text: De verrassingswinnaar van de Oscaruitreikingen van dit jaar voor de Beste Animated Feature. Het is een Ierse film die ik uit mijn hoofd ken, maar hij is mede geproduceerd door België en Brazilië, en ik vermoed dat er in alle drie de landen animators aan het werk zijn. Het product is een van de mooiste en meest unieke films van de laatste tijd. Het karakterontwerp doet een beetje denken aan de Franse geanimeerde film Persepolis van een paar jaar geleden, met heel eenvoudige karakters met dikke, zwarte omtrekken. Deze film is niet in zwart-wit. O nee. Wat deze film zo geweldig maakt, is het gebruik van kleur, gewoon het meest buitensporige en opzienbarende gebruik van kleuren dat ik ooit heb gezien. Het algemene ontwerp van de films is ook veel geometrisch, met personages die in wezen rechthoeken of ovalen zijn. Een groot deel van de film kan worden gebruikt om de cirkel te vinden <0xE2><0x80><0x93> een belangrijk aspect van het visuele ontwerp is een cirkel in het midden van het beeld. Al deze geometrische ontwerpen hebben een doel <0xE2><0x80><0x93> het verhaal gaat over een jonge jongen die leert kunstenaar te zijn en werkt aan verluchte manuscripten (het _Boek van Kells_ is een echte verluchte bijbel; de kunst van de film is gebaseerd op de tekeningen erin). Het verhaal van de film is niet bijzonder diepzinnig, maar het is een vrij goed fantasieverhaal. Brendan is een jonge jongen in Kells, een stad omringd door enorme muren, die zijn oom heeft gebouwd om de Vikingen buiten te houden. Een nieuwkomer in Kells, broeder Aiden, inspireert Brendan om illustratiewerk te gaan doen. Hij inspireert hem ook om dingen te doen zoals Kells verlaten en het nabijgelegen bos verkennen, waar een nimf woont. Bruno Coulais levert een fantastische score, bijna net zo goed als de score die hij voor Coraline heeft gemaakt, die ik als de beste van het jaar beschouw.

text_en: The surprise nominee of this year's Best Animated Feature race at the Oscars. It's an Irish film by heart, but it was co-produced by Belgium and Brazil, with, I'm guessing, animators working in all three countries. The product is one of the most beautiful and unique films in recent memory. The character design is a little reminiscent of the French animated film Persepolis from a couple of years back, with very simple characters with thick, black outlines. This film is not in black and white. Oh no. What makes this film great is its use of color, simply some of the most outrageous and startling use of colors I've ever seen. The general design of the pictures is also a lot more geometrical, with characters who are basically rectangles or ovals. Much of the film can be spent playing find the circle - a major aspect of the visual design is a circle in the center of the image. All of these geometrical designs have a purpose - the story is about a young boy who is learning to be an artist working on illuminated manuscripts (the Book of Kells is a real illuminated Bible; the art of the film is based on the drawings in it). The story of the film isn't especially deep, but it's a pretty good fantasy tale. Brendan is a young boy in Kells, a city surrounded by enormous walls, built by his uncle to keep out Vikings. A newcomer to Kells, Brother Aiden, inspires Brendan to take up illustrating. He also inspires him to do things like leave Kells and explore the nearby forest, within which lives a nymph. Bruno Coulais provides a fantastic score, almost as good as the one he did for Coraline, which I consider the very best of the year.


text: Ik heb een paar films over eetstoornissen gezien, maar deze was absoluut mijn favoriet. Het probleem met de andere was dat de mensen met eetstoornissen aan het eind automatisch beter worden of accepteren dat ze hulp nodig hebben en dat is het dan. Deze film vond ik realistischer, want in deze film wordt het hoofdpersonage Lexi niet automatisch beter. Ze wordt beter en krijgt dan een nadeel. Ik denk dat deze film meer dan de andere laat zien dat beter worden niet zomaar gebeurt, het is hard werken en het kost tijd, het is een lange weg naar herstel. Ik denk dat deze film dat allemaal heel goed laat zien. Er zouden meer van dit soort films moeten zijn.

text_en: I have seen a couple movies on eating disorders but this one was definitely my favorite one. The problem with the other ones was that the people with the eating disorders towards the end just automatically get better or accept the fact that they need help and thats it. this movie I thought was more realistic cause in this one the main character Lexi doesn't automatically just get better. She gets better and then has a drawback. I think this movie shows more than the others that I've seen that getting better doesn't just happen, it's hard work and takes time, it's a long path to recovery. I think this movie shows all of that very well. There should be more movies like this.


text: Er zijn veel te veel onderwerpen die vermeden moeten worden in de filmwereld, en eetstoornissen zijn er daar één van. Deze film laat het zien zoals het is. Hij is niet zo verfraaid dat de kijkers ervan kunnen genieten, hij wordt getoond met echte waarheid, wat hem des te krachtiger maakt. Ik heb hem maar één keer gezien en dat was een paar jaar geleden, maar ik kan me er nog alles van herinneren en hoe ik me toen voelde. Het is een heel krachtige film en hij is een goede steun voor iedereen die aan een eetstoornis lijdt, omdat hij de wilskracht geeft om ermee op te houden. Daar moeten films over gaan: ze moeten er zijn om mensen te helpen en niet om dingen die verkeerd zijn te vermommen.

text_en: There are way too many subjects avoided in cinema and eating disorders is one of them. This film shows it as it is. It is not glamourised for the viewers to enjoy, it is shown with real truth which makes it all the more powerful. I've only seen it once and that was a few years ago but i can still remember everything about it and how it made me feel. It is a very powerful film and is good support for anyone suffering from a eating disorder to give them the willpower to stop. This is what films should be about- they should be there to help people and not glamourise things that are wrong.


text: Ik ben het eens met de bovenstaande opmerking, ik vind het realisme hierin prachtig, en in veel films (niet alleen films over eetstoornissen) schijnen de producenten dat te vergeten. Ze nemen elke dag een probleem en creëren een enorm dramatische scène en aan het eind van de film is alles weer perfect, wat ik niet prettig vind omdat het niet de werkelijkheid is. Het is niet de bedoeling om te zeggen dat dingen niet beter kunnen worden, en het is niet de bedoeling om te zeggen dat dingen in deze film niet beter kunnen, maar het is niet de bedoeling om het grootste deel van de film te besteden aan het creëren van al deze problemen, en aan het eind van de film is alles weer perfect. Ik geef het niet gewoon toe en wil beter worden, en dan is het leven heerlijk, het kost tijd, en ik vind het leuk dat we in deze film met de personages groeien, dat we de moeilijkheden met hen doormaken, dat we beter en slechter worden, want het is een heel belangrijk onderdeel van de film. Het komt in het hoofd van mensen met een eetstoornis en laat op een heel realistische manier de complicaties en de pijn zien, en dat vond ik prachtig. Ik vind het ook prachtig hoe het de geheimhouding en het verraad laat zien die mensen voelen als ze een eetstoornis hebben, het is eng om te zien hoe mensen reageren als ze erachter komen, vooral als ze het goedkeuren. Ik vond deze film heel ontroerend en mooi en goed verteld, en uitdagend een van mijn lievelingsfilms.

text_en: I agree with the above comment, I love the realism in this, and in many movies (not just movies on eating disorders) the producers seem to forget that. They take an every day problem and create a hugely dramatic scene and then come the end of the movie everything is perfect again, which I dislike because its not reality. Not meaning to say things can't get better, and not meaning to say things don't in this movie, but it doesn't spend most of the movie creating all these problems, and come the end of the movie everything is perfect again. When people have eating disorders people don't just admit it and want to get better, and then life is peachy, it takes time, and I like how in this movie we grow with the characters, we go through the difficulties with them, getting better and worse, because it is a very important part of the movie. It gets into the minds of people with eating disorders, and shows the complications and pain, in a very realistic way, and I loved that. I also love how it shows The secrecy and betrayal people feel when suffering from eating disorders, it is scary to see how people react when they find out, especially if they approve of it. I thought this movie was very touching and beautiful and well told, and defiantly one of my favourites.


text: Lexi raakt bevriend met Jennifer, een mager, intelligent meisje op haar nieuwe school. Lexi's ouders zijn net uit elkaar. Al snel vertelt Jen Lexi over haar eetstoornis, en de twee gaan samen op dieet en doen aan lichaamsbeweging. Ze zitten allebei in het honkbalteam van de school. Lexi's moeder wordt zich bewust van de ziekte van haar dochter, omdat ze veel gewicht verliest. Lexi wordt opgenomen in het ziekenhuis. Er wordt vastgesteld dat ze anorexia nervosa heeft, en ze wordt gedwongen om aan te komen. Haar vader bezoekt haar in het ziekenhuis en bestelt een voedingsslangetje. Ze wordt beter en mag het ziekenhuis uit, en ze vertelt haar moeder dat Jen boulimie heeft. Dit leidt tot ruzie tussen de twee, en Lexi's moeder vertelt Jens moeder over haar vermoedens. Op een feestje wordt Jen aangereden door een auto, en omdat haar hart het begeeft, gaat ze eraan dood. Lexi's toestand verslechtert, omdat ze zichzelf de schuld geeft van de dood van haar beste vriendin...

text_en:
Lexi befriends Jennifer, a thin, intelligent girl at her new school. Lexi's parents have just split up. Soon, Jen tells Lexi of her eating disorder, and the two begin dieting and exercising together. They both are in the school's volley ball team. Lexi's mum becomes aware of her daughter's illness, as she is losing lots of weight. Lexi is admitted to hospital. She is diagnosed with Anorexia nervosa, and is made to gain weight. Her father visits her in hospital, and orders a feeding tube. She is better and is allowed out of hospital and she tells her mum that Jen has bulimia. This leads to the two falling out, as Lexi's mum tells Jen's mum her suspicions.

At a party Jen is hit by a car, and because her heart is weak it kills her. Lexi's condition worsens, as she blames herself for her best friend's death...


text: Ik kwam deze film per ongeluk tegen toen ik alle films opnoemde die mijn zus voor me moest opnemen terwijl ik op vakantie was, en ik ben zo blij dat ik deze heb opgenomen. Hij gaat over onderwerpen waar de meeste regisseurs voor terugdeinzen, mijn enige probleem met deze film is dat hij voor de televisie is gemaakt, zodat ik geen exemplaar voor mijn vriendin kon kopen!<br />Het is een ontroerend verhaal over mensen met eetstoornissen die niet per se voor iedereen terugdeinzen en over hoeveel van hen echt een dieetmaatje hebben. Het bracht me onder de aandacht dat hoewel boulimie een redelijk stabiel gewicht kan handhaven, het ernstigere gevolgen voor hun gezondheid heeft waar veel mensen geen weet van hebben.

text_en:
I came across this film by accident when listing all the films I wanted my sister to record for me whilst I was on holiday and I am so glad that I included this one. It deals with issues that most directors shy away from, my only problem with this film is that it was made for TV so I couldn't buy a copy for my friend!

It's a touching story about how people with eating disorders don't necessarily shy away from everyone and how many actually have dieting buddies. It brought to my attention that although bulimics can maintain a fairly stable weight, it has more serious consequences on their health that many people are ignorant of.


text: WAT VOOR VRIENDSCHAP IS, is naar mijn mening een heel ontroerend en hartverscheurend drama over de gevolgen van anorexia of boulimia. Elke keer dat Lexi (Katie Wright) of Jennifer (Marley Shelton) moest overgeven, wilde ik mezelf ook onderkotsen. Het is nogal moeilijk uit te leggen waarom. Als je het mij vraagt, hadden ze beter mee kunnen werken. Maar ik vond het wel leuk om ze samen dingen te zien doen, en ik vond het ook leuk dat ik de les werd gelezen door hun ouders. Voordat ik dit afrond, wil ik graag zeggen: 'Als je het mij vraagt, laat _WAT VRIENDSCHAP IS_ je inderdaad zien hoe anorexia of boulimia invloed kan hebben op iemands lichaam.' Tot slot wil ik deze film aanbevelen aan iedereen die hem nog niet heeft gezien. Dus als het de volgende keer op tv is, ga er dan met een vriend naar kijken.

text_en: WHEN FRIENDSHIP KILLS, in my opinion, is a very touching and kind of heartbreaking drama about the consequences of being anorexic or bulimic. Anytime Lexi (Katie Wright) or Jennifer (Marley Shelton) threw up, I wanted to vomit myself. It's kind of hard to explain why. If you ask me, they should have been more cooperative about things. However, I did enjoy seeing them do things together as well as get lectured by their parents. Before I wrap this up, I'd like to say, "If you ask me, WHEN FRIENDSHIP KILLS does indeed show you how being anorexic or bulimic can affect a person's body. " Now, in conclusion, I recommend this movie to everyone who hasn't seen it. You're in for some tears and a good time, so the next time it's on TV, kick back with a friend and watch it.


text:
Een van de meest verwachte films van het jaar 2002. Na drieënhalf jaar winterslaap heeft Rajni in deze film gespeeld. De hype voor deze film was te hoog.
Dit is geen typische Rajini-film, in deze film geeft hij ook een paar spirituele boodschappen. Maar hij bevat ook typische Rajini-handelingen, stijl, liederen enz. Het is een goede onderhoudende film en geeft ook goede boodschappen.
Ik beoordeel deze film als Goed in plaats van Uitstekend vanwege het scenario. Het is een film die je moet zien. Mis hem niet!

text_en:
A most awaited film of the year 2002. After three and half years of hibernation,Rajini has acted in this movie. The hype for this film was toooooo high..

This is not a typical Rajini film, in this film he gives some spiritual messages also. But it also includes typical Rajini actions,style,songs etc. Its a good entertaining movie and gives good messages also.

I will rate this movie as Good instead of Excellent because of the screenplay. Its a must watch movie. Dont miss it!


text: Wat een verbluffende film, als je 2,5 uur te doden hebt, kijk dan, je zult er geen spijt van krijgen, het is te leuk! Rajnikanth draagt de film op zijn schouders en hoewel er niets anders is dan hij, vond ik het toch mooi. De muziek van A.R. Rehman heeft tijd nodig om op je in te werken, maar als je het een paar keer gehoord hebt, begin je het echt mooi te vinden.

text_en: What an absolutely stunning movie, if you have 2.5 hrs to kill, watch it, you won't regret it, it's too much fun! Rajnikanth carries the movie on his shoulders and although there isn't anything more other than him, I still liked it. The music by A.R.Rehman takes time to grow on you but after you heard it a few times, you really start liking it.


text: Er zijn mensen die beweren dat dit weer zo'n ultra-gewelddadige Mexicaanse film is met'slechte taal'. Ze hebben gelijk, maar deze film is vooral een oproep om ons bewust te worden van wat we zijn geworden. De verschrikkelijke waarheid doet pijn of is saai als je het paradigma van het leven in de derde wereld al als het enig mogelijke doel hebt geaccepteerd. Een van de belangrijkste dingen van 'Cero y van cuatro' is de open uitnodiging tot diepgaande responsie op onze huidige identiteit. Zijn we dat allemaal? Is dat alles wat we willen zijn? Ik ben in het buitenland en besefte hoe verwend de Mexicaanse samenleving is toen het incident in Tlahuac aan het licht kwam. Ik kan nog steeds niet begrijpen dat kijkers getuige zijn geweest van een massamoord. Ik moest bijna kotsen toen ik een paar van de beelden zag. Het was niet Irak of Rwanda, alleen maar een klein dorpje in de buurt van Mexico City, waar met de toegeeflijkheid van de media en de regering de verwoestingen werden aangericht. De herinnering aan een soortgelijke situatie in deze film schokte me diep. De andere verhalen waren goed, die schetsten andere situaties van corruptie, oneerlijkheid, verraad en geweld, maar ik beschouw 'Tamales de Chivo' als het beste.<br />De film gaat dieper dan sommige 'cabrón' en 'pendejo'-kreten. Die zijn betekenisloos in vergelijking met de daden van het volk. Op een paar uitzonderingen na zijn het allemaal perfecte voorbeelden van menselijke rotzooi. Net zoals in het echte leven eerlijkheid meer uitzondering dan regel wordt in ons land. Bovendien wordt eerlijkheid alleen op miraculeuze wijze beloond.

text_en:
There are people claiming this is another "bad language" ultra violence Mexican movie. They are right, but more than that this film is a call to create awareness of what we have become. The awful truth hurts, or bores when you already have accepted the paradigm of living the third world as the only possible goal. One of the most important things of "Cero y van cuatro" is the open invitation to profound reflexion over our current identity. Is that what we all are? Is that all that we want to be? I am abroad and I realized how spoiled is the Mexican society when the Tlahuac Incident came to light. I still cannot understand viewers witnessing a mass broadcasted murder. I nearly puked when I saw some of the images. It was not Irak or Rwanda, just a tiny village near Mexico City when rampage was carried out with the indulgence of media and government. The recreation of a similar situation in this film shocked me deeply. The other stories were good portraying other situations of corruption, dishonesty, betrayal and violence, but I consider "Tamales de Chivo" the best one.

The movie is deeper than some "cabrón" and "pendejo" screams. Those are meaningless compared with the actions of the people. With a few exceptions they are all perfect examples of human rubbish. Just like in real life honesty is becoming more the exception than the rule in our country. Moreover, honesty is only rewarded miraculously.


text:
Ik had het geluk deze film te zien toen ik als vrijwilliger op het Maryland Film Festival werkte. Ik ben altijd een liefhebber van klassieke horrorfilms geweest en vooral van de gimmicks van William Castle, dus dit was absoluut een must-see voor me.
Dit gaat over het leven en werk van William Castle, die naar mijn mening een onderschatte regisseur was. Oké, hij maakte een paar goedkope, budget-gruwelijke griezelfilms, maar hij voegde iets toe aan die films: echte, levende theatergimmicks die je niet meer ziet. Hij had bijvoorbeeld verpleegsters voor het geval iemand een hartaanval kreeg bij zijn films en in THE TINGLER zette hij vibrators op de onderkant van stoelen.
Dit is echt een goed gemaakte documentaire, die deze nogal schimmige regisseur in het licht zet en zijn bijdrage aan de horrorfilm viert. Hij schildert Castle ook af als een meer dan levensgroot personage, die erg geliefd was en een glimlach op zijn gezicht had.
In tegenstelling tot de meeste filmdocumentaires, die meestal testamenten van filmhistorici laten zien, toont SPINE TINGLER! interviews met zijn familieleden en regisseurs die door zijn werk zijn beïnvloed, zoals John Waters, John Landis en Joe Dante.

text_en:
I was lucky enough to catch this movie while volunteering at the Maryland Film Festival. I've always been a fan of classic horror films and especially the gimmicks of William Castle, so this was definitely a must-see for me.

This is about the life and work of William Castle, who in my opinion was an underrated director. True, he made some cheap budget schlocky horror films, but he added something to these films: real live theater gimmicks that you don't see anymore. For example, he had nurses in case someone had a heart attack at his movies and put vibrators at the bottoms of chairs in THE TINGLER.

This is truly a well-made documentary and brings this rather shadowed director into the light, and celebrated his contributions to horror cinema. It also paints Castle as a larger than life character, who was very well-liked and had a smile on his face.

Unlike most film documentaries that mostly show testaments from film historians, SPINE TINGLER! shows interviews mostly from his family members and directors who were influenced by his work, such as John Waters, John Landis, and Joe Dante. A must see for classic horror and sci-fi fans.


text: Deze films beschrijven het leven en werk van William Castle. Hij maakte een reeks lowbudget horrorfilms in de jaren vijftig en zestig van de vorige eeuw, die hij verkocht met gimmicks. In '13 Ghosts' moeten de kijkers de geesten zien (ze waren in kleur, de film was in hd). 'The Tingler' had theaterstoelen met een zoemer die het publiek deed opschrikken als een monster een bioscoopzaal binnen vlucht. 'Marabre' introduceerde een levensverzekeringspolis voor alle leden voor het geval ze doodsbang waren! De films zelf waren behoorlijk slecht, maar de gimmicks zorgden ervoor dat de mensen zich haastten om ze te zien. In deze doc zitten interviews met regisseurs die geïnspireerd zijn door Castle, acteurs in zijn films en zijn dochter. Het gaat ook over zijn privéleven en over het soort man dat hij was (iedereen zegt dat hij een geweldige vent was). De documentaire is liefdevol, heel grappig en absoluut fascinerend. Hij is heel kort (minder dan 90 minuten) en er is nooit een saai moment. Een must-see voor Castle-fans en voor fans van horrorfilms. Mijn enige klacht is dat er maar heel weinig scènes op zijn foto's te zien waren. Afgezien daarvan is het gewoon geweldig.

text_en: This movies chronicles the life and times of William Castle. He made a series of low budget horror films in the 1950s-1960s that he sold with gimmicks. In "13 Ghosts" you need viewers to see the ghosts (they were in color, the film was in b&w). "The Tingler" had theatre seats equipped with a buzzer that jolted the audience when a monster escapes into a movie theatre. "Marabre" issued a life insurance policy to all members in case they were frightened to death! The movies themselves were pretty bad but the gimmicks had people rushing to see them. In this doc there are interviews with directors inspired by Castle, actors in his movies and his daughter. It also gets into his home life and the kind of man he was (by all accounts he was a great guy). The documentary is affectionate, very funny and absolutely riveting. It's very short (under 90 minutes) and there's never a dull moment. A must see for Castle fans and horror movie fans. My one complaint--there were very few sequences shown from his pictures. That aside this is just great.


text:
Voor zover ik me kan herinneren zijn de veranderingen die Balanchine aan de partituur van Tsjaikovski heeft aangebracht als volgt:
1. Het laatste deel van de Grossvatertanz (een traditionele melodie die aan het eind van een feest wordt gespeeld) wordt verscheidene malen herhaald om de kinderen een laatste dans te geven voordat hun scène voorbij is.
2. Een vioolsolo, geschreven voor de partituur van Tsjaikovski's _De schone slaapster_, maar geschrapt uit de partituur van _De schone slaapster_, wordt tussen het einde van de feestscène en het begin van de transformatiescène in gezet. Balanchine heeft deze muziek gekozen vanwege de melodieuze relatie met de muziek voor de groeiende kerstboom die kort daarna plaatsvindt.
3. De solo voor de cavalier van de suikerfee wordt geschrapt. De beschuldiging dat Balanchine op de een of andere manier Tsjaikovski's grote partituur heeft ontheiligd, lijkt me misplaatst.

text_en:
As far as I can recall, Balanchine's alterations to Tchaikovsky's score are as follows:

1) The final section of the Grossvatertanz (a traditional tune played at the end of a party) is repeated several times to give the children a last dance before their scene is over.

2) A violin solo, written for but eliminated from Tchaikovsky's score for The Sleeping Beauty, is interpolated between the end of the party scene and the beginning of the transformation scene. Balanchine chose this music because of its melodic relationship to the music for the growing Christmas tree that occurs shortly thereafter.

3) The solo for the Sugar Plum Fairy's cavalier is eliminated.

It seems to me the accusation that Balanchine has somehow desecrated Tchaikovsky's great score is misplaced.


text: Zowel visueel als muzikaal verbluffend. Een traktatie voor zowel het oog als het oor. Het wezenlijke victoriaanse element van de openingsscènes was volkomen betoverend en hielp bij het creëren van een kerstscène waar Dickens zelf terecht trots op zou zijn geweest. Technisch gezien is de productie visueel stimulerend en de special effects zijn zowel fantasievol ontworpen als creatief tot stand gekomen in een traditionele toneelopstelling. Het dansen van veel van de hoofdrolspelers is adembenemend goed. De fotografie en belichting zijn eersteklas en de geluidsopnamen passen bewonderenswaardig bij het algemene niveau van de technische vaardigheden die zijn gebruikt. Een geweldige film voor het hele gezin met Kerstmis en een verrukkelijke ontdekking die het vele kijken zal doorstaan.

text_en: Both visually and musically stunning. A treat for both the eye and the ear. The quintessential Victorian element of the opening sequences were completely enchanting, helping to create a Christmas scene of which Dickens himself would have been justifiably proud. Technically the production is visually stimulating and the special effects are both imaginatively devised and creatively achieved in a traditional stage setting. The dancing of many of the lead artistes is breathtakingly good. The photography and lighting are first class and the sound recording admirably matches the overall high level of technical skills employed. A great film for all the family at Christmas time and a most delightful discovery which will withstand multiple viewing.


text:
Degenen die deze productie zo'n lage beoordeling hebben gegeven, hebben de beroemde productie van George Balanchine waarschijnlijk nooit live op het toneel gezien, of laten hun oordeel beïnvloeden door hun minachting voor de hoofdrol van Macaulay Culkin. Het Atlanta Ballet had het geluk dat het van de jaren zestig tot de jaren tachtig de eerste balletgezelschappen was die deze productie op het toneel mochten brengen, afgezien van het New York City Ballet, en ik heb hem verschillende keren live op het toneel gezien. Ik kan de lezers verzekeren dat de film een vrij accurate weergave is van deze productie en dat het gebruik van een kind met beperkte dansvaardigheden in de titelrol geen goedkope truc is die is verzonnen om Culkin te demonstreren; het was Balanchine' Het was zijn idee om een kind in deze rol te gebruiken, net zoals het zijn idee was om een kind in de rol van Marie te gebruiken. Het 'zware' dansen wordt aan de volwassenen in het verhaal overgelaten.
Dit is met opzet een film die zich op het toneel afspeelt; in zekere zin lijkt het op _Othello_ van Laurence Olivier. Net als in die film zijn de decors van de toneelopvoering vergroot tot het formaat van een filmsoundstage, maar niet minder kunstmatig, en het ballet is rechttoe rechtaan gefotografeerd met discrete close-ups, en zonder de afleidende'muziekvideo's' die in de in 1986 overschatte Maurice Sendak-Carroll Ballard-versie te zien waren. Er zijn maar twee valse passen in deze film uit 1993. De ene is de toevoeging van afleidende en volstrekt onnodige geluidseffecten (muisjes die piepen, de kinderen die 'Ma-gic!' fluisteren tegen Drosselmeyer, enzovoort). Die geluidseffecten worden in geen enkele toneelproductie van een 'notenkraker' gebruikt, en ze zijn er alleen maar aan toegevoegd als goedkope concessie, alleen maar om het eenvoudige publiek tevreden te stellen dat het misschien niet leuk vindt om naar een ballet op film te kijken.
De andere verkeerde stap is Macaulay Culkins notenkraker-make-up, die er absoluut belachelijk uitziet. Als hij als de Notenkraker op het witte doek verschijnt, draagt hij niet een enorm masker (zoals altijd wanneer de Balanchine-productie op het toneel wordt opgevoerd), maar is Culkin helemaal opgemaakt als een stuk speelgoed <0xE2><0x80><0x93> hij draagt iets wat op een kale pet lijkt, een witte pruik, bakkebaarden en een baard. Hij heeft ook wat rouge op zijn gezicht, en het ergste van zijn make-up is dat het nog steeds herkenbaar is, amateuristisch getransformeerd op een manier die doet denken aan de make-up van Ray Bolger, Jack Haley en Bert Lahr in _The Wizard of Oz_ (maar de make-up van die film werkte spectaculair, die van deze niet). En een vergelijking met Baryshnikovs notenkraker in _zijn_ productie laat zien hoe geweldig creatief Baryshnikov is. Het notenkrakermasker was <0xE2><0x80><0x93> de 'kaken' leken werkelijk te bewegen wanneer Barysjnikov zijn hoofd achterover boog.
<0x3E> De dans zelf in de Macaulay Culkin-versie is natuurlijk uitstekend, behalve natuurlijk die van Culkin zelf, wiens dans, zoals ik al zei, niet eens spectaculair is. (De Suikerfee en haar Cavalier zijn de prominente dansrollen in Balanchines productie van 'De Notenkraker'.) De kleuren van de film zouden echter iets helderder kunnen zijn, aangezien dit een fantasie is. De choreografie is ook briljant en de aanpassing ervan is zo getrouw dat de volgorde waarin de muziek van Tsjaikovski's ballet 'De schone Slaapster' <0xE2><0x80><0x93> als Marie naar beneden sluipt, op de bank in slaap valt en droomt dat Drosselmeyer'repareert' de gebroken Nutcracker (deze scène is natuurlijk nooit in Tsjaikovski's oorspronkelijke ballet opgenomen <0xE2><0x80><0x93> het is de enige scène in deze productie waarin muziek uit een ander werk dan 'De Nutcracker' voorkomt).

Degenen die deze film hebben gemist, of degenen die hem verachten (of verafschuwen) zouden hem een kans moeten geven, ondanks de twee grote nadelen. Hij is veel beter dan hij lijkt als je voor het eerst hoort dat Culkin erin voorkomt.

text_en:
Those who have given this production such a low rating probably have never seen the celebrated George Balanchine production live onstage, or are letting their disdain for the star casting of Macaulay Culkin influence their judgement. The Atlanta Ballet was fortunate enough, from the 1960's to the 1980's, to be the first ballet company authorized to stage this production other than the New York City Ballet, and I have seen it live onstage several times. I can assure readers that the film is a quite accurate rendering of this production, and that the use of a child with limited dancing abilities in the title role is not a cheap stunt dreamed up to showcase Culkin; it was Balanchine's idea to use a child in this role, just as it was his idea to use a child for the role of Marie. The "heavy" dancing is left to the adults in the story.

This is deliberately a stagebound film; in a way, it resembles Laurence Olivier's "Othello". Exactly as in that film, the sets of the stage production have been enlarged to the size of a movie soundstage, but not made any less artificial, and the ballet is straightforwardly photographed with discreet closeups, and without the distracting "music video" quick cuts featured in the 1986 overrated Maurice Sendak-Carroll Ballard version. There are only two false steps in this 1993 film. One is the addition of distracting and completely unnecessary sound effects (mouse squeaks, the children whispering "Ma-gic!" to Drosselmeyer,etc.). Those sound effects are never heard in any stage production of any "Nutcracker", and they have been put in as a cheap concession simply to appease unsophisticated audiences who may not relish the idea of watching a ballet on film.

The other false step is Macaulay Culkin's nutcracker make-up, which looks absolutely ridiculous. When he is on screen as the Nutcracker, rather than wearing a huge mask (as is always done when the Balanchine production is performed onstage), Culkin is actually made up as the toy - he wears what looks like a bald cap, as well as a white wig, whiskers, and a beard. He also has his face rouged up somewhat, and the worst aspect of his make-up is that it is still recognizably his face, amateurishly transformed in a manner similar to Ray Bolger, Jack Haley and Bert Lahr's makeups in "The Wizard of Oz" (that film's makeup results though, worked spectacularly, as this one's does not). And a comparison with Baryshnikov's nutcracker in *his* production shows how wonderfully creative Baryshnikov's nutcracker mask was - the "jaws" actually seemed to move whenever Baryshnikov tilted his head back.

The dancing itself in the Macaulay Culkin version is excellent, of course, except for Culkin himself, whose dancing, as I said, isn't meant to even be spectacular. (The Sugar Plum Fairy and her Cavalier are the prominent dancing roles in Balanchine's production of "The Nutcracker".) The film's colors, though, could be a bit brighter since this IS a fantasy. The choreography is also brilliant, and the adaptation of it is so faithful as to include the sequence that features additional music from Tchaikovsky's ballet "The Sleeping Beauty" - as Marie sneaks downstairs, falls asleep on the sofa, and dreams that Drosselmeyer is "repairing" the broken Nutcracker (this sequence was, of course, never included in Tchaikovsky's original ballet---it is the only sequence in this production which features music from a work other than "The Nutcracker").

Those who have missed out on this film, or those who despise (or loathe it) should give it a chance, despite its two big drawbacks. It is far better than it seems when one first hears that Culkin is in it.


text:
Deze film is een perfecte weergave van De Notenkraker; het dansen is geweldig, het decor op de achtergrond is uitstekend en ik HOU VAN DIT ZWEMBAD.
O, en de kostuums... Ik vond vooral die van Marzipan prachtig, de tutu was schattig. De special effects waren heel goed (zoals de boom, het bed, enz.) en ik vond de ratten heel leuk. Ik vind het prachtig dat ze ze niet eng maken, maar schattig en knuffelbaar. Behalve de koning, denk ik.
Als je een door en door mannelijk persoon bent, zul je hier niet van genieten, maar dit is een heel goede film die goed is voor alle leeftijden <0xE2><0x80><0x93> alleen niet voor alle niveaus van testosteron.
Maar ik heb een paar klachten. Ten eerste, waarom moesten ze de partner van de Suikerfee in zo'n verschrikkelijke maillot stoppen? Het zou nauwelijks verschil maken als hij helemaal naakt was! En ten tweede... waarom moesten ze Culkins outfit in vredesnaam roze maken?

text_en:
This movie is a perfect portrayal of The Nutcracker; the dancing is wonderful, the scenery in the background was excellent, and I LOVED THAT FLOATING BED.

Oh, and the costumes... I particularly loved Marzipan's, the tutu was adorable. The special effects were very well done (e.g. the tree, the bed, etc.), and I quite enjoyed the rats. I love how they didn't make them scary, but cute and huggable. Except for the king, I suppose.

If you're a thoroughly masculine person, you won't enjoy this, but this is a very good movie that's good for all ages - just not all levels of testosterone.

But I have a few complaints.

Firstly, why did they have to put the Sugar Plum Fairy's partner in those terrible tights? It would barely make a difference if he was butt naked! And secondly.. why on EARTH did they have to make Culkin's outfit PINK?


text: Dit is een leuke kleine horrorfilm die fans van indiefilms echt zullen waarderen. Hij heeft goed acteerwerk, veel bloed en een goede plot. Hij doet je denken aan films als _The Hills Have Eyes_ en _Pumpkinhead_. Het is duidelijk dat het budget niet al te hoog was, maar de film maakt dat goed met de sfeer en de goede acteerprestaties van de acteurs, die in veel van de met grote budgetten gevulde special effects-films van tegenwoordig lijken te ontbreken. De film ontwikkelt zich echt en er is een uitstekende regie en een goede cameravoering. Er worden geen scènes verspild, dus de film is een beetje kort. Bovendien lijkt het erop dat het einde een opening laat voor een vervolg, wat ook heel interessant zou zijn. Dus pak wat popcorn, doe de lichten uit en geniet van dit verhaal.

text_en: This is a nice little horror flick that fans of indie films will really appreciate. It has good acting, lots of gore, and a decent plot. One will be reminded of movies like The Hills Have Eyes and Pumpkinhead. It's obvious that the budget was not all that big, but the film really makes up for it with atmosphere and solid performances by the actors, which seems to be lacking in a lot of today's big budget special effects-filled films. The film really moves along and there is excellent direction and good camera work. There are no wasted scenes, so the film's length is a bit short. In addition, it looks like the ending leaves an opening for a sequel, which would be very interesting as well. So grab some popcorn, turn down the lights and enjoy this one.


text: Een paar jaar geleden stuitte ik op de herhalingen van deze serie en ik werd er verliefd op. Téa Leoni en Holland Taylor komen erin voor en de ene aflevering na de andere maakte me aan het lachen. Ik denk dat het niet zo'n groot succes was en dat het na een paar seizoenen werd geannuleerd, maar ik geloof dat het een goede serie was en ik stel voor om ernaar te kijken... als de gelegenheid zich voordoet.

text_en: I stumbled across rerun syndication of this show several years ago, and fell in love with it. It features Téa Leoni and Holland Taylor and kept me laughing, one episode after the next. I guess it didn't make it so big, and was cancelled after a few seasons, but I believe it was a good run, and would suggest watching it...if the opportunity arises.


text: Thee Leoni speelt Nora Wilde, een serieuze fotograaf, die in een slechte scheiding zit. Ze wil haar vrijheid terug, maar daar hangt een prijskaartje aan. Ze wil legitieme fotografie, maar wordt ingehuurd om als paparazzi voor de roddelbladen te werken. Haar baas wordt gespeeld door de geweldige en goddelijke Holland Taylor. De show werd meestal goed geschreven. TEa's Nora begon zich tot een gedenkwaardig personage te ontwikkelen, maar het netwerk steunde de komedie gewoon niet en doet dat nog steeds niet. Zelfs toen ze George Wendt van Cheers inbrachten, brachten ze onnodige veranderingen aan in casting en karakters. In het begin ging het prima met het programma en het publiek begon eraan te wennen, maar dan verknalt de zender het als een slechte plastische chirurgie.

text_en: Tea Leoni plays Nora Wilde, a serious photographer, who is going through a bad divorce. She wants her freedom but it comes at a cost. She wants to legitimate photography but is hired to work for the tabloids as a paparazzi. Her boss is played by the wonderful and divine Holland Taylor. The show was well-written most of the time. TEa's Nora was beginning to develop into quite a memorable character but the network just didn't support comedy and they still don't. Even when they brought in George Wendt from Cheers, they made unnecessary changes in casting and characters. The show was fine in the beginning and the audience was getting used to it but then the network botches it up like a bad plastic surgery.


text: Een waarlijk aanbiddelijke heldin die beurtelings verrast en doodsbang wordt van piemels, worstelt met matrassen, regelrecht de gesloten deuren in rent... slechts een paar van de momenten die sprankelen in mijn herinnering aan 'De naakte waarheid'. Ik hield van wat ik van dit programma meekreeg: aangename dwaze intriges en een paar goede ondersteunende personages zorgden voor de setting voor de diamant van de show <0xE2><0x80><0x93> Tea Leoni als 'Nora Wilde'; schattig, clownesk en heerlijk geneigd ongelukken te maken <0xE2><0x80><0x93> Wat verfrissend om een actrice te zien die kan clownesken <0xE2><0x80><0x93> geen wonder dat Hollyood niet lijkt te weten hoe ze haar moet spelen. Maar waar <0xE2><0x80><0x93> o waar <0xE2><0x80><0x93> zijn de dvd-uitgaven? De hoeveelheid (piep) die ze uitbrengen, het is ongelooflijk dat dit juweeltje begraven blijft. Iemand moet me maar corrigeren als ik het mis heb.

text_en: A truly adorable heroine who, at turns, is surprised and terrified by giblets, wrestles with mattresses, runs full-on into closed doors ... just a few of the moments that sparkle in my memory of 'The Naked Truth'. I LOVED what I caught of this show: enjoyably daft plots and some good supporting characters provided the setting for the diamond of the show - Tea Leoni as, 'Nora Wilde'; cute, clownish, and wonderfully accident-prone - How refreshing to see an actress who can clown - it's no wonder Hollyood doesn't seem to know how to cast her. But where-oh-WHERE are the DVD releases? The amount of (bleep) they release, it's incredible me that this little gem continues to remain buried. (Someone please correct me if I'm wrong.)


text:
De daaropvolgende twee seizoenen van deze oorspronkelijke serie waren niet bepaald saai. De rampzalige hershuffle droeg bij aan de korte levensduur van de drie seizoenen daarna. Als de stekker er na het eerste seizoen uit zou worden getrokken, zou het misschien een cultstatus hebben verworven.
Afgezien daarvan was het eerste seizoen echt hilarisch! Gevat, slim en met een schitterende tekst. Het was veelbelovend. Het uitstekende brouwsel van het eerste seizoen had de juiste ingrediënten <0xE2><0x80><0x93> personages/acteurs, verhaallijn enzovoort. Bovendien was er een komedie over een paparazzijournalist. Nora en haar mede'fotografen' op jacht, nacht na nacht, dag na dag op zoek naar de exclusieve foto's.
Een heleboel dingen snap ik niet. Zoals dit programma, en nog een favoriet van me <0xE2><0x80><0x93> Gross Pointe heeft het nooit 'gemaakt'. Als de eerste seizoenen van de Naakte Waarheid, en Grosse Pointe op dvd zouden worden uitgebracht, alsjeblieft, wie dan ook daarbuiten?

text_en:
The subsequent two seasons of this original series was less than lacklustre. The latter seasons disastrous reshuffle contributed to its three season short life span. Maybe if the plug was pulled after the first season it would've gained a cult following.

Aside from that, the first season was truly hilarious! Witty, clever with superb writing it was promising. The first season's excellent brew had the right ingredients - characters/actors, storyline and so forth. Plus a comedy about a paparazzi reporter was original to boot. Nora and her fellow "photographers" on the prowl, night after night, day after day for the exclusives.

A lot of things don't make sense to me. Like how this show, and another fav of mine - Gross Pointe never "made it". If only the first seasons of the Naked Truth, and Grosse Pointe were released on DVD, please anyone out there?!


text: Pialat filmt mensen in extreme emotionele situaties, meestal met een aantal gewelddadige scènes. In _La Gueule ouverte_ heeft hij te maken met de verwoestende gevolgen voor de man en zoon van een vrouw als ze aan kanker sterft. In _A nos amours_ leidt het seksuele experiment van het tienermeisje tot gewelddadige confrontaties met haar familie. Hier hebben we een nogal verwende jonge vrouw die haar man in de steek laat om het aan te leggen met een sexy ex-gevangene. Haar motivatie is een beetje vaag, aangezien Loulou niet in staat is om te lezen of over iets te praten wat uitdagender is dan tv-programma's; aan de andere kant heeft hij een fantastisch lichaam (ik vraag me af waarom Depardieu nooit een sportfilm heeft gemaakt om met dat lichaam te pronken - hij zou geweldig zijn geweest als rugbyspeler). De casting is indrukwekkend. Isabelle Huppert mag geen nietszeggende, nietszeggende voorstelling geven (ze heeft er al veel gegeven); Depardieu speelt Loulou met alle dynamiek en charme die je je maar kunt wensen <0xE2><0x80><0x93> zie de scène in de bar, waar hij in zijn buik wordt gestoken, wegrent en een behandeling zoekt, en dan al snel weer bij Nelly terugkomt. Guy Marchand, met die gitzwarte ogen en de gekwelde blik, speelt Nelly's echtgenoot prachtig; het is een mooie herhaling van de paring in _Coup de foudre_.

text_en:
Pialat films people in extreme emotional situations, usually with several violent scenes. In La Gueule ouverte, he's dealing with the devastating effects on a woman's husband and son as she dies of cancer. In A nos amours, the teenage girl's sexual experimentation leads to violent confrontations with her family. Here we have a rather spoiled young woman who abandons her husband to take up with a sexy ex-con. Her motivation is a little cloudy, since Loulou is incapable of reading or discussing anything more challenging than TV shows; on the other hand, he's got a fabulous body (I wonder why Depardieu never made a sports movie to show off that physique--he would have been great as a rugby player).

The casting is impressive. Isabelle Huppert isn't allowed to give a bland, inexpressive performance (she has given many); Depardieu plays Loulou with all the dynamism and charm you could want--see the scene in the bar, where he's stabbed in the gut, runs away and seeks treatment, then soon restarts with Nelly. Guy Marchand, with those coal-black eyes and distressed look, plays Nelly's husband beautifully; it's a fine repeat of the pairing in Coup de foudre.


text:
'Loulou' smaakt net zo heerlijk als een dure Franse wijn van hoge kwaliteit. Je krijgt er een heerlijke nasmaak van.
Loulou's thema is niet nieuw. De film heeft ook geen originele plot. De kleurenfoto's zijn mooi, maar niet uitzonderlijk. De setting is serieus. De elegante stijl van de film legt nooit en nergens enig gewicht in de schaal.
Wat je verder ook over 'Loulou' mag zeggen, het staat buiten kijf dat deze Franse film opvalt door zijn uitstekende acteerwerk. De drie hoofdrolspelers weerspiegelen overtuigend alle talloze twijfels en tijden die tussen hen twinkelen, waardoor de plot tot leven komt. Hun acteerwerk nodigt je uit om mee te doen, om vrienden te maken.
Voor degenen die er destijds bij waren, 'Loulou' Ook dat levert een extra bonus op: de perfect gevangen stemming van 1980.

text_en:
'Loulou' delights in the same way an expensive, high quality French wine does. It leaves you with a very fine aftertaste.

'Loulou's theme isn't new. The film doesn't carry an original plot either. Its colored picturing shows fine, but not extraordinary. Its setting is serious. Its elegant styling never and nowhere puts any weight on your mind.

Whatever one further may say about 'Loulou', it's beyond doubt that this very French film stands out for its excellent acting. The three leads convincingly reflect all numerous doubts and tenses sparkling between them, making the plot alive. Their acting fully invites you to participate, to make friends.

For those around at the time, 'Loulou' also provides an extra bonus: its perfectly captured mood of 1980.


text: Dit is een tamelijk saaie film. Goed gesitueerd met realistische scènes, vooral een heel goede van Depardieu als een schoft en een stoute jongen met een realistische locatiesfeer en de sfeer van een atelier, maar hij faalt omdat de regisseur geen standpunt inneemt of kritisch commentaar geeft op het onderwerp dat hij aanwijst. Een van Frankrijks gerespecteerde en regelmatige werkpartners in films met Depardieu <0xE2><0x80><0x93> ik geloof dat ze samen 7 hebben gemaakt <0xE2><0x80><0x93> Pialat doet niet mee. Het schijnt een verhandeling te zijn over waarom vrouwen vallen voor de stoute jongen die pijn zal doen als er een zorgzame vriend en een goedhartige echtgenoot in de buurt zijn. Isabelle Hupert, die de rokkenjager speelt met een nonchalante afstandelijkheid, geeft weerzinwekkende antwoorden als 'Ik weet het niet', 'Ik vind zijn armen mooi', 'Ik vind zijn armen mooi', 'Ik vind zijn armen mooi'. Ik hou van de manier waarop hij de liefde bedrijft met haar vragende echtgenoot, die haar het huis uit probeert te schoppen, maar bij haar blijft en zich bedenkt omdat... ik neem aan dat hij van haar houdt. Dus hij accepteert het en hoopt op wat? Dat ze op een dag wakker zal worden en bij haar positieven zal komen. Dit soort dingen worden niet beantwoord in Pialats neerbuigende docu-dramastijl met lange toespraken en nog langere scènes die niet kloppen. Ik weet dat de antwoorden niet kloppen maar neem alsjeblieft een standpunt in. Jules et Jim, dit is het niet. De laatste akte, zo koud als de film die we net hebben gezien, is een hartzeer en een hoofdpijn voor de meest vergevingsgezinden.

text_en: This is quite a dull movie. Well-shot with realistic performances especially a very good one from Depardieu as a cad and bad boy with realistic locations mood and art-house connotations all over, it fails because the director takes no position, stand or critical commentary on the topic he stipulates. One of France's revered and regular working partner on films with Depardieu - I believe they made 7 together - Pialat fails to engage. It seems to be a treatise on why women fall for the bad boy who will hurt when they have a ready caring boyfriend and good-hearted husband around. Isabelle Hupert who plays the philanderer with nonchalant distinction offers opprobrium answers like "I don't know"; "I like his arms"; "I like the way he makes love" to her inquiring husband who tries to kick her out of the house but palliates and reconsiders because... I assume he loves her. So he accepts and hope for what? That she will one day wake up and come to her senses. Things like this are not answered in Pialat's condescending docu-drama style with long speeches and even longer scenes that don't add up. I know the answers do not add up but please take a stand. Jules et Jim, this is not. The final shot as cold as the movie we have just watched is a heartache and headache only to the most forgiving.


text:
Goed gemaakt, maar in de grond een saai melodrama voor het lagere volk dat, volgens het begeleidende interview met hoofdrolspeelster Isabelle Huppert, schrijver/regisseur Pialat een heleboel autobiografische details heeft gegeven; gezien de voornamelijk onsympathieke personages die erbij betrokken zijn, doet het hem geen eer aan <0xE2><0x80><0x93> en hij schijnt een gekweld man te zijn geweest, aangezien Huppert ook zegt dat Pialat tijdens de opnamen vaak dagen achtereen verdween!
Maar de acteerprestaties zijn allemaal even uitstekend; ondanks hun betrekkelijk jonge leeftijd stonden Huppert en medespeler Gerard Depardieu (als de titelfiguur!) al in de voorhoede van de moderne Franse sterren <0xE2><0x80><0x93> een status die ze, met wisselende gradaties van succes, allebei tot op de dag van vandaag hebben.
'Ik heb nog 3 andere films van Pialat in mijn bezit.' 'VHS To Watch'-stapel, zij het allemaal in het Frans zonder Engelse ondertiteling; vanwege dit feit, maar ook vanwege LOULOU's benauwende realisme <0xE2><0x80><0x93> ondanks de onmiskenbare artistieke verdienste ervan <0xE2><0x80><0x93> kan ik niet zeggen dat ik nu bijzonder veel haast heb om ze te bekijken...

text_en:
Well-made but basically dreary low-life melodrama which, according to the accompanying interview with lead Isabelle Huppert, writer/director Pialat infused with a good deal of autobiographical detail; given the mainly unsympathetic characters involved, it doesn't do him any compliments - and he does seem to have been a troubled man, as Huppert also says that Pialat often disappeared for days on end during the shoot!

The acting is uniformly excellent, however; despite their relatively young age, Huppert and co-star Gerard Depardieu (as the title character!) were already at the forefront of modern French stars - a status which, with varying degrees of success, they both still hold to this day.

I have 3 more of Pialat's films in my "VHS To Watch" pile, albeit all in French without English Subtitles; due to this fact but also LOULOU'S oppressive realism - in spite of its undeniable artistic merit - I can't say that I'm in any particular hurry to check them out now...


text: Het was heel hartverwarmend. Als expat genoot ik vooral van deze 'tv-film', die volgens mij een bredere distributie verdient. Het acteerwerk was goed, en de band tussen elk lid van deze landelijke Franse familie leek zo sterk en zo natuurlijk. Ongetwijfeld een geweldige film over het begrip familie en integreren in het aangezicht van homoseksualiteit en aids. Een van de sterkste aspecten van de film is deze bevoorrechte relatie tussen de oudste zoon (Leo), die hiv heeft opgelopen, en de jongste zoon (Marcel), voor wie de rest van de familie de situatie probeert te verbergen. De twee personages onderzoeken elkaar in de loop van de tijd, terwijl Leo niet bereid is de rest van zijn leven onder de drugs door te brengen.

text_en:
It was very heart-warming. As an expatriated french, I particularly enjoyed this "TV" movie, which I think deserves a broader distribution. The acting was good, and the bonds between each member of this rural French family seemed so

strong and so natural. No doubt a great movie about the concept of family and inclusion in the face of homosexuality and AIDS. One of the strongest aspect of the movie is this privileged relationship between the eldest son (Leo), who has contracted HIV, and the youngest son (Marcel), to whom the rest of the family try to hide the situation. The two characters

progressively explore each other as time runs out for Leo, who is not willing to spend the rest of his life surviving under drugs...


text: Er wordt verwacht dat tussen 2000 en 2020 68 miljoen mensen vroegtijdig zullen sterven als gevolg van aids. De verwachte tol is het grootst in Afrika ten zuiden van de Sahara, waar nog eens 55 miljoen doden te verwachten zijn. Naast de grimmige statistieken zijn er persoonlijke verhalen waar we zelden over horen. Christophe Honoré beschrijft een van de meest ontroerende in Close to Leo, een film die voor de Franse televisie is geproduceerd als onderdeel van een serie over onderwerpen die betrekking hebben op jonge mensen. Hoewel fictief, gaat het over een situatie die helaas maar al te vaak voorkomt: het effect van een diagnose van hiv op een hechte, liefhebbende familie. Als de eenentwintigjarige Leo (Pierre Mignard) zijn ouders en twee tienerbroers, Tristan (Rodolphe Pauley) en Pierrot (Jeremie Lippmann) vertelt dat hij aids heeft, is het gezin er kapot van. Uit bezorgdheid om zijn jeugd besluiten ze de informatie voor zijn jongste broer, de twaalfjarige Marcel (Yannis Lespert), achter te houden, maar hij hoort het gesprek en begint te mokken en zich vreemd te gedragen. Als Leo naar Parijs gaat om behandeld te worden, neemt hij Marcel mee, maar de jongen confronteert Leo ermee en wil de waarheid weten. Leo vertelt hem dat hij ziek is en Marcel is verdrietig, maar accepteert het. Maar als hij Marcel meeneemt om een paar vroegere homovrienden te ontmoeten, komt de spanning tussen hen aan de oppervlakte en is het moment aangebroken voor een meeslepend slot.<br />Hoewel ik me niet op mijn gemak voelde bij scènes in bed waarin de broers lichamelijk contact hebben, heb ik het gevoel dat de oprechtheid van Close to Leo en de briljante optredens van Lespert en Mignard de doorslag hebben gegeven. Het zien van de gebeurtenissen vanuit het perspectief van de jongen geeft de film een authenticiteit die me doet denken aan de Québec-film Leolo en Truffauts The 400 Blows. In tegenstelling tot sommige Amerikaanse films die draaien om het leed van aids, vertelt Close to Leo een harde waarheid, maar op een tedere en wonderbaarlijk echte manier.

text_en:
It is projected that between 2000 and 2020, 68 million people will die prematurely as a result of AIDS. The projected toll is greatest in sub-Saharan Africa where 55 million additional deaths can be expected. Beyond the grim statistics are personal stories that we rarely hear about. Christophe Honoré describes one of the most moving in Close to Leo, a film produced for French television as part of a series dealing with issues facing young people. Though fictional, it deals with a situation that is unfortunately too common -- the effect of a diagnosis of HIV on a loving close-knit family.

When twenty one-year old Leo (Pierre Mignard) tells his parents and two teenage brothers, Tristan (Rodolphe Pauley) and Pierrot (Jeremie Lippmann) that he has AIDS, the family is devastated. Out of concern for his youth, they decide to withhold the information from his youngest brother, 12-year old Marcel (Yannis Lespert) but he overhears the conversation and begins to sulk and act erratically. When Leo goes to Paris for treatment, he takes Marcel with him but the young boy confronts Leo and demands to know the truth. Leo tells him that he is ill and Marcel is sad but accepting. When he brings Marcel along to meet some former gay friends, however, tension between them boils to the surface, setting the stage for a riveting conclusion.

Although I was uncomfortable with scenes in bed involving physical contact between the brothers, I feel that the sincerity of Close to Leo and the brilliant performances by Lespert and Mignard more than tip the scales in its favor. Seeing events unfold from the young boy's perspective gives the film an authenticity that reminded me of the Quebecois film Leolo and Truffaut's The 400 Blows. Unlike some American films that dance around the anguish of AIDS, Close to Leo tells a harsh truth but does so in a way that is tender and wonderfully real.


text: Ik vond deze film geweldig. Ten eerste omdat het een familiefilm is. Ten tweede omdat hij een verfrissende kijk biedt op de omgang met het nieuws van hiv in een gezin, met veel minder hysterie dan wat ik normaal gesproken in films zie. De broers zijn erg close, maar veroordelen elkaar niet. Hun verlangen om de jongste broer te beschermen is nobel, maar uiteindelijk niet nodig. Ik begrijp dat Leo's keuze over hoe hij zijn behandeling wilde aanpakken misschien niet de populairste was bij de mensen, maar ik geloofde dat het de juiste keuze voor hem was. Ik kan niet geloven dat dit een Frans tv-programma was. Het had geweldige productiewaarden. Ik heb deze film een tien gegeven en ik denk dat jij dat ook zult doen, als je hem eenmaal gezien hebt.

text_en: I loved this movie. First, because it is a family movie. Second, because it offers a refreshing take on dealing with the news of HIV in a family, with far less hysteria than what I have normally seen in the movies. The brothers are very close, yet are not judgmental. Their desire to protect the youngest brother is noble, but not needed in the end. I understand that Leo's choice on how to deal with his treatment may not have been the most popular one with people, but I believed it was the right choice for him. I can't believe that this was a french television programme. It had great production values. I gave this movie a ten, and I think you will too, once you have seen it.


text:
Deze Franse tv-film heeft het tragische effect dat hij heeft op een hechte familie. Als Leo, de jongeman in het middelpunt van het verhaal, te horen krijgt dat hij het aidsvirus heeft, kon hij zijn ouders niet geloven. De film is een karakterstudie over hoe deze familie met het onderwerp omgaat.
De regisseur, Christophe Honore, moet worden gefeliciteerd met het feit dat hij dit openhartige verslag op het scherm heeft gebracht. Nergens anders dan in Frankrijk zou dit verhaal vanwege het onderwerp de filmwereld kunnen bereiken. Het nieuws heeft een verwoestende uitwerking op Marcel, de jongere broer die hoort wat Leo heeft getekend, ondanks het feit dat de ouders hem voor de realiteit willen behoeden.
Yaniss Lespart en Pierre Mignard spelen de broers overtuigend.

text_en:
This film made for French TV deals with the tragic effect it has for a close knit family. When Leo, the young man at the center of the story is diagnosed as having the AIDS virus, announces it to his parents, they just can't believe it. The film is a character study on how this family deals with its subject.

The director, Christophe Honore, has to be congratulated for bringing this frank account to the screen. Nowhere but in France could this story make it to the movies because of the subject matter.

The news has a devastating effect on Marcel, the young brother who hears about what Leo has contracted, in spite of the way the parents want to shelter him from reality.

Yaniss Lespart and Pierre Mignard do a convincing job in portraying the brothers.


text:
Ik vond deze film een fascinerende studie van een gezin in crisis. Als Leo, de oudste, verkondigt dat hij hiv-positief is, waren de reacties van de gezinsleden alleen en met elkaar ontroerend en toch vreemd.
Ik heb nog nooit een gezin gezien dat zo fysiek uiting gaf aan zijn gevoelens als dit; en ook niet een gezin dat zo vaak tegen elkaar schreeuwde. Ik begreep niet waarom het gezin het gevoel had dat de jongste het nieuws niet aankon, maar toen ik het eenmaal achter de rug had, vond ik het een ontroerende film.

text_en:
I found this film to be a fascinating study of a family in crisis. When Leo, the oldest announces that he is HIV+ the reactions of the family members alone and with each other was touching and yet strange.

I have never seen a family that was as physically demonstrative as this one; nor one as likely to shout at each other. I didn't understand why the family felt that youngest couldn't deal with the news but once past that difficult I found this a thoroughly moving film.


text: Ik heb die film ongeveer een week geleden gezien en ik moet er nog steeds aan denken. Ik was erg geroerd door die film. Ik vond de personages heel geloofwaardig en bijna tot op het bot sympathiek. Zoals in het echte leven, maar soms stellen mensen je teleur, zoals ook het geval was met Leo, die ik weliswaar aardig vond, maar die ik niet meer teleurgesteld had kunnen hebben als hij bereid was onbeschermde seks te hebben, ook al was hij zich volledig bewust van zijn hiv-status. Ik was ook teleurgesteld in Leo omdat hij het medicijn dat voor hem beschikbaar was afwees, en de afschuwelijke manier waarop hij Marcel behandelde toen hij besloot hem met de trein naar huis te sturen. Ik denk dat in deze film op een heel realistische manier werd aangetoond waarom hiv-cijfers bij jonge homo's zo hoog zijn. Dit is absoluut niet bedoeld om homo's te treffen (ik ben homo) en de film had heel goed kunnen gaan over een jonge, heteroseksuele man die verkeerde keuzes maakt en zich niet bewust lijkt te zijn van de gevolgen voor hemzelf en anderen. Het enige wat ik niet kon begrijpen was waarom de (hetero-vriendelijke) familie Marcel niet bij Leo's ziekte wilde betrekken en hem zelfs niet naar de begrafenis wilde laten gaan.<br />Ik denk dat de belangrijkste boodschap van deze film is dat of je nu homo of hetero bent, je geen ongewenste seks moet hebben!

text_en:
I saw this movie about a week ago and still keep thinking about it. I was very moved by this movie. I found the characters very believable and likable almost to a fault. As in real life though sometimes people disappoint, as was the case with Leo, who even though I liked his character I could not have been more disappointed when he was willing to have unprotected sex even though fully aware of his HIV status. I was also disappointed with Leo for rejecting the medicine available to him, and the awful way he treated Marcel when he decided to ship him back home on the train. I think this movie showed in a very real way why HIV numbers are up in young gay men. This is in no way meant to bash gays (I am gay) and movie very well could have been made about a young straight person who makes bad choices and seems unaware of the consequences to himself and others. The only part of the movie I couldn't understand was why the (gay friendly) family was unwilling to include Marcel in Leo's illness to the point of not allowing him to go to the funeral.

I think the biggest message from this movie is that whether gay or straight is DO NOT HAVE UNPROTECTED SEX!


text:
Deze film maakte een tijdje deel uit van mijn verzameling, maar pas nadat een vriend van me me eraan had herinnerd... tot ik besloot dat ik hem moest gaan zien. Ik wist niet veel van Dichter bij Leo... alleen dat het een uitstekende film zou moeten zijn die uit de tijd van de volwassenen stamt, en hij gaat over een heel ernstig onderwerp: aids.
Hoewel de persoon die aids heeft, Leo is, draait het scenario om de manier waarop Marcel (de jongste broer van Leo) omgaat met de ziekte van zijn familielid. In het begin probeert iedereen de waarheid voor Marcel verborgen te houden, omdat men denkt dat hij te jong is om de ziekte van zijn broer te begrijpen en het feit dat Leo ook homoseksueel is, draagt ertoe bij dat de ouders niet bereid zijn de zaak met de jonge Marcel te bespreken. Ik weet uit ervaring dat de meeste oudere mensen vaak niet willen accepteren dat iemand, zelfs als hij jong is, soms niet automatisch in staat is de werkelijkheid te accepteren en op een adequatere manier te handelen dan zijzelf. Afgezien van het feit dat de familie heeft geprobeerd de waarheid voor Marcel verborgen te houden, hebben ze een behoorlijke indruk op me gemaakt door de manier waarop ze hun zoon steunden, zelfs nadat ze de waarheid over zijn seksualiteit en zijn ziekte hadden ontdekt. Het feit dat ze de jonge Marcel met Leo mee naar Parijs lieten reizen om zijn ex-vriendje te ontmoeten, was een heel gebaar van hen tegenover de meeste families die ik ken, die dat niet graag zullen doen. Er zit een hoop warmte in de scènes waarin de broers wat tijd met elkaar doorbrengen, terwijl je kunt zien dat ze echte vrienden zijn, bezorgd om elkaar.
De band met Leo is een uitstekend drama, dat ik sterk aanbeveel.

text_en:
This movie was for a while in my collection, but it wasn't before a friend of mine reminded me about it  until I decided that I should watch it. I did not know much about Close to Leo  just that it was supposed to be excellent coming out of age movie and it deals with a very serious topic  Aids.

Although the person who has aids  is Leo  the scenario wraps around the way in which Marcel (the youngest brother of Leo) coupes with the sickness of his relative. At first everyone is trying to hide the truth from Marcel  he is believed to be too young to understand the sickness of his brother  the fact that Leo is also a homosexual contributes to the unwillingness of the parents to discus the matter with the young Marcel. I know from experience that on many occasions most older people do not want to accept the fact that sometimes even when someone is young this does not automatically means that he will not be able to accept the reality and act in more adequate manner then even themselves . With exception of the fact that the family tried to conceal the truth from Marcel, they have left quite an impression for me  the way they supported their son  even after discovering the truth about his sexuality and his sickness. The fact that they allowed the young Marcel to travel along with Leo to Paris to meet his ex boyfriend was quite a gesture from them most families I know will be reluctant to do that. There is a lot of warmth in the scenes in which the brothers spend some time together  you can see them being real friends , concern about each other.

Close to Leo is an excellent drama, which I strongly recommend


text:
Elke grote gangsterfilm heeft onderstromen van menselijk drama. Verwacht van 'Scarface' geen emotioneel verhaal van schuld, vergelding en wanhoop. Dit is een verhaal van meedogenloze hebzucht, corruptie en macht. De duistere kant van de legendarische 'Amerikaanse Droom'.
Iedereen die zich beklaagt over de'saaiheid' van deze film begrijpt niet waar het om gaat. De oppervlakkige personages, de smakeloze muziek en de gedateerde modes geven nog meer voeding aan de kritiek op dit duivelse leven. Niets in het leven van deze personages doet er echt toe, in elk geval niet op menselijk niveau. In feite is de film bijna een grensgeval van satire, ironisch als je kijkt naar alle gangsta rappers die echt zijn geïnspireerd door de levensstijl van Tony Montana.
Dit is Brian DePalma niet. Het is een van de beste regisseursfilms die ooit zijn gemaakt, zo nu en dan uitstekend en goed gedoseerd (vooral de gedenkwaardige finale), maar hij zakt vaak weg in slordigheid en misleiding. Gelukkig wordt hij gesteund door een heel sterk scenario van Oliver Stone (waarschijnlijk een goede therapie voor hem, gezien de cokeverslaving waar hij destijds aan leed). De thema's zijn consistent, en de focus ligt voornamelijk op het leven van Tony Montana en de ontwikkeling van zijn karakter terwijl hij wordt verteerd door hebzucht en macht. De dialoog is ook uitstekend en glijdt gemakkelijk heen en weer tussen humor en drama. Er zijn veel uitweidingen, die zich sindsdien in de een of andere vorm in de populaire cultuur hebben gewurmd.
De cast maakt het ook tot wat het is, maar dit is in feite Pacino's film. Een van zijn eerdere, minder subtiele optredens (iets wat tegenwoordig veel vaker van hem te zien is) is in een totaal andere wereld dan die van Michael Corleone en Frank Serpico. Toch is hij hier nog even goed te zien als altijd, in een zeer onderhoudende (en opzettelijk overdreven) vorm. Het is moeilijk je een andere Tony Montana voor te stellen na het zien van deze film, die misschien wel een van de meest nagebootste optredens aller tijden is. Pfeiffer was bij de eerste aanblik saai en ongemakkelijk, maar ik ben gaan beseffen hoe ze de rol van het verveelde vrouwtje speelt. Geen uitzonderlijke prestatie, maar ten onrechte verkeerd beoordeeld. De bijrollen zijn ook heel goed, vooral Paul Shenar als de minzame Alejandro Sosa.
'Scarface' is een van de films uit de jaren tachtig (wat dat ook voor jou mag betekenen). Een essentiële en toegankelijke gangsterfilm, en een mijlpaal in de popcultuur.

text_en:
Every great gangster movie has under-currents of human drama. Don't expect an emotional story of guilt, retribution and despair from "Scarface". This is a tale of ferocious greed, corruption, and power. The darker side of the fabled "American Dream".

Anybody complaining about the "cheesiness" of this film is missing the point. The superficial characters, cheesy music, and dated fashions further fuel the criticism of this life of diabolical excess. Nothing in the lives of these characters really matter, not on any human level at least. In fact the film practically borderlines satire, ironic considering all the gangsta rappers that were positively inspired by the lifestyle of Tony Montana.

This isn't Brian DePalma's strongest directorial effort, it is occasionally excellent and well-handled (particularly the memorable finale), but frequently sinks to sloppy and misled. Thankfully, it is supported by a very strong script by Oliver Stone (probably good therapy for him, considering the coke habit he was tackling at the time). The themes are consistent, with the focus primarily on the life of Tony Montana, and the evolution of his character as he is consumed by greed and power. The dialogue is also excellent, see-sawing comfortably between humour and drama. There are many stand-out lines, which have since wormed their way into popular culture in one form or another.

The cast help make it what it is as well, but this is really Pacino's film. One of his earlier less subtle performances (something much more common from him nowadays), this is a world entirely separate from Michael Corleone and Frank Serpico. Yet he is as watchable here as ever, in very entertaining (and intentionally over-the-top) form. It is hard to imagine another Tony Montana after seeing this film, in possibly one of the most mimicked performances ever. Pfeiffer stood out as dull and uncomfortable on first viewing, but I've come to realize how she plays out the part of the bored little wife. Not an exceptional effort, but unfairly misjudged. The supporting players are very good too, particularly Paul Shenar as the suave Alejandro Sosa.

Powerful, occasionally humorous, sometimes shocking, and continually controversial. "Scarface" is one of the films of the eighties (whatever that might mean to you). An essential and accessible gangster flick, and a pop-culture landmark. 9/10


text:
'Scarface' heeft zelfs nu nog, 22 jaar na de release, een grote aanhang.
Het is ook alom bekritiseerd als zeer smakeloos, onbeschaafd, over-the-top en opgeblazen! Dit zijn mensen die Scarface vergelijken met The Godfather-films. Het is waar dat Scarface op technisch gebied (cinematografie, scenario, regie, enz.) ver achterblijft bij 'The Godfather'.
Maar het is ook waar dat wat Scarface en sommige andere gangsterfilms missen, de rauwheid is, de pure, ruwe benadering van de gangsters. De latino-gangsters in deze film zien er veel dreigender en echter uit dan de gepolijste Italiaanse of Ierse gangsters uit andere gangsterklassiekers als 'The Godfather' of 'Goodfellas'. Dit is een van de belangrijkste pluspunten van Scarface, en ik ben ervan overtuigd dat de meeste critici dit feit hebben afgedaan als'slordigheid'! Ik heb de originele Scarface uit 1932 gezien, en ik moet zeggen dat deze twee films veel te veel van elkaar verschillen en als twee verschillende films beschouwd moeten worden, in plaats van het origineel te prijzen vanwege de'remake'!
Al Pacino is bekritiseerd omdat hij in deze film over de top en luidruchtig is. Maar stel je eens voor dat de filmmakers juist wilden dat Tony Montana zich zo zou gedragen! Hij is deze boze jongeman die overhaaste beslissingen neemt en om de minuut een woedeaanval krijgt! Hij is niet de kalme Michael Corleone uit deze film. Hij is Tony Montana, een heel ordinaire, onontwikkelde man die niet echt nadenkt en voortdurend kwaad is!
Deze film heeft beslist een heel jaren-tachtiggevoel. De soundtrack is helemaal jaren-tachtig! Ik ben dol op sommige liedjes, zoals 'Gina and Elvira', 'Drush it to the limit' en het titelnummer.
Er zijn een paar gedenkwaardige en prachtig geacteerde scènes, waaronder de beroemde kettingzaagscène, de Rebenga-hit, de eerste ontmoeting met Sosa en Tony's bezoek aan zijn moeder.
Over de uitvoeringen: Al Pacino is briljant als de boze Cubaanse vluchteling. Hij heeft naar verluidt gezegd dat hij in zijn hele carrière nog nooit zo van Tony Montana heeft genoten. En het lijkt er echt op dat hij zich in al zijn rollen kostelijk heeft geamuseerd! Je vraagt je af hoe 'Scarface' zonder Pacino zou zijn geweest. Ik kon me gewoon niet voorstellen dat iemand anders de rol van Tony Montana zou spelen, en waarschijnlijk zou de film zonder hem niet zo effectief zijn geweest!
Steven Bauer als Tony's vriend Manny.
Robert Loggia als Tony's baas Lopez is fantastisch. Evenals F. Murray Abraham (als Omar) in een kleine rol.
Dan is er nog wat oogverblindends in de vorm van Elvira, gespeeld door Michelle Pfeiffer. Ze ziet er mooi uit en is goed in haar rol.
De regisseur gaat een beetje te ver tijdens een bepaalde rol in de climax. Zonder iets te onthullen wil ik alleen maar zeggen dat dat het enige kleine onderdeel is dat te lijden heeft onder onzorgvuldig gebruik.
'Scarface' is beslist een van de meest onderhoudende en een van de beste gangsterfilms die ooit zijn uitgebracht. Geniet ervan voor wat het is: een rauwe weergave van de Drug Lords en hun bendes!

text_en:
"Scarface" has a major cult following even now, 22 years after its release.

It has also been widely criticized as being very tacky, unrefined, over-the-top and all bloated up! These are people who compare Scarface to The Godfather movies. It is true that on the technical front, (cinematography, screenplay, direction, etc.) Scarface is way behind 'The Godfather'.

But it is also true, that what Scarface has and some other gangster movies lack, is the rawness, the sheer crude approach of the gangsters. The Latino gangsters in this movie look much more menacing and real than any of the polished Italian or Irish gangsters from other gangster classics like 'The Godfather' or 'Goodfellas'. This is one of the major winning points of Scarface and I strongly believe that this fact has been written off as "tackiness" by most critics! I have seen the original 1932 Scarface, and I must say that both these movies are way too different from each other and should be seen as two different movies instead of praising the original over the "remake"!

Al Pacino has been criticized to be over-the-top and loud in this movie. But how about considering that that is precisely the way the film-makers wanted Tony Montana's character to be! He is this angry young man who takes hasty decisions and throws fits of tantrum every other minute! He is not the calm Michael Corleone here. He is Tony Montana, a very tacky, uneducated individual who doesn't really think much and gets angry all the time!

There is definitely a very 80s feel to this movie. The soundtrack is all 80s! I love some of the songs, including 'Gina and Elvira's theme', 'Push it to the limit' and the title track instrumental.

There are some memorable and beautifully shot sequences, including the famous chainsaw scene, the Rebenga hit, the first meeting with Sosa and Tony's visit to his mother's.

About the performances: Al Pacino is brilliant as the angry Cuban refugee. He has reportedly mentioned that he enjoyed playing Tony Montana the most in his entire career. And it really does seem like he has enjoyed himself thoroughly in all his scenes! One wonders what "Scarface" would be like without Pacino. I just couldn't imagine anyone else portraying Tony Montana and in all probabilities, the film wouldn't be as effective without him!

Steven Bauer shines as Tony's friend Manny.

Robert Loggia is wonderful as Tony's boss, Lopez. So is F. Murray Abraham (as Omar) in a small role.

Then there is some eye-candy in the form of Elvira played by Michelle Pfeiffer. She looks beautiful and is adequate in her role.

The director does go a bit overboard during a particular part in the climax. Without revealing anything, I would only say that that was the only little part that suffers due to improper handling.

"Scarface" is definitely one of the most entertaining and one of the best gangster movies to ever come out. Enjoy it for what it is: a raw portrayal of the Drug Lords and their gangland!


text:
Dit is een van mijn allergrootste favorieten.
Als de film een tekortkoming heeft, dan is het wel dat hij op je afkomt als een razende stier. Hij valt de kijker niet zozeer aan als wel aan. 'Scarface' is net zo'n vraatzuchtige en onverzettelijke productie als Tony Montana zelf. Er wordt niets aan de verbeelding van de kijker overgelaten.
De zwoele synthpop van Moroder past precies bij de actie. Als het koor in een Griekse tragedie jammert en knarst het, broeit en rukt het, een voortdurende herinnering aan Tony's onverbiddelijke lot.
Niet zozeer een verhaal van voorzichtigheid als wel een ramp in aantocht, scheurt 'Scarface' over het scherm met de onstuitbare kracht van een op hol geslagen trein.

text_en:
This is one of my all time favorites.

If the movie has a flaw, it's that it comes at you like a raging bull. It doesn't so much engage the viewer as assault him. ''Scarface'' is as voracious and unyielding a production as Tony Montana himself. Nothing is left to the viewer's imagination.

Moroder's languorous synthpop fits the action to a tee. Like the chorus in a Greek tragedy, it wails and gnashes, broods and tugs, a constant reminder of Tony's inexorable fate.

Not so much a tale of caution as a disaster in progress, ''Scarface'' rips across the screen with the unstoppable force of a runaway train.


text:
'Een klassieker is iets wat iedereen graag wil lezen, maar niemand wil het lezen. Een klassieker is ook iets wat iedereen bewondert, maar wat niemand heeft gelezen.'
'Klassiek' lijkt het woord te zijn dat wordt gebruikt om 'Scarface' te beschrijven, Brian DePalma's film uit 1983 over overdaad, zelfovergave, hebzucht en het gevaar van de drugshandel in Florida. Mensen en critici (en rappers trouwens ook) vinden deze film 'een epische gangsterklassieker' of 'het summum van gangsterfilms'. Maar dat is het helemaal niet. Hij wordt om de verkeerde redenen geprezen. Scarface is een geweldige film die alle lof verdient, maar niet alle lof die hij vandaag de dag van het publiek krijgt, en daarom worden de details die hij zo schrijnend verwoordt door het grote publiek over het hoofd gezien.
Ten eerste gaat de film over een Cubaanse vluchteling met een verleden waarin hij aan het communisme wilde ontsnappen en het geluk wilde vinden. Simpel? Ja. Maar de lagen van De Palma's geniale regie en het geweldige verhaal van Oliver Stone (ja, ik weet het, hij heeft hier echt een heel goed verhaal geschreven) spelen allemaal mee. De personages zijn allemaal op zoek naar een ontsnapping, want een ontsnapping is een natuurlijk element waar iedereen in de film mee te maken heeft. Elk personage heeft iets te bieden, waardoor ze sympathiek worden gevonden door iedereen die deze film zou kunnen waarderen. Ze zijn met elkaar vervlochten in een wereld van mystiek en geld, maar dat heeft allemaal een prijs, zoals ze allemaal leren. Elk personage denkt dat hij betere kansen krijgt in het leven, terwijl ze in ware dramatische ironie in werkelijkheid steeds slechter worden. 'Tragedie' zou een beter woord zijn om deze film te beschrijven. Alle mensen die de film prijzen om zijn drugsgebruik, geweld, dialogen, zien totaal niet waar het om gaat. Er is niets echt positiefs aan de film, behalve dat de personages positieve verwachtingen van zichzelf hebben. En daarom werkt de film zo goed. De verwoesting die door de film heen gaat, dient om de boodschap over te brengen, niet om cool over te komen of kijkers aan te trekken. Brian De Palma maakt geen films voor gangsters van een cultstatus of hersenloze actiefans.
Vervolgens is de film een volwassen drama. Het is geen 'gangsterfilm'. Het heeft zijn eigen deel aan actie, maar de actie is heel zorgvuldig geënsceneerd, dus heeft het een bedoeling. Het is niet zoals 'Aliens' <0xE2><0x80><0x93> een voorbeeld van een grote, domme actiefilm, en de meeste toeschouwers zien deze film als een grote, domme actiefilm voor gangsters die drugs gebruiken en mensen neerschieten. Belachelijk. Onzin. Als deze film daarover gaat, dan gaat hij over hoe slecht hij is. Niet over zijn promotie. De film is inderdaad een geweldige film. Hij heeft een geweldige cinematografie die je het verhaal in trekt. Hij heeft een heel dramatische opbouw (in de stijl van Giorgio Moroder), die je gewoon de rillingen kan bezorgen of tot tranen toe kan roeren. De film is nogal lang, maar het is een verhaal, en elk moment telt. De acteurs zijn geweldig. Al Pacino <0xE2><0x80><0x93> genoeg daarover. Hij kan elke rol spelen die hij wil, en dit was geen uitzondering. De knappe Steven Bauer als Manny. Ik had geen hoge dunk van hem in andere films die hij heeft gemaakt, maar als hij onder leiding staat van maestro De Palma, vind je hem echt aardig. Michelle Pfeiffer is een juweeltje als Elvira. Als ze in 'Grease 2' de hielen van een soort g<0xC3><0xAA>ne nog maar net had gelicht, kreeg ze een kaartje voor een optreden van een schoonheid die meer is dan het oog kan bevatten. Maar de drie echte diamanten in deze ruwe film zijn Mary Elizabeth Mastrontonio als Tony's zus Gina, die we zien als ze glimlacht, of huilt, met haar ziel en haar frisse manier van leven, en die zien verslechteren; Paul Shenar als Alejandro Sosa, een drugsbaron, die dieper gaat dan een rivier, en Shenar beschrijft hem als zodanig; en Miriam Colom als de verscheurde moeder van Tony en Gina. Deze drie graven de film zo diep als maar kan.
Deze recensent leerde één belangrijk ding toen hij naar 'Scarface' De Palma kennende (net als ik) kan ik je maar een glimp laten opvangen van wat er in deze film zit. Dus negeer de rapsmoesjes, negeer de hersenloze geweldadvocaten en schenk jezelf een glas Bailey's on the rocks in en geef je over aan een emotionele kijk op een geweldige film, de echte 'Scarface'.

text_en:
"A Classic is something that everybody wants to have read but nobody wants to read. A classic is also something that everyone praises but no one has read." -Mark Twain

'Classic' seems to be the word used to describe "Scarface", Brian DePalma's 1983 film about opulence, self surrender, greed, and danger among Florida's drug ring. People and critics (and rappers for that matter) deem this film 'an epic gangster classic' or 'eptiome of gangster films.' When it is anything but. It is praised for all the wrong reasons. Scarface is a terrific film that deserves praise from all over, but not all the praise it gets from audiences today, and therefor the fine points it so poignantly makes are missed by the general public.

First off, the film is about a Cuban refugee, with a past of wanting to escape communism grasp and find happiness. Simple? Yes. But the layers of De Palma's directing genius, and the great story written by Oliver Stone (yes I know, he actually wrote a real good one here) play into all of it. The characters are all looking for an escape, as escape is a natural element dealt with in the film by all. Each character has something to offer, that makes them likable by everyone who could appreciate this film. They are entwined in a world of mystique and money, but all that has a price, as they all learn. Each character thinks they are getting better chances in life, when in true dramatic irony, they are actually getting worse. 'Tragedy' would be a better word to describe this movie. All those who praise the film for it's drug usage, it's violence, it's dialog, totally missed the point. There is nothing really positive about the film besides the characters positive expectations of themselves. And that is why the film works so well. The devastation through out the film serves to deliver the message of the film, not to look cool or attract viewers. Brian De Palma doesn't make movies for cult gangsters, or brainless action fans.

Next on, the film is an adult drama. It is not a 'gangster film'. It has it's share of action, but the action is plotted very carefully, so it has a point. It's not like "Aliens"- an example of a big dumb action film, and most audiences perceive this film as a big dumb action gangster film about doing drugs and shooting people. Ridiculous. Hogwash. If this film is about that, then it is about how bad it is. Not a promotion of it.

This being said, the film is indeed a great film. It has great cinematography that pulls you into the story. It has a very dramatic score (in true Giorgio Moroder style), which simply could give you chills, or bring you to tears. The film is rather lengthy, but it is a story, and each moment counts. The acting is terrific. Al Pacino - enough said. He can do any role that he puts his mind to, and this was no exception. Pretty boy Steven Bauer, as Manny. I didn't think much of him in other films he did, but he actually makes you like him when he goes under maestro De Palma's direction. Michelle Pfeiffer is a true gem as Elvira. Popping' fresh off the heels of a sort of embarrassment in "Grease 2" she got her ticket to ride performing a no holds barred performance of a beauty that is more than meets the eye. But the three true diamonds in this rough are Mary Elizabeth Mastrontonio as Tony's sister Gina, who when she smiles, or cries, we see her soul and her fresh way of living, and watch it deteriorate; Paul Shenar as Alejandro Sosa, a drug lord, who runs deeper than a river, and Shenar portrays him as so; and Miriam Colom as Tony and Gina's torn mother. These three dig the film as deep as it can go.

This reviewer learned one main thing when watching "Scarface" for the first time. Always go into a film unsuspecting. All the hype and talk of this film cannot possibly prepare you for what you really see. Only knowing De Palma (like I do) can give you even a glimpse of what this film holds. So ignore the rap crap, ignore the mindless violence supporters, and fix yourself a glass of Bailey's on the rocks, and indulge yourself in an emotional viewing of a great film, the real "Scarface."


text: Onder regie van Brian De Palma en geschreven door Oliver Stone, is 'Scarface' een film die niet snel vergeten zal worden. Een Cubaanse vluchteling genaamd Tony Montana (Pacino) komt naar Amerika voor de Amerikaanse Droom. Montana wordt vervolgens de 'koning' van de drugswereld omdat hij meedogenloos de scepter zwaait over zijn misdaadimperium in Miami, Florida. Deze gangsterfilm is erg gewelddadig en sommige scènes zijn onplezierig om te zien. Deze film heeft ongeveer honderdtachtig werkwoorden en is bijna drie uur lang. Deze film is onderhoudend en je zult je nooit vervelen. Je juicht de drugsbaron toe en in sommige scènes kom je erachter dat Montana niet zo slecht is als sommige andere criminelen. Dit is een meesterwerk en ik raad je aan om dit te zien. Je zult niet teleurgesteld worden.

text_en: Directed by Brian De Palma and written by Oliver Stone, "Scarface" is a movie that will not be forgotten. A Cuban refugee named Tony Montana (Pacino) comes to America for the American Dream. Montana then becomes the "king" in the drug world as he ruthlessly runs his empire of crime in Miami, Florida. This gangster movie is very violent, and some scenes are unpleasant to watch. This movie has around 180+ F-words and is almost three hours long. This movie is entertaining and you will never get bored. You cheer for the Drug-lord, and in some scenes you find out that Montana isn't as evil as some other Crime Lords. This is a masterpiece and i recommend that you see this. You will not be disappointed. 9/10


text:
Je weet dat als je tegenwoordig naar die Brian DePalma-film kijkt, er vast en zeker heel wat kritiek is geweest op hoe gedateerd hij is. En ook op het geweld. Toen ik op mijn twintigste naar die film op VHS keek, vond ik hem ook gewelddadig en grof. Maar 'het' heb ik niet begrepen.
Er gaan enkele tientallen jaren voorbij en man, hoe weet ik hoeveel ik er niet in heb gezien! Dit is een remake van een uitstekende film uit de jaren dertig/veertig. Hoe kun je een klassieker verbeteren? Dat kun je niet. Maar je vertelt een verhaal dat tot op de dag van vandaag wordt verteld door de ogen van de 'nieuwe immigranten'. DePalma, Stone en de bende presenteren een ambitieuze, verontrustende en verrekte goeie film.
Ja... Disco was stervende en New Wave/Punk nam het over, maar deze immigranten uit Cuba, die een nieuw thuis in Florida moesten vinden, konden het verschil niet zien. Het was opwindend, het was wat ze wilden, maar hoe moesten ze het krijgen? Voor deze immigranten was er maar één manier om het in Florida te krijgen, waar ze nu waren... door veel geld te hebben en het geld te krijgen, moest je een drugsimperium overnemen.
Al Pacino was voor mij fantastisch als Tony Montana, het 'kleine treintje dat dat kon'. Wat een verbazingwekkende manier om je hoofdpersonage naar Amerika te laten kijken: vechten, doden, stelen, liegen, bedriegen om 'het geld, de vrouwen en de macht' te krijgen.
Dat was wat Tony als de Amerikaanse droom zag.
Hij wilde het, hij wilde het beleven en in zijn kringen zag men niets verkeerds in de manier waarop hij het kreeg. Tony Montana's beheersing van de Engelse taal was zwaar verzadigd van het woord 'f', maar wat had je anders verwacht, Emily Posts opleidingsschool voor hem en zijn medebroeders? Kijk eens hoe ze naar Amerika kwamen, wat ze wisten, waar ze aan blootgesteld werden. Dit is de manier waarop Tony en zijn ploeg verkozen om 'alles te zijn wat ze in Amerika konden zijn'. Het draaide allemaal om macht. Tony Montana zou er alles voor doen om die macht te krijgen... het is allemaal één grote, gewelddadige, leugenachtige, stelende, corrupte, stelende glorie.
Het deel van de film dat voor mij de jaren tachtig tot leven brengt, is het witwassen van geld. Tony's ploeg die zakken met drugsgeld naar de bank brengt. Kon het de mensen om Tony en zijn ploeg iets schelen? In de clubs waar hij kwam en dronk? Nee. Geld was geld en met geld krijg je macht. Tony leefde van de poen. Hij en zijn knappe, blonde Amerikaanse trofee met wie hij getrouwd was, werden goed gespeeld door Michelle Pfieffer.
Nadat Tony Montana aan de macht is gekomen, komt hij erachter dat het daar echt klote is. Hij zit vol twijfels, hij is verslaafd aan drugs, hij is paranoïde, hij...' Omringd door degenen die hem in een bloederige overnamepoging willen overmeesteren, komt hij erachter dat de Amerikaanse blonde drugsverslaafde vrouw die hij in de jaren tachtig als trofee heeft gekregen een saaie trut is, dat hij boven op zijn imperium moet blijven zitten omdat... hij ten onder gaat. En hij gaat ten onder op een afgrijselijk gewelddadige manier, maar weer vraag ik: wat verwacht je dan?
Dit is de typische film uit 1980 waarin je een verwrongen verhaal te horen krijgt over hoe iemand de Amerikaanse Droom verkeerd heeft begrepen... tot obsessie is gedreven. Het is gewelddadig, bloederig, overdreven... maar het brengt de boodschap op een verontrustende manier over. Niet alle Cubanen die in de jaren tachtig uit Cuba werden gegooid en in Florida terechtkwamen, leken op Tony Montana. Doe me een lol. De nadruk die in de Verenigde Staten op hebzucht en geld werd gelegd, was de enige manier om 'iemand' te zijn en macht te hebben, en die had zijn uitwerking op deze arme mensen en hun leven in Amerika.
Je vraagt je af <0xE2><0x80><0x93> is er vandaag nog iets van toen geleerd?

text_en:
Ya know when one looks at this Brian DePalma film today, I'm sure there has been allot of criticism about how dated it is. Also, about the violence. When I looked at this film on VHS when I was 20, I thought it was ulta-violent and gritty as well. But I didn't get 'it'.

A few decades go by and man, how I know how much I didn't get in this film!! This is a remake of an excellent film which was done back in the 30's/40's. How can you improve upon a classic? Ya don't. But you tell a tale that is brought up to date through the eyes of the "new immigrants" during the most greed ridden decade, the over indulgent 80's. DePalma, Stone and the gang present an ambitious, disturbing and darn right good film.

Yes....Disco was dying and New Wave/Punk were taking over but these immigrants from Cuba who had to make a new home in Florida couldn't tell the difference. It was exciting, it was what they wanted but how to get it???? To these immigrants, there was only one way to get it in Florida where they were..by having lots of money and to get the money, you had to take over running a drug empire.

Al Pacino was fantastic to me as Tony Montana, the "little train that could". What an amazing way to have your lead character look at America: to fight, kill, steal. lie, cheat all to get -- "the money, the women and the power."

That's what Tony saw as the American dream.

He wanted it, he wanted to live it and in his circle saw nothing wrong with how he went to get it. Tony Montana's command of the English language was heavily saturated with the "f" word but what did you expect, Emily Post's finishing school for him and his co-horts? Look at how they CAME to America, what they knew, what they were exposed to. This is the way Tony and his crew chose to "be all they can be in America." It was all about the power. Tony Montana would and did ANYTHING to achieve it..it all its violent, lying, stealing, crooked, thieving glory.

The part of the film that personified the 1980's to me, is the money laundering. Tony's crew bringing sacks of drug money to the bank. Did those around Tony and his crew care? At the clubs where he spent and drank? Nope. Money was money and with money, you get the power. Tony was living high off the hog. He and his pretty blond American trophy he married played well by Michelle Pfieffer.

After Tony Montana's rise to power, he finds out its really crappy up there. He's riddled with doubt, he's drug addicted, he's paranoid, he's surrounded by those who want to take him on in a bloody take-over, his trophy 80's American blonde drug addicted wife he finds out is a bore, he needs to keep atop of his empire because...he's going down. And down he goes in a horrific violent fashion, but again I ask, what do you expect?

This is the quintessential 1980's film telling you a warped tale of how some misunderstand the American Dream...to obsession. It's violent, bloody, overly so..but it drives the point disturbingly home. Not all Cubans thrown out of Cuba who landed in Florida in the 80's were anything like Tony Montana. Give me a break. But the showing of how miserable the 1980's were with its emphasis on greed and money as the only measures in the USA to "be somebody" and have power took its tool on these poor characters and their lives in America.

Makes you wonder -- has anything from then -- been learned today?