little town, terrorized by a local bully, welcomes as a hero who can release it from its misery.


text:
Hare Rama Hare Krishna was de grootste hit van 1971. De film, die bijna helemaal in Kathmandu, de hoofdstad van Nepal, werd opgenomen, gaat niet alleen over een gebroken gezin, maar ook over een relatie tussen een broer en een zus, drugs en de hippiebeweging, waardoor veel mensen dachten dat het te maken had met de ISKON, de beweging voor Krishna-bewustzijn.
De film begint met drugsscènes en de mededeling dat de vrouw die vooraan danst de zus van de verteller is. Teruggaand naar het verleden spelen broer en zus vrolijk door het huis, maar dan horen ze hun ouders ruziemaken. Dit leidt al snel tot een breuk in het gezin. De broer gaat met de moeder mee en de zus met de vader.
Naarmate de jaren verstrijken, gaat de broer op zoek naar zijn zus en krijgt hij te horen dat ze niet meer bij de vader woont en naar Nepal is verhuisd. Hier, Prashant, vindt de broer niet alleen liefde, maar ook zijn zus Janice. Maar hij ontdekt dat ze niet alleen in het verkeerde gezelschap verkeert, maar ook aan de drugs is omdat ze elke herinnering aan haar verleden wil uitwissen. Met de hulp van Shanti, zijn geliefde, probeert de broer zijn zuster van dit alles weg te halen, maar hij moet vele obstakels overwinnen, waaronder mensen die zich tot allerlei niveaus verlagen om hem tegen te houden. Dit is een film met een grote bezetting en wordt geregisseerd door de regisseur en producent zelf, Dev Anand en ook de sterren Zeenat Aman (haar eerste film), Mumtaz, Rajendranath, Prem Chopra, Jnr Mehmood, A.K. Hangal en Achala Sachdev. De muziek is voortreffelijk verzorgd door wijlen R.D. Burman, wiens laatste score '1942 - Een liefdesverhaal' was. Tijdens de opnamen vroeg Dev Anand Panchamda (R.D. Burman) om iets speciaals voor deze film te componeren. Dagen later kwam Panchamda terug met de compositie van 'Dum Maro Dum' Het nummer was meteen een hit.

text_en:
Hare Rama Hare Krishna was the biggest hit movie of 1971. Filmed almost entirely in Kathmandu, the capital of Nepal, the movie depicts not only with the theme of a broken family, but also a relationship between a brother and a sister, as well as drugs and the hippie movement, which made many people think that it involved the ISKON - the movement for Krishna consciousness.

The movie begins with scenes of drugs and being informed that the woman dancing in front is the narrator's sister. Going back to the past the brother and sister are happily playing around the house only to hear their parents arguing. This soon leads to a split in the family. The brother goes with the mother and the sister with the father.

As years pass, the brother goes in search of his sister and is informed that she no longer lives with the father and that she has moved to Nepal. Here, Prashant, the brother not only finds love, but he also finds his sister, Janice. But he finds out that she is not only in the wrong company of friends but is also on drugs as she wants to block all memory of her past. With help of Shanti, his love, the brother tries to get his sister away from all this but has to overcome many obstacles, including people who stoop to all sorts of levels to stop him This is a multi cast movie and is led by the director and producer himself, Dev Anand and also stars Zeenat Aman (her first movie), Mumtaz, Rajendranath, Prem Chopra, Jnr Mehmood, A.K. Hangal and Achala Sachdev. The music is superbly provided by the late R.D. Burman, whose last score was "1942 - A Love Story." During the filming, Dev Anand asked Panchamda (R.D. Burman) to compose something special for this film. Days later Panchamda came back with the composition of "Dum Maro Dum." The song was an instant hit.


text:
We zien geen films over de relatie tussen broer en zus in de Indiase bioscoop, of in welke andere taal of vorm dan ook. Deze relatie heeft verschillende aspecten die in films of romans niet zijn uitgebuit. Gewoonlijk wordt een zus afgebeeld als een oplichtster die in de climax als losgeld kan worden gebruikt. Deze film belicht het onderwerp in een heel ander licht.
De film is geïnspireerd door George Eliots roman _The Mill on the Floss_. De broer is heel prozaïsch en goed, de jongen met de blauwe ogen is een conventioneel goede zoon en een favoriet van zijn moeder. De zus is romantisch, wild en verzet zich tegen de ongeschreven regels van de maatschappij. Desondanks wint de liefde van de broer-zus het. Deze film gaat over de liefde van de twee broers en zussen die in hun jeugd van elkaar gescheiden worden, en over het herleven van hetzelfde gevoel als ze elkaar jaren later weer ontmoeten. Het is ook de queeste van de ingetogen broer om zich weer te herenigen met zijn zus, die ervoor heeft gekozen wild te zijn en de wereld te trotseren.
Hoewel de film en de roman zich ongeveer drie eeuwen na elkaar afspelen in twee verre landen, zijn de gevoelens nog steeds hetzelfde.

text_en:
We do not come across movies on brother-sister relationship in Indian cinema, or any other language or medium. This relationship has several aspects which have not been exploited in movies or novels. Typically, a sister is depicted as a pile-on who can be used for ransom in the climax. This movie treats the subject in an entirely different light.

It is inspired by George Eliot's novel "The Mill on the Floss". The brother is very prosaic, all-good, the blue-eyed boy who is a conventionally good son and a favorite with his mother. The sister is romantic, wild and defiant of the unwritten rules of the society. In spite of this, the love of the brother-sister is the winner.

This movie is about the love of the two siblings who are separated in childhood and revival of the same feeling when they meet years later. It is also the quest of the subdued brother to reunite with his sister who has chosen to be wild to defy the world.

Although the movie and the novel are set about 3 centuries apart in two distant countries, yet the sentiments are the same and still hold true.


text:
Dit verhaal begon me op te beuren. Ik ben dol op de R.D. Burman-muziek en ondanks de grovere elementen van het verhaal vond ik veel ontroerends in de film. De plot van broer en zus is krachtig, vond ik; er zijn waarschijnlijk ook obligate dingen, zoals kroeggevechten, een gestoord misdaadverhaal, enzovoort, die alleen maar afleiden. (Hoewel vanuit een bepaald gezichtspunt niet onaardig.) De Engelse vertaling is ook beslist van iemand voor wie het een beetje te veel van het goede was, en hoe gestoord het ook is, ik ben hem dankbaar dat hij het heeft gedaan.
<0x3E> Zoals veel Bollywood-films ben ik. Zoals ik al heb gezien, is dit melodramatisch en opera-achtig, met inbegrip van hier en daar een lied dat eerst wordt gezongen door een kleine jongen om zijn mishandelde en ongelukkige zusje op te vrolijken, en vervolgens hetzelfde lied, zo'n 12 jaar later, door de man die naar Kathmandu is gereisd om weer contact te zoeken met dit meisje, dat volwassen en in de war is (ze hadden haar verteld dat haar broer en moeder dood waren), en die haar pijn verdooft met drugs. Het geweldige van deze film uit 1971 is dat hij gaat over de hippiebeweging, die hordes zoekers naar India heeft gebracht, vanuit Indiaans oogpunt gezien, en die hen ziet als mensen die naar India worden gedreven door een geestelijke honger die wordt opgewekt door de tekortkomingen van hun eigen samenleving, maar die in India niettemin alleen leven voor de genoegens van het moment. De scènes waarin de hippies zingen en dansen en stampen zijn echt fantastisch, en hun toon is accuraat (ik ben oud genoeg om me dat te herinneren), en ik ben er vrij zeker van dat de massa's jonge, blanke, verdwaasde kinderen echte hippies zijn, zoals ik heb gehoord over kinderen die met de caravan naar het oosten gingen en in Bollywood dit soort werk kregen.
(Het gaat niet over de echte Hare Krishna-beweging, hoewel de filmhippies een Krishna/Rama-song zingen, net als een groep echte Indiase volgelingen, die niets met de hippies te maken hebben, in de openingsscène van de film.)

Virginia.

text_en:
This one grew on me. I love the R.D. Burman music and in spite of the cruder elements of the story I found much to be moved by as I kept re-watching the movie. The brother-sister plot line is powerful, I thought; there's also more probably obligatory stuff, like bar fights, a loony crime story, etc. that are just distracting. (Though not unfunny from a certain point of view.) Also the English translation is definitely by someone for whom it was a bit of a stretch, and as loony as it is I am grateful to him for doing it.

Like many of the Bollywood movies I've seen, this one is melodramatic and opera-like, including here notably a song sung first by a little boy to cheer up his abused and unhappy sister, and then the same song sung 12 or so years later by the man who has travelled to Kathmandu seeking to re-connect with this girl, grown up and troubled (she had been told her brother and mother were dead), numbing her pain with drugs.

A super thing about this 1971 movie is that it is about the hippie movement, which brought hordes of seekers to India, from an Indian point of view, that sees them as people driven to India by a spiritual hunger aroused by the failings of their own societies, but nonetheless, in India, living only for the pleasures of the moment. The hippie singing-dancing-drugging scenes are truly wonderful, and accurate in their tone (I'm old enough to remember), and I feel pretty sure that the masses of young white zoned-out kids are actual hippie extras, as I remember hearing about kids on the caravan to the East getting this kind of work in Bollywood.

(It is not about the actual Hare Krishna movement, though the movie hippies sing a Krishna/Rama chant, as do a group of actual Indian devotees, unrelated to the hippies, in the opening scene of the movie.)

~Virginia


text:
Het verhaal van Hare Rama Hare Krishna kwam in feite bij Dev Anand op toen hij in Kathmandu, waar hij op bezoek was na de protesten tegen zijn vorige Prem Pujari in Calcutta, hippies en hun gevallen waarden zag. Hij was somber gestemd omdat er tegen zijn film was geprotesteerd en sommigen van hen de affiches van Prem Pujari hadden verbrand. Maar het leven van de hippies bracht in Devs hoofd een verhaal tot leven dat tot een film moest worden gemaakt.
Dit was misschien wel Dev Anands beste regiepoging. De film was een kassucces en Zeenat Aman als Devs zus maakte een enorme indruk.
Deze film was Dev Anands oproep aan het volk om hun morele waarden hoog te houden. Het gaat over een in Montereal gevestigd Indiaas gezin, en de rol van de broer is heel liefdevol voor zijn zus. Maar de ouders krijgen ruzie en gaan uit elkaar, zodat Prashant (Dev) bij zijn moeder blijft en Jasbir (Zeenat) bij zijn vader. Ze krijgt herhaaldelijk te horen dat haar moeder en broer dood zijn, en uiteindelijk gelooft ze dat ze Prashant nooit meer zal zien.
Ze wordt slecht behandeld door haar stiefmoeder en loopt van huis weg. Dev groeit op tot piloot en hoort dat Jasbir in Kathmandu bij bepaalde hippies zit. Om zich met zijn zus te herenigen, reist Dev naar Kathmandu en ontmoet daar Shanti (Mumtaz) die later met hem zou trouwen, en ook Janice, die in werkelijkheid Jasbir is, met een nieuwe naam en een nieuwe identiteit. Ze is haar jeugd vergeten, en Dev ook.

Dev moet zijn zus terugkrijgen te midden van alle andere gebeurtenissen, waaronder zijn vermoeden dat hij een dief is in Kathmandu en de mensen die achter hem aan zitten.
Dit was een goed gedoseerd en goed geacteerd verhaal, zowel door Dev Anand als door Janice. We zien meer van Zeenat Aman dan van Mumtaz. Maar de muziek van Rahul Dev Burman was goed gedoseerd. Dev had eerst aangeboden de muziek te componeren, maar pa Burman wilde niet dat Dev de film zou maken. Hij was erg op Dev en zijn vorige film Prem Pujari gesteld, hoewel die goed was, maar in Calcutta was er tegen Dev geprotesteerd. Pa Burman wilde dat Dev een luchtiger onderwerp zou kiezen, omdat hij dacht dat een film over hippies en sekten de woede van de mensen tegen Dev weer zou doen oplaaien. Maar Dev ging door met de film, wat pa Burman geruststelde, en de film werd inderdaad een succes.

Pa Burman liet Asha Bhosle de prijs winnende Dum Maro Dum zingen. Kanchi re Kanchi re was ook een goed nummer.
Al met al is het een goede film.

text_en:
The story for Hare Rama Hare Krishna actually came to Dev Anand's mind when he saw hippies and their fallen values in Kathmandu where he was on a visit after the protests against his previous Prem Pujari in Calcutta. He was low in spirits because his film had been opposed and some had burnt Prem Pujari's posters. But the life of hippies re ignited a story in Dev's mind to be made into a film.

This was Dev Anand's perhaps best directorial effort. The film was a blockbuster super hit at the box office and Zeenat Aman as Dev's sister made a tremendous impact.

This film was Dev Anand's call to the nation to keep up their moral values.

It is about a Montereal based Indian family and the brother's role is a very affectionate one for his sister. But the parents quarrel and separate leaving Prashant(Dev) with mother and Jasbir(Zeenat) with father. She is repeatedly told that her mother and brother are dead and she eventually believes that she will never see Prashant again.

She is ill treated by her step mother and she runs away from home. Dev grows up to be a pilot and he learns that Jasbir is in Kathmandu with certain hippies.

To reunite with his sister, Dev travels to Kathmandu and meets Shanti(Mumtaz) who was to later marry him and also Janice who in reality is Jasbir with a new name and new identity. She has forgotten her childhood and Dev too.

Dev has to get his sister back amongst all other happenings which include his being suspected as a thief in Kathmandu and the people are after his life.

This was a story well directed and acted-both by Dev Anand. We see more of Zeenat Aman than of Mumtaz. But the music by Rahul Dev Burman was well composed. Dev had first offered the music to be composed by Sachin Dev Burman but Burman Da did not want Dev to do the film. He was very close to Dev and his earlier film Prem Pujari, though was good, but had been opposed in Calcutta. Burman Da wanted Dev to try a lighter subject as he thought hippie cultist film might reignite people's anger against Dev. But Dev continued with the film reassuring Burman Da and the film was indeed a success.

R D Burman had Asha Bhosle sing the award winning Dum Maro Dum. Kanchi re Kanchi re was another good number.

Overall it is a good film.


text: Dit is een van de films van Dev Anand, die grote, maar toch afzonderlijke films heeft gemaakt voor Hindi-filmindustrieën zoals Jewel-dief en -gids. Het verhaal is kort (als je me vraagt wat het verhaal is), de plot is eenvoudig: een broer zoekt zijn verloren zus. De zus heeft zich aangesloten bij de hippies die roken van wiet en de Hare Rama hare Krishna zingen. Toch laat de film weinig zien van de belangrijke gebeurtenissen die in de jaren zeventig in de wereld plaatsvonden: de hippiecultuur, hun onderwerping aan drugs, vrijheid, escaleren van hun plichten, familie en het aannemen van alles wat nieuw was, zoals de oosterse religie (die nieuw was voor de witten). Ze zijn perfect behandeld. Zeenat deed haar best en Dev was zoals gewoonlijk opmerkelijk. In deze film worden liederen het best gebruikt (in tegenstelling tot liederen die worden misbruikt om er liederen van te maken). Ze zijn niet bedorven. Een perfect voorbeeld is 'Dekho o deewano... Ram ka naam badnam na karo'. Elk woord in het lied is heel filosofisch en betekenisvol. Het einde is tragisch, maar dat is niet de essentie van de film. Algemeen Devji, die wel gelooft in het maken van verschillende films, is erin geslaagd te laten zien wat hij hier wilde laten zien. Je moet zien om de hippiecultuur en het mooie Nepal van de jaren zeventig te ervaren.

text_en: This is one of the movies of Dev Anand who gave great yet distinct movies to Hindi movie industries such as Jewel thief and guide. The story is short (if you ask me what is the story), plot is simple- a brother seeks for his lost sister. Sister has joined the hippies who smoke from pot and chant Hare Rama hare Krishna. Yet the movie portrays few of the significant events that the world experienced in 70's.Hippie culture, their submission to drugs, freedom ,escaping duty, family, and adopting anything new such as eastern (which was new for whites) religion. They have been handled perfectly. Zeenat gave her best and Dev as usual was remarkable. Songs are the best used (unlike they are abused for the sake of having songs) in this movie. They have not been spoiled.One perfect example is 'Dekho o deewano...Ram ka naam badnam na karo'. Each word in the song is very philosophical and meaningful. The end is tragic but that is not the essence of the movie. Overall Devji who does believe in making different movies has been successful in showing what he wanted to show here. A must see to experience hippie culture and beautiful Nepal of 70's.


text: Je moet toegeven dat Dev oog heeft voor schoonheid en talent. Hij heeft Zeenat Aman, een succesvol model en voormalig winnaar van een schoonheidsprijs, een kans gegeven door haar een rol te geven die speciaal voor haar debuut was gemaakt. Haar bebrilde, stonede uiterlijk en de manier waarop ze op de hypnotiserende muziek heen en weer wiegde, maakten haar onmiddellijk tot de lieveling van de kijkers. Deze film is een lust voor het oog, met prachtige locaties, etnische mensen, die Boeddhatempels en de vrolijke, ondeugende Mumtaz, die er heel aantrekkelijk uitziet in haar etnische kleding en danstalent. Dev is natuurlijk aanbiddelijk, en dit is een van zijn commercieel succesvolle optredens. Hare Rama slaagt erin de belangstelling op gang te houden, en daarmee ook de belangstelling.' Anands zorgvuldig geschreven script, montage en betoverende muziek. Net als Des Pardes, zijn andere film, heeft Anand het onderwerp van jongeren die verslaafd raken aan drugs behandeld, en de theorie dat ze uit gestoorde gezinnen komen en een moeilijke jeugd hebben, is heel plausibel. Deze film is een goede entertainer en blijft tot op de dag van vandaag fris!

text_en: One must admit, that Dev has an eye for beauty and talent. He gave a break to Zeenat Aman, a successful model, and also former winner of beauty pageant's title, by casting her in a role, which was tailor-made for her debut. Her bespectacled , stoned look, and her swaying at the hypnotizing music, made her an instant darling of the viewers. This movie is a treat to the eyes, with it's scenic locales, ethnic people, those Buddha temples, and chirpy, naughty Mumtaz, who looks quite attractive, in her ethnic wear, and dancing skills. Dev is of course, adorable, and this is one of his commercially successful performance. Hare Rama manages to keep the interest going, with it's carefully written script, editing, and captivating music. Like Des Pardes, his another movie, Anand has handled the topic of youngsters falling in the habit of drug addiction, and the theory of them coming from disturbed families, and troubled childhood, is quite plausible. A good entertainer, this movie retains it's freshness till date !


text: Dev Anand (of Prashant) en Zeenat Aman (Jasbir/Janice) zijn broers en zussen die in eenoudergezinnen zijn opgegroeid. Jasbir (de zus) groeit op in een welgestelde omgeving, maar dat is niet genoeg om haar leven te verwerpen en zich aan te sluiten bij een hippiebeweging die haar uiteindelijk aan de drugs brengt. Prashant (de broer) daarentegen groeit op in een minder welvarende omgeving, maar ontwikkelt zich tot een volwassen heer. Het verhaal laat zien dat Prashant zijn best doet om zijn kleine zus (die voortdurend in trance is) te redden uit een vijandige hippieomgeving. Deze film heeft de tand des tijds doorstaan, met als commentaar dat sektes en hippiegroepen een plek zijn voor mensen die hun leven opgeven als ze in plaats daarvan overeind blijven en zich door tegenspoed laten tellen. Geweldige muziekcomposities in deze film die verschillende dingen betekenen in verschillende situaties en voor verschillende mensen, en de regisseur geeft er een griezelig gevoel aan.

text_en: Dev Anand (or Prashant) and Zeenat Aman ( Jasbir/Janice) are siblings brought up in single parent families. Jasbir (the sister) grows up in an affluent environment but this is not enough to lead her to reject her life and ultimately join a hippie movement that eventually leads her to drugs. Prashant (the brother) on the other hand grows up in a less affluent environment but grows up to be a matured gentleman. The story marks Prashant making efforts to save his little sister (who is perpetually in a trance) from a hostile hippie environment. This movie stands the test of time, commenting that cults and hippie groups are a place for those who give up on their lives when they should instead stand up and be counted in the face of adversity. Great music compositions in this movie that mean different things in different situations and to different people, and the director brings forth an eerie feeling to it.


text: Ik heb talloze berichten gelezen over dit spel dat zo lijkt op Max Payne, toen ik het voor het eerst speelde vond ik het een beetje een raar arcade-achtig spel met de wens om de Max Payne-stijl (niet alleen de kogeltijd) na te bootsen. Dus toen ik het een paar uur speelde, besefte ik hoe leuk het is! en hoe verschillend van 'Max Payne', ja de kogeltijd lijkt er een beetje op maar ik denk dat het anders is dan de spelstijl. Dit spel is non-stop actie <0xE2><0x80><0x93> een mengeling van een schietpartij en een gevecht.' Als groot fan van Max Payne moet ik wel zeggen dat de verhaallijn van DTR niet in de buurt komt van de grootsheid van Max Payne, de graphics zijn een beetje gemiddeld en sommige levels zien er hetzelfde uit, maar als je wat meer van die 'bullet-time' wilt, moet je dit spel beslist hebben.

text_en: I've read countless of posts about this game being so similar to Max Payne, when i played it the first time i thought it was a bit weird arcade-like game with a desire to rip-off the Max Payne style (not just bullet-time). So when i played it for a couple of hours i realized how much fun it is! and how different from "Max Payne", yeah the bullet time is a bit similar but i think it fits differently to the game-style. This game is non-stop action - a mix between a shoot'em up and a fight'em up, so much fun, as a big fan of Max Payne i must say that the storyline of DTR is not near to the greatness of Max Payne, the graphics are a bit average and some of the levels look the same, but if you want a bit more of that "bullet-time" you should definitely own this game.


text:
Dood aan de gerechtigheid gaat over een agent die Jack Slate heet, die zijn vermoorde vader vindt en achter de man aangaat van wie hij denkt dat die hem heeft vermoord. Jack wordt later doodgeschoten en er wordt hem de moord in de schoenen geschoven op de man die hij ervan verdacht zijn vader te hebben vermoord.
Een paar maanden later, op de dag dat Jack geëxecuteerd zal worden, ontsnapt hij uit de gevangenis en gaat de stad in op zoek naar de man die hem de moord in de schoenen heeft geschoven. Jacks zoektocht leidt hem door een spoor van piepjes dat pas ophoudt als iedereen dood is.
Tijdens het spel gebruikt Jack wapens, van M4-karabijnen tot zijn hond Shadow, om eindeloze stromen mensen te doden in 15 levels. Het spel is in feite '30 mensen doden, schakelaar vinden om deur open te maken'. '... 50 mensen doodschieten, schakelaar vinden om deur te openen', net zo lang tot het niveau is bereikt. Er zijn ook leuke minispelletjes, zoals als stripper voor uitsmijters in een Night Club, zodat Jack naar een ander deel van de club kan gaan, of een bom onschadelijk maken.
'Dood aan Rechten' is ook een moeilijk spel. Je wordt in een gebied gezet waar het wemelt van de slechteriken die gewapend zijn met machinepistolen, terwijl je alleen een pistool hebt. Tegen het eind van het spel vergaat je vaardigheid tot stof en moet je op geluk vertrouwen.
'Dood aan Rechten' is even bloederig als moeilijk. Als je iemand in zijn gezicht schiet met een geweer, spettert het bloed op de muren, het plafond en de vloer. En aangezien er in elke ruimte meerdere mannen zijn, zullen de muren met bloed beschilderd zijn.
Familiepret voor iedereen.

text_en:
Dead To Rights is about a Police Officer named Jack Slate who finds his murdered father and goes after the man that he thinks killed him.Jack is later shot and framed for the murder of the man he suspected of killing his father.

Several months later on the day Jack is going to be executed he escapes from prison and searches the city for the man who framed him for murder.Jack's search leads him through a trail of *beep* that doesn't end until everyone is dead.

Through out the game Jack uses weapons from M4 Carbines to his dog Shadow to kill endless streams of people in 15 levels.The game play is basically "kill 30 people,find switch to open door.kill 50 people,find switch to open door" over and over until the level is done.There are fun mini games too like playing as a stripper to distract bouncers at a Night Club so Jack can get to another area in the club,or bomb disarming.

Dead To Rights is also a hard game.You will be put in an area swarming with bad guys armed with Sub Machine Guns while you only have a pistol.Near the end of the game skill turns to dust and you have to rely on luck.

Dead To Rights is as gory as it is hard.If you shoot a guy in the face with a shot gun blood will splatter on the walls,ceiling and floor.And since there are several guys in each area the walls will be painted in blood.

Family fun for everyone.


text: B. Movie? Ja. Doe-het-zelf? Ja. Eerste Movie? Ja. Maar Aesthetisch Adembenemend. Deze film had absoluut een paar slechte geluids-, montage-, belichtings-, acteer-, enz. enz.-problemen. Maar deze film heeft veel positieve dingen. Ten eerste, het meest irritante personage sterft als eerste! Ten tweede, hij is gemaakt om een parodie/grappige B. Horrorfilm te zijn. De opmerkingen die onze moordenaar tegen zijn slachtoffers maakt, hebben ervoor gezorgd dat ik en mijn vrienden over de vloer rolden van het lachen.<br />Het probleem is dat veel mensen elke onafhankelijke film proberen te nemen en verwachten dat het een meesterwerk is. Neem het voor wat het is, een stel kinderen die net van de middelbare school komen, hebben hun eerste film gemaakt. Voor wat het is, alleen voor wat het is, is het echt goed.

text_en:
B Movie? Yes. DIY? Yes. First Movie? Yes. But Aestheically A+. This movie definitely had some bad sound/editing/lighting/acting/etc. etc. problems. However, this movie has many positive things about it. First off, the most annoying character dies first! Second, its made to be a parody/funny B Rated Horror movie. The comments our killer makes to his victims left me and my friends rolling around on the floor laughing.

The problem is a lot of people try to take every independent movie and expect it to be a masterpiece. Take it for what it is, a bunch of kids right out of high school made their first movie. For what it is, just that, it is really good.


text: Dit is in feite een hippe, leuke, kleine film, gemaakt op een absoluut niet waarneembaar budget, met shot op video-krabbels. Het duurt even voordat je eraan gewend bent. Het acteerwerk is zo slecht dat het al snel een zenachtige charme krijgt. Na een paar scènes let je niet meer op de onbeholpen lijnen of het ingestudeerde geluid van sommige afleveringen. De personages ontwikkelen allemaal een eigenzinnige charme, vooral 'Richard'. Vergeet Anthony Hopkins, Maidens is de man die ik zou inhuren om een raaskallende psychopaat te spelen. Hij lijkt er gewoon zo ontzettend van te genieten! Tussen de scènes van de bloeddorstige gekken en de zombieplaag in zitten een paar echt visueel effectieve opnamen van het titelpersonage, 'The Midnight Skater' In een zwarte sweater met capuchon zoeft de film over de campus, en het geheel doet denken aan een kruising tussen The Grim Reaper en, laten we zeggen, The Silver Surfer. Door deze opnamen lijken de soms bespottelijke dingen die de personages over de Skater zeggen bijna onheilspellend. De soundtrack bevat heel grappige Garage-Punk-nummers en de rasperige, rauwe valsheid ervan past goed bij de stemming van de film.

text_en: This is actually a groovy-neat little flick, made on absolutely no discernible budget with shot on video crinkliness . It takes a little while to warm up to it. The acting is so bad that it soon acquires a zen-like charm. After a few scenes, you stop noticing the awkward lines or rehearsed sound of some deliveries. The characters all develop a quirky charm, especially "Richard". Forget Anthony Hopkins, Maidens is the guy I'd hire to play a raving psychopath. He just seems to enjoy it so very much! Mixed in with the scenes of mad-slasher gore and zombie infestation are some truly visually effective shots of the title character, "The Midnight Skater" zooming through the campus in a black hoodie, looking for all the world like a cross between the Grim Reaper and, say, The Silver Surfer. These shots make the sometimes ludicrous things the characters say about the Skater seem almost ominous. The soundtrack features some very fun Garage-Punk tunes and the raspy, raucous meanness of it meshes well with the film's mood. Thumbs upish, I say.


text: Kimi _wa petto_ is een leuk verhaal over een meisje dat op een dag een jongen vindt in een doos die op een dag voor haar appartement staat. Ze besluit hem mee naar binnen te nemen en zijn wonden te verzorgen. Dan laat ze een briefje voor hem achter dat hij wat moet eten dat ze heeft gemaakt en dat hij dan naar huis moet gaan omdat zij naar haar werk moest. Als ze thuiskomt, ziet ze dat hij er nog steeds is. Hij zegt dat hij bij haar wil wonen, als een broer of een neef. In haar wanhoop om hem zover te krijgen dat hij weggaat, zegt ze tegen hem dat hij bij haar kan blijven als hij haar troeteldier wordt. En als huisdier zegt ze dat hij geen rechten heeft en alles moet doen wat ze hem opdraagt. (Niet op die perverse manier!) Tot haar verbazing stemt hij toe en vanaf dat moment staat hij bekend als Momo, haar huisdier.

text_en: Kimi wa petto is a cute story about a girl who one day finds a boy inside a box that is outside her apartment one day. She decides to bring him in and fix his cuts. She then leaves a note for him to eats some food she made then go home because she had to go to work. When she gets home however she finds that he is still there. He tells her that he wants to live there with her like a brother or cousin. In desperation to get him to leave she tells him that if he became her pet then he could stay. And as a pet she says that he would have no rights and do whatever she told him. (not in that perverted way!) To her surprise he agrees and from then on he is known as Momo, her pet.


text: Ik geef niet vaak een film of een programma weg, maar dit programma raakte een gevoelige snaar zoals geen enkel ander programma dat heeft gedaan. Ik vond de hele serie op mysoju.com en vond dat de premisse er interessant uitzag, dus keek ik ernaar. Ik was niet teleurgesteld in wat ik zag; ik was geroerd. Dit verhaal blijft aan de tedere kant terwijl de hoofdpersonen ons door de scènes leiden. Sumire Iwaya, die door Koyuki bedachtzaam wordt gespeeld, toont ons de menselijke natuur zoals zij wil dat problemen niet worden getoond. Niemand wil zijn ziel echt voor een partner van het perspectief leggen. Dus in plaats daarvan vervangt ze een mens, gespeeld door een aanbiddelijke Matsumoto Jun, als huisdier. Dit huisdier is net als elk ander wezen dat we als huisdier zouden beschouwen. Het verschil: hij kan op dezelfde manier terugslaan, tenslotte is Momo een man, geen hond. Omdat hij als huisdier wordt behandeld, reageert hij op situaties zoals een hond zou kunnen reageren. Ze brengt tijd door met haar nieuwe vriendje, Momo wordt jaloers. Pas als ze beseft dat haar huisdier niet zomaar een huisdier is, begint de seksuele spanning tussen de twee te groeien <0xE2><0x80><0x93> Momo is een danswonder. Haar gedachten veranderen langzaam als we een blik op zijn eigen gedachten beginnen te werpen. Matsumoto brengt ons van een personage dat in het begin heel ééndimensionaal is, naar tweedimensionaal als we zien dat hij...' 'Momo is een danser, naar een driedimensionale figuur, als we zien hoe hij als man voor zijn meester begint te vallen, niet als hond. Naar mijn mening is het de moeite waard om dit verhaal te zien, alleen maar om te zien hoe deze figuur zich ontwikkelt. Bovendien speelt Matsumoto Momo met zo veel tederheid dat je bijna gaat wensen dat je er ook een had. Geen van beiden wil aan de toekomst denken en aan hoe hun relatie zal veranderen, maar zoals Momo (de naam die ze hem geeft zoals je je nieuwe puppy zou noemen) zich gedraagt, wisten we allebei dat dit niet kon blijven duren. Kijk dit programma met een open blik, het is het waard.

text_en: I don't give a movie or a show ten very often but this show touched a nerve in a way no other show has. I found the entire series on mysoju.com and thought the premise looked interesting so I took a look see. I wasn't disappointed in what I saw; I was moved. This story stays on the tender side as the main characters move us through the scenes. Sumire Iwaya, played thoughtfully by Koyuki, shows us human nature as she wants to keep troubles from being shown. No one really wants to lay their soul out in front of a perspective mate. So instead she substitutes a human, played by an adorable Matsumoto Jun, as a pet. This pet is like any other creature we would consider a pet. The difference; he can retaliate in the same way, after all Momo is a man, not a dog. As he is treated like a pet, he reacts to situations how a dog might react. She spends time with the new boyfriend, Momo gets jealous. It's when she realizes that her pet isn't just a pet that the sexual tension between the two starts to become thick - Momo is a dance prodigy. Her thinking slowly changes as we start to get a glance at his own thoughts. Matsumoto takes us from seeing a character who is very one dimensional in the beginning, to two dimensional when we see he's a dancer, to a three dimensional character when we see him start to fall for his master as a man, not as a dog. In my opinion, it's worth watching this story just to see this character develop. Plus Matsumoto plays Momo with such tenderness you almost start to wish you had one too. Neither wants to think about the future and how their relationship will change, but as Momo (the name she gives him as one would name their new puppy) states  we both knew this wasn't going to be able to last. Watch this show with a open mind, it's worth it.


text: Ik kwam dit programma voor het eerst tegen toen ik vorig jaar zes maanden in Japan was. Ik vond het op het internet toen ik op zoek was naar ondertitelde drama's om me te helpen met mijn Japans. Mijn gastmoeder waarschuwde me dat ik er uit de buurt moest blijven omdat ze het raar vond, maar ik vond het geweldig! Koyuki had zulke tegenstrijdige karaktertrekken en Matsujuns geestdrift maakte elke keer dat ik naar hem keek mijn dag goed! Ik zag hem voor het eerst in 'Hana Yori Dango', maar in dit programma vond ik hem veel leuker!<br />Hoewel de personages interessant en goed ontwikkeld zijn, was ik teleurgesteld toen ik merkte dat ze tijdens het programma niet erg veranderden. Hun relatie groeide, maar niet echt. Toch had iedereen het naar zijn zin (Zelfs Fukushima!).

text_en:
I first encountered this show when I was staying in Japan for six months last year. I found it in the internet when I was looking for sub-titled dramas to help me with my Japanese. My host mother warned me to stay away from it because she thought it was weird, but I found it delightful! Koyuki showed such conflicting character traits and Matsujun's spirit made my day every time I tuned in! I first saw him on "Hana Yori Dango", but I liked him much better in this!

Although the characters are interesting and well-developed, I was disappointed to find that they didn't change very much throughout the show. Their relationship grew, but they didn't really. Still, a fun time had by all (Even for Fukushima!).


text: Het past heel goed bij de originele manga van dezelfde naam, alias ( _Tramps Like Us in the U.S._ ), maar je kunt er nog steeds van genieten, zelfs als je de manga niet hebt gelezen. Het is een ander soort staart, die een sterke en onafhankelijke vrouw laat zien die net als iedereen pijn heeft. Maar vanwege haar uiterlijke kracht is ze bang om haar innerlijke gevoelens te tonen, dus laten we maar hopen dat de mensen om haar heen haar pijn doen met hun botte opmerkingen. De enige die haar echt begrijpt en bij wie ze zich op haar gemak voelt, is haar nieuwe huisdier... mens... momo. Als je iets anders wilt dan het gebruikelijke saaie gedoe met een geweldige J-Dorama (Japans Drama)-acteur/slet, dan is dit absoluut de serie om te zien... en te lezen!

text_en: It holds very true to the original manga of the same name, aka (Tramps Like Us in the U.S) but it can still be enjoyed even if you haven't read the manga. It's a different kind of tail, showing a strong and independent woman who hurts just like everyone else. However, because of her outward strength, she fears showing her inner feelings and thus let's those around her hurt her with their blunt comments. The only one who truly figures her out and who she can be at ease with is her new pet...human...Momo. If you want something different than the normal boring stuff with some wonderful J-Dorama (Japanese Drama) actors/resses then this is definitely the series to watch...and read!


text:
Laten we deze recensie met een positieve noot beginnen - ik ben heel blij dat ze er niet voor hebben gekozen om Tony's dood te verdoezelen en een extra seizoen te maken, zoals sommige mensen beweerden. In werkelijkheid heeft David Chase, de schepper en schrijver van deze aflevering, precies het tegenovergestelde gedaan. We weten niet of Tony zal blijven leven of zal sterven. Hij ligt in coma en de kans dat hij zal herstellen is nihil. Deze aflevering leek heel langzaam te gaan, en de droom waarin Tony in coma lag, waarin hij een verkeerde identiteit aannam, en de in gewaden gehulde Aziatische monniken die hem in elkaar sloegen, waren absoluut, ronduit bizar. Na drie kwartier kreeg ik een beetje genoeg van al die rouwenden, maar dat is niet meer dan normaal.' Het was een vreemde en onvoorspelbare episode, maar hij was nog steeds goed geschreven en intens. Edie Falco gaf in deze episode een verbluffende, carrièrebepalende vertolking van de vrouw in tweestrijd die geconfronteerd wordt met het mogelijke verscheiden van haar man. Ik vond het ook interessant dat AJ van school ging en een vendetta tegen Junior afzwoer, waar AJ waarschijnlijk de ballen niet voor heeft. Silvio is nu waarnemend baas, wat in latere episodes talloze deuren opent voor problemen. Er zaten ook een heleboel geestige opmerkingen in deze episode, en ik denk dat Vito 'Pole-Smoker' Spadafore zijn verscheiden misschien zal beleven als hij een inhalige S.O.B. blijft.
Dit was...' Het was een geweldige aflevering en ik was alleen teleurgesteld omdat Tony weliswaar mensen vermoordt, maar dat wij als publiek hem aanbidden en hem als onze held beschouwen. Dit was een noodzakelijke aflevering voor de serie, ook al was het een beetje gesnurk dat de afsluiting inluidde. Kudos voor het optreden van Edie Falco, en David Chase en de schrijvers voor het creëren van deze volkomen originele en onvoorspelbare plotwending. Dit is het enige seizoen van 'The Sopranos' waarin ik geen flauw idee heb waar het heen gaat. Ik kan niet wachten op de aflevering van volgende week. Mijn cijfer: 7,5/10.
De beste zin van de aflevering: (Paulie aan AJ): 'Laten we gaan, Van Helsing!'

text_en:
Let's start this review out on a positive note -- I am very glad they didn't decide to wimp out with Tony being shot and do a retrospective season like some people were rumoring. Actually, creator and writer of this episode David Chase did quite the opposite. We don't actually know if Tony will live or die. He's in a coma and his chances of recovering are very slim to none. This episode seemed to move very slow, and the coma induced dream Tony was in involving mistaken identity and robed Asian monks slapping the sh*t out of him was absolutely, flat-out weird. After 45-minutes I got a little sick of everyone grieving, but that shouldn' t be a reason to slam this episode. It was a weird and unpredictable episode, but it was still well-written and intense. Edie Falco gave an astounding career-defining performance in this episode as the conflicted wife having to face with her husband's could-be demise. I also found it interesting AJ dropped out of school and swore a vendetta against Junior, which AJ most likely won't have the balls to pull off. Silvio is now acting-boss which opens numerous doors to problems in later episodes. There were a lot of great quips in this episode, also, and I think Vito 'Pole-Smoker' Spadafore may meet his demise if he keeps being a greedy S.O.B.

This wasn't a great episode and disappointed only because even though Tony kills people, we as an audience adore him and feel he is our hero of the show. This was a necessary episode for the series, even though it was a little snore inducing towards the conclusion. Kudos to Edie Falco's performance, and David Chase and the writers for creating this wholly original and unpredictable plot twist. This is the only season of 'The Sopranos' where I haven't a f*cking clue where it is going to go. I can't wait for next week's episode. My Rating: 7.5/10

Best Line of the Episode: (Paulie to AJ): "Let's go, Van Helsing!"


text:
Oké, de eerste keer dat ik naar deze aflevering keek, begreep ik het Purgatory-gedoe niet. Het leek alsof er iets belangrijks aan de hand was waar ik mijn vinger niet op kon leggen. Deze keer trokken die branden in Costa Mesa op tv echt mijn aandacht <0xE2><0x80><0x93> en het hielp dat ik alleen maar een essay over _Inferno_ aan het schrijven was! Maar laat me eens zien wat NIET al besproken is...
In een TWOP-recensie stond dat Tony 7 trappen moest afdalen vanwege de kapotte lift. Ja, 7 is om een heleboel redenen een belangrijk getal, vooral religieus, maar hier is er nog een voor je. Op een ingeving heb ik wikipedia geraadpleegd, en raad eens wat Dante in 7 niveaus verdeelde? Purgatorio. Met uitzondering van _ante-Purgatory_ en _Paradise_. (Het spul onder aan de trap en... wat Tony niet te pakken kan krijgen.)
Verder naar de zogenaamd 'willekeurige' monnik-klapscène. Zodra de monniken verschenen, paste het perfect bij Tony's poging om uit het purgatorium te komen. Je kunt zien dat hij zich zorgen maakte toen die christelijke reclamespot (dood, ziekte en zonde) werd uitgezonden, en hij wordt steeds wanhopiger omdat de christelijke hemel er voor hem nogal dubieus uitziet. Tegen de tijd dat hij de monniken ontmoet, denkt hij: 'Hé, kunnen deze jongens me misschien helpen?' wat klinkt alsof hij over andere religies nadenkt (bijvoorbeeld boeddhisme) en zich afvraagt of een ander pad hem naar'verlossing' zou kunnen brengen. Niet dat Tony letterlijk overweegt boeddhist te worden, maar het schijnt dat Finnerty dat heeft geprobeerd (en het heeft verknald). Die klap in zijn gezicht zegt Tony dat er geen snelle oplossing is <0xE2><0x80><0x93> zoals in: nee, je kunt niet plotseling het boeddhisme omarmen en maken dat je wegkomt.
In het begin maakte Tony zich er niet al te veel zorgen over dat hij in de hemel zou komen. Maar bij de 'toegangspoort' beseft hij dat dat niet zo gemakkelijk voor hem zal zijn. In het begin zag ik het probleem van Tony's rijbewijs als een soort dubbelleven, met al die mensen die hij vermoordde en met wie hij naar bed ging, iets wat hij voor de meeste mensen geheimhield. Hij voelt zich vrij om een verhouding met een pseudo-Melfi te hebben, omdat 'hij Kevin Finnerty is'. Hij komt erachter dat hij sommige mensen met KF's kaarten voor de gek kan houden, zoals de receptionisten van hotels, maar dat het hem niet uit het vagevuur zal halen. Die helikopters <0xE2><0x80><0x93> de helikopters van de hemel? <0xE2><0x80><0x93> houden hem in de gaten en alles wat hij doet.
Nadat ik alle theorieën over 'inFinnerty' heb gelezen, lijkt het er echter op dat KF's identiteit een herinnering is aan de oneindige verschillende wegen die Tony in zijn leven kan hebben bewandeld. Misschien samen met de grap over de auto waar Infiniti's in voorkwam, waar ik anders geen touw aan vast kon knopen.

text_en:
Okay, I didn't get the Purgatory thing the first time I watched this episode. It seemed like something significant was going on that I couldn't put my finger on. This time those Costa Mesa fires on TV really caught my attention- and it helped that I was just writing an essay on Inferno! But let me see what HASN'T been discussed yet...

A TWOP review mentioned that Tony had 7 flights of stairs to go down because of the broken elevator. Yeah, 7 is a significant number for lots of reasons, especially religious, but here's one more for ya. On a hunch I consulted wikipedia, and guess what Dante divided into 7 levels? Purgatorio. Excluding ante-Purgatory and Paradise. (The stuff at the bottom of the stairs and... what Tony can't get to.)

On to the allegedly "random" monk-slap scene. As soon as the monks appeared, it fit perfectly in place with Tony trying to get out of Purgatory. You can tell he got worried when that Christian commercial (death, disease, and sin) came on, and he's getting more and more desperate because Christian heaven is looking kinda iffy for him. By the time he meets the monks he's thinking "hey maybe these guys can help me?" which sounds like contemplating other religions (e.g. Buddhism) and wondering if some other path could take him to "salvation". Not that Tony is necessarily literally thinking about becoming a Buddhist, but it appears Finnerty tried that (and messed up). That slap in the face basically tells Tony there's no quick fix- as in, no, you can't suddenly embrace Buddhism and get out of here.

Tony was initially not too concerned about getting to heaven. But at the "conference entrance", he realizes that's not going to be so easy for him. At first I saw the name vs. driver's license problem as Tony having led sort of a double life, what with the killing people and sleeping around that he kept secret from most people. He feels free to have an affair with quasi-Melfi because "he's Kevin Finnerty". He figures out that he CAN fool some people with KF's cards, like hotel receptionists, but it won't get him out of Purgatory. Those helicopters- the helicopters of Heaven?- are keeping track of him and everything he does.

After reading all the theories on "inFinnerty", though, it seems like KF's identity is a reminder of the infinite different paths Tony could've taken in his life. Possibly along with the car joke involving Infiniti's that made no sense to me otherwise. Aaaand at that point my brain fizzles out.


text: Nu de zwaargewonde Tony in een kunstmatig coma ligt, gebeuren er twee dingen: Tony stelt zich voor dat hij het leven van een verkoper leidt die een zakencongres bijwoont, terwijl zijn familie en vrienden door een hel gaan in een poging het mogelijke verlies van de grote man te verwerken. De droomsequenties komen rechtstreeks uit een oude aflevering van _TWILIGHT ZONE_, waarin Tony zich verandert in een doorsneeman die probeert om te gaan met een vermiste portefeuille en twee verschillende identiteiten tijdens een zakenreis door het land. Zijn intonatie als blazer-en-kaki-dragende schnooker is meer Midden-Amerikaans en minder die van een Italiaanse boef uit Noo Joisey. Een leuk detail. Op een gegeven moment heeft hij een leuke scène met zijn comateuze oude man. Het beste moment is als de grote jongens proberen over het leven zonder Tony te praten, wat onmiddellijk uitloopt op een territoriumstrijd. Vito maakt een opmerking over de nieuwe dode Gene, die misschien een soort geheimpje was, wat interessant is in het licht van wat we straks over Vito te weten zullen komen.

text_en: With the badly injured Tony in an induced coma, two things happen: Tony imagines himself leading the life of a salesman attending a business convention, while his family and friends go through hell trying to cope with the possible loss of the big man. The dream sequences are right out of an old TWILIGHT ZONE episode, as Tony finds himself transformed into an Average Joe trying to deal with a missing wallet and mixed-up identities while on a cross-country business trip. His intonation as a blazer- and khaki-wearing schnook is more mid-American and less that of an Italian thug from Noo Joisey. A nice touch. The shockingly long-haired, hippy-dippy AJ (whom Paulie calls "Van Helsing" at one point) has a nice scene with his comatose old man. The best moment has the big boys trying to talk about life without Tony, which immediately breaks down into a territorial dispute. Vito gets off a line about the new-dead Gene possibly having been a closet case, which is interesting in light of what we are about to learn about Vito.


text:
Laat ik beginnen met te zeggen dat ik, nadat ik deze aflevering op een avond om tien uur voor het eerst op dvd had bekeken, niet voor drie uur's nachts in slaap kon vallen.
Deze korte recensie bevat misschien spoilers.
Ik ben al heel lang een fan van The Sopranos en ik kan met een gerust hart zeggen dat dit de beste aflevering is die ik ooit heb gezien. Ik zeg niet dat iedereen er zo over moet denken, maar ik vind van wel. Deze aflevering is identiek aan het weekend dat ik met mijn familie heb doorgebracht, waarin ik mijn eigen vader in comateuze toestand op de intensive care heb verzorgd.
De aflevering begint met Tony in een andere werkelijkheid: hij is een verkoper die is aangezien voor een man die Kevin Finnerty heet. Tegen de tijd dat er tien minuten waren verstreken, wist ik dat Tony droomde, of dat ik naar een ander programma zat te kijken. Het was anders dan de normale Soprano's en ik vond het geweldig.
Optie 1 wordt bevestigd als Anthony (of 'Kevin') naar een 'helilamp' in de lucht kijkt en we een dokter met een zaklantaarn erdoorheen zien prikken. We zien dit maar heel even en de scène speelt zich af tot we terugkeren naar het echte leven in een situatie die lijkt op de situatie die ik zojuist heb beschreven.
Tony is maar heel even uit zijn coma ontwaakt. Zijn jongens brengen A.J. naar huis en Carmella, overmand door stress, stort in op de gang: een kenmerkend moment in de episode. De rest van de episode wordt onderbroken door de echte wereld: de familie die te maken heeft met de mogelijke negatieve afloop van dit coma, en Tony's alternatieve werkelijkheid, die parallel loopt aan wat er in zijn hoofd en in de echte wereld om hem heen gebeurt.
Dan komt het hoogtepunt van de episode: nadat A.J. zijn moeder heeft verteld dat hij is gezakt voor zijn school, komt ze binnen en ziet ze Meadow naast Anthony zitten.
Ze loopt naar Tony toe en zegt de mooiste zin van de episode: 'Anthony, kun je ons horen?' In Tony's wereld gaat hij een donkere hotelkamer binnen en doet hij het licht aan. Hij trekt zijn schoenen uit en loopt naar de telefoon. Hij probeert een nummer in te toetsen, maar dat lukt niet <0xE2><0x80><0x93> alsof hij Carmella iets terug wil zeggen, maar daar fysiek niet toe in staat is. Nog niet.
Hij gaat zitten en kijkt uit het raam. Een flakkerend licht dat de hele episode heeft herhaald, lijkt hem nu vanaf de andere kant van de stad te roepen.
'When It's Cold I'd Like To Die' van Moby past perfect bij deze laatste beelden en helpt bij het creëren van een emotionele achtbaan van een episode.
10 van de 10.
P.S.: Kijk naar de volgende aflevering. Zoek uit wat het licht is. Het is prachtig.

text_en:
Let me start off by saying that after watching this episode for the first time on DVD at 10 o'clock P.M. one night, I could not fall asleep until about 3:00 A.M.

This brief review may contain spoilers.

I'm a long-time fan of The Sopranos and I can safely say this is the best episode I've seen. I'm not saying everyone should feel this way, but I do. This episode is identical to the weekend I spent with my family, watching over my own father, comatose in the ICU before he passed.

The episode begins with Tony in an alternate reality: he is a salesman who's identity has been mistaken for that of a man named Kevin Finnerty.

By the time ten minutes had gone by, I knew either Tony was dreaming, or I was watching some other show. It wasn't like the normal Sopranos and I loved it.

Option 1 is confirmed when Anthony (or "Kevin") looks into the sky at a "helicopter spotlight" and we see prodding through it, a doctor with a flashlight. We see this only for a moment and the sequence plays out until we go back to real life in a situation similar to the one I just stated.

Tony has come out of the coma for only a moment. His boys take A.J. home and Carmella, overcome by stress, breaks down in the hallway: a signature moment in the episode.

For the remainder of the episode, we cut in between the real world: the family dealing with the potential negative outcome of this coma, and Tony's alternate reality, which parallels what's going on both in his mind and in the real world around him.

Then comes the stellar point in the episode: after A.J. finishes telling his mother he's flunked school, she walks in to see Meadow sitting at Anthony's side.

She approaches Tony, and utters the best line of the episode: "Anthony, can you hear us?" In Tony's world, he enters a dark hotel room and turns on a light. He takes off his shoes and goes to the phone. He tries to dial, but he cannot--as if he were trying to say something back to Carmella, but couldn't physically bring himself to do so. Not yet.

He sits down and looks out his window. A shimmering light that has reoccurred throughout the episode now seems to call to him from the other side of the city.

"When It's Cold I'd Like To Die" by Moby marries perfectly with these last images and helps in creating an emotional roller-coaster of an episode.

10 out of 10.

P.S.: Watch the next episode. You find out what the light is. It's wonderful.


text:
Jammer dat een heleboel mensen dit en de volgende episode niet begrepen.
Maar maak je geen zorgen! Jij kunt het ook niet uitleggen.
Deze episode is in 2 delen verdeeld.
Het eerste deel is Tony's 'droom' in zijn coma. Het tweede deel gaat over wat er in het echte leven gebeurt.
Wat de mensen niet begrepen is dat Tony's droom meer dan alleen maar een droom is. In deze episode gaat het over zijn voorbereiding op de Dood. Hij verliest zijn eigen identiteit en vergeet zichzelf uiteindelijk zelfs, zodat hij al zijn banden met deze wereld losmaakt. Je zult wel merken wat ik zeg in de dokterskamer, waar Johnny zegt dat hij zijn aktetas kwijt is die 'zijn leven' bevat. Die makers hebben echt geweldig werk geleverd met het interpreteren van hun eigen gedachten over wat er gebeurt als je doodgaat.
Als je de hele plot begrijpt, zul je dit en de volgende aflevering uniek vinden, met grote spirituele betekenissen.
Net als elke sopranen-aflevering is het acteren en filmen geweldig.
Het enige wat ik niet begreep was wat de rol van de monniken was.
<0x3E><0x3E> Hoe dan ook, deze aflevering raakte me echt, en ik denk niet dat iemand anders een beter beeld kan geven van wat er gebeurt in een bijna-doodervaring.
<0x3E><0x3E> 10/10 ongetwijfeld.

text_en:
Its too bad a lot of people didn't understand this and the next episode.

But don't worry! ill explain it too you :)

This episode is split in 2 parts.

first part is Tony's "Dream" in his coma. Second part is what happens in real life.

now what people didn't understand is that Tony's dream is more then just a dream. in this episode its about his preparation for his Death. He loses his own identity and eventually even forgets himself, thus he disconnects all his bindings with this world. You will notice what I'm saying at the doctor scene, where tony says he has lost his briefcase which contains "his life". They makers really did a superb job of interpreting they're own thoughts of what happens when you die.

If you understand the whole plot you will find this and the next episode an unique thing, with great spiritual meanings.

Like every sopranos episode the acting and filming is superb.

Only thing i didn't understand was what the role where of the monks. gonna re watch it till i get this.

anyways this episode really touched me, and i don't think anyone else can make a better view of what happens in a almost death experience.

10/10 no doubt.


text:
Het voelt te weinig om deze episode briljant te noemen. Om te zeggen dat het het voortreffelijke werk van de seizoenspremière voortzet, is ook te kort door de bocht, want er is tot nu toe nog nooit een aflevering van de Sopranos geweest die ook maar in de verste verte in de buurt kwam. Sterker nog, de titel zou een zelfvoldane uitnodiging kunnen zijn voor degenen die nog geen echte fans zijn: Sluit je aan bij de club...
Als we verdergaan waar Junior ophield (en een kogel in de buik van zijn neef pompte nadat hij hem had aangezien voor een boef die hij in het eerste seizoen had vermoord), begint het verhaal met Tony die zich absoluut prima voelde. Zonder zich ook maar iets te herinneren van wat er met hem is gebeurd, woont hij een of andere conventie bij. Hij spreekt niet met zijn normale accent, en er lijkt iets mis te zijn met zijn papieren: hij is blijkbaar niet Tony Soprano maar Kevin Finnerty, of dat denken een paar mensen tenminste, en zolang de rotzooi niet is opgeruimd, kan hij zijn hotel niet uit.
Natuurlijk, volgens de zuivere traditie van de Soprano's, blijkt dat niets anders dan een droom te zijn: Tony ligt in coma, de artsen weten niet wat ze met hem aan moeten, zijn familie en vrienden zijn doodongerust en Junior weigert te geloven dat het allemaal echt is gebeurd. Helaas is dat wel zo, en Anthony junior lijkt bereid de aanslag op het leven van zijn vader te wreken. In de serie komen vrij vaak dromen voor, vaak als een soort spirituele beproeving voor de hoofdpersonen (het meest in het bijzonder in het vijfde seizoen van De Testdroom). Maar als je lid wordt van de Club, neem je de metafysische kwaliteiten van het programma, waar de vorige aflevering al op zinspeelt door het gebruik van een gedicht van William S. Burroughs, en je dringt je op de meest vermetele manier op: dat Tony hallucineert over zijn dode vrienden (de eerste keer dat dat gebeurde was door voedselvergiftiging, vier seizoenen geleden) is één ding, maar dat hij zich werkelijk bevindt in wat eruitziet als het voorgeborchte van de hel is iets heel anders. Het deel van het verhaal zit vol allegorische betekenissen, niet in de laatste plaats de naam die Tony krijgt (zoals een personage aangeeft: als je die op een bepaalde manier spelt, krijg je het woord 'oneindigheid'), en het komt allemaal niet over als overdreven of vergezocht: David Chase heeft een stuk werk geschreven dat veel te intelligent is om rare trucs te gebruiken alleen voor zijn eigen bestwil; het verhaal komt er beter door tot zijn recht. Maar praten over 'hulp van boven' in het geval van Tony Soprano zou wel een beetje overdreven zijn.

text_en:
To call this episode brilliant feels like too little. To say it keeps up the excellent work of the season premiere is reductive too, 'cause there's never been a far-from-great Sopranos episode so far. In fact, the title might be a smug invitation for those who aren't real fans yet: Join the Club...

Picking up where Junior left off (putting a bullet in his nephew's gut after mistaking him for a crook he killed in the first season), the story begins with Tony being absolutely fine. With no recollection whatsoever of what happened to him, he's attending some kind of convention. Only he's not speaking with his normal accent, and there seems to be something wrong with his papers: apparently, he is not Tony Soprano but Kevin Finnerty, or at least that's what a group of people think, and until the mess is sorted out he can't leave his hotel.

Naturally, in pure Sopranos tradition, that turns out to be nothing but a dream: Tony is actually in a coma, with the doctors uncertain regarding his fate, his family and friends worried sick and Junior refusing to believe the whole thing actually happened. Unfortunately it did, and Anthony Jr. looks willing to avenge the attempt on his father's life.

Dreams have popped up rather frequently in the series, often as some kind of spiritual trial for the protagonists (most notably in the Season Five show The Test Dream). Join the Club, however, takes the metaphysical qualities of the program, already hinted at by the previous episode's use of a William S. Burroughs poem, and pushes the envelope in the most audacious way: Tony hallucinating about his dead friends (the first occurrence of the sort was caused by food poisoning, four seasons ago) is one thing, him actually being in what would appear to be Purgatory is radically different. The "heavenly" section of the story is crammed with allegorical significances, not least the name Tony is given (as one character points out, spelling it in a certain way will give you the word "infinity"), and none of it comes off as overblown or far-fetched: David Chase has created a piece of work that is far too intelligent to use weird set-ups just for their own sake; it all helps the narrative. Talking about "help from above" in the case of Tony Soprano might be stretching it a tad, though.


text: Adrien Wilde, de fotograaf van het tijdschrift _Deugd_, heeft afschuwelijke nachtmerries waarin hij zijn modellen op brute wijze vermoordt. Als de mooie dames echt dood blijken te zijn, is Adrien bang dat hij de moordenaar is. Schrijver/regisseur William Byron Hillman vertelt het boeiende verhaal in een gestaag tempo, bouwt een redelijke hoeveelheid spanning op, levert een paar gruwelijk effectieve momenten van woest vrouwenhaatdragend geweld (een vrouw die een plastic vuilniszak met een ratelslang erin over haar hoofd heeft hangen, is absoluut het wriemelende hoogtepunt), legt een verfrissende nadruk op de mooi getekende en innemende personages, geeft nog meer grond aan alles in een geloofwaardige alledaagse wereld, en besluit het geheel met een lekkere portie smakelijke vrouwelijke naaktheid. Het mooie acteerwerk van een uitstekende cast helpt ook: Joanna Pettet als de zonnige, charmante geliefde van Mindy Jordache, James Stacy als Adriens macho dubbele geamputeerde broer B.J. Frank Curtis, Don Potter als Adriens uitbundige homoseksuele assistent Louis, Pamela Hensley als de moedige rechercheur Moordzaken, brigadier Fountain, Cleavon Little als een keiharde politiechef en Misty Rowe als het lieve, sprankelende model Bambi. De gepolijste filmografie van R. Michael Stringer maakt af en toe indrukwekkend gebruik van adembenemende panoramische luchtopnamen. Jack Goga's onheilspellende, rammelende score doet hetzelfde. De coole bijrollen zijn Robert Tessier als een norse barkeeper, Sally Kirkland als een uitdagende hoer, Kathy Shower als een felle vrouwelijke worstelaar met wie B.J. in de ring worstelt, en Frances Bay in een van haar standaardoude-damesrollen. Een solide en plezierige film.

text_en: Troubled men's magazine photographer Adrien Wilde (well played with considerable intensity by Michael Callan) has horrific nightmares in which he brutally murders his models. When the lovely ladies start turning up dead for real, Adrien worries that he might be the killer. Writer/director William Byron Hillman relates the engrossing story at a steady pace, builds a reasonable amount of tension, delivers a few gruesomely effective moments of savage misogynistic violence (one woman who has a plastic garbage bag with a rattlesnake in it placed over her head rates as the definite squirm-inducing highlight), puts a refreshing emphasis on the nicely drawn and engaging true-to-life characters, further grounds everything in a plausible everyday world, and tops things off with a nice smattering of tasty female nudity. The fine acting from an excellent cast helps matters a whole lot: Joanna Pettet as sunny, charming love interest Mindy Jordache, James Stacy as Adrien's macho double amputee brother B.J., Seymour Cassel as Adrien's concerned psychiatrist Dr. Frank Curtis, Don Potter as Adrien's feisty gay assistant Louis, Pamela Hensley as gutsy homicide detective Sergeant Fountain, Cleavon Little as a hard-nosed police chief, and Misty Rowe as sweet, bubbly model Bambi. R. Michael Stringer's polished cinematography makes impressive occasional use of breathtaking panoramic aerial shots. Jack Goga's ominous rattling score likewise does the trick. Popping up in cool bit parts are Robert Tessier as a gruff bartender, Sally Kirkland as a saucy hooker, Kathy Shower as a fierce female wrestler B.J. grapples with in the ring, and Frances Bay in one of her standard old woman roles. A solid and enjoyable picture.