tvcinemateatro―i protagonisti: maggio 2013
Dante e la Vita Nuova, l’amor gentile per una donna che è un angelo
Dante di Gustavo Doré Sceneggiato TV
La Vita nuova – intesa sia nel significato di vita
giovanile sia nel senso di vita completamente rinnovata dall’amore – è una sorta di diario intimo, o
meglio di “operetta autobiografica”,
costituita dalla raccolta in ordine cronologico dei commenti in prosa e delle
rime dedicate a Beatrice Portinari. In toni
quasi mistici, Beatrice è cantata come un prodigio del Paradiso davanti al
quale non si può che restare in muta e trepidante adorazione. Dante parla d’amore
secondo i canoni del “dolce Stil Novo” ma, poiché è già il gran poeta che
conosciamo (in modo auto–referenziale
diceva di se stesso: «Sono colui che sono, non per grazia di ricchezza, sì per
grazia di Dio»), la sua esperienza amorosa prende il sopravvento sul manierismo
culturale e Beatrice – la donna
amatissima – ci appare non un
arido e freddo simbolo ma una donna viva, anche se trasfigurata in “donna–angelo” dal vagheggiamento amoroso
del poeta che è completamente rapito da quello che considera «un amore perfetto».
E Beatrice diverrà il suo costante punto di riferimento, la sua luce nel buio,
il suo faro nella tempesta. In questa
giovanile composizione poetica a carattere autobiografico – costituita da alcuni brani in
prosa, da venticinque sonetti, da quattro canzoni, da una stanza e da una
ballata – viene descritto il
primo incontro di Dante e Beatrice, entrambi coetanei, avvenuto per la prima
volta quando il poeta aveva appena nove anni (e il nove, per Dante, è
certamente un numero simbolico e miracoloso). Il secondo incontro – durante il quale i due si scambiarono
soltanto un fugace saluto –
avvenne nove anni dopo, quando entrambi avevano 18 anni. L’amore per Beatrice
possiede Dante in una maniera così totalizzante che, per evitare pettegolezzi, è
costretto a fingere amore per due diverse “donne–schermo”, amareggiando così Beatrice che gli toglie il saluto.
In una orrida visione, Dante vede Beatrice nuda, portata da Dio in un «drappo
sanguigno» e costretta a nutrirsi del cuore del poeta; subito dopo, Amore
piangente sparisce in cielo con la donna amata. Questa spaventosa visione di
morte ha però il significato dell’accettazione dell’amore per Dante da parte di
Beatrice, la cui morte trasforma l’amore umano del Poeta in Amore assoluto,
fonte di elevazione e ispirazione. E nella trasfigurazione del poeta l’amata diventa
una forte guida morale.
Ed ecco i
tre sonetti più belli e più noti della “Vita Nuova” (1292–1293).
Capitolo XXI. Sonetto: Ne li occhi porta la mia donna
occhi porta la mia donna Amore,
si fa gentil ciò ch’ella mira;
ov’ella
passa, ogn’om ver lei si gira,
saluta fa tremar lo core,
sì che,
bassando il viso, tutto smore,
e d’ogni
suo difetto allor sospira:
dinanzi a lei superbia ed ira.
donne farle onore.
dolcezza, ogne pensero umìle
core a chi parlar la sente,
laudato chi prima la vide.
ch’ella par quando un poco sorride,
non si pò
dicer né tenere a mente,
sì è novo
miracolo e gentile.
mia quand’ella altrui saluta,
ch’ogni
lingua devèn tremando muta,
occhi no l’ardiscon di guardare.
va, sentendosi laudare,
d’umiltà vestuta;
sia una cosa venuta
in terra a miracol mostrare.
Móstrasi
sì piacente a chi la mira
per gli occhi una dolcezza al core
’ntender no la può chi no la prova:
de la sua labbia si mova
spirito soave pien d’amore,
dicendo a l’anima: Sospira.
Sonetto: Vede perfettamente onne salute.
perfettamente onne salute chi la
mia donna tra le donne vede;
che vanno con lei son tenute
grazia a Dio render merzede.
bieltate è di tanta vertute,
invidia a l’altre ne procede,
anzi le
face andar seco vestute
gentilezza, d’amore e di fede.
sua fa onne cosa umìle;
sola sé parer piacente,
ciascuna per lei riceve onore.
Ed è ne
li atti suoi tanto gentile,
nessuno la si può recare a mente, che non
sospiri in dolcezza d’amore.
Nel brano
in prosa della “Vita Nuova” (Capitolo XXVI.) che
precede il sonetto Tanto gentile e tanto
onesta pare, Dante scriveva: «[…] Diceano molti, poi che passata era: – Questa non è femina, anzi è uno de
li bellissimi angeli del cielo. –
E altri diceano: – Questa è una
meraviglia; che benedetto sia lo Segnore, che sì mirabilmente sae adoperare! - […]».
Il libro termina (Capitolo XLII.) col proposito di Dante di scrivere un’opera
ancora più eccelsa, ispirata anch’essa a Beatrice, ove egli possa dire tutto
quello che non è stato mai detto per nessun altro essere di sesso femminile. Ed
egli sogna che, alla fine di ciò, possa riunirsi in cielo alla donna tanto
amata; il poemetto finisce con queste ultime parole: «E poi piaccia a colui che
è sire de la cortesia, che la mia anima se ne possa gire a vedere la gloria de
la sua donna, cioè di quella benedetta Beatrice, la quale gloriosamente mira ne
la faccia di colui “qui est per omnia saecula benedictus”.». Nel Convivio (1304–1307) Dante identificherà Beatrice
con la Filosofia, immagine di perfezione e verità, guida alla sicura redenzione
di tutti. Ma quale uomo – del
passato o del presente – ha mai
dato tanta importanza o conferito tale ruolo alla donna amata? Era ancora un fanciulletto,
quando il poeta s’innamorò di Bice, la figlia del fiorentino Folco Portinari (andata
poi sposa a Simone dei Bardi), ma questo amore lo coltivò e lo conservò per
sempre nel suo cuore, anche dopo la morte di lei avvenuta nel 1290. Si discute
se tra Dante e Beatrice siano esistiti rapporti reali e se il loro amore abbia
raggiunto una certa concretezza; in realtà ciò non ha nessuna importanza,
perché questo amore è certamente esistito nell’immaginario del poeta – sempre e con forza immutata – per tutta la vita. Dante, inoltre,
è stato tra i primi a considerare la donna non soltanto come oggetto d’amore e
desiderio ma anche come soggetto capace di amare, decidere e scegliere con
senso morale.
Da anni in provincia di Salerno, presso le
grotte dell’Angelo di Pertosa (attraversate da un fiume navigabile) e il complesso
monastico della Certosa di San Lorenzo Padula, sono messi in scena i celebri
spettacoli de L’Inferno e de Il Purgatorio di Dante. Per
celebrare San Valentino, nel febbraio del 2013, dopo più di 700 anni dalla
nascita del loro amore, «Dante e Beatrice cederanno alla tentazione e si
lasceranno travolgere dalla passione facendo cadere tutti i tabù del dolce
stilnovo. Un bacio, vero, per festeggiare tutti gli innamorati e promuovere la
cultura». Il regista e ideatore degli spettacoli Domenico Maria Corrado ha
dichiarato: «È un omaggio a tutti gli innamorati attraverso una coppia simbolo
della letteratura italiana. Un’iniziativa per certi versi provocatoria, ma che
in realtà vuole rendere più accattivante la cultura celebrando l’amore. Dai
tempi di Dante ad oggi molte cose sono mutate e quindi anche la cultura deve
sperimentare nuove strade» (ved.: lacittadisalerno.gelocal.it/cronaca/2013/02/13/news/cosi-dante-e-beatrice-si-baciano-a-teatro-1.6528217).
Ritornando più indietro nel tempo, ai giorni
della mia adolescenza, vorrei ricordare Vita
di Dante, sceneggiato televisivo diretto da Vittorio Cottafavi (sceneggiatura
di Giorgio Prosperi e costumi di Veniero Colasanti), trasmesso dalla RAI in tre
puntate nel dicembre del 1965, nell'ambito di una trilogia di Vite celebri
curata da Angelo Guglielmi (che comprendeva la Vita di Michelangelo per
la regia di Silverio Blasim trasmessa nel 1964, e la Vita di Cavour per
la regia di Piero Schivazappa, trasmessa nel 1967). E Dante Alighieri era Giorgio
Albertazzi mentre Loretta Goggi era una tenera e adolescente Beatrice. Trasmesso
nel settimo centenario della nascita di Dante, lo sceneggiato costituì «un
impegnato spesso riuscito tentativo di ricostruire la vita di Dante Alighieri
evitando nel contempo le secche del culturale televisivo e anche quelle
del teleromanzo facilone» (ved. http://www.cinemedioevo.net/Film2/vita_dante.htm).
Ha scritto Aldo Grasso che, lungi dall’essere «una biografia romanzata», lo
sceneggiato rappresenta uno «spunto per una rigorosa ricostruzione della vita
del poeta» (ved. Televisione, le garzantine, a cura di Aldo Grasso, Garzanti
editore, Milano 2008).
Certosa di San Lorenzo Padula,
Domenico Maria Corrado,
grotte dell’Angelo di Pertosa,
Vita di Dante,
William Inge, grande autore di Hollywood nei mitici anni Cinquanta
William Motter Inge Picnic Splendore nell'erba
William Inge, grande autore
di Hollywood nei mitici anni Cinquanta
Nel maggio di questo
anno avrebbe compiuto 100 anni il grande drammaturgo e sceneggiatore William
Motter Inge (nato il 3 maggio 1913 a Indipendence nel Kansas), vincitore del
Premio Pulitzer nel 1953 per l'opera teatrale “Picnic” e premio Oscar alla
migliore sceneggiatura originale nel 1962 per lo stupendo film “Splendore
nell'erba”. Si è distinto come il creatore di personaggi solitari e
appassionati ma ricchi di fascino e interiorità, pur nelle loro difficoltà a
relazionarsi con gli altri per una
educazione repressiva.
Inge completò gli studi all'Independence Community College,
laureandosi nel 1935 in “Speech and
Drama” presso l'University of Kansas a Lawrence. Frequentò un “Master of Arts” al
George Peabody College for Teachers di Nashville (Tennessee), interrompendolo
poco dopo ma completandolo più tardi. Dopo una breve esperienza di lavoro, dal
1937 al 1938 insegnò “English and drama” presso la Cherokee County Community
High School a Columbus (Kansas) e dal 1938 al 1943 allo Stephens College in
Columbia (Missouri). Nel 1943 divenne critico teatrale del St. Louis Star-Times.
Era, quindi un professore e un intellettuale della convenzionale provincia
americana, rurale e vivace ma mortificata dalla repressione sessuale, che lo
ispirò per i suoi drammi e le sue sceneggiature, e che fece dire ai critici di
trovarsi dinanzi al «Playwright of the Midwest» (Drammaturgo del Midwest). [Per
altre informazioni, ved.: http://www.britannica.com/EBchecked/topic/288051/William-Inge]
Incoraggiato nei suoi primi tentativi drammaturgici da
Tennessee Williams, suo estimatore della prima ora cui aveva inviato alcuni
suoi testi, si fece notare con il primo dramma in un atto Farther Off from Heaven (1947), prodotto a Dallas nel Texas, e con Come Back Little Sheba (Torna piccola
Sheba) (1950), dramma scritto mentre insegnava presso la Washington
University in St. Louis (tra il 1946 e il 1949), che fu rappresentata a Broadway
e che fece vincere un Tony Awards alla tenera e intensissima interprete Shirley
Booth e al vigoroso e tormentato Sidney Blackmer. Il regista teatrale del testo
di Inge a Broadway fu il quasi coetaneo Danny Mann (1912–1991), che nel 1952 lo
trasformò nel film del suo debutto, grande e intimo capolavoro benedetto da due
grandissime interpretazioni, quella confusa e dolente di Shirley Booth (che Mann
volle anche nel film) e quella malinconica e struggente di Burt Lancaster: gli
occhi di entrambi, tristi e velati, lasciano intuire spazi illimitati di
solitudine e di sofferenza. Il film fece vincere a Shirley Booth un Oscar e un Golden
Globe. Scrivono i Morandini: «[…] sposato con una sciattona maldestra, senza
figli, ex alcolista nutre un morboso affetto per una ragazza e rimane sconvolto
quando lei si fa corteggiare da un giovanotto. La leggerezza non è certamente
una delle qualità di questo interno familiare che conta soprattutto per
l'interpretazione dell'esimia teatrante S. Booth, premiata con l'Oscar.» (il Morandini, Zanichelli editore). La
trama è drammatica e sofferta: Doc Delaney è un maturo signore alcolizzato e
frustrato, in crisi matrimoniale con la moglie Lola che ha sposato molto
giovane, interrompendo i suoi brillanti studi di medicina soltanto perché la
credeva incinta. Entrambi pensano con rimpianto alla piccola Sheba, la
cagnolina che avevano allevato insieme e che è scappata per non ritornare mai
più. Decidono di affittare una stanza della loro casa a una ragazza con lo
scopo di trovarsi meno soli e di sconfiggere la solitudine. Mary entra nel loro
infelice e soffocante ambiente familiare –
arido specchio dell'anima e della sensibilità ferita dei protagonisti – portando una nuova dimenticata
vitalità e mettendo in crisi Doc che ne è subito conquistato. Molto ben
rappresentato vi è il dramma dell'alcolismo e dei suoi devastanti effetti, e
piuttosto interessanti risultano gli interventi (abbastanza inediti allora) dell'associazione
Alcolisti Anonimi nel supportare l'alcolizzato e i suoi familiari. Lo
scrittore, vittima dell'alcolismo cronico, conosceva gli Alcolisti Anonimi per
esperienza diretta e presso gli AA incontrò la moglie che si chiamava appunto Lola
coma la protagonista del suo dramma.
Da un'esperienza vissuta in età infantile nel Kansas ebbe
origine il dramma Picnic (1953), che
rappresentava la storia di una giovane donna intensa e indimenticabile (e della
madre e della giovanissima sorella) in una piccola cittadina del centro America,
la bella del paese, che preferisce fuggire con un affascinante vagabondo ricco
di sex appeal, lasciando il fidanzato ricco e affidabile, dopo il picnic durante
una festa campestre in commemorazione del Labor Day, ignorando le tensioni
latenti che l'arrivo del vagabondo ha provocato. Fu un successo strepitoso a
Broadway, diretto dal regista Joshua Logan (vinse due Academy Awards), e meritò
a Inge il premio Pulitzer nel 1953. Il testo divenne l'omonimo indimenticabile
film del 1956, diretto dallo stesso Joshua Logan, con William Holden, Kim
Novak, Betty Field, Rosalind Russell e Susan Strasberg. Il film fece incetta di
nomination e di Oscar (per la migliore scenografia e per il miglior montaggio).
Scrisse Logan: «Ho voluto fare un film sulla solitudine dei belli». A proposito
di questo film, Raul Radice, ha scritto sull'“Europeo” (21 febbraio 1960) un
articolo dal titolo Il solito petto
villoso che turba le comari del Kansas; Carlo Terron sul “Tempo” (23 aprile
1960) ha scritto un articolo dal titolo Angustie
d'orizzonti. [vedere in: “Repertorio bibliografico della letteratura
Americana in Italia: 1945-1949”, a cura di Biancamaria Tedeschini Lalli, Centro
italiano di studi americani, Rome, Italy]. Credo che il film si sia molto
avvantaggiato del ruolo di William Holden, il classico «bravo ragazzo americano»,
dall'atteggiamento disincantato e malinconico, dalla parlata laconica ma dallo
sguardo aperto, che «interpretò il ruolo dell'affascinante giramondo, che porta
lo scompiglio e il turbamento emotivo in una cittadina del Kansas facendo
innamorare di sé due donne» (in William
Holden, vol. 6, “Il Cinema – Grande storia illustrata”, Ist. Geografico De
Agostini, Novara 1981). Inge divenne allora uno degli autori più rappresentati a
Broadway negli anni Cinquanta. Seguirono due altri grandi successi: Bus Stop (1955), presentato al “The Music Box Theatre”
e The Dark at the Top of the Stairs,
ispirato alla prima sua opera teatrale “Farther Off from Heaven” e presentato a
New York nel 1957 per la regia di Elia Kazan. Entrambi furono trasformati in
due grandi film. Il primo, Fermata
d'autobus (1956), diretto da Joshua
Logan, con Marilyn Monroe nel ruolo della tenera Cherie (uno dei suoi migliori,
per aderenza e intensità) e Don Murray nel ruolo del rude e casto Bo Ducker;
era la storia di un giovane e aitante cowboy che sogna di sposare un angelo e
che lo trova nella cantante–entraineuse
di uno squallido night di Phoenix che costringe a salire in autobus con lui per
ritornare nel Montana (nel 1956 il film fu inserito dal “National Board of
Review of Motion Pictures” tra i dieci migliori film dell'anno). Il secondo Il buio in cima alle scale (1960) per
la regia di Delbert Mann, con Robert Preston, Dorothy McGuire, Eve Arden e Angela
Lansbury, che racconta la storia triste di due coppie di coniugi in una
cittadina dell'Oklahoma negli anni Venti, i cui rapporti – anche felici alla'apparenza – sono
logorati dalla frustrazione e dall'incomprensione, e il nascere del primo amore
che si conclude in tragedia tra la figlia adolescente di una delle due coppie e
il fidanzatino ebreo, cacciato da un ballo, il quale pone fine alla sua vita.
Il film ricevette una nomination agli Oscar (a Shirley Knight che interpretava Reenie
Floode, l'infelice adolescente) e due nomination ai Golden Globe nel 1961
mentre il “National Board of Review of Motion Pictures” nel 1960 lo ha inserito
tra i dieci film migliori dell'anno. A proposito di quest'ultimo film, Albero
Moravia sull'“Espresso” (12 marzo 1961) ha scritto un articolo dal titolo Un film americano. La moglie punisce il
marito fallito.
Il successo continuò con Glory in the Flower (1953), teletrasmesso con grande successo con
il titolo di Omnibus (con Hume
Cronyn, Jessica Tandy e James Dean). Fu poi la volta del dramma A Loss of Roses (1960) (con Carol
Haney, Warren Beatty e Betty Field) che ispirò il film The Stripper (Donna
d'estate) (1963), diretto da Franklin J. Schaffner, con Joanne Woodward,
Richard Beymer e Claire Trevor; il film racconta la storia melodrammatica ma ricca
di sentimenti delicati di una ex reginetta di bellezza che, divenuta una spogliarellista,
torna nella sua città natale nel Kansas e s'innamora di un giovanissimo meccanico.
A proposito del film, Ercole Patti ha
scritto un articolo sul “Tempo” (6 luglio 1963) dal titolo Una ragazza commovente. Nel 1961 Inge scrisse la sceneggiatura del film Splendor in the Grass (Splendore nell'erba)
(1961), di Elia Kazan, con Natalie Wood (Deannie Loomis) e Warren Beatty
(Bud Stamper), che vinse l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale. Il
film, ambientato nel Kansas chiuso e convenzionale degli anni Venti, narra
l'amore impossibile (perché contrastato dai rispettivi genitori) tra Bud,
studente di liceo e figlio di un ricco e ambizioso imprenditore del petrolio che
per il figlio desidera una moglie ricca e altolocata, e la compagna di scuola
Deannie, educata in modo grettamente puritano da un'ipocrita famiglia
perbenista. Dopo un tentativo di suicidio e un lungo ricovero in una casa per
malattie mentali di Deannie, i due ragazzi si perdono di vista. Quando si
rivedono, Bud è sul lastrico per la grave crisi del '29 (il padre si è
suicidato) e si è sposato mentre Deannie ha rinunciato definitivamente al suo
sogno d'amore e ritrovato un nuovo e diverso equilibrio senza l'amato perduto.
Del film Inge fu anche produttore e si ritagliò un piccolo cameo. Hanno
commentato i Morandini (ne il
Morandini – Zanichelli editore): «Forse il melodramma più fiammeggiante sul
primo amore che mai sia stato fatto al cinema. E i suoi ultimi 5 strazianti
minuti sono uno dei culmini creativi del cinema di Kazan. Esordio del
ventiquattrenne W. Beatty e primo film made in USA che pose esplicitamente
l'accento sulla sessualità adolescenziale. Superlativa direzione d'attori: N.
Wood fu candidata all'Oscar, ma le fu preferita la Sophia Loren di La ciociara.».
A proposito di questo film Sergio Frosali sulla “Nazione” (4 dicembre 1961) ha
scritto un articolo dal titolo Due
giovani troppo innamorati nell'America del Charleston. Questo splendido film ha fatto entrare nei nostri cuori il
poeta inglese vittoriano William Wordsworth (1770–1850), con un verso e
una strofa recitati nel film, tratti dall’Ode Intuizioni di immortalità nei ricordi dell’infanzia (Intimation
of Immortality from Recollections of Early Childhood) (1807); questi
sono i versi citati nel film: «Se niente può far sì che si rinnovi / all’erba
il suo splendore o che riviva il fiore, / della sorte funesta non ci dorremo
allora / ma, ancor più saldi in petto, godrem di quel che resta» (traduzione
letterale dall’inglese: «Se niente può far sì che torni indietro il tempo /
dello splendore nell’erba, della gloria nel fiore; / non ci rattristeremo ma
piuttosto troveremo / forza in quel che resta»). Questa tristissima poesia
esprime la nostalgia degli ideali e di ciò che non può più essere — insieme con la
necessità di vivere nella realtà anche soltanto ciò che rimane dei sogni — in un poeta,
Wordsworth, segnato dalla povertà e dalle sventure domestiche (la perdita dei
genitori quando era bambino e la morte precoce di un fratello e di due dei
cinque figli). Nei versi iniziali, l’Ode (da me tradotta dall’originale) così
recita: «C’era un tempo in cui prato, boschetto, e fiume, / la terra e ogni
vista comune / a me sembravano, / avvolti dalla luce celeste, / la gloria e la
freschezza d’un sogno. / Or non è più com’è stato allora; / per quanto mi possa
rigirare da ogni parte, / di notte o di giorno, / le cose che ho visto non
posso più vederle ora. / [...]».
Del 1963 fu il dramma Natural
Affection, focalizzato sulla violenza familiare immotivata e senza senso
(al centro una madre single e il suo adolescente figlio illegittimo), che ebbe
la sfortuna di debuttare a Broadway, diretto da Tony Richardson, durante un
lungo sciopero dei giornali, che vide un crollo di presenze e di vendita di
biglietti, e che fu rappresentato soltanto per alcuni mesi (il testo ispirò a Truman
Capote il suo inquietante Cold Blood).
Durante gli anni settanta, Inge visse a Los Angeles e
insegnò drammaturgia all'University of California a Irvine ma gli ultimi suoi
lavori ebbero poco riscontro di pubblico e di critica, e ciò lo precipitò in
una tremenda crisi esistenziale e in una grave depressione. Nell'ultimo testo
drammatico The Last Pad (1970),
originariamente titolato The Disposal,
lo scrittore parlava apertamente di omosessualità, focalizzando l'attenzione su
un Archie, un protagonista gay (probabilmente lo stesso Inge pativa una certa
ambiguità sessuale). Il dramma venne presentato al Southwest Ensemble Theatre
di Phoenix in Arizona, diretto da Keith A. Anderson, con Nick Nolte, Jim Matz e
Richard Elmore. Dopo il trasferimento della compagnia a Los Angeles, si ebbe l'apertura
soltanto pochi giorni dopo il suicidio di William Inge che moriva ancora
giovane a Hollywood in Los Angeles il 10 giugno del 1973 (si avvelenò col
monossido di carbonio). Questo lavoro fu proclamato the Best Play del 1972 in
Arizona mentre a Los Angeles diede inizio alla trascinante carriera di Nick
Nolte, premiato per la sua incisiva interpretazione. Dopo la sua tragica
scomparsa, tuttavia, alcuni dei suoi lavori hanno continuato a essere
rappresentati con successo.
Il “The William Inge Collection at Independence Community College”, in
onore a Inge, ha raccolto una ricca collezione di manoscritti (circa 400),
film, lettere, programmi teatrali e molto altro ancora, mentre la sua città
natale Independence ha istituito l'annuale “William Inge Theatre Festival”. Ralph F. Voss gli ha dedicato il libro A Life of William Inge: The Strains of Triumph (Lawrence, Kansas:
University Press of Kansas 2000).
Donna d'estate,
Fermata d'autobus,
Il buio in cima alle scale,
Torna piccola Sheba,