Compositori e musicisti cominciarono a costruire una vita indipendente da ciò che nel XIX secolo?
doc-3514
Nel XIX secolo le istituzioni musicali si affrancarono dal controllo di ricchi mecenati, e compositori e musicisti poterono costruirsi una vita autonoma dall'influenza della nobiltà. Il crescente interesse per la musica, da parte della classe media in tutta l'Europa occidentale, stimolò la creazione di organizzazioni per l'insegnamento, l'esecuzione e la conservazione della musica. Il pianoforte, che raggiunse la sua costruzione moderna in questo periodo (in parte grazie ai progressi industriali in metallurgia) divenne molto popolare presso la classe media, le cui richieste fecero nascere un gran numero di costruttori di pianoforte. Inoltre questo strumento, per via della sua grande capacità espressiva, fu il più utilizzato dai compositori dell'epoca, poiché il principale intento dei musicisti di allora era quello di dare una grande mutevolezza di suoni e di emozioni, facendo del pianoforte lo strumento principe di quel periodo. Molte orchestre sinfoniche datano la loro fondazione in questa epoca. Alcuni musicisti e compositori furono le stelle del XIX secolo; Franz Liszt e Niccolò Paganini, furono sia virtuosi del loro strumento che compositori.
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doc-3530
Il primato della partitura scritta dal compositore ha portato anche oggi, a un ruolo relativamente minore svolto dalla improvvisazione nella musica classica, in netto contrasto con la prassi dei musicisti che hanno vissuto durante l'epoca barocca, classica e romantica. L'Improvvisazione nell'esecuzione di musica classica, che era comune sia durante l'epoca barocca che nel XIX secolo, andò fortemente diminuendo nella seconda metà del XIX secolo e nel XX. Durante il periodo classico, Mozart e Beethoven, spesso improvvisavano cadenze ai loro concerti per pianoforte (incoraggiando in tal modo anche altri a farlo), ma fornirono anche cadenze scritte per l'utilizzo da parte di altri solisti. Nell'opera lirica, la pratica di cantare rigorosamente aderenti allo spartito, vale a dire "come scritto", è stata notoriamente propagata dal soprano Maria Callas, che ha chiamato questa pratica "inquadrare in modo rigido" ed era dettata dal voler comprendere meglio l'intenzione del compositore, soprattutto durante lo studio della musica per la prima volta.
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doc-3529
La sua trasmissione scritta, insieme alla venerazione professata per certe opere classiche, ha portato l'aspettativa degli ascoltatori a pensare che gli esecutori riusciranno a rendere un'opera musicale in un modo tale da riprodurre in dettaglio le intenzioni originali del compositore. Nel corso del XIX secolo i dettagli che i compositori inserivano nello loro partiture erano generalmente aumentati. Eppure la tendenza odierna è opposta - ammirazione di artisti che eseguono nuove "interpretazioni" del lavoro del compositore - e non è insolito per un compositore lodare un esecutore per aver ottenuto una migliore realizzazione rispetto all'intento originale del compositore. Gli interpreti di musica classica spesso raggiungono alta reputazione per la loro musicalità, anche se non hanno mai composto un pezzo in vita loro. In generale tuttavia, sono i compositori che vengono ricordati più degli esecutori.
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doc-6744
Nel XX secolo, i compositori greci hanno avuto un impatto significativo sullo sviluppo dell' avanguardia e della musica classica moderna, con figure come Iannis Xenakis, Nikos Skalkottas e Dimitri Mitropoulos che hanno conquistato una posizione di rilievo internazionale. Allo stesso tempo, compositori e musicisti come Mikis Theodorakis, Manos Hatzidakis, Eleni Karaindrou, Vangelis e Demis Roussos hanno ottenuto un seguito internazionale per la loro musica, che comprende famose partiture cinematografiche come Zorba il greco, Serpico, Mai di domenica, America, America, Eternity e un giorno, carri di fuoco, Blade Runner, tra i quali Compositori greci americani noti per le loro partiture cinematografiche sono Yanni e Basilio Poledouris. Notevoli cantanti lirici greci e musicisti classici del XX e XXI secolo includono Maria Callas, Nana Mouskouri, Mario Frangoulis, Leonidas Kavakos, Dimitris Sgouros e altri. Iannis Xenakis.
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doc-157
La polifonia della musica a cappella cristiana iniziò a svilupparsi in Europa intorno alla fine del XV secolo, con composizioni di Josquin des Prez. Le prime polifonie a cappella possono avere avuto uno strumento di accompagnamento, anche se questo strumento avrebbe semplicemente raddoppiato le parti dei cantanti e non era indipendente. Con il XVI secolo la polifonia a cappella si era ulteriormente sviluppata, ma gradualmente la cantata prese il posto delle forme a cappella. La polifonia a cappella del XVI secolo, tuttavia, continuò a influenzare i compositori ecclesiastici durante questo periodo e fino ai giorni nostri. Recenti testimonianze hanno dimostrato che alcuni dei primi pezzi di Palestrina, come quello che è stato scritto per la Cappella Sistina, dovevano essere accompagnati da un organo "raddoppiando" alcune o tutte le voci. Questo è visto nella vita di Palestrina diventando una grande influenza su Bach, in particolare nella sopracitata Messa in B Minor. Altri compositori che utilizzavano lo stile a cappella, anche solo per il brano occasionale, furono Claudio Monteverdi e il suo capolavoro, Lagrime d' amante al sepolcro dell' amata, composto nel 1610, e Andrea Gabrieli alla sua morte scoprì molti pezzi corali, uno dei quali in stile non accompagnato. Imparando dai due compositori precedenti, Heinrich Schütz utilizzò lo stile a cappella in numerosi pezzi, tra i quali spiccavano i pezzi in stile oratorio, tradizionalmente eseguiti durante la settimana pasquale e dedicati al tema religioso di quella settimana, come la sofferenza di Cristo e la Passione. Cinque degli Historien di Schutz erano pezzi pasquali, e di questi ultimi tre, che affrontavano la passione da tre punti di vista diversi, quelli di Matteo, Luca e Giovanni, erano tutti fatti in stile cappella. Questo era un requisito quasi indispensabile per questo tipo di pezzo, e le parti della folla sono state cantate, mentre le parti soliste che erano le parti citate da Cristo o gli autori sono stati eseguiti in un plainchant.
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doc-709
L' interferenza umana ha quasi sterminato gli alberi in molte zone e, ad eccezione delle faggete delle Alpi austriache, le foreste di latifoglie raramente si trovano dopo l' estrema deforestazione tra il XVII e il XIX secolo. La vegetazione è cambiata a partire dalla seconda metà del XX secolo, quando i prati alpini di alta montagna non vengono più raccolti per il fieno o utilizzati per il pascolo, il che potrebbe portare ad una ricrescita del bosco. In alcune aree la moderna pratica di costruire piste da sci con mezzi meccanici ha distrutto la tundra sottostante da cui non è possibile recuperare la vita vegetale durante i mesi non sciistici, mentre le aree che ancora praticano un tipo di pista naturale di costruzione di piste da sci conservano i fragili sottostrati.
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doc-7563
Una migliore conoscenza degli scritti tecnici greci e romani ha influenzato anche lo sviluppo della scienza europea (vedi la storia della scienza nel Rinascimento). Questo nonostante ciò che A. C. Crombie (vista il Rinascimento nel XIX secolo come capitolo dell' eroica Marcia del Progresso) definisce "un' ammirazione retrograda per l' antichità", in cui il platonismo si opponeva alla concentrazione aristotelica sulle proprietà osservabili del mondo fisico. Ma gli umanisti rinascimentali, che si ritenevano in grado di restaurare la gloria e la nobiltà dell' antichità, non avevano alcun interesse per l' innovazione scientifica. Tuttavia, a metà del XVI secolo, anche le università, anche se ancora dominate dallo Scolasticismo, cominciarono a chiedere che Aristotele venisse letto in testi accurati redatti secondo i principi della filologia rinascimentale, ponendo così le basi per i litigi di Galileo con le abitudini ormai superate dello Scolasticismo.
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doc-9610
Prima dell' Età d' Oro dei Mandolini, la Francia aveva una storia con il mandolino, con i mandolini che suonavano a Parigi fino alle guerre napoleoniche. Tra i musicisti, gli insegnanti e i compositori c' erano Giovanni Fouchetti, Eduardo Mezzacapo, Gabriele Leon e Gervasio. Durante l' età d' oro (1880-1920), il mandolino aveva una forte presenza in Francia. Tra i più importanti musicisti o compositori di mandolino spiccano Jules Cottin e sua sorella Madeleine Cottin, Jean Pietrapertosa e Edgar Bara. Parigi aveva decine di orchestre mandolino estudiantina all' inizio del 1900. Tra le riviste Mandolin figurano L' Estudiantina, Le Plectre, École de la mandolie.
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doc-9597
Il secondo calo non è stato completo come il primo. Migliaia di persone avevano imparato a suonare lo strumento. Anche se la seconda ondata di popolarità del mandolino è diminuita all' inizio del XX secolo, le nuove versioni del mandolino cominciarono ad essere usate in nuove forme di musica. Luthiers ha creato il mandolino risonatore, il mandolino flatback, il mandolino intagliato o arched-top, il mandolino-banjo e il mandolino elettrico. Musicisti cominciarono a suonarlo in Celtic, Bluegrass, Jazz e Rock-n-Roll - e anche Classico.
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doc-6044
Jonathan Bellman scrive che lo stile moderno delle performance concertistiche, ambientato nella tradizione "conservatoria" delle scuole di musica della fine del XIX e del XX secolo, e adatto a grandi auditorium o registrazioni, milita contro ciò che è noto della tecnica di esecuzione più intima di Chopin. Lo stesso compositore disse ad un allievo che "i concerti non sono mai musica vera e propria, bisogna rinunciare all' idea di ascoltare in essi tutte le cose più belle dell' arte". I racconti contemporanei indicano che in performance Chopin evitava procedure rigide a volte erroneamente attribuite a lui, come "sempre crescendo ad una nota alta", ma che si occupava di fraseggio espressivo, consistenza ritmica e colorazione sensibile. Berlioz scrisse nel 1853 che Chopin "ha creato una sorta di ricamo cromatico il cui effetto è così strano e piccante da essere impossibile da descrivere praticamente nessuno, ma Chopin stesso può suonare questa musica e darle questa insolita svolta".
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doc-3528
Alcuni compositori di musica classica hanno spesso fatto uso di musica folk (musica creata da musicisti che non hanno normalmente una preparazione musicale e spesso portatori di una tradizione puramente orale). Alcuni compositori di musica classica, come Dvořák e Smetana, hanno spesso utilizzato pezzi di musica folk, per conferire un'impronta nazionalistica alle loro opere, mentre altri come Bartók hanno usato temi specifici tratti di peso da musiche popolari del loro paese d'origine.
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