Musica vocale nel Rinascimento è noto per una musica vocale sempre più elaborata cosa?
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La musica vocale nel Rinascimento è nota per il fiorire di uno stile polifonico sempre più elaborato. Le principali forme liturgiche che durarono per tutto il Rinascimento furono masse e mottetti, con altri sviluppi verso la fine, soprattutto perché i compositori di musica sacra cominciarono ad adottare forme secolari (come il madrigale) per i propri disegni. Verso la fine del periodo si vedono i primi precursori drammatici dell' opera lirica come la monodia, la commedia madrigale e il intermedio.
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Gli Swingle Singers hanno usato parole senza senso per suonare come strumenti, ma è noto che producono versioni non verbali di strumenti musicali. Come gli altri gruppi, su YouTube si possono trovare esempi della loro musica. Il Beatboxing, più precisamente noto come percussioni vocali, è una tecnica utilizzata in una musica a cappella divulgata dalla comunità hip-hop, dove il rap viene spesso eseguito anche a cappella. L' avvento delle percussioni vocali ha aggiunto nuove dimensioni al genere a cappella ed è diventato molto diffuso negli arrangiamenti moderni. Petra Haden ha usato un registratore a quattro tracce per produrre una versione a cappella di The Who Sell Out inclusi gli strumenti e le pubblicità finte sul suo album Petra Haden Sings: The Who Sell Out nel 2005. Haden ha anche pubblicato le versioni a cappella di Journey's "Don' t Stop Believin'","God Only Knows" dei Beach Boys e "Thriller"di Michael Jackson. Nel 2009, Toyota ha commissionato a Haden l' esecuzione di tre canzoni per spot televisivi per la terza generazione Toyota Prius, tra cui una versione a cappella della canzone degli anni' 70 di The Bellamy Brothers "Let Your Love Flow".
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La traduzione di un testo che viene cantato in musica vocale allo scopo di cantare in un' altra lingua - a volte chiamata "traduzione canora"- è strettamente legata alla traduzione della poesia, perché la maggior parte della musica vocale, almeno nella tradizione occidentale, è messa in versi, specialmente versi in schemi regolari con rima. (Dalla fine del XIX secolo, l' ambientazione musicale di prosa e versi liberi è stata praticata anche in alcune musiche d' arte, anche se la musica popolare tende a rimanere conservatrice nella sua ritenzione di forme stanzaiche con o senza evoluzioni).
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Durante il primo periodo medievale, la musica vocale del genere liturgico, prevalentemente gregoriana, era monofonica, utilizzando un' unica linea di melodia vocale non accompagnata. I generi vocali polifonici, che utilizzavano molteplici melodie vocali indipendenti, cominciarono a svilupparsi durante l' alta epoca medievale, diventando prevalenti alla fine del XIII e all' inizio del XIV secolo.
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Durante l'epoca barocca, la musica per tastiera, suonata sul clavicembalo e sull'organo divenne sempre più popolare, e la famiglia dei violini e degli strumenti a corda assunse la forma generalmente presente al giorno d'oggi. L'opera, come dramma musicale messo in scena, iniziò a differenziarsi da precedenti forme musicali e drammatiche, e le forme vocali, come la cantata e l'oratorio divennero più comuni. I cantanti iniziarono ad aggiungere abbellimenti alle linee melodiche. Gli ensemble strumentali cominciarono a distinguersi e a standardizzarsi per dimensione, dando origine alle prime orchestre, con musica da camera scritta per piccoli gruppi di strumenti in cui le parti erano interpretati da singoli strumenti (anziché masse orchestrali). Si diffuse il concerto come veicolo per le esecuzioni di solista accompagnato da un'orchestra, anche se il rapporto tra solista e orchestra era relativamente semplice.
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Originariamente la musica cappella era usata nella musica religiosa, in particolare la musica della chiesa, nonché anasheed e zemirot. Il canto gregoriano è un esempio di canto a cappella, così come la maggior parte della musica vocale secolare rinascimentale. Il madrigale, fino al suo sviluppo nel primo barocco in forma strumentalmente accompagnata, è di solito anche a cappella. La musica ebraica e cristiana era in origine una cappella, e questa pratica è continuata sia in queste due religioni che nell' Islam.
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L' a cappella contemporanea comprende molti gruppi vocali e band che aggiungono percussioni vocali o beatboxing per creare un suono pop/rock/gospel, in alcuni casi molto simile a gruppi con strumenti. Esempi di tali gruppi professionali sono: Straight No Chaser, Pentatonix, The House Jacks, Rockapella, Mosaico e M-pact. Rimane anche una forte presenza di a cappella all' interno della musica cristiana, in quanto alcune denominazioni non usano gli strumenti durante il culto. Esempi di tali gruppi sono Take 6, Glad e Acappella. Gli arrangiamenti di musica popolare per piccoli ensemble a cappella includono tipicamente una voce che canta la melodia principale, una che canta una linea di basso ritmica, e le voci rimanenti che contribuiscono all' accompagnamento corale o polifonico.
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La gamma vocale di Beyoncé copre quattro ottave. Jody Rosen mette in evidenza il suo tono e timbro come particolarmente distintivo, descrivendo la sua voce come "uno degli strumenti più avvincenti della musica popolare". Mentre un' altra critica dice che è una "acrobata vocale, essendo in grado di cantare melismi lunghi e complessi e vocali corre senza sforzo, e in chiave. Le sue abilità vocali significano che è identificata come il fulcro del Bambino di Destiny's Child. Il Daily Mail chiama la voce di Beyoncé "versatile", capace di esplorare ballate di potere, anima, cinghie rock, fiori d' opera e hip hop. Jon Pareles del New York Times ha commentato che la sua voce è "vellutata ma torta, con un' insistente battito e riserve di cinture d' anima". Rosen nota che l' era dell' hip hop influenzò fortemente lo strano stile ritmico vocale di Beyoncé, ma trova anche la sua tradizionalista nell' uso di ballate, vangelo e falsetto. Altri critici elogiano la sua gamma e il suo potere, con Chris Richards del Washington Post dicendo che era "capace di scandagliare qualsiasi battito con sussurri che inducono urla d' oca o diva-roar full-bore".
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Nel 1963, l' adolescente Brian May e suo padre personalizzato costruito la sua firma chitarra Red Special, che è stato appositamente progettato per il feedback. La sperimentazione sonora figurava pesantemente nelle canzoni di Queen. Una caratteristica distintiva della musica della Regina sono le armonie vocali che sono solitamente composte dalle voci di maggio, Mercurio e Taylor meglio ascoltate negli album di studio A Night at the Opera e A Day at the Races. Una parte del lavoro di base per lo sviluppo di questo suono può essere attribuita al loro ex produttore Roy Thomas Baker e all' ingegnere Mike Stone. Oltre alle armonie vocali, Queen era anche conosciuta per le voci multi-tracking per imitare il suono di un grande coro attraverso overdubs. Per esempio, secondo Brian May, ci sono oltre 180 overdubs vocali in "Bohemian Rhapsody". Le strutture vocali della band sono state confrontate con i Beach Boys, ma May ha dichiarato che non erano "molto influenti".
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Oltre alle parole del canto, alcuni cantanti a cappella emula anche la strumentazione riproducendo i suoni strumentali con le loro corde vocali e la bocca. Uno dei primi praticanti del ventesimo secolo di questo metodo fu The Mills Brothers le cui prime registrazioni degli anni' 30 indicarono chiaramente nell' etichetta che tutta la strumentazione era fatta vocalmente. Più recentemente,"Twilight Zone" di 2 Unlimited è stato cantato a cappella alla strumentazione della serie televisiva commedia Tompkins Square. Un altro famoso esempio di emulazione della strumentazione invece di cantare le parole è la canzone tematica per la serie New Addams Family su Fox Family Channel (ora ABC Family). Gruppi come Vocal Sampling e Undivided emula ritmi latini a cappella. Negli anni' 60, i cantanti Swingle usarono le loro voci per emulare gli strumenti musicali alla musica barocca e classica. L' artista vocale Bobby McFerrin è famoso per la sua emulazione strumentale. Il gruppo di cappella Naturally Seven ricrea interi brani usando toni vocali per ogni strumento.
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La lunghezza delle vocali non è sempre considerata una caratteristica distintiva della fonologia olandese, in quanto normalmente coincide con le variazioni della qualità delle vocali. Una caratteristica o l' altra può essere considerata ridondante, e alcune analisi fonemiche preferiscono trattarla come un' opposizione di tensione. Tuttavia, anche se non sono considerate parte dell' opposizione fonemica, le vocali lunghe/tense sono ancora realizzate foneticamente più lunghe delle loro controparti corte. I cambiamenti nella qualità delle vocali non sono sempre gli stessi in tutti i dialetti, e in alcuni può esserci una piccola differenza a tutti, con la lunghezza che rimane la caratteristica distintiva principale. E mentre è vero che le parole più vecchie sempre accoppiano la lunghezza delle vocali con un cambiamento nella qualità delle vocale, le nuove parole in prestito hanno reintrodotto opposizioni fonemiche di lunghezza. Confronta zonne (n)[? z? n? n?] ("soli") contro zona[? z? z? n? n? n] ("zona") contro zonen[? zo? n? n? (n)] ("figli"), o kroes[krus] ("tazza") contro crociera[kru? s] ("crociera").
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